Балет и Опера

[Елена С.]

Номер ссылки| 2026051603
Тема| Балет, Самарский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Юрий Бурлака, Сергей Гаген, Ксения Овчинникова,
Автор| Ирина СИНЕГУБОВА
Заголовок| Зал аплодировал стоя и кричал «Браво»: как прошла премьера балета «Корсар» в Самаре 15 мая 2026 года
Красочная премьера «Корсара» прошла в театре оперы и балета Самары
Где опубликовано| © КП-Самара
Дата публикации| 2026-05-16
Ссылка| https://www.samara.kp.ru/daily/277783.5/5249933/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Каждое действие сопровождалось потрясающими декорациями. Фото: Анна Рубакова

В пятницу, 15 мая 2026 года, в самарском театре оперы и балета состоялась долгожданная премьера «Корсара». Балет Адольфа Адана был представлен в новой хореографической редакции Юрия Бурлака. Талантливые артисты, красочные декорации, яркие костюмы, хор, спецэффекты и восторженные зрители. Спектакль никого не мог оставить равнодушным. Рассказываем, как прошла громкая премьера.

Уникальность постановки

В сентябре 2025 года театр оперы и балета ярко презентовал новый сезон на набережной Самары и показал отрывки из грядущих премьер. В числе прочего зрители смогли увидеть на фоне Волги и розового заката кусочек из «Корсара», премьеру которого анонсировали на весну 2026-го. И вот самарцы наконец дождались ее.

Балет в новой редакции впервые показали на самарской сцене 15 мая. Уникальность постановки заключается в максимально точном следовании канонической редакции Мариуса Петипа 1899 года на сцене Мариинского театра. Художественный руководитель балета Юрий Бурлака опирался на бесценные записи, которые хранятся в Гарвардском университете. Ему удалось воссоздать аутентичную версию балета, сохранив его дух и стиль.


Постановка максимально точно следует канонической редакции Мариуса Петипа 1899 года. Фото: Анна Рубакова

«Отчасти образ этого спектакля мне навеяла постановка Мариуса Петипа 1899 года. Она самая правильная, самая точная и, на мой взгляд, самая логичная, потому что со времени первой премьеры в Париже в 1856 году Мариус Петипа три раза обращался к этой постановке, дорабатывал либретто, уточнял детали и поставил много замечательных танцев, которые сохранились до сегодняшнего дня», – рассказал автор новой хореографической редакции.

Также балетмейстер-постановщик восстановил редакцию либретто Жюля Анри-Вернуа де Сен-Жоржа и Мариуса Петипа. Именно они вдохновились поэмой Джорджа Байрона и создали его, а композитор Адольф Адан написал к нему волшебную музыку. История балета «Корсар» началась в середине XIX столетия – 23 января 1856 года. Тогда жемчужина мирового балетного искусства была показана на сцене Парижской оперы.

Особую ценность новой постановке придает исполнение оригинальной партитуры Адольфа Адана, которая впервые прозвучала в Самаре. Как сообщили в самарском театре оперы и балета, «Корсар» носит на себе яркий отпечаток эстетики романтизма. В основе красочного балета лежит приключенческая тема о жизни корсаров.

Эмоциональный и живой сюжет

Билеты на «Корсар» в Самаре были раскуплены почти полностью. В балете три действия, три картины, с прологом и эпилогом. Все начинается с корабля, разворачивается на восточном базаре, переходит в грот корсаров, гарем и завершается снова на корабле в бушующем море.

«Экзотический сюжет разворачивается, как пестрый, многоцветный восточный ковер, поражая необузданными страстями, обилием драматических ситуаций, многократным чередованием опасности и спасения», – передали в театре.


Зрители с восторгом встретили премьеру. Фото: Анна Рубакова

Главным образом сюжет сосредоточен на предводителе корсаров Конраде и Медоре, которую храбрый юноша спасает из гарема. После этого молодые люди влюбляются. Партию Медоры исполнила заслуженная артистка России и Самарской области Ксения Овчинникова, а Конрада – заслуженный артист региона Сергей Гаген.

«Главной задачей было соединить сложную классическую технику с образом сильного и властного предводителя корсаров. Важно не просто точно исполнить хореографию, но и передать характер героя, его силу, уверенность и внутреннюю энергетику», – поделился Гаген.

А исполнительница партии одной из жен паши Гюльнары Анастасия Голощапова отметила, что ей сразу удалось почувствовать свою героиню. Сначала девушка появляется в роли невольницы, затем становится смелой и характерной, умеющей добиться своего. Музыкальным руководителем и дирижер-постановщиком выступил Евгений Хохлов.

Восторг зрителей

Каждое действие сопровождалось потрясающими декорациями. Базар обрамляли красивой архитектуры здания, свежая зелень с вьющимися цветами. В таинственном гроте были живописные скалы, а в гареме величественные колонны. Одна из самых эффектных сцен была со множеством балерин в пачках, которые выступали с цветочными композициями в руках.


Одна из самых эффектных сцен была с цветами. Фото: Анна Рубакова

Поражают также мастерство артистов, разнообразие ярких костюмов и наличие спецэффектов. Так, в сцене с крушением корабля используется графика, которая всесторонне передает как мирное плавание, так и дальнейший шторм. А оркестр в этой постановке дополнял хор. Живые голоса звучали как-то по-особенному в ходе балета и вызывали новые эмоции.

Зрители остались в полном восторге, громко аплодировали в течение всего спектакля, кричали «Браво», а в завершении поднялись и почтили труд артистов и создателей, даря им шквал аплодисментов стоя.

«Это была невероятная премьера! Спасибо за эту сказку, любимый театр, за все эмоции! Как всегда невероятно талантливые, красивые, любимые артисты от студентов до уже состоявшихся знаменитостей. До слез третий акт и эпилог, браво», – поделилась своими эмоциями одна из зрительниц.

«Потрясающая постановка! Браво и огромное спасибо постановщику и всем, кто участвовал в создании очередного шедевра любимого театра», – написала в соцсетях театра самарчанка.

«Постановка поражает своей многогранностью и красочностью. Все было к месту и приковывало внимание так, что не хотелось ни на что отвлекаться, даже на антракты. Получила огромное эстетичное удовольствие», – призналась еще одна зрительница.

У тех, кто не попал на премьеру, еще есть возможность посмотреть балет «Корсар». Показы пройдут также 16 и 17 мая в 15:00.

Фото: Анна Рубакова

======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

[Елена С.]

Номер ссылки| 2026051701
Тема| Балет, ГТОиБ Якутии, Премьера, Персоналии, М. Равель, Екатерина Тайшина, Ж. Бизе – Р. Щедрин, Алексей Попов, Ирина Борисова
Автор| Елена СТЕПАНОВА
Заголовок| «Кармен-сюита» спустя 40 лет: легендарный балет Алексея Попова вернулся на сцену ГТОиБ Якутии
Где опубликовано| © Сетевое издание Sakhapress
Дата публикации| 2026-05-17
Ссылка| https://sakhapress.ru/archives/312179
Аннотация| ПРЕМЬЕРА, ИНТЕРВЬЮ



В эти дни артисты балета ГТОиБ имени Д. К. Сивцева-Суоруна Омоллоона провели прекрасные «Вечера современной хореографии», в которых дали два одноактных балета. Это новая постановка балета М. Равеля «Болеро» в хореографии Екатерины Тайшиной. И это «Кармен-сюита» Ж. Бизе – Р. Щедрина в постановке первого профессионального хореографа Якутии Алексея Попова, посвящённая его незаурядному таланту.

В этом году заслуженному артисту ЯАССР, лауреату Госпремии ЯАССР им. П.А. Ойунского Алексею Попову, навсегда вписавшему своё имя в историю якутского театра, исполнилось бы 80 лет.

Спектаклю Алексея Попова «Кармен-сюита» — без году сорок лет, поставлен он был на блистательную балерину Ирину Борисову, выпускницу Академического хореографического училища имени А. Я. Вагановой. Её партнерами тогда были потрясающе красивые Александр Ягодкин и Борис Матвеев, и вместе эта великолепная троица производила фурор.

Тем более, что время для якутского балета было очень непростым: с одной стороны, республика отправляла детей на учёбу в престижные учебные заведения страны, с другой, какие-либо условия для работы им приходилось создавать самим. Партийные функционеры к тому же не столько помогали, сколько бесцеремонно вмешивались в творческий процесс, осуществляя жесткий надзор за всем, что происходило в театре.

Вот как об этом рассказывает первая исполнительница роли Кармен — Ирина Борисова, которая пришла на субботний показ вместе с дочерью Марией и внуком Романом.



— Ирина Иннокентьевна, каким вам показался спектакль с высоты ваших лет?

— Премьера «Кармен-сюиты» прошла 27 июня 1987 года — ещё страна была другая, и театр другой, и требования. Столько минуло лет — уже немножко теряются какие-то детали. Повествование в спектакле начинает Старый актёр, который приходит на репетиции и вспоминает, как это было.
Он выбирает артистку на роль Кармен, и поначалу все танцовщицы одинаковы: они в трениках — жёлтых, черных, чуть ли не в гамашах, уже потом главная героиня появляется с красной лентой и в юбке.

Балет задумывал по испанскому фильму 1983 года режиссёра Карлоса Саурау, в котором хореограф Антонио набирает труппу для постановки балета «Кармен». И во время репетиций сам хореограф поддаётся чарам Кармен, которая там вообще-то размахивает ножом. Она дерётся с девушками-табачницами со страшной силой, а останавливает эту драку Хозе. И вот тут она начинает его соблазнять...

— Вы сказали, что с этим балетом связано очень многое, в том числе, очень непростое. Можете приоткрыть завесу, что это было?

— В конце 70-х положение театра было технически очень сложным. И потом, примерно начиная с 1983-го, каждый год Попова хотели выгнать из театра: если человек неугодный, повод всегда найдётся. Правительство, партком, обком — им всё время что-то не нравилось. Говорили: плохо ставит, не ставит новое, нужно делать национальное, у него национального мало, одноактные балеты делать не надо, нужно полнометражные...

Раньше же, чтобы выпустить спектакль, надо было провести генеральную репетицию для худсовета, потом для парткома, потом для министерства культуры... Четыре или пять стадий проходил спектакль, прежде чем получить разрешение выйти на публику. Тогда бы нынешний «Болеро» не выпустили. И «Кармен-сюиту» долго не разрешали: «Зачем нам это?! — недоумевали функционеры. — Нам нужны национальные спектакли».

— И он их ставил!

— Говорили, мало. Но Алексей был убеждён в своей правоте, и отстаивал свою позицию перед кем бы то ни было и никогда не пасовал. Всё равно ставил «Жизель», «Сотворение мира», «Золушку» и другие спектакли, и, конечно, национальные.

Один раз только мы станцевали вместе – в миниатюре «О, Солнце!». Чаще всего моим партнёром был Александр Ягодкин: в «Абакаяде» он исполнял роль Семёна Дежнёва, в «Лебедином озере» — принца Зигфрида.

За двадцать лет в должности главного хореографа и художественного руководителя театра, Алексей Попов сочинил и создал репертуар из одиннадцати миниатюр и 22-х балетов в собственной хореографии: «Подвиг», «Сияние Севера», «Священный Ильмень», «Абакаяда» и другие, последней работой стала «Северная легенда»...

— В музейном архиве я нашла запись о том, что он набирал детей на учебу со всей республики, это относилось и к вам. Не могли бы вы вспомнить, как это происходило?

— Вначале в деревню, в Майю, где я жила, приехали артисты из Якутска, они нас отсмотрели и сказали: «Приезжайте в город». И мы приехали с мамой, а там — дети со всей республики!
Тут уже отбирала Марина Владимировна Боярчикова, педагог из Ленинграда, из Вагановского училища — теперь это Санкт-Петербургская Академия Русского балета имени профессора А. Я. Вагановой. И Алексей Андреевич был в комиссии — как молодой балетмейстер. Из всей толпы Марина Владимировна отобрала пятерых десятилетних малышей, и он нас сопровождал до Ленинграда. Отвёз, сам поехал в Москву, в ГИТИС — учиться на хореографа.

— Выходит, он был в театре хореографом, имея только диплом НХУ за плечами?

— Да. Он был артистом балета и уже ставил спектакли.

— Вы окончили учебу в 1977-м году, вернулись в Якутск профессиональной балериной. Как город вас встретил?

— Театр располагался в здании церкви — там у нас проходили репетиции, а выступали мы в Русском театре. Там, на маленькой сцене, мы показывали и «Сотворение мира», и «Золушку», и другие. Репетировали в церкви, а потом всё тащили туда. И когда в 1982 году мы переехали в это здание, Алексей Андреевич помогал здесь расширить оркестровую яму. Ну и спектакли — поскольку тут уже сцена побольше, то всё переделывали, в том числе декорации.

А в церкви, где размещался якутский театр, балет занимал один зал, там тоже всё делали сами: в церкви же балет не предусмотрен! Артисты сами укладывали пол, утепляли его, и Алексей Андреевич со всеми вместе. Сам выбирал и красил ткани — строил театр своей мечты.

— В те же годы он приглашал в Якутск московских художников Игоря Нежного и Татьяну Тулубьеву — они тоже многое сделали для якутского балета.

— Да, они познакомились, когда Алексей Андреевич учился в ГИТИСе, а свёл их вместе Василий Афанасьевич Босиков, который в те годы занимал должность заместителя министра культуры и поддерживал молодого хореографа.

И вот этих художников театр постоянно приглашал в Якутск, и у спектаклей было шикарное оформление. Сейчас Нежный и Тулубьева очень титулованная пара и по сей день работают в московском театре «Новая опера».

— Еще в музее хранится заявление Алексея Попова от 1991 года о том, что он отбывает из Якутска на работу в Магадан — как это? Почему?

— До этого мы бывали с гастролями в Магадане, и магаданцы очень полюбили наши спектакли, много писали об этом в газетах.

Алексея Андреевича там очень ценили: сразу предложили и работу, и квартиру. В Якутске у нас даже квартиры не было. Вот мы и поехали. И тут как раз выборы, инаугурация, и сам президент пригласил нас вернуться.

— Михаил Ефимович?

— Да. Полгода только мы проработали в Магадане. И конечно, сразу вернулись в Якутск. И он выделил нам жильё, собственно, у нас на это и был расчёт.

— Вашу дочь зовут Марией — это в честь Марии Михайловны?

— Да. Алексей сам дал имя — в честь мамы, балерины Марии Поповой. Сейчас наша дочь работает на НВК Саха режиссёром, и о своём папе она снимала документальный фильм.

— Ваш внук тоже смотрел «Кармен-сюиту», что ему нравится в этом балете?

— Ему десять лет, и ему понравились маски. "Вау, — сказал. — Это что? Привидения?"

— Ну а как вам самой сегодняшний вечер?

— Молодые артисты выходят и танцуют этот балет с желанием. Это очень хорошо. Отмечу артиста, исполняющего Старого актера. На выставке — портрет Алексея Андреевича: удивилась, что сохранили. Спасибо. Этот портрет написал главный художник Русского драмтеатра Николай Попов в 1993 году, когда Алексея не стало. «Сгорел на работе», — горевали те, кто знал, как он любил театр, как отдавал ему всего себя. Этот портрет раньше мы выставляли на сцену, когда устраивали вечер воспоминаний...

— Благодарю вас за беседу.

Добавлю, что в этот вечер «Кармен-сюиту» танцевала замечательная Венера Федотова и впервые — Николай Попов, Владимир Данилов и Юрий Максимов в роли Быка. С дебютом! В роли Старого актёра зрители вновь встретились с Леонидом Поповым.

А накануне в этом спектакле танцевали Мария Кузьмина, Сарыал Афанасьев и Валерий Аргунов.
Спасибо вам за ожившую историю!

Елена СТЕПАНОВА.
Фото: Кристины НОВГОРОДОВОЙ

====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

[Елена С.]

Номер ссылки| 2026051702
Тема| Балет, Deutsche Oper am Rhein, Премьера, Персоналии, Джон Ноймайер
Автор| Маргарита Махрина
Заголовок| Конечная остановка: насилие - о премьере балета «Трамвай "Желание"» в Дюссельдорфе
Где опубликовано| © «Voci dell'Opera»
Дата публикации| 2026-05-16
Ссылка| https://www.vocidellopera.com/single-post/desire-dusseldorf
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



8 мая в Deutsche Oper am Rhein в Дюссельдорфе состоялась премьера балета «Трамвай "Желание"» легендарного хореографа Джона Ноймайера.

Этим спектаклем Гамбургский балет в 2023 году открыл свой 50-й и последний сезон под руководством Ноймайера. И хотя «Трамвай "Желание"» не пользуется у театров такой популярностью, как, например, "Дама с камелиями", которая только в этом сезоне идет в Мюнхене и Париже, именно этот балет сохраняет свою значимость и говорит со зрителем на актуальные социальные темы. Тем ценнее, что Ballett am Rhein смог заполучить в свой репертуар такой важный и этапный балет.

«Трамвай "Желание"» — это бессмертная пьеса Теннесси Уильямса, за которую писатель получил Пулитцеровскую премию, а одноименная экранизация с великими Вивьен Ли и Марлоном Брандо получила 4 премии “Оскар”. И хотя с момента выхода пьесы прошло почти 80 лет, режиссеры, артисты, зрители и читатели по всему миру и сегодня по-разному интерпретируют сюжет и поведение главных персонажей.

О чем «Трамвай "Желание"»? На этот вопрос каждый ответит по-своему и сделает акценты на том, что срезонировало именно ему. На первом плане, безусловно, социальный и политический конфликт двух Америк в 1947 году. Старый Юг с его леди и джентльменами представлен мечтательной Бланш Дюбуа, которая верит в высокие идеалы и ценит изысканные манеры. Новую Америку с ее иммигрантским рабочим классом представляет Стэнли Ковальски, который верит лишь в силу и прагматизм.

Но пьеса значительно глубже. Социальный и мировоззренческий конфликт между Бланш и Стэнли — это только рамка для пьесы. И чем глубже вы погружаетесь в этот мир, тем больше вы понимаете, что «Трамвай "Желание"», на самом деле, про одиночество, разбивающие сердце потери, неотпускающие травмы, предательство и домашнее насилие.

Если Теннесси Уильямс заманивает читателя романтичным названием и по ходу пьесы оставляет надежду, то Джон Ноймайер спойлерит финал в первой же сцене. Балет начинается там, где пьеса заканчивается, на койке в психиатрической лечебнице.

Когда зрители заходят в зал, занавес уже поднят. На сцене небрежно брошен перевернутый стул — важнейший символ в балете. Ноймайер оформляет открывающую сцену балета своим коронным драматургическим приемом, разрушая невидимую стену между зрителем и танцовщиками.

Как и в "Даме с камелиями" или в "Нижинском", открытое начало меняет ход времени. Такой прием помогает показать в танце прошлое, отправиться из финальной точки в путешествие по жизни. Поэтому все страшные эпизоды из жизни героини будут показаны отрывисто, как вспышки воспоминаний.

«Трамвай "Желание"» начинается в полной тишине. На протяжении 5 минут вместе с Бланш Дюбуа в исполнении Софи Мартен весь зал сидит в оцепенении, пытаясь осознать, как жизнь героини могла оказаться в этой точке.

Когда смотришь, как красивая и изысканная Бланш, одетая в белый элегантный наряд, сидит на краю обшарпанной койки, то в голове невольно возникает образ из другого балета. На такой же белой кровати с перилами и колесиками маленькая Клара, точно так же одетая в белое, путешествовала в сказочное царство Конфитюренбург в каноничной версии "Щелкунчика" Джорджа Баланчина.

Разве Бланш Дюбуа с ее фантазиями, верой в прекрасного принца и мечтами не напоминает вам Клару? Только «Трамвай "Желание"» — это правдивая версия для взрослых. Вот что происходит с наивными девочками в реальном мире, если они с детства сохраняют веру в чудо…
Этот образ усиливается, когда на Бланш буквально набрасываются три мужчины, разрывая ее на части в грубых сексуальных актах. Никто из них не хочет на ней жениться, никому нет дела до ее чувств и мечтаний. Эти три фигуры — собирательный образ всех мужчин, встреченных Бланш на ее пути — будут черным пятном омрачать даже самые светлые воспоминания. Мужчины отпускают неприличные комментарии во время свадьбы или присутствуют, как незримые участники, во время ее свидания с Митчем.

Так Ноймайер показывает, что наши переживания и травмы, как опухоль, разрастаются внутри нас, сжирая все вокруг. Во II акте героиня вместе с вещами привезет в Новый Орлеан и багаж собственных травм, который в виде призраков покойников будет прятаться под ее кроватью.

Ноймайер мастерски решает все самые сложные и страшные эпизоды пьесы. Это и неудивительно, ведь хореограф имеет степень бакалавра в литературе и театроведении. Чего только стоит сцена самоубийства Алана — мужа Бланш, который состоял в интимных отношениях с другим мужчиной. По пьесе, Бланш, узнав про эту связь, в отчаянии бросает супругу, что презирает его. После чего Алан незамедлительно стреляет себе в голову. Эта жестокая фраза и выстрел пистолета будут преследовать Бланш до конца жизни.

Ноймайер визуализирует презрение Бланш в виде повторяющейся пощечины. А в конце жаркого выяснения отношений именно вытянутая рука Бланш, направленная к виску Алана, как пистолет, стреляет ему в голову. Именно так всю оставшуюся жизнь Бланш будет воспринимать случившееся.

Тех, кого Бланш не отпускает, Ноймайер материализует через сценографию. Стулья в балете, как каркас, держат не только метафорическое здание фамильного поместья Бель Реве, но и весь мир героини. Перевернутые стулья — это образ покинувших нас людей. Неудивительно, что весь балет начинается с перевернутого стула.

История Бланш Дюбуа — это история множества потерь, предательств и тех самых перевернутых стульев. Кажется, главную героиню предают абсолютно все. Сначала — родители и родственники, которые не подготовили юную девушку к сметающему все на своем пути новому времени. Умирая, старики забирают с собой не только последние фамильные деньги и надежды Бланш на будущее, но и старый мир с его порядками. Затем Бланш предает муж, любовь к которому она пронесет всю жизнь.

Но главный удар ей наносит родная сестра Стэлла. Этот образ в балете Ноймайер упрощает и сводит к животной страсти в дуэте с мужем. Но в пьесе все куда сложнее. Сначала Стэлла покидает сестру и родовое поместье — и в этот момент на сцене падает первый стул. Затем сестра предает все заповеди Бель Реве, выйдя замуж за вульгарного и примитивного Стэнли Ковальски.

Но самое страшное предательство Стэлла совершает на последних страницах пьесы, когда выбирает поверить мужу, а не родной сестре. Вместо того чтобы уйти вместе с Бланш, она остается. Сложно даже представить, как Стэлла и дальше будет спать в той же кровати, в которой ее муж изнасиловал Бланш — пока сама Стэлла рожала его ребенка.

И все же — можем ли мы осудить ее? Едва ли. Выбор Стеллы — это видимость выбора и его отсутствие. Теннесси Уильямс очень четко фиксирует в пьесе положение женщины в 1947 году и ее полную зависимость от мужчины.

Несмотря на то что Ноймайер убирает из балета моральную дилемму Стеллы, во втором акте он точно фиксирует атмосферу брутального мира мужчин и положение женщины в нем. На протяжении нескольких минут на сцене не смолкают удары — хлопки в ладони танцовщиков джаза, глухие звуки боксерского спарринга Стэнли и Митча. От этого нарастающего ритма становится не по себе и тревожно: физическая агрессия мужчин здесь существует сама по себе, как естественная среда.

Уильямс в пьесе недвусмысленно показывает, куда эта агрессия направится дальше — и Ноймайер это понимает тоже: та же сила, с которой Стэнли бьет по груше, ночью обрушится на Стеллу и Бланш.

Танцевальный образ Стэнли Ковальски в исполнении Ольгерта Цоллаку подробно иллюстрирует диалоги из пьесы. Несколько раз на протяжении спектакля он бьет себя кулаками в грудь как примат — жест настолько первобытный, что сразу вспоминаются размышления Бланш о том, что Стэнли ведет себя как животное — ест, двигается, говорит как животное. Тысячи лет эволюции прошли мимо него, а все новое, что человечество обрело за это время — искусство, поэзия, музыка, нежность — ему недоступны.

С такой же пугающей точностью Ноймайер ставит сцену изнасилования. В пьесе Уильямса она умещается в одну ремарку, а в оскароносном фильме камера стыдливо уходит в сторону. Ноймайер не дает зрителям такой привилегии. Он заставляет нас пережить насилие от начала до конца.

Для усиления эффекта Ноймайер несколько раз выводит героев на авансцену, прямо к краю рампы, почти в зал. Так хореограф превращает зрителя в соучастника: мы становимся теми самыми соседями, которые слышат крики сквозь тонкие стены новоорлеанского дома, все понимают и ничего не делают. Молчание зала рифмуется с молчанием общества.

Для Стэнли Ковальски секс — это доминирование, поэтому он постоянно хватает Бланш за ноги или сжимает и вращает ее между своими ногами. Он буквально раздавливает бездыханное тело Бланш под собой. А после — встает, вскидывает сжатый кулак вверх и снова бьет себя в грудь. Тысячи лет эволюции. И вот он — их итог.

В «Трамвае "Желание"» нет романтики и мелодраматичности, которая обычно так прельщает зрителей. И хотя героини балетов Ноймайера почти всегда трагически обречены, каждую из них страстно и нежно любят. А вот Бланш — абсолютно одинока. У нее изначально уже нет выбора, нет мужчины, который готов был бы разделить с ней тяжелую долю или защитить ее от невзгод. Нет, Митч — не Арман и не Вронский. Он не готов бороться за свою любовь.

Когда в финале балета дрожащая Бланш после всего пережитого вновь возвращается в изначальную точку — на больничную койку, то в голове невольно возникает цитата Анны Ахматовой из "Реквиема": "Показать бы тебе, насмешнице и любимице всех друзей, царскосельской веселой грешнице, что случится с жизнью твоей". Анна Ахматова, которая, как и Бланш Дюбуа, принадлежала к другому миру, стала свидетельницей истории и нового политического устройства. Эти строчки она пишет в 1938 году в России, но Бланш Дюбуа в Америке 1947 года наверняка бы ее поняла.


Джон Ноймайер поставил «Трамвай "Желание"» в 1983 году в Штутгарте, но, к сожалению, актуальность этого балета сохраняется и сегодня. «Трамвай "Желание"» — это не тот балет, в котором захочется пересмотреть все составы, но это тот балет, который каждый должен увидеть хоть раз. Разве есть какая-то другая и более эффективная прививка от насилия, чем честный разговор об этом через искусство?

В заключение хочется поздравить артистов и всю труппу Ballett am Rhein с прекрасной премьерой! Каждый танцовщик в этом спектакле был на своем месте. В нежной и тревожной Софи Мартен угадывалась тень Вивьен Ли. А Ольгерт Цоллаку в роли Стэнли Ковальски был настолько страшен и жесток, что к концу спектакля от каждого его взгляда бросало в дрожь.

«Трамвай "Желание"» можно увидеть в Deutsche Oper am Rhein еще в мае, июне и июле. Стремитесь видеть!

Текст: Маргарита Махрина
Фото: Ingo Schaefer, Daniel Senzek

=====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

[Елена С.]

Номер ссылки| 2026051801
Тема| Балет, МТ, Персоналии, Леа Томассон
Автор| Никита Дмитриев, Санкт‑Петербург – Москва
Заголовок| Балерина из Франции мечтает о новых ролях и гражданстве России
Солистка Мариинского театра Леа Томассон о русской культуре, французских реалиях и творческих поисках
Где опубликовано| © «Литературная газета» № 19 (7033) (13.05.2026)
Дата публикации| 2026-05-18 (lдата публикации на сайте газеты)
Ссылка| https://lgz.ru/article/balerina-iz-franczii-mechtaet-o-novyh-rolyah-i-grazhdanstve-rossii/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Как бы ни складывались отношения России и Франции, в области балета они всегда были на высоте. Мариус Петипа полвека руководил императорским балетом в Санкт‑Петербурге, а россияне Сергей Лифарь и Рудольф Нуреев были на первых ролях в Опере Гарнье. Дягилев совершил революцию на парижской сцене, Матильда Кшесинская воспитала немало французских прима‑балерин ХХ века. Француженка Мария Тальо­ни блистала на русских подмостках пушкинской поры, и даже в 1812‑м Александр I не изгнал из Зимнего дворца французских придворных балетмейстеров. Традиции живы. Их воплощением в наши дни можно считать солистку Мариинского театра француженку Лею Томассон, выпускницу Вагановского училища и обладательницу буквально гипнотического взгляда, который пронзает зрителя. Её сравнивают с Идой Рубинштейн. Сама Томассон видит в России оплот здравого смысла и бережного отношения к культурному наследию. В Мариинке и Большом никто, чего можно было бы ожидать от леваков во Франции, не обвиняет Лею Томассон в «расизме» или «сексизме» лишь за то, что она не пытается подменить подлинный балет квазиавангардными «плясками жареных петухов». Будто сошедшая с полотен Делакруа и Фрагонара, удочерённая городом на Неве балерина успела выучить русский язык и прочитать многое из нашей классики. Леа воспринимает Россию как вторую родину, ею гордится, чего скрывать от западных коллег не собирается. С ней наш разговор.



– Леа, давайте вспомним, как произошла первая встреча с Россией и русским балетом.

– Трудно ответить однозначно. Через цепочку встреч, как будто бы случайных, оказалась под сильным русским влиянием, а в итоге приехала в Россию. Вот и не верь после этого в судьбу, в предначертание. Знакомство с русским педагогом стало откровением. Уже на первом занятии по системе Вагановой почувствовала: это абсолютно естественно для моего тела. Русский балет завораживает лиричностью, выразительностью, красотой линий. Я выбрала Санкт‑Петербург, мечтая попасть в Мариинский театр. Ещё в детстве видела фильмы о Кировском балете – его атмосфера глубоко откликалась во мне.

– И что же главное, что теперь вас привлекает в Мариинке?

– Я бесконечно предана своему искусству и именно в России встречаю артистов с таким же уровнем самоотдачи. Здесь сохраняют традиции и по‑настоящему чтят классические искусства. Я много работаю – иногда до восьми спектаклей в неделю – и чувствую только радость и счастье. Эти составляющие жизни в интенсивном проживании искусства порождают особое мироощущение.

– Насколько знаю, ваша творческая жизнь не ограничена только балетом.

– Ищу вдохновение и в других видах искусства и русской культуры. Из числа художников мне близки Шишкин, Айвазовский, Репин, Суриков, а также Кандинский, Малевич, Шагал. В музыке – Чайковский, Римский‑Корсаков, Стравинский, Шостакович, Рахманинов. В прошлом году открыла для себя Пушкина, сейчас хочу глубже погрузиться в Достоевского. Санкт‑Петербург – особый, невероятно культурный город, где постоянно можно открывать что‑то новое.

– При этом, вероятно, и в самой школе русского балета вы находите это самое новое, ведь он развивается.

– Русский балет сочетает отточенную технику, которой, наверное, нет ни в каком другом, и мощную, глубокую эмоциональность. Особое внимание уделяется пластике рук и спины, координации корпуса. Балет Мариинки развивается на основе художественной системы Вагановой, которая объединяет французские, итальянские и русские традиции. Я бы назвала такой балет поэзией движения, искусством, которому нет равных.

– Леа, расскажите, пожалуйста, о семье и о том, почему решили посвятить жизнь классическому танцу?

– Я родилась в семье интеллигентов, среди моих близких – инженеры, врачи, юристы. При этом всех сближает любовь к классической музыке. В числе моих родственников – гобоист, кларнетист, саксофонист, скрипачка, гитарист, пианисты. Можно составить оркестр. Я тоже начинала с музыки. С трёх лет стала учиться игре на виолончели, видимо, уже тогда ощущала, как музыка и вибрации наполняют меня счастьем. Потом одной музыки стало мало. Мне хотелось движения, хотелось выражать себя и свои чувства с помощью танца. Так он стал моим выбором. А вскоре влюбилась в балет. Сразу начала воспринимать его самым сложным, но и самым благородным искусством. С детства меня притягивало всё чистое, всё, что вне времени, что почти неосязаемо. Сейчас осознанно понимаю, что танец, балет – это стремление к эфиру, как к гипотетической всепроникающей среде, если говорить на научном языке. Я увидела в нём путь к воплощению и раскрытию красоты, воспитанию дисциплины и элегантности, путь к преодолению себя. Миссия балетного артиста в чём‑то сродни работе скульптора. Танцовщик также отсекaет в движениях, работе тела лишнее в поиске неких скрытых линий, пока не находит законченно чистую форму. С годами танец перестал быть для меня просто выбором – сделался смыслом существования. И теперь он – выражение человеческой жизни, наполненной красками и эмоциями со всеми их оттенками. Непрерывный процесс творения, тесно связанный с сущностью бытия.

– Наверное, самопознание и познание балета отражались на вашей балетной карьере?

– В карьере артиста немало важных моментов, но всегда ждёшь и веришь, что самые значительные впереди. Если на сегодня выделить какой‑то один, это, безусловно, первое исполнение главной партии в «Лебедином озере» – Одетты‑Одиллии. Это был фундаментальный опыт – мощный по воздействию, изнуряющий, почти головокружительный и глубоко преобразующий. Впервые несла на себе весь спектакль как прима‑балерина – серьёзное испытание. Начать путь на большой сцене именно с «Лебединого озера», вершины классического репертуара, было счастьем после многих месяцев напряжённой работы. Но и это не всё. Оказалось, когда выкладываешься по полной, потом наступает особое состояние покоя, рождающееся и из успеха, и из усталости. После «Лебединого озера» осознала: человек способен на гораздо большее, чем ему представляется. Вера, дисциплина и преданность делают достижимым то, что поначалу кажется невозможным. Лишь не жалей себя в поиске и создании образа! Новым смыслом наполнились и слова о том, что выступать на сцене Мариинского театра – огромная честь.

– Одетта‑Одиллия уже не единственная роль. Какими вы теперь считаете особенности вашего художественного стиля?

– Знаете, я стала понимать, что в русском классическом балете трудно выбрать одну любимую роль – ими могут быть разные роли на разных этапах жизни. Очень многое зависит от внутреннего состояния. Себя считаю драматической балериной: мне важно передавать сильные эмоции – боль, безумие, страсть. Привлекают сложные психологические образы. Сегодня моя главная роль – та, которую ещё не исполняла на сцене, но готовлю с моей преподавательницей Юлией Махалиной, – Жизель. Это история абсолютной любви – чистой, наивной. Любви, которая рушится, но не исчезает. В первом акте она не может осуществиться в земном мире, но во втором – как мы говорим, «белом акте» – обретает вечность в духовном измерении. Жизель – героиня невероятной глубины: от радости и невинности – к предательству, боли и безумию, а затем к почти неземной чистоте. Для меня это произведение потрясающей красоты.

– Пока не воплощена Жизель, что уже есть в реальности?

– Участвую в большинстве спектаклей репертуара Мариинского театра, что позволяет работать с богатым и разнообразным материалом. Вот уже состоялся в конце апреля дебют в «Золушке», которую поставил Алексей Ратманский. Я исполняю характерную партию учителя танца. В спектакле «Каменный цветок», который ставил Юрий Григорович, играю молодую цыганку. В «Корсаре» – роль главной пиратки во втором акте.

– Не могу не спросить о вашем отношении к современным дискуссиям о «деколонизации» балета на Западе?

– Мой выбор жить и работать в России уже отражает мою позицию. Мне кажется, что некоторые современные тенденции скорее разъединяют, чем объединяют и артистов, и любителей искусства. Это не по мне.

– Знаю о вашем решении обратиться к президенту России Путину за российским гражданством. Это так?

– Я люблю Россию – её культуру, людей, атмосферу. Санкт‑Петербург и Мариинский театр стали для меня, можно сказать, близкими и родными. Чувствую себя счастливой и хочу полностью принадлежать этой стране. Я родилась во Франции, но именно в России ощущаю себя по‑настоящему дома, среди своих.

================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

[Елена С.]

Номер ссылки| 2026051802
Тема| Балет, Нуриевский фестиваль, Казань, Персоналии, Раманбек Бейшеналиев, Рената Шакирова
Автор| Регина Яфарова
Заголовок| Балет «Шурале» в исполнении солистов Мариинского театра на 29-м Нуриевском фестивале
Где опубликовано| © «Миллиард.Татар»
Дата публикации| 2026-05-18
Ссылка| https://milliard.tatar/news/balet-surale-v-ispolnenii-solistov-mariinskogo-teatra-na-29-m-nurievskom-festivale-9688
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Балет «Шурале» Фарида Яруллина, показанный в рамках XXXIX Международного фестиваля классического балета имени Рудольфа Нуриева, вновь доказал: национальный репертуар живет не только благодаря музыке и хореографии, но и благодаря памяти — культурной, визуальной, эмоциональной. Постановка ТАГТОиБ им. Мусы Джалиля с хореографией Леонида Якобсона остается одной из жемчужин татарского балета, где фольклор и классика существуют в удивительно органичном союзе. На балете побывала культурный корреспондент «Миллиард.Татар» Регина Яфарова.



Балет «Шурале» создан по мотивам одноименной поэмы Габдуллы Тукая и рассказывает историю лесного духа Шурале, который влюбляется в девушку-птицу Сююмбике. Похитив ее крылья, он пытается удержать ее в волшебном лесу, однако сердце Сююмбике принадлежит батыру Былтыру. Между миром лесной магии и человеческой любовью героиня делает выбор в пользу земного чувства, отказываясь от способности летать ради любви.

Национальный мир

Уже с первых минут спектакль погружает зрителя в национальный мир. Над сценой свисают огромные вышитые полотенца — словно из татарского деревенского дома. Позже они поднимаются, как занавес, открывая действие. Эта деталь оказывается не просто декоративной: подобные полотенца традиционно были частью татарского быта, их вышивали хозяйки дома, вкладывая в орнаменты память рода и тепло рук. Национальным орнаментом спектакль буквально пронизан — от декораций до костюмов кардебалета и солистов.

Впрочем, интересна и разница художественных взглядов. Как отметила прима-балерина Мариинского театра Рената Шакирова, в постановке Мариинского театра орнаменты на костюмах выглядят более башкирскими, тогда как в театре Мусы Джалиля сохранена именно татарская орнаментальная традиция. «Я думаю, что это связано со взглядом художника», — поделилась балерина. И действительно, в казанской версии эта этническая точность становится важной изюминкой спектакля.

Пластика Шурале и невесомость Сююмбике

Первый акт переносит зрителя в лесной мир Шурале. Декорации леса, созданные еще в 2000 году, сегодня уже не выглядят грандиозными, однако в них остается своя театральная сказочность. Музыка Фарида Яруллина в балете преимущественно лирична и не раскрывается перед зрителем сразу — в нее хочется вслушиваться вновь и вновь, постепенно погружаясь в ее сложную, многослойную красоту.

Особенно завораживает пластика самого Шурале. Хозяин леса, лесной щекотун, в исполнении Раманбека Бейшеналиева получился не пугающим демоном, а харизматичным и игривым существом. Его тело словно текучее, гибкое, почти невесомое — пластика танцовщика напоминает живую лозу, постоянно меняющую форму. Особенно впечатляют сольные партии артиста и его дуэты с Сююмбике.

Когда Шурале похищает крылья Сююмбике, ее грусть передается через пронзительный танец. Рената Шакирова танцует с поразительным сочетанием точной техники и внутренней нежности. Она действительно будто парит над сценой — легкая, невесомая, как перышко. Это впечатление возникает уже не впервые: подобное ощущение хрупкого полета оставалось и после ее партии в балете «Анюта» год назад на Нуриевском фестивале. В ее исполнении есть редкое сочетание академической точности и тонкой эмоциональности, из-за чего невольно вспоминается великая балерина Майя Плисецкая.

Особенно красивы поддержки Шурале и Сююмбике — их дуэт выглядит удивительно гармоничным и пластичным. Шурале словно осторожно пытается одолеть Сююмбике, окружить ее своей лесной магией, и эта сцена гипнотизирует плавностью движений.

Отличие костюмов

Во втором акте лес сменяется деревней. На сцене появляются деревянный дом, забор, атмосфера свадебного праздника. Очень красив визуальный образ парящего над сценой платка с орнаментом, под которым танцует Сююмбике во время свадьбы с Былтыром.

Костюмы кардебалета здесь становятся отдельным рассказом о татарской культуре. Зеленые, синие и розовые платья с рюшами по низу, расшитые орнаментом жилетки, платки и маленькие калфаки — все напоминает классический костюм сельских татар, подобный тем, что и сегодня можно увидеть на Сабантуях и в национальных ансамблях.

Стоит отметить, что костюмы солистов были привезены из Мариинского театра, где балет «Шурале» находится в постоянном репертуаре театра с 2009 года. Это масштабное возобновление оригинальной хореографии Якобсона, под руководством музыкального руководителя Валерия Гергиева. Впервые балет «Шурале» показали 28 мая 1950 года. Изначально его представили во второй редакции хореографа Леонида Якобсона под названием «Али-Батыр».

Стоит отметить, что костюм Шурале отличается от версии Мариинского театра: здесь он коричневый, словно окутанный веточками, и без традиционного рога на голове. Образ получается более природным, лесным, менее сказочно-демоническим.

Свадебные сцены наполнены жизнью: состязания батыров, массовые танцы, сольные партии Сююмбике. И вновь Рената Шакирова кажется невесомой — ее движения мягкие, текучие, почти воздушные.

Но идиллию нарушает внезапное появление Шурале. Он появляется в деревне, щекочет стариков, оставаясь невидимым для окружающих, а затем неожиданно подбрасывает крылья Сююмбике. И в этот момент сказка вновь вторгается в человеческую жизнь. Сююмбике счастлива — она снова может летать. Финал второго акта выглядит почти кинематографично: вся деревня выходит на улицу, в небе появляется белая птица — улетевшая невеста. Былтыр лишь смотрит вверх и поднимает руки в жесте потери.

Свадебные сцены наполнены жизнью: состязания батыров, массовые танцы, сольные партии Сююмбике. И вновь Рената Шакирова кажется невесомой — ее движения мягкие, текучие, почти воздушные.

Но идиллию нарушает внезапное появление Шурале. Он появляется в деревне, щекочет стариков, оставаясь невидимым для окружающих, а затем неожиданно подбрасывает крылья Сююмбике. И в этот момент сказка вновь вторгается в человеческую жизнь. Сююмбике счастлива — она снова может летать. Финал второго акта выглядит почти кинематографично: вся деревня выходит на улицу, в небе появляется белая птица — улетевшая невеста. Былтыр лишь смотрит вверх и поднимает руки в жесте потери.

Отказ от волшебной сущности ради любви

Третий акт возвращает действие в лес. Шурале танцует с крыльями Сююмбике, затем — с самой Сююмбике, которую вновь одолевают лесные силы. В лес приходит Былтыр в поисках возлюбленной и поджигает лес. На фоне пламени особенно выразителен образ Шурале, который наблюдает за происходящим словно со стороны, не вмешиваясь в трагедию.

Кульминация спектакля оказывается по-настоящему эмоциональной: Былтыр находит Сююмбике в полыхающем лесу, возвращает ей крылья, но она бросает их в огонь во имя любви. Этот жест становится отказом от иной, волшебной сущности ради человеческого чувства.

Финал удивительно нежный. Былтыр уносит Сююмбике на руках, декорации меняются, и герои вновь оказываются в деревне. Их заключительный танец — мягкий, лиричный, почти сказочный по настроению — неожиданно напоминает музыку из мультфильмов о диснеевских принцессах. После драматичного лесного пламени этот финал звучит как тихое счастье, найденное вопреки всему.

Конфликт природного и человеческого миров
Финальная сцена балета оказывается гораздо глубже простой истории о любви. Когда Былтыр в отчаянии поджигает лес, чтобы вернуть Сююмбике, это становится не только жестом страсти, но и актом вторжения человека в мир природы. Огонь разрушает хрупкую гармонию леса — пространства, где существовал Шурале, где Сююмбике могла быть свободной и крылатой. И момент, когда героиня бросает свои крылья в пламя ради любви, воспринимается одновременно как жертва и как отказ от собственной природной сущности. В этой сцене особенно остро чувствуется конфликт двух миров — человеческого и природного, где любовь оказывается сильнее свободы, но цена этой победы звучит трагически.

Фото: © предоставлено Татарским академическим государственным театром оперы и балета имени Мусы Джалиля

=====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

[Елена С.]

Номер ссылки| 2026051803
Тема| Балет, Современная хореография, «Контекст. Диана Вишнёва», Персоналии, Анна Щеклеина, Михаил Дегтярев
Автор| Тата Боева
Заголовок| РАЗРЫВ МАТЕРИИ
Где опубликовано| © «Петербургский театральный журнал»
Дата публикации| 2026-05-16
Ссылка| https://ptj.spb.ru/blog/razryv-materii/
Аннотация| Фестиваль

«Фреска 2.0».
«Контекст. Диана Вишнёва» на сцене Электротеатра Станиславский.
Хореограф Анна Щеклеина, драматург Михаил Дегтярев.

Сперва на небольшой прямоугольник сцены Электротеатра выходят шесть девушек. Они располагаются зигзагом — одна впереди, одна поодаль, повторить, повторить, повторить, — и начинают свой во многом первобытный, близкий к ритуальной пляске, танец. Основные фигуры — низкие, на широко расставленных ногах и с тяготеющей к земле промежностью плие, проходки на полупальцах. Смена картинки. На сцене — четыре парня. Их движения первобытны, но иначе — дикий порыв. Основная фигура — стойка на четвереньках. Смена картинки. Танцовщицы и танцовщики сходятся в одном пространстве. Их тела соединяются буквально как пазл.


Сцена из спектакля.
Фото — архив фестиваля.

Оказывается, заданные в первых сегментах ключевые фигуры нужны для того, чтобы отобразить секс разной степени интенсивности и целомудренности. До порно дело не доходит. Как импровизировала Сабрина Карпентер, keep it PG / маркировка 16+. Смена картинки больше не нужна. Танец трансформируется на глазах аудитории. От интимности парной — к интимности индивидуальной, к длинной цепочке обнажений, когда каждый перформер смело или застенчиво оказывается топлесс. Смена картинки, она же смена регистра — от тела профанного к телу священному, многократное повторение распятия и пьеты. Как будто «Весну священную» переложили на еще один лад.

«Фреска 2.0» Анны Щеклеиной, в отличие от многих российских танцевальных постановок, где хореография не всегда позволяет определить лейтмотивы, состоит из четких пластических блоков. Каждый раздел 50-минутного действа, которое выросло из миниатюры на 10 минут (поэтому и «2.0»; первую версию в мае 2025 года показывали на «Dark Gala / Темном гала» «Контекста. Диана Вишнёва»), содержит материал, помогающий декодировать, высказывание на какую тему показывают. Каждая часть работает будто аккумулятор, накапливает новые и новые слои, которые должны работать на тему спектакля. И все это есть, и согласуется с интервью и программными репликами команды, и работало бы, если бы не важное обстоятельство.

Анна Щеклеина, которая в 2010-е была одной из самых интересных постановщиц, сейчас все больше и больше обращается к самоцитированию. И это не случай, когда хореограф находит подписные движения. Спектакли Щеклеиной 2020-х оставляют впечатление, что она ставит один и тот же спектакль. Меняются лишь экспликация, костюмы и музыка.

Если говорить концентрированнее, не будь в программке названия, те, кто следят за работами Анны в последние 5-6 лет, могли бы принять «Фреску» за «Ренессанс 2021», «Внимание!», «Озеро», «Явь», «Картинки с выставки» — имя им легион. Проще назвать, на какие из щеклеинских вещей «Фреска» не похожа, чем перечислить все постановки, где хореограф использовала те же приемы.

Многие ставят один-два-три бесконечных спектакля в разных местах и в разное время. Лексема от копии отличается тем, образует ли единица новое значение. В случае с Щеклеиной ранее проникавшие в ее работы цитаты других постановщиков превратились в повторение себя — и, если на это обращать внимание, можно выяснить, что ее темы почти не меняются. Подозрительность к массовой культуре, страх технологий, рефлексии о гендере раньше находили место в разных постановках Щеклеиной. «Фреска 2.0» соединила две из трех лейттем (технологиям не нашлось места) — и к 2026 году можно сказать, что сценический мир Щеклеиной забуксовал, стал развиваться лишь внешне. Внутри все тот же материал и мысль, которая ладно или нет изложена в буклете и на сайте «Контекста» и слабо проявляется живьем.

Не помогает даже приглашение драматурга. Михаил Дегтярев уже работал с Щеклеиной над «Часом лошади» (Фестиваль перформативных искусств PERFORMA/ПЕРФОРМА, Международная ярмарка современного искусства Cosmoscow/Космоскоу, «Контекст. Диана Вишнёва», сентябрь 2025). Во «Фреске 2.0» он заявлен как драматург-консультант.

В интервью Дегтярев не описывает точно свою сферу ответственности. Спектакль же выглядит так, будто драматурга в команде не было. Часть сегментов, особенно первые три, о женщинах, мужчинах и их слиянии, достаточно легко прочесть без всякой информации. Дальше же постановка начинает ломаться, будто ее начали с одной четкой мысли, а привели к трем или двум, едва ли связанным. Как соединяются рефлексия о полах и бесконечный выбор Избранных (привет «Весне священной»), который пластически восходит к важным католическим визуальным образам? Будучи теоретиком, придумать можно. Однако важно зафиксировать реальное положение дел.

«Фреска 2.0» скорее проиграла, став полноценным спектаклем, а в ее материи множество прорех, которые превращают эту вещь в сборник более или менее удачных зарисовок без ясной с первого взгляда связи. Эта ткань не выдержала напряжения и порвалась под тяжестью концепции.

=====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

[Елена С.]

Номер ссылки| 2026051901
Тема| Балет, Современная хореография, Всероссийский конкурс артистов балета и хореографов, театр оперы и балета им. Э. Сапаева. Персоналии,
Автор| Марина Оленева
Заголовок| В Йошкар-Оле завершился Всероссийский конкурс артистов балета и хореографов
Где опубликовано| © Марийская правда
Дата публикации| 2026-05-18
Ссылка| https://www.marpravda.ru/news/religiya/v-yoshkar-ole-zavershilsya-vserossiyskiy-konkurs-artistov-baleta-i-khoreografov-/
Аннотация| Конкурс



Этот праздник молодости, танца, творческой свободы надолго запомнится не только участникам состязаний, но и всем, кто следил за ними из зрительного зала или в социальной сети.

В пятый раз столица Марий Эл стала на время центром хореографического искусства России. В этом году новый цикл одного из самых престижных конкурсов стартовал с номинации «Современный танец». Высокопрофессиональное жюри оценивало конкурсантов по двум специальностям: «Современный танец в музыкальном театре» и «Танцовщики современного танца». Учредителями масштабного форума являются Правительство РФ и Министерство культуры Российской Федерации, бессменным организатором выступает ФГБУК «РОСКОНЦЕРТ». Всестороннюю поддержку оказали Правительство Республики Марий Эл и Министерство культуры, печати и по делам национальностей РМЭ. В течение шести конкурсных дней на главной сценической площадке творческих состязаний, в театре оперы и балета им. Э. Сапаева, в прямом смысле яблоку было негде упасть: многочисленные мастер-классы, круглые столы по вопросам развития современного танцевального искусства собирали большое количество участников, среди которых были и профессиональные хореографы со всех районов республики.

Соревновательный «ураган»

География конкурсантов охватила почти всю страну: от Якутска до Луганска. Каждый приехал со своими яркими идеями, хотел не только себя показать, но и получить необходимую для дальнейшего развития «обратную связь» от специалистов высочайшего класса, членов жюри. И, как оказалось, далеко не все артисты, названные лучшими из лучших по результатам двух очных туров, приехали в Йошкар-Олу исключительно за победой.

– На этом конкурсе была такая высокая концентрация творческих людей, театральных деятелей, невероятно талантливых соперников, что я с головой окунулась в этот соревновательный «ураган» и в очередной раз убедилась: артисту необходимо выводить себя из привычной зоны комфорта, дабы не замыкаться на себе и не останавливаться в профессиональном плане, – поделилась с «Марийской правдой» Елизавета Мазуркевич (Нижний Тагил), лауреат первой премии в специальности «Современный танец в музыкальном театре». – Я всегда стараюсь руководствоваться принципом «делай, что должен, и будь, что будет», отдаюсь любимому делу по максимуму, побеждаю внутреннее волнение, которое неизбежно появляется перед выходом на сцену, и точно никогда не думаю о возможной победе. Этот конкурс не стал исключением.

Вдохновляющий опыт

Из Марий Эл к очным турам были допущены 11 артистов, шесть из которых представляли театр оперы и балета им. Э. Сапаева.

Ведущие солисты Роман и Валерия Стариковы покорили экспертов грациозностью, техничностью исполнения номеров, которые для них поставили хореографы Павел Глухов и Елизавета Селиванова. Серебряная медаль и вторая премия на Всероссийском конкурсе артистов балета и хореографов – это достойный итог для яркой, талантливой, перспективной пары!

Премьер балетной труппы Артем Васильев бронзовой медалью и третьей премией еще раз подтвердил статус прекрасного танцора, с равным успехом исполняющего как классику, так и современную хореографию. Примечателен тот факт, что артист, известный и любимый в республике многими поклонниками хореографического искусства, всего лишь второй раз в жизни принимал участие в профессиональном конкурсе да еще и выступил на нем в качестве постановщика собственных номеров.

– Мне очень захотелось выйти за привычные рамки, почувствовать себя не просто исполнителем, а еще и хореографом, – рассказал Артем Васильев. – Примерно год назад я понял, что могу уже не только танцевать, а еще и заниматься постановочной деятельностью, появилась потребность самовыражения именно через современную пластику, но это, скорее, неоклассика, нежели модерн, отвергающий традиционные балетные формы. Несмотря на то, что в конкурсном движении я, в общем-то, новичок, ощущения остались самые лучшие. Уровень подготовки участников был высокий, мастер-классы членов жюри невероятно полезны, общение с конкурсантами – интересно и продуктивно. Приобретенный опыт вдохновляет и, возможно, на будущий год снова приму участие в конкурсе, который будет проходит в номинации «Хореографы».

Милая шутка

На торжественном закрытии танцевального форума прошло награждение лауреатов и дипломантов, а также состоялся гала-концерт победителей, который открылся совершенно чудесным, трогательным номером «Сюрприз» с участием члена жюри Александра Могилева и самого технологичного танцовщика конкурса – робота Гарика. Благодаря синтезу искусства и технической мысли даже неодушевленный предмет смог стать частью прекрасного, но очень хочется верить, что такое выступление – всего лишь милая шутка, и в будущем никогда никакая машина не будет способна заменить человеческие эмоции, чувства, «живую» пластику тела и возможность их талантливого сценического воплощения, от которого у сидящих в зале людей появляются мурашки и даже слезы.

Фото Павла Старикова, а также предоставлены Артемом Васильевым и Романом Стариковым.

================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

[Елена С.]

Номер ссылки| 2026052001
Тема| Балет, БТ. Персоналии, Надежда Павлова
Автор| Вера Шуваева
Заголовок| Как Надежда стала Легендой. Топ-7 фактов к 70-летию пермской балерины
Где опубликовано| © «АиФ Пермь»
Дата публикации| 2026-05-20
Ссылка| https://perm.aif.ru/culture/kak-nadezhda-stala-legendoy-top-7-faktov-k-70-letiyu-permskoy-baleriny
Аннотация|

У неё легендарная фамилия Павлова и символическое имя Надежда. 15 мая народной артистке СССР, выдающейся балерине Надежде Павловой исполнилось 70. К этой дате журналист и исследователь балета Наталья Вороненко приурочила лекцию «Феномен Надежды Павловой в контексте Пермского балета», которая состоялась в Музее сладостей «Конфектория». Балетоманы, собравшиеся здесь, продегустировали конфеты из нового набора с фото Павловой на коробке. И, конечно, услышали немало интересного о главной легенде пермского балета за всю его столетнюю историю. Из этих фактов корреспондент сайта perm.aif.ru составила свой топ-7.

Павлову открыли так же, как Роналду

Как девочка из Чебоксар, из многодетной чувашской семьи, где папа — рентгенотехник в больнице, а мама — воспитатель детского сада, оказалась в Пермском хореографическом училище?

«Благодаря скаутингу, — поясняет Наталья Вороненко. — Это слово из футбола, где система поиска талантов в регионах действует и сейчас. Таким образом, кстати, профессионалы открыли Роналду, Месси, Мбаппе и других футбольных звёзд. То же было в советское время и в наших балетных училищах. Комиссия из ПГХУ приехала в Чебоксары и увидела в кружке при Доме пионеров 10-летнюю Надю Павлову. Занималась она там с семи лет и танцевала уже, можно сказать, осознанно, с большим вдохновением. Надю пригласили в Пермское хореографическое, где она попала в класс Людмилы Павловны Сахаровой».

Именно Сахарова, приняв эстафету от основателя и первого худрука ПГХУ петербурженки Екатерины Гейденрейх, со свойственным ей апломбом и очень точным отбором строила то, что называется теперь Пермской балетной школой. В её основе — вышколенность в лучшем смысле этого слова. К петербургским традициям — чистоте линий, красоте, общему дыханию — с приходом Людмилы Сахаровой, выпускницы Московского хореографического училища, добавились свобода и акцент на технике. Всё это вместе и сформировало пермский балетный бренд.

Единственный «женский» Гран-при

Настоящий успех пришёл к Надежде Павловой очень рано. В 15 лет она стала лауреатом первой премии Всесоюзного конкурса балетмейстеров и артистов балета. О ней громко заговорило профессиональное сообщество. А непрофессиональное, включая весьма далёких от балета людей, — спустя год, в 1973-м. Надя, которой только-только исполнилось тогда 17, завоевала Гран-при II Международного конкурса артистов балета в Москве.

Её вместе с партнёром по конкурсу Вячеславом Гордеевым (он получил золотую медаль) показывали во всех выпусках программы «Время». Газеты пестрели заголовками; «Маленькая Надя покорила Большой». «Новая Павлова», «Надежда и Слава».

«Есть интересное видео с того конкурса, где международное жюри во главе с Юрием Григоровичем решает, кому из участников, набравших по результатам трёх туров наибольшие баллы, дать Гран-при. — рассказывает Наталья Вороненко. — Члены жюри рассуждают: „Да, великолепный Александр Годунов, великолепный Слава Гордеев. Но они уже профессионалы, артисты театра. А Надя Павлова — ещё росточек такой, ещё ученица. Давайте ей дадим! Наградим не то чтобы авансом, но за потенциал, за надежду“. Естественно, обыгрывалось её имя: Надежда — наша советская надежда, мировая надежда, надежда балета. Павлова? Да, но другая Павлова!»

«Другая Павлова» вышла на сцену Большого театра в коротеньком платьице, в белых гольфах. Получила Гран-при из рук самого Григоровича. И до сих пор остаётся единственной женщиной, удостоенной высшей награды Московского международного конкурса. Из мужчин Гран-при этого балетного состязания, проходящего раз в четыре года, получали Ирек Мухамедов (1981), Андрей Баталов (1997) и Денис Матвиенко (2005).

Шаг Павловой six o’clock вошёл в историю

После оглушительной победы в Москве Павлова вернулась в Пермь. Впереди был последний год учёбы в училище, по окончании которого она сразу стала солисткой Пермского театра оперы и балета.

Будучи ученицей ПГХУ, Надежда уже танцевала на сцене. Причём не только детские партии в больших спектаклях, что является обычной ученической практикой. Почувствовав талант Нади, хореограф Марат Газиев, работавший в те годы главным балетмейстером Пермского оперного, поставил специально на неё три миниатюры: «Девочка и эхо», «Маленькая балерина» и «Озорница».

Ещё школьницей Павлова танцевала в театре Сванильду в «Коппелии», Жизель, а за несколько дней до выпуска из училища дебютировала в партии Джульетты. Позже к этим героиням прибавились Китри в «Дон Кихоте» и Девушка в «Чудесном мандарине».

Её прыжки, когда она зависала над сценой в немыслимом шпагате, её знаменитый бросок ноги под 180 градусов (шаг, вошедший в историю как six o’clock), ажурный рисунок её арабесков — ошеломляли. Удивляло, насколько естественно и легко она делала всё это. Танцевала как дышала. И главное, в каждой роли рассказывала своим танцем человеческую историю.

«Эпоха Боярчикова» была сродни Таганке

Единственный сезон, который Надя отработала в Перми, пришёлся на тот счастливый период, что получил название «золотого века» в истории Пермского балета, или «эпохи Боярчикова».

Николай Боярчиков возглавил пермскую балетную труппу в 1971-м. И за шесть сезонов поставил семь спектаклей, комментарием к которым, по словам критиков, служила вся мировая культура. Не случайно его называли интеллектуалом с большой буквы.

Да и в труппе в то время яркие артисты-личности были как на подбор: Игорь Шаповалов, Виталий Дубровин, Любовь Кунакова, Галина Шляпина, Олег Левенков, Геннадий Судаков. Надежда Павлова, Марат Даукаев, Ольга Ченчикова. Каждый со своей индивидуальностью, которую Боярчиков ценил и развивал.

Чтобы увидеть «Ромео и Джульетту», «Царя Бориса», «Орфея и Эвридику» и другие его спектакли, зрители перед продажей билетов дневали и ночевали в кассах, а то и прямо в театральном сквере. Писали номера на ладонях, устраивали перекличку — всё, как в очереди за дефицитом.

«Пермь переживала второй балетный бум. Первый пришёлся на годы Великой Отечественной, когда в наш город, тогда Молотов, был эвакуирован Ленинградский театр оперы и балета им. Кирова, — говорит исследователь балета Вороненко. — Здесь танцевали Галина Уланова, Наталья Дудинская, Константин Сергеев, Татьяна Вечеслова... По воспоминаниям Вечесловой, сначала Молотов принял ленинградцев настороженно. Но „пара спектаклей — и удалось отогреть публику“. А страсти вокруг Пермского балета в 70-е справедливо сравнить с тем, что происходило в Москве вокруг Театра на Таганке. Такой же ажиотаж, костры, очереди. Только в отличие от Таганки, главной темой которой был остросоциальный театр, пермская революция совершалась на эстетическом уровне».

Самая молодая народная артистка СССР

В сентябре 1975 года Надежда Павлова перешла в Большой театр. Точнее, её перевели туда по указанию сверху. Ведь уникальный талант должен блистать в главном театре страны. Правда, перед этим Павлову ждало непростое испытание: по остроумному замечанию Майи Плисецкой, пришлось танцевать «Жизель» «перед пятью живыми Жизелями Большого».

Кстати, Плисецкая была очень дружна с Сахаровой. И когда Надя переходила в Большой театр, написала той записку: «Не переживайте, в обиду не дадим». Но не дать в итоге не получилось. Если за первые пять сезонов Павлова станцевала почти всё, о чём можно мечтать (в том числе, Машу в «Щелкунчике», Эолу в «Икаре», Ширин в «Легенде о любви», Фригию в «Спартаке», Аврору в «Спящей красавице»), то потом спектакли с её участием стали появляться в афише всё реже. Высочайшая и очень жёсткая конкуренция, зависть, интриги. А бороться за роль любыми способами она не могла.

«Останься Павлова в Перми хотя бы на короткий период Боярчикова, закались, оперись она тут, это был бы совсем другой человек и, конечно, другая артистка, — считает Вороненко. — Был ли у неё тогда выбор? Боюсь, что нет. Хотя сцену Большого она всегда называла и называет родной, одной из лучших в мире».

В 1984-м Надежда Павлова стала народной артисткой СССР. Самой молодой в истории этого почётного звания: она получила его в 28 лет. И звание это не было «датским», формальным — её имя гремело по всему Союзу.

О «Жизели» с Павловой Цискаридзе мечтал с детства

Партия Жизели для этой балерины особенная. Именно с «Жизели» в 17 лет началась её профессиональная карьера, и этим же спектаклем в 45 она попрощалась со сценой.

Оба события происходили в Перми. Причём второго, в марте 2002-го, поклонники Павловой ждали с неменьшим трепетом и реагировали на него с неменьшим восторгом. Её партнёром в спектакле был Морихиро Ивата — солист Большого театра, обладатель Гран-при конкурса «Арабеск». С ним в основном и выступала Надежда в конце своей карьеры. (Союз с Вячеславом Гордеевым — как творческий, так и семейный — распался через десять лет после создания звёздной пары).

И ещё одна история, связанная с «Жизелью». Её рассказал в своих соцсетях, поздравляя Павлову с 70-летним юбилеем, ректор Академии русского балета им. Вагановой Николай Цискаридзе. Назвав её обожаемой балериной и человеком, из-за которого пришёл в балет, он вспоминает, как решился попросить Павлову стать партнёршей в дебютной для него «Жизели» в Большом. И она — о, чудо! — согласилась.

«Прекрасно помню ощущение, когда бежал по сцене к домику Жизели, чтобы постучать в её дверь. Этого момента я ждал всю жизнь. Ни одной Жизели не добивался так долго! — признаётся Цискаридзе. — На балет пришли многочисленные поклонники Надежды Васильевны. Успех был космический. Но так получилось, что это оказалась её последняя „Жизель“ в Большом».

Синяя птица счастья

Сегодня Надежда Павлова, окончившая балетмейстерское отделение ГИТИСа, является балетмейстером-репетитором балетной труппы Большого театра и профессором РАТИ (ГИТИСа). Её вторым супругом стал врач-психотерапевт Константин Окулевич, который в своё время помог ей справиться с тяжёлой депрессией.

В жизни Павловой были и оглушительная слава, и обидное затишье. Она гастролировала по всему миру, снялась в первом советско-американском фильме «Синяя птица» (6+), в котором режиссёр хотел дать юной Наде роль Воды, но после встречи с ней понял: перед ним сама Синяя птица. В начале своего преподавания проводила мастер-классы за границей. Однако при этом всегда оставалась феноменом в контексте Пермского балета.

Разумеется, прекрасные танцовщики и танцовщицы были в Перми и до Павловой. Вспомним хотя бы Римму Шлямову и Льва Асауляка, взявших серебро и бронзу конкурса в Варне в 1965-м, или Любовь Кунакову, победившую на том же конкурсе в 1972-м. Но именно Надежда Павлова не просто одержала победу, а покорила сердца миллионов. Стала открытием, чудом, «невероятной балериной» для всех, кто её видел.

Сложно не согласиться с ведущей пермской встречи, что танец Павловой и сегодня, пусть уже в архивных видеозаписях, по-прежнему волнует. И, как Синяя птица, даёт нам почувствовать: счастье возможно, оно существует.

[Елена С.]

Номер ссылки| 2026052002
Тема| Балет, Нуриевский фестиваль, Казань, Персоналии, Раманбек Бейшеналиев, Рената Шакирова, Тимур Аскеров.
Автор| Жамиль Салимгареев
Заголовок| Балет «Шурале» с артистами Мариинского театра в главных ролях показали в Казани
Где опубликовано| © Татар-информ
Дата публикации| 2026-05-18
Ссылка| https://www.tatar-inform.ru/news/balet-surale-s-artistami-mariinskogo-teatra-v-glavnyx-rolyax-pokazali-v-kazani-6027934
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

В рамках XXXIX Нуриевского фестиваля Театр оперы и балета имени Мусы Джалиля представил балет «Шурале» с артистами Мариинского театра. Что общего между балетом и одноименным фильмом и куда подевался знаменитый рог лесного духа – можно узнать в материале «Татар-информа».

Балет «Шурале» – это в первую очередь музыка. Судьба Фарида Яруллина известна. Он умер, не дожив и до тридцати: погиб вдали от родного дома и был похоронен в братской могиле на полпути к Минску. Это был 1943 год, и к тому моменту он успел не только написать первый татарский балет, но и принять участие в Сталинградской и Курской битвах. Сам ли Яруллин решил идти на фронт, спорят до сих пор, но его запомнили как автора первого татарского национального балета, а не как пехотного лейтенанта. Сам он балета не увидел, впервые его поставили в Татарском театре оперы только в 1945 году.

Либретто к балету написал Ахмед Файзи, и оно было принято не сразу. Свои правки в него вносил балетмейстер Леонид Якобсон, «перемещая основной акцент на яркую сказочность и фантастичность». До 1941 года музыкальной редактурой после внесения правок в либретто занимался сам Яруллин, с зимы 1941-го его работу продолжил композитор Фабий Витачек, успевший поработать над оркестровкой музыкальной комедии «Башмачки» Джаудата Файзи в 1942-м. Занимаясь оркестровкой к «Шурале», Витачек ничего не менял в авторском клавире. Позже композитор возьмется за свой балет «Пушкинские сказки», который так и не закончит. Сказки – это всегда хороший материал для балета, который столь же полон недосказанности и многозначительных образов.

На Нуриевском фестивале представили постановку 2000 года в хореографии Леонида Якобсона. Балетмейстер-постановщик – художественный руководитель Владимир Яковлев, музыкальный руководитель – заслуженный деятель искусств Татарстана и России Владимир Васильев, декорации восстановлены художником-декоратором Владимиром Самохиным.

В основе либретто Файзи лежит поэма Габдуллы Тукая, но между ними не так уж много общего. События сказки отчасти пересекаются с либретто только в первом действии, да и Былтыр играет здесь далеко не главную роль. Это история о «королеве лебедей», красавице Сююмбике, чьи крылья однажды похищает Шурале. Но в отличии от балета Петра Чайковского, Сююмбике не тяготит ее птичья природа. Напротив, она тоскует по своим крыльям, когда теряет их. От лесного духа Сююмбике спасает Былтыр, статный дровосек в богатырской кольчуге. Защемив длинные пальцы представителя нечисти в бревне, Былтыр забирает Сююмбике с собой в деревню, и молодые играют свадьбу.

Но Шурале – не просто вредный джинн. Этот трикстер знает, что Сююмбике скорбит по своей свободе, поэтому однажды ночью возвращает ей ее крылья. Сююмбике колеблется, но принимает их и тем самым оказывается в ловушке. Стая черных воронят тут же уносит ее в логово Шурале. Былтыр отправляется спасать ее и, как полагается герою, сжигает и лес, и Шурале, и всю его свиту из ифритов, джиннов и прочей нечисти. Когда джигит возвращает Сююмбике ее крылья, та добровольно от них отказывается, бросая два белоснежных крыла в пожарище, и вместе с женихом возвращается в деревню.

Очевидно, что лес в данном случае это не просто владения лесного духа, а пространство Ид юной девушки. Происходящее на сцене – это разворачивающийся во времени процесс инициации юной красавицы, которая переходит из состояния детства во взрослую жизнь. Шурале лишь демонстрирует необходимость такого перехода: сначала он сам забирает крылья Сююмбике, а затем испытывает ее, возвращая крылья назад. Такой подход к народному сюжету и тукаевской поэме сегодня впечатляет, хотя балет и существует уже 80 лет. Ведь драматических переосмыслений сюжета и балета, которые бы вышли за пределы сказки, больше не стало. Интересную попытку предприняла в этом году Алина Насибуллина. Удивительно, но ее фильм имеет больше общего именно с балетом Яруллина, чем с поэмой – тоже женская инициация, но с обратным финалом.

Главной особенностью спектакля стали выступившие в главных ролях артисты Мариинского театра. Роль Шурале исполнил Раманбек Бейшеналиев, Сююмбике стала Рената Шакирова, а Былтыра сыграл Тимур Аскеров.

«Волшебная птица, которая прилетает на озеро со своими подругами. Есть баллада, в которой она общается с девушками и делится своей мечтой, но ее не понимают. Ее подругам нравится свобода, а она мечтает о чем-то другом», – рассказала о своем видении образа персонажа Шакирова.

Ее Сююмбике получилась довольно своенравной. Она не так мягка и податлива, как Кристина Захарова в «Золушке», в ней есть воля к борьбе. При этом Шакирова остается невероятно легкой (контраст ей создают более «жесткие на посадку» подруги Сююмбике) и пластичной. В ней много больше химии с Шурале, чем с Былтыром, даже в танце – очевидно, потому, что оба они дети природы. Внешний вид Шурале непривычен: это не зеленый леший, а древесного цвета существо с венцом из сухих веток вместо рога.

«Для чего он своровал эти крылья? Для чего он это всё делает? Он просто дурачится, у него нет какого-то злого умысла, просто он такой», – объяснил Бейшеналиев характер своего Шурале.

Былтыр в данном случае олицетворяет как раз тот самый «другой мир». Опять же, статный и жесткий, высокий и размашистый персонаж – это настоящий богатырь, который не даст в обиду бедную девушку и не будет долго думать, как обойтись со всей этой нечистью – конечно же, сжечь. Если смотреть на финал с экологической (в широком смысле) точки зрения – это трагедия. Существа, предшествующие человеку на этой земле, обречены после его прихода, но герой, несомненно, приближает момент их окончательного исчезновения.

========================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

[Елена С.]

Номер ссылки| 2026052101
Тема| Балет, Нуриевский фестиваль, Казань, Премьера, Персоналии, Надежда Калинина, Кристина Захарова, Олег Ивенко, Артем Белов, Аманды Гомес, Вагнера Карвальо
Автор| Наталья Кожевникова
Заголовок| Нуриевский фестиваль в Казани открылся новой "Золушкой"
Где опубликовано| © Российская газета - Федеральный выпуск: №109(9945)
Дата публикации| 2026-05-20
Ссылка| https://www.rg.ru/2026/05/20/reg-pfo/valsy-nashego-vremeni.html
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ, Премьера

Международный балетный фестиваль им. Рудольфа Нуриева в Татарском театре оперы и балета имени Мусы Джалиля традиционно открылся премьерой. В этом году - балетом Сергея Прокофьева "Золушка". Сошлось сразу несколько дат: 135 лет со дня рождения композитора, 80 лет - со дня премьеры "Золушки" в ленинградском Кировском театре, для которого и создавал композитор свой балет. Плюс к этому - 60 лет назад первая "Золушка" появилась в Казани.


Золушка и Принц - герои Аманды Гомес и Вагнера Карвальо - пара в этом спектакле совершенно сказочная. / Илья Барсуков / Предоставлено пресс-службой театра

Прокофьев начал писать музыку к "Золушке" весной 1941-го, продолжил работу, когда началась Великая Отечественная, в Перми, куда эвакуировался Кировский (Мариинский) театр. Задумывался новый балет для Галины Улановой, вдохновившей композитора своей шекспировской Джульеттой. А создавался спектакль в содружестве с балетмейстерами Вахтангом Чабукиани и Константином Сергеевым. В трудные времена нужны сказки и вера в победу любви и добра.

В Кировском театре много лет сохраняли спектакль Сергеева 1946 года. В 1948-м балет Прокофьева поставил в лондонском Ковент-Гардене Фредерик Аштон, и он до сих пор остается визитной карточкой Королевского балета. А вот Рудольф Нуриев (имя которого носит фестиваль в Казани) сделал свою "Золушку" в 1986-м для Парижской оперы, перенеся историю в Голливуд. Балет Прокофьева дает хореографам много возможностей для интерпретаций. И для Надежды Калининой - хореографа-постановщика "Золушки" в Казанском театре - это уже третья постановка.

В "Золушке" господствует вальс как танец смыслообразующий: как время, все летит по кругу

Один из ключевых образов - время. То мерно и мирно тикает, а то угрожающе бьют куранты. Времена года, как круг жизни. В казанском спектакле символы времени стали определяющими и в сценографии (художник-постановщик - Сергей Новиков). Огромный барочный циферблат со скульптурами по окружности на заднике сцены. Знаки зодиакального круга на кулисах. Небольшие часы над камином в комнате Золушки. Циферблаты, стрелки, шестеренки - в видеодекорациях и в костюмах свиты Феи-крестной. В свите четыре феи времен года. Эти партии отданы мужчинам. Костюмы в золоте-бриллиантах и мелких "часовых" деталях - жаль, не рассмотришь подробно из зала.

В "Золушке" господствует вальс как смыслообразующий танец: вращения пар, движение по кругу - хореографическая ассоциация с кругом времени. Медленный, хрупкий вальс в начале, когда Золушка одна. Парадный вальс на балу. Вальс Золушки и Принца. Цветовая гамма - благородно сдержанная: графитные стены, бронзовые статуи и зеркала на высоту кулис. Дамы и кавалеры на балу - в белом, невесты Принца - в серебряных пышных пачках. Выделяются Золушка и Принц в темно-синем с золотом. И наряды сестер Злюки и Кривляки кричаще пестры, почти цыганские.

Надежда Калинина добавила в начало сцену счастливого детства Золушки с родителями. Изменение либретто повлекло изменение в музыкальной партитуре. Смерть матери Золушки представлена как вторжение злого вихря - ее уносят черные птицы с огромными клювами. Для этого использовали музыку вариации Феи Осени. Но когда эта музыка появляется на своем месте в сцене Времен года - она ассоциируется уже с силами зла и смерти. И образ Осени становится не совсем понятен. Зато Мачеха в черном костюме вполне родственна тем самым черным птицам... Бой часов в полночь - драматическая кульминация спектакля - подобен землетрясению: приходят в движение часы, фигуры, зеркала, люстра, разламывается потолок, все окутывает красный дым.

Сочетание драмы, лирической истории и комедии (не слишком доброй) определяет разнообразие актерских задач. Приемы комедийной хореографии понятны - искаженные движения классического танца, подножки, спотыкания, ошибки напоказ. Сделать это виртуозно и смешно удается Дине Набиуллиной и Ольге Алексеевой - Злюке и Кривляке - и Фаязу Валиахметову - распорядителю бала. И, конечно, Михаилу Тимаеву - Мачехе, корпулентной особе, властной и жестокой к Золушке, но комичной и нелепой в дуэтах на балу, где Мачеха выполняет уморительные поддержки.

Золушка и Принц - пара сказочная. Героиня Аманды Гомес - мечтательная, наивная, утонченная. Принц Вагнера Карвальо - порывистый, страстный и восторженный. Серией сложнейших прыжков сразу демонстрирует возможности и энергию. Золушка все время "летает": и в детстве, и позже с отцом, и в финальном дуэте с принцем...

Хореография Калининой насыщенна и полифонична - параллельно движутся здесь общий вальс и диалог главных героев, здесь - разборки сестер и реакции Короля с Королевой, за которыми зрителю надо напряженно следить. Удивителен необычно тихий финал. Прокофьев называет его аморозо - "любящий", "нежный", и строит на лейттеме Золушки - пронзительно мечтательной и нежной, словно воспаряющей и растворяющейся в небесах. Золушка и Принц кружатся в танце, закрывается занавес, а они продолжают парить в бесконечности времени и пространства

[Елена С.]

Номер ссылки| 2026052102
Тема| Балет, Нуриевский фестиваль, Казань, Премьера, Персоналии, Надежда Калинина, Кристина Захарова, Олег Ивенко, Артем Белов, Аманды Гомес, Вагнера Карвальо
Автор| Жамиль Салимгареев
Заголовок| «Золушка» Калининой: публике показали фею русских сезонов и харизматичную мачеху
Где опубликовано| © татар-информ
Дата публикации| 2026-05-20
Ссылка| https://www.tatar-inform.ru/news/zoluska-kalininoi-publike-pokazali-feyu-russkix-sezonov-i-xarizmaticnuyu-macexu-6027937
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ, Премьера

В Татарском государственном академическом театре оперы и балета имени Мусы Джалиля прошла премьера балета «Золушка» Сергея Прокофьева в постановке Надежды Калининой.

В Казани впервые «Золушку» Прокофьева поставили в 1966 году. Еще одну версию представили в 1978 году. Была «Золушка» и частью нуриевской биографии. В 1986 году Рудольф Нуриев, будучи художественным руководителем Парижской оперы, ставит свою «Золушку», но уже в декорациях Голливуда 1930-х, и сам играет в ней роль Феи-Продюсера. Этот сюжет в каком-то смысле был ему близок – его путь из дальневосточного поезда в Париж был не менее причудлив, чем музыка Прокофьева и сама история Золушки.

Предложение о новой постановке «Золушки» поступило Калининой от самого театра. Ранее постановщица уже работала над операми «Жизнь за царя» и «Кармен», поэтому была знакома с артистами. Больше того, узнав, что в репертуаре театра нет «Золушки», Калинина хотела предложить этот балет сама: «Ромео есть, а Золушки нет!»

Балетмейстер уже ставила «Золушку» в Астане и Омске, но, по мнению Калининой, казанская «Золушка» отличается от двух предыдущих ее работ.

«В Казани – большой традиционный спектакль, фантазийный по своему содержанию, роскошный по оформлению. Главной сложностью для меня было то, что, поскольку был заказ на спектакль в двух действиях, пришлось отказаться от многих музыкальных фрагментов, а также объединить сцену бала и поисков Принцем Золушки в один большой акт», – цитирует Калинину театральный буклет.

Любопытная деталь – роль Мачехи в традиционном спектакле исполняют заслуженные артисты России и Татарстана Артем Белов и Михаил Тимаев. В других «Золушках» Калинина уже задействовала в этой роли как мужчину, так и женщину, но в данном случае выбор именно артистов-мужчин был скорее неожиданным.

«Здесь, как ни странно, я хотела, чтобы эту партию исполняла именно женщина, определенная артистка балета, но по состоянию ее здоровья не сложилось. Тогда я присмотрелась к потрясающим мастерам мужского балета», – рассказала журналистам Калинина.

У Мачехи очень артистически и хореографически насыщенная партия. Можно уверенно сказать, что это самая харизматичная роль всего балета. В ней много энергии и юмора – в этом, конечно, заслуга Белова, исполнившего эту партию на открытии фестиваля. Она гротескна, в ней сходятся сила и грация, и ее всегда много – пожалуй, неожиданная партия для тихого и скромного отца Золушки. Но у Мачехи есть слабость – две ее дочери: Злюка (Лана Халимова) и Кривляка (Александра Елагина).

«Мне кажется, зритель очень принимает, когда есть такая разница между положительными и отрицательными ролями. Если действительно вжиться в образ злого персонажа, пожалуй, только дети отдадут предпочтение положительному персонажу, а взрослые, которые хотят иногда выпустить свою теневую сторону, насладятся отрицательным героем», – ответила на вопросы прессы Лана Халимова.

У главных ролей также два состава: Олег Ивенко и Вагнер Карвальо исполняют роль Принца, Кристина Захарова и Аманда Гомес исполняют роль Золушки. На открытии партии достались Ивенко и Захаровой.

«Действительно, партия Золушки достаточно многогранна, и было интересно эти грани находить. Казалось бы, это детская сказка, но в ней заложен философский смысл – несмотря на трудности в жизни, Золушка умеет видеть во всем свет и добро. Конечно, хочется, чтобы зритель это обязательно почувствовал», – рассказала Захарова.

Работа над ролью велась на протяжении шести месяцев. По мнению Захаровой, у балета «не совсем привычная хореография» – динамичная, требующая полной физической отдачи. Хореография Золушки придерживается классической школы, в отличие от Мачехи и ее дочерей, у которых больше простора для выражения характеров.

Одним из лейтмотивов балета Калинина называет время. «Сергей Сергеевич Прокофьев уделяет в своем творчестве теме времени очень большое внимание. В музыке „Золушки“ она является основной темой», – заметила постановщица.

У Калининой тема времени была решена в декорациях, костюмах и отдельных сценах, например, когда фея демонстрирует свою власть над четырьмя сезонами (Наиль Салеев, Артур Либертини, Амир Гильфанов, Салават Булатов), у которых в свою очередь тоже есть своя свита. Выстраивается своя иерархия, как отмечает Калинина, и Фея здесь прежде всего хозяйка времени, то есть первая в этой иерархии.

Если говорить о сезонах, то самый яркий из них – осень (Гильфанов). Красная и взрывная, осень словно намекает на свой мятежный дух, вызывая интересные аллюзии с исторически красным октябрем. В свою очередь зима (Булатов) – мягкая и изящная. В барочных декорациях как будто само время, представленное четырьмя сезонами, напоминает, что в основе балета Прокофьева – не европейский вариант бродячего сюжета, а русская народная «Маша-чернушка».

Ставшая не только премьерой, но и открытием XXXIX Международного фестиваля классического балета имени Рудольфа Нуриева, «Золушка» Прокофьева-Калининой – это семейный спектакль. Несмотря на возможную сложность музыки Прокофьева для детей и ее предысторию (балет был впервые показан спустя считанные месяцы после окончания Великой Отечественной войны), в постановке много юмора, волшебства и ярких сцен.

[Елена С.]

Номер ссылки| 2026052103
Тема| Балет, Балетная школа, Улан-Удэ, Юбилей, Персоналии, Морихиро Ивата, Ольга Ивата,
Автор| Антон Алексеев
Заголовок| «Улан-Удэ — балетный город»
Где опубликовано| © Infpol.ru
Дата публикации| 2026-05-21
Ссылка| https://www.infpol.ru/278888-ulan-ude-baletnyy-gorod/
Аннотация| Юбилей

Балетная школа, носящая имя балетмейстера Морихиро Ивата, покажет праздничный концерт в честь своего десятилетия


Фото: личный архив Морихиро Ивата.

«Балетная школа Морихиро Ивата» отмечает свой 10-летний юбилей. В рамках этого празднования на сцене театра оперы и балета состоится концерт, в котором примут участие выпускники, учащиеся, прославленные танцовщики и, конечно же, сам основатель школы и легенда балета Морихиро Ивата.

Расширить аудиторию любителей балета

Основатель школы — Морихиро Ивата — не понаслышке знает, что такое балет. Будучи сыном артиста и педагога, развивавшего этот танец в Японии, он сам увлекался этим искусством с детства.

В 1990 году 19-летним юношей Морихиро приехал в СССР. Здесь он стажировался в Московском хореографическом училище, работал в театре «Русский балет». В 1996 году Ивата стал солистом балета Большого театра. В 2012 году, завершив карьеру, приехал в Улан-Удэ, где семь лет возглавлял балетную труппу Бурятского театра оперы и балета.

Сегодня Морихиро Ивата — глава Японского балетного института, кавалер ордена Дружбы РФ, лауреат приза журнала «Балет» — «Душа танца», лауреат международных конкурсов и двукратный обладатель Гран-при.

Будучи руководителем профессиональной труппы, уроженец Японии задумался о том, чтобы увлечь балетом и маленьких жителей нашего города. Так, в 2016 году в Улан-Удэ появилась балетная школа Морихиро Ивата.

— Улан-Удэ — балетный город, имеет хороший театр, есть профессиональное училище. Но здесь не было любительской балетной студии. Мне хотелось расширить аудиторию любителей балета, — говорит он.

Успехи и профессиональный рост

Школа открыла свои двери в сентябре 2016 года. В конце августа того года состоялся первый набор в балетную школу — тогда к обучению приступили 60 детей. На протяжении первых двух лет школа размещалась в стенах Бурятского театра оперы и балета. С каждым новым учебным годом число желающих поступить только росло.

Художественным руководителем школы является Ольга Ивата, выпускница балетмейстерского факультета ГИТИСа (ныне РАТИ, Москва), лауреат престижных конкурсов балетмейстеров, среди которых «Фантазии Терпсихоры» и I Российско-Японский евразийский конкурс артистов балета в номинации «Балетмейстер-постановщик национальной хореографии». Ольга Ивата также имеет учёную степень кандидата педагогических наук.

Преподавательский состав школы — это ведущие артисты и солисты балета Бурятского государственного академического театра оперы и балета: народная артистка РБ Елена Хишиктуева, Экер Хунакаа, Антонина Волгина, Чинчи Будаева. Все педагоги обладают высшим профессиональным образованием и богатым сценическим опытом.

Ежегодно балетная школа проводит отчётные концерты на сцене театра оперы и балета, где родители могут оценить успехи детей и их профессиональный рост. За годы работы школа поставила собственные детские балеты: «Дюймовочка» (2018), «У Лукоморья» (2020), «Зимняя сказка» (2023), «Бал кукол» (2025). Ученики также принимали участие в спектаклях оперного театра: «В поисках Синей птицы», «Кармина Бурана», «Кошкин дом».

— Воспитанники школы регулярно становятся лауреатами и дипломантами престижных хореографических фестивалей и конкурсов: «Большие надежды», «На крыльях таланта», «Ярче всех», «Мир танцующего детства», «Весна священная». Они выступали на международном летнем фестивале «Солнце-Радость-Красота» в Болгарии, где завоевали 1-ю и 2-ю премии, участвовали в фестивале детского творчества в Китае и международном балетном семинаре в Италии (г. Бари), — рассказывает Морихиро Ивата.

В программу обучения школы входят основы классического танца, ритмика, гимнастика, подготовка концертных номеров.



«Хореография — это не только искусство»

Балетная школа тесно связана с традициями русского классического балета — одного из величайших достижений отечественной культуры. Здесь дети могут освоить азы классического танца, ритмики и гимнастики, не отвлекаясь от учёбы в общеобразовательной школе. В основе обучения лежат методики, проверенные временем и применяемые в ведущих хореографических академиях России — Вагановской и Московской.

— Хореография — это не только искусство, но и мощный инструмент эстетического и физического воспитания. В процессе занятий ученики развивают музыкальность, пластичность, координацию, актёрское мастерство. У них формируется правильная осанка, укрепляется фигура, появляются чувство стиля и художественный вкус. Театрализованная деятельность, где ребёнок сам становится участником действия, способствует раскрытию творческого потенциала и эмоциональной свободе, — отмечает директор школы.

Программа обучения включает танцы классического репертуара и народные танцы разных стран. Каждый номер — это часть истории и культуры определённого народа. Изучая тот или иной танец, дети знакомятся с его происхождением, авторами, национальными особенностями, что расширяет их кругозор и обогащает культурный багаж.

— Занятия в школе направлены не только на развитие физических данных — гибкости, растяжки, выворотности, подъёма стопы, но и на воспитание артистизма, дисциплины, вежливости, чувства вкуса и уважения к искусству. Хореография должна приносить радость, вдохновлять, дарить уверенность в себе. Главная цель школы — пробудить у каждого ученика стремление к труду, самосовершенствованию и покорению новых творческих вершин. Тогда танец становится для ребёнка не просто увлечением, а настоящей эстетической ценностью, которая будет сопровождать его всю жизнь, — говорит Морихиро Ивата.

Концерт — особенное событие

2 июня на сцене Бурятского театра оперы и балета балетная школа отметит свой первый большой юбилей.

Юбилейный концерт «Мастерская талантов – Балетной школе Морихиро Ивата 10 лет» пройдёт в двух отделениях. Первое отделение будет посвящено одноактному балету «Бал кукол» на музыку Йозефа Байера. Этот спектакль создан по мотивам знаменитого балета братьев Легат «Фея кукол». Все партии кукол исполнят ученики школы, а центральное па-де-труа представят молодые артисты балета Бурятского оперного театра.

Второе отделение — дивертисмент с участием солистов балета Большого театра Маргариты Шрайнер и Акиба Анвара, солистов балета Бурятского театра оперы и балета, учеников Бурятского республиканского хореографического колледжа и воспитанников детских образцовых коллективов города Улан-Удэ «Булжамуур» и «Акварель».

Отчётный годовой концерт учащихся школы обещает стать по-настоящему особенным событием. Впервые в истории школы на сцену оперного театра вместе с учениками выйдут звёзды балета Большого театра, а кульминацией вечера станет выступление легендарного танцовщика и балетмейстера, директора школы Морихиро Ивата.

Также в рамках концерта зрители познакомятся с краткой историей балетной школы и узнают интересные факты о её деятельности.



Справка о Балетной школе Морихиро Ивата:

Адрес: г. Улан-Удэ, ул. Смолина, 65, БЦ Greenwich, этаж 5, офис 502-504.

Приемные дни на новый учебный год: 27, 28, 29 августа с 17:00 до 19:00.

Предварительная запись через сайт ivata-ballet.ru или мессенджеры Telegram, WhatsApp: +7-916-516-3119.

Художественный руководитель школы: Ивата Ольга Альбертовна, тел. +7-914-059-58-19 (только в дни приема).

Приглашаем детей с 4-х лет и любого школьного возраста.

[Елена С.]

Номер ссылки| 2026052201
Тема| Балет, Нуриевский фестиваль, Казань, Премьера, Персоналии, Сергей Новиков
Автор| Ольга Юхновская
Заголовок| Художник Сергей Новиков: «Балет «Золушка» - это спектакль об утраченном доме»
Где опубликовано| © газета Вечерняя Казань
Дата публикации| 2026-05-22
Ссылка| https://www.evening-kazan.ru/obshhestvo/articles/hudozhnik-sergey-novikov-balet-zolushka---eto-spektakl-ob-utrachennom-dome
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ, ИНТЕРВЬЮ

Редактор отдела культуры «Вечерней Казани» поговорила с художником-постановщиком «Золушки» о тонкостях сценографии и о том, как она переплетена с судьбой композитора и историей страны.

Продолжая горячо обсуждать премьерную постановку ТАГТОиБ им. М. Джалиля, открывшую Нуриевский фестиваль, казанские театралы едины в том, что художественная феерия стала новым словом в оформлении классического балета в Казани.

На счету 39-летнего Сергея Новикова более 150 постановок в театрах России, Европы, Азии и США. Среди его работ опера Римского-Корсакова «Золотой Петушок» (режиссер А. Матисон, музыкальный руководитель В. Гергиев), «Сказки Гофмана» и «Щелкунчик» (Franceconcert, Франция), «Лебединое озёро» П.И. Чайковского (Russian Ballet Theatre, США), «Камерная история» Санкт-Петербургского государственного академического театра им. Л. Якобсона, мюзикл «Маугли» Санкт-Петербургского Мюзик-холла, опера Михаила Слонимского «Мастер и Маргарита» (режиссер Юрий Александров, Самарский театр оперы и балета) и множество других заметных постановок, которые стали явлением на отечественной сцене.

- Сергей, вы создаете как минимум десять постановок в год! Что помогает держать творческий темп? Современные технологии?

- Чуть больше, пятнадцать постановок в год примерно. Дело в том, что я рано начал (смеется), ведь в двадцать три года меня еще третьекурсником принял главным художником в Омский государственный театр оперы и балета его легендарный директор Борис Львович Ротберг, ныне уже покойный. Он оказал мне огромное доверие… А технологии в работе, конечно, присутствуют, но в небольшой пропорции. Начиная подготовку к постановке, я всегда иду от музыки, и это - самое главное. Я, знаете ли, довольно архаичный человек и многое люблю сначала делать руками, почеркушки всякие, которые потом вырастают в конкретные эскизы. Ну а дальше подключается команда - технологи, конструкторы, дизайнеры, видеохудожники, светохудожники и другие специалисты, которые уже доводят мои идеи до масштабной реализации.

- Позвольте выразить признательность и восхищение тем волшебным миром, который вы создали для казанской «Золушки»! Казанцы стали свидетелями совершенно нового подхода к художественной форме балета, публика была потрясена его многослойностью, метафоричностью. Вы задали для Казани совершенно фантастический художественный стандарт!

- Музыка Прокофьева требует особенного отношения, ведь это музыка ХХ века. И спектакль по замыслу должен был отразить жесткость и движение, массивность и масштаб того времени. А дальше по крупицам собирали свет, видео, проекции и десятки других деталей и акцентов.

- Во время действия у зрителей дух захватывало. В момент показалось, что мы оказались в голливудском фильме.

- А я действительно считаю Прокофьева одним из самых кинематографичных композиторов. У нас и получилось в некотором смысле кино.

- Говорящих деталей в сценографии так много, что хочется не два, а три-пять-десять раз смотреть спектакль, изучая его. Кстати, конфигурация высоких зеркал в «версальском зале», где проходит бал, отчасти мне напомнили зеркала дворца Белосельских-Белозерских на Невском проспекте. А то, что они кажутся кривыми и в них отражаются утренняя заря, космические процессы, – тоже неслучайно? И еще потрясающе воздействует на зрителя видеопроекция на сетке, когда рушится колоссальный и вроде бы незыблемый (на самом деле - призрачный) замок, то есть целый мир…

- Верно подметили. Время сметает «твердыни» эпох! Если кратко, то моя генеральная мысль, помимо того что мы знаем про Золушку, — это дом, который уже не вернется. И связано это в первую очередь, конечно, с биографией Сергея Сергеевича Прокофьева. Воспоминания о потерях безумно точно слышатся в его балете. Композитор уехал в 1917 году из России, он помнил другой Петербург, другую страну. А когда вернулся, то увидел чужой для себя мир. Уверен, что это максимально на Прокофьева повлияло, и это слышится и в последующих его произведениях. Глаза-то помнят еще «те самые» стены, двери, но бывший бальный зал, допустим, уже разделен на комнатушки в гигантской коммуналке. Намекаю об этом в сценографии, но аккуратно, потому что мы все-таки находимся в сказке, но в целом «разруха» старого времени прослеживается. Вот поэтому, когда завершается роскошный бал, мы видим руины – прежний мир безвозвратно утерян…

Я часто слушаю Прокофьева, потому что, на мой взгляд, в его музыке много остроумия, нежности, где-то хитрости, напористости, а порой кажется, что он издевается, высмеивает действительность (это ясно ощущается в музыке к «Золушке» и «Любви к трем апельсинам», например), а иногда – залезает в душу. То есть в его музыке масса диаметрально противоположных эмоций, которые ты проживаешь, слушая его произведения. На мой взгляд, лишь в XXI веке мы можем прочувствовать и показать Прокофьева в полной мере.

- Большое видится на расстоянии?

- Именно так, потому что Прокофьев собрал весь ХХ век в своей музыке. Говорю это как художник, потому что «вижу» музыку немножко иначе - глазами, да еще и руками могу потрогать. И еще раз настаиваю: с точки зрения художественного оформления главное действующее лицо балета – это Время и его течение как философская категория. Визуально наш спектакль представляет все виды отсчета хронологии: механические, солнечные и песочные часы, а еще космические, астрологические плюс морские приливы и отливы. И четыре сезона тоже принадлежат Времени. Персонажи свиты Феи – Весна, Лето, Осень, Зима – показывают Золушке, как происходит это волшебство.

- В их причудливые головные уборы вплетены крошечные часы!

- Естественно, ведь даже мельчайшие детали работают на главную мысль о смене Времен – и видео, и свет, и костюмы (по эскизам Новикова для казанской «Золушки» сшили 180 уникальных костюмов. – «ВК»). И, собственно, даже вращение элементов декорации тоже все время дает ощущение постоянного движения. Лишь в финале они оказываются в некой невесомости.

- Интересно, что на больших часах стрелка замерла, так и не дойдя до полуночи, а сакрального боя часов мы так и не услышали…

- Это также было важно для нас: доли секунды зависли в невесомости, а дальше – неизвестность, тайна, поворот судьбы.

- И повод домыслить волшебный сюжет самостоятельно! А сказочный паровоз на сцене какую нагрузку несет?

- Он хоть и условный, почти игрушечный, но тем не менее это символ века и конкретно 1940-х годов, во время которых и создавался балет. После войны все начали куда-то ехать, искать то ли свою Золушку (судьбу), то ли новую жизнь. Я о том, что музыка балета дает намного больше ассоциаций, чем можно представить на первый взгляд. В этом балете – история времени в глобальном смысле. Отсюда астрологические, космические элементы, кривые зеркала, в которых все не так, как кажется в реальности. А внутри этого огромного макромира вопреки всему существуют двое влюбленных персонажей, и мы с изумлением наблюдаем за ними.

- Вы упомянули о доме, который уже не вернешь… Эта тема была близка и Сергею Рахманинову, пережившему личную драму, потеряв любимое имение, он вынужденно уехал в США и всю жизнь тосковал по родине. Ностальгия о потерянном времени свойственна русским композиторам-эмигрантам?

- Ну да, конечно. Это осмысление эпохи. Но в отличие от Рахманинова Прокофьев иронизирует над своей тоской, над самим собой. Возможно, эта ирония была спасением. Но вот ощущение дома, которого больше нет, мне кажется, я аккуратно постарался отразить в нашей сказке.

- Дом, которого нет и больше не будет... Это значит, во-первых, что он был, к нему существовала огромная привязанность, как говорится, когда ты пророс в него корнями… Вы так остро это ощущаете оттого, что и у вас была подобная потеря?

- Слава богу, у меня такого личного опыта нет. Но я петербуржец с глубокими корнями. И если надолго уезжаю из Петербурга, то начинается какая-то неосознанная тоска, мандраж, дискомфорт. Стоит мне вернуться, вдохнуть воздух родного города – и все отступает.

А насчет превращенных в коммуналки бывших дворцов – все это происходило на наших глазах. В какой-нибудь каморке бывшей роскошной дворянской квартиры вместе с маргиналами могла доживать век ее бывшая хозяйка. Которая осталась в Петербурге, пережила со всеми блокаду… Другое дело, что в сказочном балете вовсе нет необходимости об этом сообщать «в лоб», но намеки делать вполне даже можно и нужно, и тонко чувствующий зритель уловит какие-то удары камертона своим сердцем. И когда в кривых зеркалах отражается пламя старинных свечей, то кажется, что они горят в минувшем и уже неподвластном нам прошлом… А космические вихри в тех же зеркалах отражают небеса будущих времен.

- Вместе с хореографом Надеждой Калининой в 2019 году вы создали «Золушку» сначала в Омске, затем в «Астана балете» в Казахстане, теперь - в Казани… И чем ваши «Золушки» в плане сценографии отличаются друг от друга?

- Для меня это уже четвертая «Золушка», в 2022-м я делал этот балет в Америке. Все эти балеты сценографически абсолютно разные. В Астане это история про альбом девочки, в котором она собрала в своей книжке все сказочные образы. Только книжка была огромная и подвижная. В Омске мы сделали акцент на механизмы, которые в казанском спектакле тоже присутствуют, но там доминировал именно век железа, металла. В Америке для World Ballet Company была создана прокатная очень яркая сказочная история, спектакль проехал, кажется, всю страну, и до сих пор его показывают.

- Настоящий фурор, судя по реакции публики, произвели даже не столько сказочная пара Золушка (Кристина Андреева/Аманда Гомес) и Принц (Олег Ивенко/Вагнер Карвальо), сколько характерная Мачеха (Артем Белов/Михаил Тимаев) и ее вредные дочки Кривляка и Забияка (Александра Елагина, Лана Халимова/Дина Набиуллина, Ольга Алексеева), а также бесподобный гротескный Церемониймейстер (Фаяз Валиахметов). И кто-то из зрителей даже сказал, что казанскую версию балета следовало назвать «Мачеха Золушки».

- Людям всегда нравятся подобные бяки (смеется), вспомните Бабу-ягу в выдающемся исполнении народного артиста Георгия Милляра, других мужчин, исполнявших женские роли. Естественно, они придали драйва и добавили красок в спектакль, в котором, напомню, главная идея – о преходящем Времени.

=============================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

[Елена С.]

Номер ссылки| 2026052202
Тема| Балет, «Шостакович Опера Балет», Премьера, Персоналии, Юрий Бурлака, Денис Мазанов, Екатерина Фатеева
Автор| Павел ЯЩЕНКОВ
Заголовок| Балетная премьера в «Шостакович Опера Балет»: к ней оказалась причастна супруга Наполеона III
Премьера новой редакции балета «Корсар» состоялась в самарском театре
Где опубликовано| © газета "Московский Комсомолец"
Дата публикации| 2026-05-22
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2026/05/22/baletnaya-premera-v-shostakovich-opera-balet-k-ney-okazalas-prichastna-supruga-napoleona-iii.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Одному из самых популярных балетов в мировой истории балету «Корсар» исполнилось 170 лет. Премьера новой редакции этого шлягера в самарском театре «Шостакович Опера Балет», продолжающим пополнять свою уникальную коллекцию спектаклей классического наследия, доказательство правильности выбранной театром стратегии по сохранению классики. Худрук балетной труппы Юрий Бурлака, ставший автором новой хореографической редакции, обратился к самым редким источникам, чтобы показать драгоценную жемчужину мирового классического репертуара с ещё невиданной стороны…


Финал балета «Корсар». Фото Анна Рубакова. Предоставлено пресс-службой театра «Шостакович Опера Балет»

ДАЛЕЕ - ПО ССЫЛКЕ

[Елена С.]

Номер ссылки| 2026052301
Тема| Балет, Нуриевский фестиваль, Казань, Персоналии, Михаил Тимаев, Олег Ивенко, Кристина Захарова, Александра Елагина
Автор| Регина Яфарова
Заголовок| «Грек Зорба» на 39-м Нуриевском фестивале: греческие этнические танцы и академическая техника
Где опубликовано| © «Миллиард.Татар»
Дата публикации| 2026-05-23
Ссылка| https://milliard.tatar/news/grek-zorba-na-39-m-nurievskom-festivale-greceskie-etniceskie-tancy-i-akademiceskaya-texnika-9725
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

В мае 2024 года на Нуриевском фестивале в Театре оперы и балета впервые в России был поставлен балет «Грек Зорба». Мировая премьера спектакля состоялась еще в 1988 году, и теперь эту постановку смогла увидеть российская публика. На 39-м Нуриевском фестивале балета побывала культурный корреспондент «Миллиард.Татар» Регина Яфарова и вновь смогла увидеть постановку Лорки Мясина.

Балет рассказывает историю молодого американца Джона, который приезжает в Грецию в поисках нового смысла жизни. Там он знакомится с харизматичным и свободолюбивым Зорбой — человеком, который живет чувствами, музыкой и танцем. Под влиянием Зорбы Джон постепенно меняется, открывая для себя свободу, любовь и способность по-настоящему чувствовать жизнь. Параллельно развивается трагическая история любви Джона и Марины, а также драматическая линия Мадам Ортанс. Через танец спектакль показывает столкновение свободы и жестокости общества, а также силу человеческой поддержки перед лицом утраты.



Во вступительном слове Александр Максов рассказал:
«Балет «Грек Зорба» покорил многие страны: Южную Америку, Египет, Австралию. А в России впервые появился именно в Казани. И здесь остается единственным в нашей стране. Правда, недавно артисты театра имени Мусы Джалиля вместе с приглашенными солистами Большого театра показали фрагмент этого спектакля на международном фестивале Dance Open в Санкт-Петербурге».

Популярность названия «Грек Зорба» связана с оскароносным фильмом 1964 года, который был поставлен по роману греческого писателя Никоса Казандзакиса. Он повествует о любви… трагической любви. Автор поднимает во весь голос темы добра и зла, темы неприятия одними людьми инаковости других людей, неоправданной жестокости.

Свой балет Лорка Мясин сочинял на острове Ли Галли (Италия) в Тирренском море, который прежде принадлежал его отцу, Леониду Мясину, а затем и Рудольфу Нуриеву. И как удивительно образ этого мятущегося гения танца снова расправляет крылья в этом храме искусства».

Главную партию Зорбы исполнил Михаил Тимаев, хотя изначально эту роль должен был танцевать Игорь Цвирко из Большого театра. Также в спектакле были заняты: Джон — Олег Ивенко, Марина — Кристина Захарова, Манолиос — Глеб Кораблев, Мадам Ортанс — Александра Елагина. За дирижерским пультом — Андрей Аниханов.

Фото: © предоставлено Татарским академическим государственным театром оперы и балета имени Мусы Джалиля

Михаил Тимаев — Зорба

Особенно интересно было наблюдать за Михаилом Тимаевым. Он — классический премьер, исполняющий партии Зигфрида и Спартака, и потому особенно заметно, как в финале спектакля его пластика меняется: от строгой академической техники он переходит к «земному», свободному народному греческому танцу. И ему действительно удалось передать эту дикую, неакадемическую свободу. В этнических греческих танцах он выглядел очень органично.

О возникшем из киноленты «Грек Зорба» танце рассказал Александр Максов:

«Танец Сиртаки — это тот самый танец, возник не из недр народного фольклора, а из киноленты и музыки Микиса Теодоракиса. А дело в том, что во время финальной съемки фильма исполнитель главной роли Грека Зорбы Энтони Куинн сломал ногу и не мог совершать резкие прыжки и движения в танце. Так возник танец, стелющийся по земле, но постоянно усиливающий эмоциональное напряжение, как бы преодолевающий бесконечную боль и отчаяние. И этот танец — он спасает этих людей».

Джон в исполнении Олега Ивенко

Партия Джона в исполнении Олега Ивенко тоже произвела сильное впечатление. Уже первое появление героя получилось невероятно ярким — зажигательная сольная партия, впечатляющие прыжки. В течение спектакля особенно ощущается, как под влиянием Зорбы меняются движения Джона: сначала они более сдержанные, а затем становятся свободнее, шире, раскованнее. Очень трогательно показана их дружба — сцены, где Зорба учит Джона танцевать, подбадривает его после потери любимой, словно пробуждает к жизни через танец.



Фото: © предоставлено Татарским академическим государственным театром оперы и балета имени Мусы Джалиля

Кристина Захарова в партии Марины

Кристина Захарова в партии Марины, как всегда, была на высоте. Сначала ее героиня легкая, влюбленная — движения нежные, воздушные и технически выверенные. Дуэты Марины и Джона наполнены одновременно нежностью и внутренней силой, а поддержки в их танцах невероятно сложные и красивые.

Позже Марина через пластику точно передает угнетенность и страдания своей героини. Особенно сильными были ее сольные партии в длинном платье — движения будто скованы костюмом, но именно это подчеркивает внутреннее состояние персонажа. Очень выразительно была поставлена и ее партия с Манолиосом: Марина буквально отталкивает его танцем, уверенно показывая, что он ей неприятен и что она его не любит. Все чувства она смогла передать исключительно через движение.



Фото: © предоставлено Татарским академическим государственным театром оперы и балета имени Мусы Джалиля

Партия Мадам Ортанс

Исполнение Александры Елагиной в партии Мадам Ортанс получилось очень тонким и человечным. Через танец она передает образ уже не молодой французской певицы с розовым боа, которая пытается сохранить бодрость, легкость и романтичность, оставаясь при этом женщиной, все еще способной любить. В ее пластике чувствуется особая французская грация и желание нравиться, несмотря на возраст и одиночество героини. Особенно ценно, что Елагина показывает чувства Мадам Ортанс к Зорбе не нарочито и не прямолинейно — любовь читается в жестах, взглядах, мягкости движений и том, как героиня тянется к нему. Благодаря этому образ получился очень живым, трогательным и по-настоящему человеческим. В сцене смерти Зорба кружит ее, поднимает на руках, и она умирает у него на руках — очень сильный и трогательный эпизод.

Сценография как настроение героев

Первый акт сразу создает атмосферу: на сцене древнегреческие скульптуры, на синем фоне — серая луна. Затем сценография меняется: появляются желто-оранжевые оттенки. Цвет неба и луны менялся вместе с настроением героев. Очень интересно выглядело сочетание классических костюмов — брюки с ремнями у Зорбы, Джона и кордебалета — с народной пластикой танца.

В спектакле огромную роль играют музыка и хор: хор поет вживую, а музыка постоянно усиливает эмоциональное напряжение. Даже сцены с кордебалетом наполнены экспрессией. Солистами, которые исполнили партии песенок Мадам Ортанс стали народная и заслуженная артистка РТ Эльмира Калимуллина и народная и заслуженная артистка РТ Алина Шарипжанова.

Особенно запомнились драматические моменты: попытки Манолиоса отобрать Марину у Джона, прощание Джона и Марины, когда Манолиос забирает ее платок, а музыка достигает своего пика. В этот момент сцена вновь окрашивается в синий цвет, появляется синяя луна, и начинается драматичный дуэт Марины и Джона.

Танец – способ пережить утрату

Во втором акте атмосфера становится еще более напряженной. Появляется Мадам Ортанс — Зорба дарит ей красную розу, а затем следует красивый танец с белыми лентами, которые поддерживает женский кордебалет.

Очень сильной стала сцена сольного танца Марины в красном платье: она танцует под пение Эльмиры Калимуллиной, которая стоит на полукруглом мосту-конструкции, напоминающем часть башни со статуями по краям. Позже Марина появляется с распущенными волосами — ее танец становится тревожным, тяжелым, будто героиня мечется по сцене, пытаясь выразить свое отчаяние.



Кульминация спектакля получилась эмоционально тяжелой: Манолиос сталкивается с Джоном, Марину окружает кордебалет — героиня оказывается на полу, ее забили камнями, а Джон пытается прорваться к ней. Марина умирает. После этого Зорба утешает друга.

Финал спектакля становится символом поддержки и внутреннего преодоления. Джон начинает танцевать народный греческий танец — тот самый, которому его научил Зорба, — и приглашает танцевать самого Зорбу. Этот танец становится для них способом пережить утрату и поддержать друг друга. Постепенно к ним присоединяется кордебалет, танец становится все более активным, а на экране появляются голубое море и небо.

Фото: © предоставлены Татарским академическим государственным театром оперы и балета имени Мусы Джалиля
========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ