Балет и Опера

[Елена С.]

Номер ссылки| 2025020702
Тема| Балет, Астраханский театр оперы и балета, Персоналии, София Романова
Автор| Анастасия Вербина
Заголовок| Но если есть в кармане пачка: как живёт балерина астраханского театра
Разоблачаем мифы о балете
Где опубликовано| © «Инфоштаб»
Дата публикации| 2025-02-07
Ссылка| https://astrakhanpost.ru/no-esli-est-v-karmane-pachka-kak-zhivyot-balerina-astraxanskogo-teatra/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Чтобы не прощелкать этот год, ваша покорная слуга, автор статьи, решила начать его с «Щелкунчика» и прямо 2 января отправилась в Астраханский театр оперы и балета. В очередной раз наблюдая, как словно сотканные из графенового аэрогеля балерины рисуют кончиками пуантов в воздухе причудливые иероглифы, я снова и снова сомневалась в их земном происхождении. Где-то под толстым слоем восторга томилось моё абсолютно земное мышление вперемешку с профдеформацией: «А правда, что балерины сидят на жесткой диете?.. Действительно ли их стопы стерты до костей?.. А как вообще стать балериной?!».

И тут в голове щелкнуло: «Инфоштаб» должен сделать интервью с балериной! Так и родился этот текст в нашу постоянную рубрику «Один день с…». Слегка оклемавшись после новогодних каникул и войдя в рабочий ритм, мы связались с пресс-службой ТОиБа, озвучив свою идею, которую там с радостью поддержали, за что мы им безмерно благодарны. Не уступает в размерах и наша благодарность ведущей солистке театра Софии Романовой, согласившейся с нами встретиться и поговорить. И разговор этот прошел на одном дыхании, словно между «добрый день» и «спасибо за встречу» был один гран-жете.



В балерины я пойду, пусть меня научат

«Моя мама любит рассказывать эту замечательную историю. Мне было около трёх лет. В один из вечеров меня пытались уложить спать, но мне не хотелось и мама включила телевизор, начала щелкать каналы в поисках какой-то программы, под которую я таки засну. Когда она долистала на одном из каналов до фильма «Анна Павлова», я сказала: «Мама, останови, давай посмотрим». И я досмотрела до конца и потом уснула. А с утра попросила маму сшить «такую же юбочку и туфельки». Она не сразу поняла, о чем я, а потом решила, что это детские фантазии и они быстро забудутся. День, два, а я так же ей продолжаю говорить: «Мама, я хочу такие же туфельки, такую же юбочку, отправь меня на танцы». В итоге родители нашли в моем родном городе, в Великом Новгороде, где детей берут учить балетным танцам с трех лет. В августе мне исполнилось три года и в сентябре мы пошли туда. Вот так и начался мой путь в балете. Мои мама и бабушка очень поддерживали меня в начале моего пути, за что я им очень благодарна. И по сей день я ни капельки не жалею о своем выборе, а фильм «Анна Павлова» меня до сих пор продолжает вдохновлять», — начинает наше интервью София Романова.

По её словам, три года — это уже подходящий возраст, чтобы пойти учиться балету, даже если нет планов связать с этим жизнь, занятия полезны для формирования осанки, фигуры и даже мышления.

Кружок «Умелые ножки»

Однако маленькая София уже тогда всё для себя решила. И в детском саду, и в младших классах школы на вопрос, кем она хочет стать, когда вырастет, девочка неизменно отвечала, что будет балериной.

Всё окончательно стало предопределено после младшей школы, когда юная София поступила в балетное училище. Нет, мы не ошиблись. После четвёртого класса будущие балерины вместо пятого идут в училище, где учатся восемь лет.

«Мама тогда спросила меня: «Тебе точно это надо? Ты не будешь жалеть? Это же сложно, вы будете работать в пуантах, будут стираться пальцы, это больно». Я сказала, что мне это надо», — вспоминает теперь уже ведущая солистка театра.

Впрочем, чего еще ждать от девочки, вдохновившейся Анной Павловой, ведь именно ей принадлежит цитата: «Бог даёт талант. Работа превращает талант в гения».

Так в жизни Софии на смену трем занятиям танцами в неделю пришли ежедневные тренировки. Занятия в балетном училище длятся по полтора часа. В младших классах это классика и историко-бытовой танец, например, полька и мазурка. Затем их заменяют характерные танцы — испанские, неаполитанские, и даже ставятся какие-то номера из балетов. После добавляется дуэт, современный танец и актерское мастерство.

Тут мы не выдержали и задали вопрос, который из всех существующих мифов интересовал нас больше всего: кровавые мозоли и стертые наполовину из-за пуантов пальцы – неужели жестокая реальность или все же преувеличение обывателей?

«И мозоли, и стертые пальцы — у кого-то именно так. Это индивидуально, ведь у кого-то кожа более мягкая, тонкая, а кого-то потолще и погрубее. И вот первая мозоль стирается, вторая мозоль стирается, зарастает и образуется более жесткий слой кожи. Да, он тоже потом может натирать и стираться, но это будет очень долго происходить», — поясняет наша собеседница.

Чтобы облегчить вот такой вот побочный эффект, балерины обклеивают каждый пальчик пластырем. Впрочем, такой жути, как иногда можно увидеть в Сети, когда на фото видны мясо и кости, все же не случается. Однако ногти с больших пальцев и мизинцев порой слезают и это, действительно, больно и иногда даже приходится брать больничный.

Устроила кордебалет

После окончания училища Романову пригласили в Астраханский театр оперы и балета.

«Я влюбилась в это здание на фотографиях, оно такое красивое. Помню на снимке всё было в зелени, залито солнцем, думаю: «Наверное, там будет очень хорошо». Ну и не ошиблась», — говорит она.

Начинала свой путь в астраханском театре София с работы в кордебалете. Это начальная ступень, с которой делают первые шаги к сольной карьере большинство балерин. Это массовые танцы, где танцуют лебедей, виллисы, корзиночки, баядерки, тени.

Потом идут корифеи — это когда у балерины появляется возможность выходить в небольших сольных партиях. Далее балерина становится солисткой, исполняя более сложные сольные выходы. Сейчас собеседница «Инфоштаба» — ведущая солистка и может вести весь репертуар. Впрочем, по словам Софии, она и за второстепенные партии берется.

«Почему бы и нет? Работа есть работа. Что сказали танцевать, то мы и танцуем», — делится балерина.

Регалией апогея в балете является прима-балерина. В целом, это, скорее, просто статус, нежели наличие больших отличий от ведущей солистки, позволяющий, скажем, выбрать себе партнера для партии или спектакль.

«У примы и у ведущей солистки самая большая ответственность за спектакль. Все-таки мы ведем от и до, мы должны показать, рассказать зрителю своими движениями, своим танцем, своей внутренней энергетикой, что мы хотим до него донести. Впрочем, например, стоять в кордебалете — тоже очень сложно, нужно каждую секунду линии держать. Это надо во все глаза смотреть, чтобы в линии слушать музыку и не выделиться, потому что уровень рук, уровень ног должны быть одинаковые, как по линейке», — отмечает сегодняшняя героиня «Инфоштаба»

Встать к станку

Тренировки у труппы Астраханского театра оперы и балета проходят ежедневно.

«Час идет утренний урок. Потом час мы можем с партнером порепетировать дуэты па-де-де по ближайшему спектаклю. Сейчас мы готовимся к премьере в мае, нам вписывают еще разучивать новую адажио, новые вариации, это еще два часа. Но вообще по-разному бывает. Иногда у тебя за весь день одна репетиция минут на 40, а бывает такое, что ты с десяти утра до шести вечера в театре, потому что перерывы между репетициями минут по 20 и – снова двухчасовое занятие в зале», — говорит Романова.

Свободное от работы время героиня «Инфоштаба» любит читать. Не потому что, надо, а просто бывает такая потребность – прочесть новую книгу. Любит посмотреть кино, в последнее время увлеклась документалистикой про балерин прошлого и нынешнего столетий. Говорит, что там часто встречаются вдохновляющие её фразы, которые помогают ей еще больше расти и понимать, что она двигается в правильном направлении.

Назвать свою любимую балерину София не смогла – просто не смогла выбрать. А вот свои любимые партии назвала. Это партия Авроры из «Спящей красавицы», премьера которой прошла в прошлом году, если говорить о классическом балете.

«Я не могу сказать, почему эта роль мне очень нравится, вот просто магия какая-то в ней есть», — говорит танцовщица.



Из современного балета София отметила партию из «Анны Карениной», также дебютировавшей в 2024 году.

«Я не ожидала, что партия Карениной меня настолько сможет поглотить, что мне настолько будет интересна и такая хореография, и такая сюжетная роль», — добавляет она.

Конечно, не могли мы спросить о питании, ведь о том, что едят балерины, а вернее о том, что они почти ничего не едят, ходит масса мифов. София Романова при росте метр шестьдесят восемь весит 46 килограммов, но все инсинуации о якобы голодающих балеринах опровергает.

«В училище, когда у девушек наступает пубертатный период, кто-то начинает сильно худеть, кто-то наоборот. Я тогда начала полнеть. И, конечно, занялась кардинально похудением — начала сидеть на гречке, варенной курице без соли, воде, зеленом чае. Употребляла много лимона, по утрам — грейпфрут. А сейчас понимаю, что просто нужно было переждать переходный возраст», — делится наша собеседница.

Сейчас София может даже позволить себе мучное, потому что организму нужны и булки в рационе. И если постоянно впахивать у станка, в классе и на репетициях, то лишних килограммов бояться не стоит, убеждена Романова.

«Если я чувствую, что я начинаю полнеть, я просто прихожу и заменяю ужин фруктами или просто пью чай, могу даже с чем-то сладким, просто откажусь от полноценного ужина. День-два и это все сходит. Так что на какой-то жесткой-жесткой диете мы не сидим», — резюмирует балерина.

Парные танцы

В Астрахани София Романова не только нашла свое место в мире балета, но и встретила свою любовь. Её супруг также солист Астраханского театра оперы и балета Аскар Сиразиев. Знакомы они восемь лет – в театр пришли одновременно, спустя пару лет начали встречаться и вот — второй год как подопечные Терпсихоры связали себя узами Гименея.

Так что следующий миф, который мы сейчас разоблачим – двум творческим людям сложно ужиться вместе.

«Мне наоборот даже как-то проще, что мой муж со мной здесь, потому что он всегда может меня поддержать и что-то посоветовать», — отмечает героиня нашего интервью.

Места ревности в паре, по словам Софии, нет. Они оба работают с другими партнерами, но друг в друге видят поддержку.

«Мне кажется, если бы супруг был из обычной жизни, он бы не понимал, во-первых, насколько это тяжело, почему я так устаю. Во-вторых, возможно, тогда бы как раз были вопросы, почему ты там обнимаешься с кем-то на сцене», — считает она.

Впрочем, «обниматься с кем-то на сцене» девушке и самой пришлось привыкать. Поначалу нашей героине было очень сложно отпустить какое-то стеснение. Софья считает, что ей повезло с партнерами, с которыми она работает, поскольку у них сложились добрые приятельские отношения, что помогало в начале карьеры преодолевать порог смущения.

И тут пришло время спросить про закулисные интриги и козни. Николай Цискаридзе, известный своим талантом не только танцора, но острослова, как-то, говоря о работе в Большом театре, заявил, что там «скорость стука быстрее скорости звука». Однако София предполагает, что в разных театрах разная рабочая атмосфера, но в астраханском, утверждает она, очень дружный коллектив.

«У солисток одна на всех гримерка и мы там никогда не ссоримся и не враждуем, между нами, девочками, нет конкуренции. Скажем, придет какая-то балерина в слезах, ну, не получается у неё что-то, все будут её успокаивать, помогать ей», — говорит Романова.

Ну что ж, считаем это достойно стать апофеозом. Поклон, занавес.

=====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

[Елена С.]

Номер ссылки| 2025020703
Тема| Балет, Театр оперы и балета им. Д. К. Сивцева-Суоруна Омолоона, Вечер современной хореографии, Персоналии, Екатерина Тайшина
Автор| Елена СТЕПАНОВА
Заголовок| О музыке, любви и о том, как много может человеческое тело
Где опубликовано| © Sakhapress
Дата публикации| 2025-02-07
Ссылка| https://sakhapress.ru/archives/301034
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Буквально за неделю до гастролей Государственного театра оперы и балета им. Д. К. Сивцева-Суоруна Омолоона в Нерюнгри, куда артисты балета выезжают с обширнейшей программой на гастроли, в Якутске прошел шикарный Вечер современной хореографии в двух отделениях в постановке Екатерины Тайшиной. Думается, он-то и станет гвоздём программы — это невероятно эффектное и блистательное шоу, которое покоряет с первого взгляда.

Такие современные вещи хочется смотреть и смотреть — настолько заводная там музыка, настолько отточены движения артистов, настолько шикарна пластика человеческого тела — на грани возможного и невозможного, и так сложна и интересна хореография. Честно, захватывает дух.

И от того, что так стройно и ровно танцует кордебалет, и от того, что ты пытаешься поймать взглядом волненья пышной пелены тончайших газовых юбочек, обвивающих стройные ножки танцовщиц, и как завороженный, не в силах оторвать взгляда, и от того, что танцовщики, одетые в парадные фраки, обхватывая за талию своих невесомых партнёрш, которых только что высоко носили на вытянутых руках, ловким движением крепких пальцев расстегивают на них эти самые юбочки...

Ах! Это разволновался мой сосед слева...



Это праздник для глаз и для души, жаждущей бала. Это мечтательное настроение, идущее от роскошных костюмов, которые эффектно «летают» и фосфоресцируют на темной сцене, в тёмном зале. Это восторг от уникальных композиций, которые даже в самых смелых фантазиях не можешь себе представить, от неожиданных сцен — когда танцовщица высоко взмывает вверх, подобно птице и вдруг будто падает замертво, но — о боги! — вмиг оживает. Когда артисты — все как один — двигаются в одном ритме — биения сердца. И в этот миг шестисотенное сердце зала бьется в один такт вместе с ними. Тук-тук-тук. Как единый музыкально-танцевальный механизм. И большие невидимые часы громогласно отбивают секунды...

– Екатерина Лаврентьевна, браво! Вечер современной хореографии удался на славу. Великолепны оба спектакля — и «Бал-иллюзия», и «Геометрия движений», побывавшая на гастролях в Казахстане и Кыргызстане. Понимаю публику, которая кричала «Браво», пытаясь выразить весь свой восторг. Мне думается, что отчасти это связано и с невероятной сексуальностью показанных номеров...

– Да, в постановках, конечно, есть такие моменты, но это намёк на сексуальность. И всё это — в рамках искусства. Да, мужчины расстёгивают юбки своих партнёрш, но всё это остаётся изящным и стилизованным. Это сделано не ради провокации, а для образа. Это режиссёрский ход, создающий неожиданный эффект. И при этом все прилично, все девушки остаются в платьицах.



– Екатерина Лаврентьевна, мы уже как-то привыкли к тому, что во всех спектаклях, поставленных вами, вы выступаете не только как хореограф, но и как режиссёр, и как музыкальный оформитель, а также и как художник по костюмам. Это происходит, видимо, от того, что вы как балерина чувствуете, в каком платье лучше танцевать ту или иную постановку? И такая хореография от вас мне кажется несколько неожиданной...

– Конечно, я очень тщательно вместе с художниками продумываю костюмы так же, как музыку и хореографию. И я очень люблю такую хореографию, где очень много разных пластических элементов, чётких линий — это завораживает, во мне самой внутри этого очень много. В этих спектаклях я выражаю себя как творческую личность, как хореограф. Именно здесь я больше работала именно над хореографическим текстом, над тем, как многое может рассказать человеческое тело, и я стараюсь показать это в своих постановках. Да им и самим тоже очень нравится, когда ставишь перед ними задачи, над которыми нужно работать, пробовать что-то новое. Они знают, что для них это рост, им это все очень интересно.

И, кстати, это мои самые первые балеты, когда мне очень хотелось выразить себя как хореографу — именно в таком стиле, в столь сложных элементах.
Наши артисты очень талантливы, и они с честью справляются со всеми задачами.

— И показывают всю свою гутаперчивость... И всё-таки почему в ваших спектаклях так много острых, технически сложных элементов? Чтобы пощекотать нервы публике?

– Сложность – это вызов. Артисты должны развиваться, преодолевать трудности, иначе они застрянут на одном уровне. Конечно, нам классика очень важна. Но все время танцевать одну классику тяжело — тяжело всё время находиться в одном и том же состоянии. Нам также хочется и разнообразия, современного ритма. Особенно когда музыка такая заводная, которая даёт им посыл, у танцовщиков появляется совсем другой настрой, пробуждается новая энергия.

– Опасные поддержки, полёты – это выглядит очень эффектно, но насколько они безопасны?

– Безопасны! Когда я ставлю сложные поддержки, я продумываю каждую деталь, чтобы артисты были уверены друг в друге.

— Ну вот, скажем, Мария Кузьмина. Она же просто летит лицом вниз! А если мимо?

— Нет, она не упадет мимо. Это невозможно. Там столько мужчин, столько рук, столько заботы! Это то, что я всегда хотела сама станцевать, как артистка балета...

— Довелось или нет?

— Нет, к сожалению. Но теперь я эту даю возможность артистам — выразить себя.



— Ну, наверное, Мария очень рисковая?

— Не только она. У нас есть и другие солистки, которые тоже доверяют своим партнёрам и не боятся высоких поддержек и сложных трюков.

— Смотреть на это очень интересно!

— А нам танцевать!

– А что за музыка использована в балете «Геометрия движения»?

– Музыка, которую мы используем, современная, с элементами электронной обработки. Я работала с концертмейстером театра Алишером Салединовым, он создавал для меня эту музыку. Конечно, я объясняла ему свои пожелания, представляла определённые ритмы, звуки, даже отправляла примеры музыкальных произведений. Но в итоге получилась не только его музыка. Я постоянно дополняю её – беру что-то из фильмов, из разных других источников.

– То есть, можно сказать, что на создание современной хореографии вас вдохновляли саундтреки?

– Да, саундтреки меня вдохновляли, когда я ещё была артисткой балета. В кино музыка создаётся специально для сюжета, для атмосферы сцены, и этот принцип очень близок мне в хореографии. Ведь музыка должна подчеркивать движение, поддерживать его.

– Вы говорите, что любите разнообразие в музыке?

– Да, я не ограничиваюсь одной только классикой. Мне нравится расширять кругозор, находить что-то новое в разных жанрах. В любой музыке можно найти замечательные элементы. Это помогает в творчестве.

– Скоро ваша труппа проведет в Нерюнгри Вечер современной хореографии. И не только его. Расскажите об этом.

– Да, мы везём туда великолепный балет, который в особом представлении не нуждается — балет Юрия Григоровича «Лебединое озеро», детям покажем чудесный спектакль «Белоснежка и семь гномов», а также у нас будет гала-концерт мастер-классы от мастеров оперного пения. Это насыщенный график, сложные постановки, но мы едем радовать публику, поэтому к гастролям полностью готовы!

– Успехов вам и вашей труппе!

Фото: Кристины НОВГОРОДОВОЙ

=======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

[Елена С.]

Номер ссылки| 2025021001
Тема| Балет, МТ, Вечер в честь 40-летия Владимира Шклярова, Персоналии, Мария Ширинкина, Диана Вишнева, Виктория Терешкина, Екатерина Кондаурова, Алина Сомова, Олеся Новикова.
Автор| Ольга Угарова
Заголовок| Монологи о Володе
Где опубликовано| © интернет-версия журнала "Балет!
Дата публикации| 2025-02-09
Ссылка| https://balletmagazine.ru/ru/post/monologi-o-volode
Аннотация| Монологи

В Мариинском театре 9 февраля пройдет вечер в честь 40-летия Владимира Шклярова. В ноябре прошлого года новость о гибели выдающегося премьера потрясла весь балетный мир. Соболезнования доносились из разных уголков мира. Коллеги, друзья, партнеры по сцене, разбросанные по всему земному шару, вспоминали дорогого и любимого Володю: от Нью-Йорка до Токио, от Москвы до Лондона, от Мюнхена до Сиднея. Трудно подбирались слова, тяжело давалось принятие случившегося. Наступило время тишины.
Два месяца театр вместе с автором концепции вечера и другом Владимира Шклярова Юрием Смекаловым готовили программу ко дню рождения блистательного артиста. Мы, в свою очередь, поговорили с теми, кто его знал и любил. С теми, кто прошел с ним большой путь — на сцене и в жизни. С теми, чью творческую судьбу он озарял. С балеринами, без которых мы не мыслим его Дезире, Зигфрида, Альберта, Ромео, Ферхада, Солора. Своими теплыми воспоминаниями с Ольгой Угаровой поделились Мария Ширинкина, Диана Вишнева, Виктория Терешкина, Екатерина Кондаурова, Алина Сомова и Олеся Новикова.



Мария Ширинкина

Мой любимый дуэт с Володей — это Ромео и Джульетта. Мы столько раз танцевали его! Ни в одном классическом балете не выходили вдвоем так часто! А вот учились гармонично сосуществовать в сценическом времени и пространстве, когда репетировали дуэт Спартака и Фригии. Он ведь страшно требователен был к своим балеринам, а ко мне — в сотни раз сильнее. На то время у меня не было такого опыта, как у Володи. Он же хотел, чтобы с точки зрения формы все сразу было красиво и можно было переходить к эмоциональному наполнению, а это, естественно, было невозможно. Мы как артистическая пара росли там, а потом эти плоды гармонично перенесли в «Ромео и Джульетту». Я всегда хотела станцевать с Володей в балете «Маргарита и Арман», теперь это желание так и останется мечтой. Лучшего Армана я не знаю.

Когда мы вернулись в Мариинский театр из Баварского балета, в нашем дуэте уже устоялся внутренний и эмоциональный опыт. Мы «притерлись», а до этого доводили друг друга. Противостоять Володе было сложно, поэтому в Мюнхене я просто запоминала все его мельчайшие просьбы ко мне и не переносила старые замечания на новые репетиции. Только тогда он не раздражался, и мы посвящали себя творчеству. Еще моя задача заключалась в том, чтобы не потерять себя в таком процессе, и я научилась со всем этим справляться.

Володя сильно воодушевлялся от работы с такими же яркими, неординарными личностями, как и он сам. От них он мог получить определенный заряд. Для него большим событием стало партнерство с Наташей Осиповой в Лондоне. Он был так рад возможности полностью погрузиться в творческий процесс, не отягощенный петербургскими бытовыми хлопотами. Восторженно рассказывал буквально обо всем. А какое неизгладимое впечатление на него произвели репетиции с участием Энтони Доуэлла, который давал советы даже в том, как сдвинуть запястье на 2 см, чтобы было удобнее поднимать руку, словами не описать.

Я смотрела почти все спектакли Володи и часто потом обращала внимание на детали, например, сложные костюмы в «Спящей красавице» в версии Сергея Вихарева. Он потрясающе умел их носить, и в этом заключалась еще одна его уникальная черта. Берет как деталь образа Альберта в «Жизели», костюмы первого акта в «Баядерке», камзол в «Парке», а его аристократичный Онегин — все ему шло невероятно. Меня всегда восхищала эта органика.

Когда я выхожу на сцену в «Легенде о любви», то всегда вспоминаю одну сцену: в начале третьего дуэта Ферхад подходит к Мехменэ Бану и снимает с нее платок. У меня перед глазами тот потрясающе элегантный жест, с которым все это проделывал Володя, сбрасывая вуаль в кулису. Это было просто и с большим вкусом. Никто так не делает.

Мне кажется, стиль Володи выражался в невероятной порывистости, пылкости, стремительности. Пожалуй, ни у кого больше не встречала такого. И этот его огонь всегда заряжал нас, балерин.

Алина Сомова

Мы знакомы с Володей с десяти лет: в один год поступили в Академию Русского балета им. А.Я. Вагановой, оказались за одной партой и в одном балетном классе. Можно даже сказать, что мы выросли как брат и сестра, ведь в академии ты вместе с ребятами бок о бок практически от зари от зари. И на дуэтном танце мы с Володей стояли в паре, а потом готовили выпускного «Щелкунчика»: он — партию Принца, я — партию Маши. В Мариинском театре друг у друга на глазах стали артистами кордебалета, потом солистами, премьером и прима-балериной. Даже одновременно получили звание «Заслуженных артистов», о чем я узнала именно от Володи — он первый прислал мне поздравления по телефону.

Еще в первом классе стало понятно, что Володя — большой перфекционист. Ему нужно было все делать по максимуму. Он переживал даже за неудачную оценку по алгебре и мог заплакать из-за таких мелочей, потому что хотел быть лучшим. Его лидерство тоже проявилось сразу. Вел за собой класс, притягивал к себе внимание, веселил всех на уроках, чем доводил учителей до исступления. Не могу сказать, что на дуэтных занятиях в академии у нас все складывалось легко и просто. Мы оба с характером и могли сопротивляться друг другу. Иногда ругались, если я случайно его задевала локтем, а он меня, например, ронял. Но в то же время его ранимость, которая проявлялась и в сверхэмоциональности, и в острой реакции на какие-то события или ситуации, чувствовалась и тогда.

В театр Володя всегда приходил в приподнятом настроении и много шутил, как в детстве. И его стремление к идеалу никуда не ушло. Он просто не мог позволить себе быть хуже, чем вчера. При этом Володя никогда не показывал своих переживаний — ни внутренних, ни физических. После трагедии я поняла, насколько хорошим артистом он был и как искусно скрывал всю свою боль. Конечно, родные чувствовали его тревогу, но мы — коллеги, партнеры — даже намека не видели: Володя все скрывал, будто бы прятал свои страдания под маской.

Не единожды Володя вводил меня в спектакли: своих первых Жизель и Джульетту я станцевала с ним, и он всегда меня поддерживал. Я чувствовала его внимание и скрупулезность в создании дуэта. Как повернуть голову, взмахнуть кистью, посмотреть на партнера — все его заботило. Володя никогда не уходил в тень партнерши и не становился просто вспомогательным звеном: ему было интересно лепить дуэт вместе, чтобы яркими были и балерина, и танцовщик, и сама пара.

Наверное, все-таки мой любимый спектакль, где мы танцевали вдвоем, — «Щелкунчик». Как это ни странно, в театре нам не так часто удавалось выйти в этом тандеме. Каждый раз спектакль возвращал нас в наше детство в академии, и на сцене случалось что-то совершенно особенное. Потрясающие воспоминания остались и о Ballet Imperial Баланчина, после которого зрители однажды нам сказали: «Надо же, какую эмоциональную драму вы разыграли в бессюжетном балете!» Возвращаясь сейчас к тому выступлению, я понимаю, насколько это были волшебные ощущения в танце. Восторг! Стиль Володи скрывался и в такой сумасшедшей эмоциональности. Порой он даже мог входить в раж, но так он проживал каждую свою роль. Несмотря ни на какую боль и усталость — он жил на сцене.

Диана Вишнева

Владимир, дорогой Володя...

Его яркая творческая судьба стала не только вдохновением, но и общим горем, объединившим абсолютно весь балетный мир.

В своем поколении он был звездой, настоящей, заслуженной звездой. Про таких говорят: «Точно попал в свой талант». Природная актерская одаренность, харизма и упорство в соединении с изначально заложенными балетными данными, скрупулезно и грамотно развивавшимися под чутким руководством педагогов в Академии Вагановой и затем в Мариинском театре, сформировали того премьера театра, которого все полюбили.

Он был артистом многих красок. Постоянно расширял свои возможности, совмещая классику и современную хореографию. Несомненно, его обогатил период работы на Западе. И тем ценнее была его преданность родному театру.

Яркий и обаятельный, с горящим взором, его эмоциональность в спектаклях и искрящаяся страсть к танцу безоговорочно подкупали. Порой казалось, что он выступает как в последний раз, настолько Володя отдавался без остатка, мог во многом безбашенно не щадить себя. Но в этом был весь он, настоящий.

Несмотря на то что мы не так много танцевали вместе и на существующую разницу поколений, наши дуэты в «Золушке» и «Ромео и Джульетте» действительно сложились, были интересными, взаимодополняющими. Володя всегда прислушивался к моим советам, ощущалось, как ему было важно перенять тот опыт, которым я тогда уже могла поделиться. И всегда и во всем он был искренним как в жизни, так и на сцене, и в репетиционном зале.

Володя для меня интеллигентный и хорошо воспитанный, человечный и добрый. Он останется навечно Принцем. Но не из сказки, не с гравюры. Не отстраненный, недосягаемый с холодной красотой принц, а очень современный и близкий. В его красоте не ощущалось слабости. Наоборот, она была открытая, влюбляющая, согревающая и дающая свет.


Фото: Марк Олич

Виктория Терешкина

Мы с Володей много танцевали вместе и подготовили вдвоем не один спектакль, в том числе «Тему с вариациями» Баланчина и «Анну Каренину» Ратманского. В жизни артистов балета те дуэты, в которые вы оба вступаете впервые, становятся по-настоящему особенными: сотворчество и поиск общей нити невероятно вдохновляют. Уже на этапе первых репетиций Володя стремился найти то, что не делали другие пары. Но всегда откликался на мои просьбы, проявляя огромное уважение ко мне, реагируя со своим привычным юмором. В такие моменты он приговаривал: «Викуля, как скажешь, так и сделаем».

На репетиции Володя всегда уже приходил с намеком на что-то особенное и неповторимое в своем персонаже. Уделял большое внимание чему-то такому, что могло отличить его танец от исполнения другого артиста. Ему было важно абсолютно все. Каждая деталь имела значение: в образе, в стиле. Бывали случаи, что он принимал решения о нюансах костюма в разрез рекомендациям педагогов: спорил и делал все равно по-своему. Такая особенность характера: идти против течения.

И еще одна черта характера Володи, о которой невозможно не сказать: что бы ни случилось и что бы ни произошло во время спектакля, на поклонах Володя всегда улыбался, посылая свое сияние в зал. И в этом тоже было его колоссальное обаяние — и в жизни, и на сцене.

Екатерина Кондаурова

Владимир был истинным артистом и творческим человеком на двести процентов. У нас было не так много общих спектаклей, но каждый становился событием. Меня всегда подкупает в артистах стремление сделать по-настоящему целостную роль и создать образ, а не быть просто звездой на сцене. Вот Володя был именно таким. Всегда полное погружение в персонажа, тщательно продуманные детали грима и костюма. На каждом спектакле создавалось впечатление, что Володя танцует как в последний раз: никогда не экономил сил — все всегда на «разрыв аорты». Он принадлежал к тому редкому числу артистов, которые незначительным жестом могут обратить на себя внимание зрителя, и им не нужно для этого показывать весь арсенал технически сложных трюков, хотя и ими Володя обладал, исполняя с легкостью. И еще одна черта, ценная для меня, это чувство юмора. Я сама не представляю, как без него обходиться на репетициях и спектаклях, а Владимир всегда поддерживал возможность подшутить над ситуацией, над коллегами или над собой. Пожалуй, в залах я чаще всего смеялась именно с ним.

Олеся Новикова

Очень хочется сказать что-то достойное памяти Володи, и я понимаю, что это невозможно. Все мы, любящие Шклярова, чувствуем намного больше, чем можем выразить словами. Об этом говорит то, что 16 ноября нас всех как будто вырвали из прежней реальности и поместили в другую… Володя всегда был «над миром». Он всегда выделялся. Он всегда был самым талантливым, самым искренним, самым одержимым. Он должен был стать легендой… и он стал.


Фото: Саша Гуляев

Юрий Смекалов, автор концепции вечера «Магия Владимира Шклярова»

Этот вечер — празднование дня рождения. Мы не хотели делать его посвящением, воспоминанием или прощанием. Мы показываем, что Володя с нами — прямо здесь: продолжает приходить на класс, готовится к спектаклям, шутит в раздевалке, где у нас и сейчас лежат его вещи. В воздухе театра живет ощущение, что он вот-вот зайдет и все будет как прежде. И мы очень хотим поделиться присутствием Володи с нами и сохранить его феномен для будущих поколений.

Эпоха балетного танцовщика может уложиться в 15–20 лет. Но есть ярчайшие 10 лет пика: когда в тебе уже сложились и в полной мере выражены профессионализм, осознанность, силы, понимание, почему и для чего ты выходишь на сцену. Володя находился в таком состоянии даже дольше — 12 лет. Огромной радостью было приходить на сцену, танцевать с ним и смотреть его исполнение из зала. При этом поражал уникальный диапазон его возможностей.

В нашей программе принимают участие коллеги, с которыми он сотрудничал, дружил, любил их как профессионалов. Например, мы знаем, как он относился к Владу Лантратову как к артисту, и для нас это тоже важно. Само название вечера — «Магия Владимира Шклярова» — говорит об исключительном мастерстве перевоплощения Володи. За ним можно смело закрепить звание «Принца русского балета XXI века». Находясь в подобном качестве очень трудно показать себя в других характерах, зайти на территорию гротесковых партий или попытаться погрузить себя в принципы современного танца. А очень гибкое и пластичное устройство Володи, его напор и энергия позволяли ему проделывать это блестяще. Когда пик расцвета танцовщика проходит, наступает очень сложный момент перестройки. Необходимо снова искать себя. Володя находил, у него получалось.

=======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

[Елена С.]

Номер ссылки| 2025021101
Тема| Балет, Фестиваль Dance Open, Персоналии,
Автор| Владислав Краев (Санкт-Петербург)
Заголовок| Фестиваль Dance Open удивит зрителей смелыми балетными экспериментами
Где опубликовано| © «Российская газета»
Дата публикации| 2025-02-11
Ссылка| https://rg.ru/2025/02/11/reg-szfo/festival-dance-open-udivit-zritelej-smelymi-baletnymi-eksperimentami.html
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

С 18 по 28 апреля 2025 года в Санкт-Петербурге на Основной сцене Александринского театра пройдут спектакли XXIV сезона Международного фестиваля балета Dance Open. Он проводится при поддержке Министерства культуры РФ, Президентского фонда культурных инициатив и Комитета по культуре Санкт-Петербурга.


Люсия Лакарра и Мэтью Голдинг, балет "В тишине ночи". / Фестиваль Dance Open

Dance Open по традиции покажет жителям и гостям Петербурга лучшие достижения в сфере балетного искусства, собрав на своей площадке мастеров хореографии и ведущие балетные коллективы из разных стран мира. В афише этого сезона заявлены семь российских премьер и две петербургские, в нем примут участие 450 артистов балета и 15 известных мировых танцевальных брендов. Завершит программу 28 апреля грандиозный Гала с участием звезд ведущих российских и зарубежных театров.

Откроется 24-й сезон 18 апреля петербургской премьерой спектакля "Каменный цветок" Екатеринбургского театра оперы и балета. В Петербург приедет спектакль, выпущенный всего за две недели до начала фестиваля: в Екатеринбурге его впервые покажут 4 апреля, и пока грядущая премьера остается загадкой. Последний балет Сергея Прокофьева создан по уральским сказам Павла Бажова. В спектакле занята вся труппа Урал Балета, который всегда удивляет нестандартным видением классических сюжетов и энергией слаженного ансамбля.

Романтическое путешествие со звездами мирового балета ожидает зрителей 20 апреля: в этот день на Dance Open будет представлен спектакль "В тишине ночи". Это название песни 1956 года, вошедшей в мировое музыкальное наследие, и другие мелодии эпохи экс-солист Ковент-Гардена Мэтью Голдинг взял, чтобы рассказать историю о вечной любви. В главной роли - экс-солистка Баварского государственного балета Люсия Лакарра, одна из самых известных и востребованных балерин современности. В дуэте с Голдингом они настолько неразделимы, что этот спектакль можно назвать гимном вечному чувству.

22 апреля зрители увидят еще одну петербургскую премьеру - редкую в наше время классическую постановку комического балета "Коппелии" в хореографии Ролана Пети. Он поставил этот спектакль на музыку Лео Делиба в 1975 году для Марсельского балета. С тех пор его ставили во многих странах мира, а пять лет назад премьера состоялась в молодой балетной труппе Государственного театра оперы и балета "Астана Опера". Все оттенки французского юмора артисты из столицы Казахстана передают безупречно точно, именно так, как их задумывал автор.

Аргентинский театр "Сан-Мартин" 24 апреля на исторической сцене Александринского театра покажет спектакль "Фолия", в котором неаполитанские тарантеллы и виртуозные фолии с элементами хип-хоп культуры приправлены электронной музыкой. Французский хореограф Мурад Мерзуки соединил здесь уличные трюки с танцем на пуантах под музыку барокко. Сочиненный для собственной труппы Мерзуки спектакль в Петербург привозит современная труппа театра "Сан-Мартин", специализирующегося на хореографии ХХ и XXI веков.

В фестивальной программе впервые принимает участие коллектив из Тайваня - хореографический бренд В. Dance. Создатели спектакля "Прежде чем уйти" 26 апреля предложат гостям фестиваля "сборник стихов для тела", в котором записаны десять эмоций и историй перед прощанием. Там слышится шум дождя, плеск реки, дыхание ветра, все это соединяется с мелодиями, исполняемыми на фортепиано, скрипке или электрогитаре. Под этот аккомпанемент десять артистов рассказывают о своих жизнях. Спектакль "Прежде чем уйти" - не то чтобы подведение итогов, но ревизия того, что дала человеку судьба.

Завершится фестивальная программа 28 апреля грандиозным Гала. Самые виртуозные танцовщики планеты, представляющие ведущие мировые танцевальные площадки, съедутся в Петербург, чтобы на сцене Александринского театра показать лучшее, что можно создать на языке танца. В программу заключительного вечера фестиваля по традиции войдут фрагменты признанных шедевров и новейшие эксперименты в исполнении ведущих солистов балетных трупп.

[Елена С.]

Номер ссылки| 2025021301
Тема| Балет, «Две Анны», Премьера, Персоналии, Юрий Посохов, Павел Глухов, Илья Демуцкий, Полина Маликова, Элеонора Севенард, Даниил Потапцев, Алексей Путинцев, Ильдар Гайнутдинов, Елизавета Кокорева, Макар Михалкин, Ярославна Куприна
Автор| Александр Лаврухин
Заголовок| Две Анны и одно ведро грима
В БДТ имени Товстоногова прошла премьера балета «Две Анны»
Где опубликовано| © Журнал Музыкальная жизнь
Дата публикации| 2025-02-13
Ссылка| https://muzlifemagazine.ru/dve-anny-i-odno-vedro-grima/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



У нас в Петербурге туристам научились продавать все, что хоть каким-то образом связано с любимой оштукатуренной столицей-на-болотах. Первыми коммерция забрала поэтов Серебряного века – детей прокуренного, залитого духами и абсентом, декадентского fin de siècle. А рядом ведь еще и Дягилев с его «Сезонами»! Дошло до того, что, живя в Петербурге, начинаешь недовольно морщиться, замечая афишу с очередным интимно-телесно-томительным действом, приуроченным к вышеупомянутому многострадальному периоду русской культуры. Но, в конце концов, Четырнадцатая соната Бетховена же не становится хуже от того, что играет из каждого второго утюга и каждого первого класса музыкальной школы? Точно так и с Серебряным веком – временем, когда лучшие из литераторов, наконец, полностью осмыслили и освоили наследие языковых революций XIX столетия, научились из недоброй тяжести переполненного смыслами и полутонами русского слова создавать прекрасное. Точно так и с «Русскими сезонами», переоткрывшими Россию Европе, а Европу – России. Потому отбросим малоумное снобское брюзжание и посмотрим непредвзято на «Две Анны», премьеру фестиваля «Дягилев. P.S.» 2025 года. Вечер состоял из двух одноактных балетов в хореографии Павла Глухова и Юрия Посохова.

«Анна Павлова»

Работа Павла Глухова встречает нас красным занавесом, точнее даже, несколькими красными занавесами, которые громоздятся друг на друга, формируя тем самым камерное пространство спектакля. Сценография Марии Трегубовой собирает и фокусирует внимание: складки многочисленных штор и гигантские кутасы не дают взгляду отвлекаться от происходящего в маленькой луже света по центру импровизированного райка, где пляшут куклы в черно-белых костюмах с измазанными белым гримом лицами. На сцене идет игра: игра в хореографию, игра в немое кино, игра в Анну Павлову и ее многочисленных ухажеров. Можно выдохнуть – хотя бы здесь без томной сложности и пафосных богемных томлений. И без великой литературы там, где ей не место. Глухов не стесняется дистанции, неизбежно образовавшейся между сегодняшним днем и тем, что было больше ста лет назад. Он собирает в кучу байки, стереотипы, клише и пытается использовать их как инструмент той самой игры.

Спектакль подкупает там, где не стремится быть ироничным и нарочито остроумным: действие течет естественно, на сцене по очереди появляются разные Анны Павловы с разными ухажерами, им сочувствующие, а также красные стулья. Чистой хореографии в балете немного, что явно играет ему на руку: все театрализовано настолько, что внезапные классические па смотрелись бы здесь как чтение Тютчева в одной из громких рюмочных старой Думской улицы. Танец все равно остается стержнем действия, но игриво прячется за разные ширмы.

Хуже дело обстоит в эпизодах, где нас, видимо, пытались смешить. Пару раз местный Стравинский (Ильдар Гайнутдинов) пытается заставить музыкантов в импровизированной яме (островок в зале, со всех сторон обставленный креслами зрителей) играть куски «Весны священной». Зачем нужны эти нудные и неестественные вставки, не совсем понятно. Невнятным получился и финал, в котором сцену решили оголить, подняв все, кроме одного, занавесы, пустить пар, закидать планшет пуантами и вывести все ипостаси главной героини на сцену одновременно. Пуанты сами по себе не успели обрасти за спектакль символическим значением, превратиться в сакральный предмет – даже саму Павлову нам довольно талантливо представляли больше персонажем, чем балериной. Безусловно, множество небольших одинаковых объектов, рассыпанных по пустой сцене, смотрятся эффектно, а пуанты и балет неразрывно связаны. Но даже если стихи всегда пишутся пером и чернилами, далеко не в каждой поэме к месту строчка по поводу писчих принадлежностей.

Музыку к балету написал композитор Илья Демуцкий, у которого получилась сюита для фортепиано, двух скрипок, альта, виолончели и кларнета. Партии исполняли Андрей Коробейников и солисты OpensoundOrchestra Станислав Малышев, Инна Зильберман, Ксения Жулева, Ольга Калинова, Игнат Красиков. Композиция по большей части представляет собой кабаретно-шарманочную мелодическую линию с вкраплениями Сен-Санса, заретушированную околотональной гармонией и парочкой пристойных расширенных техник (без игры на скрипке языком). Со своей прикладной ролью музыка справляется: задает направление и не перегружает происходящее особенным остроумием.

«Анна Ахматова»

Балет Юрия Посохова получился диаметрально другим. Здесь уже никаких игрушек. Музыка – квинтет Сезара Франка, бурлящий, многословный, полный подлинно французской героики. Поздний Франк своими звуковыми водоворотами генерирует такую экспрессию, что на ее фоне и пустая сцена будет смотреться не менее драматично, чем изрытые французской артиллерией склоны Шемен-де-Дам (тем более музыканты, ведомые роялем Андрея Коробейникова, играли образцово). Создавать пластический контрапункт такой музыке, отвечать движениями как на ее сдержанную сентиментальность, так и на ее неудержимые порывы – задача не из легких, требующая тонкого чувства меры. Но Посохов беспощаден. Он не только создает свой фирменный тягуче-густой поток хореографии, но и добавляет к происходящему стихи. По сцене ходит Ахматова (Полина Маликова) и читает вслух, параллельно она же (Элеонора Севенард) танцует то с Модильяни (Алексей Путинцев), то с Гумилевым (Даниил Потапцев), периодически к ним присоединяются натурщица Жанна (Ярославна Куприна) и три пары корифеев. От передозировки пафосом все происходящее не столько превращается в китч, сколько вообще перестает восприниматься как-либо. Легко можно поверить, что там, на сцене, все очень серьезно, но в этой серьезности как будто нет вообще никакого места зрителю: все занято личными переживаниями поэтессы, композитора и хореографа.

«Две Анны» вышли неоднозначными, под стать эпохе, к которой обращаются. В балете томятся, плачут, играют и издеваются с разной долей успеха и эффекта. Поставить два контрастных акта, с разными хореографами, разной по роли и значению музыкой, разной стилистикой – решение логичное и последовательное. Получившееся же в итоге целое вызывает скорее не восхищение, а вопросы. Например, что бы получилось, будь грима ведром больше.

Фото: Евгения Матвиенко, Юлия Михеева, Михаил Вильчук
===============================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

[Елена С.]

Номер ссылки| 2025021302
Тема| Балет, «Две Анны», Премьера, Персоналии, Юрий Посохов, Павел Глухов, Илья Демуцкий, Полина Маликова, Элеонора Севенард, Даниил Потапцев, Алексей Путинцев, Ильдар Гайнутдинов, Елизавета Кокорева, Макар Михалкин, Ярославна Куприна
Автор| Светлана БАТМАНОВА
Заголовок| На сцене БДТ имени Г. А. Товстоногова состоялась премьера балетного диптиха «Две Анны»
Где опубликовано| © «Санкт-Петербургские ведомости» № 25 (7847)
Дата публикации| 2025-02-13
Ссылка| https://spbvedomosti.ru/news/culture/na-stsene-bdt-imeni-g-a-tovstonogova-sostoyalas-premera-baletnogo-diptikha-dve-anny-/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Балетный диптих стал совместным проектом продюсерской компании MuzArts и международного фестиваля искусств «Дягилев. P. S.».



Вечер объединил одноактные спектакли о двух иконах Серебряного века — Анне Павловой и Анне Ахматовой. Приношение культовым героиням ХХ века создали хореографы разных поколений и художественных пристрастий: приверженец нео­романтической эстетики и классических форм Юрий Посохов на музыку Сезара Франка сочинил «Анну Ахматову. В чертогах памяти», а выходец из среды современного танца Павел Глухов на свеженаписанную партитуру Ильи Демуцкого — «Анну Павлову. Без любви». Над спектак­лями работала единая команда: автор либретто и режиссер Феликс Михайлов, сценограф Мария Трегубова, автор костюмов Светлана Тегин, видеохудожник Илья Старилов и художник по свету Иван Виноградов. Зрительский интерес подогревал первоклассный исполнительский состав, представленный в основном примами, премьерами и солистами Большого театра.

Обе постановки не являются биографическими в традиционном понимании. Скорее, это размышление о судьбе творческой личности, попытка взглянуть на историю каж­дой героини глазами нашего современника. Жизнь — театр, служение своему таланту, творец и муза, поиск родственной души и одиночество — ключевые мотивы «Двух Анн». На этом сходство заканчивается, балеты получились контрастными, и в этом заключается главная особенность и интрига проекта.

Из богатой событиями жизни Ахматовой Юрий Посохов выбрал историю отношений начинающей поэтессы и еще малоизвестного художника Амедео Модильяни. Вряд ли хореограф знаком со спектаклем «АхматМоди» Мити Федотенко, ставшим событием Национальной платформы современного танца в рамках фестиваля Open Look (2016 г.). Обжигающе страстный, полный внутренней ярости пластический диалог Федотенко и актрисы Лины Лангер из той постановки забыть невозможно. Встреча Ахматовой и Модильяни там уподоблялась столкновению планет, а муки любовные отождествлялись с муками творческими.

Юрий Посохов — хореограф-лирик, мечтатель, ему чужда ярость. Его влекут тонкие нюансы взаимоотношений, возвышенно-романтическая образность, приглушенная чувственность — неслучайно хореографу так удаются адажио. «Анна» Посохова — преимущественно дуэтный спектакль. Дуэты Ахматовой (Элеонора Севенард) с Модильяни (Алексей Путинцев), Гумилевым (Даниил Потапцев), Моди — с натурщицей Жанной (Ярослава ­Куприна) превращались в богатые психологическими оттенками развернутые композиции.

В основе драматургической конструкции спектакля — взаимодействие хореографического, музыкального и поэтического текстов. Слово Ахматовой звучит на сцене в исполнении актрисы БДТ Полины Маликовой (Толстун). Музыка, поэзия, танец — все движется, трансформируется, иногда совпадая, чтобы потом снова разойтись, не нарушая целостности постановки. При этом в хореографии оживают не столько смыслы ахматовских строк, сколько мелодика стиха, переменчивая ритмика фраз, особая внебытовая одухотворенность поэтического строя.

Балет Павла Глухова — абсолютная художественная неожиданность. Бархатно-красное, вызывающе кабареточное пространство, в котором разворачивается действие, с первых минут задает главную тему спектакля — жизни как трагифарса, балагана, грустной клоунады. Неужели речь идет об Анне Павловой — сильфиде ХХ века, прекрасном лебеде мирового балета, божественной, недосягаемой? Да, именно о ней!

Развитие действия представляет своего рода «монтаж аттракционов», где в каждом эпизоде в пародийном ключе демонстрируются взаимоотношения Павловой с важными мужчинами ее жизни — от маэстро Чекетти (Вячеслав Лопатин), отшлифовавшего технику балерины, до Виктора Дандре (Марк Орлов), покровителя и возлюбленного. Пластической изобретательностью запомнился дуэт героини с Михаилом Мордкиным (Елизавета Кокорева, Ильдар Гайнутдинов), московским премьером, не желавшим оставаться в тени блистательной примы. Шпагаты вниз головой, поддержки на вытянутых руках, вращения на грани потери равновесия — артисты бросались в головоломный танец будто в азартное приключение.

Однако этой пластической эксцентрике не хватало чувства меры. Тотальный гротеск со временем становился избыточным, а юмор отдельных сцен — натужным, как, к примеру, в сцене с «городским сумасшедшим» Стравинским (Антон Гайнутдинов), в исступлении сминающим листы партитуры «Весны священной».

Финал балета производит пронзительное впечатление. Все Павловы (их шесть) кружат в хороводе, махая руками-крыльями с висящими на запястьях пуантами (очевидно, символизирующими преданность профессии), а затем выстраиваются клином и исчезают в световом портале. Невольно вспоминаются слова Фокина о Павловой в «Умирающем лебеде»: «Волновала, до слез трогала она своим изображением смерти. Но в то же время хорошо, радостно было на душе, и казалось, что бессмертна красота, бессмертно вечное искусство, и нет ему конца».

Материал опубликован в газете «Санкт-Петербургские ведомости» № 25 (7847) от 13.02.2025 под заголовком «Две Анны на одной сцене».

[Елена С.]

Номер ссылки| 2025021303
Тема| Балет, Нуреевский фестиваль, Персоналии,
Автор| Светлана Истомина
Заголовок| Нуреевский фестиваль в Башкирии соберёт звёзд балета из России и Казахстана
Где опубликовано| © АиФ - Уфа
Дата публикации| 2025-02-13
Ссылка| https://ufa.aif.ru/culture/events/nureevskiy-festival-v-bashkirii-soberyot-zvyozd-baleta-iz-rossii-i-kazahstana
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Балетный форум пройдет с 17 по 27 марта в Башкирском государственном академическом театре оперы и балета. В фестивальных показах примут участие танцовщики из Уфы, Москвы, Санкт-Петербурга, Казани, Воронежа, Астаны. Об этом сообщили в пресс-службе Башоперы.

Фестиваль стартует 17 марта, в день рождения Рудольфа Нуреева, с классики башкирского балета - «Журавлиной песни» Л. Степанова и З.Исмагилова. В партии Зайтунгуль будет занята солистка Мариинского театра Рената Шакирова. 19 марта на сцене - «Жизель» А. Адана. Наряду с солисткой Башкирского театра Валерией Исаевой в постановке выступит премьер Астана Оперы Диас Курмангазы. 20 марта в главных партиях в балете «Дон Кихот» Л. Минкуса будут блистать солисты Московского музыкального театра им. К. Станиславского и Вл. Немировича-Данченко Ольга Сизых и Артур Мкртчян. 22 марта в «Лебедином озере» П. Чайковского уфимский Зигфрид (Рустам Исхаков) станцует с Одеттой-Одиллией из Мариинского театра Оксаной Скорик. 24 марта питерские артисты - Мария Ильюшкина, Елена Евсеева и Эван Капитен - выступят в главных партиях в «Легенде о любви» А. Меликова. 26 марта на сцене - романтическая «Сильфида» Х. Левенсхольда. Дуэт нашей Валерии Исаевой составит премьер Воронежского театра оперы и балета Иван Негробов.

В Гала-концерте 27 марта выступят премьеры ведущих театров России: Денис Захаров, дуэт Элеонора Севенард и Денис Родькин (Большой театр России), Мария Ильюшкина, дуэт Виктория Терешкина и Роман Беляков (Мариинский), Александра Елагина и Ильнур Гайфуллин (Татарский театр оперы и балета им. М. Джалиля), Иван Негробов (Воронежский театр оперы и балета). С премьерным номером, подготовленным специально для фестивля, выступит экс-премьер Санкт-Петербургского театра Бориса Эйфмана Олег Габышев.

Напомним, фестиваль балетного искусства имени Рудольфа Нуреева проводится в Уфе с 1993 года по инициативе Юрия Григоровича и Шамиля Терегулова и по праву считается одним из авторитетных балетных форумов мира.

[Елена С.]

Номер ссылки| 2025021401
Тема| Балет, Московская государственная академия хореографии, «Щелкунчика», Персоналии,
Автор| Андрей Галкин
Заголовок| «Щелкунчик» школьный
Где опубликовано| © Музыкальные сезоны
Дата публикации| 2025-02-12
Ссылка| https://musicseasons.org/shhelkunchik-shkolnyj/
Аннотация|

Московская государственная академия хореографии впервые за долгое время показала в Москве «Щелкунчика»



Генеральная репетиция (24 декабря) и три представления (25, 26 и 27 декабря) прибавились к концертам производственной практики, которыми Академия завершает каждый календарный год. В предновогодней афише города, как всегда, до предела заполненной «Щелкунчиками» всех возможных видов, школьный спектакль закрыл пробел, образовавшийся два сезона назад, после того как постановка В.И. Вайнонена перестала идти в Музыкальном театре им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко.

Для московского училища «Щелкунчик» Вайнонена – «родной», в школьный репертуар он попал прямиком из театрального в 1950 году, затем возобновлялся в 1959-м и 1994-м, позже шел в КЗЧ в рамках совместного проекта Академии и Российского Национального оркестра под управлением Михаила Плетнева, но в последние годы из него показывали только отдельные номера.

По замыслу Светланы Захаровой, назначенной в сентябре исполняющей обязанности ректора МГАХ, балет вернули к формату полноценного спектакля с живой музыкой (оркестровую яму Учебного театра заполнили участники Всероссийского юношеского симфонического оркестра под управлением Юрия Башмета; дирижировал Игорь Разумовский и Большой детский хор радио «Орфей»), с заново сделанным оформлением (видеохудожник – Вадим Дуленко). О вкладе в целое последнего нужно сказать особо. Не злоупотребляя теми возможностями, что открывает проекция, он добился ощущения настоящей театральной живописи, единой по стилю с костюмами Владимира Арефьева, тактично дополнил статичную картинку движущимися деталями: за окнами дома Штальбаумов в первом акте падает снежок, а горизонт Королевства кукол в начале второго чуть покачивается в дымке теплого дня. Впечатление рисованных на холсте декораций складывается настолько полное, что настоящим волшебством выглядят чистые перемены. Одно такое чудо происходит в финале пролога, когда вьюга застилает улицу зимнего Нюрнберга, и секунду спустя из темноты появляется украшенная к празднику гостиная; другое – когда в ночной комнате расступаются стены, вырастает рождественская елка и все вокруг нее. Минуту спустя, в сцене ночного сражения, обнаруживается еще одно, «побочное», преимущество проецированных декораций. На абсолютно свободном планшете сцены со светлым покрытием прекрасно просматриваются сложносочиненная геометрия «баталии», эволюции мышиного и оловянного войск, тщательно распланированные хореографом.

В школьном «Щелкунчике» вообще можно рассмотреть многое из того, что остается почти незаметным в театральном исполнении. Этому способствует и коллективная работа педагогов классического, характерного, историко-бытового танца, актерского мастерства, ответственных за разные «участки» спектакля, и отдача учеников, их желание проявить себя по максимуму даже в самых небольших ролях. Как законченные мини-этюды с продуманным сюжетом, с построенной по всем правилам композицией, отыгрываются сценки спешащих на праздник гостей с детьми в прологе. Фриц (Елисей Волков) старательно показывает, что ему непонятен подарок Дроссельмейера. Оживший Щелкунчик (Агния Смирнова) пересекает огромную комнату с самым серьезным и храбрым видом, а мыши ползают и копошатся так, что делается не по себе. С глубоким пониманием эпохи – места и времени – исполняются салонные танцы первой картины: выход двух пар в характере менуэта (Софья Харламова, Лев Мелкумов, Лилиана Шенгюн, Давид Ступин) и медленная часть Гросфатера.



Выступление учеников всех классов и курсов Академии прибавляет балету дополнительный смысловой пласт. В смене сцен и танцев прочитывается сюжет о школе, все ступени которой необходимо пройти, прежде чем доберешься до вершин профессии, заключенных в танцах двойки снежинок, в сольных номерах дивертисмента и, наконец, в классическом Pas de deux. Тема профессионального пути явно звучит в партии Мари, поделенной, в соответствии с замыслом Вайнонена, между двумя исполнительницами. Несколько «взрослых» движений, сделанных Марией Амелиной – маленькой Мари у растущей елки, и впрямь предвещают балеринский танец. Ресурсами этого танца вполне уверенно владеет Екатерина Полунина – Мари-принцесса. Ее партнер – Сергей Калинич, не просто технически корректно поддерживает партнершу, но и подает каждый жест как реплику в диалоге, оставаясь в то же время чуть позади своей дамы, соблюдая неизменную формулу вежливости кавалера в балетной классике.

Обратный ход из волшебной страны – в родительский дом, превращение принцессы в маленькую Мари в эпилоге возвращает напоследок к азам, к тому, с чего все начинается. Таким же началом профессиональной жизни для всех, кто в нем занят, служит весь обновленный «Щелкунчик». Вместе с залом Учебного театра, приобретшим на четыре вечера вид настоящего зала, вместе с украшенным к Новому году фойе, он говорит о ежедневном, но от того не менее волнующем чуде – о рождении искусства из систематического школьного труда, о рождении балета в стенах Академии.

Автор фото — Батыр Аннадурдыев
======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

[Елена С.]

Номер ссылки| 2025021701
Тема| Балет, «Две Анны», Премьера, Персоналии, Макар Михалкин
Автор| Иван Петров
Заголовок| Ахматова и Павлова глазами Макара Михалкина: балет как культурный манифест
Где опубликовано| © АиФ-Петербург.
Дата публикации| 2025-02-17
Ссылка| https://spb.aif.ru/culture/person/ahmatova-i-pavlova-glazami-makara-mihalkina-balet-kak-kulturnyy-manifest
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



На сцене БДТ им. Г.А. Товстоногова состоялась мировая премьера балета «Две Анны». В совместном проекте фестиваля «Дягилев P.S.» и продюсерской компании MuzArts выступили солисты Большого театра, среди которых был Макар Михалкин – восходящая звезда российского балета.

Солист, которому в минувшем сентябре исполнилось 20 лет, рассказал о своих впечатлениях от нового проекта.

– Макар, о вас говорят как о восходящей звезде. Хореограф Юрий Посохов до премьеры отметил: «Молодой Макар Михалкин станет открытием». Как относитесь к таким оценкам?

– Это невероятно вдохновляет. Я стараюсь оправдать ожидания.

– О чём спектакль?

– «Две Анны» – не просто балет, а культурный манифест. Два хореографа, два разных повествования, объединённых темой любви, таланта и творчества. Юрий Посохов поставил «Анну Ахматову. В чертогах памяти» на музыку Сезара Франка – это история её отношений с Амедео Модильяни. Вторая часть – «Анна Павлова. Без любви» Павла Глухова на музыку Ильи Демуцкого, посвящена знаменитой балерине и её работе с Фокиным, Чекетти, Вертинским, Чаплиным.

– Как восприняли идею включения стихов в балет?

– Сначала удивился: это редкость. Но постепенно понял, как поэзия усиливает восприятие, раскрывает новые грани актёрского мастерства.

– Это был вызов для вас?

– Особенно часть «Павловой». Паша Глухов работал в стиле контемп, а для меня это новая пластика. Было непривычно, но очень интересно.

– Вы участвуете в видеопроектах, работаете моделью. Что даёт этот опыт?

– Расширение горизонтов. Любая творческая работа – как пазл: одно дополняет другое. Танец, кино, фотография – это единое пространство, где я ищу способы выразить эмоции.

– Говорят, искусство требует жертв. Согласны?

– Да, но скорее это обмен: ты отдаёшь время, силы, эмоции, а получаешь возможность создать нечто значимое. На «Две Анны» мы работали по 10–12 часов в день, было непросто, но это кайф, состояние, когда живёшь искусством. Именно так, я думаю, жили и Ахматова, и Павлова, и Модильяни. Они отдавали себя полностью, потому что иначе нельзя. Искусство – не просто работа, а образ жизни, стремление к совершенству. Когда твой труд трогает сердца зрителей, это не жертвы, а награда.
============================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

[Елена С.]

Номер ссылки| 2025021801
Тема| Балет, Театр танца имени Булата Аюханова, Персоналии, Ильяс Заманбек
Автор| Алина Сарсенова
Заголовок| Ильяс Заманбек: «Балет — это не просто техника, это искусство»
Где опубликовано| © Газета "Новое поколение" №6 (2509)
Дата публикации| 2025-02-17
Ссылка| https://www.np.kz/news/kultura/teatr/ilyas-zamanbek-balet-eto-ne-prosto-tehnika-eto-iskusstvo
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

О карьере, ролях и мечтах ведущего солиста Государственного академического театра танца имени Булата Аюханова



В мире балета важны не только талант и техника, но и преданность искусству. Ильяс Заманбек — один из тех артистов, кто живет танцем. В свои 19 лет он уже исполнил яркие и запоминающиеся партии на сцене Государственного академического театра танца имени Булата Аюханова. В интервью Ильяс рассказал о своем пути, уже исполненных знаковых ролях и мечтах, которые еще предстоит воплотить в жизнь.

Ильяс Заманбек — ведущий солист Государственного академического театра танца имени Булата Аюханова. Он окончил Алматинское хореографическое училище имени А.В. Селезнева в 2023 году, а в театре работает второй сезон. За это время Ильяс исполнил множество интересных партий, среди которых Меркуцио в балете «Ромео и Джульетта» (постановка Булата Аюханова), Клавдий в «Гамлет — принц датский» (постановка Булата Аюханова), Золотой раб в «Шахерезаде», Толеген в балете «Гак-ку. Клич Лебедя» (постановка Булата Аюханова), Джучи в балете «Аксак Кулан» (постановка Майлена Тлеубаева).

— Ильяс, расскажите, что привело вас в мир балета. Почему вы выбрали именно этот вид искусства?

— В мир балета я попал неслучайно. В детстве мама отвела меня на спектакль «Щелкунчик», и этот вечер мне запомнился надолго. Я был в восторге от игры артистов и их невероятного мастерства. Именно тогда твердо решил, что тоже хочу танцевать. Вернувшись домой, сказал родителям, что хочу заниматься балетом. Узнав о существовании профессионального хореографического училища в Алматы, я сразу начал готовиться к поступлению и успешно прошел конкурс. Балет для меня — это нечто особенное. В нем есть своя магия, своя изюминка, которая каждый раз захватывает и вдохновляет.

— Вы уже исполнили несколько значимых партий. Какая из них стала для вас самой сложной технически или эмоционально?

— Наверное, одной из самых сложных партий для меня стала партия Клавдии в балете «Гамлет». Это была моя первая ведущая роль в театре, которую я исполнил в свой первый сезон работы. В силу моего возраста и недостатка сценического опыта мне было непросто передать характер и манеру исполнения этого героя. Сложности возникали именно в эмоциональном плане. Нужно было глубоко прочувствовать образ и донести его до зрителя. Однако с физической точки зрения партия не была очень сложной, техническая часть давалась мне довольно легко.

— В театре Булата Аюханова особый стиль и традиции. Как вы адаптировались к работе в труппе?

— В нашем театре замечательный дружелюбный коллектив, который всегда готов поддержать молодых артистов и помочь им расти профессионально. Первые полгода я привыкал к новому окружению, постепенно вливался в работу и знакомился с коллегами. Меня приняли очень тепло, и мы быстро нашли общий язык, что значительно облегчило процесс адаптации и дало возможность с уверенностью двигаться дальше и набираться опыта.

— Какие качества, на ваш взгляд, необходимы артисту балета, чтобы достичь успеха?

— На мой взгляд, артисту балета необходимы дисциплина и трудолюбие. Без них невозможно совершенствоваться и расти. Немаловажны сила духа и эмоциональная стабильность, ведь балет — это не только физика, нагрузка, но и эмоциональное испытание. Кроме того, нужны артистизм и способность чувствовать музыку, потому что балет — это не просто техника, а искусство, где каждый образ нужно проживать на сцене. И, конечно, любовь к своему делу, ведь именно она помогает преодолевать трудности и двигаться вперед.

— Как вы поддерживаете физическую и эмоциональную форму, учитывая высокие нагрузки балетного искусства?

— Чтобы поддерживать физическую форму, я ежедневно хожу на урок классического танца, который помогает держать мышцы в тонусе. Также я уделяю внимание растяжке и укреплению мышц, чтобы избежать травм и сохранить здоровье на протяжении всей карьеры. В эмоциональном плане стараюсь быстро отпускать сценический образ и оставлять его только на сцене. Если партия связана с негативными эмоциями, важно не зацикливаться на этом и переключаться на что-то позитивное. Я стараюсь расслаблять тело, давать отдых разуму и сохранять внутреннее равновесие, чтобы всегда оставаться в гармонии.

— Какие у вас планы на будущее? Возможно, мечтаете попробовать себя в постановке или преподавании?

— Я пока не задумывался о преподавании или создании собственных постановок. Считаю, что к этому нужно прийти со временем, опытом и возрастом. Пока мне хочется еще танцевать, наслаждаться творчеством Булата Газизовича Аюханова и принимать участие в замечательных спектаклях и постановках.

Ильяс также поделился с нами, что в будущем ему хотелось бы исполнить такие партии, как: «Хозе» в балете «Кармен-сюита», Мефистофель в балете «Мефистофель. Наваждение Фауста», а также Манкурта в балете «Манкурт». Пожелаем же молодому и подающему надежды артисту не только станцевать партию мечты, но и стать всемирно изустным мэтром балета.

Фотографии пресс-службы Государственного академического театра танца
====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

[Елена С.]

Номер ссылки| 2025021901
Тема| Балет, театр «Кремлевский балет», Персоналии, Эдгар Егиазарян
Автор| Екатерина Борновицкая
Заголовок| Эдгар Егиазарян
Где опубликовано| © интернет-версия журнал "Балет"
Дата публикации| 2025-02-19
Ссылка| https://balletmagazine.ru/post/edgar-egiazaryan
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Ведущий солист театра «Кремлевский балет» Эдгар Егиазарян стал настоящим открытием нынешнего сезона, исполнив партию Абдерахмана в новой постановке «Раймонды». За плечами молодого артиста, четыре года назад окончившего МГАХ, — уже не одна ведущая роль: Злой гений и принц Зигфрид, Феб и Солор. Мы поговорили с Эдгаром о стремительном успехе, работе над образами, тонкостях перевоплощения, партнерстве на сцене и творческих планах на ближайшее будущее.


Фото: Полина Дияншина

Прошлый год для тебя выдался плодотворным: много новых ролей, несколько ведущих партий, твоя работа была высоко оценена критиками. Как ты себя ощущаешь? Как воспринимаешь стремительно пришедший успех?

За прошедший год многое произошло — новые роли и новые спектакли, — но я не могу сказать, что ощущаю какую-то высоту или превозношу себя как опытного артиста. Безусловно, то, что я сделал, это хорошо, но улучшать можно все и всегда, поэтому я работаю дальше. Опыта стало побольше — сценического, дуэтного, личного, — потому что были разные амплуа, типажи, персонажи, но я стараюсь об этом сильно не думать.

Ты редкий пример артиста, у которого одинаково органично получаются и острохарактерные партии, и канонические принцы. Как ты переключаешься? Что помогает тебе гармонично существовать в полярных образах?

Честно сказать, типаж принца дается сложнее, чем все остальное. Например, если говорить о Злом гении (это моя первая ведущая партия), то мне было очень легко открыть в себе такого темного, отрицательного персонажа. С Абдерахманом не все складывалось так просто, но было приятно входить в этот образ, работая над пониманием персонажа. Какой он: злой или незлой? Любящий, властный… То, что ты проще воспринимаешь, легче обыграть. Типаж принца для меня сложнее, потому что надо более спокойным быть, а я не могу на сцене быть спокойным.

В тебе где-то спрятано темное начало?

Скорее не темное начало, а горячее: темпераментное и вспыльчивое.

Да, я слышала, что ты очень темпераментный человек. Иногда это может мешать в работе. Как ты справляешься с эмоциями? Как учишься ими управлять?

Вначале было сложно, потому что у меня будто мозги выключались на сцене. Я полностью растворялся в образе, из-за этого становилось труднее выполнять технические элементы. Я начинал сильно зацикливаться эмоционально: не в плохую сторону, только на персонаже. Например, в той же «Раймонде» я легко могу включиться в подобное состояние, и эмоция может идти впереди меня, но надо уметь тормозить, потому что нужно показать не только вспыльчивость, но и стать, твердость характера. Это величественный, влиятельный человек — он не станет просто так туда-сюда бегать и эмоционировать на всех. Мы с педагогом прорабатываем эти моменты, он изначально и обратил на них внимание.

А в жизни я не такой вспыльчивый. Не знаю, почему и откуда это проявляется на сцене. Думаю, со временем этим можно научиться управлять, но я пока не до конца справляюсь.

Твой Абдерахман получил хорошие отзывы. Как думаешь, почему он вышел настолько выразительным? Ты уже упомянул, что определенные сложности все-таки были.

Я никогда в жизни не просил ни одной партии, но, когда нам сказали, что поставят «Раймонду», я пришел к педагогу и сказал, что очень хочу станцевать Абдерахмана. До этого я смотрел записи с Гедиминасом Тарандой в роли Абдерахмана, это что-то невероятное! Естественно, я понимал, что не смогу станцевать, как он, но, выхватывая какие-то детали из этого образа, прорабатывая партию с Андрисом Марисовичем Лиепой и с Валерием Викторовичем Рыжовым, моим педагогом, мы нашли смысловую нить, за которой в течение всего спектакля у меня получается следовать.

Для меня было сложно найти эмоциональное оправдание тому, что Абдерахман сначала пытался подойти к Раймонде с более романтичной стороны, ведь ему присуще властвовать и брать то, что нравится. Я для себя проводил аналогию со взбудораженным хищником, который пытается успокоить жертву. А с другой стороны, он понимает, что она благородная дама, и следует обращаться с ней соответственно статусу. Через размышления я проживал нарастание эмоционального состояния Абдерахмана, как оно будет проявляться по ходу действия.

Андрис Марисович объяснял нам, что сон в первом акте мог быть обоюдным видением Раймонды и Абдерахмана. Поэтому во втором акте, когда он врывается во дворец, он застывает, понимая, что это девушка из его грез.

Самый сильный момент — похищение Раймонды. Я из Армении, и мне часто рассказывали, как в старые времена перед свадьбой похищали невесту. Я решил углубиться в суть вопроса: расспрашивал, читал, как все происходило, думал, какие в этот момент могут посещать мысли, какое бывает состояние. Вот так, думая, пересматривая, читая, я пытался оправдать все действия моего героя, чтобы не только я сам, но и зритель тоже понимал, что я показываю.

Это достаточно глубокая, я бы сказала, психологическая проработка роли. Ты ко всем партиям так подходишь?

Стараюсь. Я танцевал партию Феба в балете «Эсмеральда». Это абсолютно чуждый мне персонаж: самолюбивый, не знающий искренних чувств, а только использующий любовь как инструмент для завоевания женщин. Когда Эсмеральда в самом конце спектакля смотрит на Феба в надежде найти хоть какую-то поддержку перед казнью, Феб просто отворачивается от нее. А я не понимал, как так можно! Очень сложно это проработать и найти в себе оправдание такого поступка. Как можно на нее не смотреть, я же знаю, что она там!

Вот так я думаю над каждым персонажем, стараясь оправдывать его действия, особенно в мизансценах.

Насколько я знаю, ты готовил и Жана де Бриена. Каким ты его задумывал? На мой взгляд, это достаточно скучный персонаж. Удалось что-то найти в нем, чтобы сделать более интересным и привлекательным?

Пока я не сильно прорабатывал де Бриена. В этом персонаже, действительно, нет никакой черты, которая бы схватила зрителя за душу. Я понимаю, о чем ты говоришь: Абдерахман — горячий, огненный, живой, а де Бриен в противопоставление ему выглядит скучно. Мне кажется, его нужно делать хореографией и пластикой. К тому же это романтическая история, и обязательно нужно показать его чувства к Раймонде, создать волшебное ощущение любви между двумя персонажами. И тогда при появлении Абдерахмана зритель подумает: «А как же де Бриен?!» Если выстроить такую любовную историю, сложный любовный треугольник, то персонаж будет в нем смотреться намного интереснее. Но это надо еще суметь сделать.

Эдгар, ты срастаешься с персонажами эмоционально, насколько глубоко они в тебя проникают? Как много тебя в твоих персонажах, остается ли что-то от них в тебе после спектакля?

Пока что это одна из моих главных ошибок — меня в персонажах слишком много. Бывают моменты в спектаклях, когда вылезает мое нутро, а нужно полностью соединять себя с персонажем, отделить собственное мнение, потому что это не я на сцене, а персонаж.

А по поводу влияния ролей на мою личность… Скорее нет. После премьеры «Раймонды» я уже через неделю танцевал «Лебединое озеро», перестроился очень быстро. После Абдерахмана могу вспылить, но редко. В целом персонаж во мне не остается надолго, я переключаюсь.

Как ты готовишься к спектаклю, как выстраиваешь роль? У тебя есть какая-то схема?

Первым делом начинаю с просмотра записей: ищу разных исполнителей, чтобы лучше понять, что это за персонаж. Потом учу хореографию. На репетициях с педагогом мы прорабатываем текст, смотрим, как правильно все сделать, чтобы добиться чистоты в технике. Подбираем пластику, потому что все персонажи по пластике отличаются друг от друга: тот же де Бриен абсолютно по-другому ощущается, нежели Зигфрид. Затем, как я уже говорил, начинаются поиски себя в персонаже. И в итоге я прогоняю все много-много раз, чтобы на спектакле тело выдерживало нагрузку и эмоциональное состояние не проседало из-за физической усталости. Мы прогоняем самые сложные технические моменты, всю дуэтную историю с балериной: поддержки, танец, душевные состояния — это очень важно. Партнер не должен быть просто помощником. Педагог мне постоянно говорит: «Ты тоже персонаж во время адажио и во время поддержек». Вот таким образом каждая роль прорабатывается как минимум в течение месяца.

Эдгар, как ты попал в балет: мечтал о нем или так сложились обстоятельства?

Я до 11 лет жил в Армении. В моем детстве по телевизору часто показывали советские фильмы и балеты. Как-то под Новый год я увидел балет «Спартак» в исполнении Васильева, Лиепы, Максимовой и Тимофеевой. Встал перед экраном и попытался что-то повторить. Родители подумали, почему бы не отдать ребенка на танцы, если он хочет. А я сильно хотел! В нашем районе была маленькая школа искусств, там я и начал заниматься балетом. Через какое-то время педагог сказал, что у меня есть данные. Я поступил в государственное училище, где проучился три года. Там мне посоветовали поехать в Россию, потому что здесь лучший балет в мире, и если ты хочешь стать кем-то в профессии, то никуда больше ехать не надо. Когда мама поняла, что все серьезно, она стала против — у нее музыкальное образование, и она знала, что у людей в искусстве не самая легкая жизнь, но в итоге я ее уговорил, и она вместе со мной приехала в Москву. Дальше вся семья подтянулась.

Ты сразу поступил?

Да. Я приехал в середине года, и мне сказали, что я могу остаться. Но это был слишком отчаянный шаг, в итоге мы вернулись в Армению, а в начале следующего года я приехал и уже поступил в четвертый класс МГАХ.

Расскажи, пожалуйста, о своих педагогах.

Моим первым педагогом была Ольга Игоревна Попова — очень хороший человек и прекрасный педагог. Я ее сильно люблю и уважаю. На первом курсе наш класс взял Валерий Викторович Анисимов, благодаря ему я попал в «Кремлевский балет». Где-то на третьем курсе он сказал, что в «Кремле» будут рады меня видеть. Я был счастлив! Когда я выпускался, то был недостаточно силен и технически развит. Даже и подумать не мог, что буду танцевать ведущие партии.

Народно-сценический танец у нас преподавала Светлана Анатольевна Иванова. Она тоже очень много со мной работала, возможно, видела во мне потенциал и пыталась как-то подтолкнуть вперед. Я за это ей очень благодарен.

Получается, когда ты выпускался, то и не предполагал, что у тебя будет такая стремительная карьера?

Когда выпускался, то даже подумать не мог о том, что буду все это танцевать. Да, я очень сильно хотел, но даже не мог мечтать, что это сбудется. Уже в театре мы с Валерием Викторовичем Рыжовым начали что-то репетировать. Тогда еще был жив Андрей Борисович Петров, он и дал мне толчок вперед — сказал подготовить Злого гения. На тот момент Злого гения танцевали Миша Евгенов и Амир Салимов. Два танцовщика на такую партию — это очень мало, если что-то случится, больше никого нет на подстраховке. Мы подготовили, показали Андрею Борисовичу. Он посмотрел и сказал что-то вроде: «Следующим шагом будет Принц».

Я станцевал Гения, и после потихоньку мы начали работать над другими партиями, параллельно выворачивая мои ноги. Это был сложный путь, он и сейчас сложный. И дальше будет сложно. Процесс не останавливается никогда.

Не секрет, что вы с Алиной Липчук пара не только на сцене, но и в жизни. Расскажи, пожалуйста, об особенностях партнерства с близким человеком. Наверняка есть отличия, возможно, возникают какие-то сложности. С чем вы сталкиваетесь в процессе совместной работы?

Больше всего происшествий, конечно, случается на репетициях. То, что ты не осмелишься сказать просто коллеге, ты можешь сказать близкому человеку — выразить все свои недовольства, пожелания в разных формах. Бывают моменты, когда мы спорим и ругаемся на репетициях, но все рабочие разногласия остаются в зале. Мы с Алиной начали встречаться после того, как встали в пару в «Продавце игрушек».

Танцевать на сцене с близким человеком душевно приятнее, но технически сложнее. Я переживаю, чтобы все правильно сделать, чтобы никаких курьезов не было, потому что после таких курьезов дома ждет серьезный разговор.

Но эмоционально мне легче, потому что я знаю, какой подход применить. И дома мы обговариваем многие смысловые моменты, поэтому спектакль получается более осознанный.

А случаются моменты профессиональной конкуренции? Или даже профессиональной ревности?

Профессиональная конкуренция между танцовщиками есть везде и всегда, и мы не исключение. Но она никогда не выливается в негативное отношение друг к другу и в негативные поступки.

У нас в целом достаточно дружный коллектив, семейный, я бы сказал. Но и в семье ведь тоже случаются конфликты. Все хорошо у нас с этим.

Расскажи, пожалуйста, про свои увлечения вне балета. Насколько я знаю, ты рисуешь.

Бывает. Мой брат — архитектор, он в детстве ходил в ту же самую школу искусств на рисование. Наблюдая за ним, я тоже немного рисовал. И до сих пор иногда немного рисую для ментального расслабления. Но я не могу сказать, что у меня хорошо получается, я это делаю просто для себя.

Ты сейчас что-нибудь рисуешь?

Сейчас нет, у меня времени на это нет, время есть только на балет.

Как ты предпочитаешь отдыхать? Снимать интенсивное физическое и эмоциональное напряжение?

Мне помогают массажи. Это всем артистам нужно для расслабления и восстановления после спектаклей и сложных рабочих дней. Массаж не только восстанавливает мышцы и тело, но и голову. Нравятся разные спа-процедуры, например баня. В целом я не очень требователен к отдыху, могу просто лежать, ничего не делая. Алина, наоборот, активная. А я предпочитаю «тюлень-отдых». Интересно, конечно, бывает погулять по необычным местам, мероприятия разные посетить. Но идеальный отдых для меня — просто отдыхать.

Что, на твой взгляд, самое прекрасное в профессии артиста балета?

Я много об этом думал, но конкретного ответа до сих пор не нашел. На сцене я испытываю состояние, которое больше нигде не могу испытать. Перевоплощение в абсолютно другой образ, когда ты уже не ты, а другой человек: в иной эпохе, в ином времени... Это так захватывает. Момент перевоплощения всегда вызывал во мне особый трепет, видимо, поэтому в нашей сложной профессии я никогда не унываю. И не угасаю.

А самое сложное, страшное и мучительное?

Ежедневная боль. Иногда утром невозможно встать с кровати. Проснулся живой, уже хорошо. В балете говорят: «Проснулся и ничего не болит, значит, ты умер». Сложно бывает каждый день заставлять себя заниматься, потому что иногда хочется отдохнуть: нет настроения, нет сил, состояние не рабочее, но ты обязан работать. И вопрос даже не в мотивации, а в дисциплине. Надо заставить себя — не найти в себе желание сделать, а просто сделать и все. Это бывает сложно.

Год только начался, поэтому мы можем смело говорить о планах. Какие профессиональные цели ты ставишь себе на этот год?

Могу сказать по поводу партий, которые хотел бы исполнить. Это Тореадор в балете «Дон Кихот», надеюсь, мне дадут эту роль. Вишенка в «Чиполлино» — абсолютно другой персонаж, интересно в него перевоплотиться. Скоро повторю Солора. Долгожданная партия, к которой я долго не мог вернуться из-за травмы. И вообще, все, что я уже станцевал, было бы хорошо повторить.

Помимо этого, мне было бы интересно выступить в качестве приглашенного солиста на гала-концертах, может быть, в целом спектакле. Это такое ответвление от родного театра, которое тоже дает определенный опыт, пока я не знаю, как буду себя в нем ощущать. Но попробовать интересно. Вот такие профессиональные цели.

Фото: Полина Дияншина

=======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

[Елена С.]

Номер ссылки| 2025022001
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Данила Клименко, Максим Иванов
Автор| Александр Максов
Заголовок| Штурмуя классику
Где опубликовано| © Музыкальные сезоны
Дата публикации| 2025-02-19
Ссылка| https://musicseasons.org/shturmuya-klassiku/
Аннотация| Дебюты

Ускорившееся время и смятение наших дней породило новые реалии подготовки артистов Большого театра к дебютным выступлениям. Сегодня афиша изумляет своей насыщенностью. Пугающая напряженность производственного процесса заставляет заботится о кадрах. Художественный руководитель балета Махар Вазиев — сторонник резкой активизации созидательных сил молодых танцовщиков, готовый предоставить им шанс заявить о себе. М.Вазиев пристально вглядывается в свое балетное воинство, выискивая таланты. Он готов решительно и смело предоставить молодым артистам возможность творческой реализации, подобно тому, как учат неумех плавать, бросая в воду. При невероятной концентрации спектаклей, именно «проверка боем» позволяет рельефно выявить наиболее подготовленных в физическом и психологическом плане исполнителей и опереться на них, выстраивая мозаику людей одаренных. Сумеешь мобилизовать все ресурсы организма, проявить характер, значит докажешь, что поверили в тебя не зря. Если прежде артисты постепенно «дозревали» в недрах кордебалета, или совершали последовательное восхождение от партий небольших к ролям более ответственным, то сейчас испытывающим творческий жар танцовщикам легче выдвинуться вперед, пробуя завоевать значительные позиции в балетной иерархии. Собственно, и в этом заключается одна из сторон деятельности худрука, который своими методами восполняет нещадно растрачиваемую энергию коллектива, и проявляет внимание к каждой творческой единице. Так открывают и растят будущих звезд?!


Данила Клименко — Джеймс. Фото. М. Логвинова

Старинная «Сильфида», показанная ныне блоком четырех спектаклей, вывела на сцену двух новичков в партии Джеймса. Выпускник Московской государственной академии хореографии Данила Клименко служит в Большом театре с 2023 года. Максим Иванов – окончивший МГАХ годом позже – в главном театре страны и того меньше. Хореография «Сильфиды» избавляет танцовщиков от необходимости демонстрировать технику дуэтного танца, поэтому исполнители могут сосредоточиться на сложной хореографии, не упуская при этом актерских задач.

Примечательно, что обоих дебютантов готовили к воплощению образа Джеймса умные педагоги-репетиторы, в прошлом успешные исполнители главной мужской партии спектакля. Андрей Болотин детально проработал с Д. Клименко структуру роли. В результате хореографические формы танца, основанного на мелкой технике, сплавились с музыкой и драматургией образа. Клименко оказался внимательным учеником. Хореографические brio не стали для него препятствием, а сверкнули четкими заносками, вращениями, динамичными tours, практически исправно сохраняющими V позицию. Спектакль показал неплохие возможности танцовщика, не имеющего пока достаточного сценического опыта. В сфере танцевально-пластической выразительности Клименко предстал весьма органичным. Его интерпретация жеста порой окрашивалась излишней старательностью, но было очевидно: истолковывая музыкальное движение, артист личностно осмысливает его содержательность.

Неплохая техническая оснащенность Максима Иванова стала главным побудительным мотивом поручения ему партии Джеймса. Интеллектуальный Ян Годовский приложил всю настойчивость к тому, чтобы по крупицам собрать ныне возможные для танцовщика краски интерпретации образа. С техническими задачами партии обладающий высоким ростом и статной фигурой, артист как раз неплохо справляется. Его танец масштабен, длинные ноги усердно и уверенно бьют рas assemblé battu, раскрываются в jeté, «стригут» воздух entrechat six. Правда для хореографии Августа Бурнонвиля танцовщику требуются «поющие» стопы, перед Ивановым же стояла цель показать наработанную грамотность владения низом ног. Отчасти природные издержки были компенсированы.

Если Клименко нарисовал портрет Джеймса более поэтичного, то поверить в то, что сумрачного Джеймса-Иванова волнует безмятежное дыхание природы несколько затруднительно. Осталось загадкой, насколько брутальному крестьянину близки красота и величие романтического чувства. Скорее он лишь увлечен непостижимым существом, не вписывающимся в мир его грубовато-земных чувствований. Забавно — проснувшись от легкого поцелуя Сильфиды в левую щеку, Джеймс подносит руку к правой. Хотелось бы, чтобы формальность выученного жеста объяснялась только дебютным волнением, а не пренебрежением к причинно-следственным связям в поведении персонажа.


Максим Иванов — Джеймс. Фото Е. Фетисовой

Похоже, жарко отплясывая веселый Рил с мужланистыми и разгоряченными шотландским элем гостями помолвки, этот Джеймс ощущает себя гораздо естественнее, чем на лесной полянке с легкокрылыми сказочными существами-недотрогами. Лишь однажды красивое рort de bras, блеснувшее выразительностью позы, показало потенциальную способность артиста овладеть пластичностью корпуса в танце.

Как и все в этом мире, стремительная закалка сценой артистов, пока лишь завоевывающих право называться художниками, имеет двойственную оценку. С одной стороны, можно досадовать, что появление на сцене в серьезных партиях балерин и танцовщиков, не накопивших нужного опыта, не гарантирует спектакля-события искусства. С другой – именно сцена позволяет молодежи полнее овладеть палитрой выразительных средств и открыть зрителям новые имена артистов.

Фото предоставлены пресс-службой Большого театра.

[Елена С.]

Номер ссылки| 2025022002
Тема| Балет, Новосибирский театр оперы и балета, Персоналии, Николай Мальцев
Автор| Анастасия Новоселова
Заголовок| «Я не разделяю жизнь и балет»: премьер НОВАТа Николай Мальцев о карьере артиста
Где опубликовано| © НДН.инфо
Дата публикации| 2025-02-20
Ссылка| https://ndn.info/novosti/432258-ya-ne-razdelyayu-zhizn-i-balet-premer-novata-nikolaj-malczev-o-karere-artista/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Премьер Новосибирского театра оперы и балета Николай Мальцев поделился секретами любви к профессии и рассказал, как проходит подготовка к спектаклям. Подробнее в материале журналиста НДН.инфо.


Фото предоставлено Николаем Мальцевым, НОВАТом

Начиная рассказ о карьере артиста, Николай заявил, что балет для него – это не просто работа, а часть жизни.

«Я не разделяю жизнь и балет, – говорит Николай. – Я стараюсь насладиться каждой секундой своей профессии. Делаю то, что мне нравится. И в жизни также».

Путь артиста балета начинается с детства

Чтобы стать артистом балета, нужно пройти обучение в хореографическом училище. Набор детей там ведется с 11 лет, принимают только с хорошими физическими данными и духовно подготовленных. В числе таких оказался Николай.

История знакомства с балетом у героя интервью очень необычная. С детства Николай занимался рукопашным боем, делал успехи и уже готовился к серьёзным соревнованиям. Но все изменилось в один день.

«Раньше никогда не обращал внимание на соседний зал, где проходят танцы, но однажды выхожу с тренировки и слышу музыку. Увидел, как занимаются ребята и сказал родителям, которые меня встречали с занятия: «Хочу сюда», — поделился своей историей Николай Мальцев.

После этого на рукопашный бой будущий артист балета уже не вернулся. С того дня Николай стал участником танцевального ансамбля «Бриз». Герою интервью тогда было 9 лет.

«Я в группе был единственный мальчик, это не помешало мне влиться в коллектив и подружиться с участницами. Мы выступали на концертах в детском центре «Флагман» и на площадках города, танцевали народные танцы. Однажды педагог Яна Александровна Быкова мне сказала: «Ты талантливый мальчик, почему бы тебе не развиваться на профессиональном уровне». После этого я начал готовиться к поступлению в Новосибирское хореографическое училище», — рассказывает Николай.

Природные данные и талант позволили танцовщику поступить в учебное заведение без вступительных экзаменов, а позже стать лучшим в классе.

«Я тогда даже не знал, что пришел балетом заниматься. Думал, что там будет брейк-данс или что-то подобное. Прихожу на первый урок, а меня ставят к станку. Я тогда удивился, но учиться остался. А уже через неделю встал за центральный станок», — рассказывает Николай.

В хореографическом классе свои правила, кто показывает лучшие результаты, того ставят ближе к центру, — уточняет артист.

Карьера артиста НОВАТа

Обучение в хореографическом училище длится 8 лет. Сначала дети получают среднее образование, как и в обычной школе с 5 по 9 класс, затем — три курса уже по своей специализации.

«Я когда учился на третьем курсе, руководство театра предложило мне контракт на полставки. Я танцевал две партии и у меня уже шел профессиональный стаж», — говорит Николай.

Работа артиста, как и любая другая, рано или поздно превращается в рутину. Остаться на этом пути поможет только одно – любовь к своему делу!

«Чем старше я становлюсь, тем больше кайфую от работы, которую я проделываю. Каждый день совершенствуюсь в мелочах. Сейчас, выходя на сцену, я просто наслаждаюсь процессом», — поделился впечатлением танцовщик.

По мнению Николая, работать нужно по призванию, а найти его поможет сердце.

«Если ты чувствуешь, что это твое, но кто-то хочет забрать – не отдавай», — советует артист.

Сейчас герою интервью 29 лет. Он на пике своей карьеры: является премьером театра и на сцене исполняет более 20 ведущих и сольных партий, при этом, по словам нашего героя, каждая из них – любимая.

«Как я могу разделять роли на любимые и нелюбимые? Я взрослый человек. Я сделал выбор, что буду работать здесь артистом балета. Как я могу отказаться от какой-то роли? Все, что я танцую, — это по душе», – уверяет артист.

Эмоции переполняют перед каждым выходом на сцену, уточняет Николай и рассказывает историю.

«Однажды я играл Спартака, это был второй спектакль в этой роли. На мне — цепи. Я смотрю в зеркало перед выходом, испытываю легкое волнение, уже хочу выскочить на сцену, и от этого — мурашки по всему телу. Это были невероятные эмоции. Ради этого стоит жить».

Пенсия у артистов балета наступает в 35 лет. Потом можно отправляться на заслуженный отдых, либо продолжить карьеру в театре по своему усмотрению. Будучи большим фанатом своей профессии, Николай планирует выбрать второй путь.

«Я всегда хотел работать в НОВАТе. Мне очень нравится этот театр», — аргументирует свое решение танцовщик. – В целом мне интересно работать и развиваться всю жизнь. Что из этого выйдет – посмотрим».

За кулисами театра

Подготовка к спектаклю начинается за несколько дней до него. А к новой постановке – за несколько месяцев, рассказывает Николай Мальцев. У каждого актера – свое расписание. Чтобы оставаться в форме, он каждый день посещает обязательный урок классического танца.

«Артист балета всегда готов к выступлению, потому что все движения мы знаем, они одинаковые, они отработаны. Меняется только последовательность, которую задает постановщик», — рассказывает Николай.

Работа над спектаклем – это большой труд, в ней задействованы не только артисты балета, но и другие сотрудники театра: музыканты, костюмеры, работники сцены. Все вместе они создают красивое представление, которое потом увидит зритель.

«Парень в бронированном костюме»
Несмотря на активную актерскую деятельность, герой интервью уделяет большое внимание здоровому образу жизни. Важно внедрять полезные привычки, считает Николай, они делают нас лучше.

«Ты должен прожить свою жизнь достойно, на 100%. При этом не важно, какая у тебя профессия. Поэтому сейчас я активно занимаюсь работой над собой. Отказался от всех вредных привычек, занимаюсь боксом и плаванием», — делится Николай.

Жизненные сложности закаляют характер и делают нас сильнее. Так и непростой жизненный путь Николая заставил его взглянуть на мир другими глазами.

«Однажды на уроке я порвал крестообразные связки. Они держат коленные суставы, когда ты делаешь «плие». Мне пришлось восстанавливаться полтора года. Заново учился ходить, сгибать ногу. Было страшно, но я знаю, почему это произошло. Это был жизненный урок и больше таких ошибок я не допускаю», — подчеркивает Николай.

«Правильный путь для каждого свой, – считает Николай Мальцев. – Чтобы его найти, нужно понять собственные желания и избавиться от негативных мыслей. Они есть у всех, поэтому важно найти их источник и искоренить его».

«Я понял, что нет плохого и хорошего. Ты сам выбираешь, как жить и что считать приемлемым», — говорит Николай.

«Главный секрет успеха – это найти дело по душе», ‒ считает артист.

«Если у тебя долгое время не получается, не стоит расстраиваться. Просто делай то, что умеешь. Все приходит в свое время, просто нужно найти то, от чего ты кайфуешь. Возможно, придется поменять подход к работе», — говорит артист балета.

На вопрос, какой совет можно дать молодежи, Николай ответил:

«Нужно все время изучать себя и узнавать, что действительно нравится. В первую очередь не стоит обманывать себя, тогда не придется обманывать других. Еще важно знать во всем меру, стараться сохранить в себе простоту, добропорядочность, скромность и чувство справедливости».

Фото предоставлены Николаем Мальцевым/НОВАТом
=====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

[Елена С.]

Номер ссылки| 2025022003
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Денис Родькин
Автор| Феликс Грозданов
Заголовок| Премьер Большого театра Денис Родькин: "Балетные ребята все немного "замаринованные"
Где опубликовано| © Клео.ру
Дата публикации| 2025-02-20
Ссылка| https://www.kleo.ru/items/art/premer-baleta-bolshogo-teatra-denis-rodkin-baletnye-rebjata-vse-nemnogo-zamarinovannye.shtml
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Фото: Феликс Грозданов / Клео.ру

Денис Родькин – о закулисье одной из самых сложны и красивых профессий.

Вечер балета "Денис Родькин и друзья" продолжил XVIII Зимний фестиваль искусств в Сочи. На сцене – премьер Большого театра, один из самых известных и красивых танцоров современности Денис Родькин, а также его коллеги. С виртуозом релеве, жете, турне, фуэте и батманов встретился корреспондент Клео.ру.

– Денис, обычно советские мальчики мечтали о героических профессиях – летчика, космонавта, моряка на подлодке. А вы стали заниматься балетом. Неужели сами захотели?

– Это был не мой осознанный выбор – в балет меня привела мама, работавшая учителем французского языка. Но потом я стал фанатом этого дела. Конечно, случались моменты, когда было очень сложно и я даже хотел уйти. Но потом, оглянувшись назад, думал: "Зачем же тогда я столько занимался, мучился, чтоб взять все и бросить?"

– В этом году у вас юбилей – в июле отметите 35-летие. Думали уже как?

– Сейчас я работаю над полномасштабным балетом про Сергея Павловича Дягилева (организатор "Русских сезонов" и труппы "Русский балет Дягилева", пропагандист русского искусства в Европе и США. – Прим. ред.) – надеюсь, получится создать что-то новое. Новый сюжет, новая хореография – все это очень важно. Что же касается 35-летия, то это последний и самый важный юбилей для танцовщика, потому что в 40 лет, к сожалению, он так же уже не сможет прыгать, уже не будет такой физики тела. Поэтому считаю, что 35-летие надо обязательно как-то красиво отметить.

– Уже размышляли, чем займетесь на пенсии? Ведь артисты балета официально выходят на заслуженный отдых после 20 лет работы, а вы на сцене Большого театра танцуете уже почти 16.

– Мы живем в настолько стремительно меняющемся мире, что загадывать вперед на пять лет нет смысла. Я строю планы только на ближайшие полгода. Знаю точно, что никакую свою школу или студию открывать не буду, потому что убежден: профессиональное балетное образование должны давать проверенные школы с историей.

– Вы сами учились в классе легендарного Николая Цискаридзе. Поддерживаете ли сегодня с ним отношения, хотя он уже не служит в Большом театре?

– Конечно. Николай Максимович – мой первый педагог в Большом театре. Он заложил во мне очень правильный фундамент, основу любого дома. А недавно приходил на мой концерт в Кремль – говорит, что ему очень понравилось.

– Не могу не задать бытовой вопрос. Кажется, что с тех пор, как выпустились из хореографическое училища, вы внешне совсем не изменились. Как удается не стареть?

– Балетные ребята все немного "замаринованные" – стареют они поздно. Плюс генетика – спасибо маме с папой. Ведь у меня такая профессия, где можно быть очень работоспособным, но если Бог не дал тебе балетных данных (речь про пропорциональность телосложения, правильную форму осанку, гибкость, выворотность, шаг и подъем. – Прим. ред.), то хоть ты что сделай, а ничего не получится.

– Есть миф, что артисты балета всю жизнь сидят на диетах. Это так?

– У меня диеты никакой нет. Просто надо не пить алкоголь, не курить сигареты, есть меньше жареного и дозировать сладкое. Например, чай точно лучше пить без сахара. А еще я всегда смотрю написанные на этикетке состав – там четко написано, что хорошо, а что плохо.

[Елена С.]

Номер ссылки| 2025022004
Тема| Балет, БТ, "Иван Грозный", Персоналии, Юрий Григорович
Автор| корр.
Заголовок| Юрий Григорович оценил сценическую жизнь своего балета "Иван Грозный"
Постановке 20 февраля исполняется 50 лет
Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2025-02-20
Ссылка| https://tass.ru/kultura/23192491
Аннотация|

Постановке 20 февраля исполняется 50 лет

МОСКВА, 20 февраля. /ТАСС/. Балет Юрия Григоровича "Иван Грозный" на музыку Сергея Прокофьева отмечает свое 50-летие. Мировая премьера балета состоялась 20 февраля 1975 года в Государственном академическом Большом театре (ГАБТ), в репертуаре которого спектакль значится до сих пор. Полувековую сценическую жизнь своего балета "Иван Грозный" Григорович оценил в комментарии корреспонденту ТАСС.

"В сценической истории нашего "Ивана Грозного" меня по-прежнему волнует музыка Сергея Прокофьева. В ней все лирическое содержание балета, из его музыкальных тем рождались сценический образы и сам танец. Сомнения в том, может ли затанцевать Иван на сцене, я сразу отметал. Моей верой в саму возможность такого спектакля жили все первые исполнители и те, кто входил в спектакль позже. Можно сказать, нас вела тогда неколебимая вера в силу музыки, ее эпической мощи и особой, набатной правды. Очень рад, что нашу веру разделяют сегодня новые, молодые исполнители балета. Они входят в него свободно, без внутренних сомнений, с огромным желанием освоить сложный танцевальный и образный язык "Ивана Грозного". Молодцы, держите, держите планку! Всем успеха и вдохновения!" - пожелал Григорович.

О балете-юбиляре

Мировая премьера балета Юрия Григоровича "Иван Грозный" на музыку Сергея Прокофьева, состоявшаяся в Большом театре 20 февраля 1975 года, вызвала огромный резонанс. Впервые на балетную сцену всходил герой, историческая роль которого вызывала полемику. По прошествии полувека дискуссии об Иване IV не утихли. Постановщик, как бы предчувствуя споры вокруг балетного Ивана Грозного, неоднократного предупреждал - балет не учебник и не историческое исследование, это образное отражение событий и самого феномена царя - жестокого "собирателя Руси". В спектакле возникают образы русского средневековья, отдельные события и линия судьбы этого человека, так тесно сплетенная с судьбой народа.

Послание Григоровича было услышано - премьера с участием Юрия Владимирова (Иван), Наталии Бессмертновой (Анастасия) и Бориса Акимова (Курбский ) была встречена и оценена как выдающееся явление мирового музыкального театра. Спектакль сразу же был показан в американском турне Большого театра, и это создало уже международный резонанс. На следующий год "Иван Грозный" был поставлен Григоровичем в Парижской опере, и началось его триумфальное движение по странам мира, в числе которых Великобритания, Аргентина, Польша, Италия, Германия. Балет был экранизирован, поставлен также в театре "Кремлевский балет" и Краснодарском театре балета. Наконец, "Иван Грозный" был возобновлен на Исторической сцене Большого театра в 2012 году, где идет до сих пор, уже с новым поколением исполнителей.

На сегодняшний день в заглавной партии выступили 15 исполнителей, среди них звезды русского балета Владимир Васильев и Михаил Лавровский, Ирек Мухамедов и Юрий Васюченко, в партии Анастасии блистали Людмила Семеняка, Нина Сорокина, Алла Михальченко, Мария Былова. Их сменили Иван Васильев, Михаил Лобухин, Владислав Лантратов, Артемий Беляков, Игорь Цвирко, Егор Геращенко, Светлана Захарова и Анна Никулина и многие другие.

Летом 2024 года балет с успехом гастролировал в Санкт-Петербурге, на сцене Мариинского театра. Юбилею спектакля было посвящено его исполнение на родной сцене Большого театра.