Балет и Опера

Елена С.

Номер ссылки| 2022091401
Тема| Балет, Современная хореография, Персоналии, Софья Гайдукова
Автор| Елена Кокорина
Заголовок| Софья Гайдукова: «Мне захотелось станцевать «Лебедя» и умереть»
Столичные хореографы оценили уровень мастерства танцоров Бурятии
Где опубликовано| © "Московский Комсомолец" Улан Удэ
Дата публикации| 2022-09-14
Ссылка| https://ulan.mk.ru/culture/2022/09/14/sofya-gaydukova-mne-zakhotelos-stancevat-lebedya-i-umeret.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В рамках «Байкальского танцевального фестиваля» в Бурятию приехали известные хореографы Софья Гайдукова и Константин Матулевский, планирующие провести мастер-классы для артистов балета и танцевальных коллективов Улан-Удэ. О том, как бурятские танцоры участвуют в популярных телевизионных проектах, об исполнении Сен-Санса на виолончели с головой льва в аэропорту Улан-Удэ и о многом другом – в интервью корреспондента «МК в Бурятии» со столичными звездами танцевального искусства.

ФОТО: СКРИНШОТ ВИДЕО ТК "МИР БАЙКАЛ"

Софью Гайдукову и Константина Матулевского знают все, кто интересуется миром танца. Оба они – одни из самых ярких современных хореографов, которые обожают своё дело, выпускают премьеру за премьерой, при этом успевают участвовать в крупных проектах, таких как «Большой балет» или «Большие и маленькие» на телеканале «Культура». Сегодня они впервые оказалась на бурятской земле, чтобы поделиться своим умением, через серию мастер-классов.

- Знаю, что в аэропорту вас встречали «Умирающим лебедем»…

- Ну, не то чтобы… - начинает смеясь Софья, - я сейчас расскажу, как все было. Мы летели к вам всю ночь и приземлились только ранним утром. Когда мы вырвались со здания аэропорта и ступили на бурятскую землю, получив наконец-то свой багаж, мы увидели молодого человека с виолончелью исполняющего «Умирающего лебедя» Сен-Санса. Я тогда подумала, какой классный маркетинговый ход! Столько людей прилетело и на этом можно хорошо заработать. И начала искать глазами коробочку, шапку, шляпку или что-нибудь куда надо бросать деньги – у нас в Москве этот вид заработка очень развит. И тут нам говорят, что это специально для нас. Оказывается, вот таким образом фестиваль решил встретить гостей столицы, специально заморочившись. Виолончелист оркестра, играющий на старинной виолончели XIX века, сам инструмент заканчивается головой льва – такое мы увидели, конечно же, впервые. От переизбытка чувств мне захотелось станцевать «Лебедя» и умереть там. Это очень неожиданно, приятно, классно и очень трогательно. Вот так началась наша удачная поездка…

- В вашем общем телеграм-канале вы вчера опубликовали фото Улан-Удэ и дали знать, что провели первый мастер-класс. Расскажите, как проведете мастер-классы, для кого и где, как на них попасть.

- Записаться на мастер классы можно было в рамках проекта «Байкальского танцевального фестиваля», который проходит у вас уже пятый раз. Кто хотел его посетить – тот записался и пришел. Мне было очень радостно встретить знакомых на нем. В свое время ваш театр танца «Байкал» победил на проекте «Танцуют все» на России 1. Тогда я официально ставила им номер. Вчера одна солистка этого театра приходила на мой мастер класс. Также вчера я встретила «Байкал Идэль» - девичий танцевальный коллектив, который был у нас два года назад на проекте «Большие и маленькие», художественным руководителем которого я являюсь на телеканале «Культура». И вот спустя 2 года мы снова увиделись, но уже на их родине.

Также вчера на мастер классе я встретила участника проекта «Большой балет» Эрдэма Сандакова – солиста театра оперы и балета, который прекрасно представил на телеканале «Культура» ваш бурятский театр. Поэтому на мастер-классе царила очень дружественная атмосфера. Кроме того, организатор танцевального фестиваля Павел Окунев, мой бывший коллега, мы с ним работали вместе в театре. И несмотря на то, что мы в первый раз в Бурятии, лично у меня ощущение, что мы приехали к родным, знакомым и просто как к себе домой…

- Вы оба принимаете участие в танцевальных проектах на телевидении, Софья – режиссер проекта проекта «Большие и маленькие», Константин занят в проекте «Танцы на ТНТ». Будете ли проводить здесь какое-то прослушивание, есть ли у танцоров из Бурятии шанс попасть в эти проекты?

- Танцовщики Бурятии уже не раз бывали на различных телепроектах у нас в Москве. Впервые выступила ваша пара солистов театра оперы и балета на проекте «Большой балет». И конечно это было прекрасно. Знаете, классический репертуар давно уже сформирован, и «Лебединое озеро» оно и в Африке «Лебединое озеро». Но в вашем театре имеется уникальный репертуар, который не идет больше нигде. Поэтому, когда ребята приехали с Адажио из балета «Красавиц Ангара» - это было потрясающе! Эрдэм, хотя у него аллергия на натуральный мех, вышел на сцену в головном уборе отороченном песцом. Приняв лекарство, нам пришлось его запудрить, потому что он был весь красный. Но тем не менее ребята показали классный номер, и в целом, очень хорошо показались на проекте. После их приглашали и они с этой программой поехали в Воронеж. Также, в рамках этого проекта были созданы и современные номера, которые сейчас ребята танцуют у вас в театре на гала-концертах.

Плюс еще был проект «Большие и маленькие», на котором участие приняли коллектив «Байкал Идель» и прекрасно себя показали. Они танцевали стилизованный народный танец, китайский, с зонтиками, это было очень эффектно, красиво и синхронно.

Конечно, мы ждем бурятских артистов у нас на проекте. У нас будет пятый сезон, просим ваши коллективы присылать свои заявки. Вся информация есть на телеканале «Культура». Но помимо современного и классического танцев нам очень интересны бурятские народные танцы. За все четыре сезона у нас не было еще ни одного национального бурятского танца! Поэтому просим детские коллективы не стесняться и отправлять свои заявки, мы будем рады вас видеть.

- Что в целом думаете о «Байкальском танцевальном марафоне»? Нужны такие мероприятия?

- Определенно да. Надо развивать направление современного танца. Мы следили за вашими прошлыми фестивалями. И особенно нравится эта тенденция, что специально для фестиваля Павел Окунев приглашает ваших земляков, танцующих в других театрах страны. А те, в свою очередь, собираясь на фестиваль, готовят программу, приезжают и показывают здесь, как они круто и классно представляют свой народ на других сценах страны. Это очень здорово стимулирует местных, показывая им как можно пробиваться дальше, наблюдая за своими старшими коллегами.

- Что вы показываете на своих мастер классах?

- Вчера мы давали мастер-класс по партнерингу. Для артистов балета это не просто дуэтный танец, он нацелен на работу с партнером, и основан не только на технике, но и на том, чтобы прочувствовать партнёра, подключив свое внутренне состояние. Делается акцент на отношение между партнерами, тактильные ощущения и многое другое. Но чтобы погрузиться в это, одного мастер-класса конечно же мало.

- Кто был на мастер-классах?

- На мастер-классах, которые были открыты для всех желающих, были абсолютно разные люди. Были и педагоги, которые хотят узнать что-то новое и передать это своим ученикам, и только начинающие свой путь танцоры, например, была маленькая девочка из хореографического колледжа.

- Как вы можете оценить уровень подготовки наших танцоров?

- Очень способные, с большим потенциалом, но, возможно, где-то не хватает базовых знаний, самых начальных. Необходимо знать, что такое современный танец, историю современного танца, чтобы понимать как этим заниматься дальше. Но заинтересованные в танце есть и это здорово! Танец – это такой вид искусства, с помощью которого даже общаясь на разных языках можно понять друг друга. В танце можно донести зрителю со сцены многое.

- Вы сказали про нехватку знаний. И как же, по-вашему, решить проблему нехватки знаний? Усилить образование, ввести новое направление…И как вы оцениваете в целом по стране развитие современного танца?

- О, это очень большой вопрос и местами даже «больной» наверное. По сути своей, все сейчас развивается в ВУЗах, но каких-то кафедр, где это развивается на высоком уровне – их очень мало. Также большая проблема в том, что профессиональных танцовщиков некуда готовить. У нас мало профессиональных трупп, современных компаний или еще чего-то, поэтому подготовленным профессиональным кадрам негде работать – в итоге они фрилансеры, танцевальные художники, которые будут сидеть, образно выражаясь в подвалах. Попробуйте устроиться хореографом современного танца в академический театр – это очень сложно. Да, есть государственные компании, но их не так много. Поэтому вроде образование и есть, но куда его потом применять? Должна быть поддержка со стороны государства и должна быть его заинтересованность в этом, потому что у нас в стране больше развиты народные танцы и классический балет. Это тема очень долгая и обширная, в общем..

- Вы в Бурятии в первый раз. Что планируете посмотреть у нас?

- Когда Павел Окунев нас пригласил в Бурятию, мы сразу согласились, потому что здесь еще не были, хотелось познакомиться с культурой и с танцевальной культурой, в том числе. Сегодня я дам мастер-классы для свободных современных танцовщиков и потом едем в Иволгинский дацан, а завтра на Байкал. Озеро увидим впервые – будем с ним знакомиться.

Елена С.

Номер ссылки| 2022091402
Тема| Балет, Латвийский балет, Персоналии, Айден Уильям Коннефри
Автор| Олег Зернов
Заголовок| Наш Нижинский. Как американец стал звездой латвийского балета
Где опубликовано| © из журнала "Лайма"
Дата публикации| 2022-09-06
Ссылка| https://rus.jauns.lv/article/progulka/519286-nas-nizinskii-kak-amerikanec-stal-zvezdoi-latviiskogo-baleta
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В новом номере журнала “Лайма” опубликовано интервью с Айденом Уильямом Коннефри, 25-летним танцором из США, который в 2018-м приехал в Ригу, выучил латышский и теперь связывает свое обозримое будущее с нашей страной.

Многие видели Айдена в балетах «Три товарища», «Дракула», «Лебединое озеро». Но настоящей звездой он стал после роли в спектакле “Нижинский” — самой яркой постановке прошлого сезона.

Сцена из балета "Нижинский" (Фото: Александра Злуницына)

Айден родился и вырос в Эдмондсе, штат Вашингтон. Танцевать любил с детства. В подростковом возрасте увлекся хип-хопом, но однажды попал в балетный класс… и пропал. В старшей школе Айден твердо решил, что хочет связать свою жизнь с танцем. Он поступил в балетную школу в США, затем в Швейцарии, победил в нескольких конкурсах и, наконец, получил предложение поработать в Риге.

“Я ехал на прослушивание, зная, что увижу бывшую советскую республику, зацепился по дороге взглядом за кирпичные многоэтажки, вспомнил о Горбачеве и всей той эпохе — ну, привет, парень, ты на месте… — вспоминает Айден. — Но потом все резко изменилось. Я остановился в гостинице возле Оперы и поразился тому, какие здания меня окружают. Старый город удивителен — Риге повезло, что он сохранился, это бесценное сокровище, у нас в Америке редко где встретишь такую архитектуру… Каждое утро я иду на репетицию по улицам, заставленным не домами, а произведениями искусства… Это потрясающе".

Поначалу его шокировали прохладные отношения со стороны коллег. “Прошло два месяца, прежде чем коллеги начали со мной разговаривать. Нет, они и в эти два месяца были очень вежливы, здоровались, прощались… И на этом все. А я же американец, у нас все совсем по-другому. Словом, я пребывал в культурном шоке. Мне было до ужаса одиноко”.

Теперь Айден видит другую сторону этой холодности: “Когда тебя узнают и принимают, когда ты становишься своим, возникают отношения куда более глубокие, чем они были бы в какой-нибудь американской труппе. У меня появились друзья. Если мне понадобится помощь, они всегда помогут. Я в этом абсолютно уверен. Это огромная ценность”.

Сегодня Айден чувствует себя в труппе Латвийского балета абсолютно своим и довольно бегло говорит по-латышски. В языке он продвинулся, в том числе, и благодаря своей девушке Йете, о которой рассказывает исключительно в восторженных интонациях.

Кстати, Йете — единственный человек, который знает номер мобильного телефона Айдена. Танцор принципиально не пользуется смартфоном, делая исключение только для своей любимой девушки, да и то лишь в экстренных случаях.

Полную версию интервью с Айденом читайте в осеннем номере журнала “Лайма”

Елена С.

Номер ссылки| 2022091501
Тема| Балет, Самарский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Юрий Бурлака, Юлиана Малхасянц, Ксения Овчинникова, Дмитрий Петров
Автор| Анна Лазанчина
Заголовок| Назад в будущее
Где опубликовано| © Свежая газета. Культура | № 17 (238) стр. 8
Дата публикации| 2022 сентябрь
Ссылка| https://clck.ru/323FoF
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

«Дон Кихот» ‒ один из самых популярных классических балетов, спектакль, любимый всеми ценителями искусства Терпсихоры. В нем есть практически все, что составляет истинную радость балетомана: блистательно разнообразная хореография, включающая искрометные испанские танцы, роскошные классические ансамбли, виртуозные вариации, выразительная пантомима с участием известных литературных героев; хореографическое действие развивается в сопровождении мелодичной, легкой и дансантной музыки. Оптимизм, кипучая энергия, мягкий юмор и безудержное веселье этого балета дарят такие эмоции, устоять перед которыми невозможно.

• Сцена из спектакля. Китри – Ксения Овчинникова, Базиль – Дмитрий Петров

Феномен «Дон Кихот», который сегодня считается одним из брендов русского балета, сложился с течением времени путем культурных наслоений различных текстов. Спектакль Мариуса Петипа, пересочиненный Александром Горским, на протяжении ХХ века прирастал разнообразными нововведениями советских балетмейстеров, иногда приобретая вид авторской редакции. Идея вернуть спектаклю хореографию Горского в очищенном виде, не реконструировать балет 1900 года, а передать впечатления от него, воскресить его образ и дух той эпохи родилась у Юрия Бурлаки и была реализована им в 2019 году на сцене «Урал Опера Балет». Теперь «Дон Кихот Ламанчский» украсил и афишу театра нашего города.

Между тем в Самаре отношение к этому балету особое. Его традиционно считают «московским» (в противовес петербургским «Баядерке» и «Спящей красавице»), а во главе самарской балетной труппы в основном стояли представители петербургской хореографической школы. Несмотря на это, а может быть, как раз именно с целью подчеркнуть его самобытность, к постановке «Дон Кихота» обращались и Наталья Данилова, и Алла Шелест, и Игорь Чернышев, и Никита Долгушин, и другие балетмейстеры. К тому же «историческая память» куйбышевского театра хранит воспоминания о постановке Большого театра в феврале 1942 года и партиях Китри и Базиля в исполнении Ольги Лепешинской и Асафа Мессерера.

Реставрация классических спектаклей в наше время стала отдельным направлением балетмейстерской работы. Юрий Бурлака справедливо считается одним из признанных экспертов в этой области. Стремясь к наибольшей аутентичности, балетмейстер-постановщик подошел к изучению архивов со скрупулезностью ученого: исследовал все доступные исторические материалы, клавиры балета с многочисленными ремарками, документы, хранящиеся в музеях, мемуарную литературу. Его замысел возвратить балету атмосферу конца XIX века, времени, пропитанного духом модерна, кажется близким Самаре (вряд ли случайно этот стиль господствует в архитектуре и интерьере зданий, определяющих культурный облик города), а заявленный подход к работе вызывает уважение. В общем, премьеру балета ждали, ждали с нетерпением; все три его премьерных показа в конце сезона и два в начале нового прошли при полном зале.

Над созданием спектакля работала целая команда профессионалов, которых Юрий Бурлака увлек своей идеей. Для постановки характерных танцев в качестве ассистента балетмейстера была приглашена Юлиана Малхасянц. Взяв за основу эскизы Константина Коровина и Александра Головина, визуальный облик нового «Дон Кихота Ламанчского» создали Альона Пикалова (художник-постановщик), Татьяна Ногинова (художник по костюмам) и Александр Наумов (художник по свету). Воссозданием партитуры Людвига Минкуса и оркестровкой отдельных номеров занимался Александр Троицкий. Музыкальным руководителем спектакля выступил Евгений Хохлов.

Результат получился впечатляющим. Созданный «по мотивам» спектакля Горского, самарский балет показался во всем буйстве красок эффектно зрелищным, жизнерадостно ярким и при этом логичным, драматургически цельным.

[img]Сцена из спектакля[/img]

Заглавный герой, ранее лишь формально скрепляющий картины спектакля, был вновь возведен в статус центрального действующего лица и стал определять развитие сюжета. В прологе Дон Кихот предстал в окружении семьи – заботливой племянницы Антонины (Ольга Марочкина) и бакалавра Караско (Алексей Турдиев). Героя одолевали фантастические видения: прекрасная Дульцинея и освобождающий ее из плена рыцарь Серебряной Луны, оживающие деревья с руками-сучьями и огромный паук. Судьба Китри вызвала интерес Дон Кихота не сама по себе, а потому, что рыцарь принял девушку за свою Прекрасную даму. Образ Дульцинеи приобрел самостоятельность и стал еще одним лейт-образом балета.

Коррективы, внесенные в либретто, минимизировали карикатурность в изображении Дон Кихота. В соответствии с замыслом спектакля, в исполнении Антона Зимина он выглядит вполне серьезно и даже значительно. Оправданно логичным стало действие балета: отъезд рыцаря из дома, его борьба с мельницами и поединок в замке герцога. (Справедливости ради стоит сказать, что отсутствие логики в чередовании сцен «Дон Кихота» до этого волновало чрезвычайно малую часть зрителей.) Превращение цыган в бродячих артистов объяснило представление театра марионеток. Эффектный эпизод битвы с пауком придал спектаклю элемент драматизма. Контрастнее и ярче после мрачной сцены в заповедном лесу стали восприниматься танцы в саду Дульцинеи.

Балетмейстер-постановщик вернул спектаклю много красивой музыки и выразительных номеров. Открытые музыкальные купюры увеличили продолжительность спектакля почти на целый час, несмотря на сокращения «вставных» эпизодов советского периода. Исчезли традиционно ожидаемые соло Эспады, джига, цыганский танец с гитарами, а также порхающая вариация Амура. Зато появились мелодичное Болеро (завораживающий танец с шалями), ансамбль амурчиков с луками (учащиеся Самарского хореографического училища показались чрезвычайно воинственными в тяжеловесных и объемных париках), захватывающий виртуозной слаженностью квартет тореадоров и многое другое. Особенно выиграло окончание балета, превратившееся из свадебного дуэта Китри и Базиля в пышный многолюдный финал.

Из всех слагаемых балетного спектакля наиболее сильное впечатление произвело его визуальное художественное воплощение: сценическое оформление, костюмы и световые эффекты. Живописны и темная «Комната Дон Кихота» с высокими стрельчатыми окнами, и «Сад Дульсинеи» с фантастическими растениями, но чудеснее всего – наполненная воздушной перспективой «Площадь Барселоны». Здесь движения танцовщиков, казалось, продолжались в линиях рисунка задника – развевающихся на ветру флагах и трепещущей в морских волнах игре их отражений. Замечательно выполнена декорация «Заповедного леса»: в гигантской паутине замерли пойманные бабочки (визуальная отсылка к картине пролога, к запертой в клетке Дульцинее), а с колосников спускается страшный паук.

К сожалению, в отдельных картинах детализированность оформления оборачивалась чрезмерной загруженностью сцены и сокращала пространство, предназначенное для танца. Испанский кабачок стал тесным из-за огромных подвесных фонарей, а дворец герцога утратил глубину и объем, поскольку и лестница, и сад оказались в одной плоскости.

Смена картин опускающимся на авансцене занавесом с изображением книжных страниц-иллюстраций, не являясь новаторской, вызывала интерес публики, ощутившей себя одновременно и читателями знаменитого романа. Тщательно продуман особый свет с флуоресцентным эффектом, сопровождающий моменты безумных фантастических видений рыцаря. Восхитила картина бури, точно синхронизировавшая раскаты грома в оркестре со вспышками молний.

Жизнерадостная тональность балета отразилась в ярком многоцветье костюмов. Работа художника в этой области, хотя и небезупречная, вне сомнения, заслуживает особого разговора. В сцене на площади обилие красок смотрелось эффектно и вполне гармонично. Картина отражала вид не реального испанского города, а соответствующего романтическим представлениям о нем наших отечественных композиторов, живописцев и поэтов, по меткому выражению Бориса Асафьева, «театра русской Испании». В сцене сна Дон Кихота цветовое разнообразие, включающее желтые, голубые, розовые, бирюзовые тона костюмов лесных обитательниц – фей, показалось пестрым. Удивил выбор художника в отношении темного колора костюма Повелительницы дриад, показался странным крой пачек корифеек большого классического па.

В день открытия 92-го театрального сезона «Дон Кихот Ламанчский» был исполнен с праздничным воодушевлением. Балетная труппа предстала перед зрителями свежей и вдохновенной. Ксения Овчинникова и Дмитрий Петров в главных ролях были академически точны, темпераментны и актерски достоверны; они заставили забыть о том, что Китри и Базиля относят к сложнейшим партиям классического балета. От действия к действию обретая все большую уверенность и раскрепощенность, в финале солисты продемонстрировали отчаянно смелую технику и выглядели настоящими премьерами.

Несмотря на излишне объемный костюм, ограничивающий движения, обаятельно комичный образ Санчо Пансы удалось создать Искандеру Абельгузину. Запомнился выразительно артистичный Максим Маренин – Гамаш. Выделилась отточенностью техники Наталия Клеймёнова – Повелительница дриад. Произвел достойное впечатление Дмитрий Сагдеев. Его энергичному и смелому Эспаде с удивительной четкостью жеста и фантастической координацией не хватило благородного изящества, которое бывает врожденным, а может быть приобретено в процессе работы над ролью. В партии Жуаниты сумела обратить на себя внимание Лаура Васконселос; исполнив сольную вариацию в финальном ансамбле, она покорила музыкальностью и пластичностью.

Сцена из спектакля. Танец с шалями (Болеро): Лилиана Бакирова, Карина Декшанаева, Александра Смоленцева

Оркестр под управлением уверенного Евгения Хохлова звучал насыщенно и красочно. Образец балетной классики предстал драгоценностью, очищенной от чужеродных вкраплений. Порадовали выразительно проинтонированные томительно-страстные соло скрипки (Татьяна Казакова) и виолончели (Елена Жарикова). Выразительные мелодии деревянных духовых придали характерность хореографическим образам. Фантастический колорит привнесли волшебно струящиеся пассажи арфы (Мелания Волкова). Блестящий тембр трубы (СергейЧеботаренко) создал атмосферу веселого праздника в замке герцога. В музыке чувствовались живительная энергетика оптимизма и биение реальной жизни, ощущение самоценности момента искренней радости.

Искрометный и зажигательный, балет окунулся в собственное прошлое и вернулся в настоящее время, готовый нести радость и свет, так необходимые для того, чтобы сохранить будущее.

Анна ЛАЗАНЧИНА
Музыковед, кандидат искусствоведения, доцент СГИК

Фото Александра КРЫЛОВА

Елена С.

Виртуозная техника и невероятная харизма. Премьер казахстанского театра «Астана Опера» – сегодня не просто звезда отечественного балета. Бахтияр Адамжан входит в пятерку лучших танцоров мира и делится мыслями об успехе на сцене, о его цене, о настоящем и будущем казахского танцевального искусства.

Бахтияр, в 10 лет вы пришли в балет. Кто и почему принял такое решение?

– Приход в балет – это целое приключение. Я помню, мы ехали на соревнование по борьбе, поддержать родного брата. И тогда папа впервые спросил о том, хочу ли я учиться в Алматы, заниматься балетом. Естественно, я вообще не понимал, что такое балет, деревенский пацан был, аульский. Но родителям не отказывали никогда, вот так я оказался в балете уже в 10 лет.

Получается, что папа мечтал видеть вас на сцене?

– Скорее всего, родители трезво оценивали ситуацию, потому что мы жили все-таки в деревне. А тут город, где есть возможность учиться и развиваться. Я думаю, в первую очередь их подталкивало это. Ну и при этом видели, наверное, какие-то способности. Я в школе никогда не отказывался ни спеть, ни ведущим побыть, ни потанцевать. При этом я еще и на спортивные секции ходил и был отличником.

А физические данные? Они ведь тоже важны.

– Знаете, изначально я был мягкий, гибкий, с хорошей координацией. Я за братом как хвостик в борьбу пришел, практически четыре года занимался ей. Не серьезно, не профессионально, но как-то ходил 2-3 раза в неделю на протяжении четырех начальных классов. И вообще я с детства всегда активный был, сам всегда пробовал сальто, кольца, мостики, лазить куда-то, изучать. В принципе, координация позволяла мне на дерево залезть. А специально гимнастикой мы не занимались в ауле никогда.

Значит, родители больше любили искусство, если из спорта отдали вас в балет?

– Папа погоны носит, пожарный. Мама – учитель математики. При этом они хорошо чувствуют ритм, хорошо танцуют, могут спеть. Папа на гитаре играет. Они хоть и далекие от искусства люди, но все равно внутри них живет большое творчество.

И вы покинули родительский дом в 10 лет?

– Меня отдали в интернат Алматинского хореографического училища имени Селезнева. Я прожил восемь лет в интернате. Было классно на самом деле, весело. Столько много детей, много знакомств, новые друзья. Сейчас они уже братья, сколько лет мы уже вместе. Многие, с кем я учился, мне ближе, чем родственники, потому что я с ними проводил больше времени, чем со своими братьями и родственниками. Они мне, как моя большая семья, после стольких лет мы вместе.

И все-таки вы были ребенком. Большие нагрузки, разлука с родными, трудности не наталкивали на мысль – зачем мне все это надо?

– Скорее всего, во мне независимость жила с детства. Я скучал, но осознавал, что так надо. Если другие дети терпят, спокойно ходят, почему я не могу? Скучал, конечно, хотелось домой иногда к родителям. Но в целом, там было весело. Дети, какие-то игры, учеба. Много нового, каждый день какие-то закачки, ломали стопы, ноги выпрямляли, на шпагат садились, бывало, что засыпали на шпагате. Старались привести свои физические данные на максимум. Очень много было светлой конкуренции. И как раз такой возраст, когда все интересно, любопытство огромное. Я думаю, это помогло мне. И окружение попалось очень хорошее, не было времени скучать. Постоянно что-то делали, приходили уставшие и засыпали. Дни пролетали мгновенно. Единственное, по субботам скучал, когда все разъезжались по домам. Бывало, что часто меня забирали самым последним. Была еще одноклассница Медина Жалгасова, вот мы с ней оставались последними в субботу. Тогда немного грусть подкрадывалась. Такое бывало в первом классе, первый год.

А дальше – чем старше становишься, тем меньше куда-то хочешь, в субботу-воскресенье своими делами занимались. Стирка. Готовка. Вещи погладить, что-то зашить. Балетные туфли были очень дорогими, порванные мы штопали. Опять же – домашнее задание, уборка в комнате. Хоть я один в комнате оставался, какой-то настрой на новую неделю получал. И чем старше становились, тем меньше хотелось ехать домой, к родственникам. В интернате стал привыкать к самостоятельности, мне лично было комфортно проводить время одному.

Вы пришли в балет, послушав родителей. Когда же вы поняли, что выбор был сделан правильно, что это ваше и что вы на своем месте?

– Когда пошли первые победы на конкурсах. Когда пошли первые плоды нашего труда. Когда почувствовали рост, разницу. Представляете, когда каждый день тысячу раз делаешь одно и то же, и наконец ты уже можешь делать какие-то элементарные технические балетные элементы. Поначалу это был своего рода спортивный интерес. Хотелось узнать предел своих возможностей в балетном искусстве. Мы смотрели на старших. Воспитательницы водили нас по выходным в театр оперы и балета имени Абая в Алматы, и мы вдохновлялись. И смотря на мастеров своего дела, нам хотелось повторить это. Мы приходили в комнату в интернате и пытались сделать элементы. И даже пока шли из театра в интернат, тоже повторяли эти элементы. Вот так зарождался интерес к балету. Сначала зародился интерес физический, технический, чтобы сделать технику, движения, трюк, как мы называли. А потом уже пришло осознание танца.

Помогло участие в конкурсах, когда мы начали видеть других учеников из других училищ, когда мы начали видеть разницу между собой. Кто-то был лучше, кто-то был хуже. Лично мне всегда хотелось быть лучше, сильнее. Это меня, наверное, подталкивало. Хоть я и принимал поражение, когда проигрывал, но мне это не нравилось. Я относился адекватно к этому, потому что понимал, что, возможно, где-то не доработал, где-то смухлевал, где-то пожалел себя. Ну и опыта тоже не хватало на первых конкурсах. А потом по нарастающей. Чем больше нагрузки, тем больше целей становится, чем больше целей достигается, тем больше вдохновения приходит. И так вот мы втянулись в балетное искусство.

Я думаю, мало кто думает: «Вот я хочу стать артистом балета». Нет, это процесс долгий, медленный, и не все его проходят правильно. Даже те ребята, которые пришли с желанием и знают, что такое артист балета, они могут сломаться на полпути, сказать «Я устал, не хочу, я перегорел». А иногда бывают, как я – приехал из деревни ребенок, который не знает, что такое балетное искусство. Но от того, что имел уважение к учителю, я не мог перечить ему. Я всегда старался делать то, что от меня требовали. Кровь из носа. Хоть мне было тяжело, я уставал, но я понимал, учитель – это учитель, это авторитет. У меня это подсознательно заложено, потому что у меня мама – учитель. И я всегда хотел, чтобы к ней относились с уважением, и сам не мог позволить себе относиться к другим учителям как-то халатно. И вот такое отношение вывело меня на какой-то определенный уровень, где я почувствовал разницу, что я достиг каких-то определенных высот. Дальше пошел азарт. Мне хотелось все больше развиваться. Я знал, что есть лучше меня ребята, и я знал, что мне нужно по крайней мере их догнать.

Когда за спиной уже много достижений и побед, вы продолжаете состязаться, расти дальше. Где вы находите силы?

– Знаете, дело в том, что наше балетное искусство – оно честное. Это не так, как в госструктуре – определенного карьерного роста ты достиг, сел в кресло и сидишь. У нас честное искусство. И если ты перестал развиваться, перестал следить за своим телом, тонусом мышц, форму потерял – это на сцене видно. Хоть сколько тысячекратным лауреатом ни будь, но если ты на сцену вышел не в форме и рядом стоит молодой, в форме, зритель будет аплодировать молодому. Ему без разницы, кто ты, что ты, что ты из себя в жизни представляешь. На сцене ты должен быть подготовлен, по крайней мере, стараться к этому приблизиться. И должен всегда держать планку. Потому что как только ты дал слабину, за тобой уже есть тот, кто скажет тебе «Извини, но ты не справляешься». Он этого не скажет открыто, но это закон нашего искусства. Как только ты не сможешь справляться, у тебя самого желания не будет танцевать. Ты начнешь уставать, начнешь задыхаться, мучиться от этого. У тебя уже физических возможностей не будет выдерживать нагрузки, и ты вынужденно скажешь «Я все, ухожу».

У вас бывают минуты усталости?

– Усталость да, безусловно, бывает. Кстати, в этом какая-то ирония есть. Когда ты много работаешь, когда ты себя держишь в тонусе, когда ты в форме и часто танцуешь в спектакле, тебе легче дается вся нагрузка. Потому что тело привыкает к работе, и оно начинает воспринимать нагрузку как нормальное явление. Когда ты отдыхаешь много, а потом снова резко начинаешь работать, то тело перестает понимать, что происходит. Тело начинает травмироваться, начинают болеть суставы, мышцы, начинаются спазмы, и в итоге ты можешь сам себя сломать.

А морально не устаете от таких нагрузок?

– Нет. На сцене мы показываем много героев, можем играть разные роли, это же классно. Я, допустим, играю разных персонажей. И мне интересно каждый раз их делать по-разному, переосмысливать. Вот «Собор Парижской богоматери». Я танцую Квазимодо, урода-горбуна. И мне каждый раз не хочется его танцевать одинаково. Мне хочется показать его немного драматичным, жестким, иногда немного жалким, или, наоборот, агрессивным. Мы имеем возможность выплескивать эмоции, даже негативные, через персонаж – так мы сами очищаемся. А потом можем наполниться светлыми моментами. Когда люди нам аплодируют, это тоже нас наполняет.

Неужели все идеально в вашей работе? Не бывает стрессов, депрессий?

– Многие могут сломаться только из-за того, что физически не готовы, начинают отрабатывать какой-то элемент, у них не получается, начинают из-за этого нервничать, разочаровываться. Но к этому надо относиться спокойно. Иногда нужно просто отпускать ситуацию. Иногда сказать «стоп, мне нужно перезагрузиться», выйти из театра, погулять, съесть мороженое, забыть про балет, голову освободить. Потом на следующий день прийти обдумать, понять, почему это не получается. Как только ты начинаешь ошибки повторять, ты начинаешь репетировать эти ошибки, ты не развиваешься. Поэтому иногда нужно просто уметь отпускать. Не надо жить все время балетом. Вот это очень плохо. Некоторые этого не понимают, может, поэтому морально выгорают. Просто не надо жить только балетом. Пришел в театр – будь любезен, работай на 200 процентов, но не забывай о других сторонах жизни.

Какой результат от своей работы вы хотели бы получать?

– Конечная цель искусства – заложить в зрителя какой-то смысл. Смысл в чем? Допустим, идет спектакль, каждый человек может найти там свою частичку истории, которая происходит на сцене. Может, у кого-то история похожая, может, жизненные ситуации были схожие. И человек должен осознать, что не все в жизни так сложно на самом деле. Нужно немного переосмыслить ситуацию, может быть, посмотреть со стороны. И эмоции. В первую очередь зритель должен получить эмоции, вдохновиться, наполниться, отдохнуть. Отдохнуть с прекрасной музыкой, прекрасным исполнением артистов. Чтобы зритель пришел и не смотрел, как артист пыхтит, кряхтит, у него одышка, он красный, багровый, что-то пытается делать, туда-сюда пытается прыгать, ему тяжело. И зритель сидит и думает: «О, бедолага!» Он не должен так думать. Зритель должен прийти в зал и наслаждаться игрой: какая легкость, какая красота! Он должен поверить, что на сцене Спартак, он не должен видеть казахского пацана, казахского мужчину на сцене, который танцует и пытается что-то делать.

Как вы считаете, интерес к классическому балету в последние годы снижается? Люди меньше стали уделять времени и внимания своему культурному развитию?

– Наверное, без искусства можно обойтись, но какой будет наша жизнь? Человеку нужно выплескивать свои эмоции. Он так устроен, что если все держать в себе, он либо заболеет, либо сойдет с ума, либо что-то еще с ним произойдет. Искусство помогает выплескивать эмоции. Искусство помогает сформулировать какие-то свои переживания, какие-то свои глубокие мысли и за счет искусства как-то их выражать. Поэтому создаются прекрасные произведения, балет, появляются прекрасные артисты, музыканты. Мы помогаем людям жить в гармонии с окружающим миром.

История казахского балет относительно короткая, но каким вы видите его будущее?

– Казахское балетное искусство имеет очень большие перспективы на мировом уровне. Я сейчас смело могу сказать, что казахстанский балет, именно театр оперы и балета «Астана Опера», имеет огромные возможности выйти в мир и показать всем, что казахи умеют танцевать балет на высоком уровне. Почему я так говорю? Потому что мы давно уже достигли уровня мировых театров, мы ничем не хуже. Победы наших артистов на международных конкурсах это доказывают. Меня часто приглашают мировые театры участвовать в их спектаклях. Это говорит о том, что на нас есть спрос.

Но вопрос в том, как продать наш театр, как гастроли организовать, чтобы это было по уму, чтобы мы могли заработать на этом и при этом представлять нашу культуру. Нам нужно найти какого-то крутого балетного менеджера, который сможет нас продать миру на хороших условиях. Как бы грубо это ни звучало, но мы должны себя продавать. Не только у себя дома «вариться», как в казане. Имея огромный театр, мы не должны ютиться в нашем маленьком мирке. Мы должны выходить на мировые арены, мировые сцены и показывать, что мы умеем. Потому что сейчас то, что мы умеем, это высокий уровень. Я это на 100 процентов знаю, потому что вижу много театров, сравниваю их с нашим театром и понимаю, что мы намного лучше. Я не хвастаюсь, нет. Это факт. Наши артисты молодые, сильные, наполненные, у них у всех горят глаза, у нас творчество кипит, у нас шикарный балет.

Если мы начнем себя хорошо продавать, чаще выезжать на гастроли по миру, то в будущем сможем завоевать огромную толпу фанатов и затем показывать всем наш казахский балет, наш казахский колорит, знакомить с нашей национальной культурой.

А мы завоюем, я это точно знаю. И будущее казахского балета очень большое и хорошее.

Вы думаете, сейчас важно ставить культуру, искусство в приоритет?

– Сейчас уникальное время, когда театр может сам зарабатывать. И не просто зарабатывать и обеспечивать себя, но и государство от этого будет иметь огромную отдачу, в плане того, что весь мир будет говорить о Казахстане, о нашем искусстве. Это нужно понимать. Чем больше о нас знают в культурном плане, тем больше интерес к нашему государству и тем больше у нас будет туристов, тем больше будет инвестиций. Потому что будут понимать: где есть культура, там есть развитие, там есть адекватные люди. Где есть культура, там есть духовные люди, значит, туда можно вкладываться, что-то делать, развивать. Понимаете, о стране судят по ее культуре. В первую очередь мы должны культуру как имидж выстроить. И воспитывать молодежь.

«Астана Опера» сейчас проводит очень много мероприятий, когда школам выделяются билеты, дети могут прийти на спектакли. Для студентов, я уверен, есть скидки на билеты. Очень доступное искусство у нас. Театр «Астана Опера» очень доступный. Я по миру танцую, даже когда с премьерой «Собор Парижской богоматери» был в Новосибирске, там в премьерный день один билет стоил 150 тысяч тенге (около 19 тысяч рублей) и самый дешевый – 40 тысяч тенге (5 тысяч рублей). Все шесть спектаклей подряд был полный зал! Представляете, насколько они любят свой театр? Насколько они понимают, что там была мировая хореография? Вот как люди воспитаны в Новосибирске. Когда премьера шла в Риме, там колоссальных денег стоили билеты, и они моментально раскупались. Да, там другой уровень жизни. Но у нас же можно за тысячу тенге билет купить, и это в такой театр! Я по миру вообще пока нигде не видел театра такого уровня с такими условиями, как наш «Астана опера». И на этой сцене ставится мировая хореография. Недавно поставили шесть танцев Иржи Килиана. Шесть танцев могут позволить себе не все театры, даже Европы. Я не говорю о маленьких городах, там даже речь не идет об этом. Даже самые крутые, большие театры не могут себе это позволить. А мы позволили себе, поставили у себя. Наш зритель должен понимать, что на нашей сцене идет выдающийся балет ХХ-ХХI века. И посмотреть это за 1000 (120 рублей), даже 5000 тенге (630 рублей) – это очень дешево, очень доступно! Это даже дешевле, чем сходить в кинотеатр, где тебе просто прокрутят запись, которую целый день крутят, это не живое искусство. А сюда ты придешь, тебе сыграют 90 человек оркестра, еще столько же человек на сцене станцуют. Ты посмотришь прекрасный сюжет, в прекрасное место придешь, пофотографируешься, есть повод красиво одеться, позвать подругу. Мы, к счастью, имеем такую возможность, и мы должны ею пользоваться.

В чем вы видите свою цель, свою миссию? О чем сегодня мечтаете?

– Развитие казахского балета. Я вижу свою цель на данный момент в том, что я развиваю казахский балет именно на мировой арене. Чтобы про казахский балет говорили все и везде. Чтобы они понимали, что у нас есть отличие в плане ментальности – наши мужчины остаются именно мужчинами, девушки очень нежными созданиями. Очень во многих театрах эти грани стираются, к сожалению. Но это у нас остается. Я хочу это сохранить, чтобы даже спустя 100 лет это было. Чтобы казахские мужчины не теряли свою харизму, потому что мы имеем эту харизму. Мы имеем свой стиль танца, надо это продвигать. Есть французский балет, русский балет, датская школа, или американский балет. И также в будущем пусть говорят – казахский балет. Надо осмыслить, найти наши особенности и развиваться в этом направлении.

Справка:

Бахтияр Адамжан – Ведущий солист балета. Заслуженный деятель Казахстана (2018).

Родился в городе Сарыозеке Алматинской области. Окончил Алматинское хореографическое училище им.А.В. Селезнева (2003–2011). С 2011 по 2013 годы – солист ГАТОБ им. Абая. С 2013 года – солист, а с 2015 года ведущий солист ГТОБ «Астана Опера».

Лауреат Государственной молодежной премии «Дарын».

НАГРАДЫ:

Лауреат ІІ премии VII Международного конкурса хореографических училищ Сибири (Новосибирск, 2008);

Дипломант Международного конкурса KIBC (Южная Корея, 2009);

Лауреат І премии Международного конкурса артистов балета «Өрлеу» (2010);

Лауреат премии Фонда Первого Президента Республики Казахстан – Елбасы (2010, 2011, 2019);

Лауреат І премии Международного фестиваля творческой молодежи «Шабыт» (2012);

Лауреат II премии Международного конкурса артистов балета «Гран-при Сибири» (Красноярск, 2014);

Гран-при V Международного конкурса артистов балета в Стамбуле (Турция, 8 июля 2016);

Лауреат І премии XIII Международного конкурса танца в Сеуле (Южная Корея, 10 августа 2016);

Гран-при III Международного конкурса артистов балета в Астане (16 сентября 2016);

Гран-при Международного конкурса артистов балета VKIBC (Нью-Йорк, США, 2017);

Лауреат І премии XIII Международного конкурса артистов балета и хореографов в Москве (Россия, 2017).

Фото предоставлено пресс-службой ГТОБ «Астана Опера».
==========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2022091701
Тема| Балет, Башкирский театр оперы и балета, Персоналии, Елена Фомина
Автор| Лариса Шепелева
Заголовок| От былин до комиксов
Башопера готовит в новом сезоне немало сюрпризов
Где опубликовано| © «Республика Башкортостан»
Дата публикации| 2022-09-17
Ссылка| https://resbash.ru/articles/kultura/2022-09-17/ot-bylin-do-komiksov-2949584
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

6 сентября состоялось официальное открытие 85-го творческого сезона Башкирского театра оперы и балета. В этот вечер зрители увидели балетный концерт «Гранд Гала. Творческий вечер Елены Фоминой».

Самая заветная мечта Елены Фоминой сегодня — чтобы дочки были счастливы.Фото:Александр ДАНИЛОВ

В числе учеников народной артистки Башкортостана — ведущие солисты Башоперы, которые в этот вечер вышли на сцену, чтобы поздравить педагога с прошедшим юбилеем, и артисты многих российских театров. В Гранд Гала также приняли участие артисты Мариинского театра Алексей Атаманов и Наиль Хайрнасов, Мики Нисигути и Фидан Даминев из екатеринбургского Урал Балета, солист Астраханского театра оперы и балета Артур Альмухаметов и солист Краснодарского театра балета Юрия Григоровича Алексей Шлыков. Прима-балерина Башоперы Елена Фомина начала свой творческий путь в лучшей балетной школе мира — Ленинградском академическом хореографическом училище имени Вагановой. Позже дарование широкого диапазона позволяло ей перевоплощаться как в легких, нежных, воздушных лирических героинь, так и в острохарактерных, страстных и волевых. Она принимала участие во всех новых постановках театра. Сейчас передает свое мастерство воспитанникам в Башкирском хореографическом колледже имени Нуреева и является одним из самых востребованных репетиторов театра.

— Для меня это событие очень волнительное, — поделилась Елена Фомина перед концертом. — На одной сцене выступают мои друзья, коллеги, ученики. Сложно было всем собраться, но я рада, что это все-таки получилось.

Один акт, а сколько страсти

Корреспонденту «РБ» удалось задать артистке несколько вопросов.

— Вам удавались совершенно разноплановые образы. А какие из них были любимыми?

— Этот вопрос задают часто, но одной любимой роли у меня нет. Мы, артисты, настолько выкладываемся, готовясь к роли, что потом приходит опустошение, и хочется двигаться дальше. Я люблю каждую свою роль, потому что все они от души пережиты. Ведь, по сути, мы в первую очередь не артисты балета, а актеры. Сегодня я Зарема, завтра — Китри. Все образы разные, интересные.

— Но ведь наверняка есть роли, которые вам ближе по духу?

— Я люблю роли, где надо много играть, где много эмоций. Да, мне нравится Спящая красавица, это очень интересная и сложная партия, но Зарема в «Бахчисарайском фонтане»... всего один акт, а столько страсти! Сильная женщина, с характером. Мне такие роли всегда были ближе. Но после них очень хочется станцевать что-то хрупкое, нежное. Поэтому, повторюсь, люблю все свои роли.

— А в балет вы пришли по собственному желанию?

— Да. Когда мне было семь лет, я села в трамвай и поехала во Дворец пионеров, чтобы записаться в какой-нибудь кружок. (Своим детям я бы, конечно, такого не позволила, но тогда было другое время). Первой, с кем я там встретилась, была Ирина Ивановна Фомичева, руководитель балетной студии. Она меня, так сказать, перехватила, и я стала у нее заниматься. А через три года она посоветовала мне поступать в хореографическое училище в Питере.

— Что самое сложное и самое приятное в работе артиста балета?

— О приятном приятнее рассказывать — это выход на сцену. Он, конечно, волнителен, но когда все получается и зритель аплодирует, конечно, радостно. А вот подготовка к нему — тяжелый труд. Иногда видишь, как ребята плачут, когда что-то не получается...

— Каков срок службы пуантов прима-балерины?

— Сейчас пуанты не такие, как раньше, они удобные, долговечные, их можно стирать. У меня были американские пуанты, в которых работала целый год. А бывало, что балетных туфель хватало на три дня. Когда мы ездили на длительные гастроли, месяца на два, то везли в чемоданах по 30 — 40 пар пуантов — в аэропорту все думали, что мы их на продажу везем.

— Вы, наверное, побывали во многих странах. Куда хотелось бы снова вернуться?

— Гастролей было действительно очень много, а вернуться хотелось бы в Италию, она меня покорила своим темпераментом. Там очень эмоциональные зрители.

— Когда-нибудь жалели, что стали балериной?

— Я думаю, что каждый в какие-то моменты жалеет: когда что-то не получается, болит или ты элементарно растолстела. Но это все преходящее.

— Какое из ограничений, накладываемых профессией, вам давалось особенно трудно?

— Борьба с лишним весом. Есть девочки от природы хрупкие, стройные, а я такой не была и всю жизнь боролась с этим. Это очень сложно, и я бы своим дочкам такого не пожелала. Полине и Даше сейчас по 9 лет, в балет мы идти не планируем. Девочки ходят на танцы для души. А я сейчас хожу в спортклуб и очень активно занимаюсь.

— Как вы считаете как педагог, что важнее для артиста балета — физические данные или характер, трудолюбие?

— Конечно, когда присутствует и то, и другое — это идеально. Но сколько угодно примеров, когда артисты со средними данными становятся звездами.

— А что нужно для того, чтобы стать прима-балериной?

— Конечно, характер и такая черта, как терпеливость, с самого детства. Ну и удача очень важна, чтобы оказаться в нужное время в нужном месте. Чего я и желаю моим ученикам.

«Love is» для уфимцев

Творческим вечером Елены Фоминой Башопера начала серию мероприятий, посвященных юбилеям артистов театра. Впереди — бенефисы солистов оперной труппы Раиля Кучукова и Ларисы Ахметовой. Театральная жизнь в предстоящем сезоне обещает быть насыщенной.

Главным его событием станет опера «Садко», премьера которой состоится 25, 26 и 27 ноября. Дирижером-постановщиком стал главный дирижер Московского музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко народный артист России Феликс Коробов, для него это первый опыт работы с уфимскими артистами. Режиссер-постановщик — заслуженный артист России Аскар Абдразаков, художник-постановщик — заслуженный артист Башкортостана Иван Складчиков. Опера «Садко» никогда прежде не шла на сцене Башоперы. Впервые с этой полусказочной былинной историей работает и Феликс Коробов.

— Очень рад, что башкирский театр обращается к русской классике, потому что, к сожалению, она сейчас отошла на второй план. А ведь это важная составляющая для понимания своей культуры, — отмечает дирижер. — В вашем театре все заряжены энергией, и я рад включиться в такую атмосферу.

Как сообщили в театре, постановку «Садко» в Башопере принципиально отличает от предыдущих (в Большом и Мариинском театрах) полностью балетный акт «Подводное царство», который ставит народная артистка СССР Маргарита Дроздова.

— Если зритель не знает наш театр, то он может прийти на «Садко» и познакомиться сразу со всеми, — рассказал музыкальный руководитель театра Александр Алексеев. — В этой опере задействована полностью оперная и балетная труппы, хор — одновременно на сцене будут находиться больше 200 человек.

Создатели спектакля отмечают, что зрители увидят классическую постановку, без попыток переноса старины в современные обстоятельства и костюмы.

— Мы не пытаемся сделать копию, но это будет спектакль, максимально близкий тому, который увидели зрители, когда он был впервые поставлен, — подчеркнул Иван Складчиков.

2023 год для всего музыкального мира будет ознаменован празднованием 150-летия со дня рождения Сергея Рахманинова. В Башопере к этой дате будет поставлен балет, хореографом-постановщиком которого выступит руководитель Екатеринбургского театра оперы и балета, лауреат Российской театральной премии «Золотая маска» Вячеслав Самодуров.

Одна из предстоящих премьер — акапельный мюзикл «Love is», который планируют выпустить 14 февраля, в День влюбленных. В нем будут собраны песни о любви, в которых будут оживать картинки-комиксы из популярной жевательной резинки «Love is». Также театр выпустит спектакль по пьесе Александра Шульгина «Стакан воды».

Изюминкой сезона станет возобновление работы хореографической мастерской «Rudy Dance Lab» в марте следующего года, а также установка в малом зале театра органа и проведение музыкальных вечеров.

Елена С.

Номер ссылки| 2022091901
Тема| Балет, Театр "Астана Балет", Премьера, Персоналии, Кристина Полин
Автор| Флюра Мусина, балетный критик
Заголовок| Орфей без лиры
Где опубликовано| © Сайт Театр "Астана Балет"
Дата публикации| 2022-09-07
Ссылка| https://astanaballet.com/ru/news/reviews/orfey-bez-liry
Аннотация| Рецензия

Щедрый на новые постановки девятый театральный сезон театра «Астана Балет» по традиции завершился премьерой. Балет «Орфей и Эвридика» был показан в рамках «Вечера европейской хореографии», вторым отделением которого стали «Падшие ангелы» Иржи Килиана. Таким образом зрители смогли за один вечер посмотреть и хореографию классика современного танца Иржи Килиана (премьера которого состоялась несколько месяцев назад), и одноактный драматический балет молодого хореографа из Германии Кристины Полин. Прекрасная возможность для столичных театралов представить себе широкий диапазон стилей и направлений современного европейского танца.

Кристина Полин является последовательницей такого направления, как драматический балет, который в Германии уже долгое время развивает ее учитель и патрон Джон Ноймаер. «Наследник по прямой» основателя драматического балета в Германии Джона Кранко, Ноймаер танцевал в труппе штутгартского балета, здесь же начал ставить свои первые хореографические опусы. Позже, возглавив в 1973 году балетную труппу Гамбургской государственной оперы, он продолжает ставить балеты на стыке неоклассического танца и contemporary dance (число их перешагнуло за сотню), а также способствовать становлению и развитию молодых хореографов.

Вот и Кристина Полин, которая в июле этого года завершила свою танцевальную карьеру в гамбургском балете, стала хореографом благодаря наставничеству и поддержке мэтра немецкого танцевального искусства. Выпускница «Ballettzentrum Hamburg - John Neumeier», Кристина свои первые опусы начала ставить в родной компании, это были небольшие миниатюры, в которых она пыталась рассказывать истории, которые чем-то затронули ее чувства. «Мне не близка бессюжетная хореография, поэтому с первых своих постановок я вдохновлялась историей, будь то большая литература, миф, легенда или просто биография известной личности». В копилке молодого хореографа около двадцати работ, некоторые из которых поставлены на мифологические сюжеты: «Пигмалион», «Эрос и Психея», «Икар»; другие - по литературным сюжетам Данте, Чехова, Шекспира. Есть и биографические спектакли, так, последняя из работ, поставленная в Зальцбурге, рассказывает историю взаимоотношений Фредерика Шопена и Жорж Санд.

И все же, мифологические персонажи, вероятно, для хореографа ближе и желаннее, поскольку для постановки в театре «Астана Балет» был выбран миф об Орфее. Сюжет, правда, был несколько модернизирован, ситуация перенесена в современность, а Орфей меняет сладкозвучную лиру на ручку и бумагу и предстает в балете в образе писателя. И свою историю потерь и обретений он ретроспективно рассказывает монаху в горах, а в конце балета ему же отдает исписанные листочки, благодаря чему, легенда об Орфее и Эвридики, по версии автора, осталась в веках. Причиной гибели Эвридики становится все тот же Аристей, только здесь он предстает в образе неудачливого писателя, книгу которого никто не хочет читать. Преследуя своей навязчивой любовью Эвридику, он становится причиной ее гибели, которую в балете не показывают, что, впрочем, неважно. Важно, что змеи, укусившей Эвридику, в этой истории тоже нет, и гибель Эвридики лишается своего символического смысла, становится просто несчастным случаем. Зато в балете присутствуют другие обитатели греческого пантеона – Эрос и Психея. По замыслу хореографа эта пара иллюстрирует в развернутых дуэтах чувства влюбленных, о которых рассказывает Орфей. Дальше все по мифу – безутешный Орфей приходит к берегу реки Стикс и, разжалобив своей историей перевозчика через реку Харона, попадает в страну мертвых. В этом спектакле это глубокая и темная шахта, где трудятся измазанные угольной пылью, ждущие последнего суда души. Эффектный выход Аида и Персефоны, которым Орфей опять рассказывает свою историю, и которые разрешают влюбленным покинуть страну мертвых с известным условием для Орфея – не оглядываться. Для надежности глаза Орфея закрывают темной повязкой. Орфей, в сопровождении Эроса и Психеи, и следующая за ними Эвридика, пробежав сцену и спустившись в зрительный зал, почти у цели, еще немного и влюбленные спасут свою любовь и вернутся домой. Но сомнения одолевают Орфея, и он срывает повязку, чтобы убедиться, что тень Эвридики следует за ним. В заключительном дуэте под волнующую музыку Элгара Орфей прощается с Эвридикой, теперь уже навсегда. И когда тень ее удаляется, уходит жизнь и из Орфея. Он успевает только передать листочки со своей историей склонившемуся над ним монаху…

Не обращаясь к известным партитурам оперы К.В. Глюка и балета И. Стравинского, Кристина Полин сделала музыкальную компиляцию для своего спектакля, использовав три части из четырехчастной Пятой симфонии С. Прокофьева, «Энигма-вариации» Э. Элгара, «Сарабанду» Г.Ф. Генделя и техномузыку современного композитора Д. Джаконелло. Лирические дуэты Орфея и Эвридики идут под Элгара; сарабанду блестяще исполняют в подземном царстве Аид и Персефона (Б. Тунгатаров и Н. Фернандес-Менес); шахтеры, они же души в царстве мертвых, мерцают фонариками под техномузыку, а все остальное действие идет под музыку Прокофьева. Пластичные музыкальные темы второй части симфонии, отмеченные графической остротой контуров, дают хореографу основу для сочинения гротескных массовых сцен – в типографии и в подземном царстве (в данном контексте – в шахте). Пятая симфония, непрограммное по своей сути произведение Стравинского, не имеет четко выраженного драматургического развития, но, по мнению музыковедов «выражает страстное желание композитора утвердить в образах музыки величие и непреходящее значение духовных ценностей». Вероятно, этим посылом и объясняется выбор этого произведения хореографом, которая в своем балете не пыталась разгадать символическое значение мифа, не стремилась выразить в танце архетипы творчества, а прежде всего, следуя музыке, утверждала непреходящую силу любви. Недаром эта симфония носит название «Величие духа».

В очередной раз хочется отметить прекрасную работу оркестра театра под руководством дирижера Армана Уразгалиева. В кратчайшие сроки музыканты освоили сложнейшую партитуру Сергея Прокофьева, несмотря на плотный график гастролей и премьер. При этом дирижеру удалось органично связать между собой принадлежащие к разным стилям и эпохам произведения. А учитывая особенности дирижирования балетных спектаклей, работа была сделана блестяще.

Сценография спектакля Отто Бубенчика (в прошлом блестящего солиста Гамбургского балета) и костюмы Денниса Пешке отличались лаконичностью и простотой. Геометрическая зеркальная конструкция, подвешенная на штанкетах, олицетворяла по мере необходимости, и горы, и нависшую над героями опасность, а также зловеще мерцала багровыми всполохами в царстве Аида. Остальные приметы времени и места действия обозначались с помощью скромных видеопроекций, изображающих небо, облака или лодку перевозчика Харона.

Но главным достижением нового балета стали, конечно же, актерские работы солистов труппы «Астана Балет». По признанию хореографа, работа шла необыкновенно продуктивно, артисты работали с полной отдачей. Кристина Полин восхитилась уровнем труппы и количеством прекрасных солистов, поэтому кастинг главных героев был непростой задачей. Было выбрано два состава исполнителей на роли Орфея и Эвридики – ведущие солистки Татьяна Тен и Айнур Абильгазина, а также Уэсли Карвальо и Сундет Султанов. И с каждым из них хореограф работала индивидуально. Причем работа шла в тесном сотворчестве, постановщик давала возможность артистам самим додумывать движения, выбирать удобные, идущие от внутреннего импульса и понимания образа позировки и движения. таким образом зрители в разные премьерные дни увидели не просто исполнение партий разными артистами, но и, в какой-то мере, различный хореографический текст.

Одним из ярких моментов спектакля стала сцена в подземном царстве, замечательный дуэт Аида и Персефоны в исполнении Байхадама Тунгатарова и Натальи Фернандес-Менес. Изобретательная хореография, блестящая техника и энергетика артистов вызвала гром аплодисментов в зале. В трехминутной сарабанде Генделя артистам удалось показать целый спектакль с яркими характерами и историей персонажей.

Также выразителен был Харон в исполнении Артура Эдсона. Дуэты Орфея и переправляющего его через реку перевозчика через реку мертвых отличались интересными пластическими ходами и сложными поддержками.

Не всегда удавалось выразить в танце свои чувства главным героям – Орфею и Эвридики. По замыслу хореографа эта задача делегировалась Эросу и Психеи, которые выражали в двух похожих дуэтах историю любви мифологических героев. И все же, несмотря на ограниченность хореографического текста и лексики ведущие артисты театра создали запоминающиеся образы. Особенно трепетно звучали дуэты в исполнении Айнур Абильгазиной и Сундета Султанова. Артисты договаривали свои чувства взглядом и легким касанием рук, шелестом платья и точным, идущим от сердца жестом. Заключительный дуэт-прощание Орфея и Эвридики был исполнен с большим драматическим накалом и хореографически безупречно.

Прекрасному характерному танцовщику Эльдару Сарсембаеву, исполнившему партию Аристея, к сожалению, в этом спектакле не представилась возможность блеснуть своей техникой, так как партия была решена в большей мере средствами пантомимы. В таком же ключе был представлен Монах, внемлющий рассказу писателя Орфея.

Все массовые сцены в типографии и шахте, которые шли под сложную музыку Прокофьева были тщательно отрепетированы педагогом -репетитором Асель Абакаевой, которая во время всего постановочного периода ассистировала приглашенному хореографу. Результаты такой слаженной работы порадовали и постановщиков, и артистов, которые в короткие сроки, при невероятной загруженности труппы сумели представить зрителям новый балет.

«Это очень красивая история, - считает художественный руководитель театра Астана Балет Нурлан Канетов. - В ней рассказывается о таких вечных вещах как потеря любимого, бессмертие души, зависть, любовь. И я думаю, что это очень хорошая возможность для наших артистов проявить свои актерские возможности. Не случайно мы пригласили для постановки Кристину Полин, ученицу Джона Ноймайера, который считается одним из лучших создателей драматического балета в Европе».

Несомненно, история любви мифологических героев займет свое достойное место в галерее образов репертуарной афиши театра «Астана Балет». Так как она была рождена в атмосфере творчества и взаимопонимания, которая является залогом успешного спектакля.

Автор: Флюра Мусина, балетный критик

Елена С.

Номер ссылки| 2022091902
Тема| Балет, Театр оперы и балета Республики Коми, Премьера, Персоналии, Туомас Кантелинен, Андрей Меркурьев
Автор| Полина Романова
Заголовок| Юбилейный сезон в театре оперы и балета откроется «фантазией сумасшедшего балетмейстера»
Где опубликовано| © Журнал "Регион" (Коми)
Дата публикации| 2022-09-15
Ссылка| https://ourreg.ru/2022/09/15/jubilejnyj-sezon-v-teatre-opery-i-baleta-otkroetsja-fantaziej-sumasshedshego-baletmejstera/
Аннотация| Премьера

Коми государственный театр оперы и балета анонсировал журналистам содержание юбилейного, 65-го сезона главной музыкальной сцены страны.

16, 17 и 18 сентября – впервые в течение трех дней – сыктывкарцы и гости столицы увидят премьеру балета «Русалочка» на музыку современного финского композитора Туомаса Кантелинена. Главный балетмейстер театра, в шутку назвал спектакль «фантазией сумасшедшего балетмейстера», имея в виду ряд вольностей, которые позволили себе постановщики в отношении музыки и концепции балета.

Была перекроена музыка, изменен порядок номеров и либретто, введен оперный состав – и все это благодаря абсолютной свободе в обращении с музыкальным материалом, который дал сыктывкарским коллегам финский композитор.

— В спектакле много сюрпризов, которые я раскрыть не могу, — признался главный балетмейстер театра оперы и балета Андрей Меркурьев. – Финал будет открытым, и зритель, уходя из зала, унесет с собой два-три варианта концовки. Это балет с юмором и со скрытыми смыслами.

Сыктывкарская команда создала свое либретто. За основу взяли историю Андерсена, но нашли новые решения. В финской постановке есть прямой контакт со зрителями через слово, по задумке автора, его ведет сам Андерсен. В новой постановке Русалочка почти не контактирует с Принцем и не спасает его от гибели.

Хореография, по словам Андрея Меркурьева, рождалась очень легко и словно сама – под влиянием «говорящей», «волшебной» музыки. Все артисты – и взрослые, и юные – работали с огромным желанием и «горящими глазами».

Все три премьерных дня зрители увидят трех разных Русалочек – в исполнении примы театра Натальи Супрун, Анастасии Лебедик и талантливой выпускнице сыктывкарского Колледжа искусств Валерии Загайновой.

Директор театра Дмитрий Степанов раскрыл планы относительно дальнейшего сотрудничества с финским композитором: в следующем сезоне зрители увидят «Снежную королеву», которую театр должен был поставить на два года раньше, если бы не ковид. Работу над балетом он назвал живым творческим процессом, когда концепция может поменяться за неделю до премьеры, а после нее снова измениться.

Несмотря на то, что в афише «Русалочка» заявлена как семейный спектакль, создатели считают, что он для взрослых. «Потому что про любовь», — пояснил главный дирижер Роман Денисов. В начале сезона он работает в паре со своим коллегой Александром Дмитриевым, который специально на премьеру приехал из Франции. Дирижер отметил колоссальный рост уровня театра: балетной труппы, оркестра и солистов. Ему есть с чем сравнивать: Александр Дмитриев руководил сыктывкарским оркестром в 2005 – 2006 годах.

Оценивая работу с сыктывкарскими коллегами, Туомас Кантелинен отметил, что чувствует родство с Коми и ему приятно говорить здесь по-фински.

— Мне приятно, что о моей музыке тут говорят как о музыке классиков, которые уже ушли, — пошутил он, комментируя лестные отзывы о своем творчестве.

Анонсируя дальнейшее сотрудничество с финским композитором, Дмитрий Степанов заметил, что это новый виток развития сыктывкарского театра.

— Это неповторимый стиль музыки, вокруг которой крутится все. В таком музыкальном направлении наш театр еще никогда не работал, — отметил он.

Елена С.

Номер ссылки| 2022091903
Тема| Балет, Образовательный центр «Сириус», Персоналии, Анна Меловатская
Автор| пресс-центр
Заголовок| ПЕДАГОГ МОСКОВСКОЙ ГОСУДАРСТВЕННОЙ АКАДЕМИИ ХОРЕОГРАФИИ ПРОВОДИТ В «СИРИУСЕ» ЗАНЯТИЯ ПО АКТЕРСКОМУ МАСТЕРСТВУ
Где опубликовано| © сайт "Образовательного центра «Сириус»"
Дата публикации| 2022-09-16
Ссылка| https://sochisirius.ru/news/5593
Аннотация|

Каждый артист балета должен быть не только танцовщиком с высокой технической подготовкой, но и хорошим актером. В программы по хореографии Образовательного центра «Сириус» вместе с мастер-классами по танцам входят уроки актерского мастерства. В сентябре эти занятия для участников проводит кандидат искусствоведения, преподаватель Московской государственной академии хореографии Анна Меловатская.

В хореографических училищах уроки по актерскому мастерству начинаются у первокурсников в 16 лет. Студенты начинают с простейших упражнений и учебных этюдов, а затем изучают характер и психологию героев мировой сценической классики, разбирают балетные постановки. Но в «Сириусе» такие занятия проводятся для юных танцовщиков, и поэтому программу занятий строят по-особенному.

Свой предмет преподаватель по актерскому мастерству Анна Меловатская начинает с разминки: вместе с учениками разыгрывает небольшие мизансцены: юные танцовщики «пекут» пирог на кухне или «сажают» овощи в огороде. Все молча, только движениями. Такое простое упражнение помогает участникам программы включиться в игру и наладить контакт с педагогом. Анна Евгеньевна уверена, что именно доверие ученика к преподавателю помогает ребенку раскрыться и перестать стесняться.

«Если ученик не верит в то, что он сочиняет перед педагогом, то он не сможет вжиться в роль. Артист балета должен быть индивидуальностью, но для этого нужно себя узнать, понять и принять таким, какой ты есть. Уже на эту личностную базу накладывается образ. Человек, который осознает себя как личность, может создать что-то новое, а тот, кто в себе не уверен, не может выстроить ничего», – рассказала преподаватель.

Одно из заданий нацелено именно на это. Задача проста: нужно придумать и в движениях изобразить зверя. Анна Евгеньевна уверена, что танцующий актер должен проживать любые образы, а изображение фантастических животных и птиц, которых нет в природе, – это способ отойти от привычных нам шаблонов поведения. Благодаря тому, что педагог позволяет ребенку самому выбрать животное и его манеру поведения, тот может свободно фантазировать и импровизировать.

При этом важно не только продумать внешний вид изображаемого зверя, но и его внутренний мир: о чем он думает, какие инстинкты им движут. Задание осложняется тем, что работать нужно не одному, а в паре. Изображая «крокодилогепарда», многоголовую змею или летающего тигра, молодые танцовщики больше играют друг с другом, чем полностью перевоплощаются. Но и такому взаимодействию с партнером необходимо учиться.

«Партнеры – это спасение. Вы можете помочь друг другу перестать стесняться, начать импровизировать. На сцене актеру важно передать идею, смысл зрителю, и партнер помогает сделать это лучше всего», – объяснила Анна Евгеньевна.

Но есть и упражнения, которые ребята должны выполнять в одиночку. У каждого человека свои страхи, поэтому и полосу препятствий Анна Евгеньевна позволяет придумать себе самому. Танцовщикам нужно самостоятельно пересечь балетный зал, представив его полосой препятствий с ловушками: бассейн с горящей лавой, падающий потолок, нападение насекомых и многое другое.

Хотя кажется, что с заданием справиться просто, не у всех сразу это получается. Так, многие ученики быстро и стремительно справляются со всеми «испытаниями». Попытка вызвать одобрение преподавателя зачастую оборачивается неудачей. Ведь поставив цель быстро и четко выполнить задание, ребята не успевают сконцентрироваться на самих испытаниях, отрефлексировать, что с ними происходит. А ведь важно именно прочувствовать страх, смятение, неуверенность. Вообразить то, чего на самом деле нет, и поверить в это.

«С детьми работать непросто, но в “Сириус” приезжают мотивированные ребята, которые видят свою цель – статья профессиональными артистами балета. В Образовательный центр дети прибывают голодные до творчества и познания профессии. Поэтому кроме классического, современного и историко-бытового танца важно дать им зерно актерского мастерства. Они с юных лет должны понимать, что они – танцующие актеры, а не просто исполнители физических движений», – прокомментировала преподаватель.

Мастер-классы по актерскому мастерству войдут в программу по хореографии, которая пройдет в январе, тогда же и начнется набор на нее. Подать заявку можно на странице направления «Искусство».

======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2022092001
Тема| Балет, Татарский театр оперы и балета им. М. Джалиля, Персоналии, Вагнер КАРВАЛЬО
Автор| Алина Раджабова
Заголовок| Вагнер КАРВАЛЬО: «Победить на московском конкурсе было мечтой»
Где опубликовано| © журнал "Республика XXI век"
Дата публикации| 2022-09-06
Ссылка| https://clck.ru/325s2f
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В балетном мире существуют своего рода Олимпийские игры: раз в четыре года в Большом театре на исторической сцене проходит Международный балетный конкурс. Он зародился еще в 1969 году. Первым председателем жюри была легендарная балерина, народная артистка СССР Галина Уланова. С 1973 года неизменным председателем стал известный хореограф-постановщик, народный артист СССР Юрий Григорович. Благодаря конкурсу мир узнал о таких выдающихся танцовщиках, как Михаил Барышников, Надежда Павлова, Николай Цискаридзе, Андрис Лиепа, Наталья Осипова и другие.

Фото автора

XIV Международный конкурс артистов балета, который состоялся в июне этого года, был посвящен 95-летию Юрия Григоровича. Победителем в номинации «Мужчины, дуэт» стал премьер Татарского театра оперы и балета им. М. Джалиля, лауреат международных конкурсов, в 2018 году победитель проекта «Большой балет» на телеканале «Россия – Культура» в паре с Амандой Гомес – Вагнер Карвальо.

– Вагнер, с огромной радостью поздравляю с победой в таком престижном конкурсе! Расскажите, как Вы пришли в балет.

– В моей семье никто никогда не занимался балетом. Когда мне было девять лет, наш класс посетили педагоги из школы Большого театра в Бразилии для того, чтобы отобрать новых учеников. С детства я обладал хорошей координацией и растяжкой, поэтому меня пригласили учиться у них. Так я оказался в балете, и постепенно он покорил мое сердце.

– Какова была реакция родителей?

– Мама всегда меня поддерживала, отвозила на занятия и спектакли.

– На кого из танцовщиков ориентировались в детстве?

– В первом классе педагоги показали видео с Владимиром Васильевым. Они сказали, что так должен танцевать настоящий мужчина. Меня это сильно вдохновило.

– Как получилось, что Вас пригласили работать в театр имени Мусы Джалиля?

– Вместе с Таис Диоженес мы участвовали в Международном конкурсе «Арабеск», где наше выступление увидел художественный руководитель балета Владимир Алексеевич Яковлев. После выступления он предложил нам приехать в Казань, чтобы пройти просмотр в труппу. А я всегда мечтал о России… В 2017-м перебрался сюда, в столицу Татарстана.

– Ваше первое впечатление о Казани?

– Мне все сразу понравилось. Особенно то, что здесь не так много людей, как в Москве. Тут приятно находиться даже зимой. Холод мне не мешает.

– Знаю, что Ваша землячка Аманда Гомес уже работала в нашем театре. Она рассказывала что-нибудь о труппе, городе?

– Аманда сказала, что здесь очень хороший театр, репертуар и труппа. Она верила в нас с Таис и убеждала, что все получится.

– Какую партию Вы исполнили на татарстанской сцене первой?

– Впервые вышел в па-де-труа в балете «Лебединое озеро» Петра Чайковского. Очень волновался, хотелось показать руководству, на что я способен. Через какое-то время мне доверили партию Ромео («Ромео и Джульетта» Сергея Прокофьева) и Принца из балета «Белоснежка и семь гномов» Карена Хачатуряна.

– Вы разнохарактерный артист: гармонично выглядите и в лирических, и в героических партиях. Какие ближе?

– Героические. Хотя с детства все говорят, что по типажу мне больше подходят роли романтичных принцев. А я более комфортно ощущаю себя в воинственных партиях.

– К слову о героических образах: Вы сейчас работаете над премьерой партии Спартака в постановке Георгия Ковтуна. А на конкурсе в Москве исполняли адажио в легендарной постановке Юрия Григоровича…

– Это две очень разные постановки. До приезда в Россию я не знал о спектакле Георгия Ковтуна, но могу сказать, что она очень хорошая. Мне нравится работать над образом своего героя.

– Как проходили балетные состязания? Московская публика приняла вашу пару?

– Первый конкурс, на котором я ощущал себя спокойно, а публика каждое наше выступление встречала очень тепло, награждая громкими аплодисментами.

– Вы часто танцуете в паре с Амандой Гомес…

– Она отличный партнер и человек, Аманда всегда поддерживает и вдохновляет. Я считаю, что победой на конкурсе во многом обязан ей. Когда есть хороший партнер, жюри смотрит на выступления иначе, более доброжелательно. Обожаю танцевать с Амандой!

– Какой номер на конкурсе был для Вас вдохновляющим?

– Давно хотел исполнить партию Спартака в хореографии Григоровича. И желание осуществилось! Победить на московском конкурсе было мечтой. Это самая важная для меня победа!

– А теперь о планах на будущее.

– Хочу станцевать все ведущие партии в нашем театре!

– Вагнер, что дает Вам силу и энергию?

– Безусловно, семья. Всегда думаю о родных. Несмотря на то что мы далеко друг от друга, их поддержка ощущается каждый день. И, конечно, профессия – мое вдохновение. Я люблю то, чем занимаюсь: спектакли, репетиции – все дарит мне силы.

Фото предоставлены пресс-службой ТАГТОиБ им. М. Джалиля

Елена С.

Номер ссылки| 2022092002
Тема| Балет, ХХ1 Летние Балетные Сезоны, Персоналии, Ольга Сизых (МАМТ)
Автор| Вера Кошелева
Заголовок| Две премьеры Ольги Сизых на Летних Балетных Сезонах
Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2022-09-20
Ссылка| https://musicseasons.org/dve-premery-olgi-sizyx-na-letnix-baletnyx-sezonax/
Аннотация|

28 августа 2022 года закончились ХХ1 Летние Балетные Сезоны, традиционно проходившие в Москве, на сцене Российского академического Молодежного театра. Демократические по своей сути, Сезоны вновь позволили приобщиться к прекрасному миру Балета многочисленным зрителям самых различных возрастов: от дошкольного до пенсионного. Благодаря доступности Сезонов, значительная часть зрителей из различных регионов нашей страны впервые смогла увидеть балеты классического наследия на сцене в сопровождении живого оркестра.

Другим несомненным достоинством Сезонов является возможность приглашенным артистам балета раскрыть новые грани своего таланта, обогатить свой репертуар и исполнить главные партии, о которых они давно мечтали. Ярким примером этого может служить первое исполнение на сцене РАМТа партий Жизели и Никии артисткой балета Ольгой Сизых. Ее пригласила участвовать в Сезонах тонкий ценитель талантов, художественный руководитель труппы Национальный Классический Балет, Анна Нехлюдова.

Ольга Сизых получила разностороннее хореографическое и музыкальное образование. Она окончила Академию танца Натальи Нестеровой по двум специальностям: артистка балета и педагог-репетитор. Пять лет училась в Музыкальной школе имени Арама Хачатуряна по классу фортепиано и по классу флейты. Прекрасно играет на гитаре.

С 2004 года и по сей день Ольга Сизых служит ведущей солисткой балетной труппы Музыкального театра им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко. В этом театре ей посчастливилось готовить свои партии с такими замечательными педагогами-репетиторами, как Маргарита Сергеевна Дроздова и Татьяна Анатольевна Чернобровкина. При подготовке партии Одетты-Одиллии в балете «Лебединое озеро» П. Чайковского. Ольга Сизых консультировалась с педагогом-репетитором Большого театра России, Марией Владимировной Быловой.

Московские балетоманы хорошо знают Ольгу Сизых по ее лучшим партиям, исполненным на сцене Музыкального театра имени К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко. Незабываемы героини Ольги Сизых: искрометная и свободолюбивая Китри в «Дон Кихоте» Л. Минкуса; гордая и таинственная Хозяйка Медной горы в «Каменном цветке» С. Прокофьева (на эту партию Ольгу Сизых выбрал сам хореограф Ю.Н. Григорович); любящая и страдающая Купава в «Снегурочке» П. Чайковского; жестокая Мирта в «Жизели» А. Адана и мстительная Гамзатти в «Боядерки» Л.Минкуса.

Во время гастролей с разными труппами по России и за рубежом Ольга Сизых неоднократно танцевала прекрасных героин в балетах П. Чайковского Одетту-Одиллии в «Лебедином озере», Аврору в «Спящей красавице», Мари в «Щелкунчике». И, конечно, Ольге Сизых очень хотелось исполнить роли Жизели и Никии. Премьеру Ольги Сизых в этих немеркнущих балетных партиях посчастливилось увидеть зрителям Летних Балетных Сезонов в августе 2022 года.

Жизель – Ольга Сизых

В двух названных партиях проявились в полной мере особенности исполнительского стиля Ольги Сизых, идеалом которой является сдержанный драматизм, проникновенный лиризм и естественность танца, без крикливых эффектов. Ольга Сизых в совершенстве владеет всем богатством выразительных средств классической танцовщицы. Но виртуозная техника всегда подчинена в ее творчестве духовному содержанию образа и никогда не становится самоцельной, самодовлеющей. Тонкая музыкальность, пластическая кантилена, мягкость, певучесть линий, плавность перехода от одного движения к другому – все это позволяет рассматривать Ольгу Сизых как продолжательницу исполнительской традиции выдающихся русских балерин Любови Егоровой и Галины Улановой.

Образ Жизели в первом акте Ольга Сизых рисует светлыми пастельными красками. Своей безграничной доброжелательностью и незаурядным талантом Жизель-Сизых щедро одаривает всех окружающих: веселых подруг, восхищенных односельчан, любимого юношу, переодетого в крестьянина графа Альберта. Обаяние Жизели неотразимо, ему поддаются и юный граф Альберт, и гордая герцогиня Батильда, пока не узнает, что крестьянка Жизель – ее соперница.

Рядом с Жизелью-Сизых трудно представить Альберта как коварного обманщика и бессердечного соблазнителя. Альберт Игоря Негробова искренне любит Жизель, он находит рядом с Жизелью ту полноту жизни и счастья, которые тщетно искал в роскошном замке герцога и его дочери Батильды, выбранной его родителями ему в жены по соображениям знатности и богатства.

Жизель – Ольга Сизых

Сцену сумасшествия Жизели Ольга Сизых проводит без надрыва, свойственного многим исполнительницам этой партии. В трактовке Сизых, это не патологическое состояние, а смятение души героини, пытающейся осознать глубинные причины постигшей ее катастрофы. В последние минуты к Жизели возвращается рассудок. Чувствуя приближение смерти, она устремляется сначала к матери, а затем к Альберту. Последний ее взгляд, обращенный к Альберту, говорит: «Понимаю! Люблю! Не забывай меня!»

И Альберт не забыл Жизели. Адажио Жизели-Сизых и Альберта-Негробова во втором акте звучит как диалог двух любящих душ, который не в силах прервать даже смерть. В своем музыкальном, воздушном, устремленном в высь танце Жизель-Сизых выражает величие своей милосердной, всепобеждающей и всепрощающей любви. Жизель-Сизых не просто спасает жизнь Альберта от разъяренных и мстительных вилисс, она обещает ему свою вечную духовную поддержку во всех превратностях судьбы.

Другая ведущая партия, которую Ольга Сизых впервые исполнила на сцене РАМТа – это Никия в балете «Баядерка» Л. Минкуса. По сравнению с Жизелью, незаурядный дар танцовщицы, психологически напряженный внутренний мир и драматизм судьбы Никии Ольга Сизых передает более насыщенными и экспрессивными красками. Придавая классическому танцу элементы восточного колорита, Ольга Сизых сохраняет чувство меры и благородство исполнения даже в самых острых эпизодах спектакля, что удается немногим современным исполнительницам этой труднейшей классической партии.

Если Жизель с раннего детства и до дня разоблачения обмана Альберта жила в атмосфере всеобщей любви, которой ее окружали ее заботливые мать Берта, добрые подруги и односельчане, то Никия выросла в суровых условиях строгих религиозных правил. Никию, как и всех будущих баядерок, в нежном возрасте забрали у родителей в храм, где обрекли к пожизненному служению в качестве храмовой танцовщицы.

В трактовке Ольги Сизых, годы, проведенные Никией вдали от родителей, не убили в ее душе стремление к полнокровной жизни, желание любить и быть любимой. А большой талант не только позволил стать лучшей и прекраснейшей храмовой танцовщицей, но и помог осознать свое человеческое достоинство, дал силы и мужество, чтобы защищать собственный выбор жизненного пути, отстаивать свое право на любовь и счастье.

Никия – Ольга Сизых

Встреча со знатным воином Солором стала судьбоносной для Никии. Любовь – вот отныне ее храм, ее религия. Никии не нужны ни богатство, ни знатность, которые ей предлагает Великий брамин в обмен на ее любовь. Клятва Солора в вечной верности – вот подлинное сокровище Никии. Она соглашается бежать с Солором в другую страну, где они обретут счастье.

Танец Никии-Сизых в сцене объяснения с Солором проникнут такой трепетностью чувств, таким проникновенным лиризмом и богатством ассоциаций, которые рождаются, только в моменты полного созвучия музыки оркестра и пластика артистки. Почувствовать эту магию таланта артистки смогли зрители, пришедшие в РАМТ в день премьеры Ольги Сизых в партии Никии.

Однако счастье, к которому стремились Никия-Сизых и Солор-Мануйлов в реальной жизни оказалось невозможным. Враждебное кольцо сильных мира сего неотвратимо сжимается вокруг прекрасной и гордой Никии-Сизых. Месть Великого брамина, решение раджи выдать замуж за Солора свою дочь Гамзатти, тщетная попытка Гамзатти заставить Никию отказаться от Солора – все вело к трагическому концу.

Искреннее сострадание и восхищение силой духа своей героини вызывает Ольга Сизых в сердцах зрителей в сцене гибели Никии. Умирая от укуса змеи, Никия-Сизых решительным жестом отбрасывает флакон с противоядием, который ей предлагает Великий брамин. Последние слова баядерки, слова вечной любви и преданности, обращены к потрясенному Солору.

Потеряв Никию, Солор-Сергей Мануйлов утрачивает всякий интерес к жизни. Безутешный, он следует за ней в мир теней, где царят вечная любовь, красота и совершенство.

Премьеры Ольги Сизых в партиях Жизели и Никии были очень тепло приняты и зрителями, и критиками. Хочется надеяться, что мы еще не раз увидим ее в этих партиях.

Фото предоставлены Ольгой Сизых

Елена С.

Номер ссылки| 2022092101
Тема| Балет, НОВАТ, Персоналии, Михаил Лифенцев
Автор| пресс-служба
Заголовок| Михаил Лифенцев: «Балет “Тщетная предосторожность” – это возможность лишний раз улыбнуться»
Где опубликовано| © сайт театра
Дата публикации| 2022-09-21
Ссылка| https://novat.nsk.ru/news/interview/mikhail-lifentsev-balet-tshchetnaya-predostorozhnost-eto-vozmozhnost-lishniy-raz-ulybnutsya/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Премьер балетной труппы НОВАТа Михаил Лифенцев – настоящий мастер перевоплощений. Танцовщик неотразим в образе красавца-тореадора Эспады в балете «Дон Кихот», в роли благородного капитана Конрада в балете «Корсар», в партии брутального римского полководца Красса в балете «Спартак». Но мужественному и харизматичному артисту удается быть столь же убедительным и в роли эффектной роковой красавицы Феи Карабос в балете «Спящая красавица», и в партии строгой, но обаятельной мадам Симоны в остроумном, ярком балете «Тщетная предосторожность».

Накануне ближайших показов «Тщетной предосторожности» мы публикуем интервью Михаила, в котором артист рассказал о своей работе над партией вдовы Симоны.

– Для вас было сложно готовить эту партию?

– Это не первый женский образ, который мне довелось воплотить – была еще Фея Карабос, так что мне не впервой примерять женское платье. Вдова Симона – это весьма непростая работа, но очень интересная и приятная. В партии большой объем жестов, пантомимы, много взаимодействий с партнерами, но все это очень музыкально, нужно раскладывать все движения на такты, быть очень точным – импровизация здесь не всегда уместна. Иногда проще исполнить какую-то вариацию, чем выполнять бытовые жесты, играть и при этом попадать в музыку. К тому же здесь важно сохранить комическую составляющую, но при этом не сделать образ пародийным, гротескным. Конечно, я смотрел, как эту партию танцует Николай Цискаридзе, даже брал для себя что-то, но когда выходишь на сцену в спектакле, ты идешь от своего «нутра», от своей индивидуальности. Не скрою, начинал работать над партией без особого энтузиазма, но в процессе репетиций полюбил, начал получать удовольствие и теперь с каждым спектаклем роль Симоны мне нравится все больше и больше.

– Знаменитый «Танец в сабо» было сложно готовить?

– На самом деле, не особенно. Заучить порядок движений, добавить немного юмора – это несложно, основная сложность – специфическая обувь, у которой деревянная подошва. Пришлось много репетировать, чтобы был четко слышен звук – стук башмаков о сцену.

– Что ждет зрителей этого балета?

– «Тщетная предосторожность» – это возможность отключиться от обыденной жизни и ежедневных забот, погрузиться в театральную атмосферу и лишний раз улыбнуться. На этот балет нужно идти с праздничным настроением – вы непременно получите удовольствие и посмеетесь от души!

Премьера. Балет «Тщетная предосторожность». Музыка Луи Жозефа Фердинанда Герольда, хореография Фредерика Аштона – 24 сентября в 13:00 и в 18:00 с участием Михаила Лифенцева (Вдова Симона).

Елена С.

На Новой сцене Большого театра «Донбасс Опера» представила вечного странника Пера Гюнта — балет на музыку Эдварда Грига показали в рамках Седьмого фестиваля «Видеть музыку», он проводится при содействии Минкультуры РФ и Президентского фонда культурных инициатив.

Генрик Ибсен написал свою пятиактную драматическую поэму в 60-е годы ХIХ века, сегодня полный текст осиливают единицы и не все из них понимают смыслы — слишком глубоко заглянул автор в экзистенциальные бездны, многое замешал на загадочном для нас фольклоре, древних сказаниях и мистических персонажах. Впрочем, это предчувствовал сам Ибсен, предупреждая: «Пер Гюнт менее всего может быть понят за пределами скандинавских стран». Театр же полюбил бунтаря и сумасброда, познавшего свое предназначение только на пороге вечности. Все воплощения пьесы — в кинематографе, музыке, балете, на драматической сцене — это вольные фантазии и вариации по Ибсену.

Хореограф Вадим Писарев сочинил балет «Пер Гюнт» четверть века назад, когда сам блестяще танцевал и их дуэт с Инной Дорофеевой покорял весь мир. Они стали первыми исполнителями главных партий и заложили традиции прочтения. Пер — блудный сын и вечный странник, который так и не смог «быть самим собой» (эта фраза в первоисточнике повторяется часто, как припев в песне), и Сольвейг, не раз спасавшая Пера своей любовью.

Сценическая версия дончан — романтическая и сказочная, ясная и внятная, действие стремительно перепрыгивает с места на место, с события на событие, что точно передает суть Пера Гюнта, жизнь которого похожа на «большую кривую»: за каждым поворотом — новая авантюра. Пролетевшие годы ничуть не отразились на спектакле усталостью — он энергичен, бодр, выразителен, и новое, уже четвертое, поколение артистов «рассказывает» танцевальную историю про обманщика и правдоискателя так заинтересованно, словно она придумана только вчера и исключительно для них. Пер украл чужую невесту и бросил, увлекся Сольвейг и оставил ее. Он мчится за счастьем, а попадает то в плен к троллям, то в руки проходимцев, а то и вовсе оказывается пациентом дома умалишенных. В итоге он вернется в покинутый родной дом, к могиле матери, к ослепшей Сольвейг, прождавшей возлюбленного целую жизнь.

Открывает спектакль появление Доврского короля, в нем сосредоточены силы зла. Он выполняет функции странного персонажа Пуговичника, одержимого желанием сделать Пера таким, как все, а спустя годы — переплавить его душу в пуговицу, поскольку он не оправдал ожиданий. Потом Доврский король накинет на свой зеленый комбинезон черный пиджак, а на лохматой голове появятся очки — вот и превратилась эта «нежить» в церемонного профессора психушки. Павел Дранов создает эксцентричный образ, внезапно и резко меняет маски. Хореограф и исполнитель превращают Доврского короля в Мефистофеля, толкающего Пера (не случайно Николай Бердяев назвал его норвежским Фаустом) в страстные объятия своей дочки (в роли прелестной обольстительницы гибкая Анна Вальчик).

Спектакль красив и многолюден. Норвежские крестьяне из затерявшейся в горах деревушки танцуют на фоне изумрудного озера, окруженного морскими скалами. Зарвавшиеся тролли неистовствуют в своем темном подземном царстве, перламутровые абстракции украшают картины видений — для каждой сцены художник Сергей Спевякин создал живописные декорации. В них вольготно чувствуют себя мелодии Эдварда Грига, передающие немногословную сдержанность людей, бесконечность гор, строгость северной природы, мрак подземелий, где обитают сказочные существа. Звучат знаменитые фрагменты из оркестровых сюит композитора — «Шествие гномов», «Утро», «В пещере горного короля», «Танец Анитры». В исполнении оркестра театра, который маэстро Юрий Парамоненко ведет точно и темпераментно, музыка мгновенно переключается от фольклорных танцев к великому гимну любви («Песня Сольвейг»), от животной дикости к тихому успокоению.

Внутреннюю связь с музыкой держат артисты кордебалета. В сцене свадьбы они бойко отплясывают знаменитый норвежский народный танец халлинг — высший пилотаж показывает Пер Гюнт, когда в прыжке сбивает ногой шляпу, ее держит на шесте невеста Ингрид. В эту минуту Пер Гюнт и покорил ее сердце. В безумной вакханалии пляски смерти заходятся лохматые чудища тролли, а неистовые попутчики-аферисты Пера (Николай Жучков, Валерий Видманкин, Алексей Литовко, Константин Якивец) искушают героя своими стремительными танцами, украшенными акробатическими кульбитами. Публика смехом откликается на их остроумные аттракционы, поставленные лихо и с юмором.

Задиристым чудаком и балаболом Пером Гюнтом в талантливом исполнении Романа Белгородского движет любопытство и пытливый ум, но ведет он себя достаточно безрассудно. В лирическом па-де-катре со сложными и выразительными поддержками, где сошлись две пары: влюбленные в Пера Сольвейг и Ингрид, ее жених и сам Пер, — судьба испытывает их всех, и каждому выпало нести свой крест. Перу, оставившему родную землю, посланы невзгоды и разочарования. Вряд ли будет счастлива Ингрид — юная, добродушная и такая естественная в исполнении Анастасии Никольской — с ней навсегда останется вечная печаль. Замечательно провела роль Сольвейг, построенную на полутонах настроений, на пересечении силы духа и поэтической нежности, Виктория Губрий. Сольвейг пронесла любовь к Перу через всю жизнь, обрекла себя на добровольное сиротство, нежнейшим танцем вызволила любимого из шабаша зловещих троллей, стала оправданием его непутевой жизни. Искренне передает метания и страдания одинокой Матери Юлия Сафонова, сила ее материнской страсти в отдельные моменты поднимает образ на уровень трагедии.

В спектакле немало изящно сыгранных ролей, хоть и не безошибочно станцованных. В пластике красавицы Анитры (Валерия Губрий) — стилизация восточных орнаментальных мотивов. На пути искушений Пер встречает в горах прелестных легкомысленных пастушек (Валерия Губрий, Валерия Апанасова, Дарья Радковская), чьи игривые шалости ярче порочных намерений.

Спектакль, в котором так много забавной кутерьмы, экзотических зарисовок, любовных сцен, романтических видений, завершается нежнейшим исповедальным пронзительным дуэтом, что выводит балет на высоту поэтического обобщения. Вернувшийся к родному дому Пер Гюнт встречает не уставшую его ждать Сольвейг, и непонятно, живы ли герои или танцуют их бессмертные и вечно юные души. Финальное адажио — в унисон звучащие двухголосые раскаяния и покаяния. Хрупкие поддержки, замедленные смены поз, дыхание рук и бесконечное долгожданное счастье. Спектакль, привезенный из многострадального Донецка, доказывает, что любовь — единственная возможность противостоять смерти.

Балет «Пер Гюнт» москвичи встретили восторженно. В начале спектакля после фуэте Ингрид в сцене свадьбы раздались громкие возгласы: «Браво!» и потом каждая картина завершалась искренними аплодисментами. После спектакля зал встал и долго аплодировал мужественным артистам «Донбасс Оперы», как называют Донецкий академический театр оперы и балета имени А.Б. Соловьяненко.

Фотографии: Роман Притула / предоставлены «Донбасс Оперой»

Елена С.

Номер ссылки| 2022092202
Тема| Балет, НОВАТ, Персоналии, Ольга Гришенкова
Автор| пресс-служба
Заголовок| Ольга Гришенкова: «Хотите поднять себе настроение – приходите на “Тщетную предосторожность”»!
Где опубликовано| © сайт театра
Дата публикации| 2022-09-22
Ссылка| https://novat.nsk.ru/news/interview/olga-grishenkova-khotite-podnyat-sebe-nastroenie-prikhodite-na-tshchetnuyu-predostorozhnost-/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Заслуженная артистка России Ольга Гришенкова – балерина яркого и многогранного дарования. Ей одинаково блестяще удаются и лирические, и трагические персонажи, а в недавней премьере балета «Тщетная предосторожность» зрители открыли для себя новую грань ее таланта – комедийную. Невероятная легкость, с которой балерина исполняет технически непростую партию Лизы, юное девичье очарование и живая непосредственность ее героини доставляют истинное удовольствие зрителям.

Ольга Гришенкова рассказала, как готовила партию Лизы в балете Фредерика Аштона.

– Почему зрителям стоит увидеть балет «Тщетная предосторожность»?

– Мне кажется, зритель получит на этом спектакле нереальный заряд положительных эмоций! Такой балет – задорный, юмористический, легкий – редкость в театре! И на нашей сцене тоже. Здесь интересный сюжет, очень красивая хореография, стильное оформление. Если вы хотите поднять себе настроение – обязательно приходите на «Тщетную предосторожность»!

– Из зрительного зала кажется, что вам хореография Фредерика Аштона не составляет никакого труда – так легко и непринужденно вы танцуете свою партию. Насколько сложно было добиться этой легкости?

– На самом деле, была проделана большая работа. Материал для меня новый, много мелкой и очень быстрой техники – чего стоит одна только работа с предметами, а в балете ее у меня очень много. В плане работы – это очень насыщенный, интересный спектакль. Техника, работа с предметами, актерское мастерство – все это требует приложения сил. Для того, чтобы на сцене все выглядело легко, в репетиционном зале пришлось потрудиться.

– А когда вы начали получать удовольствие от этого спектакля?

– На первых репетициях у меня шла борьба с самой собой – новый рисунок поначалу был непривычен, неудобен. А удовольствие я начала получать, наверное, где-то на второй сценической репетиции, когда уже были костюмы, декорации. Когда ты полностью в этой атмосфере, а в голове – четкий порядок! Ты уже твердо знаешь, что за чем идет и какова твоя задача – тогда и получаешь удовольствие. Я даже не ожидала, что мне так понравится этот балет – очень уж непросто мне было на первых репетициях. А сейчас это один из моих самых любимых спектаклей.

– Вы очень убедительны в партии Лизы. Когда работали над ролью, трудно было отыскать в себе такую наивную, легкомысленную девочку, как ваша героиня?

– Нет, это было совсем нетрудно. Главное – окунуться в процесс, и когда видишь, как каждый из окружающих тебя на сцене артистов полностью погружен в свою роль, особенно если они увлечены и у них горят глаза, то все получается само собой. Всегда очень интересно работать с чем-то новым, примерять на себя совершенно новый образ. Это очень вдохновляет.

– А что самое сложное в этой партии?

– Адажио с лентами. Даже когда я ввожу новых партнеров, то начинаю с него – там очень важно не запутаться, сделать все вовремя и попасть в музыку.

– Как вам работается с партнерами – с Евгением Басалюком, с Михаилом Лифенцевым?

– Миша – очень строгая мать! Он от души меня «воспитывает»… Я даже однажды попросила не так сильно меня трепать за ухо. Но все это – для достоверности. А когда мне сообщили, что в «Тщетной предосторожности» мы будем танцевать с Женей Басалюком, я вначале даже удивилась – мне казалось, что мы не подходим друг другу. Но в спектакле мне с ним было очень комфортно! Нам удалось показать взаимоотношения наших персонажей – после нам говорили, что наш дуэт получился очень милым. А сейчас я готовлю нового партнера – Колю Мальцева, у него будет дебют в этом спектакле. Это тоже довольно сложный процесс – материала много, а времени, как правило, мало, но, мне кажется, у Николая получится немного другой, но очень интересный образ. Эта партия ему пойдет.

Премьера. Балет «Тщетная предосторожность» с участием Заслуженной артистки России Ольги Гришенковой – 24 сентября в 13:00.

Спектакль участвует в программе «Пушкинская карта».
Билеты – на официальном сайте, в мобильном приложении и в кассе театра.
До встречи на балете! НОВАТ

Елена С.

Номер ссылки| 2022092301
Тема| Балет, Опера, МАМТ, Планы на сезон, Персоналии,
Автор| Татьяна Кузнецова, Сергей Ходнев.
Заголовок| Сценные сведения
Музтеатр Станиславского анонсировал планы на 104-й сезон
Где опубликовано| © Газета «Коммерсантъ» №176 от 23.09.2022, стр. 11
Дата публикации| 2022-09-23
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/5572197
Аннотация| Планы на сезон

В Московском академическом музыкальном театре имени Станиславского и Немировича-Данченко прошел сбор труппы, на котором гендиректор театра Андрей Борисов подвел итоги предыдущего сезона, а худруки оперы и балета Александр Титель и Максим Севагин объявили планы на следующий. Рассказывают Татьяна Кузнецова и Сергей Ходнев.

Балетный худрук Максим Севагин (справа) выиграл в революционности у оперного руководителя Александра Тителя (слева)
Фото: Александр Казаков, Коммерсантъ

На сборе труппы не присутствовал главный дирижер Феликс Коробов — выпускал в «Ла Скала» балетный спектакль, как с легкой завистью пояснил Александр Титель. Но и без него было ясно, что в новом сезоне опера и балет Музтеатра Станиславского пойдут перпендикулярными путями. Возможно, потому, что гендиректор Борисов явно устранился от роли стратега, доверив планирование творческим руководителям, между которыми изрядная возрастная разница — в полвека. В результате репертуарные планы 73-летнего режиссера Александра Тителя оказались отчетливо консервативными. Замыслы же 24-летнего балетного худрука, напротив, прямо-таки революционные.

Оперных премьер обещано две, и обе красноречиво напоминают о том, что перспективными оперными режиссерами отечество все никак не прирастет. «Царскую невесту», намеченную на июнь, ставит ученик Тителя Дмитрий Белянушкин, чье пока что главное достижение — печальный по творческому уровню «Каменный гость» в Большом театре. «Норму» Беллини — 83-летний Адольф Шапиро, на чьем счету довольно удачная «Лючия ди Ламмермур» в том же Музтеатре (но то было аж в 2009 году) и спорная «Манон Леско» в Большом. С дирижерами не лучше: для «Царской» дирижера пока не утвердили, а на «Норму» пригласили Владимира Спивакова — решение загадочное, но возможно, что тут проявила инициативу примадонна МАМТ Хибла Герзмава.

Из балетных постановок, доставшихся Максиму Севагину по наследству (его предшественник, француз Лоран Илер покинул Россию после начала СВО),— «Щелкунчик» Чайковского в постановке русского американца Юрия Посохова, хореографа с мировым именем, известного по блокбастерам Большого театра — балетам «Герой нашего времени», «Нуреев» и «Чайка». Выпуск полнометражного «Щелкунчика» откладывался неоднократно по чрезвычайным обстоятельствам, теперь названа дата премьеры — 25 ноября. Из американской постановочной команды осталась лишь художник по костюмам Сандра Вудалл. Художником-постановщиком будет Полина Бахтина, а за пульт встанет дебютант — молодой маэстро Иван Никифорчин, один из победителей недавнего конкурса имени Рахманинова.

Дебютируют на сцене балетного театра и три хореографа, известные в основном лишь в маргинальных кругах современного танца. В апреле Константин Семенов, артист балетной труппы «Стасика», представит на Малой сцене «Зазеркалье» — часовой иммерсивный спектакль для подростков по мотивам кэрролловской «Алисы в Зазеркалье». Музыку к спектаклю пишет композитор-электронщик Василий Пешков, за сценографию и костюмы отвечает Мария Трегубова.

В июне покажут «тройчатку» из одноактных спектаклей Ксении Тернавской, Павла Глухова и худрука Максима Севагина. Обозревателю “Ъ” худрук рассказал, что Ксении Тернавской он поручил групповую композицию, а Павлу Глухову — камерный дуэт (впрочем, хореограф настоял на четырех исполнителях). Сам же Севагин собирается предпринять деконструкцию класс-концерта, подобрав для этого музыку Обера и Оффенбаха. В декабре же он намерен возобновить (дополнив и отредактировав) свой дебютный балет на сцене «Стасика» — «Bloom» на музыку Антонина Дворжака.

Вдобавок к современному репертуару труппа пополнится артистами-«современниками» — с ноября в состав театра вольется малоперспективный московский «Новый балет». Похоже, руководители МАМТ еще не придумали, что делать с этим подарком городского департамента культуры, увлекшегося «оптимизацией» театров. Во всяком случае, о планах в отношении «Нового балета» гендиректор Борисов умолчал, пообещав лишь создать пришельцам комфортные условия для работы.

Впрочем, с условиями уж как получится. По сведениям “Ъ”, хотя творческого коллектива мобилизация пока еще не коснулась, несколько монтировщиков сцены уже получили повестки.

Елена С.

«Аида» и «Хованщина». «Норма» и « Щелкунчик». «Петя и волк» и «Колокола». Танцовщики в роли хореографов и юбилейный Станиславский. А еще конкурс вокалистов Хиблы Герзмавы, образовательные программы, паблик-токи, дискуссии, мастер-классы и тематические курсы. Московский академический музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко (МАМТ) открывает свой 104-й сезон. «Известия», посетив 22 сентября сбор труппы, оценили стратегию его развития.

Новые вызовы

Журналистов руководство театра по-походному принимало в фойе, но артистов собрало, как и положено, в зрительном зале. Первым пространную речь держал гендиректор Андрей Борисов, заявивший, что театр, сочетающий в своей концепции традиции и новаторство, вернулся к допандемийному уровню (дал за сезон 210 спектаклей) и готов и далее отвечать вызовам времени.

На один из вызовов — об «отмене» русской культуры — артисты достойно ответили на сентябрьских гастролях в Таиланде, где показывали «Лебединое озеро». По словам гендиректора, МАМТ — единственный крупный театр в России, который за последние полгода совершил такой большой вояж.

— Новая реальность показывает, что у нас сильный творческий коллектив, — порадовался он. — Гастроли после турбулентности важны. Мы друг друга почувствовали единым творческим фронтом.

О других вызовах — специальной военной операции и частичной мобилизации, которая, возможно, затронет сотрудников театра, — сказано не было. Правда, директор призвал всех посмотреть возобновленную Александром Тителем «Хованщину» Модеста Мусоргского, отметив, что в спектакле много насущных вопросов и много ответов.

— Это про нас, про русский народ, про код нашей жизни, — резюмировал он.

Главный режиссер оперы Александр Титель обрадовал коллег известием о том, что полным ходом идет возвращение в репертуар многонаселенных спектаклей. Ранее они были изъяты из-за ковидных ограничений. Уже включен в афишу «Отелло», помимо «Хованщины» возобновили «Аиду». На очереди — «Тангейзер» и «Енуфа». В оперных планах сезона также премьера «Нормы» в постановке Адольфа Шапиро (дирижер-постановщик — Владимир Спиваков) и «Царская» невеста» (режиссер — Дмитрий Белянушкин).

Будут продолжены образовательные программы. В частности, юных зрителей ожидает «Знакомство с оркестром», которое начнется представлением симфонической сказки «Петя и волк» Сергея Прокофьева. Театр также отпразднует юбилейные даты Сергея Рахманинова и Константина Станиславского. Последнему будут посвящены специальные «Чтения». По мысли главрежа, они покажут, насколько актуален сегодня Константин Сергеевич.

— У него есть высказывания, которые прозвучат так, будто написаны завтра, — пообещал Александр Титель.

Любимый Лоран

Худрук балетной труппы Максим Севагин начал речь с благодарности своему предшественнику Лорану Илеру, покинувшему труппу под давлением французского посла вскоре после начала СВО. За четыре с лишним года руководства ему удалось сделать из просто крепких танцовщиков коллектив экстра-класса и заслужить любовь всего театра.

— Наш любимый Лоран образовывал не только публику, он образовывал артистов, — признался его молодой преемник.

По словам Максима Севагина, благодаря Илеру в труппе появились танцовщики, с успехом пробующие себя в сочинении хореографии. Это, например, Ксения Тернавская и Павел Глухов. Причем они не только пробуют, но и готовы представить свои опусы на суд зрителей. Худрук пообещал, что добавит к ним свой, и получится вечер одноактных балетов на музыку Обера и Оффенбаха, по формату что-то вроде класс-концерта. Премьера назначена на июнь.

Признанный мэтр мирового танца Юрий Посохов поставит в МАМТе «Щелкунчика». Неясно, правда, придет ли новый балет на смену постановке Василия Вайнонена, не одно десятилетие украшающей афишу, или будет идти параллельно. Однако кое-какие подробности худрук сообщил. Вместо американской команды постановщиков, сотрудничество с которой намечалось, будет наша. За пульт оркестра встанет недавний лауреат Конкурса Рахманинова Иван Никифорчин, на него руководство театра возлагает большие надежды.

На Малой сцене пройдет премьера иммерсивного спектакля «Зазеркалье» по мотивам «Алисы в Стране чудес». Постановка ориентирована на подростковую аудиторию. Хореограф Константин Семенов использует заказанную театром музыку. Композитором станет Василий Пешков, специализирующийся на электронном звучании.

220 — и точка

МАМТ не обошла тенденция к объединению, охватившая в последний сезон московские театры. В ноябре к Музыкальному присоединится «Новый балет», начавший сезон в ранге самостоятельного коллектива. Основу его репертуара составляют спектакли современной хореографии. Своей сцены он не имеет, работает на сцене «Новой оперы», театра Et Cetera.

— Переход должен быть предельно комфортным, — сказал «Известиям» Андрей Борисов. — Мы будем гостеприимны, мы понимаем свою ответственность и готовы найти для артистов достойную нишу.

Но легкой жизни вновь прибывшим ждать не стоит. Как рассказал гендиректор, руководство театра будет смотреть, каким образом новички впишутся в балетную труппу МАМТа. Через год будет проведена аттестация, после нее выяснится, кто останется, а кому придется искать новую работу.

Когда гендиректор заговорил о служебных точках общепита, зал заметно оживился. Видно было, что тема назрела и интересует многих. Поскольку цены и качество питания работников не удовлетворяли, было принято решение сменить поставщика, снизить цены и увеличить время работы буфета и столовой. После торжественного объявления гендиректора о том, что комплексный обед не будет стоить дороже 220 рублей, раздались громкие аплодисменты.

Что касается творчества, то сезон открылся еще до сбора труппы возобновлением «Аиды». Опера Джузеппе Верди возглавляет список главных шлягеров мирового оперного репертуара, который в шутку называют ABC (Aida, Boheme, Carmen). В МАМТе «Аида» идет в постановке Петера Штайна, премьера которой состоялась в 2014 году. За дирижерский пульт на сентябрьских показах встал Тимур Зангиев. Заглавную партию оба вечера исполняла Елена Гусева, вернувшаяся в Москву после выступлений в Дрездене, Берлине и дебюта на фестивале в Брегенце. Ее партнерами в партии Радамеса были тенора Нажмиддин Мавлянов и Николай Ерохин.

А первым балетным спектаклем в афише нового сезона станет «Жизель» в постановке Лорана Илера. 23 сентября Жизель и Альберта танцуют Эрика Микиртичева и Денис Дмитриев, 24 сентября — Ксения Шевцова и Иван Михалев.