Балет и Опера

Елена С.

Номер ссылки| 2026030201
Тема| Балет, МТ, Премьера, Персоналии, Вячеслав Самодуров, Родион Щедрин
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Хороводный приговор
Вячеслав Самодуров поставил в Мариинском театре балет по Родиону Щедрину
Где опубликовано| © Газета «Коммерсантъ» №36 от 03.03.2026, стр. 11
Дата публикации| 2026-02-02
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/8478362
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

На сцене «Мариинский-2» состоялась премьера одноактного балета «Хороводы», который Вячеслав Самодуров поставил на музыку одноименного концерта для оркестра (1989) Родиона Щедрина. В хоровод художественных задач спектакля Татьяна Кузнецова вписаться не смогла.

Балет «Хороводы» хореографа Вячеслава Самодурова на музыку Родиона Щедрина
Фото: Михаил Вильчук / Мариинский театр, 2026 г.

ДАЛЕЕ - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Сцена из балета «Хороводы», 2026 год. Фото — Михаил Вильчук © Мариинский театр

В Мариинском театре показали новинки.

Премьера одноактного балета «Хороводы» на музыку Родиона Щедрина прошла перед показом оперы Моцарта «Идоменей, царь Критский». По художественным итогам танец начал и выиграл.

Музыка «Хороводов», отнюдь не балетная, а концертная, была написана по японскому заказу. Заказчик хотел что-то в «русском духе», Щедрин и сочинил, причем без единой цитаты из фольклора. Зато насытил партитуру массой экзотических звучаний и включил в состав оркестра… что только не включил. Сам жанр концерта предполагает соревнование музыкальных инструментов, причем в лидеры может выйти любой из них. В музыке одночастного концерта сами инструменты ведут самозабвенные хороводы.

Тембры и оркестровка так оригинальны и неожиданны, что буклет театра почти захлебывается в перечислениях. Флейты издают скользящий свист, скрипки зудят по-комариному и стучат смычками, контрабасы взлетают в третью октаву, трубы голосят, кларнеты причитают… А ведь есть и клавесин как гусли, и «два с лишним десятка инструментов из дерева, металла, стекла», включая бокалы для шампанского. Плюс истинно русский инструмент — бамбуковые брусочки.

Валерий Гергиев, который любит музыку Щедрина, все это озвучил с вниманием к сути. У Гергиева «русский дух» знает толк в самовнушении, по принципу «долго запрягает — быстро едет». Правда, предполагаемой бесшабашности, на которую сделал упор и хореограф, в грамотном, но сдержанном оркестре не оказалось. На сцене азарта было больше, чем в оркестровой яме.

ДАЛЕЕ - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2026030301
Тема| Балет, «Балет Москва», Премьера, Персоналии, Татьяна Белова, Павел Глухов, Лариса Ломакина, Антон Торбеев, Светлана Тегин
Автор| Роман Володченков
Заголовок| Смелый «Щелкунчик. …»
Где опубликовано| © Музыкальные сезоны
Дата публикации| 2026-03-03
Ссылка| https://musicseasons.org/smelyj-shhelkunchik/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

На сцене «Московского театра «Новая Опера» имени Е. В. Колобова» труппа «Балет Москва» представила премьеру танцевального спектакля Павла Глухова «Щелкунчик. Несказка» на музыку П. И. Чайковского. Эта новая интерпретация балета русского классика перекинула мостик от кукольной сказки Э. Т. А. Гофмана к событиям, словно сошедшим со страниц военных романов Э. М. Ремарка.

Главная задача современного театра танца, его разнообразных приемов и техник, накопившихся за более чем столетие – вести прямой диалог со зрителями. В этом смысле возможности образцового классического танца не всегда подходят демократичной аудитории. Шифры современного танца не столь эстетизированы, как классика, и имеют преимущества более доступных высказываний. Потому современный «Щелкунчик. …» Павла Глухова – не феерия на пуантах и совсем несказка, а вполне реальная история про молодое поколение и не нашу войну с лицом старухи, которая будет в балете главным гротесковым персонажем. В такой, крепко завязанной на знаковой музыке танцевальной истории, Павел Глухов сумел добиться масштаба общечеловеческих смыслов.

Действие своего «Щелкунчика. …» Павел Глухов (он же, совместно с Татьяной Беловой, автор либретто) переносит в первую половину XX века во французский городок Шанфлёри, где живет мастер-кукольник Натаниэль. Перед Рождеством у него немало заказов на красивые игрушки. Среди них солдатики в нарядной военной форме. Вырезая их деревянные фигурки Натаниэль погружается в воспоминания двадцатилетней давности, когда его и таких же как он юношей провожали на войну хорошенькие девушки. Ожившие воспоминания главного героя раскрывают образ его возлюбленной Клары, которая пережила трудные годы Первой мировой войны и встретила с фронта Натаниэля с покалеченной душой. Большая, тяжелая война изменила их обоих и все вокруг. Найти себя, вернуть прежнюю любовь Натаниэлю и Кларе сложно. Однако их чувство сильнее смерти, счастливое будущее молодые люди еще смогут пережить.

Данный сюжет спектакля вычитывается зрителями из последовательных сцен, в каждой из которых преобладает режиссерская (упавшая на площади огромная рождественская елка – как символ крутых жизненных перемен, рухнувшего мира) или танцевальная кульминация (изобретательный по комбинациям и композиции Розовый вальс). Вникнуть в события помогает музыка известных номеров, дающих ассоциативные подсказки (к примеру: Бой мышей и солдатиков у Чайковского – это военные действия у Глухова; Вальс снежных хлопьев у Чайковского – это у Глухова заснеженное поле с раненными и погибшими). Исходя из перечисленных эпизодов, а также совпадающей с ними по стилю скупой, мрачновато-сепийной сценографии (сценограф – Лариса Ломакина, художники по свету – Татьяна Мишина, Андрей Костюченков, видеохудожник – Алексей Бычков) можно говорить о вполне продуманной драматургии оригинального танцевального произведения. С большим вкусом, отсылками к эпохе созданы костюмы Светланы Тегин.

У хореографии Павла Глухова есть свои лексические предпочтения, реализуемые в различных дуэтных композициях (на отдельных солистов и на кордебалет). Это сложные, насыщенные движениями комбинации с верховыми и нижними (на полу) поддержками. Угадываются приемы с оглядкой на Акрам Хана. Искусственные маки в финале спектакля как будто вырастают из гвоздик Пины Бауш. Остаются с вопросом оркестр и дирижер (Антон Торбеев), расположившиеся почти на арьерсцене: управляющий музыкальным коллективом маэстро стоял спиной к танцовщикам и удачно ориентировался в темпах без оглядки!

Что касается уровня исполнения, то молодые, очень пластичные солисты и артисты «Балета Москва» справились со всем перспективно, продемонстрировав увлеченность идеями постановщиков. Очевидно, что спектакль, со временем, обкатается, растанцуется и, возможно, станет одним из самых популярных в репертуаре театра.

Фото предоставлены пресс-службой
«Московского театра «Новая Опера» имени Е. В. Колобова»

=============================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Фото Иры Полярной

Партитуру «Щелкунчика» Петр Ильич Чайковский писал по сценарию и подробному плану Мариуса Петипа: в XIX веке главным автором балета был балетмейстер, композитор шел за ним. В XX веке музыка зажила самостоятельной жизнью, вдохновляя постановки и весьма далекие от первоначального замысла.

Танцевальный спектакль «Щелкунчик. Несказка», премьера театра «Новая опера / Балет Москва» – из их числа. В нем нет ни Щелкунчика, ни Мари Штальбаум, ни событий новеллы Э.Т.А.Гофмана, кратко, но без больших разночтений с подлинником переданных в оригинальном либретто. Взамен хореограф Павел Глухов и драматург проекта Татьяна Белова придумали историю ремесленника Натаниэля, проживающего в 1938 году «в городке Шанфлери, недалеко от Реймса», мастерящего на продажу деревянных солдатиков и вспоминающего юность: Францию 1910-х годов, Первую мировую, «золотые двадцатые». Новый сюжет корректно связывает друг с другом картины рождественской вечеринки, ночной баталии и праздничного дивертисмента; обходит все, что не понадобилось постановщику – игрушки, мышей, снежинок, ожившие сладости.

Партитура «Щелкунчика» звучит при этом без изменений, и Павел Глухов прекрасно слышит и понимает ее, из нее выводит танцы и мизансцены.

Уже в самом начале, там, где композитор по заданию Петипа отправляет зрителей и слушателей в «старое доброе время», в мир детских радостей, предвкушения праздника, хореограф находит чрезвычайно близкий музыке тон – немного насмешливый, немного сентиментальный, при котором вещи, давно знакомые, предстают в новом освещении. Сколько раз мы видели, как образы прошлого возникают за полупрозрачным занавесом, а переход в зону воспоминаний обозначается подъемом этой условной границы времен? Павел Глухов заимствует из запасника театральных идей традиционный постановочный ход, но дополняет его живой деталью. Поднявшийся занавес притормаживает, один из танцовщиков приподнимает его край, пропуская остальных. Прошлое не застилает настоящее, не вторгается, но заговорщически прокрадывается в него.

Чуть позднее хореограф выводит на сцену старуху Сандрин. Разобраться, какова ее роль в сюжете, непросто, даже прочитав программку. Но совершенно ясно, откуда взялась эта героиня в спектакле. Расхаживающая с двумя тростями, исподлобья глядящая на общую беззаботность, грозно-величавая в самой своей дряхлости, она – родная сестра женских образов в поздних произведениях Чайковского: злой феи Карабос из «Спящей красавицы», графини из «Пиковой дамы».

Экспозиция лирической темы, первый дуэт Натаниэля и Клары, идет на музыку, написанную Чайковским для сюжетной завязки – в классических постановках под нее Дроссельмейер показывает Щелкунчика, Щелкунчик ломается, и Мари баюкает его. В новом спектакле деревянная тема колки орехов отзывается в деревянной пластике Натаниэля. Испугавшись, но и не веря, что жених может стать марионеткой, человеком-механизмом, Клара обнимает его и, обнимая, отогревает. Помещенная в такой сценический контекст, мелодия колыбельной не только выражает сострадание, перерастающее в любовь, но и зовет вернуться в детство, к человеческому естеству.

Еще раз, в трагическом преломлении, этот мотив пройдет во втором акте. Там, едва в оркестре раздадутся отзвуки сражения (у Чайковского – рассказ Щелкунчика), забьется в припадке мучительных воспоминаний о сражениях Натаниэль, и терпеливо будет его успокаивать Клара.

Но сперва развернется пугающе-грандиозное полотно баталии. В «ночной» части первого акта, сменяющей праздник, хореограф обходится без мышиного и игрушечного войск, без встречного наступления противников. В накатывающих и опадающих волнах общего движения масса танцовщиков то переминается в дрожащих прыжках, то яростно вытаптывает сцену, то рассыпается по ней группами, отзываясь на страшные возгласы фанфар, на глухие и гулкие удары барабана. Прямым продолжением баталии становится Вальс снежных хлопьев, где танец, все набирая скорость, вдруг замедляется на фоне несущейся в оркестре вьюги.

Другой мощный хореографический пласт концентрируется во втором акте вокруг главных героев. Он начинается эпизодом почти бытовым. После дивертисмента (его танцы, хотя и отданные персонажам первого акта, проходят куда более самодостаточными, независимыми от целого миниатюрами, чем танцы кукол или сладостей в любом из «Щелкунчиков»), в Вальсе цветов Натаниэль и Клара пытаются соединиться, вспомнить, каково это быть вместе, а кордебалет то разводит их, то, собравшись в пары, противопоставляет внешнее согласие бального танца внутренней разобщенности героев, ищущих и не находящих контакта.

В большом адажио Павел Глухов использует все возможности современной хореографии – от неклассических поддержек, в которых партнерша цепляется ногой за плечо партнера, до перекатов по полу, чтобы сплести ту бесконечно длящуюся, раскручивающуюся по спирали вместе с главной темой дуэта линию танца. А потом, слив героев в поцелуе, оставляет их неподвижными на все то время, что звучит мужская вариация. Отсюда, из нулевой точки неподвижности, под морозные перезвоны вариации Феи Драже, по шагу рождается их дуэт – воспоминание о танцах на рождественской площади в первом акте. Он идет все уверенней. Вот герои словно переступают порог, отделявший их от друг от друга и от друзей, и хороводные фигуры финального вальса вовлекают их в круг общего праздника.

Для спектакля многое значит работа всех исполнителей и постановочной команды. Сценография Ларисы Ломакиной – домики, словно перерисованные с фотографии начала XX века, и настоящее фото Руанского собора, спроецированное на декорационный задник – переносит в старую Францию. Костюмы Светланы Тегин, в первом действии длящие сепиевую гамму декорации, во втором вспыхивают огнями чистых цветов.

Дирижер Антон Торбеев ведет оркестр в концертных темпах, не останавливаясь на аплодисменты – и партитура звучит как цельное симфоническое произведение.

Танцовщики Дарья Комлякова (Клара) и Андрей Лега (Натаниэль в юности) интонируют хореографический текст так, что дуэты их героев, вообще-то скорее силовые, реют в упругих потоках звуков, а гротескное тело Сандрин невозможно представить в отрыве от пластики Юрия Чулкова.

Определение «несказка», добавленное в заголовок спектакля, предупреждает, что в новом «Щелкунчике» не стоит искать соответствия новогоднему театральному канону. Спорить с авторами о сути сделанного ими как-то не принято, да и повода как будто бы нет. Их постановка и впрямь далека от фантастического повествования Гофмана. Тем более далека она от балетных феерий конца XIX века. Но сделанная, оформленная и исполненная в согласии с музыкой, она рассказывает ту самую сказку, что имел в виду Чайковский; ту сказку, которую без малого сто сорок лет вновь и вновь пересказывает танец.

Елена С.

Прима-балерина Большого театра Элеонора Севенард (ЭС) – одна из ярких артисток молодого поколения, ученица Татьяны Удаленковой в АРБ имени А.Я. Вагановой, Светланы Адырхаевой и Марии Аллаш в Большом театре. Интерес к ней вначале подогревался информацией о принадлежности к блестящей балетной династии: солист Мариинского театра Феликс Кшесинский, его дети – танцовщики Иосиф Кшесинский и легендарная Матильда Кшесинская. Сама Элеонора признается: «Я горжусь тем, что она моя предшественница, для меня это особенный стимул в профессии».

Но сейчас в ее репертуаре такие великие партии классического наследия, как Аврора, Никия, Гамзатти, Китри, Жизель, Мари, Сванильда, Джульетта, Аспиччия, Раймонда. Танцует она и в балетах XX столетия: Мехмене Бану, Эгина в легендарных «Легенде о любви» и «Спартаке» Юрия Григоровича, Кармен в «Кармен-сюите» Альберто Алонсо. Артистка занята и в современной хореографии: исполняет Лизу в «Пиковой даме» Юрия Посохова, соло в «Танцемании» Вячеслава Самодурова, заглавную партию в «Орландо» Кристиана Шпука, Княжну Сорокину в «Анне Карениной» Джона Ноймайера.

В 2025 году Элеонора Севенард участвовала в премьерах танцевальных проектов «Две Анны» и «Дягилев», где стала первой исполнительницей партий таких значимых для истории русского искусства личностей, как Анна Ахматова и Тамара Карсавина. О том, как она работала над этими легендарными образами, а также о творческом становлении, создании «Дягилева» и сценическом дуэте с мужем – премьером Большого театра Денисом Родькиным – с танцовщицей побеседовал Филипп Геллер (ФГ).

ФГ Вы выпускница Академии Русского балета имени А.Я. Вагановой. Какие воспоминания об учебе?

ЭС Самые прекрасные. В Академии хранят традиции воспитания артистов. Это уникальное место, там начинаешь чувствовать важность своей профессии.

ФГ Было бы закономерно, если бы вы выбрали Мариинский театр, но вы пошли в Большой. Почему? Насколько я знаю, в Мариинку вас тоже пригласили после окончания Академии.

ЭС Изначально мечтала о Мариинском театре. Но когда лет в шестнадцать у меня появился первый телефон с доступом в интернет и социальные сети, стала пользоваться этими современными возможностями для саморазвития. Изучала творчество балетных артистов и репертуар театров. Очень понравился репертуар Большого театра и захотелось попробовать туда попасть. Вдруг возьмут? Однажды поехала на просмотр – и в театре сказали, что меня хотят там видеть! Меня брали в кордебалет, при этом обещали, что будет шанс проявить себя в сольных выходах на сцену. Художественный руководитель труппы Махар Хасанович Вазиев сразу предупредил, что дадут педагога-репетитора и предстоит подготовить вставную вариацию в «Дон Кихоте». Тогда почувствовала уверенность в своем будущем: для ребенка, который только выпускается и идет в неизвестность, это очень важно. Позже поступило приглашение из Мариинского театра. Они сразу пообещали сольные партии, но никаких гарантий ни в чем не дали. Так что все сложилось в пользу Большого.

И когда пришла туда, действительно работала в кордебалете, но при этом исполняла и сольные вариации. Через полгода после поступления в труппу станцевала ведущую роль – Мари в «Щелкунчике». Потом, после двух лет кордебалета меня повысили до солистки, и это было очень ощутимо: смогла сфокусироваться и направить все силы на новый репертуар.

ФГ Как вы получили партию Мари в спектакле Юрия Григоровича?

ЭС Махар Хасанович вызвал меня и сказал подготовить эту роль. Начинающие балерины чувствуют этот образ очень искренне. Когда ты еще совсем молоденькая, юная девочка, совершенно не нужно изображать детские эмоции. Ведь Мари – ребенок, тогда все выглядит очень естественно. А технически эта партия непростая: тут очень сложные прыжки и вращения, которые требуют хорошей репетиционной работы. После Мари мне дали роль Гамзатти в балете «Баядерка».

Часто Кармен интерпретируют слишком приземисто, нарочито, а порой – пошло.

ФГ У вас очень богатый и разнообразный репертуар: Жизель, Раймонда, Никия, Эгина, Джульетта, Аврора. Какие партии ближе – лирические, драматические или с огоньком, такие как Китри в «Дон Кихоте»?

ЭС По физическим возможностям мне подходят Китри, Гамзатти, Эгина, Мехмене Бану. А по образу легче даются лирические – например, Никия. Как героиню я ее чувствую и понимаю, знаю, что, где и как нужно сделать. Вот в партии Китри надо обдумывать, как показать тот или иной жест, как посмотреть на партнера. А в роли Никии все рождается само собой. Сейчас ощущаю себя свободно во всех партиях – научилась их прорабатывать. Плюс уже есть смелость и опыт. Очень люблю именно эту часть нашей профессии – создание образа. Артист должен понимать характер и темперамент своего героя.

Мне, например, очень нравится исполнять Кармен – хотя она совсем не лирический персонаж. Часто ее интерпретируют слишком приземисто, нарочито, а порой – пошло. В этой роли для меня образец, конечно, Майя Михайловна Плисецкая. Смотрела ее многочисленные интервью, где она говорит, что Кармен понимает, как она красива и желанна, и испытывает мужчин, словно бы играя с ними. Когда танцую «Кармен-сюиту», стараюсь соответствовать ее словам.

Каждое движение надо пропускать через определенную эмоцию – тогда находишь нужный образ. В жизни мы можем быть совсем другими, но на сцене мы артисты и должны создавать роль.

ФГ Вы танцуете не только в классических постановках, но и в спектаклях современных хореографов. Сотрудничество с кем из них вам запомнилось больше всего?

ЭС Наверное, с Юрием Михайловичем Посоховым. Первый раз вместе с ним работала над его «Пиковой дамой», где танцевала Лизу. Какие-то фрагменты он ставил конкретно на меня, мои возможности и данные – это был первый подобный опыт в жизни, очень приятный и важный для балерины. «Пиковая дама» – потрясающий спектакль, надеюсь, он будет идти чаще.

ФГ А в чем для вас различие между классической и современной хореографией?

ЭС Классический балет – это форма, позиции рук и ног, все должно соблюдаться строго по школе Вагановой. Современная или неоклассическая лексика позволяет больше свободы в движениях. Но порой эту свободу технически достичь сложнее, чем в классических спектаклях.

ФГ Вы стали первой исполнительницей роли Тамары Карсавиной в балете «Дягилев», который создал молодой хореограф Алессандро Каггеджи в проекте вашего мужа, Дениса Родькина. Как вы готовились к этой партии? Наверняка что-то читали о своей героине?

ЭС Источников и информации много: в начале XX столетия было модно писать мемуары. Помню, что в школе изучала автобиографию Карсавиной «Театральная улица». Мне очень нравится ее подход к профессии.

ФГ А о чем, на ваш взгляд, балет «Дягилев»?

ЭС О процессе создания спектакля «Дафнис и Хлоя» на музыку Равеля в 1912 году труппой Сергея Павловича. В тот период в ней были почти все лучшие и великие люди из «Русских сезонов»: Михаил Фокин, Вацлав Нижинский, Тамара Карсавина, художник Леон Бакст. Карсавина в этом мужском коллективе была не просто музой, но и мягкой, доброй силой: проявляла дипломатию, мирила всех, когда были какие-то конфликты, а они неизбежны в любой творческой команде. В «Дягилеве» Денис Родькин собрал пять премьеров Большого театра: он сам, Вячеслав Лопатин, Денис Савин, Дмитрий Смилевски, Семен Чудин. Плюс я и Анастасия Меськова. Всем артистам было интересно создавать спектакль и роли, мы вкладывались эмоционально и физически в эту работу, проводили много времени вместе в зале. Слава богу, балет – это искусство, которое не дошло до онлайн-процесса, оно предполагает только живое участие. Важно, что во время репетиций рождается чувство единения со своей командой. Это обусловлено заинтересованностью и фанатизмом людей, которые вкладывают все свои силы в постановку. Так же было и в «Русских сезонах»: Дягилев заряжал своих подопечных энергией, объединял их, создавал рабочее настроение.

ФГ Еще один современный балет в вашем репертуаре – «Две Анны», совместный спектакль Юрия Посохова и Павла Глухова, где Посохов создал первую часть, «В чертогах памяти», об Анне Ахматовой, а Глухов – вторую, «Без любви», об Анне Павловой. Вам поручили роль великой поэтессы. Какой вы увидели ее для себя?

ЭС Тут все заложено в хореографии: Юрий Михайлович очень хорошо знал, что хочет видеть в конечном итоге. А фортепианный квинтет Сезара Франка идеально подошел к истории о взаимоотношениях Ахматовой с поэтом Николаем Гумилевым и художником Амедео Модильяни. Для меня это был безумно интересный опыт: Анна Андреевна – женщина, опередившая свое время, с сильным и несгибаемым характером, при этом она тонко чувствовала и любила. Это ощущается в ее стихах. Я стремилась это показать. Кстати, благодаря этому спектаклю совершенно иначе стала относиться к поэзии: поняла, что это отдельный вид искусства, очень сложный и одновременно тонкий мир. Теперь у меня иногда бывает настроение, когда хочется найти какое-то стихотворение и прочитать его…

ФГ Вы с Денисом Родькиным вместе уже восемь лет. Ваш творческий дуэт сразу сложился?

ЭС Денис был премьером Большого театра, а я тогда только начинала свою карьеру. Поначалу вместе танцевали очень редко, так как работала в кордебалете. Но потом совместные выступления участились. Денис вел почти весь репертуар в театре, а у меня впереди был большой путь.

ФГ А легко ли с ним вместе на одной сцене? Не возникает чувства особенной ответственности друг перед другом?

ЭС Танцевать с Денисом всегда особенно для меня, и это чувство неизменно. С ним надежно, чувствую огромную поддержку, он великолепный партнер и актер!

ФГ Вы оба известные артисты, можно сказать, две звезды. Это мешает или помогает карьере?

ЭС В наших отношениях мы не звезды, а нормальные люди. Профессия артиста балета требует большой взаимной поддержки: любимый человек должен хорошо понимать ее особенности. Самое главное – забота и уважение друг к другу.

ФГ Элеонора, скажите, а часто ли вы сейчас выступаете с региональными труппами в качестве приглашенной балерины? Еще совсем недавно это было очень популярной практикой у многих артистов. Но теперь, по-моему, количество подобных выступлений резко сократилось…

Люблю выступать в разных городах России: ни в одной стране мира нет такого количества театров, как у нас.

ЭС Да, наверное, это связано с бюджетами театров.

Раньше часто ездила танцевать с другими коллективами. Например, мой дебют в партии Одетты-Одиллии произошел на сцене Татарского театра оперы и балета в Казани в рамках Нуриевского фестиваля. Премьера Никии у меня произошла тоже не в Москве, а в Самаре – на Фестивале классического балета имени Аллы Шелест. Вообще, очень люблю выступать в разных городах России: ни в одной стране мира нет такого количества театров, как у нас. И везде очень достойный уровень трупп. Почти в каждом крупном русском городе есть театр оперы и балета – это уникально. Вот сейчас мы как раз ездили со спектаклем «Дягилев» в Нижний Новгород. Там нас очень тепло принимали зрители.

ФГ Какие в ближайшее время будут интересные мероприятия с вами? Что нам ждать?

ЭС Буду выступать на XIX Зимнем международном фестивале искусств в Сочи, который регулярно организовывает Юрий Абрамович Башмет. В этот раз программа посвящена Юрию Николаевичу Григоровичу, которого не стало в прошлом году: артисты разных театров представят па-де-де из спектаклей Мастера. Исполню фрагмент из «Спартака» и «Черное» па-де-де из «Лебединого озера». Участие в этом вечере – огромная честь для меня.

Фото: Алиса Асланова

=====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Денис Родькин – о тайной свадьбе с праправнучкой Кшесинской, "домашнем" Григоровиче и февральском Сочи.

22 февраля, когда в Сочи распускалась мимоза и стояли красно-оранжевые закаты, в Зимнем театре дали специальный вечер балета "Хореография судьбы", посвященный выдающемуся хореографу Юрию Григоровичу, ушедшему из жизни в 2025 году. На сцене – звезды российского балета, ведущие примы-балерины и премьеры Большого, Мариинского, Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко. Среди них – и самая красивая балетная пара: премьер Большого театра Денис Родькин и прима-балерина Элеонора Севенард. В рамках XIX Зимнего фестиваля под руководством Ю. А. Башмета они исполнили сольные номера и дуэты из самых известных постановок Григоровича – от "Лебединого озера" и "Каменного цветка" до "Спартака" и "Легенды о любви".

Накануне выступления Клео.ру удалось поговорить с Денисом, который к своим 35 годам успел станцевать все ведущие партии в лучшем театре страны и заслужить звание лучшего танцора 2016 года по версии итальянского издания Danza & Danza. Ровно год назад, здесь, в Сочи, он сделал предложение своей возлюбленной, красавице и праправнучке самой Матильды Кшесинской Элеоноре Севенард. А в этом году, тайно поженившись, пара приехала уже в обновленном статусе законных супругов.

– Денис, начнем с Григоровича. Именно вы стали инициатором этого вечера, вы хорошо были знакомы с Юрием Николаевичем?

– Этот человек для меня, наверное, один из самых главных в профессии. Именно на его спектаклях я состоялся как артист и вдохновлялся искусством балета. Мне – да, посчастливилось быть маленькой частью Вселенной под названием "Григорович", в которую он меня впустил, доверив танцевать Спартака. Для меня это был предел мечтаний. Когда я пришел в Большой театр, то очень многие пророчили мне роль принца в "Лебедином озере", но жизнь так сложилась, что Спартака я станцевал раньше. Я всегда восхищался дарованием Юрия Николаевича, который не ставил балет – он делал спектакль.

– По словам артистов, которые работали с Григоровичем, он был очень требовательным и жестким. А вы его не боялись?

– Знаете, боялся… боялся его разочаровать. Но страха перед ним у меня никогда не было? что он меня откуда-то уберет, снимет, накричит. Всегда существовала уверенность, что этот человек мне доверяет. И не просто человек – Глыба, громадная фигура творческая. И когда я его видел, всегда было внутреннее волнение.

Помню, как-то он пригласил нас с еще будущей супругой к себе в гости. Мы приехали, он вышел встречать: невысокий, "домашний", в халате. И такая от него исходила энергия, мощь русского балета, что я просто оробел, остолбенел. Юрий Николаевич увидел нашу робость и, чтобы разрядить обстановку, [сказал]: "А можно, Денис, я вашу Элеонору поцелую?" И я ответил: "Вам можно все!" Мы засмеялись.

Фото: пресс-служба Русского концертного агентства

Надо сказать, что Юрий Николаевич был современным человеком и разговаривал с тобой так, как будто он одного с тобой возраста. Несмотря на то что ему было далеко за 90, всегда хорошо знал, что происходит в мире, в профессии, как люди строят отношения друг с другом….

– Многим постановкам маэстро уже больше полувека. Как вам кажется, насколько они сегодня отвечают требованиям современного балета?

– Балет Григоровича – это самые сложные, мощные, энергичные мужские партии. Это был такой козырь Юрия Николаевича. У него было невозможно уйти со сцены, не вспотев, – там ты полностью выжат уже после первого выхода. И каждое новое поколение артистов вносило в его спектакли что-то свое. Каждый спектакль звучал по-новому, в зависимости от того, кто его танцевал. Для него было всегда важно, чтобы артист на сцене был убедителен, чтобы он максимально раскрылся и смог донести до зрителя все чувства и эмоции героя.

– Вы уже не впервые принимаете участие в Зимнем фестивале Юрия Абрамовича. И, конечно, не впервые в Сочи. Любите этот город?

– Этот фестиваль, этот город всегда открывает для меня весну. Когда в Москве снега и холод, здесь, в февральском Сочи, цветет мимоза, светит солнце и летают чайки над морем. В этом году нам так с погодой повезло! Я вышел на балкон: даже не весна – лето! Для меня Сочи – это всегда начало чего-то нового, когда природа оживает, и еще все впереди…

– Денис, знаем, что именно на этом фестивале, именно в Сочи вы сделали предложение руки и сердца. И вот сегодня вы с кольцом. Поздравляем! Жизнь зазвучала по-новому? Что изменилось?

– Ну, вот видите (показывает кольцо на безымянном пальце). Руку стало тяжелее поднимать. А так… все то же самое.

– Вы планировали летнюю свадьбу, но что-то пошло не так и перенесли на январь 2026?

– Ну, не сложилось. Мы вначале хотели в августе, но решили все же выдохнуть, очень была серьезная физическая и эмоциональная нагрузка. Даже спортсмены порой удивляются, как мы выдерживаем. Им еще как-то можно на паркете или на футбольном поле "скочевряжиться", когда плохо. А нам нельзя. Нам всегда надо показывать, что нам хорошо и легко. В этом, кстати, и заключается трудность нашей профессии. К сожалению, у балетных артистов, тем более в Большом театре, праздников нет, и поэтому мы подумали и решили не торопиться – перенести.

Свадьбу особо не афишировали, не планировали публичного торжества и скрыли дату от широкой огласки. Поженились в Москве в Грибоедовском ЗАГСе под звуки скрипки.

– А в свадебное путешествие когда и куда?

– Ну вот! Сочи! Но на самом деле шучу. Всему свое время. Не планировали пока.

Елена С.

Номер ссылки| 2026030401
Тема| Балет, театр классического балета Н. Касаткиной и В. Василёва, Персоналии, Наталия Касаткина, Владимир Василёв
Автор| Варвара Трофимова
Заголовок| Возвращение Маугли: классический балет со «звериным» акцентом
Где опубликовано| © ClassicalMusicNews.Ru
Дата публикации| 2026-03-04
Ссылка| https://www.classicalmusicnews.ru/reports/maugli-premiere-2026/
Аннотация| Возобновление

Сцена из балета

1 марта 2026 на сцене Театра на Цветном Государственный академический театр классического балета Н. Касаткиной и В. Василёва показал возобновленный балет «Маугли».

Первый и единственный пока балет по сказке Редьярда Киплинга легендарные Наталия Касаткина и Владимир Василёв поставили в нулевых. А музыку к спектаклю написал композитор-вундеркинд праправнук К.С. Станиславского Александр Прайор (Alexander Prior). Тогда ему было всего 15 лет.

На премьере в Кремле потомок театрального гения дирижировал сам, чем вызвал бурный восторг зрителей. Такой юный, а уже композитор и дирижёр. Сейчас Прайор вырос в большого музыканта и стал художественным руководителем Юджинского симфонического оркестра (США, штат Орегон), в послужном композиторском списке сочинений уже более 40 музыкальных произведений, среди них две оперы и ещё один балет.

Музыка к балету «Маугли» Александра Прайора действительно хороша. Театральные гены взыграли. Молодой композитор чувствует драматургию спектакля, заполняя музыкальную фактуру, как и положено, чёткой системой лейтмотивов. Каждый персонаж снабжён своим оркестровым тембром и лейт-темой. Поэтому даже совсем юные зрители, которых собралось на премьере возобновления весьма много, с лёгкостью узнавали знаменитых персонажей «Маугли» ещё до выхода на сцену. Лёгкие детские перешёптывания были слышны в зале: «мам, это медведь Балу… ой, это же дикобраз… какие обезьянки… смотри, какая Багира».

Под стать музыке оригинальная хореография Касаткиной и Василёва. Это классический балет, на пуантах, с полным набором аттитюдов, перекидных жете и красивых поддержек в дуэтных сценах. Но с определенным, так сказать, «звериным» акцентом и нюансами. Обезьяны и волчата, например, танцуют на полупальцах в балетках.

Интонации «зверского» подаются дозировано, тонко, полунамеками, у каждого персонажа есть свой набор определённых жестов и движений. Например, пантера Багира эффектно мелко трясёт правой рукой-лапкой, слон смешно и легко прыгает в стилистике китайского танца из балета «Щелкунчик». Танцоры передают повадки своих персонажей — гибкие движения кошек, тяжеловесность медведя, скользящую пластику змеи — и одновременно раскрывают свойства человеческих характеров.

Самая эффектная партия у самого Маугли. 1 марта на утреннем показе в Театре на Цветном её динамично и чувственно исполнил солист театра Сергей Кузьмин. Он буквально вспрыгнул на авансцену в каскаде прыжков. Такой стремительный на пределе возможностей танец заглавного персонажа держал в напряжении от начала до конца, а сам артист поразил публику красотой идеально сложенного тела. Ведь из одежды у него — только набедренная повязка.

— В балете Касаткиной и Василёва прослеживается рост Маугли из маленького потерявшегося мальчика до взрослого парня, крепкого и сильного! Он познает мир и себя, свои возможности,

— рассказывает ведущий солист Московского классического балета Сергей Кузьмин,

— Партия отличается своей гибкостью и раскованностью движений – «зажиматься» здесь нельзя! Многие движения похожи на движения животных, собак, кошек, змей.

В партии маленького Маугли и его братьев-волчат выступили дети, воспитанники Красногорского хореографического училища. Маугли-ребенка 1 марта исполнил Григорий Петров, немного угловатый, длинноногий юноша. Он из «маленького лягушонка» становится волчонком, а потом человеком.

Крайне интересна главная женская партия Агни, возлюбленной взрослого Маугли. В её основе не только классический танец, это некий синтез балета и индийского танца. В этой стилистике, впрочем, решены все «человеческие» персонажи: и мама Маугли Мессуа, и поселяне, и Агни. Её в Театре Касаткиной Василёва исполняют ведущая солистка ГАТКБ Галина Гармаш и Николь Каррара, молодая артистка из Италии. С партией Агни артистка справляется с лёгкостью и неповторимым обаянием, перед которым не устоял сам Маугли.

Поражает драматизмом и даже натуралистичностью сцена смерти Шерхана в исполнении Артема Петрова. Его убивает Маугли ударом ножа в большом наполненным звериной агрессией бою. Устрашающие стаккато медных духовых и метания по сцене умирающего Шерхана впечатляют. Это кульминация балета.

Победа добра над злом? Возможно. Ну а Маугли остаётся перед сложным выбором: уйти за своей любовью или остаться в своей стае. Маугли прощается с джунглями и их обитателями, ставшими ему семьёй. И уходит к людям, к новой любви, к новой, человеческой жизни.

Государственный академический театр классического балета Наталии Касаткиной и Владимира Василева, также известный под своим гастрольным названием Московский классический балет — один из трёх существующих в России авторских театров классического балета. В этом году театр проводит свой 61 сезон. За свою историю коллектив воспитал более тридцати золотых медалистов международных конкурсов, пятерых лауреатов и двоих обладателей Гран-при Парижской академии танца.

История ГАТКБ неразрывно связана с именами двух знаменитых хореографов — Наталии Касаткиной и Владимира Василёва, создавших свою авторскую школу и свой неповторимый хореографический стиль. Наибольшую славу им принесли постановки на музыку композиторов ХХ века — Прокофьева, Андрея Петрова, Арама Хачатуряна и так далее. В марте 2024 года Наталия Касаткина ушла из жизни на пороге своего 90-летия. Владимира Василёва не стало в 2017 году.

В декабре 2025 года художественным руководителем ГАТКБ был назначен известный российский деятель театра Ара Карапетян — дирижёр, продюсер и опытный театральный администратор, работавший на постах директора МАМТ и НОВАТ, а также в Китае (Большой театр Тяньцзиня и Большой театр Харбина). Он взял курс на обновление театра и одновременно сохранение его уникального хореографического наследия, в том числе реконструкцию балетов. Первым в череде возобновлений стал детский балет «Маугли» на музыку Алекса Прайора, скоро ждём «Гадкого утёнка» на музыку Эдварда Грига.

— «Маугли» — уникальный спектакль с неповторимой авторской хореографией, в основе которой наблюдения Наталии Касаткиной и Владимира Василева за пластикой животных. Это единственный в своём роде балет по знаменитому произведению Киплинга. Мы решили, что история о взрослении, дружбе с миром зверей и первой любви отлично подойдёт для нового этапа в жизни театра,

— говорит Ара Карапетян.

«Маугли» — это не просто детский балет, это настоящее целостное художественное высказывание о взрослении, дружбе, выборе между джунглями и миром людей.

Постановка демонстрирует уникальный стиль театра классического балета Наталии Касаткиной и Владимира Василёва и подтверждает их талант превращать известные истории в яркие сценические произведения.

Следующие премьерные показы балета «Маугли» пройдут также на сцене Театра на Цветном 11 и 26 апреля.

Елена С.

Номер ссылки| 2026030402
Тема| Балет, Армения, Россия, Персоналии, Ирина Оганесян
Автор| Беседовала Лиана Агаджанян
Заголовок| «Если у вас ничего не болит - проверьте, может, вы умерли»: Ирина Оганесян о пути балерины на стыке боли и любови
Где опубликовано| © NEWS.am STYLE
Дата публикации| 2026-03-04
Ссылка| https://style.news.am/rus/news/112917/esli-u-vas-nichego-ne-bolit---proverte-mozhet-viy-umerli-irina-oganesyan-o-puti-baleriniy-na-stiyke-boli-i-lyubovi%C2%A0.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Наверняка вы видели этот романтичный рилс, набравший миллионы просмотров: финал «Лебединого озера» в Театре оперы и балета имени Александра Спендиаряна, поклоны, овации - и вдруг солист балета опускается на одно колено прямо на сцене, делая предложение руки и сердца своей партнёрше.

Балерина в центре этого момента - Ирина Оганесян. Её партнёр по сцене и спутник жизни - Андро Гукасян. Сегодня они живут и работают в России, продолжают танцевать вместе. Мы говорили с Ириной долго и без глянца - о боли, о дисциплине, о стереотипах и о том, что происходит с человеком, когда не он обладает ролью, а роль начинает обладать им.

«Я решила это в три года»

Я сама захотела в балет ещё в три года. Родители сначала не хотели меня отдавать, сопротивлялись, думали, что это детское увлечение. Но я очень настаивала. Я решила это с детства и не хотела отказываться. В итоге они поняли, что я действительно люблю балет, и поддержали. Я училась в Армении, с раннего возраста... там всё и началось.

В три года обычно выбирают игрушку, а не судьбу. Но есть дети, которые уже тогда знают, что их сцена ждёт.

Армения и Россия: отношение к балету, к артисту, к самой профессии

Сейчас я продолжаю карьеру в Санкт-Петербурге. Разница ощущается. В Армении балет развивается, и я не согласна, когда говорят, что его нет. Он есть. Были сложные периоды, были времена, когда всё держалось на энтузиазме и вере, но сегодня искусству уделяется больше внимания. Театр развивается, училище меняется, дети начинают мыслить иначе.

В России система более выстроена профессионально. И отношение к артисту другое. Даже вне сцены, если ты говоришь, что ты артист балета, к тебе уже относятся с уважением. Здесь есть традиция приносить цветы - зритель может не знать, кто сегодня танцует главную партию, но он приходит с букетом просто как знак уважения к театру. Это очень трогательно. В Армении такая культура пока не так выражена, но, думаю, всё впереди.

Есть и другая сторона. Бывают артисты, которые воспринимают балет как просто работу. Для меня это невозможно. В балете нельзя жить наполовину - в нём нужно жить полностью.

Многое зависит от того, как профессию закладывают с детства - в училище, в школе, в театре. Недавно в училище сменился руководитель, и с его приходом многое изменилось. Мне посчастливилось поработать с ним год, и я увидела, как дети начали думать глубже, работать осознаннее. Атмосфера стала более профессиональной.

...И ещё я уверена: никакой искусственный интеллект, никакой интернет не смогут заменить театр. Театр - это живое присутствие, живая энергия.

Кто приходит в балет сегодня?

Когда я училась, девочек в училище всегда было много, а мальчиков - значительно меньше. Возможно, это связано с определёнными стереотипами и консервативным мышлением.

Сегодня интерес к балету растёт. Информации стало больше, восприятие искусства стало свободнее, и это чувствуется. В училище по-прежнему много девочек, но в целом отбор стал строже. Если раньше принимали почти всех желающих, потому что не было большого выбора, то теперь есть возможность выбирать детей с подходящими данными. И это радует - значит, уровень постепенно поднимается.

Закулисье без иллюзий: боль и тело для балерины - инструмент

Зритель не видит боли. И не видит, сколько сил требуется, чтобы каждый раз выходить на сцену. В балете не бывает такого, что ты приходишь на репетицию, и у тебя ничего не болит. Всегда что-то болит. Со временем к этому привыкаешь. У нас даже был преподаватель, который говорил: если у вас ничего не болит, проверьте, может, вы умерли.

Иногда бывают моменты, когда организм уже не выдерживает - это критическая точка. Но в целом боль - часть профессии.

Фотографии израненных ног - это реальность. У меня самой такое бывало не раз. Это не ежедневная история, но в периоды интенсивных репетиций и спектаклей, когда целый день проводишь в пуантах, такое случается. Это тяжёлый физический труд.

Если ты в балете, ты посвящаешь этому всю жизнь. Невозможно относиться к этому просто как к работе. Даже дома мысли остаются в репетиционном зале. Диеты и обмороки, возможно, немного преувеличены, но дисциплина есть. Это образ жизни.

Балет часто называют искусством лёгкости. Но эта лёгкость вытачивается болью.

Конкуренция и характер: кто выдерживает эту профессию

Конкуренция существует. Но в моём опыте она была здоровой. И это даже хорошо - она мотивирует двигаться вперёд, работать больше.

...Я никогда не думала уходить из балета. Ни разу. С детства я смотрела на балерин и думала, какие это сильные женщины. Боль и усталость не могут меня остановить.

Иногда кажется, что балет формирует не только тело, но и внутренний стержень. А может быть, в нём просто остаются те, у кого этот стержень есть.

Когда партнёр - это муж: сцена, которая становится домом

Наши отношения с моим партнёром помогают в работе. Когда это просто партнёр по спектаклю, всегда есть какие-то недосказанности, неловкость. А когда это муж, ты можешь всё обсудить. Мы можем вместе пойти в зал, дополнительно репетировать. Он меня поправляет, я его поправляю. Он для меня большая опора. Я не представляю работу без него.

Был случай, когда я учила «Спящую красавицу» за один день. Пятого числа разучивала спектакль, шестого уже танцевала. Без Андро это, думаю, было бы невозможно.

Вспоминая ту самую сцену предложения руки и сердца на сцене...

...Я была в шоке. В первую очередь - в шоке. Но я понимала, что нахожусь на сцене. А если ты на сцене, ты не можешь позволить себе выйти из образа. Ты должна держаться как балерина. Я даже не думала о том, как стою. Тело само всё делает. Если ты на сцене, оно работает автоматически.

Наверное, в этом и заключается профессионализм - даже в самый личный момент оставаться артистом.

Любимые партии и одержимость ролью

Моя самая любимая роль - Жизель. И, конечно, Одетта в «Лебедином озере». Эти партии мне очень близки.

До выхода на сцену я думаю о роли много. Если это новая партия, я читаю, смотрю разные исполнения, пытаюсь понять характер героини. Примеряю его на себя. Когда выхожу на сцену, говорю себе: всё, я сейчас белый лебедь. И в этот момент я чувствую себя этой героиней. Ни о чём другом думать невозможно.

Я не могла не вспомнить фильм «Чёрный лебедь» с Натали Портман - историю о том, как роль постепенно начинает жить внутри человека.

...Да, такое случалось. Особенно в партиях, которые я люблю. Я очень эмпатичный человек. Были спектакли, когда я плакала прямо на сцене. В жизни такого не происходит, но на сцене я действительно чувствовала себя героиней. После таких спектаклей очень трудно - ты выходишь полностью опустошённой, без сил и эмоций. Восстанавливаюсь просто: время и сон. Для меня самое важное - хорошо выспаться и дать себе паузу.

В конце я спросила её: есть ли шанс снова увидеть Ирину Ованнисян на родной сцене.

Пока конкретных планов нет. Но я очень надеюсь, что ещё станцую в Армении.
======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2026030403
Тема| Балет, Конкурс молодых исполнителей "Русский балет", Персоналии,
Автор| Редакция сайта ТАСС
Заголовок| В Большом театре наградили лауреатов конкурса молодых исполнителей "Русский балет"
Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2026-03-04
Ссылка| https://tass.ru/kultura/26636559
Аннотация| Конкурс

Обладателем гран-при стал воспитанник Московской Государственной академии хореографии Александр Дмитриев

МОСКВА, 4 марта. /ТАСС/. Финальный тур VII Всероссийского конкурса молодых исполнителей "Русский балет" прошел в Государственном академическом Большом театре России, передает корреспондент ТАСС. Гран-при удостоен воспитанник Московской Государственной академии хореографии Александр Дмитриев.

"Абсолютный победитель, обладатель гран-при седьмого Всероссийского конкурса молодых исполнителей "Русский балет" - Дмитриев Александр, Московская Государственная академия хореографии", - сказала председатель жюри народная артистка РФ Светлана Захарова. Главным призом стали статуэтка "Балетные пуанты" и возможность пройти стажировку на условиях срочного трудового договора сроком на один год в балетной труппе Государственного академического Большого театра.

Виктория Соколова из Хореографического училища при МГАТТ "Гжель" стала лауреатом первой премии конкурса, лауреатом второй стал Андрей Грачев, представляющий то же учреждение. Также первую и вторую премии завоевали ученики Московской государственной академии хореографии Сергей Кринецкий и Элеонора Шайдуллина. Третья премия досталась Софье Тихоновой из Красноярского хореографического колледжа и Илье Милованову из Новосибирского государственного хореографического училища.

Все участники финального тура получили памятные номерные медали. Лауреаты первой, второй и третьей премий награждены дипломами. "Лауреаты первых премий допускаются без предварительного отбора к участию в XV Международном конкурсе артистов балета, который состоится в июне 2026 года на сцене Большого театра", - отметил ведущий.

Всего в финальном туре приняли участие 27 исполнителей и 2 партнера вне конкурса из 13 хореографических училищ. Каждый участник исполнил один номер классического балетного репертуара - соло (две вариации) или дуэт (па-де-де) продолжительностью до 15 минут. В состав жюри вошли семь ведущих артистов балета, представляющих основные балетные труппы России.

О конкурсе

Всероссийский конкурс молодых исполнителей "Русский балет" проводится с 2013 года. Учредители проекта: Министерство культуры Российской Федерации и Фонд социально-культурных инициатив. Организаторы конкурса в 2026 году - Фонд социально-культурных инициатив и ФГБУК "Росконцерт".

Конкурс призван сохранить и преумножить лучшие традиции отечественной хореографии, поддержать ведущие балетные школы России и предоставить возможность проявить себя молодым талантам со всей страны.

============================================
ВИДЕО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2026030404
Тема| Балет, XXVI Международный фестиваль балетного искусства имени Рудольфа Нуреева, Персоналии, Аскар Абдразаков, Леонора Куватова, Гульсина Мавлюкасова, Сергей Бикбулатов
Автор| Лейла Аралбаева
Заголовок| В Уфе рассказали, что ожидает зрителей XXVI Нуреевского фестиваля
Где опубликовано| © ИА «Башинформ»
Дата публикации| 2026-03-03
Ссылка| https://www.bashinform.ru/news/culture/2026-03-03/v-ufe-rasskazali-chto-ozhidaet-zriteley-xxvi-nureevskogo-festivalya-4600646
Аннотация|

В Уфе с 10 по 21 марта состоится XXVI Международный фестиваль балетного искусства имени Рудольфа Нуреева. Организаторы события рассказали журналистам о традициях и особенностях праздника танца.

– Этот ежегодный фестиваль приносит нам прежде всего общение, новые интересные работы. У нас самое большое количество постановок Юрия Григоровича, и для нас очень важно сохранить именно эти традиции. Классический балет в стране есть не везде, и именно к нам стремятся приехать танцевать звезды Большого, Мариинского, Новосибирского и других театров, – отметил художественный руководитель Башкирского государственного академического театра оперы и балета, заслуженный артист РФ, народный артист РБ Аскар Абдразаков.

Балетный праздник откроют два классических балета Чайковского. 10 марта зрителям покажут балет «Лебединое озеро», 12 марта – «Щелкунчик» Чайковского. Примечательно, что «Щелкунчик» отмечает 60-летие со времени постановки.

Художественный руководитель балетной труппы БГАТОиБ, народная артистка РФ и РБ Леонора Куватова рассказала о традициях фестиваля, заложенных еще в 90-е годы прошлого века, когда балетной труппой руководил незабвенный Шамиль Терегулов.

– Из года в год это огромное событие для мира балета, для нашего театра, для труппы. По традиции наши танцоры исполняют роли с приезжими. Это очень важно во всех смыслах и становится испытанием профессионализма, потому что с одной репетиции выйти с новым партнёром или партнёршей – это дорогого стоит, это уровень мастерства, не каждый может, – подчеркнула Леонора Куватова. – Фестиваль – это популяризация великого искусства, великой музыки: звучат Чайковский, Хачатурян, Рахманинов. Посмотрите, это имеет огромное воспитательное значение в наше время, поэтому мы с нетерпением ждём, готовимся. Сегодня была репетиция, освежаем всё в памяти, работаем над манерой исполнения. Мы очень стараемся держать ленинградскую русскую школу танца, и весь репертуар нашего фестиваля построен именно на русской классике.

Леонора Сафыевна пояснила, что русскую школу отличает прежде всего особая одухотворенность танца, внимание к образу роли, а не только виртуозная техничность.

Главный балетмейстер БГАТОиБ, заслуженная артистка РФ, народная артистка РБ Гульсина Мавлюкасова пояснила, что на фестивали стараются приглашать артистов балета разных театров, и не только столичного, но и театров городов большой страны.

– Для нас тоже очень важно посмотреть искусство других театров, артистов не таких знаменитых, но не менее талантливых. Согласно концепции нашего фестиваля мы пригласили артистов Кремлёвского балета, Новосибирского, Екатеринбургского театров, артистов из Казахстана, Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко. Хотим показать, какая у нас обширная балетная культура, – поделилась Гульсина Мавлюкасова. – Не каждая страна мира, как Россия, может похвастаться таким огромным количеством балетных школ и балетных театров.

— Для всей нашей труппы фестиваль — это всегда вызов, интенсив, как сейчас модно говорить. Мы концентрируемся исключительно на работе, на спектаклях, и для нас это большой шаг — мы можем профессионально вырасти за это время. Это замечательная возможность встретиться с артистами из других театров. Станцевать со мной в «Лебедином озере» приедет артистка Кремлевского балета Дарья Канделаки, и это замечательная возможность станцевать с новой партнёршей. Мы сможем познакомиться с новыми артистами, увидеть их исполнение. Особенно интересны в этом случае артисты Большого театра, потому что у нас схожий репертуар — Юрий Григорович ставил у нас те же спектакли, поэтому интересно посмотреть, как интерпретируют их другие артисты. С нетерпением ждём фестиваля! — сказал премьер театра, заслуженный артист РБ Сергей Бикбулатов.

Также организаторы фестиваля отметили, что основу фестивальной афиши составляют балеты в постановке выдающегося балетмейстера Юрия Григоровича. Так, 14 марта фестивальную программу продолжит его последняя уфимская постановка – балет Глазунова «Раймонда».

15 марта зрителям представят гала-концерт Московской государственной академии хореографии во главе с и. о. ректора, знаменитой прима-балериной Большого театра Светланой Захаровой. Во всем мире отмечается 200-летие Людвига Минкуса, и уфимской публике представят два балета с его музыкой: 17 марта публика увидит балет «Баядерка», а 19 марта – «Дон Кихот». 18 марта в программе фестиваля – балет «Сильфида» Левенскольда. 21 марта фестиваль завершится гала-концертом.

На фестиваль приедут театровед, балетный критик, представитель фонда Юрия Григоровича Александр Колесников и главный редактор журнала «Балет» Валерия Уральская.

Ранее «Башинформ» писал, какие спектакли и артисты ожидаются в Уфе на фестивале. Также мы сообщали, что в Уфе планируют поставить балет о Рудольфе Нурееве.

===============================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2026030501
Тема| Балет, , Персоналии, Николай Цискаридзе
Автор| Максим Прихода, Сергей Сычев
Заголовок| «Этот театр сам выбирает себе лидеров»
Экс-премьер ГАБТ, ректор Академии Русского балета Николай Цискаридзе — о 250-летии Большого, своих «Щелкунчиках» и собеседовании у Гергиева
Где опубликовано| © Известия
Дата публикации| 2026-03-05
Ссылка| https://iz.ru/2053473/sergei-sychev/ehtot-teatr-sam-vybiraet-sebe-liderov
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Фото: РИА Новости/Сергей Пятаков

Восемнадцать сезонов в роли Щелкунчика — такой впечатляющий рубеж был в карьере Николая Цискаридзе, бывшего премьера Большого театра, а ныне ректора Академии Русского балета имени Вагановой. В эксклюзивном интервью «Известиям» к юбилею ГАБТ он рассказал, почему однажды попытался уйти из Большого и кто убедил его остаться, поразмышлял о «гении места», выбравшего его из целого поколения талантливых людей, и сравнил московскую сцену с петербургской.

«Моя фамилия символизирует мою профессию и место, которому я служу»

— Большому театру — 250 лет, из них примерно одна десятая — Ваша с ним совместная история. С чего она началась? Что помните о том моменте, когда впервые вышли на эту сцену?

— Как любой ребенок, я был просто влюблен в эту красоту и в тех людей, которые здесь творили. Потому что это величайший театр во всех смыслах этого слова. Когда я это говорю, я имею в виду и певцов, и артистов балета, и музыкантов. Конечно, и тогда он таким был, это было — созвездие. Я вышел на сцену еще ребенком и, разумеется, был очень очарован всем этим. Мне никогда никуда отсюда не хотелось.

Когда я заканчивал школу, разваливалась страна. Естественно, у меня сразу появились приглашения уехать. Но мой детский мозг был сформирован таким образом, что искусство связывалось только с этим театром. Поэтому, несмотря на то что меня приглашали в другие театры сразу на ведущее положение, а здесь я попадал в кордебалет, я говорил: «Нет, я пойду в кордебалет, но в Большой. Кроме этого, я ничего нигде не хочу.»

Когда я стал здесь служить, то понял, что у этого театра есть гений места. И он выбирает себе лидеров. Вокруг меня было огромное количество способных, хороших людей. Молодых, дерзких. и так далее. Но так получилось, что я работал с самыми великими людьми, которые не обращали внимания на тех способных людей, а уделяли время мне.

Моя творческая жизнь стала очень богатой, у меня было огромное количество ролей. В итоге моя фамилия символизирует и мою профессию, и место, которому я служу. Так повезло только мне, и я безумно этому счастлив.

— Неужели ни разу не возникало соблазна уйти?

— Был когда-то, очень давно. В начале 2000-х. Меня так допекли в родном театре, что я пришел к Гергиеву, который тогда руководил исключительно Мариинским театром, с заявлением о том, чтобы перейти. И он мне сказал: «Коля, зачем? Ты же и так у нас все время танцуешь, мы тебя регулярно приглашаем. Но при упоминании твоей фамилии у всех в сознании сразу возникают восемь колонн и квадрига. Запомни это. Мало кому так повезло.»

Мне было тогда всего около 30 лет. Помню, когда я услышал эти слова, то понял, какое это счастье, что сам гений театра выбрал тебя лидером поколения. Вы можете представить, какое в истории Большого театра огромное количество людей, которые, к сожалению, просто в нем числились, несмотря на то что они тоже пели, танцевали, выходили на сцену. И очень немного имен, которые ты называешь — и сразу вспоминаются их роли и ты понимаешь, в какую эпоху это происходило.

Большой театр — это мой дом. Все равно, захожу я туда или нет. Даже так: для меня Большой театр во многом — это я. Туда приходят люди, которым можно назвать мою фамилию — и они сразу скажут имя. Это счастье. Это повезло очень.

— Вы действительно сыграли огромное количество ролей. Какой из образов стал символом вашего личного Большого театра?

— Я не могу назвать какой-то один конкретный образ символом, но, конечно, Щелкунчик в моем исполнении и я сам очень связаны. Я родился 31 декабря и на протяжении восемнадцати сезонов был основным исполнителем этого спектакля. В постановке Юрия Григоровича 1966 года станцевал эту роль наибольшее число раз за всю историю. Забавно, когда сейчас ко мне подходят взрослые люди и говорят: «Мама приводила нас на ваш спектакль, мне было пять лет». Тогда нас было всего два основных исполнителя — Юрий Клевцов и я, и танцевали мы практически без остановки.

31 декабря в Большом театре всегда был особенным днем. В 90-е годы публика на обычные спектакли приходила в чем могла, но на Новый год собирался весь дипломатический корпус, члены правительства. Пока была жива Раиса Максимовна, Михаил Сергеевич Горбачев всегда сидел в ложе со всей семьей. И они всегда присылали мне подарки. Спектакль заканчивался тем, что весь зал скандировал: «С днем рождения!» Это было потрясающе. Остальные роли я тоже очень люблю, танцевал я действительно много.

«Там, где в Мариинском театре сцена заканчивается, в Большом мы только добегаем до центра»

— Сейчас вы возглавляете Академию Вагановой. Чему московская школа могла бы поучиться у питерской и наоборот?

— Ничему абсолютно. Это просто города с разным темпоритмом и климатом, что диктует свой ритм существования. Плюс размер сцены: здание Большого театра в два раза больше Мариинского. Это диктует иной уровень жеста и энергетического посыла — тебе нужно покрыть гораздо больше пространства.

Галина Сергеевна Уланова рассказывала, как после переезда в Москву в 1944 году она переделывала все свои роли. Пространство диктовало всё: другой грим, другой размах жеста. Там, где в Мариинском театре сцена уже заканчивается, в Большом мы только добегаем до центра. Танцевать в Большом театре сложнее всего, это требует в два раза больше сил.

— Вы упомянули Галину Уланову. Какое влияние оказали на вас те мэтры, с которыми вам довелось работать?

— Они оказали на меня гигантское влияние не только как на артиста, но и как на человека. Эти люди меня вырастили, они сформировали мой мир. Мы говорили о литературе, о театре; мне прививали понимание того, что хорошо и что плохо. К сожалению, сейчас таких великих личностей почти не осталось, поэтому и само искусство выглядит иначе.

Помню, как мы с Галиной Сергеевной готовили партию в «Баядерке». Всё было замечательно, костюмы сшиты, завтра спектакль. Она приходит и говорит: «Коля, я подумала — пока рано. Вам надо подождать». И сняла меня со спектакля на целый год. Она понимала, что нужно дозреть. У меня не было ни обиды, ни протеста — если Уланова сказала «ждать», значит, надо ждать. И когда через год я вышел в этой роли, это был триумф. На протяжении многих лет я оставался одним из главных исполнителей в этом спектакле. Очень важно, когда тебя формируют такие личности.

===============================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2026030502
Тема| Балет, Таджикистан, Персоналии, Курбан Холов
Автор| Акмал Усманов, специально для Asia-Plus
Заголовок| Курбан Холов: От детдомовского сироты до артиста, покорившего Союз
Где опубликовано| © Asia-Plus
Дата публикации| 2026-03-02
Ссылка| https://asiaplustj.info/ru/news/life/person/20260302/kurban-holov-ot-detdomovskogo-siroti-do-artista-pokorivshego-soyuz
Аннотация|

Сегодня исполняется 85 лет со дня рождения Заслуженного артиста Республики Таджикистан Курбана Холова.

Курбан Холов
Фото: архивное фото

Этот очерк - дань памяти человеку, чья жизнь стала легендой, а имя навсегда вписано в историю таджикского балета. История мальчика, прошедшего путь от детдомовского сироты до артиста, покорившего сцены всего Советского Союза.

Знак судьбы. Жизнь, отданная танцу

В предгорьях Варзоба, там, где горные реки поют свои вечные песни, а арча касается небес, весна 1940 года выдалась особенно нежной. В семнадцать лет человек сам еще почти ребенок, но для Назокат и Курбана Саидова это было время величайшего счастья. Они знали друг друга всегда - росли вместе, держась за руки, и ни у кого в кишлаке не возникло сомнения, что эти двое, тонкие, как веточки молодой ивы, созданы друг для друга.

Когда родился мальчик, мать, взглянув на овальное родимое пятнышко на его боку, прошептала: «Будет счастливым. У него есть свой хол - знак судьбы». Так и нарекли - Холом.

Судьба, однако, не спешила дарить счастье. Она лишь пометила его, чтобы не потерять в грядущем лихолетье. Грянула Великая Отечественная. Отец ушел на фронт, а тоненькая, как ивовый прутик, Назокат не вынесла разлуки и переживаний. Мир осиротел для мальчика дважды за один год. Так Хол Саидов, варзобский таджик стал сыном войны и воспитанником детского дома в поселке Шахринау.

Там, в казенных стенах, и случилось первое чудо перевоплощения. Чья-то небрежная рука, заполняя бумаги, смешала имя и фамилию. Хол Саидов исчез, уступив место Курбону Холову.

Под этим именем ему предстояло покорить мир.

Ленинградский цыганенок

Весной 1952 года в детдом приехала комиссия из далекого Ленинграда. Искали детей для балета. В Таджикистане испокон веков считалось: танцы - не дело для уважаемого мужчины. Родители не отдавали сыновей, и стучаться пришлось в двери детских домов, где у сирот не спрашивали, чего хотят предки.

Среди столичных гостей выделялся главный балетмейстер театра имени Айни - Гафар Валамат-заде. Он увидел в темноглазом мальчишке то, что не было написано ни в одной бумаге: огонь. И даже несоответствие документов не стало преградой. Курбан Холов был принят и отправлен в город на Неве, в легендарное Вагановское училище.

Ленинград оглушил. Курбан, выросший среди гор, попал в мир колонн, зеркал и станков. Первое время он простодушно ждал, когда же начнутся уроки пения, ведь училище называлось «хореографическим», а он путал это слово с «хором». Позже он сам с улыбкой рассказывал эту историю.

Училище стало семьей. Педагоги были строги, но справедливы. Борис Шавров, узнав судьбу мальчика-сироты, относился к нему по-отечески, вкладывая в него не только мастерство дуэтного танца, но и тепло мужской души. А на уроках фортепиано за инструментом сидела Мария Шостакович. Иногда к сестре заходил сам Дмитрий Дмитриевич. Глядя на кудрявого, черноволосого мальчика, он улыбался, гладил его по голове и говорил: «Молодец, цыганенок!»

Их, маленьких артистов, с ранних лет приучали к сцене Кировского театра. Они выбегали солдатиками в «Щелкунчике», фехтовали пажами в «Раймонде», впитывая великую традицию русского балета.

Обретение отца

В восемнадцать лет, став взрослым, Курбан вернулся на Родину и поехал в поселок Варзоб-ГЭС. Не как сирота, а как артист, прошедший школу лучшего училища страны. Он разыскал свою кормилицу, и та открыла ему тайну его настоящей фамилии. Но главное потрясение ждало впереди: отец жив!

Встреча двух мужчин - седого фронтовика и юноши была горькой и радостной. Курбан-старший, прошедший контузию и госпитали, потерявший память и нашедший в себе силы жить дальше, плакал, обнимая сына, и называл его только так - Холом.

Менять документы было поздно, да и ни к чему. Курбан Холов уже состоялся. Но отныне, по велению сердца, он станет представляться Курбаном Саидовичем, соединяя в отчестве память о роде и имя, подаренное сценой.

Душанбе. Адажио для двоих

Девять лет учебы пролетели стремительно, как короткое адажио. В конце июня 1961 года, 28 и 30 числа, на прославленной сцене Ленинградского театра оперы и балета имени Кирова прогремел выпускной концерт. Из двадцати шести таджикских мальчишек и девчонок, уехавших в 1952 году покорять Северную столицу, до выпуска дошли только одиннадцать. Остались сильнейшие.

В июле того же года Курбан вернулся в Душанбе в составе блестящей плеяды выпускников Вагановского училища. Вместе с ним на родину приехали те, кому суждено было стать золотым фондом таджикского балета: Малика Сабирова, Музаффар Умаров, Сулейман Бурханов, Стелла Новбари, Нелли Халикова, Рахманкуль Тагимов, Сания Хасанова.

Все они были приняты в труппу Таджикского государственного академического театра оперы и балета имени С. Айни.

Молодой артист ворвался в родные стены, как горный ветер, неся с собой дыхание большой сцены. Красивый, статный, с магнетическим взглядом, он сразу стал востребован.

С Маликой Сабировой, своей ленинградской однокурсницей, они составили утонченный дуэт, танцуя вместе в спектаклях «Сын Родины», «Тропою грома», «Спящая красавица».

Позже, когда в театр приехал приглашенный премьер Марис Лиепа танцевать «Жизель» с Сабировой, именно Курбану доверили партию Ганса, и он не уступил в драматизме прославленному гостю.

Репертуар артиста рос с каждым сезоном. Он покорил вершины классики: Зигфрид в «Лебедином озере», Альберт в «Жизели», Феб в «Эсмеральде», Солор в «Баядерке». Но особенной строкой в судьбе шел национальный репертуар: трагический Кайс-Меджнун в балете Баласаняна, Кадыр в «Сыне родины».

Позже добавились современные партии: Кармело, Тибальд в «Ромео и Джульетте» и даже грозный Чингисхан в «Тимуре Малике» Ашрафи.

В 1974 году его заслуги были отмечены высоким званием «Заслуженный артист Таджикской ССР» и орденом Дружбы народов.

В 1966 году в театре появилась она. Выпускница московского училища, строгая, изящная, с прямой спиной и осанкой королевы - Татьяна Козловская. Заядлый холостяк Курбан, познавший цену одиночеству в детдоме, на этот раз сдался без боя. В 1967 году они поженились. Так родился не просто семейный союз, а легендарный балетный дуэт - Холовы.

Их «Лейли и Меджнун» в постановке Конюс стал визитной карточкой. Когда они танцевали, зал замирал. Любовь, которую они испытывали друг к другу в жизни, было невозможно сыграть. Она просто жила на сцене, перетекая из их пальцев, взглядов, движений.

Ради нее Курбан танцевал дольше положенного - 26 лет вместо обычных 20. Когда пришло время уходить, он остался, чтобы его Татьяна продолжала выходить на сцену. Он не мог лишить её этого. Да и сам не мыслил жизни без кулис.

Мечта, оставшаяся мечтой

Единственная партия, о которой мечтал Курбан Холов, но это осталось мечтой – Спартак в одноименном балете Хачатуряна. В Таджикском театре оперы и балета им. Айни ни один балетмейстер не взялся за постановку столь масштабного спектакля. Образ мятежного фракийца, казалось, был создан для его мощи и драматизма, но так и остался в воображении артиста.

Кино

Кино занимало большое место в творческой жизни Курбана, но не главное. В 1965 году он впервые попал на киностудию «Таджикфильм» - просто за компанию с другом Баходуром Джурабаевым. Режиссер Марат Арипов, увидев Курбана, предложил пробы на роль председателя сельсовета в фильме «Ниссо». Так началась кинобиография.

Он снимался в фильмах-балетах «Восточное сказание», «Адажио», «Волшебный цветок», «Рубаи Хайяма», и в художественных картинах «Жених и невеста», «Приключения маленького Мука», «Лошади под луной», «Остров». На съемках «Ниссо» завязалась дружба с Юрием Назаровым, продлившаяся на всю жизнь.

С Маликой Сабировой фильм - балет "Восточное сказание".

Последний акт

Время собирать камни - всегда самое тяжелое. Уход со сцены - маленькая смерть для артиста балета. Курбан пробовал себя в драматическом театре, но сцена манила по-прежнему. Последний выход балетного дуэта Холовых состоялся весной 1986 года в Турции, на сцене Измирского театра оперы и балета.

Татьяна и Курбан исполнили Адажио из второго акта «Лебединого озера». После возвращения Татьяна ушла на пенсию, для нее это стало трагедией. Курбан продолжал ходить в класс, держал форму, танцевал партии второго плана: Ганса, Ротбарта...

Грянули новые исторические изломы. Развал страны, война… Звездная пара, заслуженные артисты республики, в 1995 году покинули Таджикистан. Они уехали в Ярославскую глубинку, в дом, оказавшийся бывшей церковно-приходской школой. Неприспособленный, холодный, выстуженный. Два артиста балета пытались стать сельскими жителями, но зимы в этом доме стали для них испытанием страшнее любых экзаменов в Вагановском.

Год вели балетный кружок в местной школе. Был Египет, год работы в Каирском институте балета, а потом снова возвращение в эту ледяную русскую деревню. Сцена ушла. Сначала у нее, потом у него.

В мае 2017 года сердце Курбона Холова остановилось. Немногим позже за ним ушла и его Лейли.

Но жизнь, отданная танцу, не исчезает бесследно. Она остается в памяти зрителей, в архивных пленках фильмов-балетов, в историях, которые рассказывают друг другу артисты.

Через всю жизнь Курбан Холов пронес любовь к своей Родине, повторяя: «Я – варзобский таджик!».

И в том самом знаке судьбы, с которого всё началось. Ведь хол - это не только родинка, это напоминание о том, что каждый из нас отмечен. Главное - пронести свой знак через все бури, оставаясь собой.

Таким он и остался в памяти - варзобским таджиком, ленинградским «цыганенком» и великим артистом, который всю жизнь искал и нашел свою единственную мелодию в танце.

============================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2026030601
Тема| Балет, Премьера, Персоналии, Павел Глухов, Айдар Гайнуллин, Екатерина Крысанова, Алексей Путинцев, Михаил Лобухин, Елизавета Кокорева,
Автор| Павел Ященков
Заголовок| В Малом театре показали «Русский характер»
В Москве состоялась мировая премьера нового балета Павла Глухова
Где опубликовано| © "Московский Комсомолец"
Дата публикации| 2026-03-06
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2026/03/06/v-malom-teatre-pokazali-russkiy-kharakter.html
Аннотация| Премьера

В рамках программы одноактных балетов «Планида» в Малом театре прошла мировая премьера балета Павла Глухова «Русский характер», поставленного по одноименному военному рассказу Алексея Толстого.

Екатерина Крысанова и Алексей Путинцев в балете «Русский характер». Фото Андрей Степанов

Сорокаминутный балет одного из лидеров отечественного современного танца Павла Глухова – это внятная история, которую зритель считывает уже на эмоциональном уровне. И серые костюмы артистов, похожие на гимнастерки солдат (художник по костюмам Светлана Тегин), и его сценография, и особенно эмоциональная по своей энергетике музыка Айдара Гайнуллина подчеркивают это.

ДАЛЕЕ - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2026030701
Тема| Балет, «Балет Москва», Премьера, Персоналии, Татьяна Белова, Павел Глухов, Лариса Ломакина, Антон Торбеев, Светлана Тегин
Автор| Татьяна Вольфович
Заголовок| Щелкунчик. Сказка ли?
Где опубликовано| © Музыкальные сезоны
Дата публикации| 2026-03-06
Ссылка| https://musicseasons.org/shhelkunchik-skazka-li/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В нашей стране сложилось весьма устойчивое понимание хореографического спектакля: прежде всего танцевальное действо, то есть танец сам по себе, а содержание – оно в программке и этого достаточно. Однако в настоящий момент все более явно возникает потребность увидеть содержание именно на сцене. Но, способен ли танец генерировать мысль?

Вообще-то в современном художественном процессе это уже случалось, правда не так часто. Поэтому каждая новая попытка вызывает заслуженный интерес. Такой опыт представила в очередной раз балетная труппа Новой оперы, а точнее бывший Балет Москва своей премьерой «Щелкунчик. Не сказка».

Спектакль поставлен по известным всем произведениям: сказке А. Гофмана и музыке балета П.И. Чайковского «Щелкунчик». Однако, опора на эти произведения не помешала авторам создать свой неповторимый спектакль, выразив при этом свою собственную мысль, правда для этого пришлось сочинить и содержание. Либреттисты Павел Глухов и Татьяна Белова посвятили его весьма реальной истории, происходящей во французском городке Шанфлёри недалеко от Реймса. В программке даже указана точная дата декабрь 1938 год.

В основе сюжета реалистическое содержание. Есть герой – мастер-кукольник. Много лет он делает деревянных Щелкунчиков, но некоторые из них очень похожи на его друзей. В рождественский вечер он погружается в воспоминание. Видит себя юным и беззаботным, и то, как он весело проводил время с друзьями и свою первую встречу с Кларой. Но начавшаяся война разлучает их. А вернувшись с нее, им вновь приходится создавать свои отношения заново.

Однако авторы сумели эту весьма банальную историю возвысить до уровня обобщения актуальной проблемы – трансформации человека во время войны и затем возвращение в мирное время. Именно этим внутренним состояниям и посвящена основная часть спектакля. Умение увидеть новое в уже известном дано не всем. П. Глухову, как автору хореографии, и его команде это удалось.

Первоначально кажется, а причем тут Щелкунчик? Действие разворачивается среди реальных людей. Начинается война и кордебалет переодевается в военную форму. Дальше следуют танцы, изображающие их участие в военных сражениях.

Здесь стоит сделать небольшое отступление от пересказа содержания спектакля и поговорить непосредственно о художественных особенностях прошедших сцен. П. Глухов строит массовые танцевальные сцены избегая стройных рядов и организованной массовки. Он разбивает кордебалет на разные группы, создающиеся на время и тут же рассыпающиеся на другие. Выделяет отдельных персонажей в интенсивном движении. Можно даже говорить, что внутри этих танцевальных сцен заметна некая драматургия, уже создающая свое сценическое напряжение. Это то, что касается их композиционного построения. Но имеет значение и сам пластический язык. В зависимости от одежды мирной или военной, меняется и пластика. Не очень сильно, все-таки стилевое единство сохраняется, но в военных сценах добавляется позировка человека с ружьем, которая становится лейтмотивом танца военных. Причем эта позировка внешне напоминает фигурку щелкунчика. Это война превращает всех в роботов-щелкунчиков. Примечательно, что эта сцена заканчивается падением толпы на пол и ее обнажением. Один процесс трансформации закончился. В программке написано «снег покрывает поле боя».

Так заканчивается первый акт, оставляя очень сильное эмоциональное ощущение. Ярко, насыщенно, интенсивно. В этом акте преобладают массовые сцены и танцы.

Есть правда один не совсем ложащийся в общую канву образ – это старуха Сандрин. Она выглядит как из другой оперы. Это действительно сказочный персонаж, очень сильно напоминающий фею Карабос из «Спящей красавицы», которая проходит на фоне общего веселья, якобы представляя грядущее несчастье. Однако, на мой взгляд, должного противостояния всеобщей мирной жизни, надвигающейся грозы, она не создает. Куда эффектней звучит другой режиссерский прием – в момент всеобщего веселья резко, с небольшим грохотом, упавшая из шкафа фигурка куклы-щелкунчика. Это был настоящий контрапункт драматургического действия. Тем не менее старуха несколько оживляет общее действо, хотя и без нее все было бы ясно и понятно. Вместе с тем сохранена стилевая чистота – это больше игра на зрителя.

Второй акт более спокоен, менее интенсивен в своем драматургическом построении. Здесь преобладают ансамбли, дуэты и соло. Идет процесс трансформации из Щелкунчика-воина в мирного любящего человека. В данном случае на первый план выходят дуэты главных героев, идущие неким диссонансом к массовому танцевальному действу. Кульминация достигается, когда Клара, протягивая к Натаниэлю руки, застывает в незавершенной позе, а он, прошедший мимо нее, начинает соло своего преображения на фоне этой позы ожидания. Очень интересный эпизод, и таких в спектакле несколько.

В финале любовь побеждает, и Клара возвращает своего любимого к мирной жизни.

Любопытно, что все это очень хорошо легло на музыку Чайковского будто специально написанной для данного сюжета. Оркестр, сидящий в глубине сцены за супер-занавесом, также придает всему действию многомерность и глубину звучания.

Таким образом спектакль коснулся совсем не сказочной тематики, и весьма стройно, четко и ясно ее изложил. И главное убедительно. Здесь все подчинено основной мысли. Сценографическое решение Ларисы Ломакиной не выделяется из общей идеи, а удачно ее дополняет и подчеркивает. Это и меняющийся видеоряд на заднике и два шкафа по бокам сцены с фигурками кукол, появляющиеся маки в конце спектакля – все в меру, как говорящие символы. Костюмы Светланы Тегий создают нужную атмосферу, подчеркивая изменяющиеся состояния героев. Здесь все на месте. Не прибавить не убавить, разве что старуха Сандрин не очень вписывается в этот вполне реалистический рассказ, но и она раскрашивает общее изложение. Вся труппа работает слаженно и эмоционально.

Остается только поздравить Балет Москва и театр Новая опера с таким приобретением. Последнее время этот театр уже не раз радовал зрителя яркими работами. Чего стоит, к примеру «Кармен» Т. Багановой или «Свадебка» того же П. Глухова. И вот теперь «Щелкунчик». И все такие разные. Это уже серьезный интересный репертуар. А еще отдельное, персональное спасибо Павлу Глухову за его говорящую хореографию.

Авторы фото – Батыр Аннадурдыев, Ира Полярная

=====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2026030702
Тема| Балет, Большой театр Беларуси, Персоналии, Константин Белохвостик
Автор| Владимир Николайчук
Заголовок| «Не только вдохновение, но и ежедневное испытание». Артист балета рассказал о становлении в профессии
Где опубликовано| © «Минск-Новости»
Дата публикации| 2026-03-07
Ссылка| https://minsknews.by/ne-tolko-vdohnovenie-no-i-ezhednevnoe-ispytanie-artist-baleta-rasskazal-o-stanovlenii-v-professii/
Аннотация| Интервью

Станцевать Спартака — мечта каждого артиста балета. Константин Белохвостик — не исключение. Совсем недавно он вышел на родную сцену в титульной партии этого легендарного спектакля. Ведущий солист балета Большого театра Беларуси побеседовал с корреспондентом агентства «Минск-Новости» о том, как пришел к важной роли.

Примечательно, что в данном героическом образе танцовщику уже рукоплескали в Самаре и Астрахани, куда наш Большой ездил с гастролями, а вот белорусская публика увидела его в роли Спартака впервые. К слову, в творческой копилке Константина Белохвостика есть и партия Красса в этом спектакле. Довольно редкий случай: два непростых образа и две очень технически сложные партии у одного артиста в знаменитом балете Арама Хачатуряна.

Педагог, ты не прав!

Константин — коренной минчанин. Родители с искусством и балетом связаны не были, но гибкость и пластичность дети явно унаследовали от них. Отец даже в 40 лет легко садился на шпагат.

Младшая сестра Кости занималась художественной гимнастикой. Сам же он сызмальства мечтал танцевать на большой сцене и целенаправленно шел к этому. Хотя в школе, где мальчик учился, в хореографический класс его приняли лишь с оговоркой. Преподаватель заявил, что у него, мол, нет музыкального слуха, поэтому достичь каких-то высот в танце он вряд ли сможет.

Сегодня Константин вспоминает этот случай с улыбкой. Он легко поступил в Белорусскую государственную хореографическую гимназию-колледж, и его талант здесь приметили уже в самом начале учебы. Причем получилось это весьма любопытно.

Пропуск в Большой

Госэкзамены в колледже для танцовщиков балета проходят с участием руководства балетной труппы Большого театра. Выпускникам требуется станцевать классический танец, дуэт и так называемый характерный танец, в котором необходимо показать свой драматический талант. Для лучших открывается дорога в главный театр страны.

Судьба Константина предрешилась задолго до его собственных госиспытаний. Одна выпускница попросила первокурсника помочь ей сдать дуэт, то есть станцевать вместе. Народный артист Беларуси Юрий Троян (в то время — художественный руководитель балета Большого театра) был восхищен их исполнением. Естественно, поинтересовался, почему он не видел этого талантливого паренька на предыдущих экзаменах. «Да ему еще учиться да учиться», — услышал в ответ.

— Пусть учится, я его запомню, — пообещал тогда Юрий Антонович. И слово сдержал. В 2015 году, после окончания колледжа, Константин тут же был принят в труппу Большого.

— Начать свой путь под руководством такого артиста и педагога — поистине удача и счастье, — с теплотой признается собеседник.

Танцовщик вспоминает, как волновался в первый день в Большом театре. Удивительно было осознавать, что мэтры, которые ранее казались тебе едва ли не небожителями, сегодня твои коллеги.

— Меня радует, как в нашем театре выстроена преемственность, когда более опытные артисты всегда помогают становлению молодых, — отмечает он.

Константин стажировался во всемирно известном Театре балета Бориса Эйфмана в Санкт-Петербурге, работал в труппе балета Национальной оперы Эстонии. Потом два года танцевал на сцене Белорусского музыкального театра. В 2022-м вновь вернулся в Большой и вскоре стал ведущим мастером балета.

«Каждый вечер ты меняешься»

Сегодня в репертуаре Константина Белохвостика более 30 ролей. Он танцует ведущие партии во всех знаковых спектаклях Большого. Принц в «Золушке», «Щелкунчике», «Спящей красавице», Конрад в «Корсаре», Солор в «Баядерке», Возлюбленный в «Иллюзиях любви», Вронский в «Анне Карениной», Адам в «Сотворении мира», Зигфрид в «Лебедином озере». Он — и Ромео, и Спартак…

— Ты воплощаешь на сцене разные характеры, вживаешься в чужие судьбы, отдавая каждой роли часть себя, но и взамен получаешь нечто важное. Каждый вечер ты меняешься, и в этом суть моего призвания, — говорит Константин. — Однако балет — не только вдохновение, но и ежедневное испытание: борьба с собственным телом, пределами выносливости, тревогой и усталостью. Это необходимость идти до конца, даже когда боль зажимает суставы…

Мужчины в балете исполняют роли принцев, рыцарей, воинов, демонстрируя не только свой артистизм. По физическим нагрузкам их труд часто сравнивают с работой шахтеров. В отличие от последних, как бы тяжело ни приходилось, танцовщик на сцене обязан выглядеть всегда легким и грациозным.

— После спектакля, когда опускается занавес, ты совершенно опустошен, — продолжает артист. — Не только тело, даже чувства будто отключаются. Сидишь неподвижно, как вычеркнутый из времени. Но завтра — утро. Снова зал, снова зеркала и станок. И ты, заново собирая себя по крупицам, возвращаешься к жизни — через движение, через музыку, через балет.

«Забудь, что было вчера…»

— Неважно, сколько раз ты сыграл ту или иную партию: выходя на сцену, всегда волнуешься, — признается собеседник. — Ведь балет — это искусство живого общения со зрителем. Дублей в нем не бывает.

Артист вспоминает слова своего тезки Константина Кузнецова, народного артиста Беларуси, одного из ярчайших солистов белорусского балета, балетмейстера-репетитора: «Забудь, что вчера ты станцевал очень хорошо. Сегодня надо начинать все сначала».

— Но стоит выйти на сцену, сделать первый прыжок — и все волнения исчезают. Они трансформируются в адреналин, эмоции, даже эйфорию. Хочется танцевать еще и еще, даже когда опускается занавес… — говорит солист балета.

Артисты, как и большинство творческих людей, суеверны. Поэтому у каждого танцовщика свой ритуал подготовки к выходу на сцену, выработанный с годами.

— Обычно я приезжаю в театр часа за два до спектакля, чтобы неспешно переодеться, загримироваться, вдохновиться декорациями… Быть счастливым — это работать там, где нравится, получать от этого удовольствие и вдохновение. Вот, пожалуй, главный мой девиз, — убежден танцовщик.

Фото предоставлены Большим театром Беларуси

===============================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ