Балет и Опера

atv

Волшебство стало поводом для музыки на концерте в Филармонии. Молодой французский дирижер Клеман Нонсьё выступил с Российским национальным молодежным симфоническим оркестром.
Нонсьё учился во Франции, получил премию на конкурсе имени Рахманинова, а вскоре собирается принять участие в премьере «Новой оперы» («Почтальон из Лонжюмо» Адана).
Пока же маэстро стал очередным проводником в мир стилей и форм музыки для молодых исполнителей, чья работа сильней, чем у маститых и опытных, зависит от качества дирижирования. А близость возраста дирижера и оркестрантов – возможно, дополнительный стимул для совместного творчества.

Вечер в Концертном зале имени Чайковского был построен как сборник программно-изобразительной музыки, написанной французскими композиторами. Такой ракурс не только не помешал, но, наоборот, способствовал звуковому разнообразию. Ибо в концерт вошли симфоническое скерцо Дюка «Ученик чародея». прелюдия Дебюсси «Послеполуденный отдых фавна», Первый виолончельный концерт Сен-Санса. И две вещи Равеля – Вторая сюита из балета «Дафнис и Хлоя» и легендарное «Болеро».
Опус Дюка по балладе Гете исходит из фантастической небылицы: незадачливый, но рьяный мальчишка, помощник волшебника, вздумал колдовать в его отсутствии и залил дом водой, таскаемой утварью по заклинанию. И быть бы наводнению, ибо прекращающую формулу парень забыл. Но, к счастью, вернулся волшебник и прекратил беду.
Подобная коллизия подразумевает несколько контрастных музыкальных атмосфер. Таинственность (дом чародея), неуправляемость процесса по нарастающей и внезапное благословенное затишье. Именно так написал Дюка и так сыграли РНМСО с Нонсьё.
Общая линия развития украшалась, согласно жанру скерцо, легким юмором, а причудливое нарастание магии приобретало, как и положено, черты «трагикомической эпопеи».

Дирижер искусно показал, как у Дюка заклинания преобразуют обыденность (то есть хроматика вторгается в диатонику), как благородные звуки скрипок и флейт сменяются механичностью стаккатных ритмов у деревянных духовых (работа волшебства) и как арфа неутомимо «плещет» водой, а потом вся лавина в финале успокаивается через ласковый кларнет. Весьма искусная игра Молодежного оркестра, надо сказать. Они запомнили заклинания.

Концерт Сен-Санса был исполнен Нареком Ахназаряном, он лауреат Первой премии Конкурса имени Чайковского в 2011 году, после чего сделал неплохую международную карьеру, играя на инструменте работы Гварнери. На концерте в Филармонии музыкант исполнил опус, который давно играет и знает наизусть.
Одночастный сен-сансовский концерт состоит из типично романтических чередований настроения, упакованных то в форму менуэта, то в подробную элегию, то в виртуозную эффектность виолончельной партии, с ее двойными нотами, контрастами регистров и россыпями флажолетов. У виолончелиста это прозвучало с усиленной певучестью, с резкой вибрацией и на грани надрыва. Такая как бы романтическая имитация импровизации, которая вполне уместна.

Оркестр же, раскрывая обильные красоты оркестровки, будто сохранял некоторую эмоциональную дистанцию, что дало целому необходимый баланс. Дирижер Нонсьё вообще умеет органично сочетать разум и чувства. Собственно говоря, это его отличительная манера.

==============
Полный текст и все фото – по ссылке

Елена С.

Номер ссылки| 2023033104
Тема| Опера, БТ, Премьера, Персоналии, Джузеппе Верди, Жорди Бернасер, Хибла Герзмава, Агунда Кулаева, Игорь Головатенко, Иван Гынгазов
Автор| Марина Иванова
Заголовок| Дай до: в Большой театр вернулся «Трубадур»
Знаменитой опере Джузеппе Верди в этом году исполняется 170 лет
Где опубликовано| © Известия
Дата публикации| 2023-03-31
Ссылка| https://iz.ru/1491124/marina-ivanova/dai-do-v-bolshoi-teatr-vernulsia-trubadur
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Фото: Большой театр/Павел Рычков

Накаленные страсти и борьба за свободу. Призраки прошлого и неотвратимость возмездия. А еще верность, ненависть, материнская любовь, героика, лирика и много бельканто. На исторической сцене Большого театра 30 марта состоялась премьера оперы Джузеппе Верди «Трубадур». В год 170-летия великого сочинения «Известия» оценили его актуальность.

В честь Его Величества

«Трубадура» Москва услышала всего через три года после римской премьеры, состоявшейся в феврале 1853-го. Это был один из первых спектаклей, которыми открылось восстановленное после пожара здание Большого театра. Оперу представила итальянская оперная труппа Дирекции императорских театров в честь коронации Александра II.

С 7 января 1859 года ведет свою историю отечественный «Трубадур», представленный в Большом театре русскими артистами на русском языке. С тех пор опера практически не покидала московские подмостки. В ней блистали Елена Катульская, Валерия Барсова, Мария Максакова, Бронислава Златогорова, Пантелеймон Норцов, Мария Биешу, Тамара Милашкина, Маквала Касрашвили, Галина Калинина, Кира Леонова, Ирина Архипова, Елена Образцова, Тамара Синявская, Юрий Мазурок, Юрий Гуляев, Сергей Лейферкус, Зураб Соткилава, Владислав Пьявко и другие звезды.

В феврале 1998 года «Трубадур» взял паузу, которая длилась четверть века. И вот в год своего 170-летия великое произведение вернулось на прославленную сцену — в концертном исполнении и на родном итальянском языке.

Вино ждет

Верди писал «Трубадура» после горького для него поражения итальянской революции, в пору личных несчастий. Вероятно, поэтому музыковеды отмечают мрачный характер произведения, хотя на самом деле там, как всегда у композитора, немало бодрой жизнерадостной музыки и светлой жизнеутверждающей лирики.

Действительно мрачно обстоит дело с крайне запутанным сюжетом. Интрига тонет в невнятной последовательности сцен, отягощенных мелодраматическими эффектами. Сменяют друг друга средневековые замки, цыганские таборы, тюремные застенки, поединки, мщения, отравления и прочие роковые тайны, а кто кого убил, сжег, предал, яснее не становится.

Есть легенда, что в одной из таверн близ театра Ла Скала до сих пор замурована бутылка вина — тому, кто перескажет сюжет «Трубадура», ничего не перепутав. Но есть и другая легенда, а скорее всего, быль, которая свидетельствует о том, что «Трубадур», несмотря на сюжетную путаницу, безотказно завоевывал людские сердца.

Когда в марте 1861 года завершился процесс объединения южных и северных итальянских земель, народ на площади в Риме ждал известий о подписании договора, решавшего судьбу страны. Глава правительства Камилло Кавур, выйдя на балкон, говорить не стал, а запел кабалетту Манрико из «Трубадура». Люди разразились приветственными криками: «Италия едина!»

Этот случай говорит о великой силе музыки, которой по большому счету не нужны сюжеты и прочие материализации, в том числе сценические. Поэтому решение руководства Большого театра представить оперу в концертном исполнении — правильный ход.

За него, во-первых, драматургические особенности «Трубадура» — события там оживают исключительно в рассказах персонажей. А во-вторых, публика устала от режиссерской оперы, в которой идеи постановщика почти никогда не совпадают с идеями композитора. Концертная постановка — отличная возможность сосредоточиться на авторе.

Отложил гитару

К оформлению подошли с минималистской тщательностью. Кулисы и задник декорировали темными панелями. На сцене разместили места для оркестрантов, подиум дирижера и станки для хора. Для певцов, сомневающихся в тексте, установили пюпитр с нотами. Дресс-код избрали концертный: мужчины во фраках, дамы в вечерних платьях.

За пульт оркестра Большого театра встал дирижер-постановщик испанец Жорди Бернасер. Это его третий проект в России. До ГАБТа он дважды работал в Мариинском театре: дирижировал балетной версией «Кармины Бураны» Карла Орфа и концертом Пласидо Доминго.

Дирижер он, судя по «Трубадуру», грамотный и дотошный. Во всяком случае, его работа опровергает утверждение о том, что оркестр Верди — большая гитара (приписывается Рихарду Вагнеру). Расклада, когда вокалисты солируют, а инструменталисты аккомпанируют, не было даже в намеке.

Оркестр и вокал прозвучали как единое целое — голоса, кажется, рождались из оркестровой ткани. Идеальным ансамблем и тембровым балансом по традиции отличился хор ГАБТа, особенно мужская его часть, энергично, но без нажима проведшая военные сцены.

Только лучшие

«Трубадур», по словам Энрико Карузо, опера «четырех лучших в мире певцов». Это значит, что она требует первоклассных сопрано, меццо-сопрано, тенора и баритона, причем обязательно, чтобы они соответствовали друг другу по темпераменту и уровню мастерства.

В премьерной четверке, собранной ГАБТом, был явный лидер — Хибла Герзмава, певшая Леонору в Мадриде и Барселоне. По словам певицы, она объездила все места, связанные с оперой и ее сюжетом, много смотрела и впитывала. Но, похоже, основной ее багаж в этой роли — великолепная школа и артистический опыт.

Партия Леоноры окаймлена полярными по эмоциям высказываниями. В начале следует безмятежная каватина Tacea la notte placida («Тихая безмятежная ночь»), где кантилена соседствует с танцевальными ритмами. В конце — огромная сцена с речитативом и трехчастной арией D’amor sull’ali rosee («Вздохи любви и печали»), после которой сразу же идет не менее тяжелый дуэт.

Этот вокально-драматический диптих, кажется, нуждается в двух разных типах сопрано — легком подвижном и насыщенном драматическом. Певице — редкость! — с равным успехом удается и первое, и второе, причем в обоих случаях с филигранной отделкой деталей. Темповые нюансы исполнительницы могут служить отдельным предметом мастер-класса — настолько к месту, что называется, в образ, возникают ее accelerando, rallentando и ritenuto.

Если героиня Герзмавы проходит путь от беззаботной отроковицы до готовой на самопожертвование женщины, то цыганка Азучена (в этой партии дебютировала Агунда Кулаева) с не меньшей убедительностью существует на эмоциональном пределе, мгновенно переходя от экзальтации к прострации.

У певицы ровный голос со звенящими верхними нотами и красивым средним регистром, но для этой партии главное его богатство — темные демонические низы, особенно завораживающие в рассказе о казненной матери (Stride la vampa! — «Пламя пылает!»).

Децибелы в тонусе

Графа ди Луна, преследователя Азучены, Игорь Головатенко подает персонажем не злодейским, а искренне заблуждающимся. Он немного солдафон, но у него своя правда. Это одна из коронных партий артиста — и да, он демонстрирует настоящее вокальное качество на всем протяжении «забега», а сложнейшую арию Il balen del suo sorriso («Сияние ее улыбки»), адресованную Леоноре, поет просто играючи, с легкостью ориентируясь в предельной для баритона тесситуре и непринужденно меняя динамические нюансы.

Для прирожденного лирического героя, красавца-блондина Ивана Гынгазова (Манрико) участие в «Трубадуре» тоже не дебют. Заглавную роль он пел в «Геликон-опере» и, надо признать, с теми же огрехами. Голос у артиста полетный, звонкий, звучный, но децибелы, на которые он не скупится, не должны отменять работу над партией, а с этим у Ивана проблемы. И любовное признание героине — Deserto sulla terra («Вечно один с тоскою»), и героический призыв к сопротивлению — вышеупомянутая кабалетта Di quella pira («Страшное пламя костра») были исполнены в одной манере — эмоционально и, увы, неряшливо.

Кстати, Di quella pira Иван спел в оригинальном до мажоре, взяв, хотя и не слишком мощно, верхнее до, что для теноров считается высшим пилотажем. Но поскольку до того он как-то неубедительно прошелся по тексту, скомкав духоподъемные места, публика реагировала вяло. Гораздо больше энтузиазма вызвали по-настоящему боевые реплики мужского хора.

В весеннем премьерном блоке еще два представления. 31 марта Манрико споет заслуженный артист России Олег Долгов. Лет восемь назад в концертной версии Госкапеллы России под управлением Валерия Полянского он выглядел очень хорошо. Стоит послушать его и на этот раз.

=================================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2023033105
Тема| Опера, БТ, Премьера, Персоналии, А. Н. Верстовский, Мария Фомичева, Иван Великанов
Автор| Георгий Ковалевский
Заголовок| ЛЮДИ КАК КУКЛЫ
Где опубликовано| © «Петербургский театральный журнал»
Дата публикации| 2023-03-30
Ссылка| https://ptj.spb.ru/blog/lyudi-kak-kukly/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

«Аскольдова могила». А. Н. Верстовский.
Большой театр, Камерная сцена.
Режиссер Мария Фомичева, дирижер Иван Великанов, художник Алена Глинская.

«Аскольдова могила», впервые показанная в Большом театре в сентябре 1835-го, за год до премьеры «Жизни за царя» Глинки, — один из странных «кентавров» русской музыки. Если Глинка в его стремлении создать русскую национальную оперу сделал ставку на героическое начало, придав своему оперному первенцу, «Жизни за царя», черты оратории (даже квартет главных героев в «Жизни за царя» полностью соответствует ораториальной классической диспозиции солистов — сопрано, альт, тенор и бас), то Верстовский, уже имевший богатый театральный опыт, ориентировался на водевиль, добавив ему черт немецкого зингшпиля и попытавшись обозначить сквозное музыкальное развитие. В итоге получилось нечто среднее между театром драматическим и музыкальным. Мелодии и песни из «Аскольдовой могилы», имевшей огромный успех в XIX веке, ушли в народ и пользовались большой популярностью, однако сочинение так и не обрело своей целостности (Верстовский несколько раз редактировал и улучшал свое детище), застыв между характерной драмой и собственно оперой.

Сцена из спектакля.
Фото — Павел Рычков.

После революции счастливая сценическая судьба «Аскольдовой могилы» заканчивается. Известна лишь ее послевоенная режиссерская версия Григория Ярона, шедшая в Московской оперетте под заголовком «Украденная невеста», и состоявшаяся в 1959 году полноценная постановка «Аскольдовой могилы» на украинском языке в Киевском театре оперы и балеты им. Т. Г. Шевченко. Фрагмент киевского спектакля в киноверсии режиссера Ирины Молостовой можно найти в ютубе, и даже по одной из самых ярких сцен, похищения Надежды ее возлюбленным Всеславом, можно увидеть, насколько сильно сопротивление ставшего архаичным материала и как непросто представить юмор начала XIX века. В начале 50-х годов «Аскольдову могилу» планировал включить в репертуар и московский Большой театр, однако тема быстро сошла на нет и наметившаяся было постановка так и не состоялась. Так что показанный в марте этого года на Камерной сцене Большого театра спектакль стал премьерой после более чем векового перерыва, но, при всем своем дерзновении, выявил и ряд трудно решаемых сегодня в этой опере проблем.

В 1835 году Верстовский представлял «Аскольдову могилу» на исторической сцене Большого (других, собственно, и не было) с ее грандиозным масштабом и соответствующей акустикой. Нынешняя Камерная сцена, бывший театр Б. А. Покровского, похожая больше на просторный репетиционный класс, даже физически не смогла бы вместить предполагаемого композитором состава. Дирижер-постановщик Иван Великанов проделал большую работу по аранжировке ряда номеров, значительно облегчив оркестровку, а где-то даже радикально изменив ее (так, в III действии гудошник Тороп теперь исполняет свою знаменитую песню в сопровождении гитары и аккордеона). Но даже в новой редакции общая громкость порой не соответствовала параметрам зала, что создавало определенный дискомфорт в восприятии.

Важная проблема состояла в выборе самого музыкального материала, поскольку Верстовский так и не пришел к окончательному варианту своего сочинения. Обычные для водевиля вещи, когда главный герой больше разговаривает, а второстепенный больше поет, с точки зрения современной оперной эстетики кажутся странными, поэтому для главного героя Всеслава по инициативе Великанова пришлось даже добавить отдельную выходную арию. В нее был превращен романс Верстовского на стихи Александра Грибоедова, что стилистически выглядит очень грамотно. Появился также хор тайных христиан (действие происходит в языческие времена) «Душе моя прегрешная, что не плачешься», представляющий собой обработку хормейстером Александром Критским старинного духовного стиха.

Ну и, наконец, главная проблема, перед которой встал уже режиссер с постановочной командой, — сам сюжет, с его, с одной стороны, архаикой (Киевская Русь времен Святослава), а с другой — запутанностью (таинственный персонаж Неизвестный убеждает отрока Всеслава выступить против законного князя, объявляя его потомком убитого князя Аскольда. Влюбленный в христианку Надежду и поддерживаемый ее отцом-рыбаком Алексеем Всеслав, чуть не поддавшись на уговоры, все же остается верен как князю, так и избранной им, благодаря возлюбленной, пришедшей из Византии религии). Обычные для XIX века театральные несостыковки, компенсируемые в то время пением и игрой, после произошедшей с жанром оперы в ХХ веке эволюции смотрятся слишком уж нелепыми.

Взявшаяся за постановку Мария Фомичева радикально сократила текст (что пошло только на пользу целому), перенеся действие в условно николаевское время. Художник-постановщик Алена Глинская нарядила героев в яркие платья и костюмы так, что они порой напоминают солистов ансамбля Надежды Бабкиной. Из эстетики a la russe выделяется только Неизвестный, обряженный в классический черный фрак, подчеркивающий его инаковость.

Небольшое сценическое пространство решено как дворцовая зала с тремя парадными дверями с обеих сторон, через которые появляются персонажи. На заднике — большое окно, за ним видны речные волны, то умиротворенные, то бурные (видеопроекция Дмитрия Соболева), а на полу расстелена пластмассовая зеленая травка и возвышается холм с крестом на вершине (та самая могила легендарного Аскольда). В каждом из антрактов рабочие-монтировщики, ворочая скобами и скрипя шуруповертами, на глазах у оставшихся в зале зрителей увеличивают этот самый холм, так что в итоге он занимает уже значительную часть сцены, символизируя рок, утягивающий в финале героев из царства живых (в анонсе режиссер объяснила, что решила отказаться от оптимистического финала Верстовского, приблизив сюжет к роману-первоисточнику Михаила Загоскина).

Происходящее на сцене больше напоминает спектакли любительского школьного театра (входим в красивом костюме, что-то декламируем, поем, кланяемся и уходим) с его нарочитой наивностью, и это могло бы стать прекрасным ключом к решению всего действа (школьники по заданию учительницы решили представить забытую оперу русского композитора), но, к большому сожалению, режиссер предпочла поиграть в Верстовского всерьез, что превратило представление в набор ходульных штампов, начинающих утомлять буквально с первых минут.

Влюбленные герои жеманно флиртуют друг с другом, хористы застывают на сцене как вкопанные (обряженные в зеленые мундиры стражники в третьем действии, произнося «беда, ужасная беда», напоминают знаменитый анекдот про оперу, когда все кричат «бежим, бежим!» и при этом не трогаются с места), а вызывавшее у современников Верстовского трепет колдовство ведьмы Вахромеевны из финальной картины (привет русского сочинителя сцене ковки пуль из «Вольного стрелка» Вебера) превратилось в комедию: во внезапно спустившемся занавесе вдруг образовывается окошечко, из которого, как из телевизора, выглядывают Всеслав и Надежда. Финал с его ослепительным прожектором в зал (художник по свету Евгений Подъездников), изображающим, по идее, вышедший из берегов Днепр, смывающий героев, дезориентирует окончательно. Понять, что случилось с героями, куда вдруг все подевались и чем закончилось дело, было весьма непросто.

Солисты, убедительно представив музыкальные номера, в развернутых драматических сценах честно выучили архаический текст, с трудом ложащийся на ухо современного слушателя (литературный стиль Загоскина, при всем уважении к талантливому русскому писателю, далек от пушкинского изящества, не говоря уже про сильно изменившуюся за два века лексику). Поэтому вместо не особо захватывающих старинных страстей публика больше обращала внимание на антураж. Так, пожилая пара во время антракта изучала декорации: «Смотри какой стол поставили, пир будет, поросеночка поставили и лебедя. — А что это лебедь в перьях, как его ели-то? — Ну, перья, наверное, выщипывали…»

Без четкой режиссерской задачи певцы просто идут на поводу у либретто. Азамат Цалити в роли Всеслава изображает водевильного героя-любовника, Александра Ноношкина — чувствительную сентиментальную барышню, Герман Юкавский, поющий партию отца героини, пытается играть Сусанина, благословляющего Антониду на брак с Богданом Собининым, Михаилу Яненко в роли Торопа явно не хватает места, где развернуться в плясе, а выступающий в роли Неизвестного Александр Полковников, одетый во фрак, «Чайльд-Гарольдом» сосредоточенно прохаживается в глубине сцены. Миниатюрность площадки, яркие костюмы, незамысловатые декорации придают всему действу кукольный характер, сделав оперу Верстовского похожей на расположенную по соседству на Никольской сувенирную лавку для иностранных покупателей. В случившемся спектакле музей пока что победил театр, но кто знает, быть может, еще наступит время для реванша.

=======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

atv

Номер ссылки| 2023033201
Тема| Опера, МТ, Персоналии, Иоаким Тартаков
Автор| Анна Манойленко, Юрий Манойленко
Заголовок| Певец-поэт.
Тартаков одним из первых стал записывать свои выступления на грампластинки
Где опубликовано| © «Санкт-Петербургские ведомости» № 57 (7386)
Дата публикации| 2023-03-31
Ссылка| https://spbvedomosti.ru/news/nasledie/pevets-poet-tartakov-odnim-iz-pervykh-stal-zapisyvat-svoi-vystupleniya-na-gramplastinki/
Аннотация| ИСТОРИЯ

Трагическая гибель заслуженного артиста Академической оперы Иоакима Тартакова, случившаяся в Петрограде в ночь с 21 на 22 января 1923 года, стала громким событием. Во всех городских театрах со сцены объявляли о происшествии, и публика вставала, чтобы почтить память артиста минутой молчания. Для семьи певца был организован сбор средств. Чем же он заслужил любовь и признание зрителей?

Как отмечал оперный певец Сергей Левик, Иоаким Тартаков «хорошо знал ту меру сценической игры, которая нужна оперному певцу, и не злоупотреблял приемами драматической сцены»./Репродукция. ФОТО автора
Выходец из низов, он добился успеха благодаря поддержке меценатов. На талантливого юношу обратил внимание основатель Петербургской консерватории, легендарный пианист и дирижер Антон Рубинштейн, пригласивший Тартакова в столицу (по другой версии, молодого человека заметила мать Рубинштейна, хорошо разбиравшаяся в музыке, и рекомендовала его сыну).
Будучи от природы наделен звучным голосом и музыкальностью, Тартаков сумел приобрести у своего итальянского учителя Камилло Эверарди, который был его наставником в Петербургской консерватории, «высшую культуру пения», которая позволила ему занять ¬место ведущего оперного артиста Мариинского театра. Современники называли его «певцом-поэтом», поскольку оперные партии в его исполнении звучали особенно поэтично.

Обаятельный исполнитель быстро завоевал популярность у взыскательной столичной публики. В его репертуаре появились заглавные партии в операх Верди, Чайковского, Россини, Моцарта… Он много и успешно гастролировал по России и Западной Европе, выступал со знаменитыми дирижерами (такими, как Эдуард Направник и Василий Сафонов) и даже удостоился похвалы Петра Чайковского, присутствовавшего на постановке «Пиковой дамы» с его участием.
Помимо службы на театральной сцене Тартаков часто пел в камерных концертах. Одним из первых русских певцов он стал записывать свои выступления на грампластинки, преподавал вокал (к его советам прибегал среди прочих сам Федор Шаляпин!), пробовал себя в постановке опер.

В 1909 году Тартаков получил назначение на должность главного режиссера Мариинки, оставаясь при этом ведущим артистом оперной труппы. Последний директор Императорских театров Владимир Теляковский в своих воспоминаниях характеризовал Тартакова как терпеливого и тактичного администратора, который «с артистами ладить умел, а это непросто». Кроме того, «у него было качество, никогда и нигде не мешающее: он был неглупый человек и очень в делах оперы опытный и сведущий».
На посту главного режиссера Тартаков встретил Октябрьскую революцию 1917 года. С советской ¬властью у него не было особых идейных разногласий. Он был для нее «своим» по сословному происхождению, близостью к «одиозным» фигурам старого режима себя не скомпрометировал…
По свидетельству оперного певца Сергея Левика, за несколько лет до революции голос Тартакова «стал сдавать». Однако, как говорится, не было бы счастья, да несчастье помогло. По словам Левика, наступившие «продовольственные затруднения, отсутствие транспорта и прочие неудобства, вызванные Гражданской войной, во многом пошли Тартакову на пользу»: он избавился от «излишней полноты, у него улучшился обмен веществ, облегчилось дыхание», и голос мастера вновь зазвучал с присущей ему красотой.
Более того, Октябрьская революция открыла перед ним новые возможности. В 1920 году Тартаков был приглашен в качестве профессора в Петроградскую консерваторию, где успешно преподавал до самой смерти. В начале 1920 х он также стал одним из организаторов «лаборатории советской оперы» — Малого оперного театра (ныне Михайловский театр), где заведовал художественно-административной частью. Поле концертной деятельности певца тоже существенно расширилось: он много выступал в рабочих клубах, воинских частях, на заводах и фабриках.

Выездным оказался и последний концерт 62 летнего артиста. Ему предложили исполнить партию царя Амонасро в опере «Аида» Джузеппе Верди, которая ставилась для рабочих Александровского завода (ныне «Пролетарский завод») в бывшем театре «Вена» за Невской заставой. По воспоминаниям Левика, Тартаков согласился на это выступление в том числе по материальным соображениям. На содержании певца были жена и маленькая дочь, а за выход на сцену ему предложили достаточно приличный гонорар.
После концерта артистов развозили по домам на автомобиле. На Шлиссельбургском проспекте машина на крутом повороте попала в яму и перевернулась. Певца срочно доставили в больницу при Александровском заводе, но спасти его не удалось. На следующий день он умер, не приходя в сознание.

Похоронили Иоакима Викторовича в Некрополе мастеров искусств Александро-Невской лавры. В пос¬ледний путь артиста провожали тысячи людей, а во время церемонии пели соединенные хоры Мариинского и Михайловского театров. Памятник на могиле Тартакова был создан ведущим мастером неоклассицизма академиком Иваном Фоминым.

=======================
Фото – по ссылке

atv

Номер ссылки| 2023033202
Тема| Опера, Музыка, фестиваль #Якутск.Весна.Рахманинов, Персоналии, Наталья Базалева, Гурген Петросян, Алексей Мельников
Автор| Ольга Фоменко
Заголовок| В Якутске открылся фестиваль #Якутск.Весна.Рахманинов.
Где опубликовано| © Sakha Life
Дата публикации| 2023-03-31
Ссылка| https://sakhalife.ru/v-yakutske-otkrylsya-festival-yakutsk-vesna-rahmaninov/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Фото: Иннокентий Орестов-Докторов

28 марта 2023 года Филармония Якутии открыла фестиваль #Якутск.Весна.Рахманинов.
Фестиваль посвящен 150-летию со дня рождения великого русского композитора, пианиста и дирижера Сергея Рахманинова.
Художественный руководитель фестиваля – заслуженный работник культуры РФ, заслуженный деятель искусств РС(Я) Наталья Базалева.
Концерт-открытие состоялся в рамках программы Министерства культуры Российской Федерации «Всероссийские филармонические сезоны» и прошел на сцене Государственного театра оперы и балеты РС(Я) им. Д.К. Сивцева-Суоруна Омоллоона.
С приветственным словом выступил первый заместитель министра культуры и духовного развития Республики Саха (Якутия) Афанасий Ноев:
— Весна в России ассоциируется с Рахманиновым и сейчас юбилей гениального композитора отмечает весь музыкальный мир!

Афанасий Иванович выразил благодарность Мариинскому театру, Московской филармонии за уникальную возможность увидеть в Якутске новых звезд современного музыкального искусства – Гургена Петросяна и Алексея Мельникова.

Действительно, гости фестиваля – молодые, но уже многого достигшие музыканты. Оба – лауреаты многочисленных международных конкурсов и уже с большим опытом работы с симфоническими оркестрами не только России, но и зарубежья. Однако, наверное, главными достижениями музыкантов стала их победа в самых престижных музыкальных конкурсах:

Гурген Петросян – дирижёр Мариинского театра Санкт-Петербурга под руководством Валерия Гергиева, лауреат I премии и Золотой медали Международного конкурса пианистов, композиторов и дирижеров им. С. В. Рахманинова (2022).
Алексей Мельников – солист Московкой филармонии, пианист, лауреат XVI Международного конкурса имени П. И. Чайковского (2019).
Открыла концерт сказочная симфоническая сюита «Шехеразада» Николая Римского-Корсакова — одно из самых чудесных произведений, рисующих мир музыкального Востока. Яркость оркестровой фантазии, огненный темперамент в исполнении Государственного симфонического оркестра Symphonica ARTica под управлением Гургена Петросяна покорили якутскую публику. Под оглушительные аплодисменты завершалось первое отделение концерта.

Во втором отделении оркестр исполнил «Итальянское каприччио» еще одного русского гения – Петра Ильича Чайковского, который высоко оценил дарование молодого Рахманинова и помог добиться постановки оперы «Алеко» — его дипломной работы в Большом театре, получившей невероятный успех у публики.
И, наконец, в финале концерта перед оркестром появился король инструментов – рояль!
Удивительно, свежо прозвучал Первый концерт для фортепиано с оркестром Сергея Рахманинова в исполнении солиста Алексея Мельникова!
Виртуозная игра пианиста завораживала, музыка из-под его длинных пальцев летела легко, эмоционально, вдохновенно!
Конечно же, после такого исполнения зал долго не отпускал музыкантов. Гости фестиваля три раза выходили на поклон, а публика требовала продолжения. На бис Алексей исполнил «Прелюдию» Рахманинова.
Концерт подарил невероятные эмоции от красоты музыки!

После концерта Гурген и Алексей поделились своими впечатлениями и дали небольшое интервью:

— Гурген, как вы считаете, почему Рахманинова любят не только в России, но и миллионы людей во всем мире?

— Музыка Рахманинова проникает в самое сердце каждого человека, её очень легко понять, легко почувствовать! Его музыка — это неописуемая красота! Нужно просто прийти в концертный зал и послушать, почувствовать ее искренность.

— Как сыгрываетесь с новым оркестром?

— Приходишь на репетицию, знакомишься, смотришь на людей, начинаешь играть и в процессе понимать, где сильные стороны, а где слабые. Всё происходит в данный момент – ты должен сходу понять, что делать, как улучшить, как помочь оркестру, как где-то вдохновить, где-то быть строгим. Это как общение с людьми, разговор с человеком. Взаимопонимание, взаимная помощь, я думаю – это самое главное!

— Как Вам работалось с нашим симфоническим оркестром?

— Честно говоря, было волнительно сюда лететь. Якутск, «Шехеразада», Первый концерт Рахманинова — совсем непростой. Было очень приятно понять, что люди очень отзывчивые, очень хорошая дисциплина, все очень четко выполняют, все спокойно, никто не разговаривает. Ведь бывает по-разному в оркестрах. Замечательные впечатления произвели, я успокоился – контакт есть, все будет хорошо. Я рад, что прилетел!

— Дирижер — профессия штучная, специфическая. Благодаря кому Вы сделали свой выбор?

— Как-то само собой так произошло. Педагоги в музыкальной школе повлияли. У нас в школе был очень хороший хоровой дирижер, она и сейчас преподает, очень интересно работала с нами, с хором. Мне было всегда интересно с ней общаться, она посоветовала поступить в колледж на хорового дирижера, потом консерватория, жизнь так сложилась.

— Кто из музыкантов Вас вдохновляет?

— Конечно, это Валерий Абисалович Гергиев. Удивительно наблюдать за его работой, за его неиссякаемой энергией, как он умудряется столько дирижировать, практически каждый день по два выступления. Это удивительно, и это вдохновляет и мотивирует. Человек – сила!

— Алексей, помните первое разученное произведение?

— Очень приблизительно, я много читал с листа. В детстве я любил открыть какой-нибудь сборник и играть все подряд. Мне кажется, это была «Прелюдия», и скорей всего си-минорная. «Полишинель», я помню еще играл, когда был маленький. Кстати, очень редко исполняемое произведение Рахманинова.

— Какое произведение Рахманинова, на Ваш взгляд, самое сильное?

— Сложно сказать. Могу только сказать, какие мои любимые — это «Колокола» и третья симфония. Это не для того, чтобы выделиться (смеется), правда, очень люблю! Из фортепианного – третий концерт.

— Инструмент влияет на звучание?

— Естественно! Если выбирать — играть на плохом инструменте, но в хорошей акустике или наоборот, то лучше очень плохой инструмент и хорошая акустика.

— Как Вам наша акустика?

— Это театр, он не предназначен для таких выступлений и если сравнивать с другими театрами, в которых я играл, то она не плохая – хоть что-то отражается и летит. Когда узнаешь, что будешь играешь в театре, всегда ожидаешь, что будет сухо. Даже в Большом театре, мне приходилось дважды играть на исторической сцене, которая не предназначена для концертного выступления и было очень сложно. Там даже подзвучка есть у оркестра, легкая, но она есть.

— Концертный зал Мариинского театра считается лучшим?

— Безусловно, концертный зал Мариинского театра лучший в стране. Возможно, он может посоревноваться и с Европой. С Азией вряд ли, потому что в Азии такой зал в каждой провинции, особенно в Японии.

— Волнуетесь на сцене?

— В общем не сильно, но иногда бывает. Конечно, многое зависит от степени готовности. Не всегда одинаково хорошо готов к концертам, разумеется, такой бывает график, что иногда вдруг что-то образовывается внезапно и это тоже влияет, но в целом я не из тех, кто мандражирует.

— «Лучшим, что есть во мне, я обязан ему», — говорил Сергей Рахманинов о своем учителе Николае Сергеевиче Звереве. Кого из своих преподавателей Вы хотели бы выделить?

— Конечно, Сергея Леонидовича Доренского, у которого я учился 15 лет и когда уже его не стало, да и при нем еще я занимался с Николаем Львовичем Луганским и даже до сих пор, если что-то новое выучил — приношу и показываю. Всех педагогов благодарю. Неблагодарный и священный труд!

===============
Фотогалерея – по ссылке

atv

Номер ссылки| 2023033203
Тема| Музыка, премьера, "Минин-хор", Персоналии, Модест Мусоргский, Тимофей Гольберг, Ярослав Тимофеев
Автор| Ирина Муравьева
Заголовок| В Москве прозвучала мировая премьера неизвестного сочинения Мусоргского
Где опубликовано| © «Российская газета»
Дата публикации| 2023-03-31
Ссылка| https://rg.ru/2023/03/31/v-moskve-prozvuchala-mirovaia-premera-neizvestnogo-sochineniia-musorgskogo.html
Аннотация| ИСТОРИЯ

фото: Анна Бобрик

Неординарное событие приурочили к празднованию 90-летия старейшего российского музыкального журнала "Музыкальная академия" (в прошлом "Советская музыка"). Как уточнил в своем вступительном слове его главный редактор Ярослав Тимофеев, в традиции издания - не празднование юбилеев, а осмысление этапов истории, направлений журнала, неизменной частью которого всегда были и остаются музыковедческие открытия и исследования.

Событием в год 90-летия стал сенсационный по своей сути специальный выпуск "Музыкальной академии", в который вошли материалы о научном открытии - обнаруженной в фондах Российской национальной библиотеки полной копии считавшегося утраченным сочинения Модеста Мусоргского "Торжественный марш Шамиля".

О существовании этого сочинения до недавнего времени знали только специалисты-музыковеды, причем, само название его оставалось условным - по одним источникам "Марш Шамиля", по другим - "Хор свиты Шамиля". Появилась версия, что несохранившееся хоровое сочинение было написано Мусоргским в качестве театральной музыки. Такой трактовки придерживались Анна Виноградова и Антонина Лебедева-Емелина, опубликовавшие три года назад интереснейшую статью на основе анализа найденного ими фрагмента автографа Мусоргского. Но уже спустя год, в 2021-м, в картотеке Российской национальной библиотеки неожиданно обнаружилась полная копия рукописи сочинения, и впервые за полтора века музыковеды увидели весь его нотный текст и название, данное самим Мусоргским - "Торжественный марш Шамиля". Сочинение датировано 1859 годом. Журнал "Музыкальная академия" опубликовал статью Василисы Александровой, Евгения Левашова и Надежды Тетериной о результатах изучения этой уникальной находки, а в приложении - нотный текст. К премьере совместно с фирмой Мелодия" был записан диск с "Торжественным маршем Шамиля". В этом же исполнительском составе состоялась и мировая премьера в Культурном центре "Минин-хора" с участием Московского камерного хора под управлением Тимофея Гольберга и пианиста Ярослава Тимофеева.

Очевидно, что современной публике потребуется погружение в исторический контекст, чтобы понять, что вкладывал в эту суровую музыку с ее отрывистым, воинственным звучанием мужского хора, повторяющего, словно заклинание: "Ля, илля хи-иль Алла", лирикой в средней части с сольными "ариями" тенора и баса, снова сменяющимися воинственным ритмом марша. Часть слов хора напоминает исламские постулаты ("Ля, илля хи-иль Алла", - "Нет Бога, кроме Аллаха"), а часть - звучит на непонятном языке, в котором, кстати, глава издательства "Композитор" Петр Поспелов уловил параллели с футуристической "заумью" Алексея Крученых. Слова "Имам берейшкер", например, напомнили ему строфу из "Востока" ("Фонетика театра").

Свое сочинение Мусоргский посвятил Александру Петровичу Арсеньеву, знатоку восточной культуры по прозвищу "Мустафа" и другу всех "балакиревцев". На его стихи и переводы, кстати, Балакирев написал два романса. Но вдохновителем сочинения для Мусоргского был не Арсеньев, а, разумеется, Шамиль - легендарная в те времена персона, предводитель народов Чечни и Дагестана, имам, четверть века яростно воевавший против Российской империи за свободу народов Кавказа. И хотя для современников Мусоргского сами события долгой Кавказской войны, начавшейся еще при Александре I и затянувшейся почти на 60 лет, не были столь экзистенциальными и не влияли на общественное сознание так, как всколыхнувшие всю Россию события Наполеоновской войны, которая оставалась горячей темой дискуссий даже спустя десятилетия, однако за долгое время войны с кавказскими народами, в обществе сформировался особый "кавказский миф". И главным "атрибутом" этого мифа была борьба за свободу, а олицетворением этой свободы стал герой Кавказа Шамиль, который считал, что лучше быть главой свободных людей, чем царем рабов.
Какой же был шок в общественных кругах, когда в 1859 году непобедимый, гордый Шамиль сдался в плен и был отправлен в Петербург. По дороге из дагестанского аула в Петербург он делал остановки в разных городах России, посещал театр в Харькове, Курске, в Москве (где был озадачен балетным представлением в Большом театре "Наяда и рыбак" на музыку Пуни, возмутившим его откровенными костюмами танцовщиков, но заинтриговавшим классическим театральным трюком исчезновения наяды под сценой). В Петербург он прибыл 26 сентября 1859 года и, по воспоминаниям современников, все две недели своего пребывания там (10 октября он отбыл в Калугу, где ему был пожалован дом) был "львом Петербурга". Популярность и славу его в те дни можно сравнить сегодня только с самыми крупными "звездами" рока, шоу-бизнеса, спорта уровня Меркьюри или Пеле. Заголовки всех газет пестрели именем Шамиля, его портреты были во всех витринах магазинов и лавочек, толпы народа собирались у подъезда его гостиницы рядом с Московским вокзалом в ожидании его выхода со свитой. Толпа жадно рассматривала Шамиля, его экзотическую бороду, окрашенную красной хной, его чалму с длинными концами, свисавшими за спиной, черную черкеску с патронами на груди, пистолет за поясом, шашку, кинжал. В таком наряде он появлялся и в Петербургском университете, и в Царскосельском саду, на Невском проспекте, в Публичной библиотеке и в Большом каменном театре (ныне Мариинском), где Шамиль смотрел балет "Катарина, дочь разбойника" Пуни (кстати, этот балет восстановлен сейчас в Красноярском оперном театре, оркестровую реконструкцию его партитуры сделал Петр Поспелов (номинирован на "Золотую маску").

Разумеется, столь яркая фигура не могла не привлечь внимание молодого Мусоргского, офицера Преображенского полка, не так давно (в 1858 году) вышедшего в отставку. Кроме того, Мусоргский, по словам исследователей его творчества, был жадный читатель русской литературы, проникнутой со времен Пушкина духом свободолюбия и восхищения кавказскими народами. Он написал свое сочинение, буквально "по горячим следам" визита Шамиля в Петербург, в октябре 1859 года и обозначил его жанр - торжественный марш, словно Шамиль въехал в Петербург не пленным, а победителем. Но сама отрывистая звуковая фактура, жесткая, резкая, возможно, воспроизводящая впечатление на слух от аварского языка - "тарабарщины", непонятной Петербургу, врезается в память, так же, как и слова, возвращающиеся по кругу к рефрену "Алла". И это путь, по которому Мусоргский как композитор шел уже до конца жизни - вокальная линия, рожденная из слова.

Гениальность Мусоргского заключалась и в том, что завершая свой марш неожиданным просветленным, словно хорал, фортепианным соло, он фактически показал душевную трансформацию, которую пережил сам отошедший от войны Шамиль. Он, гордый воин, лидер кавказской войны, стал поклонником музыки, слушал в своем доме в Калуге подаренную ему фисгармонию, считают, даже сочинял. На вопрос, почему же он запрещал на Кавказе исполнять музыку, отвечал, что воины предпочли бы тогда слушать не музыку боя, а музыку в доме жен. Его натуру музыка умиротворяла. И так умиротворенно звучит завершение четырехголосного хора "Торжественный марш Шамиля".

==================
Аудиозапись – по ссылке

atv

Музыкальный руководитель и дирижер Карен Дургарян. / Пресс-служба "Новой оперы"

Театр Новая Опера имени Евгения Колобова готовится к третьей премьере сезона - спектаклю "Иоланта / Карлик".

В ней объединены две одноактные оперы: "Иоланта" П.И. Чайковского и "Карлик" А. фон Цемлинского; обе предстанут двумя главами одной истории. Режиссер Денис Азаров и художник Алексей Трегубов связывают будущий спектакль одной идеей и одним пространством.
Этот проект - первое сотрудничество с театром маэстро Карена Дургаряна, музыкального руководителя и дирижера спектакля. "Карлик" Цемлинского будет поставлен в "Новой опере" впервые, а "Иоланта" Чайковского спустя 10 лет вновь войдет в репертуар театра уже в другой трактовке и в ином художественном решении.
Четыре премьерных показа пройдут 21, 22, 23 и 25 апреля.

В основе спектакля - парадигма слепоты и прозрения. Здесь соединены и переосмыслены две притчи о людях, не ведающих о реальности, - незрячей девушке Иоланте, не знающей, что она слепа, и Карлике, не знающем о своем уродстве. И если Иоланта исцеляется от слепоты благодаря любви, то судьба Карлика трагична: герой умирает, когда ему открывается правда о его внешности и о реальном отношении к нему окружающих.

Главные герои опер интегрированы в обе части постановки: Карлик появляется в начале спектакля, а Иоланта после прозрения наблюдает за действием во второй части. Финальная сцена фокусирует внимание зрителей лишь на этих двух персонажах.
Рассказывает режиссер Денис Азаров: "Главный вопрос, который мы ставим в этом спектакле: а стоило ли прозревать? Прозрение несет в себе не только свет, но и знание. А готовы ли мы его принять? Готовы ли мы к правде? Как у Островского: "Правда - хорошо, а счастье лучше". Иоланта попадает в мир, где человеческое достоинство и эмоциональное состояние ничего не стоят. Райская жизнь, которая была создана специально для нее, оборачивается жестокими играми".
Обе героини, Иоланта и Донна Клара (Инфанта), - принцессы, суть которых олицетворяет белая роза. Водемон просит Иоланту сорвать красную розу, но она интуитивно выбирает белую - символ чистоты и света. Инфанта осознанно отдает Карлику белую розу, словно разрушает эту символическую чистоту и красоту мира.
Будущий спектакль лишен примет сказочности и налета старины. Действие происходит в современном нам мире, в мгновенно узнаваемой обстановке: фешенебельная частная медицинская клиника ("Иоланта") и роскошная аристократическая вечеринка, словно в фильме "Сладкая жизнь" Федерико Феллини ("Карлик").

Действие спектакля разворачивается в двух параллельных реальностях: художник Алексей Трегубов встраивает одну в другую, как малую геометрическую фигуру в большую. На авансцене (в большом пространстве) - оперные артисты, а в глубине (в малом пространстве) - видео ("Иоланта") и куклы ("Карлик").
Главная сложность при постановке оперы Цемлинского - воплощение на сцене самого Карлика. Здесь зачастую на помощь приходят куклы. Решение, придуманное режиссером Денисом Азаровым, художником Алексеем Трегубовым и Артемом Четвериковым, который отвечает за кукольную часть в "Карлике", абсолютно неожиданно. В их версии куклы, а точнее целый кукольный театр, помещены в пространство знаменитой картины Диего Веласкеса "Менины", населенное ее персонажами, включая самого художника. Существует мнение, что именно эта картина вдохновила Оскара Уайльда на создание сказки "День рождения инфанты", которая лежит в основе оперы "Карлик". В спектакле кукольный театр - это гигантская механическая игрушка: подарок на день рождения инфанте и безжалостный розыгрыш для Карлика.

Несмотря на разницу в музыкальном стиле Чайковского и Цемлинского, в творчестве этих композиторов есть общие черты. Исследователи отмечают тонкие детали, схожесть тем, их развития, средств усиления выразительности. Главное, что их объединяет, - лирический тон высказывания. Кроме того, в обоих произведениях возникает диалог с творчеством Рихарда Вагнера. Ведь при всем неприятии Чайковским музыки Вагнера в "Иоланте" есть явная параллель с "Тристаном и Изольдой". Сходство ощутимо в оркестровых вступлениях к обеим операм: гармоническая неустойчивость, созвучия, которые не разрешаются, а плавно переходят одно в другое.
Рассказывает музыкальный руководитель и дирижер Карен Дургарян: "Считается, что интродукция к "Иоланте" - скорбная, холодная, сумрачная, создающая тревожное состояние. Римский-Корсаков даже упрекал Чайковского в неумелой оркестровке, которая якобы сделана "шиворот-навыворот", потому что материал отдан не струнным, а духовым. Но в этой "неправильности" и заключается гениальность Петра Ильича! Что касается "Карлика", это очень насыщенная партитура с плотной оркестровкой, практически симфония. Здесь важно, чтобы зритель почувствовал постепенное нарастание напряжения, которое непрерывно идет от начала к финалу, а особенно - от дуэта Инфанты и Карлика к его смерти".
Для Карена Дургаряна это первый спектакль в "Новой Опере". Он был главным дирижером Армянского академического театра оперы и балета имени А.А. Спендиарова, с 2021 года исполняет обязанности директора. Он часто работал в Италии: в Театре Лирико в Кальяри, Театре Реджо в Турине, Театре Карло Феличе в Генуе, Театре Верди в Сассари; также сотрудничал с Лейпцигской, Лионской, Баварской операми. "Иолантой" П.И. Чайковского маэстро дирижировал многократно, а "Карлика", как и музыку А. фон Цемлинского в целом, представит впервые.
Для режиссера Дениса Азарова и художника Алексея Трегубова этот спектакль - вторая постановка в "Новой Опере" (первой стала опера "Мадам Баттерфляй" Дж. Пуччини в 2018 году).

Денис Азаров был режиссером Камерного музыкального театра имени Б.А. Покровского, Российского государственного академического театра драмы имени Ф. Волкова (Ярославль), участвовал в постановках спектаклей в Большом театре России и Komische Oper (Берлин), был художественным руководителем Театра Романа Виктюка. "Иоланту" П.И. Чайковского режиссер впервые поставил в "Московском молодежном оперном доме" при Академии хорового искусства имени В.С. Попова.
Первым исполнителем роли Карлика в России (в Самаре и Москве) стал тенор Михаил Губский. Роль Водемона в "Иоланте" готовят тенора Георгий Васильев, Хачатур Бадалян и Михаил Пирогов, который ярко дебютировал на сцене "Новой Оперы" в качестве приглашенного солиста, а в 2023 году был принят в труппу театра.
В партии Иоланты - Марина Нерабеева, номинант премии "Золотая маска" за исполнение партии Мари и Мариэтты в российской премьере оперы "Мертвый город" Э.В. Корнгольда, и Елизавета Соина, ведущая исполнительница в операх "Золушка" Ж. Массне и "Стиффелио" Дж. Верди. Донну Клару (Инфанту) воплотит Мария Буйносова - финалистка Пятого телевизионного конкурса оперных певцов "Большая опера" на телеканале "Россия-Культура".
В постановке примут участие приглашенные артисты. Партию Роберта исполнит Василий Ладюк, солист Пермской оперы, приглашенный солист Большого театра России, певец, выступающий в крупнейших оперных театрах мира, среди которых Метрополитен-опера, Ла Скала, Ла Фениче. В других образах готовятся выступить солист Большого театра имени А. Навои в Узбекистане Ринат Решитов (Эбн-Хакиа) и солист Пермского и Нижегородского театров оперы и балета Гарри Агаджанян (Дон Эстобан).

=============
все фото - по ссылке

atv

Номер ссылки| 2023033205
Тема| Опера, Пермская опера, «Летучий голландец» Рихарда Вагнера, премьера, Персоналии, Константин Богомолов, Филипп Чижевский, Энхбат Тувшинжаргал, Анжелика Минасова
Автор|
Заголовок| Константин Богомолов перенес «Летучего голландца» в Коми-Пермяцкую деревню
Где опубликовано| © properm.ru
Дата публикации| 2023-03-31
Ссылка| https://properm.ru/news/2023-03-31/konstantin-bogomolov-perenes-letuchego-gollandtsa-v-komi-permyatskuyu-derevnyu-2891408
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Сегодня в пермской опере идет генеральный прогон «Летучего голландца» Рихарда Вагнера в постановке режиссера Константина Богомолова, дирижера Филиппа Чижевского и сценографа Ларисы Ломакиной.

Уже завтра, 1 апреля, в Пермском академическом театре оперы и балета состоится премьера «Летучего голландца» Рихарда Вагнера. Это третья постановка эпоса, поставленная на нашей сцене и второй пермский спектакль Константина Богомолова. Предыдущая его работа — «Кармен» — наделала в театральных кругах много шума оригинальным прочтением.

Сегодня на коротком брифе для журналистов сценограф Лариса Ломакина немного приоткрыла замысел постановщиков: «Летучий голландец» перенесся из северных морей в прикамскую глубинку, скорее даже в Коми-Пермяцкий округ. Голландец останется зловещим таинственным иностранцем. По словам сценографа, зрители увидят на сцене коми-пермяцкий колорит, в костюмах использованы элементы местных костюмов. И это вновь будет современным — по духу — прочтением оперы Вагнера.

Как рассказал Энхбат Тувшинжаргал, уже стал известен первый актерский состав, который выйдет в день премьеры на сцену. Завтра исполнять роль главного злодея — летучего голландца — будет именно он. По словам певца, чтобы войти в роль, он значительное время посвятил просмотру видео с «тюремным бытом». В опере он остается классическим злодеем, исполняется она на языке оригинала — немецком, это было самым сложным для солиста.

На премьерном спектакле 1 апреля возлюбленную Голландца Сенту будет исполнять солистка Мариинского театра Анжелика Минасова. Ранее она был солисткой пермской оперы, теперь — приглашенный артист. Минасова рассказала журналистам, что также изучала при подготовке к роли тюремный быт. Но, ответила она на вопрос журналиста Properm.ru, «шансона в музыкальном материале спектакля точно не будет». По словам актрисы, она только что пела Сенту в Мариинском театре, но для Перми по задаче, поставленной Богомоловым, ей пришлось полностью перерабатывать материал. Но, говорит Минасова, в пермской постановке полностью сохранен классический музыкальный материал.

Музыка Рихарда Вагнера впервые прозвучала на пермской сцене в 1972 году, когда под управлением дирижера Бориса Афанасьева состоялась премьера оперы «Лоэнгрин». «Летучий голландец» возвращался в Пермский театр оперы и балета дважды: в 1994 году постановку оперы осуществили режиссер Георгий Исаакян и сценограф Дмитрий Черняков, в 2013 году концертное исполнение произведения провел дирижер Томас Зандерлинг. В год 180-летия со дня мировой премьеры «Летучего голландца» над новой постановкой оперы вместе с командой молодых певцов работают режиссер Константин Богомолов, дирижер Филипп Чижевский и художница Лариса Ломакина.

=================
все фото - по ссылке

atv

Номер ссылки| 2023033206
Тема| Опера, Нижегородская опера, «Кармен». Ж. Бизе, премьера, Персоналии, Дмитрий Синьковский, Лиза Мороз, Наталия Ляскова, Гарри Агаджанян, Венера Гимадиева, Иван Гынгазов
Автор| Лариса Барыкина
Заголовок| СЛУЖЕБНЫЙ РОМАН
Где опубликовано| © «Петербургский театральный журнал»
Дата публикации| 2023-03-16
Ссылка| https://ptj.spb.ru/blog/sluzhebnyj-roman/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Сцена из спектакля.
Фото — Ирина Гладунко.

Нижегородский оперный театр странным образом всегда выпадал из общего театрального контекста страны, и длилось это довольно долго. Новая жизнь началась совсем недавно, с предпандемийного 2019-го, сейчас ее пытается организовать уже вторая по счету команда. Ответ на вопрос, что же там происходило в прежние годы, я неожиданно получила в зале, перед самым началом оперы «Кармен». Приятный мужской голос вежливо попросил «воздержаться от перемещений по зрительному залу». То есть люди во время представлений запросто гуляли? Можно вообразить, что там показывали. Говорят, была сплошная аренда…

Но следующее изумление было уже совершенно другого толка: на первых же тактах увертюры стало ясно, что провинциальный оркестр так звучать не может. Слух фиксировал стройность и прозрачность плотной оркестровой фактуры, невероятную артикуляционную точность и умопомрачительный темп. Знаменитая тема тореадора (вообще-то — шествие!) игралась так, будто Эскамильо посадили на коня или заставили бежать вприпрыжку. Но в целом — темперамент, как и положено, зашкаливал и действовал безотказно. Тут же выяснилось, что играет не оркестр театра, а детище нынешнего главного дирижера Дмитрия Синьковского — известный столичный коллектив «La voce strumentalе», конечно расширенного состава. Вообще, музыкальный лидер Нижегородского оперного — без преувеличения уникум: Синьковский един в трех лицах — скрипач, певец-контратенор и дирижер. Известный специалист по барочному стилю, теперь он выступает в новом для себя качестве, и делает это смело и убедительно.

Вторая главная фигура новой постановки — режиссер Лиза Мороз, девушка не только молодая и прекрасная собой, но явно талантливая. Гитисовская учеба у Андрея Жагарса, годы ассистентства, проведенные в двух главных столичных оперных театрах, даром не прошли, к своей первой крупной работе (до этого было немало экспериментальных проектов) она оказалась абсолютно готова. В ситуации, когда про «Кармен» в мировом театре, кажется, сказано уже все и каждый новый постановщик находится под страшным прессом необходимости соответствовать музыкальному шедевру, Лиза Мороз, выбрав ход не новый — «театр в театре», сумела сделать спектакль увлекательный, живой, главное, инспирированный музыкой, что сегодня почти редкость.

Открывшийся занавес явил нам грустный театральный ландшафт с унылыми актерами и захламленной сценой. Появление Кармен (еще до знаменитого выхода с Хабанерой) буквально взрывает это сонное царство. Она здесь не просто солистка, она — прима и лидер этого театра, отодвигающая в тень невыразительного «постановщика» (пантомимная роль) и претендующая быть режиссером. Наверное, правильнее будет сказать «режиссеркой», учитывая и внятные феминистские мотивы постановки. Дальше все происходит на ее глазах и при ее деятельном участии, она протагонист того спектакля, который сама же и ставит. Иногда реальность и фабулу оперы не различить, но, похоже, так и задумывалось. Постоянное мерцание двух параллельных сюжетных линий заставляет зрителя не расслабляться, а то ведь многим так хочется «культурно отдохнуть» на знакомых-то шлягерах. Не выйдет.

Вспоминаю, как один известный режиссер поучал своего младшего коллегу: не знаешь, с чего начать — играй в репетицию, потом все встанет на места. Многие простодушно так и делают, не умея свести концы с концами. У Лизы Мороз, похоже, получилось. А еще ей удалось провести несколько собственных тем, главная из которых — Театр как место силы, прибежище и приют. В конце второго действия, по сюжету, Кармен (Наталья Ляскова) с друзьями-контрабандистами вынуждает Хозе стать дезертиром, зовет в горы, к дикой, свободной жизни. В этот момент артисты труппы собираются на трехъярусных станках и руками манят к себе, но Хозе стоит напротив и пока еще колеблется. Тогда людская масса разворачивает транспаранты с буквами, мы читаем сначала слово Liberte, а потом практически из этих же букв — Theatre. Месседж ясен как день: театр — территория вольности, только в театре мысль свободна и действия не скованны. Так трансформируется одна из главных тем оперы, четко и ясно прочерченная композитором Бизе, а до этого Мериме: свобода дороже жизни. Кто-то может сказать, что в этом немало декларативности, как и в те моменты, когда Кармен обнимается с театральным занавесом, словно ища поддержки. А мне кажется, Мороз хотела быть понятой конкретным зрителем Нижнего Новгорода, где период новой оперной режиссуры только начинается, уж не говоря о том, что «Кармен» здесь впервые поют на языке оригинала, на этой сцене такое не практиковалось никогда.

Сценический облик оперы тоже никого не напугает: главный элемент — подвижные трехъярусные станки — поначалу кажется взятым напрокат из любой постановки. На самом деле все не так просто. Художник Денис Шибанов, впервые пришедший в оперу (он постановщик нашумевшего кинопроекта «Дау»), навешивает на конструкции по бокам огромные рогатые бычьи головы. Станки подвижны, по ходу дела принимают различные конфигурации, осваиваются артистами на всех уровнях. Забравшись на самую «верхотуру», поет свою арию боязливая Микаэла (Венера Гимадиева), юная неопытная стажерка, — ясно, что туда ее загнал волюнтаризм упрямой режиссерки. С центра конструкций с Куплетами выступает и Эскамильо (Гарри Агаджанян), он же записной премьер труппы. Но в последнем действии перестроение станков дает сногсшибательный эффект: на нас будто надвигается огромный золотой арочный фасад цирковой арены, где должна разыграться коррида. Вместе с переодевшимися в яркое желто-красное артистами такой визуал кажется по-театральному декоративным и даже избыточным, но для финала он работает как мощнейшая кульминация, в полном соответствии с музыкальным накалом страстей. Не забудем и свет Александра Романова, формирующий атмосферу пространства в самых разных ракурсах.

Мороз умеет, что, опять-таки, редкость, крупными мазками выстраивать массовые сцены, техникой мизансценирования владеет отлично, и спектакль запоминается важнейшими «кадрами», как кино. Суть персонажей и взаимоотношения проработаны ею не хуже. Вот Кармен: она как пружина действия всегда в центре, практически не уходит со сцены. Наталия Ляскова в облегающем черном бархатном платье (намек на декаданс) невероятно хороша, точна вокально и пластически. Умение быть притягательной она демонстрировала еще у Богомолова в пермской «Кармен», а здесь она — магнит и затягивающая в омут воронка. Хозе и Микаэла, оба в очках, выглядят вчерашними школьниками. Во время дуэта они принимают ходульные позы, им только предстоит стать настоящими «артистами». Звездного статуса певица Венера Гимадиева, с недавних пор солистка Нижегородской оперы, завораживает своим идеальным голосоведением и мягким, обволакивающим тембром. Хорошо известный во многих российских театрах бас Гарри Агаджанян поет баритоновую партию, но не так безупречно, как играет (подвели погода и простуда). Его Эскамильо — герой и мачо, абсолютно уверенный в себе.

Высоченный красавец Иван Гынгазов — Хозе — поначалу выглядит типичным лузером и неудачником: он всегда с клавиром, пялится в ноты, слова ему подсказывает суфлерша, и как артист он вроде ничего не может. Но наступает момент, когда случайно (или специально?) нам демонстрируют непререкаемую силу музыки при полном отсутствии актерских и режиссерских ухищрений. Знаменитую арию с цветком Хозе поет, застыв в довольно нелепом положении, не меняя его ни разу (что довольно сложно). При этом статуарность, даже пассивность позы не мешают достичь необходимого: не шелохнувшись, исключительно голосом, его выразительной экспрессией и богатой нюансировкой Гынгазов-Хозе кладет публику на лопатки, и в полный экстаз та приходит не только из-за мощи его уверенного верхнего си-бемоль. А потом его, снова покорного и безвольного, режиссерка Кармен будет вести к вершинам актерского мастерства.

Вообще, их отношения в спектакле развиваются практически по канве «Пигмалиона», только в роли «ваятеля» Хиггинса здесь выступает прекрасная сильная женщина, умная и сексуально неотразимая. Ее задача — разбудить этого недотепу, сделать из него настоящего мужчину. И метаморфоза происходит. Дуэтная финальная сцена едва не заставляет усомниться: может, заигрались, это уже не репетиция, сейчас произойдет трагедия! Но после удара навахи Кармен-режиссерка оживает и страстно целует Хозе — свое «произведение» и своего возлюбленного. Ну да, по ходу дела случился служебный роман, в театре так часто бывает.

Важно, что режиссер с дирижером действовали, судя по всему, в полном согласии. При этом оркестр с трудом поместился в крошечной яме, арфа и ударные играли из лож, звуковой баланс иногда сбоил, и струнных ощутимо не хватало. Не всегда убеждали и взвинченные темпы, с которыми отнюдь не все певцы справлялись, к примеру, в знаменитом квинтете (а вот актерски он был подан великолепно!). Заводной, как все барочники, Синьковский услышал Бизе по-своему: почти отсутствовали привычные густота, сливочная жирность и избыточная красочность оркестровой ткани. Словно картину маслом переписали в легкой прозрачной технике. Зато энергетика била через край.

Последняя премьера в Нижегородском театре оперы и балета — тот случай, когда очень хотелось посмотреть второй раз с другим составом, но не вышло. Из-за проблем со здоровьем главной исполнительницы. Вместо спектакля сыграли концерт, и мы услышали другого Хозе — известного тенора Сергея Кузьмина, и местных Микаэлу (Екатерина Ясинская) и Эскамильо (Олег Федоненко). А благодаря исполненным фрагментам из текущего репертуара получился мини-портрет труппы в ее новом облике. И это выглядело интригующе. В театре теперь два оркестра: говорят, «La voce strumentalе» всем составом переместился в Нижний. И спектакли играют не только в здании театра, но и в Пакгаузах на волжской Стрелке. Понятно, что Нижегородский оперный следует пермской модели. Не удивительно, ведь в качестве худрука здесь — известный Алексей Трифонов, в прошлом ближайший сподвижник Теодора Курентзиса.

Кроме оркестровой ямы и сложной акустики в Нижегородской опере много и других проблем. Удивительно неудобный, без подъема кресел, бесконечно вытянутый в длину зал — даже сидя в гостевом ряду после прохода, разглядеть все невозможно. В общем, условия для старта новых подходов не самые благоприятные. Тем не менее, команда во главе с Трифоновым и Синьковским полна надежд и собирается переломить ситуацию. Кажется, у них, как и у нас, есть повод для оптимизма.

===============
все фото - по ссылке

Елена С.

Номер ссылки| 2023033207
Тема| Опера, Баварская государственная опера, «Война и мир» Сергея Прокофьева, премьера, Персоналии, Дмитрий Черняков, Владимир Юровский, Ольга Кульчинская, Андрей Жилиховский
Автор| Любава Винокурова
Заголовок| Герметичное пространство
Где опубликовано| © Московская Немецкая Газета.
Дата публикации| 2023-03-17
Ссылка| https://ru.mdz-moskau.eu/germetichnoe-prostranstvo/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В Баварской государственной опере отгремела премьера оперы «Война и мир» (в основе либретто роман Толстого, музыка Прокофьева). Ее поставил российский режиссер Дмитрий Черняков. Большинство исполнителей – русскоязычные артисты из Украины, России, Молдавии, Армении. Опера вызвала острую дискуссию о том, этично ли ее вводить в репертуар в неспокойные времена.

Наташа Ростова (справа) в исполнении Ольги Кульчинской (Фото: Wilfried Hösl / Die Bayerische Staatsoper)

День премьеры «Войны и мира» совпал с датой смерти Иосифа Сталина и Сергея Прокофьева (они ушли одновременно). Совпадение не случайное: и режиссер Дмитрий Черняков, и музыкальный руководитель постановки (музыкальный директор Баварской государственной оперы) Владимир Юровский в многочисленных интервью говорили, что сознательно выбрали 5 марта для премьеры.

Личный комментарий

Идея поставить «Войну и мир» в Мюнхене существовала давно, еще задолго до событий 24 февраля 2022 года. Но приступили к реализации «после». Юровский в разговоре с BR Klassik сказал, что это ответ на сегодняшнюю ситуацию. «Личный комментарий режиссера Дмитрия Чернякова и меня к событиям последних 12 месяцев. Мы не можем сделать ничего больше, чем поставить оперу, чтобы противостоять всему этому. Но я подумал, что это произведение, наверное, ждало такой постановки около 75 лет, что оно существует именно для этого случая. Потому что Прокофьев начал сочинять „Войну и мир“ еще до войны, а закончил после нее. Это значит, что опера никогда не исполнялась в условиях военного времени, в отличие, например, от „Седьмой симфонии“ Шостаковича. Опера появилась после, так сказать, в качестве мемориала. И постепенно она стала музейным экспонатом, частью длинной, славной череды русского искусства, вдохновленного войной».

Партию Андрея Болконского исполняет Андрей Жилиховский ((Фото: Wilfried Hösl / Die Bayerische Staatsoper)

Баварский театр решил сдуть с сочинения пыль и немного его актуализировать, а обстоятельства актуализации подсказало само время. Перед премьерой на официальном сайте театра разместили разъяснение директора Сержа Дорни, почему культурная институция считает возможным выпустить сегодня спектакль русского композитора. «Разве не абсурдно было бы запретить всю русскую музыку, всю русскую культуру в наших залах? Дилемма очевидна: если вы играете русскую музыку, вы поддерживаете путинскую пропаганду, говорят некоторые. Если вы не играете русскую музыку, вы подтверждаете образ враждебного России Запада и тем самым также поддерживаете путинскую пропаганду, говорят другие. Можно просто заменить Чайковского, Шостаковича, Рахманинова, Прокофьева и Ко, репертуар и так достаточно обширен, но вот со Штраусом, Вагнером, Пуччини не обязательно станет легче. Ведь и к этим композиторам остаются вопросы. Если мы будем применять строгие стандарты, то вскоре нам придется вычеркнуть из наших программ и репертуаров больше, чем хотелось бы», – говорится в заявлении.

«Война и мир» в Колонном зале

Театр пошел на риск и не прогадал. Постановка наверняка останется в истории. Кстати, премьеру можно было смотреть онлайн, в интернете велась трансляция (запись лежит в открытом доступе, только пользователям из России придется включить VPN).

Дмитрий Черняков перенес действие оперы в Колонный зал Дома союзов в Москве (да, на сцене воссоздали целый зал), тот самый, где в XIX веке проходили балы Благородного собрания, а в XX веке прощались с руководителями Советского государства, в том числе и со Сталиным. У Чернякова это герметичное пространство, все четыре часа действие спектакля происходит именно там – знакомство Наташи Ростовой (ее партию исполняет украинская певица Ольга Кульчинская) и Андрея Болконского (исполняет певец молдавского происхождения Андрей Жилиховский), выход в свет Пьера Безухова (Арсен Согомонян) с красавицей Элен (Виктория Каркачева), эпизод с дубом, появление Наполеона в Москве и т.д. Колонный зал у Чернякова ни разу не становится пространством, где царят красота и гармония. Под потолком шикарные люстры, а внизу – матрасы, одеяла, раскладушки, сломанные кресла. Во всем этом мгновенно узнается беженство. Люди буквально весь спектакль живут на этих раскладушках. Костюмы тоже подходящие – современная одежда, но выглядит она так, будто это единственное, что есть у людей. Одевала исполнителей художник по костюмам и давняя соратница Дмитрия Чернякова Елена Зайцева.

Авторы постановки убрали некоторые фрагменты из оперы Прокофьева, в частности батальные сцены. Зато хватает арий на тему патриотизма русского народа, способного победить всё и всех. Символично, что действие завершается похоронами Кутузова (Дмитрий Ульянов), а последние минуты – только музыка на духовых инструментах, никаких голосов. Понятно, что роман Толстого и опера не только о войне, но и о людях, чьи жизни она сильно изменила, о любви, о верности, о способности преображаться под гнетом обстоятельств, но во время просмотра мюнхенской постановки всё равно всё время думаешь о войне.

Во время десятиминутных аплодисментов главные исполнители Ольга Кульчинская и Андрей Жилиховский вышли получить свою долю оваций в футболках с украинским гербом.

Елена С.

Номер ссылки| 2023033208
Тема| Опера, Баварская государственная опера, «Война и мир» Сергея Прокофьева, Премьера, Персоналии, Эльмира Караханова
Автор| Любава Винокурова
Заголовок| Счастливый момент
Где опубликовано| © Московская Немецкая Газета.
Дата публикации| 2023-03-17
Ссылка| https://ru.mdz-moskau.eu/schastlivyj-moment/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Одну из партий в «Войне и мире» на сцене Баварской государственной оперы исполняет сопрано Эльмира Караханова. Эльмира поет за Дуняшу, служанку в доме Ростовых. В прошлом году певица окончила Молодежную оперную программу Большого театра. «МНГ» смогла поговорить с ней между спектаклями.

Эльмира Караханова (слева) в роли Дуняши (Фото: Printscreen)

Расскажите, как вы оказались в Баварской опере? Как я поняла, этот сезон вы точно поете там.

Я была на прослушивании в прошлом году, спустя два месяца мне позвонили и предложили контракт до июля 2023 года.

Получается, занятия немецкой фонетикой с Романом Матвеевым в Большом театре вам пригодились (летом мы рассказывали о том, как переводчик Роман Матвеев учит молодых певцов петь на немецком. – Ред.).

Немецкий язык я сейчас пытаюсь учить, нам его преподают дважды в неделю, а занятия фонетикой с Романом Алексеевичем мне очень помогли. Приятно слышать комплименты от зрителей и коучей по поводу хорошего немецкого произношения. Каждый раз в такие моменты мысленно посылаю привет Роману Алексеевичу.

О «Войне и мире». Как вы присоединились к постановке?

Я не проходила какой-то специальный кастинг для «Войны и мира», просто заранее был составлен план на сезон 2022–2023, и исходя из моего типа голоса и того факта, что я русскоязычный исполнитель, меня сразу поставили на роль Дуняши. Я знала об этом еще с весны 2022 года. В постановке задействовано большое количество русскоязычных певцов, я была рада встретить уже знакомых мне людей.

Как проходил процесс подготовки?

Репетиции на сцене начались в конце зимы, это было очень интенсивное и насыщенное время, особенно для тех, кто исполняет главные партии. Певцов, которые не знакомы с русской фонетикой, периодически вызывали на репетиции с коучами начиная с октября.

В основном общий язык для общения здесь английский, но так как большинство солистов в постановке русскоязычные, то обычно режиссер говорил на русском или английском, а переводчик переводил на немецкий. Меня поразило то, что Дмитрий Феликсович Черняков запомнил всех по именам, каждого статиста, каждого певца из хора, каждого ассистента, а это почти 100 человек, а то и больше!

До режиссерских репетиций с Дмитрием Феликсовичем у нас были репетиции с пианистами, чтобы выучить нотный материал, с Любовью Орфеновой – великолепным коучем, которая также часто преподает и в молодежке Большого. А еще фортепианная репетиция с дирижером, спевки.

Что эта постановка и участие в ней значат для вас?

Выступать на сцене с такими высококлассными певцами, под руководством Владимира Юровского и Дмитрия Чернякова, которыми я восхищаюсь на протяжении многих лет, – это большая радость. Этот опыт я мысленно складываю в свой воображаемый сундучок счастливых моментов в жизни. Даже если не все мечты в карьере мне удастся реализовать, часть из них уже начинает сбываться, и это греет душу.

Вы бы хотели остаться в Баварской опере еще на сезон? Или пока об этом рано говорить?

Я полюбила этот театр всем сердцем. Здесь невероятная атмосфера. Я бы хотела почаще тут выступать. В сентябре вот вернусь на «Дидону и Энея», но пока не планирую быть прикрепленной к какому-то определенному театру на будущий сезон.

Елена С.

Номер ссылки| 2023033209
Тема| Опера, МАМТ, Персоналии, ХИБЛА ГЕРЗМАВА
Автор| Вадим Верник
Заголовок| ХИБЛА ГЕРЗМАВА: «ЧЕСТОЛЮБИЕ И ЧЕСТНОСТЬ В ПРОФЕССИИ — ГЛАВНЫЕ СОСТАВЛЯЮЩИЕ ОПЕРНОГО ПЕВЦА»
Где опубликовано| © Журнал "ОК!"
Дата публикации| 2023-03-27
Ссылка| https://www.ok-magazine.ru/stars/interview/334401-hibla-gerzmava
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Выдающаяся певица Хибла Герзмава обладает уникальным голосом. Она покорила лучшие сцены мира и при этом уже почти тридцать лет остается верна своему дому — Музыкальному театру имени Станиславского и Немировича-Данченко. Совсем недавно состоялся Первый Конкурс вокалистов и концертмейстеров Хиблы Герзмава, который стал знаковым культурным событием. А для меня — большая радость вновь встретиться с любимой певицей!

Фото: Влад Локтев

Я всегда восхищаюсь, Хибла, твоей неуемной энергией. При твоей колоссальной творческой востребованности ты еще придумала свой музыкальный конкурс. Не представляю, как тебя на всё хватает? Откуда силы берешь?

А что такое, Вадик, силы для творческого человека? Когда ты занимаешься любимым делом и тем, в чем уверенно себя чувствуешь, Господь дает на это силы — ровно столько, сколько ты можешь вынести.

Когда ты это поняла?

Я это поняла после смерти мамы: на мою долю очень много выпало тогда испытаний.

Ты же была еще совсем юной.

Мне было 17 лет, и я собиралась поступать в Московскую консерваторию. Мама очень хотела, чтобы я соединила свою жизнь с музыкой. Так важно, когда в тебя верят! Это то, что я пронесла через всю жизнь и осуществляю в своем конкурсе, который будет проводиться один раз в два года. В оперном жюри были агенты и директора театров и концертных залов. В жюри концертмейстеров соединились две плеяды — московская и питерская школы. Наша программа отличалась от всех конкурсов. Она была соткана из разной музыки: обязательная ария Моцарта, арии разных веков и стилей, оперетта, народная песня, дуэт, и всё это происходило на оперной сцене моего родного театра! Я счастлива, что Президентский фонд культурных инициатив поверил в нас и дал возможность сделать конкурс на высочайшем уровне. У нас очень красивый приз. Это потрясающий арт-объект — не статуэтка, а летящая нота, живая летящая нота. Мы оплатили всем конкурсантам дорогу, проживание. В наших участниках, молодых людях, очень много творческой энергии. Есть немало прекрасных певцов, которые вроде бы уже и занимаются профессией, но основной карьеры у них нет. Это ведь важно, чтобы в какой-то определенный момент тебе помогли и в тебя поверили. Я всегда знала, что творческий человек нуждается в поощрении, нуждается в правильном воспитании и педагоге, в правильных учебных заведениях, в правильных конкурсах, в правильных концертных залах и оперных домах. Это всё путь, очень важный и трудный.

В этом смысле у тебя самой всё сложилось довольно стремительно. Ты училась в Московской консерватории у прекрасных педагогов — Ирины Масленниковой и Евгении Арефьевой, они тебя любили, верили в твой талант. Еще студенткой тебя ожидал триумф на Международном конкурсе Чайковского — Гран-при, причем этот высший приз был вручен впервые за всю историю конкурса. Ты попала в Театр Станиславского и Немировича-Данченко — и сразу колоссальный творческий интерес к тебе со стороны руководителя оперной труппы Александра Тителя.

За всем этим стоит огромный труд тех людей, которые меня направляли на этот путь, и огромный мой труд, ведь важно, что человек трудится и служит музыке.

Вот эта работоспособность, про которую ты говоришь, у тебя в крови, тоже с детства?

Перфекционизм, да. Я с детства была такой, со школы. Это когда ты стараешься во всем быть отличником. Иногда это даже мешает, иногда это надо немножечко отпустить, но сделать это сложно, потому что ты воспитан так, в такой семье. Это всё было в очень правильном русле, так скажем.

Ты можешь сколько угодно говорить о том, что можно себя немножко отпустить, — у тебя это точно не получится. Поэтому и результаты такие.

На самом деле я не хочу ничего отпускать. Это как тот скакун: если его не направлять, то он может убежать в другую сторону. Нужно знать, что важно для тебя, знать, куда ты идешь, если у тебя есть конкретная задача. Тогда можно распределить и вот этот перфекционизм, и свои силы, и чувство долга, и честность перед профессией. Честолюбие и честность в профессии — главные составляющие оперного певца. Я счастлива, что училась в Москве, в консерватории. Я счастлива и горжусь, что я российская оперная певица, что я народная артистка России и лауреат Государственной премии моей страны.

Ты счастливый человек еще и потому, что рано поняла, куда идешь, в какую сторону и кем хочешь быть. Хотя я знаю, что в детстве ты мечтала стать органисткой — даже в консерватории параллельно с вокальным факультетом два года училась на факультете органа.

Пианистическое прошлое очень помогает в моей сегодняшней певческой жизни.

А как помогает?

Во-первых, певец начинает слышать по-другому. Мне кажется, все-таки надо на каком-то из инструментов уметь играть, хотя бы на рояле. И слушать музыку, не только вокальную, но и симфоническую и фортепианную. Я росла в Пицунде рядом с храмом, где стоит прекрасный орган, который был специально построен для этого храма. А какая потрясающая музыка там звучала — органная, симфоническая и вокальная! И вот уже 21 год рожденный в Абхазии фестиваль «Хибла Герзмава приглашает...» имеет свою яркую музыкальную историю. Мне кажется, певец должен быть воспитан на разной музыке, это формирует вкус и стиль.

Ты и сама несешь разную музыку. Например, твои джазовые концерты не менее роскошны, чем оперные истории.

У меня так складывается карьера, что я пела в первых театрах мира главные партии: в Ковент-Гардене, Ла Скала, Метрополитен-опере, Баварской опере, Венской опере. Я счастлива, что могу служить и в Мариинском театре, когда меня приглашает Валерий Абисалович Гергиев, и в Большом театре, когда Владимир Георгиевич Урин зовет. Театр Станиславского и Немировича-Данченко — это с 1995 года мой дом, из которого я бы никогда не ушла. Именно поэтому я и придумала конкурс: для артиста так важны истоки и всё, что связано с его становлением.

Я с тобой согласен, тем более что я много лет вел на канале «Культура» программу «Кто там…», как раз про начинающих, про молодые таланты.

Да, я, к сожалению, не попала в твою программу, не получилось у нас с тобой. (Улыбается.)

Это потому, что ты очень быстро стала звездой. Зато позже ты снялась в нашей с Игорем программе «2 Верник 2». А как тебя любят зрители! На твоих спектаклях и концертах всегда аншлаги.

Могу сказать, что я избалована тем, что у меня всегда полные залы. И я низко кланяюсь своим зрителям. Они приходят с цветами, подарками, они аплодируют, им нравится то, что я делаю, — а это счастье. В какой-то момент, особенно после 50, ты особенно начинаешь это ценить.

Слушай, а ты так легко про свой возраст говоришь?

Я абсолютно спокойно говорю про возраст. Ты знаешь, я горжусь, что я в 53 года прекрасно выгляжу.

Могу это подтвердить!

Я прекрасно, тьфу-тьфу-тьфу, звучу. Надеюсь, что голос будет еще долго свежим, потому что у меня есть чистота тембра и отличная вокальная школа.

Ты как-то говорила мне, что, когда у тебя сын родился, голос стал мягче и лиричнее. Это действительно так влияет?

У меня в голосе появились какие-то другие нотки, тембр стал более богатый, более круглый, более изысканный. Весь твой организм поет — это в полной мере я ощутила как раз после рождения ребенка. Но это очень индивидуально, у всех происходит по-разному.

Получается, после рождения сына ты стала знакомиться с собой, со своим голосом заново?

Наверное, да. Немножко поменялся репертуар. Женщина становится более мягкой, более женственной, у нее глаза другие, ощущение мира и музыки другое.

Ты же очень быстро вернулась на сцену. Это тоже перфекционизм: сыну 4 месяца, а ты уже на сцене!

Нет, это честолюбие, это чистота в работе и профессии. Сначала нужно обязательно посмотреть, как чувствует себя голос. Если ты восстановлен, то можно потихонечку начать петь. Мы сейчас стали говорить про Сандрика, и я захотела шоколадку. (Улыбается.)

Сын, когда был маленьким, пел в детском хоре Театра Станиславского и Немировича-Данченко, но музыкантом не стал.

Это одна из частей воспитания ребенка, когда он дома слушает музыку и воспитан на хорошей музыке. У нас в театре замечательный детский хор. Детки поют в наших спектаклях на разных языках. Это тоже воспитание. Я была рада: сын рядышком и выступает в спектаклях. Он такой чудесный был в «Богеме» — в кепи, настоящий Гаврош! Мы его называли Знайкой, потому что он в таких маленьких круглых очочках был и в кепи. У нас была потрясающая постановка «Богемы», я считаю ее одной из лучших в мире. И для меня этот спектакль исторический, я ведь пришла в Театр Станиславского именно на постановку «Богемы». А потом сразу меня пригласили в Мариинский театр петь в опере «Руслан и Людмила».

Здорово. Вот сын: пел в хоре, участвовал в спектаклях, а музыкой не заболел…

Сандрик — очень музыкальный, прекрасно поет. Он не стал профессиональным музыкантом, но всё равно занимается театральным делом. Ему 24 года, он учится на менеджменте арт-бизнеса и на режиссера-сценографа.

Что ж, в перспективе у вас может сложиться творческий тандем.

У него акцент на драматический театр, но главное — театральный ребенок получился (улыбается), чему я очень рада.

А я рад, что, когда мы говорим про твоего сына, ты ешь шоколадку.

Да, потому что ребенок у меня сладкий. Он очень стильный, элегантный, а главное — у него есть стержень мужской. Я считаю, что мальчиков нужно воспитывать именно так, со стержнем. Мужчина должен быть мужчиной. Он должен быть сильным, уважать старших, обожать женщин, детей, стариков. Он Вселенский человек, мы же рождаем не для себя, это в какой-то момент они рядом, а потом это Вселенские люди. Мы рождаем их для Вселенной. Они свободны.

Какая мудрая мама!.. Хочу спросить про Большой театр. Каждое твое выступление в Большом — это событие. Но когда тебя позвали в труппу, ты отказалась. Неужели не было соблазна стать примой Большого театра?

Мне кажется, время примадонн было, когда Елена Образцова пела, Ирина Архипова, Галина Вишневская, Маквала Касрашвили, когда были Атлантов, Соткилава, Нестеренко — это же знаменитая плеяда певцов, за которыми мы шли, мы были маленькими, для нас это были великие имена. Меня несколько раз приглашали в Большой театр. Может быть, в самом начале пути я сделала ошибку, когда отказалась от Большого театра. Мне казалось, раз меня привели в Театр Станиславского и я уже стала здесь расти, то несправедливо отсюда уходить. И я понимаю, что поступила правильно. Можно петь в разных театрах, но всегда надо возвращаться домой. Я с удовольствием прихожу в гости, когда меня зовут в Большой петь и преподавать в Молодежной программе.

«Хибла» в переводе с абхазского — «золотые глаза». Это имеет для тебя какое-то значение?

Я считаю, что данное человеку имя — это его энергия. Я очень благодарна родителям, что они назвали меня Хиблой. Это сильное имя. Хибла Герзмава — сочетание имени и фамилии...

…а «Герзмава» — это «волк».

Волк, да.

А в тебе есть что-то волчье?

Может быть, есть. Что такое волк, волчица? Это семейный очаг, сила, это умение повести за собой, правильно?

Да. Еще суровый нрав.

И суровость. Да, всё это во мне есть.

При этом кроме «волчицы» у тебя — море обаяния. Такая мягкая сила. А на сцене —невероятная амплитудность! Многие твои героини проживают трагедии. Страсти бушуют, рвутся в клочья, и вдруг такая тонкая лирика возникает, как, например, в «Медее». Сколько энергии требует каждая твоя партия! А ты же еще стойкий оловянный солдатик: что бы ни случилось, как бы себя ни чувствовала, всегда выходишь на сцену.

Я очень редко что-то отменяю, и если уж отменяю, то значит действительно серьезно заболела.

Как ты проводишь день перед спектаклем?

И перед спектаклем, и перед концертом голос должен отдыхать. А это молчание и тишина. Я сижу с клавиром, повторяю текст, смотрю всю ткань спектакля, не только свою партию. Я обязательно должна повторить партии своих партнеров, посмотреть оркестровку, когда я вступаю... Это такая отдельная музыкантская жизнь перед спектаклем. Я распеваюсь очень заранее, мне всегда хочется, чтобы голос звучал и не был сухим, — нам на помощь приходит физраствор, который дает возможность немножечко увлажнить свой голос. Конечно же, меня красят, я причесываюсь, потому что певица должна быть очень красивой на сцене. Я всегда приезжаю за три часа до начала, готовлю специальные украшения, проверяю свои платья и туфельки. Обязательно нужно пройтись по сцене заранее, даже если она еще не готова, — так ты настраиваешься на спектакль, возникает ощущение свободы.

А на следующий день — уже обычный ритм?

Иногда после «Медеи» или других очень сложных спектаклей надо подольше отдохнуть, но бывает так много дел, что ты встаешь и идешь. Нужно всё время учить что-то новое. Мы же всегда ученицы и ученики. Как однажды моя знакомая, не музыкант, пошутила, что с головой и мозгами у меня всегда всё будет хорошо, потому что я постоянно что-то учу — новые партии, романсы...

Это правда, что ты йогой занимаешься?

Сейчас нет, но я дышу йоговскими упражнениями. А раньше да, я очень серьезно занималась йогой. У меня был учитель, я приходила заниматься гимнастикой, для меня это было вместо фитнеса.

Вот ты сказала, что для тебя важно, какие на тебе украшения и драгоценности на сцене. А в жизни что предпочитаешь?

Я всегда одеваюсь casual, элегантно, но очень просто. Я люблю украшения, у меня есть украшения для сцены, а есть украшения для жизни. Они обязательно разные и на каждый отдельный случай: на выход, в театр, на репетицию. Мы, женщины, хотим прекрасно выглядеть, а если что-то блестит, это очень красиво. Всегда приятно, когда это натуральные камни.
Я прихожу на репетицию, а на мизинчике у меня элегантный перстенек или в ушках что-то красивое.

«Дружу только с мужчинами» — твоя фраза, произнесенная несколько лет назад. В этом плане ничего не изменилось?

У меня есть две подруги, которые со мной с детства, а так, в принципе, друзья только мужчины — так получилось. Наверное, я им верю больше. В детстве у нас была такая мальчишеская компания. Они меня взяли к себе, охраняли, оберегали. Это было очень трогательно, правда.

А почему ребята так к тебе относились?

Не знаю, может, потому, что я умею дружить. В дружбе надо не только себя любить, но и того человека, с которым дружишь. Так же и с музыкой: я ведь люблю музыку в себе, а не себя в музыке. И я это давно поняла.

Со студенческих лет?

Думаю, со школы даже. Я просто поняла, что сначала люблю музыку, а потом себя. Мне всегда казалось, что это правильно.

И музыка отвечает тебе взаимностью. А есть какие-то неизведанные горизонты, к которым тебе хочется приблизиться?

Мне обязательно нужно сделать новую камерную программу. Сейчас готовим ее с Катей Ганелиной, великолепной пианисткой, моим концертмейстером, с которой мы уже 30 лет вместе на сцене. Потом надо подготовить «Аиду», Эльвиру из «Эрнани», Адриану Лекуврёр — вот эти три полотна я готовлю. А осенью уже традиционно я приглашаю своих зрителей и тех, кто любит театр и музыку, в Мариинский театр на вручение премии «Онегин».

Хибла, дорогая, я рад нашему разговору. Мы с тобой столько лет дружим, а я для себя постоянно открываю новую Хиблу Герзмава. И пусть так будет всегда!

Спасибо огромное, Вадюша. С тобой очень приятно беседовать.

Фото: Влад Локтев
==============================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

atv

Номер ссылки| 2023033210
Тема| Опера, Персоналии, Александр Михайлов
Автор|
Заголовок| АЛЕКСАНДР МИХАЙЛОВ: «ФЛИРТ — ЧАСТЬ МОЕЙ ЖИЗНИ!»
Где опубликовано| © «ЭКОПОЛИС magazine» №24, стр. 10
Дата публикации| 2023-03-05
Ссылка| https://ecopolis-spb.ru/wp-content/uploads/2023/03/eko-inet.pdf#page=10
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

АЛЕКСАНДР МИХАЙЛОВ — ТЕНОР МАРИИНСКОГО ТЕАТРА, ИСПОЛНЯЮЩИЙ ВЕДУЩИЕ ПАРТИИ ОБОЛЬСТИТЕЛЕЙ НА СЦЕНЕ, РАССКАЖЕТ О ТОМ, НАСКОЛЬКО ЭТО ПОМОГАЕТ В ЖИЗНИ, КАК ЭТИМ ПОЛЬЗОВАТЬСЯ И КАК СДЕЛАТЬ, ЧТОБЫ МЕЧТА СТАЛА РЕАЛЬНОСТЬЮ.

Александр, как происходило Ваше восхождение на музыкальный Олимп?

Начинал я как пианист, учился на фортепианном отделении Мурманской музыкальной школы. При этом с малых лет пел в хоре. В деcять лет попал в детский хор, который участвовал в опере «Тоска» совместно с Королевской норвежской оперой в Мурманске. Я был очарован магией процесса. А далее все получилось самой собой. Поступил на дирижерское отделение Мурманского музыкального училища. Выбрал это направление, потому что именно там обучали классической вокальной школе. А мой педагог Роза Константиновна Валькович выпустила не одно поколение профессиональных кадров. Они достигли высот не только в России, но и в мире.

Как оказались в Мариинском театре?

Когда я учился в Мурманске, работа в Мариинском театре была для меня голубой мечтой. Хотя уже были прецеденты, наши ребята Евгений Никитин и Татьяна Павловская добились там больших успехов. Поэтому мне казалось, что цель, попасть в Мариинку, не так уж недостижима. Я поступил на вокальное отделении петербургской консерватории. Во время обучения мне посчастливилось прослушаться у маэстро Гергиева в антракте оперы «Лоэнгрин» в дирижерской. Спел песенку герцога из «Риголетто» и получил одобрение на работу. Сначала было не просто, но с каждым годом количество и сложность партий возрастали. После премьеры оперы «Симон Бокканегра» в марте 2016 года мне удалось убедить вышестоящее руководство, что на меня можно положиться, мне стали доверять серьезные задачи. С тех пор выходных в моей жизни стало меньше.

Правда то, что Вы едва не стали программистом?

После девятого класса думал идти учиться на программиста. Во мне сформировалась любовь ко всему компьютерному, не только к игрушкам, мне нравилось ковыряться в железе, настройках. Но когда понял, что музыкальное дело подвластно меньшему количеству людей, я выбрал музыку. При этом я не прекращаю развиваться в компьютерных технологиях — собираю компьютеры, помогаю друзьям. Эта часть жизни позволяет переключаться с острых музыкальных задач, думать немного по-другому. Смена деятельности и есть вид отдыха.

Александр, Вы исполняете ведущие оперные партии обольстителей в Мариинском театре?

Расскажите о них. Когда речь заходит об обольщении женского пола, то сразу же вспоминается партия герцога Мантуанского из оперы «Риголетто» Верди. Ни в какой другой теноровой партии невозможно раскрыть такой потенциал любви мужчины ко множеству женщин. Причем красоту он видит по–разному. Сначала заигрывает с хорошенькими придворными барышнями, потом переключается на нежную, небесную красотку Джильду, а в финале и вовсе крутит роман с работягой Маддаленой, далекой от идеалов красоты. В каждой из женщин он находит свое очарование. И нужно отметить еще и жив остается. Следует вспомнить Анатолия Курагина из «Войны и мира». Наташа Ростова поддается его чарам, а он испытывает к ней поверхностные чувства. Князь Мышкин из оперы Вайнберга «Идиот» пытается очаровать Настасью Филипповну, хотя делает это не специально, а искренне и трогательно. В «Золушке» Россини происходит процесс обоюдного обольщения, что приводит к свадьбе Рамиро и Золушки. Еще исполняю партию графа Либенскофа в «Приключении в Реймс», партию Фентона из «Фальстафа» и много других.

Как обольщаете зрителя?

Я — тенор, поэтому положительно отношусь к процессу флирта. Со зрителем, конечно, сложнее, потому что он видит искреннюю проекцию эмоций на сцене. Скорее всего этот процесс происходит через обольщение партнера, через работу с собственным образом. Есть, конечно, технические тонкости — можно охватить весь зал взглядом, но, думаю, что глубинное погружение в мир сцены — самый сильный инструмент воздействия на зрителя.

А в жизни какие способы применяете?

Жизнь — это не мир оперы. На сцене все очень гипертрофированно, ты знаешь, что произойдет, коллеги помогут пережить любые ситуации, а вот в жизни не важно — когда вступишь, слышишь ли ты оркестр, в ней играют роль другие методы. Огромное количество событий происходит стихийно, без возможности к прогнозированию. Хотя признаюсь, те вещи, которые я привык делать на сцене, иногда помогают в общении с людьми. Например, легче понять, какой психотип перед тобой находится, как следует с ним взаимодействовать — эмоционально или логически.

Какой должна быть идеальная женщина?
В мире нет ничего идеального, в том числе и людей. Хотя в процессе влюбленности можно легко идеализировать женщину. И тогда объект твоего интереса становится идеалом, самой высшей недостижимой точкой, неким божественным потусторонним.

Как, на ваш взгляд, женщина должна обольщать мужчину?

Она должна это делать быстро, без тройных смыслов, чтобы было все понятно. Конфетно-букетные периоды остались в детстве, тогда было время, можно было потянуть резину и подождать чего-то. Я не перестал быть романтиком в душе, но окружающая действительность, к сожалению, диктует свои порядки.

Как Вы готовите столь разнообразный репертуар?

Работа состоит из нескольких этапов. Сначала разбираю материал по нотам, потом учу наизусть, далее идет наполнение текста эмоциями, чтобы подготовить различные реакции при выходе на сцену. Можно репетировать тысячу раз, но никогда не знаешь, что будет происходить во время выступления, мозг начинает работать по-другому, остро ощущаешь обстановку и действуешь с учетом энергетического воздействия зала. В моей работе важна скорость — чем быстрее выучишь, тем быстрее войдешь в роль.

Посоветуйте, с чего начать посещение Мариинского театра обычному человеку?

Оперу «Евгений Онегин» в постановке Юрия Темирканова я рекомендую посетить абсолютно каждому, даже детям. Ее можно сравнить с популярностью «Щелкунчика». Потрясающая музыка. И еще «Царскую невесту». Если Верди — то «Отелло», «Риголетто», если Моцарт — то «Дон Жуан», если французское — то «Лакме» Делиба. А далее зависит от вкуса, эмоций, которые хочется ощутить.

Какие самые яркие оперы о любви?

Оперы о любви очень красивы, но часто и, к сожалению, они имеют трагичный финал. Это и «Травиата» Верди, и «Алеко» Рахманинова, и «Кармен» Бизе, и «Снегурочка» Римского-Корсакова. Кстати «Золушка» Россини тоже про любовь, но никто не умирает. Тема любовных отношений существует в девяноста восьми процентах всех опер. Мне же нравятся Верди, Массне, Пуччини.

Что Вас вдохновляет?

То, что ведет меня по жизни. Это общение с прекрасными дамами, вкусный китайский чай, хорошая тяжелая музыка от хард-рока до современных металл жанров, встречи с друзьями, когда после тяжелого спектакля заказываем вкусное мясо, наливаем пиво, меняясь байками. Развитие моей семьи, у меня растет прекрасный сын. Очень супруга вдохновляет. Пришел домой, а там курочка приготовлена. В канун 8 марта хочу пожелать прекрасным женщинам и дальше быть непредсказуемыми чаровницами, ради которых сжигались города, строились империи и воплощались самые безумные идеи. А мы, мужчины, будем и далее восторгаться вами и ловить вдохновляющие, мимолетные, кокетливые улыбки.

====================
Фотогалерея – по ссылке