Балет и Опера

Елена С.

Номер ссылки| 2025061201
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Родион Щедрин, Максим Петров, Юлиана Лайкова,
Автор| Александр Максов
Заголовок| Ведет ли в сказку жароптицево перо?
Где опубликовано| © Музыкальные сезоны
Дата публикации| 2025-06-11
Ссылка| https://musicseasons.org/vedet-li-v-skazku-zharopticevo-pero/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В Большом театре – премьера. Под занавес 249-го сезона труппа презентовала «Конька-горбунка»

Иван -М. Михалкин

Шестьдесят пять лет прошло с того времени, когда балет Родиона Щедрина увидел свет рампы этой сцены. То был первая балетная партитура, сочиненная молодым композитором для Майи Плисецкой, создательницы образа Царь-девицы. Написанная веселым пером студента Московской консерватории в перекличке с русскими народными попевками и потешками «игрецов и плясцов» (так именовали скоморохов в их театрализованных обрядах), музыка Щедрина, счастливо сохранила симфонический принцип музыкальной драматургии балета. И после воплощения Александром Радунским (первый перевел ее на язык танца) она не раз вызывала интерес хореографов. Через три года после московской премьеры нотные эскапады Щедрина своими сатирическими красками «театрализовал» хореограф Игорь Бельский, поставив в ленинградском Малом театре оперы и балета собственную версию «Конька-Горбунка». Интересные постановки балета осуществила Нина Анисимова (1964, Свердловск; 1966, Саратов). Ярмарочная цветистость при образной содержательности увлекла Дмитрия Брянцева (1981, Кировский театр; 1983, Музыкальный театр имени К.С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко). «Дитем начала XXI века» назвал Мариинский театр саркастичный балет Алексея Ратманского.

На сей раз за работу в столице взялся Максим Петров. Его задача состояла в том, чтобы создать яркие самобытные характеры, эстетически соединив народный «говор» пластики с «классичностью» хореографии. То есть то, что гениально удалось мастеру слова – Петру Ершову, называемому homo unius libri» («человеком одного произведения»). Именно его сказка легла в основу либретто, написанного Максимом Петровым в содружестве с Богданом Корольком. Ох, эти редакторы! Надо же им что-то придумать, чтобы и от оригинала не слишком отойти (для хороших новаций талант нужен), и было бы не так, как раньше. Почувствовав необходимость, Петров взял в соавторы и режиссера Антона Морозова. Такая практика получила распространение, демонстрируя уязвимость балетмейстеров, не слишком уверенных в собственных силах. Странно, ведь не случайно кафедры учебных заведений, готовящих профессиональных хореографов, именуются «Режиссурой балета». Предполагается, что балетмейстер должен быть сочинителем танцев, мыслящим хореографическими образами. Тогда он и сам становится режиссером. Петрову Морозов помог — его придумки украсили спектакль, придали целостность.

Спальник — Д. Смилевски, Царь — Д. Савин

Театральное произведение – всегда пересказ, интерпретация. Собственно, и в произведении Ершова явно прослеживаются фольклорные источники. В то же время его сказка раздвинула сказочный сюжет, оказалась не просто оригинальной, а концептуальной, наполненной скрытыми смыслами. Вообще, читать ее дело увлекательное, еще занимательнее разбираться в образной природе персонажей. Про Конька-горбунка, например, сказано, что ростом он ровно три вершка. Мы бездумно пропускаем это свидетельство, не представляя реальных размеров лошадки. Вершок — примерно 4,5 см, получается, рост Конька, всего-то, 13,5 сантиметров. А уши у него при этом аршинные — то есть длиннее 70 сантиметров. Разгадка в том, что Конек-горбунок — не жеребчик и даже не ослик, а заветная детская игрушечка-конек. Может, деревянная, или глиняная. Она олицетворяет мечту русского человека о свободном радостном труде и надежду на добрые волшебные силы, которые помогут в сложных жизненных обстоятельствах. Литературоведы находят в произведении массу отсылок к историческим персонажам – Борису Годунову, который до восшествия на престол, как и ершовский Иван, служил конюшим. Над Иваном, оклеветанным как «басурманин, ворожей», держащий «католицкий крест», нависает тень Лжедмитрия I, который планировал ввести в Московском государстве римско-католическую веру. Считается, что в эпизоде с чудо-юдо рыбой-китом, проглотившим 30 кораблей, зашифрованы тридцать декабристов, сосланные в Сибирь. В спектакле Петрова кит есть. Но других ассоциаций — кроме сказочных- не вызывает. В виде декорационной конструкции он на короткий миг формально плавно опустится из-под колосников и туда же благополучно и бессмысленно уплывет. Понятно, что балетный спектакль строится по другим – театральным – законам, нежели литература, и все же жаль, что при переводе на язык сцены, спектакль приобрел подобную легковесность. Вообще в новом «Коньке» много схематичного.

Сказка Ершова написана хореем (греч. χορεῖος, букв. – плясовой, от χορεῖα – хор, пляска, хоровод). И это, «танцевальность» литературного произведения, оказалась определяющим подспорьем композиционной структуры балета.

Главные герои Иван и Конек – отклонение от нормы. Первый – дурак, второй – невзрачен. Точнее, уродлив с общепринятой точки зрения. В то же время, Конек – персонифицированная сущность Ивана. Олицетворение человеческого начала, в котором – доброта, верность в дружбе, желание оказать помощь, не зиждутся на прагматизме. Не это ли духовное единство персонажей направляло балетмейстерскую фантазию Петрова, лексически объединившего Ивана с Коньком. Во всяком случае, Коньку не придуманы пластические характеристики. Визуально «конская природа» заглавного героя подчеркнута первым его первым появлением с маской лошадиной головы, да пышной копной серебряно-голубых волос, напоминающих лошадиную гриву. Так будет и дальше: артисты затанцуют вполне привычными прыжковыми комбинациями, а образы лошадей создадут выглядывающие из кулис и качающие кукольными мордами кони-манекены.

Показав неровность хореографии, с энтузиазмом решены жаркая пляска народного гуляния на ярмарке и финальное ликование русичей, несколько замысловатый ансамбль Жар-птиц, картина подводного царства. Она в какой-то момент показалась затянутой. Чай, не ансамбль Петипа с его гармонией и узорной красотой, которой можно наслаждаться. Долгое отсутствие внешнего действия не компенсировалось хореографической изобретательностью.

Подчеркнуто гротесковым предстал царский двор. Этот правитель вовсе не Царь Дадон и не Царь Горох, а неведомый европейский монарх-самодур — глупый, завистливый и алчный с набором пантомимных шуток-штампов. Таким по заданию балетмейстера рисует его великолепный актер Денис Савин. Рядом уморительная дородная Ключница-Анастасии Меськова. В исполнении яркой артистки заботливая нянечка, не утратила эмоциональной пылкости. Мастерство артистов Большого театра всегда спасительно. Но что касается сугубо хореографического юмора, очевидно, это не самая сильная сторона таланта балетмейстера. При похищении Жар-птицы, Конек так огрел бедняжку ухватом по голове, что жертва потеряла сознание. Очевидно, придумавший мизансцену, считает ее смешной. На самом же деле она выглядит шокирующе грубой, даже аморальной. Обращенному в сторону Баланчина, Максиму Петрову стоит поучиться тонкому пластическому юмору у Роббинса и Крэнко. Впрочем, чувство это природное.

Стремление авторов спектакля его натужно «осовременить» обернулось поверхностной разработкой психологии действующих лиц, а также выхолощенным оформлением. Перед художником-постановщиком Юлианой Лайковой маячило слово «стильность», если не «гламурность». Так появилась «обугленная» пустая изба, пространство огромной сцены обрамил черный кабинет, порой зияющий пустотой (иногда взгляд разнообразит видеоконтент Игоря Домашкевича). Удачей стал набивной красный занавес, загадочно мерцающий в царской опочивальне. Зато недоумение вызвала перевернутая золоченая люстра, почему-то примостившаяся у государева ложа, будто сорвалась с потолка. Лучшее впечатление произвела монументальная конструкция поблескивающей Серебряной горы. Ее подножие усеяно ветками папоротника, который из зеленого становится золотым – напоминание народного поверья славян о папоротнике, зацветающим в ночь Ивана Купала (художник по свету Константин Бинкин). Эстетический разброд и в костюмах. Трудно объяснить, что за намордники на лицах мамок и сеточки на их головах? Кто-то из них в пуантах, кто-то на каблуках… что бы это значило?

Жар-птица — Е Кокорева, Конек-горбунок — А. Путинцев

Роскошно-красивыми получились «хвостатые» тюники Жар-птиц, а также выдержанные в академическом ключе с элементом дизайна «пенные» пачки Царицы дна (Анастасия Смирнова) и Сирен. Элементами модернизма повеяло от облачений «народа», русскость которого нарочито подчеркнута косами и кокошниками. Наряд Ивана напоминает исподнее. Аналогична «пижама» у Конька. Куда эффектнее выглядит пылающий красный костюм Спальника. Да и сам исполнитель Дмитрий Смилевски затмил остальных рельефностью игры и безупречным танцем. Артист купается в роли, порождая догадки, что концепция персонажа, его образный строй и пластика рождалась у балетмейстера из наблюдений над индивидуальностью танцовщика. Актерская самобытность Смилевски не упустила ни одной детали в прорисовке портрета Спальника, что привело к впечатляющей художественной значительности результата.

На протяжении спектакля главный женский образ развивается. Поначалу это Жар-птица — диковатое сказочное существо с характерной птичьей повадкой, в дальнейшем Птица неожиданно оказывается Царь-девицей — изысканной царевной с романтическим флером, ну а в конце перед зрителями просто девчушка, словно шагнувшая на академическую сцену с городской улицы: движения утрачивают «царственное» благообразие, приобретают бытовую натуралистичность и бесшабашность. Во всех ипостасях образа Елизавета Кокорева органична, одинаково убедительна.

Алексей Путинцев – танцовщик первоклассный. У него миловидное лицо, могучие мускулы, актерское обаяние. Но придать своему Коньку большую значимость, чем позволяют тесноватые рамки партии, исполнитель при всем желании не может.

Махар Михалкин подкупает светлым мальчишеским обликом и тем, с каким азартом танцует, искренне проживая жизнь своего Ивана. Танцовщик еще в процессе мужания, а значит, лирическим интонациям только предстоит подкрепиться героическими, расширив технический арсенал артиста.

Музыкальный руководитель постановки Валерий Гергиев. По-видимому, именно он инициатор возвращения партитуры Щедрина на Историческую сцену. Валерий Абисалович дирижировал премьерой. Но в тот день за пультом стоял Павел Клиничев, воспринявший тонально-гармонические сопряжения Щедрина, понимание композитором национального мелоса, его способность искрится юмором лубка.

Фотографии предоставлены пресс-службой Большого театра

================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025061301
Тема| Балет, , Персоналии, Игорь Стравинский
Автор| Алексей Мокроусов
Заголовок| На энергии сопротивления
Где опубликовано| © Theblueprint
Дата публикации| 2025-06-06
Ссылка| https://theblueprint.ru/culture/dance/igor-stravinski-ballet
Аннотация|

Сегодня в Музыкальном театре имени Станиславского и Немировича-Данченко состоится вечер балетов «Петрушка» и «Жар-птица». В июле в Большом театре Андрис Лиепа представит своего «Петрушку» и поставит точку в балетном сезоне, который смело можно назвать сезоном Стравинского (весной Пермский театр оперы и балета показал «Орфея» Алексея Мирошниченко, а Вячеслав Самодуров поставил «Танцсцены» на музыку Симфонии in C Стравинского. В чем секрет популярности балетов Игоря Стравинского сегодня и что важно знать о самых важных из них — «Жар-птице», «Петрушке» и «Весне священной», рассуждает критик, создатель Московского книжного журнала и специалист по истории русской культуры первой половины ХХ века Алексей Мокроусов.

Самым популярным балетным автором у нас является Стравинский — утверждение если и звучит преувеличением, то не сильным. Если посмотреть на балетную афишу страны, то вряд ли кто затмит сегодня Игоря Стравинского (1882–1971). Здесь и премьеры, и возобновления — от «Петрушки» и «Жар-птицы» в Музыкальном театре им. Станиславского до «Петрушки», которого в июле в Большом ставит Андрис Лиепа, от «Орфея» в Пермском театра оперы и балета до «Танцсцен» Вачеслава Самодурова в Мариинке. Добавим сюда пересочинение Алексеем Сысоевым «Весны священной» для биг-бенда, прозвучавшее в конце мая в «ГЭС-2».

Откуда такая любовь к музыке, созданной век назад? Нечего играть? Магия образа? Историческая память масскультуры, заложенная мультфильмом Уолта Диснея? Он использовал большой фрагмент «Весны священной» в хрестоматийном двухчасовом мультфильме «Фантазия» (1940), где Стравинскому изменили сюжет, превратив его в историю зарождения жизни на Земле (захочется посмотреть этот отрывок, он начинается на 39-й минуте).

Оперы Стравинского идут по всему миру, но не так часто,
как оперы другого классика ХХ века, Рихарда Штрауса. Зато балеты Стравинского — хиты уже более века. В мире «Весну священную» каждый год ставят в новой интерпретации в среднем по два раза, не говоря уже о прежних премьерах.

При этом сколько всего балетов у Стравинского, посчитать не так уж и просто. Кроме музыки, которую он написал специально или перерабатывал, как оперу «Соловей» (поставили с костюмами Матисса), есть немало постановок на «просто произведения». В биографии того же Баланчина более 30 спектаклей на музыку Стравинского — столько балетов он точно не написал.

«Пульчинелла», Мариинский театр, 2024

В орбите Дягилева

Но есть несколько шедевров, которые задумывались и создавались с самого начала как балеты. Первым заказчиком был Сергей Дягилев (1872–1929), создатель «Русских сезонов» в Париже, главный революционер-реформатор в истории балета последнего века. Значение Дягилева для истории балета трудно с чем-то сравнить. Дело не только в том, что Дягилев сделал главным героем балета танцовщика, а не танцовщицу, хотя успех Нижинского был беспримерным. Он вернул считавшемуся несерьезным и даже низким жанру ореол блеска и славы. Благодаря его усилиям важнейшие композиторы эпохи стали писать музыку для балета, что в конце XIX века считалось занятием малопочтенным, и Чайковский выглядел исключением. На волне успеха первых постановок, выполненных «русской командой» — Фокин, Бенуа, Бакст, Головин, — с Дягилевым стали работать важнейшие европейские художники. На премьеры собирался «весь Париж», что было важно для Дягилева — он как-то обмолвился, что все, что создает, делается для тридцати людей именно в Париже. В итоге о его спектаклях писала пресса по всему миру.

От Дягилева получил приглашение к сотрудничеству и молодой и буквально мало кому известный Стравинский, — услышав «Фейерверк», Дягилев вскоре заставил композитора отложить все планы и срочно писать балет «Жар-птица». История об Иване-царевиче, который освобождает из царства Кащея босоногих царевен, а помогает ему в этом Жар-птица (на премьере ее танцевала Тамара Карсавина), — это редкий сюжет из русского фольклора, который не был использован Римским-Корсаковым, учителем Стравинского. «Русские сезоны» меж тем нуждались в национальном репертуаре, и ставка Дягилева сыграла. На премьере постановки Михаила Фокина, которая прошла 25 июня 1910 года в Парижской опере (декорации делал Александр Головин, позднее балет оформила Наталья Гончарова) были главные парижские ньюсмейкеры—– Пруст и Клодель, Равель и Дебюсси, их оценки во многом определили не только будущее «Сезонов», но и роль русского фольклора в балетах, притом что Стравинский стилизовал народную музыку, не всегда используя конкретные мелодии. Хотя в «Петрушке», например, опознаются «Под вечер осени ненастной» и «Чудный месяц», не говоря уже о «Вдоль по Питерской», «Ах вы, сени, мои сени» и плясовой «А снег тает».

Сьюз Прайссер и Петер ван Дейк танцуют в балете Игоря Стравинского «Жар-птица», 1952

Фольклор, национальное своеобразие в «Русских сезонах» понимались как ключевая особенность. Правило распространялось на всех — в 1915 году Прокофьев писал коллеге: «Самое передовое течение, которое исповедуют и Стравинский с Дягилевым, теперь такое: долой патетизм, долой пафос, долой интернационализм. Из меня делают самого что ни на есть русского композитора». Самого Прокофьева Дягилев называл одним из своих «сыновей»: «У меня трое детей», любил он повторять, начиная перечисление Стравинским и упоминая еще забытого сегодня композитора Владимира Дукельского.

Томные вздохи русской души и ужас напоказ

В образе Петрушки иные видят сейчас несчастного художника, задушенного как равнодушием Балерины, влюбленной в одноклеточного Арапа, так и жестокосердием Фокусника, — отсюда рождаются проекции на отношения Нижинского и якобы погубившего его Дягилева. Но балет создавался как озорство и баловство, как гимн ярмарочной культуре, из которого потомки теперь нарезают удобные им смыслы.

Игорь Стравинский и Вацлав Нижинский в костюме Петрушки

При этом есть в «Петрушке» какая-то отстраненность, дистанция автора по отношению к персонажу; кажется, композитору неведомо слово «сострадание». Как сказал по поводу музыки Стравинского философ и музыковед Теодор Адорно, «ужас она созерцает с некоторым сочувствием, но не просветляет его, а безжалостно выставляет напоказ». На это в своем очерке о Стравинском заочно отвечал Жан Кокто, когда писал о «Весне священной»: «От понимания дилетантов, привыкших к разжевыванию, ускользало созидательное начало чуждой томным вздохам русской народной души, пронизывающее это стремительное, как барабанная дробь, произведение». Кокто принадлежит и другая афористично-критическая мысль о героях «Весны»: «Эти легковерные люди воображают, будто жертвоприношение девушки, избранной из их среды, необходимо для очередного прихода весны».

Конечно, не томные вздохи обеспечили «Петрушке» бессмертие. Вместе с другими шедеврами «Русских сезонов» — «Шехеразадой», «Весной священной» и «Парадом» — он изменил само представление о балете. Из места утех стареющих меценатов тот превратился в новый «гезамткунстверк», тотальную инсталляцию, где равноправны движение, музыка и декорации. Последние особенно важны. Стравинскому удалось поработать не только с крупнейшими постановщиками века от Вацлава Нижинского до Джорджа Баланчина. Над балетами эпохи «Русских сезонов» трудились художники первой величины от Гончаровой и Ларионова до Пикассо и Матисса, Александр Бенуа сделал «Петрушку» настолько эффектно, что теперь зачастую либо копируют старые декорации, либо предпочитают абстрактные. Если хочешь здесь чему-то научиться, чем-то воспользоваться, выбора нет. Научиться здесь можно только одному — думать без запретов, смотреть на мир без шор. Не все смогли сразу с этим согласиться.

«Петрушка»,
Большой Театр, 2018

Среди критиков «Петрушки» оказалась и семья Римских-Корсаковых. Вдова композитора сочла, что Стравинский «прямо издевается» над русской музыкой, что «он разрушитель музыкальных заветов своего учителя, он чужд ему по духу и далек от него», а сын классика, друживший с Игорем, увидел в «Петрушке» «смесь русской сивухи (“народные сцены”) с французскими духами (“кукольная комедия”)». Надо сказать, что Стравинский предвидел это перед премьерой, — точно так же, как год спустя компания, собравшаяся накануне премьеры «Весны священной»: Равель, Андре Жид, Нижинский, Дягилев, Стравинский, сошлась во мнении, что завтра будет скандал. Он и случился.

Жертвоприношение коллективу: вперед, к архаике?

Сперва «Весна священная» называлась «Великая жертва». Соавтором Стравинского стал художник Николай Рерих, написавший сценарий балета, хотя композитор уверял, что ему первому привиделись сцены жертвоприношения (интересно, что в конце жизни все участники дягилевских сезонов пытались в интервью и мемуарах перетянуть одеяло на себя; особенно страдал этим Бенуа).

«Весна священная», наверное, самый знаменитый балет Стравинского, полный энергии сопротивления, ощутимой и сегодня. В России его не так уж и часто ставят. Меж тем великий французский дирижер и композитор Пьер Булез считал «Весну» главной в истории ХХ века:

«Весна священная» по-прежнему служит точкой отсчета для всех, кто хочет установить дату рождения музыки, которую все еще зовут «современной». Своего рода манифест, в том же духе и, возможно,
по тем же причинам, что и «Авиньонские девицы» Пикассо, она не прекращает вызывать похвалу и полемику.

И можно добавить: не перестает удивлять музыкой, куда более сконцентрированной, чем традиционные трехактные балеты. Дягилев среди прочего ввел моду на короткие одноактовки, и в начале ХХ века это произвело тот же эффект, как если бы сегодня поклонники телесериалов вернулись к формату Тарковского и Антониони. Но сама по себе концептуальность «Петрушки» и «Весны священной» вряд ли позволила бы им царить на сцене так долго: не все балеты «Русских сезонов» стали безусловной классикой. Но проблема в том, что действительно хорошей балетной музыки не так уж много, — хорошей не только на слух, но и позволяющей хореографам каждый раз работать с ней словно впервые. Впрочем, и о традиции все помнят. как помнит актер, читающий «Быть или не быть», предыдущие исполнения.

Музыка «Весны» — действительно фантастическая, она требует сложных хореографических решений, что показал и спектакль Татьяны Багановой, поставленный сперва в Большом театре, откуда из-за своей радикальности — это спектакль о несвободе и неравноправии, — он быстро исчез, и возобновленный недавно в Новой Опере, выкупившей у Большого декорации. Первым постановщиком был Вацлав Нижинский, легендарный танцовщик, поставивший всего четыре балета — кроме «Весны» это «Послеполуденный отдых фавна», «Игры» и «Тиль Уленшпигель». Четырех хватило, чтобы войти в историю, прежде всего благодаря «Фавну» с его знаменитой эротической сценой в финале, а также «Весне», на премьере которой уже на первых минутах представления разгорелся немыслимый скандал, едва не вылившийся в массовую потасовку. Впрочем, судя по всему, хореография Нижинского даже не успела возмутить публику, в числе которой были Габриэле Д’Аннунцио, Клод Дебюсси, Коко Шанель и Марсель Дюшан, — после открытия занавеса ее сразу шокировали языческие декорации Николая Рериха, но еще больше — первые такты музыки Стравинского. Эти первые минуты балета с последующими волнениями в зале хорошо показаны в фильме «Коко Шанель & Игорь Стравинский» (возможно, это вообще лучшие сцены в фильме Яна Кунена). Если можно о чем-то сказать, что вот он — ритм эпохи, то это, конечно, о «Весне священной», задуманной сразу после завершения «Петрушки», и эта их связь не случайна, пишет один из лучших знатоков музыки ХХ века философ Теодор Адорно:

При всей стилевой противоположности между кулинарно разукрашенным балетом и балетом суматошным у них есть общее ядро: антигуманистическое жертвоприношение коллективу, жертва без трагизма, и осуществляется она
не ради прославления образа человека, а с целью слепого подтверждения самой жертвой собственного положения, будь то через самоосмеяние или же посредством самоустранения. Этот мотив, полностью детерминирующий позицию музыки, прорывает шутливую оболочку «Петрушки» и выступает в «Весне священной» как нельзя более серьезно.

Потому, считал Адорно, «Весну священную» «невозможно было поставить в Третьем рейхе с его бесчисленными человеческими жертвоприношениями, когда всякий, кто отваживался признавать практическое варварство непосредственно в идеологии, попадал в опалу».

Но для искусства не менее важно наблюдение графа Гарри Кесслера, будущего либреттиста еще одного дягилевского балета, «Легенды об Иосифе». В ночь после премьеры он писал в дневнике: «Совершенно новая хореография и музыка. Внезапно возникло абсолютно новое видение, нечто доселе неведанное, захватывающее, убедительное; новый род дикости одновременно в искусстве и не-искусстве: всякая форма разорена — и из хаоса рождается вдруг новая».

Рецензент «Фигаро» Кесслера читать не мог и потому наутро выразил настроение буржуазии, крупной, средней и мелкой одновременно:

Сцена изображает человечество. Справа сильные молодые люди собирают цветы, в то время как трехсотлетняя старуха безумно пляшет. На левом краю сцены старый человек изучает звезды, в то время как то тут, то там приносят жертву богу света. Такое публика не стерпела. Она освистала пьесу. Несколько дней назад она, может быть, еще аплодировала бы. Русские, не особо разбирающиеся в приличиях и обычаях стран, в которые приезжают, не знали, что французы без церемоний начинают протестовать, когда глупость достигает предела.

К счастью, нравы модной публики переменчивы, как настроение младенца. Уже следующий спектакль закончился овациями, история балета изменилась навсегда. Вопрос, изменилась ли легковерная публика на сцене и в самом зале, о которой писал Кокто, остается открытым.

ФОТО:
GETTY IMAGES, АРХИВ ПРЕСС-СЛУЖБЫ

==========================================================================
ВСЕ ФОТО - ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025061401
Тема| Балет, БТ, МГАХ, Выпускной, Персоналии,
Автор| Павел Ященков
Заголовок| В Большом театре прошли отчетные концерты
Московская академия хореографии восстановила популярнейшие советские балеты
Где опубликовано| © "Московский Комсомолец"
Дата публикации| 2025-06-13
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2025/06/13/v-bolshom-teatre-proshli-otchetnye-koncerty.html
Аннотация| Выпускной концерт

На Исторической сцене Большого театра прошли отчетные концерты выпускников Московской Государственной академии хореографии.

Леонид Фролов и Ксения Егорова в дуэте из балета «Призрачный бал».Фото Батыр Аннадурдыев. Предоставлено МГАХ

Два трехчастных вечера подряд показывали две программы, частично совпадающие (в первом и втором отделении, но представлявшие в них разных учеников), частично отличающиеся третьим отделением: в первый вечер в нем показывали сюиту из знаменитого советского балета «Лауренсия»; во второй - третью картину (сцену бала) из балета «Лебединое озеро» в хореографии Юрия Григоровича.

ДАЛЕЕ - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025061402
Тема| Балет, "Дягилев", Костюмы, Персоналии, Игорь Чапурин
Автор| корр.
Заголовок| Игорь Чапурин превратил Сергея Дягилева в пижона: модельер показал костюмы к новому балету
Где опубликовано| © METRO
Дата публикации| 2025-06-11
Ссылка| https://www.gazetametro.ru/articles/igor-chapurin-prevratil-sergeja-djagileva-v-pizhona-modeler-pokazal-kostjumy-k-novomu-baletu-11-06-2025
Аннотация|

В преддверии премьеры балета "Дягилев" на сцене Большого театра в бутике CHAPURIN прошла презентация костюмов к спектаклю

24 и 25 июня на Новой сцене Большого театра пройдёт мировая премьера балета "Дягилев" – о судьбе величайшего импресарио прошлого столетия и истории создания балета "Дафнис и Хлоя", чей незатейливый сюжет о любви покорил французскую публику в 1912 году в Париже на гастролях русских танцовщиков. Спектакль задуман как "балет в балете", где репетиционный процесс и постановка "Дафниса и Хлои" перекликаются с основной сюжетной линией героев. Их будет несколько: Морис Равель (премьер Большого театра Вячеслав Лопатин), Лев Бакст (премьер Большого театра Денис Савин), Михаил Фокин (премьер Большого театра ), Вацлав Нижинский (премьер Большого театра Дмитрий Смилевски) и Тамара Карсавина (прима Большого театра Элеонора Севенард). Роль самого Сергея Дягилева исполнит премьер Большого театра Денис Родькин, который и стал одним из авторов идеи балета.

– Я подумал, что надо поставить спектакль не то чтобы про жизнь Дягилева, а про его внутренний мир, его таланты, мышление и его видение искусства, – рассказывает Родькин. – В спектакле я сначала отводил себе роль Нижинского, а потом наш режиссёр Сергей Глазков предложил сделать Дягилева тоже танцующим. У нас получился двухактный балет: первое отделение – 50 минут, второе – 30 минут. Жизнь Дягилева была настолько многогранной, что за такой короткий спектакль мы покажем только основные его идеи и устремления.

Костюмы к "Дягилеву" создал известный российский дизайнер Игорь Чапурин, который работает для балета и Большого театра далеко не впервые: в 2005 году он создал костюмы для возобновлённой постановки "Предзнаменования" Леонида Мясина, в том же году на сцене Большого показали "Игру в карты" с костюмами Чапурина на музыку Игоря Стравинского.

– Для меня как для дизайнера всегда было важно, что жизнь балует меня тем, что великие хореографы и великие танцовщики, с которыми я работал, позволяли мне учиться на их совершенстве, их идеальном профессионализме, – рассказал Игорь Чапурин на презентации. – И для меня до сих пор, несмотря на то что я сделал уже много всего по миру, каждый спектакль – это большое поклонение перед теми людьми, которые мне доверяют, потому что, как бы то ни было, я всё равно фешн-дизайнер, человек из другого мира.

В "Дягилеве" на Игоре Чапурине лежит двойная работа: он отвечает и за костюмы, и за декорации. По словам дизайнера, декорации к спектаклю будут полностью перевёрнутыми, ассоциирующимися с "перевёрнутой" жизнью и душой импресарио.

– Наш спектакль исторический, но я дизайнер и поэтому стараюсь давать своим проектам какое-то модное прочтение, – говорит Игорь Чапурин. – Современные люди хотят видеть новое, поэтому наш Дягилев пижон, он графичен, моден и красив.

Костюмы к новому балету, которые представили журналистам в бутике модельера, вдохновлены стилем эпохи и балетами труппы Дягилева: так, на платьях танцовщиц будут вручную нарисованные абстрактные орнаменты – проекция костюмов дягилевских балетов, в которых многое рисовалось и шилось вручную. Сам главный герой будет в модном жилете, Тамара Карсавина – в полупрозрачных платьях из органзы, Михаил Фокин – в стёганом корсете, Вацлав Нижинский – в изумрудном трико, Морис Равель – в мягком пиджаке, Лев Бакст – в рубашке с орнаментом. Дягилев не останется и без своих пальто и цилиндра, которые хорошо известны по его фотопортретам, более того, его пальто в спектакле примерят на себя все герои как символ того, что все они испытали на себе мощное влияние импресарио, буквально "вышли" из его пальто.

– Игорь может сделать для балета такие брюки, в которых можно свободно делать шпагаты, прыгать, поднимать партнёршу, – рассказал Денис Родькин. – То же касается и пальто: он может сделать так, что такая вещь будет и удобной, и соответствующей эпохе, о которой мы рассказываем на сцене.

======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025061403
Тема| Балет, Саранский Театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Олег Габышев
Автор| Мила Мельникова
Заголовок| Саранский Театр оперы и балета откроет сезон «Дарами волхвов»
Где опубликовано| © "Известия Мордовии"
Дата публикации| 2025-06-13
Ссылка| https://izvmor.ru/novosti/kultura/saranskij-teatr-opery-i-baleta-otkroet-sezon-darami-volhvov/
Аннотация| Премьера

Театр оперы и балета им. И.М. Яушева официально завершил сезон.

Однако отпуск для творческого коллектива ещё не начался. Напротив, яушевцы активно готовятся к следующему, юбилейному сезону.

К примеру, артисты балета вовсю репетируют новые хореографические спектакли под руководством Заслуженного артиста России Олега Габышева.

Олег Габышев – ведущий солист Санкт-Петербургского театра балета Бориса Эйфмана, лауреат премий «Золотая Маска» и «Золотой Софит», как исполнитель отмечен премией Президента РФ и как хореограф – премией Международного Московского конкурса им. Григоровича. При этом многие годы серьёзно занимался триатлоном, участвовал в мультиспортивных гонках, включающих непрерывное последовательное прохождение трёх этапов – плавания, велогонки и бега.

Как приглашенный солист и постановщик сотрудничает с театрами Казани и Уфы.

С саранскими артистами Олег Габышев ставит одноактные балеты — свою версию «Египетских ночей» на музыку Антона Аренского и «Дары волхвов» по рождественской новелле О`Генри, оригинальную музыку для которых написал современный композитор Кузьма Бодров.

Как выяснил журналист «ИМ», «Дары волхвов» создаются специально для яушевского театра.

Премьеру зрители увидят уже в сентябре.

Но этим приятные сюрпризы юбилейного сезона не ограничатся. В ноябре яушевцы планируют показать ценителям хореографии премьеру ещё одного уникально балетного спектакля – «Фёдор Ушаков», над которым работают московский композитор Ерджаник Оганесян и санкт-петербургский балетмейстер Антон Дорофеев.

Елена С.

Премьерой Челябинского театра оперы и балета им. М.И. Глинки продолжился XVI Международный фестиваль балета «В честь Екатерины Максимовой». На сцене челябинского театра по мотивам знаменитой оперы Жоржа Бизе поставили балет-феерию «Кармен».

Сюжет закручивается довольно лихо: получился гремучий коктейль из классической новеллы французского писателя Проспера Мериме и либретто знаменитой оперы Бизе. Оба произведения довольно сильно отличаются друг от друга по фактической основе и даже по трактовке характеров героев. Но общая суть от этого не меняется. Хозе и Кармен: история о страстной любви и молниеносном кровавом разрыве. Постановка челябинского театра именно об этом. Кстати, есть мнение, что к цыганской тематике Мериме обратился под влиянием пушкинской поэмы «Цыганы», которую он перевел на французский язык.

В театре обновленную версию «Кармен» называют балетом-феерией. Но, строго говоря, постановка стала синтезом балетного и оперного искусства. Таково было требование театра к хореографу-постановщику Надежде Калининой. Работы хореографа хорошо знакомы челябинской публике. Истории о роковых женщинах Надежда не раз воплощала на сцене нашего театра: «Мата Хари», «Сказки Гофмана», «Любовь и страсть Иды Рубинштейн» и другие.

— «Кармен» — шлягер с довольно длинной историей, — размышляет Надежда Калинина. — Ставить такой спектакль вдвойне труднее и ответственнее. Все уже точно знают, какой должна быть Кармен, как она должна одеваться, как вести себя. Мы разрушали стереотипы, экспериментировали, создавали новый жанр, можно сказать. Я с удовольствием работаю с челябинскими артистами. Здесь сильная балетная и оперная труппа.

Балет-феерия получился очень плотным по наполненности действием. Зритель ни на секунду не успевает отвлечься, а уж тем более задремать. Сцена поделена на несколько вертикальных уровней. Основной планшет сцены отдан во власть артистов балета, здесь разворачивается основное действие. Второй этаж декораций выстроен специально для солистов оперы и артистов хора. Два мира искусства существуют почти параллельно, их объединяет музыка во главе с дирижером и оркестром. Но в результате рождается сплав страсти, эмоций, бурлящей энергии.

Столь необычный подход к знаменитому сюжету внес еще некоторые изменения в сложившиеся постановочные традиции. На челябинской сцене основные главные герои появляются в удвоенном варианте: Хозе, Кармен, тореадор Эскамильо, Микаэла и Моралес. Каждую из партий одновременно исполняет один солист балета и один солист оперы. Впервые знаменитые оперные арии можно настолько темпераментно визуализировать. Кто-то может сказать, что от этого пострадал музыкальный первоисточник, но мы сразу видели на премьерной афише уточнение: «балет-феерия по мотивам одноименной оперы».

«Кармен» теперь балет, поэтому все внимание публики постановщик приковывает к хореографическому действию. Партию Кармен в премьерных спектаклях исполнила Виктория Дедюлькина, образ Хозе воплотил на сцене Алексей Шакуро. Их вокальными двойниками стали Мария Гуйтар и Павел Чикановский.

— В Кармен я влюбилась еще в юности, — делится Виктория Дедюлькина. — Во время учебы мне довелось станцевать вариацию Кармен, но в иной хореографии. Мне понравился этот чувственный темперамент, взрывной характер, харизма молодой цыганки. По внутренней энергетике эта роль мне очень подходит. С хореографом мы работали над всеми мизансценами, выстраивали взаимоотношения с каждым персонажем, прорабатывали линии поведения. Рада, что в моей творческой копилке появилась Кармен!

Отдельно стоит отметить восхитительно шикарную работу художника по свету. Для работы над спектаклем пригласили Ивана Виноградова, лауреата национальной театральной премии «Золотая маска». И надо сказать, результат виден с первых же секунд! Порой возникало ощущение, что мы наблюдаем за постановкой какого-то столичного театра, настолько тонко выверена функция каждого луча света. Несмотря на объемные высокие декорации, сцена челябинского театра как будто бы увеличилась в размерах и легко превращалась то в городскую площадь, то в логово контрабандистов. Одежду для сцены, декорации, костюмы создавал художник-постановщик Сергей Новиков, лауреат премии «Золотой софит».

— В оформлении спектакля мы использовали образы, которые так или иначе связаны с Кармен, с Испанией, — рассказывает Сергей Новиков. — Кропотливую работу проделали цеха театра. Над сценой парят огромные веера. Этот же мотив использован в качестве орнамента на костюмах героев. Розы, бой быков, тореадоры, стилизованная арена — все это есть в нашей постановке. Второй ярус появился неслучайно. Есть сцены, в которых единомоментно задействовано большое количество артистов. За счет усложнения декораций мы решили эту проблему.

Балет «Кармен» на музыку Жоржа Бизе вызвал неоднозначную реакцию у публики. Первые зрители с восторгом ринулись спорить в соцсетях о преимуществах и недостатках того или иного режиссерского решения. Верный признак, что постановка будет иметь успех и проживет на челябинской сцене интересную жизнь. Наверное, такие изюминки должны быть в репертуаре каждого театра. Главное, не переборщить с таким изюмом в афише. 16+

====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025061502
Тема| Балет, "Золотая маска", Театр оперы и балета Республики Саха, Персоналии,
Автор| Елена Степанова
Заголовок| В Москве якутский балет по мотивам эпоса Олонхо покорил сердца зрителей
Где опубликовано| © "Российская газета"
Дата публикации| 2025-06-11
Ссылка| https://rg.ru/2025/06/11/reg-dfo/v-moskve-iakutskij-balet-po-motivam-eposa-olonho-pokoril-serdca-zritelej.html
Аннотация|

Более полутора тысяч зрителей в Белокаменной посмотрели якутский спектакль, претендующий на Российскую национальную театральную премию "Золотая маска". Его показали более ста якутских артистов балета и оркестра в Центральном академическом Театре Российской Армии, сцена которого по праву считается самой большой в Европе.

Фото: Кристина Новгородова / Государственный театр оперы и балета Республики Саха имени Д.К. Сивцева-Суорун Омоллоона

Ее масштабы диктовали свои условия, и специально для показа якутский театр дошивал свои декорации и арендовал балетный линолеум, которого не оказалось в Театре-Звезде.

Зрители этнобалета "Сияющий камень" стали свидетелями рождения интересной современной легенды о якутских алмазах, положенной на древний эпос олонхо.

Три удаганки, создавшие прекрасный бриллиант в дар людям для красоты, любви и мира, шагнули из вечности в наш бренный мир, чтобы напомнить о его истинном предназначении. Из олонхо же явились зрителям и Боотуры Нижнего и Верхнего миров - это вечное противостояние светлых и темных сил.

Зрители очень хорошо приняли эту захватывающую незабываемую историю, мастерски рассказанную языком магии музыки, танца и света, долго не хотели отпускать полюбившихся артистов, несли цветы и аплодировали им стоя.

Сразу семь дипломов номинантов XXXI фестиваля "Золотая маска" получили балетмейстер-хореограф Екатерина Тайшина - номинант за "Лучшую работу постановщика спектакля", Мария Кузьмина за "Лучшую женскую роль в балете", Валерий Аргунов за "Лучшую мужскую роль в балете", Кирилл Герасимов за "Лучшую работу композитора в музыкальном театре", Сардана Федотова за "Лучшую работу художника по костюмам" и Иван Шандровский за "Лучшую работу художника по свету".

Балет Екатерины Тайшиной - лауреата приза авторитетного журнала "Балет" "Душа танца" в номинации "Маг танца" - настолько заворожил и в хорошем смысле потряс, что и зрители, и эксперты с удовольствием делились своими впечатлениями. Вот только некоторые из них.

Сергей Усанов, генеральный директор Международной Федерации балетных конкурсов, первый вице-президент Международного союза деятелей хореографии, заслуженный деятель искусств России:

- Это замечательный балет и по режиссуре, световой гамме и интересным, эффектным находкам. Я с особым вниманием следил за качеством хореографии и исполнительским мастерством солистов и ансамблей артистического состава.

Могу с большим удовольствием выразить свое глубокое удовлетворение и восторг по поводу стиля хореографической лексики, ее оригинальности, несущий и национальный колорит и вызывающий неподдельный интерес у публики.

От всей души поздравляю якутский театр с прекрасной профессиональной работой. Особенно мне приятно отметить талантливую хореографию лауреата наших конкурсов хореографов, а ныне руководителя балетной труппы якутского театра Екатерины Тайшиной, проявившей себя зрелым мастером классического танца! Браво, Екатерина!

Екатерина Беляева, музыкальный и театральный критик, обозреватель "Музыкального обозрения":

- Я с удовольствием посмотрела спектакль "Сияющий камень", который театр смог позиционировать как мировую премьеру, заказав композитору Кириллу Герасимову оригинальную партитуру. Замечу, что танцы Екатерины Тайшиной достаточно сложные, требующие от артистов виртуозности, энергии и выносливости. Поразило, как они справляются с этой задачей.

В спектакле "Сияющий камень", безусловно, была задана очень высокая планка. И артисты очень ответственно подошли к делу, им удалось блеснуть на чужой сцене - даже не балетной, а на большой драматической московской сцене с огромным количеством зрителей. Также поразило, как решена музыкальная концепция спектакля - она очень хорошая. Спасибо!

Татьяна Предеина, народная артистка России, организатор Международного фестиваля "В честь Екатерины Максимовой", который открылся показом двух якутских балетов - "Сияющий камень" и Геометрия движений":

- Это было нереально! Мне безумно понравилась якутская труппа. Для меня было неожиданностью, что ребята в такой хорошей форме, все с такими красивыми линиями и танцуют с таким азартом! Очень понравились исполнители, хореография.

Ну и напоследок.

Прекрасная легенда, сочиненная Владиславом Левочкиным, помноженная на талант постановщиков и мастерство артистов балета, оркестра под руководством Павла Васьковского, сделали успех спектакля, и он был колоссальным.

Сразу после Москвы в Челябинском Государственном Академическом театре оперы и балета им. М. И. Глинки якутский балет открыл XIV Международный фестиваль "В честь Екатерины Максимовой" двумя спектаклями - "Сияющий камень" и "Геометрия движения", где покорил челябинского зрителя.

Ну а итоги XXXI фестиваля "Золотая Маска" будут оглашены на торжественной церемонии 26 июня в новом здании театра Камала в Казани.

Специально для "Российской газеты" подготовила пресс-секретарь Государственного театра оперы и балета Республики Саха имени Д.К. Сивцева-Суорун Омоллоона Елена Степанова

====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025061601
Тема| Балет, проект TheatreHD, Венская опера, Персоналии,
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Па по сезонам
«Времена года» Венской оперы на отечественных экранах
Где опубликовано| © Газета «Коммерсантъ» №103/П от 16.06.2025, стр. 11
Дата публикации| 2025-06-16
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/7798010#id2834324
Аннотация|

В российских кинотеатрах проект TheatreHD представил очередную балетную кинопремьеру: спектакль Венской государственной оперы «Времена года», ораторию Йозефа Гайдна в постановке Мартина Шлепфера. В 130 минутах потока танцевального сознания хореографа едва не захлебнулась Татьяна Кузнецова.

Во «Временах года» физкультурная геометрия поз надежно скрывает смысл происходящего
Фото: Ashely Taylor / Wiener Staatsoper

ДАЛЕЕ - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025061602
Тема| Балет, «Астана Опера», , Персоналии, Бактияра Адамжан
Автор| Ринат Дусумов
Заголовок| Солист «Астана Опера» выступит на крупнейших сценах Японии, Австралии, Новой Зеландии и Китая
Где опубликовано| © МИА Kazinform
Дата публикации| 2025-06-16
Ссылка| https://www.inform.kz/ru/solist-astana-opera-vistupit-na-krupneyshih-stsenah-yaponii-avstralii-novoy-zelandii-i-kitaya-86d336
Аннотация|

Лето и осень 2025 года для ведущего солиста «Астана Опера» Заслуженного деятеля Казахстана Бактияра Адамжана пройдут под знаком большого гастрольного турне – от Японии до Австралии, Новой Зеландии и Китая. Об этом передает агентство Kazinform со ссылкой на пресс-службу театра.

Фото: danceopen.com

Как отмечают в «Астана Опера», за этим маршрутом стоят не просто выступления, а признание высокого уровня казахстанского артиста на мировой арене.

Уже 7 июля ведущий солист театра выйдет на сцену в японской Осаке в составе одного из самых престижных балетных проектов современности – «Роберто Болле и друзья» (Roberto Bolle and Friends). В этот вечер на сцене встретятся звезды первой величины, а Бактияр Адамжан станет единственным представителем Центральной Азии.

- Это не первое мое выступление с прославленным артистом Роберто Болле, - делится гордость казахстанского балета. – Мы уже работали вместе в Италии, Омане, Хорватии, других странах. Но Япония – особый случай: Р. Болле представляет здесь свое имя, свою команду в рамках «Экспо-2025». И ему нужны лучшие. Я очень рад, что попал в этот список, значит, я соответствую уровню.

После Японии – Австралия. Со 2 по 29 августа Бактияр Адамжан выступит в Ballet International Gala VI, крупнейшем балетном турне Зеленого континента. География обширна: престижные залы Австралии, Новая Зеландия и звезды из ведущих театров мира – Берлинской оперы, Мариинского, American Ballet Theatre. В программе – дуэты с Яной Саленко и молодой балериной из Брисбена Эбби Хансен, у которой подписан с сентября контракт с Венской оперой. Хедлайнером вечера объявлен Бактияр Адамжан.

- Ballet International Gala – для меня больше, чем проект. Это уже дружба. Я участвовал в первых четырех гала, и вот после перерыва в год возвращаюсь. Очень приятно, что меня помнят, приглашают. Этот проект не только открыл мне Австралию как танцовщику, но и влюбил в нее как в страну, здесь совершенно потрясающая природа, близкий по духу нам народ. Все здесь сделано для людей – особенно в Брисбене. Артистам организаторы создают невероятно комфортные условия, государство поддерживает культуру, уровень приема не падает, напротив растет с каждым годом, хотя это очень затратно. Даже в Европе проекты подобного рода единичны, - отмечает Бактияр Адамжан.

Его слова подтверждаются и спросом на участие: попасть на Ballet International Gala мечтают практически все топовые артисты мира. И не только из-за репутации. - Важно, с кем ты танцуешь. Но для меня главное, чтобы партнерша была легкая, - улыбается Б. Адамжан. – Я быстро адаптируюсь, готов выучить новую вариацию, поменять номер. У меня нет агента, я сам выстраиваю все контакты. Это важно и на будущее: проще договориться о гастролях казахстанских артистов, когда есть прямая связь с зарубежными партнерами. В том числе мне часто пишут организаторы казахстанских фестивалей с просьбой соединить их с тем или иным иностранным артистом, и я с радостью помогаю.

Такой подход к делу, гибкость и профессионализм делают Бактияра Адамжана востребованным на самых разных площадках.

Следующая остановка – Китай. В октябре Бактияра Адамжана пригласила лично прима-балерина мирового уровня, главная танцовщица Английского национального балета Алина Кожокару, которая проводит свои авторские вечера. Макао, Шанхай, Пекин, Гуанчжоу – крупнейшие сцены Поднебесной станут ареной новых достижений нашего соотечественника.

Но гастроли – не все. Бактияр Адамжан смотрит в будущее шире: он хочет не только продвигать казахстанский балет в мире, но и сделать Казахстан точкой притяжения мировых звезд.

- Сейчас я работаю над тем, чтобы пригласить в нашу страну артистов с именем. У нас есть замечательный театр «Астана Опера», есть зритель, есть потенциал. Поэтому хочу сделать следующий шаг в сторону развития отечественного балета, - заключил Бактияр Адамжан, которого совсем недавно итальянский балетмейстер Луиджи Бонино назвал лучшим танцовщиком мира.

Елена С.

Мария Абашова недавно была удостоена звания народной артистки России — и это абсолютно закономерно. Ее искусство покоряет не только балетоманов и театральных зрителей, но и людей, далеких от мира балета. Она истинный источник вдохновения: прима-балерина, женщина удивительной красоты, мать троих детей и популярный блогер. О том, как ей удается совмещать все эти ипостаси, сохранять творческий огонь и не бояться экспериментов, Мария рассказала в нашем блиц-интервью.

Фотоистория создана в сотворчестве с модным домом EDEM, стилистом Хабибом Сулеймановым и фотографом Алисой Аслановой, запечатлевшей Марию в архивных кутюрных образах бренда.

О звании

Звание народной артистки, безусловно, очень ценная награда в моем творческом послужном списке, но в то же время это дополнительная ответственность — люди всегда ждут большего от титулованных артистов.

О том, как быть мамой, артисткой, женщиной

Мой главный источник вдохновения — сама жизнь и я внутри нее! Понимание, что у тебя есть еще один день для любимой семьи, работы, для преодоления и улучшения себя — и есть вдохновение!

О театре

Мне кажется, за двадцать с небольшим лет в карьере я прошла все стадии от любви до ненависти… Но любви было точно на двадцать лет больше. Театр как наркотик для меня — может погрузить совершенно в другую реальность.

О том, как не заскучать в профессии

Разве в такой профессии можно заскучать, когда ты постоянно меняешь образы, наряды, время и место действия?! От этого можно устать, но никак не заскучать!

Ну, и опять же мотивация — быть на высоте — не дает остановиться.

О фотографии

В какой-то момент фотография стала значить для меня намного больше, чем просто фиксация момента — это уже как дополнительная часть профессии. Умение создать образ, передать эмоции, раскрыться перед объективом, показать себя в разных ролях перед незнакомым человеком — непросто. С точки зрения преодоления себя — вызов, но в то же время процесс крайне интересный, и я всегда стараюсь найти время для необычных проектов.

Фотограф: Алиса Асланова
Стилист: Хабиб Сулейманов
MUAH: Ольга Биль
Образы: Модный дом EDEM

=========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025061701
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Родион Щедрин, Максим Петров, Анастасия Сташкевич, Владислав Лантратов, Георгий Гусев
Автор| Анна Гордеева
Заголовок| Игра в лошадки
Максим Петров поставил в Большом театре «Конька-Горбунка» Родиона Щедрина
Где опубликовано| © Журнал Музыкальная жизнь
Дата публикации| 2025-06-16
Ссылка| https://muzlifemagazine.ru/igra-v-loshadki/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Большой театр теперь нечасто радует нас балетными премьерами – «Конек-Горбунок» стал первой в сезоне новинкой главного театра страны (оперных премьер по официальной статистике было шесть). Понятно, что ждали его с особым нетерпением. Имя Щедрина гарантировало качество музыки. Имя Максима Петрова при этом было известно лишь тем московским балетоманам, что интересовались новостями за пределами столицы – а таковых существенно меньше, чем балетоманов вообще.

Кто вы, господин Петров?

Выпускник Академии русского балета (2012, класс Геннадия Селюцкого) с момента выпуска и до 2023 года служил в кордебалете Мариинского театра. Он начал ставить почти сразу – такую возможность давала «Мастерская молодых хореографов», существовавшая в Мариинском театре. После серии миниатюр возникла настоящая удача – «Дивертисмент короля» на музыку Жан-Филиппа Рамо (2015). «Король-солнце» в виде Игоря Колба был царственно великолепен, а неоклассическая хореография перемигивалась с барочными шуточками.

Балет был так хорош, что его взяла в свой репертуар Диана Вишнева – и прокатилась по Европе в образе Людовика XIV. Спустя еще несколько небольших балетов, в «Мастерской молодых хореографов» появились графичные «Русские тупики II» на музыку Настасьи Хрущевой (2020), за которые Петров получил «Золотую Маску». В 2021 году ему предложили поставить в Мариинском триаду Стравинского – «Байка. Мавра. Поцелуй феи», где в один вечер соединились оперы и балет. В последнем старинная история о безжалостном поцелуе сверхъестественной дамы превратилась в повесть о не менее безжалостном призвании героя в балет – и на сцене возник совершенно завораживающий образ балетного класса, существующего на грани морока и реальности. В «Послеполуденном отдыхе фавна» на музыку Дебюсси (2022) речь шла о том же самом – о судьбе балетного человека, о том, что такое танцовщик. Из заметных работ вне стен Мариинки следует отметить прежде всего «Пиковую даму. Балет» Юрия Красавина (2024) в Нижнем Новгороде и полный лукавого обаяния «Павильон Армиды» на музыку Черепнина в Екатеринбурге (2023). Тогда же, в 2023-м, приняв должность худрука балета в этой уральской труппе, через год он выпустил «Сказки Перро», но не в одиночку: проект, музыку для которого написали три композитора – Настасья Хрущева, Алексей Боловлёнков и Дмитрий Мазуров, – создавался в содружестве худрука и двух молодых хореографов – Константина Хлебникова и Александра Меркушева. В общем, биография достойная. Но если всмотреться в нее пристально, видно, что при всем разнообразии постановок практически все успехи хореографа были связаны с малой формой. Исключение – «Пиковая дама. Балет», которая, вероятно, и подтолкнула худрука Большого балета Махарбека Вазиева к приглашению Петрова на постановку. Причем ему было предложено поставить «что-нибудь» (а это высокий уровень доверия) – и хореограф предложил три названия, из которых театр уже выбрал «Конька-Горбунка».

История лошади

Впервые сказка, сотворенная Петром Ершовым в тридцатых годах XIX века, стала балетом в 1864 году, только-только выйдя из-под цензурного запрета. Компания знатных балетоманов, клубившаяся вокруг Мариинского театра, убедила Артура Сен-Леона, никогда прежде не пытавшегося брать русские сюжеты для своих балетов, поставить спектакль об Иване-дураке и его увечной лошадке – и тот с энтузиазмом взялся за дело, заказав музыку Цезарю Пуни. Понятно, что никакого царя на сцене быть не могло – Иван доводил до самоубийства в котле киргизского хана. Генеральной идеей спектакля при этом становилась идея единства Российской империи – в последнем акте шли танцы 22 народов, обитающих в ней. Народы эти в изображении французского балетмейстера были так же похожи на себя, как носорог на бабочку, – и над этим смеялся весь Петербург, что не помешало «Коньку-Горбунку» стать одним из любимейших спектаклей репертуара. Его переделывали (в том числе Мариус Петипа), его возобновляли, его переносили в Москву – и последняя премьера на основе этой версии состоялась в Мариинском аж в 1963 году. К тому времени в Большом уже скакал свой «Конек» – в 1960 году вышел балет Родиона Щедрина, поставленный Александром Радунским. Первое сочинение Щедрина для театра соединяло в себе простодушное озорство и высокий интеллект, вложенный в конструкцию; работа стала судьбоносной для композитора еще и потому, что на репетициях он познакомился с Майей Плисецкой, что получила роль Царь-девицы в одном из спектаклей премьерной серии. Знакомство привело к ЗАГСу, партитура получила посвящение балерине, а спектакль с успехом шел шестнадцать лет подряд, выдержав 126 представлений.

В 1981 году щедринского «Конька-Горбунка» поставил в Мариинском театре Дмитрий Брянцев, через два года перенеся его в МАМТ; в 1999-м новую версию балета предложил Большому Николай Андросов (Царь-девицей стала Анастасия Волочкова, публика хохотала как безумная, спектакль прошел всего десять раз), и, наконец, в 2009 году в Мариинке свою версию – остроумную, хрупкую, изобретательную – сотворил Алексей Ратманский (спектакль идет до сих пор).

Четыре года назад Михаил Мессерер восстановил «Конька-Горбунка» в хореографии Радунского в Михайловском театре – но, отрепетировав со свойственной ему тщательностью хореографический текст, он не смог (или не захотел?) противостоять изменениям в оформлении спектакля – и сказка получилась обидно аляповатой. В любом случае «Конька» в Москве не было уже четверть века – и вот он прилетел.

Доктор Кто с лошадиной головой

Максим Петров и его ассистент Богдан Королек основательно переделали либретто – если ранее Иван, как и было в сказке Ершова, ловил ночью потоптавшую поле Кобылицу и та откупалась комплектом великолепных коней и маленьким Коньком-Горбунком, то теперь Конек сам прилетает на это самое поле. Он путешественник по мирам, а четверка коней – его спутники. Прилетает он так: при входе в зал публика видит аванзанавес, на котором полыхает пламя, в правом нижнем углу этого занавеса притулилась обтрепанная дверь. Когда начинается спектакль, из кулисы выскакивает Конек (Георгий Гусев), у которого на плечах лошадиная голова, эту самую голову (шлем скафандра?) он снимает и пытается войти в дверь. Дверь не поддается, тогда герой проделывает дыру в занавесе и в нее ныряет. После чего занавес поднимается, и мы видим справа избу, в которой обитает все мужское семейство (отец и три сына), а слева – холм-поле. Постановщик добавляет персонажей, ранее в этом балете не появлявшихся: старшие братья, Гаврила (Никита Капустин) и Данила (Марк Орлов) – те, один из которых «умный был детина», а второй «и так и сяк» – обзавелись подружками (Оксана Крамская и Анита Пудикова). Им поставлены вольные танцы с бойфрендами, при этом в ансамбль включается и Иван (Владислав Лантратов). То, что нравы в этой истории соответствуют скорее нашему времени, чем деревенской русской сказке, становится понятно, когда через некоторое время парочки, не стесняясь, укладываются в рожь (или что там у них растет?). Старик (Камиль Янгуразов) пантомимой сообщает парням, мол, смотрите, поле вытоптано, сторожить надо. По жесту прячущегося еще Конька с неба спускаются звезды – и отправившемуся в ночи в поле Ивану выдан лирический монолог, который можно назвать «восхищение красотой вселенной» – с плавными жестами, с медленными разворотами, с мечтательной интонацией, что и заставляет Конька выбрать его себе в попутчики. Да, идея всего спектакля такова: Конек – главный, и это он выбирает Ивана. Ну, как Доктор Кто – своих спутников. Далее танцы Конька и Ивана часто идентичны и синхронны – ну, единомышленники.

Гаврила и Данила, выпроставшись из объятий девиц, видят волшебных коней (танцует четверка статных артистов Большого – Иван Алексеев, Алексей Гайнутдинов, Антон Гайнутдинов, Дмитрий Дорохов, а из кулисы покачиваются светящиеся лошадиные головы) и крадут их (как поймали – сделано не очень внятно). Тут же Ивану достается перо навестившей поле Жар-птицы (Анастасия Сташкевич), и Конек предлагает Ивану отправиться освобождать его собратьев.

Следующая сцена – ярмарка. И вот тут в спектакле начинаются проблемы. Прежде всего эти проблемы обеспечивает художник Юлиана Лайкова. До этой работы в Большом она сотрудничала со множеством драматических театров и только с одним театром музыкальным – в Екатеринбурге она делала «Сказки Перро» и «Каменный цветок» (хореографом которого был Антон Пимонов). Все драматические театры (и Молодежный в Челябинске, и Русский в Стерлитамаке, и новая сцена МХТ, и даже Санкт-Петербургский театр комедии) рассчитаны на значительно меньшее количество зрителей, чем Большой. «Урал Опера» тоже не может соревноваться в размерах с главным театром страны – то есть у художницы еще не выработался навык так рассчитывать костюмы, чтобы они производили впечатление и на зрителей четвертого яруса. В результате она одарила наряды многих действующих лиц изрядным количеством изящных мелких деталей, которых не то что с яруса – из последнего ряда партера было не разглядеть. В сцене ярмарки на сцене шевелилась одинаковая серая толпа, будто народ не в воскресенье в люди вышел, а, наоборот, на принудительные работы в какой-то униформе. Движения народа тоже не отличались разнообразием – или так и было задумано, чтобы на фоне безликого общества особенно ярко смотрелся танец царского Конюшего, сделанный на музыку Цыганского танца (Иван Поддубняк, выдавший своему герою прямо итальянский, тибальдовский какой-то темперамент)?

Но более всего было похоже на то, что хореограф тоже просто не понимает, что делать с такой колоссальных размеров сценой, и не создает танцев настолько масштабных, чтобы они держали зал. Царя (Вячеслав Лопатин) на ярмарку привозят на кровати – хотя «царствуй лежа на боку» – это из другой сказки другого автора, путешествует он только так. Удивительно, что на эту партию назначены премьеры-виртуозы: танцев у Царя нет, зато много «хлопотания лицом». Далее история следует канону: поскольку только Иван может укротить волшебных лошадей, его зовут Конюшим, низвергая прежнего Конюшего в Спальники (ничего не поймешь в этой сказочной иерархии – Спальник же буквально «ближе к телу», нет?), отчего тот злобится и ищет способ сделать гадость. Крадет у Ивана перо Жар-птицы – и вот уже Царь отправляет парня в командировку за этой диковинкой.

Сцена у Серебряной горы, вообще-то, более всего похожей на сияющую в лунных лучах свалку металлолома, – это развернутая кордебалетная сцена. Петров здесь не изобретает велосипед, вольно используя находки Мариуса Петипа – и классик не подводит: танцы кордебалета Жар-птиц – одна из самых грамотных сцен в спектакле. Но тут возникают вопросы о взаимоотношениях Ивана и предводительницы стаи: сначала кордебалет пернатых агрессивно нападает на героя, потом главная Жар-птица сама дается ему в руки, и вот он уже тащит ее подальше от подруг. Девушка в руках героя замерла в томном полуобмороке, но тут подскакивает Конек и со всей дури прикладывает ее ухватом (!) по голове. Иван не протестует, Жар-птица, очнувшись потом, не протестует. Кажется, постановщики считают, что придумали смешной гэг. Интересно, этот юмор принадлежит Максиму Петрову или Антону Морозову, участвующему в спектакле в качестве режиссера? При этом постановщики совместили двух персонажей: Жар-птица и Царь-девица теперь одно лицо, то есть Иван везет Царю не украшение зоопарка, но невесту.

В этом спектакле есть еще пара жестоких моментов, будто он поставлен не по жизнерадостной сказке Ершова, а по какому-нибудь оригинальному, неадаптированному для детей изданию Шарля Перро. Следующий квест Ивана – когда Царь отправляет его за перстнем Царь-девицы на морское дно – заканчивается смертоубийством: после того как Конек отбирает у Царицы дна (Юлия Степанова) украшение, та погибает. И – совершенно уж дикая сцена – когда Царь сдуру ныряет в котел с кипятком, Конек подпирает дверку этого самого котла, из которого пытается вырваться Царь. (К лешему вопросы, зачем в котле дверка и почему сквозь нее не хлещет вода, когда она содрогается от ударов Царя изнутри, – но ничего ж себе положительный герой, впрямую участвующий в варке человека!)

И вот тут просвечивает еще одна проблема: адрес спектакля. Если он «семейный» (то есть для походов с детьми), им такое показывать не стоит. Если он «взрослый», то надо ставить соответствующий гриф на афиши и на билеты (но название таково, что мамы с детьми все равно будут стараться прорваться через контроль).

Ну а заканчивается спектакль традиционным па-де-де, где Ивану и Царь-девице поставлен вполне обаятельный дуэт, и Владислав Лантратов на радость поклонникам легко облетает сцену, а Анастасия Сташкевич демонстрирует неизменную точность всех воспроизводимых па – при этом хореография не дарит им никаких новаторских изысков. Это логичное завершение спектакля, в котором нет ни одного хореографического открытия. Оркестр, ведомый в день премьеры Валерием Гергиевым, честно старался быть выразительным за троих: и за себя, и за хореографа, и за художницу. И да – в оркестровой яме эта диковинная русская сказка сияла полным светом. На сцене – увы.

Фото: Михаил Логвинов / Большой театр
==========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025061702
Тема| Балет, , Премьера, Персоналии, Алессандро Каггеджи
Автор| Анастасия Попова
Заголовок| Алессандро Каггеджи: «У меня уже расписан график постановок на следующий сезон»
Где опубликовано| © «БИЗНЕС Online»
Дата публикации| 2025-06-17
Ссылка| https://www.business-gazeta.ru/article/675247
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Экс-солист театра им. Джалиля о премьере в Большом театре, новых возможностях на Урале и встречах с друзьями в Казани

«Век артиста балета короткий — и хочется успеть все», — признается многолетний любимчик балетоманов в столице Татарстана Алессандро Каггеджи. Слова экс-солиста ТАГТОиБ им. Джалиля не расходятся с делом. Два года назад покинув казанскую труппу, чтобы исполнять современный репертуар, он влился в один из самых прогрессивных коллективов страны — «Урал Опера Балет» в Екатеринбурге, где танцует ведущие партии в постановках лучших российских хореографов. А 24–25 июня в столичном Большом театре пройдет премьера его авторского балета «Дягилев». «БИЗНЕС Online» Каггеджи рассказал о концепции инновационного спектакля, профессиональном росте в Екатеринбурге и нынешних контактах с Казанью.

Алессандро Каггеджи: «Для меня самое важное — донести зрителю эмоции, заложенные в той или иной картине спектакля. Ну и, конечно, музыкальность»
Фото: «БИЗНЕС Online»

«Дягилев» — мой самый масштабный спектакль на сегодняшний день»

— Алессандро, премьера вашего нового балета в июне состоится на сцене Большого театра на фестивале «Нам нужен Дягилев». Для вас как для молодого хореографа это будет самый масштабный проект?

— Я уже ставил полновечерний балет «Золотой ключик» в Нижнем Новгороде. Но «Дягилев» действительно мой самый масштабный спектакль на сегодняшний день. Во-первых, потому, что он пройдет на сцене Большого театра. Во-вторых, потому, что балет готовит мощная команда артистов и постановщиков — режиссер Сергей Глазков, сценограф Игорь Чапурин и солисты ГАБТа. Я чувствую большую ответственность, но пока не волнуюсь — так вовлечен в рабочий процесс, что не успеваю об этом думать.

— Кто предложил вам поставить балет на сцене Большого театра?

— Премьер Большого театра Денис Родькин. Он не только исполнитель роли Дягилева, но и соруководитель проекта. Мы с Денисом уже работали вместе — несколько лет назад я ставил для него концертный номер The Man I love. А сейчас он мне доверил полнометражный спектакль. Изначально «Дягилев» задумывался как одноактный балет, но продюсерам он понравился, и мы расширили его до двух актов. Работа кипит уже почти год. Я начал ставить хореографию в июле, в Москве бывал наездами, так как танцую в «Урал Опера Балет» и ставлю другие спектакли. Пластический текст закончил в конце марта. Сейчас идут репетиции.

— Спектакль посвящен легендарному импресарио ХХ века Сергею Дягилеву и его антрепризе «Русские сезоны». Расскажите о концепции постановки.

— Изначально нам предложили поставить новую версию балета Мориса Равеля «Дафнис и Хлоя». Но, начав работать, мы поняли, что хотим сделать спектакль о Дягилеве — о его амбициях, страхах, жажде и стремлении к успеху. Можно было взять любой период деятельности Сергея Павловича в антрепризе. Но мы остановились на том времени, когда создавался балет «Дафнис и Хлоя» — уж очень мне нравится партитура Равеля. Также в спектакле звучит музыка Дебюсси (в 1912 году параллельно с постановкой «Дафниса и Хлои» шла работа над его балетом «Послеполуденный отдых фавна»).

В спектакле мы покажем эмоциональное состояние Дягилева, его одержимость новаторством, желание собрать команду незаурядных творцов. Это Михаил Фокин, Леон Бакст, Морис Равель, Вацлав Нижинский, Тамара Карсавина — все они есть в балете. Талант вдохновлял Дягилева. Он всегда находил деньги, чтобы показывать яркие, прогрессивные балеты, оперы, выставки. Но проблемы с финансами были ощутимыми, это сильно волновало Сергея Павловича и других членов антрепризы.

Мы смотрим на Дягилева как на легендарную фигуру — грозную, строгую, капризную. Но одновременно он обычный человек со своими переживаниями и страхами. Подчеркнуть эту амбивалентность мне было интересно. Публика увидит Дягилева с разных ракурсов — глазами зрителей, композиторов, хореографов, артистов. Мы представим полную панораму этого персонажа.

«Мы с Денисом уже работали вместе — несколько лет назад я ставил для него концертный номер The Man I love. А сейчас он мне доверил полнометражный спектакль»
Фото предоставлено Алессандро Каггеджи

— В каком пластическом стиле? Вы обращаетесь к современной хореографии?

— Мне сложно об этом говорить — я всегда отталкиваюсь от музыки балета, концепции, сюжета, артистов. Наверное, мой стиль все-таки неоклассика. Но герои «Дягилева» не музейные маски, они живые люди со своими проблемами и эмоциями. Я не могу ставить иначе: ведь даже абстрактная работа рассказывает о человеческих чувствах. Все персонажи очень разные, у каждого есть свой хореографический портрет.

Нижинский — юный, свежий, динамичный артист, слегка замученный (тогда у него было нестабильное психологическое состояние). Карсавина — безупречная, женственная прима, «мягкая сила» спектакля. Фокин — романтик (он несколько раз делал предложение Карсавиной, но получил отказ), в его пластике есть элементы романтического танца. С Бакстом я сыграл на эксцентричности этого персонажа: он ловит фантазии и мысли будто из воздуха. Герои разные, но все стремятся к одному — к успеху спектакля и возможности творить искусство.

— Есть ли отсылки к шедеврам дягилевской антрепризы в сценографии или пластике спектакля?

— Мы стремились воссоздать атмосферу, в которой существовал балет Дягилева. Художник Игорь Чапурин вдохновлялся работами Бакста, использовал несколько эскизов к «Дафнису и Хлое». Сценография выстроена как закулисное пространство: там мы показываем балет в балете. Но с помощью компьютерной проекции в этом пространстве рождаются новые локации, например Париж или репетиционный зал.

В хореографии тоже есть аллюзии на дягилевские спектакли. Это оммаж прославленной эпохе: нельзя рассказывать о «Русских сезонах», забыв об их наследии. Но при этом у нас все довольно современно. Помним, что все балеты антрепризы были новаторскими. Поэтому для меня тоже было важно создать что-то новое. Делать просто исторический балет в данном случае неинтересно. Мы рассказываем о Дягилеве, а он великий новатор.

«Для меня Большой театр — творческий дом»

— Главные партии в спектакле исполнят Денис Родькин, Семен Чудин и другие звезды Большого театра. Как вам работается с артистами такого уровня, они понимают вас с полуслова?

— Да. Я уже сотрудничал со многими солистами Большого театра. Для меня ГАБТ — творческий дом, мне очень комфортно там работать. Все участники «Дягилева» — артисты высочайшего уровня, с ними я могу не ограничивать свою фантазию. Мне впервые удалось поработать с Вячеславом Лопатиным и Семеном Чудиным, они исполнят партии Равеля и Фокина. Это опытные солисты, исполнявшие абсолютно разную хореографию. Они готовы ко всему и в зал всегда приходят с интересом, желанием работать над чем-то новым.

Конечно, на первых репетициях я волновался: никогда не знаешь, как артист тебя воспримет. Но быстро собрался и сконцентрировался на работе. Есть вещи, на которых я настаиваю (прежде всего на том, чтобы танцовщик слышал музыку), но в целом открыт к предложениям солистов. Они знают свое тело лучше, чем любой хореограф. Поэтому я всегда стараюсь искать самый выгодный вариант пластики для каждого артиста. Вначале ставлю черновой хореографический рисунок, а потом «долепливаю» его с солистами. Подсказываю, как доработать сцену эмоционально.

Для меня самое важное — донести зрителю эмоции, заложенные в той или иной картине спектакля. Ну и, конечно, музыкальность. Я всегда стараюсь ставить музыкально, передавать в танце не только ритмические акценты музыки, но и ее атмосферу. Для меня музыка в балете стоит на первом месте.

— В конце мая балетное сообщество потрясла смерть Юрия Григоровича. Что вы почувствовали, узнав об его уходе?

— До сих пор не верю в то, что это случилось. С уходом Юрия Николаевича балетный мир будто осиротел. Завершилась большая эпоха. В этой связи я вспоминаю слова Дягилева: «Из тех чудес, которые предложил мир, только искусство обещало бессмертие». Юрий Николаевич теперь на небесах, но его балеты будут жить долгие годы, вдохновлять молодых хореографов, в том числе и меня.

«Больше людей узнает о моих спектаклях»

— Вы еще в Казани мечтали развиваться как хореограф. После ухода из театра имени Джалиля в этом плане у вас стало больше возможностей? Когда ждать ваш авторский спектакль в «Урал Опера Балет»?

— В «Урал Опера Балет» я пока поставил одну миниатюру в прошлом сезоне: «Любовь с первого кадра» — номер для гала-концерта, посвященного Вячеславу Самодурову. Это любовный дуэт на музыку Листа для примы театра Елены Кабановой и солиста Глеба Сагеева. Может, в следующем сезоне будет возможность поставить в Екатеринбурге полноценный балет, но пока разговоров об этом нет. Я иногда деликатно напоминаю о себе, но решение о создании спектакля принимает художественный руководитель.

В целом, конечно, предложений стало больше: у меня уже расписан график постановок на следующий сезон в разных театрах страны. Не знаю, связано ли это с моим с уходом из ТАГТОиБ имени Джалиля. Возможно, просто больше людей узнает о моих спектаклях, потому что я продолжаю ставить. Сейчас у меня планируется еще один балет в российском театре (пока не могу сказать где и какой), но это случилось благодаря Рауфалю Сабировичу Мухаметзянову. Он мне звонил в этом сезоне и сказал, что есть предложение от его коллег. Я благодарен казанскому театру и, если меня пригласят, с удовольствием приеду туда выступить или что-то поставить. Мои двери всегда открыты.

Другой вопрос, что легче ставить не стало, ведь я до сих пор танцую. Сложнее всего было в прошлом сезоне. Я приехал в «Урал Опера Балет», надо было учить новый репертуар, выходить с ним на сцену и параллельно ставить. К тому же сейчас мне предлагают делать больше полновечерних балетов. На это уходит много времени и энергии. Я благодарен руководству театра, что меня отпускают на репетиции и премьеры.

— Какие постановки у вас запланированы в следующем сезоне?

— Планируются и полнометражные, и камерные балеты. Пока не могу сказать, какие именно спектакли и где они пройдут, — еще не все анонсировано. В Саранске была встреча с руководством театра, но конкретных совместных проектов еще нет. Идут обсуждения сотрудничества.

— Балет «Золотой ключик», который вы два года назад поставили в Нижнем Новгороде, по-прежнему в репертуаре театра? Ходит ли на него зритель?

— Да, к счастью, «Золотой ключик» идет часто, на него ходят и взрослые, и дети. Ближайший блок был в июне. В спектакле уже обновляются составы, дебютируют новые артисты. Я благодарен нижегородскому театру за сотрудничество, и, конечно, «Золотой ключик» всегда будет занимать особое место в моем сердце и творчестве. Это мой первый полнометражный балет, я многое получил в процессе работы и набрался опыта.

«В начале недели может идти «Лебединое озеро», а через пару дней надо танцевать тройчатку современных балетов»

— Вы уже два сезона работаете в театре «Урал Опера Балет». Чем художественная политика екатеринбургского балета отличается от казанского?

— Она довольно сильно отличается. Во-первых, в Екатеринбурге другой репертуар: много современных спектаклей, в том числе балеты-тройчатки. Здесь идут спектакли Вячеслава Самодурова («Ромео и Джульетта» и «Снежная королева»), Антона Пимонова («Венгерские танцы» и «Каменный цветок»), постановки нашего художественного руководителя Максима Петрова («Три тихие пьесы» из программы L.A.D, «Сказки Перро»). Конечно, есть и классика — «Лебединое озеро», «Жизель», «Сильфида»… Но каждый год у нас как минимум две балетные премьеры — новые, авторские, оригинальные спектакли. Так что здесь скучать некогда.

Второе отличие связано с системой работы театра. В «Урал Опера Балет» дают гораздо больше спектаклей, чем в ТАГТОиБ имени Джалиля. Здесь каждый день, кроме понедельника, идет опера или балет, плюс бывают дневные спектакли. Почти нет сценических репетиций с оркестром (только если у солистов есть дебюты в спектакле). В Казани было меньше спектаклей, но перед каждым шла оркестровая репетиция, поэтому мне пришлось перестраиваться. В ТАГТОиБ было больше возможностей общаться с разными сотрудниками театра. В Екатеринбурге доброжелательная атмосфера, но общения меньше: люди сыграли спектакль и ушли домой. «Урал Опера Балет» работает как машина. Но это правильно — когда столько спектаклей, только так можно все успевать.

Конечно, мы дружим с коллегами, поддерживаем друг друга, но не так активно, как в Казани. У нас утренние классы, а потом мы можем не видеться с половиной труппы весь день. Оркестровых репетиций нет, поэтому с некоторыми артистами встречаюсь только на спектакле. И пообщаться не всегда удается: все сосредоточены на своих партиях.

— В сравнении с казанскими екатеринбургские танцовщики более адаптированы к разным хореографическим стилям?

— Да, здесь необходимо адаптироваться к разным манерам: в начале недели может идти «Лебединое озеро», а через пару дней надо танцевать тройчатку современных балетов. Тело должно привыкнуть к этому. В театре имени Джалиля такого разнообразия не было, но там нужно было переключаться с классики на характерные танцы. Таких героических балетов, как «Спартак» или «Золотая Орда», в Екатеринбурге нет, я скучаю по ним. Но есть многое другое. За этим мы и приехали в «Урал Опера Балет». Жизнь одна, век артиста балета короткий, и хочется успеть все.

— Чаще ли вы сейчас выходите на сцену — сколько спектаклей в неделю танцевали в ТАГТОиБ имени Джалиля и сколько — в «Урал Опера Балет»?

— Сложно посчитать точно. Я постоянно уезжаю на репетиции своих спектаклей и танцую меньше, чем мог бы. Но сейчас для меня важнее развиваться как хореограф. В неделю в театре идет 3–4 балетных спектакля, в двух из них я обычно участвую. В Казани было иначе: там бывали загруженные периоды, а иногда я неделю-полторы не выходил на сцену. В «Урал Опера Балет» же стабильная нагрузка. В предновогодние и новогодние дни мы станцевали 26−27 «Щелкунчиков» — поверьте, тело их ощутило.

Но самым сложным был первый сезон. Мы приехали в новый театр, волновались, учили незнакомый репертуар и доказывали, что можем его танцевать. Это бесценный опыт. Сейчас я привык к режиму работы, к стилевому разнообразию спектаклей и уже спокоен.

«У Маны все замечательно, сейчас она гораздо больше танцует»

— Как складываются ваши взаимоотношения с руководителем балета вашего театра Максимом Петровым?

— Хорошо! Я благодарен Максиму за то, что он пригласил меня на работу, за его человеческую поддержку. Всегда стараюсь заранее говорить ему о своих планах — что, где и когда буду ставить. Мы вместе продумываем график, решаем, в каких спектаклях я танцую в ближайшее время. Но все же я стараюсь не злоупотреблять его добротой — не уезжать больше, чем на месяц; хотя все зависит от постановки. Работая в Казани, я мог приехать со своего проекта и неделю готовиться к спектаклю в ТАГТОиБ. А здесь приезжаю, и через два дня мне выходить на сцену. Это непросто для организма. Максим очень спокойный руководитель, старается, чтобы всем было комфортно работать. Но он тоже хореограф, много ставит в других городах и рассчитывает на наш профессионализм. Мы должны выходить к зрителю и танцевать на высоком уровне, чтобы никого не подвести.

— Модель театра, основанная на стилевом разнообразии спектаклей, на ваш взгляд, сейчас рабочая?

— Безусловно. Эта система была и до Петрова, но Максим как руководитель балета достойно ее поддерживает. Также он ставит много своих спектаклей.

— Сейчас в «Урал Опера Балет» идут балеты лучших действующих российских хореографов. С кем из них вам удалось поработать лично?

— Со Славой Самодуровым, к сожалению, не получилось — мы его не застали. С Антоном Пимоновом было несколько репетиций в прошлом сезоне, перед гастролями в Петербурге на фестивале Dance Open. Он приезжал и репетировал с нами «Венгерские танцы». Недавно Пимонов ставил в «Урал Опера Балет» свой «Каменный цветок», но мы не встретились, так как я в это время работал над «Дягилевым» в Москве.

А вот с Максимом Петровым работаем тесно. Я исполнял его «Три тихие пьесы» на «Дягилев P.S.». В «Сказках Перро» танцую две ведущие партии — Кота в сапогах и Мальчика-с-пальчика, был в премьерном составе. Этот балет мы показывали в Петербурге, недавно в Ташкенте и Челябинске. В Ташкенте после премьеры «Золотого ключика» я танцевал премьеру «Щелкунчика» Петрова. На репетициях Максим довольно спокойный. Он сам недавно танцевал и знает нашу нагрузку. Петров — сдержанный человек, но очень точный. Он предельно ясно объясняет, чего хочет от артиста.

— В Екатеринбург вы переехали с супругой, экс-солисткой ТАГТОиБ имени Джалиля Маной Кувабара. Как развивается ее карьера в «Урал Опера Балет»?

— У Маны все замечательно, сейчас она гораздо больше танцует — со мной и с другими партнерами, когда меня нет в городе. У нее много ведущих партий — Пахита, Китри, Мари… Один из любимых спектаклей — «Сильфида». Мы танцуем его вместе, как и балеты «Сказки Перро» Петрова, «Снежная королева» Самодурова, «Дон Кихот», «Щелкунчик», «Жизель», камерные современные постановки. Мана усердно работает с педагогами и очень прибавила в мастерстве. Я горжусь ею!

— Как вам в целом живется в Екатеринбурге?

— Мне нравится тут. Город довольно шумный, молодежный, нам здесь комфортно жить. Жаль, что не всегда получается куда-то выбираться из-за репетиций и спектаклей. Но мы стараемся больше гулять, проводить время на свежем воздухе.

«В Казани у нас есть свои зрители»

— После отъезда из РТ приглашали ли вас выступить на Нуриевском фестивале или в текущем спектакле театра? Когда вас ждать в Казани на сцене?

— Нет, нас не приглашали. Но если пригласят, с удовольствием приедем. Мы скучаем по столице РТ. Мана танцевала в театре имени Джалиля четыре года, я — 8 лет. Мы оставили там большую часть жизни. В Казани у нас есть свои зрители, которые тепло нас приняли и ходили на наши спектакли. Некоторые из них прилетали в Екатеринбург и Нижний Новгород. На гастроли в Чебоксарах тоже приезжала зрительница с дочкой. Большой привет казанской публике! Мы скучаем, и то, что люди едут в другой город к нам на спектакль, потрясающе!

— С кем из казанских коллег вы сейчас поддерживаете связь?

— Со многими. Сейчас сложнее потерять с кем-то контакт, чем сохранить его — в соцсетях все смотрят сторизы друг друга, комментируют посты. На недавнем гала-концерте в Чебоксарах мы общались с Амандой Гомес, Вагнером Карвальо, Мишей Тимаевым. Они и другие казанские артисты — наша большая семья. Несколько месяцев назад я и Мана приезжали в гости в Казань. Погуляли по городу, встретились с друзьями и почувствовали, что будто не уезжали.

Кто такой Алессандро Каггеджи

Алессандро Каггеджи — британский танцовщик и хореограф итальянского происхождения, работающий в России.

Во время учебы в МГАХ у Андрея Смирнова гастролировал в городах РФ, Риме и Милане.

С 2015 по 2023 год служил в балетной труппе ТАГТОиБ им. Джалиля. Среди основных его партий в театре были Принц («Щелкунчик»), Меркуцио («Ромео и Джульетта»), Голубая птица («Спящая красавица»), Визирь («Золотая Орда»).

С 2023 года — солист Екатеринбургского театра оперы и балета «Урал Опера Балет». Танцует ведущие партии в спектаклях «Сильфида» (Джеймс), «Дон Кихот» (Базиль), «Сказки Перро» Максима Петрова (Кот в сапогах и Мальчик-с-пальчик), «Снежная королева» Вячеслава Самодурова (Кай) и др.

В 2015 году дебютировал в ТАГТОиБ им. Джалиля как хореограф (миниатюры «Игра Чудаков» и «Тарантелла»). Также в Казани поставил камерные балеты «Маленькая история большого города» (2022) и «Сюита Рахманинова» (2023). В 2022 году поставил спектакль «Павел Хаас. Струнный квартет №3 ор. 15 (1938)» в рамках балета «Терезин-квартет» в Нижегородском театре оперы и балета. В 2023-м там же — балет «Золотой ключик».

======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025061801
Тема| Балет, МТ, Персоналии, Диана Вишнёва
Автор| Денис Мережковский
Заголовок| «Я проживаю очень интересное время»
Диана Вишнёва о своем репертуаре
Где опубликовано| © "Стиль". Приложение №14 от 18.06.2025, стр. 20
Дата публикации| 2025-06-18
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/7795736
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Прима-балерина Мариинского театра Диана Вишнёва рассказала Денису Мережковскому о городе, в который всегда возвращается, о партиях, с которыми расстается навсегда, и о 30 годах на сцене.

Диана, июньский «Ъ-Стиль» традиционно посвящен Петербургу. Этот город — неотъемлемая часть вашей биографии…

Да, место, где все началось. Дворец пионеров имени Жданова, потом Вагановская академия на самой красивой улице города, Зодчего Росси, где берет свое начало весь классический танец. Потом жизнь привела меня в Мариинский театр, один из главных в мире. Честно говоря, сейчас я осознаю все это намного серьезнее, чем тогда. Петербург — одна из неизменных величин в моей жизни, хотя я не жила в нем постоянно уже лет с 15, когда начались первые поездки. Но где бы я ни была, как бы долго ни отсутствовала, я всегда возвращаюсь сюда. Вообще само понятие возвращения очень важно для меня.

В каком-то смысле вернулись вы и в Мариинский театр, где последние несколько сезонов выступаете чаще. Как сегодня составляете свой репертуар?

Многое складывается внезапно. Даже премьера «Чудесного мандарина» два года назад. Мне давно нравилась эта постановка Юрия Посохова, и еще до пандемии были мысли показать этот спектакль со мной на фестивале Context, но ни по расписанию, ни по бюджету мы не укладывались. И вот несколько лет спустя все сложилось спонтанно: я была в Петербурге, Юрий тоже прилетел в Россию, возникла идея, которую тут же поддержал Мариинский театр. Это был большой подарок и для меня, и для хореографа. Если говорить про «Шехеразаду» Михаила Фокина, то ее я не танцевала с 2016 года.

Однако успели выпустить «Шахерезаду» в хореографии Алексея Мирошниченко в Перми, а потом в Москве.

Точно. Но эти постановки настолько разные для меня, что, даже когда начинает звучать музыка, я не помню движений из другого спектакля. Партию из балета Фокина я исполняла мало, в основном на гастролях Мариинского театра в Лондоне, Нью-Йорке или Токио. Мне всегда казалось, что это название не такое уж и важное для петербургской публики, сейчас я, может быть, и станцевала бы что-то другое, но зрители и руководство просят меня о Фокинской «Шехеразаде». Какие-то партии ушли навсегда. Например, «Маргарита и Арман» Фредерика Аштона; в этом сезоне я попрощалась с «Кармен-сюитой» на музыку Родиона Константиновича Щедрина. Опять-таки сложно загадывать, но мысленно я это сделала. Все это происходит очень органично и никакого сожаления у меня не вызывает. В принципе, каждый спектакль для любого артиста может стать последним — с таким чувством я всегда и выхожу на сцену.

Диана Вишнёва в съемке для Present & Simple июнь 2025
Фото: Предоставлено Present & Simple

Уже 30 лет вы танцуете на ней. Как за такое время не скатиться в обыденность?

Если говорить про Мариинский театр, я никогда не скажу фамильярно «моя сцена». Слишком уважительное у меня к ней отношение, это по-настоящему магическое место. Она требует от тебя максимума, но и отдаст столько же. Мариинский – мой дом, но есть еще две сцены, которые стали для меня родными: Метрополитен в Нью-Йорке и Опера Гарнье в Париже. На них я всегда ощущаю себя на пике своих возможностей, но до этих великих сцен ты должен пройти определенный путь.

Какие планы относительно празднования этого 30-летия?

Раньше я отмечала 10, 20 лет на сцене, но это всегда была больше символическая история, такой отчет перед зрителями. Сейчас я никак не привязываюсь к датам. Кроме того, в Мариинском театре наконец-то появился художественный руководитель балета (Андриан Фадеев.— «Ъ-Стиль»), и пока я не понимаю, как это видит он. То, что предложила я, не было воспринято, но может быть что-то получится спонтанно, как это часто бывает. Поэтому я сразу переключилась на то, что буду делать вне театра. Мы с моим фондом уже начали готовить выставку, которая откроется в 2026 году в Петербурге в пространстве галереи «Цифергауз» на Новой Голландии. Я очень не люблю формата мемуаров или подведения итогов, поэтому мы хотим посмотреть на это 30-летие с точки зрения времени, в которое оно вписалось: постсоветский период, 90-е и период полной глобализации. Эту выставку мы хотим построить как рассказ о времени и мире танца в нем — через мои встречи, знаковые спектакли, важные этапы жизни.

Сейчас все ждут вас в «Мастере и Маргарите»: 28 июня вы танцуете в Мариинском театре на гастролях Большого.

Дождались (смеется). Конечно, мне бы хотелось, чтобы мы смогли танцевать в историческом здании, но по техническим причинам эта сцена не подходит для декораций «Мастера и Маргариты». Сейчас скрестили пальцы, чтобы обошлось без травм и все случилось. Мои дуэты с Мастером — Денисом Савиным и Воландом в исполнении Артемия Белякова или Владислава Лантратова уже настолько сложились, что любая замена для меня будет равнозначна подготовке нашего спектакля заново, а это долгий и сложносочиненный процесс.

Ведь и с хореографом Эдвардом Клюгом у вас уже сложился тандем — он ставил для вас «Сны Cпящей красавицы».

Ровно тогда, в 2019-м, когда мы танцевали Sleeping Beauty Dreams, у Эдварда параллельно рождался замысел «Мастера и Маргариты» для Большого. Он очень хотел, чтобы я смогла в нем станцевать. Как только я прилетела в Москву — пошла в театр и посмотрела три спектакля подряд, все составы. То, как Эдвард эстетически выстроил повествование, как тонко понял замысел романа, привело меня в восторг.

Так продолжилась и ваша история с Большим театром. Для вас это важно?

Для меня важно, что я никогда не теряла связи с этим театром, несмотря ни на какие «чаепития» или смену руководства. С Махаром Вазиевым (художественным руководителем балета Большого.— «Ъ-Стиль») я выросла, на протяжении 13 лет мы вместе работали в Мариинском театре, конечно, мы как родные люди. Он увидел мой восторг после «Мастера и Маргариты» и вскользь спросил: «Хочешь? Да пожалуйста!» Я была уверена, что он пошутил, а уже через какое-то время у меня состоялась премьера. Моя история с Маргаритой не была запланированной, но, как и многие партии в моей жизни, пришла вовремя.

Когда в 2017-м вы прощались с труппой American Ballet Theatre, то в интервью журналу The New Yorker сказали: «Мир меняется, и каждое художественное высказывание должно становиться высказыванием о сегодняшнем дне. Почему я танцую? Потому что танец может выразить намного больше, чем что-то другое». Какие спектакли сегодня рассказывают о вас и сегодняшнем дне максимально правдиво?

«Шахерезада» Алексея Мирошниченко, постановка о революции в Иране, очень болезненно отозвалась во мне. Потом моя первая премьера после локдауна — «Дуо» Павла Глухова. И конечно, Sleza — абсолютно отдельная работа, которую поставили Пол Лайтфут и Соль Леон. Каждый из нас троих вложил в этот спектакль очень много и художественного, и личного. Спокойно его не могли смотреть даже те зрители, которые не обладают большой насмотренностью. Очень надеюсь, что мы не сильно состаримся и еще сможем когда-то его станцевать.

В следующем году вам исполнится 50. Эта цифра влияет на что-то в вашей жизни?

Если честно, то самой не очень верится, но я об этом и не особо думаю. Рубежными датами для меня были 25 лет и 33 года, еще в 45 я вдруг поняла, что это некий экватор моей жизни. Тогда мне казалось, что и в человеческом, и в профессиональном смысле я пришла к какой-то стабильности. Потом прошел год, и все рухнуло, началась эпидемия ковида, а через год бабахнул 2022-й, и я растерялась окончательно. Сейчас я восстановилась, хотя и не до конца, слишком сильно меня тогда расшатало. Что до возраста, то, наблюдая за многими своими коллегами, я прекрасно понимаю, что танцевать можно, сколько бы тебе ни было лет, главный вопрос — в каком репертуаре ты можешь себя найти и продолжать развиваться. Если в тебе есть это желание, то, наверное, силы и энергия, чтобы сражаться с временем, найдутся. Да, молодость имеет свои огромные преимущества, тебе все по колено, но и сейчас я проживаю очень интересное время, и какие бы планы на меня ни были у судьбы, я постараюсь быть к ним готовой.

Фотограф Максим Чуркин; визажист и стилист по волосам Эльзята Цеденова; гафер Никита Грачев; осветитель Максим Монин; продюсер Ольга Лесь; арт-директор Татьяна Ягодкина

==========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025061901
Тема| Балет, Международный балетный приз "Бенуа де ла данс", Персоналии,
Автор| корр.
Заголовок| В Большом театре наградили лауреатов балетного приза "Бенуа де ла данс"
Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2025-06-18
Ссылка| https://tass.ru/kultura/24248999
Аннотация|

Награды получили четверо лауреатов

МОСКВА, 17 июня. /ТАСС/. Церемония вручения Международного балетного приза "Бенуа де ла данс" (Benois de la danse), известного в мире как "балетный "Оскар", прошла во вторник в 33-й раз на Исторической сцене Большого театра. Награды получили четверо лауреатов, после чего состоялся благотворительный гала-концерт номинантов премии, передает корреспондент ТАСС.

Открыла программу праздничного вечера председатель жюри "Бенуа де ла данс" и художественный руководитель программы - прима-балерина Большого театра Светлана Захарова. "Эта легендарная сцена вновь собрала звезд балета разных стран и континентов. В знак благодарности и признательности мы хотели бы посвятить эту церемонию автору идеи и президенту приза "Бенуа де ла данс" - недавно ушедшему от нас Юрию Николаевичу Григоровичу", - сказал она со сцены.

Григорович умер 19 мая 2025 года на 99-м году жизни.

Лауреаты

В номинации "Лучшая работа танцовщика" приз присудили сразу двум номинантом - Джошуа Вильямсу из ЮАР за партию в балете "Вторая глава" и Дмитрию Смилевски из Большого театра России за образы Принца Дезире в "Спящей красавице" и Меркуцио в "Ромео и Джульетте".

Лучшей танцовщицей по версии "Бенуа де ла данс" стала балерина Рената Шакирова из Мариинского театра, исполнившая партию Сванильды в балете "Коппелия". Получая приз, она поблагодарила жюри и зрителей со сцены, отметив, что Бенуа для нее является не только признанием заслуг, но и напоминанием о том, что балет является всей ее жизнью. "Каждый артист проходит этот путь не в одиночку. Балетное сообщество - это семья, которая вдохновляет, поддерживает и дарит множество эмоций. Для меня быть частью этой семьи - большая честь", - сказала артистка балета, получая приз.

Среди хореографов победу одержал Мтутузели Новембер из Южно-Африканской Республики за балет "Вторая глава". Приз за него получала Эстер Нассер - член жюри приза этого года, создатель и художественный руководитель ряда танцевальных и балетных коллективов ЮАР. "Буду счастлива передать ему приз. Сам он не смог приехать, готовит премьеру в Парижской опере", - сказала она.

Деятели балета из ЮАР впервые получают сразу два приза Бенуа. Как отметили в беседе с ТАСС организаторы церемонии награждения, страна пытается наладить связи с балетным миром и сделать балет одним из своих культурных приоритетов.

"Дорогие друзья, у нашего приза есть специальная номинация "За жизнь в искусстве". В этом году мы хотели бы посвятить ее человеку, движущей силой которого всегда была любовь и вдохновение. Он своим примером, талантом, преданностью балету зажигал сердца танцовщиков, педагогов, зрителей. Выдающийся хореограф, великий человек - Юрий Николаевич Григорович", - сказала Светлана Захарова со сцены, завершая церемонию награждения лауреатов приза. На экране со сцены показали эпизоды жизни и творчества выдающегося хореографа.

Гала-концерт номинантов приза

Завершил торжественную церемонию благотворительный гала-концерт номинантов приза "Бенуа де ла данс" 2025 года. Ведущие - солистка Большого театра, киноактриса Анастасия Меськова и тележурналист, телеведущий Вадим Верник.

Этим вечером в Большом театре показали сразу три российских премьеры. Артисты балета Кейптауна (ЮАР) Миа Кумбес и Джошуа Вильямс представили отрывок из балета "Вторая глава" в хореографии Мтутузели Новембера. В Россию артисты балета из Южной Африки приехали впервые. Сцену под названием Qash - фрагмент нашумевшего в Казахстане балета "Сакральные танцы" в постановке номинанта Бенуа-2025 Мукарам Авахри - показали артисты "Астана балет". Ведущий солист этого театра - номинант Бенуа-2025 Сундет Султанов - исполнил фрагмент из недавней работы словацко-немецкого хореографа (ученицы Джона Ноймайера) Кристины Паулин "Декабрьский дождь".

Впервые в Москве артисты Академического театра оперы и балета Республики Коми представили "Кармен-сюиту" в хореографии номинанта Бенуа-2025 Андрея Меркурьева. Рената Шакирова исполнила фрагмент одной из самых ярких премьер Мариинского театра - новой версии балета "Коппелия" Лео Делиба в хореографии номинанта Бенуа-2025 Александра Сергеева. Среди исполнителей также значатся Анжелина Воронцова, Виктория Данковцева, Алексей Путинцев, Дмитрий Смилевски и Никита Четвериков.

18 июня программу благотворительного гала-концерта "Звезды "Бенуа де ла данс" - лауреаты разных лет" откроют фрагменты из балетов Юрия Григоровича, в числе которых "Щелкунчик", "Каменный цветок", "Иван Грозный", "Спартак", "Раймонда", "Легенда о любви". На сцену выйдут звезды мирового балета Светлана Захарова, Фарух Рузиматов, Люсия Лакарра, Мэтью Голдинг. Большой театр также представят Владислав Лантратов, Екатерина Крысанова, Михаил Лобухин, Дмитрий Смилевски, Елизавета Кокорева. От Мариинского театра выступят Оксана Скорик и Никита Корнеев, от Музыкального театра им. К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко - Оксана Кардаш и Иван Михалев. Гала-концерт пойдет при участии оркестра Большого театра России. За дирижерский пульт встанет Антон Гришанин.

О балетном "Оскаре"

Международный балетный приз "Бенуа де ла данс" (Benois de la danse), известный в мире как "балетный Оскар", присуждается ежегодно за наиболее выдающиеся работы в области хореографии за минувший год. Он был учрежден в 1991 году в Москве Международной ассоциацией деятелей хореографии (ныне - Международный союз деятелей хореографии). С первого дня существования программы ее худруком и председателем жюри являлся Юрий Григорович. В 2022 году он передал пост председателя жюри и худрука программы Светлане Захаровой. В этом же году Григорович был объявлен президентом приза. Дирекция и организатор программы - общественная некоммерческая организация "Центр Бенуа". Автором статуэтки приза является скульптор Игорь Устинов, представитель прославленного семейства Бенуа.

В ежегодно сменяемое международное жюри входят самые авторитетные деятели мировой хореографии. В 1996 году приз был включен в программу ЮНЕСКО "Всемирное десятилетие культуры", а в 2008 году "Центр Бенуа" становится членом Международного совета танца при ЮНЕСКО. За время существования приз вручался в России, Париже, Варшаве, Берлине, Штутгарте. В 2002 году проект снова вернулся на сцену Большого театра, а в 2004 году стал фестивалем мирового балета. Сбор от гала-вечеров фестиваля передается в помощь ветеранам балета.

Проект реализуется при поддержке Министерства культуры РФ.

ТАСС - главный медиапартнер.

В новость внесена правка (18.06 в 15:24 мск) - исправлена фамилия одного из победителей в номинации "Лучшая работа танцовщика", верно - Смилевски.

Елена С.

Номер ссылки| 2025061902
Тема| Балет, Современная хореография, «Балет Москва», Персоналии, Максим Исаков, Андрей Лега, Дарья Комлякова, Леонид Серов, Диана Мухамедшина, Елизавета Жукова, Кирилл Радев
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| В поисках выигрышного «Ракурса»
«Балет Москва» представил хореографов-дебютантов
Где опубликовано| © Газета «Коммерсантъ» №106 от 19.06.2025, стр. 11
Дата публикации| 2025-06-19
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/7801035
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

На сцене «Новой оперы» состоялась премьера программы «Ракурсы 2»: «Балет Москва», ставший частью труппы «Новой оперы», представил работы своих танцовщиков — хореографов-дебютантов. Татьяна Кузнецова полагает, что этот живой проект работает скорее на перспективу, чем на сегодняшний успех.

В новелле «Точка (не) опоры» пацаны выясняют отношения с откровенностью, понятной отечественному зрителю сериалов
Фото: Коммерсантъ / Дмитрий Лебедев

ДАЛЕЕ - ПО ССЫЛКЕ