Балет и Опера

Елена С.

Номер ссылки| 2022062908
Тема| Балет, Академия русского балета имени А.Я. Вагановой, Выпускной концерт, Персоналии,
Автор| Елена ФЕДОРЕНКО
Заголовок| В Кремле выступили воспитанники Вагановской академии
Где опубликовано| © Газета «Культура»
Дата публикации| 2022-06-29
Ссылка| https://portal-kultura.ru/articles/theater/342627-v-kremle-vystupili-vospitanniki-vaganovskoy-akademii/
Аннотация| выпускной концерт

В Государственном Кремлевском дворце состоялся отчетный выпускной концерт учащихся Академии русского балета имени А.Я. Вагановой. Шеститысячный зал оказался заполнен до отказа.

Вечер посвятили 95-летию Юрия Григоровича, программу составили из классики. По словам ректора Академии Николая Цискаридзе, именно так формировали программу концертов при самой Агриппине Вагановой: классические ценности и образцы характерного танца. Никаких современных экспериментов, наива пантомимных комментариев, дивертисментной нарезки — воспитанников оберегают от веяний актуальной хореографии.

В нынешнем году Вагановская академия дала путевку в профессиональную жизнь 280‑му выпуску. Открывали программу «Танцы Дня и Ночи» из оперы «Джоконда» Амилькаре Понкьелли в хореографии Мариуса Петипа. Этот эпизод чистого выразительного танца в опере контрастно оттеняет следующую за ним горькую драматическую сцену. В 90-е годы Гран-па «Танцы часов» в редакции Натальи Воскресенской с успехом шли в театре «Кремлевский балет» — тогда этот шедевр можно было увидеть только на кремлевской сцене. Еще раньше, в 1980-м, археолог с феноменальной хореографической памятью Евгений Качаров поставил «Танцы часов» в Таджикском театре оперы и балета имени Садриддина Айни для несравненной, несправедливо рано ушедшей из жизни Малики Сабировой и Музаффара Бурханова. Давно эта балетная реликвия украшает репертуар Пермского хореографического училища, промелькнула она и в афише «Русского балета» Вячеслава Гордеева. Удивительно, но «Танцы часов», уже освоенные сценой, так и остались редкостью.

Несколько лет назад появилась редакция Николая Цискаридзе. Теперь гордая Царица Ночи танцует не с Месяцем, который «правит бал» в одно с ней время суток, а с героем, которого именуют День. Его представил Лука Добош, образ получился ясным и немного наивным, а сам румынский студент продемонстрировал достойные партнерские качества. Луку, как и некоторых других участников концерта, зрители Первопрестольной приветствовали особенно тепло, словно добрых знакомых — запомнили выступления петербургской школьной команды на недавнем Международном конкурсе артистов балета в Москве. Прекрасная выразительная золотая медалистка Мария Кошкарева — гибкая танцовщица с точным художественным чутьем, на сей раз в роли Ночи выглядела уставшей и немного заторможенной. Тему властной красоты и скоротечной свободы, исчезающей с первыми лучами солнца, Мария заявила робко и скромно. Подарил хорошее впечатление старательный девичий кордебалет, сверкающий блестками нарядов (художник по костюмам Дмитрий Парадизов). Танцевали с прилежанием, аккуратно, пытаясь не нарушать линий и синхрона, но коварные оплошности все равно случались.

В популярном дуэте из балета «Фестиваль цветов в Дженцано» датского классика Августа Бурнонвиля на музыку Эдварда Хельстеда прелестная Полина Зайцева и увлеченный кавалер Мирослав Арбатов танцевали эмоционально, живо и радостно, легко и отважно справляясь со всеми трудностями непривычной хореографии. Милые обаятельные пейзанки дополняли эту идиллию.

Петербургские выпускники и студенты старших курсов представили академический образец советских времен. Солнечную «Классическую симфонию» Сергея Прокофьева поставил выдающийся хореограф Леонид Лавровский, который окончил Вагановскую балетную школу ровно век назад. Этот балет Леонид Михайлович адресно сочинил для Московского хореографического училища в 1966 году, словно проложил творческий мостик между школой и театром. С тех пор Московская академия хореографии не забывает «Классическую симфонию» — нередко она входит в программу выпускных концертов и праздников — танцуют всегда с любовью, пониманием и знанием дела. Теперь этот московский по духу и темпераменту балет в редакции Михаила Лавровского исполнили на фоне благородного петербургского дворца на улице Зодчего Росси, где находится Вагановская академия.

В «Классической симфонии» нет истории, которую можно пересказать словами, но театрализованный парад балетных па, вариаций, дуэтов и ансамблей складывается в сюжетные интермедии. Исполнители будто затеяли занимательную игру — соревнуются в академической точности, предъявляют яркую виртуозность, щеголяют свободой прыжков и пируэтов, замирают в изысканных позах. Сложные комбинации подчас давались не без труда, но молодежь не унывала, маскируя неудавшийся трюк экспрессией и улыбками. В трех частях солировали разные пары: Ярославна Куприна и Глеб Асадченко, Мария Кошкарева и Георгий Хребтов, Мария Шевела и Лука Добош. Каждый «прочерчивал» характерные штрихи своей индивидуальности, но характеризовать их, пожалуй, преждевременно. Когда пять девушек одновременно завертелись в быстрых фуэте, зал взорвался аплодисментами. На этом параде балетной виртуозности девушки явно лидировали.

После антракта на сцену ворвался характерный танец — венчал концерт третий свадебный акт балета «Раймонда» Мариуса Петипа в хореографической и концептуальной версии Юрия Григоровича — юбиляр года тоже воспитанник Вагановской школы. Благородная, пряная, красочная национально-характерная сюита с залихватским финальным галопом запомнилась зажигательным массовым задором и уверенным, кокетливым и игривым исполнением солистов: Марии Ветчаниновой и Евгения Переверзина, Анастасии Зинченко и Георгия Клопцова, Аиды Мараловой и Далера Рузиматова.

Молодожены: Раймонда — Софья Валиуллина и Жан де Бриен — Руслан Стенюшкин (солист Мариинского театра, выпускник 2017 года) не только передавали имперские традиции во всем их размахе, но и успешно «разыграли» реликтовый сюжет рыцарской легенды со строгим кодексом чести и поклонением Прекрасной Даме. Благородный воин-защитник взлетал в высоких прыжках и нежно склонялся к своей избраннице. Непривычная лучезарная Раймонда Валиуллиной не перевоплощается в царственную томную приму, а передает главное — жизнь человеческого духа — вне гордости и суеты. Светится от счастья, радуется идеальной мечте, в которую верит. Кажется, у этой выпускницы врожденное и редкое умение расставлять акценты.

Юным танцовщикам в силу своих возможностей помогал Симфонический оркестр радио «Орфей», за пультом — главный дирижер Сергей Кондрашев. На поклонах гигантская сцена оказалась заполненной до отказа воспитанниками Академии и их педагогами.

Фотографии: Дмитрий Коробейников / ТАСС

Елена С.

Номер ссылки| 2022063001
Тема| Балет, Челябинский театр оперы и балета, Фестиваль, Персоналии, Иван Васильев, Иван Складчиков
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Иваново действо
Уфимский «Конек-Горбунок» на фестивале в Челябинске
Где опубликовано| © Газета «Коммерсантъ» №114 от 29.06.2022, стр. 11
Дата публикации| 2022-06-30
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/5435685
Аннотация| Фестиваль

На сцене Челябинского театра оперы и балета в рамках XIII международного фестиваля «В честь Екатерины Максимовой» Башкирский театр оперы и балета представил балет Родиона Щедрина «Конек-Горбунок» в постановке знаменитого танцовщика Ивана Васильева. Рассказывает Татьяна Кузнецова.

Творческая кухня балетмейстера Васильева и художника Складчикова небогата ингредиентами
Фото: Андрей Голубев

Балет «Конек-Горбунок» по сказке Петра Ершова, который Родион Щедрин сочинил еще студентом консерватории, оказался счастливым для композитора: на репетициях в Большом театре вспыхнул его стремительный роман с Майей Плисецкой — свадьбу сыграли еще до премьеры постановки Александра Радунского, случившейся в 1960 году. Судьба балета тоже оказалась благополучной, в СССР его ставили охотно. В постсоветской России, небогатой на постановки «Конька», лучшей оказалась остроумная версия Алексея Ратманского (2009) в Мариинском театре, успеху которой немало поспособствовал художник Максим Исаев.

Башкирский «Конек-Горбунок» (2019) — тоже плод сотрудничества балетмейстера (Иван Васильев) и художника (Иван Складчиков). Соавторы, решив актуализировать сказку Ершова, слегка переделали либретто. Придумали пролог: Иван — некредитоспособный квартиросъемщик, устроивший вечеринку с девушкой Машей и друзьями Светой Жаровой и Васей Коньковым. Владелец квартиры Спальник хочет квартиранта выселить, отец Маши генерал Царев разгоняет компанию, Ваня засыпает на диване и во сне видит урезанный (без путешествия на дно моря-океана) сюжет ершовской сказки, в героев которой превращаются его друзья и знакомые. В эпилоге генерал возвращается пожать руку проснувшемуся Ване и отдать ему дочь.

Заданный прологом тон легкого стеба художник Складчиков поддержал в костюмах. Ваня в джинсах и майке-алкоголичке. Генерал в штанах с лампасами, кителе с медалями, фуражке с кокардой. Придворный Спальник в китайской черной пижаме с позументами и погонами. Придворный Скоморох в тельняшке с пионерским галстуком и краповом берете. Конек-Горбунок — в шлеме летчика (но с торчащими ушами), штанах цвета хаки и майке «Динамо». Рисованный аванзанавес — дуги полей, тополя как кипарисы, покосившаяся церквуха, горстка изб — нарочито наивный и яркий, под стать плоским сценическим декорациям.

Такую же жизнерадостность обнаружил начинающий хореограф Иван Васильев, энергичный балетный премьер, славный темпераментом и кульбитами в воздухе, которые многие называют «виртуозностью». Все свои знания и умения балетмейстер-танцовщик выдал в первой же вариации Ивана, едва тот успел выгрузить из авоськи упаковки соков и апельсины: большой пируэт, двойные содебаски, козлы по кругу, двойные туры. То же самое (плюс разножки и жете ан турнан) будут делать остальные солисты: и Скоморох, и Спальник, и Конек. Получается не у всех, но в этом капустнике качество танца кажется делом второстепенным.

А вот женщины в «Коньке-Горбунке» не перетруждаются. Поскольку хореографу Васильеву пуантный танец незнаком, то кордебалет у него в основном топчется в па-де-бурре или, разбившись на группы, принимает академические позы. Балеринские партии тоже небогаты, апогей сложности — полтора итальянских фуэте в комбинации с двумя обыкновенными. В дуэтах балетмейстер Васильев уважает силу, а потому непременно вставляет в них ударную верхнюю поддержку — вроде «флажка» или арабеска на вытянутых руках. Иногда герой подхватывает балерин на «бревнышко» с прыжка, как Базиль в «Дон Кихоте», а Скоморох трубит в воображаемый рожок, как Санчо Панса под соответствующий звук оркестра.

Но вообще-то хореограф Васильев к музыке особо не прислушивается, даром что Родион Щедрин в своей юношеской партитуре прописал всю музыкальную драматургию как учили в консерватории: с темами для каждого героя, их взаимодействием, красочной изобразительностью мест действия и даже самих сюжетных перипетий. Музыка (и в этом изрядно преуспел оркестр Башкирской оперы под палочкой Артема Макарова) зримо рисует и лунную ночь в поле, и скачку на Коньке-Горбунке, и глубины моря-океана. Но из-за затянувшегося пролога (отсутствующего у композитора) действие за ней не поспевает. Поэтому, скажем, на грозную тему Кобылицы братья Ивана дерутся из-за рубахи, Конек-Горбунок делает «козлы» на тему ярмарки, совпадает все к лишь финалу — когда Иван и Царь прыгают в котел. К тому же, на беду Ивана-хореографа, его фантазия часто иссякает раньше, чем кончается музыкальный номер. В таких случаях он попросту обрывает танец и уводит героев за кулисы: можно слушать музыку и глазеть на декорации.

С режиссурой постановщик тоже не мудрил, благо нелогичность действия и мизансцен можно списать на сбивчивость сновидений Ивана. Да и пантомима в балете небогата. Доминируют три жеста. Тыканье указательным пальцем в сторону кулис объясняет направление движения; приподнятые ладонями вверх руки означают «че делать-то?», а растопыренные пятерни, обращенные ладонями к партнеру,— «не дрейфь, все будет ок». Так оно и случилось: после «Конька-Горбунка» Иван Васильев стал главным приглашенным хореографом Башкирского театра оперы и балета.

Елена С.

Номер ссылки| 2022063002
Тема| Балет, , Персоналии, Юрий Владимиров, Иван Васильев
Автор| Алиса Асланова
Заголовок| Юрий Владимиров
Где опубликовано| © интернет-версия журнала "Балет"
Дата публикации| 2022-06-30
Ссылка| https://balletmagazine.ru/post/yurij-vladimirov-ivan-vasiliev
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Легендарный премьер Большого театра, народный артист СССР, его роли всегда были насыщенны не только головокружительными трюками и прыжками, но и глубокой наполненностью и эмоциональностью.

менно он стал первым исполнителем роли Ивана Грозного в одноименном балете Юрия Григоровича. Образ, созданный Юрием Владимировым, стал эталонным для всех последующих поколений артистов.

В этом году Юрий Кузьмич отпраздновал юбилей — 80 лет! По этому случаю нам захотелось сделать особенный материал об этом гениальном артисте, и мы взяли интервью не только у самого мэтра, но и у его знаменитого ученика, заслуженного артиста России Ивана Васильева. Их творческому союзу артиста и наставника больше 15 лет.

С большим трепетом и уважением Иван рассказывает о своем педагоге и работе с ним.

Мы также побывали на репетициях балета «Иван Грозный», где под чутким руководством Юрия Владимирова Иван Васильев репетирует роль царя Ивана IV. Для нас большая честь опубликовать интервью Юрия Кузьмича, в котором он рассказал о своих взглядах на профессию артиста балета и почему больше всего ценит в человеке индивидуальность.

Юрий Владимиров

Юрий Кузьмич, Вы в этом году отметили свой юбилей. Как Вы относитесь к празднованию своего дня рождения?

Я никогда свои дни рождения не праздновал. Так повелось, что для меня это обычный день.

Вы уникальный исполнитель не только в контексте драматического плана — ваша техника танца всегда поражала зрителей своей мощью и виртуозностью.

Это заслуга моего педагога Алексея Николаевича Ермолаева. Он всегда говорил те слова, которые нужны были именно мне. Он потрясающий педагог. Сейчас все эти знания я передаю своему ученику Ивану Васильеву.

Что касается техники, то это большая работа в зале, бесконечные пробы разных прыжков и вращений и стремление сделать что-то новое в спектакле.

Совсем недавно Ваш знаменитый ученик Иван Васильев посвятил Вам свой дебют в спектакле «Весна священная» Театра классического балета Н. Касаткиной и В. Василева. Вы уже много лет плодотворно работаете с Иваном в Большом. Расскажите, пожалуйста, что для Вас важно в человеке, с которым Вы работаете?

Главное — индивидуальность. Когда мы работаем с учеником над той или иной ролью, очень важно, чтобы он не копировал меня, а делал по-своему. Моя задача как педагога заключается в том, чтобы подвести артиста к этому и раскрыть его состояние души и тела. Состояние вообще очень важно. И я очень доволен работой Вани. Он как раз обладает ярко выраженной индивидуальностью, я стараюсь это сохранить в нем.

Чем, на Ваш взгляд, новое поколение отличается от Вашего в отношении к работе, профессии?

Разницы нет. Кто хочет работать, тот работает. Кто-то из артистов стремится к новым вершинам, хочет стать премьером — они работают утром, вечером и в выходные. А кто-то просто числится в театре, и не более того. Поэтому разницы нет — так было всегда.

Вы первый исполнитель партии Ивана Грозного в Большом театре. За столько лет спектакль как-то изменился, подстроился под настоящее время и новое поколение?

Благодаря репетиторам и педагогам спектакль сохраняет масштабность, заложенную постановщиком. Важно сохранять замысел, то, как был поставлен спектакль.

Что Вы пожелаете молодым артистам?

Иметь желание создать свой язык исполнения.

Иван Васильев

Вы помните, как вы начали работать с Юрием Владимировым. Вы его выбрали своим педагогом, или он вас — своим учеником? Или это случилось независимо от вас?

Конечно, помню. Шел первый год работы в Большом театре, и художественный руководитель труппы дал совет попробовать заниматься с Юрием Кузьмичем, хотя по конкурсу меня уже знал Михаил Леонидович Лавровский, с которым мы провели несколько репетиций. Вообще, мне повезло на заре карьеры выписывать расписание репетиций, состоящее сплошь из фамилий золотого века Большого театра — Владимиров, Лавровский, Васильев. С первой репетиции я влюбился в Юрия Владимирова, в том числе потому, что он не хвалит, а я очень не люблю от педагога похвалу.

Что вас восхищает в нем как в танцовщике? Что вы от него перенимаете в профессиональном плане?

Владимиров — это мужчина на сцене, он отличается колоссальной мужественностью и честностью в отношении к работе, жизни, людям. Юрий Кузьмич внес неоценимый вклад в мое становление, за что я ему безмерно благодарен, ведь мы начали работать, когда мне было 17 лет — я становился не только артистом, но и взрослым мужчиной.

Какое самое сильное его качество как педагога?

Для меня он лучший педагог, поскольку обладает очень жестким подходом. Он считает, что если делать, то делать лучше всех, на высочайшем уровне. И мне это очень нравится. Он редко хвалит, но если хвалит, то это всегда «нормально» или «неплохо», и это значит, что все сделано правильно.

Самое главное, чему вы научились за столько лет работы с Юрием Владимировым?

Быть мужчиной, стоять на своем, ни от кого не зависеть, быть верным своему мнению. Особенно мне нравится, что Юрий Кузьмич никогда не навязывает свою точку зрения ученикам, например, когда ученик ему доказывает, что ему лучше так, что он так чувствует. Во время подготовки партии Спартака Юрий Кузьмич давал мне возможность убедить его в своей трактовке. И мне это удавалось. Он глыба, он поддержка, и до сих пор, когда мы встречаемся на репетициях, я понимаю, что он дает мне толчок к постижению нового и движению вперед.

Юрий Григорович

«…Во всех партиях Владимиров представал иным типом премьера Большого балета. Бьющая через край энергия, эмоциональное напряжение в танце выражали порыв к самостоятельности, многогранность личности.

Встреча с партией Ивана в «Иване Грозном» суммировала и еще больше раскрывала его многогранность. Герой был заложником исторических обстоятельств и собственного характера. У Владимирова при всей его стихийной, взрывоопасной силе, явленной в роли, Иван представал страдающим деспотом. Мы считали, что и этот внутренний парадокс поможет раскрыть образ, сделать его линейным. Владимиров откликался на все балетмейстерские предложения. Все варианты мизансцен и движений перепробовал и лично перетанцевал, прежде чем Иван вышел таким, каким его увидели на премьере в феврале 1975 года в Большом театре.

Его успех был абсолютным, безоговорочным и в России, и в мире, во все странах, где «Иван Грозный» показывался — в США, Франции, Германии, Великобритании…

Образ оказался настолько правдивым и живым, что навсегда связался с его именем. Все последующие вводы в спектакль соотносились с ним как с первым исполнителем. Он репетирует сегодня балет «Иван Грозный» с молодыми артистами, передает им, и это гарантирует не просто точность движений, но, надеюсь, масштаб образа, заложенный нами на премьере…»

18 февраля 2022

Из программки от 9 марта 2022 года к спектаклю «Иван Грозный» в честь 80-летия Юрия Владимирова.

Благодарим Большой театр России за помощь в создании съемки.

ФОТОГРАФ Батыр Аннадурдыев
-==============================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2022063003
Тема| Балет, МАМТ, Персоналии, Максим Севагин
Автор| Трифон Бебутов
Заголовок| Хореограф Максим Севагин: «Благодаря ограничениям находишь другие, более интересные ходы»
Где опубликовано| © «Афиши Daily»
Дата публикации| 2022-06-30
Ссылка| https://daily.afisha.ru/brain/23325-horeograf-maksim-sevagin-blagodarya-ogranicheniyam-nahodish-drugie-bolee-interesnye-hody/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В марте Максим Севагин стал новым художественным руководителем балета в МАМТ, сменив на посту француза Лорана Илера. С 2016 года 24-летний хореограф уже поставил на сцене МАМТ «Болеро» и выступил хореографом в «Ромео и Джульетте» Богомолова. Главный редактор «Афиши Daily» Трифон Бебутов поговорил с Севагиным о рабочих и творческих планах.

— Во-первых, я поздравляю вас с недавним назначением. Вы совсем молодой человек, позиция — большая и ответственная. Как вы с этой ответственностью справляетесь внутренне?

— На самом деле у меня в жизни была глобальная цель: я всегда мечтал о своем театре, о труппе, которая будет отражением моей хореографической деятельности. Понятное дело, что назначение на пост художественного руководителя — это не совсем та моя мечта, но очень близкая история. Потому что теперь я могу реализовывать свои планы, в первую очередь постановочные.

— Труппа восприняла ваше назначение с радостью?

— Труппа уже хорошо меня знала: я много лет работал бок о бок со всеми артистами и как танцовщик, и как хореограф. И это тоже очень помогло, потому что мне не нужно выстраивать отношения с людьми с нуля.

И это касается не только труппы балета, а вообще всего театра и всех департаментов, с которыми я работал. Мне не нужно было вливаться заново и узнавать все с нуля. Тому, кто вообще не знает устройство театра и не знаком ни с одним человеком, было бы очень сложно.

— А какое у вас видение кадровой политики?

— У меня есть свой вкус и свои взгляды и свое видение артистов в тех или иных партиях и ролях. Но я считаю, что ни в коем случае нельзя рубить с плеча, ведь люди за годы работы в театре выстраивают свою линию, растут не только профессионально, но и ментально.

Конечно, у меня есть планы относительно новых лиц — меня вообще очень заводит мысль о новых людях на новых партиях.
Но это не значит, что я начну резко приглашать каких‑то новых людей, потому что мне нравится идея взращивания исполнителей и доведения их до нового уровня. Я обожаю видеть прогресс в людях.

— А какие еще планы — не в управленческом, а в творческом смысле? Куда вы хотите ввести театр?

— В последние годы политика театров во многом строилась на приглашении зарубежных авторов. Теперь мы в этом смысле ограничены, но наш театр не понес какие‑то колоссальные потери в этом отношении, потому что зарубежные авторы достаточно спокойно относятся ко всей ситуации. Почти никто не забирал свои лицензии и права. И даже сейчас существуют зарубежные авторы, которые выражают желание работать с нашей труппой, потому что здесь действительно творческое место с прекрасной атмосферой внутри коллектива, с прекрасными исполнителями. И наш театр дает очень многим авторам возможность проявить себя в полной мере.

Но когда эта ситуация произошла в мире, я стал задумываться о том, что политика привоза зарубежных авторов не давала реализовываться очень многим талантливым отечественным авторам. У нас в стране много хореографов, которые работали подпольно в каких‑то жутких условиях и не могли делать по-настоящему качественные вещи. И я обратил внимание в сторону открытия российских авторов. Не просто ради импортозамещения, а потому что там действительно есть стоящие люди.

— Кстати говоря, а почему до того, как наши отношения с Западом качнулись, локальные художники, хореографы не были замечены в той степени, в которой могут быть замечены сейчас? Почему мы обращались все время туда, а не вовнутрь себя?

— Потому что хореографов нужно взращивать — а это всегда определенные риски. Когда ты приглашаешь человека уже с именем, с коммерческой точки зрения это просто удобно. Он уже известен на весь мир, на него люди идут, даже если он делает среднестатистическую для себя работу, потому что любой художник не может гарантировать стопроцентный успех. И почему‑то к молодым перспективным хореографам не обращались.

Конечно, я не исключаю возможности сотрудничества с зарубежными коллегами. Ну а вообще в целом сейчас же ведь очень много происходит того, что называется культура отмены. Многие россияне на это по-разному реагируют. Кто‑то поддерживает эту линию партии и считает, что это справедливо, кто‑то говорит, что нет. Я вот часто привожу кейс Акунина. У него контракт с британским издательским домом, и они ему сказали: «Мы готовы выпускать ваши три произведения — но вы, наверное, все-таки хотите повременить с выпуском?» Он ответил: «Нет, конечно, я не повременю. Всегда буду выпускать до тех пор, пока есть такая возможность». Поэтому очень разное настроение.

— Это то, что касается именно «отмены» русской культуры — а что вы думаете о происходящем вокруг «новой этики» и ее влиянии на искусство?

— Я готов сказать об этом несколько слов именно с точки зрения театральной политики, потому что тоже уже возникал ряд прецедентов вокруг каких‑то древних спектаклей, например, «Баядерки» [Большого театра]. Мисти Коупленд, чернокожая прима американского балетного театра, устроила скандал, когда балерины в коричневом гриме выложили пост в инстаграме*, якобы смеясь над тем, в каком образе они предстают. Я совершенно с этим не согласен. Конечно, старые спектакли, на мой взгляд, требуют реновации, адаптирования к современным реалиям. Но мы ни в коем случае не можем их отменить, потому что в них использовался блэкфейс.

При этом я считаю, что балет — это жанр, в котором спокойно можно избегать того же блэкфейса, потому что существует огромное количество средств выражения. В первую очередь мы выражаем все пластикой и танцем. Кроме того, есть костюмы — не обязательно красить лицо в черный цвет.

Я за то, чтобы спектакли адаптировались под современные реалии, потому что иначе они превращаются в музейные экспонаты.
А театр — это все-таки живое искусство, которое необходимо как‑то актуализировать для того, чтобы оно продолжало жить.

— Вы сказали про адаптацию. А есть еще интересная практика — например, история с сериалом «Бриджертоны», где, с одной стороны, викторианская Англия, а с другой — темнокожие актеры в роли аристократов, что многих взбаламутило. Когда мы берем какое‑то классическое произведение или исторический отрезок, насколько можно с этим играть и менять фактуру, исходя из существующей конъюнктуры или еще чего‑то?

— Мне кажется, тут всегда можно сослаться на авторскую позицию человека, который это делает. Есть такая смешная фраза: «Я художник, я так вижу». Но на самом деле она очень правдивая, потому что у человека есть свое видение, и он хочет его реализовать именно таким способом. Тут, конечно, есть другой момент: делает он это, потому что действительно хочет так выразиться либо из каких‑то политических соображений. Но мы никогда не можем этого понять на самом деле.

— Вы упомянули успешный опыт продолжения работы с зарубежными коллегами. А были ли планы, которые пришлось скорректировать?

— Конечно. До конфликта у нас были планы двух премьер на конец сезона, которые отменились. Что‑то заморозилось на неопределенный срок просто потому, что люди не смогли приехать. Предыдущий художественный руководитель Лоран Илер покинул пост и уехал — конечно, было жаль терять его интересные работы, но и продолжать их реализовывать уже не было никакой возможности. Поэтому мы максимально быстро организовали другие премьеры уже нашими силами. На шестое июля планируется премьера двух балетов: один — Владимира Варнавы в сотрудничестве с режиссером Евгением Сангаджиевым, а другой — мой.

Мой спектакль — «Нет никого справедливей смерти» на музыку Альберто Хинастеры. Это аргентинская сказка, которую я взял, так как национальность композитора вдохновила меня погрузиться в фольклор этой страны. И, увидев название, даже не прочитав еще сказку, я для себя решил, что мой спектакль должен называться именно так.

— Видите ли вы новые возможности в плане сотрудничества с зарубежными коллегами — не обязательно с западными?

— Как только я попал на этот пост, я сразу стал получать большое количество предложений. Люди выражают свои идеи, которые я, как художественный руководитель, могу рассмотреть, принять, не принять или каким‑то образом иначе направить. В принципе, так оно всегда и было, так и продолжает быть.

Конечно, связи с Европой сейчас чуть более ограничены. Зато мы смотрим в Азию, куда практически никогда не смотрели, несмотря на то, что там тоже развивался балет и довольно большие шаги делает.

Мне очень нравится, что я в связи с происходящим стал задумываться о том, что некоторые рамки и ограничения на самом деле направляют тебя и открывают какие‑то новые интересные ходы. Вот спектакль, который я поставил совместно с Константином Богомоловым, «Ромео и Джульетта» — там есть персонаж Парис, которого мы вместе с Константином решили сделать инвалидом, у него нет одной руки. Когда мы сперва начали обсуждать эту идею, мне было немного страшно: «Как же я буду ее реализовывать?» Но когда я стал работать уже непосредственно в зале и как бы лишил себя одной руки в создании хореографии, у меня пошло настоящее вдохновение. Ко мне стали приходить движения, которые с двумя руками никогда бы не приходили.

Существует такая стратегия танцевальной импровизации, когда ты как бы блокируешь у себя некоторые части тела. То есть импровизируешь без рук вообще или сидя — без ног и без головы. И благодаря этим ограничениям находишь другие, более интересные ходы в оставшейся части тела.

— Вы же ведь много сотрудничали с иностранными коллегами и хорошо знаете западную зарубежную сцену. Не было никогда мыслей уехать туда?

— Были — даже после окончания обучения в Академии русского балета. Но как‑то жизнь меня всегда оставляла здесь. И сейчас я как бы посеял зерно собственной эстетики в этом театре, делая ряд работ, — люди меня уже гораздо лучше знают и понимают, гораздо лучше передают, чего я хочу. Для того чтобы прогрессировать, нужно в это очень много вкладывать.

Поэтому я считаю, что просто все обрубить и уехать — это легкий путь, в котором для меня есть даже некоторая трусость. Одно дело — может быть, в сложной ситуации, но продолжать работать. А другое дело — все бросить и убежать.

— А за рубежом существуют ли такие возможности, которые есть здесь? То есть можно ли стать худруком в вашем возрасте, например?

— Сложно судить, потому что до этого происшествия казалось, что и здесь это невозможно. Мне кажется, случается разное. У того же Джорджа Баланчина, который когда‑то уехал на Запад, была возможность стать худруком Гранд-опера — но вокруг этого назначения начались распри, конфликты, интриги. Из‑за них он уехал в США, и там все произошло. Он тоже был очень молодым — и этот пример для меня опорный во многих отношениях, потому что Баланчин, уехав, не просто создал свой театр, он начал со школы. И это невероятно важно: ты с детства воспитываешь людей именно так, как тебе нужно, — и только благодаря этому они потом могут исполнять хореографию на том уровне, который необходим.

— Много ли ваших коллег уехало?

— Мне кажется, что немного. В основном покинули Россию граждане других стран.

— То есть кадрового кризиса в балете не будет?

— Нет-нет. Все идет своим чередом.

— А какие еще планы — в смысле модернизации театра, сотрудничества с другими театрами и режиссерами?

— У меня совсем недавно произошел опыт работы с драматическим театральным режиссером Константином Богомоловым. Когда мы стали придумывать спектакль «Ромео и Джульетта», я стал много читать про начало XX века, про русские сезоны в Париже, про деятельность Дягилева. И понял, что в мире все циклично. Мне кажется, спустя 100 лет мы вновь возвращаемся к синкретическому искусству. Тогда Дягилев соединял деятелей разных сфер и жанров: это были художники, дизайнеры, модельеры, хореографы, композиторы. И благодаря этому контакту рождалось что‑то новое, интересное. Мне это очень нравится, потому что если делать все самому, скорее всего, ты будешь крутиться как в стиральной машине и делать примерно одно и то же. А привлечение новых людей — возможно, даже не связанных с театром — всегда открывает пространство вариантов.

Я как хореограф, мыслящий довольно абстрактно, признаю, что у меня нет драматургического мышления, а для создания большого сюжетного спектакля оно необходимо. Поэтому я очень открыт к сотрудничеству со сценаристами и драматургами, которые могли бы задать рамки, в которых я бы уже спокойно придумывал хореографию.

— Cейчас на фоне происходящего в мире— да и ранее, на самом деле — появляется большое количество творческих ограничений для театров, особенно государственных. Тем не менее одновременно с этим существуют смелые высказывания. Как, на ваш взгляд, сейчас будет меняться театральная повестка? Ожидаете ли вы, что будут невозможны какие‑то темы или работа с отдельно взятыми артистами или режиссерами?

— Мне кажется, нет, не будет меняться. Лично для меня темы, которые меня волновали до этого, точно так же меня волнуют.

— То есть, несмотря на возможные ограничения, существует большое количество творческих и других возможностей?

— Абсолютно. Я хотел на самом деле рассказать о том, как удачно складывалось выстраивание новых взаимоотношений в связи с моим назначением. Когда все произошло, хореограф из Латвии, которая ставила танцы в опере «Пиковая дама», отозвала свою лицензию. И меня как хореографа срочным образом попросили быстро переставить эти танцы. У меня было достаточно плотное расписание, но я, конечно же, согласился, потому что был в курсе материала, в курсе сценографии. И так вышло, что работа с Александром Борисовичем Тителем оказалась очень комфортной. Он задавал мне какие‑то направления, которыми я вдохновлялся, и получалось что‑то совершенно другое. И он сказал, что моя версия этих танцев ему нравится гораздо больше, чем та, которая была. Позже произошло мое назначение — а у нас как бы с художественным руководителем оперы уже сложился контакт.

— А что вы думаете о состоянии театральных институций — премий, фестивалей?

— Мне нравится, что фестивали и премии для театра являются непосредственным пиаром, продвигают индивидуальных каких‑то авторов и исполнителей. Хотя, на мой взгляд, некоторые присуждения бывают очевидно политическими. Но, с другой стороны, и новые имена тоже появляются. На них обращают больше внимания, и для них открывается больше возможностей. Опять же, благодаря фестивалям идет продвижение столичного искусства в провинциальные города, что тоже очень важно. Поэтому мне нравится, что прогресс идет, а фестивали и премии оказываются двигателем этого прогресса.

— Вы сами сказали про важность репрезентации столичных постановок в регионах. Какие у вас планы на гастроли?

— Для театра гастроли — это всегда очень интересно и важно, это смена атмосферы. В рамках фестиваля «Золотая маска» мы должны поехать в Красноярск и показывать нашумевшую «Акрам Хан/Иржи Килиан/Шарон Эяль».

Также в начале сентября мы должны поехать в Таиланд. В Бангкоке мы покажем «Лебединое озеро». На самом деле мы пять лет назад были на точно таком же фестивале с «Лебединым озером», так что это уже прохоженная дорожка.

— Вопрос про участие в вашей работе государства — я имею в виду Министерство культуры и Департамент культуры Москвы. Как у вас с ними выстроены отношения, выходите ли вы друг к другу с какими‑то запросами и предложениями?

— Идей у меня много. Когда я приходил в Департамент культуры перед самым назначением, я услышал там такой запрос на планирование репертуара на три года вперед. Сперва он меня напугал, потом прошла неделя, еще одна — и в моей голове возникло так много идей, что теперь мне кажется, я и на пять лет вперед могу спланировать репертуарную политику театра.

Все-таки в работе государственной бюджетной организации есть нюансы: ты не можешь просто так сразу же реализовать свою идею, она проходит ряд этапов, и, чтобы все случилось, нужно очень интенсивно поработать. Поэтому на самом деле в этой позиции просто необходимо планировать вперед, чтобы идеи не оставались на уровне идеи.

— Хотел бы напоследок спросить, что читают сами театралы — рецензии, интервью, телеграм-каналы?

— Когда ты попадаешь на эту должность, то практически перестаешь читать что‑либо. Я пока просто пытаюсь научиться максимально правильно все планировать, все записывать, ничего не забывать. Не всегда доходят руки до того, чтобы сесть в спокойствии и что‑то почитать. Потому что нужно решать какие‑то вопросы: мне звонят, мне пишут, меня спрашивают.

Конечно, для театра и для артистов всегда важно, когда их упоминают в каких‑то популярных изданиях. Наша пресс-служба организовывает подборку всевозможных материалов, с которыми можно ознакомиться. Туда входят и различные телеграм-каналы, которые пишут о жизни театра, и какие‑то газеты, журналы.

Я давно дружу с Витой Хлоповой, которая ведет театральный сайт No Fixed Points и телеграм-канал Dance Writer’s World. Она историк и исследователь танца, поэтому мне очень интересно черпать оттуда информацию. Еще есть Александр Перепелкин из The Blueprint, который ведет канал «Сорока-барокко» — его тоже иногда читаю.

===========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2022063004
Тема| Балет, БТ, Приз Benois de la danse, Персоналии,
Автор| Александр Фирер
Заголовок| Benois – 30
Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2022-06-30
Ссылка| https://musicseasons.org/benois-30/
Аннотация| гала-концерт

На Исторической сцене Большого театра прошел гала-концерт звезд балета, посвященный тридцатилетию престижного Приза Benois de la danse

Обычно ежегодный фестиваль Benois de la danse длится два дня: в первый вечер проходит награждение лауреатов конкурса и концерт с их участием, во второй – гала лауреатов разных лет. Менялся состав именитого международного жюри, но бессменно его председателем оставался худрук Benois Юрий Григорович (ныне президент Программы Benois de la danse), который как на себя полагался все эти годы на основателей Benois de la danse Регину Никифорову (председатель правления Центра Benois) и Нину Кудрявцеву-Лури (артистический директор). Лауреаты в номинациях «Танцовщик», «Танцовщица», «Хореограф» избираются путем обсуждения их авторитетными членами жюри, каждый из которых заранее выдвигает своих кандидатов, и последующим голосованием.

Конкурс-фестиваль представляет публике мировые новинки, отражает объективную картину исполнительского уровня, резюмирует реальную ситуацию в хореографии и тенденции в современном танцтеатре.

Тридцатилетний юбилей Приза Benois de la danse был отмечен балетным гала-концертом на Исторической сцене Большого театра. Из-за логистических препон организаторы в этот раз не смогли пригласить иностранных членов жюри, а также присудить и вручить призы номинантам, но все-таки был представлен замечательный балетный вечер.

Сцена из I акта балета «Спящая красавица». Ева Сергеенкова и артисты балета

Антре классической части концерта стал праздничный вальс из балета «Спящая красавица» в исполнении учащихся МГАХ и артистов Большого, а его юная солистка Ева Сергеенкова сияла в адажио Авроры с четырьмя кавалерами. От ее Принцессы веяло влечением весны, светом озаряющей мир. Взявшая отныне в свои руки бразды художественного правления Benois de la danse титулованная Светлана Захарова и Денис Родькин из Большого выступили в Белом адажио из «Лебединого озера». Королева лебедей Захарова пленяла красотой линий и, психологически растворившись в партии солирующей скрипки, привнесла в знаменитый дуэт дыхание поэтического мира. Оксана Скорик и Кимин Ким из Мариинского театра продемонстрировали техническую свободу в виртуозном па-де-де из «Корсара». Искусный покоритель воздушной стихии на балетной сцене Кимин Ким своим отточенным мастерством изумлял публику. 95-летию Юрия Григоровича артисты Большого посвятили фрагмент «Аппиева дорога» из его хита «Спартак», а Анастасия Сташкевич и Иван Васильев — адажио Фригии и Спартака. В номере со сложными акробатическими поддержками неистовый виртуоз Васильев поднимал партнершу словно былинку.

Сцену из балета «Ромео и Джульетта» в оригинальном хореографическом прочтении Начо Дуато показали солисты Михайловского театра Валерия Запасникова и Леонид Сарафанов. Запомнились их пиетет к нюансам, точное проникновение в образы шекспировских персонажей.

Отрывок из спектакля «Чайка. Балетная история» Бориса Эйфмана привезли из Санкт-Петербурга солисты эйфмановской труппы Дэниел Рубин (Константин Треплев) и Любовь Андреева (Нина Заречная). В страстной жажде перемен Треплев разрушал-преобразовывал до неузнаваемости инсталляционную конструкцию как вчерашний день искусства.

В дуэте из опуса Брайана Ариаса «Девятый вал» (на музыку Михаила Глинки) предстали любимцы публики из Большого Екатерина Крысанова и Владислав Лантратов, позволившие узреть душу непредсказуемо прекрасной стихии бушующего моря. Будто порожденные чревом океана и им же поглощенные в финале номера, беззащитные и любящие существа в трактовке артистов поведали о чувственной и обжигающей природе волн.

Два премьера-большетеатровца Артем Овчаренко и Артемий Беляков поставили сами для себя современные номера «Метель» (мировая премьера) и «Вариации на тему анатолийской народной песни». Это некая проба пера. Оба танцовщика отменно страдали: Беляков — под гитару Сергея Перелехова (музыка Карло Доменикони), а Овчаренко — под звуки свиридовской «Метели» на фоне дремучего леса.

Артисты театра «Урал Опера Балет» привезли две части из балета хореографа Максима Петрова «Три тихие пьесы» на самобытную музыку Леонида Десятникова, ожившую на сцене под проникновенным туше соратника и апологета творчества композитора пианиста-интеллектуала Алексея Гориболя. Уютную атмосферу лирических зарисовок создавали Елена Воробьева, Марина Михеева, Мики Нисигути, Андрей Арсеньев, Фидан Даминев и Хидеки Ясумура. Лексика дансантного секстета качалась на эмоциональных виражах мелодического потока.

К юбилею Benois de la danse Артемий Беляков представил мировую премьеру своего опуса «Энигма. Страницы» на музыку «Энигма-вариаций» (1899) Эдуарда Элгара (вершины английского музыкального романтизма и «визитной карточки» композитора). По утверждению Бернарда Шоу, «Элгар в английской музыке занимает то же место, что Бетховен в немецкой». Предание гласит: однажды Элгар после целого дня педагогической деятельности сымпровизировал тему, в которой слышится понятная усталость и которая русскому уху напоминает трудовую песню «Эй, ухнем». Тема привлекла внимание жены композитора Кэролайн Элис Элгар, и потому также он сымпровизировал и вариации. За инициалами или вымышленными именами скрыты, закодированы самые близкие композитору люди, но и даже бульдог под «личиной» его хозяина органиста Джорджа Робертсона Синклера. А для музыкантов шедевр Элгара уже третий век подряд остается нерешенной загадкой по увлекательному поиску некоей скрытой в глубинах партитуры неявно звучащей темы. Артемий Беляков сочинил свои вариации, презентовав их Светлане Захаровой, Анастасии Сташкевич, Еве Сергеенковой, Ивану Васильеву, Денису Родькину, Артему Овчаренку и себе, с ловким азартом пластически убедительно спроецировав индивидуальные артистические штрихи коллег-солистов на музыкальный материал. Пожалуй, именно романтически утонченной Светлане Захаровой удалось отыскать в листках из домашнего «энигма-альбома» Элгара глубокий смысл, именно то таинственное и невыразимое, что магнитом притягивает к «Энигме».

Фото Батыра Аннадурдыева

====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2022063005
Тема| Балет, театр “Астана Опера”, вечер балета, Персоналии,
Автор| Ольга Шишанова
Заголовок| Для ума и сердца
Где опубликовано| © "Новое поколение" №068,
Дата публикации| 2022-06-30
Ссылка| https://www.np.kz/news.php?id=2954
Аннотация| вечер балета

Незабываемый вечер балета с участием артистов столичного театра “Астана Опера” прошел в Нур-Султане. Обновленная программа, составленная из миниатюр современных отечественных и зарубежных хореографов и па-де-де из классических балетов в сопровождении симфонического оркестра театра, а также одноактного спектакля Раймондо Ребека “Сколько длится сейчас”, заставила сердца зрителей, по их собственному утверждению, биться чаще

Каждый выход на сцену балетной труппы “Астана Опера” - это бесценный подарок ценителям высокого искусства, и к долгожданной встрече со зрителями артисты под руководством народной артистки России Алтынай Асылмуратовой готовятся всегда очень усердно.

Вот и программа нового гала-балета оказалась весьма насыщенной и разноплановой. В нее включили совершенно разные по характеру и стилю номера. Это, во-первых, Седьмой вальс из балета “Шопениана” на музыку Шопена, который представили заслуженный деятель Казахстана Мадина Басбаева и Данияр Жуматаев, дебютировавший в этом проекте. Во-вторых, это дуэт из балета “Кармен” в хореографии Ролана Пети на музыку Бизе в исполнении заслуженного деятеля Казахстана Гаухар Усиной и Жанибека Ахмедиева, для которого выход в этой роли также был первым. В-третьих, это па-де-де из балета “Пламя Парижа” Бориса Асафьева - дебют Шугылы Адепхан в паре с Сериком Накыспековым. И па-де-де из балета “Дон Кихот” Минкуса в исполнении Мадины Басбаевой и Армана Уразова.

Кроме того, зрителей ждало трогательное исполнение дуэта из национального балета “Зов степи” на музыку Гайсина в хореографии Бана, который станцевали Айгерим Бекетаева и Галымжан Нурмухамет, а также чувственный номер “Ћилы заман” на музыку этнофольклорного ансамбля “Туран”, который представил Султанбек Гумар.

Ярким и запоминающимся стал и дуэт из балета “Бетховен - Бессмертие - Любовь” в хореографии Ребека, который готовили для показа Айгерим Бекетаева и Далер Запаров.

- Образ, с которым я выступаю в этом дуэте, абстрактный. Балет поставлен немецким хореографом Раймондо Ребеком, и в целом для меня является одним из любимых. Я ценю его работы за эстетику, пластику, особенное видение сцен. Мне очень близка хореография, подбор музыкального материала, все это помогает мне, как артистке, раскрыть замысел балетмейстера. Эту партию я очень давно не исполняла, поэтому, наверняка, в ней появились новые краски, которые я хотела подарить зрителям, - поделилась накануне своего выступления Айгерим Бекетаева.

К слову, авторству известного хореографа из Германии принадлежит и постановка “Сколько длится сейчас?”, которая завершила вечер гала-балета. По отзывам критиков, Раймондо Ребек известен своим свежим взглядом на современную хореографию. Педагог, хореограф, лауреат престижных национальных и международных конкурсов - он очень востребован и активно сотрудничает с балетными труппами по всему миру. В послужном списке Ребека - работа с Пети и Бежаром, Нуреевым и Шовире, Асылмуратовой и Килианом, а также многими другими известными хореографами и артистами с мировыми именами. Стоит отметить, что немецкий специалист готовит для театра “Астана Опера” одну из ярких премьер грядущего 10-го, юбилейного, сезона.

Возвращаясь к самому спектаклю, можно сказать, что постановка, по словам балетмейстера, поднимает философские вопросы, связанные со смыслом бытия. Три пары танцовщиков олицетворяют жизнь человека на разных ее этапах, формулируя ответ на сложный вопрос: почему воспоминания о разных событиях жизни могут длиться или вечность, или мгновение?

То есть сегодня - это завтрашнее вчера, ведь только что случившееся сразу становится прошлым. А еще на вопрос “Сколько длится сейчас?” можно ответить, как ответил кролик на похожий вопрос Алисы, героини сказки Льюиса Кэрролла “Алиса в стране чудес”: “Сейчас, как и вечность, длится порой всего секунду”.

В этом балете использована музыка Рихтера, Эскота, Боссо, Арнальдса и Эйнауди, получившего особую известность как автор саундтрека к фильму “1+1”, а также группы Les Tambours du Bronx.

А вообще, главной отличительной чертой состоявшейся гала-программы явилось то, что в рамках одного вечера зрители смогли “побывать” на нескольких балетах сразу, став свидетелями как нежной и чистой любви, так и страсти и вражды, смогли пофилософствовать и поразмышлять вместе с артистами и, конечно же, с хореографами-постановщиками над главными вопросами человеческого бытия.

Нур-Султан

Статья опубликована в №068, от 30.06.2022 газеты "Новое поколение" под заголовком "Для ума и сердца".

Елена С.

Номер ссылки| 2022063101
Тема| Балет, «Арабеск–2022» имени Екатерины Максимовой, Персоналии,
Автор| Максов Александр
Заголовок| "Искусство ревниво..." / XVII Открытый российский конкурс артистов балета «Арабеск–2022» имени Екатерины Максимовой
Где опубликовано| © Журнал «Страстной бульвар,10» №10-250/2022, стр. 111
Дата публикации| 2022 июнь
Ссылка| http://www.strast10.ru/node/6086
Аннотация| КОНКУРС

В Перми состоялся XVII Открытый российский конкурс артистов балета «Арабеск-2022» имени Екатерины Максимовой.

Знаменитый «Арабеск», проводимый с 1988 года, а с 1994-го - под патронатом ЮНЕСКО, время испытывает на прочность. В предыдущий раз сложности пришли с пандемией коронавируса, ныне негативную роль сыграла геополитика. Отсутствие авиарейсов не позволило прибыть в Пермь многим из тех, кто прислал творческие заявки на участие. Правда, нашлись и такие, кто, преодолев неимоверные тяготы путешествия, к началу конкурса все-таки добрались. Например, стойкий француз Клеман Гийом - апологет русского балета. Он так стремился на берега Камы, что не отступил даже когда его не пропустили в Нарве через российскую границу. Не спал четверо суток, стыкуя рейсы из Стамбула, Эмиратов и Москвы, но на конкурсную сцену вышел. Как оказалось - не зря: завоевал серебряную медаль.

Иван Одинцов
(младшая группа, 2-я премия)

«Арабеск», учрежденный Министерством культуры Российской Федерации, Союзом театральных деятелей России, Министерством культуры Пермского края проводится на базе Пермского академического театра оперы и балета имени П.И. Чайковского и носит имя великой балерины Екатерины Максимовой. Соревнование имеет статус «открытого», что позволяет участвовать в нем гражданам не только России. В географии «Арабеска-2022» оказались широко представленными, казалось бы, самые «не балетные» города России. Наряду с Санкт-Петербургом и Москвой, Казанью и Уфой, Челябинском и Пермью, Улан-Удэ и Якутском, Воронежем и Нижним Новгородом, Новосибирском и Чебоксарами, Саратовом и Екатеринбургом на конкурсную площадку чуть ли не впервые ступили представители Тулы, Астрахани, Красногорска, Магнитогорска, Барнаула, Тюмени, Краснодара, Калининграда... Иностранцы - из Беларуси, Великобритании, Греции, Турции, Японии и уже названной Франции.

Для оценки 20 конкурсантов младшей группы и 36 - старшей собрали, как всегда, представительное жюри во главе с бессменным художественным руководителем «Арабеска» Владимиром Васильевым. В судейской коллегии прима-балерины Марианна Рыжкина, Татьяна Предеина, художественный руководитель Пермского хореографического училища Владимир Толстухин, заведующий кафедрой балетмейстерского образования Академии русского балета имени Агриппины Вагановой Юрий Петухов, балетмейстеры и исполнители современной хореографии Александр Могилёв и Алексей Расторгуев. В традиционное для «Арабеска» жюри прессы под председательством Сергея Коробкова вошли критики и балетоведы Лариса Барыкина, Наталья Левкоева, Виолета Майниеце, Ольга Розанова, Елена Федоренко и автор данной статьи.

Генрих Райник
(старшая группа, 2-я премия)

По устоявшимся правилам конкурс, включающий в программу творческое состязание балетмейстеров, открыли экспериментальными постановками молодых, но уже ярко заявивших о себе (в том числе и на прошлых биеннале в Перми) хореографов. Свои одноактные балеты, предваряемые вступительным словом Владимира Васильева, показали Юлия Бачева (Санкт-Петербург), Александр Могилёв (Москва), Юлия Репицина (Челябинск) и Алексей Расторгуев (Пермь). Поскольку «Арабеск-2022» посвятили 150-летию со дня рождения знаменитого пермяка - всемирно известного импресарио Сергея Дягилева, предложенные сочинения были так или иначе связаны с дягилевскими «Русскими сезонами». В декоративные «Сады Аранхуэса» на музыку Мориса Равеля увлекла публику Бачева, своеобразное философское содержание Могилёв вложил в «Кикимору» на музыку Анатолия Лядова. «Игры» Клода Дебюсси вдохновили Репицину, Расторгуев отважился на оригинальную реплику «Павильона Армиды» Николая Черепнина, в начале прошлого века поразившего парижан в постановке Михаила Фокина. Различные по своим эстетическим устремлениям и сюжетам мини-спектакли мудрая режиссерская рука Васильева объединила выразительным прологом. Вокруг рояля в центре сцены расположились артисты. Вслушиваясь в звуки «Лунного света» Дебюсси, они вместе со зрителями рассматривали на экране арьера сцены семейные фотографии, запечатлевшие Дягилева в разные периоды жизни.

По условиям конкурса на первом туре солисты (в двух вариациях) и дуэты (в pas de deux) должны показать, прежде всего, академическую выучку на материале классических балетов, требующих, как известно, технического совершенства, музыкальности и актерского мастерства. Увы, совокупностью таких качеств смогли похвастать далеко не все. Право первыми выйти на сцену традиционно предоставили конкурсантам младшей возрастной категории, а те оказались поглощены стремлением продемонстрировать свои физические данные (большой шаг, прыжок, вращение) и школьные навыки.

Алеся Лазарева
(старшая группа, 1-я премия)

Конкурс открыла москвичка Ульяна Васильченко, несколько манерно исполнившая вариации Авроры («Спящая красавица») и Одиллии («Лебединое озеро», редакция Юрия Григоровича). Несколько лучше показались улыбчивая Мария Попова из Красногорска, исполнившая соло Лизы («Тщетная предосторожность»), и Дарья Платонова, представшая задорной Нунэ из «Гаянэ» Арама Хачатуряна (хореография Нины Анисимовой). Две пермские конкурсантки вызвали к себе пристальный интерес. Софья Туманова, правда, не избежала ошибки в финале вариации из балета «Павильон Армиды», но уверенно исполнила танец Царицы вод из «Конька-Горбунка». Яркую лирическую индивидуальность проявила Валерия Кузнецова, чья Жизель была бесплотной и полетной. Pirouettes en dedans - en dehors в вариации из pas d`esclave «Корсара» блеснула петербурженка Ангелина Карамышева.

Конечно, основная борьба за взятие художественных вершин развернулась среди конкурсантов старшей группы. В вариациях из «Спящей красавицы» и «Пахиты» запомнилась японка Рино Фукуока, артистично и живо исполнила вариацию Лизы Александра Богданова (Улан-Удэ). Запаса прочности не хватило пермяку Генриху Райнику. Юноша артистичен, танцует с настроением, но выворотности на plie ему явно не достает, да и кисти в вариации Меркуцио («Ромео и Джульетта» в хореографии Кеннета Макмиллана) чересчур зажаты. На передовые позиции выдвинулись изящная и обаятельная Михиро Мории, продемонстрировавшая все возможные варианты fouettes в pas de deux «Арлекинады», темпераментный пермяк Георгий Еналдиев, сверкнувший мощным прыжком в вариациях Конрада («Корсар») и Базиля («Дон Кихот»), а также Георгий Болсуновский из Красноярска. Опытный конкурсный боец, он исполнил вариации из «Арлекинады» и «Корсара». Неплохо выступили Варвара Терешина (Москва), Анастасия Каплина (Уфа), Софья Антонова (Саратов). А вот Анфиса Леготина (Санкт-Петербург) танцевала неровно. Лучше у нее вышла вариация Царицы вод из «Конька-Горбунка», хуже - Аспиччия из «Дочери фараона». Вторым выходом снизила впечатление и Дарья Ладыко из Челябинска, исполнившая вариацию Нирити из «Талисмана» вслед за Танцем с колокольчиками («Бахчисарайский фонтан»).

Георгий Еналдиев
(старшая группа, 1-я премия)

Ко второму туру жюри допустило 18 конкурсантов младшей группы и 27 - старшей. Теперь им предстояло исполнить не только фрагмент классического спектакля, но и номер современной хореографии. Понятие «современная хореография» довольно размыто, поэтому многие сочинения все же не слишком ушли от канонической эстетики. Лексика хореографии в «современном» искусстве может быть различной, включающей modern-dance, джаз-танец, даже street-dance и рэп. Главное, чтобы произведение, уложенное в три минуты, имело законченную структуру и четко выраженную мысль. Такой драматургией обладали дуэты, повествующие о противоречивых гендерных отношениях: «Сказка» (здесь были убедительны Алисия Пак и Иван Одинцов), «Мой Данте... Моя Беатриче» (в исполнении Марии Банниковой и Льва Швирида), «Я тебя не люблю» (Вероника Стерхова и Артемий Макаров), «Ангелы Вероны» (Ульяна Фатьянова и Денис Гайноченко). Превосходно исполненные Георгием Болсуновским и Георгием Еналдиевым соответственно «Повесть» и «Попутчик» оказались наиболее близкими эстетике современного танца. Это пластические монологи с заложенным внутренним конфликтом, и в них соискателям наград «Арабеска» удалось захватить внимание зрителя и держать его до финальных аккордов. К подобным номерам отнесем «Маску» Варвары Терешиной, «Умереть и не встать» Ульяны Синетар, «Нет его и не было» Разили Мурзаковой, «Пианиста» Сергея Угрюмова, «Libertango» Клемана Гийома. Генрих Райник должен быть признателен автору хореографии «Септаккорда»: содержательный по смыслу и яркий по форме номер, поставленный Алексеем Расторгуевым, позволил танцовщику раскрыться как вдумчивому и эмоционально напряженному артисту.

Примечательно, что программа «Арабеска» вмещает в себя «конкурс в конкурсе». Помимо того, что исполнители предстают в двух ипостасях - академизма и модерна, за призами и отличиями (для балетмейстеров они учреждены Союзом театральных деятелей России) съезжаются и хореографы. На «Арабеске-2022» их оказалось 49 человек. Дипломантами, отмеченными СТД РФ (ВТО), стали Алиса Куликова (Москва), отмеченная за воплощение образности чувств в номере «Пока не пойдет дождь», а также Михаил Присекин (Барнаул) - за синтез актерской выразительности, технического мастерства и культуры танца в номере Дарьи Вергизовой «Трудно быть птицей». Решением жюри прессы дипломами награждены Никита Повалихин (Ростов-на-Дону) за исполнение номера Виты Мулюкиной «Чужой», Егор Березиков (Барнаул) за исполнение номера Александра Могилёва «Пока, месье!» и Генрих Райник - за «Септаккорд».

Гийом Клеман
(старшая группа, 2-я премия)

К третьему туру количество участников сократилось до 32. Снова в свои права вступила классика. Выиграли те, кто тщательно продумал репертуарную стратегию. Дарья Платонова порадовала раритетом - вариацией из «Тирольского pas de deux» Россини-Бурнонвиля, Алисия Пак сверкнула вариацией из «Маркитантки». Валерия Кузнецова, напротив, привлекла кантиленой дуэта Одетты и Зигфрида («Лебединое озеро»). Уверенно продвигался к цели Еналдиев, избравший для третьего тура вариации Фрондосо («Лауренсия») и Солора («Баядерка»). Не отставал от него и Болсуновский с динамичным Богом ветра («Талисман») и неукротимым Филиппом («Пламя Парижа»). От тура к туру набирал очки Клеман Гийом, взявший для заключительного этапа разнохарактерные соло Конрада и Альберта («Жизель). Успешно показался пермяк Максим Морозов (Граф Вишенка из «Чиполлино» и Колен из «Тщетной предосторожности»). В целом команда пермяков оказалась не только самой многочисленной, но и, пожалуй, самой эффектной.

Гран-при имени Екатерины Максимовой не присудили, зато все медали, за исключением золотой у юношей по младшей группе, нашли своих достойных обладателей. Тем же, для кого «Арабеск-2022» вышел лишь пробой пера, не лишне напомнить слова великого Микеланджело Буанаротти: «Искусство ревниво: оно требует, чтобы человек отдавался ему всецело». И добавить - многое впереди!

Фото Никиты и Антона ЧУНТОМОВЫХ

Елена С.

Номер ссылки| 2022063102
Тема| Балет, XIV Международный конкурс артистов балета, КазНТОБ им. Абая, Малика Ельчибаева, Персоналии, Гульжан Туткибаева, Богдан Вербовой, Каскырбай Ескали
Автор| Индира САТБАЕВА
Заголовок| Солисты балетной труппы КазНТОБ им. Абая вернулись с престижного московского конкурса с наградами
Где опубликовано| © Газета ""Вечерний Алматы"
Дата публикации| 2022-06-28
Ссылка| https://vecher.kz/solisti-baletnoy-truppi-kazntob-im-abaya-vernulis-s-prestizhnogo-moskovskogo-konkursa-s-nagradami
Аннотация| КОНКУРС

Фото предоставлены КазНТОБ имени Абая

На сцене Большого театра России прошел XIV Международный конкурс артистов балета. Конкурс проводится раз в четыре года, в этом году было подано 343 заявки из 33 стран мира.

Оценивало мастерство танцовщиков авторитетное жюри, в состав которого вошли ведущие деятели мирового балетного искусства. Бессменным председателем жюри конкурса с 1973 года является Юрий Григорович, Герой Социалистического Труда, народный артист СССР. В этом году ему исполнилось 95 лет, поэтому нынешний конкурс посвящен юбилею Юрия Григоровича. В силу почтенного возраста он наблюдал за состязаниями артистов онлайн.

От КазНТОБ имени Абая в московском конкурсе приняли участие три артиста: Малика Ельчибаева, Богдан Вербовой и Каскырбай Ескали. Малика Ельчибаева завоевала вторую премию в номинации «Женщины, соло», а при том что первую премию жюри не стало никому присуждать, поэтому можно сказать, что наша балерина вернулась домой с победой. Богдан Вербовой стал дипломантом в номинации «Мужчины, соло». Каскырбай Ескали в конкурентной борьбе прошел практически все сложнейшие туры конкурса, однако взойти на пьедестал ему не удалось.

Впервые в жюри московского конкурса заседала народная артистка Республики Казахстан, художественный руководитель балетной труппы КазНТОБ имени Абая Гульжан Туткибаева.

– Как член жюри я сказала бы, что уровень участников XIV Международного конкурса артистов балета в Москве был достаточно высоким, – рассказала «Вечерке» Гульжан Туткибаева. – Здесь были представители разных стран. Мы прекрасно знаем, что русский балет – самый сильный в мире. На конкурсе были представлены самые лучшие российские театры: Большой, Мариинский, Пермский, Красноярский, Казанский и другие. Если говорить о наших участниках, то Малика Ельчибаева, Богдан Вербовой и Каскырбай Ескали смотрелись очень достойно.

Богдан стал дипломантом, следует отметить, что в номинации «Мужчины, соло» была достаточно сильная конкуренция. Малика Ельчибаева завоевала второе место. Проявив характер, она показала свою индивидуальность (что очень ценится на таких конкурсах), профессиональную школу и академизм исполнения. Все эти качества дали ей возможность стать призером знакового международного конкурса артистов балета, который был посвящен 95-летию мэтра мировой хореографии, великого балетмейстера Юрия Григоровича.

По словам Гульжан Туткибаевой, казахстанских танцоров не просто приглашают на этот конкурс, но очень ждут, потому что наши артисты всегда составляют хорошую конкуренцию остальным участникам.

Когда-то она сама участвовала в московском конкурсе.

– Когда я сидела в жюри, то вспоминала свое участие в VI Международном конкурсе артистов балета, – рассказывает она. – Мне кажется, мало что изменилось. Что было в этом конкурсе совсем по-другому? Здесь в третьем туре необходимо было исполнить хореографию Юрия Григоровича, поэтому он, конечно, отличается от других. Мы увидели много фрагментов и оригинальных авторских постановок Юрия Григоровича и спектакль, который он делал в своей редакции. Были представлены фрагменты из балетов «Каменный цветок», «Спартак», «Легенда о любви», «Раймонда», «Золотой век». Все вызывало огромный интерес, так как можно было сравнивать выступления всех участников, увидеть, кто более ярок, индивидуален в подаче этих образов.

Малика Ельчибаева и Богдан Вербовой – оба выпускники Алматинского хореографического училища имени Александра Селезнева, оба окончили учебу с отличием: Малика – в 2017 году, Богдан – в 2020-м.

Сейчас Малике 23 года, и она с теплотой и благодарностью вспоминает своих педагогов.

– Они дали мне хорошую базу и каждый из них внес свою лепту в мое становление, – говорит Малика Ельчибаева.

В том же 2017 году Гульжан Туткибаева пригласила ее в труппу театра в качестве ведущей балерины.

– Артист всегда волнуется, но на исторической сцене Большого театра у меня волнение было вдвойне, – делится Малика, – особенно в первом туре. Сцена в два раза больше нашей, но в плане размера у меня проблем не было, потому что я балерина немаленького роста (смеется). Но были сложности с тем, что там покатый пол, поэтому приходилось привыкать за такое короткое время, но уже ближе к третьему туру сцена стала родной.

Артист должен иметь стальные нервы, выдержку, для того чтобы выйти на сцену и показать тот результат, ради которого он работал в зале с педагогом, репетировал с утра до ночи, считает балерина.

– Это самое главное – выйти и показать результат. Надо верить, что все будет хорошо, и помнить, что говорил педагог, учитывать все ошибки. Как говорила мой учитель Людмила Ли, сердце должно быть горячим, а ум – холодным. Я человек самокритичный, к себе очень строго отношусь, и очень благодарна Гульжан Усамбековне за то, что она поверила в меня и придала уверенности в том, что все будет хорошо.

В репертуаре Малики Ельчибаевой около 15 ведущих партий, она практически станцевала весь репертуар КазНТОБ имени Абая. Мечтает исполнить партию Китри в балете «Дон Кихот» и Жизель.

На днях на премьере балета Тимура Мынбаева «Фрески» Малика Ельчибаева представила свою новую партию – Шамхат, жрицы храма Ишторе. 19-летний Богдан Вербовой в этом спектакле станцевал партию Кене-Сары.

– Предложение участвовать в XIV Международном конкурсе артистов балета мне поступило от Гульжан Туткибаевой, – рассказывает Богдан Вербовой, – я сразу согласился, не раздумывая, потому что это хорошая возможность показать себя мэтрам хореографии, станцевать на сцене Большого театра, это богатый опыт. Номера, которые я подготовил, были не совсем репертуарные, потому что на сцене нашего театра в качестве артиста я танцевал только вариацию Голубой птицы из балета «Спящая красавица». Остальные вариации танцевал во время учебы в училище, но в третьем туре конкурса я исполнил вариацию Бориса из балета «Золотой век» в хореографии Юрия Григоровича. Совершенно новая для меня хореография, потому что этот балет у нас не идет, и я вообще о нем, если честно, не слышал. Танцевать эту вариацию было большой честью, потому что постановки Юрия Николаевича Григоровича для меня являются эталоном классической хореографии.

По словам Богдана, московский конкурс называют балетной олимпиадой, поэтому для успешного выступления нужно уметь контролировать свои эмоции и психологическое состояние.

– Даже когда что-то получается хорошо, хочется это сделать еще лучше, потому что в нашей профессии идеально не бывает, – говорит артист. – Так сказал мой педагог Александр Николаевич Медведев, и я полностью с ним согласен.

– Для участия в конкурсе нужен особый подход, необходима серьезная физическая подготовка и психологический настрой, – в свою очередь говорит художественный руководитель балетной труппы театра Гульжан Туткибаева. – Для любого артиста участие в конкурсе означает поверить в себя, раскрыть свои новые возможности, идти дальше и развиваться.

Конечно, я хотела бы пожелать ребятам, чтобы они достигали еще больших высот, чтобы у них было больше главных партий, в которых они искали бы новые краски в своих образах, чтобы они были индивидуальны, неповторимы, вот что очень ценно. И чтобы зритель запомнил это, и оно осталось эксклюзивом.

Статья опубликована в №73-74, от 28.06.2022 газеты "Вечерний Алматы" под заголовком "Балетная олимпиада".

Елена С.

Номер ссылки| 2022063103
Тема| Балет, центр «Сириус», Якутская балетная школа имени Аксении и Натальи Посельских, Персоналии, ЭРХАН ТАНЫКОВ
Автор| корр.
Заголовок| ЭРХАН ТАНЫКОВ: «БАЛЕТ ТРЕБУЕТ МУЖЕСТВЕННОСТИ»
Где опубликовано| © Образовательный центр «Сириус»
Дата публикации| 2022-06-30
Ссылка| https://sochisirius.ru/news/5377
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Семиклассник Эрхан Таныков приезжает на образовательные программы «Сириуса» по классическому танцу уже в третий раз. Школьник живет в Якутии, принимает участие в региональных творческих проектах и уже выступает на сцене Якутского театра оперы и балета. Танцовщик признается, что каждая образовательная программа позволяет ему пополнить копилку знаний. Важно не только оттачивать каждое движение, но и развивать силу и выносливость, чтобы по-настоящему погрузиться в профессию.

Эрхан Таныков рассказал о том, как проходят занятия, в чем особенности подготовки юношей и когда он понял, что балет станет делом его жизни.

– Как ты пришел в балет?

– Это получилось случайно. Когда я учился в музыкальной школе, к нам на занятия пришли педагоги Якутской балетной школы имени Аксении и Натальи Посельских. Они провели для нас мастер-класс по балетному мастерству. На нем педагоги увидели, что я хорошо прыгаю, и предложили мне попробовать поступить в их балетную школу. Конкурс в региональные школы, как правило, для мальчиков небольшой. Поэтому после вступительных экзаменов меня сразу же взяли. Однако тогда я еще не думал о том, что впоследствии свяжу свою жизнь с балетом. Им я занимаюсь уже 5 лет.

– Когда ты понял, что балет станет делом твоей жизни?

– Не сразу. Поначалу я просто приходил, занимался, уходил домой. Позже я стал углубленно интересоваться этим искусством, его историей. Просто в один момент я задумался, чего хочу от жизни. После этого стал заниматься более осознанно.

– Существует стереотип, что балет – это женское искусство. Как ты к этому относишься?

– Это действительно стереотип. Балет для меня – это профессия, которая требует мужественности, большой силы духа. Ребятам приходится преодолевать разные трудности, которые есть в профессиональном балете. Очень важно каждый день упорно заниматься, чтобы достичь успеха. Мальчикам нужно очень много качаться, выполнять физические упражнения, чтобы делать поддержки. Многие сдаются – я знаю несколько ребят, которые хотят уйти из балета только из-за того, что им лень ежедневно заниматься. Они не хотят каждый раз вставать в 6 утра и идти к 8 часам на классику, заниматься тренировками по 5 часов в день.

– Чему уделяется особое внимание в подготовке артиста балета – мужчины?

– На занятиях в балетных школах мальчики много, очень много прыгают. Занятия по классическому танцу у нас в основном состоят из прыжков. У девочек иначе: они выполняют больше упражнений на плавность поднятия ног, к примеру, батман тандю.

Различия в подготовке есть и по уровню совершенствования физических сил. Для мальчиков еженедельно проводятся тренировки, чтобы мы могли выше поднимать партнерш и дольше их удерживать. На занятиях мы делаем жим рук лежа, подтягивания. Регулярное посещение спортзала – обязательная составляющая тренировок. Одно дело, когда ты выполняешь отдельные элементы на тренировках. Совсем другое, когда ты будешь танцевать уже целый спектакль. Без силы и выносливости здесь никак.

– У танцовщиков балета есть при этом какие-то ограничения в еде?

– В этом плане нам, парням, повезло больше, чем девочкам. У них больше ограничений, связанных с разными вкусняшками. Парням же важно набрать массу, чтобы тело было сильное. Но в любом случае сладкая и очень калорийная пища нежелательны, важен здоровый сбалансированный рацион. Ну и, конечно, без физической нагрузки никуда.

– Сильно ли различаются женские и мужские партии с технической стороны?

– Девочкам не нужно много прыгать, а мальчикам – нет необходимости стоять на пуантах каждый день. Например, мы танцевали дуэт с моей подругой. По технике мне было необходимо держать ее, чтобы она не упала, а для этого нужно чувствовать девушку, не делать лишних движений. Раньше я смотрел на артистов и не понимал, насколько это в действительности сложно. Конечно, было волнительно. Педагог меня поправлял, давал советы. Это очень помогло. Но и для парней тоже очень важна пластика. Мы ее постоянно совершенствуем, оттачиваем навыки.

– На профильную программу «Сириуса» ты приезжаешь не в первый раз. Почему ты любишь возвращаешься сюда снова?

– В «Сириусе» я уже в третий раз. Был в 2019 и 2021 году вместе с командой из моей балетной школы. В этот раз я подавал заявку индивидуально, вновь приехал в «Сириус» благодаря своему личному портфолио. Мне захотелось приехать снова, потому что здесь много таких же интересующихся балетом, талантливых ребят и прекрасных педагогов. Они проводят для нас чудесные мастер-классы по классическому танцу, гриму и актерскому мастерству. В прошлом году в «Сириусе» я впервые занимался народно-сценическим танцем. Педагог по этому профилю научил меня выражать себя и не стесняться.

В «Сириусе» ты учишься подмечать такие вещи, на которые раньше не обращал внимания. Это помогает исправить ошибки и избежать новых, совершенствовать технику. Из таких маленьких кирпичиков складывается мастерство. Мы изучаем историю балета, биографии великих композиторов, посещаем очень интересные лекции. Безусловно, очень здорово работать со Светланой Захаровой. Как-то после урока она спросила, откуда я, сколько мне лет и сказала, что я молодец. Конечно, для меня это очень ценно.

– У тебя бывают дни, когда хочется пропустить тренировку, и как ты справляешься с таким состоянием?

– Когда вообще нет желания и мотивации что-то делать, я смотрю в интернете выступления мастеров балета. И у меня появляется вдохновение: я понимаю, что если буду усердно трудиться, тоже смогу однажды добиться успеха, стать профессионалом.

– У тебя есть профессиональная мечта?

– Я уже выступал у себя в Якутском театре оперы и балета, выполнял партии в детских постановках, участвовал в разных творческих проектах. Мне хотелось бы однажды выйти на главные сцены страны – выступить в Мариинском и Большом театрах.

В начале июля «Сириус» примет образовательную программу по хореографии. Танцовщики будут изучать классический и современные танцы, актерское мастерство, грим, историю хореографического искусства.

Елена С.

Номер ссылки| 2022063104
Тема| Балет, Академия танца Эйфмана, Выпускной концерт, Персоналии,
Автор| Вероника Кулагина
Заголовок| Последний звонок для муз
Где опубликовано| © PRO Танец
Дата публикации| 2022-06-20
Ссылка| https://clck.ru/s7Rim
Аннотация| выпускной концерт

В июне в Петербурге царствуют Белые ночи, цветет сирень и проходят Выпускные концерты двух Академий. В этом году они совпали буквально, до дат в календаре: 17 и 18 июня своих выпускников благословила концертом Академия танца Бориса Эйфмана, а 18, 19, 20 на исторической сцене Мариинского театра расставалась с воспитанниками Академия Русского балета имени А.Я. Вагановой.

Для Академии Эйфмана выпуск 2022 года второй в истории. Третьекурсники, ученики Н. В. Пермяковой и М. Е. Прокофьева, успешно сдали Государственный экзамен ещё 18 апреля и все это время активно готовили Выпускной. Объединенные усилия учеников и педагогов оправдались – концерт порадовал разнообразием танцевальных умений учащихся и, на данном этапе развития недавно образованного учебного заведения, уверенно очертил дальнейший путь становления Школы. Судя по тому, какие разноплановые молодые артисты выходили на сцену Театра Академии, и отнюдь не только как танцовщики, но и как хореографы, путь этот может быть очень интересным.

Первое отделение (всего их было три) полнометражного концерта открыл II акт «Эсмеральды» Пуни/Петипа в версии известного реаниматолога старинных балетов Юрия Бурлаки, второе действие отвели под номера современной хореографии, завершился концерт, что логично, балетом «Мусагет» основателя Академии, кажется, прочно вошедшим в репертуар Школы.

Финал II акта из балета «Эсмеральда». Фото Евгения Матвеева

В «Эсмеральде» Бурлаки, отвечавшей в концерте за классику, есть что потанцевать учащимся разных возрастов и, конечно, героям вечера – выпускникам. Па-де-де Флер де Лис и Феба, вариации их подруг и друзей, танцы придворных дев, эффектное па-де-де Дианы и Актеона и, наконец, па-де-де Эсмеральды и Гренгуара. В одном действии можно продемонстрировать профессиональную подготовку трех пар учеников. Как известно, «Эсмеральда» была одним из любимейших балетов примы Императорского Мариинского театра Матильды Кшесинской, но получила она его не сразу. Перед этим всемогущий Петипа задал ей сакраментальный, дошедший до нас сквозь века благодаря мемуарам балерины, вопрос: «А ты любиль? Ты страдаль?». Не знаю, спрашивал ли об этом Юрий Петрович Бурлака исполнительниц партии смелой цыганки, но юные балерины Алёна Угрюмова и Александра Абрашина (обе выпускницы приглашены в Театр балета Бориса Эйфмана) создали вполне убедительные образы влюбленной и страдающей уличной плясуньи. Каждая по-своему заострила или, напротив, сгладила эмоциональные грани партии. Был хорош и пылкий Феб в исполнении одного из лидеров курса, выпускника Даниила Потапцева, обратившего на себя внимание руководителей балетных трупп главных театров страны еще на госэкзамене. Молодой артист приглашен в Большой театр и, кажется, уже выбрал его местом работы. Для идеально сложенного танцовщика с красивыми ногами, мягким прыжком и хорошим вращением «Эсмеральда» – балет не новый: в прошлом году, также в рамках Выпускного, он исполнял роль Гренгуара.

Сложившийся дуэт готовых артистов представили Екатерина Варламова и Дмитрий Уксусников. Будучи второкурсниками, они запомнились виртуозностью на Выпускном концерте 2021 года, блеснув в заглавных партиях сложнейшего балета классического наследия «Сильфида» Левенскольда/Бурнонвиля. Прошел год, и ребята упрочили статус виртуозов, выпускников с большим потенциалом. Азартом и выучкой искрилось знаменитое Па-де-де Дианы и Актеона в их исполнении. С вариациями из него Екатерина и Дмитрий выступили на прошедшем недавно в Москве XIV Международном конкурсе артистов балета: у Екатерины Варламовой III премия в номинации «Женщины, соло», у Дмитрия Уксусникова грамота в категории «Мужчины, соло». Как и сокурсник Дмитрий Потапцев, Екатерина Варламова приняла приглашение Большого театра. Дмитрий Уксусников также приглашен в Москву, в Московский академический Музыкальный театр имени К. С. Станиславского и В. И. Немировича-Данченко.

Талантливые выпускники преуспели не только в классике. Во втором действии в номерах современной хореографии по-новому заставили посмотреть на себя и Екатерина (номер «Очарованная девушка» в хореографии Б. Бараньяи, на музыку легендарного черного исполнителя Нэта Коула), и Дмитрий, в номере хореографа М. Маркунина «Иуда» на музыку М. Рихтера продемонстрировавший диапазон собственных возможностей, и речь совсем не о технике. При плотном телосложении, которым зачастую обладают многие супертехничные танцовщики, Дмитрий Уксусников поразил невероятной пластичностью, его гибкое тело скручивалось и распластывалось, взлетало и замирало в стойке на голове, парило в воздухе и застывало на кончиках пальцев. Тело танцовщика – инструмент. У Дмитрия он не сфальшивил.

Екатерина Варламова и Дмитрий Уксусников во II акте балета «Эсмеральда». Фото Евгения Матвеева

Номера мэтров балетного искусства, такие как легендарное Cor perdut Начо Дуато в искреннем, но при этом чётком исполнении второкурсников Елизаветы Дегтяревой и Игоря Клинского, чередовались с номерами в хореографии учеников Академии. Игорь Клинский вновь очаровал публику своим эмоциональным «Вуаля» (музыка Б. Прави), а Егор Фомин (5/9 класс) показал собственный злободневный номер «Контроль» (музыка Т. Лаке и Р. Шакамото).

«Послеполуденный отдых фавна» Дебюсси Балаш Бараньяи превратил в послеполуденный отдых Нимфы. В его номере «Фавн», поставленном специально для Выпускного, Нимфе снятся пять пар причудливо движущихся Фавнов и Нимф. Становятся ли они зеркальным отражением реальности, или сон, это лишь сон – каждый волен решать сам. С провокационным сюжетом хореографического дебюта В. Нижинского, названного некоторыми современниками «непристойным», целомудренную хореографическую зарисовку Бараньяи не связывает ничего, кроме музыки.

Венчал оба выпускных вечера балет о боге и музах «Мусагет» на музыку Баха и Чайковского, поставленный Эйфманом специально для Нью-Йорк Сити Балле (NYCB) в 2004 году. Бог – это Баланчин, чья бронзовая скульптура встречает на входе гостей и хозяев Академии, музы – балерины его труппы. Хореография «мистера Би» делала их богинями. Партии трех муз распределили между шестью выпускницами: Екатериной Варламовой, Валерией Калининой, Алёной Угрюмовой, Ариной Че, Дарьей Поповой, Александрой Абрашиной. Роль Баланчина исполнили артисты Театра балета Бориса Эйфмана – премьер труппы Олег Габышев и молодой солист Дэниел Рубин, танцовщик, родившийся в Америке, но учившийся танцу в России, в Московской академии хореографии. Он воплотил Баланчина, американца по паспорту, «грузина по крови, русского по культуре и петербуржца по национальности», во второй вечер. Дэниел Рубин, нехарактерный для Театра Эйфмана танцовщик, рост чуть пониже, чем у остальных мужчин артистов. Тем не менее в «Мусагете» это играет ему на руку. Фигура на сцене – практически точная копия фигуры Баланчина, неоднократно виденной на фото и редких видео. Найденная танцовщиком сдержанная, но при этом сугубо мужская подача образа, не позволяла оторвать взгляд от сцены. Три полярно разных музы: Вера Зорина – вамп с кошачьими повадками, Танакиль Леклер – ангел с трагической судьбой и Сьюзен Фаррелл – яркая неверная звезда. С каждой из них Баланчин Рубина разный, но при этом не теряющий себя в череде судьбоносных встреч, в эпицентре сокрушительных вихрей, навеваемых музами.

Великолепной Кошкой-Зориной была Алёна Угрюмова. Мягкая и пластичная, она освободила роль от навязчивой сексуальности, сделав её выразительно-графичной. Некий портрет на фоне, которым хочется любоваться. Танакиль Леклер у Валерии Калининой и Екатерины Варламовой стала прекрасным хрупким видением, сотканным из юности, надежд и света. Дарье Поповой (Сьюзен Фаррелл), выпускнице с изумительными внешними и физическими данными, не надо было ничего играть. Она вполне сравнима с «алебастровой принцессой» в части неимоверной красоты: высокий рост, длинные ноги, которые при этом справляются с техникой, хороший прыжок, чувство позы. Все перечисленное делает молодую балерину идеальным кандидатом в артистки Театра Эйфмана. Именно этот театр Дарья и выбрала в качестве будущего места работы.

Все выпускники – индивидуальности. Школа не убила в них это важное качество, наоборот, кажется, много сделала, чтобы культивировать его.

В каждом из выпускников светился огонь, пусть он не погаснет. Пусть каждый найдет своего хореографа, как нашли его героини «Мусагета».

=================================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2022063105
Тема| Балет, Большой театр Беларуси, Персоналии, Игорь Колб
Автор| Елена Балабанович
Заголовок| «ПРИШЛО ВРЕМЯ ПОДЕЛИТЬСЯ ТЕМ, ЧТО Я КОГДА–ТО САМ ПОЛУЧИЛ ЗДЕСЬ»
Где опубликовано| © бортовой журнал авиакомпании Belavia, стр. 96-101
Дата публикации| 2022 июнь
Ссылка| https://belavia.by/webroot/delivery/images/OnAir_2022_JUN.pdf#page=50
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В начале апреля 2022 года, приняв предложение занять должность главного балетмейстера Большого театра Беларуси, Игорь Колб — выдающийся артист, премьер Мариинского театра — словно совершил красивейший балетный прыжок grand jete из Санкт-Петербурга в Минск. Таких прыжков — вперед и в неизвестность — в его жизни было немало. Например, когда он подростком приехал из Пинска в Минск, чтобы учиться балету. И когда по окончании учебы «упорхнул» из Беларуси на сцену Мариинского театра, почти сразу получив главные партии. Из амплуа романтических принцев Колб однажды тоже «выпрыгнул», поразив яркостью своих сценических перевоплощений в злодеев, которые в его исполнении переставали быть второстепенными персонажами. В какой-то момент случился и его прыжок из классического балета в современный, и сольные постановки, созданные специально для него. При этом сам Игорь Колб не разделяет весь этот полет на череду прыжков, а видит в нем одну линию, которую принято называть жизненным путем.

P. S. Благодарим за помощь в создании материала Елену Балабанович (Большой театр Беларуси).

Фото: Михаил Нестеров

В балет я попал, можно сказать, случайно. В хореографическом училище всегда нехватка мальчиков. И когда педагогов из минского училища оправили по городам и селам страны искать мальчиков, подходящих по данным для балета, они приехали и в мой родной город Пинск. Мне было тогда 12 лет. Я был мальчишкой, искавшим чем себя занять, и переходил из одного кружка в другой: были и выжигание по дереву, и бокс, и цирковая студия, и станция юннатов, и эстрадные танцы. Как-то подружка по двору уговорила меня походить с ней в хореографическую школу — я и пошел за компанию, толком не понимая, что это и зачем мне. К тому же расписание занятий было жутко неудобным: учился я в школе во вторую смену, а занятия в студии начинались рано, так что приходилось вставать засветло, ехать по темноте через весь город на площадь Ленина, где находится Пинская хореографическая школа. Именно там меня увидели минские педагоги Ольга Мацкевич и Лариса Халецкая: подергали за руки-ноги и, написав на клочке бумаги свой номер в гостинице, велели передать родителям, чтобы обязательно вечером позвонили. Этот клочок бумаги изменил всю мою жизнь.

Уже через две недели отец на своем КАМАЗе (он работал дальнобойщиком) привез меня в Минск, и я оказался в здании, которое видно сейчас из окна моего рабочего кабинета главного балетмейстера театра. Был февраль — середина учебного года. К тому же оказалось, что педагоги ошиблись и нужны были мальчики помладше. Но Юрий Троян, бывший в то время директором хореографического училища, лично посмотрел меня на предмет данных. Стоило мне немного помочь — и, вроде, как и «лягушка» (выворотность) появилась, и шпагат есть. Так и происходит в жизни: всегда кто-то видит во мне большее, чем я сам нахожу в себе. И в смысле возможностей, которые вдруг открываются мне даже там, где я их не жду.

Очутившись в Минске (который казался мне тогда огромным городом), от переживания событий, круто изменивших мою жизнь, от того, что оказался тут совершенно один, я всего через пару недель заболел. Чуть ли не каждый вечер я названивал родителям и умолял: «Заберите меня отсюда!» Уж очень тяжело дался мне этот момент выхода в самостоятельную жизнь, когда после теплой семейной обстановки я оказался один в интернате. Само слово «интернат» пугало: я живо помнил детдомовских детей, которых в Пинске приводили в кинотеатр — всех в одинаковых пальто. К тому же было абсолютное непонимание, зачем я здесь? Поэтому меня так поражают дети, которые в юном возрасте точно знают, чего они хотят, и целенаправленно идут в балетную профессию, а родители только поддерживают их в этом стремлении. Тем более возможности сейчас для этого колоссальные!

Поначалу было очень тяжело учиться. Поскольку меня приняли в училище только в феврале, я не смог за полгода нагнать ребят из класса и не был аттестован. Меня оставили на второй год, и только тогда началось мое осознанное обучение. Что не мешало мне по-прежнему проситься домой. (Смеется.) Помню, как я ходил к реке, смотрел на уток с утятами, тосковал по семье и дому. И плакал навзрыд, когда никто не видел. Уже много лет спустя, когда у меня все сложилось в профессии, я не раз задумывался: а почему тогда родители не забрали меня домой?.. Когда я заболел, они приехали в Минск и пошли к Юрию Трояну на разговор. Как сейчас помню припаркованные рядом с училищем наши синие «жигули», я остался сидеть в машине и не отрываю взгляд от окна училища, за которым в тот момент решалась моя судьба: поеду я сегодня домой или останусь? Мне так хотелось домой, что вслед родителям, уже входящим в здание училища, я крикнул: «Скажите им, что они не заметили — у меня кривые ноги!» Но директор училища был непреклонен: «Оставьте мальчика в покое: он привыкнет». Так и случилось... И когда несколько лет назад я приезжал в Минск и спросил совет у Юрия Трояна, не пора ли мне уже уходить со сцены, он, как и тогда в детстве, остановил меня: «Зачем тебе это?! Ты в хорошей форме! Не уходи из театра, пока не решишь, куда идти дальше».

Ни мои родители, ни я сам до поступления в училище понятия не имели, что такое балет. В те годы в Пинске даже театра не было — только кинотеатры. Так что впервые в жизни я попал на балет только в Минске, когда уже сам учился быть танцовщиком. Забавно, что за - помнился мне не первый увиденный балетный спектакль, а первый поход на оперу. Это была «Кармен», и я, признаюсь честно, уснул тогда в зрительном зале. (Смеется.)

Все балеты я вскоре знал наизусть. Из училища и общежития, находившихся недалеко от театра, мы бегали на все постановки Валентина Елизарьева, знали имена всех солистов балета. Так постепенно я стал вникать в профессию. Хотя осознание себя в балете произошло гораздо позже, когда я уже выпускался из училища и меня повезли на конкурс в Санкт-Петербург в 1995 году. Там и тогда я понял, что меня ценят за то, какой я есть, за то, что я могу. Прежде меня никогда особенно не хвалили, и первые громкие комплименты своим природным данным я услышал, будучи уже в Мариинском театре. Мне вдруг стали говорить: «Ах, какие красивые ноги! Какая стопа!» А я с удивлением слушал это и по-новому смотрел на себя. Так пришло осознание, что у меня есть всё, чтобы состояться в этой профессии. И надо этим пользоваться и работать.

Судьба распорядилась так, что, когда я учился на втором курсе училища, моего папы не стало. А через год после моего отъезда в Санкт-Петербург скончалась и мама. Единственный раз она видела меня на большой сцене в спектакле «Спящая красавица» Мариинского театра: я танцевал партию принца Дезире. И надо было такому случиться, что именно в тот вечер, когда мама была в зале, я упал на сцене и получил серьезную травму. Поэтому, когда несколько лет назад мне позвонили из Пинска и пригласили выступить на юбилее нашей хореографической школы, которой исполнялось 40 лет, я тут же отозвался, буквально рванул в Пинск на машине и собрал на тот концерт всех оставшихся в живых наших родственников. Словно надеясь, что каким -то образом через них родители увидят мое выступление.

Я никогда не подводил такое обобщение, но если все свести воедино, получается, что принц Дезире был особенной для меня ролью: на эту партию меня пригласили в Большой театр Беларуси, когда я был еще третьекурсником. С этой партией я вошел в статус премьера Мариинского театра в Санкт-Петербурге. В этой партии я дебютировал на сцене Римской оперы в 2002 году. И мама ведь увидела меня впервые на сцене именно в этой роли… Но, признаться, я никогда особенно не любил этот спектакль, хотя обожаю музыку Чайковского.

Мне было всего 18 лет, когда я переехал в Санкт-Петербург и был принят в труппу Мариинского театра. Я снова оказался в новом городе совершенно один. Но теперь было уже поздно просить «заберите меня домой», как в детстве. Еще и потому, что в этот раз переезд был моим осознанным решением. С Минском у меня связаны самые теплые воспоминания. Просто на тот момент я взял здесь все, что мог взять, — и отправился дальше в путь.

Найти себя — самое сложное в жизни. Найти свое лицо в профессии не менее трудно. В балете твое лицо часто формирует репертуарная политика театра, в котором ты служишь. Так получилось, что в Мариинском во мне видели исключительно классического танцовщика. Но когда американский хореограф Уильям Форсайт отобрал меня на две современные постановки, эта смена репертуара заставила меня круто переформатировать свое сознание. И понять, что после современного танца исполнять классику много проще — в тебе раскрепощается абсолютно всё! И эта свобода дает возможность смотреть шире на те достаточно стандартные вещи, которые в балете из века в век передаются. Это осознание свободы вовсе не перечеркивает классическую школу — просто из тебя уходят все внутренние зажимы и стереотипы .

Я не знал, даже предположить не мог, что я, например, не могу смеяться, танцуя на сцене! Мы, балетные, говорим обо всем руками и ногами, а произнести слово в спектакле для нас крайне трудно. И когда хореограф Раду Поклитару предложил мне постановку «Лебедя» на музыку Сен-Санса, по его задумке я должен был засмеяться на сцене. Оказалось, я физически не могу этого сделать! Настолько, что сводило ноги от волнения. Так что пришлось даже записать фонограмму со смехом и концепцию всего номера изменить. И только много выступлений спустя, раз за разом слыша этот смех в записи, я смог, наконец, издать не какой -то сдавленный ужасный звук, а по-настоящему рассмеяться на сцене.

На определенном этапе приходит четкое понимание: всё, что можно сделать в театре, ты уже сделал. Наступило время поиска. Для меня таким переломным моментом стало осознание, что могу находиться на сцене один и быть интересным зрителю. Но для этого пришлось рискнуть и переступить порог страха. Потому что я и сам знаю, что не на каждого артиста, одного танцующего на сцене, интересно смотреть дольше 10 минут. Взять на себя эту роль поначалу казалось невозможно трудным. Это был вызов самому себе. Но и в то же время — принципиально важное решение: выйти на сцену с сольным танцем, который стал бы рассказом обо мне и тех изменениях, на пороге которых я стоял. Я еще не знал тогда, что ждет меня впереди, но чувствовал переломность момента, понимал: то, что мною сделано в качестве солиста классического балета, премьера Мариинского театра — уже сделано. А то, что должно наступить, еще не пришло. Сольная постановка «No name. С чистого листа» стала для меня фиксацией этого момента безвременья. Во мне не было того страха, который поглощает и забирает силы, а лишь волнение и легкая дрожь от неизвестности и предвкушения чего-то нового.

Я никогда не задумывался о карьере. Но всегда был интерес ко всему новому, который вел меня по жизни. Однажды сформулировал правило: надо использовать каждую данную тебе возможность делать что-то новое, чтобы не закостенеть, не повторять себя самого. Поэтому сегодня я здесь, в Большом театре Беларуси. И принял предложение занять должность главного балетмейстера. Для меня это очередная возможность реализовать себя в новом качестве. И я с благодарностью отношусь к ней.

У меня никогда не было страха, что останусь без работы или без денег, потому что знаю точно: все приходит именно тогда, когда ты готов, когда это тебе действительно нужно. В моей жизни так было не раз: казалось, вот тупик. Но потом события разворачивались наилучшим образом. Сегодня утром я написал жене: «Ты даже себе представить не можешь, как мне тяжело!» Она ответила: «Ну, ты же сам любишь повторять, что дорогу осилит идущий». Да, я верю: движение — это и есть жизнь. Что если ты будешь идти (не столь важно даже, в каком направлении), дорога непременно выведет тебя туда, где ты должен оказаться. Главное — быть честным с самим собой. Для меня это всегда было принципиально важным, что бы я ни делал.

С годами я стал очень похож на отца: и внешне, и по характеру я — Колб. Помню из рассказов отца, что его сестру в детстве подначивали: «Шляхетка, шляхетка». Почему так, он не знал, а мне стало интересно. И в один из своих приездов в Беларусь я решил разузнать свою родословную. И на несколько колен вниз углубившись в историю рода, мы со специалистом нашли бумагу, которая подтверждает, что мои предки были шляхтичами. Сам я ничего «шляхетного» в себе не ощущаю, может, потому, что тружусь всю жизнь как чернорабочий. (Смеется.) Хотя, может, это оно и есть, потому что, согласно документам, шляхетство нашему роду было дано за заслуги, и его надо было регулярно подтверждать.

Помню, в детстве каждые летние каникулы мы с сестрой проводили у родственников в окрестностях Пинска. Мамина родня жила в деревне Ставок, а отцовская родословная ведет в деревню Колбы — маленькую, больше похожую на хутор. В годы моего детства каждый август там проходил праздник, посвященный памяти поэта Александра Блока. Интересно, что всякий раз, когда моего отца переспрашивали: «Как ваша фамилия?», он пояснял: «Блок наоборот!», чем еще больше вводил в недоумение. Пусть с Блоком мы не в родстве, но вот такое интересное совпадение есть. Поэт действительно бывал в Колбах, оттуда писал письма Любови Менделеевой, а к одному даже приложил свой рисунок местной каплички-часовенки, приписав, что уж очень она напоминает ему ту, где они венчались. Эта капличка в Колбах выглядит сегодня так же, как на том рисунке, и гуси все так же пасутся рядом… Да, дом уже больше не наш, но я по-прежнему регулярно наведываюсь в те места.

Когда несколько лет назад мы с семьей не смогли улететь в запланированный отпуск, я предложил поехать ко мне на родину. Не предупредив никого, мы оказались в Колбах… И все были так рады нашему неожиданному приезду! И это внезапное сильное ощущение причастности к роду и к месту так было важно для меня в тот момент, и на таком эмоциональном подъеме прошли те три дня в Беларуси, что после возвращения в Петербург я решил: хочу непременно иметь свой дом на своей земле. Мы стали искать дом. И когда уже все предложенное риэлтером было отсмотрено, оказались в Кирилловке недалеко от Великого Новгорода, прорвались через какие-то густые заросли кустов к фундаментам недостроенных домов у воды. Я взобрался на них, распахнул руки, вдохнул… И понял, что вот оно — то место на земле, где все как в Колбах. Мы купили этот участок земли, и началось строительство. А когда этот дом был достроен, я получил предложение от Большого театра — и приехал сюда, на три года из пяти предложенных подписав контракт с Большим театром Беларуси. Для меня это определенное испытание, которое хочется пройти достойно. Пришло время поделиться тем, что я когда-то сам получил здесь.

В свои 44 года могу сказать: я человек, который использовал все возможности на данном отрезке времени. И когда сейчас некоторые коллеги задают вопрос: «Зачем ты вернулся в Минск?!», отвечаю, что не рассматриваю это как возвращение. Для меня приезд в Минск — продолжение моей истории, начатой в детстве. Как правило, все в моей жизни словно бы перетекает из одного в другое. И путь видится мне как единый и неделимый, а не состоящий из отдельных станций.

==========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2022063106
Тема| Балет, Татарский театр оперы и балета имени М.Джалиля, Персоналии, Аманда Гомес
Автор| Марат Шакирзянов
Заголовок| Когда эмоции переполняют
Где опубликовано| © Газета «Известия Татарстана»
Дата публикации| 2022-06-21
Ссылка| http://tatarnews.ru/articles/11646
Аннотация| Творческий портрет

В 2014 году балетная труппа Татарского театра оперы и балета имени М.Джалиля пополнилась новой солисткой – Амандой Гомес. Девушка приехала в Россию из далекой и загадочной для нас Бразилии, училась в школе Большого театра в составе молодежной группы. Ей посчастливилось стажироваться на мастер-классах Владимира Васильева, Виктора Барыкина, Галины Козловой, Галины Кравченко, Бориса Акимова. Этот опыт оказался бесценным. Аманда очаровала Казань волшебной улыбкой, большими глазами и удивительной работоспособностью. Она сумела поставить себя в ту систему координат, в которой существуют не по штатному расписанию, а по гамбургскому счёту, и танцует не столько хореографический текст, сколько судьбу и своё понимание балета. Будучи дебютанткой в казанской балетной труппе, Аманда выдержала проверку на характер, технику, готовность контролировать затаенную тревогу. Это позволило ей в течение трех лет стать примой - балериной.

Когда-то пятилетняя Аманда впервые увидела балет и сказала маме, что хочет учиться на балерину. Через два года мама отправила дочь в академию. Здесь девочка с каждым днем влюблялась в танец все больше и больше. В одном из интервью прима казанского балета так и сказала: «Я поняла, что люблю танец больше, чем сложности, которые приходится ради него преодолевать».

Карьера Аманды Гомес в Казани резко пошла в гору благодаря ее невероятному трудолюбию. Она танцует в «Баядерке», «Лебедином озере», «Ромео и Джульетте», «Корсаре», «Щелкунчике», «Шурале», «Эсмеральде», «Спящей красавице», но особенно ее мир гармоничен и просветлен в «Жизели». Этот спектакль сегодня самый кассовый. Органичность Джульетты - Аманды рядом с Михаилом Тимаевым пленительна и естественна, впечатляет кружевной отделкой каждого движения. Мягкость и деликатность ее танца точно отражают хореографический почерк постановщика.

Артистка осваивает весь классический репертуар. Она как главный бриллиант в балетной короне блистает на Нуриевском фестивале, выступала на Международных конкурсах балета в Стамбуле (2013, первая премия), в Москве (2013, финалистка), Нью-Йорке (YAGP, 2013, первая премия), «Арабеск» (Пермь,2014, вторая премия), Варне (2016, первая премия и Золотая медаль), в Москве (2017, вторая премия и серебряная медаль).

Аманда Гомес гастролировала на сценах Бразилии, Парагвая, Уругвая, Италии, Швейцарии. Добавим, что в 2018 году танцовщица была номинирована на международную премию «Benois de la Danse» за роль Эсмеральды в одноименном балете. Позднее, в декабре 2018 года на телеканале «Россия-Культура» состоялся гала-концерт проекта «Большой балет», где солисты Татарского театра оперы и балета Аманда Гомес и Вагнер Карвальо были названы «Лучшей парой» шоу. Результат Аманды Гомес и Вагнера Карвальо впервые вывел в победители артистов из Татарстана. Их соперниками в конкурсе стали еще шесть пар, в том числе представители Чешского национального балета. За семь выпусков сезона участники предстали перед жюри и зрителями как в классических всемирно известных образах, так и в неоклассических и специально поставленных для проекта балетных номерах. Весомую долю шоу в 2018 году заняла современная хореография. На гала-шоу они выступили с яркой постановкой «Сокровище» в образах двух мошенников. Динамичный номер поставил кубинский хореограф Влад Ромеро. Как призналась позже Аманда, самым сложным для нее было освоить движения на каблуках, Вагнеру пришлось долго привыкать к постановке ног не в балетных позициях. Оба танцовщика сразу после завершения проекта «Большой балет» продолжили активные гастроли.

Аманду Гомес отличают мобильность, собранность, готовность всегда выйти на сцену в любой роли, отсутствие страха менять себя. Пресса отметила открытость Гомес к эксперименту, ироничность, сочетание харизматичности с виртуозностью. Звезда казанского балета воплощает современный тип балерины – смелой, свободной в классике, яркой в создаваемом образе героини. Она радует зрителей романтической Жизелью, игривой Сванильдой, хрупкой Одеттой, куртуазной Авророй, отчаянной Никией, умиротворенной Миртой, нежной Сююмбике. Аманда молода, красива, фантастически элегантна, грациозна, слегка загадочна, мила и обаятельна.

Первым человеком, который рассказал юной балерине про Казань, был великий премьер Большого театра России, народный артист СССР Владимир Васильев. Он работал с Амандой Гомес в Санта-Катарине (это на юге Бразилии) над постановкой «Щелкунчика», и там спросил девушку, где она хочет делать карьеру. У нее были приглашения в европейские театры, но при этом ей всегда хотелось танцевать в России. Владимир Викторович порекомендовал театр оперы и балета имени М.Джалиля. Аманда набрала в поисковике «Казань» и осталась в восторге от города. Отправила запись, а уже через месяц репетировала с нашей балетной труппой. Поработали два дня, и руководство театра пригласило ее танцевать в Казани.

Аманда Гомес отмечает, что бразильцы и русские танцуют со страстью, вкладывая всю душу. По эмоциям, говорит актриса, русский балет можно сравнить с бразильским футболом. На вопрос о религиозности бразильцев танцовщица отвечает, что в ее жизни происходило столько чудес, которые никак нельзя списать на случайность, потому что Бог всегда с ней, в ее сердце.

Вопреки расхожему мнению, что россияне холодные люди и с ними трудно подружиться, Аманда нашла в Казани много друзей и сумела расположить к себе. Она выучила русский язык и свободно общается со всеми.

Балетный театр сегодня становится все более открытым, юные артистки постигают суровое ремесло танцевального искусства и пытаются разгадать тайну перевоплощения, они всегда в движении, яркие, темпераментные, иногда экзотичные. Казанская прима Аманда Гомес постоянно оттачивает драматические стороны своих ролей, ее креативная энергия не иссякает, поэтому она всегда находится в боевой готовности.

P.S. С 3 по 11 июня 2022 года в Москве на сцене Государственного академического Большого театра России проходил XIV Международный конкурс артистов балета, посвященный 95-летию художественного руководителя и председателя жюри - народного артиста СССР, хореографа ГАБТа России Юрия Николаевича Григоровича. Среди участников «балетной Олимпиады» были и ведущие солисты ТАГТОиБ имени М.Джалиля: прима - балерина Аманда Гомес, премьер театра Вагнер Карвальо и первый солист Алессандро Каггеджи. Успешно пройдя все три тура конкурса, они стали обладателями следующих наград: Вагнер Карвальо - победитель в номинации «Мужчины, дуэт», Аманда Гомес получила вторую премию в номинации «Женщины, дуэт», Алессандро Каггеджи - дипломант в номинации «Мужчины, дуэт» (помогала ему Мана Кувабара). Конкурс завершился большим гала-концертом на Исторической сцене Большого театра. Искренне поздравляем наших замечательных танцовщиков!

Елена С.

Номер ссылки| 2022063107
Тема| Балет, Урал Опера Балет, Персоналии, Елена Кабанова
Автор| Ксения ШЕЙНИС. Фото предоставлены театром Урал Опера Балет
Заголовок| Прима, решающая задачи
Где опубликовано| © журнал «Культура Урала» № 6 (102), стр. 36-38
Дата публикации| 2022 июнь
Ссылка| https://www.muzkom.net/sites/default/files/kultural/ku6-102_web.pdf#page=39
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В день ее недавнего бенефиса на сцене театра Урал Опера Балет — тонко прочерченные линии «Кармен-сюиты», эмоционально острое, словно бритва, танго и мягкое, парящее над сценой Grand pas classique… Впрочем, не имеет значения, что она танцует, с чем выходит к зрителю сегодня и выходила все 15 лет — это всегда результат огромной работы. Не только физической, но и интеллектуальной, духовной, душевной. Всегда наружу вывернутое то, что внутри. Прима екатеринбургского балета Елена Кабанова умеет наполнять свои партии, роли так, чтобы сердце рвалось и набегали слезы. О том, как чувствует танцовщица, о ее мыслях сегодня — разговаривали в преддверии ее «личного» концерта.

Елена КАБАНОВА в сцене из «Вальпургиевой ночи»

— 15 лет на одной сцене — что изменилось за эти годы для вас как балерины? В вашей жизни появился ребенок — есть ли переосмысления, связанные и с этим событием?

— После рождения ребенка я очень хотела быстро вернуться на сцену! Что же касается профессиональных изменений — накоплен огромный опыт. Разница между тем, с чего я когда-то начинала и тем, что имею сейчас, — колоссальная. А силы... пожалуй, их не убавилось.

- Что дает опыт танцовщику?

— Умение адекватно вести себя на сцене. Ты знаешь, где можешь вздохнуть, где найти в нужное время те самые силы. Умеешь не сразу всю энергию выплеснуть, а постепенно, распределяя. С опытом появляется больше ответственности перед самим собой. Ты не можешь выйти и сделать хуже, чем делал до этого. Так начинаешь работать в десятки раз больше, чем раньше: и физически, и с точки зрения осмысления.

— Что есть эта мыслительная работа?

— Больше думаешь о своей партии. Анализируешь то, как встанешь, как будешь выглядеть, как будешь делать все до самых мельчайших деталей. Порой ночью ложишься, закрываешь глаза и все танцуешь, думаешь, смотришь на себя со стороны. Словом, заставляешь тело работать осознанно.

— Что есть эта мыслительная работа?

— Больше думаешь о своей партии. Анализируешь то, как встанешь, как будешь выглядеть, как будешь делать все до самых мельчайших деталей. Порой ночью ложишься, закрываешь глаза и все танцуешь, думаешь, смотришь на себя со стороны. Словом, заставляешь тело работать осознанно.

— Что вы делаете сегодня, чего не делали раньше?

— Больше думаю о смысловом содержании материала. Надо понимать, где необходимо сделать акцент не на физике, а на образе. Кроме того, сейчас, как никогда, сознаю, насколько важна работа с партнером. Партнеры у нас постоянно разные. Почти каждый спектакль — новый человек. И в итоге моя, скажем, Жизель с каждым будет разная.

— Какова основа построения этих отношений?

— Умение почувствовать партнера. Если нет контакта, спектакль получится пустой. И я всегда смотрю в глаза. Но, безусловно, нужно понимать, что с обратной стороны тоже должно быть желание, ведь это работа в паре. Если ты сама по себе, а он сам по себе, тогда вообще в чем смысл нашего танца?

— Как настраиваетесь, как поддерживаете себя эмоционально?

— Очень много для меня значит общение с дочерью. Я получаю громадный эмоциональный ресурс, который меня подпитывает, наполняет. Очень люблю природу. От нее черпаю тоже достаточно много. Вообще надо уметь и отдавать, и брать от Вселенной.

Много сил уходит на подготовку моего бенефиса, в котором мы показываем и новые работы, и старые, отрывки из любимых балетов, которых сегодня в репертуаре нет. Это очень сложный и небыстрый процесс. Но мне такая работа приносит наслаждение и радость.

—В скольких постановках вы заняты на сегодняшний день?

— Практически во всех ведущих партиях балетного репертуара.

— Какой спектакль приносит наибольшее удовлетворение?

— Надо уметь настроиться на любую партию. В каждом спектакле есть что-то особенное, неповторимое. Например, «Дон Кихот», пропитанный энергией, харизматичный. Здесь есть, над чем поработать: актерская линия непростая и партнерская интересна. Есть возможность совершенствовать свою партию бесконечно. Спектакль — задача. А я люблю решать задачи.

Совершенно иное — «Жизель». Люблю ее за романтичность. А вот «Лебединое» — для меня самый тяжелый спектакль. И физически, и эмоционально: сколько бы я его ни танцевала, каждый раз выхожу будто в первый раз. На репетициях практически дрессирую себя, думая о том, какие должны быть позы, как нужно стоять, чтобы крылья белого лебедя были длиннее, etc. И даже когда кажется, что все получается, и ощущения в роли вполне комфортные, я всегда думаю, что можно было бы сделать лучше.

Если откровенно, «Лебединое» для меня триггер. Так случилось, что во время двух премьер этого спектакля в разных постановках я теряла близких людей. Сначала ушел папа, спустя время — мама. И вот они: холодный страх и волнение, которые побороть невозможно…

— Вернемся к тому, что приносит вам удовольствие.

— Я очень любила «Кармен». Уже давно нет этого спектакля в репертуаре, а жаль. Свой бенефис решила украсить фрагментами «Кармен-сюиты» в хореографии Азария и Александра Плисецких 1978 года. Здесь два очень сильных героя: Тореадор и Кармен, не уступающие друг другу и творящие гармонию этой двойной силы. Невероятная энергетическая концентрация, которую танцовщики должны донести до публики. Сложная, но очень интересная задача.

— В концерте, вероятно, задача усложняется тем, что быстраясмена разных номеров предполагает моментальное переключение с одного сюжета на другой, не позволяет погрузиться целиком в историю каждой «героини».

— Да, это так. В концерте сложнее нам, сложнее и зрителю. Мы должны не просто оттанцевать, но вложить все свое мастерство в эти короткие минуты. Зрителю нужно вместе с нами успеть почувствовать и понять образ. Публика приходит отдохнуть, насладиться и получить положительные эмоции. Поэтому все, что мы создаем, должно быть настоящим, с любовью, с полной отдачей. Это суть, миссия нашей работы. Конечно, есть человеческий фактор, от него не отмахнешься: у артиста может болеть голова… Но когда выходишь на сцену, забываешь все проблемы (должно быть так!) — есть только то, что ты танцуешь.

- Всегда получается забыть?

— По-разному. Но преодоление приходит всегда: просто нужно выйти и танцевать. К слову, многие мысли, переживания жизненные помогают. Ты питаешься ими иногда на сцене. Но надо уметь с этим аккуратно обращаться, знать грань. Это тоже опыт — научиться брать нужное и отсекать лишнее. И, конечно, смешивать реальность и сцену нельзя.

В моей жизни был такой опыт, когда спектакль высасывал практически все силы. Он назывался «Любовь и смерть». Как же из него было сложно «вылезать»! Потому что играть, танцевать смерть — почти непосильная задача. И выкручивание себя наизнанку приводило к опустошению.

— Танцовщик должен быть и драматическим артистом в том числе?

— Я не считаю себя драматической артисткой. Мне может казаться, что отлично что-то играю, а со стороны это не смотрится. Для меня драматическая часть — очень непростая задача для решения. Никто точно не скажет, сколько процентов драматического мастерства должно быть в танцовщике. Но оно, безусловно, важно.

— Есть партии, над которыми вам еще не удалось поработать, но хотелось бы?

— Я бы хотела танцевать «Спартак». К сожалению, у нас не идет этот спектакль. Интересно было бы попробовать постановки Баланчина. Любопытно поработать и с интересными хореографами, например, с Макмилланом. Но у нас есть Слава Самодуров. И мне нравится, как он ставит, я получаю удовольствие от совместной работы с ним. Кроме того, он понимает труппу. А мы — его. Знаем друг к другу подход, что очень ценно. С другими хореографами нужно время, чтобы встроиться в систему координат друг друга. Но для меня это всегда задача: работа над собой — то, что я люблю.

=============================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2022063108
Тема| Балет, Летние балетные сезоны, Марийский театр оперы и балета им. Эрика Сапаева, Персоналии, КОНСТАНТИН ИВАНОВ
Автор| Олеся Байкова
Заголовок| КОНСТАНТИН ИВАНОВ: «“ЛЕТНИЕ БАЛЕТНЫЕ СЕЗОНЫ” В МОСКВЕ – ЭТО УНИКАЛЬНЫЙ ТЕАТРАЛЬНЫЙ ПРОДУКТ»
Где опубликовано| © портал PERSPECTUM
Дата публикации| 2022-06-28
Ссылка| https://perspectum.info/konstantin-ivanov-letnie-baletnye-sezony/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Художественный руководитель Марийского государственного академического театра оперы и балета им. Эрика Сапаева о «Летних балетных сезонах» в РАМТе, лидерах и оживающих скалах

Когда театральная Москва затихает, в столице открываются «Летние балетные сезоны». В этом году с 1 июля по 28 августа на сцене РАМТа они пройдут уже в 21-й раз: 4 труппы в течение 59 дней покажут 72 спектакля. Марийский государственный театр оперы и балета имени Э. Сапаева привозит на «Летние балетные сезоны» 7 спектаклей и танцует в Москве с 1 по 12 июля. О том, какие постановки увидит столичный зритель, и о многом другом мы поговорили с министром культуры Республики Марий Эл, художественным руководителем Марийского государственного театра оперы и балета им. Эрика Сапаева Константином Ивановым в преддверии гастролей.

Россия всегда славилась своим балетом. «Летние балетные сезоны» – это историческая преемственность?

«Летние балетные сезоны» в Москве – это уникальный театральный продукт. Длительное время, целых два месяца, на сцене РАМТа показывают огромное количество спектаклей в такой разной редакции и прочтении! До пандемии было много иностранной публики, особенно китайцев. Сейчас это более локальное мероприятие, российского масштаба, когда в Москву приезжает очень много туристов со всей страны. «Сезоны» – это отличная традиция, действительно популяризация балета. У проекта еще и социальная миссия: люди могут посмотреть прекрасные балеты за относительно невысокую цену билета. Со своей стороны, хочу сказать: мы рады, что нужны «Сезонам». В прошлом году мы не смогли приехать из-за пандемии: в Йошкар-Оле был сильный всплеск ковида. А в этом году с удовольствием едем.

Вы знаете, у нас в Марий Эл есть свои «Летние сезоны». Мы их запустили в республике в 2011 году, я тогда про московские не знал. Такое получилось совпадение. Когда нас несколько лет назад пригласили впервые принять участие в «Летних балетных сезонах» в Москве, я подумал: надо же, как все в мире связано.

Расскажите про ваши «Летние сезоны».

А наши «Летние сезоны» – это тоже особенный проект. Это фестиваль спектаклей под открытым небом. Мы его начали в 2011 году с показа оперы «Царская невеста» в Царевококшайском Кремле. Нам было важно привлечь внимание к опере. Я понимал, что только таким масштабным событием смогу это сделать. И у нас получилось. Мы начали использовать много локаций, город у нас красивый. Мы показывали «Ромео и Джульетту», «Эсмеральду», «Иоланту», «Лебединое озеро», «Евгения Онегина», «Бориса Годунова» в естественных декорациях. Еще одна жемчужина у нас в республике – Шереметевский замок, который находится в 200 км от Йошкар-Олы. В этом году 4 июня мы давали здесь балет «Раймонда», танцевали «Лебединое озеро», «Эсмеральду», «Спящую красавицу». Туда стекается огромное количество зрителей. Не только йошкаролинцев, но и гостей из Нижнего Новгорода, Чувашской Республики, Кирова, Татарстана. Поток автобусов и машин нескончаемый. Поселок Юрино небольшой, но замок там действительно великолепный – жемчужина на Волге, таких замков больше нет в средней полосе России нигде. Наши «Летние сезоны» позволили нам прорваться в лидеры театрального процесса и привлечь очень много зрителей.

Как обстоят дела с балетом в регионах? Вы же наверняка много гастролируете, бываете в разных городах?

Сегодня есть города, например, Казань, Уфа, Новосибирск, Екатеринбург, Пермь, Красноярск, которые являются безусловными лидерами в развитии балетного театра. Там действительно хорошие школы, где чтят традиции балетного искусства, – и балет в этих регионах развивается очень активно, динамично, ставится много интересных спектаклей как современного, так и классического репертуара, танцуют сильные артисты, солисты. Я как раз сейчас был на конкурсе в Москве, увидел представителей разных школ, очень радуюсь за них. Но во многих регионах, небольших национальных республиках существуют проблемы с балетными театрами, потому что отсутствуют школы, и, соответственно, – кадровый голод. Понимаю, коллегам очень сложно, потому что это работа не одного дня. И когда мы с ними разговариваем, они соглашаются, что надо прежде всего создавать школы. Я всегда говорю, что школа – это залог успеха развития театра, потому сам прошел по этому пути.

А чем ваша труппа будет удивлять зрителей в Москве?

Будем дарить радость общения с балетным театром. Это прежде всего «Лебединое озеро», в котором полностью сохранена хореография Льва Иванова, второй акт. Первая картина первого акта и частично третья картина, танцы и полностью четвертая картина – в постановке вашего покорного слуги, но, безусловно, в стиле Петипа-Иванова. Это классическое решение, но спектакль расширен: мужскому танцу отдано очень много места. В конце первой картины я поставил сложнейший полонез, чтобы показать силу мужского танца перед тем, как на сцене появятся лебеди. И этим мы, безусловно, удивим.

Декорации Бориса Голодницкого произведут впечатления, костюмы Татьяны Изычевой. Злой гений – Ротбарт – костюмно решен очень сложно: у него гигантские крылья. Когда-то в детстве я побывал в Московском музыкальном театре им. К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко, и на меня самое большое впечатление произвела оживающая скала: ее пик превращался в крылатую птицу. Я был в совершенном восторге, который пронес через всю свою жизнь. И позднее решил, что, если когда-нибудь буду ставить «Лебединое озеро», у моего Ротбарта будут такие же крылья, только он будет с ними прыгать. И действительно, те, кто придут на спектакль, увидят птицу с гигантскими крыльями. Танцовщик делает сложнейшие элементы классического танца: и прыжки, и вращения. Это смотрится очень эффектно.

Финал спектакля тоже необычен: никто ни у кого крылья не обрывает, никто нигде не тонет. Финал счастливый: Лебедь превращается в девушку, а Злой гений со своей свитой черных лебедей отступает. Зло победить невозможно, ему надо противостоять, оно всегда будет присутствовать. Добро и зло – это вечный конфликт, который присутвует и в жизни, и в сказках.

3 и 7 июля мы показываем балет «Бахчисарайский фонтан», где партию хана Гирея исполняю я. Спектакль очень динамичный, со знаменитой постановкой Р. Захарова нет ничего общего. У него был драмбалет. У нас драмбалету места не осталось. В постановке мне пришлось много поменять в музыкальной части – компилировать, переставлять некоторые музыкальные номера местами. У спектакля не было внятной увертюры. Ее написал наш композитор и дирижер Григорий Архипов. Она получилась мощная, сразу вводит в действие. В спектакле главная партия у хана Гирея, вокруг него происходят все события. Зарема – Екатерина Байбаева, лауреат международных конкурсов, заслуженная артистка Республики Марий Эл (интервью с Екатериной Байбаевой читайте в журнале “Перспектива. Поколение поиска” N 7/2021 – прим. ред.). Мария – блистательная балерина, лауреат конкурсов Кристина Михайлова. Партию Станислава, жениха Марии, исполняет Артем Веденкин, обладатель приза «Душа танца» журнала «Балет», выдающийся, я считаю, танцор, с хорошей техникой.

Еще мы показываем «Жизель». Здесь все традиционно, никаких новшеств ваш покорный слуга в течение спектакля не внес. Сохранен полностью рисунок. Но другой финал. Он очень эмоционально воспринимается зрителями, потому что я не оставляю жить Альберта. После пережитого на кладбище он сходит с ума и умирает от разрыва сердца. Получается большой, серьезный, могучий финал, яркая точка доминирования мужского танца. Мы показываем, что мужской и женский танец в балете – равные участники.

Кроме того, привозим балет «Дон Кихот» – спектакль-праздник, буйство танца, радости, комедии. Этот спектакль у нас в абсолютно классическом решении, в московской версии, но в какой-то степени переосмысленный мной. Могу сказать: зрителей неизменно потрясает наш Санчо Панса в исполнении народного артиста Республики Марий Эл Владимира Шаблина. Его обязательно нужно смотреть! Такое насыщенное нахождение актера на сцене – большая редкость, подобного Санчо Пансу я не видел никогда, а видел я много.

Представим и балет «Эсмеральда». Это полностью моя версия, со сложнейшими танцами. Я ввел в спектакль па-де-де в хореографии Березова, а это сложнейшее па-де-де. И гран-па «Эсмеральда»… Учитывая, что «гран-па классик» идет на первых 15 минутах спектакля, можете себе представить, какой градус накала он вносит. Этот спектакль очень популярен, мы много с ним гастролируем, и за границей неоднократно его показывали. Много мужских партий: Квазимодо, Фэб, и Клод Фролло, Клопен Труйльфу, Гренгуар – самобытные образы. Все танцевальные, хочу подчеркнуть. Минимум пантомимы, ее практически нет.

Балет «Чиполлино» в постановке Генриха Майорова. Этот спектакль проверен временем. Он был поставлен в Большом театре, шел долгое время, я танцевал его. Вообще целое поколение танцовщиков Большого театра прошли через «Чиполлино» Генриха Майорова – это очень хорошая школа. Генрих Михайлович шесть лет назад перенес этот спектакль к нам в театр.

И, конечно, «Щелкунчик». Организаторы посчитали нужным привезти и показать летом зимнюю сказку. У себя в театре мы «Щелкунчика» никогда не показываем ни весной, ни летом, ни осенью. Считаю, что это сугубо зимняя сказка. Но в Москве мы его с удовольствием станцуем. Версия также вашего покорного слуги. Единственное, что у нас идет цитатой – па-де-де хореографии Вайнонена. Это финальное па-де-де. Остальное – полностью моя версия. Спектакль также танцевальный. Я в своей хореографической деятельности выступаю за действенный танец и сохраняю минимум пантомимы. Считаю: если пантомима является наследием, как например в «Жизели», то, безусловно, ее надо сохранять и передавать из поколения в поколение, а в спектаклях, которые ставлю сам, места пантомиме не оставляю.

Почему «Лебединое озеро» – такая популярная постановка в России? Почему именно ее вы выбрали для переосмысления?

Прежде всего, когда мы говорим о «Лебедином озере», мы говорим о Петре Ильиче Чайковском и о совершенно потрясающей красоты образах. Безусловно, Лебедь – это символ России. Это наша душа, наше состояние, наша внутренняя поэзия. Не будь этой гениальной музыки, спектакля бы не было.

Если говорим о «Лебедином озере», мы говорим о конфликте, который есть везде, но здесь он наиболее правильно выстроен и логично решен. Спектакль имел много постановок, первая – была провальная, даже музыку Петра Ильича никто не оценил. Его обвиняли в том, что слишком много вальсов. Действительно, трехчетвертных произведений внутри спектакля очень много. Но в этом и его прелесть. У меня самого это уже третья версия постановки. Первая версия была с крестьянскими танцами. Затем я поставил крестьян на пальцы. А когда мы переехали в новое здание театра, я полностью пересмотрел спектакль. Он стал более дворцовым и сдержанным в первой картине и в третьей – в танцах.

Парадокс – я тоже иногда об этом задумываюсь – куда не едешь, везде «Лебединое». Но в любом случае зритель его всегда принимает на ура. Хореографам, которые сейчас принимаются за постановку «Лебединого озера», надо находить современные подходы, не навредив.

Я бесконечно благодарен Юрию Аркадьевичу Григоровичу за всю ту жизнь, которая у меня состоялась, потому что считаю его своим учителем, как и каждый танцор, который прошел школу Большого театра того времени. Конечно, его блестящая версия «Лебединого озера», действенного, нам, его ученикам, которые ставят спектакли, дала очень хороший толчок. Принц должен танцевать, он должен через пластику, через танец выдавать эмоции. У меня в четвертой картине, во время раскаяния, принц выбегает на озеро. Я много танцевал сам в разных версиях «Лебединого» в разных странах, но всегда мне не хватало экспрессии. Экспрессия была в постановке Владимира Васильева. Я танцевал в его спектакле. В моей версии я хотел, чтобы принц выбегал в плаще, который развевался. Представьте: Принц выбегает, за ним летит белый плащ… Этот ветер, это то стремление и раскаяние. Ничего не надо добавлять. Очень эффектно. «Лебединое озеро» вечно.

Как вы выбираете произведения для постановок?

Когда-то я выбирал постановки по мере роста своей труппы. Труппа росла, я видел появление новых балерин, видел их амплуа, естественно, ставил под них. Нельзя ставить спектакль, если вы не имеете своих солистов. Приглашать на фестивали – это да. Но должны быть свои. Когда у меня появлялись солисты, настоящие, харизматичные, которые могли создавать образы, я тут же ставил спектакли.

Поставил «Ромео и Джульетту» в 2006 году, сам танцевал Ромео. Второе мое образование – я заканчивал ГИТИС как хореограф, мне нужна была дипломная работа, выбрал «Ромео и Джульетту». Как всегда много мужских образов: Тибальт, Меркуцио, Парис – это достаточно серьезные в моей хореографии танцевальные партии. После премьеры в гримерку заходит художник Борис Голодницкий, с которым мы практически все балеты поставили вместе, и говорит мне: «Кость, а я думаю, что следующим надо ставить…», и мы хором говорим: «Спартак!». Потому что тот накал страстей, то количество танцев, боев, мужских партий, которые прошли в «Ромео и Джульетте», дали следующую ступень. Мы начали готовиться к «Спартаку». Я как постановщик нечасто ставлю, мне надо отойти. От «Бахчисарайского фонтана» еще до сих пор отхожу, два года прошло. Меня спрашивают: «Что ты будешь ставить?», а я не могу ответить, я сейчас пуст. Не то чтобы у меня никаких фантазий нет, жду своего творческого вечера 1 октября. На меня будет ставить Константин Уральский «Fatum танца». Я уже в ожидании этой работы. Он в конце августа приступает. Сейчас буду в роли исполнителя. Исполнителя воли и идей хореографа. Мне тоже хочется побыть в этом состоянии, побыть артистом. Далее мысли есть, но они все время блуждают. «Бахчисарайский фонтан» вокруг меня, или я вокруг него, лет пять был. Приступал, уходил. Меня спрашивали: «Чего тебе не хватает?». Я говорил: «Мне не хватает музыки». «Да ты с ума сошел! Там такие музыкальные темы». Я говорил: «Понимаю, что они там хорошие, там все блестяще, у меня в голове они не раскладываются, мне что-то мешает». А когда уже летом, два года назад, в разгар пандемии выходил во двор своего дома, на качели садился на солнышке, плеер в ушах, и так все разложил для себя, куда мне какую музыкальную тему направить. Ведь главное в балете, чтобы каждый образ имел свой лейтмотив. Если его найдешь, распределишь героев – все пойдет. Не столько важны комбинации, которые ты поставишь, сколько важна режиссура. А режиссура – это драматургия. Когда находишь эти ключики, работа идет очень легко.

Каково это – и ставить спектакль, и участвовать в нем как артист? Как будто вы и внутри спектакля, и снаружи одновременно.

Это счастье. Сложнее в постановочном процессе, потому что постоянные перемещения из зала на сцену. Но у меня есть второй состав, который, правда, еще ни разу не станцевал. Мой ученик Сергей Шабруков немножко обижается. Но я ему сказал: «Сереж, я настолько жаден до этой роли, не отдам ее тебе пока». Перед премьерой я травмировался, и это был тот самый случай, когда второй состав не только дежурил, а полностью был в костюме и гриме и ходил за мной за кулисами, как тень. Сергей был готов выйти в любой момент. У меня был частичный надрыв ахилла, причем старая травма, которая повторилась. Но моя жадность к этому спектаклю была настолько сильна, что я весь обмотался, обвязался, врач меня наколол лекарствами, и я станцевал спектакль. А Сергей ходил за мной по пятам в полном гриме. Замечательный артист, он еще станцует эту роль, чуть позже. Сейчас я ему других героев даю.

А с чего стоит начать зрителю знакомство с балетом? Человеку, который никогда ничего не смотрел?

Главное – прийти на хороший спектакль: в плане постановочной эстетики, исполнительского мастерства. Попасть на хороший балет, чтобы не было травмы от искусства. Йошкар-Ола – город уникальный, город монозавода, на котором все держалось. В советские времена сюда приезжали специалисты со всей страны. Узнавали, что здесь оперный театр есть, покупали билеты. Приходили на балет – и после этого не ходили в театр еще лет 25. Они попадали на плохие спектакли. Это боль. Когда говорят: «я не люблю балет», это значит, человек видел плохой спектакль, либо он его смотрел по телевизору одним глазом, поэтому ничего не понял. Я сам никогда не смотрю балет по телевизору – не люблю. Разве что основные моменты, посмотрю па-де-де или еще что-нибудь. А начинать надо с классического балета прежде всего. Дорогого стоит, когда люди приходят на балет и приобщаются к великому искусству.

==========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Гала-концерт звезд мирового балета состоится в субботу 16 и в воскресенье 17 июля в театре Coliseum на западе Сиднея - здании уникальной современной архитектуры, со зрительным залом на 2000 мест.

Перед началом этого необычного и значительного события в культурной жизни города мы хотим познакомить вас с нашим соотечественником, Славой Тютюкиным, художественным руководителем этого проекта, в прошлом артиста балета Михайловского театра в Санкт-Петербурге, а сейчас управляющим директором Академии танца Тани Пирсон в Сиднее, известной своими учениками далеко за пределами Австралии. Накануне гала-концерта Юлия Фёрнас, педагог, член Международного совета по танцу при ЮНЕСКО (CID UNESCO) побеседовала со Славой Тютюкиным.

— Слава, не возражаешь, если мы начнем «танцевать от печки»? Что тебя привело в балет?

— История такая: моя мама в 90-е годы, когда начиналась перестройка, познакомилась с женщиной, сын которой переехал в Австралию, в Перт после того, как закончил Академию Русского балета и танцевал в театре Бориса Эйфмана в Петербурге.
Мама решила, что это замечательная профессия - можно путешествовать, жить за границей, видеть мир, потому что после Советского Союза, где все было закрыто, это было, безусловно, бонусом. Так что мы решили, надо попробовать. В то время я занимался гимнастикой, и тренер, бывшая балерина, глядя на мои данные, тоже посоветовала. И я решил пойти… В первый год меня не взяли, сказали из-за роста. Я тогда вернулся в гимнастику, расстроился, но не сдался, а со второго раза поступил в Вагановку.

— А какие самые яркие воспоминания у тебя от твоей исполнительской карьеры? Ты уехал из России в 18 лет, то есть, почти сразу после окончания училища?

— Мне очень повезло - во время моего выпускного года в академии я уже получал стипендию от Михайловского театра. И по окончании училища меня сразу пригласили в этот театр солистом. В 17- 18 лет я начал танцевать роли в балетах «Жизель», «Щелкунчик», «Ромео и Джульетта», «Корсар» и других. В том году был особенный сезон - как бы новое становление Михайловского, бывшего Мусоргского, театра. Руководители пошли в сторону коммерческого развития и пригласили Ваню Васильева, Наташу Осипову, им было как раз 17-18 лет, Денис Матвиенко приехал с женой из Киева, Леонид Сарафанов пришел в театр из Мариинского, Семен Чудин (он сейчас в Большом), Маша Кочеткова из Сан-Франциско - и вот мы все вместе танцевали.

— Прямо созвездие имен!

— В мой первый год работы в театре самое большое впечатление у меня осталось от поездки в Японию. Я танцевал там с Рузиматовым «Корсар» - мы делили одну и ту же роль. Потом, когда я уехал уже в Европу, я танцевал в разных театрах. Мне посчастливилось работать с Охадом Нахариным из Израиля. Он создал программу “Урок Гага”, который сейчас настолько популярен во всем мире, что даже Натали Портман, готовясь к съемкам фильма “Черный Лебедь”, занималась по этой программе. Эта программа учит, что танцору нужно следовать своим ощущениям! Нам повезло, Охад приехал в Германию, мы с ним работали шесть недель лично, что редкость. Это было для меня просто ОТКРЫТИЕ. Будучи классическим танцовщиком, я поначалу ненавидел это абсолютно, а потом полюбил. Это очень круто! Он буквально создал платформу для современной хореографии. У него даже есть фильм, в котором он преподает урок, стоя на кубе в центре футбольного поля, а вокруг тысячи людей!

— Вот вам и объединяющая сила искусства!

— Да, да, именно!

— Мне до сих пор иногда снятся кошмары, что я бегу из гримерки на сцену, теряясь в лабиринтах незнакомого театра, а на сцене уже вовсю идёт моя музыка - я безнадежно опоздала на свой выход… У тебя бываете такое?

— Меня кошмары мучают, когда нужно говорить! Нас не учили выступать на сцене, используя свой голос, больше - язык тела. Поэтому, когда нужно выступать, говорить что-то, интервью давать, то всегда мандраж, похожий, наверное, на тот, когда я на сцену в первое время выходил танцевать. Так что в ночь накануне я всегда очень нервничаю, даже бывает, снится что-то такое.

— А когда танцуешь на сцене - не снится?

— Если честно - нет. Просто у меня такой график загруженный, я так устаю, что мне вообще мало что снится. И потом - я нашел себя и после сцены.

— А когда и чем тебя привлекла бизнес- сторона балета? И как произошел твой переход на менеджерскую деятельность?

— Когда говорят балет, то часто подразумевают только выступление на сцене. А на самом деле это такая профессия, где ты можешь преподавать, управлять, создавать - ты можешь в совершенно разных направлениях выражать свои идеи в этой профессии и получать удовольствие, и быть частью этого искусства. Это очень интересно!
Этому я начал учиться в 21-22 года параллельно с работой, когда приехал в Германию.
Ведь когда молодой человек приезжает работать заграницу (наверняка многим, кто будет читать это интервью, это знакомо) - ты оказываешься в ситуации, когда ты никого еще не знаешь, у тебя появляется достаточно свободного времени. Именно вот так я начал учиться управлять своей компанией, бизнесом - поступил в английский университет и там стал развиваться мой интерес к этой стороне балета.

Также в 23 года вступил в Rotaract Club – молодежное подразделение Rotary, которое создает различные проекты помощи людям - мы организовывали проекты гуманитарной поддержки - от сбора и отправки необходимых вещей африканским детям, до бенефис-концертов с целью собрать деньги на помощь беженцам из Сирии, и так далее - различная благотворительная деятельность. Будучи еще артистом, я вступил в профсоюз сначала в своем регионе, а потом по всей Германии. В течение пяти лет я выступал за права артистов, вел переговоры о коллективном контракте с государством, был советником судьи по искам между танцовщиками и театрами. Меня это все очень интересовало.

Поэтому я как-то старался разнообразить свою деятельность и параллельно с выступлениями на разных гала-концертах начал создавать собственные проекты. У меня получалось, и в 26 лет меня пригласили в Австрию - я стал менеджером первой своей компании в городе Линц. Там я проработал два года, прежде чем меня пригласили в Дортмунд (Германия) на более ответственную должность - отвечать за стратегию развития, планирование, финансы и бюджет компании из 90 человек. Тогда я полностью перешел в область управления - менеджмента.
Параллельно с работой в театре я организовал гастроли Балета Бориса Эйфмана в Вене и Братиславе, гастроли итальянской балетной компании и венгерского оркестра. Мне всегда очень нравилась возможность организовывать, и я начал, практически, с 22 лет.

— Да, у тебя уже большой опыт! А теперь расскажи, как ты оказался в Австралии?

— В нашей семье всегда интересовались этой страной. Я начал работать с Австралией в 2010-2011 году, приехал сюда по собственной инициативе, в отпуск, на шесть недель и попутешествовал здесь везде. Потом я приехал в Перт и преподавал там в Charlesworth Ballet school. Там была балерина Terry Charlesworth, она в свое время даже была членом жюри Московского конкурса балета и известна тем, что знакомила Западную Австралию с русским искусством. Я с ними работал, и со временем меня пригласили в совет директоров. То есть, в настоящее время, одновременно с моей деятельностью здесь, я также являюсь официально директором академии, которая теперь называется Молодежный балет Западной Австралии (Youth Ballet WA).

— А как оказался в Сиднее, в Академии Тани Пирсон?

— Я работал с Грегором (Gregor Thieler), новым совладельцем школы уже несколько лет и оказывал ему определенную поддержку, находясь в Европе. В какой-то момент мы с семьей начали обсуждать возможность поработать в Австралии и связались с Грегором. Оказалось, что он был заинтересован предложить мне позицию директора по развитию. Так что опять-таки, обоюдное стремление работать вместе - опять повезло!

— Ты уже немного затронул тему моего следующего вопроса, поскольку у тебя очень обширная география карьеры. Чем, на твой взгляд, отличается балет Европы, России и Австралии?

— Ну, если обобщённо, то в России и в Европе искусство, в некотором смысле, «используется» политически. Широко известен пример - во время путча 91 года по телевизору в России шло «Лебединое озеро».

— Ну, да, это - во всех смыслах - классика жанра.

— В Европе это имеет немного другой характер, там искусство является сильным элементом интеграции сообщества, различных культур, так скажем, наведения мостов в обществе.
И, работая в сфере искусства, ты в какой-то мере выступаешь голосом государства. В Австралии же, по моему мнению (я, правда, только в феврале приехал), это развито немного по-другому. Не знаю, как объяснить точнее, но здесь искусство вынуждено быть бизнесом, и так искусству гораздо сложнее. В то время как в Европе и в России — это часть жизни, это необходимость, которую государство обеспечивает своим гражданам.

Бизнесу в сфере искусства нужно выживать, но в то же время стараться преследовать более высокие цели, … вот в этом, мне кажется, и есть большая разница. Любая поддержка от государства, пусть она будет не финансовая, а в виде внимания, в форме рекламы, какой-то другой поддержки могла бы оказать невероятное влияние на развитие искусства и тем самым поддержать интеграцию и образование общества.

— Да, правильно, искусству здесь этого очень не хватает. Когда ты должен думать о куске хлеба, ты работаешь в основном, чтобы привлечь зрителей, то есть слегка на потребу зрителя. А сотворить что-то новое, совершить прорыв от привычного, развивать у зрителя вкус к высокому в искусстве в этих условиях трудно.

— В Мариинском театре, к примеру, 50% билетов, если не больше, продаётся туристам. Приезжает группа туристов из Китая. Они заранее покупают билеты на «Лебединое озеро». То есть балетный театр работает так же, как реклама города.
В Европе - по-другому. Классический балет они любят меньше. В Германии множество балетных театров, но практически, ни в одном из них не осталось спектаклей классического репертуара. Люди заинтересованы посмотреть что-то новое. Они рассматривают инновации как рычаг развития всего в обществе, движения в будущее. И все, включая политику, заинтересованы в том, что же будет нового, и всегда стараются идти «руку в руку» с театром.
Работая в театре в Германии, мы всегда считали, что 65-70% спектаклей будет идти «на кассу», а остальное - на образование зрителя.

— То есть театр заранее осознаёт, что на этом он не заработает, но это служит какому-то продвижению вперёд, образованию зрителя.

— Да, и это устремления к высокому смыслу в искусстве. Мне кажется, было бы хорошо и в Австралии дальше развить этот баланс, чтобы искусство имело возможность в более крупном контексте играть такую своего рода образовательную роль.

— Будем надеяться, что ваш гала-концерт как раз и послужит таким первым шагом. Ведь такое представление действительно предлагается в первый раз в Сиднее. Расскажи об этом.

— Да, я вообще удивился, что здесь такого никогда не происходило. Но всё не так просто. В этом году мы столкнулись с ограничениями COVID: вакцинирован - не вакцинирован, приедешь - не приедешь, из какой ты страны - получишь ли визу? Я, например, хотел привезти артистов и стран бывшего Советского Союза. В этом году из этих стран, практически, никого невозможно привезти. Очень сложно получить визу, сложная ситуация из-за этого кризиса. Вообще, гала-концерт — это довольно рискованная модель в искусстве, потому что включает много разных «элементов», так сказать, — артисты и художники, и всех нужно привезти, а Австралия далеко!

— Вот я как раз и хотела спросить, чем отличается этот гала-концерт от тех, которые ты организовывал в других странах?

— Для меня самое страшное, если за два часа до концерта кто-то сломает ногу, или не сможет сесть в самолёт, или не отпустит директор, или ещё что-то. И тогда нужно импровизировать. В Европе замена могла найтись за пару часов - Амстердам от нас в 150 км, недалеко и до Берлина - можно добраться быстро. А здесь это не очень просто! Это самый большой мой страх. Но и саму модель гала-концерта не просто осуществить здесь. В Европе театр имеет постоянный репертуар, а здесь я вижу, что театры работают на программы. Например, они репетируют какой-то балет, потом его танцуют в течение длительного времени. Поэтому можно привезти на гала-концерт только то, что они сейчас репетируют. Но мы старались сделать все, что могли в плане инновации, и привезти что-то новое.

Зритель увидит три абсолютно новых австралийских произведения.
Один номер мы сделали для Люси Лакары, мировая премьера пройдет именно на нашем гала-концерте. Номер поставил хореограф Эдвар Лиан, хореограф и директор BalletMet в США. У него очень интересный стиль. Он получил за свои работы даже Amy Award.

И академию Тани Пирсон, которой в этом году исполняется 50 лет, мы хотим представить чем- то современным. Мы готовим две постановки. Одну будет делать хореограф из Ньюкасла Джейк Берден. Я с ним раньше уже работал. Мы сделаем номер с живым квартетом из Sydney Youth Orchestra. Этот новое произведение на шесть минут мы делаем с молодыми артистами, современный номер. Я уверен - тоже очень интересно будет посмотреть.

— Ты упомянул, что с хореографом из Ньюкасла ты работали раньше. А с кем ещё из участников гала ты работал раньше?

— Мне повело, я за свою карьеру успел поработать c очень многими мировыми знаменитостями. И с теми, кто выступает в нашем гала-концерте, тоже. Из артистов, приглашённых в Сидней, я много работал с Люси Лакара и ее партнёром. Мы с ними создали два балета, в 2020 и в 2021 - я работал с ними как менеджер и как сопродюсер.
Среди приглашённых на концерт в Сиднее - Джулиан Маккейн (солист балета Сан-Франциско), я его знаю давно. Он американец, учился в Москве, говорит по-русски, затем закончил ГИТИС как педагог-хореограф и работал в Михайловском театре. Потом Виктор Кайксето - он танцевал в Мариинском театре, недавно уехал в Амстердам работать.
Среди участников также Грейс Кэрролл и Брайс Лэтэм (Австралийский балет), Маю Танигайто (солист Королевского балета Новой Зеландии). Особенно хочется отметить участие Лауры Фернандес. Она родилась в Швейцарии, наполовину украинка, наполовину испанка, училась в Академии танца в Цюрихе и в Академии балета им. Вагановой в Санкт-Петербурге. Танцевала в Мариинском театре, в Театре Станиславского в Москве в качестве первой солистки. Из-за трагической ситуации, развернувшейся между Россией и Украиной, она приняла решение переехать в Грузию, где в настоящее время работает солисткой Государственного балета Грузии под руководством Нины Ананиашвили.

— Похоже, что треть танцоров связана с русской балетной школой?

— Да, практически все. Люсия Лакара получила приз Бенуа де ля Данс в Москве, два раза участвовала и побеждала в Dance Open Festival, который проходит в Санкт-Петербурге.
Вообще, балетный мир каким- либо образом всегда связан с российской школой балета.

— Да, это правда. И скажи пару слов о театре, в котором гала-концерт будет проходить - многие в Сиднее не знают о нем - это совершенно новый театр, верно?

— Как только я приехал, сразу начал заниматься поиском сцены. Когда я увидел фотографии театра Coliseum, я, честно, не поверил, думаю: не может быть! Этот театр мне очень напомнил тот, в котором я работал в Австрии, его новую сцену, а это самая современная сцена Европы. А театр Coliseum - мне кажется, одна из самых современных сцен, которые сейчас есть в Австралии! Они все обустроили на высшем уровне, у них очень интересный формат зала на 2 000 мест, и он таким образом сделан, что с любого места у тебя полный обзор сцены. У них специальная звуковая система, японская, которая обеспечивает одинаковое качество звука, опять-таки в любой точке зала. И команда, которая там работает - очень приятные люди, которые заинтересовались нашим проектом.

И потом театр — это часть огромного комплекса, в котором есть бесплатная парковка на 2000 мест, при входе в театр большое общественное пространство - там рестораны, кафе - такой культурный центр, рядом большое казино для тех, кто предпочитает другие виды отдыха и два отеля. Там же расположен огромный бассейн и Центр гимнастики, где тренируется сборная НЮУ, то есть театр — это одна из составляющих этого центра. И зрителям, которые придут, можно приехать пораньше или остаться позже - после выхода из театра, есть бар с живой музыкой, где до 4-5 часов утра можно продолжить свой вечер.

— Вот это, наверное, очень полезная информация, где можно переждать дорожные пробки.

— А, кстати, насчет пробок - о Западном Сиднее я много слышал разного, но мне на самом деле там очень понравилось! И доехать туда быстрее, чем ко мне в район Dee Why. Едешь по четырехполосному шоссе - пробок нет!
Ждем вас на великолепном гала-концерте мастеров мирового балета!