Балет и Опера

Елена С.

Фото Д.ЮСУПОВА

“Ромео и Джульетта” в постановке Леонида Лавровского вновь на Исторической сцене Большого театра – той самой сцене, что принесла спектаклю место в ряду классики XX века, откуда он шагнул в мир. После лондонских гастролей Большого 1956 года версия Лавровского породила традицию за рубежом: из нее исходили все хореографы, ставившие балет в классическом ключе. У нас же она служила в основном предметом полемики. Балетмейстеры шестидесятых, семидесятых, восьмидесятых годов искали другие подходы к музыке Прокофьева и сюжету. Теперешнее возобновление доказало: ни последователи, ни спорщики не превзошли оригинал. Более изобретательные по лексике адажио, более удачные частности меркнут перед впечатлением от целого, выстроенного Лавровским в соавторстве с художником Петром Вильямсом.

Имея дело с партитурой, в которой “написано все”, так, что ход событий и переживания героев легко проследить, слушая ее с закрытыми глазами, Лавровский добивался не унисона, но контрапункта сцены и оркестра. Музыка оглашала площади и террасы, возносилась под своды ренессансных залов, аккомпанировала пантомиме. Моментами она точнейшим образом совпадала с деталями действия: паж Париса доставал ручное зеркальце ровно тогда, когда у Прокофьева можно расслышать сверкание серебра. Однако полное слияние наступало в кульминациях. Под грохочущую тему “Танца рыцарей” хореограф вел колонны патрициев прямиком на рампу. В дуэтах, где любовь нисходит откуда-то из небесной дали, отправлял Джульетту и Ромео познавать ее бескрайние туманности.

Чтобы заселить и обжить “прекрасную Верону” Вильямса, фантазийный город, вобравший пейзажи Италии, архитектуру и живопись всего итальянского Возрождения, Лавровский аккумулировал наработки трех театральных эпох. От русского традиционализма пришли игры и шалости карнавальных масок, увлечение добытыми в историко-литературных штудиях чертами старинного театра и быта. От экспрессионизма – острые контрасты сильных движений, до гротеска сгущенные краски в обрисовке добра и зла. От балетного театра 1930-х годов – парадная репрезентативность большого стиля вместе с умением, когда нужно, сконцентрировать зрительское внимание на жесте одного из десятков выведенных на сцену персонажей.

Поле для исполнителей открыто огромное. Артисты сегодняшнего Большого зашли на него с разных сторон, из-за чего на премьере далеко не во всем удалось добиться единства, плавного течения действия, ощущения, что мизансцены-картины с фигурами, разбросанными в пространстве, как на фресках Микеланджело, собираются сами собой, а пантомима и танец перетекают друг в друга без швов.

Главные удачи случились в области индивидуальных работ. Синьора Капулетти Веры Борисенковой, побуждавшая вспоминать портреты знатных дам, синьор Капулетти Алексея Лопаревича, неприступный в гневе, равно далекий от веронского плебса и от дочери, следовали за традицией, заложенной еще при Лавровском. Артемий Беляков интереснее всего был там, где отрешался от груза примеров. В келье Лоренцо его Ромео не погружался в гамлетовские размышления над черепом и лилиями, а просто пугался и ронял цветы; узнав о смерти Джульетты, с безумными глазами грозил всему миру кулаком. Человеческие краски для Париса нашел Марк Орлов: веронский щеголь, персонаж, по замыслу авторов почти комический, он терялся перед внезапной покорностью невесты, благородно скорбел у ее гробницы. Наиболее цельными в ряду мужских образов и оттого смыслообразующими для сюжета оказались Меркуцио Дмитрия Смилевски и Тибальд Дениса Савина. Очаровательный хулиган, гибкий, как шпага, чувствующий себя под маскарадной личиной с рожками сатира увереннее, чем с мандолиной в руках, и разбойник, на котором даже праздничный наряд струится оперением хищной птицы, разыграли конфликт любимого сына площади с ее злым гением, праздничной вольности с уличной вседозволенностью. Яростный взгляд умирающего Меркуцио не столько слал проклятье “на оба дома”, сколько укорял Ромео за непрошеную попытку всех помирить.

Фото Д.ЮСУПОВА

Для Светланы Захаровой, в отличие от большинства коллег, спектакль Лавровского – не новый. Партию Джульетты она исполняла еще в Мариинском театре, и теперь вернулась к ней с полным пониманием стиля и задач. В статичном Прологе Джульетта Захаровой напоминала мраморную статую из тех, какие можно встретить в итальянских замках. Чудесный эффект повторился в финале: покрытая тюлем, героиня была подобна надгробной скульптуре, призванной сохранить дорогие черты. Сцена с кормилицей и картина бала дали череду актерских находок: девочка-Джульетта боялась слишком широко взмахнуть рукой, усевшись в кресло, – подражала величественной позе матери, и старательно шагала на пальцах, не решаясь побежать со всеми за Меркуцио. Настоящую свободу она чувствовала в танце, а самое себя обретала после встречи с Ромео. Рядом с ним ей все было понятно, и в сцене у балкона она с нежностью прижималась щекой к его руке, клялась любить вечно. Она знала, на что обрекает тайное замужество: потому так скорбен был ее выход у Лоренцо, так широки и трагичны позировки в сцене венчания. Часть прощального дуэта перед распахнутым окном воспринималась как мечта о бегстве, о жизни изгнанников, где есть опасности, но нет разделяющей ее и Ромео родовой вражды. В Эпилоге пантомима Джульетты набирала мощь. Беззвучный крик, метания над мертвым Ромео словно рождали звучащее в оркестре горе, звали вселенную разделить его. Направленный в солнечное сплетение удар клинка обрывал трагедию на высшей точке. И ее уже не могли разрешить ни рукопожатие Монтекки и Капулетти, ни заключительные такты партитуры, уводящие только что разыгранную историю в план далекой легенды.

Елена С.

19 мая празднует юбилей танцовщик и хореограф Вячеслав Самодуров. Свой пятидесятый день рождения артист встречает в репетиционных залах Большого театра: 4 июля состоится премьера его трехактного балета «Буря» на музыку Юрия Красавина.

Вячеслав Самодуров громко заявил о себе как танцовщик, когда победил на Международном конкурсе артистов балета «Майя» в 1996 году. Он сразу получил статус премьера и ведущие партии в балетах Ролана Пети, Джорджа Баланчина, Алексея Ратманского в Мариинском театре. Также он исполнял главные роли в балетах классического и советского наследия.

В 2000 началась международная карьера Самодурова: он поступил в Национальный балет Нидерландов, где танцевал в балетах Ханса ван Манена, Руди ван Данцига и других. Через три года танцовщик перешел в Королевский балет Великобритании, в котором проработал до 2010, станцевав многочисленные роли в балетах Фредерика Аштона, Кеннета МакМиллана, Нинет де Валуа, Джорджа Баланчина, Питера Райта.

В 2009-–2010 он показал свои первые постановки в студии Линбери в Лондоне. За несколько лет до этого он принял приглашение Большого театра поучаствовать в Мастерской молодых хореографов, которая в 2006 проходила под знаком постановок россиян, работающих в зарубежных труппах. Номер Самодурова на музыку Генделя назывался «+_ 2», его танцевали Андрей Меркурьев и Екатерина Крысанова, ставшая своеобразной музой хореографа в Большом театре, когда он вернулся сюда через 10 лет ставить «Ундину».

В 2010 Самодуров поставил в Михайловском театре балет «Минорные сонаты» на музыку Д. Скарлатти, после чего завершил работу в Лондоне и приехал в Россию. В 2011 он возглавил балетную труппу Театра оперы и балета Екатеринбурге. Его первой работой там стал двухактный комический спектакль «Amore Buffo» на музыку Г. Доницетти. В Екатеринбурге Самодуров поставил более десяти балетов, среди которых мировые премьеры: «Снежная Королев» А. Васильева, «Приказ короля» и «Конек-горбунок» А. Королева, «Sextus Propertius» А. Сысоева. В 2012 инициировал на базе Екатеринбургского театра оперы и балета «Dance-платформу» — проект поддержки молодых хореографов.

Самодуров последовательно расширял репертуар театра постановками российских и зарубежных хореографов. За двенадцать лет его работы труппа театра Урал Опера Балет стала одной из сильнейших в России. На сцене Пермь Оперы Самодуров поставил балеты «Поцелуй феи» И. Стравинского и «Ultima Thule» на музыку Раннева (мировая премьера). На сцене Большого театра поставил в 2016 поэтический балет «Ундина» Х.В. Хенце и в 2022 балет «Танцемания» Ю. Красавина (мировая премьера). Среди последних работ выделяются его постановки для петербургского Театра балета имени Леонида Якобсона — «Озорные частушки» Р. Щедрина и «598 тактов» на музыку К.Ф.Э. Баха.

Как хореографу Вячеславу Самодурову удалось создать собственный язык, придумать авторский лексикон, через который легко опознать его руку. Стиль, в котором работает Самодуров, еще предстоит осмыслить и описать историкам и балетоведам. Самодуров является обладателем ведущих наград в области театра и балета: нескольких «Золотых масок», приза «Душа танца» и премии Benois de la Danse.

Газета «Музыкальное обозрение» писала о премьерах Самодурова, начиная с 2012 Его постановки неоднократно отмечались «Музыкальным обозрением» в рейтинге «События и персоны» в номинации «Спектакль года — балет». Сам хореограф признавался «Персоной года» в рейтинге «МО».

Коллектив газеты от всей души поздравляет хореографа с днем рождения и желает ему здоровья и творческих успехов.

Елена С.

Номер ссылки| 2024052106
Тема| Балет, Татарский театр оперы и балета им. Джалиля, Нуриевский фестиваль, Персоналии, Мария Ильюшкина, Тимур Аскеров, Анна Тихомирова, Иван Сорокин, Михаил Тимаев, Кристина Андреева, Олег Ивенко, Антон Полодюк, Вагнер Корвальо, Нурлан Канетов
Автор| Ольга Юхновская
Заголовок| Нуриевский фестиваль достиг экватора: на сцене покажут балет о мятежном монахе
Где опубликовано| © Вечерняя Казань
Дата публикации| 2024-05-21
Ссылка| https://www.evening-kazan.ru/kultura/articles/nurievskiy-festival-dostig-ekvatora-na-scene-pokazhut-balet-o-myatezhnom-monahe
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

На фестивале классического балета им. Р. Нуриева - национальный балет «Иакинф». Позади два премьерных показа - «Грека Зорбы», «Спящей красавицы», со звездным составом, феерическая «Золотая Орда» и «Корсар» с новичками фестиваля.

Напомним, XXXVII Нуриевский фестиваль проходит в театре им. М. Джалиля с 12 по 29 мая. Рожденный в 1987 году, фестиваль с 1993 года носит имя прославленного танцовщика, который лично дал согласие на это после своего визита в Казань в 1992-м.

Костяк афиши фестиваля обычно составляют классические постановки, нынче их, кстати, не так много: «Спящая красавица», «Корсар», «Баядерка», «Лебединое озеро», «Дон Кихот», а также две современные постановки театра им. М. Джалиля – «Золотая Орда» и «Иакинф» (обе постановки авторства композитора Резеды Ахияровой и либреттиста, поэта Рената Хариса). Всего за 18 дней на фестивальной сцене пройдут девять спектаклей и два гала-концерта, которые в 2024 году полностью отданы Театру балета имени Леонида Якобсона. В таком масштабе коллектив из Санкт-Петербурга впервые выступит в столице Татарстана.

- Театр Якобсона покажет полноценную программу «Вне времени. Хореографические шедевры Леонида Якобсона», - пояснила «ВК» заведующая литературно-драматической частью театра им. М. Джалиля Жанна Мельникова. - Программа посвящена 120-летию со дня рождения хореографа. Якобсон - не чужой для татарской культуры, ведь он был постановщиком и даже соавтором национального балета «Шурале».

После двухдневных показов «Грека Зорбы» в хореографии и постановке Леонида (Лорки) Мясина на музыку Микиса Теодоракиса фестиваль продолжил балет «Спящая красавица» на музыку Петра Чайковского в хореографии Мариуса Петипа (постановка Владимира Яковлева). Главные партии в нем исполнили победительница телепроекта «Большой балет» - 2024, первая солистка Мариинского театра - изысканная, утонченная Мария Ильюшкина (Аврора), премьер Мариинского театра Тимур Аскеров (образцовый Принц Дезире), солисты Большого театра России - безупречная Анна Тихомирова в партии Феи Сирени, и Иван Сорокин (Голубая птица), а в партии принцессы Флорины выступила Галина Гармаш (Театр классического балета Н. Касаткиной и В. Василева). Публика осталась под огромным впечатлением от исполнительского мастерства как приглашенных солистов, так и представителей казанской балетной труппы: Феи Карабос в исполнении графически точной Олеси Пичугиной, в образе женихов Авроры - Ильнур Гайфуллин, Михаил Тимаев, Антон Полодюк, Салават Булатов. Рукоплескали и сказочным дуэтам Белая Кошечка (Александра Елагина) и Кот в сапогах (Фаяз Валиахметов), Красная Шапочка (студентка Казанского хореографического училища Аниса Хуснутдинова) и Серый Волк (Антон Полодюк). По-прежнему вызывает восхищение зрителей волшебная сценография постановки, которую создал известный театральный художник Анатолий Нежный.

Дуэт Андреевой и Ивенко едет за призом «Душа танца»

Балет «Золотая Орда» - настоящий хит театра имени Мусы Джалиля в течение одиннадцати сезонов. Спектакль поставлен в 2013 году, но смотришь его всегда как в первый раз и до мурашек по коже. Главные партии в фестивальной «Орде» исполнили ведущие артисты труппы - премьер Михаил Тимаев (дух хана Батыя), Максим Поцелуйко (хан Золотой Орды Тохтамыш), прима Кристина Андреева (Джанике), премьер Олег Ивенко (возлюбленный Джанике - сын мурзы Нурадин), Антон Полодюк (полководец Мурза), Вагнер Корвальо (Визирь), Глеб Кораблев (эмир Самарканда Тимур).

Отметим, что Вагнер Корвальо только что ввелся в партию коварного Визиря. Прежде ее прекрасно исполнял страстный итальянец Алессандро Каггеджи (ушел из штата после Нуриевского фестиваля в 2023 году). Страсти бразильцу Корвальо тоже не занимать, так что поздравляем Вагнера с премьерой. В этой партии на фестивале он вышел впервые (до этого - лишь раз). Специально на фестиваль приехал наш знаменитый и всеми казанцами любимый выдающийся танцовщик современности (был премьером казанской труппы с 1996 по 2018 год и первым исполнителем Визиря в 2013 году) художественный руководитель театра «Астана Балет» Нурлан Канетов, которого пригласили в качестве педагога-репетитора для Корвальо, чтобы он передал ему тонкости партии.

- В последний раз я был в Казани четыре года назад, тогда танцевал Визиря на своей любимой казанской сцене. Я благодарен, что театр меня пригласил, и очень доволен тем, как Вагнер работает над ролью. Это очень талантливый артист, - рассказал редактору отдела культуры «Вечерней Казани» после спектакля Нурлан Канетов. - У нас было не так уж и много времени для занятий, ведь Вагнер готовился к премьере в партии Джона в «Греке Зорбе», а это очень трудный спектакль. Но на утро после премьеры он пришел в класс на репетицию и делал все, что я просил, да еще и повторял раз за разом, в общем, работал упорно. Очень приятно, что есть еще такие артисты. Потому что и мы были такими. И когда смотришь на нынешнюю балетную молодежь, которая, к сожалению, не всегда отдает себя всецело сцене, во имя миссии, мне печально. Если уж ты пришел в театр, то должен выкладываться на 200 процентов. А сцена ведь штука коварная, она высветит как рентген и какой ты артист, и какой человек.

- Вы не задержитесь до конца Нуриевского?

- Увы. У нас в театре скоро премьера балета «Слеза» Дианы Вишневой, также в планах премьера нового балета Ильи Живого. Наш театр, конечно, универсален, хотя позиционирует себя как площадка для современного балета, помимо классики у нас есть и неоклассика (ее много), и модерн.

- А театр имени Мусы Джалиля, по сути, заповедник классики?

- Да, и это очень хорошо! К тому же следует помнить, что Нуриевский - фестиваль именно классического балета. Упрекать в этом театр никак нельзя. И у вас же есть фестиваль современной хореографии «Стейдж платформа» Олега Ивенко. Это замечательный баланс!

- Нурлан, двадцать два года вы отдали театру имени Джалиля. Я помню публикации в «Вечерней Казани» тех лет, мы писали о вас как о молодой звезде, рассчитывая на ваш потенциал. И не ошиблись!

- Я всю молодость отдал театру Джалиля, он мой любимый. Казань - мой родной город, здесь живут очень близкие мне люди, они мои родственные души. И конечно, мне хотелось бы каждому уделить время. Мы встречались с друзьями, и я счастлив, потому что они наполнили меня энергией и любовью. Признаться, покидаю Казань с тоской, я по ней всегда скучаю, потому что это один из самых красивых городов, где живут самые красивые люди.

А вот и еще отличная новость: прекрасный дуэт Джанике и Нурадина в исполнении Андреевой и Ивенко вскоре увидят участники торжественной церемонии вручения ХХХ премии «Душа танца», которая пройдет в Москве 28 мая. Казанские солисты будут представлять Татарский академический государственный театр оперы и балета имени Мусы Джалиля, который удостоен этой премии за фестиваль имени Рудольфа Нуриева как выдающийся культурный проект.

В «Корсаре» японец, кубинец и красавица-казашка с долей татарской крови

В балете «Корсар» А. Адана 19 мая впервые приняли участие ведущие солисты Казахского национального театра оперы и балета им. Абая. Приме казахской балетной труппы Малике Елчибаевой (Медора) 25 лет, в крови высокой статной танцовщицы перемешались казахская, украинская, русская и татарская крови. Малика исполняет в театре все ведущие партии классического репертуара. Ее партнером по сцене в партии Конрада стал уроженец Кубы Нильсон Пенья (обучался в Гаванской школе балета). Рост его составляет 195 сантиметров, и он похож на человека из модельного бизнеса, но это лишь видимость. На самом деле Нильсон полностью отдается балету (а по его же признанию, танцует партии всех принцев, «но это - скучновато»). Кстати, в Казани состоялась его премьера - он впервые исполнил партию Конрада. Нильсон давно женат на русской девушке Алине и основательно пустил корни в Казахстане, у пары двое детей. В партии раба Али выступил молодой и прекрасный Богдан Вербовой.

В партии Гюльнары и Исаака Ланкедема выступили солисты Башкирского театра оперы и балета - прима Ирина Сапожникова и японец Шота Онодэра. Казанская публика также увидела их впервые.

Шота Онодэра бегло говорит на русском, в России он работает уже девять лет и ему 31 год (а не скажешь!). Он очень трудолюбив, в его активе множество важных партий, включая Шута и Золотого Божка. Кстати, Онодэра - победитель в номинации «Лучший партнер» на конкурсе «Арабеск» в Перми. Амбициозный японец явно рассчитывает войти в штат ТАГТОиБ им. М. Джалиля.

Отметим, что единственным казанцем среди исполнителей главных партий в «Корсаре» стал заслуженный артист Татарстана Антон Полодюк (Бирбанто). Он участвует почти во всех фестивальных спектаклях, демонстрируя прекрасную форму, высокую концентрацию внимания и стабильность. Как говорится, наши аплодисменты!

Нуриевский фестиваль продолжится «Лебединым озером» (23 мая), «Баядеркой» (25 мая) и «Дон Кихотом» (27 мая). Также в рамках фестиваля работает параллельная программа, которая состоит из творческих встреч с деятелями хореографического искусств. На встрече с солистом и педагогом Большого театра России, ведущим телепрограммы «Абсолютный слух» заслуженным артистом РФ Геннадием Яниным побывала автор этих строк и вскоре расскажет о ней.

=========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024052107
Тема| Балет, Татарский театр оперы и балета им. Джалиля, Нуриевский фестиваль, Персоналии, Лорка Мясин, Игорь Цвирко, Александра Елагина, Андрей Аниханов
Автор| Марина Гайкович
Заголовок| Российская премьера балета "Грек Зорба" прошла в Казани
Спектакль Лорки Мясина открывал Международный фестиваль имени Нуриева
Где опубликовано| © Независимая газета
Дата публикации| 2024-05-21
Ссылка| https://www.ng.ru/culture/2024-05-21/7_9012_festival.html
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

В Татарском академическом государственном театре оперы и балета имени М. Джалиля проходит XXXVII Международный фестиваль классического балета имени Рудольфа Нуриева. Открылся проект премьерой балета «Грек Зорба» в постановке Лорки Мясина – сына танцовщика и хореографа, звезды Дягилевских «Русских сезонов» Леонида Мясина. На счету Лорки Мясина – более 50 балетов. Самый известный из них, «Грек Зорба», был поставлен около трех десятков раз, в Старом и Новом Свете, Австралии и т.д. Премьеру на знаменитой Арене ди Верона танцевал Владимир Васильев, в котором Мясин, и сам часто исполнявший заглавную партию (более 800 раз, до 69 лет!), по собственному признанию, нашел идеального Зорбу. На премьерном спектакле в Казани блистал артист Большого театра Игорь Цвирко.

В балет вплетен народный шедевр – танец сиртаки, ставший символом Греции. Фото Рамиса Назмиева предоставлено пресс-службой Татарского театра оперы и балета им. М. Джалиля

«Грек Зорба» – интерпретация книги греческого писателя Никоса Казандзакиса, прочитанной Мясиным еще в школьном возрасте. Тогда же он познакомился и с композитором Микисом Теодоракисом, который впоследствии написал музыку и к балету. Но перед тем Теодоракис стал автором музыки к оскароносному фильму «Грек Зорба», создав поистине народный шедевр – танец сиртаки, мгновенно ставший музыкальным и танцевальным символом Греции. Как говорит дирижер-постановщик спектакля Андрей Аниханов, российская премьера «Грека Зорбы» – это событие не только в танцевальном, театральном мире, но и в музыкальном, имея в виду, конечно, исполнение партитуры Теодоракиса, одного из ведущих греческих композиторов XX века.

Многократное повторение сиртаки венчает, разумеется, и балет, доводя зрителя до экстаза. Так, что предшествующие коллизии сюжета стираются, оставляя лишь величие танца, его живительной, жизненной силы. Собственно, и сам Мясин говорит, что этот балет – ода движению, понимай его в буквальном или экзистенциальном смысле. Хотя в балете сохранена сюжетная канва книги, Мясин смягчил многие описанные там события. Пропасть между народом Крита и англичанином заострена у Казандзакиса: кульминацией этого противостояния становится описание казни молодой вдовы, которой за связь с чудаком отрезали голову. В спектакле это красиво решенная сцена, где изображается, как Марину забивают камнями. Но все же противопоставление героев, олицетворяющих аполлоническое и дионисийское начало, сохраняется. Джон, молодой человек с Запада (Вагнер Карвальо), постигает способ проживать жизнь во всей ее полноте у Зорбы. Есть в балете и два женских образа: уже названная Марина (Кристина Андреева) и Мадам Ортанс (Александра Елагина), в прошлом артистка варьете. Любопытно, что при очевидном лидерстве героев-мужчин композитор именно женщин выделил музыкальными средствами и посвятил им песни. В Казани их поют национальные звезды – Эльмира Калимуллина и Алина Шарипжанова. Они появляются в черном на верхнем ярусе, на фоне медленно вращающихся планет. Художник Виктор Герасименко в решении сцены, где огромные кариатиды молча взирают на человеческую жизнь, попытался отразить величие Вечности.

Отметим любопытную деталь, связывающую эту премьеру с именем Рудольфа Нуриева, чье имя носит фестиваль. Лорка Мясин сочинял этот балет на островах Ли Галли в Тирренском море. Этот маленький архипелаг в свое время приобрел его отец, построил здесь виллу и открыл балетную школу. Мечтал построить и театр. Следующим владельцем Ли Галли стал Рудольф Нуриев.

Вместе с балетом «Грек Зорба» в афишу фестиваля вошли классические спектакли с участием солистов ведущих театров России и зарубежья, а также два национальных балета – «Золотая Орда» и «Иакинф». Так, в «Лебедином озере» выступят солисты Большого театра Ева Сергеенкова и Дмитрий Выскубенко. В «Баядерке» зрители увидят ведущих артистов Национальной оперы в Варшаве Чинару Ализаде и Владимира Ярошенко. В балете «Дон Кихот» примут участие солистка Венгерской государственной оперы Диана Косырева, победитель телепроекта «Большой балет» 2024, солист Челябинского театра оперы и балета Кубаныч Шамакеев, артисты Московского Музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко Герман Борсай и Полина Заярная. Завершится форум двумя гала-концертами Театра балета им. Леонида Якобсона.

Казань–Москва

Елена С.

На Большой сцене НОВАТа 29 мая состоится выпускной спектакль Новосибирского государственного хореографического училища. Свои творческие достижения и успехи представят выпускники 2024 года, учащиеся 2–3 классов, студенты I–II курсов.

Программу праздника молодости, таланта и надежд на будущее готовят педагоги: Татьяна Шульгина, Казимир Марданов, Ольга Крупко, с участием педагогов: Татьяны Капустиной, Андрея Беспалова, Анастасии Даниловой, Галины Лапицкой, Елены Мараченковой, Анастасии Лифенцевой, Ангелины Лапердиной, Андрея Шаньшина.

Для Анны Одинцовой, год назад назначенной заместителем директора Новосибирского государственного хореографического училища (НГХУ) по специальному обучению, этот выпускной спектакль будет вторым. Впервые она включилась в подготовку творческого экзамена, когда программа спектакля, традиционно проходящего на Большой сцене НОВАТа, уже была сформирована. Программу этого года педагогический коллектив НГХУ готовил уже совместно с Анной.

В преддверии события Анна Одинцова рассказала, что ожидает участников и зрителей выпускного спектакля.

Какие чувства у вас накануне этого важного события?

Конечно, это всегда большие надежды. Выпускники всегда ожидают, что самое сложное ‒ годы учебы ‒ позади, что их непременно заметят, что уже завтра их ждет прекрасная карьера солистов. Мы, педагоги, конечно, понимаем, что самое сложное только начинается, но тоже надеемся, что у ребят все сложится хорошо и что свой государственный экзамен ‒ а выпускной спектакль и является экзаменом ‒ они сдадут успешно. Мы старательно готовились к этому празднику целый год, и я наблюдала, как день ото дня подход наших ребят к профессии артиста балета становится все более осознанным, как они меняются, взрослеют. А ведь всего год назад, когда они учились на втором курсе, это были совсем еще дети!

В дальнейшем, возможно, мы будем готовить либо целый спектакль к выпуску, либо по акту, но в этом году решили выбрать форму гала-концерта, чтобы показать как можно больше номеров, задействовать больше участников и продемонстрировать их творческий потенциал.

В этом году у ваших учащихся и студентов была возможность опробовать сцену, участвуя в спектаклях театра?

Такая возможность была. Наши учащиеся заняты в спектакле «Анюта», танцевали в «Оживленном саду» в недавней премьере балета «Корсар», куклу-Щелкунчика в «Щелкунчике» в постановке Юрия Григоровича также каждый раз танцуют наши ученицы, в апреле наши дети вновь танцевали в любимом всеми «Щелкунчике» в хореографии Василия Вайнонена. Но всегда хочется, чтобы у наших ребят было больше сценической практики. И в этом плане было бы хорошо иметь в текущем репертуаре театра балет, в котором заняты и самые юные наши учащиеся, и студенты старших курсов, как, например, «Класс-концерт». Хочется надеяться, что кроме нашего выпускного спектакля-экзамена, на котором мы оцениваем работы наших выпускников, театр предоставит возможность в течение года организовать гала-концерт, в котором наши дети могли бы выйти на сцену вместе со звездами, когда-то окончившими наше училище. Ведь очень важно, чтобы ребята не только видели, к чему нужно стремиться в профессии, но и чувствовали свою причастность к чему-то большому и важному ‒ к театру, к искусству балета, к нашему великому наследию.

Расскажите о программе вечера.

В этом году у нас преимущественно классическая программа, ее можно даже назвать дворцовой. Мы решили сделать акцент на балетной классике, представить школу именно с этой стороны, показав, как учащиеся и студенты владеют техническим арсеналом классического сольного и дуэтного танца. Поэтому программу составили номера классического наследия: фрагмент балета «Фестиваль цветов в Дженцано», па-де-де Голубой птицы и принцессы Флорины из балета «Спящая красавица», дуэт Марии и Вацлава из «Бахчисарайского фонтана», танцы из балетов «Весталка», «Щелкунчик», «Пламя Парижа», «Медный всадник», а завершать один из актов будет Венецианский карнавал из балета «Сатанилла». Давно не показывали эти интересные и красивые номера, думаю, зрители их оценят. Второе отделение поддержит классическую направленность программы. Это будет дивертисмент из балета «Коппелия» в хореографии Сергея Геннадьевича Вихарева. Добавить его хореографию было моей идеей, которую коллеги поддержали. Поскольку Сергей Геннадьевич оставил заметный след в истории новосибирского балета, а кроме того, сыграл важную роль не только в моей карьере, но и многих моих коллег по новосибирской сцене, мы решили отдать дань уважения этому мастеру. Выдающийся педагог-хореограф, истинный знаток классического наследия, был главным балетмейстером нашего театра. Он известен своими возобновлениями исторических балетных спектаклей, в том числе постановкой «Коппелии» на сцене нашего театра.

Огромную помощь в оформлении спектакля нам оказывает художественно-постановочная часть театра, за что мы им очень благодарны; а известный художник Вадим Дуленко создает для оформления нашего концерта очень красивые проекции.

Поскольку с момента основания НГХУ ‒ кузница кадров Новосибирского театра оперы и балета, а вы возглавляете балетную труппу театра, расскажите, выпускников этого года зрителям ждать на сцене НОВАТа?

Да, конечно. Предварительно могу сказать, что в труппу театра готовятся прийти три девушки и трое наших юношей. Ребята уже взрослые, сами принимают решение о своем будущем, выбирают, где работать. Некоторые приняли приглашения уехать в Москву, в Петербург, во Владивосток.

Ваше напутствие выпускникам.

Я хочу пожелать вам, дорогие ребята, успешного выступления в концерте. Это еще один выпускной экзамен, за который вы получите оценки, можно сказать, это последний госэкзамен для вас и ваших педагогов. Нужно не расслабляться, собраться и выдать все, чему вас учили последние восемь лет. А в дальнейшем я хочу вам пожелать успешной артистической карьеры, какое бы направление в профессии вы ни выбрали. А если кто-то не чувствует призвания в профессии артиста балета, пусть удачно сложится ваш дальнейший путь в другой выбранной вами сфере. Конечно же, желаю крепкого здоровья, счастья! И пусть сбудутся все ваши самые смелые мечты и надежды!

Выпускной спектакль НГХУ на Большой сцене НОВАТа ‒ 29 мая в 19:00.

==================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024052202
Тема| Балет, Балетная труппа Монте-Карло, Персоналии, Жан-Кристоф Майо
Автор| корр. Hello Monaco
Заголовок| Words of Wisdom in Monaco with Jean-Christophe Maillot //
Интервью с Жаном-Кристофом Майо
Где опубликовано| © Hello Monaco
Дата публикации| 2024-05-13 (перевод 2024-05-17)
Ссылка | https://www.hellomonaco.com/wow/words-of-wisdom-in-monaco-with-jean-christophe-maillot/
Перевод | https://teletype.in/@balletstories/X7ey7teAR-g
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

A charismatic dancer in his first life, Jean-Christophe Maillot has flourished in choreography. Photo credit: Alice Blangero

Художественный руководитель балетной труппы Монте-Карло Жан-Кристоф Майо занят созданием спектаклей. По его словам их стиль отличается от постановок других хореографов. Майо удивляет умением сочетать классический танец и современную хореографию. Даже в период отрицания академического балета Майо твёрдо придерживался убеждения, что именно классическая техника помогает танцовщику быть универсальным. Добрые старые классические балеты не должны быть забыты. Только в начале 1990-х, когда принцесса Каролина пригласила Майо возглавить труппу Монте-Карло, он нашёл команду единомышленников, с которыми он смог воплотить в жизнь свои творческие идеи. Поэтому он справедливо называет Монако страной, в которой ему удалось создать то, о чём в других местах он не мог даже мечтать.

"Истинный гений без сердца - ничто... Любовь! Любовь! В этом суть души гения", писал в своё время Моцарт. Его слова отлично описывают руководителя балета Монте-Карло. По словам Майо, он не может работать с незнакомцами и считает хореографию искусством взаимодействия. Артисты труппы - члены его семьи. Он даже открыл специальный Центр здоровья, который помогает им справляться с травмами, которые танцовщики рискуют получить.
По этому принципу Майо выбирает людей, с которыми сотрудничает. Так он пригласил художника-граффитиста Эрнеста Пиньон-Эрнеста создать сценографию для нескольких его балетов. "Я не могу ничего делать в одиночку. Это работа команды". В его труппе танцовщики самых разных национальностей и всем предоставлены равные шансы. "В моей труппе все танцовщики потенциально могут быть солистами". Уже более 30 лет он пестует в Монако искусство взамодействия.

Вы несовместимы с ярлыками и вас сложно поместить в какую-то категорию. Вам это нравится?

Мне нравится определение, данное Розеллой Хайтауэр, научившей меня танцу. Я довольно скептически отношусь к идее, что если вы пылко увлечены одной формой искусства, то будете снисходительно относиться к другим. Моё художественное становление прошло под руководством Розеллы. Она одинаково ценила великий классический репертуар, такой как, например, "Лебединое озеро", и сверхсовременные постановки Доминика Багуэ. Одним из источников вдохновения для меня является отец, художник и сценограф, которого окружали художники, придерживавшиеся разных творческих убеждений.

Как вы определяете своё место между классикой и современным танцем?

Меня привлекают все имеющиеся возможности. У меня никогда не было радикального видения какой-либо конкретной художественной формы. Я спокойно могу посмотреть голливудский блокбастер, а через пару часов что-нибудь артхаусное. Поэтому моя хореография находится в несколько странном положении. Она не является результатом какого-то конкретного художественного движения и одновременно никакое движение не породила.

Тем не менее есть стиль Майо.

Стиль Майо (мне нужно постареть, чтобы спокойно это произнести), возможно, заключается в моей убеждённости, что хореограф не писатель и не художник. Суть хореографии в том, чтобы быть катализатором искусства общения. Моя работа не может быть выполнена, если она не пропущена через других. Я не могу быть хореографом у себя дома, это невозможно. Мне нужны люди, чтобы я мог передать свои мысли. Кроме того, мне нужно музыкальное пространство, мне нужны музыканты вокруг. И мне нужна определённая эстетика на сцене, поэтому я предпочитаю работать с художниками. Эта идентичность довольно очевидна. Зрителям могут нравиться или не нравиться мои спектакли, но им сложно выделить отдельные элементы, сказав, что понравился, например, танец, но не костюмы или сценография. Это единое целое, это своего рода моя подпись. Конечно, замысел балета возникает в голове одного человека, но его артистическое эго должно умолкнуть ради работы, которая выполняется командой.

Танцовщикам сложно это сделать, учитывая сколько сил им приходится прикладывать...
На мой взгляд, танцовщики - единственные, кому дано переступить через созданное мною. Я уже не могу вмешаться, когда поднимается занавес. Это уже не принадлежит мне. Поэтому так важно установить доверие. Поэтому - и это отличает меня от других - я не тот хореограф, который ставит для других балетных компаний. Я не могу работать с людьми, которых не знаю. Здесь всё дело в слаженности. Я часто говорю, что это не столько о хореографии, сколько о том, с кем я работаю. Это напоминает готовку. Мне важен вкус блюда. Моя мама потрясающе готовила. Однако, иногда визуальная составляющая начинает на кухне превалировать над всем остальным. Скажу откровенно, что нет ничего вкуснее куска ветчины и картофельной запеканки. С танцем то же самое. Когда в спектакль добавляют слишком много элементов, чтобы усилить впечатление, создаваемое нами маленькое чудо - хореографический текст в чистом его виде - исчезает. Для меня самый лучший момент - это последнее вращение за кулисами, вне сцены, без костюмов, без света. Своим поведением на сцене танцовщик может сказать очень многое.

В наше время в спектакли часто добавляют видеоэлементы. Как вы к этому относитесь?

Видеоряд очень отвлекает внимание! И довольно насильственным образом. Видео я использую очень точечно. Это как парфюм, который может скрывать посредственность.

Что, на ваш взгляд, нужно сохранить из академического наследия?

Сегодня классическая техника понемногу уходит в прошлое по причине своей бескомпромиссности. У неё чрезвычайно строгие критерии, которые не соответствуют духу времени. Для неё требуются идеальное тело, хорошая гибкость, длинные руки, длинные ноги. Так же и оперные певцы, которые не могут выступать, если их голосовые данные не соответствуют требованиям. Я, однако, считаю для себя необходимым придерживаться традиций академического танца. Я считаю, что правильно обученный классический танцовщик с современным видением всегда будет востребован. Обратное уже намного сложнее. Для меня смысл в том, чтобы увидеть, как использование техники классического танца в современных условиях может нас обогатить.

Можем ли мы сказать, что классика это что-то воздушное, а контемпорари - больше земное?

Абсолютно. Классический танец бросает вызов гравитации, тогда как современный использует её. В классической традиции есть нечто эфемерное, классический танец стремится преодолеть гравитацию, продемонстрировать внешнее отсутствие усилий. Современный танец в какой-то степени подчёркивает телесность и насилие реальности. Мне нравится думать, что мои работы это идиллическое сочетание обоих элементов. Это напоминает политику. В центре, если вдуматься, должно быть идеальное равновесие. Но при этом нам это не нравится, потому что его сложно чётко идентифицировать. Поэтому я в некотором смысле одинок, я веду эту борьбу уже очень давно. Я начинал во Франции в 1983 году, на пике популярности современного танца. Надо сказать, что защита академических традиций дорогого мне тогда стоила. Я страдал, чувствовал себя потерянным... Я должен был приехать в Монако, чтобы здесь найти свою вселенную пуантных танцовщиков. И принцесса Каролина правильно сказала: "Мы должны уметь доставлять удовольствие, не пытаясь угодить". Я считаю, что балет Монте-Карло именно это и делает. Я считаю себя своего рода терапевтом. С одной стороны есть исследователи, с другой - практикующие специалисты, которые применяют лекарства, придуманные первыми. Так я вижу себя. Возможно, я ничего не изобрёл, но последние 40 лет людям нравится то, что я ставлю.

Вы начинали как танцовщик. Вам было тяжело, когда пришлось прервать карьеру? Колено можно восстановить.

Это чувствительная тема... Да, я мог восстановить колено. Я был очень хорошим танцовщиком, довольно одарённым. Но у меня не было ни смелости, ни сил, чтобы продолжать карьеру. Для этого нужно невероятное упорство. Я всегда говорю, что восхищаюсь даже самыми плохими танцовщиками. В конечном итоге травма обернулась для меня благом. Я начал учиться в консерватории в Туре в возрасте 7 лет. Я не мог сказать родителям, которые многим пожертвовали ради этого обучения, что бросаю. Когда я сломал колено, я понял, что на самом деле мне нравится руководить балетной труппой. Иметь рядом людей, с которыми можно делать великие вещи. И быть тем, кто таких людей выбирает.

Был какой-нибудь особенный момент в вашей карьере?

Всё изменилось, когда ушёл отец. Он был моим наставником, я не делал ничего, не спросив его совета. Я проецировал себя на него. Когда он скончался, вектор моей деятельности сместился, я приехал в Монако. В то время, в 1992 году, я ставил "Дитя и волшебство", прежний руководитель ушёл в отставку, на тот момент я был уже знаком с принцессой Каролиной. Монако для меня идеальное место. Это маленькое государство, довольно изолированное, но хорошо функционирующее. Кроме того, мы создали фантастический проект "F(ê)aites de la danse" ("Давайте танцевать"), который поощряет всех заниматься танцами. В Монако я сам по себе. Поэтому моя задача показать здесь лучшее, что есть в танце.

Ещё одна болезненная тема - окончание карьеры ваших артистов...

Давайте не будем об этом! С каждым годом мне всё больнее говорить кому-то, что пришло его время уйти. Это так жестоко! К сожалению, в районе сорока лет это неизбежно. У хореографов та же самая проблема: на репетициях я больше не могу показывать те балетные па, которые мне легко давались двадцать лет назад. К счастью, у меня есть Бернис Коппьетер, которая делает это за меня. Я все-таки не хочу упрощать хореографию своих постановок, к тому же у нас в репертуаре есть несколько великих балетов, рассчитанных на двадцатилетних танцовщиков.

Наносит ли балет ущерб здоровью?

Конечно. В балете без травм никуда. С другой стороны, регулярная танцевальная практика поддерживает динамику и координацию тела. А еще весьма впечатляющие мыслительные способности! Однако если говорить о профессионалах, то с определенного возраста всем восстанавливаться непросто.

Все знают о железной дисциплине в балете. Молодежь всё еще к этому готова?

Танец требует семи часов практики шесть дней в неделю. Это сильнейшая зависимость. То же самое можно сказать о спорте. За великим успехом всегда стоит феноменальный труд. Никого не смущает то, что ради красивого пресса люди по четыре часа проводят в тренажерном зале. При этом профессиональные занятия классическим танцем вдруг почему-то стали считаться аморальными! Мы специально создали оздоровительный центр для того, чтобы поддерживать в наилучшей форме каждого участника нашей труппы. Но в балете действительно особые требования. На протяжении танцевальной карьеры мы активно используем те мышцы, которые иначе бы никогда не использовались. Это непросто, поскольку танец — это нечто навязанное извне, не органичное для тела.

Где мы сейчас в плане весовой категории? Некоторое время назад граничили чуть ли не с анорексией...

Мы не можем себе представить "Лебединое озеро" с 32 танцовщицами пышных форм. Тем не менее, сейчас компании внимательно следят за тем, чтобы не удариться в крайности. Мои требования соответствуют эстетическим стандартам.

Нужно ли быть красивым, чтобы танцевать?

Это помогает... Всё зависит от репертуара. В моей труппе 50 артистов 22 национальностей. Я всегда нанимаю танцовщиков по двум критериям. Первый - их физическое и техническое соответствие моим ожиданиям как хореографа. Второй, более важный, - готовность взаимодействовать и уважать друга друга внутри труппы. Преданность, сдержанность, готовность принять различия - это ключевые вещи. Речь идёт о том, чтобы они приняли идеалы нашей труппы и смогли временно отложить в сторону собственное эго. Чаще всего кордебалет существует, чтобы оттенять собой звёзд. Для меня это невыносимо. В каком-то смысле с одной стороны есть люди, с другой - артисты. Я же пытаюсь создать группу солистов, которые помогают друг другу. Все танцовщики потенциально могут быть солистами, а примы за одну ночь могут оказаться в кордебалете.

Похоже, вы привносите дух социализма в княжество...

Что-то вроде того. Однажды принцесса Каролина пошутила в ответ на вопрос, почему она выбрала именно меня: "Я бы не смогла нанять руководителя, с которым не могла бы выпить после спектакля". Человечность - вот что самое главное. Вещь, объединяющая нас всех, это общая цель.

Какими качествами должна обладать танцовщица, чтобы стать примой?

Прежде всего это неизменное самопожертвование, полная отдача делу. Идти дальше, не дожидаясь, когда тебя об этом попросят. Это также развитие тех способностей, которыми тебя одарила природа. Наконец, это харизма, которая, на мой взгляд, во многом связана с душевной щедростью. Мне редко доводилось встречать великих танцовщиков, которые бы не испытывали искреннего удовольствия от одаривания других результатами проявленной к себе строгости.

Можете рассказать о будущих проектах?

Я не мыслю проектами. Я здесь уже 31 год, что в каком-то смысле соответствует 31 году жизни. В начале каждого сезона я обозначаю цели. В репертуаре появляются новые балеты, уходят одни танцовщики, приходят другие. Меня ужасает мысль о панировании на 2 или 3 года вперёд! Я могу быть очень впечатлительным, я не опираюсь только на какую-то одну постановку. Это большая удача. Я могу думать, например, о следующем декабре. В других труппах планируют уже на 2026 - 2027 годы... В Ла Скала я встретил Ратманского и пригласил его приехать к нам в следующем году. Мне нравятся такие встречи, которые дают новые возможности.

В следующем сентябре планируется выход книги. Они хотят написать книгу о моей работе. Я решил рассказать обо всём, что мы сделали в Монако. Таким образом, это будет книга о вселенной балетов Монте-Карло, с красивой обложкой, созданной Эрнестом Пиньон-Эрнестом.

Следующее творение Майо?

Творение Майо будет, но ещё не знаю, какое именно. У меня есть несколько идей. Это уже на следующий сезон.

У вас есть мечта?

Я бы хотел снять фильм без слов. В какой-то степени переосмыслить немое кино менее гротескным образом. Представьте, что вы можете сказать что угодно с помощью тела. Движение всегда является следствием мысли. Всё будет поставлено в естественной обстановке. Мне нужен кто-то, чтобы вдохновить меня. Это придёт...

=========================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ https://www.hellomonaco.com/wow/words-of-wisdom-in-monaco-with-jean-christophe-maillot/

Елена С.

Номер ссылки| 2024052203
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Светлана Захарова
Автор| Татьяна Уланова
Заголовок| «Все завертелось!» Светлана Захарова — о дочке и отмене гастролей в Сеуле
Где опубликовано| © Еженедельник "Аргументы и Факты" № 21.
Дата публикации| 2024-05-22
Ссылка | https://aif.ru/culture/person/-vse-zavertelos-svetlana-zaharova-o-dochke-i-otmene-gastroley-v-seule
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

«В последнее время по разным причинам я больше времени провожу в Москве. Зарубежных гастролей практически нет. И я открываю для себя Россию», — призналась прима-балерина Большого театра Светлана Захарова, с которой журналист aif.ru пообщалась после премьеры спектакля «Ромео и Джульетта».

«Пол вожу с собой»

Татьяна Уланова, aif.ru: Светлана, Большой театр восстановил легендарный балет 1940 года Леонида Лавровского. Значит ли это, что зритель увидел постановку 80-летней давности?

Светлана Захарова: Этот спектакль не однажды уходил со сцены Большого театра и возвращался... Когда я служила в Мариинском театре, «Ромео и Джульетту» приезжала ставить легендарная Галина Сергеевна Уланова, первая исполнительница партии Джульетты. В Большом театре работал внушительный состав репетиторов, которые в свое время исполняли разные партии в этом спектакле, во главе с выдающимся танцовщиком Михаилом Леонидовичем Лавровским. Впервые роль Джульетты мне посчастливилось исполнить на сцене Мариинского театра. И вот спустя долгое время я вновь вышла в легендарном спектакле — на любимой сцене Большого театра. Не могу сказать, что это была для меня премьера, но многие моменты, нюансы, я, конечно, сейчас чувствую и понимаю иначе, нежели в то время. Поэтому очень тщательно и трепетно отнеслась к возобновлению спектакля и к возвращению одной из моих любимых ролей в свой репертуар.

— Спектакль получился роскошный. Но почему после апреля следующий показ только в июле?

— Спектакль действительно роскошный. Декорации и костюмы были воссозданы по первоначальным эскизам. И их масштабы впечатляют. Премьера прошла с огромным успехом, и руководством балета было принято правильное решение завершить сезон именно этой постановкой, хотя, насколько мне известно, в плане стояли другие спектакли.

— На ваши выступления в Москве — всегда «солд аут»...

— В последнее время я гораздо больше времени провожу в Москве. Гораздо чаще меня можно увидеть на сцене Большого театра, нежели раньше. Но, наверное, всё же этого недостаточно, поэтому всегда ажиотаж вокруг моих спектаклей. За прошлые два года гастрольный график и география поездок очень поменялись, я открываю для себя Россию, уже побывала во многих городах с выступлениями. И увидела две грани этих путешествий. Первая — в нашей стране потрясающие зрители, любители балета, ценители высокого искусства. Благодарные и невероятно отзывчивые люди. Второе — катастрофически не хватает хороших концертных залов с профессиональным оборудованием, с хорошим качественным покрытием пола на сцене и т.д. Чтобы провести спектакли на высоком уровне, с собой везем не только костюмы, но и порой техническое оборудование и даже балетный пол, аналогичный тому, что лежит во всех залах Большого театра. Это специальный пол, состоящий из щитов, которые собираются на месте. Он амортизирует, и его можно класть на любую неровную или жесткую поверхность, например, на бетон. Эта необходимая вещь, которая сохраняет здоровье артистов.

Не люблю сравнивать, но, к примеру, в маленькой Японии даже в самых малонаселенных городах обязательно стоит прекрасный концертный зал. В котором даже нет своей домашней труппы, но главное — там можно показать любой большой спектакль, симфонический или камерный концерт.

— Часто приходится отказывать российским организаторам?

— Нечасто. Стараюсь выходить из сложной ситуации. Приятно осознавать, что в некоторых городах России уже началось строительство больших концертных комплексов и театров. Возведен театр оперы и балета во Владивостоке, идет строительство в Севастополе, Кемерове, Калининграде, на федеральной территории Сириус. Но возведение театра, ввод в эксплуатацию — небыстрый процесс. А хочется уже сейчас выступать на новых красивых сценах России. Пока в моих планах — открыть в ближайшее время новый концертный зал в Пекине.

— Гастроли в Китае? Значит, не все так плохо?

— Я и не говорю, что все плохо. Работы много, иногда не хватает 24 часов в сутки, чтобы все успеть организовать, отрепетировать, планов и проектов много. Из-за пандемии были заморожены некоторые гастроли, сейчас все быстро восстанавливается. И вот на горизонте Шанхай и Пекин.

Да, в Пекине представлю проект «MODANSE» в современном, совершенно новом концертном зале. В Шанхае это будет знаменитый Гранд Театр, где раньше я уже танцевала. Там мы с мужем (скрипач Вадим Репин. — прим. ред.) представим нашу любимую совместную программу «Па-де-де на пальцах и для пальцев».

«Они наказали своих же зрителей»

— В апреле у вас отменились гастроли в Сеуле. Что испытали вы, женщина, родившаяся на Украине, узнав, что инициатором отмены выступило посольство этой страны?

— С одной стороны, было обидно и неприятно. С другой... Знаете, в тот момент я подумала: ну, а кого они наказали? Не меня — точно! Наказаны зрители, которые ждали меня, корейские организаторы, вложившие много сил, времени и средств на организацию этих гастролей, которые четыре года переносились, начиная с пандемии. И вот теперь, за месяц до моего приезда, когда уже было продано 80% билетов на все четыре концерта, люди всё же решили пойти на такой гадкий поступок. Организаторы гастролей с корейской стороны делали все возможное, чтобы спасти ситуацию. Но министерство культуры Кореи приняло решение об отмене, и люди начали сдавать билеты.

— С вами впервые такая некрасивая ситуация?

— Нет. Сразу после начала СВО театр Ла Скала отменил все мои выступления. От дирекции театра я получила письмо: «В связи с ситуацией в мире мы считаем, что сейчас вам лучше не приезжать». Кратко, корректно.

— Притом, что вы этуаль Ла Скала.

— Уже нет. Но продолжаю любить этот дорогой моему сердцу великий театр. Я там очень много танцевала, проводила много месяцев, разучивая новые постановки. Я там была счастлива. Ла Скала для меня — как родной человек, которого ты любишь и простишь всё. Дадут возможность снова там выступать — приеду с огромным трепетом. Да и в Корею поеду, конечно, как только будет возможность. Я зла не держу. И там, и там — мои любящие зрители.

— В интервью aif.ru Вадим признался, что очень трепетно относится к «Па-де-де на пальцах и для пальцев», потому что вы вдвоем на сцене. А вам легко было приноровиться к совместному существованию в одном проекте, все-таки вы из разных профессий, хотя и нашли, как их объединить...

— Мне очень легко работать с мужем. Вадим — гениальный скрипач, невероятно внимательный и чуткий! Стоит ему услышать темп, который мне необходим для исполнения хореографии, один раз сыграть его, — и больше повторять не надо. Я даже в шутку советую ему дирижировать балеты. Настолько прекрасная музыкальная память! Он также запоминает танцевальные движения, следит за мной, даже когда сам играет, и точно знает, когда я закончу пируэт... Только профессионал-дирижер на такое способен. Я всегда наслаждаюсь его блестящим исполнением и вдохновляюсь.

«Пандемия научила жить здесь и сейчас»

— С вашей дочерью у вас могло быть трио на сцене. Не обидно, что Аня не пошла в балет?

— Обидно. Но она выбрала другой путь. Сейчас ей уже 13, она состоит в юниорской сборной России по художественной гимнастике... Анюту я отдала в спорт для развития физических данных. Также она ходила в художественную школу, рисовала, занималась в разных кружках, в том числе, гимнастикой. Начались соревнования, первые медали, сборы, она все больше втягивалась в спортивную жизнь. А когда пришел момент поступать в хореографическое училище, Аня сказала: «Я уже спортсменка». К счастью, балет она любит и смотрит все мои спектакли.

— Балет — нелегкое искусство. А профессиональный спорт — это совсем не про здоровье...

— Да, но детям нравится. В плане здоровья я подсказываю и помогаю дочке всем, чему научилась за годы карьеры в балете. Сама в детстве не знала и не понимала, как следить за телом, мышцами, как улучшить здоровье. Этому, к сожалению, в школе не учат, я пришла к пониманию уже взрослой. Спина устает, ноги устают. А когда накапливается усталость, могут возникнуть травмы. Поэтому массажи, физиопроцедуры, расслабляющие ванны — это все нужно делать регулярно.

— Но у всех балерин с возрастом неизбежно возникают проблемы с суставами?

— Нет, у всех по-разному. У кого-то они начинаются еще в школе, у кого-то в театре, у кого-то — после окончания карьеры. Все индивидуально. И предсказать невозможно.

— Помимо балета у вас много параллельных проектов: телепрограммы «Большой балет», «Большие и маленькие», благотворительный фестиваль «Светлана», фестиваль «Бенуа де ла данс».

— Да, все верно. И ещё большая нагрузка в образовательном центре «Сириус» — там я являюсь художественным руководителем хореографического направления. Много сил и времени отнимает международный фестиваль «Бенуа де ла Данс». Несколько лет назад я возглавила его и стала не только художественным руководителем, но и председателем жюри. Мне интересно делать что-то новое, пробовать себя в неожиданных проектах.

— Вы общались с легендами нашего балета. С Васильевым танцевали на открытии Олимпиады в Сочи. Плисецкая выбрала вас для своего юбилея, который, к сожалению, стал концертом в память о ней...

— Майя Михайловна — легенда, я ей очень благодарна за спектакль «Кармен-Сюита». Именно благодаря ей он родился на свет, и я сейчас могу исполнять роль Кармен. Правда, мы почти не репетировали вместе. Это был один или два дня перед моей премьерой, когда она пришла на репетицию. Сделала несколько интересных пожеланий и всё. Но тогда как раз приезжал Альберто Алонсо, хореограф спектакля «Кармен-сюита» (он его потом ставил на Кубе для Алисии Алонсо), и Майя Михайловна сказала: «Мне трудно тебе что-то подсказать — ты танцуешь другой спектакль». И это действительно так. Альберто Алонсо показал мне версию балета, которую танцевала гениальная Алиса Алонсо. Она очень отличается от московской.

— С Макаровой было более плотное общение?

— С Натальей Романовной я репетировала «Лебединое озеро», когда она его ставила в оперном театре Рио-де-Жанейро. Удивительная женщина! Работать с ней одно удовольствие, было очень интересно! Она меня очень полюбила и открыла интересные моменты в белом Лебеде. Было время, когда мы много общались, часто созванивались. Я была у нее дома в Лондоне.

— Каждый из мастеров чему-то научил вас в профессиональном плане. А в человеческом?

— Они все очень разные. Кто-то более открытый и жаждал помочь. Другие передавали знания более сдержанно. А человеческие уроки... Жизнь каждый день их преподносит. Копировать же кого-то — не в моих правилах.

— По-моему, Николай Цискаридзе сказал, что вы никогда никому не подражаете. И ни на кого не похожи.

— Стараюсь. Я всегда уважала коллег, которые что-то делают — великих и невеликих. Потому что труд балетного артиста тяжелый.

— Будущее не пугает вас?

— Не думаю о нем. Пандемия научила надолго не планировать. И просто жить — здесь и сейчас. Тот период очень тяжело дался мне, остановился весь творческий процесс. И вот наконец все опять завертелось, пришли новые идеи. Пока — стадия формирования, но надеюсь, все получится.

Елена С.

Номер ссылки| 2024052204
Тема| Балет, Татарский театр оперы и балета им. Джалиля, Нуриевский фестиваль, Персоналии, Ирина Сапожникова, Нельсон Пенья, Малика Ельчибаева, Шота Онодэра, Богдан Вербовой
Автор| Анастасия Попова
Заголовок| «Балет мигрантов»: кто и зачем танцевал в Казани «Корсара»?
Где опубликовано| © «БИЗНЕС Online»
Дата публикации| 2024-05-22
Ссылка| https://www.business-gazeta.ru/article/633846
Аннотация| Фестиваль

Спорным подбором солистов на фестивальном спектакле ТАГТОиБ решал политические задачи, но не художественные. Часть 4-я

Неожиданным составом удивил на Нуриевском фестивале «Корсар». Кубинцы, японцы, казахи из не самых именитых балетных трупп представили в столице РТ шедевр Петипа, причем по итогу всех прочих перетанцевала Ирина Сапожникова из Уфы. Так остросюжетный балет по мотивам поэмы Байрона в редакции шефа местной труппы Владимира Яковлева приобрел необычную инклюзивность, но лишился необходимого масштаба. Подробности — в материале «БИЗНЕС Online».

Неожиданным составом удивил на Нуриевском фестивале «Корсар»

Слабое звено

«Корсар» в программе текущего форума, пожалуй, самое уязвимое звено, впрочем, как и во всей балетной афише театра им. Джалиля. Скромный (читай: куцый) спектакль в Казани далек от масштабного творения Мариуса Петипа, Адольфа Адана и еще пяти композиторов, чья музыка обогащала спектакль еще долгие годы после премьеры в 1856-м. Романтический гранд балет с кораблекрушениями, странствиями, похищениями, ярмарками и придворными торжествами здесь похож на неудавшийся блокбастер, которому не хватило бюджета и креативности режиссера в лице главы казанской труппы Владимира Яковлева.

Как иначе объяснить блеклую компьютерную графику Дмитрия Шамова, иллюстрирующую гибель пиратского судна? Полупустой восточный базар, где страдают заморские красавицы? Поредевший «Оживленный сад», где вместо 68 роз танцуют 26 (включая двух солисток)? А также картонные скалы, потрепанные ковры, камерные покои Сеид-паши (на сайте ТАГТОиБ из списка авторов исчез художник спектакля киевлянин Андрей Злобин) и лишившиеся женской тайны невольницы из кордебалета? Впрочем, все это уже отмечалось рецензентом на прошлом форуме и ожидаемо осталось неизменным.

Зато в этом году фестивальный «Корсар» оброс пикантными «подробностями». Например, трюками ведущего, 56-летнего Геннадия Янина, который в начале вечера вдруг примерил на себя роль примы-балерины. Под овации зала он скрутил серию фуэте и хотя звезду петербургского «Корсара» Пьерину Леньяни не перетанцевал (вместо 32 вращений, сочиненных для нее Петипа, сделал 7), очевидно, что ветеран Большого театра в прекрасной форме. Огорчает другое: на форум его позвали в качестве ведущего, а для этой роли нужны другие навыки, а именно — грамотная речь и умение облечь ее в художественную форму. Ни того ни другого господин Янин с его шаблонными суждениями о романтизме и звуками-паразитами пока не обнаружил. Конферанс от именитого солиста затянул вечер, но блеска ему не добавил.

Корсара с немецким именем Конрад в Казани представил кубинец Нельсон Пенья, его подругу-гречанку Медору — казашка Малика Ельчибаева

Интернационал по-казански
Однако скучать публике не пришлось: за «огонек» в минувшее воскресенье отвечал интернациональный состав солистов, пожалуй, по-своему уникальный для «Корсара». В нем сложно узнать руку опытного кастинг-директора форума Айдара Шайдуллина, который накануне собрал в «Спящей красавице» дрим-тим из двух российских столиц. Перечень же солистов «Корсара» удивит даже неискушенных балетоманов, прежде всего своей географией.

Корсара с немецким именем Конрад в Казани представил кубинец Нельсон Пенья, его подругу-гречанку Медору — казашка Малика Ельчибаева (пара приехала из Казахского театра им. Абая). Земляка Медоры работорговца Ланкедема — японец Шота Онодэра (правда, жестами в стиле «ай, какой дэвушка» солист Башкирского театра оперы и балета больше похож на грузина). Такой состав нагружает сюжет ненужными ассоциациями и создает эстетический диссонанс. Для жителя Средней Волги фестивальный «Корсар» действительно выглядит как «балет мигрантов», а чувственные дуэты влюбленных могут вызвать вопросы у приверженцев ислама.

Впрочем, сегодня это не так важно, как, скажем, на премьере «Агона» в 1950-х — тогда па-де-де Баланчина, где «черный» мужчина касался «белой» женщины, казалось преступлением. Сейчас, как показывает практика, можно все, если есть высокий художественный результат. Однако это не про нынешний казанский спектакль. На главный «Корсар» года в столицу РТ прибыли солисты из стран «третьего мира» (разумеется, по меркам балета). Возможно, для руководства ТАГТОиБ это удачный политический ход по укреплению связи с дружественными державами, но конкретный спектакль он лишил «корней». А именно — ярких, техничных танцовщиков, на которых Петипа ставил театральную хореографию спектакля.

«Главный злодей» казанского балета Антон Полодюк

С небес на землю
Для Конрада-Пеньи она лишь набор стерильных па: их кубинец вызубрил как неправильные глаголы и показал публике. Это огорчает, внешне жгучий брюнет созвучен пылкому пирату и имеет все данные условного балетного принца: высокий рост, длинные конечности и белоснежную улыбку. Однако дары природы из-за недостатка школы солист почти не использует. Рельефные позы в пиратском гроте, презентующие линии тела, проглатывает. Масштабные жете, сражающие Медору с первого прыжка, мельчит. Говорящую пантомиму, отваживающую Сеида-пашу (Артем Белов), лишает знаков препинания.

Не блещет кубинец опытом и в дуэтном танце: в любовном па-де-де он не возносит партнершу к небесам, а стремится скорее вернуть ее на землю. Благо здесь ему приходит на помощь раб Али (Богдан Вербовой): коллега Пеньи не блещет фактурой, зато знает, как выигрышно «подкрутить» даму или пронести ее над сценой. Неплох молодой дипломант фестиваля «Бенуа де ла Данс» и в энергичной пластике рук, которой спасает Конрада от корсара Бирбанто. Его по традиции станцевал «главный злодей» казанского балета Антон Полодюк.

Ельчибаева-Медора традиционно музыкальна: венцом ее презентации стали лирические адажио с трепетными арабесками и выразительными эпольманами. Но боевой гречанке нужна еще виртуозная работа ног, которую солистка демонстрирует крайне локально. Ее пробежки и вращения искрятся в первом соло на берегах Средиземного моря, но вянут в «Оживленном саду». А серией фуэте в гроте танцовщица омрачила предыдущий блестящий перформанс господина Янина: во время вращений на «пятачке» она сошла «с точки», сместившись на полсцены вперед.

Наблюдать это удивительно, ведь два года назад на московском балетном конкурсе в Большом театре Ельчибаева завоевала «серебро», а сейчас носит статус ведущей балерины КазНТОБ. Но если вспомнить, что незадолго до конкурса, в разгар ковида, она хотела оставить балет и уйти служить в полицию, о чем признавалась журналистам, удивляешься чуть меньше.

Ельчибаева-Медора традиционно музыкальна: венцом ее презентации стали лирические адажио с трепетными арабесками и выразительными эпольманами

Lady first

В итоге негласное лидерство в спектакле перехватила Ирина Сапожникова из Уфы, которую ТАГТОиБ пригласил на скромную партию Гюльнары. Помимо ажурного узора из мелких па, солистка Башоперы демонстрирует королевскую стать, которую не затемняет даже ядовито-бирюзовая пачка от Анны Ипатьевой, еще одной исчезнувшей из списка авторов художницы балета, также жительницы Киева.

Рядом с Сапожниковой комично выглядит щуплый японец Онодэра — грозный работорговец едва достает невольнице до уха и проседает эмоционально, так что в ярмарочном дуэте герои ментально меняются местами (их ансамбль напомнил центральный дуэт из «Блудного сына» Баланчина с известным авторским посылом Lady first). Но, главное, у коллеги Сапожниковой напрочь отсутствует прыжок, а без него роль балетного садиста, увы, не играет.

Зато спектакль уже второй год подряд прилично играет оркестр. Масштабная партитура балета сверкает россыпью тембров, стремительными темпами, яркими звуковыми пейзажами и сочной лирикой. Так что маэстро Нуржан Байбусинов, пожалуй, самый желанный гость, прибывший в театр им. Джалиля из Казахстана. Именно он заставил казанского «Корсара» сиять, пусть и лишь в оркестровой яме.

Елена С.

Номер ссылки| 2024052301
Тема| Балет, театр "Астана Балет", Персоналии, Диана Вишнёва
Автор| корр.
Заголовок| Лучшая танцовщица Европы представит мировую премьеру на сцене театра "Астана Балет"
Где опубликовано| © Sputnik Казахстан
Дата публикации| 2024-05-22
Ссылка| https://ru.sputnik.kz/20240522/luchshaya-tantsovschitsa-evropy-predstavit-mirovuyu-premeru-na-stsene-teatra-astana-balet-44483034.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

© Sputnik / Валерий Мельников / Перейти в фотобанк

Постановка может иметь терапевтический эффект и позволит зрителям пережить собственные сложности и найти ответы на вопросы, считает главная героиня

Мировая премьера нового балета Sleza, созданного всемирно известными хореографами Соль Леон и Пол Лайтфут, с участием лучшей танцовщицы Европы Дианы Вишневой состоится 25 и 26 мая на сцене театра "Астана Балет", сообщили в театре.

По данным пресс-службы театра, премьера состоится в рамках международного фестиваля Ballet Globe.

"Одноактный балет создан для Дианы Вишнёвой, прима-балерины Мариинского театра, principal dancer в Американском театре балета", - отметили в театре.
Проект, добавили в "Астана Балет", собрал уникальных художников разных школ и стилей, миропониманий и опыта.

Постановку представят артисты, с которыми связан период работы Лайтфута и Леон в NDT: Хорхе Нозаль, Роджер ван дер Пол, Стефан Жеромски.

"В спектакле танцовщики предстают как в образах реальных людей, связанных с судьбой Дианы Вишнёвой, так и аллегориях чувств и эмоций, Жизни и Смерти. Жизненный опыт и личные переживания хореографов и солистки легли в основу балета", - подчеркнули в "Астана Балет".

Не имея строгой нарративности, спектакль развивается вокруг общечеловеческих тем: любовь в самых разных ее проявлениях — материнская и отцовская, супружеская, страсть к жизни и профессии, любовь духовная, добавили в театре.

"Наш спектакль затрагивает те темы и эмоции, что переживает каждый человек на протяжении своей жизни. Отсюда и возникло название Sleza, как выражение высшей степени чувств, глубокого и сокровенного", - рассказала главная его героиня Диана Вишнева.

По ее словам, имя спектакля многозначно.

"Слеза может быть проявлением как радости, так и горя, очищением и освобождением внутренней эмоции и сильного переживания. В интерпретации наших художников-хореографов одна слеза – это еще не плач, но высвобождающаяся эмоция", - подчеркнула она.

Диана Вишнева отметила, что этот спектакль является для нее особенным.

"Всю нашу боль и радость, жизненный опыт, успехи и разочарования мы исповедально раскрываем на сцене. Важную роль играют и мои партнёры — прекрасные, зрелые, наполненные внутреннее артисты, которые тоже рассказывают свою историю", - заявила балерина.

Она добавила, что постановка может иметь терапевтический эффект и позволит зрителям пережить собственные сложности и найти ответы на вопросы.

Во время премьерного вечера также состоится выступление труппы театра "Астана Балет" с постановкой балета "Саломея" заслуженного деятеля Казахстана Мукарам Авахри.

Елена С.

Номер ссылки| 2024052302
Тема| Балет, «УРАЛ ОПЕРА БАЛЕТ», Премьера, Персоналии, Владимир Горлинский, Антон Пимонов
Автор| Екатерина Беляева
Заголовок| МЕЖДУ ПЕПЛОМ И АЛМАЗОМ
Где опубликовано| © «Петербургский театральный журнал»
Дата публикации| 2024-05-22
Ссылка | https://ptj.spb.ru/blog/mezhdu-peplom-i-almazom/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

«Графит». В. Горлинский.
Урал Опера Балет и Дом культуры «ГЭС-2».
Хореограф Антон Пимонов, художник по костюмам Елена Трубецкова,
художник по свету Константин Бинкин.

С самого момента открытия в 2021 году Дома культуры «ГЭС-2» в нем уделялось большое внимание танцевальным проектам. Одним из главных направлений работы стали мировые премьеры, когда современным композиторам заказывается музыка и с ней создается танцевальный спектакль. В конце 2022 года в «ГЭС-2» выпустили «Озеро» композитора Антона Светличного и хореографа Альбины Вахитовой. Спектакль был показан несколько раз при участии музицирующего композитора, затем возобновлялся в 2023-м, каким-то образом закрепившись в афише, хотя, как и у многих других проектов Дома культуры, у «Озера» могло и не быть повторов.

Сцена из спектакля.
Фото — Владимир Луповской.

Впрочем, это и не были полные повторы, так как спектакль ради эксперимента показывали при разном освещении в разное время дня на Проспекте (открытом пространстве в здании), где посетители, пришедшие на выставки и ничего не знающие о спектакле, продолжали ходить мимо. Для адептов современного танца было особенно интересно следить не только за артистами, но и за случайными зрителями, которые включались или не включались в процесс. Кураторы тоже наблюдали за ситуацией и формулировали для себя запросы разной аудитории «ГЭС-2». Тему обработки «Лебединого озера» предложила еще хореограф Ольга Цветкова в бытность свою куратором танцевальных программ «ГЭС-2», а реализацией занималась сменившая ее Анастасия Прошутинская.

Прошутинская придумала и следующее «столкновение» Дома культуры, ориентированного на современное искусство, с классическим балетом. Новый проект включил в себя сотрудничество с академическим театром как институцией, работающей совсем по иным законам, нежели «ГЭС-2». Был придуман новый тип копродукции с театром Урал Опера Балет, заключающийся в том, что премьера спектакля проходит в Москве, на специально оборудованной площадке на Проспекте «ГЭС-2», а затем в июне должна состояться вторая премьера в Екатеринбурге, где к этому одноактному спектаклю (адаптированному уже к театральному пространству) присоединятся два других — премьера «Птиц» в постановке Игоря Булыцына на музыку Отторино Респиги и репертуарные «Вариации Сальери» в хореографии Вячеслава Самодурова.

Сцена из спектакля.
Фото — Владимир Луповской.

Антон Пимонов получил в свое распоряжение уже готовую 40-минутную партитуру Владимира Горлинского — сложносочиненную музыку, которую на спектакле исполнял Московский ансамбль современной музыки (МАСМ) под управлением Елизаветы Корнеевой. Музыканты небольшими группами разместились вокруг устроенной на первом этаже сцены, стоя рядом с ней, а также на балконах, нависающих над Проспектом. Самой колоритной бандой стали ударники, которые экспрессивно музицировали за спинами зрителей на первом этаже, вызывая самим видом огромного барабана неизменный интерес у малышей, закончивших занятия в ателье рядом. Перкуссионисты Евсевий Зубков и Филипп Фитин задавали ритмический тон всей композиции. А на втором этаже над группой ударных «зажигали» кларнетист Игнат Красиков (на саксофоне) и тромбонист Дмитрий Шаров, постоянно встревая с протяжными наигрышами в ритмичную музыку. Собственно «тело» ансамбля находилось также на втором этаже, практически над площадкой, где танцевали. Зрители, занявшие премиальные места рядом со сценой, категорически не видели музыкантов, а те, кто разместился поближе к инструментам, наблюдали за танцами почти с высоты птичьего полета.

Меж тем от зрителей на первом этаже до танцовщиков было буквально два шага. Пимонов и отважные артисты Урал Балета не испугались такой неожиданной близости к зрителям, а также благодаря своей привычной сосредоточенности на деле не потерялись в лабиринтах музыки, наступавшей на них со всех сторон достаточно агрессивно. Балет назвали «Графит», как бы сравнивая эфемерность классического танца с хрупкой кристаллической решеткой материала из одной группы с алмазом.

Сцена из спектакля.
Фото — Владимир Луповской.

Название казалось созвучным с самой конструкцией «ГЭС-2», в чем-то легкой и эфемерной, дающей ощущение открытости и незащищенности, особенно по сравнению с толстостенным академическим театром, где все пространства строго разграничены и в любой момент могут быть закрыты, хотя бы занавесом. Пимонов трактовал экзотичное название по-своему: под графитом он мыслил саму танцевальную композицию, которая удобно состоит из слоев кристаллической решетки, расположенных относительно друг друга не одинаково. В двух предпоследних своих работах — «Сделано в Большом» на музыку Анатолия Королева и «Арктика» Антона Светличного в Перми — хореограф исследует тему советских парадов, разных спортивных состязаний, вроде фигурного катания, одним словом, агонов, только не абстрактных, как у Баланчина, а вполне конкретных.

В «Графите» прямо с Проспекта десять артистов выходят на сцену, обозначенную светящимися белыми колбами, как ринг (для них настелили специальный балетный пол), идут между расступившимися зрителями и начинают разминку, слегка вслушиваясь в приглушенно звучащую музыку. Постепенно они отдельными группами строгих форм встраиваются в ритм, наращивают скорость танца, усложняют движения, постоянно меняя позы рук с округлых пор де бра на разведенные в стороны с поднятыми вверх ладонями. Это бесконечная тренировка нескольких повторяющихся движений, где каждый старается выполнить их как можно лучше и не показать усталость. Хрупкий графит хочет превратиться в крепкий алмаз. И такие же упражнения в парах, которые делают трудные, долго длящиеся поддержки, продиктованные музыкальными длиннотами. Пары соревнуются друг с другом, создавая своими «сцеплениями» необычайной красоты скульптуры в движении. Парные и групповые выступления могут прерываться бытовыми проходками по сцене, когда артисты перестраиваются, обдумывают ходы и тем самым немного отдыхают. Или превращаться в танцпол, где все участники двигаются одновременно, отрабатывая каждый свой набор па, смешивая балетные движения с позами из спорта. Этот эпизод всеобщего броуновского движения приходится на момент, когда в партитуре идут повторения, как будто «пластинку заело».

Сцена из спектакля.
Фото — Владимир Луповской.

Пимонов в целом умеет за счет перестроений и смены темпа создать атмосферу конкурса или даже чемпионата, которая здесь захватывает и настоящих зрителей, и случайных прохожих, фланирующих по Проспекту. И если во время спектакля Вахитовой и Светличного «Озеро» прохожих останавливала мелодия из «Лебединого озера», которую даже в искаженном виде узнает вся страна, и только после они обращали внимание на сбившуюся в углу стайку странных лебедей, то балет Пимонова привлекал людей, независимо от музыки, серьезностью происходящего, так как в конечном итоге артисты балета интересны именно тем, что после многих лет тренингов умеют делать только они: изящными препарасьонами, пируэтами, прыжками, вертикальными поддержками, приземлениями на круазе. Одетые в черные трикотажные костюмы с прочерченными на них редкими линиями, артисты выглядят настоящими алмазами — без привычной бижутерии или даже натуральных драгоценных камней, появляющихся на академических сценах. Люди и есть драгоценность — послание «Графита», почти революционное в наше время.

Елена С.

Номер ссылки| 2024052303
Тема| Балет, Звери, Михайловский театр, Персоналии, Андрей Кулигин
Автор| Марина Райкина
Заголовок| Партнершей Спартака в балете стала настоящая тигрица: головокружительная карьера хищника
Вождь гладиаторов должен был ассоциировать себя с царем природы
Где опубликовано| © "Московский Комсомолец"
Дата публикации| 2024-05-22
Ссылка | https://www.mk.ru/culture/2024/05/21/partnershey-spartaka-v-balete-stala-nastoyashhaya-tigrica-golovokruzhitelnaya-karera-khishhnika.html
Аннотация| Интервью

Когда в Михайловском театре шел балет «Спартак», от этой артистки на сцене нельзя было оторвать глаз. Ступала она тяжелой поступью, но мягко и грациозно… А ее зеленые глаза и рыжая масть с добавлением строгих черных линий сводили с ума. Партнерствовала она со звездами, сама будучи приглашенной звездой.

И гонорар имела соответствующий, хотя в вариациях не выходила, фуэте не крутила. Тигрица Шакира вошла в историю отечественного балета как самая высокооплачиваемая артистка. О том, как она оказалась на сцене бывшего императорского театра, насколько была опасна для артистов, почему не терпела зевак и сколько получала за выход в знаменитом спектакле, — в новом театрально-зверином расследовании.

СЦЕНА ИЗ СПЕКТАКЛЯ «СПАРТАК». ФОТО: ПРЕСС-СЛУЖБА МИХАЙЛОВСКОГО ТЕАТРА

Премьера балета «Спартак» на музыку Арама Хачатуряна в Михайловском состоялась 29 апреля 2008 года. На постановку тогда пригласили Георгия Ковтуна, хореографа масштабно мыслящего и не терпящего никакого эрзаца. Во всяком случае, на сцене у него было занято 90 артистов балета, хор в 60 певцов, 30 монтировщиков ворочали монументальные декорации. Не говоря уже про оркестр, где сидело порядка 80 музыкантов. Рабы рубились с угнетающим их классом не на бутафорских, а на самых настоящих мечах из закаленной стали. Нет ничего удивительного, что эпичность масштабного полотна должна была, по замыслу режиссера, завершить неожиданная и яркая точка. И такая точка была найдена — царь природы, то есть тигр. Да-да, в балете «Спартак» появился живой тигр. Точнее, тигрица, но гендерная принадлежность для публики не имела значения — зверь он и в Африке зверь!

— Ковтун хотел, чтобы Спартак свою власть, даже не над людьми, а над самим собой, ассоциировал с царем природы — тигром. Они встречались, и контакт с мощным хищником давал понять вождю гладиаторов, что он может вести за собой людей, как тигр — прайд, — рассказывает мне директор балета Михайловского театра Андрей Кулигин. Это перед ним, собственно, руководством была поставлена задача найти тигра. И не просто тигра, который смирно посидит в клетке, а такого, который во время действия будет ходить по сцене среди артистов в самой массовой сцене. Задача оказалась не из простых, и на поиски правильного хищника ушло у Кулигина несколько месяцев.

— Братья Запашные, с которыми я с первыми встретился, сразу сказали, что они категорически против такого решения, и предупредили, что перво-наперво клетка должна быть с двойной сеткой. Ведь у тигра когти по шесть сантиметров, и он выпускает их как ножи. А, по замыслу режиссера, Спартак подходил вплотную к клетке, вставал напротив тигра — смотреть страшно. А во-вторых, Запашные объяснили, что тигр становится неуправляемым, когда работают вспышки, когда дым пускают, и на звуки типа шипения у него тут же идет агрессия. Ну а если луч от фонаря попадает ему в зрачок, он вообще теряет ориентацию и может взбеситься. Так что это очень опасная история — тигр на сцене.

Получив отказ от профессиональных дрессировщиков, Андрей обратился к владельцам домашнего зоопарка — такие нашлись только в Москве: их услугами уже пользовались организаторы показов в российской столице шоу Майкла Джексона и Мадонны. Так была найдена тигрица Шакира. На тот момент ей было всего три годика. Ее взяли из помета очень маленькой, все родственники ее умерли, и она не успела одичать. Уже не ребенок, но еще молодая тигрица, которая, впрочем, не грезила артистической карьерой. В Северную столицу полосатую артистку хозяева доставили на собственном авто и начали с ней репетировать.

— Андрей, давайте по порядку. Артисты не испугались появление такого опасного партнера?

— Нет, и у этого есть свое объяснение: мы, артисты балета, все одержимые. Я, например, когда танцевал в «Маугли», без страховки забирался на восьмиметровый турник и несколько раз пролетал через всю сцену. Только через четыре качка (маятника) меня опускали.

— А почему без страховки? Что за подозрительное геройство?

— Потому что в этот момент лонжа сломала бы весь эффект от полета, плюс после спуска я сразу начинал танцевать, и времени на то, чтобы отстегнуть лонжу, не было. Так было и с тигром в «Спартаке» — никто не думал его бояться. Тем более что Шакира оказалась просто ручной кошкой, и за все эти годы, что она выходила в «Спартаке», у нее ни разу не было агрессии. Ни разу ни на кого не рыкнула, не показала зубы, я спокойно фотографировался с ней. Самым страшным для нас оказались зеваки, приходившие за кулисы поглазеть на Шакиру в клетке, — вот это ей не нравилось.

— Надеюсь, что на всякий пожарный вы выставляли охранника с огнетушителем, чтобы остановить агрессию животного, если бы она началась?

— Мне еще Запашные объяснили, что если тигр в агрессии, его ни брандспойтом, ни пистолетом не остановить. «Вы просто ничего не успеете, — говорили дрессировщики. — Реакция тигра настолько превышает человеческую, что если на сцене начнется кипиш, ничего уже нельзя сделать. Только решетка и сетка, которые стоят постоянно», — строго сказали они мне тогда. А наша Шакирочка начинала спектакль в клетке, в которой проводила весь первый акт. Спартак ходил по сцене, а она за ним из клетки следила, как охотник за добычей, и в какой-то момент бросалась на клетку. И вот в этот момент у нее отлетали когти, мы их собирали по сцене после спектакля. Хозяева сердились, что мы их зверя оставили без когтей, но когти отрастали.

Задолго до того, как собирались артисты, мы начинали ее «заряжать». Кстати, клетка была на колесиках, и всем монтировщикам было категорически запрещено прикасаться к решетке. И брать клетку нужно было только за специальные ремни, которые крепились к прутьям. Клетка находилась на сцене, но в арьере, и если Шакира выла, то все это слышали, и за кулисами, и в зрительном зале, но это только добавляло атмосфере натуральности.

А во втором акте шла сцена бала. Клетка к этому времени находилась внизу. Оттуда Шакиру мы забирали. В ожидании выхода она спокойно себе лежала в предбаннике. Артисты мимо ходят, а она лежит так индифферентно. «Пошли», — тихо говорили мы, и дрессировщица поднимала Шакиру, за кулисами проходила с ней до рампы. Они выходили на рампу, Шакира грациозно проходила между артистами на другую сторону, за кулисы, чтобы потом спуститься под сцену. И все это во время спектакля, где по сцене почти сто человек носятся. А нам нужно среди них дать ей дорогу, чтобы никто под ноги ей не попался.

АНДРЕЙ КУЛИГИН С ШАХИДОЙ. СНИМОК СДЕЛАН В ДЕНЬ ПРЕМЬЕРЫ — 29.04.2008. ФОТО: ПРЕСС-СЛУЖБА МИХАЙЛОВСКОГО ТЕАТРА

— Кстати, а где жила ваша гастролерша, когда приезжала в Михайловский на «Спартак»?

— Не поверите, в нашем общежитии, в отдельной комнате, там ее привязывали к батарее. Но что ей какая-то батарея? Никакая батарея, никакая оркестровая яма не остановят тигра, если он захочет прыгнуть. У него же прыжок на пятнадцать метров. А Шакира у нас в каждом спектакле просто проходила по рампе с дрессировщицей, которая держала ее на тонком поводке. Сама дрессировщица, кстати, весила килограммов пятьдесят, не больше. Позже мы под сценой для Шакиры сделали клетку, и она, приезжая из Москвы, уже останавливалась там, а не в общаге. Туда войти можно было только с ключом.

— Еще пара не творческих вопросов: кормили мясом? И как насчет запаха?

— Кормили только мясом, хозяйка сама покупала его на базаре — мы только платили. А запах — да, стоял жуткий, и все понимали, что в театре находится какое-то животное. Шакира летала с нами на гастроли в Новосибирск — специальным рейсом в клетке везли.

— Вернемся к балету и сценической жизни Шакиры. Вы говорите, что тигр не любит резких звуков, движений, а балет — это движения, сплошные вращения. Разве она не реагировала?

— Реагировала, конечно. Но у нее самой, и это удивительно, на резкие движения был ступор, она просто впадала в оцепенение. А у нас в балете к тому же все связано с музыкой: нельзя опаздывать с выходом на сцену, поэтому тигрица должна была выходить минута в минуту. Пару раз бывало так, что она запаздывала, и нам приходилось выходить позже. А запаздывала она именно потому, что по дороге на сцену ее, бывало, что-то смутит, и она уходила в ступор.

Однажды был случай: она дошла до середины сцены, а Спартак — Фарух Рузиматов — сделал резкое движение, так мы все оцепенели. Хозяйка сразу потянула ее за холку, что было совершенно бессмысленно: если бы тигрица захотела прыгнуть, то она бы вместе с хозяйкой прыгнула. Но Шакира не двинулась с места, пока Фарух не поднялся по декорации наверх.

— Но вы понимали, отдавали себе отчет в том, что если не дай бог что, то отвечать придется вам?

— Мы не хотели понимать, хотя… всё понимали. Я даже приучил себя ходить рядом с животным на тот случай, если вдруг неожиданно что-то произойдет, я бы бросился и держал. Сейчас понимаю, что был бы крайним. А тогда для меня главным было сохранить здоровье других и животного.

— Хочу спросить: куда смотрела охрана труда?

— Охрана труда в день приемки спектакля просто… вся уволилась, поняв, что тигр на сцене окажется среди людей (а там у нас еще и дети играли), неизвестно, каких последствий можно было ждать. Они же понимали: если что случится, сидеть им. Поэтому они, чтобы не подписывать акт, уволились. И дальше, в те дни, когда шел «Спартак», инженеры по технике безопасности брали отпуск. Так мы и работали на свой страх и риск.

ФРАУХ РУЗИМАТОВ И ШАХИДА. ФОТО: ПРЕСС-СЛУЖБА МИХАЙЛОВСКОГО ТЕАТРА

— Риск колоссальный. Еще вопрос об артистах: одержимость одержимостью, но инстинкт самосохранения должен быть? Никто не отказался участвовать в спектакле?

— Никто не отказался и никто никогда не был испуган. У артистов есть доверие, что если на сцене что-то происходит, значит, это проверено и безопасно. Охрану мы выставляли только от зевак, которые хотели сфотографироваться на фоне клетки. И все равно они лезли к тигрице.

— Еще один немаловажный вопрос: дорого ли эта звезда балета обходилась театру?

— Шакира получала за спектакль 150 тысяч рублей. А у нее было три-четыре спектакля в месяц, вот и считайте. Для содержания такого животного, конечно, шикарно, поэтому хозяева соглашались везти ее к нам из Москвы.

— Да это по сравнению с собачьим заработком в театре космический гонорар. Что говорить про артистов, приглашенных знаменитостей?

— Ну что вы, звезды балета в разы дороже тигра — 500–800 тысяч за выход. Но здесь тигрица у нас была не звезда, а скорее трюк, который использовался в спектакле. Публика ревела от восторга: когда Шакира в клетке металась, публика шалела. А уж когда царицей проходила по рампе, никто не понимал, хлопать или не дышать. От восторга, разумеется. Даже в цирке такого не делали. Зрители, наверное, думали, что оркестровая яма защитит их от хищника. Но, как ни странно, зрители при виде хищника умилялись, а не пугались или протестовали. Никто не поставил нам в вину, что мы подвергаем людей опасности. Мы всё понимали и брали все риски на себя.

— Неужели ни разу к вам не пришла с проверкой инспекция?

— Не поверите, один раз пришла, но совершенно по другой причине — проверяли чипирование тигра, участвовавшего в постановке. То есть амурский он или не амурский — тогда вокруг амурского тигра поднялся шум. Но у нас-то был не белый, а классический рыжий в черную полоску тигр.

— «Спартак» до сих пор в репертуаре Михайловского театра, но уже идет без тигра. Почему?

— Дело в преемнице. Последние годы Шакира болела, ее мучили камни в почках, без боли бедняжка не могла сходить в туалет — выла. И от ее воя все в театре цепенели, хотя знали, кто и отчего воет. Поэтому сначала ей нашли преемницу: эти же хозяева привезли нам вместо Шакиры парочку других тигров, которых в годовалом возрасте забрали из питомника. Преемницу назвали дочерью Шакиры, но они ни в каком родстве не состояли, это был коммерческий ход. Но я тут же почувствовал разницу. Та, что мы выбрали, выросла дикой, жила уже своей жизнью. Когда к ней заходили в клетку, она так рычала и огрызалась, так поднимала лапу, что все понимали: когда она будет весить за сто килограммов, ее уже будет не остановить. Это уже опасно, перед нами зверь, который зверь.

Когда я это понял, то отказался от участия тигра в спектакле, и коммерческий ход не состоялся. Два года у нас «Спартак» идет без тигра, и я понимаю, что такого второго животного никто себе не позволит. Шакира была кошка от рождения, и ее никто не смог заменить.

— Сейчас, когда искусственный интеллект творит чудеса, можно заказать тигра-робота. Не было такого желания?

— Геннадий Галицкий, отвечающий в театре за производство декораций и костюмов, предлагал сделать костюм тигра один в один. Кстати, мы в Японии видели тигра-робота: там их делают с повадками, мягкой походкой. Но дело в том, что эти «животные» хотя и управляемые, но запрограммированные, что ли. А здесь весь интерес в непредсказуемости эмоций. Но справедливости ради скажу, что спектакль, как показало время, живет и без эффектных трюков в виде натурального тигра. Люди на балет ходят все-таки на хореографию, а не на хищного зверя.

Елена С.

Номер ссылки| 2024052304
Тема| Балет, Татарский театр оперы и балета им. Джалиля, Нуриевский фестиваль, Персоналии, Лорка Мясин, Игорь Цвирко, Александра Елагина, Вагнер Карвальо, Салават Булатов
Автор| Ольга Угарова
Заголовок| Балет «Грек Зорба»
Где опубликовано| © интернет-версия журнала "Балет"
Дата публикации| 2024-05-22
Ссылка| https://balletmagazine.ru/post/ballet-grek-zorba-obzor
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

В Казани проходит тридцать седьмой традиционный майский Нуреевский фестиваль. Прежде всего он славится звездными ангажементами: в разное время в столицу Татарстана на ежегодный балетный смотр слетались примы и премьеры не только из главных театров страны, но и со всего мира. Старт же этого сезона прозвучал премьерой балета Микиса Теодоракиса «Грек Зорба» в постановке Лорки Мясина, сына легендарного Леонида Мясина.

Название «Грек Зорба» обязано своей популярностью одноименному оскароносному фильму 1964 года. Кинолента была снята по щемящему душу роману Никоса Казандзакиса, который рассказывает историю двух мужчин разных культур, потерявших любимых женщин и на пике своей трагедии исполняющих целительный танец. Драматичный философский сюжет о победе танца над страданием покорил юного Лорку Мясина. Сначала будущий хореограф был потрясен литературным текстом, а потом судьбой и энергией композитора Микиса Теодоракиса, коммуниста и борца, не раз прошедшего тюремное заключение за гуманистическое стремление к свободе и справедливости. Мечта поставить одноименный балет сбылась в 1988 году.

Хореографию своей, пожалуй, главной постановки Мясин сочинял несколько месяцев на острове Ли Галли в Тирренском море. Том самом, принадлежащем сначала его отцу, а потом Рудольфу Нурееву: «Я вырос на этом острове. Это уникальное место — остров сирен, описанный в «Одиссее». В маленькой башне был обустроен танцевальный зал, где и родился балет. Премьера балета «Грек Зорба» состоялась на фестивале Arena di Verona, где древний амфитеатр стал основной декорацией античной трагедии. Главную партию грека исполнил тогда Владимир Васильев. Позже и сам Лорка выходил в роли Зорбы, всего около 800 раз. Спектакль поставлен в более чем 20 театрах по всему миру, в Казани прошла российская премьера.

Лорка Мясин подошел к постановке балета, будучи опытным артистом, поработавшим со многими выдающимися хореографами современности, в том числе Морисом Бежаром, Джорджем Баланчиным и Джеромом Роббинсом. Через свое тело и сценическую жизнь он пропустил широкий диапазон пластического и хореографического языка. Сын великого отца Лорка Мясин не только все впитал через физику, но и переработал знания в собственный стиль. На его счету свыше 50 постановок, но «Грек Зорба» сохраняет за собой статус особенно любимого и важного спектакля, от чего и работа над переносом балета в Казани велась на протяжении долгого времени. Важно было сначала показать труппе хореографический текст, а потом дать артистам время для его чувственного осмысления: «Приехав сейчас для выпуска спектакля, я вижу, что артисты впитали и переработали материал, — говорит Лорка Мясин. — Я вижу прогресс — появился дух танца, а не набор отдельных движений. Артисты начали получать удовольствие!»

«Грек Зорба» — балет с очень высокой концентрацией мужской харизмы. Перед зрителем сначала возникает большой ансамбль, а потом два главных персонажа — молодой путешественник с Запада Джон и греческий островитянин Зорба. Перед знакомством с основными героями народные общие танцы погружают публику в атмосферу мужского темперамента. Последнее подвластно не всем компаниям, но в Казани такое умеют показывать: наработанная в спектаклях «Золотая Орда» и «Спартак» маскулинная страсть здесь пришлась как нельзя кстати.

Сильный народный танец и красноречие жеста в исполнении местных артистов — особая фактура казанской постановки «Грек Зорба». Скелет же состоит из плотного хореографического текста без пустот и пауз: он насыщен фольклором, модерном и неоклассикой. Не последнюю роль играют геометрические структуры и четко продуманная графика рисунка всего полотна: кордебалет выстраивается то в диагонали, то в строгие линии, то в полукружия, то в цепочки, то в спирали. Толпа перестает быть просто толпой: сперва это дух танца, к концу первого акта — дух трагедии, спустившейся из космоса, в финале — дикие, первобытные силы, отнимающие в агонии мести жизнь у возлюбленной Джона Марины.

Объем контексту и античную глубину постановке дает хор, который разместили по боковым лестницам декорации, напоминающей в решении художника-постановщика Виктора Герасименко эллинский театр, вырастающий из тьмы Вселенной. Артисты хора стали естественным воплощением древнегреческих богов, чьи образы представили гигантские статуи. Скульптуры возвышались надо всем и будто в полуулыбке напоминали: человек — ничто перед Олимпом, Небом, Космосом.

Сюжет балета прост. Чужак Джон и гордая вдова-гречанка Марина влюбляются друг в друга, но толпа не принимает ее выбора и забивает камнями. В то же самое время увядающая певица мадам Ортанс, живущая в мире воспоминаний и грез, сгорает от любви к Зорбе. Она поет песню о своей страсти (слова специально для казанской премьеры написал сам Лорка Мясин). Грек отталкивает ее, но, когда болезнь уносит жизнь трогательной и нежной француженки, понимает, как горько ошибался в своем чувстве. Страдание и боль настигают обоих мужчин, но сиртаки спасает их души от гибели. Тот самый танец, ставший визитной карточкой и экспортом Греции, вышел не из народа, а из киноленты и музыки Теодоракиса. В 1964 году исполнитель главной роли знаменитого фильма Энтони Куинн перед съемками финальной сцены сломал ногу, и в танце ему пришлось отказаться от прыжковых и резких движений. В результате миру явился стелющийся сиртаки, который здесь как нельзя лучше демонстрирует постепенное преодоление боли и выход к радости бытия.

Все четыре героя балета радикально отличаются друг от друга: они разные по своей культуре, по духовному наполнению, по своей сути. В рисунке образов проявляется главная дихотомия романа: противопоставление аполлонического и дионисийского начал, рациональности и восторга, порядка и хаоса. Их столкновение в романе и балете, с одной стороны, губительно (жертвами становятся прекрасные возлюбленные), с другой — ведет к вневременному единству (через танец).

Каждому персонажу Лорка Мясин подобрал индивидуальный хореографический язык, который точно передает образ. Зорба (на эту роль в первый день премьерного блока был приглашен из Большого театра Игорь Цвирко, во втором составе его сменил Михаил Тимаев) — это характерный фольклорный танец, разложенный на геометричную форму хаоса, а не канона. Та же угловатая геометрия свойственна и мадам Ортанс (Александра Елагина и Лада Старкова), хрупкой деве с надломленной судьбой.

Вытянутый в струну гость с Запада Джон (Вагнер Карвальо и Салават Булатов) появляется перед зрителем в чистой неоклассической вариации сродни стилю Баланчина или Роббинса: с острыми заносками, азбучными аттитюдами, прыжками и пируэтами. Монологи его возлюбленной Марины (Кристина Андреева и Аманда Гомес), будто родившейся в море среди сирен близ острова Мясиных, изобилуют широкими port des bras и стремительными взмахами ног, превращающими длинные струящиеся юбки в морские волны.

Вообще, широта движения, наполненная воздухом, импульсом от центра по технике модерн Марты Грэм, а следовательно, и жизнью, — часть образа гречанок в этом балете. Однако те женщины, которые способны на удивительную нежность любви (пример тому pas de deux Марины и Джона в финале первого акта), вдруг оказываются в плену у демонов фанатичного гнева, и их пластика наполняется агрессивной экспрессией, жесткостью и порывистостью в стиле Брониславы Нижинской в ее «Свадебке». Танец жизни сменяется танцем смерти. Казалось бы, все кончено, но на обломках судьбы вдруг возникает сиртаки — триумф жизни, который снова и снова в эпилоге провозглашает свою безоговорочную победу.

Фото: Рамис Назмиев © Театр Оперы и Балета имени Мусы Джалиля
===================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Номер ссылки| 2024052305
Тема| Балет, Татарский театр оперы и балета им. Джалиля, Нуриевский фестиваль, Персоналии, Лорка Мясин, Игорь Цвирко, Александра Елагина, Вагнер Карвальо, Салават Булатов
Автор| Виолета Майниеце
Заголовок| В Казань прибыл «Грек Зорба»
Где опубликовано| © Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2024-05-22
Ссылка| https://musicseasons.org/v-kazan-pribyl-grek-zorba/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

В мае уже 37 раз проводится Международный фестиваль классического балета имени Рудольфа Нуриева. На этот раз он посвящён 150 – летию Казанской оперы.

В его афише девять лучших и самых известных спектаклей. Как всегда – шедевры наследия («Спящая красавица», «Лебединое озеро», «Корсар», «Баядерка», «Дон Кихот» с участием гостей), популярные оригинальные постановки театра («Золотая орда»), две премьеры сезона («Иакинф», «Грек Зорба»). Завершит его не традиционный гала–концерт, а выступление Санкт–Петербургского Академического театра балета имени Леонида Якобсона. Он покажет уникальную программу под ёмким названием «“Вне времени”. Хореографические шедевры Леонида Якобсона». В неё вошли фрагменты его хореографических циклов «Классицизм – романтизм» и «Роден», а также «Свадебный кортеж» и «Блестящий дивертисмент».

Имя Леонида Якобсона – не случайность в афише фестиваля. Он – постановщик самого известного татарского балета «Шурале» по мотивам новеллы Габдуллы Тукая и давно признан эталоном национального искусства.

«Грек Зорба». Фото — Рамиса Назмиева

Столь знаковому завершению фестиваля под стать его увертюра. Фестиваль (что редкость) стартовал премьерой ещё одного шедевра. На этот раз – из сокровищницы русского зарубежья. Создателем балета композитора Микиса Теодоракиса «Грек Зорба» (точнее – синтетического зрелища с оркестром, хором, солистами, танцовщиками как в античном театре), является Лорка (Леонид) Мясин – сын танцовщика и хореографа Леонида Мясина. Мировой знаменитости с «вкусной», колоритной русской фамилией. Леонид – старший – один из премьеров и авторов многих экспериментальных постановок знаменитых «Русских балетов» Сергея Дягилева. Наряду с Джорджем Баланчиным, он был творцом столь популярных в ХХ веке «балетов – симфоний», хотя бессюжетным композициям предпочитал нарративные постановки, часто – на религиозно–философские темы. Танцовщик деми–классического плана, он обожал характерный, особенно испанский танец. Даже сына Леонида он называл испанским именем – Лорка.

«Грек Зорба». Фото — Рамиса Назмиева

Родившись в балетной семье в 1944 году в Нью–Йорке, сын стал его прямым хореографическим наследником, обогатившим полученный от отца «творческий багаж» многими танцевальными находками ХХ века. Гражданин мира в области балета, Лорка первоначально прошёл отличную школу у отца. Танцевал в постановках Мориса Бежара, Баланчина, Джерома Роббинса. Изучал танец модерн и многочисленные современные его модификации, увлекался фольклором разных стран. При том сохранил верность традициям классического балета, находя даже в античности его истоки.

Заимствуя танцевальные мотивы из увиденного и исполненного (то тут, то там мелькают бежаровские находки из «Диониса», «Греческих танцах», позы и движения Марты Грэхем), Лорка Мясин их переосмысляет, создаёт свой самостоятельный, оригинальный и цельный танцевальный язык. Человек интеллигентный, широко образованный, он чувствует себя русским, знает культуру, отлично владеет языком. Автор 50 балетов, он любит танец как таковой. И считает его самым доступным средством общения между людьми. У нас его постановки почти неизвестны, никогда не шли.

«Грек Зорба». Фото — Рамиса Назмиева

Казанский театр – первым в стране обратился к этим хореографическим сокровищам. По совету Владимира Васильева для открытия нынешнего фестиваля он выбрал самый знаменитый балет Лорки Мясина «Грек Зорба». Васильев причастен к его рождению – для него хореограф придумал партию главного героя, кровно связанного с традициями и истоками греческого самосознания. Грек Зорба – носитель глубинного дионисийского народного начала, стихийного, плодородного, вечно возрождающегося. В нём словно воплотились витальные силы и вера древних эллинов, для которых танец – выражение божественного в человеке: «В здоровом теле – здоровый дух!». Через танец герои возрождаются к новой жизни, поддерживая друг друга.

В мире «сиртаки» давно считается настоящим народным танцем, символом Греции. Сейчас мало кто помнит, что появился он в Голливуде и был придуман на музыку Теодоракиса для знаменитого фильма «Грек Зорба» ещё в 1964 году. В финале балета массовый, зажигательный «сиртаки», подобно катарсису в античной трагедии, очищает людей, дарит надежду на возрождение. Объединяет сцену и зрительный зал. Сейчас всем так нужны оптимизм, здоровые духом спектакли, каким, без сомнения, предстал «Грек Зорба».

«Грек Зорба». Фото — Рамиса Назмиева

В основе балета, как и фильма, роман греческого писателя Никоса Казандзакиса. В юности увлечённый романом, потом фильмом, в котором участвовал его отец, впоследствии Лорка написал либретто балета. Теодоракис, которого он хорошо знал, сочинил музыку. Этот грандиозный проект он предложил фестивалю «Арена ди Верона». И осуществил его в 1988 году в кратчайшие сроки при участии огромного хора, оркестра, 100 танцовщиков. Солировал Владимир Васильев – первый грек Зорба.

Для Казани он создал новый вариант. В мужском (по сути) балете два героя – Зорба и западный интеллектуал – путешественник Джон, приехавший на Крит. Личности, полярные во всём, они будто олицетворяют двух эллинских богов, покровительствующих танцу. Стихийный дионисиец, конечно же, Зорба. Джон – поклонник рациональной, гармоничной аполлоновской культуры. У них разный танцевальный язык – сложная современная классика у Джона, стихийный народный танец с виртуозными элементами – у Зорбы. Только в финале (в «сиртаки») он общий.

«Грек Зорба». Фото — Рамиса Назмиева
Есть в балете две женские роли. Вдовы Марины (её имя в переводе – море), бурной в своих эмоциях как эта стихия. Полюбив Джона и отказав ревнивому Манолису, она становится невольной жертвой местных традиций и вражды к чужестранцам. Люди её, как великую грешницу, побивают камнями. Трагична судьба и «ночной бабочки» мадам Ортанс. Больная и обречённая, она мечтает о свадьбе с Зорбой. Сочувствуя, он дарит ей иллюзию счастья, исполняет последнее желание, не покидает до смерти.

Балет идеально подходит казанской труппе. Её мужской состав на удивление сильный и разнообразный. Особенно в сфере героики и национального начала. Один краше другого исполнители центральных партий (Михаил Тимаев – Зорба, Антон Полодюк и Наиль Салеев – Манолис). По традиции фестиваля премьеру танцевал гость – Игорь Цвирко из Большого театра. Виртуозный, музыкальный и очень артистичный премьер специально подготовил партию. Она стала украшением его репертуара. Воплощена точно, тонко, очень эмоционально. Он – настоящий смекалистый народный герой, одновременно цельный и многоликий. Персонификация народного духа.

Ему ни в чём не уступает опытный премьер труппы Михаил Тимаев – сильный, волевой, мужественный. Грубый и нежный, эротичный и чуткий.

Аполлоновское начало воплощено в классическом танце исполнителей партии Джона (Вагнер Карвальо, молодой, перспективный Салават Булатов). Они – отличные премьеры с уверенной техникой.

Стихийный порыв к любви и свободе, сдержанный, благородный темперамент присущи Марине в исполнении бразильянки Аманды Гомес. Смелая, любящая, нарушившая вековые традиции, она погибает. Окружённая буйными, презирающими её сородичами, она напоминает ритуальную жертву на алтаре незыблемых законов предков.

Помимо человеческих радостей, страданий, печалей и смерти, есть в этом балете (во многом благодаря художнику Виктору Герасименко), ещё несколько пластов – исторический и космический. Древний амфитеатр напоминает сценическая конструкция, на боковых лестницах которой расположен многолюдный, статичный, но почти скрытый от зрителей хор, поющий на греческом языке. Значительна его роль. Огромные кариатиды, словно персонажи древней трагедии, с высоты безразлично взирают на мир людей у их ног. Они не всегда достойны божественного дара высших космических сил, каким является наша планета Земля. Она дана людям не для воин и вражды, а для жизни, счастья, любви…

Хороводы с греческих ваз напоминают танцы на возвышении над ареной. Там же появляются две певицы, комментирующие происходящее, поддерживающие героев, раскрывающие их страдания и страсти.

Огромна роль кордебалета, самозабвенно, порой даже неистово исполняющего непривычный для классической труппы хореографический текст. Чётко и синхронно работают не только руки – ноги. Самые разные эмоции выражают их раскрепощённые тела. Непростой путь при постановке прошла казанская труппа – от отрицания непривычной, новой пластики до полной самоотдачи. Она получает радость от танца, что зажигает зрительный зал. Так неистово сегодня мало кто танцует…

Общую грандиозную картину дополняет мощное звучание оркестра под управлением петербургского дирижёра Андрея Аниханова.

Лаконичны, близки к народным костюмы мужчин, свободны платья «под Грэхем» у девушек, Из общей стилистики выпадают неуместно фривольный наряд мадам Ортанс, костюмы под «балетных одалисок» из «Корсара» в сцене сладких, чуть ироничных эротичных фантазий Зорбы. Они – из другого спектакля.

«Грек Зорба» – новая страница в истории казанская балета. При том – убедительная и яркая. Главное – балет восторженно принимает зритель, ради которого (вовсе не для профессионалов и критики) ставятся спектакли.

Далеко не каждая труппа после столь динамичного, зажигательного спектакля ровно через день может достойно преподнести чисто классическую «Спящую красавицу» – образец «царства Аполлона», как часто называли Францию времён Людовика ХIV. По казанской традиции в ряде сольных партий выступили приглашённые артисты из Москвы и Петербурга. Для многих Казань стала местом дебюта в ролях, которых они не были удостоены в родном театре. Впервые фею Сирени станцевала Анна Тихомирова из Большого. Очень музыкально и артистично принцессу Флорину и Голубую птицу – Галина Гармаш (Московский театр Касаткиной и Василёва) и Иван Сорокин (Большой).

Партию принцессы Авроры исполнила прима Мариинского театра Мария Ильюшкина. Её героиня – идеальный образец удачной совместной работы старательной, въедливой балерины и её педагога Любови Кунаковой. Хорошо бы щедрее разукрасить прекрасно выстроенную партию индивидуальным артистизмом. Страх ошибки порой сковывал талантливую балерину. Достойным её партнёром в партии Дезире выступил петербуржец Тимур Аскеров.

Казанский фестиваль – всегда праздник, подаривший радость общения с шедеврами, интересными артистами. Билеты на представления не купить – они давно распроданы, а спектакли идут с аншлагами. Он так нужен зрителям, ценящим красоту на сцене, в зрительном зале, в фойе, где проводится очень познавательная выставка истории театра, юбилеев, новинок, фестивальных спектаклей. Изданы информативные буклеты.

Фестиваль – роскошный парад балетного искусства, который так ценил, к чему всегда стремился Рудольф Нуриев. Он бы гордился. А, быть может, сам станцевал грека Зорбу …

Фото предоставлены пресс-службой фестиваля

=====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Елена С.

Анастасии Смирновой всего 23 года, а на ее счету уже не один престижный балетный конкурс и статус солистки Михайловского театра Санкт-Петербурга.

Пришло время познакомиться с ней поближе! Начнем?

КТО

Анастасия Смирнова.

ГДЕ РОДИЛСЯ?

Санкт-Петербург.

ГДЕ ЗА МНОЙ СЛЕДИТЬ?

@anastasiia_smirnova_ в запрещенной социальной сети.

ЧЕМ ЗАНИМАЮСЬ?

Российская артистка балета, солистка Михайловского театра (Санкт-Петербург), лауреат Международного конкурса артистов балета Vaganova-prix (2018), лауреат Московского международного конкурса артистов балета (2022).

С ЧЕГО ВСЁ НАЧАЛОСЬ?

В четыре года начала заниматься художественной гимнасткой. Была в профессиональном спорте шесть лет, захотелось чего-то большего и поэтому решила поступить в Вагановское училище. Так началась моя карьера в большом балете.

В ЧЁМ МОЯ "ФИШКА"?

Я буквально живу на сцене. Танцую от души, проживая каждую роль. Получаю большое удовольствие от всех процессов, связанных с мой деятельностью. Одним словом, мною движет любовь, а это – залог успеха.

ДОСТИЖЕНИЕ ИЛИ ПРОЕКТ, КОТОРЫМ Я ГОРЖУСЬ?

Имею полный классический репертуар: «Лебединое озеро», «Щелкунчик», «Дон Кихот» и «Жизель». Станцевала в сумме 15 ведущих партий за четыре года работы в театре. Также выступала за рубежом: Америка, Япония, Малайзия и в странах Европы.

КТО МЕНЯ ВДОХНОВЛЯЕТ?

Майя Плисецкая – советская и российская балерина, сделала множество балетных проектов, невероятное исполнение и энергия на сцене.

Джулиан Маккей – премьер Баварского театра, имеет проект с Cartier, создатель собственного бренда под своим именем.

Брэди Фаррар – одаренный артист американского балета, в свои 19 лет поставил много своей хореографии.

Кристалл Пайт – всемирно известный хореограф, ассистентка Форсайта, балеты с огромным смыслом.

ФАКТ, КОТОРЫЙ ВЫ НЕ ПРОЧТЁТЕ ОБО МНЕ В СЕТИ?

Обожаю корейскую кухню.

ЧЕРЕЗ ПЯТЬ ЛЕТ Я...

Через 5 лет я хочу оставаться счастливым человеком и выражать свою любовь к миру через танец.

ПОЧЕМУ Я ДЕЛАЮ ТО, ЧТО ДЕЛАЮ?

Мне нравится то, чем я занимаюсь сейчас. Как и говорила ранее, мною движет любовь к своему делу.

ПОЧЕМУ ВЫ ДОЛЖНЫ МЕНЯ ЗНАТЬ?

Как деятель искусства, я хочу, чтобы балет вдохновлял людей и будущих артистов. Хочу давать возможность прикасаться зрителям к «прекрасному». Хочу дарить эмоции и красоту.

В ЧЁМ СИЛА?

В благородных намерениях и любви к своей профессии.

Елена С.

Игорь Цвирко – российский артист балета, премьер балета Большого театра, трижды номинант на театральную премию «Золотая маска», продюсер культурных мероприятий. Познакомимся с ним поближе?

1.⁠ ⁠Я единственный артист в своей семье – до меня никто ни по материнской, ни по отцовской линии не был связан с театром.

2.⁠ ⁠⁠Я самый молодой отец среди артистов балета в Большом театре. Когда родился мой сын, мне было 20 лет.

3.⁠ ⁠⁠Мой первый автомобиль – Лада Девятка. Помню, как папа мне подарил ее на 18-летие. И когда я получил права, ездил на работу на ней. Без кондиционера в жару стоять в пробках – это было запоминающееся «удовольствие».

4.⁠ ⁠Когда я был учеником в обычной школе, то танцевал на сцене Большого цирка на проспекте Вернадского. Участвовал в двух танцах – «Московские окна» и «Ямайка».

5.⁠ ⁠⁠Был одним из претендентов на роль Рудольфа Нуриева в фильме Рэйфа Файнса «Белый ворон».

6.⁠ ⁠⁠На голове есть длинный шрам, который получил в детстве: залез под качели, чтобы впечатлить ребят с района. Больше таким не занимался)))

7.⁠ ⁠⁠Я никогда как артист не танцевал на исторической сцене Мариинского театра и не был в зрительном зале.

8.⁠ ⁠В проекте «Мистерия», который я представлю 21 и 22 мая, третий спектакль – «Врубель. Демон», где с софитов спадает около сотни цветов, сделанных вручную. В финальной сцене спектакля спадают уже несколько тысяч лепестков роз.

Фото: Дарья Глухова

==================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ