Балет и Опера

Елена С.

Номер ссылки| 2025070101
Тема| Балет, Benois de la Danse, Персоналии,
Автор| Екатерина БЕЛЯЕВА
Заголовок| Импровизируя дуэты
Где опубликовано| © «Экран и сцена»
Дата публикации| 2025-07-01
Ссылка| https://screenstage.ru/?p=21065
Аннотация|

В Большом театре в тридцать третий раз прошел фестиваль мирового балета Benois de la Danse. Традиционно он состоял из двух вечеров, на первом из которых были объявлены лауреаты и состоялся благотворительный концерт номинантов Приза Benois de la Danse, а на втором гала-концерте выступили лауреаты прошлых лет.

Сцена из балета «Глава вторая». Фото Б.АННАДУРДЫЕВА

Три года назад председателем жюри приза и художественным руководителем программы стала Светлана Захарова – ей удается в непростых обстоятельствах сохранять международный статус конкурса и фестиваля. Вместе с председателем правления Центра Бенуа Региной Никифоровой она собрала солидное международное жюри, куда вошли представители балетного истеблишмента трех континентов: художественный руководитель Международного фестиваля танца Ballet Globe International Dance Festival и танцовщик из Казахстана Ерлан Андагулов, этуаль Парижской Оперы и хореограф из Франции Жан Гизерикс, художественный руководитель Шанхайского балета Синь Лили, создатель и художественный руководитель ряда танцевальных и балетных коллективов ЮАР Эстер Нассер, художественный руководитель балета Мариинского театра и директор Театра балета имени Л.Якобсона Андриан Фадеев, а также артист из Санкт-Петербурга Фарух Рузиматов. Поскольку члены жюри могли выдвигать артистов из своих стран, среди номинантов оказались представители России, ЮАР, Франции, Казахстана и Китая.

На соискание премии было выдвинуто шесть хореографов. Александр Сергеев попал в этот список за создание авторской версии балета Лео Делиба «Коппелия» в Мариинском театре. Мукарам Авахри номинирована за спектакль «Сакральные танцы» на музыку Игоря Стравинского, групп Chemirani и Bugarabu, поставленный для труппы «Астана Балет», главным балетмейстером которой она является с 2017 года. За работу «Лили» для Шанхайского балета выдвинули хореографа Вана Гэ. Главу Национального хореографического центра Тура Томаса Лебруна включили в шортлист за показанный на танцевальном фестивале во французском Туре Tours d‘Horizons спектакль современного танца «Название не имеет значения» на музыку бельгийской группы Des Mona и Максима Фабра. Андрея Меркурьева номинировали за хореографию к балету «Кармен-сюита» Жоржа Бизе/Родиона Щедрина. Южноафриканский хореограф Мтутузели Новембер попал в список номинантов за спектакль «Глава вторая» на музыку Питера Джонсона, созданный для Cape Ballet Africa.

Концерт номинантов получился не длинный, в нем не было засилья классических номеров. Как обычно, внимание зрителей и критиков привлекли участники, выступавшие в Москве впервые. Открывали смотр артисты из Казахстана, где успешно функционируют целых три балетных театра. «Астана Балет» в меньшей мере, чем две другие балетные компании Казахстана, специализируется на классике, в ее репертуаре много современных балетов и спектаклей современного танца преимущественно этнического направления. На вечере был показан цельный фрагмент «Qash» с музыкальной композицией Le Retour de Molla Nasr’din иранского перкуссионного трио Chemirani из «Сакральных танцев». Восемь девушек с утрированно длинными косами исполнили некий ритуал, связанный с женской сексуальностью. Простой танцевальный рисунок оказался стильно раскрашен разными оттенками красного света, придуманными уйгурской художницей Гузель Закировой. Хореографу приз не достался, но у балетоманов теперь появилось новое направление для театральных путешествий в дружественные страны. Кроме обозначенных выше спектаклей, связанных с национальной историей и мифологией, в репертуаре театра значатся хиты Баланчина, Форсайта и Килиана. Самым сложносочиненным в плане виртуозности номером концерта стало адажио из балета «Коппелия», которое исполнили номинированная на Приз Бенуа балерина Мариинского театра Рената Шакирова и Филипп Степин. Александр Сергеев отклоняется здесь от проторенных путей неоклассики, где па де де превратились в дуэты, а адажио наполнились нежностью и томностью откровенных поддержек. В его адажио вместо неги у партнеров есть свои маленькие трюки вроде быстрого вращения балерины с последующим прыжком в руки кавалера. Диктуя правила в дуэте, феминистичная Сванильда в новой «Коппелии» хочет сохранить свое превосходство над Францем. Шакирова и получила заветную статуэтку работы Игоря Устинова как лучшая танцовщица. Она находится на пике творческой активности, после «Коппелии» поучаствовала в апрельской премьере «Танцсцен» Вячеслава Самодурова, где ей досталась роль солистки, сопоставимая по масштабу с партией Избранницы в «Весне священной». У выпускницы МГАХ Виктории Данковцевой из НОВАТ не было шансов обыграть Шакирову, но она смогла внести лирическую напевную ноту, удивив красивыми линиями и изящными вращениями в черном па де де из «Лебединого озера».

Номинация «танцовщики» была представлена богаче, и конкуренция здесь оказалась жестче. Приз получил Дмитрий Смилевски за исполнение сразу нескольких партий в премьерах 2024 года. Он станцевал вариацию Меркуцио из балета Михаила Лавровского «Ромео и Джульетта», которая, будучи образчиком драмбалетного монолога, как выяснилось, не подходит для концертного исполнения. Лишенная сценического антуража, она и танцевально выглядит бедно, хотя Смилевски всячески стремился показать ее озорной маскарадный дух. Смилевски обошел другого, не менее сильного номинанта от Большого театра Алексея Путинцева, выдвинутого за исполнение роли Фердинанда в балете Юрия Красавина «Буря». Вместе с Маргаритой Шрайнер он станцевал изобретательный дуэт из этого замечательного балета, напомнив, какой шедевр на шекспировскую тему создал в прошлом сезоне Вячеслав Самодуров. Извлеченный из спектакля, дуэт не теряет своей экспериментальной природы, в нем Фердинанд учит Миранду танцевать не по классическим законам, а по своим собственным, поощряя импровизационное начало в танце партнерши. И эту линию импровизационного дуэта, в котором содержанием становится сам танец, сочетание его элементов, продолжили артисты из ЮАР. Джошуа Уильямс, еще один лауреат Бенуа, и Миа Кумбер вышли на сцену в отрывке из балета «Глава вторая» и показали, что дуэт, где танцуют мужчина и женщина, может не строиться на романтических отношениях, не на борьбе или соревновании, а представлять собой головоломку вроде кубика Рубика с непредсказуемым количеством комбинаций. Трудно судить о содержании балета «Глава вторая» по представленному отрывку, но в нем явно присутствует здоровая ирония над гендерными отношениями персонажей в полосатых костюмчиках, которые и спровоцировали ассоциацию с кубиком Рубика. Жюри решило наградить и хореографа этого опуса Мтутузели Новембер, назвав его лучшим. Стоит отметить, что театральные и танцевальные компании из ЮАР, приезжающие регулярно в Россию на разные фестивали, демонстрируют очень высокий класс. Вспоминаются недавние гастроли южноафриканской «Вуяни данс компани» со спектаклем «Сион», где постановщик Грегори Макома причудливо соединяет вербатим с современным танцем, а также яркие работы безвременно ушедшей Дады Масило, показанные раньше на фестивалях DanceInversion и «Дягилев P.S.».

В этом году фестиваль посвятили памяти ушедшего в мае 2025 года основателя программы Юрия Григоровича и посмертно наградили его Призом Бенуа. На втором концерте звезды балета танцевали отрывки из спектаклей в хореографии Григоровича, в том числе и Светлана Захарова, показавшая трогательный монолог Анастасии из балета «Иван Грозный». А фаворитами гала-концерта лауреатов разных лет стали представляющие независимую компанию Lucia Lacarra Ballet Люсия Лакарра и Мэтью Голдинг, заворожившие зал в композиции «Метель» на музыку Георгия Свиридова.

Елена С.

Номер ссылки| 2025070201
Тема| Балет, МТ, Гастроли, Персоналии, Игорь Стравинский, Илья Живой, Александр Сергеев, Анастасия Лукин, Мария Буланова, Екатерина Кондаурова, Константин Зверев, Вячеслав Самодуров, Надежда Батоева, Мей Нагахиса, Максим Изместьев, Роман Малышев
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Как причудливо танцуется колода
Мариинский театр представил в Большом балетного Стравинского
Где опубликовано| © Газета «Коммерсантъ» №115 от 02.07.2025, стр. 11
Дата публикации| 2025-07-02
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/7853243
Аннотация| Гастроли

На Новой сцене Большого театра труппа Мариинки представила одноактные балеты на музыку Игоря Стравинского, тем самым открыв фестиваль композитора, приуроченный к его 143-летию. Современному репертуару Мариинки не позавидовала Татьяна Кузнецова.

Мариинский «Пульчинелла» выглядел гораздо академичнее дягилевского 100-летней давности
Фото: Михаил Логвинов / Большой театр

ДАЛЕЕ - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

«Пульчинелла». Сцена из спектакля. Фото Михаила Логвинова/ Большой театр

Балеты на музыку Стравинского прислал в Москву Мариинский театр.

Это «Пульчинелла» и «Игра в карты», а также недавняя премьера, балет «Танцсцены». Первые два поставил Илья Живой, третий — Вячеслав Самодуров. Всё было показано в рамках фестиваля «Игорь Стравинский».

«Пульчинеллу» при рождении создал союз гениев. Началось с Дягилева как автора идеи и приверженца неаполитанской старинной музыки. Собственно, Сергей Павлович и подсунул Стравинскому партитуры Перголези и других, менее известных композиторов, желая получить общую «сходку» разрозненных фрагментов, музыкальных и оперных.

Но Игорь Федорович сделал больше. Он не только свел в единое целое все эти серенады, гавоты, менуэты, токкаты и тарантеллы, но придал им фирменный стравинский вкус. Это уже не старинная музыка, но старинная музыка, полная ритмических и прочих сюрпризов 20-го века.

ДАЛЕЕ - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025070203
Тема| Балет, «УралОпераБалет» , Персоналии, Мана Кувабара
Автор| Полина Краснопевцева
Заголовок| «Пришлось танцевать с температурой». Японская балерина из Екатеринбурга раскрыла правду о диетах и конкуренции
Мана Кувабара переехала в Россию 17 лет назад
Где опубликовано| © «Е1.РУ
Дата публикации| 2025-07-02
Ссылка| https://www.e1.ru/text/culture/2025/07/02/75660740/
Аннотация| Интервью

Источник: Мана Кувабара

33-летняя Мана Кувабара почти два года покоряет главную сцену Оперного театра в Екатеринбурге. Для нее нет слова невозможно: еще 17 лет назад она переехала в Россию из Японии, чтобы воплотить свою главную мечту — стать солисткой балета.

Корреспондентка E1.RU Полина Краснопевцева поговорила с Маной о трудностях переезда между такими непохожими странами. А также рассказала правду о своем прекрасном и в то же время опасном и подчас жестоком искусстве.

Танцами она начала заниматься, когда ей было четыре года. Когда-то ее мама хотела стать профессиональной балериной, поэтому воплотила через дочку свою мечту.

— Я из города Осака — это вторая столица Японии. Там такой современный город, и люди смешные. У нас рядом есть древний город, там очень красиво, там можно увидеть древнюю Японию, — рассказала Мана.

Мана приехала в Россию в 2008 году, ей было семнадцать лет. Она мечтала научиться именно русскому балету, и поэтому поступила в Московскую государственную академию хореографии.

— Я очень попросила маму о том, что я хочу учиться в России. Родителям было сложно, потому что я у них одна дочка. Они очень переживали, но мой папа и мама всегда поддерживали меня в любых начинаниях. Они верили в меня, что я сильная, — поделилась балерина.

После учебы Мана не уехала обратно в Японию, а осталась в России. Она поняла, что развиваться на родине будет непросто — мало балетных театров, спектаклей и репертуара:

— За время учебы в Москве я очень влюбилась в русские балеты. Я часто ходила в Большой театр. Я поняла, что если я буду танцевать как артист балета, то только в России.

После выпуска из академии артистка покоряла сцены Одессы, Красноярска, Казани.

— Я работала в Казани четыре года. Там я встретила своего мужа из Италии — Алессандро Каггеджи. Мы оба приехали в Россию ради балета и искусства. Пока мы не переехали в Москву, потому что там сложнее, большая конкуренция, а мы хотели бы танцевать ведущую партию, — пояснила Мана.

В Екатеринбурге в «УралОпераБалет» Мане и Алессандро предложили танцевать ведущие партии, как они и хотели, вдвоем. Именно поэтому они без сомнения решились на переезд.

— Мне очень нравится Екатеринбург. Я никогда здесь не была до переезда. Он масштабный, современный, здесь люди тоже ищут что-то новое, занимаются творчеством. Единственное, чего не хватает, так это солнца, особенно зимой. Мне очень тяжело утром встать, проснуться, пойти на работу, — поделилась танцовщица.

Несмотря на то, что Мана живет в России уже 17 лет, ей до сих пор сложно свободно общаться на русском языке. Первый год для танцовщицы был самым трудным — она стеснялась и поэтому почти не разговаривала:

— Мне сложно разговаривать, слушать новости, непонятно до сих пор. Когда я приехала, слава богу, в академии были японцы, с которыми можно было свободно поговорить. Также с собой я всегда брала словарь, педагоги подсказывали и переводили некоторые слова. Я всегда их записывала. У меня ушло 3-4 года на то, чтобы начать разговаривать. На второй год уже начала с русскими общаться, и, конечно, когда ты общаешься, они хорошо объясняют руками, глазами. Становилось понятнее.

Мана не единственная японка в «УралОпераБалете», что дает ей спокойствие и уверенность.

— Когда я в Казани жила, я была одна, четыре года практически не разговаривала по-японски. В Екатеринбурге можно каждый день общаться со своими друзьями, это всё равно успокаивает. Я не могу на русском все свои эмоции выразить, — пояснила она.

Артистка выступает не в каждом балете, в месяц у нее 4-5 спектаклей. Она призналась, что быть сольной балериной очень непросто физически и морально.

— Бывает, что три-четыре часа идет репетиция. Для того чтобы танцевать весь спектакль, нужны силы. Поэтому нужно хорошо репетировать, — рассказала она. — Очень тяжело быть сольной балериной. Тяжело физически, потому что можно бесконечно танцевать. Также тяжело морально из-за того, что это ведущая партия, ответственный момент, все зрители смотрят. Коллеги тоже смотрят: если главные партии танцуют плохо, то не будет мотивации. Поэтому я всегда стараюсь танцевать достойно.

Стать сольной балериной Мане стоило больших трудов. Она призналась, что у нее нет тех данных, которые есть у некоторых русских танцовщиц, например, длинных рук и ног. Она поняла, что покорить зрителя ей удастся отточенной и яркой техникой:

— Когда я была молодая, старалась очень много: после тренировок, после репетиций, после спектакля отрабатывала то, что не получилось. Всё записывала в тетрадь. Мне кажется, что солисткой должна быть сильная девушка. И я знаю, что должна любить себя, особенно когда я артист балета. Если ты себя не любишь, то, мне кажется, не сможешь выступать перед зрителями.

У Маны есть три балета, в которых она играет свою любимую роль — «Дон Кихот», «Пахита» и «Жизель».

— Мне очень нравится «Дон Кихот», потому что когда я танцую этот балет, это сразу праздник. Я чувствую энергию во время партии, потому что там есть очень много трюков, вращений, прыжков, — пояснила она.

Не секрет, что балет — очень травмоопасный вид искусства. Мана рассказала, что сталкивалась с переломами и ушибами.

— Как-то в день спектакля у меня сильно опух мизинец, но мне надо было танцевать, потому что не было запаса. Был момент, не в Екатеринбурге, что пришлось танцевать с температурой. Но, конечно, если прямо-прямо плохо себя чувствуете, или прямо-прямо больно, конечно, нужно отменять спектакль, здоровье важнее, — объяснила артистка.

Есть суждение, что между балеринами всегда есть борьба за главную роль в спектакле. Однако сама Мана никогда не сталкивалась с жестокой конкуренцией.

— Когда была молодая, была конкуренция, потому что здесь без конкуренции никак. Хорошо, что ты не будешь расслабляться, а стараться, чтобы дали больше партий. Но не надо, как сказать, завидовать, у каждой балерины есть свои плюсы, свои минусы.

Балет — это возможность примерить на себя разные образы. Сегодня можешь стать хитрой женщиной, а на следующий день ты будешь милой девочкой, а в другой день — сексуальной.

Мана Кувабара

балерина

То, что все балерины сидят на жестких диетах, — миф. Хоть Мана и следит за фигурой, но при этом не отказывает себе в чем-то вкусненьком. История с питанием, по словам танцовщицы, очень индивидуальна.

— Неправильно думать, что нельзя кушать шоколад, торт. Слава богу, я кушаю, но особо не поправляюсь из-за генетики, у меня нет диет. То, что я хочу, кушаю, потому что это тело хочет. Но всё-таки наша работа требует хорошего питания: мясо, овощи… Надо следить за белком. Я, конечно, плохо питаюсь, потому что очень часто ем шоколад, — рассказала балерина.

Чаще всего Мана выступает со своим мужем, с которым встретилась, когда еще работала в Казани. Постоянно видеться на работе и дома хоть бывает и непросто, но главное, что уже шесть лет объединяет пару, — это любовь к своему делу:

— Бывает, что во время репетиции, если танцую с другим партнером и если что-то не так, я могу как-то мягко сказать, что «ой, можно вот так делать?» А если с мужем, то сразу: «Ты почему так делаешь? Я же сказала!» Но если что, всегда перед сном обязательно помиримся.

Несмотря на то, что Алессандро из Италии, а Мана из Японии, пара общается на русском языке.

— Муж очень хорошо понимает русский, очень хорошо прямо говорит и понимает. Я пока плохо говорю, но он сразу понимает, — добавила она.

Пара вместе мечтает связать свою дальнейшую жизнь с балетом. Алессандро планирует ставить спектакли, а Мана — создавать и шить костюмы для постановок.

==================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025070204
Тема| Балет, , Персоналии, Вячеслав Самодуров
Автор| Валентина Старова
Заголовок| СЧАСТЛИВЫЕ ВСТРЕЧИ
Вячеслав Самодуров о том, как распознать в себе хореографа, о поисках новой
эстетики и о пользе виртуальной реальности
Где опубликовано| © БОРТОВОЙ ЖУРНАЛ АЭРОФЛОТ, ст. 34-36
Дата публикации| 2025 июль
Ссылка| https://netstorage.aeroflot.ru/journal/Aeroflot_July_2025.pdf#page=19
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

У хореографа Вячеслава Самодурова за плечами около 30 спектаклей за 15 лет работы. Только в сезоне 2024/2025 он поставил два балета – «Перигелий» в МАМТе и «Танцсцены» в Мариинском театре.

«Я не смотрю назад. Мне всегда кажется, что у меня всё впереди, поэтому вообще не анализирую прошлое. Понятно, что с прошлым нельзя не считаться, но итоги подводить мне неинтересно. Я чувствую, что пока еще стремительно развиваюсь»
ФОТО: ЕЛЕНА ЛЕХОВА

Вы начинали карьеру как танцовщик и в ранге премьера выступали на лучших мировых сценах, но на каком-то этапе захотели уйти из балета. Почему?

Каждый артист балета понимает, что танцы – это не навсегда, и в какой-то момент ты должен будешь осваивать новую профессию. После 15 лет танцев балет мне сильно надоел. У меня появилось желание освоить новую профессию, не связанную с этим искусством.

А как распознать предрасположенность к тому, чтобы начать ставить хореографию самому?

Через работу с другим хореографом. Умение танцовщиком осваивать новый танцевальный текст, понимать замысел, уметь адаптироваться все это признаки предрасположенности к профессии хореографа. Так мне говорили хореографы, с которыми мне посчастливилось работать. Сначала я был приглашен принять участие в хореографических мастерских Большого театра. Затем поставил номер для мастерских Королевского балета в Лондоне. Одно за другим, и теперь хореография – моя профессия.

У вас ведь есть еще одна профессия – руководитель балета. Что вам дали годы работы в театре «Урал Опера Балет»?

Для меня самое главное, что, оказавшись далеко от столицы, я сумел доказать: провинциальность – это не место на карте. Мы стали одной из ведущих балетных трупп России.

Карьеру выстроить нетрудно, если за твоей спиной стоят боль - шие корпорации, такие как Мариинский и Большой театры. Но когда за тобой их нет и ты не потерялся, это тест на профессиональную состоятельность.

Но все-таки вы ушли оттуда. Почему?

Я ушел, когда понял, что хочу со - средоточиться на хореографии. Руководитель труппы – это очень большая ответственность. Ты приглашаешь в театр молодых людей и несешь ответственность за их будущее развитие. Я этим занимался 12 лет. Но пришло время что-то поменять в своей жизни. На данный момент я хочу заниматься своим собственным развитием. Теперь у меня другие сложности, другие поводы для бессонных ночей, но эти проблемы мне сейчас интереснее и ближе.

Вы считаетесь одним из лучших, если не лучшим современным отечественным хореографом. Не давит ли груз ответственности?

Ну, если меня считают лучшим – в общем, окей, я не против. Я очень спокойно отношусь к званиям, и вес репутации на меня не давит. Хореограф должен быть стрессоустой - чивым. Наверное, я такой. Много ною, но это мой стиль. Любая новая работа – это риск по определению. А я азартный человек: если бояться, то лучше вообще ничего не делать.

Тем не менее риск должен быть оправдан. Руководители балетных труп, приглашающие меня, вкладывают в постановку деньги и ожидают результата. И я благодарен каждой труппе и каждому руководителю за их веру в меня. Со своей стороны делаю все, чтобы конечный продукт был качественным и значимым для труппы.

А какая работа принесла вам максимальное удовлетворение?

Что такое удовлетворение? Иногда это процесс, иногда результат. Хорошо, когда и то и другое совпадают. Если говорить о последних постановках, то для меня особое значение имеет балет «Танцсцены» в М риинском театре.

С удовольствием работал над «Озорными частушками» и «598 тактами» для Театра имени Якобсона. Это замечательная труппа с очень интересными и харизматичными артистами. А «Перигелий» в Музыкальном театре имени Станиславского был важным экспериментом. И я горжусь тем, что у нас с композитором Владимиром Горлинским и художником Марией Трегубовой получилось. Особое место в моем сердце занимает сотрудничество с артистами Большого театра над балетом «Буря».

А почему «Танцсцены» имеют для вас особое значение?

На этом балете у меня произошли две встречи. Во-первых, после длительного перерыва – с Мариинским театром и его труппой. Ведь на этой сцене началась моя профессиональная жизнь как танцовщика. Во-вторых, у меня состоялась встреча с музыкой Стравинского. И то и другое было счастьем, хотя музыка Стравинского сложна и стоила мне не одной бессонной ночи.

Годы учебы в хореографическом училище Вагановой, потом работа в классическом балете не могли не сказаться на ваших постановках. Как вы считаете, обязательно ли хореографу нужно профессиональное балетное образование, не давит ли оно?

Без профессионального образования хорошим классическим хореографом, наверное, не станешь. А дальше уже каждый решает для себя, куда двигаться. У меня классическое образование, но тем не менее я пытаюсь привнести в балет эстетику и движения из смежных областей. Постоянно стараюсь трансформировать свой хореографический стиль.

А как вы выбираете музыку для своих работ?

Это совершенно произвольный процесс. Можно искать музыку для конкретной идеи, а бывает спонтанно копался, и вдруг – вот то, что надо. Есть много музыки, отложенной в копилку. Музыки потенциально интересной, но к которой еще не найден ключ. Поиск музыкальных произведений – безостановочный сознательно-бессознательный процесс для хореографа.

По вашему мнению, в каком направлении будет развиваться современная хореография? Будет ли она становиться менее «балетной» и более клиповой?

Я не думаю, что в наши дни что-то может развиваться только в одном направлении. Мир слишком разнообразен и стремителен. Но я уверен, что в нем найдется место как абстрактным, так и нарративным балетам. Да, клиповость влияет на хореографию, это одна из реалий сегодняшнего дня, но ничего плохого в этом нет.

Будет ли хореография становиться более дисгармоничной? Думаю, да. Ведь что такое гармония по большому счету? Вся история развития искусства – борьба за расширение понятия «гармония» и за включение в него все более радикальных вещей.

Чем вы любите заниматься помимо балета?

Абсолютно всем. Сейчас, допустим, у меня период увлечения игровой приставкой. Играю в компьютерные игры, пытаясь наверстать то, что недополучил в детстве как раз из-за балета. Особенно нравится виртуальная реальность. Мне кажется, это очень круто. Ты совсем по-другому начинаешь воспринимать мир.

Люблю читать, но только те книги, которые несут информацию. Сегодня это может быть что-то, связанное с астрономией, а завтра легко переключусь на эволюцию. Интересы меняются.

В каком городе вы чувствуете себя наиболее комфортно?

Вы знаете, я везде себя нормально чувствую.

А где ваш дом?

Хороший вопрос. Пока не знаю, потому что я так мало времени провожу на одном месте, что иногда сам забываю, где я живу.

Если бы вы все-таки тогда, давно, совсем ушли из балета и не стали хореографом, то чем бы занялись?

Черт его знает. Когда-то увлекался фотографией, даже было две выставки. Ну а в ковидные времена подумывал: не пойти ли в лесничество? А что – свежий воздух, природа красивая.

А снова в роли руководителя какого-то театра вы себя не видите?

На это у меня сейчас нет ответа. Поживем – увидим. Одно из правил, которому мы учимся в жизни, – никогда не говори «никогда».

Елена С.

Номер ссылки| 2025070401
Тема| Балет, Памяти Юрия Григоровича, Персоналии, Елена РУБИНШТЕЙН
Автор| Людмила ФЕФЕЛОВА
Заголовок| «В искренности оценок Григоровичем нашей столицы можно не сомневаться»
Где опубликовано| © газета «Костанайские новости»
Дата публикации| 2025-07-03
Ссылка| https://kstnews.kz/blog/newspaper/v-iskrennosti-oczenok-grigorovichem-nashej-stoliczy-mozhno-ne-somnevatsya/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Юрий Григорович – выдающийся советский и российский хореограф, балетмейстер и артист 30 лет назад, в 1995 году, получил звание «Заслуженный деятель Казахстана», а через десять лет, в 2005 году, награжден орденом «Достык» II степени, которым оценивают в том числе и вклад в развитие культуры государства. Об искусстве, которое раздвигает границы, беседуем с Еленой РУБИНШТЕЙН, доктором исторических наук, культурологом, профессором КСТУ им. З. Алдамжар.

– Елена Бертрановна, недавно Константин Райкин на встрече со студентами и преподавателями театрального института в Екатеринбурге сказал, что 90% населения мира ни разу не посещали театры. Делает вывод, что служители театров имеют дело с лучшими людьми. Вас можно включить в первую десятку таковых: и тысячи верст не могут стать преградой между вами и балетом. Вам не довелось быть на похоронах Юрия Григоровича в минувшем мае?

– Увы, проводить Маэстро в последний путь у меня не получилось. Но согрело, что театр «Астана Опера» скорбел вместе со всем миром о кончине Юрия Николаевича. Он не был чужим в нашей стране. Общеизвестны слова Григоровича: «Я должен вам сказать, что я поражен театром, я просто поражен. Это, как и город, который возник как мираж в пустыне. Я несколько лет назад здесь был, но это уже совсем другой город. Растет и растет. Поразительно и красиво. У меня впечатления от труппы замечательные. Есть очень талантливая молодежь. Это очень красивый большой театр, просто огромный театр, который позволяет представлять спектакли театрам «Гранд Опера» и «Ла Скала».

В искренности его оценок нашей столицы и театра можно не сомневаться. Балеты Григоровича ставили в советское время в Алма-Ате, сейчас и в Астане. После его смерти это не изменится.

– Избранность гения – так это можно назвать?

– Юрий Григорович родился в 1927 году в Ленинграде в семье бухгалтера и домохозяйки… окончившей Ленинградское хореографическое училище. Его дедом со стороны матери был дворянин из Флоренции – культурного центра итальянского Возрождения. Италия же является и родиной балета! Если всмотреться в лицо на фото, особенно в молодости, нос с легкой горбинкой и миндалевидные глаза удостоверят династию.

Дед был смотрителем конных заводов в Италии. В этом качестве его и пригласили в Россию. А здесь он влюбился в русскую девушку и остался навсегда. Дед водил маленького Юрия в цирк едва ли не каждый день – там работал его сын и дядя Юрия. А вот другой дядя стал артистом балета Мариинского театра и участником Дягилевских сезонов. Неудивительно, что в таком окружении мальчика отдали в десять лет в Ленинградское хореографическое училище.

Во время Великой Отечественной войны, когда училище было в эвакуации в Костроме, вместе с друзьями он пытался сбежать на фронт. Уже и Волгу переплыли, но ребят нашли и вернули назад. По окончании училища Юрий исполнял характерные роли в Ленинградском театре оперы и балета имени Кирова.

– Он уже тогда «гнул свою линию» в балете?

– Первой постановкой был детский спектакль «Аистенок» для детской балетной студии Ленинградского Дворца культуры имени Горького в 1947 году. В родном театре первой большой постановкой стал «Каменный цветок» на музыку Сергея Прокофьева. И они – занятые в балете Ирина Колпакова, Алла Осипенко, Анатолий Гридин и Александр Грибов – проснулись знаменитыми. А «Легенда о любви» по трагедии турецкого поэта Назыма Хикмета и азербайджанского композитора Арифа Меликова в 1968 году показала, что эти новаторские спектакли не случайны – их заметили и перенесли в Москву, в Большой театр, куда перебрался и балетмейстер.

– Восточная тема волновала Григоровича?

– «Легенда о любви» стала судьбоносной во всех смыслах. Сюжет покорил зрителей: царица Мехмене-Бану отдает красоту ради спасения любимой сестры Ширин, которая после этого становится ее соперницей в битве за сердце каменотеса Ферхада. В спектакле были заняты звезды с мировым именем: Майя Плисецкая – Мехмене, Наталья Бессмертнова – Ширин, Марис Лиепа – Ферхад.

Много пишут о спорах Григоровича и Плисецкой, но начинали они великолепно. Плисецкая была восхищена и ролью Мехмене, и балетом, аналогов которому она не находила. Для нее Мехмене стала настолько сложной ролью, что она, по ее собственному признанию, даже боялась этой партии.

В мировой литературе Джульетта Шекспира и Франческа да Рамини из «Божественной комедии» Данте отдали за любовь жизнь, но не красоту. Видимо, эта жертва и вдохновила Григоровича. Он проникся силой восточной женщины.

– Но в жены он выбрал Ширин – Наталью Бессмертнову.

– Свою Музу и будущую жену Наталью Бессмертнову он встретил в работе. На нее ставились Анастасия в «Иване Грозном», Валентина в «Ангаре», Рита в «Золотом веке». Ее индивидуальность оказала влияние на новое прочтение «Лебединого озера» и «Спящей красавицы». Уникальная балерина – сильфида. Как писал Львов-Анохин, «это как экзотическая бабочка среди капустниц». Они поженились в 1968 году на пике триумфа балета «Спартак» – первой оригинальной постановки в Большом театре. С 1967 года и по сей день спектакль идет на сцене Большого. Более 50 лет билеты на «Спартак» невообразимо трудно купить. В главной роли блистали Владимир Васильев, Михаил Лавровский, Юрий Владимиров, Александр Годунов, Ирек Мухмедов, Денис Родькин и другие. Непревзойденным Крассом стал Марис Лиепа. Вот его до сих пор никто превзойти не может.

Удивительной была способность Григоровича вытаскивать заложенный в артисте потенциал. До встречи с ним Владимир Васильев виделся едва ли не характерным танцовщиком – Пан в «Вальпургиевой ночи» и Иванушка-дурачок в «Коньке-горбунке», который увидела я лично в формате фильма-балета. Плисецкая танцевала Царь-девицу, Васильев – Иванушку. Как Григорович увидел в «дурачке» Принца и Героя в «Щелкунчике» и в «Спартаке» соответственно?! Именно на Васильева делались эти балеты в 1966 и 1967 годах.

– При этом не все считали себя достойно оцененными в СССР. Даже Майя Плисецкая…

– Театр, балет – это страсти и амбиции. С Плисецкой был конфликт. Не называя ее имени, Григорович обронил: «Свежо предание, а ВЕРТИТСЯ с трудом». С возрастом великая балерина фактически сама ставила для себя спектакли с облегченной техникой, в то время как Григорович шел по пути усложнения мужской техники – балерина была на втором плане в его спектаклях, что особенно сказалось в «Золотом веке», где солировал Ирек Мухамедов.

На Александра Годунова Григорович делал Дон Жуана, но балет так и не был поставлен из-за бегства артиста за границу. Для другого исполнителя ставить не стал. А в 1995 году ушел из театра под нажимом театральной оппозиции в лице прежних соратников Владимира Васильева и Майи Плисецкой. Большой возглавил Васильев. Увы, каких-то прорывов в его правление не случилось. А Григорович с 1996 года стал успешно сотрудничать с Краснодарским театром балета. И преобразил его!

Припоминаю, на Форуме «Друзья большого балета» у меня состоялась дискуссия с балетоведом Натальей Зозулиной, от критики которой мне пришлось защищать великого балетмейстера. Она отдавала пальму первенства Ноймайеру, о котором тогда писала монографию. А я защищала Григоровича и напомнила ей, что в 1987 году в монографии об Алле Осипенко она говорила другие слова о Григоровиче. Так я оказалась участницей балетной публичной дуэли. Могу считать, что победила в ней, так как в 2001 году Григорович вернулся вместе со своими балетами в Большой театр уже окончательно.

– Шестилетняя пауза – много или мало для Большого и для Григоровича? Что-то надо было менять?

– Он был не в восторге. Но отвечу словами маэстро: «Моя самая большая надежда в том, что балет, как искусство, абсолютно способен отстоять себя в любых спорах времени, преодолеть внешние угрозы и внутренние сомнения, и остаться тем, чем он был всегда – высшим проявлением красоты мира и человека».

Фото SCMP.COM, INBUSINESS.KZ

Елена С.

Номер ссылки| 2025070402
Тема| Балет, МАМТ, Бенефис, Персоналии, Мария Александрова
Автор| Роман Володченков
Заголовок| Бенефис Марии Александровой
Где опубликовано| © Музыкальные сезоны
Дата публикации| 2025-07-02
Ссылка| https://musicseasons.org/benefis-marii-aleksandrovoj/
Аннотация| БЕНЕФИС

Агентство De Chambre Art Event Production организовало в Музыкальном театре имени К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко Бенефис прима-балерины Большого театра, и. о. ректора Академии хореографии Севастополя Марии Александровой

«SUSPENSE». Мария Александрова

Оригинальная программа этого события с участием артистов ведущих российских театров и самой бенефициантки завершилась продолжительными овациями.

О жизни в искусстве Марии Александровой можно написать увлекательную, объёмную книгу. Столько событий – исторических и будничных, радостных, торжественных, печальных и драматичных – она вместила! Если быть лаконичным, то всё творчество Марии – это яркий талант, несгибаемый характер и бесконечное преодоление… лёгких и обходных путей Александрова не искала, требовательная к себе, увлечённо-погружённая, она всегда стремилась двигаться в профессии смело, доказательно, не оглядываясь на достигнутое!

Свой большой масштаб Мария ощутила ещё, учась в Московском хореографическом училище, причём с наставниками младших и средних классов! А в старших – близкое присутствие педагога и директора Софьи Николаевны Головкиной, качества её уникальной личности лишь укрепили уверенность в себе, приблизили к желаемому. И потому Большой и только Большой театр! Только там могла состояться карьера Марии Александровой, ныне примы и народной артистки!

Здесь – в первом театре России – судьба свела её с мастерами, великими и выдающимися, талантливыми профессионалами. Среди них такие педагоги, как Марина Тимофеевна Семёнова, Светлана Дзантемировна Адырхаева, Татьяна Николаевна Голикова, Валерий Степанович Лагунов, Нина Львовна Семизорова…, партнёры по сцене – Николай Цискаридзе, Дмитрий Белоголовцев, Андрей Уваров, Сергей Филин, Дмитрий Гуданов, Денис Савин, Руслан Скворцов, Владислав Лантратов… Вместе с ними Александрова стала балериной, одной из звёзд московской балетной сцены, универсальной исполнительницей, сумевшей освоить стили более чем пятидесяти хореографов! С балетной труппой Большого театра и по индивидуальным приглашениям она объездила почти весь мир, танцуя на главных театрально-концертных площадках! Решая разной сложности творческие задачи, выходя на сцену после тяжёлых профессиональных травм, Александрова становилась сильнее и независимее по жизни, приведшей её к новому ответственному этапу – руководства Академией хореографии Севастополя. Данный статус Марии мог стать одним из поводов инициировать собственный бенефис в Москве. Ради дела и как повод объединить тех, с кем хотелось встретиться на одной сцене.

Бенефис балерина задумала в двух действиях: первое – дивертисмент из номеров приглашённых артистов партнёрского круга, второе – по принципу коллажа на тему «Пиковой дамы» А.С. Пушкина. Открылся же он динамичным «АНТРЕ» учащихся второго и третьего классов Академии хореографии Севастополя. Одиннадцать стройных исполнителей – девочек и мальчиков – под музыку Людвига ван Бетховена продемонстрировали лёгкий, слаженный, скоординированный танец (хореография Александра Меркушева), который создал нужное для концертного вступления настроение. Продолжил действо длинный, механический дуэт Марии Александровой и ведущего солиста Музыкального театра имени К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко Артура Мкртчана на музыку Юрия Красавина (Эшер-вариации для ансамбля, хореография Александра Меркушева). Этот современный, технически сложный номер с зримым погружением в музыку оказался на контрасте предыдущему, продемонстрировал грани разнообразного таланта постановщика.

Дуэт из балета «Картинки с выставки» на музыку Модеста Мусоргского (хореография Антона Пимонова) в исполнении приглашённой примы Музыкального театра имени К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко Ксении Рыжковой и премьера Большого театра Семёна Чудина прозвучал как одно дыхание на двоих. Словно выразительность артистов бралась не из конкретных движений и техники, а из глубокой внутренней, непрерывной контактности.

«В ожидании капитанской дочки» на музыку из оперы «Алеко» Сергея Рахманинова – трюковой номер для двух премьеров – Владислава Лантратова и Кимина Кима. В нём хореограф Джона Пол Кук в соревновательном ключе постарался раскрыть лучшие качества лучших танцовщиков из Большого и Мариинского театров!

«Сон Авроры» Петра Ильича Чайковского в хореографии Ивана Кузнецова стильно исполнили прима и премьер Ростовского государственного музыкального театра Анна Сидоренко и Анатолий Устимов.

Убедительно прозвучала дуэтно-инструментальная версия «Умирающего лебедя» Камиля Сен-Санса в исполнении примы и премьера Пермского театра оперы и балета Булган Рэнцэндорж и Кирилла Макурина (хореография Алексея Мирошниченко).

Завершилось первое отделение ещё одним сценическим появлением Марии Александровой: в номере «SUSPENSE» хореографа Виктории Литвиновой на музыку Юрия Красавина её партнёрами стали Иннокентий Юлдашев, Артур Мкртчан и Владислав Лантратов. Тёмный кабинет, гримёрный столик с зеркалом и подсветкой. Рядом женская фигура. Кто она – выступающая в дуэте с разными партнёрами героиня, актриса, танцовщица? Во что выльется танец её судьбы? Так предположительно можно озвучить увиденное – отчасти абстрактное, но вполне считываемое.

Балериной пиковой масти Мария Александрова предстала в отрывках из разных балетов на тему мистической повести Александра Пушкина. В них, пройдя вмести с другими артистами через разную хореографию, она сумела передать ключевые моменты истории, связанной с молодым инженером Германном и пожилой хранительницей секрета трёх выигрышных карт. Самые запоминающиеся: дуэт Графини и Германа Ролана Пети на музыку П.И. Чайковского (солисты – Мария Александрова и Денис Родькин) и смерть Графини в хореографии Максима Петрова с музыкой Юрия Красавина (солисты – Мария Александрова и Максим Просянников). Примечательно, что оба хореографа не стали играть в пантомиму, а подарили старой героине своеобразную танцевальную пластику. В ней, как раз, Александрова и прозвучала по бенефисному ярко: большой актрисой, чередующей хореографические языки, как маски, которые похожи на лики меняющегося по жизни человека.

В коллаже на тему «Пиковой дамы» оказались заняты не только танцующие артисты, но и оперные певцы, чьи голоса украсили вечер, придали ему особый колорит. Так арию Томского исполнил солист Мариинского театра Владислав Сулимский, арию Лизы спела солистка Музыкального театра имени К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко Наталья Петрожицкая.

Устроителям Бенефиса Марии Александровой было важно представить нынешний репертуар известной балерины, показать то, из чего складывается её сегодняшнее творчество. А связано оно не только с актёрскими амбициями, но и с деятельностью руководителя крымской балетной Академии. Для её учеников важен наглядный пример успешной примы и авторитетного наставника. Почитателям же Марии Александровой Бенефис раскрыл грани её артистической натуры, принес новые эстетические эмоции.

Фото предоставлены Агентством De Chambre Art Event Production

========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025070403
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Денис Родькин, Алессандро Каггеджи, Сергей Глазков, Игорь Чапурин
Автор| Маргарита Савинова
Заголовок| Почему балет «Дягилев» с Денисом Родькиным — не просто комплимент гениальному импресарио
Где опубликовано| © «Peopletalk.ru»
Дата публикации| 2025-07-02
Ссылка| https://peopletalk.ru/article/pochemu-balet-dyagilev-s-denisom-rodkinym-ne-prosto-kompliment-genialnomu-impresario/
Аннотация| Премьера

На Новой сцене Большого театра 24 июня состоялась, пожалуй, самая ожидаемая премьера лета — двухактный балет «Дягилев» о легендарном импресарио XX века, благодаря которому весь мир заговорил о русском балете.

«Дягилев сделал три вещи: он открыл Россию русским, открыл Россию миру; кроме того, он показал мир, новый мир — ему самому», писал о нем его современник Фрэнсис Стейгмюллер.

Сергей Дягилев открыл много талантов и привнес в балет множество инноваций, но сам оставался как бы за кулисами. В этот раз уже сам создатель «Русских сезонов» встал под свет рампы. И увидеть его в качестве персонажа, особенно в исполнении главного премьера Большого Театра Дениса Родькина — событие для зрителей, а для артистов балета — комплимент и дань уважения фигуре, на которую равнялись поколения. Но еще приятнее — увидеть его в окружении подопечных.

ОН УМЕЛ ЗАСТАВИТЬ ПЛЯСАТЬ ДАЖЕ КАМНИ

Мало собрать команду гениев, важно объединить их для создания чего-то большего, чем они сами. Сам Дягилев не был ни танцовщиком, ни композитором, ни художником, зато у него был дар организатора и продюсера. Его современник и композитор Клод Дебюсси говорил, что Дягилев может заставить плясать даже камни. Как мы увидим, Дягилев не просто виртуозно разрешал конфликты между творческими личностями, он побуждал их к экспериментам, раскрывал потенциал и делал так, чтобы о таланте узнало как можно больше людей. Создатели «Дягилева» последовали его примеру, привнося дух новаторства.

В балете заняты пять премьеров (впервые!), прима и первая солистка ГАБТа. Костюмы для постановки придумал дизайнер Игорь Чапурин, который не впервые создает образы для артистов балета, как на родине, так и за границей. За хореографию отвечал итальянец Алессандро Каггеджи, любовь к русскому балету которого чувствуется в каждом движении. За режиссуру — Сергей Глазков, прославившийся работами во МХАТе. Общими усилиями удалось показать балет, соединяющий в себе классические традиции и авангард.

Сюжет не охватывает всю биографию Дягилева, а лишь затрагивает тяжелый эпизод жизни. Как только открывается занавес, в зале нарастает мрачное предчувствие. Мы видим Дягилева с проседью в волосах (за нее он, кстати, получил шутливое прозвище «шиншилла»), который смотрит в зеркало, а в нем отражается его судьба. Появляется цыганка (тоже с седой прядью, будто зловещий двойник), которая предсказывает ему смерть от воды — в действительности так и случилось: маэстро умер в Венеции, которую называют «городом на воде». Знакомые вспоминали, что Дягилев был суеверным: он панически боялся заразиться, держал у себя амулеты и обереги против «дурных знаков» и даже во время прогулок по побережью в летний зной носил костюм.

В исполнении Дениса Родькина также чувствуется присущий Дягилеву мистицизм (для премьера послужил вдохновением Воланд, и это чувствуется), который, однако, отказывается быть игрушкой в руках судьбы и не дает сломить свою волю. Он и есть душа труппы, но отнюдь не мягкотелый. Одно его присутствие превращает хаос в порядок. В первом акте он, как солнце, вокруг которого кружатся планеты: звезды балета Вацлав Нижинский и Тамара Карсавина, хореограф Михаил Фокин, композитор Морис Равель и сценограф Леон Бакст. При этом следить хочется не только за главными героями, но и за артистами кордебалета, которые также остаются на виду на протяжении всего действия.

ЛЕБЕДЬ, РАК И ЩУКА

Если в начале Дягилев показан провидцем и глашатаем современного искусства, то во втором акте он предстает властным диктатором. Все действие представляет собой «балет в балете», и неслучайно из всей программы Ballets Russes был выбран один из наименее популярных у публики «Дафнис и Хлоя», при подготовке которого в труппе разгорелся конфликт. Дягилев настаивал, чтобы Равель (его играет Вячеслав Лопатин) написал музыку с русским народным характером, а французский композитор считал, что для античного сюжета больше подойдут пасторальные мотивы. Дягилев обожал искусство старой Европы, но уже тогда он чувствовал ветер перемен — и во всем склонялся к авангарду. Например, Фокин и Нижинский выступали без пуантов (здесь же все-таки Семен Чудин и Дмитрий Смилевски в пуантах).

Не стоит удивляться и славянским костюмам Карсавиной и Нижинского вместо греческих хитонов и тог. Да, они отсылают к другому непонятому в свое время публикой балету «Весна священная», который сегодня зрителями воспринимается, как перформанс. Казалось бы, причем тут языческая Русь и Древняя Греция? Здесь нет ошибки: как и в декорациях, отсылающих к кубизму. Ведь и сам Дягилев, обладавший прекрасной интуицией, балансировал между классикой и модернизмом. Игорь Чапурин, очевидно, отразил в костюмах и сценографии его творческие поиски.

Конфликты в дягилевской труппе были. И Карсавина в исполнении прекрасной Элеоноры Севенард действительно выступала буфером в спорах между Нижинским и Дягилевым. Зато ссора между Леоном Бакстом (его партию исполняет Денис Савин) и Нижинским, вероятно, была добавлена для драматизма: в реальности они дружили и восхищались друг другом. Да и Нижинский с удовольствием носил смелые эксперименты Бакста (чего только стоит скандальное «голое» трико в «Послеполуденном отдыхе фавна»).

Маловероятно, что создатели балета «Дягилев» решили запутать зрителя в фактах, поскольку в каждой детали чувствуется любовь к детищу гениального антрепренера. Скорее, нас приглашают к интеллектуальной игре, где за деталями скрыта история. Ведь и сам Дягилев, когда обращался к ориентализму или античности в сюжетах, не стремился к точности. Его задачей было вызвать эмоции. Когда французы освистали «Весну священную», Рерих был расстроен, а Дягилев считал, что провалом было бы равнодушие: «Вот это настоящая победа! Пускай себе свистят и беснуются! Внутренне они уже чувствуют ценность, и свистит только условная маска. Увидите следствие».

Также и теперь. Получается, как у лебедя, рака и щуки: все участники балета «Дягилев» свободно и творчески выразили любовь кумиру, но каким-то чудом у них получилось создать спектакль, который вопреки нестыковкам не рассыпался и все-таки поборол толстокожесть зрителей. Даже если совсем не знать деталей из истории дягилевской антрепризы, интуитивно искренность и мастерство чувствуются. Композиция балета закольцовывается зловещим пророчеством цыганки (обворожительная Анастасия Меськова), увлекающей за собой во тьму Дягилева.

После поклонов артистов возникает вопрос: «Что бы сказали о балете сам Сергей Дягилев и его труппа?». Возможно, они бы не со всем согласились, но им бы точно понравилось.

====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025070404
Тема| Балет, МТ, Гастроли, Персоналии, Игорь Стравинский, Илья Живой, Александр Сергеев, Анастасия Лукин, Мария Буланова, Екатерина Кондаурова, Константин Зверев, Вячеслав Самодуров, Надежда Батоева, Мей Нагахиса, Максим Изместьев, Роман Малышев
Автор| Анна Галайда
Заголовок| Без оков классики. Балет Мариинского театра вернулся в Москву месяц спустя
Где опубликовано| © «Российская газета»
Дата публикации| 2025-07-04
Ссылка| https://rg.ru/2025/07/04/bez-okov-klassiki-balet-mariinskogo-teatra-vernulsia-v-moskvu-mesiac-spustia.html
Аннотация| Гастроли

Прославленная труппа вновь приехала в Большой театр (на этот раз на Новую сцену) с репертуаром, который сложно назвать для нее презентационным. Это вечер балетов Игоря Стравинского, собранный из трех одноактных постановок разных лет.

Фото Михаил Логвинов

Две из них - "Пульчинелла" и "Игра в карты" Ильи Живого - удерживаются в репертуаре с конца 2010-х, завершающие вечер "Танцсцены" на музыку Symphony in C - свежайшая премьера, осуществленная Вячеславом Самодуровым три месяца назад. Собранные в одну программу (в Петербурге их обычно представляют в другой конфигурации), они дали москвичам редкую возможность увидеть петербуржцев без любимых оков классики, при этом каждый из пяти показов представлял как минимум пару первостатейных звезд - в гастролях участвовали Виктория Терешкина, Екатерина Кондаурова, Рената Шакирова, Кимин Ким.

ДАЛЕЕ - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Я даже танцую всегда так, как будто в последний раз. Настраиваю себя, что вот сейчас та минута, когда ты можешь что-то сказать. И сказать не на ухо родным, а всему залу. Ты можешь что-то сказать, и надо использовать эту секунду, не должно помешать волнение, не должно помешать отсутствие каких-то данных или каких-то технических способностей. Есть внутри что-то, что ты должен именно сейчас в эту секунду рассказать.

А было так. Проходила сдача дивертисмента, который исполнялся вторым актом в одной программе с балетом «Кармен-сюита». Признаюсь, люблю такие спектакли. Они демонстрируют прекрасные наработки балетмейстеров в небольших номерах или выдающиеся фрагменты из академических спектаклей, когда нет нужды смотреть полноформатный, подчас очень длинный спектакль, но можешь увидеть лучшее из него. В программе дивертисмента был «Танец басков» из балета «Пламя Парижа» в хореографии В. Вайнонена ‒ яркий, динамичный характерный номер, всегда прекрасно принимаемый зрителями. Его, как правило, исполняют солистки, отлично владеющие техникой народного танца. Номер начался, и первое, что бросилось в глаза, ‒ ярко накрашенные губы одной из солисток, в которой я никого не признал. Но уже в следующее мгновение я перестал это замечать, а погрузился в безудержную яростную динамику танца, причем вела именно эта артистка с ярко накрашенными губами. «Гром-баба», ‒проговорил я про себя, заметив улыбку Леонида Сарафанова, смотревшего на мою реакцию. Угловатая пластика ‒ резкая, совершенно не академическая, вместе с актерским темпераментом артистки как бы заявляли: смотрите, мы вас снесем, ни перед чем не остановимся.

По окончании я поспешил за кулисы. Екатерина Забровская ‒ а это была именно она ‒ стояла со своим педагогом и слушала замечания. Дождавшись, когда они закончат общение, подошел, познакомился, поздравил с успешным дебютом, посоветовал не красить столь ярко губы, ее энергетики и без того было более чем.

Конечно, ее дебют не остался незамеченным. В то время в труппе ярко заявили о себе солистки Елизавета Аношина, Мария Машкина. Как и Екатерина, они были ученицами заслуженной артистки России Татьяны Капустиной. Конечно, в руководстве труппы заговорили о возможности подготовки Екатериной первой ведущей партии. Все специалисты считали, что Катю надо пробовать в партии Эсмеральды в балете «Собор Парижской Богоматери». Так и случилось. Вскоре мы дружно болели за премьеру Екатерины Забровской, как это всегда бывает в дебютных выходах молодежи. Вот тут я впервые увидел ее индивидуальную особенность: Катя в жизни и Катя на сцене ‒ два разных человека. В жизни ‒ красивая, немного замкнутая девушка, на сцене она целиком превращается в свою героиню. Такое впечатление, что по выходу на сцену в нее вселяется душа ее героини ‒ то неистовая, то кокетливая, то романтическая. Про таких говорят: у нее глубокое внутреннее содержание. У Кати я видел то, чего практически не видел раньше у других артисток балета: то, как она переносит окончание спектакля. В тот вечер на «Соборе» зал просто взорвался аплодисментами. Она раз за разом выходила на авансцену за занавес. Это волнительно для любого самого именитого артиста. И когда, наконец, зал унялся, и она в последний раз вернулась из-за занавеса, мне показалось, что она прошла через портал из другого мира. Она какое-то время не понимала, где она находится. Ее трясло, она ошарашенная брела по сцене к артистам, шаг за шагом приходя в себя. Меня это поразило не меньше, чем ее танец.

Самое главное, Катя поступательно, неторопливо начала осваивать упущенный ею ранее репертуар, постепенно переходя от характерных партий к классическим. Мы увидели ее в роли Жизели, Золушки, она вошла в «Спартак», «Баядерку», «Корсар», а вскоре Катя исполнит партию Джульетты в балете С. Прокофьева «Ромео и Джульетта» в хореографии О. Виноградова.

Сегодня у артистки множество поклонников, она становится узнаваемым лицом на балетной сцене, на нее идут и, конечно, не может не радовать тот факт, что на нашей балетной сцене, наряду с известными балеринами, появилась талантливая молодежь, а это значит, что балетная труппа живет, омолаживается и продолжает радовать нашу публику.

Мы встретились с Катей и поговорили. Хотя разговорить ее ‒ дело не простое, разговор у нас получился. Надеюсь, он понравится и вам.

Полтора сезона прошло с момента, как вы станцевали в дивертисменте «Танец басков». Мне кажется, в тот момент в вашей балетной карьере закончился один этап и начался следующий, о котором мечтает каждый артист балета. Вы, поначалу даже не предполагая, показали серьезный задел стать ведущей балериной. Сколько вы с тех пор исполнили сольных партий?

Много. В «Танце басков» я не была ведущей, была “одной из”. Но вы верно сказали: меня заметили, и я стала готовить партию Эсмеральды в балете «Собор Парижской Богоматери», потом была «Золушка», а потом я наверстывала репертуар, который мог быть у меня раньше. Было очень много работы над корифейскими партиями.

Вы дополняли репертуар, через который проходят практически все ведущие балерины. Не столь значительные, как Эсмеральда, но необходимые для того, чтобы стать примой?

Да, вариации, вторые партии. Добирала, что должна добрать. Потом были «Жизель», Фригия в «Спартаке», Гюльнара в «Корсаре». И вот сейчас Гамзатти в «Баядерке».

«Баядерка» ‒ балет эталонный, нестареющий, там незыблем Петипа. Акт «Тени» не трогает ни один балетмейстер, ставящий свою редакцию. Поделитесь своими впечатлениями о работе над партией.

Первый спектакль был тяжелый. Тяжело было осознать именно, что ты ведешь спектакль, выступаешь не как артистка кордебалета, а как ведущая балерина. Переход психологически сам по себе непростой, спрятаться не за кого. Необходимо использовать весь накопленный и даже нереализованный опыт, чтобы показать историю героини, то, как ты ее видишь, чувствуешь. Это было тяжело. Когда я на сцене, во время спектакля у меня включается фантазийное мышление. Я могу импульсивно, бесконтрольно что-то придумать, сделать именно так, как подсказывает мой внутренний голос. Мой педагог Виктория Викторовна знает этот нюанс, что бывают и руки не те, что репетировали, иные эмоции иногда. Я вхожу в образ, полностью погружаюсь в состояние персонажа, вживаюсь в роль, чувствую себя этой героиней.

Вы как бы перемещаетесь в другую плоскость?

Да, ты балерина, ты эту историю рассказываешь зрителям. От того, как ты станцуешь, во многом зависит успех спектакля. На тебе ответственность не только перед зрителями, но и перед своими коллегами, педагогами. И вот в момент, когда получается перебороть волнение от сцены, в момент полного погружения в образ, появляется что-то такое свое, какой-то новый порядок, новые эмоции. И вот чем больше я танцую определенный спектакль, тем больше у меня в исполнении копится что-то личное, свое, то, что я запоминаю и включаю уже в свой основной образ. Например, Золушку я танцую часто, и у меня уже сформировался законченный образ героини со своими нюансами, со своими “фишечками”. Я ни у кого из балерин этого не видела, это у меня родилось в момент творческого порыва. И я это стараюсь запомнить, чтобы это уже было в моем сердце.

В моем понимании, вы относитесь к очень редкому числу исполнителей, которые в жизни производят очень скромное впечатление: молчаливая, в себе. Но когда вы выходите на сцену, вы производите абсолютно противоположное ощущение. Появляется абсолютно иная героиня.

Я по жизни не очень социальный человек, потому что я всегда в себе, в себе как бы аккумулирую эту энергию, потому что когда очень много работы и много разных образов, тебе нужно откуда-то черпать вдохновение. А когда ты везде и всюду, когда очень социально активен, ты отдаешь этой активности всю свою энергию. Поэтому зачастую перед спектаклями я ни с кем не встречаюсь, на возможные сборы не хожу, потому что должно прийти вдохновение. Залог идеального спектакля – это когда накануне спектакля ко мне приходит какая-то мысль, которая открывает для меня новую часть образа. Я не могу это описать, но это состояние, когда уходит волнение и когда появляется дикое желание показать этот новый образ людям. И я всегда перед спектаклем закрываюсь, чтобы не растерять всё, что я себе придумала, настраиваюсь.

Еще два года назад вы считали, что вы просто артистка кордебалета. И в этом случае, когда не было бы у вас выхода вашего внутреннего мира, вы бы могли так вот и жить в полусонном состоянии?

Зная себя, я, наверное, нашла бы выход. Возможно, не творчески, а физически бы себя изматывала, как я и делала всегда. Я работала в театре, брала подработки с художественными гимнастками, брала очень много тренировок и ставила себе очень много задач, чтобы просто физически уставать и не думать о том, что тебе что-то не нравится.

Я даже танцую всегда так, как будто в последний раз. Настраиваю себя, что вот сейчас та минута, когда ты можешь что-то сказать. И сказать не на ухо родным, а всему залу. Ты можешь что-то сказать, и надо использовать эту секунду, не должно помешать волнение, не должно помешать отсутствие каких-то данных или каких-то технических способностей. Есть внутри что-то, что ты должен именно сейчас в эту секунду рассказать.

Я помню, вы говорили, что вы демихарактерная танцовщица. Получается, что у вас произошла переоценка?

Я думаю, если бы не нужные люди, которые оказались в нужный момент в моей жизни, я, наверное, в силу своего закрытого характера никуда бы не пробилась. Но благодаря людям, которые появились вовремя в моей жизни, благодаря Виктории Викторовне Ряженовой, которая каждый день вытаскивает меня из скорлупы, у меня появилась возможность разговаривать со зрителем в таком большом количестве партий и образов.

Вы и теперь боитесь какие-то партии танцевать?

Нет, не боюсь. Я уверена, что можно сделать каждую партию, не обязательно ты должен быть похож на кого-то, ты сделаешь эту партию по-своему. Хорошо, плохо ‒ для каждого это будет субъективная оценка. Каждый найдет что-то плохое, каждый найдет что-то хорошее. Но, наверное, я не имею права сейчас бояться. Мне дали работу, мне дали возможность, и мне просто надо взять и все сделать.

Вы сейчас, по сути дела, входите в пору периода высшей балетной активности.

Я вижу перед собой задачу закрепиться на достигнутых позициях. Потому что самое сложное – набрать репертуар и закрепиться в нем основательно. Для меня это самое сложное. Сейчас большое количество премьер, я стараюсь отбросить страх и неуверенность, просто делаю то, что я люблю. Думаю, следующий сезон многое для меня будет значить. Хочу доказать, что я могу вести репертуар, я могу стоять везде, куда меня поставят, я могу показывать все образы. Это моя задача.

А кто вам подсказал прическу сменить?

В спектакле «Щелкунчик» я танцую Фрица. Там у меня парик. Я ходила, ходила, смотрела в зеркала и подумала: «А мне неплохо. Почему бы не обрезать волосы?» Я чувствую внутри, что мне нужно делать, почему ‒ не могу это объяснить. Я просто почувствовала, что мне стрижка пойдет и решила: «Ну ладно, дам судьбе распорядиться». И позвонила в студию, где единственный мастер делает прямо короткие стрижки (а у меня были длинные косы, ниже лопаток). Там мне отказали: у мастера был выходной. Я подумала: «Значит, не судьба. Всё, отброшу эту идею». Но буквально через десять минут перезванивает мастер и говорит: «Ваш случай мне интересен, давайте что-нибудь сделаем». И всё, пошла и подстриглась.

И как ваш молодой человек на это прореагировал?

Он долго привыкал. Говорил, что как будто заново со мной знакомится. Дело в том, что если во мне что-то меняется внешне, то меняется что-то и внутренне. Если я что-то меняю в себе, у меня сразу черты характера меняются. Какое-то перевоплощение происходит. И вот тогда тоже я из маленькой робкой девчонки времен училища стала, наверно, девушкой, в которой появилась своя изюминка, которая готова была что-то сказать этому миру.

Много поклонников у вас появилось? Когда вы выходите на сцену, чувствуете, что в зале люди, которые пришли специально на вас?

Конечно. Приятно, что есть люди, которые пришли именно на меня.

Как вы это узнаете?

Люди пишут мне в социальных сетях. Для меня это необыкновенно ценно. Когда мне пишут, я всегда отвечаю, делаю скрины таких сообщений и в отдельную папочку скидываю. И когда какое-то сомнение в себе появляется, я открываю и читаю.

Вы же сейчас танцуете и в Петербурге, в Михайловском театре. Расскажите об этом.

Все началось с приглашения станцевать Эсмеральду в «Соборе Парижской Богоматери» в Михайловском театре. К сожалению, моя премьера там состоялась не с первого раза, но я вынесла оттуда очень большой опыт. Я посмотрела, как работают балерины Михайловского театра, с каким они посылом выходят. Я много очень почерпнула и привезла сюда, на нашу сцену. Уже в следующую мою поездку я все-таки станцевала Эсмеральду на той сцене. Это были другие ощущения и другая Эсмеральда, не такая, как в Новосибирске.

Да, в Михайловском сцена значительно меньше. В этом есть как свои плюсы, так и минусы.

Конечно, камерная сцена дает другое ощущение от зрителя. Ты уже прямо как полноценный актер, потому что видишь глаза людей, видишь, как они цепляются за тебя. И ты не должна ни на секунду выйти из образа, чтобы не отпустить их внимание. Все очень близко.

Но там же у вас не только «Собор Парижской Богоматери».

Да, недавно, буквально неделю назад, я станцевала Золушку. И Золушка тоже была абсолютно другая. Было очень интересно: другие сестры, другая мачеха, другие принцы. И сцена бала из второго акта, когда я выходила и видела много незнакомых людей. Я робела, и моя робость была настолько натуральной, что мне не приходилось играть. Потому что ты выходишь обычно и видишь знакомых, кому-то улыбнешься, кому-то подмигнешь. А тут выходишь и правда оказываешься в таком волшебстве: все новое, зрители близко, зал очень красивый, люди незнакомые, чуть-чуть где-то отличаются декорации, ты, естественно, это все разглядываешь, для тебя все ново и естественно, ты в эту сказку входишь.

Кто был вашим принцем?

Эрнест Латыпов. От этой встречи тоже была робость, немножко стеснение.

Он тоже робел?

Не знаю. Он прекрасный партнер. Он мне ни разу не отказал в репетиции. Всегда работал столько, сколько мне надо, чтобы быть уверенной. И он тоже эмоционально очень отдается на сцене. Это очень приятно, когда ты смотришь в глаза, а глаза тебе отвечают. И сразу уходит страх, волнение. Ты прямо в сказке находишься, в образе Золушки.

А какая у вас есть мечта, в которой вы сами себе боитесь признаться?

Хочу просто всегда иметь вдохновение на спектакли, хочу стабильности в работе. Есть спектакли, которые где-то внутри сидят у меня, несбывшейся мечтой. Это «Анюта». Как ни странно, «Лебединое озеро». Эта мысль поселилась у меня месяц назад. Я первый раз смотрела «Лебединое озеро» из-за кулис, не стоя в кордебалете. «Лебединое озеро» для меня, да и для всех девушек, – спектакль тяжелый. Бесконечные фиксированные позы. Пальцы в пуантах болят, ноги болят, никогда не смотрела по сторонам. А тут я посмотрела белый акт, и он меня так тронул. Я подумала: «Интересно, вот как бы я это сделала?»

Первый-то ладно, а второй?

Фуэте у меня сейчас есть в Гамзатти. Эта партия покажет, насколько у меня мужества хватает. Фуэте для меня – это холодная голова и мужество просто выйти и сделать. Вообще я хочу насыщенную театральную жизнь. Я хочу ездить в Михайловском танцевать, тут танцевать. Хочу попробовать себя в каком-то современном спектакле.

А что вы сделали в балете Клюга «Радио и Джульетта»? Я вообще вас не узнал. До этого для меня самым сильным эмоциональным потрясением был танец Матвиенко в этом балете, а тут просто дыхание остановилось.

Я просто танцую. Я не могу сказать, что я делаю, но я просто стараюсь получать удовольствие. Последний спектакль «Radio and Juliet» по откликам зрителей прошел прямо на ура, потому что я просто вышла наслаждаться. И я обожаю этот спектакль.

Не боитесь стать мегавостребованной?

Я буду все делать для этого. Вот вы меня зацепили своим вопросом о том, чего я хочу. Я хочу расширить границы классики, хочется чего-то современного, хочется такого, чтобы специально для тебя ставили, или когда копаются, ищут что-то неординарное, расширяющее границы тела.

Ну вот это ближе к ответу на мой вопрос. А то – «Анюта», «Лебединое». Это уже процесс. А то, что вы, наконец, сказали, больше соответствует Екатерине Забровской ‒ Балерине.

===========================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Денис Родькин
Фото: Сергей Петров/NEWS.ru

3 июля премьер Большого театра Денис Родькин отмечает 35-летие. Он танцует ведущие партии в «Щелкунчике» и других главных спектаклях театра. Недавно состоялась премьера балета «Дягилев», в котором он выступил не только как исполнитель главной партии, но и как художественный руководитель. Что хотел показать Родькин в постановке о великом хореографе, каким он запомнил балетмейстера Юрия Григоровича, когда его свадьба с балериной Элеонорой Севенард и почему он не употребляет алкоголь и не ест чипсы — в интервью NEWS.ru.

«Дягилев интересен тем, что сделал для русского искусства»

— Почему вы решили обратиться в вашем спектакле к истории Дягилева, а, например, не к биографии танцора Вацлава Нижинского, у которого очень трагичная судьба?

— На самом деле, когда у нас зарождалась эта идея, Нижинский в принципе должен был быть главным героем, женскую главную партию исполняла бы Тамара Карсавина. Но потом у нас все перевернулось — и в голове, и в обозримом будущем. Мы решили поставить именно спектакль о Дягилеве, потому что такого никогда не было, а балетов, где Нижинский — главный герой, большое количество.

Я не хотел просто повторяться, мне хотелось сделать что-то новое. До этого Дягилев везде изображался пантомимным героем: он не прыгал, не был активным и не танцевал. И мы решили, что поскольку Сергей Павлович был очень интересный человек, очень загадочная личность, мы могли бы показать это все языком настоящего мужского классического танца.

— У Дягилева и Нижинского на протяжении пяти лет были романтические отношения (ЛГБТ, организация признана в РФ экстремистской, деятельность запрещена). Почему в своей постановке вы не затрагиваете эту линию?

— Нам неинтересно, какие личные отношения связывали Нижинского и Дягилева. Нам интересно было в первую очередь их творческое взаимодействие. Личная жизнь — это личная жизнь, ее не надо всегда показывать на сцене, тем более балетной, тем более — Большого театра, это не то чтобы неправильно, это просто не нужно. Дягилев нам интересен тем, что он сделал для русского искусства, русского балета, русской живописи, русской оперы. Чем он занимался в личной жизни — это сугубо его личное дело.

«Алессандро Каггеджи четко увидел мои данные»

— Для Алессандро Каггеджи это первая большая работа в качестве режиссера-постановщика, дебютный спектакль. Он оправдал ваши ожидания?

— Я знаю Александра уже достаточно давно. Первый раз мы с ним познакомились у Дениса Мацуева на фестивале в Иркутске «Звезды на Байкале». Там он поставил номер для премьера Большого театра Михаила Лобухина, и мы начали общаться с Александром. До этого он работал в Казани. Потом, когда я приехал на фестиваль Нуреева в Казань (фестиваль классического балета имени Рудольфа Нуриева, который проводится в Казани с 1987 года. — NEWS.ru), я попросил его поставить номер для моего концерта «Денис Родькин и друзья». Мне очень понравилось, что он учел характер моего персонажа.

Мы поставили номер на музыку Summertime Джорджа Гершвина. Это было, скажем так, нестандартное легкое завершение. Мне очень понравилось, что Александр четко увидел мои данные, так как я умею танцевать степ, он тоже включил это в номер. Очень важно, чтобы хореограф прислушивался к танцовщику, потому что успех номера или спектакля всегда зависит от того, на какие возможности он поставлен. И мне, конечно, понравилось, как он взаимодействует с танцовщиками. Юрий Николаевич Григорович все свои спектакли ставил исключительно под данные тех танцовщиков, которых видел перед собой.

Когда у меня родилась идея поставить балет «Дягилев», я позвонил Александру. Это был февраль 2024 года. Я рассказал историю, которую хотел бы видеть на сцене, наши взгляды совпали. Сейчас уже прошла премьера, и я доволен результатом на 100%.

Почему Родькин выбрал именно Чапурина художником «Дягилева»

— Художником спектакля выступил известный российский дизайнер Игорь Чапурин. У него большой опыт работы с театрами, в том числе и с Большим. Как складывалось ваше сотрудничество с Чапуриным? Это был ваш выбор?

— Да, конечно. Не было никаких сомнений, что художником по сценографии и костюмам должен быть Игорь Чапурин. Я с ним очень давно знаком, мы часто общались на тему «Русских сезонов», Сергея Павловича Дягилева, танцовщиков, которые его окружали. Других вариантов не было: Игорь досконально знает эту тему. Его чувство вкуса нам очень пригодилось в этом спектакле, все костюмы сделаны на высшем уровне.

— Легко ли вам было работать с Чапуриным?

— С Игорем в принципе легко. Он не давит на тебя, всегда чувствует твой художественный вкус. Работать с ним — одно удовольствие. Игорь, помимо того, что он большой профессионал, еще обладает прекрасным чувством юмора, а когда работа сочетается с юмором, это вдвойне приятно.

Почему Родькин не любит брендовые вещи, сколько готов потратить на одежду

— Наверное, Чапурин — не единственный дизайнер, с кем вы знакомы. Ходите ли вы по бутикам, покупаете ли дизайнерские вещи или отдаете предпочтение более простым?

— Я не люблю брендовые вещи. Люблю, чтобы одежда стильно смотрелась, была качественной, достаточно простой и удобной. Не очень люблю, когда есть большие логотипы: вот, мол, смотрите, у меня куртка от такого-то дизайнера. Это мне не нравится.

— В каких магазинах вы одеваетесь?

— Я не могу сказать, что есть какой-то определенный магазин, где я покупаю одежду. Такого нет. Я устраиваю шопинг, когда приезжаю за границу. Это торговые центры, где представлены различные магазины. Не могу сказать, что совсем не люблю люксовые вещи, но я никогда не буду покупать бренды только для того, чтобы показать миру: «Посмотрите, какой я крутой». Это мне не нравится. Для меня в первую очередь важно удобство. Конечно, если мы говорим о каком-то известном французском или итальянском бренде и вещь мне понравится, безусловно, я ее куплю. Потому что для меня главное — чувство вкуса в одежде.

— А как насчет цены? Готовы ли вы потратить, скажем, миллион рублей на ботинки?

— Для меня главное, чтобы цена соответствовала качеству. Бывают вещи, которые стоят очень дорого, но ты понимаешь, что они не должны столько стоить. Дело не в том, что мне жалко денег: просто хочется, чтобы цена и качество совпадали. Поэтому если мне что-то очень понравится, конечно, могу купить и за большие деньги. А бывает, что какая-то футболка или рубашка стоит недорого, но оказывается качественнее вещей за крупные суммы.

— Я вас с трудом представляю в джинсах и кроссовках. Вы любите классический стиль?

— На самом деле я ношу и джинсы, и спортивную одежду. Спортивную в основном во время переездов. Джинсы я тоже люблю, но не люблю рваные. Видимо, сказывается возраст, я уже не тинейджер. Хотя джинсы — это тоже часть классического стиля. Классика для меня — это необязательно брюки, ботинки и рубашка. Хорошая футболка, джинсы и качественные кроссовки — для меня это тоже классика.

Как Родькин познакомился с Григоровичем, считает ли его тираном

— 19 мая умер великий хореограф Юрий Григорович. Вам посчастливилось с ним работать. Как вы познакомились с балетмейстером и какое впечатление он на вас произвел?

— С Юрием Николаевичем мы достаточно много работали. Мне очень приятно, что я один из немногих артистов своего поколения, к кому он лично приходил в зал. Что касается первой встречи, я был на сцене, он — в зале и обратил на меня внимание, указав на мою ошибку. Я немного расстроился, но позже осознал: нас было много молодых артистов, но на ошибку он указал именно мне. Не потому, что я плохой, а потому что, видимо, уже тогда разглядел во мне талант и потенциал для исполнения его спектаклей. Они очень сложные, особенно для мужчин, требующие физической выносливости.

Вторая наша встреча произошла, когда он доверил мне партию Спартака. Он пришел на третью репетицию. С этого момента у нас сложилось тесное творческое взаимодействие.

До последних дней Юрий Николаевич всегда спрашивал у наших общих знакомых, как у меня дела, причем у людей, совершенно между собой не связанных. Он всегда начинал разговор: «Как там наш Родькин?» Мне это было очень приятно, ведь это легенда — человек, который поднял мировой балет на совершенно новый уровень. В тех спектаклях, которые он создал — «Спартак», «Легенда о любви», «Иван Грозный», мужской танец выходит на первый план.

Конечно, без женских партий никуда. Без женщин в нашей жизни вообще очень трудно, практически невозможно. Но он поднял на небывалую высоту именно мужской танец.

И, конечно, еще один важный человек в моей жизни — это Николай Максимович Цискаридзе. Когда я пришел в театр, из всех педагогов он первым меня заметил, и это большое счастье. Сегодня мой наставник и учитель, которому я бесконечно благодарен, — Александр Николаевич Ветров. У него есть редкий дар — вдохновлять и раскрывать внутренний потенциал. Он не просто педагог, но и тонкий психолог. Большинство премьерных партий я готовил именно с ним. Он умеет настроить артиста на нужную волну, поддержать в момент сомнений. Когда в зале кажется, что уже нет сил, с его помощью ты вновь танцуешь, вновь прыгаешь.

— Согласны ли вы с мнением, что Григорович был тираном и деспотом?

— Нет. Да, он действительно мог быть очень жестким, но эта жесткость проявлялась только на репетициях. Сейчас, когда мы ставили «Дягилева», я тоже понимал: иногда нужно собрать людей и необходима дисциплина.

Юрий Николаевич это прекрасно умел, а в жизни он всегда любил артистов. В 2014 году он пригласил меня танцевать «Спартака» с краснодарской труппой на прекрасной сцене в Афинах у подножия Акрополя. Там я, поднимаясь по лестнице, сильно подвернул ногу, она опухла, но я мог ходить и танцевать. Когда Юрий Николаевич об этом узнал, он сказал: «Денис, пожалуйста, если нога сильно болит, не танцуй. Для меня важно твое здоровье». Несмотря на то, что все билеты были проданы. Это показатель, что человек в первую очередь ценит здоровье артиста.

— Что нужно для сохранения наследия Григоровича?

— Чтобы сохранить наследие Юрия Николаевича, мое поколение должно передать следующему — если будет такая возможность — то, что требовал от меня в зале сам Григорович. Следующее поколение должно передать дальше. Когда сохранится эта цепочка и преемственность поколений, тогда и будет жить наследие. Каждое новое поколение будет вносить что-то свое, и тогда спектакли будут жить и развиваться правильно.

— Андрис Лиепа говорит, что балетные спектакли передаются «из ног в ноги», от танцора к танцору.

— Многие думают, что артист балета мыслит ногами. Это не так. Чтобы ноги начали работать, нужно сначала подумать головой. Конечно, выражение «из ног в ноги» красивое, но в первую очередь это голова. Если не будет понимания, если мозг не будет работать, тогда и ноги не смогут двигаться так, как требовал Юрий Николаевич. Конечно, нужно показывать [движения], но мало просто показать, нужно еще объяснить человеку. И на сцене танцуют не только ноги, но и руки, и голова — все тело. Поэтому я бы сказал «из тела в тело».

«Григоровича невозможно забыть. Его спектакли живут в нас»

— В последние годы Юрий Григорович жил в подмосковном санатории «Барвиха». Вы его навещали?

— Я хотел его навестить, но медсестры говорили, что не стоит: Юрий Николаевич был в почтенном возрасте, и нужно было беречь его от возможных инфекций. Я прислушался к этому совету, потому что его здоровье было для меня важнее. Но мы созванивались.

До 2019-го, до пандемии, я приходил к нему домой, мы общались. Можно сказать, я брал у него интервью, вернее, расспрашивал о его жизни. А это была невероятно интересная жизнь! Он родился в 1927 году, через него прошло столько поколений, столько исторических событий… Меня всегда восхищало, как он оставался выше всего этого. Он никогда никому не отвечал, никогда не говорил ни о ком плохо — ни в интервью, ни в личных беседах. Это для меня огромный пример мудрости, и я надеюсь пронести эти уроки через всю свою жизнь.

— Бывшая прима-балерина Большого театра Анастасия Волочкова заявляла, что в Большом театре Григоровича забыли.

— Юрия Николаевича невозможно забыть. Его спектакли живут в нас. Вчера в Большом театре шел балет «Иван Грозный». Можно забыть танцовщика, который не придумал запоминающихся образов. Но Юрий Николаевич создал произведения, которые останутся навсегда. Один его близкий друг сказал мне: «Когда ты танцуешь „Легенду о любви“ или „Спартака“, в тебе должен танцевать не только Фархад или Спартак, в тебе должен танцевать и Юрий Николаевич Григорович».

Что планирует делать Родькин после ухода со сцены

— Балерина Анастасия Волочкова стала частью шоу-бизнеса, ток-шоу и скандалов. Она не первый год обвиняет Большой театр в коррупции. Как вы относитесь к Волочковой и ее заявлениям?

— Я принципиально не комментирую коллег. Юрий Николаевич научил меня никогда не обсуждать других. Каждый выбирает свой путь. Судить людей может только Господь Бог, мы не имеем на это права. Важнее смотреть на себя. Есть хорошее выражение: «В чужом глазу соринку замечаем, а в своем бревна не видим». Нужно в первую очередь быть честным перед самим собой.

— Уход артиста со сцены — это всегда его большая личная драма. Кто-то находит себя в педагогике, как Николай Цискаридзе. Вы уже думали, чем займетесь, когда придет время пенсии, которая у балетных танцоров начинается довольно рано, в сорок лет?

— Если десять лет назад казалось, что нужно строить долгосрочные планы, то сейчас я планирую максимум на два месяца вперед. Чем буду заниматься, не знает никто, можно только предполагать. Конечно, я подготовился: окончил Московскую академию хореографии по классу педагогики балета и могу преподавать в школе или театре. Также окончил факультет культурной политики МГУ. Как Господь направит, так и будет.

Сейчас я сосредоточен на танце. Мы поставили «Дягилева», и это новое направление для меня. Если раньше я был в первую очередь танцовщиком, то здесь выступил как художественный руководитель.

Не буду загадывать. Вчера у меня был «Иван Грозный», 5 июля — концерт «Денис и друзья» в Клину, 16 июля — «Мастер и Маргарита» в Большом. Пока планирую до 17 июля.

«Алкоголь влияет на состояние, и на сцене это становится заметно»

— Существует стереотипное представление о балетных танцорах как о людях с очень жестким образом жизни и массой ограничений. Это действительно так? Позволяете ли вы себе, например, алкоголь и фастфуд или они под запретом?

— Сейчас я вообще не употребляю алкоголь и правильно делаю. Когда вечером хочется выпить, я сдерживаюсь, а утром радуюсь своей силе воли. Конечно, можно позволить себе бокал вина или праздничное застолье, но когда у тебя спектакли, лучше не злоупотреблять. Это даже удовольствие для меня, когда я в чем-то себя ограничиваю, потом испытываю гордость, своеобразную радость от самоконтроля.

Алкоголь влияет на состояние, и на сцене это становится заметно, особенно после 30. Я горжусь своим решением, что могу перебороть себя, и у меня сильная воля.

— Говорят, что танцоры тратят колоссальное количество энергии и все, что съедается, сжигается — по идее можно многое себе позволить.

— Дело не только в калориях. Есть продукты, вредные не только для фигуры, но и для коленей, сердца, печени и т. д. О здоровье нужно заботиться с молодости — это долгосрочные инвестиции. С возрастом организм хуже справляется со стрессами и вредной пищей. Потом он «вспоминает» твою молодость. Поэтому в молодости важно избегать того, что может создать трудности в будущем.

— Что входит в ваш стоп-лист продуктов?

— В детстве я любил чипсы, но сейчас исключил их. Все, что готовится в большом количестве масла, тоже стараюсь избегать. Котлету по-пожарски могу себе позволить — это мясо, вкусное и полезное. А вот чипсы, бекон, жирные продукты — нет. Хотя английский завтрак с беконом иногда можно, но не в сочетании с пивом и тем более водкой — нет! У меня выработалось здоровое отвращение к таким продуктам. Я люблю качественное мясо: оно необходимо, особенно при наших физических нагрузках. Быть вегетарианцем, когда танцуешь с такой интенсивностью, невозможно. Человеческий организм создан так, что мясо необходимо. Нужны и салаты, и углеводы, и белки — все это придумано не просто так.

— Многие считают углеводы очень вредными. Вы можете себе позволить торт или другое сладкое?

— Очень люблю сладкое, но сейчас ограничиваю. Был период, когда пил чай с медом и ел много сладкого, это было не очень хорошо. Сейчас практически не употребляю рафинированный сахар. Хотя он везде — в квасе, десертах и т. д.

Уже не добавляю ни белый, ни тростниковый сахар в кофе и чай. Мои вкусовые рецепторы изменились: многие вещи, которые раньше казались несладкими, теперь кажутся сладкими. Очень люблю фрукты — это природная глюкоза, она полезна. Есть сложные углеводы, а есть фастфуд. Макароны, например, на самом деле полезны, они снижают холестерин. Когда я это узнал, очень обрадовался. А вот фастфуд вроде бургеров… Раз в месяц можно, почему нет? Но питаться этим постоянно, конечно, не стоит.

— А мучное? Круассан с кофе?

— Да, в последнее время иногда беру круассан и кофе по утрам. Люблю также яйца на завтрак — они очень полезны, особенно в первой половине дня.

Ходит ли Родькин в театр как зритель

— Вы сами смотрите балет? Можете назвать любимые постановки или театры?

— Я посещаю оперные спектакли, это совершенно другое искусство. Хожу как любитель и не берусь судить, кто хорошо поет, а кто — нет. Из драматических театров люблю МХТ имени Чехова. Бываю в опере и в Большом, и в Мариинке, специально ездил на «Трубадура» в Санкт-Петербург, ходил на «Ромео и Джульетту».

Опера и балет дают абсолютно разные впечатления. В театре Станиславского смотрел «Хованщину» и «Сказки Гофмана», в Большом — великолепную «Аиду». Это развивает как артиста. Хотя при плотном графике иногда едва успеваешь дойти до дома, чтобы поспать, — и снова на работу. Сейчас, во время подготовки «Дягилева», параллельно танцевал «Дон Кихота» — это очень сложные спектакли. Добавьте к премьере еще вечерние репетиции. В такие периоды не хватает времени даже посмотреть телевизор. Но опера меня восхищает и помогает создавать образы в балете.

«Сам факт, что Гергиев все успевает, говорит о его эффективности»

— В последние годы во многих российских театрах произошли кадровые изменения. С 1 декабря 2023 года гендиректором Большого театра стал Валерий Гергиев. Как изменился театр с его приходом?

— Прекрасно, что мировая звезда руководит Большим. Валерия Абисаловича знают в США, Англии, Франции — по всему миру. Такой руководитель — большая ценность.

Лично мне нравится, что мы стали чаще ездить в Мариинский театр — на величайшую сцену — с грандиозными спектаклями. Этот культурный обмен между двумя столицами очень важен. Недавно мы возили в Мариинку «Мастера и Маргариту». Я сначала переживал, поймут ли в Петербурге этот московский спектакль, ведь у них больше Достоевский. Но когда мы приехали, понял: спектакль понравился, нас долго не отпускали. Хотя я переживал — ведь у петербуржцев и москвичей разные вкусы.

— Какой Валерий Гергиев руководитель?

— Он невероятно занятой человек: руководит Мариинским театром, Большим, курирует филиалы. Сам факт, что он все успевает, говорит о его эффективности. Когда подчиненные справляются на 100%, это характеризует руководителя.

— После прихода Гергиева Большой театр полностью перешел на онлайн-продажи. Огромные очереди за билетами на новогоднего «Щелкунчика» остались в прошлом, но многие жаловались на сложности с сайтом, техническую невозможность покупки билета.

— Честно, я никогда не покупал билеты в Большой. Но онлайн-продажи — это правильно, мы должны идти в ногу со временем. Конечно, в пиковые моменты вроде продаж на «Щелкунчика» система может не справляться. Технологии еще не идеальны. Нужно просто дать время на доработку, чтобы в будущем не было таких сбоев.

Какой будет свадьба Родькина с Элеонорой Севенард

— Как планируете отмечать 35-летие? (интервью было записано незадолго до юбилея Родькина. — NEWS.ru). Какое у вас настроение?

— Отмечу в кругу друзей. Чувствую себя прекрасно. Я не люблю показные праздники. Для меня это прежде всего внутреннее состояние. Такие вещи должны идти от души, без желания что-то кому-то доказать. Это как с квартирой: ты обустраиваешь ее для себя, а не чтобы хвастаться перед гостями.

— Есть ли у артистов балета особые традиции празднования?

— Никаких особых ритуалов у нас нет. Мы такие же обычные люди, как и все. Каждый празднует по-своему, исходя из личных предпочтений. Я предпочитаю без пафоса и показухи. Не нужно, чтобы об этом все знали или писали.

— Этим летом вас ждет еще одно важное событие: свадьба с примой-балериной Большого театра Элеонорой Севенард.

— Я не говорил, что это будет именно летом. Возможно, осенью: мы еще не определились с точной датой. Вообще не понимаю, как эта информация стала достоянием общественности. Мы никому не рассказывали, кроме родителей. Потом увидел в Telegram-канале и был в шоке. Мы обсуждали это приватно, а теперь все пишут и гадают о датах. Я не заявлял, что свадьба будет летом.

Мы решили с Элеонорой, что это должно быть спокойное и осознанное событие. Но с нашим графиком такое сложно: слишком много спектаклей. Хочется, чтобы свадьба была праздником, а не стрессом. Это должно произойти один раз в жизни и только для самых близких.

— Планируете свадебное путешествие?

— Конечно, хотелось бы. Для этого нужно время, чтобы событие действительно запомнилось. Для меня это не просто традиция, а возможность отключиться от внешнего мира. В нашей профессии это особенно ценно — полностью отвлечься от работы.

— Есть ли место, куда бы вы хотели отправиться? Может, романтичная поездка в Тоскану или экстрим-тур в Антарктиду?

— В Тоскане я уже был и в Париже тоже. Как артист балета, с 2009 года я много гастролировал: был в Австралии, Англии, Чили. Сейчас сложно найти место, которое бы меня удивило. Иногда хочется чего-то экстремального вроде Антарктиды, хотя свадебное путешествие туда было бы странновато. Но кто знает: может, через неделю я решу, что это именно то, что нам нужно?

Как Денис Родькин и Элеонора Севенард проводят свободное время

— Как вы проводите свободное время с Элеонорой в Москве, когда у вас выходные?

— Как артисты балета, мы много времени проводим в закрытых помещениях, поэтому свежий воздух важен для нас. Мы живем рядом с Петровским парком, который недавно реконструировали. Это наше место силы, где можно перезагрузиться. Район активно развивается, там очень приятно проводить время.

Что касается развлечений, можем сходить в кино, хотя сейчас это стало менее популярно. С появлением стриминговых платформ многие предпочитают смотреть фильмы в хорошем качестве дома. Вообще у артистов балета единственный выходной — понедельник, и мы обычно проводим его в спокойной домашней атмосфере.

— Кстати, недавно вышел спин-офф «Джона Уика» — «Балерина» с танцующей Анной де Армас. Смотрели или планируете?

— Посмотрю, но не пойду специально в кинотеатр. Последний раз я был в кино на новом фильме «Мастер и Маргарита». После него у меня и появилась идея поставить балет «Дягилев», хотя сюжеты никак не связаны, нестандартная подача истории в фильме вдохновила меня на необычное прочтение темы Дягилева. Фильм точно был снят не зря, мне он дал новые творческие идеи.

==============================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025070502
Тема| Балет, МТ, Персоналии, Рената Шакирова
Автор|
Заголовок| Балерина Рената Шакирова: «Считаешь себя лучше всех? Можно уходить из профессии»
Где опубликовано| © Официальный сайт федеральной территории «Сириус»
Дата публикации| 2025-07-04
Ссылка| https://sirius-ft.ru/tpost/balerina-renata-shakirova-schitaesh-sebya-luchshe-vsekh-mozhno-ukhodit-iz-professii
Аннотация| Творческая встреча

Прима Мариинского театра рассказала зрителям в Сириусе о знаменитой петербургской балетной школе и о том, как сценическое волнение помогает артисту.

Творческая встреча Ренаты Шакировой прошла в преддверии гала-концертов классической и современной хореографии звёзд Мариинского театра, завершающих проект «Дни танца в Сириусе».

Прошлый сезон был знаковым для карьеры балерины. Артистка получила статус примы одного из главных театров России и стала лауреатом балетного «Оскара» — конкурса «Бенуа де ла Данс». Рената Шакирова отметила: покорение подобных профессиональных вершин — всегда желанная цель в карьере артиста, к ней стремятся многие. Но важнее, по её мнению, умение концентрироваться на ролях и стремление профессионально развиваться.

Тема развития и роста стала главной в беседе Шакировой со зрителями. По её словам, независимо от статуса и опыта артиста, каждый выход на сцену остаётся своего рода экзаменом. Волнение перед выступлениями с годами не уходит, но оно необходимо, чтобы оставаться в форме и двигаться вперёд.

«Ответственность со статусом примы увеличивается многократно. Уже нет шансов сделать что-то не так, нужно ещё больше совершенствоваться. Мне кажется, как только подумаешь, что сегодня был лучше всех, можно уходить из профессии. Нет предела совершенству, всегда нужно ставить новые цели», — заключила Рената Шакирова.

Сегодняшний успех Шакирова прежде всего связывает с Академией Русского балета имени Вагановой и её педагогами. Артистка училась в классе знаменитой петербургской балерины Татьяны Удаленковой — выпускницы Вагановой. И сегодня педагог остаётся для Ренаты, уже состоявшейся артистки балета, одновременно и главным критиком, и поддержкой.

«Когда танцуешь спектакль уже десять лет, порой кажется — может, можно уже и не репетировать? Но тело меняется, а день перерыва восполняется тремя днями в зале. Поэтому в репетиционном классе происходит постоянный поиск восприятия роли, своих ощущений в ней. Самое интересное — когда можешь усложнить комбинацию. Но не для изменения оригинальной хореографии, а чтобы познакомиться с собой и совершенствоваться дальше», — рассказала балерина.

В финале встречи прима Мариинского театра обратилась к юным зрителям — воспитанникам хореографических академий и училищ страны, которые приехали на июльскую образовательную программу по классическому танцу в Образовательный центр «Сириус». Она рекомендовала юным танцовщикам систематически заниматься, постепенно пробуя и нарабатывая технически сложные элементы, воспитывать самодисциплину и не сомневаться в своих силах.

=====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025070503
Тема| Балет, МТ, Гастроли, Персоналии, Игорь Стравинский, Илья Живой, Александр Сергеев, Анастасия Лукин, Мария Буланова, Екатерина Кондаурова, Константин Зверев, Вячеслав Самодуров, Надежда Батоева, Мей Нагахиса, Максим Изместьев, Роман Малышев
Автор| Павел Ященков
Заголовок| «Пульчинелла», «Игра в карты» и «Танцсцены»: Мариинский театр представил в Москве три одноактных балета на музыку Стравинского
На сцене Большого состоялись вторые обменные гастроли балетных трупп главных театров страны
Где опубликовано| © "Московский Комсомолец"
Дата публикации| 2025-07-05
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2025/07/05/pulchinella-igra-v-karty-i-tancsceny-mariinskiy-teatr-predstavil-v-moskve-tri-odnoaktnykh-baleta-na-muzyku-stravinskogo.html
Аннотация| Гастроли

В Большом театре в рамках фестиваля «Игорь Стравинский», прошли вторые в истории обменные гастроли балетных трупп Большого и Мариинского театров. В Санкт-Петербурге Большой показал балет «Мастер и Маргарита», а в Москве Мариинский представил три одноактных балета на музыку Игоря Стравинского «Пульчинелла», «Игра в карты» и свою апрельскую премьеру – балет Вячеслава Самодурова «Танцсцены».

«Танцсцены». Рената Шакирова, Кимин Ким. Фото Михаила Логвинова/ Большой театр.

ДАЛЕЕ - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025070601
Тема| Балет, МТ, Персоналии, Александр Сергеев
Автор|
Заголовок| Премьер Мариинского театра: «Искусство подчиняется законам математики»
Где опубликовано| © Официальный сайт федеральной территории «Сириус»
Дата публикации| 2025-07-06
Ссылка| https://sirius-ft.ru/tpost/premer-mariinskogo-teatra-iskusstvo-podchinyaetsya-zakonam-matematiki
Аннотация| Творческая встреча

Александр Сергеев рассказал о пути из танцовщика в постановщики и объяснил, как хореография способна изменить мышление.

Александр Сергеев танцует в одном из ведущих театров России более двадцати лет. Освоив большую часть сложнейших балетных партий, шесть лет назад он дебютировал в роли балетмейстера и представил на сцене Мариинского театра композицию в жанре современного танца «Не вовремя» на музыку бразильского композитора Эйтора Вила-Лобоса. Три пары танцовщиков рассказывают зрителю свои истории, которые в финале сливаются воедино. Языком танца постановщик рассказал о взаимоотношениях одних и тех же характеров в разные периоды жизни. В этом сезоне Александр впервые представил постановку в Сириусе и исполнил в ней одну из партий.

«Искусство — это математика. Всё можно посчитать. Музыка — это звуковысотность, которая вычисляется в герцах, размерность, определённое количество тактов. Это золотое сечение в архитектуре, стилистика в литературе», — считает постановщик.

О карьере балетмейстера артист не задумывался. Всё решил случай: несколько лет назад он услышал «Вальс да Дор» Эйтора Вила-Лобоса, ставший впоследствии основой для балета «Не вовремя».

При работе над спектаклем Александр чаще всего отталкивается от музыки: она вдохновляет на создание хореографического рисунка, характеров героев. Но бывают исключения — например, в балете «Двенадцать», по поэме Александра Блока, одной из главных составляющих стал текст, а сам постановщик выступил в роли танцовщика и чтеца.

Александр Сергеев не только ставит собственные спектакли, но и продюсирует их. Добиваться высоких результатов балетмейстеру помогает требовательность к себе: «Я очень самокритичен. Редко бываю доволен собой. Иногда это мешает, но я не могу и не хочу быть хуже, чем был вчера». Достигать высокой планки артиста вдохновляют такие профессионалы, как Уильям Форсайт и Джордж Баланчин — признанные хореографы мирового уровня с собственным уникальным стилем. Опыт работы с ними заставил артиста иначе посмотреть на танец. «Встреча с разными хореографами — ценный опыт. Непривычная хореография даёт развитие мозга. Начинаешь иначе мыслить, воспринимать пластику, взаимодействовать с пространством. Это не просто расширение физических данных, а открытие другого способа мышления», — считает постановщик.

Встреча с Александром Сергеевым прошла в преддверии финального гала-концерта звёзд балетной труппы Мариинского театра и стала завершающим событием просветительской программы проекта «Дни танца в Сириусе».

Проект «Дни танца в Сириусе» под художественным руководством прима-балерины Большого театра, народной артистки России Светланы Захаровой проходит на федеральной территории в третий раз. В этом сезоне в рамках проекта были представлены не только классические и современные постановки, но и народная хореография.