Балет и Опера

Елена С.

Номер ссылки| 2024110201
Тема| Балет, НОВАТ, Персоналии, Приска Цайзель
Автор| Александр Савин Марина Иванова
Заголовок| Приска и Щелкунчик. На сцене НОВАТа реализуется еще одна мечта австрийской балерины Цайзель
Где опубликовано| © cultvitamin
Дата публикации| 2024-11-02
Ссылка| https://cultvitamin.ru/priska-i-shhelkunchik-na-scene-novata-realizuetsja-eshhe-odna-mechta-avstrijskoj-baleriny-cajzel/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Приска Цайзель впервые в своей карьере, 28 декабря, исполнит партию Мари в балете П.И. Чайковского «Щелкунчик» в хореографии Юрия Григоровича на сцене НОВАТа. Эту партию она знала и обожала с детства: постановка шла на сцене Венской оперы, в которой ее мама работала балериной

Австрийская танцовщица, прима Михайловского театра известна в балетном мире не только своим талантом и мастерством, но и своей драматичной историей. Администрация Баварской оперы оказывала серьезное давление на артистку после ее выступления на фестивале в Крыму, где она танцевала вместе с российскими танцовщиками. Приска вынуждена была покинуть Баварскую оперу и получила предложение стать солисткой Санкт-Петербургского Михайловского театра.

Знакомство Приски Цайзель и новосибирского зрителя состоялось в этом году. На сцене НОВАТа артистка танцевала в балетах «Спящая красавица», «Спартак», «Корсар», а также приняла участие в гастрольном спектакле нашей труппы «Лебединое озеро» на Исторической сцене Большого театра в партии Одетты-Одиллии. За год Приска стала нашей доброй подругой. Мы откровенно радуемся тому, как технически совершенная европейская балерина за такой короткий срок превращается в безупречно техничную русскую балерину. У нее появилась русская душа и романтизм, это отметили критики после ее выступления с нашей труппой на сцене Большого театра.

Сейчас целеустремленная и преданная профессии балерина готовится покорить еще одну вершину профессионального мастерства: 28 декабря она исполнит партию Мари в балете «Щелкунчик» в постановке Юрия Григоровича. Эта версия самого популярного русского балета с точки зрения техники и актерского мастерства считается сложнейшей для исполнителей партий Мари и Щелкунчика.

О том, как Приска готовится к дебюту, она рассказала нам в небольшом интервью.

Вы приезжаете в НОВАТ танцевать в «Щелкунчике». Вы прежде сталкивалась с постановкой Григоровича?

Нет, никогда. Я очень обрадовалась, когда узнала, что буду танцевать в этой постановке. Думала, что раз в Михайловском театре эта редакция балета не идет, то моя мечта не сбудется, но руководители решили иначе: 28 декабря в дополнительном спектакле мне доверили эту партию исполнить. Это очень желанная для меня премьера. Я мечтала станцевать Мари в постановке Юрия Григоровича. Эта постановка – совершенство. Для каждой балерины станцевать в ней главную партию – мечта.

Балет в редакции Григоровича вам известен по работе в Баварской опере. Разве он там шел?

Нет. Во всяком случае, я такого не помню. Тут все просто. Моя мама, как я вам рассказывала раньше, танцевала в Венской опере. И вот там эта постановка была в репертуаре, я маленькой девочкой приходила в театр и смотрела спектакль, в котором танцевала мама.

Не страшно выступать в этой партии?

Нет, совсем не страшно. У меня есть огромное желание станцевать в этом балете, есть азарт.

Приска Цайзел — Маша. «Щелкунчик» в постановке Н. Дуато. Михайловский театр

С кем вы будете готовить партию и кто будет вашим партнером?

Буду готовить партию с хорошо мне знакомым Артёмом Пугачевым, мы с ним танцуем и этот спектакль. Он совершенный, надежнейший партнер мы с ним сработались. Я думаю, что все будет хорошо несмотря на мою занятость в Михайловском театре, а Артема в Новосибирске. Предновогодний период – сложный период в жизни любого театра. Много спектаклей, в это праздничное время года надо по возможности удовлетворить всех зрителей – и больших, и маленьких, подарить зрителям новогоднее настроение и немного сказки. Но, думаю, все успеем, все сделаем.

Сейчас вы готовите партию по записям?

Да, смотрю разные записи.

А какая Мари вам более близка ‒ в первом акте, когда она девочка на празднике, или во втором Мари-принцесса? Кто больше нравится?

Обе. Снова почувствовать себя девочкой ‒ это тоже здорово. Так что Мари в каждом из актов мне нравится. Просто по-разному.

Ждем вас с нетерпением!

Спасибо!

Елена С.

Номер ссылки| 2024110202
Тема| Балет, театр «Кремлёвский балет», Персоналии,
Автор| Вера Кошелева
Заголовок| Кремлёвский спектакль к юбилею «Эсмеральды»
Где опубликовано| © Музыкальные сезоны
Дата публикации| 2024-11-02
Ссылка| https://musicseasons.org/kremlyovskij-spektakl-k-yubileyu-esmeraldy/
Аннотация| Рецензия

В 2024 году исполнилось 180 лет балету «Эсмеральда» Ц. Пуни, первое представление которого в постановке Жюля Перро состоялось в 1844 году

Этой знаменательной дате театр «Кремлёвский балет» посвятил свой захватывающий и впечатляющий спектакль «Эсмеральда», который прошёл 17 октября 2024 года на сцене Государственного Кремлёвского Дворца, вызвав горячий отклик в сердцах благодарных зрителей.

Эсмеральда — Алина Каичева, Пьер Гренгуар — Егор Мотузов. Фото Андрея Степанова

Прежде чем рассказать о юбилейном спектакле «Эсмеральда», вспомним сценическую историю этого балета.

Эсмеральда в переводе означает изумруд. Балет «Эсмеральда», названный именем героини романа Виктора Гюго «Собор Парижской Богоматери», по праву считается подлинным сокровищем хореографического искусства. Музыку к балету «Эсмеральда» в 1844 году написал композитор Цезарь Пуни (1802–1870), один из постоянных соавторов хореографа Жюля Перро (1810–1892), основоположника демократического направления в романтическом балете. В «Эсмеральде» Жюль Перро проявил себя не только как гениальный хореограф, но и как талантливый либреттист. Непрерывно развивающееся действие, напряженные жизненные ситуации, накал чувств, острота столкновений противоположных интересов, живописные портреты главных персонажей и выразительная народная толпа – всё это делало «Эсмеральду» подлинно новаторским балетом, далеко опередившим свое время.

Роман Виктора Гюго «Собор Парижской Богоматери» – многоплановое произведение. Жюль Перро поставил в центре балета образ девушки из народа, сироты, цыганки-плясуньи Эсмеральды, незаурядная натура которой раскрывается в ее отношениях с представителями различных социальных слоев общества: капитаном-аристократом Фебом де Шатопером, монахом Клодом Фролло, бедным поэтом Пьером Гренгуаром и отверженным звонарём-горбуном Квазимодо. Это позволяло Перро-гуманисту выразить в хореографических образах свою глубокую убеждённость в том, что талантливые люди, подлинные «аристократы духа» во все времена рождались и проявляли себе в народной среде, часто демонстрируя своё духовно-нравственное превосходство над выходцами из привилегированных слоев общества.

На премьере в Лондоне 9 марта 1844 года партию Эсмеральды танцевала бывшая жена и неизменная муза Жюля Перро – Карлотта Гризи. Сам Жюль Перро исполнял роль поэта Пьера Гренгуара, вкладывая в неё автобиографические черты. Полюбивший Эсмеральду Грегуар навсегда остался преданным другом цыганки-плясуньи, несмотря на то, что её избранником стал Феб.

В 1848 году, начав свою службу в качестве танцовщика и главного балетмейстера в России, Жюль Перро перенёс «Эсмеральду» на петербургскую сцену. 21 декабря 1848 года на премьере в Петербурге роль Эсмеральды со свойственным ей драматизмом воплотила Фанни Эльслер. Два последующих театральных сезона Фанни Эльслер танцевала Эсмеральду не только в Петербурге, но и в Москве.

Жюль Перро работал в Петербурге в 1848–1859 гг. За это время быстро забытая в Западной Европе «Эсмеральда» нашла в России вторую родину, стала любимым балетом отечественных танцовщиц. Во второй половине ХIХ века образ прекрасной Эсмеральды обогащали своим талантом такие танцовщицы, как Н. Богданова, Е. Соколова, Е. Санковская, П. Лебедева. В ХХ веке вдохновенным исполнением партии Эсмеральды трогали сердца зрителей М. Кшесинская, Е. Смирнова, О. Спесивцева, Е. Гельцер, Т. Вечеслова.

В 1886 году, возобновляя балет «Эсмеральда», Мариус Петипа (1819–1910) сочинил на музыку Риккардо Дриго (1846–1930) па-де-сис Эсмеральды четырёх её цыганок-подруг и Гренгуара. Это новшество, включающее в себя адажио Эсмеральды и Гренгуара и скрипичную вариацию Эсмеральды, историки балета справедливо называют шедевром.

В 1935 году Агриппина Ваганова (1879–1951) осуществляя постановку балета «Эсмеральда» в Ленинградском академическом театре оперы и балета имени С.М. Кирова (ныне Мариинский театр), сочинила балет в балете – дуэт античной богини Дианы и Актеона, исполняемый на празднике в замке герцогини Алоизы Гонделорье.

Хореографические новшества М. Петипа и А. Вагановой стилистически вписались в старинный шедевр Ц. Пуни – Ж. Перро и сохраняются в нем до сих пор.

Сделаем важное отступление. На протяжении ХХ века к роману В. Гюго «Собор Парижской Богоматери» обращались и другие композиторы и хореографы. В 1902 году балет «Дочь Гудулы» на музыку А. Симона поставил в Москве, на сцене Большого театра хореограф А. Горский. В 1950 году хореограф В. Бурмейстер, написав новое либретто в соавторстве с В. Тихомировым, осуществил постановку балета «Эсмеральда» на сборную музыку Ц. Пуни, Р. Глиэра и С. Василенко на сцене Московского академического Музыкального театра имени К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, где он идёт до сих пор. В балетах А. Горского и В. Бурмейстера нет Гренгуара, но появилась мать Эсмеральды – Гудула.

В 1965 году на сцене Парижской Оперы зрители впервые увидели балет «Собор Парижской Богоматери» М. Жарра в хореографии Р. Пети. Главным персонажем в этом балете стал Квазимодо, партию которого исполнил сам Р. Пети. В 1978 году этот балет был перенесён в Ленинградский академический театр оперы и балета имени С.М. Кирова.

Однако эти постановки не смогли затмить немеркнущей магии старинного балета «Эсмеральда» Ц. Пуни. В течение всего ХХ века шедевр Пуни-Перро-Петипа с огромным успехом шёл на сцене 40 музыкальных театров, включая города России, Украины, Прибалтики, Закавказья и Средней Азии.

Начиная с 2006 года балет «Эсмеральда» на музыку Ц. Пуни и Р. Дриго украшает репертуар театра «Кремлёвский балет». Глубокую философско-поэтическую трактовку этого шедевра осуществил основатель театра «Кремлёвский балет» – Андрей Борисович Петров (1945–2023).

Андрею Петрову было присуще бережное отношение к традициям хореографического искусства и их стилистически тонкое обогащение. В полной мере это проявилось и в кремлёвской «Эсмеральде». При написании либретто А. Петров опирался на основные сюжетные линии сценария Ж. Перро, изображающего историю отношений Эсмеральды с четырьмя персонажами: Фебом, Фролло, Гренгуаром, Квазимодо. Образ поэта Пьера Гренгуара, которым так дорожил Жюль Перро, Андрей Петров сохранил. Одновременно с этим он углубил интерпретацию образа звоноря-горбуна Квазимодо. С этой целью А. Петров ввёл в кремлёвский балет «Эсмеральда» новые картины. В пятой и шестой картине – Квазимодо, пытаясь спасти Эсмеральду от казни, укрывает её на колокольне Собора Парижской Богоматери. В восьмой и девятой картинах – сбрасывает злодея Клода Фролло с крыши Собора и приносит в подземелье тело казнённой Эсмеральды.

В соответствии с романом В. Гюго и первоначальным замыслом Ж. Перро, А. Петров вернул балету трагический финал. Эсмеральда, обвинённая в убийстве Феба, в конце кремлёвского спектакля погибает на эшафоте.

В хореографическую драматургию кремлёвской «Эсмеральды» А. Петров органично вписал фрагменты хореографии Ж. Перро, М. Петипа и А. Вагановой. В канонах академического классического танца сочинил Гран па в доме герцогини Алоизы Гонделорье, в котором участвуют подруги её дочери, Флёр де Лис. Поставил танцевальные монологи Клода Фролло и Квазимодо, включив в них элементы свободной пластики и современной хореографии.

Изобретательный режиссёр, А. Петров мастерски показал многоликую, полную социальных контрастов жизнь средневекового Парижа конца ХV века. Пышно разодетые аристократы развлекаются в роскошных замках на балах и представлениях на античные сюжеты, а социальные низы, простые парижане скрашивают своё существование буйными плясками на площадях Парижа и в тавернах.

Замечательную музыкальную редакцию и яркую, выразительную оркестровку музыки Ц. Пуни и Р. Дриго осуществил композитор Владимир Качесов, он же написал новую музыку для упомянутых выше картин с участием Квазимодо.

17 октября 2024 года в кремлёвском спектакле в честь 180-летия балета «Эсмеральда» главные партии исполняли: Алина Каичева (Эсмеральда), Пьер Гренгуар (Егор Мотузов), Феб де Шатопер (Эдгар Егиазарян), Клод Фролло (Максим Афанасьев), Квазимодо (Амир Салимов).

По воспоминаниям современников, Эсмеральда Карлотты Гризи была обворожительной, грациозной, трогательной и беззащитной. Фанни Эльслер наделила цыганку Эсмеральду горделивой красотой, темпераментом, свободолюбием, независимостью. Алина Каичева в своей трактовке образа Эсмеральды сумела гармонично соединить оба начала: лирическое и драматическое. Очаровательная, артистичная, нежная, впечатлительная, Эсмеральда Алины Каичевой в решительные моменты своей жизни проявляет нравственное мужество, защищая свою честь и человеческое достоинство.

Вызывая у зрителей глубокую симпатию к своей героине, Алина Каичева от эпизода к эпизоду раскрывает богатый внутренний мир и замечательные человеческие качества обаятельной личности Эсмеральды. Добросердечная, чуткая и отзывчивая, Эсмеральда-Каичева спасает поэта Пьера Гренгуара-Мотузова от виселицы, соглашаясь стать его женой. Видя неприспособленность Гренгуара к жизни, Эсмеральда предлагает поэту стать её партнёром в танцевальных выступлениях, чтобы зарабатывать средства к существованию. Сочувствуя страданиям несчастного горбуна Квазимодо-Салимова, которого избивают солдаты ночного дозора, Эсмеральда-Каичевой просит отпустить его на свободу. Психологически тонко передаёт Амир Салимов чувства своего героя, Квазимодо, никогда не видевшего такого человечного, заботливого отношения к себе. Великодушие Эсмеральды-Каичесов, пробуждает в сердце Квазимодо-Салимова чувство благоговейной и преданной любви к прекрасной цыганке.

Проникновенным лиризмом и поэзией расцветающей любви наполнила Алина Каичева сцену первой встречи своей героини с капитаном королевских гвардейцев, Фебом де Шатопером-Егиазаряном. Восхищась поступком красавца-капитана Феба, спасшего Эсмеральду от похищения, впечатлительная цыганка видит в нём героя своей романтической мечты – благородного и верного спутника жизни. Покоренный красотой Эсмеральды, Феб дарит ей легкий белый шарф. Эсмеральда-Каичева рада подарку, но уклоняется от объятий и поцелуев капитана. Целомудренная и чистая, она ждёт от своего избранника взаимной, глубокой и преданной любви.

Красота Эсмеральды приковывает внимание не только аристократа Феба, но и монаха Собора Парижской Богоматери – Клода Фролло-Афанасьева. Однако в порочной душе этого ханжи, давшего обет безбрачия она вызывает не безгрешный эстетический восторг, а необузданную низменную страсть.

Исполнитель партии Клода Фролло, Максим Афанасьев с беспощадной откровенностью изобличает пороки своего персонажа: жестокость, подлость, коварство, мстительность. Преступления, совершаемые Клодом Фролло, заставляют зрителей содрогнуться от отвращения и ненависти к этому злодею.

Домогаясь любви Эсмеральды, Фролло-Афанасьев врывается в жилище цыганки. Эсмеральда-Каичева сначала напоминает монаху о его сане. А затем, показывая шарф с эмблемой капитана Феба, откровенно заявляет, что любит другого. Но Фролло-Афанасьев не желает считаться с чувствами Эсмеральды. Признание цыганки не усмиряют его страсть, а разжигает неистовую ревность и гнев. Фролло решает расправиться со счастливым соперником и сломить волю Эсмеральды. Уходя, он забирает кинжал Эсмеральды.

Горестные минуты пришлось пережить Эсмеральде и в доме герцогини Алоизы Гонделорье (Ксения Хабинец). Эсмеральду, четырёх её подруг-цыганок и Гренгуара пригласили развлекать гостей на помолвке дочери герцогини – Флёр де Лис (Анастасия Тетерина). Узнав в женихе Флёр де Лис капитана Феба, Эсмеральда порывается убежать. Гренгуар и цыганки просят её остаться. Эсмеральда вынуждена танцевать перед своей соперницей и любезничающим с ней Фебом.

С большим исполнительским и актёрским мастерством передаёт Алина Каичева в адажио с Гренгуаром и в скрипичной вариации переживания своей героини: растерянность, горечь разочарования, боль утраченных надежд, душевную муку и отчаяние. Вновь и вновь Гренгуар-Мотузов подаёт бубен печальной Эсмеральде-Каичевой, вновь и вновь, сочувствуя подруге, он бережно поддерживает её гибкий стан, поникший, словно сломанный стебелёк нежного цветка. Под щемящие, пронзительные звуки скрипки в отчаянном, быстром беге на пальцах Эсмеральда-Каичева несколько раз пересекает сцену, а в конце музыкальной фразы падает на колени, скорбно склонив голову и бессильной опустив руки… Вариация Эсмеральды-Каичевой в сцене помолвки – это танец, который позволяет видеть музыку сокровенных чувств её героини.

Неожиданно Флёр де Лис-Тетерина замечает на плечах Эсмеральды шарф, который в прологе балета она подарила Фебу. Обрушив на неверного жениха ревнивые упрёки, она лишается чувств. Эсмеральда и Гренгуар уходят. За ними убегает и Феб.

В таверне на окраине Парижа появляются Эсмеральда и Феб. За ними тайно следит обуреваемый ревностью и жаждой мести Клод Фролло. Эсмеральда-Каичева очаровывает Феба-Егиазаряна прелестной грацией своего танца. Феб клянется Эсмеральде в вечной любви. Надежда на счастливое будущее возрождается в душе доверчивой девушки. Когда Эсмеральда оказывается в объятиях Феба, Фролло вонзает в соперника кинжал, похищенный у Эсмеральды. Затем он зовет стражу и называет Эсмеральду убийцей капитана Феба.

Эсмеральду уводят в тюрьму. Суд приговаривает ни в чём неповинную цыганку к смертной казни. Вероломный Фролло является в тюремную темницу и предлагает Эсмеральде жизнь и свободу в обмен на её любовь. Но хрупкая Эсмеральда-Каичева проявляет твёрдую волю, защищая свою честь. Она отвергает омерзительные домогательства Фролло-Афанасьева, виновного в гибели её возлюбленного.

По дороге на казнь Эсмеральда видит Феба и Флёр де Лис, возвращающихся с венчания. В этой сцене Эдгар Егиазарян с потрясающей силой обнажает подлинную сущность своего персонажа. Ослепительный красавец-капитан оказался двуличным, малодушным человеком, не способным подняться над предрассудками сословной морали. Выздоровев после ранения, нанесённого ему Клодом Фролло, Феб мог доказать невиновность Эсмеральды, которой он клялся в вечной любви, и спасти ей жизнь. Однако, женившись на богатой аристократке Флёр де Лис, Феб предпочитает не афишировать подробности своих отношений с простолюдинкой. Он делает вид, что не знает Эсмеральду, и удаляется вместе с Флёр де Лис и гостями. Потрясенная двойным предательством Феба, Эсмеральда падает на руки палача, который несёт её на эшафот.

Справедливое возмездие вершит Квазимодо-Салимов. Он сбрасывает с крыши Собора Парижской Богоматери Клода Фролло-Афанасьева, преступления которого погубили Эсмеральду. Затем приносит тело казненной цыганки в подземелье Собора. Заключив в крепкие объятья Эсмеральду, любовь к которой была единственным смыслом его жизни, Квазимодо умирает.

Под величественные и скорбные звуки органа и детского хора с небес летит белый воздушный шарф – символ бессмертной любви, навеки соединившей души Эсмеральды и Квазимодо.

========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Фото: Анастасия Черкас

Ведущая солистка, лауреат международных конкурсов Дарья Демченко получила благодарность от министра культуры России Ольги Любимовой. Накануне Дня балета, который будет отмечаться завтра, второго ноября, мы задали ей несколько вопросов.

– Дарья, какая героиня из вашего репертуара наиболее точно отражает ваш характер?

– Очень сложно себе дать ответ, когда в репертуаре так много разнообразных спектаклей. Моему духу близка энергичная, темпераментная, наглая, эмоциональная и многогранная партия Китри из балета «Дон Кихот». Но есть и другая сторона – любимая Аврора из «Спящей красавицы». Это божий дар свыше. Элегантность, мягкость и просто легкость, в моей душе она всегда! Если ты балерина, то проявляешь характер в каждой партии!

– Как вы заботитесь о здоровье, ведь тело балерины испытывает огромную нагрузку7

– Мое тело испытывает действительно колоссальную нагрузку: от макушки до кончиков пальцев. Мое спасение – это баня, массаж, магниевые ванны.

– У вас много пуант? Сколько может прослужить одна пара?

– Очень много сейчас моделей пуант, которые всегда подбираются под определенный спектакль. Так как я балерина классическая, мне всегда нужны пуанты практически новые. Если разбирать все партии, то срок службы одной пары всегда разный. Пуанты могут прослужить месяц, а если танцевать второстепенные партии, то и полгода. Но у меня есть пуанты, которым год. Все зависит, конечно, от ног и их физиологии. Например, на гастролях абсолютно по-другому изнашиваются пуанты. Спектакли идут каждый день, поэтому балетная обувь быстрее приходит в негодность. Стоит отметить, что я экономная балерина и пытаюсь продлить пуантам жизнь. В районе шести- восьми пар пуант нынешнего поколения уходит в год.

– Вы неоднократно работали с легендами отечественного балета: Михаил Лавровский, Надежда Грачева и многие другие. Какие советы мастеров помогают вам в профессии и жизни?

– Да, мне посчастливилось работать с легендами отечественного балета. И по сей день продолжаю работать. В исполнителе важно все. Нет ничего неважного или второстепенного в исполнительском искусстве. Я могу сказать: это большое счастье и удача! Это, безусловно, большой опыт, который останется на всю жизнь.

– Кто ваш любимый композитор? Какую музыку вы слушаете, когда выходите из театра?

– Очень люблю симфонических композиторов, таких как Бетховен, Чайковский, Прокофьев, Рахманинов и многих других. Все зависит от настроения. Как говорил Аристотель, когда мы воспринимаем ухом ритм и мелодию, у нас изменяется душевное настроение.

– И последний вопрос. За что вы любите балет?

– Балет – это просто одна большая любовь! Люблю за все. За то, что привил трудолюбие, стойкость, сильный характер, любовь к себе, стремление идти вперед и много еще за что. Я выдерживаю большие физические нагрузки, часто превозмогаю боль. С первых классов балетной школы нас готовят к работе в театре, к жесткой дисциплине и ответственности – зритель не должен видеть ни твоей боли, ни преодолений. Иногда задумываюсь, кем бы я была, если бы не балериной? Наверное, следователем...

Ближайшие спектакли с участием Дарьи Демченко состоятся шестого ноября («Ромео и Джульетта»), 14 ноября («Лебединое озеро»), 16 ноября («Сказки Гофмана»).

====================================================================
все ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024110302
Тема| Балет, Воронежский театр оперы и балета, Персоналии, Диана Кустурова
Автор| Эллада ДУРНАКОВА
Заголовок| «Битое стекло в пуантах бывает только в фильмах»: 10 наивных вопросов балерине
Где опубликовано| © «TV Губернии» - Воронеж
Дата публикации| 2024-11-03
Ссылка| https://tv-gubernia.ru/novosti/kul_tura/bitoe-steklo-v-puantah-byvaet-tolko-v-filmah-10-naivnyh-voprosov-balerine/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Про непростую жизнь балерин, наполненную кознями коллег и бесконечными диетами, снято немало фильмов и сериалов. Однако, так ли сурова жизнь хрупких танцовщиц на самом деле? Корреспондент «TV Губернии» встретились с солисткой Театра оперы и балета Дианой Кустуровой и задала ей десять наивных вопросов о её профессии.

– Правда ли, что балерин постоянно взвешивают, поэтому приходится соблюдать диету?

– Регулярное взвешивание — это миф. На работе нас никогда не взвешивают, да и в училище это происходило достаточно редко. А вот с питанием у всех история индивидуальная. Мне повезло с генетикой, поэтому я не отказываю себе в кофе, горьком шоколаде и других маленьких радостях. Но, конечно, есть девочки, которые тщательно следят за каждым кусочком, так как они склонны к полноте. Однако я все же стараюсь придерживаться правильного питания. На завтрак ем овсяную кашу, но не на воде, как думают многие, а на молоке и даже с мёдом. После этого я достаточно долго чувствую себя сытой и энергичной. На обед у меня, как правило, легкие супы, а на ужин – нежирное мясо с гарниром. И, кстати, жареного я тоже не боюсь. Более того, так как у меня есть муж и годовалый ребенок, я стараюсь готовить так, чтобы блюдо было вкусным и полезным для всех членов семьи.

– На телеэкранах мы часто видим, что в балетных училищах — спартанские условия, а маленькие ученицы практически не имеют права голоса. Так ли это?

– Учиться действительно сложно. На первый курс нас поступало 17 человек, а выпустились всего девять. Причины отчисления у всех свои. У кого-то действительно были проблемы с весом, и они перешли на народное отделение, где контроль менее жёсткий. Кто-то просто понял, что балет их больше не интересует. Но каких-то серьёзных лишений у нас не было, как и оскорблений со стороны преподавателей.

– Битое стекло в пуанты коллегам – так бывает только в фильмах?

– От своих коллег я слышала несколько жестоких историй. Так, одной из артисток коллега намазала костюм финалгоном, после которого все тело балерины очень сильно горело. Но я, к счастью, никогда с таким не сталкивалась ни в Воронеже, ни в Екатеринбурге, где я тоже работала.

– Балерины суеверны?

– Да. У многих девочек есть свои ритуалы. Кто-то выходит с конкретной ноги на сцену, кто-то обязательно трогает ноги руками, а кто-то не кладет пуанты на стол, потому что после этого, дескать, будут болеть ноги. Хотя после спектакля они всё равно будут у всех болеть. Я в приметы не верю и никаких ритуалов не соблюдаю.

– Сколько времени у балерин уходит на репетиции?

– Мой рабочий день начинается с одиннадцати утра, до двух часов дня, потом до шести вечера у нас перерыв, а затем — ещё одна трёхчасовая репетиция или спектакль. Заниматься приходится действительно много, поэтому многие артисты создают свои семьи внутри театра, так как времени на личную жизнь катастрофически не хватает. Однако мне повезло с мужем. Несмотря на то, что его работа не связана с балетом, он всегда меня очень поддерживает. Бывали моменты, когда я приходила домой настолько уставшая, что проводила в ванной несколько часов, поэтому супруг приносил мне еду прямо туда.

– А кружится ли голова во время пируэтов?

– Нет, так как все балерины обучены небольшому секрету. Мысленно мы ищем для себя точку, на которой концентрируемся, а затем возвращаемся к ней после каждого вращения. Без этого головокружения не избежать даже профессионалам.

– Ронял ли вас когда-нибудь партнёр?

– Да, и на репетиции, и на спектакле. К счастью, обошлось без серьёзных травм. Отмечу, что в таких случаях всегда виноваты оба, а не кто-то один. Конечно, ситуации не из приятных, но зацикливаться на них не стоит.

– Нужно ли балерине согласовывать с руководством беременность?

– В каких-то труппах – да. Артисткам приходится увольняться на время декрета. У нас такого нет. Более того, я танцевала почти до четырёх месяцев беременности, но потом увидела себя на фотографии, заметила живот и поняла, что пора в отпуск. Все мои коллеги были очень удивлены, оказывается, никто, кроме меня, не заметил изменений в моём теле. К слову, после родов балерины вновь выходят на службу в театр достаточно быстро. К примеру, я начала ходить на репетиции спустя два с половиной месяца после рождения дочери. Всё-таки век балерины недолог, хочется максимально успеть потанцевать.

– Когда балерины выходят на пенсию?

– У всех по-разному, кто-то уходит со сцены уже в 30, а кто-то танцует до 40-45 лет, правда, уже не такие технически сложные роли. Здесь всё зависит от желания самого артиста. Мне очень хочется, чтобы моя дочь смогла застать меня на сцене.

– А есть ли у балерин подработки «на стороне»?

– Мы называем их «халтуры». Особенно много их появляется в новогодний сезон. Но здесь есть и свои сложности, нужно всё согласовать с основным рабочим графиком, так как количество спектаклей становится просто огромным. Кто-то из артистов на постоянной основе работает преподавателем в училище или частной школе. А многие мужчины выбирают и вовсе не связанную с профессией подработку. К примеру, сборку мебели. Но я сейчас больше сосредоточена на семье, поэтому работаю только в театре.

Елена С.

Номер ссылки| 2024110303
Тема| Балет, Национальный театр оперы и балета им. Марии Биешу, Персоналии, Артем Шошин, Анастасия Хомицкая, Николай Назаркевич,
Автор| Светлана Деревщикова
Заголовок| Соната, ожившая в танце
Где опубликовано| © интернет-ресурс noi.md
Дата публикации| 2024-11-01
Ссылка| https://noi.md/ru/analitika/sonata-ozhivshaya-v-tance
Аннотация| Премьера

Премьера балета «Соната одной жизни», состоявшаяся19 и 27 октября в Национальном театре оперы и балета им. Марии Биешу, стала настоящим событием для молдавской культурной сцены и своего рода новым витком в деятельности молдавского оперного театра.

До сих пор в мировой хореографии на музыку Франца Шуберта была поставлено два балета – «Лабиринт» и «Шубертиана». «Соната одной жизни» стала третьим. Это совершенно новое и уникальное произведение, особенность которого в том, что поставлено оно именно для нашей труппы и идет только в Кишиневе. Спектакль появился в результате совместной творческой работы известного украинского танцовщика и хореографа Артема Шошина и молдавских деятелей искусства.

Артем Шошин: от классики к современности

Артем Шошин - один из самых ярких участников локальной балетный сцены сегодня. Ученик Раду Поклитару и уже самостоятельный хореограф практически всегда занят. Он успел поставь ряд спектаклей в родной Киевской опере, танцевать в спектаклях Kyiv Modern Ballet, прогреметь с постановкой неоклассического «Щелкунчика» из 50-х, получить звание Заслуженного артиста Украины и основал свою компанию Art Ballet Company. На его спектакли собирается вся авангардная публика, а сам Артем по праву считается модным режиссером.

В 2010-м Артем Шошин принял участие в третьем сезоне шоу «Танцуют все!» и получил билет в Ялту, где стал одним из полуфиналистов, а в 2012-м году стал финалистом пятого сезона танцевального шоу.

В 2016 году Артем Шошин поставил на сцене Львовского национального оперного театра балет «Ближе, чем любовь» на музыку композиторов эпохи барокко, а в 2017-м стал балетмейстером-постановщиком фолк-оперы-балета «Когда цветет папоротник» Евгения Станковича. Через год Артем стал солистом Киевской оперы (Музыкального театра на Подоле) и поставил свой первый спектакль для этой сцены — «Истории в стиле Танго» на музыку Астора Пьяццоллы.

- Было время, когда я попал в классический балет, с 2010 по 2011 год я был солистом Санкт-Петербургского мужского балета Валерия Михайловского, а уже после мне предложили уйти в Kyiv Modern Ballet. Главным аргументом была работа под руководством Раду Поклитару. Его спектакли были очень близки мне, а стремление выражать лексикой танца глубокие и сложные истории меня покорило, - рассказал Артем в интервью одному из украинских изданий. - Прошло уже достаточно много времени с тех пор, как я прошел путь от кордебалета до ведущего солиста и хореографа-постановщика. Когда я пробовал ставить свои первые спектакли, замечал, что использую очень много классики, поэтому мой путь – это соединение двух любимых жанров. Кто-то называет это неоклассикой или еще как-то, я называю это современным балетом. Мне нравится, что многие сегодня продолжают сохранять классику и вместе с ней наше наследие и ее эталоны. Никто не мешает развиваться современному танцу - появляется много новых театров авторской. Лично я занимаюсь прославлением классических канонов в новой интерпретации – классикой в свежей подаче.

«Мы попытались говорить новым языком танца»

А о том, как возникла идея спектакля «Соната одной жизни», рассказала корреспонденту Noi.md художественный руководитель балетной труппы, народная артистка РМ Анастасия Хомицкая. По ее словам, некоторое время назад Артем Шошин приезжал в Кишинев с группой Раду Поклитару со спектаклем, в котором участвовали несколько молдавских артистов. Они увидели и оценили наш зал, нашу труппу.

- Через пару месяцев после посещения Кишинева он мне позвонил и предложил поставить для нашей труппы какой-то спектакль. Я, конечно же, согласилась, но с условием, что сначала мы должны поставить один-два номера, чтобы увидеть, как будет смотреться труппа. Потому что кроме классического репертуара у нас на тот момент больше ничего не было, и молодые артисты в другом стиле не танцевали. И перед тем, как браться за полноценный спектакль, нужно было сделать своего рода пробу. Потому что я за то, чтобы результат был всегда хорош. На рискованные эксперименты я не соглашаюсь.

Когда проходил гала-концерт, посвященный закрытию театрального сезона, в него были включены два номера, поставленных Артемом Шошиным – один с массовым участием кишиневских артистов, второй – дуэт. Эти выступления стали своего рода «вишенкой на торте», поскольку исполнялись в стиле неоклассика – что стало приятным сюрпризом для молдавской публики, но при этом сохраняли черты классического балета. То есть артисты, как и при классическом стиле, танцуют на пальцах, но при этом их движения более свободны, не скованы традиционными канонами.

- Для меня, - продолжает Анастасия Хомицкая, - стало очень важным то, что самим артистам это понравилось, они работали с большим желанием. Создавать постановку – это сложный процесс. Это многочасовое присутствие в зале, это необходимость слушать хореографа и подчиняться его указаниям. Каждый спектакль подобен рождению ребенка и проходит не только с радостью и волнением, но и в муках. Но наши артисты меня очень порадовали, они справились с поставленной задачей, и в итоге у нас получилась «Соната одной жизни».

Автором либретто является одна из украинских писательниц, которая создавала его на основе реальных событий, происходящих в конце ХIХ века. Говоря Анастасии Хомицкой о либретто, хореограф подчеркнул, что основная идея – это рассказ о творческой личности, женщине, которая всю жизнь борется с болезнью и которую на протяжении всей жизни преследует смерть.

- Мне было безумно интересно, как можно это сделать в хореографии, - говорит худрук танцевального коллектива театра. – Ведь в драматическом спектакле это гораздо легче, а как посредством танца передать эту идею? Помимо красивых движений и линий, здесь очень интересны декорации. Вообще здесь много идей, которые в классическом спектакле не используются. Новые идеи порой приходили в последний момент - вплоть до того, что даже на последнем прогоне еще не было все понятно. А вот на спектакле, когда соединилось все – и декорации, и спецэффекты, и костюмы, и потрясающая музыка Шуберта – это, конечно, произвело фурор.

На вопрос, что было самым трудным во время работы над спектаклем, Анастасия ответила, что не то, чтобы трудным, но непривычным была новая пластика – над которой, конечно же, еще нужно работать.

- Ведь в классическом спектакле есть правила, которые мы уже знаем, как исполняются, и мы знаем, что требовать от артистов, - поясняет она. - Здесь было немножко посложнее, потому что у Артема, когда он показывал рисунок танца и движения, все получалось очень красиво. Но это его пластика, а у артистов, привыкших к другой пластике, тело должно двигаться иначе. Некоторые фрагменты задуманы так, чтобы исполнители двигались один-в-один, как единое целое. И пока каждого выстроишь и объяснить, почему так нужно делать, - для этого потребовались дополнительные усилия.

В спектакле была использована музыка из 4-й и 6-й симфонии Шуберта, что придает произведению особую глубину и выразительность. Некоторые фрагменты не вошли в спектакль – и для того, чтобы не затягивать действие, которое в результате получилось очень динамичным, и потому, что довольно сложны для восприятия, а музыкальное исполнение необходимо было адаптировать, ведь симфонии создавались как самостоятельные произведения, и автор не предполагал, что они будут использованы для балета.

Самым замечательным образом показал себя и оркестр Национального театра оперы и балета (музыкальный руководитель – народная артистка республики Светлана Попов), которому тоже впервые пришлось исполнять не балетную или оперную музыку, а сложные произведения другого плана.

«Главное – это любовь»

Николай Назаркевич, заслуженный артист РМ, артист балета, также как и все остальные участники спектакля, впервые принял участие в стиле неоклассика. В «Сонате…» Николай исполняет партию возлюбленного главной героини.

- Танцевать мне было легко, потому что в этой пластике легче показать эмоции. Этот спектакль вообще насыщен драматическими эмоциями. Да, для моего героя все заканчивается трагически – он умирает от болезни. Но тем не менее моя роль не оставляет у меня ощущения депрессивности. Напротив, Артем Шошин ставил перед нами задачу показать счастье на сцене. У моего героя не так много разных ипостасей, как у некоторых других персонажей, это сцены где мы с главной героиней встречаемся, они наполнены любовью и счастьем.

По словам Николая, его привлекает также новизна сценического решения.

- Здесь нет привычных балетных костюмов – вы не увидите балерин в пачках. Очень интересно сделаны декорации: они движутся, все на колесах, все перемещается, выезжают, уезжают … Сцена вокзала моментально сменяется интерьером комнаты, а та – видом морского курорта. И все это прекрасно передает атмосферу спектакля.

«Чем больше свободы, тем ярче получается»

А автором этого динамичной и необычной сценографии является главный сценограф, народный артист РМ Юрие Матей.

- Конечно, этот спектакль более современный, чем те, что я ставил до сих пор. Мы привыкли к классике, где есть неизменное либретто, где есть последовательность изображения, и это устоялось годами. Здесь для меня было больше свободы, а чем больше свободы, тем ярче получается и интереснее для публики. Я, как художник, давно ждал спектакля такого плана, потому что и в драматический, и в оперный театр давно пора привносить что-то свежее. Тем более, что в зале было очень много молодежи, а она привыкла к другой стилистике и хочет воплощения новых тенденций в искусстве. Артем Шошин – молодой и очень интересный хореограф хорошей школы – не забудем, что он ученик Раду Поклитару. Надеюсь, что и сам Раду приедет к нам и что-нибудь поставит на нашей сцене, с удовольствием с ним поработаю.

Юрие Матей не скрывает своей радости от того, что спектакль удался и по праву считает свою работу удачей.

- Декорации, - говорит он, - в принципе не должны мешать, они могут быть и незаметными для зрителей, но они помогают выявлять на первый план красоту, яркость, талант наших танцоров. Я искал такое решение, чтобы оно было современным, легким, тем более, что сами актеры двигают эти огромные вставки, и тем самым меняется картина, меняется состояние, свет, и все это должно быть в гармонии с меняющейся музыкой. Я постарался выжать максимум возможного из предложенных обстоятельств.

***

На протяжении всего спектакля внимание зрителей ни на минуту не ослабевает. Удивительную танцевальную пластичность в гармонии с истинным артистизмом и насыщенным драматизмом продемонстрировали молодые артистки балета, исполнительницы партии главной героини – Наталья Богдан, Екатерина Минина (героиня в детстве) и другие артисты. Помимо действующих лиц, в спектакле использованы образы-символы, что придает ему особую философичность и глубину. А звучание знаменитой «Вечерней серенады» Шуберта во время танцевального дуэта главных героев буквально трогает до слез и поднимает сцену на особую высоту.

Спектакль дает возможность зрителю не только насладиться великой музыкой Шуберта и танцевальной пластикой артистов, но и задуматься – о смысле жизни и творчества, о силе человеческого духа, о том, что мы оставляем после себя.

==========================================================

ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024110401
Тема| Балет, театр "Ванемуйне", Персоналии, Евгений Гриб
Автор| Элина Конд
Заголовок| Евгений Гриб: будущее балетной труппы "Ванемуйне" вижу очень ярким и эмоциональным
Где опубликовано| © ERR "Актуальная камера+"
Дата публикации| 2024-11-04
Ссылка| https://rus.err.ee/1609510885/evgenij-grib-buduwee-baletnoj-truppy-vanemujne-vizhu-ochen-jarkim-i-jemocionalnym
Аннотация| Интервью

С начала нового театрального сезона балетную труппу тартуского театра "Ванемуйне" возглавил хорегораф и танцор Евгений Гриб. Молодой балетмейстер намерен поднять уровень балетной труппы театра на новую высоту и предложить публике разнообразные и вдохновляющие постановки. С планами Евгения Гриба ознакомилась "Актуальная камера+".

В своей новой роли руководителя балетной труппы Евгений Гриб стремится разнообразить язык танца артистов, чтобы идти в ногу со временем. На помощь приходит сотрудничество с приглашенными хореографами.

"Я очень счастлив, что мы пригласили из Швеции Йоакима Стефенсона. Он работал со Шведским королевским балетом, и в Монако работал, и сам он тоже хореограф. Он еще ассистент мирового балетного хореографа - Александра Экмана", - рассказал Гриб.

Сам Гриб на мастер-классе Стефенсона занимался наравне со всеми остальными.

"Я просто действующий артист. Я еще танцую. Очень здорово, что меня приглашает театр "Эстония" еще танцевать. Я очень счастлив, что весной я выйду с моей труппой на сцену, и у нас будет прекрасный балетный вечер, состоящий из двух спектаклей. Наши молодые артисты будут ставить, и в одном из них я участвую. И это очень здорово, мне кажется. Кроме того, я еще молодой, не натанцевался. Конечно, посмотрю, будет ли это тяжело дальше, но пока я наслаждаюсь этим. Мне кажется, это очень важно - находиться наравне с артистами. Сейчас мир настолько изменился. Эта старая система ломается. Я просто знаю, что значит быть артистом, и чего они хотят от руководства. Мы все хотим быть значимыми, хотим быть нужными, хотим учиться. Для этого мы должны быть открыты. И вот я пытаюсь с ними налаживать такой контакт. Я очень-очень-очень благодарен, что артисты идут и следуют за мной", - пояснил Гриб.

Какое будущее для балетной труппы театра "Ванемуйне" видит ее новый руководитель?

"Я вообще не люблю загадывать. В жизни бывает так, что ты загадываешь, а потом разочаровываешься. Но здесь мне почему-то хочется сказать пару слов о том, как я это вижу. Я вижу его светлым, очень ярким. Очень эмоциональным, но легким... Но не без сложностей, конечно. Мне очень нравится. Мне очень нравится здесь быть, мне очень нравятся люди. Здесь живет творчество. Мне кажется, это самое главное", - ответил Гриб.

=====================================================================
ВИДЕО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024110402
Тема| Балет, Театр «Кремлевский балет», Премьера, Персоналии, Андрис Лиепа
Автор| Анна Бояринова
Заголовок| Андрис Лиепа впечатлил новой постановкой
Где опубликовано| © Вечерняя Москва
Дата публикации| 2024-11-04
Ссылка| https://vm.ru/news/1180368-andris-liepa-vpechatlil-novoj-postanovkoj
Аннотация| Премьера

Театр «Кремлевский балет» представил премьерный спектакль «Раймонда» Александра Глазунова в постановке народного артиста России Андриса Лиепы. Это, кажется, единственный на сегодня случай, когда поставленная по классическим канонам история пронизана свежестью и ясностью. Даже в голову не придет, глядя на динамичное и красочное действие, что это старинная рыцарская легенда средневековой Франции! Для обывателя это выглядит так, как если бы ожили сюжеты из пыльной книги на верхней полке библиотеки какого-нибудь старого профессора. То есть практически нереалистично и уж точно неинтересно. Парадокс в том, что Лиепа сумел сделать это интересным. Автором оркестровки выступил один из лучших дирижеров современности, художественный руководитель и главный дирижёр Симфонического оркестра радио «Орфей», заслуженный артист России Сергей Кондрашев.

Фото: Екатерина Лола / Пресс-служба Государственного Кремлевского Дворца

Андрис Лиепа обновил либретто, вернув в действие давно всеми забытую героиню – Белую даму (она покровительница семьи Дорис, к которой принадлежит главная героиня). За основу он взял балет, который был поставлен больше ста лет назад Мариусом Петипа на сцене Мариинского театра. Хореографическое решение основано на личном опыте артиста – будучи танцовщиком, Андрис Лиепа исполнял одну из главных партий этого балета, Жана де Бриена, и в Париже, и в Нью-Йорке, и, конечно же, в России (в том числе в Большом театре). Несмотря на полное отсутствие фуэте, для балерин технически это едва ли не самый сложный балет в мире. При этом Раймонда в исполнении Олеси Рослановой, которую зритель увидел во втором премьерном спектакле, исполняет все свои адажио с легкостью бабочки, безупречно и четко (прыжки, плавность рук, чистота поз, – все образцово). Однако в этой Раймонде есть нечто большее – актерское обаяние балерины уникально! В танце она словно бросает энергетические искорки в зал, очаровывая, вовлекая в происходящее на сцене каждого. Партией Раймонды Олеся Росланова утвердилась в статусе современной звезды русского балета.

Сценография Вячеслава Окунева создает на сцене оригинальную атмосферу преданий давней старины. Все пронизано духом европейского Средневековья и волшебства одновременно. Особенно прекрасна вторая картина первого действия – сад грез, в котором Раймонда видит сон: вдали на возвышении виднеется готический замок, к которому сквозь зелень ведет тропинка, начинающаяся в глубине сцены и как бы сливающаяся с самим изображением. По бокам сцены ярусами выставлены картины заброшенного сада. Сценографическая многослойность вкупе с реалистичными переходами очень правдоподобно воссоздает мир мечтаний и душевных терзаний героини. Кроме того, эта сценография сама себе весьма впечатляюща.

Отсутствие световых проекций на задник можно считать огромным художественным преимуществом «Раймонды». Здесь только танец, оркестр, свет и декорации. И это принципиально. В своих спектаклях «Кремлевский балет» нередко использует мультимедийные декорации, что, конечно же, имеет право на существование. И все же в классике просятся более академичные решения, что ещё раз подтвердило оформление «Раймонды».

Наделить классический балет красками, создать, не в ущерб ясности и лаконичности, прекрасное в эстетическом смысле действие, – особое мастерство. И Андрис Лиепа, в очередной раз подтвердил: он достойный сын своего великого отца. Можно смело утверждать, что этой постановкой театр «Кремлевский балет» заявил о себе как об одном из лучших сегодня балетных коллективов в Европе и мире. Большой театр, на сленге крутых парней, нервно курит в сторонке. Кстати, на премьере практически весь шеститысячный зал Кремля был полон, и после занавеса ни один из зрителей не ринулся в гардероб. Шесть тысяч рукоплескающих рук! Шесть тысяч восхищений средневековой легендой. Оценка, не требующая комментариев.

=================================================================
ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024110403
Тема| Балет, Челябинский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Сергей Бобров, Юлиана Малхасянц
Автор| Татьяна Правдина
Заголовок| В Челябинске - премьера «Гусарской баллады» (ФОТО и ВИДЕО)
Где опубликовано| © «Урал-пресс-информ»
Дата публикации| 2024-11-04
Ссылка| https://uralpress.ru/news/v-chelyabinskom-teatre-opery-i-baleta-premera-gusarskoy-ballady-foto-i-video
Аннотация| Премьера

Фото: Челябинский государственный академический театр оперы и балета имени М. И. Глинки

В Челябинском театре оперы и балеты второго ноября прошёл премьерный показ спектакля «Гусарская баллада». Жанр постановки для челябинского зрителя необычный – не мюзикл и не водевиль, а балет с элементами оперы. Артисты не только танцуют, но и поют (где-то даже в поддержке), стреляют и сражаются на саблях под звуки картечи. На громкой премьере побывала корреспондент «Урал-пресс-информ» и узнала все подробности гусарской жизни.

Сюжет «Гусарской баллады» имеет историческую основу - мемуары Надежды Дуровой. Слава этой девушки широко разлетелась по России во время Отечественной войны 1812 года. Она стала первой женщиной-офицером и первой женщиной, удостоенной Георгиевского креста. После выхода в отставку увлекалась писательством и оставила потомкам свои воспоминания – «Записки кавалерист-девицы». На публикации «Записок» настоял лично Александр Пушкин.

Современный зритель может знать историю Надежды Дуровой, конечно, не по мемуарам, а по фильму 1962 года. Картина Эльдара Рязанова об отважной барышне, которая, переодевшись гусаром, отправилась сражаться с наполеоновскими войсками, вошла в «золотой фонд» советского кино. Даже те, кто не помнят деталей сюжета, легко могут подхватить последнюю строчку из заглавной песни фильма: «…Когда звучит припев старинный: давным-давно, давным-давно, давным-давно!».

Именно этот знакомый мотив и звучит в начале балета-водевиля в постановке Заслуженных артистов России Сергея Боборова и Юлианы Малхасянц. Бравые, статные гусары поднимают бокалы за товарищеской беседой и отправляются в кабаре (да, любовь гусар к прекрасному полу и шампанскому легендарны не меньше их необузданного бесстрашия в бою). Ну, и в конце концов, какой водевиль без игривого романтического флёра? Командует парадом танцовщиц хозяйка заведения (Мадам) в исполнении артистки оперной труппы Екатерины Пыжовой: «Alle!», «Держать строй!», «Рысью!», «Сharmant!».

Уже следующая сцена звучит на контрасте: блеск и фривольность лихой гусарской жизни сменяется уютом и душевностью отеческого дома главной героини. Юная Надя воспитывается в семье своего дяди – майора в отставке Дурова. Здесь она окружена любовью и заботой, теплой как шаль няни. Образ кормилицы, ставший в русской культуре художественным архетипом, точно и с любовью к персонажу воссоздала солистка оперы Елена Каменских.

Стоит отметить, что в спектакле челябинского театра ирония и разудалая бравурность, характерные для классических водевилей, органично переплетаются с подлинными чувствами героев, а комедийные эпизоды – с масштабными историческими сценами. Авторам спектакля легко удаётся и очаровать зрителя – молодостью, красотой, романтикой эпохи креналинов и чепчиков, и одновременно – поднять из глубин бессознательного чувство сопричастности к истории своей страны.

Вот мы видим бал в доме майора – граф Шувалов (Юрий Федин), натура тонкая и восторженная, пристально следит за тем, чтобы праздник соответствовал самым высоким стандартам благородного общества: барышни демонстрировали безупречные манеры и выводили изящные па. В центре женского внимания, конечно, красавец-поручик Ржевский (Алексей Шакуро). Бойкая и озорная Надя (Виктория Дедюлькина) решает разыграть зазнавшегося гусара и переодевается в мужской костюм. Так начинается история любви (и переодеваний), которой предстоит пройти через череду испытаний и курьёзов. И главное испытание – это Отечественная война. Гусары, ведомые честью и долгом, отправляются на защиту Родины. На передовую, притворившись мужчиной, уходит и Надежда Дурова.

На сцене Челябинского театра оперы и балеты масштабные сражения приобретают максимально объёмное звучание: мощь симфонического оркестра сливается с залпами ружей, пушек, звоном сабель и… хором (!). А если добавить к этому ещё видеоряд с кадрами сражений, графически строгий рисунок построений кавалерии и музыку композитора Тихона Хренникова, то шансов оказаться равнодушным к происходящему на сцене не остаётся.

Ну, а появление на сцене фельдмаршала Михаила Илларионовича Кутузова (Андрей Меркульев) и вовсе вызывает такое оживление в зале, что начинаешь сомневаться: «не уж то – сам?!». Конечно, тут же ловишь себя на мысли: «Конечно, артист». Но задумываешься: удивительно, как может быть сильная народная память и любовь. И это спустя 200 с лишним лет! Кстати, «Ария Кутузова» была исполнена вчера впервые.

«Арию когда-то написали для актёра Зельдина. Но она никогда не исполнялась, поскольку ноты были утеряны. Нашёл их где-то в загашнике правнук Тихона Хренникова, композитор Тихон Хренников-младший. А текст к музыке для челябинской постановки был написан абсолютно новый», – поделился историей создания музыкальной партитуры Сергей Боборов.

По законам жанра секрет кавалериста-девицы всё-таки разоблачается, главные герои узнают друг друга, признаются в чувствах и обретают счастье.

И всё же есть в финале «Баллады» нечто, что делает её остро актуальной. То, что поднимает историю одной романтической авантюры до уровня гражданского подвига. Как это удалось авторам спектакля и за счёт чего, раскрывать на будем – советуем увидеть лично. Тем более что достоинств постановки мы насчитали массу – как минимум невероятно красивые «гран жете», «ассамбле» и «па де ша» (поверьте, вам захочется выучить эти названия), захватывающие сцены баталий и сочные, мощные оперные партии. А недостаток один – билетов на премьерные показы может не хватить. Хотя нет… Есть ещё – вы можете отчаянно влюбиться в балет… или балерин… или…гусаров.

===================================================================
ВСЕ ФОТО и ВИДЕО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

О тошноте от «Вальса цветов» из «Щелкунчика», детских воспоминаниях о рынке «Садовод», где нужно было мерить джинсы, стоя на картонке, и о выступлении в Кремле 9 ноября.

Я родилась…

В Новогиреево, откуда меня привезли в центр — на Цветной бульвар, где сейчас и живу, но на некоторое время мы возвращались в Новогиреево по семейным обстоятельствам.

Мой папа — артист балета и балетмейстер, его звали то в один театр, то в другой, и в школу я пошла в Челябинске. Вначале мы жили у вокзала, я помню цыган. Не могу сказать, что у меня лакшери-воспоминания об этом периоде. Мне кажется, мое детство, как и у многих, серенькое и немного пугающее. После мы переехали в центр Челябинска на главную улицу — Ленина, где рядом был большой «Детский мир».

После этого мы перебрались в Чебоксары, которые после круглосуточно серого Челябинска показались мне невероятно чистыми. Там даже дышалось по-другому. Помню памятник Матери, большие парки, фонтаны — когда ты ребенок, то постоянно помнишь парки, фонтаны, развлекательные аттракционы и цирки.

А потом мы вернулись в Москву — я была в третьем классе и поступила в Академию хореографии, которая находится на Фрунзенской набережной. И это совершенно другой район. На тот момент Новогиреево было темненьким районом, а Фрунзенская просто сверкала величием. Я начала ездить одна и когда попала в метро, подумала: вау, это просто музей какой-то!

Мои любимые районы…

Все юношество я провела в Хамовниках и до сих пор очень люблю этот район. Там рядом очень много парков, куда мы постоянно с одноклассниками ходили гулять. И на самом деле до сих пор, если у меня есть побольше времени, я тоже туда иду. Это огромное пространство, где, хоть и много людей, всегда можно уединиться со своей компанией. Плюс рядом «Музеон» и Новая Третьяковка. Это парк, где всегда есть чем заняться — всегда проходят какие-то мероприятия.

В Москве в принципе много развлекательных программ. У Большого театра очень часто проходят фестивали: джаз, Масленица… Между репетициями выбежал, а везде праздник — все такие хорошие, веселые, счастливые. А на Новый год… Единственное, всегда играет «Вальс цветов» из «Щелкунчика». А у нас «Щелкунчик» — это тяжелые времена: много спектаклей, которые еще надо пережить. И когда ты слышишь в метро эту музыку, а потом на каждой улице и в каждом магазине, тебя уже начинает тошнить.

ВДНХ тоже прекрасное место, где можно себя и занять, и сходить на выставки, и в музеи: я, например, недавно была в «Океанариуме», ходила туда на «Бурю». А еще была в 84-м павильоне (Доме культуры) на спектакле «Чайка», который привезла испанская труппа. Зрители сидели за столом, и все происходило прямо вокруг тебя. Я рыдала в конце, при том что это было на другом языке, хотя «Чайку» я прекрасно знаю, сама исполняю роль Нины Заречной. Я вышла из павильона и пошла гулять — наткнулась на открытый кинотеатр и на спортивную площадку, в Москве вообще много сделано для активного образа жизни, и многие этим пользуются.

Нелюбимые районы…

Я не могу сказать, какие районы мне не нравятся. Возможно, те, в которых я просто не была. Я знаю, что говорят про Капотню, я там была, когда еще был большой рынок «Садовод» — мы заезжали туда по дороге на дачу. И я помню свои детские страхи: меня ставили на картонку и нужно было выбрать джинсы. Всегда очень переживала, находясь там.

Но сейчас в Москве я всегда чувствую себя безопасно: сейчас я могу свободно выйти ночью на улицу в любом виде и пойти гулять одна — мне будет совершенно не страшно. Все изменилось в лучшую сторону и реально стало безопаснее (особенно учитывая, что я девушка и всегда найдутся какие-то «ребята», но сейчас опасности я не чувствую).

На самом деле я не знаю, что бы я хотела изменить в Москве…

Я гастролирую, очень часто езжу в другие страны и понимаю, что Москва для меня невероятно удобный город. Говорят, Москва быстрая (в Питере даже эскалаторы медленнее ездят, чем у нас в Москве) и все тут куда-то бегут. Не знаю, возможно, я тоже бегу, но не замечаю этого. В Москве настолько большой выбор, что не знаешь, куда деться. У меня, конечно, времени на это все нет, но иногда ты просто попадаешь куда-то и понимаешь, что столько всего, аж голова заболела.

Иногда бывает просто очень много людей. Например, на самокатах, которыми я и сама пользуюсь. Я балерина, держу в голове, что это травмоопасно, езжу аккуратно, всегда по дорожкам, не превышаю скорость, но подростки такое творят… И их так много!

Москвичи…

Очень хваткие люди. Они хорошо подстраиваются под любые обстоятельства. Они ловкие и находчивые.

Кажется, москвичи никогда не теряются — они очень уверены в себе. Они умные, интеллигентные и воспитанные. Конечно, это зависит от семейного воспитания, но я считаю, что москвичи изначально интеллигенты.

Балет…

Мы с труппой Большого театра едем в Питер показывать «Ромео и Джульетту». 6 ноября в Мариинке я буду танцевать первый раз с Артемом Овчаренко. Я очень люблю этот балет, и мне самой очень интересно, как это все пройдет.

А после будет «Поскрипт» в Кремле 9 ноября, где я исполню балет «Франческа да Римини» на музыку Чайковского в хореографии Юрия Посохова.

Фото: из личного архива Елизаветы Кокоревой

Елена С.

Номер ссылки| 2024110502
Тема| Балет, Латвийский национальный театр оперы и балета, Премьера. Персоналии, Антон Фрейманс, Алисе Прудане-Спридзане
Автор| Галина Солодовник
Заголовок| В Национальной опере — премьера балета «Казанова»
Где опубликовано| © LSM+
Дата публикации| 2024-11-03
Ссылка| https://rus.lsm.lv/statja/kultura/kultura/03.11.2024-v-nacionalnoi-opere-premera-baleta-kazanova.a574908/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Говорим: любовник-серцеед, подразумеваем — Джакомо Казанова. К образу и истории покорителя дамских сердец решил обратиться Латвийский национальный театр оперы и балета. В субботу на его сцене состоялась премьера балета «Казанова». За кулисами побывала корреспондент LSM+ Галина Солодовник.

Главную партию танцует солист Национального балета Антон Фрейманс:

«Я человек достаточно интравертный. Он был наоборот — он был бомбой! Но мне кажется, получается на сцене его прожить как-то. На сцене мы переживаем то, чем, может, в жизни мы не являемся на самом деле.

Роль ужасно интересная. Интересно танцевать человека, который действительно жил, который сам о себе написал и который, в принципе, не оставил загадок больших о себе. Всё ясно и понятно, о чём рассказывать».

В балете использованы современные элементы, продолжает артист:

«Это классический балет. Там танцуют на пуантах, и всё очень красиво, элегантно. Но при этом есть небольшие элементы современного танца. Очень стилизованные, очень умеренные. У нас давно такого не было — настолько красивого и фееричного, богатого. Богатой постановки».

Один из номеров — танец Казановы и Манон. Ее партию исполняет солистка Национального балета Алисе Прудане-Спридзане:

«Мой костюм немного аскетичнее, чем у других. Манон, мой персонаж — она переодевается в музыканта, и у меня такой мужской костюм и маска. Персонаж Манон впервые появляется на сцене на бале масок. У Манон и Казановы скорее дружба. Это не какая-то серьезная и большая любовь, это симпатия».

В «Казанове» балерину подкупает особая хореография:

«Мне очень нравится этот спектакль — его приятно танцевать, потому он на классической базе, но с очень свободной верхней частью, с широкими движениями. Хореограф и ассистенты также просят этой мягкости, текучести движений, бесконечности движений. И конечно, музыка очень помогает, потому что она как из кино, из кинотрейлера. И очень помогает танцу».

«Хореограф замечательный, вся команда замечательная! Давно не было такого положительного опыта. Они настолько вдохновляющие и мотивирующие. Всё время на позитиве. Супер-экспириенс», — говорит Антон Фрейманс.

По словам Алисе Прудане-Спридзане проделана очень большая работа: «И то, чего хореограф и его ассистенты способны добиться от наших тел, временами для нас самих — позитивный сюрприз».

Елена С.

«Лебединое озеро»,  Принц Зигфрид — М. Крапивин 

5 ноября празднует юбилей народный артист России Михаил Крапивин. Вся его жизнь, творческая и семейная, неразрывно связана с Музыкальным театром им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко. Здесь он состоялся как танцовщик, поражавший публику невероятной легкостью танца и сценическим темпераментом. Творческий дуэт Михаила и Галины Крапивиных остался в истории театра как один из лучших. На них создавали партии в своих балетах Владимир Бурмейстер, Алексей Чичинадзе, Дмитрий Брянцев, Том Шиллинг. Вот уже более тридцати лет Михаил Вольевич работает в театре Станиславского педагогом. Не просто педагогом, но «домовым» спектаклей, по собственному выражению, хранителем традиций родной сцены. А еще Михаил Крапивин — основоположник известной балетной династии Крапивиных-Смилевски, в которой уже (или пока еще) четверо народных артистов России! Все-таки талант передается по наследству. О том, что балет станет его судьбой, московский мальчик Миша в своем безоблачном детстве даже не подозревал.

Вы сами выбрали балет?

У меня не было выбора. До определенного возраста все решают родители. И это был выбор моей мамы. Я в детстве одновременно занимался хореографией в Доме пионеров, фигурным катанием во Дворце спорта в Лужниках и еще работал с семи лет в трех модельных агентствах. Я сам звонил в Дом моды на Кузнецком мосту и спрашивал, нужен ли им мальчик тридцать шестого размера. Конечно, свободного времени у меня совсем не было. Но занимался всем этим с удовольствием. Даже выиграл чемпионат Москвы по фигурному катанию среди мальчиков своего возраста. Еще я очень любил читать. А так как времени днем не было, то читал по ночам. Буквально проглатывал книги, что впоследствии сослужило хорошую службу — ведь на сцене виден интеллект танцовщика, или его отсутствие.

Когда мне исполнилось девять лет, мама записала меня на просмотр в Московское хореографическое училище. Тогда оно находилось на Пушечной улице, совсем рядом с Домом моделей на Кузнецком. Кандидатов из мальчиков было 300 человек. Сейчас я понимаю, что данные у меня были средние — я бы с такими точно не взял! Но меня взяли. И началась моя жизнь в балетном классе. Руководила училищем Софья Николаевна Головкина, сделавшая очень много для развития хореографического образования.

И педагоги у вас были потрясающие.

Артист начинается с того, кто его слепил. Настоящий педагог способен создать талантливого танцовщика из ничего. Их всегда было очень мало, а сейчас просто нет. Преподавать основы балета в младших классах — дело самое трудное и неблагодарное. Заложенная база определяет в дальнейшем судьбу артиста — переучивать в старшем возрасте очень трудно, практически невозможно. Мне повезло, что педагогом в младших классах у нас была опытнейшая Е.А. Лапчинская. В средних много мне дал Владимир Никонов. И конечно, Леонид Тимофеевич Жданов, у которого я выпускался. В прошлом ведущий танцовщик Большого театра, художник и талантливый фотограф, он занимался огранкой учеников последних двух курсов.

Педагог в театре не менее важен.

И опять мне повезло. Придя в театр, я попал к представителю славного рода Азариных-Мессереров Науму Маттаньевичу. Он сделал из меня танцовщика. Азарин был гениальным педагогом. На его счету шесть золотых лауреатов международных конкурсов. Замечу, что в 70–80-е годы уровень конкурсов был необыкновенно высок. Приезжали лучшие танцовщики со всего мира и из союзных республик. Была задача отстоять и честь страны, и честь родного театра. Главным для участника было то, чтобы его заметили на первом туре. Для этого мы с Наумом Маттаньевичем взяли вариацию Франца из «Коппелии», которая шла у нас в театре в постановке А. Чичинадзе, и полностью ее переделали в виртуозную, с национальным колоритом. Также поступили со второй вариацией Бирбанто из балета «Корсар» балетмейстера Гришиной. Получилась яркая заявка о себе в начале конкурса. Я для жюри и зрителей был абсолютно неизвестен, не представлял престижные Большой или Кировский театры, но по результатам первого тура получил больше всех баллов. На Московском конкурсе балета 1977 года я победил вопреки прогнозам и надеждам некоторых членов жюри. Наум Азарин очень разумно выстраивал стратегию участия в конкурсе для своих подопечных и добивался потрясающих результатов. Кроме меня, золото на международных конкурсах взяли Станислав Исаев, Александр Горбацевич, Ильгиз Галимуллин, Владимир Малахов. А Ирек Мухамедов был удостоен Гран-при Московского конкурса. И опять же благодаря мудрому руководству Азарина. Чтобы Ирек был так же убедителен в дуэтах, как и соло, Наум Маттаньевич решил дать ему в партнерши опытную балерину, приму нашего театра и мою супругу Галину Крапивину. И это сработало. Подобную комбинацию Азарин подобрал для конкурса 1973 года: пригласил меня быть партнером своей японской ученицы Мидори Каяма. До третьего тура она не дошла, а меня ангажировали танцевать с болгарской участницей, чей партнер не прошел. Представлял сразу двух балерин! Тогда я получил премию за лучшее партнерство. Майя Плисецкая удивлялась, почему такие танцовщики, как Крапивин, появляются на конкурсе только в качестве партнеров.

В 1976 году я взял вторую премию на конкурсе в Варне. Танцевал с высокой температурой, приезжал в театр из местной больницы, куда попал по приезде. Было неимоверно тяжело. Но «шел на амбразуру за Родину»!

Победы на конкурсах повлияли на ваше положение в театре?

Да, в худшую сторону.

Сегодня зачастую выпускники балетных училищ сразу получают репертуар солистов. Вы начинали с кордебалета.

Есть танцовщики, премьерский потенциал которых виден уже на выпуске. Им сразу можно давать ведущие партии. Примером могут служить народная артистка СССР Маргарита Дроздова или моя дочь Наталья. Я на выпуске в училище получил пятерку, был виден добротный материал. Но мне нужно было пройти долгий путь и в классе, и на сцене. Я начал прибавлять в мастерстве года через три. Тогда появились сольные партии.

В Театре Станиславского вы работали со многими талантливыми хореографами: Владимиром Бурмейстером, Дмитрием Брянцевым, Алексеем Чичинадзе, Томом Шиллингом. Сотрудничать с такими мастерами — подарок судьбы для артиста.

Владимир Павлович Бурмейстер — это тот человек, который вывел нашу труппу на высокий уровень и не дал ей пропасть. Я его воспринимал как инопланетянина — столько в нем было силы духа и воли к победе. Бурмейстер понимал, что наш театр сможет выжить в конкуренции с Большим только благодаря самобытности. И не прогадал. Репертуар театра Станиславского всегда был настолько оригинален и интересен публике, что часто на входе конная милиция стояла. Владимир Павлович позволил нам с женой состояться как солистам. Поставил на нас с Галиной Николаевной свой балет «Белеет парус одинокий».

Как говорится, раньше были времена, а теперь мгновенья. Бурмейстер, а за ним и Чичинадзе были не просто балетмейстерами, а балетмейстерами-режиссерами. У них бывали очень хорошие исполнители, бывали не очень, но спектакля они не портили. Настолько все было идеально драматургически выстроено.

Нашему поколению повезло — мы пришли в Театр Станиславского, когда афиша была необычайно богатой. Труппа была меньше и построена на других принципах, нежели сейчас. Не было строгого деления на этуалей и вторых солистов. Коротко говоря, все танцевали всё. Я, например, будучи ведущим танцовщиком, танцевал и ведущие, и второстепенные партии. И так было у всех. Жизнь была очень интересная, мы танцевали невероятно много.

Как сложился ваш дуэт с Галиной Крапивиной?

Еще со школы. Леонид Тимофеевич Жданов, преподавший кроме классического танца еще и поддержку, нас поставил в пару. Я был достаточно субтильным, и мне трудно было подобрать партнершу, только миниатюрная Галя подошла идеально. На выпуске мы танцевали дуэт из «Тщетной предосторожности». Требовательный Жданов умел научить поддержке. За всю карьеру в театре я не уронил ни одной партнерши, какой бы комплекции она ни была. Все приемы, которым нас обучал Леонид Тимофеевич, я тщательно храню и показываю своим ученикам.

А как состоялся переход на репетиторскую работу?

Век балетного артиста короток. Да и я немного раньше закончил из-за травмы. У меня появилось больше времени. Поступил на педагогическое отделение балетмейстерского факультета ГИТИСа. После его окончания меня пригласили преподавать в Московское хореографическое училище. Поначалу дали мне очень сложный класс, который никто не хотел брать. Я сразу попал «на передовую». Работать с недоученными детьми было сложно, пришлось задействовать все свои знания и опыт, чтобы как-то выправить их. И удалось добиться результата — двоим на госэкзамене даже пятерки поставили, что крайне редко у нас бывает. А следующий класс мне дали хороший. Мальчики там были способные, достаточно упомянуть Николая Цискаридзе. Хочу сказать, такой ученик, как Коля, стал для меня подарком: он с детства был «озарен» классическим танцем, очень много читал. В нем от природы заложено стремление постоянно прибавлять и как танцовщику, и как личности. Приходилось иногда останавливать его в попытках «перепрыгнуть себя», сделать еще сложнее. В юном возрасте нельзя перетруждать «аппарат».

Также в училище я вел класс поддержки. Недолго. Но мы успели подготовить выпускной экзамен. Мне хотелось сделать его оригинальным, и в качестве аккомпанемента я взял записи симфонической музыки вместо рояля. Получилось здорово, и этот мой почин подхватили другие педагоги.

По завершении карьеры вы стали педагогом-репетитором в родном театре. Нагрузка ничуть не уменьшилась, а ответственность возросла: у вас были репетиции и с солистами, и с кордебалетом. Кроме того, вы неоднократно восстанавливали и переносили балеты не только в России, но и за рубежом. А это предполагает глубокое знание спектакля.

Работа репетитором трудна. Каждый раз ты заново собираешь любой спектакль, отрабатываешь нюансы, приводишь к единому знаменателю работу разных репетиторов с солистами и кордебалетом. Балеты Бурмейстера невозможно сложить как пазл из разрозненных кусочков, в них все выстроено на непрерывной режиссерской линии. Вот этим я много лет работы в театре и занимаюсь. У каждого балета должен быть свой «домовой» — хранитель.

А переносом спектаклей занялся неожиданно для себя самого. К тому времени я уже много лет был репетитором. Владимир Васильев поставил в нашем театре свой вариант «Ромео и Джульетты». Спектакль был очень интересный и по режиссуре, и по хореографии, и по сценическому решению. Я считаю, что это лучший балет Васильева-хореографа. Володя предложил нам с Галиной Николаевной перенести его в Литву. Получилось удачно. Литовская труппа танцевала этот балет с успехом, неоднократно гастролировала с ним по всей Европе. Потом перенес васильевского «Ромео» в Латвию. Затем была работа по переносу этого спектакля в Рио-де-Жанейро. У меня наработался большой опыт переносов спектаклей. Несколько раз переносил «Щелкунчика» В. Вайнонена: в Македонию, на сцену нашего театра, для Московской академии хореографии и Детского театра Н.Сац. Приходилось иногда что-то менять, сочиняя в стилистике Вайнонена. Также и при переносе «Эсмеральды» в Ростов-на-Дону менял какие-то моменты, чтобы избежать архаичности, омолодить хореографию, прибавить виртуозности корифейским номерам.

С вас началась известная ныне балетная династия. Вы хотели, чтобы дочь пошла по вашим стопам? Ведь балет — это настоящая каторга в цветах.

Дети и внуки состоялись скорее вопреки нашей с Галиной Николаевной известности. Наташа очень переживала по поводу разговоров о протекционизме, блате. То, что мы с женой были ведущими солистами Театра Станиславского, заслуженными артистами (на тот момент), ей очень мешало. А ее балеринский потенциал был виден уже в выпускном классе. Еще до выпускных экзаменов Наташа станцевала сложнейший «Дон Кихот» у нас в театре. И станцевала блестяще!

Также и внук Дмитрий. У него были замечательные педагоги в училище, как и сегодня в театре. Я им горжусь! Как-то сидя на спектакле Димы в Большом, мы с его отцом Георги Смилевски восторженно переглянулись — мы в его возрасте так не танцевали! У него от природы необыкновенная чистота формы, необходимая для классического танца.

Подрастает еще один балетный внук — Александр. Учится в четвертом классе Академии хореографии. Радует, что данные у него хорошие, отцовские. Конечно, невозможно знать наперед, будет он танцовщиком или нет, но Бог ему дал все, что необходимо для балета. Семилетняя внучка Настя пошла в этот год в первый класс. Она занимается бальными танцами, хореографией, художественной гимнастикой — день расписан по минутам. Как у меня в детстве. Станет ли она балериной — посмотрим. Я за эволюционное развитие.

Вся ваша жизнь посвящена балету без остатка. Балет — искусство сильных. Оно требует максимальной концентрации душевных и физических сил. Что мотивировало вас?

Как известно, в мире есть семь чудес света. Восьмое — это классический балет. Искусство, созданное из ничего, существующее по своим строгим законам и правилам. Но это чудо эфемерно, его легко потерять, если дать слабину, нарушив какое-либо из правил. Всю жизнь стараюсь хранить законы классического балета и передавать их другим.

Фото предоставлены пресс-службой МАМТа.
===========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024110504
Тема| Балет, Датский королевский театр, Персоналии, Мейрамбек Назаркожаев
Автор| Дана Аменова
Заголовок| Датское королевство: как казахский танцовщик покорил европейскую сцену
Где опубликовано| © Kazpravda.kz
Дата публикации| 2024-11-05
Ссылка| https://kazpravda.kz/n/datskoe-korolevstvo-kak-kazahskiy-tantsovshchik-pokoril-evropeyskuyu-stsenu/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Вот уже шесть лет Мейрамбек Назаркожаев покоряет сцены Копенгагена и других европейских мегаполисов в качестве артиста балета Датского королевского театра, передает корреспондент Kazpravda.kz

Простой казахский парень из села Караой Илийского района Алматинской области закончил хореографическое училище имени А.В Селезнева. А теперь достойно представляет балетное искусство Казахстана за пределами родины, вызывая восхищение и признание европейских зрителей и хореографов.

В начале творческого пути его приняли в труппу московского театра «Русский балет», он выступал на сцене Кремлевского дворца и Большого театра в Москве. Через год устроился в немецкий театр в Киле, где проработал два года и освоил современные балетные направления под руководством именитых мастеров из Европы.

С 2018 года Мейрамбек Назаркожаев трудится в Датском королевском театре. В это же время он принимал участие в фестивале Jacob’s Pillow в Нью-Йорке, где его работа была отмечена критиком и репортером газеты The New York Times.

Путь на большую сцену

Спикер считает, что успешная артистическая карьера часто балансирует на грани взлетов и падений. Он вспоминает, что с детства проявлял интерес к творчеству и спорту, в том числе играл на домбре, пианино, пел в самодеятельном хоре, играл со сверстниками в футбол, занимался боксом, борьбой. Первой его способности заметила тетя Фарида. Она преподавала казахский язык и литературу в Алматинском хореографическом училище имени А. В Селезнева и посоветовала ему поступать в это старейшее учебное заведение.

«В десятилетнем возрасте у меня не было никакого представления о классическом балете. Тем не менее, мне стало очень интересно. Вступительные экзамены в хореографическом училище проходили в несколько этапов. Если общеобразовательные предметы я сдал на «отлично», то с творческими заданиями возникли определенные сложности в связи с отсутствием некоторых профессиональных данных, необходимых для танцовщиков. При поступлении педагоги обычно проверяют природную гибкость ребенка, оценивают умение садиться на шпагат, встать на «мостик», музыкальность, слух, которые позволяют красиво двигаться в танце. Мне очень повезло, что они поверили в меня и дали шанс проявить свои способности. Так я впервые познакомился с балетным искусством и позже убедился в правдивости того, что секрет успеха состоит из 90% труда и 10% таланта», – пояснил он.

По словам артиста, жесткая дисциплина закаляет характер будущих звезд сцены.

«Во время учебы мне приходилось работать больше и дольше других ребят, чтобы улучшить свои физические данные. Мы ежедневно с восьми часов утра приходили в студию, чтобы часами репетировать там. В детстве особо не осознаешь насколько важно оттачивать мастерство, так как преобладают и другие интересы. Мои учителя говорили о том, что главное для артиста – трудолюбие. Надо выкладываться на 100%, чтобы достичь высоких результатов, выполняя рутинные задания. В трудные минуты меня заботливо опекали опытные педагоги и воспитатели. Когда живешь в интернате вдали от родственников, то формируется ответственность и осознанность за собственные действия и поступки. Несомненно, это играет важную роль в становлении независимого характера личности», – считает спикер.

Будучи студентом Мейрамбек прошел стажировку в Государственном академическом театре имени Абая. Он разучивал партии на вечерних репетициях для участия в спектаклях. Затем он переехал за границу, но до сих пор продолжает общаться с казахстанскими коллегами. Талантливый исполнитель говорит, что в балетной среде здоровая конкуренция стимулирует к дальнейшему профессиональному развитию.

«Государство много делает для развития казахстанского хореографического искусства, организуются разные мероприятия, проводятся конкурсы, гала-концерты. Конечно, многое зависит от финансирования. Тем не менее, было бы здорово, чтобы к нам почаще для обмена опытом приглашали зарубежных специалистов. В этом плане хочется, чтобы отечественные артисты больше работали с ведущими мастерами нашего времени, танцевали интересные партии в новых реформаторских балетах. Такие проекты помогают им лучше осваивать разные танцевальные стили и направления. Наверное, стоит не забывать и об инфраструктуре, чтобы у артистов были комфортные условия. Например, если артист получил травму, ему необходимо оперативно оказать медицинскую помощь, получить консультации физиотерапевта, воспользоваться услугами массажиста, чтобы быстрее восстановить здоровье. Для нас важно тратить свою энергию на творчество», – отметил спикер.

Европейский успех

Также наш соотечественник рассказал о том, как стал первым казахом, который трудится в стенах Датского королевского театра, считающегося третьим старейшим мировым храмом искусства. Многие артисты балета мечтают подписать контракт, чтобы выступать на легендарной сцене и гастролировать по всему миру в составе звездной труппы. В свой день рождения Мейрамбек впервые специально приехал из Германии в Данию, чтобы пройти конкурсный отбор и ему сопутствовала удача. Через несколько недель он неожиданно получил сообщение по электронной почте с приглашением из Копенгагена.

«Я изначально знал, что Дания, как и другие скандинавские страны отличается высоким уровнем жизни, ее называют счастливым и безопасным государством. Датский язык сложный, однако люди здесь очень добрые, дружелюбные и приветливые. Конечно, первое время мне мешал языковой барьер, так как в Германии в моем окружении были русскоязычные друзья из стран СНГ. Зато здесь я здорово подтянул английский язык. Меня с первых дней тепло встретили коллеги, которые помогли после переезда адаптироваться на новом месте», – вспоминает танцовщик.

Также он добавил, что театр гордится сотрудничеством с лучшими современными хореографами мира, в том числе Акрам Хан, Уэйн Макгрегор, Кристофер Уилдон, Лиам Скарлетт, Джон Ноймайер. Их постановки считаются брендом Датского королевского театра, бережно хранящего свои исторические традиции. Основатель уникального датского балетного стиля, получившего название «школы Бурнонвиля», Август Бурнонвиль создавал в его стенах балеты, которые позже пополнили репертуар разных театров мира.

«Датский Королевский театр считается третьим старинным балетным театром в мире и является одним из ведущих театров в Европе, так как сотрудничает с лучшими хореографами и балетмейстерами нашего времени. Датская школа имеет богатую историю, так как в этом театре родилась Бурнонвильская техника. Знаменитые спектакли, такие как «Сильфида», «Этюды», «Фестиваль цветов», «Наполи» родились в стенах этого театра. Я безмерно рад, что мне удалось работать со многими мировыми именами в балетном мире и многому научиться у них. Так, как в будущем хотел бы поделиться этим знанием с казахской молодежью», – уточнил артист.

По его мнению, высокий исполнительский уровень казахстанских танцовщиков вполне позволяет им быть востребованными в зарубежных театрах. Если казахстанские зрители больше сконцентрированы на завораживающих трюковых элементах, прыжках, фуэте, то европейцы больше оценивают актерское погружение в образы. Им нравится переноситься в другую историческую эпоху, смотреть за взаимоотношениями персонажей, поэтому интерес к классике не угасает.

«Думаю, нет идеального артиста балета, так как каждому исполнителю присущ индивидуальный стиль. Его профессиональное развитие зависит от многих факторов. Пока я не встречал универсального танцора, которому одинаково подвластны все направления хореографии. Наша сценическая деятельность длится примерно двадцать лет, не учитывая того, что иногда приходится тратить время на восстановление здоровья. Это не только физически, но и ментально сложно. В этом плане всегда надо быть готовым к любым экспериментам, чтобы оправдать ожидания публики», – рассказал Мейрамбек.

В качестве танцовщика ему особенно запомнились выступления на датском фестивале Summer ballet, проходившем в формате open air и необычный перфоманс в честь празднования Нового года возле Бранденбурских ворот в Германии.

Секреты стиля от Бурнонвиля

Собеседник подчеркнул, что правильный настрой перед выходом на сцену помогает установить связь со зрителями. Очевидно, что творческая профессия предполагает умение перевоплощаться и психологически проживать на сцене жизни совершенно разных персонажей с непростыми судьбами, начиная от королей и до маргиналов. Это приносит радость не только артистам, но и их поклонникам. Партию дерзкого и амбициозного Тибальда из балета «Ромео и Джульетта» в хореографии Джона Ноймайера Мейрамбек называет одной из самых любимых в своем репертуаре.

«Мои вкусовые предпочтения часто меняются. В студенческие годы мне в основном мне нравились классические русские балеты. Когда я переехал в Европу, то акцент резко сместился на постановки современных хореографов, где нет никаких рамок и все выглядит довольно реалистично. Если сравнить, то возникает ощущение, что зрители будто вживую смотрят кинофильм в театре. Однако сейчас мне больше импонирует Бурновильский стиль. Хранителем его традиций считается Датский королевский театр, поэтому нельзя упускать возможность перенимать опыт у мастеров. За кажущейся легкостью, полетными прыжками кроется большой труд, так как всегда надо быть в быстром движении», – резюмировал он.

Артист балета признается, что мечтает станцевать в оригинальных балетах популярных современных хореографов Акрама Хана и Кристифера Бада. Первый из них скоро приедет работать с артистами Датского королевского театра над спектаклем «Макбет».

Кроме того, Мейрамбек недавно представил свою авторскую постановку Simulacrum вниманию жителей и гостей Копенгагена.

Однако, свое будущее Мейрамбек как настоящий патриот связывает с родиной.

«Как правило, видеозвонки родственникам и друзьям помогают мне справляться с ностальгией. В интернете слежу за новостями и радуюсь успехам нашей страны, а также иногда слушаю национальные песни. Я с большим удовольствием принимаю приглашение выступить в Алматы. В последние годы в Казахстане также организуют гала-концерты с участием мировых звезд балета. В основном они знают то, что Казахстан – богатая в плане природных ресурсов страна с огромной территорией. Иностранцы постепенно начинают узнавать нашу страну через самобытную культуру, что несомненно, вызывает гордость», – заключил спикер.

=====================================================================
ВСЕ фото - по ссылке

Елена С.

Номер ссылки| 2024110601
Тема| Балет, Красноярский театр оперы и балета, Премьера. Персоналии, Анна Жарова, Михаил Лобухин, Мария Александрова, Матвей Никишаев,
Автор| Анна Галайда
Заголовок| Балет "Спартак" Юрия Григоровича вернулся в Красноярск
Где опубликовано| © Российская газета - Федеральный выпуск: №253(9495)
Дата публикации| 2024-11-06
Ссылка| https://rg.ru/2024/11/06/vlast-soblazna.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Включить в репертуар любой балет Юрия Григоровича - одна из самых амбициозных вершин, которую может покорить российская балетная труппа. В то время как автор "Спящей красавицы" и "Баядерки" давно не может предъявить исполнителям никаких требований в виду отсутствия среди нас, создатель "Каменного цветка" и "Легенды о любви" жив, хотя требовательность его уже легендарна, а балеты и полвека спустя после премьеры остаются предельно сложными для воплощения. "Спартак" же вообще стал символом Большого театра, ассоциируясь с его величайшими звездами: Владимиром Васильевым и Марисом Лиепой, Михаилом Лавровским и Юрием Владимировым, Екатериной Максимовой и Ниной Тимофеевой, Иреком Мухамедовым и Иваном Васильевым.

Следующие показы "Спартака" в Красноярске намечены на 21 и 22 февраля, билеты уже активно раскупаются. / Женя Корюкин / предоставлено Красноярским ТОБ

ДАЛЕЕ - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024110701
Тема| Балет, Театр балета Бориса Эйфмана, Премьера. Персоналии, Борис Эйфман,
Автор| Анна Гордеева
Заголовок| КАРТИНКИ С ВЫСТАВКИГ
Где опубликовано| © «Петербургский театральный журнал»
Дата публикации| 2024-11-05
Ссылка| https://ptj.spb.ru/blog/kartinki-s-vystavki-eifman/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

«Преступление и наказание». На музыку Г. Малера и Б. Тищенко.
Театр балета Бориса Эйфмана.
Хореограф Борис Эйфман, художник Зиновий Марголин.

Кто в последние двадцать лет видел один балет Бориса Эйфмана — тот видел их все. Хореограф собирает спектакли из привычных кубиков: у главного героя всегда будет темный двойник, толкающий его на всяческие непотребства, герой всегда будет выделяться, выбиваться, физически выпрастываться из однородной покачивающейся толпы, а героиня всегда будет жертвой мужского насилия. «Преступление и наказание» — мировая премьера, свеженький спектакль, представленный Борисом Эйфманом петербургской публике, — строго следует этому канону. Но есть и одно важное отличие — и оно огорчает больше всего.

Репетиция балета.
Фото — архив театра.

Хореограф всегда собирает фонограммы для своих балетов из фрагментов сочинений разных композиторов — как правило, очень известных. Вступать в диалог с великой музыкой, следовать ей, спорить с ней — не для него: вот здесь взять пять минут, которые подходят под его идею, там — три с половиной минуты, склеить, все ненужное и слишком сложное выбросить. Так происходит и в «Преступлении и наказании», где хрестоматийный Малер скрещивается с Тищенко. Но в предыдущих постановках эти отрывочные куски периодически все-таки получались очень значимыми. Да, публика вздрагивала при резких склейках и перепадах, но до склейки и после нее регулярно обнаруживались законченные сцены, этакие мини-балеты, которые можно было рассматривать по отдельности. Теперь иначе. Теперь спектакль представляет собой мелкое крошево, лихорадочное перечисление сцен, кратких эпизодов. Будто главной задачей хореографа было изложить сюжет, уложившись в два часа сценического времени. Создать некий текст для сайта пересказов классики, где недостаточно «Родион убил старуху», но нужно, чтобы упоминались и второстепенные персонажи, — чтобы двоечник, прочитавший пересказ, мог ввести в заблуждение ленивого учителя. У этого балета нет привычного либретто — содержание романа изложено в коллекции выдернутых цитат. Первый акт — 13 цитат, второй — 17. Каждой цитате в той или иной степени соответствует пластическая иллюстрация.

Если Свидригайлов (Сергей Волобуев) в своих разглагольствованиях вспоминает девочку, что «премило одетая, танцует», — вот вам танцовщица в квадрате света, злодей уволакивает ее, аки волк Красную Шапочку. Если процентщица «злая, больная старушонка» — то артистка Полина Павленко корчит кисти рук над столом так, что человек и без медицинского образования скажет «точно артрит». Конечно же, презираемое Раскольниковым общество будет обозначено грубой женской дракой, а противостоять окружающему разврату будут призваны его воспоминания детства, где он беспечно бегает по сцене с матерью (Анжела Прохорова) и сестрой (Мария Абашова).

Самое занятное в логике этого спектакля, что, следуя своему канону «главный герой/героиня — мученик/мученица, противостоящий / противостоящая бездушной толпе», Эйфман Родиона Романовича оправдывает. Герой пластически оказывается равен, например, Чайковскому, который уж точно никого не убивал — и который также страдал от визитов черного двойника в спектакле, посвященном композитору. В труппе театра сейчас есть два брата-близнеца, и это просто подарок судьбы для хореографа, часто «раздваивающего» своих героев. Роль Раскольникова выдана Владимиру Афоничкину, роль его Тени (так в программке) — Даниилу Афоничкину, и для них поставлен довольно эффектный дуэт. Тень довлеет над Раскольниковым, управляет им, оползает по его телу — и получается, что в этом раздвоении не сам герой принимает решение стать Наполеоном из твари дрожащей, но — некая захватившая его темная сила. А если не он сам принимал решение, то кто, собственно говоря, виноват? И кто должен быть наказан?

Еще один дуэт сотворен для Дуни и Свидригайлова. С пластической точки зрения в нем нет открытий — практически в каждом балете Эйфмана есть женщина, одолеваемая сладострастным мерзавцем, и Борис Яковлевич, добрый человек, регулярно выстраивает партии так, что публике начинает казаться, будто женщина в конце концов как-то и не очень сопротивляется, что ей нравится происходящее. Но надо сказать, что актерски Мария Абашова превзошла саму себя: более двадцати лет работающая в театре балерина сыграла юность в чистом виде, станцевала ее в каждом движении. Еще один ветеран театра, Дмитрий Фишер, которому досталась роль Порфирия Петровича, оказался в более сложном положении — кажется, хореограф сам не решил, как следует относиться к этому герою. В результате в его партии вдруг подробно прописаны профессиональные действия (осмотр трупа старухи-процентщицы), но нет ясного диалога с Раскольниковым. Надо сказать, тому вообще не везет с дуэтами — взаимоотношения с Соней (Любовь Андреева) сразу выведены на какой-то символический уровень, где нет контакта, но есть воспроизводимый ритуал.

В финале мы получаем полный набор духоподъемных тривиальностей. Воет вьюга, звенят колокола, Раскольников стоит на коленях и кается. Как он пришел к этому своему покаянию — неясно совершенно. Все изменения, все преображения человека, что занимали пристально вглядывавшегося в него Федора Михайловича, исчезли; осталось несколько картинок-иллюстраций. Благодаря артистам, как всегда, работавшим с фантастической — вот тут можно точно сказать «достоевской» — интенсивностью, картинки эти останутся в памяти. Балет «Преступление и наказание» — нет.

Елена С.

Максим Севагин, Тимофей Гольберг. Фото – Мария Курбатова, Николай Завьялов

8, 9, 10 ноября 2024 года в Московском государственном академическом музыкальном театре имени К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко (МАМТ) пройдет премьера диптиха современных балетов «Место во Вселенной».

Вечер балетов состоит из двух постановок российских хореографов — «Перигелий» Славы Самодурова и «Знаем благую весть» художественного руководителя балетной труппы МАМТ Максима Севагина. Музыкальной основой спектакля Севагина стали фрагменты хоровой симфонии-действа «Перезвоны» (по прочтении Василия Шукшина) Валерия Гаврилина.

Премьерный блок пройдет с участием Московского государственного академического камерного хора (Хор Минина) под управлением его художественного руководителя, дирижера-постановщика спектакля Тимофея Гольберга.

Незадолго до премьеры Максим Севагин и Тимофей Гольберг ответили на вопросы Михаила Сегельмана и Олега Корионова.

Максим Севагин: «Я всегда вдохновляюсь музыкой…»

— Для многих выбор хорового сочинения в качестве музыкальной основы балетного спектакля покажется необычным. Понятно, что есть синкретические жанры, в которых взаимодействует хоровое и хореографическое начало, но обычно подобные вещи рождаются уже как изначальное единство (типа «Свадебки» Стравинского). В случае с вашим спектаклем что было импульсом — музыка или некие абстрактные хореографические идеи без привязки к конкретному материалу?

— Я всегда вдохновляюсь музыкой, она имеет первоочередное значение. Я слушаю, слышу, музыка вызывает у меня идеи, желание ее «отанцевать». Впервые наткнувшись на «Перезвоны» Валерия Гаврилина, я сразу захотел их воплотить, мое тело буквально начало танцевать.

Кстати, началось всё с номера «Страшенная баба»: это ведь написано на рубеже 1970-х — 1980-х, а звучит страшно современно…

— Как давно вы это услышали?

— Примерно полгода назад. Интересно, что некоторые мои идеи, импульсы возникают, а потом откладываются в «закрома», и в какой-то момент я их оттуда достаю. А в данном случае все произошло быстро. Начав со «Страшенной бабы», я погрузился в мир «Перезвонов» и выбрал 7 фрагментов; один из них является как бы увертюрой, остальные — воплощены хореографически.

Я расположил фрагменты в ином, чем у Гаврилина, порядке, выстроил собственную драматургию. Герой Гаврилина (естественно, собирательный) — скорее мужчина, а у меня это — женщина. И начинается все с женской истории — «Посиделок»: кручина, печаль, уход любимого. Есть и образ женщины, которую все боятся, никто ее не любит, но потом она обретает свое счастье.

— Мне кажется, эти идеи — вполне гаврилинские, потому что в целом его мир — во многом, женский (вспомним хотя бы «Русскую тетрадь», «Военные письма»). Он ведь фольклористом был, он знал Россию — а у нее, как известно, женская душа.

— Да, и то, о чем вы говорите, я инстинктивно почувствовал в материале, это очень слышно. Гаврилин, конечно, знал Россию, и меня очень волнует глубокая почвенность «Перезвонов».

Мне вообще интересна музыка, танцы народов мира. Например, недавно я ставил балет на музыку Гранадоса. Но здесь, конечно, особенный случай: это то, что называется русским кодом.

— Когда-то Прокофьев и Эйзенштейн вспоминали, что во время работы над «Александром Невским» режиссер иногда колдовал с кадром, чтобы не стеснить музыку. Ваш пиетет к музыке понятен, — и тем не менее, не было подобных трудностей?

— С учетом того, что я декларировал в самом начале, — ни малейших. Я обращаю пристальное внимание, пользуюсь всем тем, что заложено композитором. Это не только темы сами по себе, — это их переходы, структуры, малейшие нюансы композиции. Это направляет меня как хореографа, это определяет мою главную задачу — обеспечить максимальное единство музыки и танца.

Плюс очень важной и интересной задачей было синхронизировать хореографию со словом. Я говорю не только о смысле текста, образах, в нем заложенных, — но и о координации темпоритма слова и танца. При этом у Гаврилина ведь нет прямой сюжетности. Там есть вещи, которые впрямую не поймешь, — только символически, а балет ведь — очень символическое искусство. И это позволяет создать некую параллельную историю, драматургию в танце.

— Премьерный блок из трех спектаклей (8, 9 и 10 ноября) пройдет в стопроцентно живом, театральном варианте?

— Да, это так. А в дальнейшем возможны разные варианты. Понятно, что у Театра имени Станиславского и Немировича-Данченко и у Хора Минина есть графики, и мы попросили коллег записать партитуру. Но, безусловно, в варианте с живым хором под управлением Тимофея Гольберга есть свой особенный интерес.

Тимофей Гольберг: «Музыка тел танцоров схожа с гаврилинской интонацией…»

— Вы однажды сказали, что хор — это «некий прообраз общества». А какую ассоциацию вызывает у вас балет?

— Музыка — это язык, тело — это тоже язык, и у него (тела) есть своя музыка. Балет для меня — душа человека. Это очень звучный, выразительный язык.

— Какой была ваша первая реакция на предложение Максима Севагина?

— Двойственная. С одной стороны, обрадовался, что вновь будем исполнять Гаврилина. С другой, — был определенный творческий страх. «Перезвоны» — святое сочинение для нашего хора. Я не знал, как современный хореограф подойдет к нему. К счастью, после первой репетиции я не просто выдохнул — понял, что музыка тел танцоров схожа с гаврилинской интонацией. И хотя еще предстоял трудоемкий репетиционный процесс, я поверил в идею окончательно.

— Как отбирались музыкальные фрагменты для балета?

— Выбирал Максим. Он остановился на семи номерах из альбома, записанного Владимиром Николаевичем Мининым и Московским камерным хором (с участием солистки коллектива Натальи Герасимовой).

— Какой вы видите трактовку «Перезвонов» худруком балета МАМТ?

— Максим предложил новое осмысление сочинения: главный персонаж — женщина. Название спектакля — «Знаем благую весть» (строка из «Весело на душе», первого номера «Перезвонов») — отнюдь не случайно.

У Валерия Александровича Гаврилина было трудное детство. Отца убили на войне, когда мальчику было два года. Мать осудили, когда Гаврилину исполнилось десять. Нехватка родительской и, особенно, материнской любви стала незаживающей раной.

Образ женщины, прежде всего, матери есть в «Перезвонах», но это как бы главная роль второго плана. В спектакле Максима Севагина этот образ — основной. Изменена структура, смещены акценты, история концептуально преобразовалась: в постановке сложно проследить конкретный сюжет, зато можно насладиться отдельными образами частей-шедевров «Перезвонов» — «Ти-ри-ри», «Страшенной бабой» и, конечно же, «Вечерней музыкой», которая, завершая спектакль, оставляет на душе необыкновенное чувство.

— Какой он для вас, Валерий Гаврилин?

— Честный, не боящийся кричать правду, искренне переживающий за отчий край, глубоко верующий. А еще очень родной. Совсем недавно, в октябре этого года, в Вологде, на родине Валерия Гаврилина, мы исполняли «Перезвоны» на X Гаврилинском фестивале.

— Как меняется с годами ваше восприятие «Перезвонов»?

— Фокусируясь на деталях, продолжаю рыть вглубь. Мне близка цитата Гаврилина: «Перезвоны» — это чисто моральная тема: как человек проживает жизнь от рождения и до конца, и как формируется его внутреннее сознание. Родился невинный ребёнок, попал в тяжёлую атмосферу, и теперь уже он грешник: знает и тьму — не только свет, — а в конце ищет искупления; страдающий, кающийся пришёл просветлённым к концу жизни».

— Хор с балетом — необычное сочетание?

— Мы привыкли приходить на балет, которому аккомпанирует оркестр. Хор же, как мне видится, более тонкий и, главное, пластичный организм. Я считаю, что голос и пластика — родственные организмы. Как минимум, нас объединяет отсутствие необходимости внешних дополнительных ресурсов — музыкальных инструментов. И то художественное, производимое певцами и танцорами, что зарождается внутри тела человека.

— В чем специфика взаимодействия хора с балетом?

— Важно всё дирижировать наизусть, иначе не попадешь в такт. Особенно это касается ритмичных номеров. Артисты балета должны слушать музыку, а ты должен слушать их тело, знать, сколько времени им нужно в верхней точке прыжка или для того, чтобы приземлиться после верхней точки поддержки.

Если нужно поставить аккорд на сильную долю, ты должен рассчитать, увидеть, успевает солист к этому времени поднять балерину или не успевает. В том случае, если не успевает, — дать микрооттяжку, чтобы было идеальное совпадение. Дирижер должен знать рисунок спектакля — где и что артисты делают, чтобы был ансамбль звука и пластики.

— Планирует ли Хор Минина и в дальнейшем участвовать в постановке?

— Пока что у нас с МАМТ договоренность на три премьерных показа, а также на студийную запись, которая будет принадлежать театру. Надеюсь, что премьерными спектаклями с живым звучанием хора дело не закончится.

Что касается записи, с коммерческой и логистической точки зрения это верное решение. Допустим, выезжает театр на гастроли. Везти с собой хор накладно. Или другая ситуация: МАМТ предстоит показать «Знаем благую весть» в глубинке, в зале, где нет оркестровой ямы. Как быть? Вот тут и пригодится запись.

— Скажи вам кто-то десять лет назад, что осенью 2023 года будете дирижировать российской премьерой балета по сценической кантате «Carmina Burana» Карла Орфа, а осенью 2024 года — мировой премьерой балета на музыку Гаврилина, поверили бы?

— Сложный гипотетический вопрос. Важно другое: что происходит с нашим коллективом сейчас. Мне кажется, коллективу и публике необходимы не только традиционные, но и нестандартные события, такие, как выступление с Евгением Мироновым на фестивале «Горький+», предстоящий в ноябре этого года спектакль «Метель» с Даниилом Спиваковским, участие в Чеховском фестивале, а также в музыкально-драматическом театрализованном действе «Последний день вечного города» Ильи Демуцкого.

То, что сегодня происходит с нами, вселяет в меня уверенность, что у слова «ХОР» есть будущее.