Балет и Опера

Елена С.

Номер ссылки| 2025110101
Тема| Балет, Опера, Театр оперы и балета имени Д. К Сивцева — Суоруна Омоллоона, Фестиваль, Персоналии,
Автор| Елена СТЕПАНОВА
Заголовок| «Чайковский-фест. Якутск» — фееричный финал
Где опубликовано| © Якутск Вечерний
Дата публикации| 2025-11-01
Ссылка| https://vecherniy.com/news/chajkovskij_fest_jakutsk_feerichnyj_final/2025-11-01-2474
Аннотация| фестиваль

Шесть бесподобных вечеров проекта «Чайковский-фест. Якутск» прошли в Государственном театре оперы и балета имени Д. К Сивцева — Суоруна Омоллоона под сплошные «браво», подарив потрясающие впечатления и чудесные открытия. И — фееричный финал, большой Гала-концерт мастеров искусств, программа которого состояла из одних только шедевральных номеров.

Этому Гала-концерту лучше всего подошли бы пушкинские строки «И жизнь, и слёзы, и любовь...», очень точно отражающие суть прозвучавших произведений великого Петра Ильича. Чайковский правил бал, царил на сцене во всем своем великолепии — в балетах «Щелкунчик» и «Лебединое озеро», ариях из опер «Евгений Онегин», «Пиковая дама», «Иоланта», «Орлеанская дева», чудесных романсах.

И очень хочется думать, что русскому гению было бы лестно видеть и слышать такое празднество в честь своего 185-летия.

«Чайковский-фест. Якутск», поддержанный Президентским фондом культурных инициатив, оказался редким праздником, объединившим с 17 по 31 октября артистов Мариинского и Большого театров, а также Якутского и Башкирского театров оперы и балета.

Первое отделение Гала полностью занял балет, украшением которого стали слаженный кордебалет театра, учащиеся Якутской балетной школы имени Посельских и яркие пары великолепных танцовщиков, наших гостей — премьера балета Башкирского ГАТОиБ, народного артиста Республики Башкортостан Рустама Исхакова и ведущей солистки балета Мариинского театра, лауреата балетного конкурса Vaganova prix Марии Булановой.

Также и наши блистательные танцовщики, не уступавшие в своем высоком мастерстве гостям, — отличник культуры Анастасия Платонова и народный артист РС(Я) Сарыал Афанасьев; заслуженные артисты РС(Я) Мария Кузьмина и Валерий Аргунов, лауреат и номинант «Золотой маски»; отличник культуры РС(Я) Айтал Ефимов и заслуженная артистка РС(Я) Юлия Мярина, показавшие в танце высший пилотаж.

Украшением вечера стала скрипка отличника культуры РС(Я) Дарии Шахурдиной, открывшая второе отделение концерта.

Зрители были очарованы той сказкой, которую подарили гости — солисты оперы: Татьяна Павловская из Мариинского театра, заслуженная артистка России, двукратный номинант премии «Грэмми»; солист театра «Новая опера», приглашенный солист Большого театра России, заслуженный артист Республики Северная Осетия — Алания, лауреат премии «Золотая маска» Алексей Татаринцев и заслуженная артистка России Агунда Кулаева из Большого театра России.

Якутская сцена объединяет и являет великолепные дуэты: впервые Татьяна Павловская и Агунда Кулаева спели вместе, исполнив очаровательный дуэт Лизы и Полины из оперы «Пиковая дама».

«Мы дышали вместе, — скажет потом Татьяна о своем дуэте с Агундой. — Мы все делали на одном дыхании и пели с большой любовью и отдачей, и это было для нас счастьем. Когда видишь сердца и души открытые, то и твое сердце бьется с большой любовью и расцветает».

Другой потрясающий дуэт для многих стал сюрпризом — дуэт Иоланты и Водемона в исполнении замечательных Екатерины Захаровой, любимицы якутской публики, и Алексея Татаринцева, открывшего глаза на своего Ленского из оперы «Евгений Онегин» и, в общем-то, на всю трагедию пушкинского сюжета.

Очаровала публику заслуженная артистка РС(Я) Екатерина Корякина; впечатлил народный артист РС(Я), лауреат Госпремии РС(Я) им. П. Ойунского Александр Емельянов, спевший широко и могуче; порадовали народные артисты РС(Я) Юрий Баишев и Николай Попов; отличник культуры РС(Я) Александр Степанов.

«У вас роскошные гримеры и костюмеры, хор и кордебалет, прекрасные музыканты и фантастическая публика», — отметит Алексей Татаринцев, признаваясь в чувствах к самому северному театру страны. Кажется, наши гости действительно искренне полюбили якутский театр, его голоса, музыкантов и восторженного зрителя в том числе.

Дирижировали оркестром в этот вечер отличники культуры Артем Быстров и Максим Ноговицын, заслуженные деятели искусств Николай Пикутский и Павел Васьковский, художественный руководитель и главный дирижёр театра.

Когда вечера собирают полные залы, проходят на одном дыхании, а зрители аплодируют стоя, кажется, что театр еще не знал таких роскошных фестивалей. И «Чайковский-фест. Якутск» не исключение. Он стал огромным событием, которое было организовано и прошло на высоком уровне.

Эмоциональность Чайковского, в творчестве которого переплелись и радость жизни, и горечь слёз, и всепоглощающая сила любви, зашкаливала. Она передавалась от артистов к публике и назад к артистам, вплескивая в атмосферу праздника искренние симпатии и теплые чувства.

Фестиваль закончился, но обещал вернуться — в каких-то новых формах и проявлениях. Наверняка мы еще увидим блистательных солистов из Мариинки, Большого и Башкирского театров на якутской сцене.

Под занавес теплые слова в адрес организаторов фестиваля сказал министр культуры и духовного развития Афанасий Ноев, который внимательно следил за тем, как проходил фестиваль и сам был немало впечатлен. Он вручил Благодарственные письма правительства Республики Саха (Якутия) директору Санкт-Петербургского отделения Российского творческого союза работников культуры, куратору фестиваля Владимиру Еленко и директору Фонда поддержки классического музыкального искусства «ФЭС», продюсеру концертной программы фестиваля Дмитрию Дедуху.

Благодарственные письма зампреда правительства — Агунде Кулаевой, Татьяне Павловской, Татьяне Антоновской, кастинг-директору Фонда поддержки классического музыкального искусства ФЭС, директору образовательной программы фестиваля «Чайковский-фест. Якутск».

Почетной грамотой Государственного Собрания (Ил Тумэн) наградили Алексея Татаринцева и Марию Буланову; Благодарственным письмом Министерства культуры и духовного развития — Рустама Исхакова и Анатолия Кузнецова.

За успешное выступление на тридцать первом Национальном театральном фестивале «Золотая маска» благодарность главы Республики Саха (Якутия) объявлена коллективу Государственного театра оперы и балета им. Д. К. Сивцева — Суоруна Омоллоона (директор Владислав Левочкин).

Грамоты главы города Якутска с вручением серебряного знака удостоилась Татьяна Саввинова, главный режиссер Государственного театра оперы и балета им. Д. К. Сивцева – Суоруна Омоллоона.

Благодарность департамента культуры Министерства обороны РФ объявлена Екатерине Тайшиной, главному балетмейстеру театра, — за балет «Подвиг».

И — долгожданное: за значительный вклад в развитие музыкального искусства Указом Главы Республики Саха (Якутия) почетное звание «Заслуженный артист Республики Саха (Якутия)» присуждено Екатерине Захаровой, солистке Государственного театра оперы и балета им. Д. К. Сивцева — Суоруна Омоллоона. Ура!

Услышав это, зал взорвался аплодисментами: наконец любимая певица награждена за труды и свой волшебный голос. От души поздравляем всех награждённых и очень рады за Екатерину. Новых успехов и новых высот!

Улетай, Чайковский-фест. Якутск, на крыльях ветра лети, неси радость и счастье! И возвращайся вновь туда, где тебя любят и ждут.

Гала-концерт подготовили:

– Режиссер — отличник культуры РС(Я) Татьяна Саввинова;

– Заслуженная артистка России и Республики Саха (Якутия), лауреат Госпремии им. П. А. Ойунского, приза «Душа танца» и Национальной театральной премии «Золотая маска» Екатерина Тайшина;

– Заслуженный деятель искусств РС(Я) Саргылана Иванова;

– Хормейстер — заслуженный работник культуры России, заслуженный деятель искусств РС(Я), лауреат Госпремии им. П. А. Ойунского Октябрина Птицына;

– Заслуженный деятель искусств РС(Я) Павел Васьковский.

– Ведущие концерта – Ньургун Бэчигэн и Анна Фомина.

Елена СТЕПАНОВА
Фото Кристины НОВГОРОДОВОЙ
=====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025110102
Тема| Балет, МТ, Персоналии, Мария Хорева
Автор| Оксана Файрклоуг, Дарья Баева
Заголовок| Мария Хорева: «Остановить человека может только сам человек»
Где опубликовано| © ВФокусе Mail
Дата публикации| 2025-11-01
Ссылка| https://vfokuse.mail.ru/article/mariya-horeva-ostanovit-cheloveka-mozhet-tolko-sam-chelovek-68527967/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Мария Хорева — обожаемая многими первая солистка Мариинского театра, обладательница премии «Душа танца», победительница «Большого балета», одна из самых ярких и узнаваемых балерин своего поколения. Она не только танцует на главных сценах страны, но и открыто говорит о закулисье, ведет популярные блоги, снимается в кино и пишет книги. Редакция ВФокусе Mail поговорила с Марией о профессии, дисциплине и свободе, хейте и вере, о теле как инструменте и о том, почему балет, несмотря на век цифровой скорости, остается искусством вне времени. И о душе как причине, по которой стоит танцевать.

— Мария, вы пришли в балет в достаточно осознанном возрасте — в десять лет. Помогло ли это справляться с трудностями в училище и в дальнейшей карьере? Есть ли плюсы у такого позднего по стандартным меркам входа в профессию?

— Десять лет — это не поздно, а как раз стандартный возраст для академии, куда принимают в первый класс с 9 до 12 лет. Другое дело, что до поступления многие занимаются в балетных или гимнастических студиях. Меня это тоже не обошло: художественная гимнастика с трех лет, плавание, фортепиано, живопись, лепка, музеи, театры. Душа и тело привыкали к нагрузкам, а характер — к дисциплине.

— Вы говорили, что после гимнастики первое время вам было скучно в балете. Какие плюсы и минусы такого бэкграунда вы ощутили?

— Плюсы: физическая готовность, выносливость, воля и упорство. Я благодарна своему гимнастическому детству за то, что оно подготовило меня к сложностям балетной жизни, к их преодолению. И ни одного минуса.

— Гимнастика — спорт, а балет — искусство. Как трансформировалась ваша спортивная злость, нужная на соревнованиях, в мире, где нет секундомеров и медалей?

— А когда это злость стала обязательным атрибутом спорта? Во многих восточных единоборствах говорят: чтобы победить, нужно полюбить противника. В гимнастике я не помню злости — ни своей, ни чужой. Нам было просто некогда злиться: столько нужно было выучить, запомнить, сделать. Зачем тратить энергию впустую? Это как сойти с дистанции на сороковом километре марафона, чтобы начать гоняться за зрителем в бейсболке с флагом страны своего соперника: может, и догонишь, но марафон проиграешь.

— В Мариинском театре артистки сами наносят сценический грим. Почему сохранилась эта традиция и насколько важно вам создавать сценический образ самостоятельно?

— Хороший гример — такая же находка, как массажист или диетолог. Работа с ними — всегда диалог, ведь только сочетание их опыта и видения артиста дает нужный результат. За последние годы я поняла: самое важное умение в жизни — умение общаться. Способность излагать свои мысли, слушать и понимать других. Поэтому подготовиться к спектаклю с хорошим гримером — удовольствие, от которого я не отказываюсь. Особенно когда нужно собрать сложную прическу, прикрепить украшения, цветок, серьги, в одиночку это сделать невозможно. Все рождается в зеркале, в диалоге.

— Подготовка к спектаклю — не только репетиции, но и огромная физическая и ментальная работа. Есть ли у вас особый ритуал в день спектакля? Верите ли вы в приметы?

— Это очень личный вопрос. Скажу только одно: я сознательно работаю над тем, чтобы свести приметы и обряды к нулю. То, что одобряет Бог, не требует дополнительных подтверждений ни от кого другого.

— Вы говорите о «формировании универсального тела». Как вы понимаете эту универсальность сегодня?

— Это возможность рассказать телом любую балетную историю, решить любую художественную задачу. Способность превзойти физику и стать феей, для которой нет силы тяжести. Тело — инструмент балерины. Им создается образ, оно исполняет трюк, его видит зритель, через него говорит душа.

— Балетный мир известен своей консервативностью и строгими рамками. Почему ваш выход за эти рамки (участие в телепроектах, блог, книги) вызывает такой резонанс, иногда переходящий в осуждение?

— Очевидно, вы имеете в виду хейт. Это не осуждение. Это болезнь, источник которой — ложь. «Не судите, да не судимы будете» — это первая ступень в спирали Данте, ведущей все мы знаем куда. Хейт находится еще ниже. Хейтеры — это не критики, а существа, целенаправленно и злонамеренно очерняющие отдельных, выбранных ими артистов. Зачем? Причины разные: деньги, когда конкуренты готовы платить за уничтожение соперника. Жажда власти — поток грязи часто становится инструментом управления, способом подчинить артиста. Садизм — всегда есть люди, которые получают удовольствие от чужой боли. Попытка прославиться, наконец, — чаще всего это несостоявшиеся артисты, которые решили войти в мир сцены «со стороны мусорных бачков». Эта болезнь стара как мир. У меня есть понимание этого механизма, и я планирую написать об этом открыто, с примерами и фамилиями.

— Считаете ли вы, что современный артист балета должен быть не просто исполнителем, но и просветителем, публичной личностью?

— У каждого свой путь. Моя миссия — делиться восхищением балетом с теми, до кого могу дотянуться своими спектаклями, концертами, интервью, соцсетями — любыми формами. Главное, чтобы получилось рассказать людям, зачем нужен балет. Майя Михайловна танцевала солдатам в кузове грузовика.

— Вы попробовали себя как актриса. Не противоречит ли актерская профессия балетной?

— Это разные вещи. Кино — еще один способ рассказать о балете. С этой позиции я и подхожу к актерству: сделать искусство балета ближе, понятнее, интереснее. Показать, что оно — вершина, вобравшая в себя всё — картинку, мелодию, движение, историю.

— Танец мимолетен. Остается ли у вас «послевкусие» от роли?

— После спектакля я не сплю всю ночь. Хорошо, если засыпаю под утро. Выбраться из мира сцены подчас не удается многие дни. Личность делится, множится, живёт энергией вариантов, распараллеливая бытие на ветки возможностей. Об этом не скажешь в двух словах. Послевкусие — слишком бедный образ реальности, в которой бесконечность души умножается на способы её представления, когда каждая буква либретто обретает независимость и бесконечность. Можно ли обнять Вселенную? А десять? А сто?

— Как вам удается находить баланс между академизмом и новой хореографией?

— Мы с педагогом и партнерами не ищем баланс — мы просто стараемся сказать телом то, что невозможно передать словами. В этом смысл балета. Один из его смыслов.

— Поколение Z выросло на клиповом восприятии. Как удержать внимание зрителя на трехчасовом спектакле?

— Крамольная мысль, но среди всех больших форм только балет и мюзиклы по-настоящему клиповы: сцены, па-де-де, трио, вариации — это и есть клипы-атомы, из которых создается материя представления. Зумеру нужно лишь объяснить, чтобы он не боялся. Это я вам как зумер говорю.

— Когда вы получили травму и восемь месяцев не могли танцевать, не боялись, что это конец карьеры? Изменило ли вас это время вынужденного простоя?

— Простоя не было. За это время родились другие проекты: фильм, серия «Встречи с замечательными людьми», идеи книг, концепция студии. Было тяжело, но я жива как артистка. И если кто-то спрашивает, как я поживаю, хочется ответить словами героя анекдота: «Не дождетесь». Один мегапопулярный гитарист, у которого миллионы подписчиков, недавно сказал: если его заблокируют в Сети, он будет играть на вокзале. Остановить человека может только сам человек — его усталость и безразличие. Пока их вроде нет у меня.

— Вы окончили магистратуру по педагогике. Зачем вам это? Хотите изменить систему воспитания артистов?

— Да. И не требуйте объяснений. Для них не хватит и целой книги. А она будет. И не одна. И спектакли будут. И концерты. И мастер-классы. И соцсети. Всё будет. И не только это.

Елена С.

Балет «Анюта» на музыку Валерия Гаврилина остаётся одним из редких примеров подлинного драмбалета, где сюжет, пластика и музыка соединены в единый повествовательный поток, понятный неподготовленному зрителю даже без чтения программки.

Премьера «Анюты» в Большом театре СССР 31 мая 1986 стала событием в культурной жизни столицы. Пожалуй, это единственный в мире спектакль, сошедший на балетную сцену с телеэкрана, где «Анюта» появилась в 1982 как фильм-балет, созданный выдающимся танцовщиком Владимиром Васильевым в соавторстве с режиссёром Александром Белинским для великой балерины Екатерины Максимовой, исполнившей после эту партию на сцене Большого театра 67 раз.

Важным источником неувядающей прелести спектакля является танцевальная музыка В. Гаврилина. Её структура — чередование запоминающихся мелодий, инструментальных пародий, трагического отчаяния и лирической красоты. Ритм кадрили, провинциальный вальс, коллажи из элементов марша, томной цыганочки и зажигательной тарантеллы превращают «Анюту» в музыкальный фейерверк, в котором нет ни одного лишнего элемента.

Великий танцовщик XX века, В. В. Васильев создал драматический нарратив спектакля на основе уникальной пластической интонации. В течение 25 минут после начала мы не видим ни одного балетного па, но оторваться от происходящего на сцене невозможно. Мало кто обращает внимание на то, что в спектакле даже пантомимы нет, и вряд ли получится вспомнить другой балетный спектакль, который захватывает зрительское внимание и держит его в напряжении в течение столь долгого времени без хореографических трюков.

Каждое движение в «Анюте», каждый элемент оформления настолько функционально обусловлены и выразительно переплетены, что порой кажется, что слышишь чеховский текст. Впрочем, и текст в спектакле тоже звучит, но лишь в самом начале, когда мы слышим молитву «Отче наш» и церковный хор в сцене отпевания матери Анюты. По своей красоте и драматической цельности «Анюта» В. Гаврилина, В. Васильева и А. Белинского занимает центральное место в ряду таких знаковых спектаклей в жанре драмбалета, как «Ромео и Джульетта» Леонида Лавровского, «Онегин» Джона Кранко и «Ромео и Джульетта» Раду Поклитару.

В 2022 балет «Анюта» был перенесён на Новую сцену Большого театра в новой сценографической редакции Виктора Вольского, осовременившего и «подправившего» оригинальную сценографию Беллы Маневич, известной многомиллионному советскому зрителю как художник культового фильма Владимира Мотыля «Белое солнце пустыни» (1970). Видеоинсталляции, которых явно не хватало в оригинальной версии 1986, действительно улучшили декоративную составляющую спектакля, тогда как новые интерьерные задники, хоть и выглядят свежо и ярко, несколько утратили чеховское обаяние.

То же можно сказать и об исполнении. В спектакле 22 октября 2025 главную партию исполняла прекрасная балерина Кристина Кретова. Великолепные хрупкие формы, тонкие линии, чистые вращения и виртуозное владение корпусом не искупали замедленных темпов в тарантелле и общей негибкости в очень важных здесь позах и жестах. Техническая сторона этого прочтения была на высоте, но сухая пластическая артикуляция мешала передаче психологических оттенков роли. Конечно, моё субъективное восприятие обусловлено впечатлениями от танца Екатерины Максимовой, которая умела превращать паузу в смысл, взгляд — в событие, жест — в биографию.

Александр Водопетов в роли отца Анюты Петра Леонтьевича выстраивает образ в русле бытовой точности и сложившейся традиции «танца без танца». Важным штрихом этого прочтения становится не жалкость, а детская безответственность, отчего образ раздавленного горем доброго человека возвышается до масштабов экзистенциальной трагедии.

Весомым элементом этой драмы становятся младшие братья Анюты Петя и Андрюша. В исполнении учащихся Московской государственной академии хореографии Даниила Макарова и Савелия Решетова мы видим отражение искренней непосредственности и беззаботной наивности их отца Петра Леонтьевича. Именно эти две небольшие роли являются ключом к пониманию хрупкости счастья и благополучия.

Новые грани сатирического образа мужа Анюты чиновника Модеста Алексеевича открываются в прочтении Георгия Гусева. Перед нами предстаёт амбициозный, циничный, расчетливый и опасный маленький человек, который инвестирует накопленный капитал в молодую красавицу жену, как в актив, который можно монетизировать, предлагая его вышестоящим покровителям в обмен на укрепление статуса и повышения по службе. В этой интерпретации образ пузатенького лысенького Модеста Алексеевича по глубине и мощи может соперничать с образом нибелунга Альбериха из эпопеи Р. Вагнера «Кольцо нибелунга».

Блистательный премьер Большого театра Денис Родькин выступил в этот вечер в партии властного щёголя-ловеласа Артынова. В исполнении танцовщика скромная лексика хореографического текста этой партии обретает яркое звучание.

В роли безымянного Студента — первой любви Анюты — выступил трогательный и драматически убедительный Иван Алексеев. В его движениях ощущается подлинная молодость, искренность и достоинство, которые Анюта променяла на великосветскую мишуру.

Дирижёр Павел Сорокин создавал идеальный ритмический баланс между происходящим на сцене и звучащим в оркестровой яме. Инструментальная же чистота духовых оставляла желать лучшего.

«Анюта» на сцене Большого театра России – один из немногих удачных драматических балетов, имеющих эпохальное значение для истории жанра. Невероятная удача, что этот удивительный документ прощального эха золотого века «Большого балета» сохраняется в репертуаре.

Фото Павла Рычкова / Большой театр

=============================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025110103
Тема| Балет, Римская опера, Персоналии, Игорь Цвирко, Дмитрий Выскубенко
Автор| Нива Миракян (Рим)
Заголовок| Артисты Большого театра выступили в Риме в балете "Марко Спада"
Где опубликовано| © 2025-11-01
Ссылка| https://rg.ru/2025/11/01/artisty-bolshogo-teatra-vystupili-v-rime-v-balete-marko-spada.html
Аннотация|

В столице Италии состоялось яркое событие культурной жизни - на сцене Римской оперы выступили артисты Большого театра, представив балет "Марко Спада". Постановка, созданная французским хореографом Пьером Лакоттом, была впервые показана в этом театре еще в 1981 году. Тогда главную партию в ней исполнил легендарный Рудольф Нуреев.
Спустя почти 45 лет роль благородного разбойника, итальянского авантюриста эпохи Возрождения вновь исполнил председатель русской школы балета. Ее доверили одному из самых ярких артистов современного российского балета, премьеру Большого театра Игорю Цвирко. Для него этот спектакль имеет особое значение: именно Пьер Лакотт, создатель постановки, выбрал Цвирко на главную роль еще в 2013 году, когда работал над московской версией "Марко Спада". Теперь, спустя годы, артист вновь вернулся к этой партии - уже на исторической римской сцене, где когда-то блистал Нуреев.

"Приглашение приехать в Рим и станцевать в балете "Марко Спада" для меня стало особенным моментом. Шестнадцать лет назад, когда его возобновляли и переносили на историческую сцену Большого театра, в Москву приезжал сам Пьер Лакотт со своими ассистентами. Тогда я был всего лишь солистом, без главных партий, и даже не мог представить, что когда-нибудь исполню заглавную роль в этом балете. Поэтому нынешнее выступление символично для меня во многих смыслах", - рассказал в интервью Директору Русского дома в Риме Дарие Пушковой Игорь Цвирко, по словам которого Лакотт разглядел в нем много схожих черт с Нуреевым, и поэтому решился доверить ему одну из самых технически сложных партий.

В спектакле также заняты ведущие артисты Большого театра, в том числе Дмитрий Выскубенко, исполнивший роль князя Федеричи. Его пластика, изысканная манера и внутреннее благородство сделали этот образ выразительным контрастом к героическому Марко Спаде.

Сцену с российскими артистами разделила и Яна Саленко, прима Берлинского балета, родом из Киева. Ее участие придало спектаклю особый оттенок интернационального единства, напомнив, что язык танца понятен каждому, кто живет искусством.

ВИДЕОИНТЕРВЬЮ с ИГОРЕМ ЦВИРКО
https://rg.ru/video/2025/11/01/premer-bolshogo-teatra-igor-cvirko-rasskazal-ob-obraze-blagorodnogo-razbojnika-marko-spady.html
Продолжительность - 37:42

Премьер Большого театра Игорь Цвирко рассказал об образе благородного разбойника Марко Спады

Источник: Русский дом в Риме.

Елена С.

Номер ссылки| 2025110201
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Ана Туразашвили
Автор| Оксана Файрклоуг
Заголовок| Интервью с Аной Туразашвили: «Балет — это не про идеал формы, а про правду»
Где опубликовано| © ВФокусе Mail
Дата публикации| 2025-11-02
Ссылка| https://vfokuse.mail.ru/article/balet-eto-ne-pro-ideal-formy-a-pro-pravdu-intervyu-s-anoj-turazashvili-68529704/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Ана Туразашвили — солистка Большого театра, представительница русской балетной школы, одна из великолепных артисток новой волны. В интервью ВФокусе Mail рассказала о том, как влюбляются в балет снаружи и изнутри, где проходит грань между демистификацией и разрушением магии, что в реальности стоит за «голливудскими» мифами о профессии и почему искусство все еще способно соединять людей.

— В одном из интервью вы говорили, что любили в детстве мастерить что-то своими руками, пытались сшить пачку, хотя еще не занимались балетом. Часто ли любовь к балету приходит именно от внешней эстетики — лоска, атласного блеска пуант? Какую роль это играет?

— Думаю, все очень индивидуально. Кого-то действительно притягивают диадемы и пачки, кого-то — драматургия и актерская часть профессии, а кто-то приходит, потому что привели родители, и уже в процессе просыпается настоящая любовь к искусству. В моем случае эстетика сыграла большую роль: с детства тянуло к красоте, женственности, к чему-то эфемерному и фантазийному. Балет идеально попал в это чувство. Меня поражало, как пачка точно держится, будто с помощью неведомых сил. Но как только начала танцевать, поняла: одних красивых платьев мало, профессия требует огромной работы — и это моя стихия.

— Вы ведете блог и показываете изнанку профессии. Где проходит грань, когда просветительство перестает демистифицировать искусство и начинает разрушать магию? Нет ли опасения, что, узнав о боли и мозолях, зритель перестанет верить в порхающую фею?

— Это вопрос баланса. Я никогда не выкладываю «жесть» — это не мой стиль, мой блог про эстетику и уважение к зрителю.

Показываю репетиции, рабочие моменты, могу показать свои ошибки, чтобы было видно: за идеальным спектаклем стоят неидеальные будни, пробки, погода, настроение. Это важно и для зрителя: он идет в театр с большим пониманием и ценит результат сильнее.
Полное развоплощение магии мне не близко, но честность в разумных дозах только усиливает доверие. Соцсети сократили дистанцию между артистом и публикой, и это помогает: люди узнают о премьерах, «примеряют» визуал и чаще приходят в зал.

— Помогает ли ваш опыт создания контента ответить на вопрос: становится ли балет ближе благодаря такой открытости?

— Да. Сегодня не только балет, но и кино, и музыка стали зрителю понятнее именно через живые, не постановочные форматы. Короткие видео и фото часто становятся тем самым первым шагом к спектаклю: человек видит, что это его эстетика, бронирует вечер и приходит. Открытость при правильной подаче расширяет аудиторию и развеивает миф о «существах с другой планеты». Мы такие же люди — просто очень много работаем.

— Какая роль в вашем репертуаре оказалась самой значимой лично для вас?

— Каждая первая роль в момент подготовки — самая важная. Но если выделить одну, назову ведущую партию, которую танцевала в Большом — Бэлы из балета «Герой нашего времени». Там совпало многое: восточный характер героини, драматизм, мой темперамент, пластика рук. Партия оказалась физически сложной, и из-за этого особенно дорогой: пришлось преодолеть себя, чтобы выйти и исполнить ее так, как я хотела.

— В кино быть балериной часто значит жизнь страданий, диет, изнурительных тренировок и соперничества. Насколько это похоже на реальность — вот как в том же «Черном лебеде»? Что верно, а что преувеличено?

— Обобщения не люблю: у всех по-разному. Профессия действительно тяжелая, не только физически, но и морально, она поглощает время и становится образом жизни. Но при желании можно найти место и для других дел, это вопрос приоритетов и тайм-менеджмента. Когда пришла в театр, ничего не успевала, потом научилась планировать день. Что до «Черного лебедя»: вижу в нем преувеличенную притчу о перфекционизме и зависимости от чужой оценки. Режиссер выбрал балет как выразительную среду, где идея некоего идеала легко считывается. Но реальность многослойнее: да, мы стремимся к лучшему, но живем не мифами, а работой.

— Самая выдающаяся балерина всех времен, по-вашему?

Невозможно назвать одну, великих много. Но если все-таки выбирать, назову Марию Тальони. Она первой поднялась на пальцы, еще до появления пуант в привычном виде, и задала новый вектор легкости и воздушности, она же радикально облегчила костюм. Быть первой в таком — смелость и сила характера, которые изменили язык балета.

— В последние годы мировые сцены стали закрываться для российских артистов и учреждений. Сталкивались ли вы с предвзятостью или, наоборот, с поддержкой?

Гастролей стало меньше — это геополитика, но на личном уровне предвзятости не испытывала. Коллеги и балетоманы за рубежом по-прежнему любят русскую школу, часто пишут, что очень скучают по нашим спектаклям. Все хотят встреч, просто сейчас это бывает невозможно.

— Исторически русский балет был мостом между странами. Считаете ли вы, что сегодня этот мост разрушен, или у искусства все еще есть сила быть выше политики?

— Верю, что именно искусство способно снова соединить людей и культуры. Особенно балет — искусство без слов, понятное всем. Думаю, к этому пониманию еще вернутся.

— Современный балет все чаще поднимает острые социальные темы. Как относитесь к тому, что сказка уступает место проблемам современности?

— Мне близок здоровый баланс. Социальные сюжеты важны и могут быть сделаны сильно и интересно — это привлекает молодую аудиторию. Но классика с коронами и феями тоже необходима: иногда зрителю нужно уйти от повседневности в сказку. Балет дает обе возможности.

— Если бы не балет, какую профессию выбрали бы и почему?

Что-то на стыке дизайна и природы. Люблю моду как форму искусства, ландшафтный дизайн — как возможность соединять эстетику и живую среду. И, конечно, путешествия — они расширяют взгляд и в балете, и за его пределами.

— «Щелкунчик» часто становится первым балетом для ребенка, но сегодня билеты на него дороги. Не рискуем ли потерять будущее поколение зрителей?

Мой первый спектакль на большой сцене был «Лебединое озеро», «Щелкунчика» смотрела и позже в нем участвовала еще студенткой. Да, сейчас «Щелкунчик» — престижный и очень востребованный спектакль, и это, с одной стороны, прекрасно: редкая страна может похвастаться таким интересом к балету. С другой — молодежи действительно сложно попасть. Ну, а мы, артисты, рады каждому зрителю, особенно тем, кто приходит впервые. И верю, что спектаклей будет больше — хватит всем.

— В мировом балете все чаще говорят о бодипозитиве. Меняются ли эталоны внутри русской школы?

Тенденция принятия — это хорошо: много лет людям навязывали жесткие стандарты красоты, но есть специфика профессий. Балет требует легкости и определенных физических параметров — это не про «идеал ради идеала», а про безопасность и качество движения. Как у хирурга должны быть «ювелирные» руки, а у баскетболиста — рост и прыжок, так и у балерины есть профессиональные требования. Бодипозитив и уважение к телу важны, но если выбираешь балет как профессию, нужно учитывать ее объективные рамки.

— В завершение: что бы вы сказали людям, которым навязывают «правильные» правила жизни и красоты?

— Правил меньше, чем кажется. Меньше слушайте навязанное — от СМИ, знакомых, соседей. И старайтесь прислушаться к своему сердцу, чтобы по-настоящему понять, чего вы хотите. Так будет гораздо легче достигать желаемого, особенно если еще и замечать знаки от Вселенной. Для этого нужно просто открыть глаза и быть повнимательнее. И знаки обязательно будут, и они непременно вам помогут.

====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025110301
Тема| Балет, фестиваль «Видеть музыку», Самарский театр оперы и балета, Бурятский театр оперы и балета, Персоналии, Мариус Петипа, Рикардо Дриго, Наталья Воскресенская, Александр Мишутин
Автор| Павел Ященков
Заголовок| В Москве на фестивале «Видеть музыку» показали два балетных раритета
Десятый Фестиваль музыкальных театров «Видеть музыку» показал в программе два редких балетных раритета от Петипа
Где опубликовано| © "Московский Комсомолец"
Дата публикации| 2025-11-03
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2025/11/03/v-moskve-na-festivale-videt-muzyku-pokazali-dva-baletnykh-rariteta.html
Аннотация| Фестиваль

Проходящий сейчас в Москве Десятый Фестиваль музыкальных театров «Видеть музыку» преподнес своим зрителям нежданный и замечательный подарок: показал в своей программе два редких балетных раритета. Оба – от хореографа Мариуса Петипа, оба написаны композитором Рикардо Дриго и оба балета бесследно исчезли со сцены. Но если от балета «Талисман» остались хоть какие-то крупицы, то никаких записей балета «Бутон розы» вообще не сохранилось.

Педро Сеара (Сфинкс), Полина Чеховских (Настурция), Марина Накадзима (Маргаритка) в балете «Роман бутона розы». Предоставлено пресс-службой фестиваля «Видеть музыку»

Итак, перед нами два хореографических раритета, подобно фениксу возродившиеся из пепла, и созданные заново на основе хореографической фантазии сочинителей-реконструкторов: Натальи Воскресенской и её ученика.

ДАЛЕЕ - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025110301
Тема| Балет, фестиваль Context, Персоналии, Диана Вишнева
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| На двух стульях не утанцуешь
Диана Вишнева станцевала Эжена Ионеско
Где опубликовано| © Газета «Коммерсантъ» №203/С от 05.11.2025, стр. 11
Дата публикации| 2025-11-05
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/8179703
Аннотация| Фестиваль

На сцене Театра имени Ермоловой в рамках фестиваля Context прошел вечер под названием «Ионеско» — обе его части поставлены по пьесам одного из столпов «театра абсурда» Эжена Ионеско. Диана Вишнева и Жиль Роман представили российскую премьеру спектакля Мориса Бежара «Стулья», а труппа «Контекста» показала «Театр бесконечно повторяющихся действий» в постановке Олега Степанова. Рассказывает Татьяна Кузнецова.

В «Стульях» Бежара даже обычный классический арабеск опирается на психологию
Фото: Коммерсантъ / Антон Великжанин

ДАЛЕЕ - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025110601
Тема| Балет, фестиваль «Видеть музыку», Бурятский театр оперы и балета, Персоналии, Мариус Петипа, Рикардо Дриго, Александр Мишутин
Автор| Филипп Геллер
Заголовок| Аромат старины
«Талисман» Риккардо Дриго в интерпретации Бурятского театра оперы и балета показали в Москве
Где опубликовано| © Журнал Музыкальная жизнь
Дата публикации| 2025-11-05
Ссылка| https://muzlifemagazine.ru/aromat-stariny/
Аннотация| Гастроли

Спектакль Александра Мишутина, созданный шесть лет назад, – единственная постановка этого балета в современной России. Она стала для театра счастливым билетом: о нем начали говорить все. Сначала мишутинскую версию номинировали на «Золотую Маску» и продемонстрировали на сцене «Геликон-оперы» в 2020-м. Теперь новая ступень успеха: показы в МАМТ в рамках Десятого фестиваля музыкальных театров «Видеть музыку», который проводится при поддержке Минкультуры России и Президентского фонда культурных инициатив.

«Талисман» имеет весьма любопытную историю: его премьера в постановке Мариуса Петипа прошла в 1889 году в Мариинском театре, но она не имела особого успеха, хотя в ней танцевала, например, такая звезда, как Пьерина Леньяни. Лишь когда в балет ввелась сама Матильда Кшесинская, дело пошло в гору. В 1909 родилась новая редакция, осуществленная Николаем Легатом: он сократил спектакль с четырех до трех актов, а также изменил имена персонажей. Вацлав Нижинский, Ольга Преображенская, Михаил Фокин – таков список исполнителей главных партий, так что восторженные ощущения публики того времени можно вполне понять и прочувствовать. А в 1926 году уже для Ленинградского хореографического училища «Талисман» возродили: на этот раз в нем были заняты будущие звезды уже советского театра Ольга Иордан и Алексей Ермолаев. И больше с тех пор о полнометражной версии балета не вспоминали: разве что стало популярным па-де-де на музыку из него, созданное Петром Гусевым в 1955-м, но к лексике Петипа не имеющее никакого отношения.

Александр Мишутин, воскресивший «Талисман», ориентировался в своем спектакле именно на версию Легата – и по количеству действий, и по либретто. Но хореографию, разумеется, пришлось придумывать заново: от французского балетмейстера осталось только три номера, текст которых зафиксирован в виде нотации и находится в архиве Николая Сергеева в Гарвардской библиотеке. Не нашли и партитуру Дриго: по сохранившемуся клавиру оркестровку сделал Зураб Надареишвили.

В своей интерпретации Мишутин воссоздал стиль «советского Петипа» – по тем редакциям «Баядерки», «Корсара», «Спящей красавицы», которые растиражированы в нашей стране и идут на многих сценах. Тут и «спортивные», акробатические поддержки, которые появились уже в СССР, и абсолютно современная эстетика танца с «задиранием» ног балерин, которое было немыслимо в эпоху Мариуса Ивановича, и весьма активное использование мужской виртуозной техники в вариациях артистов, при Петипа потерявшей ценность. В спектакле обилие красивых классических ансамблей, есть и пантомимные сцены, и «восточные» танцы – словом, все по рецептам великого предшественника. Действие выстроено внятно, четко, без остановок и воспринимается крайне цельно.

Мишутин намеренно использует аллюзии на другие произведения мастера и его старших коллег: без проблем считывается влияние «Корсара», «Жизели», «Дочери фараона», «Баядерки» в движениях и построении мизансцен. Но все это не случайно: сам Петипа на премьере постановки в 1889-м активно занимался, как сказали бы сейчас, самоцитированием. Пресса упрекала хореографа в том, что он повторяется, используя найденные им в собственных балетах ходы и образы. Те же претензии были и к либретто, написанному Константином Тарновским: история о небесной деве Нирити, полюбившей земного юношу, магараджу Нуреддина, опять же полна цитат из различных спектаклей Петипа. Больше всего отсылок возникает, конечно, к «Баядерке»: так же, как и там, действие происходит в Индии, а у Нирити есть принцесса-соперница – Дамаянти, которая хочет выйти замуж за Нуреддина, как Гамзатти за Солора в балете Минкуса. Но совсем не зря балет носит название «Талисман»: мать Нирити, Амравати, дарит дочери волшебную звезду, благодаря которой та может вернуться в небеса и сохранить право на бессмертие. Девушка ее теряет: преодолев все злоключения, звезда оказывается в ее руках, но Нирити решает остаться на земле, чтобы быть с любимым Нуреддином. Эту историю Мишутин в своей версии любовно и трепетно пересказывает: чувствуется, как дорога ему эстетика наивного, но очаровательного в своей сказочной прелести сюжета.

Театр не пошел по пути экономии постановочных средств в оформлении: художник Алексей Амбаев воспроизвел в декорациях стиль спектаклей второй половины XIX столетия в императорских труппах, когда за визуал отвечали художники-академисты. Масштабные живописные задники в бурятском «Талисмане» во всех деталях и мелочах воссоздают и интерьеры восточной хижины старого ткача, и роскошный дворец индийского раджи, и впечатляющую своим объемом и панорамностью площадь базара.

Костюмы авторства Елены Бабенко осуществлены в рамках той же «старинной» эстетики, но сделаны уже с учетом удобств для современных артистов: им должно быть комфортно танцевать. Поэтому, например, нет длинных тяжелых пачек у девушек: все облегчено.

Труппа показывает в «Талисмане» свои достоинства и умело скрывает недостатки. Радует кордебалет, на котором львиная доля нагрузки. Хотя хореограф и поставил им довольно незамысловатые композиции и комбинации движений, но отменная синхронность и ровность линий достойны уважения.

Не разочаровывают и солисты. Очаровательная молоденькая, двадцатичетырехлетняя Александра Богданова, несмотря на юность, чувствует себя более чем уверенно в премьерской партии Нирити. Роль ей и к лицу, и к ногам: прекрасна техника, выразительна игра. Зрители справедливо рукоплещут ее ровным, сделанным четко на одной точке фуэте. Особенно трогательным у артистки получается финал, где героиня думает покончить с собой, не найдя сил оставить свою любовь, но и к матери возвращаться она не хочет. Богданова великолепно передает всю гамму эмоций Нирити с помощью мимики, жестов – благодаря ей понимаешь, что и старинный, наивно-сказочный балет может трогать душу.

Алдар Болтанов в партии Нуреддина уступает коллеге по актерскому мастерству, но танцевально выглядит с ней на одном уровне: отменные большие пируэты и круги jeté тому подтверждение. Несомненным любимцем публики становится Эльдар Ванданов – бог ветра Вайю. Это та роль, в которой когда-то блистал Вацлав Нижинский. Но премьер бурятской труппы демонстрирует отнюдь не только шикарную элевацию. В конце спектакля Мишутин сочинил для героя остроумную большую вариацию: Нуреддин подпаивает Вайю, и тот в пьяном угаре выделывает всяческие коленца, стремясь показать свою удаль девушкам-невольницам. Ванданову хватает не только виртуознейшей техники, но и безмерного личного обаяния, чтобы превратить этот номер в игровую изюминку постановки.

Роль Дамаянти, несостоявшейся жены Нурредина, исполняет тонкая, хрупкая, с красивыми линиями (недаром артистка танцует в театре Одетту-Одиллию) Харука Ямада. Ее пластика придает особую гармонию и нежность па-де-де с женихом: хотя тут ожидаешь увидеть бóльшую бравурность, но и такой «мягкий» вариант смотрится весьма любопытно.

Замечательно выступают заслуженные артисты Бурятской Республики, маститые Маргарита Эрдыниева и Вячеслав Намжилон в ролях влюбленной парочки Нерильи и Наля, которые в отличие от главных героев сразу обретают свое счастье. Строга и величава Антонина Волгина – мать Нирити, повелительница небесных духов Амравати. При внешней скупости ее пантомимной партии артистке удается передать глубину теплых родительских чувств к своей дочери.

Музыка Риккардо Дриго в оркестровке Зураба Надареишвили выглядит так, будто ее создал сам автор: она полностью соответствует его стилистике. Богатейшая мелодически, тембрально, образно яркая, она представляет собой образец идеальной балетной партитуры, не спускающейся в примитивность и ходульность, которые можно встретить у коллег Дриго – Людвига Минкуса и Цезаря Пуни. «Талисман» по своему художественному уровню занимает центральное положение между балетами этих авторов и произведениями Чайковского с Глазуновым. Музыка выполняет не только служебные ритмические и дансантные функции, необходимые для «поддержки» артистов, но и предельно связана с действием на сцене. Она дополняет его: красивейшие лирические эпизоды-адажио с романсовыми интонациями, томные, страстные и дикие ориентальные танцы, изящно написанные вариации, подчеркнуто торжественные марши. Как будто композитор использует всю палитру существующих жанров, а аранжировка Надареишвили подчеркивает их природу удачно выбранными тембрами.

Оркестровый коллектив театра под управлением Валентина Богданова передает очаровательность, сказочную прелесть партитуры, показывая ее словно через увеличительное стекло, максимально подробно и красочно. Пусть медные духовые слишком уж грешат нечистой интонацией и не строят, но инструментальные соло достойны исключительно позитивной оценки. Александра Наталина (скрипка), Светлана Именохоева (флейта), Григорий Феоктистов (кларнет), Алексей Хабинский (труба), Елизавета Ставцева (арфа), Юлия Шурыгина (английский рожок), Сергей Струков (гобой) доказывают, что «Талисман» Дриго – самоценное произведение, окутывающее изысканными музыкальными ароматами. В игре солистов чувствуется неподдельная любовь к эстетике композитора. Такое же преклонение, но уже перед Петипа и старинным императорским балетом, пронизывает в целом весь спектакль Александра Мишутина.

Фото: Александр Филькин

===============================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Диана Вишнева и Жиль Роман. Фото — Ирина Григорьева

Диана Вишнева станцевала балет Мориса Бежара.

Это новый проект фестиваля «Контекст». Называется «Ионеско. Премьера». В основу двух постановок легли творения знаменитого мастера ментальной клоунады, что априори гарантировало рассказ (и исследование) понятия абсурда.

В первом отделении показали опус хореографа Олега Степанова (силами артистов труппы «Контекст»), во втором – классику прошлого века, балет-дуэт Бежара «Стулья». По мотивам одноименной пьесы. Именно «Стулья» привлекли главное внимание публики, ибо Вишнева выступила в паре с Жилем Романом, одним из любимых артистов позднего Бежара и – после смерти знаменитого мастера — многолетним главой труппы «Béjart Ballet Lausanne».

Водянистый, скучный балет с длинным названием «Театр бесконечно повторяющихся действий» так же далек от емких по смыслу и виду «Стульев» по уровню, как и по длине названия. Сказать, что Степанов сам делал постановку, значит погрешить против истины. Три четверти действия – пластическая импровизация исполнителей.

Зато анонс (он же кредо автора) полон глубокомысленных рассуждений о том, что «Постановка вдохновлена пьесами «Этюд для четверых», «Урок» и «Стулья». И как в текстах драматурга «через разрушение логики языка, множественные повторы и абсурдность диалогов, так и в танцевальном спектакле через «игру» в театр, перформативность и пересборку привычных телу паттернов, персонажи постепенно перестают играть роли и реальное, тонкое, даже уязвимое проявляется и заполняет пространство».

ДАЛЕЕ - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

по просьбе Ксении Белоусовой Диего поставил для нее хореографический номер «Август» на музыку Чайковского. Этот номер Ксения исполнила на третьем туре международного конкурса «Молодой балет мира» имени Юрия Григоровича и заняла там первое место. Шок! Занавес!

Когда началась СВО, многих новосибирских журналистов взволновала тема, как обстоят дела с иностранными гражданами, которые работают или учатся в Новосибирске. Особенно этот интерес касался артистов новосибирской балетной труппы. Приходилось буквально отбиваться от желающих узнать, что и как происходит. Я пытался объяснить, что такие материалы могут вызвать ситуацию, при которой герои просто не смогут вернуться в Россию. Нельзя сказать, что сейчас все в корне изменилась, но японские девушки в новосибирское хореографическое училище вернулись и становятся героями репортажа газеты «Асахи», собственный корреспондент которой недавно уже во второй раз прилетел в Новосибирск для подготовки материалов о гражданах Японии, обучающихся мастерству балета или уже работающих в театре.

Герой нашего интервью ‒ Диего Эрнесто Кальдерон Армьен ‒ стоит немного в стороне от общей ситуации. При возвращении на Родину в 2022 году он, гражданин Панамы, уже тогда попросил руководство новосибирского театра не закрывать для него окно возможностей, а вскоре вернулся и приступил к работе. Надо сказать, что обаятельный атлетичный молодой танцовщик с эффектной пластикой, с выразительной фактурой и большими умными глазами привлекает к себе все более пристальное внимание. Несомненно, именно благодаря всем перечисленным качествам Диего прошел кастинг в нашумевший сериал «Балет» с участием многих известных артистов и сыграл в нем очень интересного персонажа.

Биография Диего нетипична для артиста балета. Начав заниматься балетом только в 16 лет, он с невероятным упорством наверстывает упущенное. В чем-то его история перекликается с биографией блестящего балетмейстера Олега Виноградова, который поступил в ленинградское хореографическое училище 15-летним подростком, но и он начал заниматься балетом в более раннем возрасте, чем Диего.

Самым же интересным для меня оказалось другое: по просьбе Ксении Белоусовой Диего поставил для нее хореографический номер «Август» на музыку Чайковского. Этот номер Ксения исполнила на третьем туре международного конкурса «Молодой балет мира» имени Юрия Григоровича и заняла там первое место. Шок! Занавес!

Получается, что наш театр и весь балетный мир в лице Диего Кальдерона получили нового молодого хореографа с невероятно пластичной современной хореографией, да и сам он красив, как античный бог.

Разговор с артистом о балете.

Расскажите, как вы из жаркой Панамы попали в Сибирь?

Географически далеко, но для меня оказалось близко, поскольку я из Панамы сначала приехал учиться в Московскую государственную академию хореографии. Учился там три года ‒ последние три курса. По окончании МГАХ начал работать у Вячеслава Гордеева в «Русском балете», потом уехал в Братиславу в Словацкий национальный театр, а потом меня пригласили солистом в Самару, где я проработал три с половиной года.

В театр имени Шостаковича?

Да, но тогда это был просто Самарский академический театр оперы и балета, а имя Шостаковича ему присвоили, когда я уже работал в Новосибирске, куда уехал после Самары. Поэтому в Сибирь я попал поэтапно (смеется).

Скажите, пожалуйста, каким образом ребенок из далекой небольшой Панамы вдруг узнает о классическом балете, который у него ассоциируется с Россией? И при этом вдруг он решает им заняться. Сколько вам было лет?

Когда я решил заняться балетом, мне было шестнадцать лет.

То есть до шестнадцати лет вы вообще не занимались балетом?

Балетом нет. Но я занимался танцами. Начал с традиционных танцев ‒ наших панамских, а затем были латиноамериканские ‒ сальса, меренге и так далее.

Да, но сейчас вы танцуете академический репертуар. Что же все-таки в 16 лет вас привело в балет?

Я всегда увлекался физической активностью, в детстве занимался спортивной гимнастикой, но не очень серьезно ‒ для себя. Но я любил танцевать и хотел танцевать. В школе танцевал в различных группах уличные танцы. Как-то попал в одну группу довольно профессиональную, но молодую. Там уже потребовалась техника, уже был джаз, контемпорари. Мне поставили условие, что для работы в группе нужно позаниматься балетом. Моя подруга, занимавшаяся балетом, позвала меня в студию, в которой обучали классическому балету. Мне было 16 лет, и я начал заниматься. Как я сейчас понимаю, в студии был очень хороший педагог. Так в мою жизнь вошел балет. И было это в Панама-Сити, откуда я родом.

Кто был тот педагог?

Карлос Диас. Он не профессионал, но в плане постановки сценического опыта дал мне очень много. В студии преподавала Раиса Гутьеррес ‒ бывшая прима-балерина, сама она училась в Италии и, по сути, воспитывала всех танцовщиков, которые работают в нашем театре в Панаме.

А что за театр?

Панамский национальный театр. Он небольшой: в труппе 25 танцовщиков, плюс еще стажеры.

Вернемся к вашему образованию.

Я занимался у Раисы Гутьеррес, но моя мама всегда говорила, что если я хочу заниматься танцами профессионально, то надо поехать в Европу. А папа всегда говорил, что надо качать мозги. И я как будто увидел в занятиях балетом возможность соединить воедино то, о чем говорили мои родители: танцевать в Европе и качать мозги, поскольку есть история театра, история балета. Плюс изучение анатомии, поскольку балет ‒ это большая физическая нагрузка. А сибирский холод мне даже нравится: нет жары, наконец-то.

А потом ‒ Москва с желанием поступить в Московскую академию хореографии?

Нет, сначала я поехал на летний шестинедельный балетный интенсив в Нью-Йорке при школе Большого театра. Профессиональные педагоги учили классике: классический урок, дуэтные танцы и характерные танцы. Я два года ездил в Нью- Йорк. Обучившись в первый раз, я понял, что у меня получается, вдохновился и поехал во второй раз с желанием показаться на предмет поступления в МГАХ. Педагогу классического танца Валерию Анисимову я задал вопрос: «Как можно попасть в академию?» Осмотрев меня с головы до ног, он сказал: «Тебе нужно очень много заниматься. Давай проверим тебя на этом курсе. Если будешь хорошо продвигаться, я постараюсь тебе помочь». В конце курса он сказал: «Да, я попробую. Все-таки ты ‒ человек с мозгами».

Вы без профессионального образования, с интенсивом за плечами, в выпускном возрасте, хотите поступить в МГАХ. Как вообще они смогли обойти существующие ограничения?

Я так думаю, что увидели мое трудолюбие, трудоспособность. Понятно, что у меня данных и школы не хватало, но заметили, что я активно включаю голову, стараюсь умно и упорно работать. Валерий Викторович отметил, что я за шесть недель далеко продвинулся.

То есть, по сути дела, за три года обучения в МГАХ вы стали профессиональным танцовщиком и попали к Гордееву. Что вы танцевали в «Русском балете»?

У меня был неаполитанский танец в «Лебедином озере», Барабаны в «Баядерке» ‒ классическая постановка. «Щелкунчик» ‒ вальс, кордебалетные вещи. Репертуар коллектива небольшой, ориентированный на гастроли по миру. На гастролях в Панаме я танцевал Шута в «Лебедином озере». На тот момент это была моя самая большая роль.

Далее Братислава. Почему именно туда?

Работа в труппе Гордеева была моей “первой пробой пера”. Постоянно гастролирующий коллектив стал для меня трамплином в репертуарный театр.

В Братиславе театр средний?

По уровню – да. Но сам театр неплохой, и там были очень хорошие танцовщики. Работая там, я получил приглашение от хореографа Юрия Петровича Бурлака в Самару, где его назначили руководителем труппы. Юрий Петрович восстанавливает балеты. Как раз относительно недавно он восстановил «Щелкунчика» по Мариусу Петипа поставленный им ранее в Берлине. Ему нужны были танцовщики, и он меня пригласил. Надо добавить, что в Самаре я имел возможность работать с хореографами, в первую очередь с Юрием Смекаловым. Он ввел меня в свой балет «Три маски короля» и тем замотивировал танцевать современную хореографию, а также на мой “хореографический лексикон” повлияла работа в постановке Максима Петрова «Фортепианный концерт».

После Самары возникает Новосибирск. Как случилось на этот раз?

Много работая, я почувствовал, что в профессиональном плане стал проседать, станцевал все, что мог станцевать. Захотелось в другую атмосферу, в большой театр, где можно реализовать поставленные самому себе цели. Поэтому я решил уехать оттуда. Хотя всё было хорошо.

Вы здесь просматривались?

Да, просматривался.

Вы сами решились или вас кто-то позвал?

Нет, я сам. Я поехал на просмотры в другие театры и приехал в Новосибирск в первый день работы руководителем балетной труппы Леонида Дмитриевича Сарафанова. Я был первым человеком, которого он просматривал. Он меня и взял.

А как с языком? Вы прекрасно говорите на русском. Можно сказать, на уровне носителя. И у вас вообще не слышно акцента.

Поначалу было трудно. Но я люблю языки. В то время говорил на английском и на португальском. Я очень общительный человек и старался, конечно, больше общаться с русскими, когда приехал. Поэтому так быстро выучил.

Как вы попали в нашумевший сериал «Балет», что он вам дал, какие вы вынесли ощущения со съемок?

Если не ошибаюсь, это был 21-й год. Я еще работал в театре в Самаре. Мне написали в Инстаграм, я сначала засомневался, стал разбираться. Запросил дополнительную информацию, мне ее предоставили. Оказалось, в сериале будут сниматься многие известные актеры. Узнав все это, я решил, что, конечно, надо соглашаться. Протянул время, и возникла забавная ситуация. Накануне дня просмотра у меня была Фея Карабос в «Спящей красавице». И для того, чтобы успеть на просмотр, назначенный на следующий день, мне нужно было по окончании спектакля ехать в аэропорт, не выходя на поклоны. Закончив танец, за кулисами я снял весь грим, парик, и поехал в аэропорт, чтобы успеть на рейс.

И как вам ощущения?

Ощущения классные. Это, конечно, не сцена театра, на камеру все по-другому. Понятно, что мы играем эмоциями.

Кто ваш герой?

Моего героя зовут Николас Гуэрра, если я не ошибаюсь, он француз латиноамериканского происхождения, который работает в главном театре России.

Они под вас это придумали или переделали?

В сериале за период съемок много чего переделывалось. Началась СВО, кто-то уехал. Изменилось кардинально почти все, но это пошло только на пользу фильму. Моя роль стала больше, выпуклей.

В фильме снимался Артем Пугачев. Вы с ним там познакомились?

Не совсем так. С Темой мы были давно знакомы и вот встретились на съемках фильма. Хотя до этого мы не знали, что снимаемся в одном проекте.

СВО началось в феврале 22-го года, многие вынуждены были уехать. Как я понял, вы выехали, потом вернулись?

Да, так и было. Я уехал с целью обязательно вернуться.

Солистка нашей труппы Ксения Белоусова недавно стала лауреатом международного конкурса «Молодой балет мира». Выяснилось, что вы помогали Ксении в подготовке к конкурсу, поставив для нее номер. Откуда у вас тяга к постановке?

Для этого надо вернуться в Панаму. Еще там я начал ставить первые номера. Можно сказать, что с того времени я увлечен постановкой номеров. Конечно, это не то же самое, что и балет. Потому что нужна техника, нужны знания, нужно понимание музыки. Но началось именно там. Я никогда не думал, что из меня может получиться какой-то выдающийся хореограф, но мне всегда нравилось именно ставить. Поэтому когда Ксения попросила, я очень обрадовался. А порекомендовал меня ей Владимир Савелькаев, для него я ставил номер на конкурс в Китае.

Что вы еще ставили?

В Самаре Юрий Петрович попросил поставить комедийный номер, когда у нас был вечер Штрауса. Мне дали полный карт-бланш: ставь, что хочешь. Сюжет был забавным ‒ охотник идет охотиться на лебедей, а в итоге лебеди охотятся на него. По сути, это была моя первая хореография в театре, потом номер для Ксении. Других пока не было.

Какой номер вы поставили с Ксенией?

Это был финальный тур. Если бы она не прошла до конца, то он не был бы показан. Ксения сама пришла с музыкой Чайковского «Времена года». Нам больше всего понравился август. Август – еще лето, но уже его конец, осень приближается. И уже тревога, что надо торопиться, доделывать все летние дела до того, как начнутся холода. Номер так и назвали «Август».

После победы Ксении с вашим номером, что вы ощутили?

Конечно, гордость.

То есть вы попробовали, вам понравилось, и мы должны быть готовы к тому, что вы начнете радовать нас новыми работами?

Да, но оно, простите за такую формулировку, “само лезет”: ты слушаешь музыку, и движения сами приходят.

А как ваши родители, переживают, что вы далеко?

Уже нет. Сначала, конечно, переживали. Сейчас уже все привыкли к тому, что я здесь.

А как часто вы их навещаете?

Не так часто, как хотелось бы. Раз в два года. Этим летом был.

Нет грусти от того, что все-таки не Панама?

В последнее время ‒ да. Потому что хочется быть с семьей. Всё-таки время идет.

Вы такой молодой, что страшно подумать.

Ну как молодой? Для балета не так уж я и молод, а для жизни – да, естественно.

Сколько вы еще сможете танцевать?

Зависит от того, насколько я себя буду хорошо беречь, скажем, так. Насколько мое тело позволит. Я просто занимаюсь своим здоровьем. Можно сказать, что сейчас я чувствую себя моложе, чем когда мне было двадцать четыре года. Я занимаюсь пилатесом, йогой, массажем, тело стало податливым. Тем более есть еще тренажерный зал, и я себя прекрасно чувствую.

А как вам русские девушки?

Красивые.

Хорошо, но вот вы преодолеете рубеж в сорок лет. Что дальше?

Были мысли пойти на преподавание балета или, может быть, бачаты. Но я, конечно, хочу продолжать именно свою творческую деятельность, связанную с балетом. У меня была мечта вернуться в Панаму и там работать. В Панаме очень много талантливых людей, одаренных. Очень податливые тела, очень способные, красивые люди. Балет можно продвигать. Тем более что есть люди, которые этим занимаются и хотят этим заниматься. Но нет школы, нет педагогов, нет академизма.

Сейчас вы откинули эту мысль?

Нет, не откинул, но появились другие идеи. Хочется не только преподаванием заниматься, но и творчеством. Хочется, чтобы наш балет стал известным не только в Панаме, но и во всей Латинской Америке.

То есть вы хотите антрепризой заниматься?

Можно, но только с хорошим качеством.

А ставить самому?

Ставить самому, конечно, интересно, но посмотрим, насколько ресурсов хватит.

А вы понимаете, что если вы решите заниматься антрепризой, вам придется остаться в России?

Почему?

Всегда лучше иметь предмет, который ты продвигаешь, рядом.

Согласен, связи хочется сохранить. Россия стала моим вторым домом. Хотя всё сложно. Панама для меня – первый дом, но когда я приезжаю туда сейчас, я себя уже не чувствую родным.

То есть в конечном итоге вы, вероятно, будете туда приезжать, чтобы родителей повидать. Вы к этому готовы?

Так и есть.

Что бы вы хотели станцевать?

Если брать сегодняшний репертуар театра, то это Ромео в «Радио и Джульетта» Клюга.

Современный балет вам ближе, чем чистая классика?

Чем чистая классика ‒ да. Также мне хотелось бы станцевать Квазимодо. Классный персонаж.

Неожиданный вопрос. Вы хорошо вяжете. Когда-то я видел за этим занятием артиста балета Сергея Басалаева. Для кого вы вяжете? Может быть, с целью развития мелкой моторики?

Я начал вязать для себя, просто сам научился на Ютубе. Сначала вязал просто крючком, начинал с простых кругов, потом уже пошли салфетки. Я их для бабушки вязал. Потом начал вязать шапки. И пошло дальше. Да, просто вяжу и дарю. Но уже есть заказы.

Наверное, от ваших поклонниц.

Спасибо за интересный разговор. Знаете, беседуя с вами, я понял, что при вашем старании и уме вы можете много достигнуть и как танцовщик, и как балетмейстер. Удачи и успехов!

Благодарю Марину Иванову за помощь в редактировании материала

======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025110702
Тема| Балет, Государственный театр оперы и балета имени Яушева, Премьера, Персоналии, Антон Дорофеев, Владимир Шарапов, Ерджаник Оганесян, Максим Акулов
Автор| Ольга Русанова
Заголовок| Танцевать, так с адмиралом!
Где опубликовано| © ClassicalMusicNews.Ru
Дата публикации| 2025-11-07
Ссылка| https://www.classicalmusicnews.ru/anons/dance-with-the-admiral/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Сцена из балета «Федор Ушаков»

«Я всегда больше желаю быть на море, чем в гавани»
Ф. Ушаков

В самом молодом оперном театре страны – имени Яушева, что в Саранске, – грядет мировая премьера балета «Федор Ушаков» (8 и 9 ноября 2025).

В этом событии удивительно всё: и сам герой – легендарный флотоводец, адмирал, к тому же причисленный к лику святых… И команда молодых создателей, чьи имена пока немного говорят широкой публике. Ну и сам факт, что региональный театр за последние полтора месяца показывает уже вторую мировую премьеру на своей сцене.

Однако, если в основе первого, недавно рожденного здесь, балета «Дары волхвов» – известный сюжет одноименного рассказа О’Генри, а в титрах – знакомые фамилии создателей (музыка Кузьмы Бодрова, хореография Олега Габышева), то «Ушаков» – уравнение со многими неизвестными.

В нём всё создавалось с нуля: музыка, хореография и сама история (соавторы либретто – режиссер Игорь Кузьмин и руководитель литературно-драматической части театра Юрий Кондратенко).

Музыкальный руководитель постановки, главный дирижер театра Максим Акулов, инициатор многих новаций в Саранской опере, предложил в поисках авторов партитуры и хореографии организовать конкурс. Шаг нетривиальный, к тому же рискованный, хлопотный и долгий: конкурсная процедура заняла почти полтора года. При этом первые два тура прошли онлайн, а третий, финальный, состоялся уже очно в театре. В результате победили молодые, но уже достаточно опытные творцы: москвич Ерджаник Оганесян и петербуржец Антон Дорофеев, композитор и хореограф, работающие в дружном тандеме.

Идея обратиться к личности Ушакова принадлежит директору театра Владимиру Шарапову, хотя она лежит на поверхности: великий флотоводец является для Мордовии главным «гением места». Здесь находилось его родовое имение Алексеевка (близ самого старого города в республике – Темникова), в котором он провел после отставки последние годы жизни. Здесь же, неподалеку от Алексеевки, в Санаксарском монастыре, и похоронен (1817). Но даже если всего этого не знать, то уж мимо Кафедрального собора Святого праведного воина Федора Ушакова (построен в 2006) не пройти: его знает каждый житель и каждый турист, ведь это самое сердце мордовской столицы, ее главный архитектурный акцент.

Ну и наконец: в 2025 году отмечается 280 лет со дня рождения адмирала, а театр в ноябре празднует 90-летие, так что две даты идеально сошлись в новом проекте.

Так что почему Ушаков – понятно, а вот почему балет, а не, скажем, опера? Очевидно, что руководству театра хотелось охватить этой духоподъемной, мощной патриотической темой как можно более широкую публику, ведь, по мнению Максима Акулова, и он, несомненно, прав, «балет понятнее рассказывает историю и привлекает к себе больше внимания».

Можно лишь догадываться, как непросто было создать яркий драматический сюжет из почти идеального образа легендарного флотоводца, который не проиграл ни одного морского сражения (а он провел их 43!), не потерял ни одного корабля, и ни один матрос под его началом не попал в плен. Где тут конфликт, без которого на самом деле немыслима драматургия? Однако история получилась, и получилась весьма интересной. Послушаем создателей.

Как рассказал мне Юрий Кондратенко,

«наше либретто о том, как появился герой Федор Ушаков – человек, который мог бы вести светскую, придворную жизнь – все-таки он был помещиком, дворянином, но оставил ее во имя служения России. Это своего рода аскеза, именно поэтому для православной церкви он святой.

Мы не хотели делать биографию в чистом виде, в нашем либретто всё достаточно условно, как и принято в балете. Но, конечно, будут и битвы, и царский двор: на сцену выйдут Екатерина II и Григорий Потёмкин, который тогда создавал Таврическую губернию (в спектакле один из эпизодов происходит в Крыму).

Еще мы добавили любовную линию: так появилась возлюбленная Ушакова фрейлина Варвара – персонаж вымышленный, потому что достоверных фактов о его личной жизни нет, но мы придумали историю о юношеской любви, которая, впрочем, так и не состоялась».

Хореограф Антон Дорофеев, выпускник Петербургской консерватории (отделение балетной режиссуры), не впервые сталкивается с историческим материалом: в этом году он стал постановщиком хореографии мюзикла «Екатерина Великая» в Омске. Что касается балета «Ушаков», то вот его акценты:

«Мне хотелось сделать спектакль об одиночестве: как можно, выбрав долг, честь, служение Родине, остаться несчастным, не обрести семью, детей и в конце концов умереть в одиночестве, будучи тяжело больным.

Достоверно известно, что в старости Федор Ушаков лишился зубов, у него разваливался тазобедренный сустав, он не мог ходить. А о том, что адмирал ушел из жизни, в Петербурге узнали лишь спустя несколько недель, никто из столицы не приехал проститься с ним.

Как же так: великий флотоводец, гордость Российской империи, вдруг оказался никому не нужным старцем! Вот что меня зацепило».

Что касается хореографического рисунка, то, по словам Антона Дорофеева, это неоклассика и, конечно, стилизация в духе екатерининской эпохи.

Под стать хореографическому стилю оказалась и музыка Ерджаника Оганесяна, выпускника Гнесинской Академии, ученика Кузьмы Бодрова. Она достаточно классична, тональна, написана для симфонического оркестра с несколько усиленной группой ударных инструментов. В ней тоже много стилизации в духе ХVIII века.

Ерджаник работал в плотном диалоге с хореографом:

«Когда мы обсуждали, каким должен быть Ушаков, то пришли к выводу, что в музыке должно отражаться несколько тем – одиночества, веры, а также тема любви, куда ж без нее в балете? А в двух батальных сценах, конечно же, звучат героическая тема и тема моря. Впрочем, все эти темы пересекаются…»

Дирижер Максим Акулов, который с интересом взялся за новую партитуру, отметил, что музыка Оганесяна образная, «во многом звукоизобразительная», и, на его взгляд, может интересно звучать даже в симфонических концертах, поскольку пробуждает фантазию слушателей, рождает свои картинки. И все-таки

«прежде всего партитура написана именно для сценической реализации, и написана удачно».

Как эта музыка сойдется со сценическим действием спектакля, узнаем совсем скоро.

Ольга Русанова, специально для ClassicalMusicNews.Ru

Елена С.

Номер ссылки| 2025110703
Тема| Балет, ТАГТОиБ им. Джалиля, Фестиваль современного балета #StagePlatforma, Премьера, Персоналии, Эльмир Низамов, Александр Сергеев, Олег Ивенко
Автор| Людмила Губаева
Заголовок| Эркюль Пуаро расследовал архивное дело в Казани
Где опубликовано| © «Реальное время»
Дата публикации| 2025-11-07
Ссылка| https://realnoevremya.ru/articles/366096-erkyul-puaro-rassledoval-arhivnoe-delo-v-kazani
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Фестиваль современного балета #StagePlatforma представил уникальную премьеру — одноактный балет Эльмира Низамова «Пуаро»

На сцене ТАГТОиБ им. Джалиля — расследование архивного дела, за которое молодой Эркюль Пуаро взялся по просьбе дочери убитого много лет назад художника. Несколько фигурантов старой истории рассказывают свою версию событий, и гениальный сыщик раскрывает тайну. Происходит это все в танце. Одноактный балет «Пуаро» на музыку Эльмира Низамова — смелый эксперимент хореографа-постановщика, первого солиста Мариинки Александра Сергеева. Балет-детектив — явление уникальное, аналогов в первом приближении не находится. А у команды, собранной Олегом Ивенко, получилось. Премьеру представили на VIII фестивале современного балета #StagePlatforma. Кроме «Пуаро», в программе фестиваля еще один одноактный балет — «Тесла», впервые показанный на #StagePlatforma в 2024 году. Подробности — в репортаже «Реального времени».

«Идеи, которые рождаются спонтанно, — самые верные!»

В Казани вот уже в восьмой раз прошел фестиваль современного балета #StagePlatforma. Задуманный и воплощенный премьером казанской балетной труппы Олегом Ивенко, фестиваль продолжает развиваться. Внутри него за последние годы выросли три ярких одноактных балета, каждый из которых стал событием.

«Личности Миллигана» языком танца в 2023 году рассказали зрителю историю душевного расстройства. Премьера прошлого года — балет «Тесла» — доказал, что на балетной сцене можно показать все, включая электричество как физическое явление. В программу #StagePlatforma нынешнего года «Тесла» тоже включен — яркий, зрелищный, метафоричный, он вызывает огромный интерес публики. Особенно с учетом того, что в регулярном репертуаре театра его нет, и фестивальные показы — единственная возможность его увидеть.

В этом году творческий коллектив фестиваля продолжает уверенное крещендо: они представили «Пуаро» — единственный в своем роде балетный детектив. Музыку написал Эльмир Низамов, хореографом-постановщиком выступил первый солист Мариинского театра Александр Сергеев, который в последние годы развивает карьеру балетмейстера. Художник-постановщик и художник по костюмам — Леонид Алексеев, который часто работает в тандеме с Сергеевым. А идея перенести столь неожиданный жанр на балетную сцену родилась у бессменного художественного руководителя и демиурга фестиваля, Олега Ивенко.

— Вначале была идея сделать балет про художника — Микеланджело, Пикассо... Но в одном из театров есть «Роден», и его было бы сложно переплюнуть. И все равно у зрителя возникали бы какие-то ассоциации. Поэтому возникла идея сделать детектив. Было несколько вариантов, но вспомнив фильм Кеннета Брана и старый сериал, я подумал: «Почему бы не Пуаро?». Александру Сергееву идея понравилась, и он согласился с тем, чтобы сделать первый в мире балетный детектив. Все решилось спонтанно, быстро, а идеи, которые так рождаются — как правило, самые верные! — рассказывает Олег Ивенко, как возник «Пуаро».

«Другой балет-детектив я, наверное, не смогу назвать»

Либретто Александр Сергеев подготовил, вдохновляясь романом Агаты Кристи «Пять поросят» и написанной на его основе пьесы «Назад к убийству». Но в балете представлена собственная, оригинальная версия, создатели подчеркивают, что такого Пуаро публика еще не видела: молодого, цветущего, расследующего одно из своих первых дел. Таким его образ воплощает в танце Олег Ивенко.

У людей, которые не видели спектакля, возникает закономерный вопрос: как воссоздать детективное расследование на сцене силами балетного искусства? Постановщик признается:

— Не на что было опираться. Потому что другой балет-детектив я, наверное, даже не смогу назвать. Понятно, что это нарративная история, крайне сюжетная. Я попытался сделать так, чтобы история была передана именно пластическим языком, более пластическим, нежели мизансценическим.

В хореографии спектакля классический балет переплетается с элементами современного танца. Но классическая школа авторов и постановщиков этого спектакля все же остается определяющей. Перед нами не мистерия, не танцевальная фантазия, не контемпорари-шоу. Перед нами — именно балет, сюжетный спектакль, понятный, четкий.

За отравление художника была приговорена к повешению его жена, но дочь несчастной пары до сих пор сомневается в виновности матери. Перед зрителем (то есть перед Эркюлем Пуаро) разворачивается рассказ оставшихся в живых участников истории 16-летней давности. Персонажи — художник Эмиас Крейл, его жена Кэролайн, любовница Эльза Грир, свояченица Анджела Уоррен, ее гувернантка Сесилия Уильямс, травник-любитель Мередит Блейк — вновь и вновь проходят перед нашим взглядом, участвуя в истории, в разных версиях рассказанной четырьмя живыми свидетелями тех событий.

Силами хореографии удается передать все. И общую ткань семейного конфликта, и страдания отвергнутой жены, и триумф порочной любовницы, и ее магнетический эротизм, и упрямство разозленной девочки, и сожаления гувернантки, и метания художника между семьей и страстью, и даже слепое увлечение доморощенного химика своей лабораторией.

Эркюль делает выводы и раскрывает истинную личность убийцы. Совпадает ли она с официальной версией событий? Была ли виновна повешенная в тюрьме Кэролайн? Этого мы читателю не расскажем, но спектакль раскрывает хитросплетения взаимоотношений между персонажами максимально четко.

Композитор у рояля

У каждого спектакля, который делают постановщики #StagePlatforma, всегда четкий музыкальный почерк. Музыку для «Пуаро» написал Эльмир Низамов (он же автор музыки и для «Теслы», и для «Личностей Миллигана»). Фирменная лиричность и проникновенность, свойственная этому композитору, присутствует и здесь. Двадцатые годы, эпоха джаза — время событий спектакля — тоже отражены в музыке, но в целом стилистику нельзя ограничить каким-то единым направлением. Здесь и бодрый чарльстон, и романтическая баллада, и «музыкальная пейзажная живопись», и характерные отрывки, описывающие характер каждого из героев и даже род его занятий. Музыка Низамова — изящный, стильный фьюжн, близкий к модерну, «кинематографичный» и четкий.

— Надеюсь, у этого спектакля будет большая судьба. Но какую бы музыку и к какому бы проекту я ни писал, я всегда ставлю перед собой задачу, чтобы ее можно было бы слушать и отдельно. Для меня это очень важно, — признается композитор. — Создавая эту музыку, я опирался на ту эпоху — это модерн, джаз. Все это и сегодня актуально звучит. Но мне всегда трудно говорить о стиле, в котором я пишу музыку. Потому что мы живем в эпоху даже не постмодерна, а метамодерна, когда у тебя все под рукой, и нужно брать то, что в данный момент уместно и сработает. То, что убеждает тебя, хореографа, артистов и главное — зрителя.

Наконец, еще одна новация, одна из самых ярких, — композитор сам играет на рояле во время исполнения балета оба дня фестиваля. Оркестра нет: постановку сопровождает трио музыкантов — пианист, контрабасист и ударник.

— Это идея Саши Сергеева. В процессе работы я ему отсылал фортепианные эскизы с объяснениями: вот здесь будет танец Пуаро, а эта сцена будет таким образом музыкально решена. Конечно, при этом я держал в голове оркестр. И вдруг в какой-то из вечеров Саша мне взволнованно звонит: «Я все придумал! Это будет только фортепиано». А я всегда люблю что-то новое, необычное. Идея мне очень понравилась, но в процессе работы все-таки я понял, что одного фортепиано будет мало. В итоге мы немного расширили состав. Других мыслей о том, кто же будет играть на фортепиано, не было — мы как-то сразу решили, что я это делаю. Поэтому для меня это тоже премьера, я впервые играю на сцене оперного театра, тем более, балет. Очень волнительно, но живая музыка — это всегда какой-то особенный коннект между артистами и зрителем! — рассказал перед премьерой Эльмир Низамов.

И получилось убедительно. Порой было ощущение, что зритель находится в кинотеатре тех самых времен, смотрит немой фильм в сопровождении умелого тапера. Эффект погружения, которого так добивались создатели спектакля, удался в немалой степени благодаря музыке.

Иллюзия театра и магия ар-деко

Еще одна особенность спектакля — его визуальная наполненность. Эпоха формирования и доминирования ар-деко — время рождения многих великих брендов, от Dior до Lanvin, время элегантных нарядов и графичных женских стрижек, время, когда одежде, наконец, стало позволено отражать не только приличия эпохи, но и характер индивидуальности. Эта эпоха отражена в декорациях и костюмах как бы приглушенно, без ярких красок, зато графично и с богатой игрой света. Художник-постановщик Леонид Алексеев объясняет:

— У нас с Александром Сергеевым есть общая черта — мы серьезно подходим к визуальному ряду. Наше любимое свойство — сдержанность, мы стараемся не «пересолить», сделать изящно. Это, кстати, относится и к эпохе, которую мы описываем. Хотелось не буквально цитировать большие стили, но немного поиграть с ними.

Художник признается, что была проведена серьезная исследовательская работа — ведь Агата Кристи и сама была большой любительницей и ценительницей красивой одежды. Да и на страницах ее книг нарядам героев уделяется огромное внимание. В первую очередь, конечно, Пуаро с его педантичным следованием стилю — он и в балете отражен безупречно элегантным.

— Театр — это иллюзия. А иллюзия — это когда мы ведем зрителя, и в какой-то момент у него теряется ощущение того, что он сидит в темном зале и смотрит на сцену, — озвучивает цель создателей спектакля Леонид Алексеев.

Оба дня партию Пуаро танцевал Олег Ивенко, художественный руководитель фестиваля #StagePlatforma. Правда, здесь исполнителю заглавной роли действительно практически негде развернуться — станцевав «входную» сцену, дальше сыщик в основном слушает чужие истории. Благо в «Тесле», который на фестивале показывается первым актом, заглавная партия куда обширнее, и танцует ее оба дня тоже Ивенко.

В первый день фестиваля, 5 ноября, в обоих спектаклях блистала Кристина Андреева-Захарова: в «Тесле» она воплощала явление электричества, а в «Пуаро» — красавицу-натурщицу, любовницу художника. Характерные роли казанской приме удаются на славу — вот и в «Пуаро» в ее порочность и магнетическую притягательность безоговорочно веришь. В остальных ролях и на второй день на фестивале работали тоже в основном артисты казанской труппы: Антон Полодюк, Вагнер Карвальо, Александра Елагина, Каролина Заборне, Дина Набиуллина, Анастасия Власова, Нина Семина.

По разу отметились в своих постановках оба хореографа: в «Тесле» 5 ноября партию Эдисона танцевал постановщик этого спектакля Олег Габышев, а в «Пуаро» 6 ноября Александр Сергеев сменил Антона Полодюка в партии Эмиаса.

«Дай бог нам больше финансирования на фестиваль»

Итак, новая яркая премьера фестиваля #StagePlatforma состоялась. Отзывы и в зале, и в среде критиков — самые что ни на есть позитивные. Новаторства в «Пуаро» много: и едва ли не первое в мировом балете освоение нового, совершенно не балетного жанра, и оригинальное музыкальное решение, и, в конце концов, личное присутствие композитора за роялем. Есть и зрелищность, и интрига, и стильная картинка, но в то же время каноны классического балета не поломаны никоим образом. Они здесь есть и играют новыми гранями в сопровождении современных подходов.

Как развивается фестиваль? Что думает его создатель и бессменный худрук — Олег Ивенко? Он оптимистичен и бодр. Полон новых идей и энергии. Но признает, что финансирование фестиваля по-прежнему остается узким местом:

— Дай бог нам больше финансирования на фестиваль, чтобы мы могли развиваться и делать еще более масштабные проекты. Мы и без того стараемся сделать постановки с минимальным бюджетом, пытаясь заинтересовать вас настолько, чтобы вы и не подумали: «А, им тут не хватило…». Надо, чтобы сказали «Вау, как круто!». Вы не представляете, как сложно было Олегу Габышеву создавать «Теслу» и «Миллигана». Ведь он должен был удерживаться в определенных рамках. Благодаря уму и нетривиальному мышлению создателей все эти балеты начинали создаваться и обязательно доводиться до зрителя. Мы не бросаем на середине пути свои проекты, каждый год стараемся держать планку и создавать новое, новое и новое. Несмотря ни на что — на политику, на ситуацию в мире… Благодаря «Татнефти» (фестиваль поддерживает Благотворительный фонд ПАО «Татнефть», — прим. ред.), благодаря Театру оперы и балета, благодаря [министру культуры Татарстана] Ираде Хафизяновне [Аюповой], благодаря множеству людей, которые нас поддерживают!

Фестивальные спектакли прошлых лет, как рассказывает Олег Ивенко, были поданы в качестве номинантов на «Золотую маску» — но не прошли через определенные этапы конкурса. По мнению артиста, ничего страшного в этом нет — команда фестиваля будет работать дальше. Олег Ивенко считает, что такая премия — лишь подтверждение того, что коллектив идет верной дорогой. А задача авторов спектаклей — удивить зрителя, себя, и только уже потом — жюри конкурсов.

— Думаю, рано или поздно мы дойдем до премии. Всему свое время! — улыбается Ивенко.

И еще один вопрос остается у многих: войдут ли когда-либо фестивальные балеты в регулярный репертуар театра? Увидеть их на казанской сцене можно раз в год. Как сложится дальнейшая судьба этих спектаклей? Когда зрителю вновь представится шанс сложить пазл балетного детектива или оценить, как в танце воплощен процесс научного поиска?

Олег Ивенко на этот вопрос дипломатично отвечает, конечно, любой художник мечтал бы, чтобы его работы включили в репертуар, но решать не ему.

— Моя задача — делать хорошо. Мы искренне служим искусству, все фанаты своего дела, работаем ночами, пока не добьемся нужного результата. Свет перед премьерой всю ночь выстраивали, до 9 утра! Рауфаль Сабирович [Мухаметзянов] дает нам возможность проявлять свою фантазию, делать вот такие храбрые вещи на моем фестивале. Но войдут ли они в афишу театра — вопрос не ко мне…

==========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025110704
Тема| Балет, ТАГТОиБ им. Джалиля, Фестиваль современного балета #StagePlatforma, Премьера, Персоналии, Эльмир Низамов, Александр Сергеев, Олег Ивенко
Автор| Оксана Романова
Заголовок| Современный балет или немое кино? Фестиваль StagePlatforma научил па детектива Пуаро
В Казани поставили первый в истории балет-детектив – «Пуаро»
Где опубликовано| © «Татар-информ»
Дата публикации| 2025-11-06
Ссылка| https://www.tatar-inform.ru/news/sovremennyi-balet-ili-nemoe-kino-festival-stageplatforma-naucil-pa-detektiva-puaro-6005688
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Первый в мире балет-детектив состоялся в Казани. Как изначально книжный персонаж Агаты Кристи, давно визуализированный кинематографом, освоился теперь еще и на театральной сцене – в репортаже обозревателя «Татар-информа».

Каждый зритель – Пуаро

Мировая премьера балета-детектива «Пуаро» проходит 5 и 6 ноября на VIII Фестивале современного балета StagePlatforma в Казани. Небольшие одноактные спектакли дают на сцене Татарского театра оперы и балета имени Джалиля, собственный репертуар которого, напомним, исключительно классический.

Лаконичная постановка интригует приглушенным светом, атмосферой 1920-х годов, емко выраженной в костюмах и минимальных, но оптимальных при этом декорациях. А также живой музыкой джаз-трио, в котором за роялем оказался написавший ее специально для этого спектакля композитор Эльмир Низамов. Получился, уже характерно для этого фестиваля, кинобалет, но и, более того, в стиле, характерном для самой эпохи Пуаро, – стиле немого кино с тапером. Конечно, необычна и в том числе потому любопытна для зрителя хореография балета.

«Танцуют все!» – словно бы воскликнул хореограф постановки Александр Сергеев из Санкт-Петербурга и создал в пластике четыре женские и три мужские роли балета, включая серьезного и обстоятельного главного персонажа – детектива Эркюля Пуаро. В образе сыщика в спектакле предстает создатель и художественный руководитель фестиваля StagePlatforma, премьер театра имени Джалиля Олег Ивенко.

«Вы удивитесь, когда посмотрите, насколько совершенно по-другому преподнесена вся эта история, что я там всего лишь повествовательный персонаж. Я не главный персонаж в этом балете. Танцуют совершенно другие артисты, я лишь наблюдаю. И каждый зритель заметит, что это он Эркюль Пуаро, а не я на сцене. Вы будете детективом, вы будете расследовать это убийство, видеть кучу версий. И вы должны собрать этот пазл сами. Я тоже в итоге это сделал», – рассказал Ивенко журналистам в преддверии первого вечера премьеры.

Танцевальное расследование

В роли художника Эмиаса Крейла зрители за два дня фестиваля увидят Александра Сергеева и Антона Полодюка. Кроме них на сцену в двух составах постановки будут выходить Каролина Заборне и Екатерина Федотова, Кристина Андреева-Захарова и Алина Фейзрахманова, Дина Набиуллина и Анастасия Власова, Александра Елагина и Нина Семина, а также Вагнер Карвальо.

«Нет опыта и аналога, на который можно было опереться. Понятно, что это нарративная история, крайне сюжетная. И я просто попытался сделать так, чтобы она была передана именно пластическим языком, более пластическим, нежели мизансценическим. Я приезжаю сюда с готовым материалом. И часто ты, получается, ставишь на себя, а когда приезжаешь переносить особенности физиологии или психофизики артистов, нужно что-то корректировать. Это абсолютно нормально, так происходит всегда», – рассказал о работе над балетом Александр Сергеев.

Созданный в тесном диалоге с Сергеевым, спектакль получился танцевальным расследованием, где одни и те же события излагаются разными участниками. Для хореографа балет «Пуаро» – дебют в Казани в качестве постановщика и возможность примерить на себя образ художника из произведения Агаты Кристи (в ранних сезонах фестиваля Сергеев тоже принимал участие как танцовщик).

В основе постановки два литературных источника – роман Агаты Кристи «Пять поросят» и адаптированная ею же пьеса по этому роману для драматического театра. Допущение балетной версии – Пуаро предстает еще молодым детективом и расследует одно из первых своих дел.

«Мы решили отталкиваться от того, чего никогда не видел зритель», – уточнил Олег Ивенко.

От кинобалетов к киноспектаклям

В оба фестивальных дня зрители имеют возможность посмотреть в первом отделении постановку StagePlatforma прошлого сезона – балет «Тесла», во втором – долгожданную премьеру «Пуаро».

Ставить балеты с современной хореографией об известных персонажах или личностях – тенденция этого фестиваля, которой его создатель и художественный руководитель придерживается с 2022 года. Именно тогда фестиваль современного балета впервые выпустил собственный мини-балет «Личности Миллигана», первую его часть. В 2023 году у постановки появился второй акт. Мысль воплотить в хореографии известного персонажа книг Агаты Кристи пришла Олегу Ивенко не сразу, сначала для нового сезона фестиваля рассматривался список кандидатов из числа известных художников. Впрочем, спектакль «Пуаро» тоже в каком-то смысле о мастере кисти – детектив расследует убийство художника.

Как признался Ивенко, фестиваль StagePlatforma каждый год старается «держать планку и создавать новое, несмотря ни на что – ни на политику, ни на ситуацию в мире».

«Следующий шаг фестиваля – привлечь каких-то режиссеров, операторов, все это запечатлеть на высшем уровне, потому что все эти спектакли имеют оттенок киноспектакля. Я не видел «Пуаро» до премьеры, специально держался, не ходил на репетиции, чтобы для меня тоже был сюрприз – самому стать Пуаро, как и [обычному] зрителю», – сказал Олег Габышев, поставивший для StagePlatforma в прошлых сезонах балеты «Личности Миллигана» и «Тесла».

Фоторепортаж: Салават Камалетдинов

======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025110705
Тема| Балет, театр балета им. Леонида Якобсона, , Персоналии, Леонид Якобсон
Автор| Подготовила Дарья Егорова
Заголовок| Танец вне времени: как Леонид Якобсон изменил классический балет
Где опубликовано| © «Сноб»
Дата публикации| 2025-11-05
Ссылка| https://snob.ru/culture/tanets-vne-vremeni-kak-leonid-iakobson-izmenil-klassicheskii-balet/
Аннотация|

7 ноября в концертном зале «Москва» пройдут гастроли театра балета им. Леонида Якобсона. Труппа представит программу хореографии основателя театра Леонида Якобсона «Блестящий Дивертисмент». Накануне гастролей «Сноб» осмысляет наследие великого хореографа

Фото: Владимир Зензинов

Леонид Якобсон родился в 1904 году — в один год с другим реформатором танца, хореографом грузинского происхождения Джорджем Баланчиным. Но, в отличие от сверстника, не вернувшегося в СССР после немецких гастролей в 1924 году, воплощать свои смелые идеи ему было гораздо сложнее. Становление Якобсона-хореографа происходило во времена господства «официального стиля», последовательницей которого была Агриппина Ваганова. Якобсону же рамки традиционного балета всегда были тесны.

Прибавьте к этому неуступчивый и неуживчивый характер, из-за чего в 1930-х и 1940-х хореографу приходилось постоянно менять города и труппы. Оставаясь солистом и балетмейстером Большого театра, он так и не смог поставить в столице свой балет «Тиль Уленшпигель», но много работал по всей стране. В Свердловске сделал несколько концертных номеров на музыку Чайковского и Мусоргского, в Казани — создал первый татарский национальный балет «Шурале» (первоначальным планам помешала война, так что зрители увидели его только в Ленинграде в 1950 году).

Сталинская премия, которую Якобсон получил за «Шурале», совпала по времени с кампанией против космополитизма: хореографа заклеймили отщепенцем и во второй раз уволили из Кировского театра (при том, что его балет остался в афише).

«Перезапуск» карьеры Якобсона произошёл уже в период «Оттепели». В 1956-м он ставит «Спартака» на музыку Арама Хачатуряна. Этот балет решительно нарушал царствовавшие в то время традиции: вместо пуантов Якобсон обул танцовщиков в сандалии, вместо пачек или трико на них были полупрозрачные туники. Но главное — танец, свободный от академичного схематизма, образный, навеянный рисунками античных ваз и горельефов Пергамского алтаря. Майя Плисецкая впоследствии говорила, что выдуманные Якобсоном движения ранее не существовали. Сам он называл свой стиль «хореопластикой». «Пластика для балетмейстера, — говорил Якобсон, — это всё равно что краски для художника, ноты для композитора, глина для скульптора. Всё, что может быть образным в движении — всё это пластика».

Первые хореографические миниатюры Якобсон создал ещё воспитанником училища, однако вернулся к жанру, как будто не от хорошей жизни: вышестоящие инстанции сняли с репертуара его «большие спектакли» — «Двенадцать» по Блоку и «Клоп» по Маяковскому.

В 1958 году он собрал 12 миниатюр в одну программу из трёх отделений: в ней были «Триптих», навеянный скульптурами Родена на музыку Равеля и Дебюсси, «Тройка» на музыку Игоря Стравинского, «Венский вальс» на музыку Рихарда Штрауса — программа запомнилась стремительной сменой настроений и образов. Успех вышел за границы СССР — в 1961 году спектакль получил приз «Золотая нимфа» в Монте-Карло и диплом Парижского университета танца. По словам хореографа, миниатюра позволяла «до предела раскрыть музыку, максимально выявить актёрские возможности и за очень короткое время рассказать больше».

В 1969 году у Якобсона появилась собственная труппа под названием «Хореографические миниатюры», что позволило ему творить без оглядки на руководство больших театров. Правда, в запасе у хореографа на тот момент оставалось всего пять лет: он скончается от поздно диагностированного рака. За это короткое время появилось множество номеров и одноактных балетов, отличающихся по стилям, смыслам и жанрам. Например, «Блестящий Дивертисмент» на музыку Глинки — бессюжетный балет-путешествие на бал эпохи Людовика XIV с изощрённой и сложной хореографией, требующей от исполнителей невероятной техники. Или цикл «Классицизм — романтизм», созданный как ответ критикам, обвинявшим хореографа, что он якобы не умеет работать с классикой. В постановке Якобсон показал, что превосходно чувствует грацию классических линий — и в па-де-де на музыку Джоаккино Россини, и в па-де-катр на оркестровку арии «Каста Дива» из «Нормы» Беллини, и в «Полёте Тальони» на музыку Моцарта.

Можно только гадать, сколько ещё произведений создал бы Леонид Якобсон, если бы руководил «Хореографическими миниатюрами» дольше. Сегодня его наследие получает новую жизнь благодаря усилиям художественного руководителя театра балета им. Л. Якобсона Андриана Фадеева и педагогов-репетиторов Веры Соловьёвой и Николая Левицкого — солистов «Хореографических миниатюр», взращённых самим хореографом. Во многом именно благодаря их стараниям возобновлённые постановки театра хранят дерзкий и свободный дух Якобсона, над которым оказалось совершенно не властно время.

========================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

В Римском оперном театре прошла премьера реконструкции балета Даниэля Обера «Марко Спада». Главную партию по воле постановщика Пьера Лакотта исполнил российский премьер Игорь Цвирко.

Несмотря на легкость музыки Даниэля Обера, балет «Марко Спада», переделанный композитором из одноименной оперы в еще в 1857-м году, представляет большую сложность для танцоров.

В 1981-м французский хореограф Пьер Лакотт поставил свою версию в Риме специально для Рудольфа Нуреева. Впрочем, многие признавали — более удачное воплощение истории о лихом разбойнике и случилось все же в Большом театре.

Лакотт решил обновить постановку в 2025-м году, но, к сожалению, не дожил до нее два года. Неизменным осталось одно: хищный, маскулинный и одновременно благородный облик Марко Спады представил солист Большого театра Игорь Цвирко. И сделал это так, что зал через овации хором выдохнул: «Верю!».

ClassicalMusicNews.Ru удалось поймать Игоря в Риме перед последним спектаклем и пообщаться о том, что было, что будет, ну и заодно о черной икре.

— Ваша карьера, безусловно, большая и громкая. Но выступление здесь, в Риме, в партии Марко Спады в одноименном балете — это, наверное, что-то особенное, личное?

— Безусловно. Ведь сам Пьер Лакотт, который ставил этот спектакль в Риме для Нуреева, во время переговоров о восстановлении постановки назвал мое имя, как первого кандидата, чтобы станцевать премьеру. Это, конечно же, было очень приятно и неожиданно. К сожалению, пока шли эти переговоры, Пьер ушел из жизни.

— Но вы все равно выступили на премьере в Италии, хотя на дворе 2025-й год…

— Большое спасибо Элеоноре Аббаньято, во многом благодаря ей была исполнена воля Лакотта. Я приехал в Рим и станцевал в этом большом и сложном спектакле. Для меня это еще и вдвойне важно, ведь Марко Спада — моя первая главная роль в качестве премьера Большого театра.

Игорь Цвирко — Марко Спада

— В чем сложность именно этого спектакля Даниэля Обера?

— В первую очередь ее несет хореографический текст, необходима мелкая моторика работы ног. При этом нужно четко соблюдать музыкальность, исполнение всех движений, па.

Советским, российским артистам присущ чуть другой стиль — большие жесты, размеренная хореография, более ярко выраженные драматические составляющие роли. А здесь некое сочетание нашей школы и французской искрометной техники.

— Вашим партнером в партии Анджелы была украинская балерина Яна Саленко. Вы давно знакомы?

— Да, пересекались в различных спектаклях. Танцевали в Казахстане, на разных гала-концертах.

Она большой профессионал, великолепная балерина, мать троих детей, и вообще замечательный человек. С ней было очень приятно танцевать, а то, как быстро она выучила новый для себя сложнейший балет, вызывает восхищение.

— То есть, она учила «Марко Спада» с нуля? Саленко уже 42. Да простит она нас, что упоминаем возраст, но в это трудно поверить. Что позволяет «долгожителям» балета выступать на высоком уровне без потери в качестве?

— Желание. Желание танцевать, показывать с помощью танца каких-то героев. Яна, например, признавалась в беседе, что ей интересно было попробовать выступить в «Марко Спада», как в чем-то новом в своей карьере.

Редко когда предоставляется возможность станцевать трехактный спектакль с таким обилием вариаций в Европе. Вот и учила с нуля, да еще и в очень короткий промежуток времени. Получилось, считаю, феноменально.

— Что скажете об итальянских партнерах? Чем отличается подход к классическому балету в Италии?

— У итальянцев, как и у французов, как и у русских — две руки, две ноги. Какие-то различия есть в выучке, стилистике — переходах рук и ног — в восприятии тех или иных профессиональных моментов.

Но в целом преимущество балета в том, что он сам по себе способ общения. Мы учились по одной азбуке, делаем одни и те же движения, исполняем одних и тех же героев. И уникальность «Марко Спада» в том, что приезжали ассистенты Лакотта, которые требовали досконального исполнения того, что хотел видеть сам Пьер. Так что сложностей с синхронизацией не было никаких.

— Вам нравится больше выступать в классическом балете, или современном?

— Всегда был сторонником современных балетов, и мои собственные проекты сделаны именно в этом направлении. За всю жизнь бесконечно танцевал классический репертуар, хочется совершенствовать себя, свое тело, находить и выражать себя в чем-то другом.

— Как раз интересно послушать про вашу продюсерскую карьеру. Есть ли некая стратегия на ближайшие лет 5-10?

— Ну какая стратегия может быть на 5-10 лет?.. Кто до 2020-го года мог подумать, что будет ковид, например?

Сейчас все мысли о том, как сохранить себя как можно дольше, чтобы выходить на сцену, причем, в тех ролях, которые предпочитаю сам. Второй момент — найти людей, что помогут мне реализовать проекты, которые хотел бы осуществить, пока сам на сцене. Когда я с нее уйду, это уже будет другой этап жизни, и сейчас сложно предугадать, как именно все изменится. Да, я люблю балет, но вдруг поступит предложение из другой сферы, от которого я не смогу отказаться? И потом, в продюсировании не все так просто, особенно когда ты сам танцуешь и одновременно должен заниматься организационной деятельностью. Это отнимает физический, финансовый и энергетический ресурс.

Стараюсь находить баланс, но я тоже живой человек. Случаются и выгорание, и отчаяние, и приступы сомнений. А главная проблема — элементарная нехватка времени. Так что стратегия есть, но мы прекрасно уже знаем, что мир настолько хрупкий, что в любой момент ее придется менять и адаптироваться к чему-то другому…

— Почему девочки идут в балет, понятно — романтично, красиво, в конце концов, мама так решила. А вами что двигало в детстве?

— Меня тоже отвела мама. Видимо, мне понравилось, раз я ходил самостоятельно на занятия, да еще и подтягивал одноклассника.

На самом деле, сам задаю маме этот вопрос на протяжении пяти лет: почему ты меня отвела в балет, а не в футбол? Ответа так и нет. Возможно, это тот случай, как и у многих — когда родители идут по пути наименьшего сопротивления. Ребенок чем-то занят, ему, вроде, нравится, значит не исключено, что что-то получится.

Мечтал ли я стать артистом балета? Нет, не мечтал.

— А когда поняли, что уже «не соскочить», когда стали пропускать через себя идею, что не стать артистом балета все же не получится?

— Лет в 15-16. Мне показалось, что надо закончить этот этап, выпуститься из академии, где у меня были хорошие результаты. А закончить этап — это сделать балет своей профессией и попасть в лучший театр страны, то есть, Большой театр. Не хочется, конечно, никак обижать Мариинский (Смеется)

— Обижать не надо, но все-таки — как относитесь к балету Мариинского театра?

— Точно так же, как к балету самарского, екатеринбургского и так далее. Это наши коллеги, друзья, товарищи. Здорово, что они есть. А раскручиваемый антагонизм между Большим и Мариинским театрами вообще не имеет под собой никакого основания. Тем более, если раньше были разные стили, то сейчас Большой открыт для огромного количества выпускников из Петербурга. У нас, наверное, больше прим-балерин оттуда, а не из Москвы.

— Почему, кстати, решили заниматься именно продюсированием, а не хореографической постановкой, как ваш коллега из Петербурга Александр Сергеев?

— Саша Сергеев, значит, себя так чувствует. Ему интересно именно это, выражает себя таким путем. Я же не чувствую в себе дара хореографа. Мне интереснее самому воплощать персонажей на сцене. Чтобы через видение другого хореографа — пусть того же Сергеева, например — исполнять роли.

— Какие партии остались для вас не станцованными, или недотанцованными?

— Я бы назвал три спектакля: «Манон» Кеннета Макмиллана, «Онегин» Джона Кранко, и, наверное, станцевал бы Армана Дюваля в «Даме c камелиями» Джона Ноймайера.

— Есть для у вас «знаковые» постановщики, с которыми вы работали?

— Юрий Посохов — он и есть самый знаковый. Человек большого масштаба, идей. По моему внутреннему ощущению, он очень недооценен у нас в стране.

— А что скажете о работе с Михаилом Лавровским?

— Потрясающий педагог. Когда я выпускался из академии, он был для меня олицетворением джентльмена в балете и в жизни. Человек слова, правды. Никогда ничего не утаивал, не скрывал, если это это была правда, пусть и неприятная. Невероятно эмоциональный человек, любящий профессию, отдавший ей всю жизнь.

Помню фразу из его книги: «Самое важное, что должно быть в балете — это правда чувств». В своей интерпретации персонажей всегда стараюсь придерживаться именно этого принципа.

— Немного каверзы: вы понимаете феномен «Щелкунчика» под Новый год в России?

— Нет, не понимаю.

— Почему «Щелкунчик», условно, в июле один, а в декабре — другой?

— Потому же, почему любят черную икру. Я, вот, не люблю. Ни черную, ни даже красную. Но многие любят и хотят ее обязательно. Точно так же, как я не понимаю, в чем вкус раскрученной марки игристого. В чем преимущество той или иной модели сумок. И так далее.

Интересно при этом, что Чайковский написал гениальную музыку, которая изначально не была принята толпой. «Щелкунчика», как сейчас говорят, «хейтили». Но прошло время, и весь мир под него танцует.

— А для артистов этот приближающийся бесконечный сочельник создает дополнительное давление?

— Давление для мужчин-солистов в Большом театре возникает только в одном случае. Когда начинаешь танцевать вариации и знаешь, что впереди эта зловещая третья часть с двойными пируэтами подряд. Она, поверьте, действительно зловещая! Потому что ты можешь танцевать весь спектакль здорово, быть очень романтичным, лиричным. Но если не получится этот зловещий момент, все выступление, извините, псу под хвост…

— Как вам кажется, Россия все еще мировой лидер классического балета?

— Лидер и, думаю, им будет всегда. Конкурентов у России нет. Самое главное, чтобы мы продолжали совершенствовать систему обучения.