Балет и Опера

Елена С.

Номер ссылки| 2025121303
Тема| Балет, «Урал Опера Балет», Премьера, Персоналии, Александр Белоусов Александр Меркушев Алессандро Каггеджи Анатолий Королев Антон Пимонов Дмитрий Мазуров Лаборатория «пиши балет» Лидия-Мария Кошевая Максим Петров Роман Цыпышев
Автор| Татьяна Яковлева
Заголовок| Нежные уральские свидания
Десять знакомств в одном балете
Где опубликовано| © Журнал Музыкальная жизнь
Дата публикации| 2025-12-12
Ссылка| https://muzlifemagazine.ru/nezhnye-uralskie-svidaniya/
Аннотация| Премьера

Быстрота – одно из определяющих качеств времени сегодня. Короткие видеоролики и посты в один абзац давно занимают лидирующие позиции медиаформатов. «Урал Опера Балет» выпустил премьеру спектакля «Быстрые свидания», где в трех частях уместилось десять балетных миниатюр на музыку девяти композиторов. Скорость встреч не помешала возникнуть поэзии и неуловимой химии.

Единого сюжета в спектакле нет: одна зарисовка сменяет другую, соревнуясь в степени эмоциональной откровенности и абстрактности танца. Летящие, тактильно-осязаемые ткани архитектурно обволакивают фигуры: их минималистичный дизайн создавали совместно с брендом одежды MARÉM, авторы – Лев Хлебников и художник-технолог Елена Трубецкова.

«Быстрые свидания»

Каждая из сцен – «для нежных и трепетных, для всех мягких сердцем», как сказали участники российской инди-группы СБПЧ («Самое большое простое число»). Магнетические притяжения танцовщиков и бережные поддержки вырастают из музыки, пластично дорисовываются световыми картинами да так, что любой момент действия можно представить на любимой доске в Pinterest.

Авторов спектакля много, разобраться помогает буклет, напоминающий модное приложение для знакомств. Тут стильные фото, цепляющие цитаты, краткие характеристики и даже знаки зодиака с датой рождения. Успеть понять каждого автора на сцене в формате быстрых встреч сложно, а такой подход позволяет сориентироваться в именах и приметить своих крашей.

Спектакль выстроен по траектории удаления от знакомых театру композиторов к новым героям. В первой части – три миниатюры худрука балетной труппы Максима Петрова. Его «Полдень» на музыку Клода Дебюсси словно окрашен в ощущения рассвета и рождение чувства. Пятеро танцовщиков, казалось, научились летать: едва коснувшись пола, они вновь поднимались ввысь. Оркестр тоже обрел свойства невесомости: под управлением дирижера-постановщика Ивана Худякова-Веденяпина он, не теряя в красках и звучности, оторвался от земли.

Воздух танца есть и в следующих эпизодах – «Руки» и «Тихо», написанных на музыку Дмитрия Мазурова. Екатеринбуржцы знакомы с его балетом «Синяя Борода» из «Сказок Перро». Песня «Кости, земля, трава» оттуда цепеняще проникала под кожу – так и возникли новые заказы Мазурову с участием голоса. Миниатюра «Руки», посвященная Майе Плисецкой и ее знаменитому монологу, заряжена энергией жестов и вбирает в себя мощность духа балерины; в дуэте с Александром Меркушевым центр внимания достался Елене Воробьёвой и ее «рукам-крыльям», устремленным в полет.

Густой тембр меццо-сопрано Елены Бирюзовой усилил концентрированную силу танца о Плисецкой и стал противовесом хрупкости в эпизоде «Тихо». Деликатная поэзия Богдана Королька словно боялась быть произнесенной вслух и разбиться о реальность мира. Хореография полуприкосновений и трепетных нажимов, болезненного и одновременно желаемого контакта двух пар танцовщиков вторили невесомым шагам арфы и мягким струнным. Вопрос о тембре голоса риторический, но в прозрачной фактуре материала его плотность скорее мешала выйти за пределы физического пространства.

Середина спектакля – новая постановка Антона Пимонова на музыку Анатолия Королёва. Балеты питерского композитора «Приказ короля» и «Конёк-Горбунок» несколько лет назад укрепили его имя в репертуаре театра. Фортепианную пьесу «Шесть русских песен» 1990 года выбрали для камерной, внутренней части спектакля. Пианист Герман Мархасин в глубине сцены очаровывал бесхитростными наигрышами, выросшими из русской традиции, уводя то в бесконечно-вечное, то в развесело-удалое. Хореография Пимонова отталкивалась от той же народной тематики, но шла по собственной траектории, не стремясь иллюстрировать музыку и часто не совпадая с ее паузами и фразами. Шести песням соответствовали шесть танцевальных миниатюр в духе дивертисментов разных составов. Натянутые как тетива руки и ноги пяти пар двигались упруго и заряженно; в один момент девушки буквально застыли, как куклы, пока партнеры бережно переносили их по сцене.

Самая ожидаемая часть – третья. Название «Быстрые свидания» предназначено именно ей, и оно говорит в том числе о встречах хореографов и композиторов. Их пары сложились на проекте «пиши балет», созданном в соавторстве театра «Урал Опера Балет» и Союза композиторов России. В социальных сетях театра выложены мини-интервью с хореографами, где они в полушутливом тоне рассказывают об опыте работы с композиторами. Александр Меркушев, например, поделился историей, как его напарник Роман Цыпышев практически за вечер поменял всю музыку. Каждый из хореографов подчеркнул, что писать для балета сегодня необходимо. «Урал Опере» можно только завидовать: ни один другой российский театр не заказывает балетные партитуры авторам с такой же регулярностью.

Трогательные, игривые, «обремененные», драматичные, страдающие – небольшие дуэты обладали своим лицом и откликались на разные зрительские боли. Утонченно-сентиментальны и притягивающе-уязвимы крайние эпизоды Ригель Винской. Обволакивающие движения пары Елены Хватовой и Фидана Даминева столь же бережны, как флажолеты струнных и прикосновения клавиш рояля. Хореографом выступил Антон Пимонов – куратор-хореограф постановки; вероятно, он ставил и связующие фрагменты между номерами, объединяя истории единой лентой и создавая волнующие точки стяжений.

Другой дух – у фрагмента Романа Цыпышева: он задорен, энергичен и ритмически затейлив. Александр Меркушев вырастил из него игровые угловатые жесты и прыжки для Анны Домке и Глеба Сагеева, напоминающие биомеханику Мейерхольда. Композитор Александр Белоусов подготовил неожиданность и начал свой дуэт с аплодисментов в оркестре. Хореограф Евгений Балобанов развернул этот прием в сторону фламенко, добавив паре Марии Михеевой и Михаила Волкова страстности. Неудивительно: в музыке много драйва, энергии ломаного ритма, сочно гудящей меди в финале и других тембровых взвинченностей.

Композитор Лидия-Мария Кошевая и хореограф Хидеки Ясумура успели в свои пять минут уложить целую историю. Беспокойство, увлечение, надлом, застылость, переживание – все слышится и в подробной партитуре оркестра, и воплощается в гибкой пластике Валерии Сократовой и Томохи Терады.

Пара композитора Андрея Чернышёва и хореографа Алессандро Каггеджи писала для любителей открытой драмы и красивых выяснений отношений – как в Голливуде. Глеб Лукомец, напротив, гипнотизировал монотонно скандированным текстом «За красотою красота» Леонида Аронзона и репетитивностью в оркестре. Константин Хлебников ощутил этот груз, и в его хореографии герой в финале остался один (пара Мики Нисигути и Дулгуун Хаш-Эрдэнэ).

Непередаваемо важны в балете художники по свету: Нина Индриксон, Ксения Котенёва и Дмитрий Викулов, отобранный вместе с композиторами в проект «пиши балет». На абсолютно пустой сцене они создавали миры – чувственные и объемные.

Говорить о любви искренне и без вульгарности безумно сложно. «Быстрые свидания» грациозно лавируют в нежном и искусном, не наступая в пошлость. А танцевальных зарисовок столь много, что неизбежно захочется повторных встреч.

Фото: Михаил Вильчук, Ольга Керелюк, Павел Гончаров, Иван Мохнаткин
================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025121304
Тема| Балет, Воронежский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Юрий Смекалов
Автор| Наталья СТОЛПОВСКАЯ
Заголовок| Чем удивил воронежцев балет «Пахита»
Где опубликовано| © Сетевое издание «КОММУНА»
Дата публикации| 2025-12-12
Ссылка| https://communa.ru/kultura/chem-udivil-voronezhtsev-balet-pakhita/
Аннотация| Премьера

В Воронежском театре оперы и балета 28, 29 и 30 ноября состоялась премьера балета «Пахита» (6+). Его поставил экс-солист балета Мариинского театра, хореограф Юрий Смекалов. Красочный спектакль на музыку Эдуарда Дельдевеза, Людвига Минкуса и Рикардо Дриго полон запоминающихся танцевальных сцен и изобретательных шутливых сценок.

Фото: Анастасия УСКОВА

Что случается не так уж часто, у балета «Пахита» сложная и интересная сюжетная основа. Французский драматург Поль Фуше, к слову, родственник великого Виктора Гюго, сочинил оригинальное либретто, следуя моде на цыганскую тему. Писатель опирался на новеллу Мигеля де Сервантеса, написанную испанцем в начале XVII века, существенно её переработал, сделав акцент на истории любви цыганки Пахиты. Романтический сюжет увлёк композитора Эдуарда Дельдевеза, который тут же написал партитуру для балета.

В 1847 году «Пахиту» поставил в Париже хореограф Жозеф Мазилье. Уже через год молодой Мариус Петипа создал свою хореографическую интерпретацию на сцене Императорского балета в Санкт-Петербурге. В 1848 году с «Пахитой» познакомились москвичи. В 1881 году Мариус Петипа пересобрал хореографию балета, расширив спектакль до трёх действий и включив в него знаменитое финальное Гранд-Па — композицию из танцев, позволившую блистать легендам Императорского балета.

Хореограф Юрий Смекалов не стал копировать творенье Мариуса Петипа, а создал свою версию, опираясь на первоисточник — ту самую новеллу Сервантеса «Цыганочка».

— Сюжет в прежнем спектакле, который шёл в Петербурге в середине XIX-начале XX века был построен на конфронтации испанцев и французов, — рассказал Юрий Смекалов. — На мой взгляд, актуальная для своего времени история, сегодня не так интересна. Поэтому мы её переформатировали.

Музыкальная партитура «Пахиты» построена на музыке Эдуарда Дельдевеза, Людвига Минкуса и Рикардо Дриго (в авторской редакции Юрия Смекалова). Большое внимание уделено реконструкции знаменитого Гранд-Па, которую осуществил Юрий Бурлака, соединив сочинения балетных композиторов XIX века: Адольфа Адана, Жана-Мадлена Шнейцхоффера, Рикардо Дриго и Цезаря Пуни.

— Основной задачей было, чтобы Гранд-Па не стал отдельным номером, этаким «балетом в балете», а постепенно «вызревал» на протяжении всего спектакля, обретая особую художественную ценность и смысл, — подчеркнул хореограф.

В целом изменился темпоритм балета. Как отметил Юрий Смекалов, сегодня невозможно не учитывать влияния на людей новых медиа, быстрой смены картинки, что вырабатывает такую особенность восприятия, как клиповое мышление.

— Поэтому чтобы зрителю не было скучно, мы добавляем спектаклю динамики и юмора, используем, пусть и немного наивные, но всё-таки работающие сценические приёмы, —отметил постановщик. — Например, проверенный трюк с конём, когда его в соответствующем костюме изображают два артиста, галопом скачущие по сцене.

Рассказанная в балетном спектакле история наполнена сюжетными ходами, напоминающими телесериалы. Здесь есть и похищение цыганами девочки из благородного семейства, которую они хотят ради заработка превратить в танцовщицу. Есть история любви молодого дворянина и офицера Андреса к выросшей танцовщице, выступающей на городской площади Мадрида. Есть испытание чувств: влюблённый кабальеро должен оставить полк, переодеться в цыганскую одежду и странствовать с табором два года. Есть драматический поворот, когда Андресу, защищая свою честь со шпагой в руке, приходится смертельно ранить обидчика. Есть тюрьма, освобождение, выяснение благородного происхождения Пахиты и, конечно, пышная свадьба в финале. И всё это в невероятной красоты декорациях (художник-постановщик Андрей Севбо), в костюмах, воссоздающих аристократические наряды величественной Испании, и в обжигающем красками цыганском колорите (художник по костюмам Елена Зайцева).
Оркестровое сопровождение спектакля — результат работы дирижёров Алексея Василенко и Тимура Абсалутинова.

В спектакле заняты два состава артистов Театра оперы и балета. Роль Пахиты исполняют Диана Кустурова и заслуженная артистка Воронежской области Марта Луцко. В роли Андреса – заслуженные артисты Воронежской области Иван Негробов и Михаил Ветров. Также в спектакле заняты Максим Данилов, Мария Стец, Юмико Накагава, Тагир Мустафаев, Ацунори Ота. Вместе с ними на сцену выходят более 20 воспитанников Воронежского хореографического училища. Восемь пар девочек и мальчиков исполняют мазурку и четыре пары – полонез.

Коллектив Театра оперы и балета не без гордости сообщает, что на спектакль такой красоты и полыхающей страсти впору, как на романтическое свидание, приглашать любимых.

— Постановщики, артисты, музыканты – вместе мы старались сделать красочный яркий спектакль, в котором каждый артист честно проживает свой образ и зритель эмоционально подключается к происходящему на сцене, — подвёл итог большой работы Юрий Смекалов.

Елена С.

Номер ссылки| 2025121305
Тема| Балет, Красноярский театр оперы и балета, Персоналии, Руслан Аболмасов
Автор| Елена КОНОВАЛОВА
Заголовок| «Самое сложное – быстро освоить пуанты»
Где опубликовано| © "Опера & Балет" №4 (113), декабрь 2025
Дата публикации| 2025-12-01
Ссылка| https://krasopera.ru/press/interview/samoye-slozhnoye-bystro-osvoit-puanty.htm
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Молодой солист Руслан Аболмасов третий год танцует в Красноярском театре оперы и балета и успел за это время зарекомендовать себя как очень перспективный артист. Особенно продуктивным стал для него нынешний сезон: осенью Руслан дебютировал в главных партиях Колена в «Тщетной предосторожности» Петера Гертеля и Графа Альберта в «Жизели» Адольфа Адана. А в декабре готовится станцевать Меркуцио в балете Сергея Прокофьева «Ромео и Джульетта» и Наездника в «Половецких плясках» в опере Александра Бородина «Князь Игорь».

Руслан родился и вырос в Красноярске, здесь же с красным дипломом окончил хореографический колледж. В студенческие годы стал лауреатом и дипломантом многих конкурсов, тогда же впервые вышел на профессиональную сцену: танцевал в кордебалете в балетах «Раймонда» и «Катарина, или Дочь разбойника». А первой сольной партией у него стал Цунига в балете «Кармен»: в 2023 году артист едва успел выпуститься из колледжа, как тут же ввелся в этот спектакль и отправился с труппой летом на гастроли в Норильск. И с тех пор успел уже исполнить больше двух десятков различных сольных партий, в том числе и ведущих.

– Меня чаще занимают в лирических партиях – наверное, возраст и физические пропорции больше пока подходят для такого амплуа, – говорит Руслан. – И хотя мне интересно абсолютно все, я с удовольствием работаю над каждой новой ролью, но больше тяготею к характерным, отрицательным персонажам. Скажем, в балете «Ромео и Джульетта» меня больше всех привлекает Тибальд, в «Катарине» – Дьяволино, а не Сальватор Роза, в «Корсаре» – Бирбанто, а не Конрад. И только в «Спартаке» однозначно притягательнее Спартак, а не Красс, хотя последний – один из самых ярких отрицательных героев на мировой балетной сцене. Но в Спартаке есть что-то особенное, что отзывается в душе. Впрочем, все эти партии на вырост, и я прекрасно осознаю, что к ним надо тщательно подготовиться, набрать репертуар. Во многих спектаклях начинал с массовых сцен, потом солировал в небольших ролях и постепенно выходил на главных героев – это вообще нормальная практика в балете.

В этом сезоне в репертуаре артиста появились и озорные комические персонажи – сначала Колен, а 14 декабря Руслан впервые исполнит Меркуцио. Последнего, конечно, нельзя назвать чисто комедийным – жизнь его обрывается трагически. Но сама партия, при ее значительной технической сложности, дает немало простора для актерской свободы.

– Одна из самых больших трудностей для меня в этой партии – необходимость танцевать на пуантах, что требуется для ее исполнения. Девочки обучаются этому искусству восемь лет, а мне приходится осваивать за месяц. (Смеется.) И это не считая фехтования, которому в колледже не учат, и общей проработки образа Меркуцио, персонажа многогранного. Но чем сложнее задача, тем она увлекательнее.

С особым удовольствием артист также вспоминает работу над балетом «Корсар», где он запомнился публике своим исполнением танца Pas d'esclave.

– Поначалу в этом спектакле я репетировал массовые сцены, но потом мы с моим педагогом Иваном Константиновичем Карнауховым попробовали Pas d'esclave, показали его хореографу Юлиане Геннадьевне Малхасянц, и она его одобрила. С ней вообще было очень легко и интересно работать – она досконально все объясняет. Кстати, обычно Pas d'esclave в «Корсаре» исполняет работорговец Ланкедем, а у нас – молодой купец, старающийся выгоднее продать свою невольницу, и дуэт этот весьма динамичный, с множеством поддержек и прыжков.

В декабре Руслана Аболмасова также можно будет увидеть в «Щелкунчике». А к мартовской премьере балета «Пушкин» он репетирует Дантеса.

Елена С.

Номер ссылки| 2025121501
Тема| Балет, БТ, Гала-концерт, Персоналии, Майя Плисецкая
Автор| Роман Володченков
Заголовок| Плисецкая навсегда!
Где опубликовано| © Музыкальные сезоны
Дата публикации| 2025-12-12
Ссылка| https://musicseasons.org/pliseckaya-navsegda/
Аннотация|

В Большом театре России прошел Гала-концерт к 100-летию со дня рождения Майи Плисецкой (режиссеры – Махар Вазиев и Андрис Лиепа). Великую балерину вспоминали с большим пиететом (за пультом оркестра стоял маэстро Валерий Гергиев), вдохновенно (вели концерт Илзе Лиепа и Евгений Миронов), открывая музыкальный фестиваль-приношение МАЙЯ И РОДИОН.

Видеопроекция. Фото Дамира Юсупова. Большой театр

Широкая известность Майи Плисецкой сохранилась до нашего времени: когда молодежь, слыша это имя, не пожимает плечами удивленно, а называет самые знаменитые роли и номера балерины – Китри, Кармен, «Умирающий лебедь», «Болеро». ЗАКОНОМЕРНО, ведь сегодня в театре таких индивидуальностей НЕТ! Плисецкая была и остается ФЕНОМЕНОМ! Мировой славы она достигла благодаря яркому таланту, мастерству и стойкому характеру. Майя Плисецкая подала пример, как жить в искусстве: совершая повседневные реформы в танце, расширяя пределы долголетия в балете. Что вдвойне ценно, поскольку главные артистические доказательства она предоставила у себя на родине или на зарубежных сценах, будучи примой Большого театра СССР.

Характер балерины формировался не только и не столько в конкурентной театральной среде (сложно представить, кто мог соперничать с Плисецкой!), но и в атмосфере времени, менявшего реалии сталинской эпохи, хрущевской оттепели, брежневских лет, в обстановке официального, разрешенного творчества. Нередко Плисецкой удавалось побороть косность, штампы, устаревшие нормы. Выжидать и отмалчиваться, когда чувствовалась несправедливость или ощущался застой в родном театре, она не могла. В такие моменты в ней просыпался бунт ее главной героини – свободолюбивой Кармен. Эту долгожданную партию, а затем и другие новые Плисецкой подарил главный мужчина ее долгой, похожей на полет кометы жизни – композитор Родион Щедрин. Без него Майю нельзя осознать. Союз Плисецкой и Щедрина уникален, время над ним оказалось не властно! Потому музыкальный фестиваль-приношение МАЙЯ И РОДИОН встроился в их даты рождения: Плисецкой – 20 ноября, Щедрина – 16 декабря.

В программу Гала-концерта вошли знаковые произведения из репертуара Майи Плисецкой, а также посвященные ей современные номера. Так, в «Кармен-сюите» Альберто Алонсо, мастерски превращенной Родионом Щедриным из оперы Ж. Бизе в одноактный балет, показалась главная прима Большого театра – Светлана Захарова. По статусу и великолепным данным партия ей подходит, однако это была совсем другая, нежели у Плисецкой, история – убедительно прожитая, на волне своего темперамента, но без накала страстей, кипения в жилах крови. Достойными, внимательными партерами балерины выступили Артемий Беляков (Хозе) и Денис Савин (Тореро). Им и другим артистам в «Кармен-сюите» удалось поддержать легенду спектакля для неподражаемой Майи.

Практически безупречно станцевала Антре и Адажио с четырьмя кавалерами из балета «Спящая красавица» изящная, обликом походившая на принцессу утренней зари Елизавета Кокорева (Аврора). Чисто, без видимых усилий исполненные ею па произвели впечатление строгой, но эмоционально наполненной манеры.

Еще в двух фрагментах академической классики, в которой некогда блистала Майя Плисецкая, вышли статные балерины Большого театра – Юлия Степанова и Алена Ковалёва. Первая в Классическом венгерском па из балета «Раймонда», вторая в Па де де Одиллии и Принца Зигфрида из «Лебединого озера». Внешняя красота и пластичные данные прим словно созданы для воплощения доверенных им партий, однако их ровное, безошибочное исполнение мало приблизилось к эталону. Другое дело кавалеры: партнером Юлии Степановой выступил Дмитрий Смилевски, Зигфридом Алены Ковалёвой стал Дмитрий Выскубенко. Оба солиста показали артистизм, внимание к своим партнершам, желание покорить публику техническим мастерством. Смилевски в прыжках буквально зависал в воздухе, уверенно утверждаясь в стихии танца, Выскубенко – привлекал легкостью прыжков, аккуратностью позиций, мягкостью приземлений.

Номер на музыку Густава Малера «Посвящение Майе и Родиону», сочиненный Патриком де Бана, исполнили Ева Сергеенкова и автор хореографии. Заявленный как мировая премьера, он предполагал реализовать на сцене замысел творческого дуэта Майя–Родион. В итоге гениальная музыка Малера не нашла убедительного отражения в танцевальных образах. Но при этом оказалась музыкальной солистка, текучими, плавными движениями передавшая трепетное отношение к великой паре.

Из других номеров особое впечатление оставил «Лебедь» Светланы Захаровой – самой лучшей исполнительницы этого шедевра К. Сен-Санса–М. Фокина за последние десятилетия. Лебедь Захаровой сочетает в себе экспрессию Анны Павловой и академизм Галины Улановой, в нем видно продолжение темы, плывущей по спокойной водной глади белой грациозной птицы Майи Плисецкой.

Яркое, с эффектом гипнотического погружения «Болеро» Майи Плисецкой в постановке Мориса Бежара на больших сценических экранах стало финальной, победной точкой гала-концерта. То, что не хватило живой, зажигательной Майи, почувствовали все!

=====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025121601
Тема| Балет, Astana Ballet, Фестиваль танца Ballet Globe, Персоналии, Даниил Симкин
Автор| корр.
Заголовок| Мировая звезда балета Даниил Симкин выступит в Казахстане
Где опубликовано| © Tengrinews
Дата публикации| 2025-12-16
Ссылка| https://tengrinews.kz/kazakhstan_news/mirovaya-zvezda-baleta-daniil-simkin-vyistupit-v-kazahstane-588132/
Аннотация|

Мировая звезда балета, премьер American Ballet Theatre и Staatsballett Berlin Даниил Симкин выступит в Казахстане в конце декабря. Он выйдет на сцену Astana Ballet в рамках Международного фестиваля танца Ballet Globe.

С 27 по 29 декабря Симкин исполнит партию Принца в легендарном "Щелкунчике" вместе с примой-балериной Большого театра Анастасией Сташкевич.

В Ballet Globe подчёркивают: в зимней Астане классическая рождественская сказка зазвучит по-особенному. Зрители вместе с Машей отправятся в путешествие из уютной гостиной с наряженной ёлкой в мир, где игрушки оживают, орда мышей ведёт ночное сражение, а Щелкунчик превращается в благородного Принца.

По словам Даниила Симкина, секрет невероятной популярности "Щелкунчика" в том, что он соединяет в себе и искусство, и семейную традицию.

"С одной стороны, это романтическое и атмосферное представление, введение в нашу прекрасную форму искусства, которым является балет. С другой — традиция, которая может объединить всю семью. Это легко понять и служит повторяющимся фоном для прекрасного Нового года. Это поднимает настроение для праздников", — отмечает артист.

При этом он уверен, что во многих странах мира поход на "Щелкунчика" давно стал обязательной частью декабря — наравне с просмотром любимых новогодних фильмов.

"Это отличный спектакль, чтобы привести детей и познакомить их с балетом. Он волшебный, занимательный, простой для понимания, но в то же время в нём есть все важные элементы романтического балета", — добавляет танцовщик.

Говоря о своей партии, Симкин признаётся, что каждый выход в классическом балете для него — особое испытание, и каждую роль он старается проживать максимально честно.

"Как и в любом классическом балете, исполнение является моментом истины для танцора. Это очень показательно и во многом определяет нас как художников. Здесь я выступаю в роли принца, я стараюсь представить идеал человека. Я стараюсь быть лучше, чем я есть: и как человек, и как художник. Такой, знаете, образец для подражания", — признаётся Даниил Симкин.

Для зрителей, которые никогда не были в балетном театре, Симкин описывает "Щелкунчика" как историю взросления и мечты.

"Это фантастическая история о становлении. Рождество становится фоном для мечты о мире красоты, в котором девушка превращается в женщину. Это воображение идеального будущего, которое позволяет зрителям забыть о реальности", — отмечает он.

Отдельно танцовщик подчеркнул значение Международного фестиваля Ballet Globe для культурного обмена.

"Такие фестивали необходимы для развития и образования. Только через обмен можно увидеть себя и свое искусство в международном контексте, — считает Симкин. — Не могу дождаться, когда приеду в Казахстан и выступлю в романтическом балете "Щелкунчик". Я сделаю всё возможное, чтобы вам понравилось".

Помимо Астаны, артист также выступит в Алматы. Его гастроли станут редкой возможностью для казахстанских зрителей увидеть танцовщика мирового уровня вживую, а для молодых артистов — примером того, как рождественская сказка может стать началом большой профессиональной истории.

Расписание выступлений

Город Алматы в театре КазНТОБ имени Абая.

24 и 25 декабря в спектакле участвуют:

- Даниил Симкин, премьер American Ballet Theatre и Staatsballett Berlin;
- Анастасия Сташкевич, прима-балерина Большого театра.

26 декабря зрители увидят выступление звёзд Большого театра:

- премьера Артемия Белякова;
- прима-балерины Евгении Образцова.
Город Астана, театр Астана Балет.

С 27 по 29 декабря в спектакле участвуют:

- Даниил Симкин, премьер American Ballet Theatre и Staatsballett Berlin;
- Анастасия Сташкевич, прима-балерина Большого театра.

Елена С.

Номер ссылки| 2025121602
Тема| Балет, «Урал Опера Балет», Премьера, Персоналии, Александр Белоусов Александр Меркушев Алессандро Каггеджи Анатолий Королев Антон Пимонов Дмитрий Мазуров Лаборатория «пиши балет» Лидия-Мария Кошевая Максим Петров Роман Цыпышев
Автор| Тата Боева
Заголовок| Русское — это любовное
Где опубликовано| © интернет-версия журнала "Балет"
Дата публикации| 2025-12-16
Ссылка| https://balletmagazine.ru/post/russkoe-eto-lyubovnoe
Аннотация| Премьера

Урал Балет начал премьерный танцевальный сезон 2025/26 с большого сборника «Быстрые свидания». Название вечеру дала финальная часть — коллективный балет, созданный шестью композиторами и шестью хореографами. Также в программу вошли три сочинения Максима Петрова и новая одноактовка «Шесть русских песен» композитора Анатолия Королева и хореографа Антона Пимонова. Тата Боева рассказывает о вечере, главной темой которого, по ее мнению, стали мрачные закоулки любви.

Татьяна Мевх — «Полдень»

В принципе, название «Быстрые свидания» целиком тизерило концепцию. Кто ходил на такие встречи-минутки и выходил с них счастливым? То-то же.

Однако команда Урал Балета обвела всех вокруг пальца, положив сердцевину на виду и отведя от нее внимание. «Коллективный балет», «открытый конкурс», уникальная организационная структура, циклопический состав: восемь живых композиторов, семь хореографов, три художника по свету, два художника по костюмам, по одному дирижеру и пианисту, а уж число идейных вдохновителей и придумщиков, вероятно, в силу летучести идей подсчету не поддается. И все это промо — не то чтобы неважное. Но не ключевое.

Ключевое в «Быстрых свиданиях» — тема любви, важная для местной команды, и ее новый извод: любовь темная. Глубокая и опасная, как омут, куда можно попасть и больше не вернуться. Нервная любовь. Тревожная.

Вечер выстроен по принципу нагнетания напряжения. От светлого, росчеркового, оммажного, интеллектуального — любовь к балету, «а теперь слайды», — «Полудня» Максима Петрова к гнетущим, дробящим «Быстрым свиданиям», где каждая встреча выкручивает чувства все сильнее и звенит от фрустрации, разочарования, тяжести, которые может принести с собой человеческая близость. А между этими полюсами — «Шесть русских песен» Анатолия Королева и Антона Пимонова. И это крайне интересный кейс балета-моста. Переходного пространства, вобравшего признаки своих соседей.

Начать хотя бы с того, как именно хореографическая манера Пимонова встраивается в вечер. Его одноактовка — сердце программы. Она расположена между крайне узнаваемыми, индивидуальными по почерку творениями Максима Петрова (тем более «Полдень», «Тихо» и «Руки» не относятся напрямую к его артельной деятельности, стоят особняком) и, собственно, коллективными «Быстрыми свиданиями», которые Пимонов же собирает, будучи автором открывающего и завершающего сегментов. И в этом положении явно видно, что статус хореографа-резидента труппы для Антона Пимонова — не только формальность, не только строка в документах, а концептуальная роль. Он идеальный постановщик-партнер, способный там, где это требуется, мимикрировать под руку другого человека и в то же время остаться собой.

«Песни» сперва выглядят как продолжение балетов Петрова — такие же негромкие, тонко выделанные, воздушные. И такие же неожиданно, прорывами, жестокие. Нежное вроде бы «Тихо» — вещь и в словах, и в танце любовная, томящаяся, но гармоничная, — завершается обрушением, падением одной из артисток. И на этой же фигуре постоянного слома выстроены уже «Песни» целиком. Это балет, в котором задорный номер-частушечка с чуть утрированными, лубочными обниманиями и яркими улыбками (особенно эта часть идет Анне Домке, которая умеет играть в яростно счастливую куколку на сцене), может завершиться резким обмяканием балерины всей спиной назад: выдохлась, закончилась радость, надломился позвоночник. Это спокойный балет, где посреди любовного дуэта может возникнуть жесть: например, движение, напоминающее то ли хватание, то ли потенциальное удушение. Там же можно протащить партнершу плоскими стопами по полу, хватая за пояс, буквально провезти: та грань доминирования, через миллиметр от которой начинается обтанцованное насилие.

Предшествующий «Песням» балет «Тихо» идет в театре с лета. Он вышел в предыдущем премьерном вечере «Большой гала Урал Балета» и будто не был обязан образовывать целостность с другими частями. Однако Антон Пимонов намечает в полноценной одноактовке хореографические мотивы, которые разовьет в своем открывающем сегменте «Быстрых свиданий». И их же хореограф буквально соберет, повторив под свою руку паттерны всех товарищей по постановке — редкий удачный компромисс общего и своего. В итоге Пимонов скрепляет всю программу — буквально через тела артистов, подбирая лексику, роднящую акты.

Отдельно интересна работа хореографа с темой национального. К ней он обращался много раз: занимался французским любовным напевом в «Озорных песнях» в Перми и восточнославянским духом романтизма в «Венгерских танцах» в Екатеринбурге. Наконец, пришел черед «Русских песен». Стихийная серия выявляет подход Антона Пимонова к теме «родного» для любой страны.

Национальное — это не набор движений. Хотя аллюзии на условность русского авангарда, его примитивизм — например, нарочно простые «квадратные» руки, не балетные, чуть кривенькие, как старый наличник, или сложенные перед собой локти, невольно в памяти надевающие на исполнителей косоворотки и кокошники, — присутствуют. Национальное — это не мелодии. Хотя специалисты наверняка найдут в партитуре Анатолия Королева массу отсылок, а пианист Герман Мархасин играл то залихватски, то заунывно, то тающе, будто последний снег сходит с крыши тоненькой капелью. Наконец, национальное — это и не форма, не внешний вид.

Национальное — это нутряное. И в этом смысле нет ничего национальнее любви — чувства, объединяющего людей, и в то же время сугубо индивидуального. Личное. Снова слайды.

Даже то, как устроен в «Шести русских песнях» танец, как сущность, отсылает к тому, что есть национальное. Что у нас там традиционно русское? Узор? Рисунок без сюжета, но с тончайшим мастерством исполнения? Так вот, «Песни», как и многие хорошие неоклассические балеты, несмотря на общую деградацию метода сегодня в России, — это выписанный узор. Нечто бессюжетное, в чем все равно можно, медитируя, рассмотреть очеловеченные паттерны. Как в завитках на старых настенных коврах — целые миры и большие истории.

Однако «Шесть русских песен» — не пышный узор. Не русское узорочье с его многолепием расцветок, растений и завитушек. Не золотая хохлома и даже не нежная дуохромная гжель. Это — графика Ивана Билибина, его страшноватые и четкие — будто не прорисованные, а набитые, как линии иглой на коже, — рисунки. Создания, в которых рядом живут красота и уродство, доброта и злоба, покой и тревога. И, возможно, это лучший способ думать о песнях, русском и даже числе шесть. Ведь все песни — только о любви. А любовь бывает разная, но неизменно — прощающая. Как и финал «Песен», где, нассорившись и наплясавшись, пары остаются в мышечно негромком, неловком, сутулом, зато теплом объятии.

================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025121701
Тема| Балет, Казахский национальный театр оперы и балета имени Абая, Премьера, Персоналии, Сергей Прокофьев, Екатерина Волкова
Автор| Карина БИКИНЕЕВА
Заголовок| В Алматы вернулась «Золушка»
Где опубликовано| © АиФ Казахстан
Дата публикации| 2025-12-17
Ссылка| https://kzaif.kz/culture/theater/v-almaty-vernulas-zolushka-nbsp
Аннотация| Премьера

Зимний театральный сезон в Алматы открылся особенным событием ‒ на большую сцену вновь вернулась легендарная «Золушка» по музыке Сергея Прокофьева. Премьера балета, которую город не видел много лет, состоялась на сцене Казахского национального театра оперы и балета имени Абая. Постановку представил Государственный академический театр танца РК в хореографии Екатерины Волковой ‒ петербургского мастера и выпускницы Алматинского хореографического училища имени А. В. Селезнёва.

Над постановкой работало более 70 человек, включая 60 артистов балета, костюмерный цех, педагогов и хореографов балетной труппы. Примечательно, что в этом году исполняется ровно 80 лет со дня первой премьеры «Золушки» на сцене Большого театра. Публика встретила возвращение классики с восторгом. Волшебная история о силе доброты, терпении и внутреннем свете предстала в обновлённой версии. Плавные линии движения, воздушные композиции и эмоциональная выразительность артистов создавали то ощущение сказки, которое невозможно передать словами.

Главную партию в первый вечер исполнила приглашённая балерина из Японии Минами Ватанабэ. На следующий день, 2 декабря, в Almaty Theatre роль Золушки исполнила казахстанская прима Сымбат Максут.

Новый старый балет

Хореограф-постановщик Екатерина Волкова рассказала, что замысел спектакля зрел долго, но интенсивный рабочий процесс начался в июне, когда её пригласили в Алматы.

«Были периоды, когда я уезжала из города, ‒ делится Е. Волкова. ‒ В это время артистам приходилось осваивать части спектакля онлайн. Потом я возвращалась, корректировала, выстраивала финальные акценты. Но главное для меня было одно: передать образ Золушки – лёгкий, воздушный, женственный. Ведь каждая девушка и каждая балерина мечтает о любви, а в нашем спектакле эта тема ведущая».

Сложнее всего пришлось исполнителям главных ролей ‒ Золушке, Принцу и сёстрам. В их партиях много сложных вращений, прыжков и вариаций, которые требуют мастерства и показывают индивидуальный характер каждого героя.

«Сценография тоже стала ключевой частью работы. Мы много трудились с нашим сценографом и художником по свету над тем, чтобы зрители ощутили дух волшебства и такого лёгкого ощущение преддверия Нового года», ‒ рассказывает хореограф.

Сказки нужны всем

По словам главного балетмейстера Государственного академического театра танца РК и заслуженного деятеля РК Гульфиды Гафуровой, классические сказки по-прежнему столь важны, потому что в них отражены вечные темы: добро и зло, свет и тьма, любовь и ненависть. И важно то, что в сказках добро всегда побеждает.

«Эта сказка без возрастных ограничений, ‒ подчёркивает Гафурова. ‒ Она будет интересна и детям, и взрослым, и пожилым зрителям. Кто из девочек не мечтал быть Золушкой? Но «Золушка» не просто красивая история: это послание о том, что труд, терпение и честность ‒ путь к своему счастью».

Оценивая развитие балета в Казахстане, она отмечает: «Наш балет развивается в разных направлениях ‒ классика на высоком уровне, но и современный балет (неоклассика, демиклассика, национальная хореография) не отстаёт».

Исполняющий обязанности директора ГАТТ РК Жаныбек Утегенов считает, что у казахстанского балета открываются новые возможности: «Сегодня есть государственная поддержка, привлекаются зарубежные специалисты. Но чтобы удивлять мировую публику, нам необходимо сочетать классику с элементами аутентичности. Симбиоз национального колорита и академического танца ‒ вот что может стать нашим уникальным преимуществом».

Премьера «Золушки» прошла при полном аншлаге. А финал сопровождался десятью минутами нескончаемых аплодисментов.

«Мы в восторге от музыки и артистов! Особенно впечатлила Фея. Два часа прошли на одном дыхании», ‒ поделилась с нами одна из зрительниц Татьяна Чикина, предпринимательница из Алматы.

Юная зрительница Аида Иликпаева добавила: «А мне больше всего понравился Чайник! Самая лучшая роль досталось ему. Также очень понравилось, как в начале ссорились приёмные сёстры. Это было очень красиво, они вроде бы дрались, но при этом не задевали друг друга».

Премьера «Золушки» в Алматы стала не просто культурным событием, а напоминанием: чудо живёт там, где есть искренность и трудолюбие. А театр вновь доказал, что классика может звучать современно и трогать каждого ‒ от юного зрителя до искушённого балетомана.

===============================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Фото: Екатерина Чеснокова / РИА Новости
18 и 19 декабря на сцене Государственного Кремлевского дворца состоятся показы балета-феерии «Щелкунчик» Академии Русского балета имени А. Я. Вагановой. Ректор учебного заведения, народный артист РФ Николай Цискаридзе рассказал об особенностях спектакля и о своей новой книге «Мозаика. Балет. Щелкунчик», написанной в соавторстве с историком балета Ириной Дешковой.

Балет «Щелкунчик» Петра Чайковского стал символом не только русского балета, но и Нового года — в преддверии праздника билеты на постановки разлетаются за несколько часов. Тем не менее ежегодно обсуждают не только заоблачные цены на билеты, а также и то, почему именно этот балет стал главным подарком для театралов в зимнюю пору.

— Николай Максимович, почему теперь «Щелкунчик» пользуется такой бешеной популярностью?

— Попасть на этот балет в Большой театр всегда было сложно, но почему началось такое сумасшествие сейчас... Наверное, что-то помогло его разглядеть, что теперь без «Щелкунчика» не жить.

— Сейчас у нас есть возможность увидеть в Москве версию воспитанников Академии Русского балета...

— Да. Наше учебное заведение вошло в программу «Приоритет-2030» Министерства науки и высшего образования Российской Федерации. Этот спектакль идет с 1934 года на сцене Мариинского театра, он был поставлен для детей, и его танцевала только наша школа. В 1980-х, когда начались гастроли, его стали исполнять и артисты Мариинки. И если мы серьезно посмотрим, как сейчас во всем мире танцуют этот балет Чайковского, то убедимся, что все версии — это калька с того, что было сделано в 1934 году, и в том, что началось такое сумасшествие мировое из-за «Щелкунчика», отчасти «виноваты» два наших выпускника: Василий Вайнонен и Георгий Баланчивадзе. Они оба сделали постановку по мотивам спектакля, в котором участвовали в детстве. Коммерческий успех был такой, что началась эпидемия любви к этому балету, которая уже, мне кажется, никогда не остановится. И когда начался бум разговоров об отмене русской культуры на Западе, я говорил: «Давайте доживем до Рождества, и «Щелкунчик» будет везде».

— Артисты не устают от него?

— Конечно, хотя музыка бесподобно прекрасна, для танцовщиков она иногда становится своеобразной мукой. Я долго исполнял этот спектакль, больше всех версию Григоровича (только на сцене Большого театра артист станцевал его 101 раз, не считая гастролей. — «ВМ»), и за это время у артистов вырабатывается четкий ритм, все рассчитано до минуты. Сколько лет прошло — на определенные такты музыки мой организм реагирует весьма необычно, как у собачки Павлова.

— На сцену выходят дети, как это изначально задумывалось. Как относитесь к тому, что «Щелкунчика» часто исполняют и взрослые артисты?

— Я, честно говоря, на даю этому оценки. Но сейчас на сцене не осталось места для чуда и волшебства. Я помню свои детские впечатления, и хотя этот балет танцевали взрослые артисты, мне казалось, что на сцене происходит волшебство. И я понимаю, что если бы не было этого впечатления, мое детское сознание никогда бы не сподвигло меня пойти в эту профессию. Артисты работали совершенно фантастически, и по сей день мне кажется, что никто лучше них не танцевал.

А сейчас в этих спектаклях танцует наше «завтра» — уже скоро все они поступят в театры, артисты быстро взрослеют.

— Как юные исполнители готовятся к выступлению?

— Очень тяжело. И, увы, я вынужден признать, что уровень человеческой природы сильно деградирует. За те 12 лет, которые я занимаюсь образованием, вижу, что все это идет в какую-то чудовищную сторону. Алиса Фрейндлих, когда я ей пожаловался на это, сказала мне такую фразу: «У природы сейчас выдох». К сожалению, это так, и мы прикладываем колоссальные усилия, чтобы не опускать планку. Но хороший педагог очень зависит от ученика. К сожалению, много факторов, от экологии до появления гаджетов, изменило очень многое в структуре мозга человека. А балет — это не только ноги и руки, но еще и мозг.

— Цены на билеты начинаются от полутора тысяч, несмотря на ажиотаж...

— Даже когда я был маленький, мама чаще меня водила в Кремлевский дворец съездов — билеты были доступнее и дешевле, чем в Большой театр. Тогда самый дорогой билет стоил 3 рубля 20 копеек, и это считалось уже приличным. А когда ты видишь, за сколько теперь билеты продают спекулянты... Я понимаю руководителей театров, которые изначально ставят высокую цену, чтобы бороться с этим явлением. Театры не виноваты, они просто хотят, чтобы эти деньги хоть как-то доходили к ним, а не оставались у спекулянтов. Но я всегда говорил о том, что искусство существует для народа, и государство должно контролировать уровень цен и то, чтобы деньги поступали в театр на зарплаты артистам и будущие постановки.

— Вы стали соавтором книги о балете, которая вышла совсем недавно. Кто целевая аудитория издания?

— Она написана для тех людей, кто хочет больше узнать о том, что такое театр — из чего он состоит, как строится спектакль на примере «Щелкунчика». Но увидев сегодня разлетевшуюся по новостным каналам фотографию, где женщина вызывающе лежит на бортике в зрительном зале Большого театра, я понял, что этот труд в обязательном порядке стоило бы прочитать всем, потому что там написано, как нужно себя вести в театрах. Если доходит до того, что ради эффектной фотографии люди ложатся на бортик, то, конечно, это уже стыд и срам. Много чему я не удивляюсь в родном театре — в последние годы, нормальные люди туда не в состоянии прийти. Нечеловеческие цены, билетов никогда нет в продаже, но зал при этом всегда полупустой.

Маяковский очень правильно сказал, что театр — это не зеркало, а увеличительное стекло того, что происходит в нашем обществе повсеместно. Потому лучше детям прочитать нашу книгу и заучить простые правила приличия.

— Книга выполняет просветительскую задачу. Достаточно ли такого контента в медиапространстве?

— Важный момент — в первую очередь нужно заинтересовать, педагог должен захватить ваше внимание. Точно так же с контентом. Раньше у нас было два канала, а сейчас — 222, и при этом гаджет в руке. Потому мало сделать правильно, важно это увлекательно подать. В пример я привожу сказку «Аленький цветочек» — это ведь тот же самый сюжет, что «Красавица и чудовище», просто в свое время «Дисней» сделал мультфильм, фантастически яркий, с прекрасной музыкой, а советский вариант к тому времени устарел и казался детям слишком медленным. Так что всегда нужно быть адекватным своему времени.

ДОСЬЕ
Николай Цискаридзе — артист балета и педагог. С 1992 по 2013 год солист балета Большого театра. Народный артист РФ, дважды лауреат Госпремии РФ, трижды лауреат театральной премии «Золотая маска». Член Совета при Президенте РФ по культуре и искусству. С 2014 года ректор Академии Русского балета имени А. Я. Вагановой.

Елена С.

Ярким гала-концертом в Уфе завершился VI Международный фестиваль «Малый Нуреевский». Это была настоящая феерия юных мастеров хореографического искусства: на сцене театра оперы и балета выступили ученики 17 балетных школ России, Беларуси, Казахстана, Кыргызстана и Узбекистана - все они стали гостями Башкирского хореографического колледжа им. Рудольфа Нуреева. В этом году фестиваль прошел как часть его юбилейного сезона: 18 февраля исполнится 40 лет со дня его открытия.

В прологе - после класс-концерта - зрители увидели Рудольфа Нуреева: с большого экрана он будто обращался из будущего к самому себе - передавал упорство и веру в свои силы мальчику, полюбившему музыку и балет в суровые военные годы, а вместе с тем и всем юным танцорам, ждущим за кулисами. Свою мечту Нуреев впервые увидел на сцене нашего театра, сделал первые шаги в танце в нашем Дворце пионеров. Что же танцуют сегодня его наследники? Мы перечислим лишь некоторые яркие номера.

Красивым, романтичным и техничным графом Альбертом из «Жизели» (кстати, это была одна из коронных партий Нуреева) стал студент Алмаатинского хореографического училища Жансеит Еркебулан, гордой и своенравной Эсмеральдой из балета Цезаря Пуни – студентка Краснодарского хореографического училища Елизавета Кочеткова. Затем из дворцов эпохи барокко, где когда-то и зародился балет, действие сместилось на Восток: студентка Пермского ГХУ Елизавета Тавалика поразила зрителей страстным монологом Айши из балета А. Хачатуряна «Гаянэ», а представительница Казахской национальной академии хореографии Амина Рахимова влюбила всех в казахский характерный танец «Акку» («Лебедь): грациозные и точные движения ее рук порой и впрямь заставляли поверить, что на сцене настоящий лебедь или даже пара, а заодно говорили о трепетном чувстве любви и лебединой верности. Феерию продолжили зажигательный хорезмский танец «Легзи» ученицы Академии хореографии Узбекистана Нозимы Хурсанбоевой и таинственная «Сказка» о жизни древних людей на музыку этногруппы «Токэ Ча» в исполнении студентов Якутской балетной школы Эйнары Тарковой и Алексея Наговицына.

Было что показать и нашему колледжу: открыла концерт «Зарифа» - классический башкирский танец, один из первых поставленных Файзи Гаскаровым, где рассказывается об ухаживании егета за самой красивой, ловкой и умелой девушкой. Далее последовал веселый матросский танец, в котором наши юноши и девушки продемонстрировали все свое техническое мастерство, а напоследок зрители окунулись в романтическую сказку: старшекурсники БХК исполнили отрывок из «Щелкунчика» - яркий массовый «Розовый вальс», где Принцем и Машей стали третьекурсники Алан Хазиев и Варвара Кормакова.

- Этот балет вдохновляет меня, переполняет эмоциями, так что исполнить роль Маши - просто чудо! - поделилась эмоциями после выступления Варвара Кормакова. – Получить ее было нелегко: у нас было несколько составов для этого балета, для каждого прошли генеральные прогоны, и только тогда педагоги назвали имена главных исполнителей. Чтобы тебя выбрали, и внешние данные, и пропорции, и техника - все должно быть на максимуме.

Мой девиз для каждого дня – бороться и искать, равняться на великих и побеждать саму себя! Считаю, что меня выбрали в том числе и благодаря этому. А Рудольф Нуреев для нас – один из великих, эталон мастерства.

О номере, который танцевали ее ученики Эйнара Таркова и Алексей Наговицын, рассказала Жанна Попова, преподаватель Якутской балетной школы им. А и Н. Посельских:

- «Сказку» нам поставил Алексей Расторгуев, художественный руководитель Пермского балета Евгения Памфилова, музыку «Токэ Ча» - одной из самых известных российских этногрупп - он тоже выбрал сам. Вы, наверное, знаете, что у нас есть Ленские столбы – древние скалы с рисунками первобытных людей, объект всемирного наследия ЮНЕСКО. Эти рисунки перенесены на костюмы Эйнары и Алексея. Сюжет номера - легенда о жизни этих людей, а танец связан с народным: в нем есть стилизованные движения из северного и якутского танцев, движения оленей, птиц. Одним словом, это наша культура, которую мы бережно храним.

В заключение мы побеседовали с директором Башкирского хореографического колледжа, народной артисткой Башкортостана Альбиной Нуримановой.

- Мы очень рады, что фестиваль состоялся: обмен опытом необходим для развития, - сказала она. - В дни фестиваля прошли круглый стол и мастер-классы, которые стали большими событиями для всех участников, ведь их провели представители знаменитых балетных школ из Петербурга и Москвы. Так, мастер-класс по мужскому классическому танцу дал Фетон Миоцци – бывший премьер Мариинского театра, а ныне известный педагог Академии русского балета им. Вагановой – той школы, по методике которой мы работаем, которая лежит в основе балетного искусства многих стран. Женский класс дала его супруга – также преподаватель Академии Ирина Бадаева, мастер-класс по народному танцу - экс-солистка знаменитого ансамбля им. Игоря Моисеева, директор его школы-студии Гюзель Апанаева, а по современному - педагог петербургской Академии танца Бориса Эйфмана Алиса Панченко.

Хочу отметить, что все знаменитые педагоги согласились приехать с удовольствием и без всяких условий – я надеюсь, мы с ними продолжим сотрудничество, будем приглашать их в течение учебного года, а не только на фестивали. А что касается «Щелкунчика», это наш новый балет в постановке Рината Абушахманова. Он просто должен быть в нашем репертуаре, потому что это Чайковский - классика, на которой наши дети растут – оттачивают технику и актерское мастерство. С этим спектаклем мы планируем гастроли по республике и городам РФ.

=======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025121801
Тема| Балет, Opera national de Paris, Персоналии, Хосе Мартинес, Триша Браун, Дэвид Доусон
Автор| Мария Сидельникова
Заголовок| Контрастные обязательства
Парижская опера охватила полвека истории танца за один вечер
Где опубликовано| © Газета «Коммерсантъ» №234 от 18.12.2025, стр. 11
Дата публикации| 2025-12-18
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/8294495
Аннотация|

Под конец года художественный руководитель балета Парижской оперы Хосе Мартинес приготовил вечер «Контрастов», охватывающий полвека истории танца. Американский постмодерн в нем представлен историческими спектаклями Триши Браун (1936–2017), английская неоклассика — «Anima Animus» (2018) Дэвида Доусона. Оба известны российской публике: они обладатели «Бенуа де ля данс», а Доусон еще и лауреат «Золотой маски» (2006), и в Мариинском театре его увидели на 20 лет раньше, чем в Парижской опере. Послами современного танца на вечере выступили парижские дебютанты, модные голландцы Имре и Марне ван Опсталь. Брат и сестра показали мировую премьеру «Drift Wood». Рассказывает Мария Сидельникова.

Белая сцена в балете «Anima Animus» Дэвида Доусона подчеркнула мастерство французских танцовщиков
Фото: Benoite Fanton / Opera national de Paris

Впервые за последние три года декабрьские спектакли в Опере — самый насыщенный и хлебный период сезона — проходят без забастовок: похоже, дипломатия Хосе Мартинеса принесла свои плоды и в труппе воцарилась гармония.

Вечер открыл «O zlozony / O composite» (2004) Триши Браун — поэтическое трио на стихи польского нобелевского лауреата Чеслава Милоша. Все рифмы и ритмы американская постмодернистка подчинила отношениям тела и жеста с пространством и временем. Это чистая танцевальная поэзия, которая разворачивается на фоне бездонного звездного неба под убаюкивающий шепот актрисы Агнешки Войтович-Восло. Спектакль в Парижской опере возобновили впервые после смерти Браун. Для работы с новым звездным составом — Дороте Жильбер, Марк Моро и Гийом Диоп — в Париж выписали команду репетиторов.

Формально упрекнуть новых исполнителей не в чем: все горизонтали-вертикали как в замедленном каскаде поддержек, так и в синхронных фразах соблюдены, структуры и схемы прочерчены и выверены, но сценической химии, которая превращает невыразительные рифмы в высокую поэзию, увы, не произошло.

Такого эффекта добилась Ханна О’Нил, исполнив соло «If you couldn’t see me» («Если ты не можешь меня видеть», 1994). Эта камерная десятиминутная миниатюра — танцевальный монумент XX века — давно перекочевала со сцены в учебники. Однако парижане только сейчас заполучили ее в репертуар. Соавтор Триши Браун художник Роберт Раушенберг (1925–2008) проделал с фигурой артиста тот же гениальный трюк, что когда-то с рисунком Виллема де Кунинга: просто стер ее. Как полотно лишилось фигуративности, так Тришу он лишил лица, повернув спиной к публике и подчеркнув этот радикальный жест «голым» платьем с разрезом до копчика. Ощущение, что смотришь спектакль из-за кулис. Но никакой радикальности и вызова не было в деликатном исполнении Ханны О’Нил. Сила этой балерины в ее слабости. Маленькая, хрупкая фигурка казалась танцующим огнем свечи в далекой темноте сцены, меняющим направления под дуновением невидимого ветра.

«Anima Animus» Дэвида Доусона, поставленный в 2018 году для Балета Сан-Франциско, обрушивается на зрителей как контрастный душ. Белая, полностью открытая сцена, четко вписанный в нее черный треугольник, черно-белые костюмы. И все это мельтешит перед глазами, словно ожившая картина оп-арта. Заданную названием, архитектурой и палитрой игру противоположностей Доусон продолжает и в хореографическом тексте. Представления об абстракции у англичанина довольно бесхитростные. Жесты размашистые, за музыкой Эцио Боссо — только успевай, а ноги в эффектных проездах-арабесках и растяжках в духе Уэйна Макгрегора не уберечь. Не удивительно, что в премьерный вечер второго состава юная Ортанс Мийе-Моран на первом же выходе оказалась на полу и не смогла продолжить спектакль. Но в целом группа молодых артистов Оперы пробежала этот марафон — сколь эффектный, столь и бессмысленный — весьма достойно.

Никаким телесным рискам не подвергали танцовщиков хореографы-дебютанты в Опере Имре и Марне ван Опсталь. Брат и сестра, прошедшие школы лучших современных трупп — NDT при Поле Лайфуте и Batsheva при Нахарине,— хореографы новые для Парижа, но уже зарекомендовавшие себя на международных сценах от Гааги до Монреаля.

На фоне сегодняшнего дефицита новых имен их карьерный взлет был быстрым: не прошло и пяти лет с первых постановок, как Хосе Мартинес выдал им карт-бланш и своих лучших современных артистов.

В «Drift Wood» («Дрейфующее дерево») хореографы размышляют о взаимосвязи человеческой природы и внешнего мира. В качестве декораций — выцветшие голландские пейзажи, дрейфующие от абстрактности к фигуративности. В роли персонажей — современные люди, запертые в условных рамках, навязанных обществом. По ходу спектакля выстроенная по периметру коробка исчезнет, костюмы — еще одна внешняя броня — уйдут, скованные тела раскрепостятся. Почерк хореографов едва ли можно назвать самобытным — насмотренный глаз распознает в нем марки всех их учителей, но компонуют они уверенно и по-своему оригинально, словно подводя под общий знаменатель все увиденные за вечер контрасты.

Елена С.

Номер ссылки| 2025121802
Тема| Балет, Международный Рождественский фестиваль, Персоналии, Игорь Цвирко, Вячеслав Лопатин, Кристина Кретова, Алена Ковалева, Анастасия Сташкевич
Автор| корр.
Заголовок| «Два месяца у нас щелкунчикомания»: звезды Большого театра вышли на сцену новосибирской филармонии — фото
В городе завершился Международный Рождественский фестиваль
Где опубликовано| © «НГС.НОВОСТИ»
Дата публикации| 2025-12-18
Ссылка| https://ngs.ru/text/culture/2025/12/18/76177144/
Аннотация| Фестиваль

Игорь Цвирко и Кристина Кретова танцевали фрагменты из балета «Щелкунчик»
Источник: Михаил Афанасьев / Новосибирская филармония

17 декабря завершился XVI Международный Рождественский фестиваль искусств. В Новосибирской филармонии прошел гала-концерт «Классика русского балета» (12+). Учреждение отвечало за музыкальную часть фестиваля.

На сцену вышли такие звезды как Игорь Цвирко и Вячеслав Лопатин, премьеры Большого театра, примы-балерины Большого Кристина Кретова, Алена Ковалева, Анастасия Сташкевич, а также звезды Новосибирского оперного театра и Московского театра Станиславского и Немировича-Данченко.

«Мне очень приятно, что наша программа „Классика русского балета“ закрывает фестиваль. Это значит, что балет важен для зрителей в любом виде. И самое главное, он важен этому городу», — подчеркнул Игорь Цвирко.

Премьер Большого театра стал режиссером вечера. Программа, которую смогли увидеть новосибирцы, была представлена в этом виде в стране впервые.

«Будучи действующим премьером балета, конечно, непросто еще и режиссером быть, но радует, что в сутках есть 24 часа. Если первую часть жизни посвящаю себя репетициям, то ночное время всегда остаётся для продюсерских проектов, — улыбнулся артист балета Игорь Цвирко. — Два месяца в году у нас в стране происходит щелкунчикомания, поэтому многие артисты сейчас заняты. Меняли и дополняли программу. Получилась вот такая. Для новосибирцев всегда хочется делать всё самое лучшее».

Алена Ковалева — прима-балерина Большого театра — покорила новосибирского зрителя
Источник: Михаил Афанасьев / Новосибирская филармония

Рождественский фестиваль давно стал визитной карточкой региона — в этом году в город приехало много звезд, как в рамках театральной, так и музыкальной части.

«Этот фестиваль стал таким триумфом именно русской музыки. Мы чувствуем, что у людей есть потребность и желание переосмысливать свою культуру. Наш зал, может быть не создан для балета, но и ему есть место на нашей сцене. Здесь зритель сможет увидеть его под другим ракурсом», — заверила Анна Терешкова, генеральный директор Новосибирской филармонии.

В музыкальной части фестиваля было 9 концертов: от академической классики и джаза до экспериментального концерта-квартирника шоумена Дмитрия Губерниева. Выступили три выдающихся пианиста — Владимир Вишневский, Борис Березовский и 19-летний китайский пианист Жуй Мин.

Рождественский фестиваль в этом году удивил и театральной программой. В город приехал «Современник», театр Вахтангова и другие звезды. Всего было 13 показов разных спектаклей.

«Фестиваль — сильный бренд Новосибирской области. За 30 лет своего существования он представил все лучшее, что было и в нашей стране, и даже в мире. И более полумиллиона зрителей за эти годы побывали на наших спектаклях и проектах. Нынешний фестиваль — особенный, к счастью, все заявленные коллективы представили свои проекты», — отметила Татьяна Людмилина, директор театра «Глобус», на пресс-конференции в ТАСС.

Новосибирцы очень быстро раскупили билеты. Спектакли посетили более 8 тысяч зрителей.

===================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025121803
Тема| Балет, Пермское хореографическое училище, Персоналии, Александр Мишутин
Автор| Данила Любимов
Заголовок| Александр Мишутин: Пытаюсь вернуть традиции великого Петипа на балетную сцену
Где опубликовано| © Журнал Музыкальная жизнь
Дата публикации| 2025-12-18
Ссылка| https://muzlifemagazine.ru/aleksandr-mishutin-pytayus-vernut-tr/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В октябре 2025 года на сцене Пермского хореографического училища, отметившего крупную дату – 80 лет со дня основания, – состоялась премьера балета «Жемчужина», который создал 130 лет назад Мариус Петипа. Постановщик спектакля, отечественный танцовщик, балетмейстер и педагог Александр Мишутин (АМ) ответил на вопросы музыковеда Данилы Любимова (ДЛ).

ДЛ Александр Сергеевич, не так часто, но вы бываете гостем нашего любимого города. Можете ли вспомнить, когда впервые оказались здесь?

АМ В Пермь я приехал в 2024 году, когда руководство Пермского хореографического училища пригласило меня поставить балет «Выпускной бал». О городе на Каме, естественно, хорошо знал, поддерживал связь с преподавателями училища и некоторыми артистами балета. Балетный мир все-таки тесный. Что для меня Пермь? В первую очередь это Дягилев и его «Русские сезоны». Мой друг Кендзи Усуи – японский танцовщик, хореограф, историк балета, директор Института русского балета в Токио (к сожалению, он уже умер) – имел тесные контакты с артистами труппы Ballets Russes. Благодаря его инициативе в Токио раз в год устраивались дягилевские вечера. Сам я ставил некоторые балеты Михаила Фокина, например, «Клеопатру».

ДЛ Вы сделали одноактный балет «Выпускной бал» на музыку Иоганна Штрауса-сына. Теперь вы обратились к балету Мариуса Петипа «Жемчужина» («Прелестная жемчужина»), созданному прославленным хореографом для особого торжества в истории России: коронации Николая II и его супруги Александры Федоровны (май 1896 года). Чем вызвано обращение именно к этому названию?

АМ Давно мечтал поставить этот балет. К слову, были и другие желающие, но в итоге я оказался первым. Позвонил Дарье Николаевне Сосниной, директору Пермского хореографического училища, и предложил этот балет. «Жемчужина» – балет-дивертисмент с обилием танцев. Захотелось научить детей понимать стилистику балета XIX века, донести до них, что в каждом движении есть смысл: либо это монолог, либо это дуэт. Также меня привлекла морская тема.

ДЛ Александр Сергеевич, в вашей редакции «Жемчужины» звучит музыка Жака Оффенбаха, а не Риккардо Дриго. Чем это вызвано?

АМ К сожалению, получить доступ к балетной партитуре Дриго, которая хранится в Мариинском театре, очень трудно. Но мой выбор музыки французского композитора не случаен. Долгое время я был занят подготовкой балета «Бабочка» на музыку Жака Оффенбаха, на протяжении пяти лет изучал материалы [в мае 2026 года на сцене Бурятского театра оперы и балета состоится премьера «Бабочки» в редакции Александра Мишутина. – Д. Л.]. В процессе работы мне пришла идея использовать музыку Оффенбаха также для постановки «Жемчужины». Кстати, знаете ли вы, что у самого Петипа изначально был замысел поставить «Жемчужину» на музыку оперы Верди «Дон Карлос»? Эта информация содержится на англоязычном сайте ассоциации «Общество Петипа». В опере Верди есть симфонический фрагмент на шестнадцать минут. Я послушал эту музыку, и мне показалось, что она не вписывается в либретто Петипа. Для него, конечно, сюжет был важнее музыки. Но Петипа ни в коем случае обвинять нельзя: это устойчивая традиция, характерная для балетного театра XIX века.

ДЛ Насколько музыка Жака Оффенбаха оказалась созвучной балетному либретто Петипа?

АМ Для меня Оффенбах является одним из лучших композиторов своего времени. Им написано много прекрасной музыки: опер, оперетт, симфоний, концертов. Недаром Чайковский иногда цитировал его музыкальные фрагменты. Так, «Вальс цветов» из «Спящей красавицы» близок антракту из второго акта «Прекрасной Елены» Оффенбаха. Темы Оффенбаха превосходно легли на либретто «Жемчужины».

Отобранная мной музыка Оффенбаха полностью посвящена морской стихии. Это логично, ведь основное действие балета происходит на дне моря. В выборе материала я опирался на неиспользованные ранее симфонические композиции из оперетты Оффенбаха «Орфей в аду», опер «Робинзон Крузо», «Христофор Колумб» и других. Увертюры своих театральных произведений Оффенбах, если посмотреть в ноты, называл симфониями. Все части симфоний Оффенбаха я брал без купюр и старался, чтобы не прерывались как драматическая линия либретто, так и музыкальная. Данила, специально для вас и для читателей журнала я раскрою некоторые карты. Пролог – «Морская симфония» из «Робинзона Крузо». Второй фрагмент – тема шторма из «Христофора Колумба» (появление Гения Земли). Третий фрагмент – «В царстве Нептуна» – музыка из «Орфея в аду» (Гений Земли танцует с Жемчужинами). Любовное адажио (четырнадцатый эпизод) – концерт для виолончели с оркестром. В финале балета звучит увертюра из комической оперы «Мадам Фавар». Апофеоз поставлен на музыку полонеза из «Орфея в аду». Обратите внимание: обычно полонезом всегда начиналось бальное торжество, я же специально им закончил. Почему? Молодые – Гений Земли и Белая Жемчужина – вступают в новую жизнь. Для них это начало пути. Поставил так абсолютно обоснованно и знал, что могу подвергнуться критике. Но этот же принцип применен Чайковским в балете «Лебединое озеро», первый акт которого заканчивается полонезом. Считаю, что музыка в балете очень важна, она грамотно расставляет все точки над i.

ДЛ Как создавался пластический рисунок балетных партий? Какой балетной технике вы отдавали предпочтение?

АМ Поскольку нотации балета «Жемчужина» не существует, я опирался на лексику и стиль Августа Бурнонвиля, которые сохранились по сей день. Это не цитаты, а, скажем так, компиляции движений в стиле Бурнонвиля. В постановке хореографии для воспитанников Пермского хореографического училища я задействовал ту балетную технику, которую изучают в каждом классе. Просто порядок движений оказался непривычным для традиционной методики обучения артистов балета.

ДЛ Ранее вы обращались к балету Петипа – Дриго «Талисман». Вы поставили его в 2019 году для Бурятского театра оперы и балета имени Г.Ц. Цыдынжапова. Скажите, вы ставите балеты-реконструкции так, как практикует Юрий Петрович Бурлака, или вам интереснее предложить свою танцевальную версию, близкую к стилю великого Петипа?

АМ Обычно каждый хореограф имеет свой индивидуальный почерк. Не хочу, чтобы это превращалось в некое клише. При постановке балетов стремлюсь использовать разную стилистику. Сейчас создать то, чего еще не было до тебя, трудно. Но пытаюсь сделать хороший классический балет. Что касается реконструкции в балете, где отсутствует точная и подробная запись, то считаю, что это невозможно. Правильнее будет сказать, что я делаю редакцию хореографии.

ДЛ В постановках XIX – начала XX века заглавные роли балета «Жемчужина» исполняли такие выдающиеся артисты Императорского театра, как Пьерина Леньяни, Матильда Кшесинская, Агриппина Ваганова, Павел Гердт. Как вам работалось с воспитанниками хореографического училища?

АМ Если в репетициях балета «Выпускной бал» были некоторые сложности, то в этом году – с точностью до наоборот: ребятам было интересно танцевать, осваивать непривычные темпы и комбинации движений. Работалось очень легко. Трудились с обеда и до ночи, и в короткий срок балет был практически поставлен. Дети молодцы. Все девушки прекрасны. Отмечу шестерку Белых жемчужин (Стефания Витюховская, Дарья Колотова, Софья Пьянкова, Элина Санчез, Софья Смелянова, Анастасия Шайбекова) и, конечно же, солисток, исполнявших роль Белой Жемчужины, – Юлию Манджиеву и Арину Тимергалиеву. Они готовые балерины, будущие примы! С мужским составом, к сожалению, год на год не приходится. Молодые люди формируются физически гораздо позднее. Мой балет был немного неудобен и некомфортен для юношей. Думаю, что с возрастом Роман Лобас (Гений Земли) и Павел Харламов (Царь Кораллов), придя работать в театр, окрепнут и разовьются.

ДЛ Премьера «Жемчужины» в вашей редакции состоялась в учебном театре хореографического училища, а затем прошли показы в Театре оперы и балета имени П.И. Чайковского. Сцена Пермского оперного меньше, чем сцена учебного театра училища. Потребовало ли это каких-либо изменений?

АМ В основном хореография сохранилась. В вальсе пришлось уменьшить количество танцоров и купировать некоторые пластические узоры. Аналогичное произошло и с детским танцем, однако мне удалось сохранить его рисунок. Сходный вопрос мне задавали, когда я работал над «Талисманом» Петипа. Мне все время говорили: «Раньше в балетах Петипа на сцене танцевало 130–200 человек». Понимаете, на сцену можно вывести 300–500 человек. Просто это будет «частокол». Зритель ничего не увидит: ни технику, ни пластический рисунок. Надо рассчитывать на то, какая у тебя будет площадка. Я всегда стараюсь делать спектакль на ту труппу, с которой работаю. Стремлюсь раскрыть «изюминку» артистов и театра.

ДЛ «Жемчужину» Петипа оформлял русский художник Петр Ламбин. Он представил публике красоты подводного царства. Спектакль в Перми украшала мультимедийная декорация морских глубин, созданная вами. Приходилось ли вам заниматься подобной работой раньше?

АМ Данила, должен вас поправить. В спектакле я сохранил декорацию Ламбина. Мы с Алексеем Амбаевым, главным художником Бурятского театра, сделали мультимедийную версию картины Ламбина, поскольку перемен декораций в моей редакции балета нет. Я с Алексеем не первый год работаю: делал с ним «Тысячу и одну ночь», «Лик богини», «Талисман» (все на сцене Бурятского театра оперы и балета). Мои художественные задумки Амбаев и его команда творчески реализует. Сейчас существует много профессиональных «нет». Это связано с пожарной охраной, техникой безопасности. Где-то нельзя делать пролеты, невозможно ввести пиротехнику – то, что было частью балетов XIX века. Нередко по этой причине путаются художественные карты. И поскольку технологии медиа позволяют восполнить недостатки сценического оформления, я смело к ним обращаюсь. Стараюсь сохранить дух той эпохи, но новыми средствами.

ДЛ Александр Сергеевич, возможно ли увидеть вашу редакцию балета «Жемчужина» на сценах других российских театров?

АМ Я всегда открыт для общения. Если позовут, то с радостью приеду и поставлю. Пока из других театров приглашений не поступало. В настоящее время завершаю работу над балетом «Бабочка». Постараюсь вернуть Марию Тальони на балетную сцену. В конце января и до марта 2026 года буду в Бурятии. Посмотрим, что получится. Считаю, когда есть интерес – тебя найдут и руководители театров, и критики.

Фото: Антон Завьялов

=================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025121901
Тема| Балет, Context , Персоналии, Диана Вишнёва
Автор| Олеся Сипович
Заголовок| Диана Вишнёва: «Мы окружены потоком информации, в основном состоящим из пустого шума»
Где опубликовано| © Ведомости
Дата публикации| 2025-12-19
Ссылка| https://www.vedomosti.ru/kp/life/article/2025/12/19/1164777-diana-vishnyova-mi-okruzheni-potokom-informatsii-v-osnovnom-sostoyaschim-iz-pustogo-shuma
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Диана Вишнёва специально для «Ведомости. Как потратить» о новом балете «Стулья»

Российская премьера балета «Стулья» Мориса Бежара в исполнении балерины Дианы Вишнёвой и французского танцовщика Жиля Романа случилась в Москве в ноября, а уже 23 и 24 декабря фестиваль Context покажет этот спектакль по одноименной пьесе французского абсурдиста Эжена Ионеско в рамках Предновогодних гала в петербургском БДТ им. Г. А. Товстоногова. По просьбе «Ведомости. Как потратить» Диана Вишнёва написала эссе, в котором изложила собственную интерпретацию того, что происходит в этой танцевальной трагикомедии. Вместо рецензии.

«Стулья» – по-настоящему экзистенциальная, философская пьеса, затрагивающая вопросы, кто есть человек, что есть реальность, в чем высший смысл нашего существования. Эжен Ионеско написал ее в тяжелое, разломное время. Сегодня мы так же живем на изломе, ощущаем неоднозначность происходящего, потерянность. Что будет завтра и как по-новому всем нам строить свою жизнь? Все эти вопросы остаются без однозначного ответа. Как и у героев «Стульев», периодически у всех нас возникает ощущение невнятности слов и невозможности выразить свои чувства другому, поэтому для меня этот спектакль – еще и зеркало нашего цифрового одиночества. Мы окружены потоком информации, в основном состоящим из пустого шума, бесконечных комментариев и мнений. Мы говорим много, но по-настоящему не говорим ни о чем. Мы все время находимся в ожидании великого смысла, а в ответ слышим сплошной бессвязный гул и испытываем глубокое эмоциональное одиночество.

Реальность и абсурд в спектакле переплетаются с комическим и трагическим, архетипичным и мифологическим, божественным и человеческим. Ионеско писал по своим снам, считая их куда более настоящими, чем окружающую его жизнь. Поэтому не стоит искать в «Стульях» единой объективной реальности. Вместо этого мы вовлекаемся в игру восприятия, где границы между реальностью, вымышленным, сновидением и воспоминаниями размыты. Он и Она не знают, где настоящее – эти два человека просто блуждают по своему внутреннему миру на исходе дней. Эта отчаянно одинокая пара в пьесе заполняет свою внутреннюю пустоту несущественными разговорами. Метафора сыгранной старости и прожитой молодости. Пустые стулья – видимость кого-то рядом, а вера героев в свои иллюзии – имитация жизни и диалогов с людьми, которых на самом деле не существует. А может быть как раз они куда более реальны, чем главные персонажи? Во всем этом и есть тот самый абсурд и парадокс.

Образы Старика и Старухи в «Стульях» постоянно меняются. Иногда они кажутся Ромео и Джульеттой или Тристаном и Изольдой с их невозможностью счастливой любви, а иногда – это Адам и Ева, символизирующие потерянный рай и вечный поиск высшего смысла жизни, поиск божественного. Бог, как персонаж или метафора, в самом конце смеется над человеческими усилиями и стремлениями познать истину. Этот смех – не злорадство, а признание трагикомичности человеческой судьбы, где поиск смысла соседствует с бессмысленностью бытия. Кстати, сам Ионеско считал, что именно танец для этой пьесы – лучшая форма выражения, через которую можно передать эмоции, переживания и смыслы, невыражаемые словами. Хореография здесь – как символические ритуальные действия, способные раскрыть скрытую реальность, не доступную рациональному взгляду.

Фото: Артём Виндриевский

===============================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025121902
Тема| Балет, МТ, Персоналии, Тимур Аскеров
Автор| Гюнель Алыева
Заголовок| Тимур Аскеров: С этого спектакля начался мой профессиональный путь
Где опубликовано| © АЗЕРТАДЖ
Дата публикации| 2025-12-18
Ссылка| https://azertag.az/ru/xeber/timur_askerov_s_etogo_spektaklya_nachalsya_moi_professionalnyi_put-3925327
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

«Лебединое озеро» - спектакль, который для меня имеет особое значение: именно с него начался мой профессиональный путь и карьерный рост. Свою первую сольную партию я исполнил в Азербайджанском государственном академическом театре оперы и балета. В «Лебедином озере» я выходил в партии друга принца. Поэтому этот балет для меня не просто знаковый, а по-настоящему - судьбоносный.

Об этом в беседе с корреспондентом АЗЕРТАДЖ сказал лауреат международных конкурсов артистов балета, Заслуженный артист Азербайджана Тимур Аскеров.

По его словам, «Лебединое озеро» узнаваемо во всем мире - так же, как и музыка П. Чайковского: любимая, живая, мгновенно узнаваемая с первых тактов.

«Этот балет входит в репертуар каждой ведущей труппы и будет идти еще столько же, сколько уже идет - в самых разных редакциях. Более того, само слово балет и искусство классического танца у многих ассоциируются именно с «Лебединым озером», - отметил он.

Говоря о том, почему этот спектакль особенно близок ему, собеседник подчеркнул, что еще с детства педагоги отмечали у него предрасположенность именно к классическому балету. «Лебединое озеро» - один из его самых любимых спектаклей и один из тех, которые он исполняет чаще всего.

«Сегодня мы приехали в Баку вместе с прима-балериной Мариинского театра Оксаной Скорик. Она - выдающаяся артистка, и, как говорят в театре и отмечает мировая пресса, - одна из лучших «лебедей» нашего времени. Это действительно так: у нее редкая природная предрасположенность к этой партии. Высокая, пластичная, с длинными линиями, феноменальными данными и безупречной техникой - это признают абсолютно все», - подчеркнул Т. Аскеров.

Отдельно он выразил благодарность Министерству культуры Азербайджанской Республики, а также руководству Театра оперы и балета за приглашение и организацию гастрольного проекта.

«В нашем очень плотном графике непросто найти время для работы вне Мариинского театра, однако подготовительный процесс прошел удивительно гладко: к спектаклю мы готовились около двух месяцев», - добавил заслуженный артист.

Рассказывая о художественной сути постановки, он отметил, что «Лебединое озеро» - балет эпохи романтизма, в котором ощутимо двоемирие, вечное стремление к прекрасному и недосягаемому. По либретто принца тянет к чему-то неземному - поэтому он встречает заколдованную девушку-лебедя и влюбляется в нее: для него это идеал, нечто нереальное и не похожее на привычный мир. По словам собеседника, это прямое отражение эстетики романтического балета.

Характеризуя своего персонажа, Т. Аскеров отметил, что это - романтик, в котором есть и внутренняя грусть: «Ему неинтересно все земное и повседневное окружение, он ищет то, что не похоже на обычную жизнь. Именно поэтому он отправляется к озеру, где встречает лебедей. Его образ остается печальным до того момента, пока он не влюбляется в эту прекрасную девушку-лебедя».

Елена С.

Номер ссылки| 2025121903
Тема| Балет, Казахский национальный театр оперы и балета имени Абая, Государственный академический театр танца Республики, Премьера, Персоналии, Сергей Прокофьев, Екатерина Волкова
Автор| Елена Брусиловская
Заголовок| Волшебство под бой курантов
Где опубликовано| © Казахстанская правда
Дата публикации| 2025-12-19
Ссылка| https://kazpravda.kz/n/volshebstvo-pod-boy-kurantov/
Аннотация| Премьера

Магия Перро, музыка Прокофьева и стиль Аюханова – в Алматы представили новую постановку знаменитого балета «Золушка»

История и традиции

Государственный академический театр танца Республики Казахстан неразрывно связан с именем народного артиста РК Булата Аюханова. В далеком 1967 году он создал ставший сразу популярным «Молодой балет Алма-Аты», на его основе впоследствии и вырос театр танца, который сейчас называют «аюхановским».

И хотя Булата Газизовича вот уже три года нет с нами, созданный им коллектив продолжает традиции своего мэтра. Это отметил и директор театра Жаныбек Утегенов, подчеркнув, что театр танца Булата Аюханова всегда отличался особым стилем – изяществом, помноженным на высокий профессионализм. Подтверждение тому – новый балет «Золушка».

– Мне кажется, что в этом балете сошлись три высшие силы – чарующая музыка Прокофьева, неповторимый стиль танца Булата Аюханова и магия старинной сказки Шарля Перро. Согласитесь, в этом есть нечто мистическое, – сказал он.

Насчет мистики можно и поспорить, но то, что здесь просматриваются весьма интересные исторические параллели – факт несомненный. Судите сами.

Сергей Прокофьев начал работу над балетом в канун Великой Отечественной войны, причем, как утверждают искусствоведы, тема Золушки пришла к нему совершенно случайно, после просмотра балета «Ромео и Джульетта» с Галиной Улановой в главной партии. Композитор был настолько вдохновлен ее исполнением, что решил написать нечто достойное таланта великой балерины, создав для нее балет, но только со счастливым концом.

К сожалению, эта работа была прервана войной. Как известно, Сергей Прокофьев вместе с другими деятелями искусств оказался в эвакуации в Алма-Ате. «Золушку» на время пришлось оставить, потому что Сергей Сергеевич принимал участие в создании знаменитого фильма «Иван Грозный», который снимал здесь на Центральной объединенной киностудии легендарный Сергей Эйзенштейн.

К своему балету Прокофьев вернулся лишь в 1943 году. Вскоре легкая, потрясающе эмоциональная музыка была написана, и, кто знает, может, именно пребывание в нашем городе навеяло тот особый флер, что делает музыку «Золушки» поистине волшебной.

В ноябре 1945 года состоялась премьера балета на сцене Большого театра, став своеобразным салютом победе советского народа в Великой Отечественной войне.

Хореографом-постановщиком балета был народный артист СССР, лауреат двух Сталинских премий Ростислав Захаров. Однако партию Золушки на премьерном показе исполнила не Уланова, а Ольга Лепешинская. Уланова появилась в этой роли только на следующих спектаклях, но именно она сделала постановку всемирно известной. В ее исполнении тонкая, хрупкая, изящная, но в то же время сильная и стойкая Золушка олицетворяла собой неизбежную победу добра над злом.

Кстати сказать, в 1946 году Прокофьев получил за эту работу Сталинскую премию, а хореография Ростислава Захарова вошла в золотой фонд русской классики.

Давняя мечта

Как рассказала постановщик балета Екатерина Волкова, обстоятельства сложились настолько удачно, что переговоры о постановке спектакля совпали с ее пребыванием в Алматы.

– Я часто приезжаю в Алматы, ведь это мой родной город. Я здесь родилась, выросла, получила образование и прекрасно понимаю, как важен обмен культурой, опытом, традициями в искусстве. После Селезневского училища получила дальнейшее образование в Петербурге, где и продолжаю работать, но любимый город навсегда остался в моем сердце, – говорит она.

Екатерина Волкова подчеркнула, что «Золушка» – ее давняя мечта, ведь когда-то она сама хотела исполнить эту партию. И теперь судьба предоставила ей такую возможность, но уже на более высоком уровне – в качестве хореографа-постановщика.

Надо отметить, что Волкова не стала повторять хореографию Захарова и других балетмейстеров, которые в разные годы обращались к этой теме, она создала свою интерпретацию сказочного балета.

– Это совершенно новый спектакль, я никого не копировала. Либретто полностью написано мной, как и хореография, сценография, решение по костюмам – все это мое видение спектакля. При этом я создавала балет максимально приближенный к сказке, по классическим канонам, заложенным еще Мариусом Петипа. Моей главной задачей было подарить атмосферу волшебства, чтобы зрители вспомнили детство, когда родители читали им сказки на ночь и воображение уносило в страну грез, где каждая девочка представляла себя принцессой на балу. Это ощущение счастья мне и хотелось передать, – рассказывает хореограф-постановщик.

К сожалению, Екатерина не могла долгое время находиться в Алматы, у нее была параллельная занятость в
Санкт-Петербурге, ведь она не только танцующая балерина, но и художественный руководитель творческого коллектива, который выступает на сцене Эрмитажного театра. Поэтому работать над «Золушкой» приходилось и дистанционно.

– Но благодаря моим очень хорошим помощникам – художественному руководителю театра Куралай Саркытбаевой и главному балетмейстеру Гульфиде Гафуровой – все задуманное удалось осуществить. В театре танца Булата Аюханова очень профессиональный коллектив. Поверьте, мне есть с чем сравнивать, потому что я уже долгое время работаю в Санкт-Петербурге, в том числе и с артистами знаменитого Мариинского театра, – отметила она.

Премьерный показ «Золушки» состоялся не только на сцене Казахского национального театра оперы и балета им. Абая, но и в Almaty Theatre. В первый день главную партию исполнила японская балерина Минами Ватанабэ, во второй – ведущая солистка Государственного академического театра танца Сымбат Максут.

Как пояснил директор Жаныбек Утегенов, предложить японской танцовщице главную роль – это была инициатива театра.

– Минами – действующая артистка нашего театра. Предложение станцевать в первый день премьеры – проявление нашего восточного гостеприимства. Раньше она эту партию не танцевала. Конечно, у нас есть и свои прекрасные танцовщики, тому примером талантливое исполнение партии Золушки Сымбат Максут. В то же время, как мы считаем, обмен творческим опытом только обогащает коллектив. Для нас важно, чтобы каждое обновление репертуара основывалось на высоких художественных стандартах, заложенных Булатом Газизовичем, развивало вкус и поднимало духовный уровень казахстанцев, – подчеркнул он.

Безусловно, любители балетного искусства получили прекрасный подарок к Новому году, жаль только, что прославленный театр, созданный одним из корифеев национального хореографического искусства Булатом Аюхановым, до сих пор не имеет собственной сцены. Но, кто знает, может быть, и ему однажды повезет, как сказочной Золушке. Бытует поверье, что желания, загаданные под Новый год, обязательно сбываются.

фото Владимира Акуленко

================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ