Балет и Опера

Елена С.

Номер ссылки| 2024021804
Тема| Балет, Театр имени Якобсона, Премьера, Персоналии, Вячеслав Самодуров
Автор| Наталия Звенигородская
Заголовок| Семеро по тактам
Очередная премьера Вячеслава Самодурова в Театре балета имени Леонида Якобсона
Где опубликовано| © Независимая газета
Дата публикации| 2024-02-18
Ссылка| https://www.ng.ru/culture/2024-02-18/8_8951_culture.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Нынешнюю премьеру – одноактный балет «598 тактов» на музыку Карла Филиппа Эммануила Баха – действительно можно назвать «очередной». Не просто потому, что с прошлого сезона она у «якобсонов» вторая (в декабре 2022-го состоялся премьерный показ «Озорных частушек» Родиона Щедрина). А оттого еще, что есть желание увидеть их в дальнейшем целую череду.

Самодуров, как и всегда, без патетики, размышляет о том, что волнует сегодня. Фото Сергея Тягина предоставлено пресс-службой театра

Известная петербургская труппа – театр авторский, с богатой историей, можно сказать, мемориальный. Тем рискованнее, казалось бы, пополнять репертуар новыми, не якобсоновскими, постановками. Рискованно и для труппы, воспитанной в определенной лексике и стилистике, и для «варяга», вторгающегося на одну из священных в балетном мире территорий. Тем не менее театр, носящий имя хореографа-новатора, на эксперимент решился, а Вячеслав Самодуров, не раз отмеченный за свои талантливые и неожиданные опыты еще той, дореформенной, «Золотой маской», вновь удивил.

Вечер одноактных балетов на сцене Александринского театра включал оба новых сочинения Самодурова.

«Озорные частушки» отмечены премией «Золотой софит» как лучшее хореографическое произведение сезона 2022/23 в Петербурге. Балетмейстер не пошел очевидным путем умиленного преклонения перед фольклорной традицией. В музыке Щедрина он услышал совсем иное – актуальность и жесткость. Самодуров умеет говорить о современном мировосприятии не плоско, не элементарно, не плакатно. Без чернухи и дидактики. Не разъясняя, а давая почувствовать, ощутить. Семеро солистов и кордебалет на головокружительной скорости, с ошарашивающей, все возрастающей к финалу энергетикой, а главное – вдохновенно исполняют выстроенный автором парадоксально азартный и одновременно бесстрастный танец, возбуждая зеркальные нейроны в мозгу смотрящего до радостного восхищения и настоящей одышки. В то же время под музыку, местами напоминающую об экстазе урбанистов 1920-х, этот пластический вихрь заставляет вдруг подумать о том, какой неоднозначный ментальный эффект сегодня дал некогда столь бурный восторг перед механистичным совершенством «танцев машин». Впрочем, ничего подобного хореограф, возможно, и не подразумевал. Однако еще одна сильная сторона Самодурова заключается в способности генерировать множественные ассоциации и смыслы, порой самые неожиданные.

По тем же принципам, что хореография и мизансцена (масса красочных деталей – и ни малейшей мешанины), художник-постановщик Анастасия Нефедова создала сценографию и замысловатые костюмы. Кроссовки и пуанты, велосипедки и редуцированные пачки, просчитанная геометрия линий и эмоциональность живописных пятен – все на своем месте. Артистам помогает танцевать, а зрителю – получать удовольствие.

Премьерные «598 тактов» на первый взгляд представляются антиподом «Частушкам». Локальные черный и белый – цвета бархатных ливрей и пудреных париков лакеев. Нейтральный телесный – трико семерых солистов. Пожалуй, и все. Если не считать стульев, ваз и канделябров, которые чопорные лакеи (род мейерхольдовых арапчат – слуг просцениума) переносят с места на место в соответствии с размеченной в том или ином эпизоде мизансценой. Музыка тоже абсолютно другая. Хореограф, по его признанию, обнаружил барочный концерт одного из сыновей Иоганна Себастьяна Баха случайно. И сразу влюбился. Мудрствовать над названием для новой одноактовки не стал, просто сосчитал такты. «С одной стороны, – считает Самодуров, – эта музыка может казаться легковесной и суетной, но парадоксально то, что именно эти качества придают этому произведению глубину. Типичный барочный концерт может быть недостатком для одних людей, меня же привлекла именно эта типичность».

Балетмейстер не испугался пополнить ряды коллег с мировыми именами, не раз выбиравших для своих опытов барочную музыку. Самодурову нет нужды беспокоиться об оригинальности подхода и почерка. Художник по природе, он сознательно или неосознанно аккумулирует размышления, настроения времени, духовные и душевные надобы. Все это переплавляется в его собственном алхимическом атаноре и всякий раз рождает его, и только его, собственную разновидность философского камня. Играя с причудами барокко, перекликаясь с пластикой и манерами галантного века, выстраивая забавные или трагикомичные жанровые сценки, он упорно, хотя, как и всегда, без патетики, размышляет о том, что волнует сегодня. Касается ли это будущности танцевального искусства или чего-то посерьезнее.

В молодых артистах Театра имени Якобсона Самодуров нашел единомышленников – понимающих, вдохновенных, не только готовых, но и способных решать сложные технические и актерские задачи. Им удалась очередная и, хочется надеяться, не последняя совместная работа.

Санкт-Петербург–Москва

Елена С.

Номер ссылки| 2024021901
Тема| Балет, Кино, проект TheatreHD, Персоналии, Иржи Килиан
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Культ с разоблачением
Японский балет Иржи Килиана вышел на экраны Москвы
Где опубликовано| © Газета «Коммерсантъ» №30/П от 19.02.2024, стр. 11
Дата публикации| 2024-02-19
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/6523459
Аннотация|

В столичных кинотеатрах проект TheatreHD представил российскую премьеру малоизвестного балета Иржи Килиана «Кагуя, лунная принцесса», поставленного им в Нидерландском театре танца (NDT 1) в 1988 году на музыку Маки Исии по мотивам старинной японской легенды. Татьяну Кузнецову удивили актуальность и одновременно невостребованность этого балета.

Лунная принцесса (Фиона Люммис) отдает поклонникам свое земное тело с неземным равнодушием
Фото: Nederlands Dans Theater

Балет «Кагуя, лунная принцесса» Иржи Килиана, одного из самых востребованных хореографов, мировые компании ставят чрезвычайно редко. Проект TheatreHD представил этот раритет Москве во всей красе: постановку NDT перенесли на пленку в 1994 году, когда сам Килиан был в расцвете творческих сил, а его труппа — одной из сильнейших в мире. «Кагуя, лунная принцесса» чуть ли не единственный сюжетный балет Килиана, но хореограф остался верен себе: меньше всего он был озабочен старинной легендой о лунной принцессе. Да и Маки Исии, создавший этот балет в 1985-м, вовсе не собирался музыкально иллюстрировать историю о резчике бамбука, который обнаружил в стебле растения крохотное прелестное существо, ставшее впоследствии девушкой, чья неземная красота вызвала нешуточный раздор среди поклонников. Лунной принцессе пришлось вернуться на родную планету, чтобы избежать домогательств могущественного Микадо. Музыка балета, с грандиозной перкуссионной кульминацией, вовсе не повествовательная, но отчетливо японская. Композитор использовал и гигантский гонг, и огромные барабаны тайко, и связки колокольчиков, и японские духовые, и совсем уж диковинные маленькие медные диски, которые при соприкосновении со смычком издают еле слышный небесный звон — манипуляции музыкантов камера показывает и во время увертюры, и по ходу действия.

Однако Килиан, музыкальнейший из хореографов, национальный колорит музыки проигнорировал, как и его соавторы-художники. Светлый комбинезон, обтягивающий тело лунной девы, льняные брюки ее адептов, черно-шершавая одежда антагонистов, черные и белые платья женщин, а также три настоящих автомобиля, загорающиеся изнутри алым пламенем, и подвешенные на тросах к колосникам стальные тонкие трубы, рассекающие «небеса» сцены,— костюмы Фериала Симона, подкрепленные сценографией и светом Михаэля Симона, не оставляют сомнений, что действие балета происходит не в старину и отнюдь не в Японии. Иржи Килиан поставил балет о культе как явлении. О его поборниках и противниках. О разрушительной агрессии, неизбежно порождаемой идолом, даже самым прекрасным.

Иржи Килиан не из тех авторов, кто любит растолковывать свои произведения. Выводы он предоставляет делать зрителям на основе очень внятных, но многозначных мизансцен. В «Кагуе» будущие адепты сами порождают культ: лунная дева явится миру после торжественного шествия пятерых танцовщиков по световым дорогам к неким ячеистым шкафам-колумбариям. Неземное существо возникнет на невидимой платформе во тьме над автомобилями лишь тогда, когда юноши извлекут из ячеек черные ларцы и протянут их в сторону звездного «неба». Сама Кагуя — чистый иероглиф: ее светлое тело рисует на черном фоне задника знаки острой красоты — изломы корпуса, заведенные за спину руки, остроколенные выпады, плетения и воздымания ног. В ее замедленном танце нет ни характера, ни желаний, ни призыва: ее адепты простираются ниц после пылких соло, она же продолжает свой путь. Когда же умножившиеся поклонники воздвигнут ей алтарь из ларцов, вихрь черных злодеев разметет сооружение, а Кагуя покинет поле битвы. Вновь появится она лишь на обломках мира и будет обнаружена Микадо и его воинами. Их попытка завладеть девой — изобилующее динамичными поддержками и фиксированными позами адажио-квартет на фоне (и под покровом) легчайшей золотой ткани — лишь приведет к ее исчезновению: изломанный черный силуэт принцессы на желтом фоне «луны»-гонга увенчает этот 70-минутный спектакль, эффектный и загадочный, увлекающий неожиданностями и контрастами — световыми, темповыми, эмоциональными и лексическими.

Скудость сценической жизни этого, несомненно, зрительского балета, интригующего разнообразием трактовок, можно объяснить лишь одним: он чрезвычайно труден для любой труппы. Кордебалета здесь нет: все двадцать человек, поделенных на «черных» и «белых» (не важно — изображают ли они стороны конфликта или борьбу добра и зла в душе одного человека), фактически солисты. У каждого есть свои минуты славы: в композиционной основе этого балета древняя форма агона. Попросту — перепляса высочайшей виртуозности, напряженного ритма и все ускоряющегося темпа. Тотальная битва «белых» и «черных» целиком состоит из отдельных поединков — боевых дуэтов и убийственных трио. Но и в «мирной» жизни царит дух гендерного противоборства: в стремительных дуэтных пикировках мужчины и женщины соперничают в ловкости и резвости, предъявляя неисчерпаемый запас балетмейстерской фантазии.

Иржи Килиан, всегда отличавшийся богатством хореографической лексики, тут превзошел самого себя: он составил целую энциклопедию танца. Слегка деформированные классические прыжки и вращения (двойные туры, перекидные, ассамбле, большие пируэты), демихарактерные намеки на народность (выстукивания, па-де-баски с поджатыми ногами, переброски с бедра на бедро), позы, пришедшие из йоги, бедуинские колеса из акробатики, ногомашество восточных единоборств, отголоски американского модерна со смещением центра тяжести в позах и поддержках, подкрутки, позаимствованные из балета фигурным катанием, телесные практики европейского contemporary dance — все смешано в едином котле неповторимого килиановского варева. «Кагуя» оказалась настоящей сокровищницей: ее движений, комбинаций, поддержек, связок и переходов хватило бы на десятки балетов. И хватило: не только самому Иржи Килиану, но и его многочисленным адептам. И эпигонам.

Елена С.

Номер ссылки| 2024021902
Тема| Балет, МГАХ, Персоналии, Марина Леонова
Автор| Елена ФЕДОРЕНКО
Заголовок| Народная артистка России Марина Леонова: «Меня так увлекал творческий процесс — даже не думала, что происходит вне зала и сцены»
Где опубликовано| © Газета «Культура»
Дата публикации| 2024-02-18
Ссылка| https://portal-kultura.ru/articles/person/358651-narodnaya-artistka-rossii-marina-leonova-menya-tak-uvlekal-tvorcheskiy-protsess-dazhe-ne-dumala-chto/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Ректор Московской государственной академии хореографии, народная артистка России, профессор, кандидат искусствоведения Марина Леонова отмечает юбилей. В интервью «Культуре» она рассказывает, как складывалась ее жизнь в балете.

Марина Леонова в Большом театре с конца 1960-х, когда на сцене сияло созвездие артистов «золотого века» Большого балета, а поколению, к которому относится наша собеседница, было суждено принять эстафету великих. Мы умышленно избежали вопросов о балетной педагогике (а преподает классический танец она более трех с половиной десятилетий) и об огромном опыте ректорской работы. Нас интересовал путь балерины и двадцатилетний юбилей творчества в Большом.

— Как балет вошел в вашу жизнь?

— Семья с театром не была связана, но мою судьбу определила мама: привела, как было принято, во Дворец пионеров и записала в танцевальный кружок. Потом — народный театр балета Дома культуры завода «Серп и молот», где работали замечательные педагоги, многие из них преподавали в балетном училище. Вся династия Холфиных, Тамара Степановна Ткаченко, приходил на занятия Ростислав Владимирович Захаров, автор балета «Бахчисарайский фонтан». Время было счастливое: мы танцевали на елках в Кремле с главным Дедом Морозом страны Александром Хвылей и Снегурочкой — Маргаритой Жигуновой, в будущем мамой Андриса и Илзы Лиепа. Выступали на открытии Всемирного конгресса женщин в Кремлевском дворце съездов — нам, детям из самодеятельности, доверили исполнить номер «Лето», за кулисами увидела Муслима Магомаева и замерла, слушая его мощный «Бухенвальдский набат».

Танцы занимали важное место в моей жизни, но все-таки это были любительские занятия, а не будущее дело. Когда исполнилось 14 лет — настала пора задуматься о профессии. Наши педагоги порекомендовали показаться в хореографическое училище — там как раз объявили дополнительный набор, и мы с мамой отправились в балетную школу на Пушечную улицу. Меня приняли. Так я начала заниматься профессионально.

— Путь в балетную профессию обычно начинается раньше, хотя история помнит исключения: Рудольф Нуреев поступил в Вагановское училище в 17 лет, а Морис Бежар сделал выбор, и вполне осознанный, в 14 лет, как и вы.

— Такие примеры знает и Большой театр — Асаф Мессерер со своим уникальным прыжком встал к станку в 16 лет, Людмила Богомолова и Римма Карельская поступили в МАХУ в подростковом возрасте. У всех, конечно, была какая-то предварительная подготовка — в советские годы дети занимались спортом, танцевали в любительских коллективах. Самодеятельность — часть досуга советских детей, чьи родители трудились шесть дней в неделю. Дворцы пионеров пользовались популярностью, сейчас их заменили Детские школы искусств.

— Как прошли «школьные годы чудесные»?

— Учиться оказалось трудновато, особенно сначала — не хватало основ, которые закладываются в первых классах. Наверное, были способности, раз меня взяли в школу, и танцевальность — они и выручили. В конце года по классике я получила пятерку. Тогда мной начали заниматься, доверяли сольные номера. Первую школьную роль получила в балете «Цветик-семицветик». Его ставила Ольга Георгиевна Тарасова, премьера состоялась на сцене Большого театра, я танцевала Фиолетовый лепесток. Потом попала в класс к Софье Николаевне Головкиной, и началась взрослая жизнь с новыми дисциплинами: дуэтный танец, актерское мастерство, народно-сценический танец. Дуэт вел Марис Лиепа, потом Леонид Жданов, Константин Рихтер — народно-сценический танец. У мальчиков нашего класса преподавал Петр Пестов — это была первая московская проба сил уникального педагога, имя которого знает весь мир. Его талантливые выпускники и сейчас преподают в нашей Академии.

— Сколько выпускниц из вашего класса попали в Большой? Сейчас все мечтают, а удается немногим.

— Раньше в Большой брали много выпускников, иногда целыми классами, да и в названии школы значилось — «училище ГАБТ СССР». В нашем классе было пять российских девочек и пять итальянок. Тогда проходил обмен между театрами Ла Скала и Большим: в Скала поехали молодые певцы из Большого, а нам прислали будущих балерин. По окончании школы итальянки отправились на родину, Галя Дьяконова сама ушла в Ансамбль Моисеева, Людочка Городилина по состоянию здоровья вообще не стала танцевать, троих оставшихся взяли в Большой, в том числе и меня. Уговоров, поклонов, просьб не потребовалось.

— Вы попали в счастливую пору «золотого века» Большого, ему еще несколько лет суждено было продолжаться. Это — счастье, но, с другой стороны, все звездные места были заняты. Приходилось бороться за место под солнцем?

— Я пришла из школы лучшей ученицей класса, и мне сразу дали станцевать сольные партии: две вилисы и Мирту в «Жизели», Повелительницу дриад в «Дон Кихоте». Потом с Тамарой Петровной Никитиной, а она репетировала с Улановой, Лепешинской, Стручковой, начали готовить «Лебединое озеро». Второй акт я танцевала с Сашей Богатыревым еще в школе, да и третий репетировали.

Результат показали Григоровичу — Юрий Николаевич остался доволен, и мне дали станцевать «Лебединое». На своей премьере вспоминала слова Елены Георгиевны Чикваидзе (солистка Большого театра, мать Михаила Лавровского. — «Культура»): «Станцевала второй акт и думаю: поеду-ка домой, на третий все равно сил нет». Для молодых это очень сложный спектакль. Наверное, надо набраться опыта, чтобы его выдержать.

Мои одноклассники Саша Богатырев и Слава Гордеев быстро стали премьерами — в Большом думали о смене поколений, и дорога молодым была открыта. Прокладывать себе путь не приходилось, хотя непросто танцевать со звездами, а выдающихся балерин было много, — надо доказывать, что ты можешь. Вскоре в моем репертуаре появились балеты Григоровича: «Спартак», «Каменный цветок» и «Легенда о любви». У театра было две сцены — Историческая и в Кремлевском дворце съездов.

— В Кремлевском дворце любили танцевать?

— Нет. Там всегда было холодно, ноги мерзли безумно. Постоянно разогревались. А пространства такие огромные, что в «Каменном цветке», пока добежишь со сцены до кулисы, уже слышишь вступление на свою следующую вариацию. Самое печальное, что во Дворце не видишь публики и не чувствуешь дыхания зрительного зала, которое так помогает артистам. Черная безмолвная дыра.

— В театральную суету закулисья вошли органично?

— Выручила моя затянувшаяся наивность. Благодаря ей многого, наверное, не видела и не понимала — просто ходила на любимую работу: класс, репетиции, спектакль. Смотрела балеты со звездными исполнителями, например, Наташей Бессмертновой — мы с ней танцевали «Легенду о любви»: она — Ширин, я — Мехменэ Бану. Совместные репетиции так интересно проходили — помню, как скрупулезно она считала, чтобы движения наши не расходились, выдерживали синхрон. Меня так увлекал творческий процесс, что я даже не думала, что происходит вне зала и сцены. Повзрослев, многое стала замечать — жизнь театральная, конечно, непростая.

— Из-за иерархии?

— Отчасти да. Всем хотелось быть поближе к руководителям, они формировали поездки — тогда гастролей было очень много. Все поступали по-разному. Не могу сказать, что была обделена — если не ездила с основной труппой, то попадала в группы Майи Плисецкой или Раисы Стручковой, которые тоже много выезжали. Объездила весь мир, и за это благодарна театру. Мне в Большом было хорошо и интересно.

— Какие ваши любимые балетные героини?

— Любила «Легенду о любви» — физически и технически очень непростой спектакль. Он трудный еще и эмоционально — этим и был близок. Образ Мехменэ Бану — трагический, построенный на контрастах: она любит и ненавидит, все понимает, но не в силах преодолеть терзаний темной ревности. Очень дорога Эгина в «Спартаке» — тоже сложный, яркий и неоднозначный характер. Эти две партии в спектаклях Григоровича для меня — самые любимые.

— Помню вас на премьере редакции «Спящей красавицы» 1973 года: в главных партиях Екатерина Максимова и Владимир Васильев, вы — фея Сирени.

— Фею Сирени должна была танцевать Римма Карельская. Она уходила на пенсию, и ей предложили поездку — она выбрала гастроли, от спектакля отказалась. На эту роль назначили многих балерин: Рябинкина, Голикова, Прокофьева, Холина. И вдруг они все куда-то исчезли. И Григорович, проходя мимо, сказал: «Завтра на генеральной вы танцуете фею Сирени». Я была шестым составом, мы с Тамарой Петровной репетировали неспешно, только первый акт, дальше ничего не знала. Никто не думал, что я станцую даже третий-четвертый спектакль, а тут — первый! Спешно пошли в зал репетировать финальную вариацию, она — прыжковая, и если ты в форме, то ее можно станцевать с ходу, учить мизансцены и порядок движений. Станцевала и генеральную репетицию, и премьеру. И потом долго-долго была единственной феей Сирени. Эта партия растянута на четыре акта, и не все любили ее танцевать. Ждешь-ждешь последнюю картину, и уже опять холодная, вновь надо греться на прыжковую вариацию. Вот такой со мной случай был. Просто на ходу руководитель сказал — завтра, и ты собираешься и — делаешь.

— Зависит ли от партнера исполняемая балериной роль? Расскажите о ваших любимых партнерах.

— Я танцевала с разными партнерами, и от того, кто с тобой рядом на сцене, многое зависит. Если партнер плохо держит, не помогает, ты устаешь безумно и не можешь выполнить все, что задумано. Мне повезло танцевать с потрясающими Владимиром Никоновым и Владимиром Тихоновым — от них исходила такая помощь. Посчастливилось выступать в дуэте с Марисом Лиепой — в «Лебедином», «Легенде о любви», «Спартаке» — он тоже великолепно держал и учил конкретным приемам: как правильно войти в поддержку, вместе сделать ее и «вернуться» обратно. Когда мы с Людой Семенякой выпускались в «Легенде о любви», нашим партнером был Марис. Назначили оркестровую в Кремле, а у него вечером «Спартак» — уважительная причина пропустить репетицию. Но он пришел к двум молодым девочкам, и потом сразу поехал Красса танцевать. Ему было важно, как его партнерши будут чувствовать себя во время спектакля, — такая высокая степень ответственности. Марис — очень умный танцовщик. Это прекрасно видно по его танцу, особенно по партии Красса — как выверена каждая поза, каждый поворот головы. Он умел выстраивать и себя, и партнершу. Он жил своей ролью на сцене. Васильев — такой же. Когда я, фея Сирени, плыла-качалась с ним в лодочке, он никогда не отвлекался и ничего не изображал. Он действительно был принцем Дезире и плыл в царство Авроры.

Хороший партнер Валера Анисимов — с ним было надежно. Никогда не забуду Юру Васюченко — мы танцевали «Жар-птицу». Сначала мой выход прыжковый, потом вариация очень трудная и затем адажио с Иваном, тоже трудное. Юра говорил: «Что ты стараешься, у тебя уже сил нет — не надо мне помогать, сам все сделаю, я только на сцене появился». Вот такое отношение. А я-то привыкла все делать сама — нас так в школе учили, не надеяться на партнера.

— Что это значит?

— Надо самой на ногах стоять и вертеться, а партнер тебя сзади только страхует и поддерживает. Но очень уж важно, какой у тебя партнер. И актерски, когда ты чувствуешь, что он не только за руку берет и в пируэтах помогает, а видишь, что он — в роли, и глаза его не пустые, тогда складывается совместный дуэт, не только танцевальный, но и актерский.

— Нынешнее поколение артистов отличается от того, к которому принадлежали вы?

— Трудно сказать — могу судить по своим ученицам. Светлана Лунькина — она сейчас танцует в Торонто, Наташа Осипова давно в Лондоне, — они одержимы балетом. Почему уехали? Что-то не сложилось в Большом, какие-то жизненные обстоятельства. Они мечтали танцевать новое, готовы работать бесконечно. И нынешние выпускники также рвутся познать все, что есть в мире. Мои девочки, которые недавно пришли в театр, Ева Сергеенкова, Ариша Денисова — молодые, способные — с ними работают так же, как работали с нами. Им сразу доверили сольные партии.

— Возрождение традиции?

— Я бы хотела, чтобы это было так. Не всем стоит пополнять ряды кордебалета. Наташу Осипову тоже поставили в кордебалет, но она из него так «торчала» со своими данными, что ее убрали, и она станцевала Китри в «Дон Кихоте». Это — правильно. Очень быстро у балерин уходит время.

— Вас называли высокой. Внешность балерин изменилась?

— Мой рост 170 см. Майя Плисецкая — ниже, 166 см, но сцена ее делала высокой, потому что у нее удивительные пропорции — длиннющие руки и ноги, большая стопа — она вставала на пальцы и казалась выше.

— Но у вас такие выпускницы в МГАХ! Кажется, выше ста восьмидесяти.

— Скорее, под 180. Рост 177 см сейчас не редкость. Но если не только про рост, то скажу, что от нашей московской школы, наверное, идет нынешняя тенденция к утонченности девичьих фигур. Худые? Да, худые, но это не анорексия, они скорее, изысканно-изящны, с длинными ногами и руками. Труппа Большого театра сейчас очень красивая. Раньше великолепно танцевали Раиса Стручкова, Ольга Лепешинская, но их фигуры были другими. Эстетика поменялась, безусловно.

— В Большом сейчас не только утонченные артистки, но и немало ярких индивидуальностей. Вы их предчувствуете в школе или ваша главная задача — дать базу?

— И опять отвечу на примерах своих учениц. Света Лунькина — нежная, хрустальная, лирическая красавица — Жизель, и никто из педагогов не удивился, что эта роль стала ее первой в театре. Наташа Осипова — огонь, прыжок, темперамент, сильный характер, она вертелась и прыгала везде и всегда — и как она станцевала Китри! Ксюша Рыжкова — полиглот, она могла танцевать все: и классику, и самые смелые эксперименты. Ева Сергеенкова в первый год работы в театре станцевала Одетту-Одиллию и просто блистательно. Третий черный акт для нее труден, есть над чем работать, безусловно. Но Одетта — изумительна, а какое первое адажио! Махар Хасанович (Вазиев — худрук балетной труппы ГАБТ. — «Культура») пригласил Еву еще в выпускном классе, и она станцевала Повелительницу дриад и подруг в «Раймонде». Конечно, мы в школе знали, что она — для классического репертуара, ей подходят и Раймонда, и Аврора, и Аспиччия, дочь фараона. Правда, и современную хореографию она хорошо танцевала в школе. В театре пока ей такой не досталось.

— Как решились в середине карьеры родить дочь?

— Балерины в мое время рожали гораздо реже, чем сейчас. Мне было 28 лет, решила, что потом уже поздно. Даже не задумывалась — середина это карьеры или начало: хотела ребенка и именно девочку.

— Совершали ли вы ошибки? Хотелось бы что-то изменить?

— Нет, не хотела бы ничего менять: стала балериной, потом продолжила педагогическую жизнь. Ошибки, наверное, совершала, но не такие глобальные. Заблуждалась в выборе друзей — слишком доверяла людям, например, «крестным» моей дочери — потенциальная восприемница оказалась некрещеной, а крестный пришел в шортах, и его батюшка не пустил в храм. С предательствами сталкивалась и тяжело их переживала. И появились те, кто пишет про меня гадости в соцсетях и даже дочь замазывают. Зачем нужна эта ложь? У меня добрые отношения с теми, с кем работаю, но после предательств, которые были в моей жизни, стала осторожной в выборе новых друзей. У меня есть дочь и внучка, которых я очень люблю. Они — мои друзья и любимые. И, конечно, мои ученицы, они все — мои близкие люди.

Фотографии: Батыр Аннадурдыев; на анонсе фотография из архива МГАХ ("Лебединое озеро", Марина Леонова - Одетта, Марис Лиепа - Зигфрид). Фотографии предоставлены МГАХ.

Елена С.

Номер ссылки| 2024021903
Тема| Балет, театр «Астана Опера», Персоналии, Анель Рустемова,
Автор| Ольга Шишанова
Заголовок| Фонтан влюбленных полон слез
Хореограф Ростислав Захаров создал один из лучших образцов драматического балета “Бахчисарайский фонтан”
Где опубликовано| © Газета "Новое поколение"
Дата публикации| 2024-02-19
Ссылка| https://www.np.kz/news/kultura/teatr/fontan-vlyublennyh-polon-slez
Аннотация|

В вихре февральских дней, когда зима готовится передать свои владения весне, на сцене Большого зала столичного театра «Астана Опера» разворачиваются настоящие страсти. Зрителей приглашают в волнующее путешествие в мир балета, где их вниманию представят знаменитое хореографическое полотно Бориса Асафьева «Бахчисарайский фонтан». Наряду с мастерами сцены в спектакле примут участие молодые артисты, для которых он станет дебютным.

Хореограф Ростислав Захаров создал один из лучших образцов драматического балета “Бахчисарайский фонтан”, литературной основой которого послужила одноименная поэма Александра Пушкина. У знаменитого балетмейстера множество заслуг, но его вклад также велик в становление и развитие национального хореографического искусства Казахстана. Сейчас его оригинальную версию “Бахчисарайского фонтана” очень бережно передала новому поколению артистов “Астана Опера” художественный руководитель Алтынай Асылмуратова. Ее, к слову, по достоинству считают лучшей Заремой — одной их главных героинь постановки — своего времени.

Своим мнением об этом поделилась ведущая солистка балетной труппы “Астана Опера” Анель Рустемова, которая считает, что подготовка партии Заремы вместе с Алтынай Абдуахимовной для нее огромный опыт.

— Буквально на каждой репетиции восхищаюсь ею, потому что она не просто показывает движения, но и поясняет эмоциональную сторону роли. Алтынай Абдуахимовна всегда говорит, что все мы разные и каждый преподносит свою партию так, как чувствует. В свое время она и сама блестяще исполняла Зарему. На это прекрасное воплощение образа можно смотреть бесконечно. Настолько все чувственно и точно передано, что не надо задаваться вопросом о том, какие эмоции сейчас испытывает балерина. Я исполняю эту партию на протяжении нескольких лет. Конечно, любая роль с каждым выходом на сцену преображается, потому что мы растем, духовно обогащаемся, соответственно, можем и добавляем в исполнение новых красок, эмоций. И какой путь человек прошел — легкий или тернистый — все это действительно видно на сцене. С малых лет я была очень эмоциональной. Сейчас мне это помогает прочувствовать роль, прожить ее на сцене. Считаю, что моя Зарема тоже “растет” с каждым годом именно в духовном плане. Когда первый раз выходишь на сцену, больше думаешь о технике, каких-то элементах в исполнении. В последующих же спектаклях больше делаешь упор на эмоциональную сторону, — поделилась Анель Рустемова. Добавив, что “эта роль также очень сложна в техническом плане, поскольку она силовая, вся построена на больших прыжках”.

— Можно сказать, что в партию даже входят мужские элементы прыжков. Зарема выходит только во втором акте, и ее вариации идут буквально подряд. Плюс к технике надо добавить страсть, неподдельные эмоции и выдать это не на 100, а на все 200 процентов. Партия очень близка мне, ведь Зарема не мыслит жизни без любви, без Гирея, потому что он для нее — все, а ее душа и сердце принадлежат хану. И мне нужно показать ревность, страсть, любовь, нежность — все чувства, которые есть в женщине. Держаться на сцене я должна так, как лучшая в гареме, ведь краше и любимее ее никого не было. И только с появлением Марии жизнь перевернулась, поделившись на “до” и “после”. В детстве, когда я наблюдала за Заремой на сцене, мне было ее очень жаль, несмотря на то, что она убила Марию. Нетрудно понять, почему она пошла на этот шаг. Ей хотелось быть единственной, — добавила балерина.

Кроме Анель Рустемовой, партию исполнит солистка театра Анастасия Заклинская, а образ нежной Марии создадут Мадина Унербаева и Аделина Тулепова. Айдан Калжан, молодой артист балетной труппы, готовится к дебюту в партии хана Гирея, а еще роль этого властителя исполнит Жанибек Иманкулов. При этом Айдан Калжан отметил, что выступал в таких ведущих партиях, как принц-Щелкунчик, Султан Бейбарс, Тореро, а теперь его репертуар пополнит еще одна известная партия, что для него является большим достижением.

— Хан Гирей в балете “Бахчисарайский фонтан” — одна из партий моей мечты, и я приближаюсь к ее достижению. Эта роль требует большого актерского мастерства. Надо заставить зрителя почувствовать его мысли. В этом сложность и особенность этой роли. Мои наставники-преподаватели рассказали мне о тонкостях исполнения партии. О том, как мне следует вести себя на сцене и о том, что даже простой настрой имеет большое значение. Надеюсь оправдать их доверие, — подчеркнул Айдан Калжан.

Нам остается только добавить, что в волшебной атмосфере таланта и эмоций “Бахчисарайского фонтана” зрителей ждут неповторимые впечатления, а сцена станет свидетелем незримого слияния искусства театра и мастерства артистов.

=================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024022001
Тема| Балет, Театр имени Якобсона, Премьера, Персоналии, Вячеслав Самодуров
Автор| Анна Галайда
Заголовок| Вячеслав Самодуров поставил балет "598 тактов"
Где опубликовано| © Российская газета - Федеральный выпуск: №37(9279)
Дата публикации| 2024-02-19
Ссылка| https://rg.ru/2024/02/19/reg-szfo/galantnaia-pantomima.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Премьера одноактного балета на музыку Карла Филиппа Эммануила Баха прошла на сцене Александринского театра, идеально вписавшись в его прекраснейшие интерьеры эпохи классицизма.

Судя по драйву, с которым артисты представляли "598 тактов", балет со временем найдет свое легкое дыхание. / Пресс-служба Александринского театра / Сергей Тягин

Самый успешный из невеликих Бахов, Карл Филипп Эммануил, принадлежит чуть более раннему времени - барокко. Но хореографа Самодурова, в последние годы работавшего с новейшей, написанной специально для него музыкой, вдохновляла явно не искусствоведческая скрупулезность. Художник-постановщик спектакля Елена Трубецкова полностью расчистила сцену для танца - начинавшая работать с Самодуровым как танцовщица, она как никто понимает важность пространства для его хореографии.

Оформлением служат лишь канделябры и стулья, стилизованные под старину, но не скрывающие современного происхождения. И даже они не являются стационарными, то появляясь на сцене, то ретируясь перед тайфуном танца. Их движением руководят лакеи в пудреных париках и камзолах, но эти люди сами воспринимаются как часть декорации. Танец отдан группе в телесных комбинезонах с открытыми ногами. Эта униформа, кочующая в последнее время из одного балета Самодурова в другой, на самом деле органична для его хореографии. С одной стороны, она позволяет абсолютную телесную свободу, с другой - ни на секунду не отвлекает. Нужно обладать апломбом, чтобы так безапелляционно сфокусировать внимание на танце, его траекториях и линиях, ритме и структуре, на качестве движения артистов.

Как, выхватив тело из штопора пируэтов, заставить его двигаться без потери темпа? На этот раз исследование осложнено куртуазными играми

На труппу Театра Якобсона хореограф явно мог положиться: "Озорные частушки", год назад положившие начало сотрудничеству, с тех пор обрели свободу изящного хулиганства - в этом можно было убедиться благодаря тому, что их поставили первым отделением в вечере премьеры. Судя по драйву, с которым артисты представляли "598 тактов", и этот балет со временем найдет свое легкое дыхание. Он, традиционно для Самодурова, поставлен как испытание: кажется, хореограф ищет предел физических возможностей человеческого тела и его сопротивляемости законам природы: может ли танцовщик, пролетев полсцены в большом прыжке, тут же сменить траекторию? Получится ли, подхватив балерину в рыбку, безостановочно перетечь в следующее движение? Как, выхватив тело из штопора пируэтов, заставить его двигаться без потери темпа? На этот раз исследование осложнено куртуазными играми. Никакой жеманной кучерявости - но то руки на мгновение вздохнут, будто в сарабанде, то тело чуть сложится в менуэтном полупоклоне, то самодуровский perpetuum mobile замрет на целую секунду, чтобы обозначить старинную пантомиму. Нам намекают на свидание, на любовную игру, на разрыв и расставание? Прежде чем успеет промелькнуть мысль об опасных связях, девятый вал движений уносит партнеров в разных направлениях, создавая новые комбинации. Хореограф, кажется, иронизирует над нашим стремлением зафиксировать мгновение и везде заподозрить любовное настроение. Его скорее увлекает идея созвучия своих хореографических металлоконструкций четкой архитектуре барочной музыки, сама идея прорастания прошлого в настоящем.

Вероника Стерхова, Галина Михирёва, Мария Репетиева, Кирилл Вычужанин, Вячеслав Спильчевский и Гасан Аллахвердиев с отвагой воплощают идеи хореографа. Стиль петербургских танцовщиков отличается от екатеринбургских и пермских артистов, на которых сформировался почерк Самодурова. В них нет цельнокройной мощи и стальной энергии уральцев, вместо них они предлагают хореографу юношеский задор и неожиданную для него деликатность. Сами же они открывают для себя бесценную смелость быть собой. Очень хочется, чтобы это новое ощущение распространилось и на встроенную в программу вечера хореографию Леонида Якобсона (легендарный цикл "Роден"). Именно он когда-то начал создавать не отвлеченные опусы для идеальных моделей, а хореографию, добиравшуюся до души исполнителя и не боявшуюся показать ее сложность. Чтобы сегодня она не теряла своей актуальности, ей нужно новое дыхание и новая энергия, которую не привыкли отдавать старому классику.

Справка "РГ"

Еще одну премьеру Вячеслава Самодурова в этом сезоне покажет Большой театр - балет в трех актах "Буря". В тандем с хореографом вошли его проверенные соавторы композитор Юрий Красавин, дирижер Павел Клиничев, сценограф Алексей Кондратьев и художник по свету Сергей Васильев. Над костюмами работает Игорь Чапурин.

Елена С.

Имя Саниры Шералиевой является неотъемлемой частью крупнейшего театра Центральной Азии «Астана Опера». Она была отобрана среди тысяч желающих для работы в театре в год его открытия, практически сразу получив важные партии, что было редким событием. Будучи балериной с образованием в Бишкеке, обладающая скульптурными линиями и мощным темпераментом, она была способна исполнить любую роль. На своей родной земле, в Кыргызстане, Санира не раз была отобрана представителем национальной культуры за границей, отправляясь на фестивали и конференции по всему миру: от России до Северной Америки. Она - национальная гордость Кыргызстана. А в 2013 году Санира переехала в Астану. Ее многосторонний талант был высоко оценен многими известными зарубежными балетмейстерами, приезжавшими тогда в Астану по приглашению театра. Например, Елена Шерстнева, известная балерина Мариинского театра, приезжала в в 2015 году, и без стеснений называла Саниру своей любимой артисткой. Она выбирала ее для исполнения сольных партий в «Корсаре» и «Бахчисарайском фонтане». В 2015 году Санира начала преподавательскую деятельность в Астане и являлась одним из лучших педагогов в Казахстане, которая ежедневно проводила общие классы и репетиции со своими талантливыми учениками.

Сегодня Санира Шералиева востребованный преподаватель в США, её приглашают балетные школы Миннеаполиса, Чикаго, Бостона и Далласа . Известно, что далеко не каждый хороший танцовщик способен стать хорошим педагогом или балетмейстером. Но если артист нашел и проявил себя в педагогике, ученики приносят ему заслуженную славу и признание. Ученики Саниры получают уникальную возможность обучаться методике русского балета Агриппины Вагановой через призму ее собственного опыта и мастерства.

Мы поговорили с выпускницей Бишкекского Хореографического Училища им. Ч. Базарбаева , хореографом, артисткой балета, обладательницей национальной премии в области искусства «Золотой хит» в номинации «Хореограф года», лауреатом международных конкурсов и фестивалей, Санирой Шералиевой.

● Санира, расскажите, пожалуйста, почему США? И можете ли вы сказать, что система обучения балету в США отличается от привычной вам?

В конце 2021 года представили американской компании увидели как я танцую и пригласили присоединиться к труппе. Разница часовых поясов не позволила мне сразу ответить на их запрос. Но когда я проснулась, то увидела десятки пропущенных звонков и сообщений, с просьбами присоединиться к команде. Это был канун Нового года, пришлось собираться очень быстро, и уже в начале 2022 я гастролировала по США. Наша программа пользовалась огромным успехом у американского зрителя. Это была международная труппа — лучшие артисты балета со всего мира собрались вместе, чтобы показать идеальный уровень мастерства и профессионализма и удивлять даже самого искушенного зрителя. Спустя полгода гастролей ко мне стали обращаться представители американских балетных школ с просьбой обучать детей авторской методике. Я обучалась по системе Агриппины Вагановой. И была лучшей в балетной школе, уже на втором курсе меня пригласили работать в театр, для девочки моего возраста — это был невероятный успех. Спустя годы мне удалось доработать систему и применить в методе свои собственные знания и умения, бесценный опыт, который я получила за десятки лет в балетном искусстве. Уже в школе я начала преподавать. Сначала малышам, потом детям постарше, а после занимала должность педагога-хореографа в детской студии балета при государственном театре оперы и балета «Астана Опера». Долгое время я не могла определиться, что мне нравится больше: преподавание или исполнение сольных партий на сцене. Поэтому несколько лет совмещала оба направления и, признаюсь, довольно успешно. И мне это не было в тягость, а, наоборот, дети дарили мне очень много энергии.

● Статус исполнительницы сольных партий главного театра страны, работа с лучшими хореографами и педагогами, мировое признание… На первый взгляд, Ваша жизнь кажется абсолютно счастливой и безбедной. Но это далеко не так.

На мою долю, к сожалению, выпало немало испытаний. Одно из них — серьезная травма , полученная еще в школе. С годами напоминала о себе. В моменты сильных нагрузок в театре приходилось очень тяжело, я танцевала с обезболивающими. Было очень тяжело морально. Зачастую восстановление проходило сложно. Прослужив казахстанскому искусству почти десять лет, я определилась, что хочу посвятить себя преподаванию и взращивать лучших балерин мира.

● А ведь профессиональные знания и опыт, которые Вы передаете своим ученицам просто бесценны. Ваш метод преподавания помогает балеринам достичь высокой степени детализации в исполнении каждого движения , что Вы демонстрировали за годы работы педагогом-хореографом в студии при театре «Астана Опера» . А сейчас ваши ученицы в США тоже делают успехи в учебе?

Я горжусь успехами своих учениц и требую от них идеального исполнения на репетициях. Мне важно, чтобы каждая поза была эстетически привлекательна и соответствовала музыкальным нюансам. Балет отличается музыкальностью и осмысленностью каждого жеста. Я никогда не делала поблажек себе и не позволяю их своим ученицам, придерживаясь строгих стандартов обучения, которые мне привили во время учебы в балетной школе и в театре . Думаю поэтому я так востребована в США. Методика обучения русского балета всегда была высоко оценена мировым сообществом. Но помимо моей строгости, у меня очень трепетное отношение к ученикам. Я уважительно отношусь к детям, которые приходят ко мне в 8 утра. Это для них подвиг, я говорю: «Спасибо, что вы пришли». Я стараюсь помочь ученикам раскрыть свои возможности и через свое тело. Танец - это своего рода философия. Ты танцуешь, думаешь, живешь, выражаешь свою позицию. Танец - это огромная сила.

● А ваше обучение проходило тяжело? Насколько я знаю, учебу в балетной школе часто сравнивают с армией.

Когда молодые люди поступают в университет в возрасте 17-18 лет, они иногда сомневаются в своем выборе, хотя уже считаются взрослыми. Когда тебе 7-8 лет ты точно не можешь полностью понять все последствия своих решений и оценить предстоящие сложности. Несмотря на то, что многие предупреждают о грядущих трудностях, в этом возрасте невозможно полностью представить их масштабы. Можно сказать, что театр во мне с пленок. Мои родители известные в Кыргызстане художники, папа делал декорации для главных в стране постановок, то что моя жизнь свяжется с творчеством, было неоспоримо.

Я прошла отбор в школу без особых трудностей и подготовки. Хотя в 2001 году было много желающих. В балете обычно три этапа, которые дети обязаны пройти: I тур — определение внешних сценических данных; II тур — медицинский отбор и обследование; III тур — определение музыкальных, танцевальных и ритмических способностей. После первого меня уже зачислили в школу.

● А на что именно обращают внимание при поступлении в школу? Есть ли критерии, по которым можно подготовить любого ребенка?

На первом этапе это возможно. Но чем старше становятся дети в классе, тем быстрее они отсеиваются. Например, очень важна «Гибкость» — это обязательное условие при поступлении, одно из важнейших физических данных, которые должны быть у будущего артиста балета. Поэтому я как педагог сразу же проверяю предрасположенность ребенка. Также обращаем внимание на «Верхнюю и нижнюю выворотность» — насколько бёдра и пах раскрываются в сторону, может ли ребенок хорошо работать с выворотными ногами. Важны многие различные критерии: прыжок, эластичность стопы, гибкость спины, координация, музыкальный слух. Это действительно длинный список.

Смотрите, на моем потоке было 2 класса, в каждом обучалось около 30 студентов, но до конца обучения дошли только 8 из обоих классов. На выпускном я исполнила 32 фуэте. Мой преподаватель всегда говорила, что это проходной билет для балерины, которая хочет достичь величия. И действительно, это своего рода орудие в арсенале артистки балета, которая претендует на статус солистки. Балерина обязана делать 32 фуэте, но далеко не каждая на это способна.

Балерина должна быть безупречна, иметь не только внешние данные, но и заботиться о себе: беречь свое здоровье и ноги. Мои педагоги говорили «ноги — наш хлеб». Важно думать и правильно распределять нагрузки, соблюдать дисциплину. Несмотря на то, что мир меняется, параметры красоты и совершенства тоже, в балете все безукоризненно, точно так же, как и двести лет назад.

● Чем, на ваш взгляд, отличается искусство балета в США?

Мы отстаем в современном танце. В отличие от Штатов, у нас недостаточно современных трупп, что делает работу в этой сфере сложной. Могу назвать только пару театров в Казахстане, которые могут создавать балеты в стиле модерна и исполнять его на хорошем уровне. Айседора Дункан была первой, кто впервые привез современный танец за океан, в Америке это направление сильно распространено, более того, оно постоянно развивается и моделируется во что-то новое. Балетмейстеры в США стремятся раскрыть индивидуальность артиста, его качества и способности. Если соединить моё образование, опыт в Кыргызстане, Казахстане, России и погружение в систему обучения США, могу твердо утверждать, что я готова создавать новые методики и направления. Что-то невероятно интересное. То, чего балетный мир не видел

Елена С.

Номер ссылки| 2024022101
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Артемий Беляков
Автор| Анна Ельцова
Заголовок| Артемий Беляков
Где опубликовано| © интернет-версия журнала "Балет"
Дата публикации| 2024-02-21
Ссылка| https://balletmagazine.ru/post/artemiy-belyakov
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Одним из крупных культурных событий 2023 года стал 250-летний юбилей Московской государственной академии хореографии. Это событие, счастливо совпавшее с Годом наставника, заставило вновь задуматься о важности роли педагога в нашей жизни. Тем более в искусстве хореографии, где, несмотря на наличие учебников, все передается «из ног в ноги».

Мы встретились с премьером Большого театра Артемием Беляковым, чтобы побеседовать о наставниках — всех тех, кто способствовал его становлению как артиста и личности.

В вашем репертуаре партии Ферхада, Красса, Ивана Грозного — вершины балетной драматургии. Как вы работаете над этими неоднозначными героями?

Процесс формирования образа, наверное, схож с технической подготовкой к спектаклю: балетный класс, где мы разогреваем свой аппарат, репетиционный зал, где мы отрабатываем текст. На сцене зритель не должен видеть «спортивную» технику — она лишь средство самовыражения героя. То же самое и с актерской составляющей. Например, образ Ивана Грозного — одна из последних моих ролей. Да, есть знаменитый фильм, есть масса исторических исследований и художественной литературы, есть живописные образы. Но невозможно все это прямо перенести на балетную сцену — у нее другие законы. Нужно применить сценическое мастерство, переосмыслить весь первоначальный материал. И главное, идти за музыкой. Григорович сам говорил, что, создавая свои образы, в частности образ Ивана Грозного, он опирался на музыку Прокофьева. В искусстве важно то, что для зрителя выглядит правдивым, а не является таковым на самом деле. И вот благодаря такой многоэтапной работе получается убедительный сценический образ, которому сопереживает зритель.

Образ Ивана Грозного вам дорог?

В любом случае он будет развиваться и совершенствоваться. Никогда не занимался коллекционированием образов. Работа над каждой ролью продолжается постоянно. Танец — это моя профессия. В нее я привношу те духовные ценности, что получил и продолжаю получать извне.

Что входит в сферу ваших духовных интересов?

Сфера моих интересов распространяется на все, что несет в себе культурную составляющую. Это и классическая музыка, и музыка самых разных жанров и направлений. Как говорил Гессе, нужно научиться слушать проклятую радиомузыку жизни, читать скрытый за нею дух. Думаю, что нельзя замыкаться в узких рамках профессионального бытия. Нужно понимать, как формируются культурные взгляды поколения, как движется культурная мысль. А еще мне интересна литература: русская и зарубежная классика, современные писатели.

Назовите, пожалуйста, какие-нибудь имена.

Благодаря профессии я прослушиваю огромное количество музыки. Музыка вообще несет в себе очень много пластики, которую можно вытаскивать и брать в танец. Со временем предпочтения меняются. Что-то открываешь для себя. Какая-то музыка перестает вдохновлять. И здесь не обязательно движение от простого к сложному. Например, лет в восемнадцать, еще в академии, я буквально летал в космосе от созвучий Шнитке. А на сегодняшний день чистая и прозрачная музыка Габриэля Форе меня вдохновляет гораздо больше. Просветительские беседы о музыке профессора консерватории Юрия Борисовича Абдокова очень много дали мне. Он один из главных моих духовных наставников. Благодаря Юрию Борисовичу я открыл для себя смысл произведений композиторов, которых ранее не понимал. Например, Эдуарда Элгара. Что касается литературы, то этот глубокий человек познакомил меня со многими писателями, которые, возможно, до меня бы и не дошли.

Я познакомился с Юрием Борисовичем, когда мне было шестнадцать лет. Тогда он помог мне, как танцовщику, правильно слушать музыку. А позже уже на кафедре преподавал мне музыкальную драматургию хореографии. Общение с Юрием Борисовичем Абдоковым сформировало мой творческий вкус. Я многим ему обязан.

Весь мой путь в профессии — от первых шагов в детском ансамбле до позиции премьера Большого театра — во многом зависел от наставников, их доброго отношения, готовности помочь.

Обычно мальчики не грезят балетом и не приходят в него по собственной воле. Кто помог вам полюбить танец?

Мама (а у нее два образования: актерское и педагогическое) очень много сделала для моего культурного развития. Она доставала кассеты, чтобы показать мне хорошие спектакли хотя бы в записи. Помню, как я в детстве писал письмо Деду Морозу и заказывал ему кассеты со спектаклями, которые хотел бы посмотреть. Мама привела в хореографический коллектив «Летите голуби» в моей родной Твери, где замечательные педагоги Надежда Викторовна Журавлева и Нина Васильевна Гармашова стали приобщать меня к танцевальному искусству. А главное, поверили в меня, что очень мотивировало. Я как-то пригласил Надежду Викторовну на балет «Спартак», где танцевал Красса. Ее добрые слова после спектакля буквально подняли дух, заставили «лететь».

Я благодарен маме, ее жертвенности, терпению. Да и терпению всей моей семьи, где не понимали назначения искусства балета, но шли на жертвы, чтобы поддержать мою учебу в Московской академии хореографии. Я и сам почти до окончания академии не понимал смысла того, чем занимался. Но не мог подвести родных, веривших в меня.

Весь мой путь в профессии — от первых шагов в детском ансамбле до позиции премьера Большого театра — во многом зависел от наставников, их доброго отношения, готовности помочь. К счастью, мне везло на хороших педагогов и людей. Я часто вспоминаю тех, кто помог мне в творческой жизни. Это мои педагоги из Московской академии хореографии: Илья Леонидович Кузнецов, Светлана Анатольевна Иванова, мой первый педагог в театре и наставник на балетмейстерском факультете Михаил Леонидович Лавровский. Мой главный учитель на протяжении уже тринадцати лет — Александр Николаевич Ветров. Научные руководители в Президентской академии (я получил второе высшее образование в РАНХиГС по специальности «Управление в культуре, образовании и науке») Ольга Николаевна Астафьева и Ольга Владимировна Шлыкова. И многие другие прекрасные учителя.

Весь 2023 год у меня прошел под знаком осознания важности доброго отношения к людям. Стараюсь делать добрые дела, хотя бы самые простые: пригласить не знакомых с балетом людей на спектакль или поучаствовать в представлении для маленьких детей, сказать им добрые слова. Ведь это может сослужить для них добрую службу. Думаю, что нельзя предаваться гордыне и смотреть свысока на такие вещи, считая их незначительными.

Не так давно не стало одного из старейших репетиторов Большого театра, а в прошлом замечательного танцовщика Валерия Лагунова. Он был вашим первым педагогом в театре. Какие воспоминания сохранились у вас о Валерии Степановиче?

Помню его как очень позитивного человека с прекрасным чувством юмора. Я безгранично уважал Валерия Степановича, ценил его чувство вкуса. Несмотря на то что вместе мы работали всего один год, я до сих пор помню все его замечания. Далее наше общение продолжалось по-дружески. Валерий Степанович приходил на занятия по балетмейстерскому искусству в Академию хореографии. Я показывал ему свои первые опыты, ждал советов. Незабываемо то ощущение душевного подъема, которое нес в себе Валерий Степанович. Он остается в моем сердце.

Вот уже несколько лет зритель знает вас не только как танцовщика, но и как хореографа. В 2022 году на сцене Большого театра состоялась премьера вашего балета «Времена года». Вы продолжаете ставить хореографию?

Да, конечно. Буквально несколько дней назад в Концертном зале имени П.И. Чайковского в рамках проекта Светланы Захаровой и Вадима Репина «Па-де-де на пальцах и для пальцев» я представил свой новый номер «История танго» на музыку Астора Пьяццоллы. Эта работа состоялась благодаря Светлане. Опять я перехожу на тему удивительных людей в моей жизни. Светлана Захарова продолжает работать с полным самоотречением. Находясь в постоянном поиске чего-то нового и красивого, она дает молодым хореографам шанс проявить себя. «История танго» — не первый номер, который мы сделали вместе. Когда работаешь со Светланой, не всегда понимаешь, кто лучше разбирается в музыке — ты как хореограф или она как балерина. Удивительно, когда приносишь хореографический текст и Светлана начинает его интерпретировать, понимаешь, что сочинял не так красиво. Как правило, профессия хореографа позволяет применить какие-то свои знания и умения, но в случае со Светланой, я сам учусь абсолютному перфекционизму. Тому, как нужно доводить до совершенства каждую деталь.

В декабре в Большом театре состоялась премьера балета «Пиковая дама». Каковы ваши впечатления?

Честно говоря, из-за занятости я даже не смог посмотреть готовый спектакль — только отдельные репетиции и сценические прогоны. По опыту могу сказать, что «Пиковая дама» будет становиться лучше с каждым показом. Артисты должны вжиться в свои образы. Да это, собственно, касается любого спектакля. Сам балет, его сценография меня впечатлили. Не исключаю того, что когда-нибудь и меня введут в «Пиковую даму».

Чего бы вы хотели пожелать себе и другим артистам?

Себе, да и всем артистам, хотел бы пожелать ставить в заслугу не партии и карьерный рост, а добрые поступки, сделанные для других.

Главное — приносить радость зрителю!

Фото из личного архива Артемия Белякова.
Фото обложки: Дамир Юсупов

===================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024022201
Тема| Балет, Театр имени Якобсона, Премьера, Персоналии, Вячеслав Самодуров
Автор| АННА ГОРДЕЕВА
Заголовок| ПАРИКИ И ПОЛЕТЫ
Где опубликовано| © «Петербургский театральный журнал»
Дата публикации| 2024-02-21
Ссылка| https://ptj.spb.ru/blog/pariki-i-polety/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

«598 тактов». К. Ф. Э. Бах.
Театр балета им. Леонида Якобсона.
Хореограф Вячеслав Самодуров, художник-постановщик Елена Трубецкова.

25 минут чистой радости — вот что такое новенькая премьера Театра балета имени Якобсона. Вячеслав Самодуров, в прошлом году по доброй воле и безо всяких скандалов оставивший пост главного балетмейстера в Екатеринбурге ради карьеры свободного художника, сочинил такой быстрый, такой легкий и такой веселый текст, что претензия к нему может быть только одна: почему же он так короток? Еще, пожалуйста, еще! Ну хотя бы посмотреть еще раз в другой вечер! Ан нет, теперь покажут только в начале лета. У театра все также нет своей сцены, а классику, понятно, продать легче (что особенно важно в условиях аренды). Но знаете что, люди? Вы этого лета, пожалуйста, дождитесь. Оно того стоит.

Сцена из спектакля.
Фото — архив театра.

Тут замечательно все. Во-первых, выбор музыки. Герой этой премьеры — не «главный» Бах, не Иоганн Себастьян, а один из младшеньких, второй его сын, Карл Филипп Эммануил. Серьезный молодой человек, поначалу планировавший заниматься юриспруденцией, но сорвавшийся в музыку как в пропасть. Папа не видел в нем преемника: мальчишка был левшой, что тогда сильно мешало музыкальной карьере. Но поддержал, когда законы все же были отодвинуты в сторону, и радовался всем успехам сына, и навещал его при дворе Фридриха Великого, где тот получил место. Правитель ценил своего музыканта, но все-таки недостаточно: сам Фридрих играл на флейте, поэтому именно она значилась главным инструментом королевства, клавишные же были хоть и в почете, но все же на втором месте. Карл Филипп Эммануил сумел отнестись к ситуации с юмором — и вот эта легкая самоирония, так помогающая придворным жить, поселилась в его летучих сочинениях. В том числе — в Концерте для фортепиано и струнного оркестра. И пусть спектакль сегодня идет под фонограмму, она сделана качественно, и обаяние этой музыки не убито динамиками.

Вторая и главная причина для обязательного визита на «598 тактов» — разумеется, хореография. В программе вечера новенький спектакль соседствует с «Озорными частушками» на музыку Щедрина, которые Самодуров сделал якобсоновцам год назад, и с отделением роденовских миниатюр Якобсона (порядок следующий: «Частушки» — Роден — Карл Филипп Эммануил). Ну, Якобсона мы в этот раз оставим за скобками — он «наше все», а вот сравнение с «Озорными частушками» получается занятным. В том, предыдущем, балетике Самодуров втиснул такое количество движений в момент времени, что при всей изысканности текста они, кажется, слегка душили друг друга. В «598 тактах» при все том же, узнаваемом почерке хореографа значительно больше воздуха и свободы.

Так что же это за почерк? В основе — та самая пропись, что начинает складываться в уме у каждого студента АРБ, у каждого артиста Мариинки (а Самодуров был и тем, и другим, а затем добавил к биографии Национальный балет Нидерландов и Королевский балет в Лондоне). Любовь к классике, знание классики, рядом — насмешка над классикой (но почтительнейшая, так в правильных семьях дети могут необидно смеяться над родителями, при этом тронь кто папу с мамой — разметут на кусочки). В языке Самодурова соседствуют большие полетные прыжки (что может быть пафоснее танцовщика, горделиво взлетающего над сценой?) и «снижающие», почти бытовые движения — то руки солистки будто пеньку теребят, то парочка рядом вот буквально белье полощет, бодро так и старательно.

Собственно, весь балет Самодурова — ровно об этом обескураживающем соседстве пафоса и быта в любимой профессии и о необходимости принятия и того, и другого — иначе, право, рехнешься. При этом самыми бескомпромиссными «делегатами пафоса» в «598 тактах» оказываются люди не танцующие: группа чопорных лакеев в старинных париках и камзолах движется по сцене церемониальным шагом — с чувством собственной великой значимости они выносят то стулья, то вазы без цветов… и через некоторое время с чувством выполненного долга все это уносят. А люди танцующие одеты в трико, лишь настолько отличающееся оттенком от естественного цвета тела, чтобы никто не решил, что театр имитирует наготу. Они приземляются на стулья, переглядываются, вскакивают, ведут мгновенные диалоги — и в самых «правильных», в учебниках Агриппины Яковлевны утвержденных движениях они естественны так же, как в движениях сниженно-шутливых.

Тут следует перечислить всех солистов Театра балета имени Якобсона, принимавших участие в премьере — потому что и в программке никто не выделен, и замечательны они в равной степени, в равной степени веселы и свободны: Вероника Стерхова, Галина Михирёва, Мария Репетнева, Кирилл Вычужанин, Вячеслав Спильчевский, Марсель Казыханов, Гасан Аллахвердиев. Они теперь вместе с Самодуровым отвечают за российский балет XXI века — и с задачей вполне справляются.

=============================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024022202
Тема| Балет, Театр имени Якобсона, Премьера, Персоналии, Вячеслав Самодуров
Автор| Анжелика Гурская (Санкт-Петербург)
Заголовок| В Петербурге Театр имени Якобсона представил премьеру балета "598 тактов"
Где опубликовано| © Российская газета
Дата публикации| 2024-02-22
Ссылка| https://rg.ru/2024/02/22/reg-szfo/v-peterburge-teatr-imeni-iakobsona-predstavil-premeru-baleta-598-taktov.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В свой юбилейный, 55-й, сезон Санкт-Петербургский государственный академический театр балета имени Леонида Якобсона представил на сцене Александринского театра премьеру одноактного балета "598 тактов".

Пресс-служба Театра балета имени Леонида Якобсона

Хореографом новой постановки выступил заслуженный деятель искусств РФ, бывший премьер Мариинского театра Вячеслав Самодуров, хорошо известный петербургскому зрителю. Буквально год назад он поставил в театре Якобсона балет "Озорные частушки" на музыку Родиона Щедрина и вполне заслуженно получил за это Высшую театральную премию Санкт-Петербурга "Золотой Софит" в номинации "Лучший балетный спектакль".

Именно "Озорные частушки" и открыли вечер - как своеобразная презентация фирменного ультрасовременного стиля театра Якобсона.

Как отметил художественный руководитель театра Андриан Фадеев, на это и был расчет - продемонстрировать преемственность новаторских традиций, которые заложил Леонид Якобсон в 20-м веке и которые театр бережно переносит в век 21-й.

Уникальная геометрия движений и супрематических костюмов в "Озорных частушках" идеально рифмуется с диссонантной музыкой Щедрина и лишний раз подчеркивает безупречную синхронность кордебалета. А яркий задник - то ли ориентальный ковер с золотыми кистями, то ли огромный ярмарочный платок - усиливает впечатление праздника.

Сразу за спектаклем Вячеслава Самодурова показали все семь миниатюр из цикла "Роден" - одной из самых гениальных постановок Леонида Якобсона на музыку Дебюсси, Прокофьева и Альбана Берга.

"Вечная весна", "Поцелуй", "Вечный идол", "Отчаяние", "Экстаз", "Паоло и Франческа" и "Минотавр и нимфа"… Во время премьеры миниатюр в 1958 году на сцене Кировского (Мариинского) театра Якобсон пошел на компромисс и одел танцовщиков в легкие хитоны, сегодня эта постановка дается согласно изначальному авторскому замыслу - фигуры, облаченные в телесные комбинезоны, на сцене выглядят застывшими мраморными изваяниями, волшебно оживающими при звуках музыки.

Многие режиссеры-хореографы не раз отмечали: сложно повторить нюансы спектаклей Якобсона, ведь как всякий большой мастер он делал свои работы, исходя из индивидуальности исполнителей. Однако Дмитрию Соболевскому, бывшему премьеру балетной труппы Музыкального театра им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, удалось воспроизвести уникальный стиль первых спектаклей, его яркий дебют в "Минотавре и нимфе" привел в восторг публику.

Премьера одноактного балета "598 тактов" на музыку Баха, но не Иоганна Себастьяна, а его второго сына, Карла Филиппа Эммануила, завершала вечер.

Математически выверенное название отсылает к концерту № 19 для фортепиано с оркестром - в произведении действительно 598 тактов. Название балету дал хореограф Вячеслав Самодуров, объяснив его так: "Главное в спектакле - музыка", что вполне объяснимо. "Гамбургский" Бах во второй половине 18-го века был популярен едва ли не больше своего отца и оказал огромное влияние на творчество, например, Гайдна и Бетховена. Моцарт и вовсе утверждал: "Он отец, мы - дети. Тот из нас, кто чего-либо стоит, научился у него".

Роскошная музыка Карла Баха родом из Галантного века становится одним из главных действующих лиц спектакля, определяя его ритм и дух. А замечательный ансамбль солистов (Вероника Стерхова, Галина Михирева, Мария Репетиева, Кирилл Вычужанин, Вячеслав Спильчевский, Марсель Казыханов, Гасан Аллахвердиев) и артистов балета следует за партитурой, создавая новую музыкальную реальность.

В спектакле нет четкого сюжета, его рождает танец. Сценография лаконична. Стулья, вазы и позолоченные подсвечники, которые носят туда-сюда слуги в богатых камзолах и напомаженных париках, - единственный реквизит на сцене. Движения слуг нарочито церемонны и даже скупы. А вот господа, напротив, живут увлекательно и динамично, в танце есть и романтичные дуэты, и любовные треугольники, и личные драмы. И вся эта светская жизнь проходит под снисходительным взором невозмутимых слуг, давая ощущение истории, подсмотренной в замочную скважину. Усиливают это ощущение трико телесного цвета, в которые хореограф-постановщик одел господ, сделав их трогательно-беззащитными перед все понимающими взглядами своих лакеев. "Кто в этой истории господа? Кто слуги? В ком зритель увидит позицию силы?" - Самодуров предлагает ответить на этот вопрос зрителю.

В марте премьеру увидят во Владивостоке на Приморской сцене Мариинского театра.

Елена С.

Номер ссылки| 2024022203
Тема| Балет, Самарский театр оперы и балета, Персоналии, Лаура Васконселос
Автор| Илья Овсянников / Роман Данилкин фотограф
Заголовок| «Здесь можно гулять с телефоном, и бандиты его не отберут»: за что горячая бразильская балерина полюбила холодную Самару
Интервью со звездой Самарского театра оперы и балета
Где опубликовано| © портал 63.RU
Дата публикации| 2024-02-22
Ссылка| https://63.ru/text/culture/2024/02/22/73247945/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Лаура с удовольствием продемонстрировала свои умения нашей съемочной группе
Источник: Роман Данилкин

Русский балет известен во всём мире. И его популярность настолько велика, что заставляет уезжать из родной страны в далекую и непонятную страну. 24-летняя балерина Лаура Васконселос оставила Бразилию и начала выступать в Самарском академическом театре оперы и балета. И, по ее словам, город на Волге во многом похож на ее родину. 63.RU побеседовал с ведущей солисткой театра и узнал, чем ее покорила Самара.

Предложение, от которого невозможно отказаться

Лаура Васконселос родилась в небольшом городе Натал на северо-востоке Бразилии. В большой семье.

Также девушка называет членом своей семьи кота по кличке Gato (Кот. — Прим. ред.).

С балетом Лаура познакомилась, когда ей было 7 лет. Тогда ее отдали в балетную школу Большого театра в соседнем городе Жоинвилль.

— Еще когда я была маленькой, то увидела «Лебединое озеро». В нем выступала Майя Плисецкая. Потом была «Жизель». Я очень много и долго смотрела на ее выступления. Она очень большая артистка. Я восхищаюсь ее техникой, эмоциями. Она идеальна. И тогда я полюбила балет, — призналась Лаура Васконселос. — И у меня была мечта — исполнить партию в «Лебедином озере».

Юная балерина училась в балетной школе до 2019 года. Сразу после этого она начала выступать в молодежной труппе Большого театра Жоинвилля. За несколько лет Лаура успела поучаствовать в нескольких постановках, например в «Дон Кихоте» и «Щелкунчике».

Лаура участвовала в знаменитых постановках
Источник: Лаура Васконселос

Но срок службы в молодежном коллективе недолгий, около трех лет. А затем девушке поступило предложение, от которого отказаться было невозможно.

— В 2022 году директор школы Павел Казарян сделал мне подарок и пригласил выступать в России. Он знал, как я люблю эту страну. Я посмотрела много спектаклей и часто говорила, что хотела бы здесь работать, — вспоминает она. — Так что, когда мне предложили приехать, я сразу же согласилась. Это невероятное предложение. Думаю, мне повезло.

И после этого Лаура улетела в Россию.

«Русские казались холодными»

Практически сразу после прилета на другой континент юная балерина оказалась в Большом театре в Москве. Правда, не по работе, а в качестве туриста.

— Я сначала посмотрела несколько спектаклей. Посещала Большой в течение двух недель. Но всё это время я чувствовала, что очень хочу здесь танцевать, — пояснила Лаура. — Все мои педагоги — русские. И я чуть-чуть знала про вас. Были стереотипы, что русские могут быть очень холодными сначала. Но затем они становятся шире, душевнее, дружелюбнее. Коллеги поначалу смотрели на меня, не разговаривали. Но потом мы друг другу раскрылись. Стали относиться друг к другу как к братьям и сестрам.

Одним из опасений, связанных с работой в России, мог оказаться языковой барьер. Но, как оказалось, с общением и пониманием проблем не возникло.

— Я легко и без проблем понимала педагогов. Балетные термины же в основном на французском. Мои коллеги, если я не знаю какого-то слова, могут мне подсказать. За два года я начала воспринимать русский язык приятным, но и сложным.

За несколько лет жизни в России Лаура избавилась от нескольких стереотипов, связанных с нашей страной.

— В Бразилии на полном серьезе говорят, что здесь по улицам ходят медведи. Я ни одного не встретила. Еще говорят, что русские любят пить водку на завтрак. Это не так, — убедилась Лаура.

Последние два года Лаура Васконселос живет и работает в Самаре. И, по ее словам, город на Волге напоминает ее родину.

— Если попытаться описать Самару в трех словах, то здесь холодно, симпатично и приятно. Это очень хороший город. У вас здесь есть река, а у нас — океан. Эта близость воды очень радует. И я купалась летом в Волге. Сначала было холодно! Также удивила зима. Было непросто, когда она началась, я заболела. Но прошло где-то две недели, и я поправилась. А через месяц я в нее уже влюбилась! Еще есть много фруктов и рыбы. Так что каких-то проблем с едой у меня нет. Меня это очень радует. Мне к тому же не трудно готовить блюда, привычные для бразильской кухни, — рыбу, например, или лазанью.

Однако, по словам юной балерины, есть немало и различий.

— Первое отличие — это погода. В Бразилии всегда солнечно, жарко. В России же времена года меняются. Еще Самара очень безопасная. Здесь можно спокойно гулять по улице с телефоном, и бандиты его не отберут. В Натале так нельзя. Здесь я чувствую себя свободнее. Не надо переживать из-за преступников. Вроде бы кажется, что это смешно, но это правда. Я могу спокойно идти по улице, позвонить маме, рассказывать и показывать, где я, в каком красивом городе живу.

Отдельным культурным шоком для Лауры оказалась русская кухня.

— Я очень люблю борщ и сырники! Это практически первые блюда, которые я попробовала в России. Да, это чужая для меня культура, но я открыта для всего нового. Мне кажется, это очень важно и бояться этого не стоит, — пояснила Лаура. — Но мне не нравится, когда еда холодная, очень холодная. Особенно холодец. Некоторые салаты, например селедка под шубой, тоже не нравятся. Мне такое сочетание кажется странным. Есть стереотип, что русская кухня очень калорийная, тяжелая. Мне же она кажется здоровой. Мои коллеги на обед едят суп. У нас это обычно еда для тех, кто болеет. Еще вы часто салаты едите. Да, есть и полные люди. Но ко всему надо подходить в меру, регулировать свое питание.

«Артисты балета — спортсмены»

По словам Лауры, репетиции и выступления требуют немало энергии
Источник: Лаура Васконселос

Жизнь артиста балета накладывает свои ограничения. В первую очередь они связаны с питанием. Во вторую — с высокими физическими нагрузками. Но, по словам Лауры, для нее это привычно.

— В моей семье все атлеты. Мама раньше работала в полиции. Она очень любит бегать, и я вместе с ней. И еще у нас семейное — нелюбовь к алкоголю. Я поняла, что мне не нравится он. Я работаю со своим телом, и мне важно мое здоровье. Я очень люблю танцевать и хочу заниматься этим как можно дольше. Я не хочу ощущать скованность, тяжесть. Сейчас в моем рационе очень много здоровой еды. Мне кажется, что вся та энергия, которую я получаю с пищей, тратится во время репетиций. Мне важно получать протеин, овощи, фрукты. Но, как и любому человеку, хочется что-то еще. В разумных пределах это можно позволить. Я просто не пью алкоголь и не ем глютен. Поэтому мою диету нельзя назвать строгой и сложной.

Сейчас Лаура занята в нескольких ключевых спектаклях Самарского театра оперы и балета: «Щелкунчик», «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Дон Кихот», «Жизель».

— У меня есть еще несколько ролей, которые мне хочется исполнить. Например, хочу поучаствовать в «Спартаке». Также, если получится, хочу выйти на сцену Большого театра. Но, как мне кажется, нельзя ограничиваться выступлениями в одной стране. Думаю, что еще можно попробовать свои силы в Париже, Америке, Европе. Это разные театры, разная публика, разная атмосфера. Но для каждого выступления должно наступить свое время. Сейчас мое сердце принадлежит России. Я хочу прожить здесь как минимум еще год, может быть, и больше. Научиться новому и, возможно, научить чему-то сама. Но в итоге, как мне кажется, я вернусь в Бразилию. Правда, после того как закончу карьеру. Я вернусь, чтобы учить других детей.

«Конкуренции нет, есть сотрудничество»

Еще один связанный с миром балета миф Лаура также опровергла. По ее словам, среди артистов нет конкуренции. Балерина воспринимает других не как врагов, а как коллег, у которых она может научиться новому.

— Поначалу я сильно волновалась. Но это нормально. Сейчас всё по-другому. Я считаю, что у каждого человека есть свое место, свое предназначение. Думаю, что всё, что делается, возвращается. Поэтому не переживаю из-за этого. По человеку же видно, когда он работает, а когда нет. Если всё время смотреть на других, то когда заниматься саморазвитием? Наоборот, люди, которые меня окружают, могут научить новому. Я вижу, что какая-то девочка хорошо прыгает, и я занимаюсь вместе с ней. Мне нравится смотреть чужие спектакли. И если мне понравилось выступление, то почему мне не подойти и не сказать «браво»? В этом нет никакой сложности. Так что стекло в пуантах — это миф. Я с этим не сталкивалась никогда.

Однако русский балет всё-таки оказался испытанием для бразильянки. Правда, и его она смогла преодолеть.

— У меня на родине было два выходных дня. Здесь же график другой. И поначалу мне было тяжело с этим смириться. Казалось, что я не готова для такого. Но сейчас я понимаю, что и это стало моей сильной стороной, я стала лучше за это время.

Тем не менее есть вещи, к которым трудно привыкнуть. Самая главная — это отрыв от семьи. Лаура старается каждый день звонить своей маме, чтобы рассказать ей, как у нее дела. А увидеться с семьей получается только в отпуске.

— Мои мама и папа понимают, что я живу балетом, что он мне нужен. Мне нужны искусство, театр, культура, опера. У меня на родине этого мало, очень мало. Далеко не в каждом городе Бразилии есть театр. А в России их очень много, практически в каждом городе. Тут другая культура, и я уже не могу без нее жить. И моя семья это понимает.

========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024022204
Тема| Балет, , Персоналии, Екатерина Максимова
Автор| Нина ЖИЛЕНКО
Заголовок| Фуэте длиною в жизнь
Памяти великой русской балерины, народной артистки СССР Екатерины Максимовой
Где опубликовано| © газета «Вечерняя Уфа»
Дата публикации| 2024-02-20
Ссылка| https://vechufa.ru/culture/28881-fujete-dlinoju-v-zhizn.html
Аннотация|

Екатерина Максимова едет в Уфу! Эта весть всколыхнула мои балетные страсти. А когда из редакции «Советская Башкирия» позвонили с просьбой взять интервью у великой балерины, разволновалась еще больше. Смогу ли? Это же Богиня! Кумир со студенческих лет…

Слава к Екатерине Максимовой и Владимиру Васильеву пришла рано. Оба еще учились в Московском хореографическом училище и в 1957 году победили на Всесоюзном конкурсе артистов балета. Их имена в те дни были на слуху, их уже знали в лицо, потому что кадры из «Щелкунчика», с коим они выступили на конкурсе, мелькали на страницах всех газет и журналов, о них говорили по радио, показывали в киножурналах. А мы, студентки-балетоманки, переснимали журнальные фото и хранили самодельные, не очень высокого качества открытки как дорогие реликвии.

Первый, много лет назад, визит в Уфу был настолько мимолетным, что в памяти остались лишь накрапывающий на улицах дождь да переполненный Дворец спорта. Приезд Екатерины Сергеевны в столицу Башкирии в 1997 году был чисто деловым. Он стал возможен благодаря знакомству с ней Леоноры Сафыевны Куватовой, в то время художественного руководителя Уфимского хореографического училища. Великая балерина в течение трех дней принимала экзамены у выпускников отделений классического и народного танца как председатель государственной аттестационной комиссии. Вместе с ней в Уфу приехал живущий тогда в Японии известный в прошлом танцовщик Большого театра Николай Федоров. Он также участвовал в работе экзаменационной комиссии.

Визит стал событием для всего коллектива. В перерывах между работой (график был чрезвычайно плотным) в коридорах училища Максимову подкарауливали девчонки – дарили цветы, просили автограф. Екатерина Сергеевна с обаятельной улыбкой расписывалась на балетных туфельках, книгах, открытках.

Сразу взять интервью не оказалось возможным. Но я встретила полное понимание, Екатерина Сергеевна предложила беседовать в свободные минуты. Они, эти минутки, освобождались редко, наше общение растянулось на три дня. И все это время я сидела рядом с ней за экзаменационным столом. Вместе отвлекались на обед, на решение каких-то организационных вопросов. На второй день она попросила называть ее Катей. По имени-отчеству ее называли только ученики. И это не просто внешний штрих. Это ее суть. Да, Богиня. Но величие в ней гармонично уживалось с простотой, искренностью, душевностью. «Наша Катя» – такой она была для многих, так ее называли друзья, коллеги, театральные работники – гримеры, костюмеры, реквизиторы… Сейчас мне даже не верится, что эту великую женщину я называла просто Катя. Но тогда было легко. Вот такая она – с ней все получалось легко и просто. Теперь я особенно остро понимаю, как точно сказал о Максимовой Валентин Гафт:

Ты – лёгкая, но с грузом всей вселенной,
Ты – хрупкая, но крепче нет оси,
Ты – вечная, как чудное мгновенье
Из пушкинско-натальевской Руси.

Даже урывками Екатерина Сергеевна столько успела поведать, что не уместилось в одном газетном материале. О взглядах на современное состояние российского балета, на классику и модерн, есть ли различие между московской и ленинградской балетными школами, о беседах с Рудольфом Нуреевым, Михаилом Барышниковым, Натальей Макаровой… Много интересного она рассказала на встрече с общественностью в Доме профсоюзов РБ, которую, несмотря на усталость и напряженность работы в училище, провела на одном дыхании. Поэтому была еще публикация в журнале «Рампа» – тоже интервью, но с совершенно другими вопросами и ответами. Да и сейчас смогу рассказать далеко не обо всем.

Вспоминаю эти счастливые мгновения, слышу приятный голос, искренние интонации – и передо мной предстает обаятельнейший, живой-живой образ сильной женщины, великой балерины…

Вся жизнь на виду. Как в юности обрушилась на них с Владимиром Васильевым слава, так и сопровождала все годы. Трудно представить напряжение, ответственность. А главное, колоссальный труд. Ведь в балете работа в буквальном смысле до крови, до пота. Танцевались главные партии, рождались потрясающие образы в балетах классических и современных, в фильмах – Жизель, Джульетта, Галатея, Катерина, Анюта, Фригия, Ева… Радости и муки… А чего больше?

– Счастье человеческой памяти в том, что она сохраняет в основном хорошее, – делилась моя героиня. – Конечно, остался осадок и от неприятных событий. Но выручает чувство юмора. В какой-то момент трагедия кажется непереносимой. А жизнь берет свое, что-то уходит, и потом думаешь: «Господи, стоило из-за этого переживать, мучиться!» Хотя бывает и нелегко. Но без страданий, преодолений может прожить только круглый идиот.

Жалела, хоть однажды, что вступила на столь нелегкий путь? Да чуть ли не каждый день. Просыпалась и думала: опять надо идти в класс, опять делать батман тандю. Приходила в ужас – зачем этим занялась?! И перед спектаклями, бывало, кляла себя: стояла бы тихо, спокойненько где-нибудь в задней линии кордебалета, и что это ее в центр занесло… Всю жизнь волновалась перед каждым спектаклем. Считала, это нормально. Не верила, когда кто-то говорил, что не волнуется. Это не артист, без этого невозможно. Публика оценивает твой труд, ты живой человек, поэтому каждый раз, выходя на сцену, словно в холодную воду бросаешься.

Мастерство приходило, накапливались приемы, коими можно что-то усилить или, наоборот, скрыть от публики, но эмоциональная отдача каждый раз стопроцентная. Ведь ее выступления смотрят не только поклонники, готовые по несколько раз приходить на один и тот же балет. В основном люди судят об артисте по одному спектаклю, который удается увидеть. Она всегда относилась к балету как к театральному искусству во всем синтезе его качеств. Просто демонстрировать технику неинтересно. Нравились спектакли с непростыми актерскими задачами. Танцуя классику, старалась передать характер музыки, настроение, атмосферу спектакля, наполнить переживаниями, чтобы это не выглядело чем-то абстрактным. Эмоции, мысли танцовщики передают телом, пластикой. В танце, верила она, можно сказать о каких-то вещах, которые не выразишь никакими словами.

Любимый партнер, с которым больше всего танцевала, – Владимир Васильев. Их связала жизнь и сцена. Учились в одном классе, в один год окончили училище, вместе пришли в Большой театр. В 1961 году поженились. Это была любовь одна на всю жизнь.

Когда выпадали тихие минуты и Екатерина Сергеевна делилась очень личным, сокровенным, у меня сердце замирало от благодарности за доверие.

Разумеется, были и другие партнеры, так же, как и Васильев танцевал с разными балеринами. Партнеры великолепные, настоящие профессионалы, один интереснее, значительнее другого. Николай Фадеичев, Михаил Лавровский, Марис Лиепа… Каждый – индивидуальность, великолепный актер, что для нее было особенно важно. Могла стерпеть, когда подводили технически, но с трудом танцевала с партнером, если не чувствовала отклика, если смотрел пустыми глазами.

Меня интересовал вопрос о философской наполненности классического балета и современного. Предыстория такова. В 1995 году в Уфе проходил Международный конкурс вокалистов. Я брала интервью у члена жюри Марии-Гедре Каукайте, народной артистки Литвы. Мы подружились и даже какое-то время переписывались. Оперная певица оказалась поклонницей балетного искусства. Она рассказала, что посмотрела в Ла Скала балет «Юноша и смерть» с Рудольфом Нуреевым, была потрясена и твердо уверовала: классический балет – это красиво, и всё. Даже, мол, спортивный элемент есть – следишь, скрутит балерина тридцать два фуэте или нет. Современный же балет позволяет передать глубокую философию. А как же «Лебединое озеро», «Спящая красавица», пыталась возразить я. Но переубедить не удалось. Я спросила Екатерину Сергеевну, что дает больше возможностей для творческого самовыражения – классический балет или модерн. И поведала ей свою философскую историю. Вот что она ответила:

– Я никогда не подразделяла: модерн ли, классический ли спектакль. Он, прежде всего, должен быть высоко профессионален, а в основе все равно лежит классика. Артистам, владеющим классической школой, подвластно и то и другое. Ну и, конечно, все зависит от таланта. Если бы не было никакой философии в «Лебедином озере», «Шопениане», если бы единственной целью было продемонстрировать технику, эти спектакли давно умерли бы. Но они живут, потому что там есть что сказать. «Спартак» – классический балет, а какое содержание, философия! И без высокого технического мастерства не станцуешь. Искусство театра – оно живое. Да, мы танцуем классический балет, скажем «Жизель», но мы танцуем не так, как танцевали в прошлом веке. И очень хорошо! Как и в драматическом театре все равно ставят Островского, Грибоедова, но преподносят по-другому. Ведь мы и говорим, и одеваемся иначе. Другая эстетика. И театр не мертвое, не музейное дело. Поэтому каждое поколение привносит что-то свое, и театр движется, спектакли живут, потому что они развиваются.

В 1990-е годы модерн стремительно вторгался во все сферы искусства, в наше сознание, тема была злободневна. Но мне кажется, и сейчас это интересно и не утратило актуальности.

В то время Екатерина Максимова была увлечена работой в театре «Кремлевский балет», охотно и вдохновенно рассказывала о нем. Она танцевала на сцене и была педагогом-репетитором.

Молодой, еще мало известный широкой публике коллектив переживал всего шестой сезон.

– Начинали в годы, – рассказывала Екатерина Сергеевна, – когда не было ни-че-го, не найти было ни куска тряпки, ни нитки. А Владимир Васильев (он тогда не работал) задумал поставить у нас «Золушку» Прокофьева с совершенно новой хореографией. Пригодилось то, что мы много ездили по миру, у нас много друзей. И однажды удачно поплакались художнику-модельеру из фирмы Нины Риччи Жерару Пирару. Он оказался любителем балета и нашим поклонником – видел нас в Париже. Взялся сделать эскизы и договориться с фирмой о костюмах для Принца, Золушки, Мачехи, сестер. Все бесплатно, конечно. Ради поддержки, ради дружбы. Но с условием: чтобы Мачеху танцевал Васильев! Тот согласился: если жертвовать – до конца. Когда начали работать, так увлеклись, что сделали все костюмы и подарили нам. Это счастье, потому что для кордебалета нечего и негде было искать. До сих пор «Золушка» идет у нас в шикарных костюмах от Нины Риччи, одной из самых знаменитых фирм Высокой моды.

В интернете есть видеозапись фрагментов этого спектакля с очаровательной Золушкой – Максимовой и смешной, забавной, гротесковой Мачехой – Васильевым. Посмотрите при случае! Там же сообщается: с 1991 года «Золушка» выдержала почти двести представлений. В декабре 1992 года спектакль с огромным успехом прошел на парижской сцене, вызвав восторженные отклики французской прессы.

Екатерина Сергеевна рассказала и о других спектаклях, о руководителе труппы Андрее Петрове, талантливом хореографе и замечательном человеке. Восхищалась молодыми артистами, их самоотверженностью, стремлением учиться, совершенствоваться. Ее вдохновляло сознание: она им нужна! Еле вырвалась на три дня, сетовала она, работы полно, в моем театре ждут меня! Была уверена, что коллектив, пусть пока не на балетном Олимпе, но на верном пути. И сейчас, по прошествии трех десятков лет, мы видим, что «Кремлевский балет», у истоков которого стояли великие Максимова и Васильев, один из самых известных в России и мире.

Тридцать лет в танце! Потом естественное продолжение сценической жизни в педагогической работе. Фуэте длиною в жизнь.

Опять вспомню умницу Гафта:

Всё начиналось с фуэте!
Жизнь – это Вечное движенье…
Ах, только б не остановиться…

Жизнь прервалась внезапно. Она не успела остановиться. Да и вообще вряд ли остановилась бы…

В нынешнем феврале весь балетный мир отмечал 85 лет со дня рождения народной артистки СССР, лауреата Государственной премии СССР, Государственной премии РСФСР имени братьев Васильевых и Государственной премии РСФСР имени Михаила Ивановича Глинки, театральной премии «Хрустальная Турандот», премии Ленинского комсомола, выдающейся балерины и педагога Екатерины Сергеевны Максимовой…

Фото предоставлены автором, из открытых источников и Николая ФЁДОРОВА (в БХУ).

Елена С.

Номер ссылки| 2024022301
Тема| Балет, Театр «Астана Балет» , Персоналии, Уэсли Карвальо
Автор| Дана Аменова
Заголовок| Танцы выбрали меня: бразильский артист балета рассказал о жизни в Казахстане
Где опубликовано| © газета "Казахстанская правда"
Дата публикации| 2024-02-23
Ссылка| https://kazpravda.kz/n/tantsy-vybrali-menya-brazilskiy-artist-baleta-rasskazal-o-zhizni-v-kazahstane/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Ведущий солист театра «Астана Балет» Уэсли Карвальо радует своими выступлениями столичную публику вот уже на протяжении пяти лет, сообщает корреспондент Kazpravda.kz

Фото: Kazpravda.kz/ Адема Ергали и пресс-службы театра «Астана Балет»

28-летний Уэсли Карвальо пять лет назад переехал из солнечного Сан-Паулу в холодную Астану. В казахстанской столице ему представилась счастливая возможность реализовать свои мечты о большой сцене. Сегодня он продолжает покорять публику своим обаянием и завоевывает симпатии девушек в романтических образах во время выступлений.

Сейчас Уэли с улыбкой вспоминает о том, как любовь к танцам заставила его адаптироваться к жизни в другой стране. С раннего детства он проявлял интерес к хореографии. Его родители всегда поддерживали стремления талантливого мальчика. Его отец - водитель, а мама - педагог. Азы профессии он постигал в Академии балета Элизы в Сан-Паулу.

В течение нескольких лет Уэсли выступал в составе балетной труппе Сарасоты в США. Затем во время пребывания в Лондоне его пригласили на кастинг в труппу молодого театра «Астана Балет». Педагоги быстро раскрыли способности танцовщика.

— Однажды один из преподавателей сказал: «Чтобы принцесса станцевала, ей нужен принц». Так я решил, что буду на сцене романтическим героем. Во многом профессия требует большой физической выносливости. Те, кто говорят, что балет исключительно для девушек никогда не видели балеты, где главные партии танцуют только мужчины. Это не менее удивительно, — сказал он.

По словам Уэсли, первое время языковой барьер помогало преодолевать знаменитое казахское гостеприимство.

— В 19 лет педагоги мне сказали, что надо учить иностранные языки, так как профессия обязывает часто выезжать за границу. Изначально ошибочно думал о том, что здесь для общения мне достаточно разговаривать на английском языке. Также я помню было ощущение, что мне было неловко из-за незнания казахского или русского языка. Но часто возникали бытовые ситуации, когда люди не владели иностранным языком. Вначале мне было сложно, но с помощью друзей я начал изучать русский язык и постепенно запоминал нужные слова. Теперь хочу выучить казахский язык, чтобы показать свою любовь к Казахстану и свободно общаться с людьми, — отметил спикер.

Уэсли вспоминает, что его поразила суровая снежная зима. Из теплых вещей он привез с собой всего одну куртку. Однако со временем он привык к холоду.

— Бразилия известна всему миру зажигательными танцами, карнавалами, кофе и футболом. Наш народ известен своей эмоциональностью. Здесь же люди более уравновешенные и спокойные. Если за границей зрители живо реагируют, то местные жители иногда могут стеснятся бурно выражать эмоции. Тем не менее, постановки, которые здесь нравятся публике могут быть не востребованы среди зарубежной аудитории и наоборот, — пояснил артист.

Уэсли признается, что летом любит совершать прогулки по Ботаническому саду и президентскому парку. В числе архитектурных достопримечательностей он выделяет Президентский центр. Мне нравятся конструкции и форма зданий в Астане. Он любит посещать ресторан бразильской кухни, слушать мелодии босса-новы, которые напоминают ему о далекой родине. Однако национальные блюда бывает непросто приговорить из-за отсутствия некоторых продуктов.

— В одном из местных ресторанов работает мой друг Роберто. Там пытаются по возможности сделать что-то похожее на бразильскую еду. Я люблю куриные крокеты - кошинья, это очень вкусно. В Казахстане коллеги угостили меня национальными блюдами, постепенно оценил вкус бешбармака и сейчас с удовольствием пробую конину, — рассказал он.

Кроме того, Уэсли был впечатлен выступлением столичной певицы Полины Тыриной в посольстве Бразилии в Казахстане, которая пела практически без акцента. Она выложила в соцсети танцы с участием бразильского артиста балета.

Собеседник считает, что участие в конкурсах открывают начинающим танцовщикам путь на большую сцену. На родине он стал серебряным лауреатом фестиваля танца в Жоинвилле, а затем завоевал «бронзу» международного конкурса артистов балета Жене в Бельгии. Ему рукоплескали в Италии, Бельгии и других странах Европы.

Он добавил, что самое важное качество для танцовщика - уметь быстро ориентироваться, не теряться, быть осознанным и открытым к творческим экспериментам. Это помогает добиться изящных движений, синхронности и чувственности исполнения хореографических произведений. По его словам конкуренция стимулирует к дальнейшему профессиональному развитию.

— Я насколько сильно люблю свою работу, что мне пришлось покинуть родину. Конечно, дома меня ждут родители и друзья. Я очень скучаю по родным и близким людям. Мы ежедневно переписывается и часто общаемся по видеосвязи. К сожалению, в Бразилии это профессия не так востребована. Позже я вернусь обратно, но пока хочу танцевать на большой сцене. Карьера артиста балета по времени коротка, мы должны успеть станцевать основные партии максимум 45 лет. Мне нравятся спектакли «Ромео и Джульетта» и «Самолея», моя мечта – станцевать Форсайта. Затем тело не может так свободно двигаться, поэтому я попросил дать мне возможность реализоваться в творчестве. Когда бывает плохое настроение или сильно скучаю по родителям, сестре, племянникам, то стараюсь фокусироваться на работе. Приезжаю домой я примерно один раз в два года. Зато благодаря работе есть отличная возможность посмотреть мир, — говорит Уэсли.

Ведущий солист «Астана Балет» говорит, что раньше ничего не знал о Казахстане.

— Раньше ничего не знал раньше о Казахстане, но мы много слышали об Афганистане. Люди могут путать эти государства и у них возникают опасения. Когда приезжаю в Бразилию, местные жители думают, что там летают бомбы. Они до сих пор удивляются. Мне приходится рассказывать о том, что здесь живут самые гостеприимные люди и развеивать ошибочные стереотипы. Мне нравится, что казахстанцы уважают старших и заботятся друг о друге. Если у вас появится один настоящий друг из Казахстана, вы останетесь друзьями навсегда, — добавил собеседник.

Танцовщик отмечает, что казахские девушки в отличие от бразильянок закрытые и стеснительные, даже объятия с мало знакомыми людьми при первых встречах считаются неприемлемыми.

Кроме того, на гастролях происходит другая рутина, проявляется сильный командный дух. Там происходят разные истории, царит новый вайб, хотя кто-то может потерятся, опоздать. Особенно ему запомнилось выступление в ОАЭ на сцене Дубайской оперы.

Вместе с Уэсли в театре работают четверо бразильских артистов, в том числе и Наталия Фернандес Менес. Этот дуэт иностранных исполнителей блистает в спектакле «Ромео и Джульетта». Ребята дружат и оказывают друг друга поддержку.

Уэсли признается, что мечтает о том, чтобы однажды театр «Астана Балет» отправился на гастроли в Бразилию.

======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Дмитрий Смилевски, Елизавета Кокорева. Фото -Дамир Юсупов

Новое поколение танцовщиков: в балетах Большого театра есть на кого посмотреть.

В ГАБТе прошел балет «Дочь фараона», где не было дебютов, но танцевали молодые и перспективные солисты, о них хочется рассказать.

Нужно преодолевать распространенную традицию не писать об исполнителях после премьеры спектакля, даже если прошли годы и сменились поколения. А в балете «Кармен-сюита» состоялись два первых выступления в главных партиях, которые стоит отметить. Тем более что оба спектакля связаны с именем одной многообещающей балерины – Елизаветы Кокоревой.

Балет «Дочь фараона» не принадлежит к числу тех, где можно создать партии с глубоким психологизмом. Тут расчет изначально делался на парад классической техники и виртуозности, на пышную сценическую картинку в духе императорских балетов-феерий. Но это и волшебная сказка со своей внутренней логикой. И рассказ о сновидениях, в которых реальность преображается, но не исчезает.

Нужно еще учесть, что балет ГАБТа – игра воображения французского хореографа Пьера Лакотта, создавшего спектакль по мотивам старинного балета Мариуса Петипа. А Петипа, в свою очередь, вдохновлялся , прочитав “Роман мумии” Теофиля Готье, историей древнего Египта, в легком балетном изводе и в массовом вкусе середины 19-го века, конечно.

Все эти слои смыслов стоит учитывать и танцовщикам, и публике. Что на выходе мы имеем танцевально изобильный, условный по отношению к историко-этнографической достоверности и запредельно наивный спектакль.

Самое главное тут, что кукольность истории должна быть естественной. Как в соединении двух школ, русской и французской, так и в органичности сочетания больших па и мелких.

По замыслу Лакотта, в балете должны скреститься две балетных традиции: русские поэтические руки и французские ловкие ноги. И «Дочери фараона» повезло, когда в спектакле танцевала чудная пара – Елизавета Кокорева и Дмитрий Смилевски. Повезло до такой степени, что можно предполагать: на наших глазах складывается незаурядный дуэт, которому очень многое по плечу и который хочется смотреть в разных балетах.

Смилевски, с его природными возможностями и выучкой, обратил на себя внимание с первых шагов в ГАБТе, его роли (их уже довольно много) обсуждались профессионалами и любителями балета.

В партии английского лорда Вильсона (он же – во сне – древний египтянин Таор) проявились лучшие профессиональные качества артиста. Отчетливость жестов и поз, благородство подачи материала, органичность того самого, нужного сочетания мелкой техники и больших па, внимательность и умелость кавалера при балерине (в дуэтах была разыграна дистанция: лорд ниже по рангу, чем дочь фараона).

Что важно, Смилевски именно танцует, а не проделывает отдельные па, как часто бывает. Его плавная кантилена и видимая легкость в трудных местах делает из разношерстной хореографии единое целое. Забываешь даже про цирковую музыку Пуни, когда артист демонстрирует , например, серию ловких заносок и сразу же – прекрасный прыжок с задержкой в воздухе. Это и вправду танец аристократа, где образ лепится из мужества и изящества.

Чем больше это проявлялось, тем точнее виделась историческая дистанция, разделяющая балет Петипа 1862 года и нынешнюю «экранизацию по мотивам». Что и нужно в условной стилизации: не подражать, а именно стилизовать, сыграть в старину, но без придыхания.

По стать Таору и фараонова дочь Аспиччия. Елизавета Кокорева в этой партии показала роскошный взмах ноги «6 часов», шпагатные прыжки, туры с разных ног и манеру держаться с горделивым достоинством царевны, но, когда надо, с томной негой или слезами обыкновенной женщины.

«Я вспомнил о всех балетных па прошлого века. Они всегда состоят из быстроты и лиризма»,

— говорил мне Пьер Лакотт в давнем интервью, Вот именно так Кокорева и танцевала.

При этом она не играла (что в «Дочери фараона» играть?), но была «неуловимо» разной, окрашивая свои па тонким флером настроений. И конечно, поразила слаженность этого дуэта, Без притирок и напряжения даже в самые «акробатические» моменты.

Подлинный дебют Кокоревой прошел в «Кармен», где она вышла в главной партии вместе с другим дебютантом, Даниилом Потапцевым (Хозе).

Партия цыганки не трудна технически, как и партия Хозе, но, если можно так сказать, сложна морально и психологически. Чтобы адекватно станцевать Кармен, нужен, по-моему, или немалый житейский и профессиональный опыт, или, если нет опыта, феноменальная артистическая интуиция.

У Майи Плисецкой, первой исполнительницы, на которую балет и ставился, было и то, и другое. И она говорила, какой должна быть Кармен: эта девица – оторва (сказано в беседе с автором этих строк).

Кокорева же совсем молода, как и ее партнер. Возможно, поэтому у нее получилась – пока – не вамп, не страстный гимн независимости, не воплощение свободы выбора любой ценой и не женское могущество в любви (я перечислила грани трактовки образа).

У Кокоревой вышла довольно веселая кокетка, бодрая красотка, упоенная собственной прелестью. И несмотря на эротические асимметричные позы с «откляченным» бедром, на «обертывания» мужской ноги своей, очень красивой, несмотря на мужскую ладонь на женской груди, положенную по инициативе женщины, и на стреляющие гранд-батманы (лейтмотив пластики), кокетство это почти не зазывное, не магнетическое, скорее парадно-демонстрационное.

Что касается Потапцева, он обещает многое, по данным и по увлеченности работой. В «Кармен» юный артист старался показать, как из закрытого и «застегнутого на все пуговицы» служаки вылупливается ранимый и страстный человек.

Хореография Альберто Алонсо выстроена именно так: сперва закрытая поза «руки по швам» и нарочитая зажатость прямого корпуса, человек словно ружейный шомпол, но потом тело «открывается», и простертые руки активны.

Но глубинного трагизма, который, взрываясь, приводит личность к преступлению – пока – не было. Впрочем, не сомневаюсь, что у талантливой пары все впереди.

=======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024022501
Тема| Балет, Губернский театр, Конкурс балета «Гран При Надежд», Персоналии, Вячеслав Гордеев
Автор| Елизавета Матвеева
Заголовок| Балет не знает границ
Где опубликовано| © Труд
Дата публикации| 2024-02-25
Ссылка| https://www.trud.ru/article/24-02-2024/1592561_balet_ne_znaet_granits.html
Аннотация| КОНКУРС

В честь открытия нового конкурса в столичном Губернском театре показали балет «Дон Кихот». В наше непростое время это красочное представление можно завершить фразой рыцаря из бессмертного романа Сервантеса: «Судьба в невзгодах всегда оставляет лазейку, чтобы можно было выбраться на свет»

В Московском Губернском театре состоялось торжественное открытие Международного молодежного конкурса балета «Гран При Надежд». Он посвящен 55-летию творческой деятельности народного артиста СССР Вячеслава Гордеева. Под руководством маэстро Московский государственный академический театр «Русский балет» представил гостям спектакль «Дон Кихот». А в фойе развернулась фотовыставка и выставка костюмов балетных спектаклей.

Балет «Дон Кихот» основан на романе Мигеля Сервантеса «Хитроумный идальго Дон Кихот Ламанчский». Композитор музыки — Людвиг Минкус. Со школьных лет мы помним, что это прежде всего история о подвигах во имя добра и справедливости. Искусство балета помогает вдохнуть в эту бессмертную историю энергию и жизнь. Как отметили организаторы состязания, именно поэтому и был выбран «Дон Кихот». Зрительный зал Губернского театра с первых минут представления этой энергией зарядился.

В конкурсе заявлены три номинации: «Артисты балета», «Народно-сценический танец» и «Хореографы». Обладатель Гран-при «Надежда балета XXI Века» получит золотую медаль и полмиллиона рублей. Других конкурсантов тоже ожидают награды: медали, премии и дипломы. Интересно, что впервые в истории балетных состязаний введены именные награды. Они посвящены памяти великого мастера народного танца Игоря Моисеева и легендарного педагога-классика Петра Пестова.

Эти артисты были выбраны неслучайно. Петр Пестов в 60-е, 70-е и 80-е годы вел группы мальчиков и юношей в Московском хореографическом училище (сейчас Московское академическое художественное училище (МАХУ). Он выпустил целую плеяду прекрасных танцовщиков — звёзд мирового балета. А Вячеслав Гордеев был одним из первых его учеников. В честь своего любимого учителя и наставника народный артист СССР и учредил специальный приз конкурса. А Игорь Моисеев в свое время создал знаменитый на весь мир Ансамбль народного танца.

«У конкурса много красок и оттенков. Он позволяет отдать дань памяти выдающимся предшественникам, проявить уважение и благодарность умудренным наставникам и поддержать тех, кто делает первые шаги на репетиторском поприще», — отметил Вячеслав Гордеев.

Русский балет считается одним из самых авторитетных видов искусства в мире. Несмотря на то, что он зародился во Франции в конце XVI века, российские артисты всегда выделяются на фоне своих зарубежных коллег. Сегодня, в столь непростое время, искусство может стать именно тем мостом, который сблизит народы и страны. Так и конкурс «Гран При Надежд» служит таким связующим звеном. Это подтверждает тот же состав членов жюри. Оценивать артистов в ходе состязаний будут представители России, Турции, Белоруссии, Южной Кореи, Казахстана, Китая и США.

Конкурс проводится при поддержке Министерства культуры и туризма Московской области. Генеральным партнером выступает ОАО «Российские железные дороги», а за организацию мероприятий отвечают Московский областной государственный академический театр «Русский балет», Международная Федерация балетных конкурсов и Благотворительный фонд Вячеслава Гордеева.

Состязания пройдут с 20 по 27 февраля на сценах Московского Губернского театра и Российского академического молодёжного театра (РАМТ). В испытаниях примут участие 110 выпускников хореографических учебных заведений и молодых артистов из разных стран мира. Все три тура конкурса будут открыты для зрителей.

Елена С.

Номер ссылки| 2024022502
Тема| Балет, Фестиваль искусств, Персоналии, Светлана Захарова, Елизавета Кокорева, Даниил Потапцев, Маргарита Шрайнер, Алексей Путинцев, Артемий Беляков, Александр Могилев, Екатерина Крысанова, Владислав Лантравов
Автор| Мария Москвичева
Заголовок| Балерина Светлана Захарова умерла и воскресла в Сочи
Она придумала специальную программу для фестиваля искусств в южной столице
Где опубликовано| © "МК"
Дата публикации| 2024-02-25
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2024/02/25/balerina-svetlana-zakharova-umerla-i-voskresla-v-sochi.html
Аннотация| Фестиваль искусств

24 февраля в Зимнем театре давали балет. Да не простой, а спроектированный самой Светланой Захаровой – примой Большого театра, которую сегодня называют символом русского балета. Свою программу для 17-го Зимнего фестиваля искусств в Сочи Светлана Захарова собрала из классики и современного танца. Как призналась балерина «МК», сложилась эта история почти случайно – из предпочтений и пожеланий приглашенных ей коллег. Однако получился символический спектакль, склеенный из миниатюр о любви и борьбе.

СВЕТЛАНА ЗАХАРОВА С ТАНЦОВЩИКАМИ ЕЕ ГАЛА-ВЕЧЕРА В ЗИМНЕМ ТЕАТРЕ ПОСЛЕ СПЕКТАКЛЯ
ФОТО: МАРИЯ МОСКВИЧЕВА

Открывали вечер в Зимнем театре Елизавета Кокорева и Даниил Потапцев, которые танцевали Па де де из балета начала ХIХ века «Сильфида». Это романтическая история с трагическим концом: в погоне за призрачной мечтой, которую олицетворяет дух воздуха Сильфида, юный Джеймс теряет как свою земную невесту, так и видимую только ему одному чаровницу. Елизавета Кокорева настолько воздушно исполняла свою роль (казалось, ее руки живут сами по себе, превращаясь в бабочек), что с самого начала задала тон вечеру. Невыносимая лёгкость бытия прокатилась по залу.

Следом появилась сама Светлана Захарова вместе с Артемием Беляковым. Пара была блистательна – в прямом смысле слова. Они исполнили адажио из балета «Драгоценности» на музыку Петра Чайковского (хореография Джорджа Баланчина), который считается первым абстрактным балетом в истории. Артисты здесь одеты словно бриллианты – они ослепительны в лучах софитов. В этом умопомрачительной привлекательности – вся соль балета, ведь, ставя его в Нью-Йорке в 1967 году, Баланчин думал о прошлом – о покинутой им в 1924-м советской России и о Европе, откуда он уехал в США во тяжелое время Великой депрессии. Перед нами читая и прекрасная печаль – воспоминание о счастье, которое спустя годы сияет еще сильней драгоценным светом.

Следующая зарисовка переносит в древний Рим, где на фоне борьбы за свободу Спартак находит свою любовь Фригию, чтобы затем отказаться от нее ради идеи. Маргарита Шрайнер и Алексей Путинцев исполнили адажио из балета «Спартак» (хореография Юрия Григоровича) очень технично. Не танец – а чистый нерв.

Самой пронзительной точкой первого акта стал отрывок из балета «Человек» на музыку Мориса Равеля, исполненный современным танцовщиком Александром Могилевым. Первый в советской истории рок-балет написан Александром Градским по известному произведению Киплинга. Могилев выбрал тот самый момент, когда, выросший среди звери, Маугли, осознает, что он Человек. Перед нами боль, метания, думы. Осознание человеческой природы – в вечных поисках себя и смысла всего сущего. Действие разворачивается на ярко красном фоне, от которого мурашки по телу. В финале, после техничного балета вперемешку с брейк-дансом, танцовщик падает во тьму, словно проваливаясь в бездну.

АЛЕКСАНДР МОГИЛЕВ

Это напряжение снимает адажио из балета «Щелкунчик» на музыку Чайковского – в исполнении Екатерины Крысановой и Владислава Лантратова. А в финале первого акта вновь появляется Захарова – в образе умирающего лебедя. Хореографическая миниатюра, поставленная Михаилом Фокиным на музыку Камиля Сен-Санса в 1907 году для Анны Павловой, стала хрестоматийной. Лебедь проживает целую жизнь за две с половиной минуты. Русская версия отличается от французской: по Сен-Сансу лебедь не умирает, а по Фокину – смиренно складывает крылья перед неизбежной кончиной.

Вторая часть программы тоже построена на контрасте. Началась с зажигательного отрывка из балета «Кармен», исполненного Елизаветой Кокоревой и Даниилом Потапцевым, а продолжилась «Откровением» («Revelation») – драматической миниатюрой, которую поставила японский хореограф Мотоко Хирояма на музыку из фильма «Список Шиндлера». Здесь партнером Светланы Захаровой становится стул, с которым она, словно сама с собой, ведет напряженный диалог телом. О чем он, мы хорошо знаем по фильму, слоганом которого стала цитата из Талмуда: «Тот, кто спасает одну жизнь, спасает целый мир».

Продолжило вечер Па де де из балета «Пламя Парижа» (хореография Василия Вайнонена), где мы снова, как в «Спартаке», оказываемся свидетелями любовной истории на фоне восстания, но теперь уже не в Риме, а во Франции конца XVIII века. Следом – острая зарисовка на музыку Рахманинова, которую Екатерина Крысанова и Владислав Лантратов исполняли в костюмах цвета потухающего огня. И еще один выход Александра Могилева, который исполнил миниатюру на собственную хореографию. Ее он назвал – «Представь, Саша». Это диалог с самим собой – о смысле жизни. В качестве альтерэго выступает игрушечный механический котик, который тоже умеет танцевать. В финале фиолетовый луч высвечивает его фигуру, которая насмешливо двигает бедрами, словно давая ответ на вопросы, заданные в «Человеке» и «Откровении». Очень многое происходит в человеческой голове и только там. То, что заставляет нас корчиться, метаться и гнаться за чем-то непостижимым. Умирать и рождаться каждый день заново, как сделали это артисты гала-концерта Захаровой. Однако финал – утешительный. Перед нами снова Светлана Захарова со своим партнером Артемием Беляковым – в миниатюре «История танго» на музыку Астора Пьяцоллы. Это памятник красоте, танцу, ритму, движению, которые продолжаются всегда и вопреки всему.