Балет и Опера

Елена С.

Номер ссылки| 2025041206
Тема| Балет, Современная хореография, Балет "Москва", Премьера, Персоналии, Татьяна Баганова, Настасья Хрущева, Лариса Ломакина, Галя Солодовникова, Дарья Комлякова, Андрей Лега
Автор| Екатерина Беляева
Заголовок| «Кармен в моей голове» – премьера Новой Оперы
Где опубликовано| © Газета «Музыкальное обозрение»
Дата публикации| 2025-04-09
Ссылка| https://muzobozrenie.ru/karmen-v-moej-golove-premera-novoj-opery/
Аннотация| Премьера

Фото Батыр Аннадурдыев / предоставлено пресс-службой театра Новая Опера

Балет Москва показал вторую премьеру сезона – танцевальный спектакль Татьяны Багановой “Кармен в моей голове” со специально написанной для проекта музыкой Настасьи Хрущевой. Первая премьера “Болеро+”, которая соединила танцевальные миниатюры пяти российских хореографов, включая новую версию балета “Болеро” Равеля, созданную Кириллом Радевым, прошла в рамках Крещенского фестиваля на сцене Новой Оперы в январе.

Спектакль vs инсталляция

Как и прошлогодняя “Свадебка” Игоря Стравинского и Николая Попова, “Кармен в моей голове” стала мультижанровым проектом, в котором задействованы музыканты, танцовщики, хор и вокалистка. Кроме того в обоих спектаклях значительную роль играет сценография Ларисы Ломакиной. Театр Новая Опера, резидентом которого сейчас является Балет Москва, за последние два сезона нашел свою особую нишу презентации оперных и танцевальных спектаклей с привлечением в постановочную команду профессионалов из смежных дисциплин.

Фото Батыр Аннадурдыев / предоставлено пресс-службой театра Новая Опера

Художник Леша Лобанов, оформивший оперу Сэмюэла Барбера “Ванесса” в постановке Дмитрия Волкострелова (премьера в Новой опере в январе 2025), создавал экспозицию “Музея инопланетного вторжения” Театра взаимных действий на фестивале “Территория” в 2016 году и участвовал в других музейных проектах. Светлана Тегин, художник по костюмам в “Свадебке”, является автором инсталляций в ЦСИ “Винзавод”, вещи из ее модных коллекций экспонировались на крупных выставках в Новой Третьяковке “История российского дизайна” в 2023-24 гг. и в Государственном историческом музее «Кринолин. Жакет. Свитшот. Стиль большого города» в 2022. Лариса Ломакина по образованию архитектор и параллельно с работой в театре также участвует в архитектурных выставках. Для “Кармен в моей голове” она полностью “застроила” сценическое пространство и оркестровую яму, превратив их в единый масштабный арт-объект, который взаимодействует со зрителем как в контексте спектакля, так и самостоятельно, провоцируя на размышления.

В сконструированном ею сюрреалистическом чертоге постепенно разворачивается многократно повторяющееся действие – извечная схватка мужчины и женщины в разных ракурсах и в разном времени. Каждая из постановщиц – Татьяна Баганова, Настасья Хрущева, Лариса Ломакина, Галя Солодовникова (костюмы) и Ксения Котенева (свет) – расцвечивает поединок Хосе и Кармен красками своего искусства, предварительно обозначив собственные точки отсчета в своеобразных манифестах.

Фото Батыр Аннадурдыев / предоставлено пресс-службой театра Новая Опера

Кармен никогда не перестает

Анастасия Хрущева начала сотрудничество с балетным театром в 2019, когда на музыку ее фортепианного опуса “Русские тупики” хореограф Максим Петров выпустил одноименный спектакль для проекта «Context Project», затем в 2020 выпустил переработанный вариант балета в Мариинском театре под названием “Русские тупики II” и за него получил “Золотую маску”. В 2021 Хрущева написала музыку (оркестровую сюиту) для первой части проекта Антона Пимонова “Путеводитель по балету” в Пермском театре оперы и балета. После она сотрудничала с Балетом Дюссельдорфа и писала музыку для отдельных частей балета “Сказки Перро” в Урал Балете (2024). На территорию современного танца Хрущева заходила косвенно – она делала музыкальное оформление site–specific спектакля “Тело театра”, который с екатеринбургской труппой Татьяны Багановой “Провинциальны танцы” в 2022 году выпустила Елена Павлова. При написании музыки для “Кармен в моей голове” Хрущева руководствовалась принципом отрицания, составив заранее список того, чего не будет в балете, а именно – психологических характеристик персонажей, лейтмотивов, аллюзий на Жоржа Бизе, стиля эспаньоль и оригинального композиторского языка, вместо этого она анонсировала наличие барочных паттернов, неистовства, банальных интонаций и известных всем оборотов, вариаций, заплясывания до смерти, карающей женственности и поэтики ярости. “Кармен – не женщина, не персонаж, а принцип. Кармен гордится, бесчинствует. Кармен не милосердствует. Кармен никогда не перестает”, – говорит Хрущева. Принцип “никогда не перестает” является определяющим для этого спектакля, в котором как на работающей фабрике все находится в беспрерывном движении. Музыка, звучащая из разных плоскостей сцены (клавишные расположили в левом и правом углу, незаметные хористы и солистка где-то в центре, струнные и перкуссия рядом справа), выступает триггером, который запускает действие, задает его эмоциональный накал и “подгружает” ассоциации.

Фото Батыр Аннадурдыев / предоставлено пресс-службой театра Новая Опера

Юноши и смерть

Начинается спектакль с остроумной отсылки к опере Филиппа Гласса “Эйнштейн на пляже” (тревожно звучит мужской хор, пропевающий бессмысленный набор слогов) и через него к роману Невилла Шута “На пляже”, который рассказывает о переживаниях людей, ожидающих на берегу прибытия смертельной радиации. Сразу задается вектор Кармен-Смерть. Пока невидимые вокалисты поют в глубине сцены, целлофановые волны Гвадалквивира выкатывают на берег прекрасных и опасных нереид, которые стремительно заползают под пальто целой шеренги “голодных” мужчин. Здесь вроде бы обыгрывается эпизод из новеллы Мериме, когда рассказчик спешно покидает Кордову, “…ибо невзлюбил этот прекрасный город с его гвадалквивирскими купальщицами” (с ночными купальщицами косвенно связана и его случайная встреча с цыганкой). Хрущева включает текст в партитуру, его произносит несколько раз один из артистов с интонацией отрекающегося с акцентом на приставку “не”. А сама сцена выхода нагой женщины из пены волн уводит от конкретики новеллы, отсылая к мифам о рождении Венеры, любимым кинематографистами (в новейшей картине Паоло Соррентино “Партенопа” главная героиня появляется на свет из пучины моря и, подобно Кармен, ищет пути к личной свободе).

В сцене с купальщицами есть еще один любопытный момент. На страждущих мужчинах надеты маски для сна – такой аксессуар обезличивает персонажей и одновременно переводит происходящее в разряд морока. Одуряющее воздействие оказывают на полк одинаковых Хосе переодевшиеся в бордовые платьица-тюльпаны одинаковые Кармен. Платья девушек так хитро скроены, что в танце всех пар через минуту в фокусе внимания оказывается перевернутый циркуль ног – непременный символ насилия и жестокости, присутствующий в фантазме среднестатистического Хосе. В музыке в этот момент Хрущева уместно цитирует пассажи из своих “Русских тупиков”, добавляя к фортепиано мощно подзвученные струнные.

Кармен продолжает свой натиск (среди группы Кармен выделяется самая главная) – она поворачивается в профиль, выкидывает вперед батман и долго-долго удерживает на весу ногу, самодовольно прохаживаясь вдоль строя возбужденных мужчин. Баганова делает своих Кармен наваждением большого города. История одной локальной страсти, которая начиналась на берегу целлофановой реки, продолжается в форме трагифарса уже в пространстве архитектуры лабиринта, а это новые образы и ассоциации – сооружения Маурица Эшера, темницы Пиранези, тексты Кафки, картины Де Кирико и Магритта. По лестницам вверх-вниз и по диагонали маршируют одинаковые Хосе, но куда бы они не пошли, везде натыкаются на ухмыляющуюся Кармен. Даже после того, как Кармен “ликвидируют”, она снова и снова возвращается: как супергерой в компьютерной игре. Последний раз она возвращается в образе Смерти, позаимствованном из балета Ролана Пети “Юноша и смерть”. И здесь уже не убежать от Испании: звучит пафосная пассакалия, сверкают ножи, льется сок апельсинов. Спектакль заканчивается масштабным карнавалом, традиционно приветствующим самые невероятные метаморфозы. Если в первой сцене купальщицы занырнули в мужские пальто и там растворились, в последней – из кринолина гигантской женщины в кокошнике из цветов (такие любила носить мексиканская художница-феминистка Фрида Кало) выползают стройные парни с обнаженными торсами. А как без них в современном танце?

Фото Батыр Аннадурдыев / предоставлено пресс-службой театра Новая Опера

И вся такая красная-прекрасная Москва

Примечательно, что у новой “Кармен” есть четкая московская прописка. Антон Гетьман, в чьей голове и родилась идея создать танцевальный спектакль, четыре года назад начинал свое директорство с оперы “Кармен” (премьера в постановке Юрия Александрова, 2021). Театр в саду “Эрмитаж” сегодня специализируется на показе раритетов, но и наличием в репертуаре двух разных спектаклей, в названии которых присутствует звонкое имя Кармен, будет выделяться среди московских оперных домов.

Художники “Кармен в моей голове” всячески обыгрывают красный цвет. Это и фирменный цвет самого здания Новой Оперы, и знаковых архитектурных объектов Москвы – Музея Маяковского, Мавзолея Ленина и многих других.

И еще один “поклон” Москве делает Настасья Хрущева, когда зашифровывает в партитуру русские танцевальные мотивы “Цыганочки” и “Калинки”. На сцене на эти экзальтированные плясовые реагируют участники театрализованной корриды, но методом свободных ассоциаций зритель переносится в разгульную московскую среду – с ресторанами, гитарами, цыганами.

==================================================
Настасья Хрущева
«Кармен в моей голове»
Хореографический спектакль

Хореограф Татьяна Баганова
Музыкальный руководитель Павел Романенко
Сценограф Лариса Ломакина
Художник по костюмам Галя Солодовникова
Художник по свету Ксения Котенева

Исполнители: артисты Балета Москва, инструментальный ансамбль (две скрипки, виолончель, рояль, фортепиано, перкуссия), Камерный хор Московской консерватории, сопрано соло Валери Шанталь Кпадону, учащиеся МГХУ имени Л.М. Лавровского.

Мировая премьера 28 марта 2025, театр Новая Опера
Продолжительность 63 минуты
Спектакль создан при поддержке ЦЭАМ

Елена С.

Номер ссылки| 2025041301
Тема| Балет, Театра оперы и балета имени А.С. Пушкина, Премьера, Персоналии, Чайковский, Петипа, Александр Сергеев, Андрей Орлов, Маюка Сато, Анастасия Мельникова
Автор| Зоя Игумнова
Заголовок| Лебединая песня: в Нижнем восстановили балет Чайковского
На первый план вывели принца Зигфрида, а не Одетту и Одиллию
Где опубликовано| © Газета «Известия»
Дата публикации| 2025-04-13
Ссылка| https://iz.ru/1869851/zoia-igumnova/lebedinaia-pesnia-v-nizhnem-vosstanovili-balet-chaikovskogo
Аннотация| Премьера

В Нижнем Новгороде на сцене Театра оперы и балета имени А.С. Пушкина состоялась главная премьера сезона в городе — новая версия балета Петра Чайковского «Лебединое озеро». От большинства существующих она отличается тем, что постановка длиннее, так как основана на партитуре 1877 года. И соотношение партий персонажей там тоже не вполне привычное. «Известия» побывали на премьере и пообщались с создателями.

Фото: пресс-служба Театра оперы и балета им. А.С. Пушкина

В чем отличие версии 1877 года

В зрительном зале гостей встречает занавес с лебедями. По залитому красным закатом озеру плывут два белых лебедя. За ним скрывается старинный парк. Молодые люди празднуют окончание учебы. Среди них принц Зигфрид, будущий король, и Бенно, его близкий друг. Веселье прерывается появлением королевы-регентши, которая напоминает принцу, что ему пора принимать престол. Но перспектива стать королем и взвалить на себя груз ответственности пугает его. Он бежит на озеро с мыслями о смерти как избавлении. Там он встречает девушку-лебедя Одетту в окружении подруг. Зигфрид очарован. Он клянется в вечной любви, но не знает, что их ждут испытания…

В нижегородском театре ранее шла хореографическая версия «Лебединого озера» Евгения Спекторова. Пять лет назад спектакль сняли с репертуара. А впервые балет Чайковского здесь поставили 19 июня 1936 года. Тогда Нижний еще был Горьким, хореографом выступал Владимир Кононович.

Главная концептуальная особенность свежей постановки нижегородского театра в том, что в основу легла партитура Чайковского 1877 года.

— В большинстве театров мира идет сильно порезанная версия балета Чайковского, и сокращена она была еще в 1895 году для постановки в Мариинском театре великим хореографом Мариусом Петипа и Львом Ивановым на либретто Модеста Ильича Чайковского, брата композитора, — рассказывает художественный руководитель театра Алексей Трифонов. — С тех пор в полном оригинальном варианте музыка Чайковского ни разу не использовалась в постановках балета. Мы решили отнестись к Чайковскому максимально уважительно, и по возможности весь музыкальный материал вошел в наш спектакль.

Вставки, которые со времени премьеры в Мариинке искусственно были осуществлены дирижером Риккардо Дриго, из этой версии убрали. В балете используется только музыка Чайковского.

Но преемственность по отношению к хрестоматийной версии 1895 года тоже есть. Главную партию в той исторической постановке исполняла Пьерина Леньяни. Она в совершенстве владела хореографической техникой и покорила зрителей исполненными 32 фуэте. В Нижнем Новгороде также использовали эти элементы. Впрочем, хореография из спектакля Петипа и Иванова не дожила до наших дней. Лишь несколько картин было сохранено, и «Лебединое озеро» постепенно наполнялось размышлениями хореографов разного времени.

За хореографию в новом спектакле отвечает солист Мариинского театра Александр Сергеев. Он предложил свежий взгляд на классическую историю любви Одетты и Зигфрида.

— Я отнесся к предложению поставить «Лебединое озеро» как к вызову, — рассказывает Сергеев. — Во-первых, я понимаю, почему великие Петипа и Иванов с помощью Дриго сделали определенные перестановки. С другой стороны, это испытание — попытаться использовать всю музыку Чайковского. Мы отталкивались от музыкального материала, чтобы обновить концепцию. Наш спектакль классический. Лишь в отдельных местах я использовал неоклассику в хореографии. Это касается той музыки, которая для нас не столь привычна.

Хореограф сместил фокус с балерины на образ принца Зигфрида. Эту партию Александр Сергеев танцевал сам множество раз в Санкт-Петербурге, Казани, Японии и США.

— Всегда меня задевало и раздражало то, что Зигфрид — второстепенный персонаж, — признается Сергеев. — Ни с точки зрения драматургии, ни с точки зрения хореографии образ не раскрыт. Я всегда старался привнести свое. И в Мариинском театре в спектакле, в версии Константина Сергеева, есть дополнительная вариация. Она дополнительно раскрывает принца.

В Нижнем Новгороде у молодого хореографа появилась возможность самому наполнить содержанием образ принца. Он представил, что тот переживал, что могло происходить в голове у человека, который стоит на пороге кардинальных изменений своей жизни.

Постановщики разделили картины и представили реальные сцены из жизни Зигфрида здесь и сейчас и, условно, ирреальные — мечты, грезы принца, параллельную реальность, в которую он перемещается.

Кто танцует в «Лебедином озере»

Александр Сергеев для этой постановки собрал свою команду. Сценографией и костюмами занимался художник-постановщик Леонид Алексеев. Светом — Александр Романов. Музыкальным руководителем спектакля стал лауреат «Золотой маски» режиссер Федор Леднев.

Зигфрида воплотил ведущий солист балетной труппы Андрей Орлов. Александр Сергеев предложил ему непростую задачу — совместить свою авторскую хореографию с основой Петипа. Получилось любопытно: вроде всё знакомо, но всё время случаются какие-то «аберрации», и за счет этих тонких, почти неуловимых сдвигов балет интересно смотреть тем, кто видел его десятки раз. Особо выделить можно «Русский танец».

Привычно видеть одну и ту же балерину в партии Одетты и Одиллии. В спектакле Александра Сергеева в программке есть Одетта. А Одиллии — нет! Вместо нее появляется Гостья в черном. Это из первой версии 1877 года, где участвовали две разные балерины, с разной физиологией и психофизикой. Одиллию постановщик лишил отрицательных качеств, ведь она была предана Зигфридом. Он должен ответить за это, в данном случае — перед собой.

Маюка Сато исполняет партию Одетты. Балерина родилась в Токио. Окончила Московскую государственную академию хореографии, танцевала в Мариинке, в Саратове, Самаре, Астрахани. И вот уже третий год Маюка Сато — артистка балетной труппы нижегородского театра. Гостья в черном — Анастасия Мельникова из Донецка. До 2023 года была ведущей солисткой Донецкого театра оперы и балета им. А.Б. Соловьяненко.

Оформление спектакля стало вызовом для художников. Видно, что балет дорогостоящий. Пошито более 250 костюмов. На сцене четыре раза полноценная смена декораций. И сценограф решился даже на то, чтобы показать закрытое для зрителей пространство задника. Его заполнили световой проекцией, что погружает в сказочный мир. Используются видео, мультимедиа.

Художник Леонид Алексеев создал выразительные декорации, вдохновленные живописью Каспара Давида Фридриха, и костюмы, подчеркивающие атмосферу романтической драмы.

— Наш спектакль — об ответственности, — считает Александр Сергеев. — Нас интересует два ее типа: вопрос чести и долга перед своими подданными и ответственность за свои поступки, действия, обещания. Давая клятву, ты не можешь запросто нарушить ее. А если ты это делаешь, то теряешь всё. И себя.

Следующий спектакль состоится 15 апреля. Все билеты, естественно, проданы.

====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025041302
Тема| Балет, Латвийская национальная опера, Премьера, Персоналии, Айварс Лейманис, Юлия Брауэре, Сабине Строкша, Элза Леймане
Автор| Елена Слюсарева
Заголовок| Один из самых эффектных балетов вернулся на сцену ЛНО: «Эсмеральда»
Где опубликовано| © "Вести сегодня" - Пресса Латвии
Дата публикации| 2025-04-12
Ссылка| https://press.lv/post/odin-iz-samyh-effektnyh-baletov-vernulsya-na-stsenu-lno-esmeralda
Аннотация| Премьера

В Латвийской опере - знаковое событие. Спустя 50 лет на сцену театра возвращается один из самых красивых мировых балетов - "Эсмеральда". Возвращается буквально под шквал аплодисментов. В эти дни проходят премьерные показы - в трех составах на сцену выходят лучшие танцовщики, наши и приглашенные. Хореограф - Айварс Лейманис, художественный руководитель Латвийского балета.

Нынешняя постановка "Эсмеральды" - 4-я на сцене ЛНО. Какой она предстанет перед сегодняшней публикой - гадали журналисты накануне. Лейманис интриговал: "Это будет мой взгляд". Но за этой интригой чувствовалась уверенность мастера в успехе, особенно с учетом того, что сам он в недавнем прошлом великолепный танцовщик, знающий толк в Большом балете.

Забегая вперед, отмечу, - он взял лучшее из классики и рассказал старинную историю сегодняшним языком - коротко, динамично, чувственно и очень красиво во всех отношениях.

Напомним, балет «Эсмеральда» поставлен по знаменитому роману Виктора Гюго «Собор Парижской Богоматери». Либретто написал сам автор, облегчив сюжет. Фантастически красивая, страстная музыка - Цезаря Пуни и Рикардо Дриго. Этот балет называют эстетическим манифестом балетмейстера Жюля Перро - одного из основателей романтического направления.

Премьера "Эсмеральды" состоялась в 1844 году в Лондоне на сцене Королевского театра. И с тех пор этот спектакль остается одним из самых ярких балетов мира. Не случайно танцевать в нем стремились лучшие артисты всех времен и народов. Практически все партии в нем выписаны настолько красочно и ярко, что каждая из них что жемчужинка. В частности, маленький танец на балу Дианы и Актеона в СССР блистательно исполняли Галина Уланова и Вахтанг Чабукиани. Его, кстати, Лейманис включил в свою постановку.

Итак, новый спектакль в двух отделениях - длится 2 часа с антрактом. Действие происходит в конце 15 века на окраинах Парижа у собора Парижской Богоматери (сейчас это туристический центр французской столицы). Толпы нищих и бродяг, обитающих в окрестностях, становятся невольными свидетелями этой исторической драмы. Всё в которой - про любовь.

Коротко о сюжете: молодая красивая цыганка по имени Эсмеральда спасает от смерти неудачливого поэта Гренгуара тем, что берет его в мужья (по тогдашним законам, это была равноценная замена смертной казни ). Жить с ним она, однако не собирается. Сама по-настоящему влюбляется в молодого офицера Феба де Шатопера. А Эсмеральду безответно любит священник Собора Клод Фролло. И Квазимодо - отверженный даже нищими собратьями горбун, звонарь Собора. В результате интриги отвергнутого влюбленного священника девушку осуждают на смертную казнь и только Квазимодо остается преданным ей до конца.

Финал этой истории много раз видоизменялся, каким он будет в нынешнем рассказе - решите сами.

...Занавес поднимается - на сцене веселится нищий люд. Конец 15 века, но по отдельным деталям уже ясно - Париж с его будущим знаменитым кан-каном...Кордебалет в красочных лохмотьях становится одним из действующих лиц. Короткий спектакль до предела наполнен драматизмом и колоритнейшими партиями.

Любовь до исступления, до смерти - история, гениально рассказанная языком танца, захватывает зрителей с первой минуты. Исполнители великолепны - тонкие, гибкие, переполненные чувствами, как натянутые струны. Чего стоит одна только пластика Квазимодо, бьющегося в отчаянии, - сгусток настоящей боли, которую не сыграть - нужно пережить. И зрители переживают любовь и ненависть, восторг и отчаяние, то замирая под бархатные голоса виолончелей, то бешено аплодируют страстным цыганским па и фуэте...

Постановка в целом удачно соединяет в себе классические элементы с современными. При минимуме декораций создается ощущение полного погружения, что называется, в дух эпохи - костюмы, свет, цвет - все в полной гармонии. А что - в главном-то мы остались прежними, плюс-минус 500 лет в людях ничего по сути не меняет...

Послевкусие - редкое по нынешним временам - вот что оставляет после себя «Эсмеральда». Если не употреблять эпитетов типа «восхитительно, великолепно, блистательно», то хочется просто поблагодарить артистов, музыкантов и всех создателей спектакля. Отмечу, что в роли Эсмеральды в разных показах выступают Юлия Брауэре, Сабине Строкша и Элза Леймане (она ещё и помощник хореографа). С мужскими партиями так же великолепно справились все - это просто нужно видеть...И конечно, на высоте оркестр ЛНО под управлением опытнейшего маэстро, "укротителя" классики Фархада Стаде.

...«Я убежден, что классический балет — это основа любой большой, качественной балетной труппы. Именно поэтому я выбрал «Эсмеральду» — монументальный классический балетный спектакль с историей, которая нравится зрителям. Я постарался создать современный, динамичный классический балет с напряженным сюжетом, активным действием и очень сочными персонажами. Наша Эсмеральда должна быть драматической актрисой с безупречной техникой классического танца. У мужчин есть особые возможности для художественного самовыражения: охваченный запретной страстью Клод Фролло, прекрасный и элегантный Феб, частый гость парижских публичных домов, Квазимодо, живущий под началом Клодо, в котором рождаются внезапные чувства к Эсмеральде, и наивный поэт Гренгуар. Впервые в нашем балете использовано па-де-де Дианы и Актеона, созданное Агриппиной Вагановой, которое исполняется как мифологизированная сцена на балу — еще один яркий дуэт», — говорит художественный руководитель Латвийского национального балета, хореограф Айварс Лейманис.

Остается добавить, что замысел полностью удался - репертуар Латвийской оперы пополнился настоящим шедевром.

Елена СЛЮСАРЕВА

ФОТО Агнесе Зелтиня

======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025041303
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Игорь Цвирко, Кристина Кретова
Автор| беседу вела Мирослава Архангельская
Заголовок| Игорь Цвирко: «Видимо, всему поспособствовали наши драгоценные родители»
Где опубликовано| © МВД Медиа
Дата публикации| 2025-04-12
Ссылка| https://mvdmedia.ru/publications/shield-and-sword/gosti/igor-tsvirko-vidimo-vsemu-posposobstvovali-nashi-dragotsennye-roditeli/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Балет - удивительный, прекрасный и многогранный мир. Этот вид искусства зародился в Италии, тем не менее в нашей стране он по праву считается национальным достоянием и международным эталоном танцевального мастерства. Многим знакомы имена великих Анны Павловой, Галины Улановой, Майи Плисецкой. Ярко сияют и современные звёзды, среди них супруги Игорь Цвирко и Кристина Кретова - премьер и ведущая солистка Большого театра России.

ФОТО: Александры Солозобовой / Совместная репетиция Игоря Цвирко и Кристины Кретовой

- Почему балет? Откуда тяга именно к этому виду искусства?

- Кристина: Мы всю жизнь задаём себе этот вопрос...

- Игорь: …и не можем на него ответить. Видимо, всему поспособствовали наши драгоценные родители.

- Кристина: Именно они отвели нас в Московскую академию хореографии, до этого занимались просто в кружках. А уже когда исполнилось по 10 лет, родители решили нашу судьбу, и мы им, конечно же, благодарны.

- Игорь: На самом деле это и наш выбор - смогли пройти через суровый отбор. Например, у Кристины было 80 человек на место, а поступили только двое. С парнями попроще, потому что желающих было не так много, хотя отбирали тоже достаточно строго. В любом случае родители дали направление, а в целом это являлось нашим желанием.

- Кристина: Сейчас удивляюсь своей трудоспособности в детстве. Мама помогала растягиваться, я кричала как сумасшедшая. Забегала в комнату бабушка, а я ей говорила: «Уйди, так надо! » - и продолжала орать.

- Расскажите про иерархию в Большом театре. Что значит «премьер»?

- Игорь: Это главный танцовщик - их у нас сейчас девять человек, примерно столько же прим-балерин. Соответственно, если представить пирамиду, то на вершине будут премьер и прима-балерина. Чуть ниже, но не менее значимые, находятся ведущие солисты театра.

- Кристина: Я начинала карьеру с «Кремлёвского балета». Затем перешла в театр Станиславского и Немировича-Данченко, там как раз занимала должность примы-балерины. В Большом я - ведущая солистка, но исполняю те же партии, что и примы.

- В балете наверняка существует жёсткая конкуренция. Она создаёт дискомфорт или наоборот как-то подстёгивает?

- Игорь: А где нет конкуренции? Да, у нас она, наверное, более ощутима.

- Кристина: Потому что снято много неправдоподобных фильмов, которые чересчур утрированно показывают эту ситуацию.

- Игорь: Иначе кино будет неинтересно смотреть, поэтому режиссёр драматизирует. На самом деле всё банально: у нас очень короткая профессиональная жизнь и много тех, кто действительно хочет чего-то достичь. Следовательно, возникает конкуренция, но она является мотиватором и двигателем - таким средством, ради которого ты совершенствуешь свои навыки, тело, чтобы быть если не единственным, то одним из первых.

- Сколько времени уходит на постановку представления?

- Игорь: Это зависит от разных вещей. Бывает, готовый спектакль просто переносится на нашу сцену - приезжают постановщики, репетиторы. В таком случае процесс занимает полтора-два месяца. Если же балет создаётся с нуля, то всё происходит гораздо дольше. Например, в данный момент идёт активная работа над премьерой «Конёк-горбунок», которая состоится 29 мая на исторической сцене. В среднем постановка с нуля занимает около полугода.

- Кристина: Всё зависит от занятости артистов, потому что в Большом театре ежедневно идёт репертуар. Многие не имеют возможности целыми днями репетировать, поэтому процесс растягивается.

- Давайте поговорим о ваших проектах. Над чем в данное время работаете?

- Игорь: Сейчас самое важное для нас - повторный показ «Мистерии». Это первый проект, куда вложили душу, силы, средства. Вдобавок Кристина исполняет партию в спектакле «Монаксия», созданном специально для неё, о древнегреческой богине, которой даровано бессмертие. У меня же мировая премьера о Врубеле и его «Демоне сидящем» - шедевре, восхищающем многих людей. Там есть отсылки не только к этой замечательной картине, но и к другим произведениям Михаила Александровича. Роль была создана для меня Александром Могилёвым. Ещё мы возвращаем спустя восемь лет спектакль под названием Love Song. Это любовная песня о взаимоотношениях пары.

- Знаю, что сейчас готовятся спектакли по творчеству Александра Сергеевича Пушкина...

- Игорь: Данная идея зародилась у меня очень давно.

- Кристина: Два года он ею точно бредит.

- Игорь: Изучал и продолжаю изучать творчество Александра Сергеевича, восхищаюсь им. Мне показалось необходимым сделать спектакль именно о судьбе поэта, о том, что его вдохновляло за такую недолгую, но насыщенную жизнь. К тому же в прошлом году исполнилось 225 лет со дня рождения Пушкина. Хотя он актуален всегда, вне зависимости от близости юбилейной даты.

- Кристина: Чем больше углубляешься в изучение его истории, тем больше приходишь в восторг. Недавно включили телевизор, и один актёр, который как раз исполнил роль Пушкина, проходил блицопрос. Естественно, на протяжении года он готовился к этой роли и наверняка много читал об Александре Сергеевиче, но в итоге Игорь отвечал быстрее и правильнее. Было 10 вопросов - муж дал ответы на все. Понимаете, его комната, являющаяся и кабинетом, завалена книгами о Пушкине. Ведь он сам пишет сценарий, не только продюсирует проект, но ещё будет и режиссёром спектакля. Также играет главную роль - супруг действительно внешне похож на Пушкина, особенно с бакенбардами.

- Игорь: Если вижу общую концепцию, мне тяжело её кому-то доверить. Безусловно, будем тесно работать с хореографом Дмитрием Антиповым, который поставит этот спектакль, но сама идея и представление о том, каким он должен быть, сидят у меня в голове.

- Интересно, что там по задумке балет соединяется с разными видами искусства. Каким образом это осуществите?

- Игорь: В эру технологии будем прибегать и к проекциям, и к различным визуальным эффектам. Всё должно получиться очень красиво.

- Если говорить о популярности балета, в каком состоянии он сейчас находится?

- Кристина: Не так давно читала автобиографию Майи Михайловны Плисецкой. Она пишет, что каждый раз, когда приезжали высокопоставленные представители из других стран, они всегда приходили в Большой театр. Сейчас такое происходит гораздо реже. Не знаю, с чем это связано. Хотя в любом случае нас везде и всегда рады видеть: зовут провести мастер-классы либо на творческие встречи. Интерес есть, и существует огромная плеяда людей, которые ходят к нам на протяжении 20 лет. Сейчас стало немножко труднее с ценами, но многие специально откладывают деньги для того, чтобы хоть раз в месяц посетить Большой театр.

- Игорь: Всё циклично. Бывают моменты, когда вспоминают о балете, достижениях этого вида искусства. Порой он менее актуален, но благодаря соцсетям всегда есть возможность поддерживать некоторый интерес. Взять даже мой влог, в котором приоткрываю закулисные тайны, - людям нравится.

Порой сталкиваешься с ситуацией, что зрители будто не понимают происходящего на сцене. Но если исполнители танцуют хорошо, такой проблемы не возникает.

- Кристина: Иногда хореограф и режиссёр пытаются сделать из мухи слона, слишком углубляясь в интерпретацию своего внутреннего видения. На мой взгляд, при создании современной хореографии всё должно быть легко и красиво, ведь зритель приходит отдохнуть - увидеть красивый танец, декорации, насладиться музыкой. Важно, чтобы балетмейстер, создавая что-то новое, не делал это чересчур вычурно.

- Есть ли способ сделать балет более доступным?

- Игорь: Понятно, что всё сводится к ценовой политике. Стоимость билетов не может быть ниже, чем затраты на сам процесс создания. Однако свои спектакли мы постараемся сделать по максимально приемлемым ценам, даже в ущерб выгоде, чтобы у людей, желающих насладиться красотой, эстетикой, была такая возможность.

Помимо тех проектов, о которых уже рассказали, есть и другие, например, «Классика русского балета» в Театре эстрады и в «Филармонии-2» в Москве. Постановка нашла отклик у зрителей, и, надеюсь, в скором времени её повторим. Она носит повествовательный и образовательный характер. Мы не только танцевали, но и вели вечер, при этом показывали проекции деятелей искусства, прославивших русский балет. Важно, чтобы не только москвичи или жители Северной столицы могли увидеть спектакли. Хочется показать их и в других городах России.

- Сложно продюсировать балетные проекты?

- Игорь: Очень непросто! Нужно учитывать финансовую составляющую, и порой очень тяжело объяснить бизнесменам, что не всегда будет большой процент от выручки. Я не держу фигу в кармане, когда прихожу на переговоры, а говорю как есть. Раскладываю, на что можем ориентироваться, какие будут цифры, именно для того, чтобы стало понятно - это не про коммерческую выгоду. Вопрос в том, готовы вы или нет дать возможность творению, творчеству свершиться и оставить частичку чего-то значимого в жизни людей.

Визитная карточка

Игорь Цвирко - российский артист балета. В 1999 году поступил в Московскую государственную академию хореографии. В 2007-м окончил её с отличием по классу Александра Ивановича Бондаренко, впоследствии был принят в труппу Большого театра. С 2013 года являлся солистом, в 2022-м возведён в ранг премьера Большого театра.

В октябре 2024 года принимал участие в международных гастролях Большого театра, исполнив главную роль в балете «Спартак» в рамках XXIII Международного фестиваля искусств в Шанхае.

Кристина Кретова - российская балерина. До 1994 года училась в хореографической школе, затем поступила в Московскую государственную академию хореографии. После выпуска была солисткой театра «Кремлёвский балет», с 2010-го танцевала в театре имени Станиславского и Немировича-Данченко, с 2011 года - ведущая солистка Большого театра.

Оба являются обладателями различных наград и премий.

Игорь: Проблема в том, что о балете мало говорят и мало его показывают. Считаю, его должно быть как можно больше на федеральных каналах, а также хотелось, чтобы на эту тему снимали действительно интересные документальные и художественные фильмы. Так можно поспособствовать интересу публики к подобному виду искусства.

***

Кристина: Одна поклонница моего творчества приходит в зрительный зал на каждый спектакль. И просто аплодирует. Иногда мне это очень помогает, потому что есть моменты трудных вариаций, перед которыми и после которых необходимо подышать. Она подольше держит публику, ведь люди не всегда знают, в каком месте и как долго нужно хлопать.

==============================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Фото: Михаил Терещенко/ТАСС

10 и 11 апреля на сцене Государственного академического Малого театра состоялась московская премьера балета «Две Анны». Он рассказывает о судьбах двух женщин: Анны Ахматовой и Анны Павловой, ставших символами Серебряного века. Хореографы — Юрий Посохов и Павел Глухов. Автор либретто и режиссер — Феликс Михайлов.

Балет «Две Анны» — продюсерский проект компании MuzArts, на протяжении 10 лет создающей балеты с участием ведущих российских артистов. Первая часть рассказывает об Анне Ахматовой. В ней звучит музыка французского композитора Сезара Франка. Поставил ее хореограф Юрий Посохов. Вторая часть посвящена Анне Павловой. Музыку для нее написал российский композитор Илья Демуцкий. Автором хореографии стал Павел Глухов. Либретто для обеих частей написал Феликс Михайлов. Он же выступил в качестве режиссера балета.

Феликс Михайлов — мастер постановки самых разнообразных шоу. В этом жанре ему в России нет равных. Больше 10 лет он руководит шоу-пространством «Ленинград Центр». Здесь он смог собрать исключительную по своему составу и возможностям труппу. На его сцене он поставил такие спектакли, как Illusio, «Фавориты луны. Поцелуй», «Прекрасная М», Timeless, Lovesick, в которых перезагрузил жанр ревю, и доказал, что из сочетания концертных номеров, включая цирковые, можно создавать захватывающие шедевры. В числе реализованных им проектов — «Уроки литературы», в котором чтение текстов сопровождалось сценическим действием.

Партию Анны Ахматовой исполняет прима-балерина Большого театра Элеонора Севенард. В центре сюжета первой части — любовный треугольник: Анна Ахматова, ее муж — поэт Николай Гумилев и художник Амедео Модильяни. Стихи Анны Ахматовой читает актриса БДТ имени Г.А. Товстоногова Полина Маликова. На встрече с журналистами накануне премьеры Элеонора Севенард призналась: «Нам, артистам балета, иногда сложно словами объяснить то, что мы чувствуем, но в движении это всегда обретает правильные ноты и эмоции. И этот спектакль мне кажется очень особенным. И то, что в нем участвует актриса, которая читает стихи, рассказывает историю Ахматовой, и очень интересно [одновременно с ее чтением] исполнять это пластически. Мне кажется, это что-то новое. Быть частью такого спектакля — огромное счастье».

Вторая часть спектакля рассказывает об отношениях Анны Павловой с мужчинами, встречи с которыми определили ее судьбу: Чекетти, Дандре, Вертинский, Чаплин. Среди тех, кто исполняет партию Павловой, — Елизавета Кокорева. На встрече с журналистами она рассказала, чем ее привлек проект, и почему она согласилась в нем участвовать, несмотря на колоссальную занятость в театре: «Юрий Посохов очень давно говорил о том, что у него будет такой проект, и что он хотел бы меня туда позвать. И я сразу сказала: да, конечно, потому что не первый раз участвую в проектах Юрия. Для меня это всегда очень интересные работы — для личного моего развития. И сейчас — в не очень комфортное время для постановок новых балетов, мы не останавливаемся, мы можем работать и развиваться в современной хореографии. Я сразу согласилась на все балеты: и на Анну Павлову, и на Анну Ахматову. Сейчас сложно выделять на это время, учитывая нашу загруженность в театре. И жертвуя выходными, свободными минутами, мы бежим в зал. Если бы это не было так интересно, мне было бы проще отказаться от этого проекта».

Создатель сценического оформления спектакля — одна из лучших российских сценографов Мария Трегубова. Несмотря на то, что она уже не в первый раз работает над постановками MuzArts, Мария Трегубова по-прежнему расценивает танец как что-то загадочное. «Это то, с чем я мало работала, — пояснила она на встрече с журналистами, — потому что драматургия танца, драматургия движения, это то, что сложно понять, это то, что не перестаёт удивлять меня и как зрителя, и как участника процесса, — каким метафорическим языком создаётся эта история. И поскольку я сама занимаюсь тем, что рассказываю эту историю параллельно — с помощью визуальной драматургии для меня очень интересно сосуществование этих двух линий: танца и визуального образа».

После московских показов балет ждут зарубежные гастроли.

Елена С.

Номер ссылки| 2025041305
Тема| Балет, Латвийская национальная опера, Премьера, Персоналии, Айварс Лейманис, Юлия Брауэре, Сабине Строкша, Элза Леймане
Автор| Людмила Метельская
Заголовок| На пуантах и всей стопой
Где опубликовано| © портал LSM.lv
Дата публикации| 2025-04-13
Ссылка| https://rus.lsm.lv/statja/za-efirom/kultura/13.04.2025-lyudmila-metelskaya-na-puantax-i-vsei-stopoi.a595305/
Аннотация| Премьера

Agnese ZELTIŅA

В нашей Опере поставили балет «Эсмеральда», основанный на сюжете «Собора Парижской Богоматери» Виктора Гюго.

Танцовщица влюбляется в капитана Феба, а уж в нее кто только не влюблен: и поэт Пьер Гренгуар, и горбатый звонарь Квазимодо, и архидьякон Клод Фролло, и все-все-все, ведь она кажется «существом воистину неземным». Фролло из ревности обвиняет героиню в убийстве, которое совершил сам, Эсмеральду казнят, Квазимодо казнит хозяина. Дальше — тишина.

Кажется, этот балет проблем постановщикам доставлять не должен, очень уж предсказуем сюжет — так и просится в повествовательную историю, которую, даже стоя на пуантах, пересказать достаточно легко. Достаточно превратить белый шарф в символ любви: Феб дарит его Эсмеральде, но прежде обвивает тканью ее стан и держит за концы, словно страхует, мол, с ним, таким защитником, она не упадет, не пропадет, — и вот девушке уже можно не расставаться с шарфом, он свидетель ее верности, ее ожиданий.

Достаточно задействовать принцип контрастов — и «роман» в двух действиях будет читаться легко.

Вы запомните по-цыгански сочные костюмы в первом действии и разнообразно-серые у обитателей замка (жертвы дресс-кода!) — во втором. В первом все живут в легком хаосе — суетятся, движутся, как сердце велит, во втором — исполняют чопорные танцы, то и дело выстраиваясь в линеечку. Пожилая пара на площади исполняет любовь в вольном стиле, с бессловесной руганью и потасовками (они только тешатся), а во дворце другие люди и все по-другому. Так что пусть одни ходят на пуантах, зато другие — всей стопой!

Говорить о костюмах хочется долго. Взять хотя бы наряды танцовщиц — с легким пересказом цыганской классики: юбок не много, всего-то в три ряда один другого короче, но стоит балеринам закрутиться в вихре — и нижние юбки вспыхнут вишневым огнем, будьте спокойны. Во дворце они выступят уже в другом, подключат ради праздника цветовые сочетания на тему земной страсти: теперь они в красно-зеленом, они знают, куда и в чем ходить. Наивная пестрота на фоне всех оттенков серого почти слепит и явно побеждает, народ сильнее своих властителей, да будет так.

Балет создавался на основе романа Виктора Гюго «Собор Парижской Богоматери». Где здесь Париж? Он в декорациях, отсылающих к ажурам Эйфелевой башни. Париж — это где? Во Франции, и вот вам огромные, во весь задник, копии тамошних гобеленов, для каждой сцены — свой вариант. Время действия сценограф вниманием тоже не обошел — вот вам ненавязчивые гаргульи, исполнявшие роль водосточных желобов в Средние века. А вот главная примета самого собора — узнаваемая решетка на круглом окне. Мартиньш Вилкарсис копировать готику не стал, что было бы вторично, скучно, прямолинейно, он просто поработал с прямыми линиями конструкций, не поместив между ними ни ткани, ни раскрашенной фанеры.

Мастер не воссоздает — он создает заново, ограничиваясь легкими намеками на натуру. Такая у него изысканная игра.

Словом «игра» можно определить партию Квазимодо в исполнении статного Антона Фрейманса: вот уж кто совсем не инвалид! Скрючившись в горбуна, можно исполнять соло, но как не распрямить в поддержке «больную» руку, не дать волю озорной актерской харизме, не заигрывать с дамами легкого поведения, косясь шальным глазом зрительный зал? Как иначе сыграть бунт против судьбы?

Чем Квазимодо, состоящий в подчинении у властного негодяя, не сумевший защитить любимую от казни и устроивший личный бунт, когда исправить ничего уже было нельзя, — чем он не Герасим, ушедший от барыни только после того, как утопил Муму?

Чем повелитель бродяг, собирающий со всех неминуемую мзду, не тот, о ком вы сейчас подумали?

Чем святоша, воспылавший запретной страстью, не отец Сергий Толстого, ведь Раймонд Мартынов сыграл не столько богохульника и лицемера с крестом чуть выше пупа, сколько великого страдальца — мученика веры? Да, он ничего себе не отрубает — просто бьет по щекам, сначала по правой, а потом подставляет левую.

Сила Эсмеральды — в ее человеческом совершенстве, и потому к ней тянутся все, лидерские качества здесь ни при чем. Ее сила — в слабости, женственности, жертвенности, доброте. У Элзы Леймане получился образ менее романтический — над грешной землей ее героиня еще не воспарила. Вот сцена, когда она видит любимого в качестве чужого жениха: поражена, и от мощной личности ты ждешь соло об умении прийти в себя несмотря ни на что, ведь Эсмеральда артистка. В итоге она могла бы праздновать победу над собой и наверняка празднует, но не так чтобы явно и ярко. Но главное — от Эсмеральды все-таки ждешь легкости, почти воздушности, вот как у Дианы в исполнении Аннии Копштале — не столько охотницы, сколько безгрешного создания с луком без стрел. Но здесь главное вовремя вспомнить, что в очередь с Элзой Леймане

заглавную партию исполняет Юлия Брауэре, и успокоиться: уж она-то защитит светлый образ и сыграет не ревность — чувство собственного достоинства,

а легкое кокетство подаст как веру в лучшее: он смотрит на меня, он вернется! Ее героиня будет чиста, трепетна и совершенна, как полагается персонажу, созданному в эпоху черно-белого романтизма.

Побеждает ли зло во всей этой истории — в классическом балете с элементами модерна (швов между ними нет, не ищите)? Формально — да. Эсмеральда оказывается агнцем, белой козочкой, с которой в книге была неразлучна, ее принесли в жертву лжи и силе — во имя чего?

Что можно вымолить у Богоматери, сделав невинную виновной и послав на заклание самого беззащитного из лучших?

Какой на этом можно построить очищенный от скверны мир?

Спектакль эти вопросы впрямую не задает — их порождает наша с вами действительность. И вечно современная классика.

=====================================================================
ФОТОГАЛЕРЕЯ - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025041401
Тема| Балет, Opera national de Paris, Премьера, Персоналии, Шарон Эяль, Матс Эк
Автор| Мария Сидельникова
Заголовок| Живой комплекс
«К смерти» Шарон Эяль и «Квартира» Матса Эка в Парижской опере
Где опубликовано| © Газета «Коммерсантъ» №67/П от 14.04.2025, стр. 11
Дата публикации| 2025-04-14
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/7656538
Аннотация| Премьера

В Opera Garnier состоялась премьера одной из самых интригующих программ сезона. Израильская танцовщица и хореограф Шарон Эяль представила премьеру «К смерти» («Vers la mort»), обещанную на пуантах. А шведский мэтр Матс Эк, отпраздновавший свое 80-летие и уже не раз грозившийся уйти на пенсию, вернулся в Оперу, чтобы возобновить свой легендарный спектакль «Квартира» («Appartement», 2000). От несдержанных обещаний выиграли артисты, считает Мария Сидельникова.

Новая «Квартира» Матса Эка обставлена не хуже предыдущей
Фото: Agathe Poupeney / Opera national de Paris

ДАЛЕЕ - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025041402
Тема| Балет, МТ, Фестиваль «Сыктывкарса Тулыс», Персоналии, Кимин Ким
Автор| корр.
Заголовок| Премьер Мариинского театра Кимин Ким: «В «Баядерке» есть внутреннее чувство риска»
Где опубликовано| © БНК
Дата публикации| 2025-04-14
Ссылка| https://www.bnkomi.ru/data/interview/183619/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Фестиваль «Сыктывкарса Тулыс» продолжит балетные вечера спектаклем «Баядерка» 14 апреля. Накануне корреспондент БНК встретился с исполнителем партии храброго и мужественного воина Солора — премьером Мариинского театра Кимин Кимом, которого называют «корейским чудом».

Кимин Ким родился в Сеуле. Окончил Корейский национальный университет искусств (класс Владимира Кима и Маргариты Куллик). С 2012 года — солист Мариинского театра, с 2015-го — премьер.

Лауреат международных конкурсов артистов балета (Рим, Москва, Сеул, Джексон, Варна), обладатель Гран-при Международного конкурса артистов балета «Арабеск», Гран-при Международного конкурса Youth America Grand Prix (Нью-Йорк), лауреат премии «Душа танца» в номинации «Звезда» (журнал «Балет»), победитель проекта телеканала «Россия-Культура» «Большой балет» (2016). В послужном списке — более 30 партий.

— Как вы попали в балет?

— В детстве я занимался тхэквондо, ски-альпинизмом, футболом, плавал, рисовал. Мама любила активности. По профессии она композитор, и поэтому хотела, чтобы я занимался искусством. По ее рекомендации попробовал балет, и мне очень понравилось. Как начал танцевать, все остальное забросил. Я понял, что хочу сосредоточиться на балете.

— Ваша мама связана с искусством, а отец?

— Нет, но он все равно любит смотреть спектакли. В Корее не как в России, где на каждом шагу есть театр. Но по возможности, если приезжают с гастролями коллективы, мы максимально старались попасть на них, потому что нам было это интересно.

— Вы были в классе Владимира Кима и Маргариты Куллик. Как русский и корейский подходы к балету отличаются?

— Когда в Корее начали заниматься балетом, пригласили многих педагогов из России. В театрах идут редакции спектаклей Мариинского и Большого. Поэтому корейский балет получился копией русского: методику, школу мы взяли из России, не Франции и не Америки. Поэтому у меня база русская. Когда Маргарита и Владимир приехали в Корею, я услышал об этом и хотел заниматься именно у них. У нас в Корее русская балетная школа. Педагоги мне передали то, что преподавали им, когда они учились и танцевали в России.

— Откуда интерес именно к русскому балету?

— Я до сих пор задаюсь этим вопросом. Мне кажется, у нас, в Корее, мы больше соприкасаемся с американскими людьми. Но в искусстве мы тянулись именно к русским. Корейцы очень любят русскую музыку. Мы ее обожаем. Все мои любимые музыканты — русские. Это необъяснимая связь, как душа — либо есть, либо нет. Мне кажется, между корейскими и русскими народами есть общее внутреннее чувство. Может быть, поэтому мне не было трудно влиться в русскую культуру. Мне сразу понравилось общаться с русскими, захотелось учить язык, все-все-все.

— Вы отметили, что корейцы обожают русскую музыку. У вас какая самая любимая?

— Я люблю Чайковского. Может быть, это глупо звучит, что танцовщик любит Чайковского, потому что мы постоянно слушаем его. Но я не имею в виду балетную, хотя люблю «Лебединое озеро», «Щелкунчик». Мне нравится симфоническая музыка. Самая любимая — его пятая симфония. Еще обожаю Рахманинова, Шостаковича.

— В ваш адрес звучит много потрясающих эпитетов: и чудо, и главный виртуоз, все отмечают ваши прыжки. Как вы добиваетесь такой техничности, артистизма и мастерства, сколько из этого — тренировки и генетическая удача?

— Воспитанием добиваюсь. Пока ты не понимаешь, что тебе важно, чего ты хочешь, ты этим не занимаешься в полной мере. Маргарита и Владимир меня так воспитали: я должен делать не просто номера, не просто кидать ногу или шагать. Они объяснили: я должен понимать, почему это делаю, почему этого хочу, почему прыгаю. Всегда поясняли стиль, культуру, эмоцию, насколько это важно на сцене. Не сколько ты прыгаешь, а почему. Смысл. Тогда зрителю ты передаешь маленькое сообщение. Это искусство, культура балета. Меня так воспитали, и мне самому было интересно это. В балете мне часто задают вопрос: что важнее — эмоция, трюк, музыкальность? Я всегда говорю — все. Если хорошо прыгаешь, поддерживаешь партнершу, но нет музыкальности, на это трудно смотреть. А если не прыгать, тоже трудно смотреть. Поэтому с детства я охватываю все, мне было интересно все. Но для меня самое важное не то, чтобы зритель после спектакля хлопал от восторга, а чтобы он что-то от меня взял. Если у него в жизни была радость, то я бы хотел, чтобы мы вместе улыбались. Если что-то грустное случилось, то я бы хотел обняться и вместе поговорить — через искусство, на сцене.

— Партию Солора вы уже исполняли в Американском театре балета, в Парижской опере. Каждый выход на сцену разный?

— Да, редакции разные. Во Франции — нуреевская [Рудольфа Нуреева], в Америке — макаровская [Натальи Макаровой], у нас [в Мариинском театре] есть Петипа [Мариус Петипа]. Все разное, поэтому интересное. У вас по-нашему почти, но есть нюансы, чуть-чуть по-другому. Партия Солора одна из моих самых любимых, но одна из самых сложных.

— Почему?

— Любимая, потому что мне нравится сюжет. Музыка красивая, гениальная. А тяжело из-за хореографии, но по-хорошему. Если легко, это уже неинтересно. Зачем тогда я это показываю? В «Баядерке» есть внутреннее чувство риска: получится или не получится, как зритель примет. Я хочу быстрее оказаться на сцене, это как вызов.

— В нашем театре вас тепло встретили?

— Я чувствую хорошую энергетику в театре. Мои партнерши в спектакле — Наталья [Супрун, Театр оперы и балета Коми] и Софья [Валиуллина, Большой театр]. Приятно работать с добрыми, прекрасными балеринами. Обычно у меня такой план: прилетаю, репетирую, потом постепенно узнаю, какие люди, какая культура. Я считаю, что мне очень повезло, хочу уже увидеть зрителя.

— Вместе с вами в «Баядерке» будут участвовать молодые танцоры из детской балетной студии театра и гимназии искусств. Как опытный артист что вы можете сказать тем, кто только начинает свой творческий путь?

— Я всегда сомневаюсь, что нужно ответить — трудиться или любить. Сначала я хочу сказать, что труд, ведь это обязательно. Но только он — это плохо. Почему я это делаю? Почему выделяю время на это? Надо задавать себе этот вопрос. Если не понимаешь, что делаешь, но продолжаешь — это не искусство. Важно любить. В детстве я ненормально занимался, мог до трех ночи быть занят, у меня не было таких данных, но я очень любил балет, мне всегда хотелось танцевать. У меня был идеал: я хотел быть как Барышников, Нуреев. Поэтому любовь и труд.

Фото Константина Стратиенко
==========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025041501
Тема| Балет, Марийский театр оперы и балета им. Э. Сапаева, Фестиваль балета в честь Галины Улановой, Персоналии, Мария Ильюшкина, Денис Родькин
Автор| Ирина Кандакова
Заголовок| Звёзды балета Большого театра и Мариинки выступили в Йошкар-Оле
Где опубликовано| © ИА МариМедиа
Дата публикации| 2025-04-15
Ссылка| https://www.marimedia.ru/company_category/245/zvjozdy-baleta-bolshogo-teatra-i-mariinki-vystupili-v-jjoshkar-ole-3418/
Аннотация| Фестиваль

Фестиваль балета в честь Галины Улановой в Марийском театре оперы и балета им. Э. Сапаева вновь стал большим и ярким событием в театральной жизни Йошкар-Олы.

У театралов он, без преувеличения, пользуется особой любовью. В дни фестиваля на сцене столицы Марий Эл вместе с нашей труппой блистают звёзды российского и мирового балета. В этом году это солисты Большого театра, примы и премьеры Мариинского театра, театра «Кремлёвский балет», Челябинского театра оперы и балета им. М.И. Глинки.

В праздник искусства танца погрузилась и корреспондент ИА МариМедиа Ирина Кандакова, которая посмотрела один из шедевров эпохи романтизма — балет «Жизель». Главные партии в нём исполнили первая солистка Мариинки Мария Ильюшкина и премьер Большого театра Денис Родькин. После спектакля артисты поделились своим видением этой постановки и эмоциями от встречи с йошкар-олинским зрителем.

Шедевр эпохи романтизма

Фантастический балет Адольфа Адана «Жизель» считают одним из самых знаменитых спектаклей мирового классического хореографического репертуара. По моим ощущениям, зритель любит его за достаточно простую драматургию, понятную технику исполнения и, безусловно, очень красивую картинку.

В основе либретто — древняя легенда о виллисах — девушках, умерших до свадьбы. После смерти они становились духами и по ночам расправлялись с путниками, до смерти их затанцовывая. В одну из виллис превратилась и юная крестьянка Жизель, которую предал её избранник Альберт. Притворившись простолюдином, он скрыл от неё своё графское происхождение, а также «забыл» упомянуть, что уже обручён с другой. Когда обман вскрылся, Жизель сходит с ума и умирает.

Безутешный Альберт приходит ночью на её могилу, где его встречают виллисы и завлекают в смертельные танцы. От неминуемой гибели графа спасает дух Жизели, которая всё ещё его любит. В итоге Альберт остаётся жив, думает над свои поведением и жалеет о потерянной любви.

Так выглядит классический финал этой истории любви.

Однако в версии спектакля Марийского театра оперы и балета концовка другая. По замыслу постановщика балета и худрука театра Константина Иванова, Альберт тоже погибает, что, наверно, даже более логично для романтического героя.

Как говорится, а нечего было. Но сейчас не об этом!

Жизель Марии Ильюшкиной

Балет «Жизель» не случайно включён в репертуар Улановского фестиваля. В биографии великой балерины он занимал особое место. Как отмечают театральные критики, она не раз подчёркивала, что это была самая любимая её партия.

У первой солистки Мариинского театра Марии Ильюшкиной Жизель получилась во всех смыслах невесомой, одухотворённой, наивной, при этом очень точной и грациозной в своих движениях. В воображении именно такой и представляется эта героиня. Балерина словно порхала по сцене и моментально завоевала зрительскую любовь. При этом Мария сама как будто из 18 или 19 века: утончённая и нежная.

— Сегодня был какой-то очень удивительный, добрый и запоминающийся спектакль. Спектакль для души! Я благодарна педагогам, которые помогли мне найти путь к этой роли. Для меня большая честь танцевать эту партию. Думаю, она многое даст мне в будущем в профессиональном плане. Огромная благодарность зрителю Йошкар-Олы за тёплый приём, а также всем артистам, педагогам и, конечно, моему партнёру Денису Родькину, — поделилась эмоциями Мария Ильюшкина.

Проверка на прочность для Дениса Родькина

Если Марию марийская публика впервые лицезрела на местной сцене, то Дениса Родькина в Йошкар-Оле знают уже хорошо.

Для 34-летнего премьера Большого театра это уже третий по счёту балет в Улановских фестивалях. Ранее он исполнял в столице Марий Эл ведущие партии в балетах «Баядерка» и «Лебединое озеро». Обладатель премии Benois de la danse* полюбился виртуозным исполнением высоких и масштабных прыжков и многочисленных пируэтов. В «Жизели» за его танцем зал вновь следил с замиранием сердца. Что и говорить, Денис делает его очень красиво и филигранно!

Артист рассказал, что исполнил роль графа Альберта впервые в 25 лет — относительно в зрелом для балета возрасте.

— Это достаточно сложная партия для русского классического репертуара. Здесь задействованы все техники, включая подъём партнёрши и многочисленные прыжки. Есть состояние затанцованности в прямом и переносном (сюжетном) смысле слова. Для меня это всегда проверка на прочность, могу ли я ещё выходить на сцену. По своим ощущениям я её сегодня прошёл и наш дуэт с Марией, как мне кажется, сложился, — отметил премьер Большого театра.

В «Жизели» счастливого финала быть не может

Интересный факт! По словам артиста, Альберт в его исполнении всегда разный.

— Всё зависит от настроения! Например, сегодня мой герой вначале просто пришёл поразвлечься в деревню, но потом он понимает, что влюбился в девушку. Начинается всё с легкомыслия, а заканчивается большой душевной драмой. Я, в целом, люблю в спектаклях больше плохой конец, чем хэппи-энд. Это больше похоже на правду: ведь и в жизни зачастую не всё складывается гладко. Вот и в «Жизели» я считаю, что счастливого финала быть не может! В моей сегодняшней интерпретации Альберту всё привиделось. Всё, что происходило на кладбище, было сном. А потом в итоге, думаю, он сошёл с ума, отказался от титула и, возможно, перебрался жить куда-то в глубинку! — рассказал Денис Родькин.

В Йошкар-Оле ценят и любят искусство

На вопрос, волнительно ли ему выходить на сцену, он признался, что с годами волнение перед выходом на сцену ощущается всё больше. Приходится и больше разогреваться, и репетировать, чтобы исполнить партию на высоком уровне. При этом для артиста нет разницы, мировая это сцена или сцена небольшого города.

— Я всегда выкладываюсь на всех площадках по полной программе. Для меня это, во-первых, уважение к зрителю, во-вторых — служение искусству. В Йошкар-Оле очень понимающий и образцовый зритель. Чувствуется, что здесь любят и ценят искусство в любом его проявлении. В этом я вижу и заслугу Константина Анатольевича Иванова, который поддерживает и активно продвигает его в вашем городе, — поделился артист.

Фото: Евгений Никифоров
=====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025041502
Тема| Балет, Марийский театр оперы и балета им. Э. Сапаева, Фестиваль балета в честь Галины Улановой, Персоналии, Мария Ильюшкина, Денис Родькин
Автор| Марина Оленева
Заголовок| Премьер Большого театра Денис Родькин станцевал на XXIII фестивале в честь великой Галины Улановой в Йошкар-Оле
Где опубликовано| © «Марийская правда»
Дата публикации| 2025-04-15
Ссылка| https://www.marpravda.ru/news/religiya/khkhiii-festival-baletnogo-iskusstva-v-chest-velikoy-russkoy-baleriny-galiny-ulanovoy-v-yoshkar-ole-/
Аннотация| Фестиваль

Программу фестиваля составили не только спектакли с участием звезд лучших музыкальных театров России, но и мастер-класс для будущих артистов балета, а также конференция под названием «Улановские чтения».

Ежегодный праздник классического балета всегда с большим нетерпением ждут поклонники этого изящного вида искусства: ищут в афише имена известных артистов, задолго до открытия приобретают билеты, предвкушая новые эмоции и впечатления. Хотя в репертуаре Улановского неизменно появляются «Дон Кихот», «Жизель», «Лебединое озеро» и другие постановки, знакомые даже неискушенному зрителю, каждый раз удается взглянуть на них по-другому, потому как приглашенные танцовщики всегда вносят в классические истории что-то особенное. Стиль, манера, техника исполнения, драматический талант, темперамент у именитых гостей фестиваля, безусловно, разные, и от этого действо озаряется новым светом, дарит непередаваемые ощущения.

Бесшумно. Легко. Грациозно.

Всю палитру самых ярких эмоций йошкаролинцы смогли получить, придя на балет «Жизель». Партию графа Альберта исполнил премьер Большого театра России Денис Родькин, звезда мирового уровня, безоговорочный любимец женской половины зрительской аудитории не только нашей страны, но и многих цивилизованных стран земного шара. В образе Жизели блистала Мария Ильюшкина, первая солистка Мариинского театра, восходящая звезда российского балета, невероятно трогательная, нежная, хрупкая, выразительная, «неземная», очень напоминающая своих великих предшественниц ушедших эпох.

Надо сказать, что для Марии участие в Улановском фестивале – двойная премьера. Она впервые побывала в Йошкар-Оле и первый раз танцевала в дуэте с Денисом Родькиным. А вот премьер Большого театра уже третий раз в столице Марий Эл, он хорошо знает артистов марийского балета, с которыми выходил на сцену театра им. Э. Сапаева в «Баядерке» и «Лебедином озере», успел уже полюбить йошкар-олинского зрителя, называет его понимающим и заинтересованным.

«Жизель» - один из самых известных балетов эпохи романтизма. Через несколько секунд после появления на сцене Ильюшкиной и Родькина, поняла, что история, которую знаю наизусть, в этот вечер наполнится чем-то особенным. Казалось, что они не танцевали, а парили над сценой, как мотыльки. Бесшумно. Легко. Грациозно.

«У меня Альберт всегда разный»
Денис Родькин славится своими уникальными прыжками-полетами, безукоризненной техникой исполнения и актерским талантом. Партия Альберта для него давно знакомая, но каждый раз артист привносит в нее что-нибудь новое.

- У меня Альберт всегда разный, - поделился с «Марийской правдой» после спектакля премьер Большого театра. – Все зависит от того, с каким настроением я выхожу на сцену. Сегодня мой герой в начале действа пришел в деревню всего лишь немного поразвлечься, но очень скоро понимает, что влюбляется в Жизель, а после случившейся трагедии осознает невозможность полюбить в будущем кого-то другого. У моего героя происходит трансформация: начинается все с легкомыслия, а заканчивается большой душевной драмой. Я люблю «плохой» конец в балетах, поэтому «Жизель» в редакции Константина Иванова мне близка. Но я думаю, что Альберт все же не умирает, а на время сходит с ума. В моей интерпретации его общение с духом любимой, виллисами ему просто привиделось, и все мистическое во втором акте происходит только в его голове. Этот балет для меня – полуфантастический, но с глубоким смыслом.

Изысканность. Деликатность. Чистота.

Мария Ильюшкина представляет собой безупречный образец балетной школы Мариинского театра, сочетающая в себе интеллигентность, изысканность и деликатность. Балерину отличают лирический драматизм, точность движений, великолепная пластичность (следить за ее руками было особенно интересно), а также академическая чистота и элегантность исполнения. Многие театроведы и критики называют восходящую звезду олицетворением петербургского стиля. Интересно было узнать, как Мария относится к этому неофициальному титулу.

- Я расцениваю это как большой аванс и огромное доверие, - поделилась Мария Ильюшкина. – И, конечно, ответственность перед моими педагогами. Петербургский стиль – это что-то особенное и трудно достижимое, честно говоря. Для меня идеалами в этом смысле были и остаются Ирина Александровна Колпакова, Ульяна Вячеславовна Лопаткина и многие другие балерины, танцующие сейчас в нашем театре. Они своим примером заставляют меня «держать марку», много работать и не давать себе спуску ни в чем.

Постоянство – признак мастерства

Эмоции после просмотра «Жизели» переполняли. «Восторг! Чудесно! Великолепно!», - кружилось нон-стопом в голове. Думаю, что примерно такими же словами оценивали увиденное все те, кому посчастливилось побывать на спектакле. Не могу не сказать, что артисты балета театра им. Э. Сапаева, занятые в постановке, танцевали прекрасно, почти не уступая приглашенным звездам. Ансамбль сложился, хотя на репетицию отводился всего один день! Браво, Улановский!

Кроме эстетической, у фестиваля есть еще и просветительская функция. Именно с этой целью была организована конференция («Улановские чтения») для студентов хореографического отделения колледжа культуры и искусств им. Палантая, посвященная вопросам значения русской классической хореографии в воспитании и формировании культурного кода молодежи. Организатор - Союз театральных деятелей России. Балетоведы, знатоки хореографического искусства из Москвы говорили с будущими исполнителями об актерском мастерстве танцовщиков, истории фестиваля в честь Галины Улановой, о ней самой, традициях и о необходимости сохранения преемственности в балете. Встреча получилась максимально информативной, интересной и полезной.

17 апреля праздник классического танца завершится балетом «Лебединое озеро», в котором примут участие солисты Большого театра России, и ХХIII Улановский фестиваль закроет условный занавес, а это значит, что всего-то через год зрители вновь начнут следить за афишей, покупать билеты и ждать встречи с прекрасными артистами. Постоянство – признак мастерства.

Фото Евгения Никифорова
======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Фото Б.АННАДУРДЫЕВА

Казалось бы, сколько можно? Кармен в опере, Кармен в балете, Кармен в кино (привет Годару и Сауре!), Кармен на тортах и футболках (хотя нет, на футболках – все больше Дон Кихот). Имя цыганки-табачницы давно стало брендом, почти китчем. Может, именно поэтому творцы всех мастей пытаются содрать с Кармен слои лака и глянца, добраться до первобытной магии. Новая попытка совершена в «Новой Опере», где труппа «Балета Москва» показала «Кармен в моей голове» от Татьяны Багановой, главного специалиста по contemporary dance из Екатеринбурга (хотя ее театр «Провинциальные танцы» – давно уже столичный феномен).

Сразу скажем: забудьте про кастаньеты, веера и роковую страсть при луне. Баганова – не про это. Ее конек – война полов, физический театр на грани акробатики и безжалостный анализ человеческих (а иногда насекомоподобных, как в ее «Имаго-ловушке») инстинктов. Вспомним «Свадебку» Игоря Стравинского, где невеста – жертва, или ироничную «Тихую жизнь с селедками» про женское одиночество. В новой «Кармен в моей голове» Баганова последовательно продолжает вести свою линию, а градус агрессии на сцене зашкаливает.

Формально все происходит в голове Хосе, потерявшегося в чужом, враждебном мире диких страстей – фирменном мире Багановой. Здесь Кармен – не одна, их много, клонированных воительниц в красном: «Кармен в упорстве», «Кармен в ярости», «Кармен в неистовстве», «Кармен в маниакальном упорстве» и т.д. Хосе тоже размножен до толпы безликих мужчин в чем-то сером, похожем на униформу. Исход их встреч предрешен: любовь здесь – смертельная схватка.

Баганова демонстративно игнорирует Бизе. Музыку к ее постановке написала Настасья Хрущёва – нервную, ритмичную, полную сдержанной ярости, отлично исполненную камерным оркестром «Новой Оперы» и мужским хором a cappella. Сценография Ларисы Ломакиной – отдельный аттракцион: аскетичная лестничная конструкция, отсылающая то ли к Эшеру, то ли к конструктивистам времен Любови Поповой, становится и ареной боя, и местом изощренных любовных игр. Костюмы Гали Солодовниковой – жесткие «футляры для тел», подчеркивают не индивидуальность, а функцию: красные женщины-агрессоры против серых мужчин-жертв.

Хореография Багановой сложена из каскада эффектнейших, жестоких сцен. Артисты «Балета Москва» демонстрируют чудеса техники, гибкости и бесстрашия. Массовые танцы – то ли военный парад, то ли ритуальная пляска. Дуэты – не взаимопритяжение и нежность, а серия захватов, бросков, акробатических трюков и отталкиваний. Женщины-Кармен энергично оседлывают мужчин-Хосе, виснут на них, душат ногами – и все это с холодным шиком и безупречной пластикой. Оркестровая яма превращена в бассейн с целлофановыми волнами, где в начале нежатся «обнаженные» сирены. Лестница – место для головокружительных погонь, сползаний и объятий, больше похожих на нападение, бесконечных проходов вверх и вниз.

Есть и прямые аллюзии с корридой: дуэт с ножом-кинжалом, имитация боя с воображаемым оружием и даже выход Кармен в роли быка – в белом трико и шапочке с рожками. Все это – поле боя, где эротика неотделима от насилия.

В традиционном сюжете Хосе убивает Кармен, здесь же многочисленные Кармен метафорически уничтожают своих Хосе. Финал – подлинный визуальный удар. На сцену выезжает конструкция, напоминающая башню или гигантский кринолин, облепленный апельсинами – еще один символ Испании, становящийся здесь зловещим. Царящая на вершине фигура Смерти (главной Кармен?) с ножом садистски разделывается с этими апельсинами. Они скатываются вниз, открывая черный каркас, похожий на скелет. Из его «ребер» вываливаются мертвые тела мужчин с обнаженными торсами. Женщины в желтых платьях надевают маски-черепа, наводя на мысли о мексиканском Дне мертвых и богине Кали. А фоном звучит баллада Джона Китса La Belle Dame sans Merci – о прекрасной даме, не ведающей милосердия.

Спектакль Багановой решительно порывает с романтическим флером карменситы. Вместо психологической драмы предложена концептуальная конструкция, где Кармен – не столько личность, сколько растиражированная «персонификация ярости». Используя современную музыку Настасьи Хрущёвой, отсылки к авангарду и конструктивизму в сценографии Ларисы Ломакиной и собственную, узнаваемую пластику, Баганова препарирует миф. Финальный апокалипсис – это почти ритуальный танец холодной смерти, мощное высказывание о разрушительной силе страсти в дегуманизированном мире. «Кармен в моей голове», Кармен XXI века – жесткая, зрелищная, интеллектуально провокационная и абсолютно безжалостная, must—see для ценителей смелого современного танца. Следует, однако, быть готовым к тому, что сопереживать здесь некому.

Елена С.

Номер ссылки| 2025041504
Тема| Балет, Современная хореография, Балет "Москва", Премьера, Персоналии, Татьяна Баганова, Настасья Хрущева, Лариса Ломакина, Галя Солодовникова, Дарья Комлякова, Андрей Лега
Автор| Елена Ваганова
Заголовок| Можно ли победить одержимость?
Где опубликовано| © БезФальши
Дата публикации| 2025-04-14
Ссылка| https://bezfalshi.ru/opinion/mozhno-li-pobedit-oderzhimost/
Аннотация| Премьера

В Московском театре Новая Опера имени Евгения Колобова состоялась премьера танцевального спектакля «Кармен в моей голове». Хореограф-постановщик Татьяна Баганова, сценограф Лариса Ломакина и композитор Настасья Хрущева поработали с архетипом цыганки, создав не очередное воплощение персонажа, а «ситуацию Кармен».

В современной культуре Кармен — имя нарицательное. Для женщин она хранительница секретов обольщения, для мужчин — планка, с которой можно сравнить свою вторую половинку, чтобы решить: хороша или нет.

Если подбирать Карменсите психологическое описание, то она станет идеальным воплощением архетипа «анима». Эту характеристику вывел Карл Густав Юнг, обозначив ее как женское начало в мужском подсознании. Благодаря аниме у мужчин проявляются интуиция, эмоциональность и способность любить. А Кармен — чувственный и страстный персонаж, который может быть и огненным, и эмпатичным.

Героиня вдохновляет художников, поэтов, композиторов создавать новые произведения искусства. Основных Кармен в искусстве две: «литературная» Проспера Мериме и «оперная» Жоржа Бизе. Цыганка у Мериме — роковая женщина, страстная и властная, которая использует свою харизму и энергетику в корыстных целях. Она соучастница грабежей и убийств, предательница, заслуживающая наказания. Кармен, созданная Бизе, — воплощение женской красоты, обаяния, свободолюбия и смелости. Свое право на свободу любви она доказывает ценой собственной жизни.

Кармен Багановой-Хрущевой-Ломакиной решительно отличается от героинь, придуманных мужчинами. Это не человек, а навязчивая идея, одержимость, которая проникает в тело, струится по венам и наконец достигает мозга. Получается, «Кармен в голове». Но в чьей? Очевидно, в голове Хосе — это он главный герой спектакля, и это его яркая, свободолюбивая анима.

На сцене — «внутри» юноши — лабиринт, вдохновленный вечной лестницей графика Маурица Эшера и зданиями архитектора Рикардо Бофилла. Хотя у современного зрителя обустройство сцены скорее вызовет ассоциации с декорациями корейского сериала «Игра в кальмара». Спуски и подъемы, входы и выходы создают ощущение бесконечности: ты идешь наверх, но вдруг оказываешься внизу; заходишь внутрь, но выходишь с другой стороны. Снова и снова в голове Хосе произносится фраза «Ибо ненавидел этот прекрасный город с его гвадалкивирскими купальщицами». А затем начинают проноситься картины-видения: «Кармен в упорстве», «Кармен в тоске», «Кармен в мольбе», «Кармен в неистовстве».

Линейного повествования в спектакле нет, каждая сцена — деталь пазла. Одна — головокружительно стремительная, другая — напряженная до кома в горле, третья дает чуть передохнуть — но совсем ненадолго. Хореограф-постановщик Татьяна Баганова через телесную близость, объятия, поцелуи, застывшие на лице эмоции создала невероятный накал страстей.

Во всем многообразии сценических отношений двух любящих (или не совсем) сердец одним из самых острых эпизодов оказывается коррида. Бык и тореадор — инь и янь, мужская и женская энергия на пике своего противоборства. Бык здесь — танцовщица, поддерживаемая женской частью ансамбля, а укротитель — танцовщик в компании юношей. В сражении побеждает она, гордо встав над телом побежденного. Но в воздухе повисает вопрос: точно ли тореадор проиграл?

Помогает удержать уровень эмоционального накала и музыка Настасьи Хрущевой. Композитор предупреждала: никаких хабанер, аллюзий на Жоржа Бизе, стиля эспаньоль. Ее язык, в котором две скрипки, виолончель, два фортепиано и барабан становятся единым ансамблем ударных инструментов, предельно ритмизирован. Кряхтящая в басах музыка внезапно взлетает на самый верх. Повторяющиеся обороты заседают в голове и ощущаются как затанцовывание до смерти.

Как изгнать Кармен из головы? Есть ли таблетка от этой болезни? Потерпевшему юноше и в новелле, и в опере было достаточно убить причину недуга, но танцевального Хосе она не отпускает и после смерти. Потому что смерть — не конец; душа остается жить. И вот анима — что в переводе с латыни и есть душа — врывается на мексиканский карнавал в маске мертвеца и в платье из апельсинов. Фрукты рассыпаются по сцене, и оказывается, что ее наряд — это клетка, в которую заключены несколько юношей. Хосе будет освобожден, только если погибнет сам. Его смерть, медленная и мучительная, сопровождается балладой Джона Китса La Belle Dame Sans Merci — «Прекрасная дама, не знающая милосердия». Болезнь «кармен» победила, противоядия не существует.

Фото — Батыр Аннадурдыев

=================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025041505
Тема| Балет, Воронежский ТОБ, Премьера, Персоналии, Давид Салиман-Владимиров, Антон Дорофеев, Жанна Усачева
Автор| Татьяна ПОДЪЯБЛОНСКАЯ
Заголовок| В воронежском театре артисты летают бабочками
В ТОБ поставили балет по сказке Чуковского «Муха-Цокотуха»
Где опубликовано| © "КОМСОМОЛЬСКАЯ ПРАВДА В ВОРОНЕЖЕ"
Дата публикации| 2025-04-15
Ссылка| https://www.vrn.kp.ru/daily/27686/5075451/
Аннотация| Премьера

Премьера детского балета «Муха-Цокотуха»
Фото: Татьяна ПОДЪЯБЛОНСКАЯ.

Четыре аншлага подряд собрала премьера детского балета «Муха-Цокотуха» (0+) в Воронеже. В течение двух дней по два сеанса (утром и вечером) театр оперы и балета показывал хореографическую сказку на музыку Давида Салимана-Владимирова по мотивам стихов Корнея Чуковского. Спектакль балетмейстера из Санкт-Петербурга Антона Дорофеева получился ярким и динамичным - словно мультик. Пластика артистов очень напоминает движения насекомых: у каждого вида букашек - свой хореографический рисунок роли. Эпичной получилась битва Комарика с Пауком. А пир горой на чаепитии с вареньем и кренделями буквально заставляет глотать слюнки и дарит много положительных эмоций.

- Мне кажется, сейчас такое время, когда людям нужны веселье, смех - и детский спектакль призван порадовать, он приумножает добро и любовь, которые торжествуют в финале, - рассказал о выборе произведения для премьеры постановщик Антон Дорофеев. - Этот сюжет очень подходит для балета, ведь насекомые, как и танцовщики, все делают телом. У Чуковского радостный темпоритм, что очень подходит танцу, он легко ложится на слух и запоминается детьми. Я постарался это отразить в хореографии - чтобы она была легкой, стремительной, озорной и с юмором. И драматургия этого произведения самодостаточна, я лишь добавил некоторые нюансы, связанные с монеткой. У каждого насекомого есть своя характеристика, они по-разному двигаются. Наша Муха - озорная девчонка, а Комарик - грустный романтический мальчик, который мечтает встретить свою любовь. Нам хочется, чтобы артисты заинтересовали юных зрителей, чтобы те дома начали играть в комариков и мушек, пластически повторяя их движения. Мне было важно, чтобы оставалось ощущение легкого и светлого танца.

В спектакле прекрасные декорации, интересный свет и потрясающие, сложные костюмы.

- Детей трудно удивить классической балетной красивостью. Нам хотелось, чтобы публика в зале сразу узнавала насекомых, захотела играть, поэтому пришлось изучить фактуру на фотографиях, разглядывая все их особенности, суставчики, крылышки. Поэтому костюмы получились очень сложными, с необычными деталями, портным пришлось очень напряженно поработать. У божьих коровок сложные крылья, которые легкие, но держат определенную форму и объем, ведь артистам приходится не только порхать, но и переворачиваться на спину. Костюмы не просто из необычных, редко используемых материалов (например, у Шмеля и Пчелы), но и со спецэффектами, - приоткрыла секреты художник по костюмам Жанна Усачева.

Действительно, на сцене бабочки вылупляются из куколок, пауки выплетают паутину из заплечных рюкзачков, а самовар, купленный Мухой на базаре, пыхтит, выпуская пар, - прямо в танце!

- Я очень люблю танцевать для детей, они очень искренние и честные. Но если детский спектакль - это не значит, что он легкий, - считает исполнитель партии Комарика Иван Негробов. - При всей внешней легкости хореография интересная и непростая, спектакль сложный, все движения проработаны. Он очень яркий, много приемов взято из мультиков. Постановка увлечет и взрослых, а не только детей.

=================================================
По ссылке есть несколько небольших ВИДЕО

Елена С.

Номер ссылки| 2025041506
Тема| Балет, , Персоналии, Жильбер Майер
Автор| Мария Сидельникова
Заголовок| «У Лифаря была невероятная харизма и чрезвычайно интересная жизнь»
Жильбер Майер вспоминает Сержа Лифаря
Где опубликовано| © Коммерсантъ
Дата публикации| 2025-04-15
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/7657836
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

15 апреля (2 апреля по старому стилю) исполняется 120 лет с рождения Сержа (Сергея Михайловича) Лифаря — звезды «Русских балетов» Дягилева, хореографа, многолетнего худрука балета Парижской оперы и мэтра для целого поколения артистов. 90-летний Жильбер Майер был его учеником и другом, а ныне сам — живая легенда, педагог с колоссальным стажем и опытом, воспитавший целую плеяду звезд: от Элизабет Платель и Сильви Гиллем до Хосе Мартинеса и Матье Ганьо. 90-летний ученик рассказал Марии Сидельниковой о своем 120-летнем учителе.

Слева направо: Юрий Григорович, Арам Хачатурян, Серж Лифарь
Фото: Василий Егоров, Александр Коньков / ТАСС

========================================================================
ДАЛЕЕ - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2025041507
Тема| Балет, Современная хореография, MuzArts, Премьера, Персоналии, Юрий Посохов, Павел Глухов, Элеонора Севенард, Елизавета Кокорева
Автор| Елена Черемных
Заголовок| Балетную премьеру "Две Анны" показали в Москве
Одна – влюбленная, другая – непобежденная
Где опубликовано| © Независимая газета
Дата публикации| 2025-04-15
Ссылка| https://www.ng.ru/culture/2025-04-15/7_9235_moscow.html
Аннотация| Премьера

В Москве состоялись гастроли балета «Две Анны», посвященного гранд-дамам Серебряного века Анне Ахматовой и Анне Павловой. После мировой премьеры, состоявшейся в Большом драматическом театре им. Г.А. Товстоногова (БДТ), совместный проект продюсерской компании MuzArts и международного фестиваля «Дягилев P.S.» привезли в Москву.

[size=9]Анна Павлова была знакома с Чарли Чаплиным. Фото Юлии Михеевой предоставлено пресс-службой проекта[/size]

Увидеть танцующую Ахматову было как минимум любопытно. Но совершенно упоительным оказалось распознавать Анну Павлову, самую мифологизированную звезду дягилевских «Русских сезонов», в образе комедианток, с которыми на сцене пришлось справляться ни много ни мало шести балеринам Большого театра.

Спектакль-оммаж режиссера Феликса Михайлова несколько несимметрично сконструирован на материале двух женских биографий. Ахматовская часть («В чертогах памяти») обобщенно отсылает к отношениям поэтессы с художником Амедео Модильяни, с которым Ахматова познакомилась во время парижского свадебного путешествия с Николаем Гумилевым. Сюжет про Анну Павлову («Без любви»), напротив, охватывает всю канву ее жизни – от петербургских занятий с Чекетти к закулисью «Русских сезонов» в Париже (с Фокиным, Нижинским, Дягилевым и Стравинским), учтены ее знакомства с Чарли Чаплиным, Александром Вертинским и даже венчание с аристократом Виктором Дандре.

Сценография Марии Трегубовой концептуально развивает тему противоположностей. В обнаженной сцене ахматовского балета важен диагональный задник, изображающий глухую стену с двумя порталами, очевидно, символизирующими двух мужчин этого периода ее жизни. А в уютно закутанной пурпурными портьерами сцене второго балета, наоборот, отыгрывается постепенно открывающаяся глубина: словно от жизни тесного театрального закулисья Анна Павлова проделывает свой путь «в вечность».

Для балета про Ахматову хореограф Юрий Посохов выбрал музыку Фортепианного квинтета Сезара Франка, допустив хронологический рассинхрон с датами жизни своей героини: сочинение Франка датировано 1879 годом, когда Ахматова, точнее – Анна Горенко, еще не родилась. Впрочем, основательно благообразное бурление с нейтральной красочностью «комментирует» пластические мизансцены, где на дуэты и трио скучноватых героев «любовного треугольника» (Даниил Потапцев, Элеонора Севенард, Алексей Путинцев) наслоен голос актрисы БДТ Полины Маликовой. Ее утонченно статный силуэт необыкновенно украсил танцевальное действие, а интонационная выразительность явно превзошла «личностные данные» ее балетной двойницы.

Для балета об Анне Павловой музыку написал Илья Демуцкий, похоже, специально спутавший карты исходно возвышенного замысла о Великой Балерине. Именно его композиция (к квинтетному составу Франка добавились кларнет и электронная дорожка) задала импульс тому, что вдруг вылилось в абсолютно дягилевский в смысле рукодельности, остроумия и балаганной целительности спектакль «о балете».

Хореография Павла Глухова, специалиста contemporary dans, искрит в альянсе с фантазийно-цирковой режиссурой Феликса Михайлова, наподобие пузырьков в шампанском. Под уморительные цитаты из «Лебедя» Сен-Санса, коронной роли Анны Павловой, образ легенды русского балета размифологизировался до обаятельно-непокорной Коломбины, оставляющей с носом всех, кто ей встречался по жизни. От наставников – Чекетти и Фокина и чудаковатых партнеров – Нижинского (с пластикой грустного Пьеро) и Вертинского (с его кабаретной ипохондрией) до работодателя Дягилева с его непомерно длинными руками, которыми он, как Карабас, сгребал в охапку всю свою марионеточную братию, за исключением так и не укрощенной им строптивицы Павловой.

В этом дурманящем, как колдовской воздух театра, сюжете всем вообще-то живется нелегко, но чертовски весело. Вот Стравинский собственной персоной выдает пианисту OpensоundOrchestra ноты «Весны священной», но ритм «Выплясывания земли» нарушает звук роняемых на сцене стульев: Стравинский в раздражении убегает за сцену (ну чистый же Хармс!). Вон Чарли Чаплин под звуки пародийно спотыкающегося танго желает приобнять главную русскую балерину, но наталкивается на чудовищное сопротивление (а это уже про всех голливудских кинолюбовников). И вдруг мы видим, как на внезапно открывшемся экране сценического задника звезда немого голливудского синематографа обреченно семенит от нас по узкой тропинке: не рифма ли «Дороге» Феллини?

Площадной темперамент старинной комедии дель арте, цирковые «чудеса из рукава», музыкальные загогулины, гуляющие в диапазоне от «Петрушки» и «Весны священной» Стравинского до звуковой клоунады главного феллиниевского композитора Нино Роты, пантомимы и адажио, пародии и неукротимость, приставания и убегания, объяснения и венчания – все это прелестное в узнаваемости и вместе с тем непредсказуемости очаровывает отсутствием всякого напускного придыхания («Ах, великая балерина Анна Павлова!..») и совершенно оглушает верностью духу Дягилева с его знаменитым «Удиви меня!».

Довольно проходной материал балета про Анну Ахматову с натяжкой, но можно объяснить культурно-просветительской миссией, которую на международном фестивале «Дягилев P.S.» отрабатывают ежегодные тематические выставки в Фонтанном доме, в Музее театрально-музыкального искусства, теперь – балетный проект. Не сложно догадаться, хотя бы по названиям обеих половин – «В чертогах памяти» и «Без любви», что героинь решили объединить величием культурного значения обеих и трагедийностью если не времени, то хотя бы их женских судеб. Не вышло. Потому что ослепительной свежести постановкой про Анну Павлову (только бы вот название еще поменять) этот опыт дал понять, что порой кураторским намерениям полезно с улыбкой сопротивляться. И тогда к единомыслию постановщиков, которые, похоже, «оторвались по полной», с готовностью присоединится публика, после московского показа выходившая с совершенно блаженными улыбками счастья.