Балет и Опера

Елена С.

Номер ссылки| 2024120101
Тема| Балет, "Щелкунчик", Персоналии,
Автор| Лейла Гучмазова
Заголовок| "Щелкунчик" со множеством смыслов: как постановщики раскрывают в классическом балете все новые грани
Где опубликовано| © Российская газета
Дата публикации| 2024-12-01
Ссылка| https://rg.ru/2024/12/01/rg-rasskazyvaet-pochemu-novogodnij-shchelkunchik-tak-populiaren.html
Аннотация|

"РГ" рассказывает, почему новогодний "Щелкунчик" так популярен

Сюжет балета "Щелкунчик" - это просто сказка. Девочка Маша в подарок под елку получает страшненькую деревянную куклу-Щелкунчика и умудряется его полюбить. В рождественскую полночь на Машу ополчается войско крыс во главе с королем, но превратившийся в принца Щелкунчик ее спасает, увозя в прекрасную страну сиропных рек и конфетных берегов. Формально фабула на этом исчерпана, но создатели балета "Щелкунчик" умножили ее десятками смыслов, потому балет и притягивает взрослых, и маленьких зрителей уже больше века. Если присмотреться внимательнее - открываются поразительные вещи.

Александр Кряжев/ РИА Новости

Отец русского балета Мариус Петипа прочитал сказку сумрачного немца Эрнста Гофмана на родном для себя французском, в пересказе Александра Дюма. В результате жутковатая мистика Гофмана оказалась дважды обласкана французским изяществом, но она держит сюжет и все равно прорастает, давая шанс всем постановщикам акцентировать разное.

Потом Петипа (74 года) дал Чайковскому (52 года) самые точные указания о музыке - какого характера и даже сколько в тактах. Дальше включился гений композитора, сумевшего в этом жестком каркасе создать пронзающую сердце музыку, где за каждой гармонией скрыта бездна чувств.

Отец русского балета Мариус Петипа прочитал сказку сумрачного немца Эрнста Гофмана на родном французском, в пересказе Александра Дюма
На премьере, случившейся именно в эти декабрьские дни в Мариинском театре 132 года назад, в постановке Льва Иванова по разработке Петипа публику радовали Щелкунчик-Сергей Легат (трагически погибший молодым), Фея Драже-блистательная итальянка Антониетта Дель-Эра и игравшие ровесников девочку Клару (Машу) и ее брата Фрица (Мишу) воспитанники балетного училища.

В дальнейшем хореографы увидели в балете много разного. Например, историю женской любви, превращающей деревянную чурку в дивного принца - лучшая версия Василия Вайнонена до сих пор идет в Мариинском театре. Там же идет версия Михаила Шемякина, увидевшего в "Щелкунчике" борьбу двух миров, домовитого бюргерского и ирреального, возвышенного.

На петербургском фестивале балета Dance open представляли версию из Женевы, где Щелкунчик разбирался со своими детскими страхами, и из Перми, где сильно заболевшая Маша бредила волшебным Конфетюренбургом с реками лимонада.

В Гранд опера по сей день неизменно идет обожаемая парижанами версия Рудольфа Нуриева, где все происходит, как запомнилось автору в его ленинградской юности на сцене Кировского театра, но сдобрено французским изяществом и сказочной теплотой.

В нынешней Москве в начале января покажут симпатичный спектакль Наталии Касаткиной и Владимира Василева на скромной сцене Центра Вишневской.

В МАМТе вот-вот начнут серию "Щелкунчиков" Юрия Посохова, где автор залюбовался шкафом с куклами как порталом в иной мир, а театр отозвался несколькими очень интересными составами солистов.

В Москве предлагают также иммерсивное шоу и "Щелкунчика" на льду, но с симфоническим оркестром. А за "Щелкунчиком" с танцами кукол в виде китайского цирка надо ехать в Нижний Новгород.

Кроме того, объявлено время трансляции самого престижного и просто красивого "Щелкунчика" Большого театра в редакции Юрия Григоровича, о котором не сказал в последнее время только ленивый. 30 декабря (19:00) и 31 декабря (12:00) из исторического здания Большого театра пройдут его прямые трансляции в сотню кинотеатров по всей стране - от Сургута до Черкесска.

Ради ощущения праздника стоит приобщиться.

Елена С.

Номер ссылки| 2024120201
Тема| Балет, «Лебединое озеро», Персоналии, Мэтью Борн
Автор| Эмма Джонс
Заголовок| Лебедь, мужской род. Как 30 лет назад революционная постановка «Лебединого озера» Мэтью Борна изменила мир танца
Где опубликовано| © Би-би-си
Дата публикации| 2024-12-01
Ссылка| https://www.bbc.com/russian/articles/c98e7y8z37zo
Аннотация|

Ian Gavan/Getty Images
В 1995 году постановка Мэтью Борном классического «Лебединого озера», где партии лебедей исполняли мужчины, стала сенсацией

Британскому хореографу Мэтью Борну было 35, когда в 1995 году он поставил в Лондоне «Лебединое озеро» — классику балета на музыку Петра Чайковского. Вот только все партии лебедей в нем исполняли мужчины. Революционная по тем временам постановка с тех пор собрала коллекцию премий и побывала во многих странах, в том числе и в России. Накануне 30-летия своей версии «Озера», которую труппа отмечает гастролями, Мэтью Борн рассказал Би-би-си о том, как одна большая идея радикально изменила мир танца.

Бриджи из белых невесомых «перьев» — возможно, один из самых культовых танцевальных костюмов нашего времени, недаром они находятся в постоянной экспозиции лондонского музея Виктории и Альберта. Это дань уважения гендерной — мужской — версии «Лебединого озера», созданной хореографом Мэтью Борном.

В его постановке, премьера которой состоялась в ноябре 1995 года в Лондоне, партии лебедей, традиционно женские, впервые исполнили мужчины. Это чудо в перьях получило потом британскую театральную премию «Оливье», названную так в честь Лоуренса Оливье, и американскую «Тони». Постановка Борна стала самым долгоиграющим классическим танцевальным шоу как в лондонском Вест-Энде, так и на Бродвее.

«В 1995-м большинство зрителей, думаю, ожидали увидеть на сцене мужчин в классических балетных пачках», — вспоминает Борн ожидания театралов тридцатилетней давности.

Молодой хореограф из Лондона, которому тогда было 35 лет, Борн получил возможность поставить свою версию «Лебединого озера» в лондонском театре Sadler’s Wells. Это была его заветная мечта, говорит он, «потому что я всегда любил эту историю и отождествлял ее с собой».

Главная его идея была, по его мнению, простая и при этом революционная: «Все лебеди должны быть мужчинами».

Getty Images
Подпись к фото,Хореограф Мэтью Борн

По словам Борна, увидеть историю по-новому ему помог герой балета принц Зигфрид. «Ему постоянно говорят, что он должен жениться; его мать все время показывает на кольцо на своем пальце, что в балетной пантомиме означает "Пора жениться". А он продолжает говорить: "Нет, я женюсь только по настоящей любви". Я всегда думал, что за этим стоит отдельная история — отсюда, из размышлений о принце, и родилась идея лебедей-мужчин».

Борн сам учился танцу, прежде чем стать театральным хореографом. Он начал экспериментировать с новыми интерпретациями классических балетных постановок в начале 1990-х годов и скоро завоевал репутацию агента перемен в балете — как Дэмиэн Херст, Трейси Эмин и Сара Лукас в современном искусстве.

Критикам понравилась его версия «Щелкунчика» Чайковского, где действие было перенесено в сиротский приют викторианской эпохи. А его вариант «Сильфиды» (под названием Highland Fling) в 1994 году был поставлен в антураже современного жилого комплекса в Глазго.

«Лебединое озеро» — это балетная классика, а легендарная прима Королевского балета Марго Фонтейн, исполняющая «Умирающего лебедя», для Британии стала символом балета XX века. Неудивительно, что идея Борна отдать роли лебедей мужчинам многим показалась чушью.

«Никто не мог представить себе, на что это может быть похоже, — говорит он. — Ведь если спросить, как выглядит балет, то, я думаю, для многих ответ очевиден: в голове сразу возникает классический образ девушки-лебедя, танцовщицы в белой пачке».

Борн вспоминает, как люди реагировали на его идею: мол, он не тот человек, который должен ставить новую версию «Лебединого озера», ведь он известен в первую очередь своими балетными шутками и своеобразным чувством юмора. «Меня называли "балетным плохишом" и "Дэмиеном Херстом из мира танца", от меня ожидали фарса или провала, — говорит Борн. — Но я знал, что моя идея хорошая. Но понравится она людям или нет — этого я не знал».

Одним из главных визуальных сюрпризов постановки стали костюмы мужчин-лебедей. Клюв в виде черного треугольника на лбу, коротко стриженные волосы, обнаженный торс, босые ноги и теперь уже легендарные бриджи из белого шелкового шифона с «перьями» — образ был придуман Борном совместно с британским художником по костюмам Лезом Бразерстоном.

«Мы с Лезом хотели, чтобы лебеди были похожи на птиц, животных и людей одновременно, пытались передать ощущение сказочности, птичьей стаи», — объясняет Борн. Для вдохновения он показал Бразерстону фото индийской танцовщицы в шароварах с бахромой в прыжке, а идея клюва была им позаимствована из балета Ролана Пети «Собор Парижской Богоматери». Весь грим Квазимодо — это черная линия на его лице, объясняет Борн: ему понравилась простота и эффектность такого решения.

|Все лебеди, и солисты, и кордебалет, у Борна были мужчинами. Партии были адаптированы

Костюмы родителей Принца тоже были вполне современными, и Борн не исключал, что пресса может увидеть в этом решении намеки на королевскую семью и историю принца Уэльского, который тогда находился в процессе развода с принцессой Дианой — тем более что исполнитель этой роли даже внешне чем-то напоминал принца Чарльза, вспоминает Борн. Но несмотря на это, в заголовки попал именно Лебедь (Одетта в классической версии балета) — легендарный персонаж в балетном мире, отмечает Борн.

Для него история любви Принца — сердце сюжета «Лебединого озера». «Он ищет то, чего в его жизни не было, — рассуждает он. — У него неласковая мать, никто к нему не прикасается, что, наверное, для королевской семьи вполне типично. Объятия Лебедя дают ему то, о чем он мечтает: возможность быть свободным, быть диким. Все это так хорошо передано в музыке Чайковского: это очень трогательный, глубокий материал, помогающий вам перенести эти эмоции в свой мир».

Из балета в поп-культуру

Мировая премьера «Лебединого озера» в постановке Борна, состоявшаяся 9 ноября 1995 года, с Адамом Купером, солистом Королевского балета, в роли Лебедя произвела моментальный фурор.

«Думаю, для многих зрителей было шоком, когда на сцену вышли Адам Купер и остальные артисты в своих белых костюмах», — говорит Борн.

«Это не было шоком в плохом смысле, но шоком в смысле чего-то совершенно нового. И я был впечатлен тем, как постановка "взлетела" буквально в первый же день, — вспоминает хореограф. — Мы были на первых полосах некоторых газет. Камерон Макинтош (британский продюсер нескольких известнейших мюзиклов, таких как «Кошки», «Отверженные», «Призрак оперы» и др. — Би-би-си) припер меня к стене прямо в антракте и сказал, что «Озеро» должно идти в Вест-Энде. Он сразу понял, что в этом что-то есть».

Но были и те, кто ушел с представления, когда двое мужчин начали танцевать дуэт, отмечает Борн.

Сексуальность постановки была предметом обсуждения все то время, что она с большим успехом шла в лондонском Вест-Энде в 1996 году и на Бродвее в 1998 году. Это все еще была неоднозначная, острая тема. Однополый брак был показан в самом популярном американском ситкоме «Друзья» всего через несколько недель после премьеры «Лебединого озера». Но до полного признания гомосексуальных отношений и уравнивания их в правах с гетеросексуальными браками в США и Великобритании оставалось ждать еще 20 лет.

«Многие назвали тогда нашу работу гей-версией «Лебединого озера», и когда мы поставили шоу на Бродвее, мне было сказано, чтобы я не заострял внимание на этой теме, — вспоминает Борн. — Тогда считалось, что это очень плохо для рекламы. Сейчас, конечно, все иначе».

«В глубине души я понимал, что в постановке, по сути, рассказывается история любви двух мужчин, — говорит он. — Но в то время я остерегался заходить так далеко и думал, как сделать так, чтобы всем было комфортно. Я говорил, что Лебедь Принцу "как отец"».

Борн считает, что тогда, в середине 1990-х годов, публика сочла постановку более или менее приемлемой, потому что в ней не было прямолинейных гомосексуальных отношений. «Это были принц и лебедь, — говорит хореограф. — История была показана глазами Принца, который пытался найти мир и покой в своей жизни, пытался найти кого-то, кто бы его полюбил. Это простая универсальная тема, которую можно трактовать по-разному, и я думаю, что открытость трактовки была одной из причин нашего успеха. Но были люди, которым эта часть истории не понравилась».

|История любви Принца и Лебедя для Борна стала ключевым моментом постановки — но не всем понравилось, что оба они — мужчины

Борн не счел возможным акцентировать внимание на теме гомосексуальных отношений в своем «Лебедином озере» в 1995 году, а большому танцевальному миру потребовалось очень много времени, чтобы прийти к таким темам. Только в 2020-х в популярных танцевальных телешоу появились однополые пары, и лишь в 2024 году в классическом балете состоялась премьера нового балета «Оскар» с отчетливо гомосексуальным сюжетом.

«Барьеры сломаны, — констатирует Борн. — Спустя 30 лет после премьеры "Озера" тема больше не воспринимается как неоднозначная и острая. Теперь это вполне себе балет, на который можно пойти на Рождество и взять с собой детей. Все колоссально изменилось — но и мне пришлось пройти большой путь, чтобы говорить об этом так, как я говорю об этом сейчас».

Влияние «Лебединого озера» на изменение гендерных норм в танце очевидно, например, в фильме-номинанте на «Оскар» «Билли Эллиот», где Джейми Белл играет мальчика-сына шахтера, который хочет учиться балету, но сталкивается с предрассудками.

В финальной сцене фильма взрослый Билли готовится выйти на сцену в роли Лебедя: его сыграл исполнивший эту роль в постановке Борна Адам Купер.

Благодаря одной этой киносцене «Лебединое озеро» стало частью современной поп-культуры. Борн убежден, что его постановка оказала непосредственное влияние на количество юношей, которые решились делать карьеру в балете. Как раз примерно в это время наблюдался невероятный рост интереса к танцу со стороны и молодых мужчин, и молодых женщин, говорит он.

«Я думаю, наше шоу и "Билли Эллиот" станут важной частью наследия нашего времени в сфере мужского танца, — считает Мэтью Борн. — Они сделали танец нормальным делом для мужчины: наши лебеди показали, что мужественность и лиричность отлично сочетаются. Теперь это практически культовое произведение».

Graham Denholm/Getty Images
Подпись к фото,Постановка побывала на гастролях во многих странах мира. На фото — артисты «Лебединого озера» на берегу озера Альберт Парка в Мельбурне

«Лебединое озеро» сломало и другие профессиональные барьеры, когда получило британскую театральную премию имени Лоуренса Оливье в 1996 году и три американские премии «Тони» в 1999 году, в том числе за лучшую режиссуру мюзикла. На Бродвее, правда, не было единого мнения о том, к какому жанру отнести эту постановку, положенную на классическую музыку Чайковского.

«Это музыкальная театральная постановка, но были люди, которые настаивали, что наше „Лебединое озеро“ — это балет, а не мюзикл, — говорит Борн. — Такие споры всегда интересны: они показывают, как меняются наши представления о привычных вещах, именно так мы начинаем видеть мир по-другому».

То, что и многие зрители действительно воспринимают его «Лебединое озеро» как балет, сделало этот вид искусства более инклюзивным, расширило его аудиторию — Борн говорит, что этим он гордится больше всего.

«Я уверен, что постановка пробудила в людях стремление к творчеству, желание увидеть что-то необычное, — резюмирует хореограф. — И если кто-то хочет попробовать что-то новое, а новое для него воплощается в балете — то почему бы ему не считать нас балетом? Хотя, возможно, это просто совершенно отдельный, самостоятельный жанр».
=====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024120202
Тема| Балет, Театр им. Э. Сапаева, Персоналии, Борис Эйфман, Кристина Михайлова, Артем Васильев
Автор| Марина Оленева
Заголовок| Трагедия времен языком танца
/ В Йошкар-Оле состоялась премьера балета Бориса Эйфмана «Красная Жизель»
Где опубликовано| © «Марийская правда».
Дата публикации| 2024-12-02
Ссылка| https://www.marpravda.ru/news/religiya/v-yoshkar-ole-sostoyalas-premera-baleta-borisa-eyfmana-krasnaya-zhizel-/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Эту постановку ждали, к ней готовились, ее предвкушали не только причастные к творческому процессу «оживления» шедевра на марийской сцене, но и все поклонники балетного искусства Йошкар-Олы.

Не побоюсь утверждать, что появление «Красной Жизели» стало грандиозным событием в культурной жизни нашей республики. Уже второй раз великий хореограф современности Борис Эйфман передает права на постановку своего спектакля театру оперы и балета им. Э. Сапаева. Случай беспрецедентный. Единственный не только в России, но и в мире, потому как творения Маэстро можно было ранее видеть исключительно в исполнении артистов его театра. Но благодаря многолетней творческой дружбе Бориса Яковлевича и Константина Иванова, заслуженного артиста России, художественного руководителя театра им. Э. Сапаева, заместителя Председателя Правительства – министра культуры, печати и по делам национальностей Марий Эл, уже два года йошкаролинцы и гости столицы имеют возможность наслаждаться невероятным «Русским Гамлетом», а теперь к нему присоединилось одно из самых совершенных творений мастера танца – «Красная Жизель».

Посвящение талантам

Премьера состоялась в Санкт-Петербурге в Театре балета Бориса Эйфмана в 1997 году. В 2015-м хореограф выпустил обновленную версию спектакля, и вот третью жизнь он обрел уже в Йошкар-Оле. Постановка посвящена Ольге Спесивцевой, одной из величайших балерин начала XX века, чья трагическая судьба неразрывно связана с самым переломным и кровавым временем для России – революцией 1917 года и последующими за ней тяжелыми переменами.

«Но это не иллюстрация биографии Спесивцевой, а попытка обобщить ее судьбу и судьбы многих талантов, вынужденных покинуть Россию, переживших трагический исход», - писал несколько лет назад Борис Эйфман. Но справедливости ради замечу, что, хотя на долю балерины выпало много тяжких испытаний и даже 20-летнее пребывание в клинике для душевнобольных, она покинула этот мир в возрасте 96 лет (!) в полном рассудке и твердой памяти.

Прежде чем поделиться личными впечатлениями от увиденного, скажу, что в балетах Эйфмана не участвует «живой» симфонический оркестр. Музыкальное сопровождение идет «на подборе» отрывков из произведений разных композиторов, причем это делает сам постановщик, и всегда поражаешься тому, насколько музыка соответствует настроению, тематике, стилистике действа. В «Красной Жизели» звучат произведения Чайковского, Бизе и… Шнитке. Звучат не просто как необходимое оформление, а как несущие важную смысловую нагрузку.

Люди и марионетки

История начинается в революционном Петрограде на уроке классического танца в Мариинском театре. Строгий Учитель, замечательно и тонко исполненный Иваном Мелехиным, среди своих учениц особенно выделяет ту, чьи совершенные движения воплощают его идеал прекрасного. Балерине (прима театра Кристина Михайлова) рукоплещет восхищенный зал, и в череде поклонников – Комиссар (ведущий солист Артем Васильев), представитель новой власти, вызывающий у героини одновременно ужас и влечение. Все, что происходит потом с нежной, трепетной, беззащитной, невероятно чувственной Балериной, можно назвать смерчем, цунами, тайфуном, который разрушил не только ее привычный мир, но и сильно пошатнул душевное равновесие.

«Красная Жизель» - балет, безусловно, в первую очередь психологический, но с политическим оттенком. «Красная вакханалия», в водоворот которой попадает героиня, ломает судьбы, отбирает жизни, вынуждает покинуть родную страну и приучаться жить на чужбине, где тоже счастья найти не суждено. Трагическая история, рассказанная языком танца, не оставляет никого равнодушным.

Зрители уже с первых сцен замирали в оцепенении, боясь лишний раз пошевелиться, чтобы ничем не помешать действу на сцене. Хореография Эйфмана особенная, сложная технически и содержит много абсолютно неклассических элементов, но при этом она «говорящая» настолько, что за каждым движением артистов ты как будто вдруг слышишь их диалоги или крик о помощи. Вот, кажется, Учитель говорит своей любимой ученице слова восхищения, а уже через мгновения в дуэте Комиссара и Балерины гармония академического танца меняется на угловатые, резкие жесты куклы-марионетки, и слышатся ее робкие мольбы о пощаде, при этом не лишенные потаенного желания дальше подчиняться жесткому кукловоду.

Браво! Браво! Браво!

Несомненно, все повествование в «Красной Жизели» пронизано глубоким драматизмом, но именно сцены мучительных отношений Комиссара и Балерины поразили необычайно. Талант драматического актера в Артеме Васильеве с каждой новой его работой раскрывается все больше. Гамлет, Спартак, Пьер Безухов уже заняли особое место в творческом багаже солиста. И вот еще одна победа.

У артиста редкий дар. Он умеет «говорить» со зрителем не только танцем, но и мимикой, глазами. Его Комиссар – не просто жестокий «властитель» нового мира, он – мужчина, сжигаемый страстью к прекрасной танцовщице, скрывающий это даже от самого себя. В итоге чувства на мгновение побеждают, и герой отпускает Балерину. Отрывает от себя безмерно тяжело. Болезненно. Не стану скрывать, в этот момент у меня впервые в жизни на балетном спектакле выступили слезы. Браво, Артист!

Объемно. Ярко. Полифонично

Исполнителю партии Партнера премьеру балета Итару Нада достался непростой персонаж. Молодой хореограф, в которого влюбляется в Париже главная героиня, не может ответить на ее чувства по причине своей нетрадиционной ориентации. Хотя он готов с нею только танцевать и дружить, мне показалось, что в конце спектакля сумасшествие Балерины немного изменило его пристрастия, и он был даже не против вернуться к привычным отношениям между мужчиной и женщиной. Надо отдать должное Итару Нада за этот прекрасно воплощенный образ, а Борису Эйфману за то, что весьма целомудренно «нарисовал» нестандартные мужские взаимоотношения.

Объема, яркости и полифоничности добавили балету массовые сцены. Потрясающие эпизоды разгула пролетарской толпы в Мариинском театре, дивертисменты салонных танцев чарльстона и фокстрота, прочие «развязности» заграничных нравов исполнены на самом высоком уровне. «Красная Жизель» не просто поражает воображение и затрагивает душевные струны, она, без преувеличения, вызывает гордость за наш театр, за солистов балета, которым, кажется, уже под силу самые невероятные и самые сложные хореографические полотна. Нет сомнения, что очередной шедевр украсит репертуар театра им. Э. Сапаева и доставит массу впечатлений поклонникам балетного искусства!

Фото Евгения Никифорова.

======================================================================
ВСЕ фото - по ссылке

Елена С.

Номер ссылки| 2024120301
Тема| Балет, , Персоналии, Андрис Лиепа
Автор| Валентина Старова
Заголовок| ПРИНЦ С БИЗНЕС-ПЛАНОМ
Где опубликовано| © журнал «Аэрофлот», стр. 22-24
Дата публикации| 2024-декабрь
Ссылка| https://netstorage.aeroflot.ru/journal/Aeroflot_December_2024.pdf#page=13
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Андрис Лиепа о спектакле с атмосферой рыцарских романов, о воплощенных детских мечтах и о том, как стать продюсером поневоле

Недавно в Кремлевском дворце прошла премьера «Раймонды» в вашей постановке. Почему вы выбрали именно это произведение?

Мне кажется, Кремлевский дворец просто создан для «Раймонды». Свой последний шедевр Мариус Петипа создал с размахом, этому спектаклю нужна большая сцена. Когда мы обсуждали планы с новым балетмейстером «Кремлевского балета» Александрой Тимофеевой, я сразу предложил «Раймонду». Она меня поддержала, и все сложилось как нельзя лучше. Новый вариант декораций и костюмов, который создал мой большой друг и соратник, народный художник России Вячеслав Окунев, великолепно смотрится на сцене Кремлевского дворца. Наш замечательный дирижер Сергей Кондрашев просто влюблен в музыку Глазунова, ведь это одна из самых потрясающих балетных партитур в мире. И оркестр радио «Орфей» под его руководством буквально превзошел себя.

Нам пришлось немного сократить балет в силу того, что труппа у нас не такая многочисленная, как в Большом театре или Мариинском. Но в результате получился полноценный красивый спектакль, погружающий в атмосферу рыцарских романов. Он выглядит старинным, но отнюдь не музейным экспонатом.

У вас особое отношение к Кремлевскому дворцу. Вы ведь начинали свой путь артиста именно здесь?

Да, эту сцену я люблю с самого детства. Практически все постановки Московского хореографического училища, которое я окончил, шли на ней. Свой выпускной спектакль – «Коппелию» – мы с Ниной Ананиашвили станцевали именно здесь. Когда в 1981 году я поступил на службу в Большой театр, получил пропуск и в Кремлевский дворец съездов – он тогда был второй сценой Большого. Наш совместный с Андреем Борисовичем Петровым проект «Русские сезоны» стартовал тоже на сцене Кремлевского дворца. Этот зал для меня как родной. Я не боюсь большого пространства и хорошо знаю, как нужно его зарядить, чтобы шесть тысяч зрителей остались довольны.

Вы танцевали в нескольких версиях «Раймонды». А что думаете о молодом поколении, исполняющем балет сейчас?

Первая постановка «Раймонды» была сделана на итальянскую балерину Пьерину Леньяни. Благодаря ее техническим возможностям партия имеет фантастический диапазон: шесть полноценных вариаций, четыре адажио, гран-па, па д’аксьон. Считается, что эта роль для маститых балерин, однако Майя Плисецкая станцевала ее в 20 лет. И это правильно. Молодежь должна иметь возможность расти на таких спектаклях. И нынешняя молодежь не подвела. Алина Липчук прекрасно танцевала на премьере. По моему мнению, это открытие «Кремлевского балета». Алина – воспитанница Александры Тимофеевой, которая, в свою очередь, училась у Екатерины Максимовой. Так что преемственность налицо. Ведь наша профессия передается «из ног в ноги».

Если говорить о преемственности, что думал о танцовщике Андрисе Лиепе ваш отец, легендарный Марис Лиепа?

Полагаю, с самого начала папа не был уверен, что из меня что-то получится. Только в 23 года, когда я станцевал балет Белы Бартока «Деревянный принц», отец сказал: «Ну, теперь ты можешь танцевать «Жизель». До этого он не понимал, смогу ли я исполнить роль Альберта. У него вообще были очень высокие стандарты, а в отношении меня – еще выше. Поэтому я всегда работал не на сто процентов, а на двести.

Вы как-то сказали, что ощущаете себя принцем, имея в виду исполненные партии. Этот образ близок вам по характеру?

Да, в какой-то мере. Актеру очень сложно быть органичным, если роль совершенно не соответствует его внутреннему миру. Если говорить о романтических партиях, я одного только принца Зигфрида танцевал в семи версиях «Лебединого озера». Думаю, поэтому меня и называли Принцем.

Михаил Барышников как-то признался, что самое трудное в балете – каждый день приходить в класс и верить в то, что ты любишь эту работу. А что для вас было самым трудным в профессии?

Наверное, для меня было важно найти свое собственное лицо, не быть только сыном Мариса Лиепы, а стать Андрисом Лиепой. Мне это удалось, когда я вернулся из Америки. Но это скорее не трудность, а особая ответственность.

Что касается класса, да, у нас останавливаться нельзя. Но на самом деле я люблю заниматься у станка. Я сделал рутину праздником. А когда болею с высокой температурой, очередное занятие в классе – признак того, что начинаю выздоравливать.

Балет – жестокая профессия?

Да, и очень травматичная. У нас много поддержек, прыжков – с возрастом все эти нагрузки приводят к профессиональным травмам. Я как-то встретился с Сержем Лифарем на гастролях в Швейцарии. Он с трудом передвигался и с горечью заметил: «Вот, смотрите, когда-то это были самые красивые ноги в Европе, а теперь они еле ходят». У меня на крестовидной связке была операция, которая прервала мою карьеру танцовщика.

И вы стали режиссером и продюсером. На каком месте для вас находятся эти профессиональные ипостаси?

Наверное, на первом месте – артист балета, потом режиссер, и только потом продюсер. Из-за травмы мне было отпущено на танец всего 12 лет из возможных двадцати, но все-таки за сценическую жизнь я достаточно много успел. А всю нерастраченную энергию пускаю на свои проекты.

В детстве мы с сестрой Илзе любили рассматривать альбомы по «Русским сезонам» из отцовской библиотеки. Я мечтал увидеть, как будет выглядеть Шехерезада или Синий бог на сцене. И так получилось, что все, о чем тогда мечтал, я в итоге воплощаю. В Мариинском театре, например, с 1994 года идут мои постановки «Шехерезады» и «Жар-птицы».

А продюсером я стал поневоле, так как у нас в балете нет хороших продюсеров. За два года работы в Америке я многому научился, в том числе бизнесу и умению просчитывать риски. Во мне присутствует такой здоровый прагматизм. Всегда стараюсь делать все грамотно, чтобы хотя бы не потерять то, что у меня есть. Когда начинаешь проект, первый вопрос всегда – где взять деньги. Значит, надо что-то заложить. А что заложить? Квартиру. Когда принимаешь такое решение, ты должен понимать, что придется заработать и вернуть деньги, иначе квартиры уже не увидишь.

Вас часто сравнивают с Дягилевым. Нет желания сделать проект с новыми Фокиными и Стравинскими?

Я изначально ступил на дорогу реставратора, восстанавливая балеты «Русских сезонов» Дягилева. Он конечно, был революционером, а его постановки – откровениями в искусстве. Я поставил перед собой задачу восстановить то, что было им создано. «Жар-птица» и «Шехерезада», «Петрушка» и «Видение Розы» существуют уже больше ста лет. Как создать такие спектакли, чтобы они были открытием в начале одного века и сохраняли свою актуальность в начале следующего? Причем в тех же декорациях и с теми же костюмами. Постановки Дягилева идут на сценах лучших театров мира, и я вернул их обратно в Россию. Мне хотелось, чтобы наш зритель их тоже увидел.

Однако все это не исключает желания сделать и что-то современное. У меня есть интересный проект с хореографом Патриком де Бана. Я познакомился и подружился с ним в 1992 году во время работы в балете Мориса Бежара. Когда мы с Патриком придумываем новую тему, берем музыку современных композиторов. Я вообще открыт к нововведениям, и у меня за плечами много постановок эстрадных шоу, где было немало интересных находок.

А что еще в ближайших планах?

В «Кремлевском балете» я сейчас ставлю «Щелкунчика» к Новому году. Это будет небольшая версия на час с небольшим на верхней сцене. Так что даже самые маленькие зрители не заскучают. В Большом театре Валерий Абисалович Гергиев пригласил меня поставить «Жар-птицу» и «Петрушку». Кроме того, уже есть договоренность с Родионом Константиновичем Щедриным, что я буду режиссером юбилейного гала-вечера, посвященного 100-летию Майи Плисецкой, в 2025 году. А еще в Самаре в следующем сезоне пройдет фестиваль «Шостакович. Над временем», и художественный руководитель балета самарского театра Юрий Бурлака пригласил поставить «Жар-птицу» и «Шехерезаду» на его открытии.

Приближается Новый год. Как вы отмечаете праздники?

Я родился в Рождественский сочельник, поэтому для меня это особый праздник. Люблю отмечать его в своем доме, в Дивеево Нижегородской области, рядом с Серафимо-Дивеевским монастырем. В этот день мы постимся, а в Рождество, возвратившись из храма, топим печку, зажигаем свечи – празднуем и Рождество, и мой день рождения. Поем, танцуем, дети показывают разученные номера, а рядом мерцает наряженная елка, без которой я не мыслю Нового года. Это такое счастье – собраться с близкими, отключить телефон и забыть о городской суете! Творчество поглощает, и нужно находить моменты для ухода в себя. Тогда остаются только снег за окном и потрескивающие дрова в печке.

Елена С.

Номер ссылки| 2024120401
Тема| Балет, МАМТ, Конференция, Персоналии, Ирина Дешкова, Юрий Бурлака, Наталия Чайковская-Бурмейстер
Автор| Павел Ященков
Заголовок| Владимира Бурмейстера оценили с позиций «прыжка свободы» Рудольфа Нуреева
В Музыкальном театре Станиславского и Немировича-Данченко прошла научная конференция по наследию Мастера
Где опубликовано| © "Московский Комсомолец"
Дата публикации| 2024-12-04
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2024/12/04/vladimira-burmeystera-ocenili-s-poziciy-pryzhka-svobody-rudolfa-nureeva.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В Музыкальном театре Станиславского и Немировича - Данченко весь уходящий год прошел под знаком одного из основателей балетной труппы этого театра и первого её руководителя, который на протяжении почти 30 лет формировал и закладывал основы её репертуара, Владимира Павловича Бурмейстера. Его 120-летие отмечает театр.

Мастер-класс Михаила Крапивина «Урок Бурмейстера» в рамках театрально-просветительского проекта «Время Бурмейстера». Фото предоставлено МАМТ

В фойе театра уже несколько месяцев идет роскошная выставка «Главный балетмейстер», составленная из архивных фондов и материалов, хранящихся в музее театра. Состоялась двухдневная научно-практическая конференция посвященная творчеству Мастера.

Владимир Павлович Бурмейстер стал первым советским хореографом, балеты которого были признаны и с триумфом шли во 2-ой половине XX века на лучших сценах Европы. А балетная труппа театра Станиславского и Немировича –Данченко под его руководством впервые после 1917 года триумфально выступала в Париже в 1956 году, опередив своими выступлениями гастроли Большого театра в Лондоне. Через четыре года после премьеры в Москве Бурмейстер поставил свое «Лебединое озеро» в Парижской опере. Спектакль не сходил с афиш почти 30 лет, пока его не сменила редакция, сделанная Рудольфом Нуреевым. Однако французские артисты так полюбили спектакль Бурмейстера, что отказывались с ним расставаться, устроив двухнедельную забастовку. Нуреев вынужден был уступить и вернуть балет в афишу. Так что в Парижской опере еще несколько лет шли оба варианта.

Ирина Дешкова: «Нуреев распоряжался русской балетной классикой как личной собственностью»

- Это произошло практически одновременно, - говорит специалист по творчеству Бурмейстера Ирина Дешкова, с который мы встретились по окончании конференции, - Бурмейстер вернул Европе большой полномасштабный спектакль, который там был утрачен, как и искусство балета, еще в конце XIX века. А Нуреев, совершив свой «прыжок в свободу» и стал распоряжаться русской балетной классикой как личной собственностью, практически присвоив се6е наше национальное достояние.

- Как бы вы, как один из авторов двухтомника «Тот самый Бурмейстер!», охарактеризовали вашего героя для понимания его личности и творчества сегодня?

- Это далеко не рядовое имя среди деятелей мирового балетного театра. Достаточно сказать, что Бурмейстер успешно работал с Владимиром Ивановичем Немировичем-Данченко и Павлом Александровичем Марковым. Он является основателем балетной труппы театра Станиславского и Немировича-Данченко и первым советским балетмейстером, который с 1917 года стал работать на Западе. В 1960 году в Парижской Опере он поставил свой блистательный спектакль «Лебединое озеро», одну из лучших версий балета Чайковского в мире. Попал он туда вопреки желанию и Министерству культуры СССР и, кстати, Сержа Лифаря, который в это время, хотя уже и не руководил Парижской оперой (он покинул свой пост за два года до этого, в 1958 году), но всё ещё сохранял там своё влияние. Ревнивый к чужому успеху, да еще и советского балетмейстера, Лифарь сделал все, чтобы перекрыть Бурмейстеру «воздух». Поэтому Владимиру Павловичу удалось поставить в Парижской опере кроме «Лебединого» только одноактный балет «Вариации» на музыку Бизе, остальные планы остались неосуществленными.

- С чем был связан такой успех Бурмейстера на Западе?

- Во-первых, конечно, с его талантом и самобытностью. Во-вторых, Бурмейстер привез в Европу многоактный балет. Европейский театр того времени не знал этой формы. Он был возрожден и воспитан на спектаклях дягилевской труппы, в репертуаре которой значились одноактные балеты. Дягилев с его гениальным чутьем понимал, что эта публика не готова к восприятию спектакля в несколько актов, она его просто не высидит! Не говоря о том, что постановка такого балета требовала огромных денег, которые были только у Императорского театра в России. Когда Сергей Павлович обратился к директору Парижской оперы с предложением провести там первый балетный сезон 1909 года, услышал в ответ: «Господин Дягилев, мы слишком высоко ценим свой театр и его авторитет, чтобы выпускать на эту сцену балет!» И Дягилеву пришлось довольствоваться театром Шатле. Поэтому появление «Лебединого озера» Бурмейстера в афише Парижской оперы произвело сенсацию. До этого там знали только Белый лебединый акт.

- Бурмейстер оказался на Западе на год раньше Нуреева…

- Скажем прямо, они оказались там по-разному и с разными целями. Совершив «прыжок в свободу», Нуреев «прихватил» с собой и всю нашу классику - балеты Мариуса Петипа. Это же второй нефтепровод мог быть для страны. Но СССР тогда не входил в международную конвенцию по авторским правам. И когда Нуреев в Вене в 1964 году поставил «Лебединое озеро», сохранив там практически едва ли не весь канонический текст, который он отлично знал, поскольку танцевал его в Кировском театре, наше Министерство культуры заявило решительный протест. Грабят! Разбирались на самом высоком правительственном уровне, но мы проиграли. У нас не было документов, подтверждающих наше авторское право. Рудольф Хаметович стал богатейшим человеком, и не только потому, что танцевал 365 спектаклей в году. А за счет того, что начал тиражировать, ставя свои, скажу мягко, не всегда бесспорные, версии балетов Петипа по всему миру. Поэтому именно Нуреева, а не Петипа там считают главным хореографом. Будучи блестящим менеджером, он создал фонд, чтобы этот «завод» работал и после того, как его не стало.

- Как вы считаете, насколько хорошо сохранилось творчество Бурмейстера?

- Владимир Павлович был человек выдающегося таланта. Кстати, его балет «Вариации», который потом шел в театре Станиславского, по качеству хореографии нисколько не уступает неоклассическим шедеврам Джорджа Баланчина. И поэтому странным выглядит сегодня то, что на афише театра Немировича-Данченко, кроме «Лебединого озера» и «Эсмеральды», далекой от своего первоисточника версии «Снегурочки», нет других балетов Бурмейстера. Нет не только «Вариаций», но и «Штраусианы». Эпохального, блистательного балета, созданного в самом начале Великой Отечественной Войны. Зрительный зал тогда заполнялся солдатами и офицерами, оттуда они уходили прямо на фронт, защищать Москву. Есть у Бурмейстера и потрясающее «Болеро». Трудно объяснить почему эти балеты оказались забыты театром. Даже «Лебединое озеро» идет с чужеродными декорациями Арефьева. А родные декорации и костюмы, созданные художником Лушиным для спектакля 1953 года, ветшают где-то в запасниках. Почему? Когда Лоран Илер был худруком балета, он собирался этот спектакль восстановить таким, каким его создал Бурмейстер. Потому что высоко ценил его, и танцевал в этом «Лебедином», и именно за партию принца Зигфрида получил звание этуали Парижской оперы.

- Поэтому вы и выступили на круглом столе с идеей создания фонда Бурмейстера?

- Идея напрашивается сама собой. Что есть для этого? Видеозапись, а главное, артисты, которые помнят и знают подлинную хореографию Бурмейстера. Среди них и прима, педагог театра Маргарита Дроздова, и солистка балета Наталья Воскресенская... Разве можно разбрасываться спектаклями Петипа, Вайнонена, Бурмейстера? Это наше народное достояние, наша национальная гордость. Так зачем же ее уничтожать собственными руками? Как такое вообще возможно? В мире существует масса фондов, того же Нуреева, фонд Баланчина и другие. Их работа общеизвестна, она не является секретом. Ее смысл заключается в том, что сначала фиксируется на всех уровнях, полностью хореографический текст. То есть, создается образец, эталон, которому должны следовать все и всегда, в каком бы театре этот спектакль не ставился. Закрепленный не только с художественной точки зрения, но и законодательно, он не может быть нарушен или изменен. Все! Почему мы не используем такой зарубежный опыт? Если сейчас этого не сделать, можно просто потерять балеты. Тем более, что идею создания фонда поддерживает дочь Бурмейстера, наследница его авторских прав.

Юрий Бурлака: «У нас нследие Бурмейстера не очень распространено»

После конференции я поинтересовался мнением и других её участников. Вот что мне сказал экс-худрук Большого театра, а сейчас худрук балетной труппы «Шостакович Опера Балет» Юрий Бурлака, известный во всем мире специалист по балетам классического наследия XIX и XX веков:

- Я очень рад, что меня пригласили выступить на этой конференции. Мне кажется, что она очень нужна и вопросы, поставленные на ней актуальны. Она важна прежде всего для самого Музыкального театра Станиславского, потому что балеты Бурмейстера - это базовая основа его репертуара. Театр должен хранить наследие Бурмейстера и передавать его из поколения в поколения. На мой взгляд, здесь не всё так безупречно. Например, в художественном оформлении спектаклей, в какой-то редактуре, которая возникла в связи с некоторыми гастролями, Поэтому, может стоит посмотреть на это руководству театра попристальней и обратить на это внимание, для того чтобы вернуться к первоначальному облику спектаклей. И то что в этом театре устроили такой грандиозный форум, посвященный этому хореографу, мне кажется очень отрадно.

К сожалению, являясь такой очень известной фигурой как хореограф, причем известный не только в России, но и в мире, тем не менее у нас наследие Бурмейстера не очень распространено. И театр в Самаре, балетом которого я руковожу, один из немногих, который обратился к не идущему сейчас на сцене наследию Бурмейстера и поставил три его одноактных балета, или ростовский театр, куда был перенесен балет Бурмейстера «Эсмеральда». Поэтому это ещё и повод для моих коллег, обратить внимание на открытия этого замечательного хореографа. На мой взгляд, это прекрасная инициатива театра Станиславского и её нужно продолжать,

- На конференции прозвучала мысль о том, идея создании в театре фонда Бурмейстера…

- Что касается фонда, то как не театру Станиславского это прежде всего нужно. Этот театр - главный хранитель наследия. К сожалению, из большого количества его спектаклей сохранилось только то, что мы имеем сейчас: это «Лебединое озеро», «Эсмеральда», «Снегурочка». Это три больших спектакля разных времен. И ещё сохранилось три одноактных спектакля, которые сейчас идут только в моем театре: «Болеро», «Штраусиана» и «Вариации» на музыку Бизе. И еще один характерный номер «Хабанера» и какие-то малочисленные фрагменты есть на видео. Это все что мы имеем… Что поэтому важно? Это и передача из ног в ноги, которая осуществляется в театре. Слава богу, что живы-здоровы педагоги, которые работают в театре Станислаского, - Маргарита Сергеевна Дроздова, Михаил Вольевич Крапивин, которые танцевали и знают хорошо это наследие, артисты более младшего поколения, которые в свое время тоже танцевали это. И дочь Владимира Павловича Бурмейстера Наталья Владимировна Бурмейстер - Чайковская, которая инициировала выпуск двух замечательных книг: первую выпустил журнал «Балет», а другая, это её книга, созданная на основе дневников и разных семейных материалов, Это хорошее начало. Но все-таки создание фонда - это более глобальная история. Это не только книги, это конечно прежде всего хореографические тексты. Таких фондов в нашей стране, к сожалению, нет. Наверное, когда-нибудь должен быть фонд Петипа, который в свое время пыталась создать Наталия Воскресенская. Но мне кажется, что здесь, в Музыкальном театре, при наличии тех живых спектаклей, это совершенно необходимо.

- На чем, на ваш взгляд, должна быть сконцентрирована работа такого фонда?

- Таких фондов на Западе много. И первое, что всплывает в памяти, это конечно фонд Баланчина. Конечно, от Баланчина осталось гораздо больше спектаклей, чем от Бурмейстера. Но сам подход в работе стоит применить и к созданию фонда Бурмейстера. Задача, прежде всего очистить хореографические тексты от наслоений, выяснить и уточнить. Как это делает фонд Баланчина. А он привлекает разных людей, от кордебалета до солистов и вспоминает всё, что можно вспомнить и снимает это на видео. И далее, конечно, привлекаются люди, которые это обдумывают и обговаривают и потом эти тексты выдаются уже при каком-то новом возобновлении в каком-либо из театров. Те наслоения и сокращения, которые произошли вынуждено, в силу обстоятельств за последнее время – конечно, стоит в этом разобраться. Помимо двух книг о Бурмейстере, были защищены две замечательные диссертации в ГИТИСе. Это Елена Преснякова, человек, которого уже нет с нами… Это очень интересная работа, я читал её. Другая работа японской танцовщицы, которая тоже очень неплохо «покопалась» в наследии Бурмейстера. Они могли бы превратиться, допустим в книги, которые многое бы раскрыли в понимании балетов этого хореографа. В наследии Бурмейстера существуют ещё разные либретто, неосуществленные, как, например, балет «Три мушкетёра», который должен был ставиться для Парижской Оперы. Может быть можно было бы предложить это поставить какому-нибудь молодому хореографу. Можно было бы при театре открыть мастерскую молодых хореографов имени Бурмейстера, и в этом определенном и ярко выраженном направлении, которое заложил Владимир Павлович для театра, создавать какие-то спектакли под эгидой этого фонда.

Наталия Чайковская-Бурмейстер: «Отец не успел поставить «Спящую красавицу». Он просто заболел этой музыкой»

Естественно, поинтересовался я впечатлением от форума «Время Бурмейстера» и о том, что она думает по поводу создания фонда, и у наследницы и дочери великого хореографа, пианистки, правнучатой племянницы П.И. Чайковского Наталии Владимировны Чайковской-Бурмейстер.

- Я присутствовала на конференции с самого начала и все два дня. Слава Богу, что это началось. Прошло 120 лет со дня рождения папы и 71 год с того момента, когда он ушел из жизни, и с тех пор каждый раз какие-то юбилеи отмечались, но впервые, что-то ребята смогли сделать по-настоящему! Я считаю, очень хорошая получилась выставка в театре! И на конференции были разные выступления. Лед, можно сказать, тронулся, но пока, к сожалению, не очень сильно. Потому что, я думаю, что до конца, творчество Брмейстера не в полной мере оценено по-настоящему, даже сейчас. Но я очень была довольна, что такое мероприятие состоялось. Молодежи было много, учащиеся хореографических училищ, студенты института культуры. Они должны знать это имя. Фамилия Бурмейстера всегда почему-то замалчивалось. Наверное, оттого, что это не Большой театр. А, что талантливые люди только там могут работать? Папа, действительно, никогда специально не усложнял хореографию, просто ради усложнения. То, что сейчас очень в моде. Он всегда шел за музыкой, создавая свой спектакль. Что требовала музыка и драматическое решение спектакля, тому он и следовал в хореографии.

- Вы сказали о музыкальности и симфоничности балетов Бурмейстера. Известно, что ваша семья находится в довольно близком родстве с Петром Ильичем Чайковским. Я представляю сложности, которые сопутствовали выходу балета «Лебединое озеро», трудно было просто даже пробить такую постановку. Но потом, после ошеломительного успеха «Лебединого озера», после Парижа, почему он все-таки не поставил два других балета Чайковского: «Щелкунчик» и «Спящую красавицу». Хотя знаю, что со «Спящей» такие намерения были и осуществлению их помешала смерть…

- Да, «Спящую» он хотел ставить. Это был его последний балет, который, он, правда, не успел поставить. Может бы он и стал бы ставить «Щелкунчик», и конечно, стал бы его ставить с огромным желанием, если бы появилась такая потребность в каких-то театрах. А вот со «Спящей» - очень уж музыка тут хороша! Его всегда подстегивало то, что он просто заболевал этой музыкой. И он говорил мне о «Спящей» очень интересные вещи…. Я играла ему дома. Он ставил мне клавир и просил определенные куски сыграть. А сам ходил по комнате, делал какие-то движения руками, прикрыв глаза, двигался как сомнамбула. Я даже знаю, какая была задумка. Дело в том, что ему всегда не хватало драматического ядра в этом спектакле. В «Спящей», кроме феи Карабос, ничего ведь не происходит. Ну приплывает принц, целует её. Дальше идет бал сказок, на котором кого только нет. Что дальше-то? Действие ведь на этом заканчивается и просто начинается дивертисмент… А музыка потрясающая! Она дает возможность дать ещё что-то. А ничего не происходит... А он хотел наполнить её действием. Он хотел, уже в первом акте, когда принцесса Аврора знакомится с разными принцами, которые с ней танцуют, чтобы уже тогда у неё появилась какая-то любовь. И когда она засыпает, засыпает и принц. А вот когда она просыпается, через 100 лет, посыпается вместе с ней и тот принц, но приходит новый. Потому что тут была нужна какая-то любовная интрига. Ну какой балет без этого… И вот тут должна быть какая-то развязка этой ситуации. Вот какую он предполагал развязку и почему засыпал и принц, я не знаю. Но знаю, что такое ядро драматическое должно было быть, как оно было во всех его спектаклях. Он всегда начинал ставить новый спектакль с самого драматического момента, с кульминации. Так он ставил и «Лебединое», сразу с третьего акта. И когда понял, что третий акт получился, уже приступил к другим актам. И еще была одна задумка в «Спящей», которую он взял, по-моему, от Касьяна Голейзовского, который ему говорил, что по сюжету прошло сто лет. И поэтому в этом акте должно быть всё другое: другие костюмы, другие танцы. Но к сожалению, он только начал и не успел. Хотя последнее время всегда думал об этом.

- Что вы думаете о создании фонда Бурмейстера?

- Я приветствую эту идею, всем что у меня есть: две руки, две ноги, голова! Потому что, я вообще столкнулась с такой ситуацией, когда «Лебединое озеро» переделывали и видоизменяли... Для чего? А что сделали со «Снегурочкой»? Ведь ничего не сохранено, всё модернизировано! Но, если говорить честно, на «Снегурочку», я сама давала разрешение, потому что была такая ситуация – гастроли в Лондоне и нужно было привести обязательно двухактный, а не трехактный спектакль. Но важно, чтоб оставалась суть спектакля, его ударные хореографические решения. Мне уже много лет и, когда меня не станет, не представляю, что будет с балетами Бурмейстера? Душа моя неспокойна. Конечно, хотелось бы, чтобы эти спектакли находились под надежной охраной, как национальное достояние, которым они по сути дела и являются!

Елена С.

Номер ссылки| 2024120402
Тема| Балет, «Астана Опера», Freedom Festival, Персоналии, Валентино Цукетти, Сары Лэмб, Риочи Хирано, Бахтияр Адамжан, Анастасия Заклинская,
Автор| Дана Аменова
Заголовок| Свобода в танце: звезды балета выступили в Астане
Где опубликовано| © Kazpravda
Дата публикации| 2024-12-04
Ссылка| https://kazpravda.kz/n/svoboda-v-tantse-zvezdy-baleta-vystupili-v-astane/
Аннотация|

Заключительное представление Freedom Festival состоялось 3 декабря на сцене «Астана Опера», сообщает Kazpravda.kz

Вечер ознаменовала премьера балета Валентино Цукетти Souvenir de Danse, которая теперь пополнит репертуар столичного театра. Казахстанская публика в этот вечер также имела возможность насладиться одноактным балетом Into the Hairy от израильского творческого коллектива L-E-V.

Souvenir de Danse, созданный балетмейстером Валентино Цукетти, основан на музыке Петра Чайковского. Хореограф объединил три пары танцовщиков, каждая из которых рассказала свою уникальную историю любви через язык танца.

Зрители с восхищением наблюдали за хрупкостью и утонченностью дуэта Сары Лэмб и Риочи Хирано из Королевского балета Лондона. Казахстанские артисты, ведущий солист «Астана Опера» Бахтияр Адамжан и солистка театра Анастасия Заклинская, привнесли в постановку выразительность и большую экспрессию.

Завершила трио пар красота исполнения Алехандро Вералеса из Лондонского городского балета и Марии Барановой, ведущей солистки Баварского государственного балета. Музыкальное сопровождение создал струнный оркестр театра под руководством дирижера Элмара Бурибаева.

«Привезти сюда, в Астану, новое хореографическое произведение, специально созданное для Freedom Festival, было большой радостью. А особенным его делает тот факт, что я создал его специально для Казахстана с идеей связать европейское классическое наследие с наследием казахского балета. Это возможность объединить культуры воедино в балете», – рассказал Валентино Цукетти.

Также хореограф добавил, что в своей карьере он имел возможность провести время на различных международных балетных конкурсах в разных странах мира, где всегда встречал артистов балета из Казахстана, особенно артистов-мужчин. Поэтому он знал, что казахская школа балета всегда имела высокий уровень и очень мощных, атлетичных артистов.

«Сегодня утром у меня была возможность посмотреть балетную труппу «Астана Опера» и это артисты высочайшего уровня. 90% из них пришли из казахстанских балетных школ. Это свидетельство великолепной выучки и традиций балета здесь, в Казахстане. Мы работаем вместе с Валентино Цукетти в Королевском оперном театре в Лондоне. Но как с постановщиком, это мой первый опыт взаимодействия с ним. Что до моей партнерши по танцу Сары Лэмб, то мы выступаем вместе уже на протяжении долгого времени, примерно 15 лет. Это было очень увлекательно, думаю, что мы втроем отлично сработались», – поделился Риочи Хирано.

Вторая часть вечера была посвящена одноактному балету Into the Hairy от театра L-E-V, основанного израильским хореографом Шарон Эяль.

Постановка, выполненная в черно-красном освещении, пленила своей атмосферой. Медитативный танец на музыку Koreless «затянул» зрителей в мир чувств и размышлений, и было ощущение, что находишься между абстракцией и реальностью.

Так, Шарон Эяль в очередной раз подтвердила свою репутацию новатора. Ее труппа впечатлила казахстанскую публику, открыв новые грани современного танца.

Фото: пресс-служба театра «Астана Опера»
====================================================================

ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024120403
Тема| Балет, Международный фестиваль искусств «Дягилев. P. S.», Премьера, Персоналии,
Автор| Светлана БАТМАНОВА
Заголовок| На сцене Александринского театра состоялась премьера балета «Литургия»
Где опубликовано| © «Санкт-Петербургские ведомости»
Дата публикации| 2024-12-04
Ссылка| https://spbvedomosti.ru/news/culture/na-stsene-aleksandrinskogo-teatra-sostoyalas-premera-baleta-liturgiya/
Аннотация|

Международный фестиваль искусств «Дягилев. P. S.» завершил танцевальную программу петербургской премьерой балета композитора Сергея Ахунова и хореографа Ольги Цветковой.

ФОТО Марии КУРБАТОВОЙ предоставлено пресс-службой фестиваля «Дягилев. P. S.»

«Литургии» предшествовала «Ночь. Архитектура бессонницы» испанской Танцевальной компании Рафаэлы Карраско — постановка, созданная в абсолютно иной эстетической системе координат. Но есть то, что объединяет оба спектакля, — это интерес к искусству прошлого, диалог с ним и (пере)осмысление, работа с памятью тела.

С самых первых лет профессиональной карьеры Рафаэла Карраско исследует и популяризирует фламенко. Ее спектакли — это авторский, современный взгляд на древнее танцевальное искусство. Минималистичный, завораживающе красивый спектакль погружает в атмосферу полусна-полуяви, пространство фантазии и ночных кошмаров. Ночь здесь обозначает не только время суток, но и состояние души, процесс созерцания и отключения от житейской суеты.

В постановке задействованы все восемь танцовщиц труппы во главе с Карраско. Ее танец производит сильнейшее впечатление. Она — сосредоточие энергии. В исполнении нет ни тени праздничности и эмоций напоказ, но есть магнетизм и священнодействие, гордая замкнутость и приглушенная цыганская страсть. Ее каблуки снайперски точны, а «поющие» свободные руки выписывают диковинные узоры. Танец фламенко в исполнении труппы Карраско далек от коммерческого эффектного шоу и выглядит образцом вкуса и профессионализма.

Музыкально-хореографическое действо «Литургия» завершило танцевальную программу фестиваля на экспериментальной ноте. Спектакль впервые был показан в декабре 2023 года в московском КЗ «Зарядье» и сразу стал резонансным событием. «Литургия» — неосуществленный проект Ballets Russes. Замысел спектакля, похожего на соборную мистерию («зрелище святое, экстатичная обедня»), возник у Сергея Дягилева в 1914 году. Идеи импресарио опережали свое время на десятилетия: часть балета должна была идти в тишине, а звук и ритм рождались бы из движений танцовщиков на гулком съемном полу. Хореография была поручена Леониду Мясину, музыка — Игорю Стравинскому, над сценографией и костюмами начала работать Наталья Гончарова. Но постановка так и не увидела сцену. Остались переписка создателей, дневниковые записи и конструктивистские по форме, красочные эскизы костюмов Гончаровой.

Идеей завершить начатое Дягилевым загорелся московский композитор Сергей Ахунов. Над партитурой «Литургии» он работал три года и в соавторы пригласил хореографа Ольгу Цветкову. Экс-танцовщица театра «Кинетик» Саши Пепеляева, основательница Академии нового танца, она обостренно чувствует современность и мыслит поверх жанрово-стилевых барьеров. В спектакле задействованы столичные коллективы — оркестр OpensoundOrchestra (дирижер Станислав Малышев), вокальный ансамбль Intrada под управлением Екатерины Антоненко, а также петербургская танцевальная компания «Каннон Данс».

В музыке Сергея Ахунова сочетаются элементы древнерусского строчного пения, отсылки к латинской мессе и произведениям Стравинского. Композитор не стремится воссоздать православную литургию, хоть и отталкивается от ее структуры. Центральной идеей для него становится идея красоты, восхождения к горнему, небесному. Его музыка — попытка прикоснуться к совершенной, непостижимой красоте.

Ольга Цветкова вплетает в аскетичный хореографический текст приемы и микроцитаты, отсылающие к работам Фокина, Нижинского, Мясина, Гурджиева, ритмопластическим практикам начала ХХ века. Также встречаются символические позы, почерпнутые из эскизов Гончаровой (например, поднятые над головой руки со скрещенными кистями, имитирующие крылья серафимов). А огромные черные платья-крылья (художник по костюмам Сергей Илларионов) во второй части балета заставляют вспомнить предвестницу свободного танца Лои Фуллер, с помощью фантазийного костюма превращавшую свое тело в диковинный объект.

В финале цитатность и смысловая многослойность словно «выцветают», танцевальный рисунок становится ясным и прозрачным. Под истаивающие переливы бар чаймса, потусторонний тембр вибрафона, призрачное звучание струнных в высоком регистре в пластике возникает чистая вертикаль — «обнаженное чувство красоты и восхождение духа…», как говорит об этом хореограф.

Материал опубликован в газете «Санкт-Петербургские ведомости» № 229 (7805) от 03.12.2024 под заголовком «Память тела».

Елена С.

Номер ссылки| 2024120404
Тема| Балет, Челябинский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Татьяна Предеина
Автор| корр.
Заголовок| Челябинцы увидят легендарного «Щелкунчика» в новой редакции
Где опубликовано| © Урал-пресс-информ
Дата публикации| 2024-12-04
Ссылка| https://uralpress.ru/news/chelyabincy-uvidyat-legendarnogo-schelkunchika-v-novoy-redakcii
Аннотация| Премьера

Челябинский театр оперы и балета 22 декабря в 18:00 покажет балет-феерию «Щелкунчик» в постановке народной артистки России Татьяны Предеиной по мотивам хореографии Василия Вайнонена (6+).

Челябинский театр оперы и балета 22 декабря в 18:00 покажет балет-феерию «Щелкунчик» в постановке народной артистки России Татьяны Предеиной по мотивам хореографии Василия Вайнонена (6+).

Балет Петра Ильича Чайковского уже много лет является неотъемлемой частью новогодних торжеств. В этом году зрители челябинского театра смогут увидеть обновленную версию этого балета, сообщает пресс-служба театра.

В постановке, созданной народной артисткой России Татьяной Предеиной, сохранены знаменитые шедевры советского хореографа Василия Вайнонена: «Вальс снежных хлопьев», «Снежное адажио», «Вальс цветов» и па-де-де главных героев.

«Василий Вайнонен поставил балет «Щелкунчик» в 1934 году. Спектакль до сих пор пользуется успехом в России и театрах по всему миру. Мы адаптируем эту хореографию под нашу труппу, чтобы показать все достоинства артистов», – рассказала Татьяна Предеина.

В первой части спектакля появляются совершенно новые эпизоды: марш, детский галоп и танец родителей, танец гроссфатер, сражение мышей и солдатиков.

Кроме того, в роли Щелкунчика выступает не просто кукла, а настоящий артист балета. Это придает спектаклю еще больше хореографических решений.

В следующей части спектакля зрители вместе с персонажами окажутся в волшебном дворце, где пройдет «Праздник сладостей». В этом празднике примут участие ожившие сладости: Шоколад, Кофе, Чай, Леденцы, Миндальный марципан.

В оригинальной версии спектакля, созданного Василием Вайноненом, роли исполняли дети. В нашей версии мы сохраняем эту традицию. В новой постановке балета участвуют студенты хореографического отделения Южно-Уральского государственного института искусств имени П. И. Чайковского. Они станут снежинками, пчелками, бабочками и детьми-конфетками из волшебного города Конфитюренбурга.

«Я тоже танцевала маленькую Машу, когда училась в Пермском хореографическом училище. До сих пор помню хореографический текст партии и деревянную куклу-Щелкунчика, которая была такой тяжелой, что держать мне ее помогал исполнитель партии Дроссельмейера. Для юных артистов – это счастье, это интересная и важная практика, своего рода билет в будущее. Партию Маши-принцессы мне посчастливилось готовить с самой Екатериной Максимовой!» – добавила Татьяна Предеина.

В этой знакомой истории появятся новые действующие лица: Арлекин, Коломбина и Арапчата. А еще вас ждет сюрприз – персонаж, который никогда раньше не появлялся на сцене челябинского театра.

В мастерских театра создают потрясающие костюмы по эскизам члена Российской академии художеств Дмитрия Чербаджи. Также идет реставрация декораций и изготовление уникального реквизита – на сцене будет твориться настоящее волшебство.

Балет-феерию в Челябинске поставят с 22 декабря по 30 декабря и со второго января по пятое января.

========================================================================
ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024120501
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Анна Майорова, Алексей Путинцев, Игорь Цвирко
Автор| Александра Леонова
Заголовок| «Чиполлино»
Где опубликовано| © Интернет-версия журнала "Балет"
Дата публикации| 2024-12-05
Ссылка| https://balletmagazine.ru/post/chipollino
Аннотация| Премьера, Интервью

На сцену Большого театра спустя десять лет возвращается балет-сказка Генриха Майорова «Чиполлино». В преддверии премьеры мы вспомнили историю и поговорили с хореографом-постановщиком Анной Майоровой, исполнителями главных партий Алексеем Путинцевым и Игорем Цвирко о спектакле и подготовке к нему.

В основе балета «Чиполлино» лежит сказка итальянского писателя Джанни Родари «Приключения Чиполлино», в которой мальчик-луковка борется с притеснениями простого народа со стороны богачей. Впервые эти необычные герои появились в серии рассказов L’orto ortolano e Il frutteto musicale («Огород и музыкальный сад») в журнале Vie nuove. Затем в стихотворениях, написанных в Гаджо-ди-Пьяно (Итальянская коммуна в провинции Модена — Прим. ред.) для детского журнала Il Pioniere, который возглавлял писатель. Сама сказка была издана в 1851 году под названием «Роман о Чиполлино», а спустя шесть лет, в 1857 году, получила окончательное название во втором издании.

История балета начинается с одноименного мультипликационного фильма, который вдохновил Геннадия Рыхлова, артиста балета, балетмейстера. Он услышал в нем музыку Карэна Хачатуряна и решил написать либретто к балету для детей. В партитуру вошли фрагменты не только из «Чиполлино», но и из ранее сочиненных композиций для мультфильмов «Когда зажигаются елки», «Лесные путешественники», «Сладкая сказка».

На язык танца сюжет перевел Генрих Майоров. Во времена создания балета «Чиполлино» он был одним из лидеров нового поколения хореографов, которые продолжали идти по пути новаторов Юрия Григоровича и Игоря Бельского. Основываясь на традициях классического танца, Генрих Майоров развивал советскую хореографическую драму, ее содержательную сюжетную основу и пластическую образность, через хореографию, при этом совершая открытия в сфере режиссуры.

Впервые «Чиполлино» хореограф поставил в 1974 году в киевском Театре оперы и балета имени Т. Шевченко. Тогда, и во всех следующих постановках, он имел зрительский успех. Майорову удалось сохранить живость оригинальной сказки Родари в предельно ясной и выразительной сценической форме, объединить комедийность, лиризм, гротеск, тем самым создав яркие и разные образы для всех героев произведения, которые воплощаются не только с помощью актерского мастерства артистов, но и хореографии. Озорной Чиполлино, Граф Вишенка, который превращается из угнетаемого заучки в смелого героя, помогающего мальчику-луковке, гротескные и комичные Принц Лимон и Сеньор Помидор, лирико-драматический Кум Тыква.

На сцене сказочную картинку воплотил в жизнь художник-сценограф Валерий Левенталь. Как и костюмы, его декорации выполнены в стиле итальянского площадного театра дель арте. Незамысловатые, они похожи на рисунки детей и задают юмористический тон спектаклю. Наивное искусство, не тиражируемое в СССР, вдруг завоевало сердца зрителей.

Возвращаясь в наше время, мы обратились к людям, принимающим непосредственное участие в возобновлении спектакля в Большом театре.

Анна Майорова

хореограф-постановщик балета «Чиполлино»

В чем заключается главная особенность хореографии, авторского почерка Генриха Майорова?

Хореография воспроизводит сюжет и двигает его. В ней есть, например, три линии: народ — свободная пластика, Помидор и Лимон — гротескный стиль, Граф Вишня и Магнолия — чистая классика. Это различает их танец, характеры и впоследствии влияет на то, как заиграют краски.

Также для Генриха Майорова музыкальность всегда на первом месте. Он из той плеяды постановщиков, которая всегда хореографией отталкивалась от музыки и отражала ее. Каждое движение, каждый жест поставлен на музыку, за счет чего играет иначе. Если фраза короче, комбинация короче тоже. Если звучит такая же фраза, но на такт длиннее, значит, добавляются еще шажок либо поворот, а потом опять то же самое. Они не разбрасывались идеями, а из одной все вытаскивали в те времена. Все, и спектакль, и хореография, воспринимается вместе с музыкой. По отдельности они не звучат.

Почему балет будет интересно увидеть и взрослым, несмотря на то что он считается детским?

Прежде всего потому, что он насыщен виртуозной техникой. Это относится и к стилю моего отца — изобретательность именно в технических элементах. Он умел их связать так, чтобы они заиграли и очаровали публику. За счет этого, конечно, взрослым этот балет нравится и доставляет удовольствие.

Спектакль богат разнообразием ярких образов. Как строится подход к работе над каждым персонажем?

Не могу сказать, что отличается подход к каждому персонажу, для меня все одинаково. Важно добиваться музыкальности, добиваться четкости исполнения хореографии. Не добавлять от себя ничего, потому что кажется, вот я сейчас добавлю, будет красивее. Не будет. Уже все сделано. Просто нужно двигаться так, как поставлено, и все заиграет.

Главное, чтобы замысел отца стал замыслом артистов, его им передать. И потом они уже выйдут на сцену и донесут это зрителю.

Вы участвовали в постановках спектакля сначала с отцом, а теперь восстанавливаете спектакль самостоятельно. Каково работать без него?

Впервые восстанавливать спектакль без отца мне, конечно, тяжело, но, скорее, эмоционально. Тут влияет все: и воспоминания о совместной работе, и первый раз без него, и Большой театр. Это огромная ответственность. Конечно, я ее чувствую, как и большую гордость. Работать с труппой Большого театра — это счастье для любого постановщика. И я считаю большим везением, что меня сюда пригласили.

Алексей Путинцев

исполнитель партии Чиполлино

Вы исполняете партию Чиполлино, которая технически очень сложна. Что дается труднее всего?

«Чиполлино» действительно сложный спектакль, недаром его называют «детский «Спартак». Это серьезная партия, которая требует большой подготовки, — вариации и монологи здесь сложны и технически, и музыкально. Два акта мой герой практически не уходит со сцены, все время находится в центре действия — это выматывает, но, к счастью, сама роль позволяет отступить от привычных балетных канонов, пошутить, подурачиться. Думаю, самое сложное заключается именно в этом балансе: сохранить образ озорного мальчишки и при этом показать всю техническую оснащенность опытного артиста.

На кого вы ориентировались при подготовке?

Я смотрел несколько записей — любимая со Славой Лопатиным. Он с первого появления вызвал улыбку, кажется, наврал в каком-то месте общий танец, но сделал это так, что заметили только «свои». Также смотрел Морихиро Ивата и Леонида Сарафанова. В целом не могу сказать, что ориентируюсь всегда на одного исполнителя, всегда стараюсь брать две-три записи и выделять что-то для себя.

Какой он, ваш Чиполлино?

Мой Чиполлино молодой, озорной парнишка. Он любит подшутить и не любит несправедливость. Словом, настоящий пионер, если бы была возможность надеть красный галстук, я бы надел.

Игорь Цвирко

исполнитель партии Принца Лимона

Вы участвовали в предыдущей постановке «Чиполлино» в роли Сеньора Помидора. Какие воспоминания у вас остались об этой партии?

Это был один из самых запоминающихся моментов моей карьеры, потому что роль Сеньора Помидора была моей первой афишной партией. Я, выпускник МГАХ, только пришел в театр, начал изучать движения в массовых сценах этого спектакля и скоро узнаю, что надо готовить целую роль. Это был прекрасный шок. Актерская работа, техничная партия, но, главное, ответственность — танцевать надо было для юного восприимчивого зрителя. Адаптация в новом для меня коллективе прошла очень быстро. Благодаря педагогу Александру Викторовичу Петухову нам удалось подготовить убедительно роль, которая навсегда осталась в моем сердце. Если разбудить ночью, станцую ее с закрытыми глазами.

В этом блоке у вас есть новый персонаж — Принц Лимон. Чем этот герой отличается от уже знакомого Сеньора Помидора?

Принц Лимон — классический отрицательный герой. Он противопоставлен всему доброму, искреннему, что есть в Чиполлино, от этого он интересен и зрителю, и актеру. Принц Лимон — это персонаж, который демонстративно показывает свое превосходство над народом, одновременно с тем он боится бунта, гнева, который может на него навлечь толпа. Он в меру воинственный и в то же время истеричный, ленивый и энергичный, правда, только тогда, когда сам того хочет. Самодур. И все эти краски очень и очень непросто уложить в роль, чтобы ничего не упустить.

Как проходит работа над этой ролью? Задача не только технически, но и актерски точно передать ее, чтобы дети поняли персонажа.

Безусловно, важно, чтобы юный зритель смог отличить плохое от хорошего, понять, что злу можно противостоять, и, главное, зло будет наказано. Ведь чего боится больше всего Лимон? Что народ не будет его слушать и выполнять его волю. Это и происходит в самом финале. Лимон — трусливый диктатор. При подготовке новой роли я вновь обратился к произведению Джанни Родари и потрясающему мультфильму 1961 года. Пересмотрел некоторых исполнителей прошлого: Радченко, Лиепу, Арифулина, Лопаревича, Савина, чтобы найти то, что действительно мне подходит по духу. Смотрел отрывки из пьес «Голый король» и «Каин 18».

Кто вам ближе?

Если честно, ближе всего Чиполлино! Он добрый, отзывчивый и позитивный. А такие персонажи, как Лимон и Помидор — это удача для артиста, потому что можно найти множество красок, интересных решений, которые украсят спектакль.

Елена С.

Номер ссылки| 2024120502
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Денис Родькин
Автор| Текст: Виктория Мельникова
Заголовок| Денис Родькин рассказал о самой страшной травме и ажиотаже вокруг "Щелкунчика"
Где опубликовано| © Metro
Дата публикации| 2024-12-05
Ссылка| https://www.gazetametro.ru/articles/denis-rodkin-rasskazal-o-samoj-strashnoj-travme-i-azhiotazhe-vokrug-schelkunchika-05-12-2024
Аннотация| Интервью

13 декабря на сцене Государственного Кремлёвского дворца состоится традиционный праздничный концерт "Christmas балет-гала". Вдохновитель и организатор мероприятия, премьер Большого театра Денис Родькин стал гостем редакции Metro, чтобы рассказать о балетном закулисье

ВИДЕО - ПО ССЫЛКЕ - 59 минут26 сек

"Christmas балет-гала" соберёт лучших артистов балета на одной из самых почётных сцен страны – только примы и премьеры Большого театра, Мариинского и Театра Станиславского, от самого Дениса Родькина и Элеоноры Севенард до Семёна Чудина и Анастасии Сташкевич.

– Для меня это не просто концерт, это то, что у меня в душе и что хотелось бы донести до зрителя, чтобы рассказать о моём восприятии балета, – рассказал Денис Родькин. – Я долго и внимательно выбирал номера, составлял программу и думал, кто мог бы выступить. Хочется зарядить зрителей праздничным настроением.

В балете нужно добиваться такой лёгкости, чтобы зрителю в зале казалось, что он бы так тоже смог. Если он видит, как тебе тяжело и трудно, – это провал.
Денис Родькин премьер Большого театра

В концерте будут представлены не только номера из классических балетов, будет здесь и современная хореография. Денис Родькин признался, что он, конечно, представитель классической школы, хотя эксперименты и новые направления ему тоже интересны:

– Классика – отличная школа, если ты можешь станцевать классический репертуар на высоком уровне, то и современный сможешь. Хотя современный танец сложнее осваивать, потому что больше свободы и нет чётких движений. С другой стороны, в классических произведениях любая ошибка более заметна зрителю, а в современной хореографии даже если на пол упал – а так и надо было! (Смеётся.)

Падения случались и у гостя Metro.

– Однажды я поскользнулся в "Спартаке". После прыжка приземлился на скотч, которым у нас соединён линолеум, и разъехался в шпагат. Вот для этого растяжка балетным артистам и нужна, чтобы не разорвать себе ничего!

Хотя, по словам Дениса Родькина, бывали случаи и более неприятные:

– В Новосибирске в 2018 году на балете "Спартак" я так сильно при приземлении после прыжка подвернул ногу, что пришлось уползать со сцены. Когда я почувствовал, как выворачивается нога у ступни, услышал хруст и увидел, как нога на глазах стала опухать в области голеностопа, другого выхода не было. Хотя, конечно, полный зрительный зал!

Для форс-мажоров, как говорит артист, всегда есть запасные танцоры.

– Кто-то всегда где-то рядом в театре, если что, он одевается и идёт на сцену. У меня был случай, когда я танцевал Воланда в Театре Станиславского, а в Большом недалеко шло "Лебединое озеро". Запасному танцору пришлось уехать, а срочно нужна была замена. И я в гриме Воланда в итоге танцевал за Принца. "Лебединое озеро" я на тот момент не танцевал уже 1,5 года, но всё прошло без ошибочки. И театру помог.

В разговоре про Большой театр мы не могли обойти стороной ежегодный ажиотаж вокруг билетов на балет "Щелкунчик", в котором Денис Родькин исполняет партию Принца-Щелкунчика.

– Новогодний блок будет спектаклей 50. Составов много, что-то и мне достанется, – говорит артист. – Недавно я прочитал новость, что билеты на "Щелкунчика" на 17 декабря были проданы за две минуты. Для меня сложный вопрос, почему люди так стремятся попасть на этот балет. Я объясняю это прекрасной музыкой Чайковского, к тому же сейчас мир стал ограничен для поездок российских граждан, и поэтому на зимние каникулы многие едут в Москву. Большой театр – это гордость нашей страны, и все пытаются попасть именно в него. К тому же "Щелкунчик" в постановке Юрия Григоровича – лучший из всех версий этого балета.

Что касается цен на билеты в Большой, премьер театра уверяет, что программы продажи более дешёвых билетов в театре существуют:

– Такие программы есть и всегда были, например, для студентов и не только. Помню, накануне начала моей работы в Большом театре мы с мамой ходили на "Щелкунчика" по билетам, которые ей выделили как школьному преподавателю. Так что нельзя сказать, что в Большом театре есть только строго коммерческая реализация билетов – существуют и социальные программы.

Узнать у нашего гостя про какие-то закулисные драмы и интриги, стёкла в пуантах и другие пакости от коллег-конкурентов не удалось.

– Всё это мифы, в фильмах про балет всё чересчур драматизируют, – заверил премьер Большого театра. – Мы и оливье на праздники едим, и шампанское пьём. Встретить балерину, которая ест булочку после репетиции, тоже дело обычное.

Балерины, как уверяет Денис Родькин, могут весить и больше 55 кг. Но, чтобы делать поддержки с партнёршами, важны даже не её вес или занятия в тренажёрке. Можно быть качком, но не суметь поднять девушку даже в 40 кг.

– Всё зависит от техники твоей и партнёрши, – говорит артист. – Нет, ну, бывает, конечно, сидит партнёрша в столовой, а ты на неё до-о-о-лго так смотришь. Она: "Всё, поняла, добавку не буду!"

Шутки в среде артистов балета – дело обычное.

– Самый большой розыгрыш был у меня в начале карьеры. Когда я только пришёл в Большой, меня поставили в партию горожанина в балете "Дон Кихот". Всё, что мне там нужно было, – стоять на сцене и размахивать руками. И один раз – взять гитару у Базилио. Кто-то из старших товарищей мне сказал, что он будет давать гитару, а ты не соглашайся, мол, нет, не возьму. Я так и сделал, а ему же нужно было обязательно от неё избавиться, в итоге гитара просто полетела в меня. Теперь я не верю артистам, которые старше меня!

БЛИЦ-ОПРОС С ДЕНИСОМ РОДЬКИНЫМ

Если бы балет стал видом спорта, за что бы давали максимальные баллы?

– За стабильность результата.

Что мешает плохому танцору?

– Всё!

Сколько раз в жизни вы наедались?

– Больше 10 раз точно.

Какую партию вы бы исполнили даже во сне?

– Партию князя Курбского в балете "Иван Грозный".

Что легче: поднять партнёршу или вынести покупки из супермаркета?

– Поднять партнёршу.

Какой суперспособностью вы бы хотели обладать на сцене?

– Неимоверной выносливостью.

Как узнать артиста балета в толпе?

– По осанке и по походке.

Как вам по жизни помогает шпагат?

– По жизни никак, на сцене – очень.

Если бы вы не стали танцором, кем бы вы были?

– Спортсменом, футболистом.

Какую сцену из повседневной жизни вы бы назвали "идеальной партией для балета"?

– Расслабление на диване перед телевизором.

Если бы ваши ноги могли говорить, что бы они сказали после рабочего дня?

– "Хватит!"

Какой мем лучше всего описывает вашу жизнь?

– Был такой ролик, где дяденька сальто крутит. И подпись: делай так 5 раз в день – и спина болеть не будет.

Елена С.

© Анастасия Аверкова/ ТАСС

ПЕРМЬ, 5 декабря. /ТАСС/. Пермский театр оперы и балета представил премьеру балета "Сильвия" Лео Делиба в постановке Алексея Мирошниченко, передает корреспондент ТАСС.

"Сильвия" Лео Делиба - одно из знаковых названий балетного репертуара, после 1917 года почти не появлявшееся на отечественной сцене. Сейчас, мне кажется, пришло ее время - Пермскому балету нужен большой торжественный спектакль, в котором занята вся труппа, <...> а также студенты Пермского хореографического училища", - рассказал хореограф-постановщик и руководитель балетной труппы Пермского театра.

В Перми зрители увидели "Сильвию" в авторской версии Мирошниченко - с новым либретто, вдохновленным античной мифологией и романом "Опимия" итальянского писателя Рафаэлло Джованьоли. Над музыкальной редакцией партитуры Мирошниченко работал вместе с дирижером Иваном Худяковым-Веденяпиным, для которого эта постановка стала дебютом в качестве дирижера-постановщика на большой балетной сцене. Действие пермской "Сильвии" происходит в VIII веке до нашей эры, почти на 500 лет позже Троянской войны, со всей красотой и роскошью античного мира. "Мы, конечно, не выдерживаем эпоху с археологической точностью, но скорее играем в античность", - отметил Мирошниченко.

О спектакле

По словам создателя либретто, история, показанная на пермской сцене, родилась из мифа о Рее Сильвии - самой известной в истории служительнице римского культа богини Весты, матери основателей Рима Ромула и Рема, а также из романа Рафаэлло Джованьоли "Опимия", который также посвящен весталке. "Собрав эти источники, я придумал собственную историю", - добавил Мирошниченко.

Как сообщил дирижер-постановщик Иван Худяков-Веденяпин, музыкальная редакция спектакля напрямую связана с либретто, созданным Мирошниченко. "Во времена Делиба в балетные спектакли часто включались фрагменты, созданные другими авторами. Так, например, в "Корсаре" Адана есть знаменитый "Оживленный сад" - а это музыка Делиба. Сам Делиб получил широкую известность после премьеры балета "Ручей", созданного совместно с Минкусом. Именно из этой партитуры в нашу редакцию "Сильвии" включено несколько замечательных фрагментов. Но ничью другую музыку, кроме Делиба, мы не используем - нами двигала цель выстроить балетный спектакль как единую музыкальную партитуру", - рассказал дирижер.

Оформлен спектакль в эстетике музыкальных постановок второй половины XIX - начала ХХ веков, когда "правдой становится обобщенное представление об античной материальной культуре", отметила художник-постановщик Альона Пикалова. По ее словам, именно это объединяет на сцене и нарисованную театральную архитектуру, и детали мебели, посуды из музеев и с раскопок древних городов. "Наследие греко-римской цивилизации было источником множества произведений в музыкальном театре. Эта традиция никогда не прерывалась. Каждая последующая эпоха находила в античности сюжеты для создания спектаклей, но воплощала их на сцене в контексте современного представления о гармонии", - пояснила Пикалова.

Премьерные показы "Сильвии" можно будет также увидеть в Пермском театре оперы и балета 6, 7 и 8 декабря.

Елена С.

Рената Шакирова
© Евгений Овсянников

29-летняя балерина Рената Шакирова, в марте ставшая новой примой Мариинского театра, 4 декабря была удостоена премии председателя и сопредседателя Союза театральных деятелей России, которая в этом году впервые переформатирована для поддержки молодых талантов. В интервью ТАСС она рассказала о творческих планах, учебе на педагога, сотрудничестве Мариинки и Большого театра и, конечно, о русском балете сегодня

— Накануне вы были удостоены премии Союза театральных деятелей. Что для вас означает эта награда? Как это повлияет на ваши творческие планы?

— Для любого артиста награда — это очень приятный момент. Это оценка его деятельности, и очень важно, что его труд замечают и ценят. Конечно, самое главное — это зритель, перед которым мы каждый день выходим на сцену, и отклик зрителя на спектакль. Премия Союза театральных деятелей — это прежде всего большая ответственность. Как повлияет на творческие планы? Захочется еще больше покорять новые горизонты.

— Если вернуться к тому времени, когда вы пришли в Мариинский театр, — по мнению внешних наблюдателей, вы очень элегантно "вписались" в труппу. Как встретили вас коллеги и как проходило вхождение в коллектив?

— Могу сказать, что мне повезло, потому что я познакомилась с труппой заранее. Когда я еще училась в академии (русского балета имени Агриппины Вагановой), тогда еще Юрий Валерьевич Фатеев (бывший и.о. заведующего балетной труппой Мариинского театра — прим. ТАСС) пригласил меня участвовать в спектаклях театра наравне с артистами. Это были мои, так скажем, первые шаги, и помню, как я волновалась, потому что мне нужно было показать себя не как студентку, а как настоящую артистку. Поэтому, когда я закончила академию и уже пришла работать, большинство коллег меня знали.

Всегда ходят слухи о конкуренции, о том, как не принимают людей, но у меня всегда была такая позиция, что если ты будешь открыт и доброжелателен к людям, то и ответ тебе всегда будет такой же. Со многими мы подружились очень быстро. Я часто рассказываю историю — она в этом смысле показательна: когда я была студенткой, меня позвали исполнять номер. Нам тогда выдавали пуанты, и не было возможности их часто менять.

Мы могли их стирать в стиральной машинке, но они от этого могли немножко краситься или оседать. Когда я их надевала, это было заметно, и балерина, которая танцевала эту партию, узнав, что у меня такой же размер, предложила отдать свои пуанты. Она была готова отдать самое дорогое, хотя вроде бы я ее конкурентка. И я поняла, что на самом деле как мы будем относиться к людям, так и они будут отвечать нам. Я никогда не обращала внимание на слухи, никак на них не реагировала и пыталась показать, что я добрый и открытый человек. Я думаю, что доказала все, чего добилась, своим трудом.

— В вашем репертуаре много классических партий. Есть ли намерение открыть что-то свое в хрестоматийных ролях?

— Здесь есть интересный момент. Конечно, мы не можем переделывать хореографию, мы должны ее оставлять. Но, работая над каждой партией, с каждым новым спектаклем ты все равно что-то новое привносишь, свое, и продолжаешь ее совершенствовать. Это тот путь, который никогда не заканчивается, всегда идет эта работа. На самом деле и мы меняемся: меняется наше физическое и психологическое состояние, а это влияет на спектакли. И меняются партнеры — от этого тоже спектакль обретает новые краски.

— Есть ли у вас любимые партии, которые вы считаете "своими"?

— Я всегда говорила раньше, что это партия Китри (балет "Дон Кихот"). Но сейчас я могу сказать, что копилка из этих ролей стала намного больше. В каждой из них есть что-то свое, интересное. Наверное, как и актеры, мы отдаем частичку себя в каждой партии, мы пропускаем это через себя. Поэтому нам каждая роль становится очень дорога. Но, конечно, есть партии, которые хотелось бы станцевать.

— А какие именно?

— Станцевать Мехменэ Бану в "Легенде о любви", то есть перейти уже в другую роль — сейчас я исполняю Ширин. У меня уже был такой интересный переход — тоже в балете Юрия Григоровича "Каменный цветок". Я танцевала сначала Катерину, но потом перешла на роль Хозяйки Медной горы. И так интересно, потому что ты знаешь эту историю из одной роли, а потом уже из другой, и ты можешь как-то ярче обыгрывать образы и находить какие-то новые интересные моменты.

— Есть ли у вас кумиры в профессии? Кто для вас служит, если можно так сказать, ориентиром в искусстве?

— Кумиры — я бы сказала, даже для молодого поколения это важно и нужно, и, когда я училась в академии, у меня всегда они были. Сейчас для меня кумиры — это мои коллеги. У каждой балерины есть свои нюансы и интересные моменты, и ты у каждой можешь научиться чему-то. Конечно, самым большим кумиром для меня является мой педагог Татьяна Геннадьевна Терехова. Мы уже много лет с ней работаем. На репетициях, когда она начинает сама показывать движения, она делает это с таким трепетом и настолько красиво, что порой забываешь о времени и о том, что тебе же нужно тоже теперь повторять.

Если говорить о кумирах детства — это, конечно, Ульяна Лопаткина, Диана Вишнева, Екатерина Кондаурова, Виктория Терешкина. Я помню, когда мы в юном возрасте приходили в театр, мы всегда с наслаждением на них смотрели. Даже не верится, что сейчас это мои коллеги и мы уже совместно на сцене — в "Легенде о любви" у нас будет такое трио.

— Мариинский театр, как и вся страна, сейчас живет в непростых условиях. Чувствуют ли звезды театра какую-то нехватку зарубежного зрителя?

— Чувствуется перемена зрителя. Не скажу, что это нехватка зарубежного зрителя. Но у нас появилось больше возможностей посещать города России.

Мы буквально недавно после значительного перерыва съездили во Владивосток — и насколько там зритель тоже соскучился, мы это почувствовали
Я бы сказала, что там, где закрываются одни двери, открываются другие. Нехватки — ее нет, у нас очень много зрителей. И сейчас я вижу, как много людей приезжают из других городов, и у них есть возможность выбрать из большого количества спектаклей театра.

— Недавно Мариинский театр с большим успехом осуществил масштабные гастроли в Китае. Какие у вас впечатления от встречи с китайской публикой?

— Мы и ранее бывали в Китае на гастролях, и замечаю, что с каждым годом публика все теплее принимает нас. Многие артисты подтвердят, что японская публика безумно любит русский балет, и когда нас встречали, это всегда были толпы поклонников. И сейчас, я бы сказала, такой же прием мы все видим в Китае — это очень приятно. И зритель знает, на что он приходит, знает историю, знает артистов, и это чувствуется. И есть даже такие поклонники, которые вместе с труппой перемещаются из города в город, чтобы посмотреть все составы и все спектакли.

— Есть ли в планах на сезон новые зарубежные гастроли?

— Я сотрудничаю с труппой Приморской сцены Мариинского театра, я с ними всегда выступаю, когда они в Москве представляют спектакли. В период со 2 по 8 февраля планируется поездка Приморской сцены Мариинского театра в Оман, город Маскат. Спектакль "1001 ночь" состоится 6 и 7 февраля 2025 года.

— Искусство не стоит на месте — что нового и интересного происходит в балете сегодня?

— Основа очень важна, но, конечно, мы понимаем, что меняются физиологические данные. Сейчас приходят дети с просто фантастическими возможностями, и технически они уже умеют много что делать. В этом плане, конечно же, балет развивается, но главная основа — она остается. В академии не перестают адаптировать обучение под данные детей. В прошлом году я окончила магистратуру как педагог балета и сейчас продолжаю изучать, как помогать детям развиваться и адаптироваться под эту смену. Меняется тело, меняется подготовка, и это все нужно учитывать. Стало больше спектаклей, где участвуют дети, в том числе "Щелкунчиков". Детям нужно помогать быстрее адаптироваться и восстанавливаться, конечно, нельзя забывать, что это все-таки очень большая физическая нагрузка.

И по моему мнению, все-таки классический балет у нас самый сильный. И до сих пор продолжает быть самым сильным. Везде, я бы сказала, уже больше развивается современный балет, есть замечательные новые постановки. Но все-таки то, как мы танцуем классический танец, — так в мире больше никто не танцует.

— Планируете ли вы в дальнейшем связать свою жизнь с педагогикой, как вы к этому пришли?

— Очень хочется дальше передавать уже накопленный опыт, знания и хочется помогать детям. Как-то на гастролях меня позвали провести мастер-класс, посмотреть вариации, высказать свои замечания. Я тогда говорила с точки зрения артиста, но тут нужен очень тонкий подход — ты должен увидеть человека, его возможности, суметь обыграть их и помочь ему раскрыться. И обучение в этом смысле сильно помогает. Кажется, что мы все это знаем, но когда мы вновь пришли в академию и стали заниматься с первым классом, мы увидели очень много моментов, которые нам в детстве давались, и поняли, почему педагоги от нас требовали то или иное. После этого обучения, когда я репетировала сама, я уже по-другому думала. Это такой интересный процесс, который мне даже в помощь как артистке.

— Как сказалось на жизни Мариинского то, что маэстро Валерий Гергиев возглавил Большой театр в Москве?

— Мне понравилась история, когда к нам приезжал Большой театр, считаю, это было потрясающе. Мне очень понравилось, когда в спектакле Джорджа Баланчина "Драгоценности" артисты Мариинского театра и Большого были на одной сцене. Мне кажется, это феноменально.

Это очень здорово, что мы еще больше сотрудничаем с Большим театром и их спектакли, их артисты приезжают на нашу сцену. У нас раньше тоже не было таких обменных гастролей, а сейчас мы можем приехать в Москву и привезти, показать публике какие-то свои шедевры, которые не идут в ГАБТ, а они — свои.

Много было слухов о конкуренции, но на самом деле конкуренции нет — мы всегда с радостью смотрим другие постановки, это развивает. Я надеюсь, что, может быть, даже в дальнейшем это сотрудничество будет еще теснее. Для нас очень важно развиваться, пробовать что-то новое, и, конечно, если появится такая возможность, все будут только счастливы.

— Есть ли у вас мечта, связанная с балетом?

— Создавать такие спектакли, чтобы они запоминались зрителям, чтобы они хотели вернуться и вновь их посмотреть, — так было и раньше, и так остается сейчас. И чтобы хореограф поставил спектакль именно на меня, на мои возможности, с интересным образом и историей.

— По вашему опыту, успех в балете — это прежде всего труд, везение, талант, упорство или что-то еще?

— Для меня всегда на первом месте — труд. Мне кажется, от природы у нас очень много талантов. И то, насколько мы будем сильны, упорны, зависит только от нас — будем ли мы развивать талант или держаться только на том, что есть, а этого надолго не хватит. Есть, конечно, и везение, но часто бывает, что многие не видят шансов, которые им дарит судьба. Поэтому для меня все-таки самым важным всегда будет оставаться трудолюбие, терпение, абсолютная самоотдача и самоотречение, готовность лишить себя чего-то ради результата. И конечно, любовь к своему делу и к своей профессии.

— В последнее время все чаще звучит тема искусственного интеллекта и его применения в разных сферах. В 2023 году в Германии был представлен балет, где часть хореографического текста была создана с помощью нейросетей. Как вы относитесь к таким новациям? Может ли ИИ как-то повлиять на балет?

— Мне кажется, во всем должна быть грань и гармония. Искусственный интеллект не должен кого-то заменить — ни в коем случае, — а должен в какой-то степени помочь. Это может быть именно помощь, но не замена музыканту, хореографу. Можно пробовать, нужно пробовать и смотреть, как это адаптировать, но не впадать в крайности — должны быть какие-то границы. Но это то, что мы точно не должны полностью исключать, потому что мир развивается, появляются разные технологии. Иногда люди пытаются на этом получить хайп и как-то выделиться, но это уже будет не про искусство. Цель должна состоять не просто в том, чтобы быть в чем-то первыми, а в том, чтобы создать то, что останется в сердцах, — как спектакли Мариуса Петипа.

Елена С.

Номер ссылки| 2024120701
Тема| Балет, Пермский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Алексей Мирошниченко
Автор| Вера Шуваева
Заголовок| Весталки тоже любят. В Перми прошла премьера балета «Сильвия»
Где опубликовано| © АиФ Пермь
Дата публикации| 2024-12-07
Ссылка| https://perm.aif.ru/culture/details/vestalki-tozhe-lyubyat-v-permi-proshla-premera-baleta-silviya
Аннотация| Премьера

Сильвия и ее возлюбленный Луций. Фото: Пермский театр оперы и балета/ Никита Чунтомов

5 декабря в Пермском оперном давали первую балетную премьеру сезона 2024/25 – балет Лео Делиба «Сильвия» (12+). Руководитель балетной труппы театра Алексей Мирошниченко поставил его в стилистике большого классического спектакля конца XIX века по собственному либретто. Премьерные показы состоятся также 6, 7 и 8 декабря. Подробности – в материале сайта perm.aif.ru.

Рождение сюжета

Пермяки уже привыкли к авторским балетам Мирошниченко. «Щелкунчик», «Ярославна», «Шахерезада», «Золушка» идут в Перми не только в его хореографии, но и по сочинённым им же либретто. Не стала исключением и «Сильвия».

«Балет “Сильвия” впервые был поставлен в 1876 году в Парижской опере, – рассказывает хореограф. – На мой взгляд, его либретто немножко не дотянуло до музыки. Поэтому балет редко где шёл. В России его поставили в 1903 году, а после 1917-го он уже почти не появлялся на сцене».

В балетную историю ХХ века «Сильвия» вошла благодаря постановкам Фредерика Аштона и Джона Ноймайера. Но либретто там было то же – созданное Жюлем Барбье и Жаком де Рейнахом по пасторали «Аминта» Торквато Тассо. Некая куртуазная история, шифрующая реальную и очень личную ситуацию Тассо.

«Мне хотелось дать достойное применение изумительной музыке Делиба, этой жемчужине французского романтизма. И я решил найти новый сюжет, – продолжает Алексей Мирошниченко. – При этом важно было сохранить название «Сильвия», ведь оно знаковое для балетного мира. В моём “портфеле” балетов “Сильвия” жила давно. И сейчас, мне кажется, пришло её время: нам нужен большой торжественный спектакль, в котором была бы занята вся труппа, включая миманс, плюс хореографическое училище».

Взять за основу либретто рассказ Валерия Брюсова о Рее Сильвии, где значительная часть сюжета разворачивается в подземелье с Золотым дворцом Нерона, не позволили возможности пермской сцены. Тогда Мирошниченко решил обратиться к мифу о самой известной в истории весталке Рее Сильвии. Служительнице римского культа богини Весты и матери близнецов Ромула и Рема, легендарных основателей Рима. Ну а затем её история привела его к роману «Опимия» Рафаэлло Джованьоли (того самого, автора «Спартака»), который тоже посвящён весталке, влюблённой в мужчину. Используя эти источники, он и придумал собственный сюжет.

Французская жемчужина в античной гравировке

Пермская «Сильвия» – не про рождение Ромула и Рема. Их вообще нет в спектакле – действие происходит в доримскую эпоху. Эта «Сильвия» – про героизм, предательство и вечную любовь. Трагическую, но очень красивую.

VIII век до нашей эры, 500 лет после Троянской войны. Время правления Нумитора - царя Альба-Лонги, потомка Энея и отца Реи Сильвии. Чтобы завладеть царским троном, младший брат Нумитора, Амулий, убивает его. А Сильвию, влюблённую в отважного воина Луция и уже помолвленную с ним, вынуждает стать весталкой. Это значит, что 30 лет она должна исполнять обет безбрачия, за нарушение которого её ждёт погребение заживо.

Однако Сильвия и Луций не в силах отречься от своих чувств. Ради них они принимают страшную участь вместе. И в финале спектакля Аполлон и его музы славят в Храме искусств их подвиг любви.

Над новой постановкой Алексей Мирошниченко работал со своей постоянной творческой командой — сценографом Альоной Пикаловой, художницей по костюмам Татьяной Ногиновой и художником по свету Алексеем Хорошевым.

В качестве дирижёра-постановщика на большой балетной сцене дебютировал Иван Худяков-Веденяпин.

«Музыкальная редакция нашего спектакля напрямую связана с либретто Алексея, – поясняет он. – Во времена Делиба в балетные спектакли часто включались фрагменты, созданные другими авторами. Например, в “Корсаре” Адана есть знаменитый “Оживлённый сад”, а это музыка Делиба. Сам же Делиб получил широкую известность после премьеры балета “Ручей”, созданного совместно с Минкусом. Как раз из этой партитуры в нашу редакцию “Сильвии” включено несколько замечательных фрагментов. Но ничью другую музыку, кроме Делиба, мы не используем. Нами двигала цель выстроить спектакль как единую музыкальную партитуру».

Оформлен балет в эстетике музыкальных постановок второй половины XIX - начала ХХ веков, когда, по словам Альоны Пикаловой, «правдой становится обобщённое представление об античной материальной культуре». Именно это объединяет на сцене и нарисованную театральную архитектуру, и детали мебели и посуды из музеев и с раскопок древних городов.

Постановщики не отражают эпоху с археологической точностью, а скорее играют в античность. Но их игра, пусть и при ограниченных возможностях сцены Пермской оперы, создаёт на ней настоящее театральное чудо.

«В спектакле у нас три группы героев, – говорит Татьяна Ногинова. – Помимо людей это сатиры-нимфы-дриады-фавны, т.е. сказочные, мифологические существа, и боги. У каждой группы свой ритм существования, своё фактурное решение костюмов. Если это, допустим, фавн, то на танцовщике комбинезон с пятнышками оленя. Ели нимфа – на ней хитон, украшенный ивовыми прутьями, веточками, листочками. Статуи богов выполнены из слоновой кости. А чтобы подчеркнуть, к примеру, некую нереальность Сильвии (это же собирательный образ), для меня важно было использовать очень тонкие натуральные шёлковые ткани. На сцене они ведут себя как облако».

Цветы летели водопадом

Партии Сильвии и Луция на премьере исполнили солисты театра Булган Рэнцендорж и Кирилл Макурин. Исполнили прекрасно, покорив зрителей чувственностью, одухотворённостью, лиризмом. Притом что новый балет очень непрост и по лексике, по хореографическому тексту. На встрече с журналистами перед генеральным прогоном спектакля Алексей Мирошниченко даже пошутил, сравнив элементы своей авторской версии с тройным акселем в фигурном катании.

Как и многие его постановки, эта изобилует яркими характерными мужскими танцами. Особенно харизматичен и выразителен был Александр Таранов, исполнивший партию Аскания, близкого друга Луция.

Понятно, что такие персонажи, как царь Нумитор, его брат Амулий, Верховный понтифик, по сложившейся балетной традиции, не танцуют. Но пантомимных фрагментов в спектакле немного. Он практически весь танцевальный. Есть и классический танец, и национальные (финикийцы и этруски, будем знакомы!), и воинственные. Эх, сцену бы нашему театру побольше!

В финале, когда под нескончаемые овации зала на поклон вышли все участники премьеры, к их ногам полетели такие же нескончаемые букеты. Цветы летели просто водопадом! Ими щедро одаривал артистов сидевший в партере мужчина, который устраивает подобные цветочные перформансы на протяжении почти сорока лет.

Любовь к балету и вообще к музыкальному театру началась у Михаила Семёнова, когда он жил в Перми и часто ходил в Пермский оперный. С конца 90-х Семёнов живёт и работает в Москве. География посещаемых им сценических площадок внушительна – от Новосибирска до Рима и Барселоны. Не остаётся в стороне, разумеется, и родная Пермь. Особенно когда там происходят такие масштабные события.

«Танцовщики, усыпанные цветами, – самое естественное завершение балетного вечера, – уверен балетоман. – В такие моменты, хотя бы в течение пяти минут, лица артистов сияют неподдельным счастьем. Это дорогого стоит, поэтому я продолжаю это делать».

Кстати

Перед просмотром «Сильвии» можно посетить выставку в музее Пермского театра оперы и балета «Вечные образы мифов: «Орфей и Эвридика», «Дафнис и Хлоя», «Сильвия» на пермской сцене», которая посвящена хореографическим интерпретациям мифологических сюжетов. На выставке представлены фотографии, эскизы, костюмы, макеты и премьерные афиши спектаклей. Многие экспонаты представлены впервые.

========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024120702
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Карэн Хачатурян, Генрих Майоров, Анна Майорова
Автор| Дарья Шаталова
Заголовок| Вспомнить детство и увидеть восходящих звезд. О возвращении "Чиполлино" в Большой театр
Премьерные показы балета проходят с 5 по 11 декабря
Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2024-12-07
Ссылка| https://tass.ru/kultura/22598989
Аннотация| Премьера

Балет "Чиполлино" на музыку Карэна Хачатуряна — советская классика. В 1970-х годах он стал сенсацией, и с тех пор был поставлен во многих театрах и хореографических училищах страны, войдя в число хрестоматийных. Возобновленная версия на Новой сцене повторяет ту, что появилась в стенах Большого театра в 1977 году: те же декорации, костюмы и хореография Генриха Майорова, за восстановление которой отвечала его дочь Анна Майорова. На премьерном показе спектакля побывала редактор раздела "Культура" ТАСС Дарья Шаталова.

Бывает, балет становится настолько популярным, что ложится в основу кино, — многие режиссеры вдохновлялись и "Лебединым озером", и "Щелкунчиком", и "Жизелью". В случае с "Чиполлино" все было наоборот. В 1961 году киностудия "Союзмультфильм" выпустила рисованную сказку Джанни Родари: она быстро полюбилась и детям, и взрослым — во многом благодаря музыке Карэна Хачатуряна. Композитор писал ее специально для мультфильма, а о балете поначалу не думал, но через несколько лет судьба распорядилась так, что "Чиполлино" оказался на сцене.

Идея постановки балета принадлежала артисту Новосибирского театра оперы и балета Геннадию Рыхлову — он был одним из поклонников мультфильма и музыки Хачатуряна, поэтому сам написал либретто. Узнав об этом, композитор доработал партитуру балета и подыскал балетмейстера. С подачи Майи Плисецкой им стал молодой хореограф Генрих Майоров, однокурсник ее мужа Родиона Щедрина.

Премьера балета "Чиполлино" состоялась в 1974 году в Киевском театре оперы и балета. Постановка пользовалась невероятным успехом и принесла своим создателям Государственную премию СССР. В 1977-м Юрий Григорович пригласил Майорова поставить этот балет и в Большом театре. С тех пор "Чиполлино" прописался в его репертуаре и утвердился в фонде советской балетной классики.

Последний раз спектакль показывали в Большом в начале 2010-х, тогда постановкой руководил еще сам Генрих Майоров. В 2022-м балетмейстер скончался, поэтому автором сегодняшнего возобновления стала его дочь — Анна Майорова. "Чиполлино" она знает с ранних лет, можно сказать, выросла на нем: смотрела спектакль ребенком, позже сама танцевала в нем в партии графини Вишенки, затем работала с отцом как ассистент.

Помню, в детстве отец приглашал меня с классом в Кремлевский дворец съездов, где тогда шел балет. Мы приходили, смотрели все вместе, потом на уроке нам давали задание: нарисуйте, какие у вас впечатления
Анна Майорова

Возобновляя балет, Анна стремилась, чтобы все сцены выглядели в точности так, как их поставил Генрих Майоров. "Отца всегда отличает музыкальность. Он ставит каждое движение на музыку. И если все делается правильно, [балет] начинает сверкать, как бриллиант, все грани просматриваются. Поэтому я, конечно, следила за музыкальностью", — поделилась перед премьерой балетмейстер. По ее словам, хореография "Чиполлино" заряжает артистов азартом — она достаточно сложная по технике, необычная, требует от танцовщиков виртуозности. "Посредством хореографии движется и сюжет", — добавила Майорова.

Овощной микс

Погружение в сказку начинается с открытия занавеса: слои ярких рисованных декораций, украшенных цветами, бабочками, ликом солнца, поднимаются один за другим, будто листаются страницы детской книжки. За ними — южный итальянский городок: скученные белые домики с цветными крышами, синее море, мягкие облака над ним. Здесь живут герои — напоминающие людей овощи и фрукты, знакомство с которыми вызывает улыбку и у малышей, которых на премьере было много, и у взрослых: в открывающей сцене артисты лежат в больших корзинах и комично трясут руками и ногами, встречая новый день.

Сюжет "Чиполлино" всем наверняка знаком: жизнь в сказочном городке простая, местами бедная, но веселая и дружная. Омрачает все появление принца Лимона, синьора Помидора и полицейских — высокомерных вельмож, которые плохо обращаются с жителями, придумывают нелепые законы и ограничения. Конфликт обостряется, когда Чиполлино случайно наступает на ногу Лимону и его отца Чиполлоне сажают в темницу. Главный герой намерен освободить его, а заодно проучить обидчиков.

"Чиполлино" — довольно короткий (2 часа 10 минут с одним антрактом), но динамичный спектакль, с вариациями и танцами, элементами пантомимы и клоунады. Здесь выведено много персонажей, и все они наделены собственными отличительными чертами, что требует от каждого артиста особой, "говорящей" пластики и активной актерской игры. Сочетаются и комедия, и гротеск, и лиризм. Бытовая манера танца и сокращенные стопы простых овощей контрастируют с классическими па и вытянутыми линиями в партиях Магнолии и графа Вишенки; гротескные жесты и четкие выстукивания каблуками Помидора и его свиты — с жеманством и кокетством графинь Вишенок, которые то и дело норовят упасть в обморок.

Время показать себя

Смотреть "Чиполлино" приятно не только потому, что он обращается к зрителям на понятном языке, но и потому, что задействовано в постановке много молодых артистов. Кажется, что они действительно веселятся на сцене и получают удовольствие от того, что танцуют. Тем более что многим из них "Чиполлино" дает возможность заявить о себе.

В партии главного героя успешно дебютировал Ратмир Джумалиев. Он служит в Большом театре с 2023 года и за это время запомнился зрителям озорством и прыгучестью в образах всевозможных шутов — в "Лебедином озере", "Ромео и Джульетте", "Легенде о любви". Недавно порадовал балетоманов исполнением роли Золотого божка в "Баядерке", а теперь получил свою первую ведущую партию, хотя числится пока в кордебалете.

"Прежде всего я посмотрел советский мультфильм "Чиполлино", персонаж меня очень заинтриговал — интересная роль, я могу раскрыться в ней. Чувствую, что мне удастся сделать озорного мальчишку, который борется за справедливость. Получилась роль довольно героическая, важно быть героем для детей", — поделился мыслями Ратмир Джумалиев накануне премьеры.

Блестяще в партии синьора Помидора проявил себя первый солист Александр Водопетов — карикатурный образ грозного, но глуповатого чиновника всем запомнился, и в антракте дети даже пытались повторять его движения. Фаворитом публики стал премьер Игорь Цвирко в партии принца Лимона. "Много лет назад моя первая афишная роль была именно в этом спектакле — я танцевал синьора Помидора. Теперь я, получается, пошел на повышение — принц Лимон. Для меня счастье выходить в этом спектакле сегодня", — рассказал Цвирко перед премьерой. С новым образом он справился невероятно артистично — его принц получился нарциссичным, надменным, капризным, уверенным в своей неотразимости, и каждое его появление, даже в массовых сценах, приковывало внимание.

Юного зрителя не обманешь: если ты плохой актер, он это считает, не будет аплодировать, не будет смеяться, поэтому нужно показать свой максимум таланта — не только в выучке академизма, но и также актерской игры. Нужно настраиваться, прорабатывать мимику, смотреть и перенимать опыт из мультфильмов, книг, чтобы ребенок поверил твоему герою
- Игорь Цвирко

Роль Редисочки, подружки Чиполлино, ловко и задорно исполнила солистка Мария Мишина. Скучающего, меланхоличного, уставшего от своего окружения графа Вишенку играл первый солист Клим Ефимов. Кстати, в этой же партии он участвовал в "Чиполлино" в начале 2010-х, причем тогда выходил на сцену со своей матерью — балериной Марианной Рыжкиной, которая была графиней Вишенкой. В нынешней премьере в качестве графинь талантливо выступили Ангелина Влашинец и Дэйманте Таранда. Своим комическим талантом запомнились и стражники — Георгий Гусев, Игорь Пугачев и Иван Сорокин.

"Этот спектакль я танцую с первого года работы в театре, эту партию. И я очень рада, что спектакль вернулся на сцену, тем более в этом году исполняется 50 лет с момента его первой постановки", — поделилась накануне премьеры ведущая солистка Мария Виноградова, исполнительница роли Магнолии. По сюжету, ее героиня помогает усыпить стражников и организовать побег. "В этом спектакле, хоть он и детский, совершенно не детская хореография. Она очень сложная, требует концентрации, внимания и технического совершенства. Я думаю, "Чиполлино" будет интересен к просмотру и любому взрослому. Мы сами получаем удовольствие, исполняя его, и всегда в прекрасном настроении после этого спектакля", — добавила артистка.

Елена С.

Номер ссылки| 2024120901
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Карэн Хачатурян, Генрих Майоров, Анна Майорова
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Всякому овощу своя партия
Балет «Чиполлино» в Большом театре
Где опубликовано| © Газета «Коммерсантъ» №227/П от 09.12.2024, стр. 11
Дата публикации| 2024-12-09
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/7362120
Аннотация| Премьера

На Новую сцену Большого театра после 12-летнего перерыва вернулся «Чиполлино» Карэна Хачатуряна, поставленный Генрихом Майоровым ровно 50 лет назад. О самом удачном детском балете полувека и его новом представлении рассказывает Татьяна Кузнецова.

Партия Чиполлино (Ратмир Джумалиев) в одноименном балете совершенно не по-детски эффектна и требовательна
Фото: Павел Рычков / Большой театр

Впервые Большой театр представил «Чиполлино» в 1977 году — балетмейстер Генрих Майоров перенес тогда в Москву свой киевский спектакль трехлетней давности, за который получил Госпремию вместе с исполнителями главных ролей и композитором Карэном Хачатуряном. Премировали их в 1976-м, как раз в тот год, когда с афиши Большого отнюдь не по художественным причинам исчез прелестный «Конёк-горбунок» Родиона Щедрина, где в роли Царь-девицы блистала Майя Плисецкая. Обласканный властями трехактный «Чиполлино», в котором садово-огородный народ успешно боролся с тоже фруктово-овощными аристократами, стал ему заменой. И порадовал всех. Детей — шлягерной заводной музыкой и динамичным занимательным сюжетом (толковое либретто по мотивам Джанни Родари сочинил Геннадий Рыхлов), взрослых — обилием виртуозных классических танцев, труппу — россыпью отличных ролей. Спектакль охотно танцевали заслуженные и народные: Нина Сорокина, Михаил Цивин, Марина Кондратьева, Светлана Адырхаева, Марис Лиепа — список длинен.

Корифеи труппы «Чиполлино» любили. С одной стороны, в нем можно было от души подурачиться. С другой — танцевать было незазорно: сложная хореография бросала вызов даже профессионалам экстра-класса. Генрих Майоров ставил свой балет по совершенно взрослым академическим канонам — с обилием заводных антре и залихватских код, «портретных» вариаций и действенных pas d`action, но щедро уснастил их техническими достижениями, введенными в обиход в 1960-е и не вышедшими из моды до сих пор: двойными ассамбле и содебасками, усложненными кругами жете ан турнан, комбинациями пируэтов с двойными турами в воздухе и залихватскими женскими вращениями. И кажется, молодой балетмейстер вдобавок позволил себе спародировать признанного мэтра. В спектакле полно погонь, любимого режиссерского приема Юрия Григоровича, в отчаянных монологах Чиполлино звучат интонации Спартака, в его диагональных полетах — гладиаторские призывы к сопротивлению, а воздетые кулаки взбунтовавшихся «овощей» намекают на восстание древнеримских рабов.

Первого «Чиполлино» показали на сцене Кремлевского дворца съездов, шел он до 1989 года. В 1991-м балет возобновили уже в Большом, четыре года спустя сократили до двух актов. Но в декабре 2012-го из репертуара его вытеснил другой детский спектакль — «Мойдодыр» Ефрема Подгайца. Постановка Юрия Смекалова оказалась неудачной, «Мойдодыр» почил быстро и бесславно, но «Чиполлино» это в афишу не вернуло. Спустя 12 лет балет своего отца восстановила Анна Майорова, декорации Валерия Левенталя — Ольга Медведева, костюмы — Майя Майер, и «Чиполлино» ожил как ни в чем не бывало.

Он не выглядит устаревшим, хотя имеет отчетливый отпечаток 1970-х, как, например, фильмы Марка Захарова по пьесам Шварца. Интеллигентный Левенталь, уже поставивший к тому времени с полдюжины балетов, сделал костюмы легкими, танцевальными и вполне антропоморфными (скажем, на овощную природу лукового семейства намекают лишь цвет одежды да маленький хвостик на макушке Чиполлино, а Лимон одет в расшитый золотом камзол). А декорации итальянского городка с синим морем на заднике и скученными в две группы маленькими домиками можно считать эскизом художника к его будущей Барселоне из первой картины «Дон Кихота». И когда из огромных корзин выскочил кордебалет «овощей» во главе с солистами и, подхлопывая в ладоши, зарядил с эстрадным легкомыслием хачатуряновскую «Тарантеллу», это не показалось экскурсом в прошлое — скорее, «днем сурка»: за пультом, как и в 1991-м, стоял Павел Сорокин, сохранивший живые темпы 33-летней давности, которые нынешним артистам подчас оказывались «не по ногам».

«Чиполлино» по-прежнему исполняет роль «кузницы кадров»: в буклете значатся девять исполнительниц резвой Редисочки, столько же — томной Магнолии, шесть прыгучих солистов на заглавную роль и семь записных «классиков» для роли утонченного Графа Вишенки. При этом изобилии выбор премьерного состава удивил. В сложнейшей партии Чиполлино дебютировал Ратмир Джумалиев, окончивший МГАХ лишь в прошлом году. Природными данными танцовщика он, без сомнения, обладает: большой прыжок и врожденная координация помогли ему справиться почти со всеми двойными наворотами содебасков и туров. Однако на актерский дар природа поскупилась: у юноши всего два выражения лица — лучезарная улыбка и страдальческая гримаска, которые он попеременно демонстрировал то залу, то партнерам, «выключая» лицо перед каждым техническим испытанием, отчего его роль распадалась на прыжки и мимику. Столь же небогатые актерские навыки, усугубленные немузыкальностью и нечистотой танца, демонстрировала его взрослая, но тоже неопытная партнерша Мария Мишина (партия Редисочки ее первая балеринская роль за 15 лет работы в Большом). Ведущая солистка Мария Виноградова — красавица, словно созданная для роли изысканной Магнолии,— казалось, пребывала «не в своей тарелке»: напряженные батманы, резкость в адажио и некоторая заполошность вращений лишили ее героиню необходимой чарующей вальяжности. Не слишком уверен в себе и своих больших прыжках оказался и Граф Вишенка Клима Ефимова. Да и в актерском плане пара опытных «аристократов» немногим превосходила новобранцев из «народа». Всласть лицедействовали лишь Александр Водопетов в партии комического держиморды Синьора Помидора и премьер Игорь Цвирко в роли Принца Лимона — последнему, пожалуй, стоило бы даже поубавить актерской суеты.

Но «Чиполлино» примечателен в том числе обилием колоритных ролей, так что эпизодический персонаж запросто может затмить лидеров. На премьере блеснул Иван Сорокин, уморительно и упоительно безупречно станцевавший соло Третьего стражника. Прекрасные линии, устойчивое вращение и природную музыкальность явил Данила Клименко в крошечной вариации скрипача Виноградинки. Удивительно, что оба изящных танцовщика значатся среди будущих Чиполлино, а не аристократов Вишенок, тем интереснее будет увидеть их в другом амплуа. Если, конечно, этот спектакль будут показывать достаточно часто. Что, учитывая безумный спрос и сумасшедшие цены на «Щелкунчик», было бы разумно — все равно за истекшие десятилетия отечественный балет так и не сумел породить ничего более адекватного для детей, их родителей и нынешних артистов, чем своевременно возобновленный «Чиполлино».