Балет и Опера

Елена С.

В первом ряду: Чиполлино — Ратмир Джумалиев. Редисочка — Мария Мишина. Кум Тыква — Сергей Кузьмин. Чиполлетта-сестра — Мария Шувалова. Чиполла-мать — Анна Балукова. Фото – Павел Рычков

В Большой театр вернули советский балет «Чиполлино».

Поставленный хореографом Генрихом Майоровым в 1977 году в Большом театре на музыку Карена Хачатуряна, а до того — в Киеве, спектакль долго числился в афише, но потом был снят с репертуара. Теперь восстановлен.

Детский спектакль (а таких в афише всегда не хватает) будет пользоваться кассовым успехом. Помимо Щелкунчика». И надо же чем-то пополнять репертуар. Балетов Баланчина теперь в афише не видно, так пусть «Чиполлино» будет.

Назидательная притча о восстании притесняемых овощей против тоталитарного фруктового режима, описанная в книге итальянского писателя Джанни Родари, хорошо известна в России. Все читали историю про луковое семейство, вместе с друзьями осмелившееся бросить вызов тирану Принцу Лимону и его силовому окружению.

В семидесятые годы, когда показ классовой борьбы в искусстве и протест против угнетения «где-то там» считались не просто хорошим тоном, а идеологической необходимостью, балет Майорова, хоть и комедийный, удачно вписался в господствующий идеологический мейнстрим. Для взрослых Большой театр предлагал «Спартак» одного Хачатуряна, для детей — «Чиполлино» другого Хачатуряна.

Недаром у племянника в патетические моменты борьбы овощей музыка становится похожей на дядину партитуру о восстании рабов, да и кукольный танец Чиполлино у Майорова приобретает сходство с героической пластикой Спартака. Но – так уж получается — в пародийном варианте.

Музыка младшего Хачатуряна, продирижированная Павлом Сорокиным, удобна для танца четкой ритмичностью, она бодрая, веселенькая, мелодии можно напевать, они наивны до предела. В партитуре есть и тарантелла, и галоп, и марш, и менуэт, в оркестре – туба и гитара. Да много чего, вплоть до кастаньет.

В общем, идеально для мультика и хорошо для хореографа, ибо Майоров и поставил балет-мультик. Пестрый, динамичный, простой для восприятия. Настолько, что видеть это на вечернем показе как-то неловко.

Взрослым, на мой вкус, там делать нечего. Разве что побыть с детьми. Детям же должно подойти. Во-первых, декорации Валерия Левенталя — яркие, дробные, тоже пестрые. Переливающиеся всеми цветами радуги. Белые домики на холме с балкончиками (хотя овощи живут в корзинах) и синее море на заднике, воспоминания о солнечной Италии. Занавес с бабочками. Костюмы как яркий коллаж разноцветных мазков, с аллюзиями к XVIII и XIX векам. Придурковатый (что видно по вихляющей походке, декоративному надуванию щек и наклеенному носу) Принц Лимон весь обсыпан «бриллиантами». В общем, картинка не скучная.

И танцы (автор возобновления — дочь хореографа Анна Майорова) бодрые, с обильными ужимками и гримасами отрицательных персонажей, с единодушным воодушевлением персонажей положительных. Детям не важно, что хореография, в общем, повторяемая, хотя и технически навороченная.

И это причина, почему взрослые, любящие балет, могут все же пойти на «Чиполлино». Чтобы посмотреть, как хорошо обученные профи делают сотбаски, наворачивают ассамбле или двойные туры, причем специально — с показушностью мюзик-холла. Майоров, как может, пытается танец разнообразить: то вамп-Магнолия резко прыгнет с поджатыми ногами, то Редисочка (ее танец — привет старинному балету «Арлекинада») кокетливо скакнет в па-де-ша, то графини Вишни в бордовых кринолинах семенят и жеманничают а-ля Версаль. Или танцуют жестокое танго с Принцем.

Нежданные бризе аристократа Вишенки – туда же, как и ожидаемые жете героического Чиполлино. А солдаты-лимоны тупо маршируют, а ищейки-приспешники Синьора Помидора грузно топочут и коряво бегают, «коленками назад», буквально надуваясь от собственной значимости, а тот же Принц картинно разыгрывает потрясение основ после того, как ему наступили на ногу. После сонма общественных арабесков и больших батманов, с добавленным простым овощам перманентно-разляпистым шагом с пятки (народ же, значит, должен танцевать нечто грубоватое и народно-характерное).

Еще много тумаков и немного обмороков. Танец полосатых стражников (чудесные Георгий Гусев, Игорь Пугачев и Иван Сорокин) — вылитая трактирная Жига из «Дон-Кихота». Хорошо сделана сцена погони. Есть даже суровое наступление возмущенных народных масс на зал, к краю сцены, похожее на аналогичный эпизод в балете «Пламя Парижа». А что? В обоих случаях боремся с угнетателями!

Когда пушка стреляет безжалостно засунутыми в ствол Принцем и Помидором, и они рассеиваются, дети могут порадоваться торжеству добра с кулаками (было такое словесное клише), а взрослые – задуматься, так ли окончательна народная победа. Ведь клан надменных аристократов-Вишен, как и солдаты с ищейками тайной полиции, никуда в этой стране не делись.

Пока же все хорошие овощи сажают (то есть с размаха втыкают в «землю») мирные цветы и намерены, наконец, построить дом бездомному Куму Тыкве.

Труппа, которой явно нравится гримасничать и гаерствовать, щелкает этот балет как орешки. Отчего ж не развлечься. Тем более что есть где развернуться: в наличии и соло, и дуэты, и трио, и ансамбли. А танцевать — как, впрочем, и играть в овощей и фруктов — тут можно грубым помолом. Общая атмосфера детсада всё прикроет, в том числе и отдельные технические помарки. И никто в здравом уме не будет предъявлять претензии к плохо, не по системе Станиславского, сыгранной роли лука или редиски.

Первый состав в лице мускулистого Чиполлино (Ратмир Джумалиев), кокетливой Редисочки (Мария Мишина), соблазнительной Магнолии (Мария Виноградова), грациозного Графа Вишенки (Клим Ефимов), по-хорошему комического Принца Лимона (Игорь Цвирко) и брутального Синьора Помидора (Александр Водопетов) представил надлежащее разнообразие театральных типов. И всё, ничего добавлять не надо.

Но больше всех, кажется, развлеклись составители буклета к спектаклю. Они порезвились на ниве черного юмора. На одной странице этой, специально сделанной для детей и в целом забавно-познавательной книжки, Чиполлино протестует против изготовления вегетарианской пиццы, а на другой, как ни в чем не бывало, напечатан рецепт приготовления лукового супа.

Елена С.

Номер ссылки| 2024121001
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Карэн Хачатурян, Генрих Майоров, Анна Майорова
Автор| Елена ФЕДОРЕНКО
Заголовок| Возвращение заморских овощей: Большой театр восстановил балет «Чиполлино»
Где опубликовано| © Газета «Культура»
Дата публикации| 2024-12-10
Ссылка| https://portal-kultura.ru/articles/theater/367075-vozvrashchenie-zamorskikh-ovoshchey-bolshoy-teatr-vosstanovil-balet-chipollino/
Аннотация| Премьера

«Чиполлино» — один из самых успешных детских балетных проектов. Задорные овощи и фрукты впервые появились на сцене ровно 50 лет назад — впору отмечать юбилей.

Спектакль появился на свет в 1974 году в Киевском театре оперы и балета имени Тараса Шевченко. Оттуда зашагал по советской стране: Ашхабад, Воронеж, Минск, Уфа, Харьков, Кишинев, Донецк, Краснодар, Вильнюс. Большой театр пригласил героев популярной сказки итальянца Джанни Родари в 1977 году и стал третьим местом прописки «Чиполлино». К тому времени о чудо-балете много говорили, а его создатели: композитор Карэн Хачатурян и хореограф Генрих Майоров — уже были увенчаны Государственной премией СССР (1976). На спектакль обрушилась настоящая еатральная слава. Его популярность сделала «Чиполлино» едва ли не главным сочинением в наследии авторов. В репертуаре главного театра страны спектакль сохранялся более трех с половиной десятилетий, менял формат: шел и в двухактной и в трехактной версии; испробовал все сцены: Государственного Кремлевского дворца, Историческую и Новую.

Сегодня, спустя одиннадцать лет, Большой театр представляет капитально возобновленный балет «Чиполлино». Восстанавливали по старым лекалам и от оригинала старались не отступать. Соответствия первоисточнику добивалась от исполнителей Анна Майорова, работавшая с отцом в качестве его ассистента над постановками «Чиполлино» в разных городах. Над красочными декорациями Валерия Левенталя трудилась Ольга Медведева, костюмы воссоздавала Майя Майер, с оркестром репетировал маэстро Павел Сорокин, дирижировавшей еще старой редакцией. На недавней премьере музыка звучала свежо, задорно, ярко и остроумно.

Со своей музыкой композитор жил долго — он сочинил партитуру к полюбившемуся советской детворе одноименному мультфильму, который появился на экранах в 1961 году. Карэн Хачатурян рассказывал, что мелодии разрастались в его фантазии, и герои сказки итальянца Джанни Родари буквально преследовали его. Когда новосибирский артист балета и режиссер Геннадий Рыхлов написал либретто для задуманного им балета, который он и поставил в родном театре в середине 70-х, композитор включился в работу с удовольствием и написал трехактный балет, в котором каждый герой имел свою запоминающуюся музыкальную тему. Хачатурян не заигрывал с детьми, завоевывая дешевый авторитет, он просто «рассказывал» сказку, интересную ребятам и их родителям. Музыка получилась театральной, заразительной, солнечной, бойкой, красочной.

Ее разнообразные ритмы и ясные образы увлекли хореографа Генриха Майорова — его, киевского балетмейстера, посоветовала композитору Майя Плисецкая, видевшая майоровские миниатюры, побеждавшие в балетных конкурсах в начале 70-х. Фантазия хореографа казалась неисчерпаемой: плоды садов и огородов словно подмигивали образцам большого балетного стиля — с вариациями, дуэтами, ансамблями и развернутыми кордебалетными сценами. Персонажи умоляли и страдали, как униженный народ в «Легенде о любви» и «Спартаке», а Чиполлино был похож на предводителя восставших рабов — балет и назвали «детским «Спартаком», да и музыку сочинили близкие родственники — дядя и племянник. В хореографии смешивалась строгая классика с вполне традиционными движениями из арсенала экзерсисов, и свободные формы танца, пластический язык сочинитель щедро «приправил» лукавой актерской игрой. Изобретательная сценография Валерия Левенталя отличалась прекрасным лаконизмом в стиле примитивизма и походила на рисованный мультик. Сказочный городок, где дома многим обитателям заменяют плетеные корзинки, полюбился и зрителям, и исполнителям.

В основе сказки коммуниста Джанни Родари — идея социальной борьбы. Представители пролетариата: луковки, редиски, тыквы, картофелины угнетены капиталистами: среди поработителей — помидоры, вишни, лимоны. Этот подтекст казался наивным и полвека назад: если его и принимали во внимание, то только как возможность посмеяться. В Большом театре незабываемые первые исполнители «Чиполлино» образца 1977 года «купались» в море юмора: Михаил Цивин (заглавный герой), Нина Сорокина (Редисочка), Марина Кондратьева (Магнолия), Марис Лиепа (Принц Лимон). Они соревновались друг с другом в пластическом и актерском остроумии. Шарм «Чиполлино» Большому был к лицу — через спектакль прошли все солисты и артисты театра — им нравилась его танцевальная стихия.

В сегодняшних артистах щегольства, резвости и насмешек явно поубавилось. На главные роли назначено немало исполнителей, и далеко не все смогут познакомить публику со своими героями в премьерном блоке показов. В партии Чиполлино — «Спартака для дошколят» — в первом составе выступил дебютант Ратмир Джумалиев, чему я очень рада. Он, выпускник Московской академии хореографии, куда попал из Алматинского балетного училища сразу на второй курс, служит в Большом первый сезон. Ратмир – танцовщик талантливый, прыгучий, с подвижной актерской природой, что нельзя было не заметить по его Арлекину, исполненному на выпускном вечере МГАХ. Чиполлино для него — роль на вырост: с техническими трудностями он справился без труда и сегодня, но при исполнении воздушных туров и сложнейших прыжков Ратмир выходил из образа сказочного заводилы и главаря.

Его верная подружка Редисочка с обожанием смотрит на бесстрашного героя, но сказать, что интрига оригинальных психологических отношений в этой паре заговорщиков простроена, пока невозможно. Улыбчивая Мария Мишина уверенно чувствует себя в роли, выдерживает классическую стройность танца и почти все технические сложности — удивляться не стоит: Мария исполняла Редисочку в 2012-м, в последний год жизни прежней версии «Чиполлино».

Двое аристократов из противоположного лагеря — Магнолия и граф Вишенка тянутся к повстанцам, устав от однообразия сытой и чинной жизни. Оба изъясняются на языке чистой классики. Танец Магнолии у красотки Марии Виноградовой в вечер премьеры не отличался соразмерностью, точностью и академическим чистописанием. Воспитанный благородный граф Вишенка Клима Ефимова был хорош — он, скучающий меланхолик, при встрече с новыми друзьями Чиполлино и Редисочкой уверенно и убедительно меняет актерские регистры.

Игорь Цвирко, «заслуженный синьор Помидор» прошлого спектакля, теперь исполняет главного злодея — принца Лимона. Его негодяй пребывает в каком-то угаре азарта и самолюбования — чего стоит его кокетливая походочка, падения, кувырки и манерность. Узурпатор демонстрирует дивное перевоплощение и решительный настрой на безудержную игру.

Послевкусие от балета оказалось двойственным: хорошо, что появился спектакль, в котором разные виды танца допускают звенящие актерские интонации, клоунаду, гротеск. Но, увы, далеко не все этим пользуются, и потому убедительных образов не так уж и много. Запомнился усталый бездомный старик кум Тыква — Сергей Кузьмин, Редиска-мать Анастасии Винокур, Виноградинка Данилы Клименко, Садовник Кактус Игоря Горелкина. Пока спектакль выглядит если не устаревшим, то явно утомленным, а ведь он дарит каждому исполнителю возможность проявить многокрасочные эмоции, веселую игру, остроумное и легкое безрассудство. Работа над характерами и образами — впереди, и, думаю, отличные танцовщики Большого театра нас еще удивят озорной стихией действия.

Фотографии: Павел Рычков/Большой театр.

Елена С.

Номер ссылки| 2024121101
Тема| Балет, Пермский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Алексей Мирошниченко
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Преданья новизны глубокой
Пермский балет представил собственную «Сильвию»
Где опубликовано| © Газета «Коммерсантъ» №229 от 11.12.2024, стр. 11
Дата публикации| 2024-12-11
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/7363700
Аннотация| Премьера

На сцене Пермского театра оперы и балета состоялась премьера «Сильвии»: худрук балетной труппы Алексей Мирошниченко поставил знаменитый балет Лео Делиба, самолично создав для него новое либретто. Диковинное зрелище воодушевило Татьяну Кузнецову.

«Сильвия» не копирует старый добрый балет — она им является, хотя придумана и создана в XXI веке
Фото: Никита Чунтомов / Пермский театр оперы и балета

Мировая премьера «Сильвии» Лео Делиба состоялась в Париже в 1876 году: трехактный балет на либретто Жюля Барбье и Жака де Рейнаха, адаптировавших пастораль Торквато Тассо, поставил Луи Мерант. Его хореография долго не прожила, но музыка укоренилась в балетном мире сразу и навсегда. Чайковский, например, был так впечатлен («…это первый балет, в котором музыка составляет не только главный, но и единственный интерес»), что отголоски «Сильвии» можно расслышать в его собственных балетах.

За прошедшие полтора столетия партитура Делиба будоражила многих именитых хореографов — от Сержа Лифаря до Джона Ноймайера. Однако сценическим хитом «Сильвия» так и не стала. Возможно, мешал анакреонтический сюжет с его богами, нимфами, пастухами, охотниками. Балетмейстеры просто покорялись музыке, накрепко связанной с либретто; в лучших «Сильвиях» хореографические фрагменты адекватны партитуре.

Худрук пермского балета Алексей Мирошниченко попытался эту дилемму разрешить: он сочинил собственное либретто по мотивам романа Джованьоли «Опимия» и мифа о Рее Сильвии, матери Ромула и Рема. Сатиры-фавны-нимфы-дриады в либретто остались, однако лишь в качестве наблюдателей — в дела людей они не вмешиваются. А человеческие коллизии разворачиваются по балетным лекалам: царь Альба-Лонги хочет выдать дочь Сильвию за военачальника Луция, однако в разгар помолвки тому приходится отправиться на войну. Властолюбивый брат убивает царя, а Сильвию насильно посвящают в весталки. Вернувшийся воин убеждает невесту нарушить обет безбрачия, его письмо перехватывает узурпатор, девушка в отчаянии убивает злодея его собственным ножом. Заклейменную богиней Вестой и общественным мнением, Сильвию хоронят заживо, ее участь разделяет жених. В эпилоге Аполлон и его музы, покоренные силой их любви, указывают воскресшим героям путь к сияющему чертогу-храму. Как ни странно, это либретто легко ложится на партитуру Делиба; впрочем, хореограф Мирошниченко и музыкальный руководитель Иван Худяков-Веденяпин добавили в свою постановку музыки из другого балета композитора.

Написано либретто с простодушной обстоятельностью, и эта интонация сохранена в постановке. Ни постмодернистской иронии, ни стилизаторских ухищрений, ни современных коннотаций — балет изложен образцовым классическим языком (из ХХ века в него залетели разве что большие мужские прыжки) и следует канонам старинного спектакля, неспешного, костюмного, парадного. Похоже, Алексей Мирошниченко — единственный из действующих хореографов, для кого этот тип зрелища и его пластический язык не архаичен, но естественен, а старинная организация действия (шествия, дивертисменты, всевозможные pas d’action, многолюдные ансамбли и пантомимные кульминации) — привычный способ изложения сюжета. При этом балетмейстер избегает цитат — типовые балетные па он складывает в новые сочетания, украшая их собственными поддержками и комбинациями.

Для многолюдного балета сценограф Альона Пикалова выстроила двухъярусные декорации. Балюстрада и атриум дворца уставлены золоченой утварью и мебелью: курильницы, треножники, пиршественные ложа заполняют каждый сантиметр маленькой сцены Пермского театра. Сотни костюмов Татьяны Ногиновой дополнены париками, затейливыми головными уборами и аксессуарами. Лилово-золотые развратные финикийцы с «полуголой», усыпанной блестками женской свитой; воинственные этруски в черных латах, роскошные матроны в туниках и столах изысканных цветов, «бакстовские» фавны в пятнистых трико, дриады и нимфы в трехслойных хитонах с «обнаженной» грудью — художники трактуют античность в духе Генриха Семирадского.

Артисты во всех этих экзотических нарядах чувствуют себя на удивление свободно и — до последнего сатира — танцуют с видимым удовольствием. И с похвальным прилежанием: колени-стопы дотянуты, позировки точны, руки придерживаются установленных позиций, рисунок массовых танцев отчетлив, перестроения стройны. Классический дивертисмент (балетмейстер поставил на пуанты не только нимф, но и уроженок исторических античных государств, благо достоверных сведений об их танцах все равно не сохранилось) пролетает на одном дыхании — так выверен его ритм, так правильно рассчитано чередование атлетичных мужских и пикантных женских номеров, так разнообразны солистки, от неотразимых финикийских вамп до резвых попрыгуний-рабынь.

В балете две главные мужские роли. Причем у друга главного героя партия технически труднее, чем у самого Луция, изъясняющегося преимущественно диагоналями жете и перекидных, в то время как Асканию приходится наворачивать круги с комбинациями двойных содебасков, револьтадов и жете ан турнан, умеряя при этом размах прыжка — маленькая пермская сцена не дает развернуться. Из двух виденных мной составов никто из премьеров не мог сравняться с примами. И они очень разные, эти две Сильвии. Длинноногая, почти прозрачная монголка Булган Рэнцэндорж с нежными руками, тающими линиями адажио и неожиданно уверенной техникой — в руках Кирилла Макурина эта «лиричка» запросто наворачивает по девять пируэтов (в московском Большом такого не увидишь). И маленькая бразильянка Анн-Жулиетт Пинейро с великолепной стопой, непогрешимым вращением и нездешней свободой отточенного танца — в исполнении этой крохи и Сергея Угрюмова изобретенные хореографом верхние поддержки казались чудом виртуозности. Балерины-иностранки, потеснившие отечественных прим, тоже роднят пермскую «Сильвию» с дореволюционными спектаклями: стоит вспомнить, что свои главные балеты Петипа поставил на итальянок.

Елена С.

Номер ссылки| 2024121102
Тема| Балет, Воронежский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Ирина Лазарева, Алина Фирсова, Максим Данилов
Автор| Виктор Силин
Заголовок| Подарок воронежской детворе: чем способен удивить балет «Дюймовочка»
Где опубликовано| © «Коммуна»
Дата публикации| 2024-12-11
Ссылка| https://www.communa.ru/kultura/podarok-voronezhskoy-detvore-chem-sposoben-udivit-balet-dyuymovochka/
Аннотация| Премьера

Журналист «Коммуны» Виктор Силин поделился впечатлениями от премьерного показа балетного спектакля

Премьерный показ балетного спектакля по сказке Г.-Х. Андерсена и на музыку П.И. Чайковского состоялся в Воронежском театре оперы и балета 8 декабря. Думаю, что абсолютное большинство, если не все, мальчики и девочки, пришедшие на спектакль, были знакомы с содержанием «Дюймовочки» (0+). Но одно дело - прочитать, совсем другое - увидеть приключения, которые случились с девочкой величиной всего-то с дюйм. Узнаваемость же происходившего на сцене подтверждалась искренними, заразительными аплодисментами.

Правда, в самом начале, как мне показалось, есть перебор с пантомимой - в ущерб танцевальности (хореограф-постановщик - Заслуженная артистка РФ Ирина Лазарева). Все эти лягушачьи ужимки и прыжки, когда Дюймовочку (Алина Фирсова) буквально преследует болотный клан – не что иное, как просто изменение сути события. Может, даже несколько карикатурное.

Однако сюжет раскручивался - и классический танец возымел верх. Спасает Дюймовочку от лягушачьих притязаний Жук (дипломант всероссийского конкурса Максим Данилов), который и сам не прочь на ней жениться. Но, как говорят в наше время, не сошлись.

Партия у Максима Данилова небольшая, но и в ней он сумел блеснуть мастерством. В его герое естественным образом драматическое сочетается с комическим, плюс – хорошее владение академическим стилем, всё это выделяет его из ансамбля.

Ощущение лёгкости придают спектаклю вставные номера: танцы снежинок, ласточек, эльфов. А вот кроты, изображающие какое-то подобие твиста, явно не вписываются в контекст балетной постановки.

Сольные вариации Мыши (Надежда Ефимец) и Ласточки (Елизавета Малаковская) заметно расширяют волшебное пространство и мотивы происходящего. Надежда Ефимец – явно характерная танцовщица, особенно это проявляется, когда она пытается выдать замуж Дюймовочку (в очередной раз!) за жадного Крота. Обаяние и благородство проступают в образе Ласточки, спасающей Дюймовочку от кротовьего подземелья. Обе балерины проявляют завидную выдержку, чтобы не выйти за рамки роли.

Завершается сказка, как и положено, счастливо: Дюймовочка попадает в страну эльфов. Принц (Ацунори Ота) предлагает ей руку и сердце. По всем внешним законам да плюс хорошая классическая выучка делают танцовщика если не идеальным, то достойным исполнителем коронованных особ. Ацунори Ота безукоризнен во вращении, в прыжке, а прозрачные крылышки за спиной только усиливают веру в его близость к духам воздуха.

Ну и о Дюймовочке. Алина Фирсова привносит к спектакль очарование юности. Лёгкость её танцевального рисунка сочетается с трогательной непосредственностью и чистотой.

Подводя итог, можно сказать, что балет «Дюймовочка» стал достойным новогодне-рождественским подарком нашей детворе.

Фото: Анастасия УСКОВА.
================================================================
ФОТОГАЛЕРЕЯ - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024121103
Тема| Балет, Театр «Царицынская опера», Премьера, Персоналии, Артём Паничкин, Елена Вершинина, Евгений Притужалов, Прохор Зеленин, Анастасия Грачёва
Автор| корр.
Заголовок| Балет-былину «Илья Муромец и перо Жар-птицы» представили на сцене «Царицынской оперы»
Где опубликовано| © Информационное агентство "Высота 102"
Дата публикации| 2024-12-10
Ссылка| https://v102.ru/news/137478.html?erid=F7NfYUJCUneP4ztCQfzG
Аннотация| Премьера

В минувшие выходные в театре «Царицынская опера» с огромным успехом прошла мировая премьера мистического балета «Илья Муромец и перо Жар-птицы», созданного по мотивам русских былин. Над уникальной постановкой работала звёздная команда: балетмейстер-постановщик Артём Паничкин, художник-постановщик, обладатель национальной премии «Золотая маска» Елена Вершинина, дирижёр-постановщик Сергей Гринев, музыка современного композитора Евгения Притужалова. Приглашенные солисты из Астрахани Прохор Зеленин (Светозар), Анастасия Грачёва (Ярина) создали трепетный дуэт влюблённых героев.

На протяжении нескольких месяцев все цеха театра трудились над созданием первого в истории исполнения балета современных авторов по мотивам русского эпоса. По словам директора театре «Царицынская опера», дирижёра-постановщика балета Сергея Гринева, давно хотели иметь в репертуаре спектакль с направлением современного композиторского и балетного искусства. Музыку для балета написал талантливый композитор из Екатеринбурга Евгений Притужалов. Русский эпос, народная музыка вдохновляли его на создание музыкального произведения, каждая из частей которого стала обособленной.

– Первый акт написан традиционным языком, – пояснил Евгений Притужалов, – второй акт более насыщен современными исполнительскими приёмами, новыми тембрами, находками для контраста, что отражено в музыкальном языке, в гармониях, читается визуально в партитуре и на слух. Масштабная и кропотливая работа велась во всех цехах людьми, полностью погружёнными в творчество. Получился хороший творческий ансамбль.

Сценография в спектакле является продолжением художественного замысла балетмейстера-постановщика и эмоционального восприятия музыки, которая создаёт общее впечатление. С первых минут декорации погружают зрителей в атмосферу сказочного древнего эпоса. Вековой лес, звёздное небо, облака, священный камень, богатырский меч...

– Декорации напоминают облака и ствол дерева в разрезе – как слои нашей русской культуры, – отметила Елена Вершинина. – Дерево символизирует цикличность жизни, связь с поколениями, а камень – смерть, перепутье между тем и этим миром. Я люблю свою страну и постаралась передать эмоциональное состояние того сложного времени и происходящих событий. Для костюмов использовались орнаменты (древнерусские символы и обереги) с деревянных наличников на окнах домов, которые создают красоту, отображают русскую культуру.

Декорации балета преображались с лёгкой руки главного художника по свету театра «Царицынская опера» Андрея Павлова, им создана удивительная световая партитура.
В спектакле встретились известные русские былинные персонажи и новые: непривычно пожилой богатырь Илья Муромец (Дмитрий Агафонов), его спутница Марена - богиня земли и смерти (Ксения Гринева), мальчик (Артём Кудинов) и девочка (Ева Скобельцева) /мужчина и женщина Светозар и Ярина, мистическая Жар-птица (Марго Тараканова), Соловей-разбойник (Сергей Калинин), Шамаханская царица (Лидия Леднёва) и т.д.

В первом акте, как и в былинном сюжете, Илья Муромец встречает по дороге путеводный камень и совершает свои последние подвиги. Второй акт расскажет о сложной борьбе чувства и долга, о преемственности поколений, служении людям и защите родного Отечества. По словам балетмейстера-постановщика Артёма Паничкина, второй акт стал самостоятельным произведением, альтернативной реальностью с глубоким философским смыслом, где главные персонажи – Светозар и Ярина.

– Получилось достаточно интересно, современно, – подчеркнул Артём Паничкин. – История рассказана классическим языком хореографии с использованием, конечно же, фольклора, при этом не забывали о современном языке танца, на котором говорят все хореографы XXI века.

– В Волгограде произошло большое событие для всего российского балета, – рассказала профессор Академии Русского балета имени А.Я. Вагановой и Российского государственного педагогического университета имени А. И. Герцена, кандидат искусствоведения Ольга Розанова. – Состоялась премьера первого балета -былины в истории балета. Балета на оригинальный былинный сюжет на очень актуальную сегодня тему защиты Родины любой ценой, самоотверженности во имя великой цели.
Спектакль поставлен на оригинальную музыку, специально написанную для балета, и с новой хореографией от балетмейстера постановщика Артёма Паничкина и ассистента Софьи Раевской.

В спектакле «Илья Муромец и перо Жар-птицы» найдено много интересных решений. Так, Илья Муромец предстаёт перед зрителями в преклонных годах, Смерть, которая сопровождает его, камень как символ чего-то вечного… Два контрастных акта балета – мирный и красивый первый, напряженный, драматичный второй.

Потрясающая музыку написал молодой композитор Евгений Притужалов, она очень театральная, красочная, сливается с действием и сопровождает эмоциональное состояние героев. Что определяет успех балета? Гармония музыки, хореографии, зрелищности. Всё это достигнуто! Зрителей ожидает потрясение в определённом смысле.

Спектакль по достоинству оценили и критики, и зрители. В зале был аншлаг, зрители долго не отпускали артистов, даря им бурные аплодисменты, цветы, а крики «браво» не смолкали в течение 15 минут.

Фото: театра «Царицынская опера».
================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024121104
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Денис Родькин.
Автор| Тимур Ганеев
Заголовок| «За «Спартак» теряю по 2-2,5 килограмма». Интервью с премьером Большого театра Денисом Родькиным
Премьер Большого театра Родькин назвал любимые виды спорта
Где опубликовано| © Спорт-Экспресс
Дата публикации| 2024-12-08
Ссылка| https://www.sport-express.net/obshchestvo/reviews/denis-rodkin-intervyu-artist-baleta-bolshogo-teatra-za-kogo-boleet-v-rossiyskom-sporte-2278048/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Денис Родькин.
Фото Известия

Одна из главных звезд мирового балета — о Джордане, работе без выходных и моментах гордости за профессию.

Не раз убеждался, что на баскетболе можно познакомиться с выдающимися людьми не только из мира спорта. Самый свежий пример — на матче Лиги ВТБ ЦСКА — «Зенит» на первом ряду за игрой наблюдал премьер Большого театра Денис Родькин. В 2017 году Денис получил балетный «Оскар» — приз Международной ассоциации деятелей хореографии Benois de la Danse, и уже с десяток лет считается одним из главных артистов балета современности. В последние годы, помимо плотной работы в Москве, Родькин дает свои спектакли в дружеских странах, и на его выступления в Китае, Турции и ОАЭ собираются полные залы.

В разговоре с «СЭ» Денис рассказал о том, что он считает своим главным достижением, назвал любимые виды спорта, а также главную угрозу искусству.

Много о читал о Джордане, смотрел его игры на YouTube

— В своих интервью вы говорили, что в детстве занимались футболом, но после полученной травмы долго не могли даже смотреть его. А вас что-то связывает с баскетболом?

— Не могу назвать себя фанатом этого вида спорта, но я люблю посмотреть баскетбол. Особенно вживую. Ходил на матчи «Химок», когда они выступали в Евролиге. Очень хорошо помню, как химчане бились с ЦСКА в плей-офф Евролиги, были очень напряженные и зрелищные матчи. В октябре мой друг Вадим Михалевский [баскетбольный агент] позвал меня на матч ЦСКА — «Зенит». Знаю, что сейчас это главное соперничество в российском баскетболе, поэтому здорово было понаблюдать за ним с паркета.

В целом баскетбол впечатляет меня своей динамикой, и мне кажется, что у этого вида спорта есть некая близость к балету. Все-таки прыжок — это основа и баскетбола, и классического балета, особенно у мужчин. Например, для того чтобы прыгнуть до кольца, игроки так же, как и в балете, делают не только прыжок, но и мах ногой.

— Были ли какие-то баскетболисты прошлого/настоящего, за которыми вы внимательно следили/следите?

— Из россиян назову Алексея Шведа и Сергея Карасева. Из легенд всегда импонировал Майкл Джордан.

— Смотрели ли «Последний танец»?

— Очень хочу посмотреть этот документальный сериал, но меня постоянно что-то отвлекает. Обязательно это сделаю. Я много о читал о Майкле, смотрел его игры на YouTube. Он стал уникальным явлением, вышел далеко за рамки мира баскетбола. Плюс, конечно, восхищает, какую бизнес-империю он выстроил после окончания карьеры.

— Дружите с кем-то из российских баскетболистов?

— В компании Вадима [Михалевского] мы несколько раз виделись с Сергеем Карасевым и Сергеем Моней. Последний, кстати, приходил на мой рождественский гала-концерт в Кремлевский дворец. Понятно, что им интересно узнать какие-то тонкости из моей сферы, мне — из их вида спорта. Так что всегда был живой диалог.

— Могли бы назвать топ-3 своих любимых видов спорта?

— Не буду оригинален: футбол, хоккей, баскетбол.

— В футболе есть любимая команда, игрок?

— Мой интерес к футболу обычно заново загорается, когда наступает пора крупных турниров на уровне сборных: чемпионат мира или чемпионат Европы. Потом так же быстро потухает. Конечно, всегда болею за сборную России. Очень жаль, что сейчас наша команда лишена возможности проводить официальные матчи.

— Знаю, что многие артисты балета интересуются фигурным катанием.

— Не моя история. Опять же, могу посмотреть выступление россиян на Олимпийских играх, но не более того.

Практически все свои травмы я получал, когда якобы был в идеальной форме

— В балете сумасшедшая физическая нагрузка. Можете ли вы заняться спортом (тренажерный зал, бассейн, бег), чтобы расслабиться после основной работы?

— Я часто совмещаю репетиции с работой в тренажерном зале. Нам, конечно, нельзя перекачиваться. Для четкого исполнения прыжковых элементов мышцы должны быть пластичные, однако держать в тонусе другие виды мышц тоже очень полезно. Еще важный момент: кардионагрузка. Мы много бегаем по сцене, прыгаем, поднимаем девушек. Поэтому я зачастую использую беговую дорожку. В основном выставляю себе быстрый режим на не самую длинную дистанцию, чтобы заставить сердце работать еще более активно.

— Какой идеальный способ восстановления для вас?

— Массаж, ледяные ванны. Причем пришел к этому не так давно, когда я получал небольшие микротравмы (уже несколько раз был надрыв икры). Поэтому после интенсивных нагрузок я стараюсь, скажем так, охладить свои конечности. Когда сосуды сужаются, лед помогает сделать так, что они вновь начали функционировать.

Самое же важное — научиться психологически отдыхать. Сменить обстановку, куда-то выйти, погулять. Порой это приносит даже больше пользы, чем ежедневный тренировочный процесс. Потому что наша профессия, так же как и спорт, связана с психологией.

— Во время спектаклей артист может на протяжении 40 минут находиться на сцене. Бывает такое, что теряете по несколько килограммов после спектаклей?

— Есть такой спектакль — «Спартак». После него я точно теряю по 2-2,5 килограмма. В каждом акте сложные физические нагрузки, которые подходят только выносливым людям. Это яркий пример того, когда ты резко худеешь. Но когда у тебя много работы, много репетиционного процесса, а еще и добавляется и нервная нагрузка, в такие моменты ты смотришь на себя в зеркало, и в хорошем смысле и лицо у тебя обтачивается, и мышцы становятся более рельефными. Не зря говорят, что артисты балета всегда очень хорошо выглядят.

— Насколько важно питание артиста балета? Есть вещи, которые вы не можете себе позволить? Например, бургеры или китайская еда?

— Почему нельзя съест тот же бургер? Это мясная котлета, полезный белок, и тут все зависит от качества продуктов. Да, хлеб можно дозировать, но при этом углеводы тоже важны. Многие говорят, что употреблять только белок — это полезно. Я так, честно говоря, не считаю, потому что во всем должна быть мера. Переизбыток белков или углеводов не приводит ни к чему хорошему. Поэтому я не ограничиваю себя в чем-то. Что мой организм хочет, то и надо есть.

— Спорт и балет похожи тем, что нагрузка в течение года неравномерная. Самая интенсивная — в разгар сезона. Бывают периоды, когда вы можете взять лишний выходной?

— Когда чувствуешь, что тело отказывается выполнять физические нагрузки (такой протест тоже бывает), то можно взять отгул на два-три дня. И если у тебя нет нагрузки в театре, то это абсолютно нормально. Вот когда один за другим идут спектакли, то, конечно, приходится себя преодолевать. Не скажу, что это дается мне архисложно. С самого раннего детства в нас закладывают, что надо работать через не могу, делать сверхусилия. Когда я был юным артистом, то вообще не давал себе отдыха. Когда стал постарше, то понимаю, что важно давать телу отдых. И тут опять мы возвращаемся к теме восстановления. Грамотный отдых помогает продлить карьеру на сцене.

— Бывает такое, что в календарном месяце у вас нет ни одного выходного дня?

— Да, и это не очень полезно. Заметил, что практически все свои травмы я получал тогда, когда якобы был в идеальной форме. То есть я был пике своих возможностей, но в этот момент проходил физический и эмоциональный перегруз. В такие моменты, к сожалению, организм не выдерживает.

Горжусь, что искусство, которым я занимаюсь, прославляет нашу страну

— Сейчас абсолютно понятно, что балет — это мужская работа. А в детстве стеснялись говорить о том, что занимаетесь им?

— У меня никогда не было такого комплекса. Помню, что параллельно занимался футболом и балетом, и когда в итоге остановился на втором, то мой футбольный тренер был очень разочарован. Видел во мне потенциал. Учитель физкультуры в школе мог пошутить, громко произнося, что на урок пришел Нуреев или Барышников. Но меня это не обижало.

— Кстати, а кто вам ближе — Рудольф Нуреев или Михаил Барышников?

— Сложный вопрос. В один момент мне импонировал Нуреев, как человек, который успешно танцевал за границей, представлял русскую школу балета. В какой-то момент я восхищался Барышниковым. Определенно, это два ярких имени балетного искусства.

— У вас есть любимая роль у Нуреева?

— Назову роль принца Зигфрида в «Лебедином озере». Хотя Рудольф был уникальным в свое время во всех ролях. Когда смотрю на его хореографию (он же был еще и хореографом), то понимаю, что многие вещи он делал под себя. Учитывая свои особенности организма. И по сей день никто не может повторить эти прыжки.

— Помните момент, когда вы поняли, что гордитесь своей профессией?

— Наверное, это моменты, когда приезжаешь за границу. Особенно в страны, с которыми у России исторически были сложные отношения. Например, мы выступаем в Лондоне, и зрители в зале восхищаются русским балетом, Россией. Есть такой момент гордости, что искусство, которым я занимаюсь, прославляет нашу страну, и все политические отношения отходят на второй план, когда на арене русский балет.

— Артист балета погружается в мир разных ролей. Нужно готовиться к каждой партии, изучать историю, вникать в детали. Какая-то изученная история за последнее время поразила вас больше всего?

— За все время на сцене меня больше всего поражает история Спартака. Если это не выдуманная история (а многие сомневаются в ее правдоподобности), то это самая смелая личность в истории. Решиться на такое могут только избранные (согласно ряду источников, Спартак был руководителем восстания рабов и гладиаторов в Италии в 73-71 годах до н. э. — Прим. «СЭ»).

— Какая из ваших ролей вам ближе всего по духу?

— Глупо переносить в жизнь истории своих героев. Это всегда не очень хорошо заканчивается. Стараюсь выходить из роли, ни один персонаж, которых я исполняю на сцене, мне не близок. Еще не было балета, который был бы похож на мою жизнь.

— Какую роль вам бы еще хотелось исполнить?

— Сложно ответить на такой вопрос. Есть роли, которые меня поглощают полностью. Вот, допустим, недавно я станцевал Ромео, хотя я не танцевал никогда на сцене этот спектакль. Тем более в Большом театре, потому что у нас шла версия Григоровича, сейчас идет версия Лавровского.

И, конечно же, вот эти балеты, особенно драм-балеты, они тебя затягивают полностью, потому что невозможно на сцене танцевать так, как будто это какая-то проходная история. В нее надо погружаться, и, когда ты на сцене, ты отдаешь такую частичку своей жизни туда.

— Это уже ваш 16-й сезон в Большом театре. Осталось всего четыре года до пенсии. Осознаете, какой большой путь пройден?

— Это время прошло очень быстро. Конечно, чувствую, что окружение меняется, меняется немного и отношение к театру. Это иногда расстраивает, потому что в Большом театре есть свои определенные традиции, без которых невозможно существование этого заведения. Но бывают и положительные моменты.

Собственно говоря, это жизнь, и надо стараться относиться к ней с благодарностью. Даже когда тебе сложно, нужно наслаждаться этим, потому что это часть твоей жизни, часть твоего пути. Понятно, что за 16 лет у меня были и разочарования, и взлеты, и падения. Было все, но от этого и моя творческая судьба стала только ярче, интереснее. Поэтому вроде бы много лет прошло, но в то же время как-то все очень быстро пролетело, как будто мой дебют был буквально вчера.

— С кем из артистов вам бы еще хотелось поработать?

— Тут мне повезло. Я поработал со всеми, с кем мне хотелось. И с педагогами, и с артистами, и с партнершами. Теперь хочется создать что-то свое. Сейчас мы очень плотно работаем над созданием балета «Дягилев» совместно с Московским государственным институтом международных отношений. Надеюсь, это будет очень интересный спектакль, интересная роль для меня и интересные роли для моих коллег.

— Вы выступаете в нем еще и как постановщик?

— Нет, как художественный руководитель. Я подбирал хореографа, исполнителей, сценографа.

Не секрет, что Сергей Павлович [Дягилев] открыл русское искусство за рубежом: балет и оперу. И сейчас его история, как мне кажется, очень актуальна. Есть предчувствие, что текущая международная изоляция приведет еще к одному прорыву русского искусства.

Отличий у Большого и Мариинки нет, конкуренция создана искусственно

— На ваш взгляд, как на балете сказывается международная изоляция?

— Государственные театры не ездят в западные страны, но в частном порядке я выступаю в дружественных странах. Мы ставили спектакли в Турции, в ОАЭ, в Китае. Много стараемся гастролировать и по России. Недавно были в Новосибирске и в Красноярске.

— Ваш топ артистов балета в мире?

— Александр Годунов, Рудольф Нуреев, Михаил Барышников. Это наши классики.

— А кого выделите из современников?

— Восхищения от них нет. По крайней мере, как от трех вышеперечисленных артистов.

— В прошлом году общались с премьером Мариинского театра Юрием Смекаловым. Могли бы прокомментировать одну его цитату? «Большой театр — это президентский театр, это Москва, другие задачи. А в Петербурге мы стараемся сохранить традиции, те основы, которые лежали в основе русского балета. В Москве каждый артист делает то, что считает нужным. У нас этого сделать нельзя! Классика сохраняется в том виде, в котором она существовала».

— На самом деле никак отличий нет, а конкуренция создана искусственно. Для меня это единая школа русского балета. Если взять танцовщиков в одном театре, то они тоже отличаются друг от друга. Главное же отличие заключается в репертуаре и в выборе хореографов. И то сейчас идет такая тенденция, что один и тот же хореограф может ставить и в Большом театре, и в Мариинке.

— Что самое сложное в балете? За что вы его любите?

— За преодоление себя. За то, в какой форме мы можем себя держать. И самое главное — за возможность самовыражаться на сцене через театр.

— Какой вид искусства вам совершенно не близок?

— Все близко. Люблю и драматический театр, и живопись, и оперу, и литературу. Мне кажется, что все взаимосвязано.

— Что сегодня является самой большой угрозой искусству? Возможно, излишняя коммерциализация?

— На первое место важно ставить творчество. Это может принести хорошие деньги. И это долгосрочная перспектива. А разово заработать на чем-то проходном — это неправильный подход к делу. В первую очередь должно быть качество на сцене.

Хочу, чтобы меня запомнили человеком, который добился всего за счет упорного труда

— Какой сверхспособностью вы бы хотели обладать?

— Быстрое восстановление.

— Что приводит вас в уныние?

— Несправедливость и двойные стандарты. Это скорее вещи, которые расстраивают. Уныние — это грех.

— Кто бы сыграл вас в фильме о вашей жизни?

— Наверное, я сам. (Смеется.)

— Ваша любимая книга?

— «Мастер и Маргарита».

— Понравился ли вам одноименный фильм Михаила Локшина, вышедший в этом году?

— Нет. Этот фильм не имеет ничего общего с книгой. Как любитель Михаила Булгакова не приемлю такие искажения.

— Если бы вы могли вернуться в прошлое, куда бы вы вернулись?

— 1968 год.

— Что вы считаете своим самым важным достижением?

— Как я уже говорил — преодоление себя. Еще выделю, что мне удавалось грамотно выходить из неприятных ситуаций. Считаю это достижением, потому что многие люди не могут справиться с непростыми с моментами, которые выбивают их из колеи.

— Что не дает вам уснуть?

— Как и всем: адреналин. У спортсменов такая же история. Бывает, не сплю всю ночь, а под утро начинаю засыпать. И в таком случае я стараюсь не идти на работу. Надо восстановиться. Организм не молодеет.

— Вы хотите, чтобы вас запомнили как человека, который...

— Был честен и добился всего за счет упорного труда, справедливости, а не за счет предательства.

— Где бы вы сейчас хотели оказаться?

— Нахожусь в том месте, в котором и должен. Хорошо там, где нас нет. Я не выбираю места.

Елена С.

Диана Куцбах и Габриэл Лопес

Пермский театр оперы и балета выпустил «Сильвию» Лео Делиба — первую танцевальную премьеру 2024/25 и второй спектакль Алексея Мирошниченко после возвращения на позицию худрука труппы. Тата Боева рассказывает, как хореограф собрал из исторического балета без истории гибрид большого спектакля XIX века и литературного танца.

Прошлогодняя «Ярославна», которой Алексей Мирошниченко отметил свой камбэк после нескольких лет постановочного перерыва на сцену вообще и в Пермь в частности, так отличалась от других его работ, что заставила замереть, — это была явно новая страница, но неясно, какая именно. «Сильвия» — еще одно возвращение Мирошниченко, теперь уже хореографа, которого мы знали. Человека, который берется не столько за название, сколько за дух эпохи, и старается представить, каким мог бы быть спектакль. «Шут», «Оранго» и «Условно убитый» — прямые предшественники нынешней премьеры. Вещи, о которых все слышали, но никто в оригинале не видел. Балеты-призраки.

Кейс «Сильвии» особый, даже по сравнению с предыдущими подобными работами Мирошниченко. Спектакль, чья история состоит из нескольких ярких версий, сложно отнести к какому-то определенному времени. Лео Делиб написал музыку, а Луи Мерант поставил первую «Сильвию» в 1870-е годы. Тот спектакль номинально дожил до середины XX века, но едва ли к тому моменту был похож на исходник. В 1950-е и 1990-е свои версии создали Фредерик Аштон и Джон Ноймайер — авторские, отражавшие современные им танцевальные эпохи. Так «Сильвия» превратилась в уникум. Живой и интерпретируемый балет наследия, у которого из приданного — партитура и сюжет. А, еще три варианта традиции, точек, от которых эту вещь можно отсчитывать. Классика? Английский драмбалет? Данс модерн, переиначенный для Парижской оперы? Выбирайте, что любо.

Впрочем, выбирать необязательно. Пермская «Сильвия» — это спектакль, который существует в разных временах, и это его главная особенность. Алексей Мирошниченко взялся за обновление либретто и пересобрал сюжет так, что он скорее отсылает к романтическим балетам в два акта. Основные версии начинаются со знакомства главных героев и рассказывают сложную историю: влюбились, достигли мнимого счастья, начались проблемы, проблемы закончились, все счастливы. Мирошниченко стартует с той же точки, где нас подхватывает сюжет «Жизели»: с разрушения идиллии. Первый акт его «Сильвии» — помолвка, которая завершается убийством. Кажется, мы где-то в 1830-х.

При этом сконструирована ли «Сильвия» как романтическая двухактовка? Нет. Многослойная процессия, поздравляющая царя Нумитора с будущей свадьбой дочери Сильвии, больше напоминает пышную классическую помолвку Гамзатти и Солора, чем динамичный и неформальный предсвадебный праздник, например, в «Сильфиде». Танцуют бесконечные патрицианки, свиты владетельных гостей, воины, рабы, девушки со змеями и с лирами — как в любом балете Петипа. Все же «Сильвия» появилась хронологически ближе к Мариусу Ивановичу и его гран-спектаклю. Мирошниченко воспроизводит эту форму организации, ее логику и порядок. Мы где-то между 1880-ми и 1900-ми годами?

Еще один привет от классики — степень условности изображения. Зрелый XIX век видел все Испании, Египты и прочие Индии как декор, повод для красивых декораций, костюмов и пары характерных номеров с экзотическим флером. Античность в пермской «Сильвии» — такая же сознательно созданная обертка, визуальное решение. За эту часть отвечают художницы Альона Пикалова и Татьяна Ногинова и их итальянские крыши-решетки, статуи в нишах и тоги, но не танцы.

Итак, на вид это спектакль XIX века. Возможно, как и «Жизель», хорошенько отредактированный в разные десятилетия. Мирошниченко даже решается поиграть в логику, по которой могла быть устроена иерархия героев в XIX столетии. Например, дает характерные партии царским особам, которые в классике обычно не танцуют. Потому что они цари, конечно, но варварские, ниже по положению, чем античная элита, главные герои «Сильвии». Могут и сплясать.

И в то же время танцы, которые придумал Алексей Мирошниченко, сигнализируют, что перед нами спектакль, отдающий дань разным традициям XX века. В том числе одной из главных «Сильвий», аштоновской драмбалетной.

Хореограф аккуратно собирает коллекцию оммажей. Фавны напоминают ожившие рисунки Леона Бакста для «Русского балета», порой прямо повторяя позы с афиш и эскизов. Патрицианки похожи на фигуры с ваз. Дуэты Сильвии и Луция начинаются с воспроизведения фигуры, знакомой по римским медальонам, на которых два профиля наложены друг на друга. Все — признаки, что в постановку пробралось понимание античности, появившееся в 1900–1910-е годы.

Главные же герои двигаются так, будто пришли из спектаклей Кеннета Макмиллана. Мирошниченко почти не использует пантомиму, которая явно должна была бы появиться в «Сильвии» Меранта, фантазируй хореограф только о ней. Вместо этого он сосредоточился на том, чтобы тела артистов «говорили» — экспрессивно передавали нужные эмоции. Лучше всего связь с английским драмбалетом, знаменитым своей способностью разом танцевать и иллюстрировать чувства, подчеркивает пластика Сильвии. Булган Рэнцэндорж, которая вышла на сцену в первый вечер премьерного блока, легкими руками и выразительной, гибкой, как ива, спиной напоминала лучших британских коллег.

Накал страстей в пермской «Сильвии» передается глубиной наклона, резкостью падения, скоростью, с которой обмякают мышцы. Это буквально балетная история, рассказанная без слов, потому что считать, например, нервный трепет героини по меленьким шагам на пальцах или стелющимся рукам могут даже те, кто видит танец на пуантах впервые в жизни.

Это — одно из самых важных свойств спектакля. Безусловно, «Сильвия» разговаривает с балетоманами, которым может быть интересно узнавать отсылки к разным историческим пластам, сопоставлять оммажи с предыдущей сценической биографией. И в то же время Алексей Мирошниченко создает спектакль, интуитивно понятный, который нежно берет любого зрителя за руку и проводит по новому для многих сюжету. Если играть в античные аллюзии до конца, то пермская премьера — это очаг весталки, сознательная культивация традиций даже там, где их надо собирать вручную, — и место безопасности и благополучия для всех.

Фото: © Андрей Чунтомов, Пермский театр оперы и балета

======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024121203
Тема| Балет, Красноярский театр оперы и балета, Персоналии, Григорий Ботенков
Автор| Елена КОНОВАЛОВА
Заголовок| Григорий Ботенков: «Главное – чтобы персонаж не был пустым»
Где опубликовано| © "Опера & Балет" №4 (104), декабрь 2024
Дата публикации| 2024-12-01
Ссылка| https://krasopera.ru/press/interview/grigoriy-botenkov-glavnoye-chtoby-personazh-ne-byl-pustym.htm
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Солист Красноярского балета Григорий Ботенков за пять лет работы в театре станцевал во многих спектаклях, в его репертуаре – полтора десятка разноплановых сольных партий. Но особенно близки ему, по собственному признанию, образы, требующие глубокого наполнения. В одной из таких партий, Студента в «Анюте» В. Гаврилова, артист готовится дебютировать 11 декабря.

– Григорий, вы танцевали в «Анюте» в массовых сценах, что требует от артиста партия Студента?

– Такого персонажа нет в рассказе Чехова «Анна на шее», его ввел в свою постановку Владимир Васильев, и у Студента в балете очень важная задача. Именно через него передано противопоставление, как могла бы развиваться жизнь Анюты, если бы она не вышла замуж за обеспеченного, но нелюбимого человека. Это образ чистой любви. Во втором акте, когда Анюте снится Студент, показаны ее терзания. И в финале, когда они встречаются на катке и расходятся, ей очень грустно, потому что уже ничего нельзя изменить. Такой образ довольно сложно передать. Но если у меня сразу не получается что-то простроить в той или иной партии, начинаю копаться во всем спектакле и именно в нем искать смысловое наполнение своего героя. Главное, чтобы персонаж не был пустым, когда мне нечего о нем рассказать. Вот это для меня самое страшное. Наверное, поэтому предпочитаю исполнять характерные роли или требующие драматизма, а не различных принцев – так называемая «голубая классика» в балете меня не слишком привлекает. Как и лирика. Скажем, предпочитаю Тибальда, а не Ромео, или Дьяволино, а не Сальватора Розу в «Катарине».

– А Спартаку предпочтете Красса?

– Нет, в этом случае как раз Спартака – уже довольно много его репетировал и очень надеюсь станцевать. Не назову ни одного исполнителя этой партии, который мне полностью созвучен. Хотя с нами над хореографией работал солист Большого театра Михаил Лобухин, сам многое взявший в Спартаке у Михаила Лавровского, и мы тоже основу перенимали именно у Михаила Юрьевича. Но я понемножечку беру от разных исполнителей – от современников, от прошлых поколений. У одних – какой-то жест, у других – постановку рук. И ищу что-то свое. Не знаю, почему, но при всей моей любви к злодеям и к темпераментным персонажам, в этом балете меня притягивает именно Спартак. Наверное, тем, что это сильный мужской образ, очень непростой с драматической точки зрения. Его можно показать ярко. Как, например, Ганса в «Жизели»: он не злодей, просто хочет раскрыть правду про Альберта, обманувшего его любимую девушку. И невольно толкает ее к гибели. Очень интересно передать на сцене такой характер. Это одна из моих первых сольных партий, и она входит у меня в пантеон любимых: на сегодня в нем еще уже упомянутые Дьяволино и Тибальд, а также Фея Карабос и Командор Резанов. Еще очень люблю Дроссельмейера в «Щелкунчике».

– По сюжету Кончита гораздо моложе Резанова. Каково вам исполнять зрелого мужчину?

– Поначалу давалось с трудом. Но задачу, пожалуй, облегчало то, что ментально я ощущаю себя старше своего возраста. Мне всегда было не очень комфортно с ровесниками, значительно больше совместных интересов с людьми постарше. И только нынешней осенью, в четвертый раз станцевав Резанова в балете «Юнона и Авось», наконец-то приблизился к тому образу, который сам хотел видеть. Большое спасибо моей Кончите Екатерине Булгутовой: несмотря на то, что перед спектаклем мы прошли наши сцены всего за одну репетицию, у нас, по моему ощущению, сложился по-настоящему сильный дуэт. Хотя с каждой партнершей получался абсолютно разный спектакль, со своими достоинствами.

– В каких новых партиях вас можно будет еще увидеть в этом сезоне?

– Трудно загадывать – у меня последний год обучения в Институте искусств, готовлюсь в перспективе стать балетным педагогом, и очень трудно совмещать учебу с работой. Поэтому стараюсь распределять силы. В «Корсаре» репетировал и Конрада, и Бирбанто, но из-за травмы вынужден был пропустить почти весь постановочный период и пока выхожу только в массовых сценах. В «Дон Кихоте» буду готовить Эспада – еще со времен колледжа обожаю испанские танцы. В жизни я человек спокойный, но на сцене мне очень близки темпераментные танцы. Собственно, я хотел учиться на народном отделении. Но в тот год в колледже на него не было набора, и мне предложили позаниматься классикой, а потом перевестись. Как видите, передумал и не жалею. В театре у меня есть своя ниша.

Елена С.

Номер ссылки| 2024121204
Тема| Балет, Пермский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Лео Делиб, Алексей Мирошниченко
Автор| Юлия Баталина
Заголовок| Любовь и коварство
Пермский театр оперы и балета представил первую из трёх больших балетных премьер сезона
Где опубликовано| © Новый компаньон
Дата публикации| 2024-12-12
Ссылка| https://www.newsko.ru/articles/nk-8469144.html
Аннотация| Премьера

Фото - Андрей Чунтомов

Нынешний сезон в Пермском театре оперы и балета — скорее балетный, чем оперный: обещаны три полноформатные танцевальные постановки, и первая уже была явлена публике в начале декабря. «Сильвия» (12+) — знаменитый балет Лео Делиба, нетленная французская классика, которую художественный руководитель Пермского балета Алексей Мирошниченко переосмыслил с огромным уважением к старинным танцевальным спектаклям.

Мирошниченко не только создал новую хореографию на классическую музыку, но и написал новое либретто, в котором сквозит любовь и интерес к античности и вообще к старине. Его соавторы — музыкальный руководитель постановки Иван Худяков-Веденяпин, художник-сценограф Альона Пикалова и художник по костюмам Татьяна Ногинова — поддержали этот подход. В результате пермская «Сильвия» каждой своей деталью говорит: я балет, поставленный с уважением к предшественникам.

Очень подробное, очень литературное либретто (в нём даже прописаны диалоги!) напичкано экзотическими персонажами. Здесь и история, и мифология: вместе с легионерами, авгурами и буцинаторами на сцену выходят фавны, сатиры и нимфы; этрусков и финикийцев сменяют музы во главе с Аполлоном. Это — реальность человека времён античности, где истории со страстями, любовью, коварством и жаждой власти немыслимы без вмешательства богов.

Сюжет для своего либретто Мирошниченко создал на основе мифа о Рее Сильвии — матери Ромула и Рема, а также романа Рафаэлло Джованьоли «Опимия». Джованьоли — автор «Спартака», и эстетика нового пермского балета порой вызывает ассоциации с легендарным спектаклем Юрия Григоровича, в котором блистали Владимир Васильев и Марис Лиепа. Здесь тоже сцену сотрясают бравые легионеры с мечами, а самые эффектные танцы — мужские, вопреки «женскому» заглавию балета.

Главная героиня, Сильвия — дочь правителя Альба-Лонги Нумитора — влюблена в полководца Луция и должна выйти за него замуж; но коварный брат царя Амулий стремится не допустить этого брака: ведь неизбежно появится наследник престола, а в этой роли Амулий видит себя самого. В результате интриг Луций оказывается на войне, Нумитор убит, а Сильвия насильно отправлена в весталки и обязана хранить обет безбрачия. Вернувшийся с победой Луций уговаривает Сильвию нарушить обет и бежать с ним из Альба-Лонги, но разгневанная богиня и верховный жрец — союзник Амулия — перехватывают беглецов и отправляют на смерть.

У спектакля два финала, как, например, у «Лебединого озера» в версии того же Мирошниченко: гибель героев и их торжество. Сначала влюблённые оказываются замурованными в склепе, где после серии страстных объятий погибают, а затем Аполлон и музы, пленённые подвигом любви и верности, встречают Сильвию и Луция на Парнасе, у подножия небесных чертогов.

Всё это — очень всерьёз. Никакого постмодернизма. Мирошниченко не стилизует свой балет под классику, а просто создаёт собственный классический балет. В хореографии всё выдержанно в стилистике, продиктованной либретто: только пуантный танец, минимум акробатики, точные, выверенные ноги, много жестикуляции — Мирошниченко любит выразительные руки; помнится, в буклете, выпущенном к другому его авторскому балету — «Голубая птица и принцесса Флорина» (6+), — был даже специальный словарик, расшифровывающий язык балетных жестов.

В этой эстетике не очень уютно прима-балерине Булган Рэнцэндорж, танцевавшей заглавную партию на первом из премьерных показов. Она очень технична и хороша в сложной классике — с фуэте, высокими поддержками и прыжками, но вот с эмоциональностью у неё проблемы: все драмы и трагедии этой брутальной истории отыгрываются ею достаточно формально. Взять хотя бы эпизод, когда на глазах Сильвии убивают её отца: сказать, что Булган искренне переживает этот момент, никак не получится.

В других составах титульная роль досталась новым солисткам Диане Куцбах и Анн-Жуллиет Пинейро; они же очень украшают первый состав в ролях второго плана: Диана пленительна в роли финикийской царицы Зивар, а Анн-Жуллиет заразительно экзотична в роли рабыни. Обе героини выступают в характерных дуэтах: Зивар — с царём Финикии Эшбаалом в исполнении Ивана Ткаченко, а рабыня, соответственно, с рабом, которого танцует соотечественник Анн-Жуллиет — бразилец Натан Фернандес.

Для характерных дуэтов Мирошниченко придумал яркую и остроумную хореографию, которая оживляет постановку. Вообще, в «Сильвии» второстепенные персонажи — важные и продуманные. Так, другу Луция Асканию, партию которого исполнял Артём Мишаков, хореограф доверил самые сложные танцевальные элементы во всей хореографической партитуре.

Самого Луция танцует Кирилл Макурин. Он точен и чёток в танце, но ему недостаёт внутреннего драйва, харизмы… Очень не хватает в труппе Георгия Еналдиева, очень. Не хватает и Полины Ланцевой, которая была так трогательна в «Щелкунчике» (6+) и «Баядерке» (6+) . Она по-прежнему в составе труппы, но в этой постановке не участвовала.

«Сильвия» сильна постановочной частью. Архитектурные декорации, богатая бутафория — мебель, паланкины, «старинные» музыкальные инструменты; фантазийно-исторические костюмы с пикантными деталями вроде псевдообнажённой груди танцовщиц со змеями; роскошные парики, кудрявые бороды — чёрные у финикийцев, рыжие у этрусков; обильный бронзовый «загар» у представителей южных народов… Исторический балет «на максималках»! Пока всё это новое, блестящее, незаношенное, выглядит очень красиво.

Радует оркестр. Иван Худяков-Веденяпин, впервые выступивший в качестве музыкального руководителя постановки, вместе с Мирошниченко переработал партитуру и добавил в неё фрагменты из балета «Ручей» того же Делиба. Иван очень сценичный дирижёр, и зрителям первых рядов повезло наблюдать его внятное и эмоциональное управление оркестром, на которое музыканты отвечали столь же внятным и эмоциональным исполнением. Меломанам «Сильвия» доставила немало удовольствия, поскольку в музыке драмы разыгрывались не меньшие, чем в танце.

Эта постановка — редкий в наши дни пример по-настоящему «большого» авторского балета, сюжетного, отчасти драматического, костюмного, с остроумной хореографией. Как ни странно, балетоманы не слишком активно откликнулись: если в первый премьерный день сцену по традиции заваливали цветами, то в последний, четвёртый день премьерной серии в зале было немало свободных мест. А между тем, «Сильвия» — это ещё и пермская история: в 1982 году этот балет поставил в Перми Георгий Алексидзе, и это была единственная версия «Сильвии» в советском театре; а в начале 2000-х Николай Боярчиков поставил в Пермском театре оперы и балета «Фадетту» (0+) по либретто Леонида Лавровского и Владимира Соловьёва на музыку всё той же «Сильвии».

Пермь, наверное, единственный город в мире, где в течение достаточно небольшого промежутка времени, где-то около сорока лет, было поставлено три разных балета на одну и ту же романтическую музыку Лео Делиба.

==============================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024121205
Тема| Балет, Михайловский театр, Персоналии, Анжелина Воронцова
Автор| Максимилиан Фомичев
Заголовок| «Сохранить культурный код русского балета очень важно»: Анжелина Воронцова о вдохновении и будущем классики
Где опубликовано| © NOW
Дата публикации| 2024-12-12
Ссылка| https://nownownow.ru/man/sohranit-kulturnyj-kod-russkogo-baleta-sejchas-ochen-vazhno-anzhelina-voronczova-o-karere-vdohnovenii-i-budushhem-klassiki/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Заслуженная артистка России и прима-балерина Михайловского театра, рассказывает о своем пути от побед на конкурсах до главных ролей в мировой классике

Анжелина Воронцова — заслуженная артистка России и прима-балерина Михайловского театра. Ее путь в искусстве начался с блестящих побед на престижных конкурсах и дебюта в Большом театре под руководством Николая Цискаридзе. Сегодня она — одна из самых ярких звезд русского балета. В интервью NOW Анжелина рассказала о сложностях адаптации к разным стилям хореографии, значении традиций в балете, а также о том, как сохранять физическую форму и вдохновение в условиях плотного графика.

О карьере и вдохновении:

— Ваш творческий путь начался с побед на престижных конкурсах и дебюта в Большом театре. Что вы считаете главным фактором своего успеха?

— Это всегда совокупность факторов: целеустремленность, трудолюбие, природные данные, которые, конечно, очень важны для балета, но также и удача оказаться в нужных обстоятельствах. Таким обстоятельством для меня стал Международный конкурс артистов балета «Арабеск», где меня заметили Екатерина Сергеевна Максимова и Владимир Викторовича Васильев. Это величайшие артисты в истории балета, и они определили мое дальнейшее становление.

— Влияние вашего педагога Николая Цискаридзе стало уникальным эпизодом в вашей карьере. Какие главные уроки вы извлекли из этого сотрудничества?

— Влияние Николая Максимовича Цискаридзе на мою карьеру огромное. Когда я только пришла в Большой театр в 17 лет, я стала его ученицей. Это уникальный случай, когда педагог-мужчина берет к себе в ученицу девушку. И помимо того, что я была его ученицей, я была его партнершей. И, конечно, помимо огромной ответственности, я испытывала страх, потому что Николай Максимович, помимо его грандиозной величины в искусстве, он еще блистательный педагог, партнер. И мне, безусловно, хотелось этому соответствовать. Он научил меня всему в этой профессии, как подходить к роли, к костюму. Показал мне, что балет — это большое сложное искусство.

— Вы работали с выдающимися хореографами, такими как Начо Дуато и Джон Ноймайер. Как эти коллаборации повлияли на ваше восприятие балета?

— Конечно, работа с такими величинами в балете всегда влияет на восприятие творчества балерины. И мое первое соприкосновение с хореографией Начо Дуато случилось, когда я только пришла из Большого театра. Мне были тогда непонятны музыкальность его спектакля, особый хореографический рисунок. Но постепенно я стала понимать его творческие задачи. И у него несколько отличается подход. Он сам очень естественный, и он не любит неестественность выражения эмоций на сцене. Он всегда уделял особое внимание работе рук, просил, чтобы кисти были изящные, без акцентированных положений. И потом, в процессе работы, пришло понимание, словно щелчок в голове, и на меня моментально легла его хореография. И с того момента я научилась перестраиваться с его хореографии на хореографию в других спектаклях. Потому что стили хореографии очень разные, и артисту требуется время, чтобы воспринять их.

— Что для вас значит звание заслуженной артистки России?

— Звание заслуженной артистки, безусловно, для меня очень приятно и ценно. Я надеюсь, что я оставила небольшой след в сердцах зрителей и профессионалов. Но в целом статус заслуженной артистки не влияет на мою работу или самоощущение. Ответственность перед зрителем, которая была у меня с первых партий, так и остается со мной. Так меня воспитали педагоги. Служение искусству — это не громкие слова, а мое искреннее отношение к делу. Каждый выход на сцену сродни исповеди молитвы перед зрителем.

О жизни балерины:

— Какие ежедневные ритуалы помогают вам поддерживать физическую и эмоциональную форму? Как вы справляетесь с профессиональными вызовами, такими как постоянные гастроли и плотный график репетиций?

— Очень важная составляющая для балерины — это соблюдение графика. Обязательно нужно высыпаться, для того чтобы иметь много сил и для того, чтобы давать их на сцене. И, конечно, правильное питание. Я очень верю в силу правильного питания, именно не голодание, а сбалансированный рацион и прием витаминов. Обязательно нужно следить за основными показателями, потому что невозможно себя хорошо чувствовать и выдерживать такие нагрузки, если твой организм получает недостаточное количество полезных веществ. И, конечно, очень важно пребывать в хорошем настроении, в правильном ментальном состоянии, поэтому, несмотря ни на что, нужно заставлять себя подниматься, начинать день с улыбкой и всегда обращать внимание на те положительные мелочи, которые происходят — концентрироваться на позитивных моментах.

— Ваша техника и артистизм неизменно вызывают восхищение критиков. Считаете ли вы, что уже достигли своего пика, или впереди еще много нового?

— Нет, я не считаю, что я достигла своего пика. Надеюсь, что еще много нового впереди, потому как после любого пика идет спад. Надеюсь, что я только на пути к своей вершине, на котором я буду еще очень долго радовать зрителей.

О премьерах:

— Расскажите о вашем участии в премьере балета «Собор Парижской Богоматери». Что в этой постановке оказалось для вас самым сложным и самым вдохновляющим?

— Меня всегда притягивала хореография Ролана Пети. В Большом театре я танцевала Лизу в «Пиковой даме», участвовала в «Арлезианке». Конечно, роль Эсмеральды в балете «Собор Парижской Богоматери» — это совершенно иное. Пети создал очень объемный образ, и чтобы овладеть его специфичной хореографией, нужно работать с постановщиком или ассистентом. Мне его эту роль передавал Луиджи Бонино, друг и соратник Пети, хранитель его хореографии. Мне все время казалось, что я учу новый язык, и сам Луиджи, как истинный француз, обращал внимание буквально на каждую деталь. Такой же скрупулезной работа была в балетном зале. В русском театре мы привыкли к тому, что у нас певучие руки, пластичный корпус. Нас этому учат с детства в балетной школе. А во французском стиле акцент на четкости исполнения, я бы сказала, на резкие положения. Я люблю такую работу, потому что для артиста очень важно внутреннее напряжение, которое толкает тебя вперед.

— Вечер «Автографы и имиджи. Тамара Карсавина» посвящен одной из величайших балерин прошлого. Каково было погружение в мир Карсавиной, и как это событие повлияло на ваше понимание искусства?

— Мой дебют в балете «Жар-птица» — это знаковая для меня работа. И несмотря на большой опыт и внушительный репертуар, я все время стараюсь расширять палитру собственных образов. Безусловно, этот балет в истории русского и мирового искусства очень важен. Дягилевская антреприза до сих пор является одним из самых знаменитых явлений в мировом искусстве. Понять сегодня образ Тамары Карсавиной в этом балете достаточно сложно — видеозаписей не сохранилось, только фотографии. И мне эту роль передавал из ног в ноги Андрис Лиепа. Он сам танцевал в этом балете, и он досконально знает эту партию, но при этом дал мне большую свободу творчеству. И не отходя от канонов танца, от хореографического рисунка, я создавала свой образ жар-птицы. Он наполнен огнем, яркими красками, взлетающими арабесками и прыжками. Очень важно осмыслить каждую позу, каждый жест. И эта партия для меня очень важна в творчестве.

О будущем:

— Каким вы видите будущее классического балета? Нужно ли ему адаптироваться к новым реалиям или важно сохранить традиции?

— Я считаю, что очень важно сохранять традиции в балете и именно в классическом балете не допускать смешения жанров. И все равно балет развивается, это не музейное искусство, но при этом сохранить культурный код русского балета сейчас очень важно. Это наше национальное достояние, это то, чем мы гордимся. И современный балет, конечно, должен развиваться, но это две разные ветви. Ни в коем случае нельзя допускать смешения жанров, смешения традиций, потому что тогда у нас не останется ни красивого классического балета, не будет и современного.

— Какие проекты или роли вы бы хотели воплотить в ближайшие годы?

— В ближайшие годы я бы хотела продолжать танцевать классический репертуар, потому что это одна из вершин искусства — именно классика в балете — и я мечтаю о партии Раймонды, хотелось бы станцевать Джульетту в классической версии. В современной я танцевала у Начо Дуато, но вот в хореографии Михаила Лавровского пока еще нет. Также задумываюсь о создании собственного проекта для того, чтобы полностью выразить свой творческий потенциал.

О вдохновении:

— Кто из артистов прошлого или современности вдохновляет вас больше всего?

— Меня всегда вдохновляли русские балерины, потому что сочетание красоты, техничности, музыкальности, одухотворенности — это то золотое сечение, которым русский балет прославился во всем мире. И, конечно, золотой период русского балета — это во многом советский период. Екатерина Максимова, Майя Плисецкая, Галина Уланова — это те вершины, к которым хочется стремиться.

==============================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

В декабре в Самарском академическом театре оперы и балета имени Шостаковича состоится премьера спектакля «Щелкунчик» (6+). Композитор — Петр Чайковский. Либретто создано Мариусом Петипа по сказке Эрнста Теодора Амадея Гофмана в пересказе Александра Дюма — у французского писателя получилась более обстоятельная история, чем у немецкого романтика. Музыкальный руководитель и дирижер-постановщик — Евгений Хохлов. В Самаре будет представлена премьера эксклюзивной редакции спектакля. Художественный руководитель балета театра, заслуженный артист России Юрий Бурлака подарит зрителям образ оригинальной постановки 1892 года, которая была показана на сцене Мариинского театра.

Из поколения в поколение

— Так случилось, что я остался единственным балетмейстером-реставратором в нашей стране. Многие смотрят вперед, а я — назад. Это специфика моего мышления.

Спектакль в хореографии Льва Иванова много значит для меня. Последний раз он был поставлен у нас в стране в 1932 году в Большом театре моим родным Московским хореографическим училищем, в котором я учился и преподавал. Так случилось, что 11-летней девочкой Кларой была мой будущий педагог и большой друг Евгения Герасимовна Фарманянц.

Всегда стараюсь показать, настолько прекрасен русский императорский балет, который мы утратили в свое время. Во всех совокупностях: декорации, костюмы, хореография. Мне хотелось это возвратить на сцену. В отличие от нотного текста, который в любой момент можно прочесть, спектакль невозможно напечатать. Он живет только на сцене и передается из поколения в поколение, «из ног в ноги».

Как показывает практика, не все то, что забыто, — плохо. Пример тому — наша «Раймонда» (12+). Мы эксклюзивно владеем спектаклем в хореографии Александра Горского. Совсем недавно с громадным успехом показали его на сцене, для которой он был поставлен, — исторической Большого театра. Во всем мире «Раймонда» Горского идет только в Самарском театре оперы и балета. Мне очень приятно, что публика из других городов приезжает к нам, чтобы увидеть его.

Эксклюзив для самарского театра

Для меня это третье обращение к «Щелкунчику» Иванова. Любому хореографу прорваться с данным названием практически невозможно. Это самый популярный балет в мире. Он идет абсолютно во всех труппах в разных редакциях. Шанс начать собирать и разминать этот материал мне представился в Токио — делал спектакль в Японии для моей партнерши. Второй раз — получив приглашение от одноклассника Владимира Малахова, который руководил Берлинским балетом. Спектакль имел колоссальный успех. Немцы, привыкшие к минимализму, были в восторге от такого рода зрелища. Классический спектакль — большой, с роскошными костюмами и рисованными декорациями.

Предыдущая редакция «Щелкунчика» на самарской сцене в постановке Кирилла Александровича Шморгонера была хорошей. Но наступило время ротации репертуара. Наш директор Наталия Юрьевна Макарова увидела мой берлинский спектакль, была им очарована и предложила поставить его здесь. С радостью согласился, поскольку мне очень хочется возвратить русский балет русской публике. Приятно, что данный эксклюзив будет иметь исключительно самарский театр.

Высокая планка мастерства

Реставрировать балетный спектакль со 100-процентной точностью, к сожалению, невозможно. Со временем хореография трансформируется, поскольку меняется амплитуда движений. Ее форма сейчас более утонченная. Но в хореографии «Щелкунчика» есть моменты, которые остаются сложными и по сей день. Например, финальное грандиозное па-де-де, где танцуют Фея Драже и Принц Оршад. На одном из концертов я его делал для Ксении Овчинниковой. Это оказалось испытанием даже для нашей прима-балерины. Потому что номер появился в конце XIX века, когда техника дошла до точки золотого сечения — близко к тому, что мы имеем сейчас. 32 фуэте родились в ту эпоху. Тогда это был почти цирковой трюк. Сейчас — обыденная история, которой учат каждую девочку в балетной школе. Но все равно это остается высокой планкой мастерства.

Полный текст спектакля не сохранился. Есть специальная система фиксации танца, но в ней присутствуют лакуны, которые мне надо было заполнять так, чтобы стилистически это срослось с хореографией Льва Иванова.

Изменились строения тел танцовщиков, фактура ткани и принцип освещения. Поэтому я никогда не говорю, что делаю точное воспроизведение того спектакля — я делаю образ. Все равно смотрю глазами художника XXI века.

Спектакль-феерия

Стилистически наш «Щелкунчик» — начало ХIX века. Эпоха Директории, бидермайер. Художники Константин Иванов, Михаил Бочаров и Евгений Пономарев тщательно изучали то время. В их распоряжении была Императорская библиотека. Они исследовали крой костюмов и железно придерживались стиля.

Их соавтором был Иван Всеволожский — просто потрясающая фигура. Директор Императорских театров, друг Мариуса Петипа, большой любитель старой Франции. Благодаря ему мы имеем «Спящую красавицу», «Щелкунчика», «Пиковую даму» и прочие великие творения. Он потрясающе знал эпоху. На каждом заседании совета рисовал эскизы. Около тысячи из них сохранилось. Ни разу его фамилия в качестве автора не появилась на афише. Но на самом деле — это его художественные решения. Мы восстановили справедливость в отношении него в работе над «Эсмеральдой» и в этот раз поступим также — имя Всеволожского будет стоять среди авторов спектакля.

Все, что увидит публика на сцене, — архитектура, мебель, костюмы — будет абсолютно соответствовать эпохе и передавать атмосферу начала XIX века.

«Щелкунчик» — балет-феерия. Этот жанр пришел к нам из Италии конца XIX века. Многолюдное действо, многокартинное. Но «Щелкунчик» достаточно компактный балет. Там всего три картины: «Дом президента Зильбергауса», «Зимний лес» и «Фантастический город сластей Конфитюренбург». На сцене появятся все приемы балета-феерии. Это красочная обстановка, перемены костюмов, фокусы, люки, увеличение размера предметов (выросшая елка, мебель), пушки и мушкеты, волшебное превращение Короля Мышей, путешествие на ореховой скорлупе. Зрителей ждет феерически красивый спектакль.

Два буклета

Для взрослых в театре подготовили буклет об истории создания балета «Щелкунчик» с информацией о Петре Чайковском, большим количеством уникальных иллюстраций.

В детский буклет войдут рисунки художника Максима Митрофанова. В ярких картинках отражены все герои и события сказки Гофмана. Маленькие зрители смогут изучить инструменты симфонического оркестра, вырезать елочную игрушку и поздравительную открытку. К буклету будут прилагаться цветные карандаши, которые позволят путешествовать по квесту и раскрасить одну из сцен балета.

Фотографии: Самарский академический театр оперы и балета
===============================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024121301
Тема| Балет, США, Персоналии, Анна Каплунова
Автор| Вита Чикнаева
Заголовок| Балерин из «Вагановки» очень любят в США. Анна 4 года назад уволилась из Михайловского театра и начала преподавать балет в Лос-Анджелесе
Где опубликовано| © «Бумага»
Дата публикации| 2024-12-12
Ссылка| https://paperpaper.ru/balerin-iz-vaganovki-ochen-lyubyat-v-s/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

[.....................................................]

В Петербурге Анна Каплунова работала балериной и выступала в Михайловском театре. В 2020 году она переехала в Лос-Анджелес и начала преподавать классический танец, хотя никогда не думала о себе как о педагоге. После учебы в Академии имени Вагановой балерина оказалась очень востребованной в США. О своей жизни и работе в США Анна рассказывает в своем блоге.

«Бумаге» Анна рассказала, почему она решила уйти с российской сцены, чем ее удивила театральная сфера в США и почему местные родители не давят на занимающихся балетом детей.

Род деятельности: балерина, преподавательница балета

Не в России: 4 года

— Я уехала из России в США в сентябре 2020 года. Мы с мужем выбрали Лос-Анджелес, потому что в 2020-м он учился на режиссера. Мы хотели жить в городе, где есть возможности для творчества и для развития в кино и танцах.

Причин переезда было несколько. Во-первых, тогда я уже четыре года проработала в Михайловском театре и хотела попробовать другой коллектив и не в России. Во-вторых, в 2019-м году я познакомилась со своим будущим мужем, у которого американское гражданство. Поэтому мне было проще переехать и легализоваться именно в США.

Я хотела поработать в сфере балета не в России, потому что устала от российской театральной системы. В российских театрах, по крайней мере в Михайловском и Мариинском, в год проходит по 300 спектаклей. Выходной на неделе всегда только один. В обычное время в неделю выходит 4-5 спектаклей, а в пиковый сезон 6-7. Например, в США у артистов может быть всего 10 выступлений за три месяца.

Из-за этого я не успевала проживать каждую роль — для соло или новой роли нужно время, чтобы погрузиться в танец. Но у такого темпа есть и свои плюсы — танцоры получают огромный сценический опыт и повышают свою зарплату. В театре у нас был оклад, к которому прибавлялась оплата за каждый выход в спектакле.

В российских театрах артисты очень сильно зависят от руководства, которое при этом редко меняется. Из-за этого некоторые танцоры могут годами сидеть на одних и тех же ролях или вообще без ролей. У меня были хорошие отношения с руководством, но я хотела чего-то нового. Для этого мне нужно было переехать.

Как ваша жизнь изменилась в новом месте?

— Несмотря на то, что у меня был легкий кейс иммиграции как жены гражданина США, у меня были сложности при переезде. Два года я не могла официально работать. Для работы в театрах везде нужны документы и разрешения.

Изначально я рассчитывала, что буду работать именно как танцор. Но пока я два года ждала документы, я поняла, что именно для работы артистом нужно уехать из Лос-Анджелеса. В этом городе много возможностей для телевидения и кино, но для танцоров всё происходит в Нью-Йорке. Но переезжать мы с мужем не хотим.

За два года я также успела изучить зарплаты артистов. Оказалось, что работая преподавателем я буду получать больше. Тем более через десять лет мне бы всё равно пришлось перестать танцевать.

До переезда в США я никогда не собиралась становиться педагогом, но мне понравилось. Здесь меня видят как большого профессионала. В США любят Академию Вагановой — ее считают Гарвардом среди балетных школ. Мое исполнение отличается от привычного в США. В России акцент делают на чистых линиях и правильных позициях, а здесь на пируэтах. Как артистка я здесь востребована не так [сильно], как педагог.

Как только в 2022-м у меня появилось разрешение на работу, я начала отправлять резюме в балетные школы. Удивительно, но мне отвечали в тот же день. В одной из школ я проработала два года. Потом я меняла школу, и снова получилось найти работу очень быстро. Я даже выбирала из четырех предложений.

Чему вас научила жизнь в США?

— После переезда я поняла, что могу справиться с чем угодно. Я чувствую, что здесь у меня всегда будет возможность заработать и не пропасть. Если у человека в США есть интернет и базовый английский, он сможет тут спокойно жить.

Жизнь в Лос-Анджелесе заставила научиться водить машину, потому что в этом городе невозможно и даже иногда опасно ходить пешком. Теперь я не представляю свою жизнь без машины.

Сейчас я работаю с детьми от трех лет. Родители-американцы никогда не давят на них и не просят сделать из них чемпионов. Отчасти это связано с тем, что в США балет не считают настолько престижной профессией, как в России, например. Здесь иногда в больших городах даже нет театров. Большинство из них находятся на восточном побережье США.

В Лос-Анджелесе всего одна постоянная труппа, и у нее нет своего театра. В Калифорнии артисты выступают в небольших театрах и часто их меняют. Для меня после работы в театрах-дворцах это было шоком.

Три находки в США

Разнообразие культур. В США очень много мигрантов и города часто поделены на районы по национальностям. Можно погулять по городу и будто бы побывать в нескольких странах. Еще благодаря такому разнообразию не страшно отличаться от окружающих и быть собой.

Доступность природы. В Калифорнии много национальных парков и мест с потрясающей природой. До всех таких мест легко добраться самостоятельно на машине. А рядом с парками обязательно всё будет аккуратно обустроено — с уборными и местами для отдыха.

Горнолыжные курорты. Сначала я удивилась, что в Калифорнии можно кататься на лыжах. Штат так расположен, что здесь можно и поплавать в океане, и сходить в горы.

Что бы вы хотели перенести из Лос-Анджелеса в Петербург?

— Хотелось бы перенести погоду и то количество солнца, которое есть в Лос-Анджелесе. Каждый раз, когда ты тут просыпаешься, в окно светит солнце. Не хочется спать до 11, как в Петербурге.

Все фото предоставлены Анной Каплуновой
==================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024121302
Тема| Балет, , Персоналии, Николай Цискаридзе
Автор| Зоя Игумнова
Заголовок| «Только политбюро могло купить билеты на «Щелкунчика» 31 декабря»
Артист балета и педагог Николай Цискаридзе — о борьбе с перекупщиками, танцах под топот собственных копыт и безумствах юности
Где опубликовано| © Известия
Дата публикации| 2024-12-13
Ссылка| https://iz.ru/1806187/zoia-igumnova/tolko-politbyuro-moglo-kupit-bilety-na-shelkunchika-31-dekabrya
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Фото: ИЗВЕСТИЯ/Эдуард Корниенко

Сначала он вышел на сцену Кремля и только потом на сцену Большого театра. Народный артист России Николай Цискаридзе много лет наблюдал перекупщиков билетов на «Щелкунчика», знает их в лицо, и ему кажется, что побороть спекуляцию в ГАБТ просто. 18 и 19 декабря ректор Академии русского балета имени А.Я. Вагановой представит в Кремлевском дворце новогодний спектакль на музыку Чайковского в исполнении своих учеников. А 12 декабря — в День Конституции — в Кремле Николаю Цискаридзе вручили орден «За заслуги перед Отечеством» IV степени. «Известия» поздравили артиста и поговорили с ним о балете и билетах на него.

«Увидели книги для детей о балете и ужаснулись их содержанию»

— Ваша новая книга «Мозаика. Балет. Щелкунчик» может стать бестселлером, как «Мой театр». Теперь вы в соавторстве с Ириной Дешковой решили образовывать зрителя. Детально рассказываете о балете «Щелкунчик». Почему возникла эта идея?

— Однажды мы вместе с моим педагогом Ириной Павловной Дешковой в сувенирном киоске одного из музеев увидели книги для детей о балете и ужаснулись их содержанию. Тогда и решили рассказать о традициях, школе, о самом новогоднем балете Чайковского. Без мудрости и знаний Ирины Павловны книга «Мозаика. Балет. Щелкунчик» не родилась бы.

— А у вас не было желания написать главу о том, как надо одеваться в театр?

— Нет, потому что это зависит от достатка каждого человека. Другое дело, если сами театры введут дресс-код. Когда мы танцевали в Каирской опере, зрители не могли зайти в зал без галстука. Нашего художественного руководителя не пустили. Была жара, и он пришел в костюме, но галстук не надел.

Думаю, если бы правила посещения театра ввели, то люди, одетые в мини-юбки или в сандалии…

— … или в спортивные штаны…

— Да, и в спортивные штаны, в зрительный зал не допускались бы.

— Недавно в Большом я встретила человека с палками для скандинавской ходьбы.

— Зато он имел билет.

— Большой — театр для избранных?

— Нет, это государственный театр, главный театр страны. Однажды в гостях я познакомился с людьми, которые приехали из провинции. Оказалось, что они никогда не были в театре. Я пригласил их. А потом они рассказали, что пошли в ЦУМ, купили наряды. Накануне ночь не спали, встали рано и готовились к вечеру.

Понимаете, для многих поход в Большой — праздник. Потому что ГАБТ — это помпезность и красота. И важно, чтобы все могли туда пойти. Но билеты трудно достать. И так было всегда. Раньше только те, кто имел отношение к политбюро или к министерству, могли купить места на «Щелкунчика» 31 декабря.

— «Известия» провели исследование по ценообразованию на спектакли «Щелкунчик». Так вот, это магическое название позволило театрам поднять стоимость в среднем на 50%.

— И всё равно все билеты купят — даже если у вас будет голая елочка на сцене стоять. И можно даже в джинсах выходить.

— 18 и 19 декабря в Государственном Кремлевском дворце ваши ученики из Академии русского балета имени А.Я. Вагановой представят балет «Щелкунчик» в хореографии Вайнонена. Всё будет по классике, никакой импровизации. Скажите, как вы соблюдаете баланс между желанием заработать и доступностью представления?

— Сцена Кремлевского дворца знакома мне с детства, я выступал на ней множество раз.

— Потому что когда-то ГКД был филиалом Большого театра.

— Да. Вы знаете, ведь сначала я вышел на сцену Кремля и только потом на сцену ГАБТ. В советские времена самый дорогой билет туда стоил 3 рубля 50 копеек. За места повыше и по бокам зрители платили совсем небольшую сумму. Да и сейчас эти билеты стоят недорого. Тогда не было таких больших зарплат, какие существуют сейчас.

Разница между «Щелкунчиком», который Академия исполняет в Кремле, и спектаклем ГАБТ, что у нас — разовое мероприятие, которое, слава богу, мы можем делать, потому что участвуем в программе «Приоритет-2030». Нам выделяют часть денег, для того чтобы мы смогли осуществить эту творческую поездку. Но за нами и смотрят.

— То есть вам надо еще и отчитаться?

— Конечно! А потом чиновники посмотрят, сколько мы заработали и на что мы эти деньги потратили.

— А на что вы обычно тратите?

— В основном на зарплаты педагогам. В конце года, честно вам скажу, они неплохо заработают. В моей родной московской школе я никогда таких денег не видел.

«Спекуляция детскими спектаклями — первый признак успеха»

— Самый дорогой билет на вашего «Щелкунчика стоит 25 тыс., а в том году на спектакль Большого театра стоил 20 тыс. рублей. Получается, что детский «Щелкунчик» дороже, чем в исполнении солистов ГАБТ?

— Нет. Ведь сейчас билеты в партер Большого стали стоить 50–100 тыс. А у нас 25 тыс. стоят только первые ряды. Не надо сравнивать государственный театр, существующий на деньги налогоплательщиков и дающий более 600 спектаклей в год, и разовое мероприятие Академии Вагановой.

Мы приезжаем в Москву дважды в год — зимой с «Щелкунчиком» и летом с выпускным спектаклем. И в какой-то год узнали, что наши билеты продаются с рук на площади перед Кремлевским залом. Перекупщики их скупили, потому что они стоили недорого, и по завышенной цене толкали людям. И их всё равно у них брали.

Спекуляция детскими спектаклями — первый признак успеха! После этого мы и стали поднимать цены. Решили, что лучше пусть заработает Академия, чем аферисты. Тогда я смогу больше денег заложить на следующую поездку, обновить костюмы и реквизит, раздать премии.

— В Большом есть льготные категории зрителей. Для них оставлены билеты низкого ценового сегмента.

— На наши спектакли всегда приезжают семьи участников СВО, дети из школ и другие льготные категории. Они не платят за билеты. А иногда какая-нибудь корпорация выкупает билеты и дарит поход на представление тем, кто не может себе этого позволить.

— Как можно побороть спекулянтов?

— Я много лет наблюдал перекупщиков, знаю их в лицо. Мне кажется, что это так просто — побороть спекуляцию в Большом. Было бы желание. Все-таки ГАБТ совсем рядом с Лубянской площадью. Да и правоохранительные органы у нас хорошо работают. Когда захотят, разом победят спекулянтов. А продажа по паспортам ничего не изменит. Зато усложнит проход в театр зрителям. Не верю я в эту систему.

— Telegram-каналы разгоняют информацию, что билеты на «Щелкунчик» Большого выкупают крупные корпорации. Цена удовольствия — 50 млн рублей. Может быть такое?

— Такое было всегда. В СССР и перестроечной России это называлось «целевой спектакль». Они никогда не печатались в афише, билеты в кассу не поступали. Мало того, они выкупались с таким условием, что даже артисты не имели права пригласить своих гостей на свободные места. Корпорации выкупали целиком театр и буфет. В антрактах спиртные напитки лились рекой.

У нас был чудовищный случай в начале 1990-х. Один небольшой банк купил балет «Лебединое озеро». Обычно по трансляции слышно, как гудит зал перед спектаклем. А тут тишина. Дальше нам объявили, что будет задержка на 20 минут. Мы сидели в гримерках и слушали, как на сцене чествуют главного бухгалтера, лучшего менеджера по продажам. Но всё равно не могли понять, почему не было гула. Оказалось, охрана перекрыла выходы из зрительного зала, чтобы никто не вышел раньше времени, не выпил и не съел то, что разложено в буфете. А когда начался спектакль, в зрительном зале осталась четверть партера. После антракта артисты танцевали «под топот собственных копыт». Многие зрители уже спали, потому что изрядно выпили.

— Вы наверняка знаете о хейтерах. Их хлебом не корми, дай камень в известного и знаменитого кинуть. Вот и о вас говорят, что в Вагановской школе упал уровень преподавания. Мол, Николай Максимович не следит за детьми. Как вы относитесь к таким заявлениям?

— На каждый роток не накинуть платок. Что значит «падает» или «поднимается»? Если зрители покупают билеты на наш спектакль, значит, уровень на высоте.

Пока Академия десятилетиями сюда не приезжала, никто не знал, что же в ней делается, и всё было хорошо. Дело в том, что ни одно учебное заведение столько спектаклей, как мы, не танцует. А уж сколько мы стран объехали с учениками — сложно кому-то сравниться.

— А вам зачем это?

— Хотелось и себя показать, и свою работу. Вообще, идея приехать в Кремль возникла в 2015 году. Я сделал такой фантастический выпускной, мне было жалко, что его не увидят в Москве. Дети танцевали «Лауренсию» в хореографии Чабукиани, балет Баланчина, «Вариации на тему «Раймонды» и первый акт «Спящей красавицы». Ни одна школа в мире это станцевать не может.

— У вас были гениальные педагоги, одна Уланова чего стоит. Почему наши признанные звезды не идут преподавать?

— Это очень тяжело. Во-первых, ты остаешься в тени и занимаешься не собой. А артист — эгоцентричная профессия. И потом самому уметь и научить кого-то — разные вещи. И когда ты выпускаешь ребенка — это огромная ответственность, которую очень мало кто может вынести.

— А почему вы этим занимались?

— С одной стороны — интересно, а с другой — меня заставили мои педагоги. Понимали, что я имею к этому способности. К своей должности ректора я подошел, имея десятилетний опыт педагога-репетитора Большого театра. Меня приглашали в Парижскую оперу не только как танцовщика, но и как педагога.

«Мне не хотелось быть эмигрантом»

— Скажите, а когда в 2022 году некоторые артисты побежали, почему вы этого не сделали? В том же Париже вас наверняка бы рады были видеть.

— У меня есть уважение к европейской культуре. Но я всегда понимал, что моя природа будет наилучшим образом реализована в русском театре.

Когда-то давно я сидел в очень небедном доме наших эмигрантов в Германии. Они хвалились сытой бюргерской жизнью. Я был еще молодой и дерзкий и в какой-то момент сказал: «Но вы живете так скучно! Да, у нас нет столько сортов колбасы. Но я живу на Фрунзенской набережной и работаю в Большом театре. А вы — в глуши в Германии. Что интереснее?»

— И что они ответили?

— Они были в шоке от моей дерзости, потому что все смотрели им в рот и мечтали жить как они.

Тогда я первый раз столкнулся с выражением russian shit по отношению ко мне.

— Это кто такой смелый нашелся?

— А так к нам, ко всем русским артистам, относились в 1990-е годы. Я был удивлен, потому что ко мне слово russian было смешно применять. Бабушка — француженка, а все остальные — грузины. О произошедшем я рассказал моему наставнику Ролану Пети. «А ты для нас русский и всегда будешь им, — ответил он. — Это всё равно, что я буду говорить: я — галл или гасконец. Я — француз!»

В общем, я знал, что они к нам так относятся. И мне не хотелось быть эмигрантом. Я понимал, что меня приглашают на все эти королевские, посольские приемы, потому что я приехал из России. Они меня уважают — пока. А как только я сделаю шаг туда, они перестанут считать меня равным. Для них мы всё равно будем часто людьми третьего сорта.

— Русские — третий сорт?

— Некоторые так считают. У нас был коллега, которому предложили потрясающий контракт на Западе. Но, когда он достиг солидного возраста, его выкинули из театра со скоростью свиста. Дальше начались мытарства, пока он не пристроился на работу. Но того уровня, на котором бы он мог работать в России, у него в жизни уже не будет никогда. Здесь он был миллионером, а сейчас ездит на недорогой машине и не шикует.

— Вы ощущаете, что в России поднялась волна патриотизма?

— Помню, как с гордостью носил красный галстук в школе. Правда, когда прорабатывали на пионерском собрании, это вызывало отторжение. Как почетно было в числе первых вступить в комсомол. А когда развалился СССР и стали осуждать всё советское, у меня болело сердце. Потому что, несмотря на то, что страны не существовало, у меня к ее истории было большое уважение.

В 2001 году, когда Владимир Путин в Кремле вручал мне первую госпремию, я сказал: «Я очень горжусь, что грузин по происхождению, россиянин по паспорту и русский артист». И с тех пор ничего в моей жизни не изменилось.

— Поуехавшие возвращаются. И некоторых усиленно отмывают, делая вид, что ничего они не говорили и не писали два года. На что они рассчитывают?

— Мне кажется, никто ничего не забывает. А главное, есть одна чудовищная вещь — интернет.

— Который помнит всё.

— Да! Я прочитал в одном издании очень смешную вещь. Писала моя ровесница: «Какое счастье, что в нашем молодом возрасте не существовало мобильных телефонов и что безумства нашей юности не сломали нам сегодня карьеру!» Я посмеялся, а потом стал вспоминать какие-то юношеские вечеринки и подумал: действительно, какое счастье!

— А почему не может вернуться Анна Нетребко?

— Почему, она может вернуться.

— Не хочет?

— Анна ни одного злого слова не сказала, никого не оскорбила! Когда я оказался на Западе, первым делом пошел на ее концерт. Пришел, обнял ее и сказал: «Анечка, я хочу, чтобы ты знала, я тебя любил и люблю, и не будет по-другому, кто бы что ни говорил».

— А нашим артистам тяжело на Западе?

— Думаю, тяжело. И если бы не было этой ситуации, всё равно было бы тяжело. Я на Западе работал с юности. Все артисты балета, оперные певцы, классические музыканты там всегда востребованы. А кино- или театральные артисты не знали и не понимали, что не нужны там. Но всегда питали надежду.

— Пианист Николай Луганский рассказывал историю про Музей Рахманинова в Ивановке. Чтобы провести газ в деревню в Тамбовской области, директор музея посадил вертолет с Ремом Вяхиревым (глава «Газпрома» с 1993 по 2001 год. — «Известия»). А в вашей жизни есть такой поступок, которым вы гордитесь?

— Как-то я танцевал в Пермском театре, и на сцену вышел губернатор. Он говорил мне какие-то хорошие слова, а в завершение сказал: «Мы вас очень ждем». На что я ему ответил: «С удовольствием приеду, если вы купите нормальное балетное покрытие для сцены». И его купили. Я приехал, как обещал. Но заметил губернатору, что приехал в Пермь поездом и хорошо бы, чтобы на вокзале сделали ремонт. Потому что перебираться через пути с чемоданами было просто невозможно. Начальник удивился. «Просто вам не приходится ходить, а вы сходите и посмотрите!» — сказал я ему. В общем, потом мне передали, что сделали ремонт.

Это не повод для гордости. Таких историй было много.

— А чем тогда можете гордиться?

— Горжусь тем, что не подвел родителей, педагогов и кому-то принес пользу. Допустим, сегодня мужчина рассказал, что его больной маме стало лучше, когда она прочла книгу «Мой театр». Для меня это очень важно. Значит, артистом я стал недаром.

==================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024121303
Тема| Балет, Пермский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Лео Делиб, Алексей Мирошниченко
Автор| Наталья Земскова
Заголовок| Легенда о любви. В Пермском театре оперы и балета — премьера «Сильвии» Лео Делиба в хореографии Алексея Мирошниченко
Где опубликовано| © Звезда
Дата публикации| 2024-12-13
Ссылка| https://zwezda.su/article/legenda-o-lyubvi-v-permskom-teatre-opery-i-baleta-premera-silvii-leo-deliba-v-horeografii-alekseya-miroshnichenko
Аннотация| Премьера

В Пермском академическом театре оперы и балета состоялась серия премьерных показов балета «Сильвия» (12+) Лео Делиба в хореографии Алексея Мирошниченко. Дирижер-постановщик — Иван Худяков-Веденяпин, художники — Альона Пикалова, Татьяна Ногинова, Алексей Хорошев.

Шедевр французского музыкального романтического репертуара, «Сильвия» впервые была представлена на сцене Palais Garnier в хореографии Луи Меранта в 1876-м. Либретто Жюля Барбье и Жака де Рейнаха, основанное на пасторали Торквато Тассо «Аминта» (1573 год) о любви пастуха к нимфе-девственнице Сильвии из свиты Дианы-охотницы, выглядело тяжеловесным и запутанным, но содержало полный приключенческий набор с известной рифмой «кровь-любовь» и даже хэппи-эндом.

В письме Танееву Чайковский восхищался изяществом и мелодическим богатством балетом Делиба, уверяя, что знай он эту вещь раньше, никогда бы не взялся за «Лебединое». Тем не менее, «Сильвию» в России ставят нечасто (мы знакомы с Делибом благодаря балету «Коппелия» и опере «Лакме»), а в истории мирового балета ХХ века на слуху всего две постановки — Фредерика Аштона и Джона Ноймайера.Впрочем, Пермская опера «Сильвию» уже видела — в 1982-м она вышла из-под пера Георгия Алексидзе.

Оставляя знаковое балетное название «Сильвия», Алексей Мирошниченко полностью переписал либретто, стоящее на двух китах – романе «Опимия» итальянца Рафаэлло Джованьоли и мифе о Рее Сильвии, матери Ромула и Рема.

Действие пермской «Сильвии» происходит в Лации, в Альба-Лонге (центральная часть античной Италии близ побережья Тирренского моря) в VIII веке до н.э. Царь Нумитор объявляет о помолвке своей дочери Сильвии с военачальником Луцием, который внезапно отправляется на войну. Окружённый врагами Нумитор становится жертвой заговора и погибает от руки собственного брата Амулия; Амулий приказывает Сильвии стать весталкой, то есть, принять обет безбрачия. Луций возвращается из военного похода и, остановившись возле храма Весты в священной роще, в ужасе узнаёт в весталке свою невесту. Влюблённые готовят план бегства, но Амулий следит за племянницей – в критический момент она, защищаясь, закалывает убийцу отца. По приказу Верховного понтифика Сильвию и Луция казнят, погребая заживо, но это ещё не финал.

Пожалуй, самая сильная сторона пермской версии «Сильвии» – сценография. Ещё толком не начались танцы, а вы уже захвачены богатством видеоряда античных знаков и символов.То есть, тем, как мы это себе представляем сегодня и как представляли, например, творцы Серебряного века. Объёмная двухэтажная декорация цвета тёмного натурального дерева, множественные арки и ниши, мебель, декорированная барельефами животных с ножками в виде лап и крыльев, золочёные клинии, на которых возлежали во время пиров, античные вазы и арфы. Золото и пурпур занавесей – доминирующие цвета, на фоне которых то и дело вспыхивают белоснежные туники, фиолетовые хитоны, серебряные шлемы и блестящие сандалии. Всё новенькое, точно подогнанное, ладно сидящее.

Начало первого акта – приём в пиршественном зале царя Нумитора, – где рабы снуют, предлагая кубки с вином, дымят курительницы, а гости преподносят дары, – обещает масштабный парадный спектакль в духе Мариуса нашего Петипа и в целом это обещание выполняет. Классические и характерные дивертисменты, активное использование миманса, пантомимные вставки, местами переходящие в советский драмбалет, ансамбли солистов, где, кроме людей, кстати, живо материализуются персонажи непроявленного мира – фавны, дриады, сатиры и нимфы. Перед нами – почти хрестоматийный балетный спектакль конца ХIХ века, стилизация которого сделана с учётом технических возможностей современных танцовщиков.

В общем, авторы сознательно или бессознательно сделали всё, чтобы «Сильвия», главной ценностью которой Чайковский считал партитуру Делиба, наконец, и хореографически попала в классическую линейку балетов первого ряда вслед за «Лебединым», «Жизелью», «Щелкунчиком», «Спящей», «Дон Кихотом», «Корсаром» и «Баядеркой». И им это удалось.

Танцовщики, надо сказать, за полтора года правления вагановца Мирошниченко, заметно подтянулись; это видно в прыжках, в линиях, в чистоте пируэтов и лёгкости шага. Нельзя сказать, что хореографическая партитура ансамблей и массовых танцев необычайно сложна, но она чётко демонстрирует школу, наработанную бесконечными прописями у станка. В многонаселённом сценическом действии блеснули Натан Фернандес, Генрих Райник и Иван Ткаченко, у которых техника ничуть не затмевает балетмейстерскую мысль.

В пермской версии «Сильвии» в основную партитуру (она перекомпанована) вставлено несколько музыкальных фрагментов из балета «Ручей». Мелодический рисунок в исполнении оркестра под управлением Ивана Худякова-Веденяпина прозрачен и точен. Он развивается стремительно, словно жонглируя лейтмотивами и, кажется, всё время держит вас в напряжении – сочностью красок, драматизмом, тончайшей лирической темой.

Музыка и танец в этом спектакле – равноправные, усиливающие друг друга составляющие. Но если в первом акте хореографический текст не «переигрывает» аудиоряд, радуя глаз и обеспечивая требуемую парадность, то начиная с па-де-де Сильвии и Луция во втором и, особенно, сцены казни, когда влюблённые уходят под землю, тема любви, решённая пластически, выстраивается в художественную вертикаль, и о музыке почти забываешь.

Балетоманам известны возможности пермской примы Булган Рэнцэндорж, последние сезоны демонстрирующей настоящий балеринский шик. Но в лирической партии Сильвии, испытывающей одно потрясение за другим, одной виртуозности мало. Трепетная нежность, отчаянье, попытка борьбы и полное смирение, страшные минуты казни, когда влюблённые соединяются перед мученической смертью – это надо ещё и сыграть. Так что Сильвия для Булган, можно сказать, этапная партия, где ей с трудом, но удалось взять ещё и «лирическую высоту». Всплеск прозрачных рук тончайшего узора – и у всего театра замирает сердце.

В других составах заглавную партию танцуют Жуллиет Пинейро и Диана Куцбах, которая, кстати, только что блестяще показалась в партии Мари в ноябрьской серии «Щелкунчика». Обе танцуют свободно и крепко и даже с небольшим запасом воздуха, обеим есть куда расти.

Сложнее ситуация с титульной мужской партией, и если с балеринами в Пермском балете сейчас всё более или менее в порядке, то премьеров по-прежнему нет. Довольно техничный Кирилл Макурин не дотягивает до премьерства, прежне всего, сценической энергетикой, а это, к сожалению, не вырабатывается.

Минусы главного героя, конечно, «прикрыты» брутальными мужскими танцами легионеров и рабов, но это только до первой трети второго акта. Дальше начинаются любовные дуэты, занимающие центральное место в спектакле. Вспомнился разговор с Алексеем Мирошниченко на его первой пресс-конференции после возвращения.

– Если бы вы писали балетный роман, о чём бы он был?

– Как о чём? О любви!

Пермская «Сильвия» – о великой любви и её испытаниях. И поэтому по законам жанра смертью героев ничего не заканчивается. Пройдя горнило душевных и физических страданий, они попадают в мир богов, где Аполлон и его музы благосклонно встречают счастливых влюблённых, олицетворяя старинный месседж о том, что счастье для людей возможно лишь за гробом.

Райская сцена – одна из самых эффектных в спектакле. Боги, персонажи верхнего мира, решённые пантомимически, как им и положено, возвышаются на постаментах и в первые минуты кажутся настоящими изваяниями. Но происходит первое движение, и понятно: статуарность – это эффект костюмов, выполненных в хрисоэлефантинной технике, где статуи изготовлены из слоновой кости, а волосы, тиары и отделка – золотые пластинки.

То есть, пермская «Сильвия» – это ещё и довольно подробная модель античного мира, где верхний слой представлен богами (грозная ожившая богиня Веста тоже участвует, посылая кару на Сильвию, нарушившую обет), а нижний – сущностями вроде фавнов, дриад, сатиров и нимф. Люди также распределены по кастам: цари, царицы и их свита, военачальники, легионеры, стражники, авгуры, эпулоны, музыканты, рабы и рабыни, этруски и финикийцы, буцинаторы, танцовщицы, плакальщицы логично и без видимых усилий уживаются на компактной сцене Пермского театра оперы и балета, оставляя густой и стройный калейдоскопический вихрь далёкой нездешней жизни, к которой вдруг так захотелось прикоснуться из сегодняшнего дня…

Фото: Андрей Чунтомов/Пермский театр оперы и балета

=====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024121401
Тема| Балет, Государственный театр оперы и балета им. Д. К. Сивцева-Суоруна Омоллоона, Премьера, Персоналии, Екатерина Тайшина
Автор| Елена СТЕПАНОВА
Заголовок| Предъявите билет, на балет билета нет! Полный аншлаг
«АЛИСА В СТРАНЕ ЧУДЕС» В ЯКУТИИ
Где опубликовано| © sakhalife
Дата публикации| 2024-12-14
Ссылка| https://sakhalife.ru/predyavite-bilet-na-balet-bileta-net-polnyj-anshlag/
Аннотация| Премьера, Интервью

14 и 15 декабря пройдут два премьерных показа нового замечательного детского спектакля в Государственном театре оперы и балета им. Д. К. Сивцева-Суоруна Омоллоона.

Уже в эти выходные редкие счастливчики побывают на премьере сказочного балета «Алиса в стране чудес» в постановке заслуженной артистки России и Якутии Екатерины Тайшиной. Почему редкие? Потому что билетов на этот чудесный спектакль уже не достать.
Мне же посчастливилось заглянуть за кулисы, побывать на репетиции и…попасть на страницы красочной книги с яркими иллюстрациями, в которых Алиса пускается в свои удивительные и неожиданные приключения и встречается с не менее удивительными героями.
— Мне хотелось, чтобы дети пришли в театр и смотрели спектакль, как интересный диснеевский мультфильм, — поделилась Екатерина Тайшина. — Моя цель — заинтересовать детей так, чтобы они просто влюбились в балет, в этот прекрасный вид искусства и поняли, что балет — это совсем не скучно. Кто-то после просмотра захочет стать балериной, а для кого-то этот поход в театр — самый первый, и он даст такой мощный импульс, что ребенок станет настоящим поклонником театра и еще не раз захочет к нам попасть на спектакли…

Так вот оно что! Вот почему спектакль «Алиса в стране чудес» состоит из таких ярких, насыщенных событиями картинок, которые меняются одна за другой так, что только успевай за всеми уследить! И народу в этой волшебной стране, созданной 160 лет назад замечательным английским писателем и математиком Льюисом Кэрролом и поселившейся теперь на якутской сцене по либретто Владислава Левочкина — ой как много. Целая балетная труппа плюс дети — целый мир детства, мультфильм с ожившими сказочными всеми любимыми персонажами.

Мы поговорили с Екатериной Лаврентьевной накануне премьеры — всё ли, что задумывалось, удалось воплотить? И вот что она рассказала:

— После балета «Сияющий камень» с очень сложной хореографией мне хотелось сделать для артистов более легкий в техническом плане спектакль. Но при этом актерски — насыщенный, красочный. Мне нравится ставить разноплановые спектакли, в разных жанрах. Не люблю, когда всё однобоко.

В детских балетах наши артисты раскрываются с другой стороны — когда им не приходится думать только о балетной технике: ах, как бы сделать этот сложный элемент. А когда у них появляется возможность перевоплотиться в своего героя, создать этот образ и ярко его сыграть — вот тут-то и проявляется весь творческий потенциал артиста. В классических шедеврах всё-таки есть рамки, за которые нельзя выходить. А в детском балете перед ними стоит задача сыграть так, чтобы детям было смешно, интересно и понятно. Так что места для юмора и творчества всем хватит.
Вот и получается, что балет «Алиса.. » интересен не сложной хореографией, а захватывающей игрой. Мы не дадим детям устать, заснуть, переключиться на что-то, куда-то отвлечься.

— Хотите, чтобы ребенок смотрел во все глаза?

— Да!

— Но у вас так много героев и везде, буквально в каждом уголке сцены что-то да происходит. Даже я не успеваю за всем уследить. А вы-то как всё держите в поле зрения?

— Для хореографа-постановщика очень важно заниматься не только постановкой хореографии, простите за каламбур. Здесь очень много режиссерской работы. Это та же актёрская игра, грим и костюм, это география, хореографический рисунок, музыка. И это свет, декорации, видео — очень важно уследить за всем этим и понимать, как это смотрится с разных ракурсов. Тут все моменты очень важны. Подбирание видео, картинки — это отдельная история: нужно заранее снять, как Алиса падает, как летит, как она плачет, заснять Чеширского кота… А на постановочных репетициях мы собираем все эти моменты воедино. И тогда все пазлы собираются в огромное полотно общей картины — в спектакль, когда режиссер всё это видит. И да, конечно, это полноценная режиссёрская работа.

— А почему в «Алисе…» так много артистов? Вся балетная труппа целиком плюс ещё учащиеся якутской балетной школы: восемь Ёжиков, пятнадцать Пешек, — 23 человека ребятишек!

— А почему нет? Когда много персонажей, это всегда интересно и красочно. А для детей балетной школы это большой опыт. Им самим это та-а-ак нравится! Они должны погружаться в театр — чтобы полюбить то, чем занимаются. А то учатся, учатся, и пока еще не знают закулисье, как пахнет сцена, как идёт подготовка, костюмы, грим.

— А ведь все балерины помнят свой первый детский сценический опыт!

— Конечно. Поэтому уже в этом возрасте профессия должна стать им любимой. Я специально для них создавала персонажи, в которых они впервые, может быть, выйдут на большую сцену.

Ну а причина такого большого количества персонажей в том, что либретто Владислава Валерьевича написано по мотивам не только «Алисы в стране чудес», но и «Алисы в Зазеркалье». Вот почему персонажей у нас в два раза больше, нежели это была бы просто «Алиса».

— Ах вот как!

— Да. Нужно было сделать два разных королевства и поставить шахматную партию. Спасибо моему сыну, который мне помогал — мы с ним продумывали эти моменты.

— А вы с ним в шахматы играете?

— Играю. Это полезно для интеллекта и логики.

— Согласна! А что там по сюжету?

— По сюжету, Алиса — пешка, она должна привести белых к победе. И при этом чёрный рыцарь должен захватить её в плен. Он нападает. А Алису должен защитить белый рыцарь — в итоге он станет другом, и уже вместе они продолжат путь. Вот этот момент мы и продумывали. Для хорошей шахматной игры — это многоходовка, а нам нужно, чтобы ребёнок не устал смотреть на эту шахматную партию. То есть шагов должно быть не так много, и они, мало того, что должны быть интересными, но и уложиться в музыкальный хронометраж.

— У меня, когда я смотрела, возникало ощущение, что вот Анастасия Платонова — это прирождённая Алиса. А Павел Необутов — шикарный Белый Кролик, а Венера Федотова — по сути своей и есть та самая Червонная королева, описанная Льюисом Кэрроллом. И я еще не всех увидела! Но то, что увидела, было бесподобно. Как вы всё это считываете со своих артистов?

— Просто я их очень хорошо знаю. И прекрасно понимаю все их плюсы и минусы, и что и как может исполнить каждый артист. В этом и состоит моя работа.

Каждому персонажу я постаралась придать интересный характер. Думаю, что актёрски все они хорошо справятся со своей задачей и подарят детям большой праздник. Это же наша долгожданная премьера!

— А почему Чеширский кот решён в компьютерном варианте?

— А вы просто его не видели! Я думаю, что дети будут от него в восторге. И взрослые тоже.

— Как вы продумывали костюмы? Я вот смотрю, как бежит Белый Кролик и как при этом развиваются полы его чудесного розового сюртука, и понимаю, что это совсем неспроста.

— Декорации, эскизы мы готовим вместе с художниками. Я объясняю, какими они должны быть, каков каждый персонаж, какой у него характер. И потом, в процессе работы, идет редактирование: если что не так — добавить, убавить. Это тоже процесс не быстрый. И с каждым разом по ходу подготовки спектакля появляются ещё какие-то идеи. Это процесс сложный, но интересный.

— Подводные камни были?

— Как всегда, очень мало времени оставалось на постановку. У нас ведь шли репертуарные спектакли, которые мы всегда готовим максимально тщательно. Нам важен каждый спектакль, и всё должно быть профессионально, на высшем уровне. Мы же не можем сказать: «Ай, ладно, как-нибудь станцуем!». От того сроки на постановку «Алисы..» всё сжимались и сжимались. С другой стороны, билеты давным-давно распроданы, и это тоже, знаете ли, сильно нас триггерит. А в сроки, кстати, мы уложились.

— Не кажется ли вам, что музыка московского композитора Руслана Мурсякаева несколько сложновата?

— Надеюсь, что она не так будет сложна в детском восприятии: я постаралась некоторые моменты перекрыть актёрскими мазками, интересными фрагментами, чтобы это было ярко, сюжетно и смешно. Сложновато было нам: мне — ставить хореографию, артистам балета — учить, оркестру — играть, так как это не простая музыкальная партитура. Но музыка получилась всё-таки интересная. Надеюсь, что мы все справились, и детям будет всё легко воспринимать.

— Билетов на спектакль уже нет. А как быть тем, кто тоже хочет посмотреть?

— Да, уже очень много пишут, звонят, спрашивают, как попасть на «Алису». Надо набраться терпения. Пока только два показа, а после Нового года мы ещё поставим. У нас ведь спектаклей очень много — это классика, наши шедевры.
Я всегда знала, что «Алиса в стране чудес» будет очень актуальна, и очень много людей захотят её посмотреть. Нашему театру такой спектакль в репертуаре очень нужен. Так хотелось порадовать наших детишек!

— Такого эффекта вы добивались?

— Хотелось, чтобы дети попали на праздник в Страну Чудес.

— И они попадут!

— Спасибо! А я благодарю всю нашу постановочную команду, балетную труппу, которые справились с поставленной задачей. Хочу пожелать нашему спектаклю творческого долголетия, а зрителям ярких эмоций!
— Успехов вам и вашему спектаклю!

Фото: Кристины НОВГОРОДОВОЙ

=======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ