Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2021-03
На страницу 1, 2, 3, 4, 5  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22871
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Мар 01, 2021 10:17 am    Заголовок сообщения: 2021-03 Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021030101
Тема| Балет, "Золотая Маска", БТ, Персоналии, ЕКАТЕРИНА ШИПУЛИНА
Автор| Арина Ильина
Заголовок| ЕКАТЕРИНА ШИПУЛИНА
"ЖИЗЕЛЬ", БОЛЬШОЙ ТЕАТР, МОСКВА

Где опубликовано| © Maskbook – интернет-ресурс Фестиваля «Золотая Маска»
Дата публикации| 2021 март
Ссылка| http://maskbook.ru/ekaterina-shipulina/
Аннотация| "Золотая Маска", ИНТЕРВЬЮ



# Балет/современный танец
# Женская роль
# Жизель


Для зрителей новой «Жизели» был составлен объемный и очень информативный буклет с историческими справками, хрониками, эскизами и гравюрами. Расскажите, пожалуйста, а с чего началась и как проходила работа над балетом с Алексеем Ратманским?

Начну с того, что работать с Алексеем — это всегда счастье! Он брызжет энергией, заряжая всех вокруг. Иногда кажется, что он может заставить танцевать даже камень. Спасибо ему за небезразличие, за преданность профессии. Работа с Алексеем всегда начинается с некой его вступительной речи о том, как он видит спектакль, как он видит ту или иную партию, роль. Что касается Мирты, то особо много разговоров не было. Мы сразу перешли к хореографии и новым нюансам.

Что касается хореографии, даже зрителям заметно, как ускорились темпы, как местами изменилась техника. Какие самые явные изменения в технике танца вы ощутили профессионально на себе? По-вашему, хореография Мирты стала более «винтажной» и менее «советской», если можно так выразиться?

Темпы действительно ускорились и достаточно ощутимо! В основном у Мирты поменялись подходы к прыжкам и некоторые па. Я танцую Мирту в трёх редакциях (Юрия Григоровича, Владимира Васильева и теперь Алексея Ратманского), и в самом начале репетиционного процесса у меня тело «на автомате» выдавало уже знакомую и затанцованную редакцию, срабатывала мышечная память. Местами Алексей заменил привычные подходы к большим прыжкам, так что иногда балерине просто нужно взлететь практически с места, и это сложнее. Добавлено множество движений, которых не было, про них Алексей говорил: «Мы не можем потерять эти движения!» Неправильно, наверное, будет сказать, что хореография стала винтажной, потому что все-таки техника танца за эти десятилетия шагнула вперёд и очень сильно.

В отличие от Жизели и Альберта, которые проходят длинный путь отношений и трансформации в первом и втором акте, история Мирты раскрывается в одном акте, в одной локации и в одной ипостаси. Как в таких ограниченных условиях возможно найти и донести до зрителя обновленный образ?

Что касается самого образа, то он не поменялся. Мирта — она и есть Мирта! Властная, холодная повелительница виллис, главная в своём царстве, не щадящая никого, кто попадает к ней. При этом я считаю ошибочным встречающееся мнение, что она злодейка. Я сама ее так не вижу.

Не могу не спросить про самокат, на котором «пролетает» Мирта. Несмотря на то, что он немного сбивает атмосферу таинственности, это не изобретение Алексея Ратманского, а воспроизведение исторического спектакля. В буклете даже приведена подобная карикатурная гравюра XIX века. Обговаривали ли вы эту сцену с хореографом? И как вы ее восприняли?

Самокат действительно немного сбивает зрителя с уже сложившегося, определенного настроения. И надо признать, что «лететь» на нем весьма неудобно. Я бы с бо́льшим удовольствием просто пролетела или пробежала! Тем более, что у некоторых зрителей (возможно, не очень подготовленных) это вызывает какой-то странный, на мой взгляд, приступ смеха. Но если балетмейстер так видит, то мы, артисты должны верить и пытаться воплотить задуманное в реальность.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22871
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Мар 02, 2021 8:13 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021030201
Тема| Балет, Урал Опера Балет, Премьера, Персоналии, Вячеслав Самодуров, Сальери, Август Бурнонвиль, Михаил Фокин
Автор| Анна Галайда
Заголовок| На самых кончиках пальцев
ПРЕМЬЕРА «УРАЛ БАЛЕТА» КАК МАНИФЕСТ

Где опубликовано| © COLTA.RU
Дата публикации| 2021-03-02
Ссылка| https://www.colta.ru/articles/theatre/26739-anna-galayda-ural-balet-posle-karantina
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Елена Шарипова и Иван Суродеев в балете «Видение розы»
© Ольга Керелюк / Урал Опера Балет


Выход из многомесячного карантина для балетных трупп оказался гораздо сложнее, чем можно было предположить, наблюдая классы на кухне, репетиции вариаций Одиллии на балконе и прочее домашнее творчество артистов, заполонившее прошлой весной глобальную паутину. Руководители компаний на все лады с лета стимулируют ускоренное возвращение привычной профессиональной формы. В Екатеринбурге Вячеслав Самодуров начал с того, что решил возобновить «Вариации Сальери» — одну из своих первых постановок, увенчанную в 2014 году тремя «Золотыми масками» и перебросившую хореографа-новичка и заштатную уральскую труппу в балетную высшую лигу. Сочетание блестящих и небанальных вариаций Сальери на тему испанской фолии, превращенной в драгоценный бордовый ларец сцены, белоснежных пачек и колетов с пуантовыми афоризмами — то саркастичными, то ироничными, то внезапно обезоруживающе-нежными — было безупречным.

Но в процессе работы над новой версией «Вариаций Сальери» возвращение балета в репертуар обрело новую тему. Если первый вариант спектакля был портретом молодого человека, внезапно обнаружившего в себе залежи хореографических идей, то второй оказался портретом труппы. Она за это время из полупрофессиональной превратилась в ладно скроенную, скоростную, современную и отвечающую на вызов не испуганным трепетом, а стальным драйвом. Такую, как сам Екатеринбург — меняющийся на глазах, превращающийся в европейский ухоженный город, но сохраняющий свою индустриальную природу и культивирующий собственное лицо. Хореографический текст «Вариаций Сальери», не утратив белькантовой легкости и насыщенности, обрел мощное большое дыхание, широту периодов, округлую мощь фразировки.

«Урал Балет» превратился в ладно скроенную, скоростную, современную труппу — отвечающую на вызов не испуганным трепетом, а стальным драйвом.

Для такого тридцатиминутного спектакля невозможно окружение «из подбора», предполагавшееся изначально. В паре оказался дивертисмент из «Неаполя» Августа Бурнонвиля, для балетоманов так же идеально дополняющий «Вариации Сальери», как для гурманов груша подчеркивает вкус прошутто. «Неаполь, или Рыбак и его невеста», патентованный шедевр датского классика XIX века, рассчитан на труппу, обладающую россыпью виртуозов, — поэтому на сцены прорывается нечасто и обычно в виде Pas de six либо третьего акта балета, где к этому большому ансамблю добавляется сногсшибательная по обаянию и технической сложности «Тарантелла». В Екатеринбурге эту конструкцию скромно надстроили «Балабилем» — номером из первого акта, анафемски сложным даже по сравнению с двумя другими и потому в дивертисменте «Неаполя» обычно не фигурирующим. Уже почти накануне премьеры добавленное в программу «Видение розы» выглядело посткарантинной профессиональной булимией — еще один легендарный балет, из репертуара дягилевских «Русских сезонов» начала ХХ века, как минимум требует на заглавную партию великого танцовщика.

Спектакли спаяны непривычным сегодня на российских балетных просторах стремительным темпом: постоянный соратник Самодурова — дирижер Павел Клиничев даже не сразу осмеливается задать его «Неаполю», но к «Видению розы» входит во вкус, а в «Вариациях Сальери» позволяет наконец и себе, и хореографии подлинную фолию, то есть безрассудство, помешательство. Оформление «Вариаций Сальери» (сценография Альоны Пикаловой, костюмы Елены Зайцевой) менять не стали. Для «Неаполя» и «Видения розы» художник Елена Трубецкова предложила свой дизайн, уравновешивающий красоты старинной хореографии: несколько ящиков и мотороллер «Веспа» в «Неаполе» и стулья фабрики «Братья Тонет», до недавнего времени стоявшие в партере екатеринбургского театра, в «Видении розы». Два спектакля оказались разделены помимо антракта черно-белыми кадрами беззвучно вальсирующей до полного изнеможения Вены.

Именно так танцует и екатеринбургская труппа, которой пандемия, травмы и болезни почти не оставили права на замены. В «Неаполе» Мария Михеева и Михаил Хушутин без всякой осторожности прокручиваются в воронках «Балабиля», Елена Шарипова и Анна Домке сами сияют от бриллиантового блеска своих пуантов в Pas de six, Арсентий Лазарев и Иван Суродеев с такой чистотой выписывают все бурнонвилевские двойные туры в воздухе, антраша и глубокие плие, будто предаются этим развлечениям на отдыхе. При этом 19-летний Суродеев через несколько минут меняет хирургическую скрупулезность Бурнонвиля на полетную свободу фокинского «Видения розы».

Но чего нет в этой программе, так это игры со стилизацией — и датский классицизм Бурнонвиля, и русский модернизм Фокина труппа осваивает под руководством своего худрука. Самодурова-танцовщика никогда не увлекали музейные формы бытования танца — в старой хореографии он выискивал ее вневременные и вненациональные достоинства, то, что может обогатить балет сегодняшнего дня. Его профессионализма оказывается достаточно, чтобы соединение «Неаполя» с «Видением розы» вдруг явило общие корни — старую французскую школу, полученную Августом Бурнонвилем от Огюста Вестриса и Пьера Гарделя, а Михаилом Фокиным — от них же через посредство Павла Гердта и Мариуса Петипа.

Самодуров и его «Вариации Сальери» продолжают ту линию «танцемании» (характерно, что именно так должен называться его готовившийся в Большом, но на полном ходу остановленный карантином новый балет), что началась четыре века назад в Парижской академии танца. Программа «Урал Балета» напомнила, что за столетия балет научился тому, что только предстоит освоить остальному миру, — удерживать равновесие в любых обстоятельствах и жить на самых кончиках пальцев.

===============================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Мар 31, 2021 10:45 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22871
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Мар 03, 2021 3:55 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021030301
Тема| Балет, «Лебединое озеро», История, Персоналии,
Автор| Павел Ященков
Заголовок| Мифы и реальность «Лебединого озера»: почему балерины отказывались танцевать
Где опубликовано| © Московский комсомолец
Дата публикации| 2021-03-03
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2021/03/03/mify-i-realnost-lebedinogo-ozera-pochemu-baleriny-otkazyvalis-tancevat.html
Аннотация|

Десять фактов из истории самой первой постановки самого популярного в мире балета

4 марта 1877 года в Москве на сцене Большого театра публике впервые был показан балет «Лебединое озеро». Казалось бы, об этом балете написаны тонны диссертаций, научных статей и книг и известно всё. Однако многое было открыто только в последнее время. Мы приводим 10 наиболее интересных фактов, а также сопутствующих им мифов из истории самой первой постановки самого известного в мире балетного спектакля, показанной в этот день 144 года назад.


ФОТО: EN.WIKIPEDIA.ORG

Факт №1 и сопутствующий ему миф: Многие уверены, что существует некая немецкая сказка о зачарованной злым волшебником девушке Одетте, превращенной колдуном в лебедя, о ее черном двойнике Одиллии, о влюбившемся в нее без памяти принце Зигфриде. На самом же деле такой сказки никогда не существовало. Ее просто придумали для балета. И споры о том, какие именно произведения мировой литературы являются источником сюжета «Лебединого озера», идут до сих пор. Большинство относят его к сказкам И.К.Музеуса «Похищенное оперенье» (или «Украденное покрывало») и «Бабушкина свадьба». Вполне справедлива и версия Юрия Слонимского о том, что образ злой колдуньи, оборачивающейся совой (колдун в облике коршуна или филина) и преследующей Одетту-Лебедя, связан с пушкинской «Сказкой о царе Салтане». Мотивы «Лебединого озера» можно обнаружить в сказках братьев Гримм, у Андерсена и даже в «Метаморфозах» Овидия, где один из персонажей бросается в образованное из слез матери озеро — оно фигурирует и в либретто балета Чайковского. А трагическая концовка «Лебединого озера» почти дословно цитирует «последнюю песню лебедя перед кончиной» из «Поэтических воззрений славян на природу» А.Н.Афанасьева.


СЦЕНА ИЗ II АКТА В ПОСТАНОВКЕ 1877 ГОДА
ФОТО: EN.WIKIPEDIA.ORG


Факт №2 и сопутствующий ему миф: Либреттистами балета «Лебединое озеро» считаются В.П.Бегичев и В.Ф.Гельцер — именно им приписывается сочинение популярного сюжета. И это тоже является мифом. Интересно, что авторы либретто не были обозначены в афише премьерного спектакля от 20 февраля (4 марта) 1877 года. Отсюда у исследователей и возник спор, кто же на самом деле придумал этот популярный сюжет? К единому мнению до сих пор не пришли. Одни отстаивают авторство все-таки Бегичева (причастность к либретто Гельцера почти всеми исследователями оспаривается), который был инспектором репертуара московских императорских театров и по долгу службы не мог указывать свое имя на афише. Но, как показывает самый авторитетный биограф Чайковского Александр Познанский, либретто скорее всего было сочинено хореографом первого спектакля Вацлавом Рейзингером. Но почти никто не оспаривает, что в сочинении сценария активно участвовал и сам композитор.

Факт №3: Связан с датой премьеры «Лебединого озера». По сообщениям газет того времени, она намечалась на ноябрь 1876 года, но состоялась только в марте следующего. Причем от чести станцевать в первом балете Чайковского артисты, как, впрочем, это нередко бывает в Большом театре и в наши дни, массово побежали отказываться, считая балет малоперспективным и невразумительным. Его даже называли сбором «невероятных диссонансов, бесцветных невозможных мотивов» — словом, «музыкальной какофонией»!

За написание музыки композитору заплатили огромную по тем временам сумму — 800 рублей. Столь большая сумма объяснялась тем, что музыку к балету в те времена писали только штатные композиторы, работавшие при труппе, и их работа оценивалась в два раза ниже. Чайковский же стал первым серьезным русским композитором, заинтересовавшимся балетом. «Я взялся за этот труд отчасти ради денег, в которых нуждаюсь, отчасти потому, что мне давно хотелось попробовать себя в этого рода музыке», — писал Чайковский Римскому-Корсакову.

Любопытно, что траты дирекция Большого театра решила частично возложить на артистов, за счет проведения бенефисов, билеты на которые стоили дороже, чем на обычные спектакли. Из исследования Сергея Конаева и Бориса Мукосея, основанного на анализе недавно найденных документов, скрипичного репетитора балета, а также журналов приходно-расходных сумм московской конторы императорских театров, деньги были «вычтены с первых четырех представлений «Лебединого» (по 100 рублей с вечера) с бенефициантов». Перекладывание выплаты в 400 рублей на артистов и бенефициантов казалось дирекции единственным способом заплатить композитору, не выходя из сметы. Таким образом первая исполнительница партии Одетты-Одиллии Полина Карпакова при сборе 1918 р. 30 коп. получила на руки только 677 р. 68 коп. В основном этим современные исследователи объясняют массовые отказы артистов от премьеры и бенефисов и постоянные перенесения даты первого спектакля. «Первый балет свой П.И.Чайковский написал для меня, но я отказалась танцевать в нем, до того Петр Ильич не знал технической стороны балета и до того неинтересно сделал его», — вспоминала много лет спустя балерина Лидия Гейтен. Именно ей, судя по опубликованным Сергеем Конаевым документам, и прочили танцевать премьеру. Такой отказ стал для композитора болезненной неожиданностью.

Факт №4 и сопутствующий ему миф: Долгое время считалось, что премьеру балета «Лебединое озеро» должна была танцевать не Гейтен, а Анна Собещанская, 35-летняя балерина и негласная хозяйка Большого театра того времени. Существует миф, будто 25-летний муж всесильной Собещанской, также танцовщик Большого, Виктор-Станислав Гиллерт распродавал бриллианты супруги, подаренные ей любовником, генерал-губернатором Москвы Долгоруковым. Продажа бриллиантов открылась, и по этой причине артистка, впавшая в немилость, была допущена лишь к четвертому представлению. Но скандал с балериной и ее молодым мужем случился, как выясняется, позже. На основе же анализа новых документов стало доподлинно известно, что в сезоне 76–77 года от своего бенефиса в «Лебедином» Собещанская отказалась по собственному желанию, получив взамен 1500 рублей серебром — обмен бенефиса на деньги в те времена считался особой привилегией. Бенефис ПРИШЛОСЬ танцевать Полине Карпаковой, которая также пыталась от него отказаться. Но принцем Зигфридом на премьере все-таки вышел муж Собещанской Виктор-Станислав Гиллерт. И после скандала с продажей бриллиантов его не уволили, а перевели в Петербург в связи с реформой, проводимой в 80-е годы в Большом. Много лет спустя он поможет Вацлаву Нижинскому с поступлением в театральное училище.

Факт №5 и сопутствующий ему миф: Знаменитое «черное па-де-де», без которого сейчас не обходится ни один балетный гала-концерт и называемое так от черной пачки Одиллии, на премьере 1877 года принц Зигфрид танцевал совсем не с Одиллией, как мы привыкли, а... (еще одна интрига, имевшая место в первом варианте балета) с поселянкой, которой сильно увлечен! У него, как и у Ромео до Джульетты, имелась пассия! А с Одиллией уже в третьем акте вместо привычного «черного» он танцует совсем другое па-де-де, известное сейчас как «па-де-де Собещанской» — да-да, все той же поистине вездесущей мадам Собещанской…

Факт №6: Несоответствие нынешнего либретто балета первоначальному. В первом варианте было множество совершенно неизвестных современному зрителю героев: помимо нынешнего злого гения фон Ротбарта (был проходным персонажем) на балу появляется барон фон Штейн, его жена-баронесса и их дочь, а затем некий Фрейгер фон Швальцфельс, тоже с женой. Одной из главных ролей была роль рыцаря Бенно фон Зомерштерна, друга принца. А Одетта в первой версии оказывается совсем не обычной девушкой, превращенной злым волшебником в птицу, а довольно могущественной феей, которая днем превращается в лебедя по своей воле, чтобы с подругами, «весело рассекая грудью воздух, летать высоко-высоко».

«Злые чары в версии Чайковского-Рейзингера олицетворял не Ротбарт, как теперь, а злая мачеха-колдунья, новая жена отца Одетты, которая обращается в сову и хочет извести свою падчерицу. В перечне действующих лиц этой самой мачехи-совы нет и в помине, поскольку её роль в спектакле выполняла кукла-муляж летающая над сценой сверкая зажженными глазами и размахивая крыльями»

Факт №7 и сопутствующий ему миф: Принц Зигфрид в первоначальном либретто является отнюдь не меланхоликом из современных версий, а весьма ветреным молодым человеком. Он охотно выпивает с друзьями (до сих пор в «Лебедином» сохранился «танец с кубками»), после выпивки идет в лес пострелять дичь. Ну и за барышнями он не прочь поволочиться: в первом действии увлекается местной поселянкой, с которой и танцует на музыку «черного па-де-де», а на балу, уже после клятвы верности Одетте, попадает под чары Одиллии. Интересно, что и Одиллия не является в версии 1877 года двойником Одетты, с которой принц ее путает на балу. Она только похожа на нее, да и то не слишком. Одно время считалось, что партию Одетты и Одиллии на премьере исполняли две разные балерины. Карты путала афиша, где на месте имени исполнительницы роли Одиллии стояли три звездочки. Сегодня же с помощью рецензий, появившихся в прессе, вопрос решен окончательно и бесповоротно: на премьере, как и сегодня, партию Одетты и Одиллии исполняла одна и та же танцовщица. «Принц влюбляется в дочь злого волшебника, похожую на Одетту (играет та же артистка), и просит ее руки», свидетельствовал журнал «Суфлер», описывая вторую редакцию этого балета, поставленную в Большом театре датским балетмейстером Гансеном.

Факт №9 и сопутствующий ему миф: Во всех учебниках по истории хореографии написано, что балет, впервые явленный на свет в Большом театре в 1877-м, провалился. Тем не менее простая статистика докажет, что это не соответствует действительности: «Лебединое» шло 6 лет (с перерывом в 1 год), его показали 41 раз, в то время как другие спектакли не выдерживали и 18 показов. Вполне успешной оказалась постановка и в финансовом плане: затрачено на нее было всего 6 тысяч 792 рубля 37 копеек, а сбор только на премьере 4 марта 1877 года дал 1 тысячу 918 рублей 30 копеек. Правда, в дальнейшем сборы падали. Второй спектакль дал 877 рублей 10 копеек, третий — 324 рубля. Когда роль перешла к популярной Собещанской, сбор поднялся до 987 рублей, но постепенно опустился до 281 рубля, давая в дальнейшем 200–300 рублей (самый низкий сбор был 7 ноября 1878 года — 209 рублей 40 копеек). Тем не менее все затраты на спектакль были отбиты.

Факт №10 и сопутствующий ему миф: И это, наверное, самый удивительный факт в этой истории: озеро под таким названием в действительности существовало во времена Чайковского в Баварии.

Существует оно и до сих пор, а невдалеке от него расположился построенный по приказу баварского короля Людвига II замок Нойшванштайн, то есть новый Лебединый замок (есть во владениях короля и старый). Сообщение о кончине баварского короля произвело на Чайковского чрезвычайно сильное впечатление. Композитор назвал ее ужасной, а обстоятельства, приведшие к ней, злодейством. Как мы уже знаем, принц у Чайковского, подобно «лебединому королю», тоже гибнет в водах разбушевавшегося Лебединого озера, хотя происходит это почти за 10 лет до реальных событий: король Людвиг Баварский утонул в 1886 году.

Быть может, тайну Лебединого озера сумел разгадать хореограф из Гамбурга Джон Ноймайер, поставивший к столетию балета в 1976 году свою версию. Ее главным героем стал несчастный «лебединый король», которого преследует в спектакле некий черный человек-тень, его мистический возлюбленный.

=====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Мар 31, 2021 10:49 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22871
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Мар 04, 2021 4:37 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021030401
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Екатерина Шипулина
Автор| Екатерина Борновицкая / Фото: Алиса Асланова
Заголовок| ЕКАТЕРИНА ШИПУЛИНА
Где опубликовано| © La Personne.
Дата публикации| 2021-03-04
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/ekaterina-shipulina-bolshoi/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Екатерина Шипулина – прима-балерина Большого театра, которая с первого знакомства очаровывает элегантностью, простотой и искренностью в общении. В большом интервью для La Personne Екатерина рассказала о женственности, мотивации и неожиданных ролях.



Екатерина, в одном интервью вы сказали, что «артист – это зритель». Сейчас на протяжении долгого времени артисты были лишены сцены, лишены зрителя и энергии зала. Вы чувствуете какие-то последствия этого периода? Что-то поменялось в вашей жизни, в артистическом мировосприятии?

Карантин показал нам, артистам, что наша профессия не подразумевает работу онлайн, удаленную работу дома, потому что необходимы определенные условия, в которых мы занимаемся, и также нам необходима сцена. И, конечно, этот адреналин… энергию, которую мы получаем от зала, сначала отдавая ее зрителю, это ни с чем нельзя сравнить.

Сидя дома, мы поняли, как изголодались по сцене. Карантин случился в начале весны, и все говорили: «Господи, как мы устали за зиму! Как хочется отдохнуть! Сейчас бы куда-нибудь полететь… или просто посидеть дома». И вдруг всех закрыли дома. И все сразу сказали: «Почему мы сидим дома?! Надо что-то делать!» Но куда-то уйти или уехать невозможно. Все закрыто. И заниматься в принципе невозможно. Были организованы небольшие группы по Zoom. Но занятия в домашних условиях больше напоминали встречи ради веселья и общения, потому что в нашей профессии невозможно достичь успехов, занимаясь дома и «держась за подоконник».

А насколько тяжело было восстанавливаться именно морально?

Физически ты просто не мог заставить себя заниматься на карантине. Одно дело, когда ты знаешь, что через неделю, через месяц – спектакль, ты мобилизуешь все силы и входишь в форму. Ты всегда знаешь, сколько можешь позволить себе пропустить перед спектаклем в зависимости от его сложности, сколько тебе нужно времени для подготовки. Но когда ты сидишь дома в полной неопределенности… Позанимаешься ты или не позанимаешься… Естественно, перевес всегда был в сторону «не позанимаешься» (улыбается).

Когда нет спектакля, нет мотивации, тело просто отказывалось двигаться.

А морально было тяжело в том плане, что никто не знал – вернемся мы или нет, будет ли у нас работа. По примеру западных трупп, где на сезоны вперед отменяли все спектакли, нам казалось, что будет то же самое.

Когда мы открылись, когда пошли первые спектакли, но с ограничениями по количеству зрителей, естественно, это уже был праздник, это было ни с чем не сравнимое удовольствие – просто выходить на сцену. Все уже хотели выходить даже при пустом зале, хотя это всегда очень грустно. Потому что ты выходишь, выкладываешься на 200 процентов, а обратно никакой энергии не возвращается – как будто ты просто репетируешь оркестровый прогон на сцене. Конечно, для артиста спектакли, зрители, эмоции – все это очень важно. Наверное, это самое важное.

Около двух лет назад вы стали художественным руководителем балетной школы для детей. Расскажите, как вы пришли к руководящей должности? И с какими моментами вы столкнулись в новой для вас деятельности?

Для меня это в принципе было необычно – еще пять лет назад мне и в голову не приходило, что я буду преподавать. Я всегда думала, что к этому нужно прийти, либо с этим нужно родиться. Очень часто бывает, что блестящие танцовщики, прима-балерины не становятся гениальными педагогами. И наоборот, артисты, которые не достигли наивысшей славы, могут быть потрясающими педагогами. Это тоже божий дар и талант. Его можно приобрести, но все же это не то ремесло, которому легко научиться. Это нужно чувствовать и проводить через себя.

Я смотрела на своих родителей (когда они ушли со сцены и стали преподавать) и думала, какая же это неблагодарная профессия. Ты вкладываешь все силы, эмоции, нервы, а на сцене может не произойти то, что ты требуешь от своих учеников. Я видела, как мама иногда приходила расстроенная, рассказывала, как они репетировали, все было хорошо и вдруг… что-то не пошло, ученица плохо станцевала. Или наоборот бывает – плохо репетирует, хорошо танцует. Этот вариант лучше (улыбается).

Я думала, что если я стану педагогом, у меня никаких нервов не хватит преподавать. Но с рождением дочери что-то поменялось в голове, и я стала по-другому смотреть на детей, проснулось что-то педагогическое. И вдруг поступает предложение стать художественным руководителем Центральной Балетной Школы, стать ее лицом. Я подумала, почему бы нет. Я уже много чего сделала в профессии и могу себе позволить сейчас немного оторваться от основного производства и посвятить себя еще чему-то новому и интересному. Ведь если совсем не пойдет, то всегда можно отказаться. Но эта история меня очень затянула. Я почувствовала, что уйду в это с головой, когда перестану танцевать. Занимаясь с детьми, ты понимаешь, насколько это тяжелый труд. Я просто преклоняюсь перед учителями, которые учат детей. Нужно такую нервную систему иметь! После общения с детьми ты выходишь как заряженная батарейка. Нет… сначала ты опустошен, как сдувшийся шарик, а потом окрылен и готов на подвиги.

А все-таки больше вас привлекает преподавание детям или преподавание взрослым артистам?

Я знаю, что многие артисты, когда заканчивают танцевать, не хотят заниматься именно с детьми, потому что это другая специфика, очень большая ответственность. Они хотят репетировать со сложившимися артистами: творить, передавать свои партии, опыт, мастерство… Действительно, хочется сохранить традиции, которые нам передавали наши педагоги, чтобы это никуда не ушло. Как говорится, из рук в руки, из ног в ноги мы передаем это из поколения в поколение посредством своего танца и живого общения. Мы живем в эпоху колоссального прогресса, и помимо классических спектаклей существует огромное количество современной хореографии, и даже такая современная хореография, которую можно танцевать не учась в хореографическом училище. Это другие направления, все имеет место. Я сама всегда с удовольствием участвую в проектах с современной хореографией, но всему основа классика, и мы не должны ее потерять. Однозначно.

Как вам удается совмещать работу в театре, притом что вы много задействованы в репертуаре, с руководством школой? К тому же, вы еще и мама…

Приходится совмещать. Как говорят, чем больше времени, тем его меньше хватает. Ставишь приоритеты. Думаешь, не пойду на встречу, не пойду в кино… Хотя я очень люблю театральные премьеры и стараюсь их не пропускать. Но иногда жертвуешь этим, чтобы посмотреть за своими питомцами (улыбается).

У вас очень богатый репертуар. Вы исполнили множество ведущих партий. Наверное, они все по-своему дороги и любимы. Но, возможно, есть роли, которые оказали на вас большее влияние, оставили глубокий след? Стали переломными в карьере?

Когда я пришла в театр после училища, в основном шли классические спектакли. Это наша «нетленка» – «Лебединое», «Дон Кихот», «Ромео и Джульетта» тогда еще Лавровского. И весь репертуар Юрия Николаевича Григоровича. Конечно, я начала с классических партий в кордебалете и потом, пройдя всю иерархическую лестницу, стала танцевать ведущие партии. Даже не знаю, какую партию выделить… Ко всем ролям я подхожу очень трепетно. Есть хорошее сравнение – каждую партию ты вынашиваешь, как ребенка. Ты ее готовишь, с ней живешь, и вот эта роль родилась. А ты потом наводишь лоск. Марина Викторовна Кондратьева, с которой я начинала свой творческий путь, всегда говорила: «Ну, вот премьера прошла, а теперь начинается работа!»

Надо сказать, что сейчас спектакли готовят на раз, как блинчики пекут. Когда я пришла в театр, на подготовку нового спектакля давали три недели-месяц, чтобы ты мог основательно подготовиться. Потому что плохо подготовленный спектакль – это плохой спектакль на всю жизнь, ты его уже лучше не сделаешь. Нужно фундаментально все отработать, а после искать нюансы, краски. Также у балерины никогда не бывает двух одинаковых спектаклей того же «Лебединого озера». Всегда все по-разному.

А сейчас «блочная» система не дает возможности каждый месяц танцевать свои любимые – «Лебединое озеро», «Спартак», «Легенду о любви», «Дон Кихот»… И бывает, что спектакль танцуешь раз в год, и ощущение, что опять заново его готовишь. Получается, что на протяжении 20 лет ты готовишь все спектакли практически заново. Вроде уже танцевал, все знаешь, но каждый раз что-то новое.

А на сегодняшний день есть партия, которую вы не исполнили, но очень бы хотели?

И главное – не станцую уже (смеется).

Спектакль «Баядерка». Изначально я естественно стояла в кордебалете – в тенях, в гранд па… И вот мне доверена партия Гамзатти. А дальше просто не сдвинуть. Я всегда хотела приготовить Никию. А мне говорили, «зачем тебе Никия, у тебя есть Гамзатти».

Но я все равно репетировала Никию, показывала руководству, было одобрено, мне дали спектакль. Но тут руководство сняли. Второй раз готовлю спектакль, и снова руководство снимают. Третий раз – у меня случается травма. Четвертый раз – уже сама говорю, что боюсь показывать спектакль. И вообще, в положении прима-балерины ты уже можешь выбирать, что хочешь станцевать… Но почему-то не складывается с этим спектаклем и все! Может, мне действительно не надо его танцевать? Я сейчас репетирую с Надеждой Грачевой, а она признана лучшей Никией. Возможно, меня судьба и отводит – лучше нее я уже не станцую, а хуже быть я просто не хочу и не имею права.

Благо сейчас есть такое количество современных хореографов и неоклассики. И можно попробовать себя в различных стилях, в различных направлениях. Спектакль могут поставить специально на тебя. Нет такого, что случается забвение, если вдруг надоела классика, и ты уже не можешь танцевать «Лебединое озеро», тебе надоели пачки и хочется чего-то новенького. Есть огромный выбор, где ты можешь себя проявить.

Какие роли в карьере оказались для вас самыми необычными, может, в какой-то степени идущими вразрез с вашим амплуа?

Из последнего – балет «Сильфида». Никогда в жизни не думала, что буду танцевать «Сильфиду», так же как и «Пламя Парижа», когда у нас руководителем был Алексей Ратманский. Я и подумать не могла, что буду танцевать Жанну, потому что есть стереотип, что ее танцуют крепкие девочки небольшого роста. И вдруг я вижу свою фамилию в афише и практически падаю в обморок. Я даже зашла и спросила – «Вы не пошутили?» А мне отвечают: «А вы что, не хотите?» — «Нет, очень хочу!» – «Значит, идите, работайте».

Тогда Алексей вдохнул в меня уверенность в том, что я могу все – а даже если не могу, то всегда научусь (улыбается).

А тут «Сильфида»… Многие считают, что этот образ совершенно мне не подходит, потому что привыкли видеть во мне волевую «героическую» артистку, и все мои партии – драматические, серьезные. И вдруг – дитя воздуха… Но мы решили рискнуть, попробовать и сломать все стереотипы и предубеждения людей. Удивить.

Судя во вашему Инстаграм, вы очень активный и спортивный человек. Помимо ежедневного экзерсиса и репетиций, вы ходите в спортзал, плаваете, в том числе плаваете в проруби. Это дополнительные способы поддержания формы или все-таки больше неуемная жизненная энергия, которую нужно выплеснуть?

В проруби не плаваю, конечно, в правильном понимании (смеется).

Иногда времени совсем не остается, но я стараюсь ходить в бассейн. Не ради физической нагрузки, а больше для расслабления. Это нам не противопоказано, а наоборот полезно для позвоночника, суставов, мышц. Я же не плаваю как спортсмен на скорость, или специальными стилями. А в спортзал… Естественно, когда очень много репетиций , не получается. Но стараюсь выбираться каждый понедельник и на неделе, если поменьше репетиций, потому что нагрузка у нас все равно достаточно однотипная, особенно если ты репетируешь один спектакль, то каждый день много часов подряд повторяешь одни и те же движения. И у тебя задействована определенная группа мышц, а другие при этом вообще не работают. Поэтому, чтобы компенсировать, я иду в спортзал.

О вас многие говорят, как о человеке легком в общении. И вы разговариваете со всеми людьми на равных. Что, наверное, скорее редкость среди людей, добившихся славы и признания. И все-таки изменил ли вас успех, статус прима-балерины, народной артистки России? И если изменил, то как?

Изменил, но больше не в человеческом плане… Когда я была маленькой, только пришла в театр, мы сидели в придворных и смотрели, как танцуют балерины. Я тогда думала – «Когда я добьюсь положения, стану примой, то смогу позволить себе ходить с пятки по сцене. Что захочу, то и буду делать – хочу танцую спектакль, хочу нет» (улыбается).

Но когда у тебя появляется звание, ты вдруг понимаешь, что у тебя нет права на ошибку. И это такой груз двойной ответственности. По молодости тебе могут простить, если что-то не получилось. Молоденькая, неопытная, еще получится. А когда ты народная артистка и прима-балерина, ты понимаешь, что должна выйти и сделать все идеально, потому что на тебя смотрят, с тебя берут пример. И получается, что ты вообще не можешь расслабиться. Не то что с пятки ходить и выбирать себе, что будешь или не будешь танцевать, а ты должен постоянно работать над собой, работать в два раза больше.

Вы всегда очень красиво одеты. У вас есть определенный читаемый стиль. Вы самостоятельно создаете свой образ или прибегаете к помощи стилиста? И вообще, что такое стиль в вашем понимании?

Мне кажется, стиль, как вкус – либо он есть, либо его нет. Думаю, можно научиться стилю, если тебя грамотно направят. Но мне, наверное, повезло, и за это спасибо моим родителям, что у меня он врожденный. К стилистам никогда не обращалась. И в принципе все подбираю зрительно, на интуитивном уровне – «нравится, не нравится». Некоторые смотрят новые коллекции, собирают образы… Я понимаю, что угнаться за модой просто невозможно, особенно с нашим графиком. Ты только вышел в магазин за новинкой, а она уже прошлогодняя, уже вышли новые (улыбается). Иногда мода бывает настолько экстравагантной, и ты понимаешь, что можно быть модным, но тебе это совершенно не пойдет. Поэтому я избегаю вещей, которые наденешь один раз, все их заметят, и больше ты не рискнешь в них появиться. Как в фильме говорилось – «На работу нескромно, в театр вызывающе» (смеется). И, конечно, когда бежишь на работу или гуляешь с ребенком, хочется чего-то комфортного, на каблуках не походишь.

На настоящем этапе вашей жизни, что для вас самое главное?

Думаю – моя семья. Однозначно. Я во время пандемии осознала, что ничего важнее семьи в принципе нет. Вся эта работа, суета… мы так переживаем, нервничаем из-за спектаклей, травм… Да, конечно, бывает очень обидно, досадно и страшно потерять спектакль, вылететь из обоймы из-за травмы, но это все равно ничто по сравнению с теми бедами, когда люди теряют своих родных.

Блиц

Первый выход на сцену

Мои родители были премьерами Пермского театра оперы и балета, у нас, детей, была прерогатива – еще до поступления в училище мы участвовали в опере «Липанюшка», были птичками. Правда, тогда еще сами не осознавали, что делаем (улыбается).

Лучшее качество женщины

Терпимость.

Лучшее качество мужчины

Хотя, про терпимость не знаю… У обоих, наверное, все-таки – чувство юмора. Потому что терпимость это хорошо, но без чувства юмора даже она не поможет (смеется).

Способность, которой хотелось бы обладать

Научиться петь. Вокруг все поют, и уже неловко, когда предлагают – давайте все вместе споем! Ты понимаешь, что есть слух, ты музыкален, но ты не можешь голосом воспроизвести ноты. Я не понимаю, как это сделать. Мы сейчас дочку отдали на вокал. И я думаю, может, на следующее занятие сходить с ней.

Три вещи, которые всегда с вами

Сейчас это – маски, антисептик и перчатки (смеется).

Личность в балете, которой вы восхищаетесь

Это скорее собирательный образ. Определенного кумира нет, ненавижу это слово. Но с детства все говорили: наверное, твой кумир – твоя мама. Нет, она моя мама в первую очередь. Я от каждой балерины пытаюсь взять самое лучшее, потому что у одной – что-то одно хорошее, у другой – другое. И когда это все вместе собираешь, рождается невероятное.

Балет в трех словах

Жертвы, упрямство, фанатизм. Без этого никак (смеется).

Яркое воспоминание из детства

Путешествия с родителями. За границу с детьми они не выезжали, но по России они брали меня и сестру с собой, и это была возможность побывать в разных городах – в Сочи, например, где они гастролировали, мы часто отдыхали.

Любимый парфюм

Уже 20 лет я пользуюсь одним и тем же и сколько раз мне не предлагают попробовать что-то новое, я отказываюсь. Мой фаворит — Hermes Rose Ikebana.

Любимый город

Город, в котором я живу – Москва.

Город, в который вы хотели бы поехать, после того, как откроют границы

Их так много… Нью-Йорк, Лондон, Париж, Мадрид! Я хочу побывать везде! Мы, люди путешествующие, выезжали практически каждую неделю, иногда два раза в неделю. И сейчас сидеть на одном месте – это что-то страшное. Я думаю, НАДЕЮСЬ, что в ближайшем будущем все откроется.

Вы сейчас читаете…

Будучи молодой мамой, в основном читаю про детскую психологию, поскольку у меня первый ребенок, и для меня это все новое.

Любимая книга

Их много. В детстве любила «Капитана Врунгеля» (смеется).

Любимый писатель

Люблю Чехова, Достоевского, Толстого, Диккенса.

Секрет успеха

Желание добиться его и нежелание сдаваться. Целеустремленность иногда фанатичная – «цель вижу, препятствий не замечаю». Если давать себе какие-то поблажки и скидки, то ничего не получится. Нужно либо отдаваться целиком, либо не начинать.

Секрет женской привлекательности

Быть собой, быть естественной и, как бы это грубо ни прозвучало, не экспериментировать с тем, что дала природа – со своей внешностью, а просто за ней ухаживать и поддерживать в должном состоянии. Потому что природа помудрее нас будет, и если она так задумала, то не надо себе что-то перекраивать и переделывать.

Отношение к социальным сетям

Спокойное, без истерик. Я состою в Instagram и Facebook. Бывает, каждый день есть какой-то новостной повод, но просто так вымученные посты я не делаю. Сейчас так получилось, что полмесяца было не до фотографий. Какие-то дела, заботы, много работы… Многие говорят, что у них зависимость, люди каждый день смотрят свои лайки, у меня такого нет. Могу заходить, могу не заходить, но в целом отношусь положительно. Есть мнение, что соцсети отрицательно влияют на человека, но сейчас это часть нашей профессии, поскольку все состоят в социальных сетях, и очень много информации проходит через интернет – мастер-классы, и даже онлайн спектакли… Мы не можем это игнорировать, иначе про нас не будут знать. Это как у драматических артистов, которые по 40 лет играют на сцене, являются трижды народными, но не снимаются в сериалах, и их вообще никто не знает. Такое, к сожалению, тоже бывает.

Ваше состояние духа в настоящий момент

Боевое. Как всегда!

===========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22871
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 05, 2021 1:59 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021030501
Тема| Балет, Национальная опера Украины, «Лилея», Персоналии,
Автор| Лариса Тарасенко
Заголовок| Гимн всепобеждающей любви
Где опубликовано| © Газета "День" №39-40, (2021)
Дата публикации| 2021-03-05
Ссылка| https://day.kyiv.ua/ru/article/kultura/gimn-vsepobezhdayushchey-lyubvi-0
Аннотация|

9 марта, по традиции, ко дню рождения Тараса Шевченко Национальная опера Украины покажет балет «Лилея» Константина Данькевича


ФОТО ПРЕДОСТАВЛЕНО НАЦИОНАЛЬНОЙ ОПЕРОЙ

Либретто создано Всеволодом Чаговцем по мотивам поэтических произведений Кобзаря. Постановка, которая в настоящее время идет на столичной балетной сцене, была осуществлена в 2003 году выдающимся украинским танцовщиком и балетмейстером Валерием Ковтуном, дирижером Алексеем Бакланом, художниками Вячеславом Окуневым и Ириной Пресс.

За восемь десятилетий со дня первой постановки несколько поколений лучших артистов балета пропустило через себя поэтическую силу шевченковских лирических героев. Партитуру воплощали выдающиеся дирижеры — Я. Розенштейн, Б. Чистяков, А. Рябов.

В разных интерпретациях «Лилея» неоднократно воплощалась на киевской сцене: в 1940-ом — первая постановка Галины Березовой в художественном оформлении Морица Уманского и Алексея Бобровникова. После войны, в 1945 году состоялось возобновление в декорациях Анатоля Петрицкого. Следующая постановка Вахтанга Вронского в 1956 году в художественном оформлении Петра Злочевского еще и легла в основу фильма-балета, созданном в 1958 году Киевской киностудией им. А. Довженко — это был первый украиноязычный советский фильм-балет: режиссер Василий Лапокниш, дикторский текст из произведений Шевченко — Андрей Малышко (в главных ролях: Евгения Ершова, Роберт Клявин, Аркадий Аркадьев, Валентина Калиновская, Александр Сегаль. В 1976-ом собственную хореографическую версию создал выдающийся украинский хореограф Анатолий Шекера.

Значение балета «Лилея» в украинском хореографическом искусстве трудно переоценить: с него начался долгожданный путь интеграции в балетное искусство национальной литературной классики, в частности произведений Леси Украинки («Лісова пісня», «Камінний господар»), Ивана Франко («Каменярі»), Михаила Коцюбинского («Тіні забутих предків»), Михаила Старицкого («Маруся Богуславка», «За двома зайцями»), Николая Гоголя («Ніч перед Різдвом»), Бориса Гринченко («Русалчині луки»). «Лилея» стала настоящей школой, площадкой для экспериментов и поисков путей развития украинского классического хореографического искусства, сценографии, пластической драматургии. Пять постановок, пять воплощений лирико-романтического символа, созданного Кобзарем, — это путь поисков национальной подлинности украинской классической хореографии, которая заключалась в гармоничном сочетании фольклорной и классической лексики, в создании самобытного украинского балетного театра, путь взвешивания меры между социальной и романтической составляющей сюжета.

Постановка В. Ковтуна значительно отличается от предыдущих не только в танцевально-драматургическом плане, но и идейным наполнением. Затушевав излишне обостренный соци-альный фон спектакля, уместный во времена советской власти, постановщики поставили цель осветить весь лиризм музыки балета, которая отвечает красоте и величию романтической поэзии Тараса Шевченко. Балетмейстер, учитывая изменение балетной эстетики, под другим углом увидел произведение, испытанное на публике его предшественниками. Сделав акцент на народнопоэтическом мелосе, которым пронизана музыка Данькевича, балетмейстер предложил собственное виденье истории всепобеждающей любви с ее преданностью и жертвенностью — темы, которая пронизывает все творчество Тараса Шевченко.

Авторы современной постановки превратили «Лилею» из народно-романтической драмы в лирико-поэтическую поэму. Сохранив основной конфликт и развитие событий изначального либретто, постановщики пошли путем концентрации сюжетного действия, сократив его до двух действий: исключены целые картины, которые тормозили действие (цыганский лагерь, восстание крестьян). Автор музыкальной редакции А. Баклан, сократив часть авторской партитуры, в то же время расширил ее за счет близких по содержанию и стилю других произведений К. Данькевича — 2-й симфонии и поэмы «Тарас Шевченко», что помогло шире раскрыть напряженные основные моменты сценического действия, создать новый лирический эпилог — превращение девушки Лилеи, которая жертвует своей жизнью ради любимого, в прекрасный цветок. Ее жертвенность все же преисполнена романтического героизма, что в конечном итоге и отличает ее от сугубо романтической Жизели, потому что ее жертва осознанна, выбор, хотя и несет в себе порыв, остается за Лилеей, которая делает ее не только главной героиней до самого финала, но и отвечает пониманию современной романтической героини.

В этой постановке доминирует классика. Балетмейстер Валерий Ковтун, а в прошлом выдающийся классический танцовщик, «утонченный лирик и романтик балетной сцены», обогатил хореографическую партитуру классическими вариациями, дав талантливым и виртуозным современным исполнителям возможность продемонстрировать свое мастерство.

В спектакле, посвященном 207-го годовщине Тараса Шевченко, в главных партиях выступят пре-мьеры балета Национальной оперы Украины: Екатерина Кухар (Лилея) и Александр Стоянов (Степан), а также Виктор Щербаков (Князь), Дмитрий Бородай (Парубок), Ольга Скрипченко (Русалка), Андрей Гавришкив (Парис), Юлия Кулик, Анастасия Гурская, Марина Степанченко-Бондзюк (Богини).

Лариса ТАРАСЕНКО
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22871
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 05, 2021 8:24 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021030502
Тема| Балет, театр “Астана Балет”, Персоналии, Татьяна Тен
Автор| Ольга Шишанова
Заголовок| В праздник мимозы и солнца
Где опубликовано| © "Новое поколение" (Казахстан)
Дата публикации| 2021-03-04
Ссылка| https://www.np.kz/news.php?id=863
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Перед первым весенним праздником в столичном театре “Астана Балет” ожидается грандиозный гала-концерт, приуроченный к Международному женскому дню 8 Марта. Обещает блистать в нем и ведущая солистка, заслуженный деятель РК Татьяна Тен, которая накануне любезно согласилась на эксклюзивное интервью для “НП”



- Татьяна, вы танцуете и классический, и современный балет. Но что для вас труднее? Что интереснее? Что вам ближе?

- Откровенно говоря, современный балет я никогда не танцевала, пока не оказалась за рубежом, во Франции. Именно там я столкнулась с современной хореографией. Конечно, было сначала сложно, но потом я втянулась, причем пришлось осваивать самые разные техники - я танцевала и босиком, и на пуантах, да к тому же у разных хореографов. Но я бы сказала, что, если так посмотреть, то все сложно, но особенно - артисту классического репертуара перейти на современные хореографические элементы. Однако поскольку у меня все-таки есть опыт работы в Европе, а там ты танцуешь все - и классику, и современность, то я приучила свое тело, которое является рабочим инструментом, работать одинаково в двух направлениях.

Хотя поначалу, повторю, современная хореография давалась непросто, ведь это совершенно другой механизм, тогда как классический репертуар у нас больше проходит в неких рамках и мы буквально с детства к ним привыкаем. При современном исполнении тебе наоборот необходимо ощутить, прочувствовать эту свободу, причем не наработанную, а именно координационную - для твоего тела.

- Кто был вашим учителем, кто помогал вам совершать переход от классики к современному балету?

- Мне во многом помогал и подсказывал Казбек Ахмедьяров, который был ведущим артистом балета, а я начинала с кордебалета. А вот что касается непосредственно перехода... Ты можешь не понимать, но ты видишь, ты повторяешь, ты работаешь над собой. И именно это дает определенный результат. И когда приезжают разные хореографы, которые привозят с собой ассистентов, а некоторые из них предпочитают один сплошной “модерн”, вот тут все становится на свои места. Но при этом я бы сказала, что тебе все равно дают шанс попробовать и показать, сможет ли твой рабочий инструмент осилить будущие постановки в технике современной хореографии. Это твой шанс прислушаться к своему телу и суметь изменить, суметь приспособить его к необходимым требованиям. Думаю, мне это удалось, потому что я на физическом уровне ощущаю, что, когда уезжала во Францию, не была той балериной, которой являюсь сейчас. И у меня для этого есть, не поверите, некий стимул - розовое трико, которое я не особо люблю. Тем не менее я надеваю его и на репетиции, и на классы, чтобы постоянно напоминать себе, над чем я работала, над чем мне предстоит работать сегодня. При этом я соединила в работе над собой несколько школ - классическую, современную европейскую, Джорджа Баланчина, взяв отовсюду по чуть-чуть и получив в итоге свой собственный микс.



- Существует ли жесткая градация балетных школ в театре “Астана Балет”? Каково вам было приспособиться под принятый в нем стиль?

- Для меня это было совсем не трудно. Например, если говорить о балете “Щелкунчик”, который мы исполняем согласно хореографии русской школы Санкт-Петербурга, там все понятно - это четкость позиций, “круглые” руки, академизм. А вот если я танцую по Джорджу Баланчину, то это, наоборот, - свобода движений и рук, другая стилистика, смешанные позиции... Но “переобуваться” для меня теперь совсем не сложно, хотя, по моему мнению, всегда есть над чем работать, всегда необходимо оттачивать свое мастерство. Остается только мысленно себя, скажем так, “программировать” в тот или иной момент на классическое исполнение, либо, напротив, на современные элементы хореографии.

- Несколько слов о вашем репертуаре...

- В первую очередь я бы хотела упомянуть о балете “На грани” в хореографии Уильяма Форсайта, который, как мне кажется, ближе других подходит моему мировосприятию. Во-первых, тебе там никого не нужно играть, ты выходишь на сцену именно со своим темпераментом, показывая зрителю ту или иную сторону своего характера, ту или иную пластичность тела и манеру исполнения. Поэтому я считаю, что партия именно в этом балете четко передает мой характер.

Что касается классики, то мне нравится “Баядерка” Нуриева. Я танцевала не весь этот балет, а только третий, так называемый белый, акт.

Также мне близок и Август Бурнонвиль со своей “мелкой” техникой. Люблю “Щелкунчика”, в котором тоже необходимо уметь превращаться, перевоплощаться от девочки к подростку, а от подростка - к молодой женщине, причем я бы не сказала, что вся эта партия для балерины легкая. Так же, как и при исполнении “Золушки”...



- То есть?

- То есть этот балет ставился на меня. А когда это происходит, приходится пробовать прожить свою роль не единожды, а много раз. Это каждый раз новые движения, каждый раз новый подход, постепенное выстраивание роли. Однако, так как ты постоянно пробуешь что-то новое, сильно отдаешься этому процессу и быстрее устаешь. Причем как внутри - морально, так и снаружи - физически. При этом никто не отменяет твоего основного репертуара, который ты должна танцевать в любом случае. А иногда это совпадает с гастролями и учебой, со сдачей экзаменов, учебными сессиями. Однако к этому привыкаешь, и я принимаю свою жизнь такой, какая она есть сегодня.

Нур-Султан
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22871
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Мар 07, 2021 2:41 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021030701
Тема| Балет, театр “Астана Опера”, Персоналии, Алтынай Асылмуратова
Автор| Оксана Василенко
Заголовок| Наш балет растёт невиданными темпами!
Где опубликовано| © газета "Время" (Казахстан)
Дата публикации| 2021-03-03
Ссылка| https://time.kz/articles/grim/2021/03/03/nash-balet-rastyot-nevidannymi-tempami
Аннотация|

В 2015 году звезда мирового балета народная артистка России Алтынай Асылмуратова приехала из Санкт-Петербурга в Нур-Султан, чтобы возглавить балетную труппу государственного театра оперы и балета “Астана Опера”. Крупнейший театр Центральной Азии был возведен в нашей столице двумя годами ранее по инициативе первого президента Нурсултана НАЗАРБАЕВА, чтобы развивать в стране классическое искусство и открывать новые таланты, которые будут прославлять Казахстан во всем мире.



Понятно, что для воплощения задуманного лучшей кандидатуры, чем Асылмуратова, просто не было. Когда-то дочь заслуженного артиста Казахской ССР, солиста Казахского государственного театра оперы и балета имени Абая и художественного руководителя алма-атинского хореографического училища Абдуахима АСЫЛМУРАТОВА уехала учиться из родной Алма-Аты в Ленинград. Она стала примой-балериной легендарного Мариинского театра, танцевала в лучших постановках прославленного хореографа Ролана ПЕТИ в Британском королевском, Марсельском национальном балетах и во многих других знаменитых театрах мира. Также Асылмуратовой рукоплескали в Парижской опере в спектаклях знаменитого балетмейстера Рудольфа НУРЕЕВА. И вот она вернулась на родину, чтобы передать свой опыт.



- Пригласили - приехала, посмотрела и согласилась, потому что почувствовала здесь настоящую энергию роста! Мне понравилась молодая труппа, которая хочет работать и расти. Это всегда подкупает, - вспоминает руководитель балетной труппы “Астана Опера”. - Конечно, очень трудно, когда начинаешь с самого начала, с чистого листа, находишься у истоков, но зато это интересно. Тем более когда чувствуется поддержка и со стороны Министерства культуры, и со стороны руководства страны.

Алтынай Абдуахимовна работала в очень известных театрах, в зданиях с многовековой историей, но новое здание “Астана Опера” ее приятно поразило. По утверждению Асылмуратовой, среди новых театров наш можно назвать одним из лучших в мире.

- Это не просто современное аскетичное здание - коробка со сценой и холодным фойе, а красивый, выстроенный с большим вкусом и в хороших традициях театр. В нем чувствуется настоящая театральная аура, - подчеркивает знаменитая балерина. - И это не только мое мнение. К нам приезжает очень много зарубежных гостей: постановщики, балетмейстеры, и все они отмечают, что театр просто удивительный! Им казахстанцы могут гордиться как настоящим достижением за 30 лет независимости страны! И в этом красивом театре в молодой столице Казахстана я сразу определила свою задачу собрать в репертуаре лучшие постановки, которые были созданы за всю историю балетного искусства.

С тех пор “Астана Опера” выпускает по две балетные премьеры в год. Основу репертуара, конечно, составляют классические балеты “Дон Кихот”, “Баядерка”, “Лебединое озеро”, “Жизель”, “Корсар”, а также известные западные шедевры мировой хореографии “Собор Парижской Богоматери”, “Коппелия” Ролана Пети и “Манон” Кеннета Макмиллана. Но Асылмуратова считает, что нельзя обойтись и без современных постановок. Так, в феврале 2020 года состоялась грандиозная премьера масштабного проекта “Бетховен - Бессмертие - Любовь”, посвященного 250-летию великого композитора Людвига ван Бетховена, в котором помимо артистов балета были заняты и вокалисты, и хор.

Особое внимание Алтынай Абдуахимовна уделяет постановкам на национальную тему. Несмотря на пандемию, из-за которой работа была приостановлена почти на полгода, 15 и 16 декабря 2020 года состоялась премьера балета “Зов степи”. Над спектаклем, который не только рассказывает об истории и традициях казахского народа, но и заставляет задуматься о смысле жизни, Асылмуратова пригласила работать талантливого балетмейстера из Германии Патрика де БАНА.

- Мне хотелось сделать очень интересный, ни на что не похожий спектакль - модный, понятный на Западе, чтобы презентовать наш театр, нашу страну и наше балетное искусство за рубежом. Именно такая задача была поставлена передо мной Елбасы с самого начала, еще в 2015 году, - вспоминает Асылмуратова.

А уже через год, в 2016-м, Нурсултан Назарбаев назначил Алтынай Асылмуратову ректором Казахской национальной академии хореографии. Больше десяти лет она была художественным руководителем Академии русского балета имени Вагановой в Санкт-Петербурге, а теперь растит смену для отечественного балета.

- Радует, что в Казахстане очень много желающих поступить в наше учебное заведение. Это позволяет отобрать самых талантливых и способных детей, которые в будущем смогут украсить сцену казахстанских театров. Сейчас, конечно, существует практика, когда в театры берут артистов из разных стран. Но я принципиально стараюсь этого не делать, приглашаю на работу только своих - либо выпускников нашей академии, либо тех, кто окончил хореографическое училище имени Селезнева в Алматы. Считаю, что граждане Казахстана имеют право расти у себя дома, выступать на своих сценах. Тем более что у нас сейчас созданы уникальные, просто потрясающие условия для обучения артистов балета, - отмечает Асылмуратова.

Алтынай Абдуахимовне есть с чем сравнивать, и ее впечатляют замечательные балетные залы, оснащенный компьютерами учебный корпус, бассейн, тренажеры, общежитие и даже медицинское обслуживание - все в академии хо­реографии в Нур-Султане на высшем уровне. “И это при том, что нашей академии всего пять лет! Мы растем очень быстрыми, невиданными темпами”, - восторгается звез­да мирового балета. Но, конечно, самое главное в этом необыкновенно красивом, но очень трудном деле то, что есть профессиональный коллектив, команда единомышленников, нацеленных на успех.

- И я, как руководитель, не собираюсь останавливаться на достигнутом, нам нужно много работать, особенно сейчас, после карантина, который губительно сказался на балете, - говорит Алтынай Абдуа­химовна . - И мой девиз остается прежним - “Лучше и лучше, выше и выше!”, а среди множества задач я выделяю две главные - воспитывать молодежь и стимулировать артистов, приходящих в театр. Уже сейчас у нас есть солисты, которых приглашают на мировые сцены и которых не стыдно показать в мире. Надеюсь, что у нас будет больше выездов на гастроли. И тогда о театре “Астана Опера” заговорят во всем мире. Это и будет нашим главным подарком к 30-летию независимости Казахстана!

фото предоставлено пресс-службой театра “Астана Опера”, Алматы
========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22871
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Мар 07, 2021 8:38 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021030702
Тема| Балет, Большой театр Беларуси, Персоналии, Анна Фокина
Автор| Владимир Писарев
Заголовок| Ведущая балерина Большого театра Анна Фокина: «Мне всегда нравилось копаться, искать в себе черты своей героини»
Где опубликовано| © Минск-Новости
Дата публикации| 2021-03-07
Ссылка| https://minsknews.by/vedushhaya-balerina-bolshogo-teatra-anna-fokina-mne-vsegda-nravilos-kopatsya-iskat-v-sebe-cherty-svoej-geroini/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Занималась фигурным катанием, снималась в клипах, танцует и помогает ставить спектакли. Корреспондент агентства «Минск-Новости» пообщался с ведущей балериной белорусского Большого театра Анной Фокиной.



Сегодня выпускница Санкт-Петербургской консерватории имени Римского-Корсакова не только выходит на сцену, но и в качестве педагога-репетитора помогает коллегам готовить новые спектакли. Она обаятельна, умна, интеллигентна, с ней одинаково интересно поговорить не только о профессии, но и о музыке, кино, литературе и даже… об ушастом домашнем питомце.

— Кролику семь лет, с нами он живет около пяти, — рассказывает Анна. — Кто-то выкинул беднягу на улицу из-за неправильного прикуса. Верхние и нижние зубы не стачиваются, каждый месяц приходится у стоматолога их подрезать, чтобы он мог нормально питаться.

Это очень умное и дружелюбное животное. Любит усаживаться на свою клетку и наблюдать за происходящим. Не доставляет никаких хлопот, приучен к лотку, не каждый кот такой ласковый.

— Анна, вы, коренная минчанка, окончив в 1996 году хореографическое училище, уехали в Санкт-Петербург. Не видели здесь для себя перспектив?

— Видела, но хотела учиться, получить высшее образование в области балета. На мой взгляд, консерватория в Санкт-Петербурге, имеющая кафедру режиссуры балетного театра, — одно из лучших высших учебных заведений этого направления.

К тому же там была возможность танцевать. В консерватории есть театр оперы и балета, им руководил тогда Никита Долгушин, мой, можно сказать, творческий папа.

— Завидная целеустремленность для юной девушки.

— Я занималась фигурным катанием с трех с половиной лет. А когда с раннего детства попадаешь в спортивную среду, видишь цель и к ней идешь. С 1-го по 3-й класс училась в спецклассе, а потом поступила в хореографическое училище и со спортом распрощалась. Но и сейчас по возможности катаюсь просто для себя. Год назад решила, что пора ставить на коньки и 6-летнюю дочь. Я благодарна фигурному катанию. Во-первых, оно дисциплинирует. Во-вторых, занимаясь им, познакомилась с хореографией. Спорт однозначно пошел мне на пользу. И сегодня стараюсь поддерживать форму, отжимаюсь от пола, чтобы руки были сильными. Для балерины это важно.

В Питере жить

— Получить в детстве спортивную закалку, по-моему, очень важно.

— Если ребенку не нравится, его не заставишь. Дочка, например, решила заниматься шахматами и пока получает удовольствие. А сын пробовал себя и в плавании, и в футболе — не пошло. Зато сейчас, в свои 14, успешно оканчивает музыкальную школу по классу фортепиано.

— Как вам жилось в культурной столице России?

— Замечательно. Мы с приятельницей, тоже студенткой консерватории, сняли комнату неподалеку от альма-матер, в центре города, благодаря чему после лекций я имела возможность репетировать, танцевать и вечерами посещать музеи и театры. Мое мнение однозначно: в постоянном тренинге нуждается не только тело, но и мозг. Процесс этот должен продолжаться всю жизнь, независимо от того, сколько у вас высших образований.

— Свободного времени практически не оставалось?

— Да, но это было здорово. Санкт-Петербург — город с невероятными театральными традициями, причем рядом с консерваторией находятся и Михайловский, и Мариинка, и БДТ. У нас было много друзей-актеров в Молодежном театре на Фонтанке, это всё одна культурная среда. И когда мы с подругой сделали интересный спектакль, она в качестве хореографа, я — исполнительницы и балетмейстера-репетитора, задействовали в нем прекрасного актера из того же Молодежного Романа Агеева.

— У вас и в консерватории, и потом в Михайловском театре, куда вы перешли после ее окончания, был шикарный репертуар.

— Мне очень повезло. В театре консерватории благодаря Долгушину мы научились понимать и ценить классическое наследие. Нигде больше я не танцевала, например, миниатюры Анны Павловой. Никита Александрович делал свою редакцию «Жизели», «Спящей красавицы», «Пахиты», «Дон Кихота» и так далее. Самым же ярким моим воспоминанием стала «Кармен-сюита». А в Михайловском был замечательный хореограф Николай Боярчиков, доверивший мне главные партии в «Щелкунчике», «Ромео и Джульетте», «Сильфиде», «Корсаре» и массу других замечательных ролей.

— Возвращение в Минск в 2008-м стало для вас органичным?

— Да, абсолютно. Валентин Елизарьев в 2007-м праздновал юбилей, и я поздравляла его от имени кафедры хореографии консерватории, которую он в свое время тоже оканчивал. Артисты моего поколения росли на спектаклях Валентина Николаевича. Когда я поступала в консерваторию, на вступительных экзаменах балетовед Ольга Розанова, узнав, что я из Минска, задавала мне много вопросов, касающихся его творчества. Было очень приятно.

В поисках образа

— В белорусском Большом диапазон сыгранных вами ролей заметно расширился?


— Конечно. В моей копилке много спектаклей, и каждый стал по-своему уникальным. В «Бахчисарайском фонтане», например, мне довелось воплотить два совершенно разноплановых образа — Марию и Зарему. Премьера «Рогнеды» состоялась, когда я выпускалась из училища. С этого балета начался в 2008-м мой творческий путь в Большом театре. Вот такие совпадения.

Вообще, у нас здесь прекрасный репертуар, и мне посчастливилось примерить на себя немало ролей, которых не было в Петербурге. В Минске удалось станцевать в «Серенаде» Баланчина, прикоснуться к творчеству замечательного хореографа Иржи Килиана, и я этим очень дорожу.

— Немало прекрасных балерин, начиная с Натальи Аринбасаровой и включая великую Майю Плисецкую, блистали на киноэкране. Вам с вашими выигрышными данными не предлагали сниматься?

— Однажды на выпускном курсе училища мне предложили роль в фильме, но для этого требовалось обучиться верховой езде. Времени на подобные эксперименты у меня не было, к тому же, полагаю, данный вид спорта не очень-то показан балерине (смеется). Таких попыток предпринималось несколько, я снималась в музыкальных клипах, мои фотографии есть в картотеках и здесь, и на «Ленфильме». Просто загруженность в театре не всегда совместима с графиком съемок, и тут выбор диктует профессия.

— А на сцене ощущаете себя драматической актрисой, нужно ли вам полностью перевоплощаться, вживаясь в образ?

— Поиск образа — важная и серьезная тема. Балет — пластический вид искусства и в первую очередь должен быть одухотворен. Мне всегда нравилось копаться, искать в себе черты своей героини, примерять на себя роль, обращаясь в первую очередь к литературному источнику. Не получится хорошего спектакля, если нет духовного наполнения, содержания.



— Партнер может быть удобным или неудобным?

— Может. Но мне везло всегда. Случалось всякое, мы живые люди, не роботы, у каждого свои проблемы и болячки. Однако нужно быть небезразличным и участливым человеком, внимательным, добрым, понимать, что делаем общее дело, уметь слышать друг друга. Ведь дуэт — это работа двоих.

— Вы как-то по-особому настраиваетесь на спектакль, в это время в вашу гримерку лучше не соваться?

— Нет. Я не из тех, кого считают затворницей, в гримерке не закрываюсь.

— Накануне Международного женского дня не могу не спросить: какие цветы вам нравятся больше остальных?

— Сирень и ирисы. А вообще я абсолютно все цветы люблю. Как можно не очаровываться обычной полевой ромашкой! А нашим мужчинам желаю дарить женщинам цветы не только в праздник, но и без повода.

Фото из архива Анны Фокиной

===========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22871
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Мар 08, 2021 5:43 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021030801
Тема| Балет, Ростовский музыкальный театр, Персоналии, Вита МУЛЮКИНА
Автор| Марина Каминская
Заголовок| Что обещают нам пуанты
Где опубликовано| © газета «Аксинья» (Ростов-на-Дону)
Дата публикации| 2021-03-08
Ссылка| https://www.nvgazeta.ru/news/12826/587476/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Есть ли такие леди, дамы, синьоры, фемины, которые не мечтали бы встать на пуанты? Ну хотя бы во сне? В чем тайна притяжения этих туфелек?

Попробуем разобраться вместе с лауреатом международных конкурсов, ведущей солисткой балетной труппы Ростовского музыкального театра, хореографом и педагогом Витой МУЛЮКИНОЙ.



Как Золушка при встрече с Королем

В балет приходят по-разному. Виту Мулюкину в хореографическую школу при Самарском театре оперы и балета привел папа. Он у нее – музыкант, первая скрипка в оркестре.

Будущей артистке было только шесть лет, и до того, чтобы встать на пуанты, надо было еще дорасти.

– Надеваем пальцы! – эта фраза звучит на репетициях спектаклей в разных театрах мира, в балетных училищах и академиях разных стран. Ведь название современных балетных туфелек произошло от французского слова pointe, означающего «острие», в том числе и «кончик пальца».

Становиться на пуанты ученицам балетных школ и студий не разрешается раньше восьми-девяти лет: пока не окрепнет стопа.

Сначала маленькие балерины танцуют в гипсовых пуантах: туфельках, часть которых сделана из гипса. Такие туфельки помогают поддерживать еще не вполне окрепшую стопу. Они устойчивее тех, в которых танцуют сегодня на профессиональной балетной сцене.

Артистки балета исполняют на сцене свои партии, а за кулисами их ждет… швейный набор: иголки, ножницы и нитки. Это, как говорится, на всякий пожарный случай: если туфелька потребует небольшой, но срочной починки.

Будущие балерины сызмальства учатся виртуозно пришивать к пуантам крепежные ленты. О, это – целое искусство! Ведь крепить ленты надо изящно и прочно, без узелков (иначе – мозоль!), наиболее выгодно для подъема ноги, который должен смотреться красиво.

Так что если бы даже начинающей балерине встретился король, у которого кружевной воротничок порвался на самом видном месте, она бы легко и просто устранила эту беду. Как Золушка в известной киносказке.

Пуанты и технический прогресс

Стоит кликнуть в Сети «пуант» – и появится множество статей. Вот только многое в них уже устарело. И часто там сообщается о вчерашнем дне балетных туфелек.

К примеру, часто пишут, что балеринам на один спектакль требуется от двух до пяти пар пуантов – так быстро они изнашиваются и истираются.

– Быстрее всех изнашиваются гипсовые пуанты, но на профессиональной сцене в них сейчас не танцуют, – поясняет Вита Мулюкина. – Самые востребованные сегодня в профессиональном мире пуанты – это гейноры, балетные туфли, которые производит американская фирма Gaynor Minden. При их изготовлении используются синтетические материалы. Это увеличивает срок службы пуантов. Мне, к примеру, одной такой пары хватает в среднем на полмесяца.

Гейноры – это огромное количество различных модификаций, учитывающих самые разнообразные параметры и нюансы: от особенностей строения стоп до особенностей танца балерины. И все-таки…

Однажды репетитор Ростовского музыкального театра Ольга Вторушина дала Вите Мулюкиной примерить пуанты, в которых танцевала на сцене Мариинского театра, сшитые в его уникальной мастерской.

– Невероятно удобно, выше всяких похвал! – изумилась Вита.

Какими бы удобными ни были пуанты, ноги из-за больших нагрузок все равно страдают. Недаром появляются вирши то про бедный посиневший пальчик, то про пальчики – несчастные узники пуантов.

– А есть ли средства уменьшить эти страдания? – спрашиваю мою собеседницу.

– Бывает, что балерины каждый пальчик обклеивают пластырем, а после работы делают солевые ванночки. У каждой артистки – свой секрет.

Пудра для туфельки

Еще очень часто пишут, что пуанты – это туфельки из атласа, а их цвет – розовый или персиковый.

Но и беспримесный атлас вытесняют другие материалы, и цветовая палитра давно уже богаче, хотя розовый и персиковый по-прежнему преобладают, особенно в спектаклях классического репертуара.

Вите Мулюкиной довелось танцевать в постановках легендарного балетмейстера Юрия Григоровича, который нередко работал в тандеме с выдающимся художником по костюмам Симоном Вирсаладзе.

Этот мастер и для балетных туфелек красок не жалел. Яркие пуанты были у балерин, исполнявших партии самоцветов в спектакле «Каменный цветок». Вита танцевала Бронзу, пуанты к ее костюму полагались красные. В спектакле «Золотой век» у нее была роль бандитки в таверне, у которой на одной ноге туфелька черная, на другой – фиолетовая!

Во многих современных балетах и хореографических композициях у балерин – пуанты телесного цвета. (Такие они у Виты Мулюкиной, танцующей партию Валерии в балете «Спартак» в Ростовском музыкальном театре.)

– Юным балеринам, – говорит Вита Мулюкина, – часто нравится, что пуанты блестят, мерцают в свете софитов. Поначалу мне тоже казалось, что это красиво, эффектно! Благодаря Ольге Михайловне Вторушиной я отказалась от этого заблуждения. Она посоветовала пуанты… припудривать. Припудренные выглядят на сцене благороднее и аккуратнее.

Если услышите в косметическом магазине, что девушка выбирает пудру под цвет трико, не удивляйтесь. Теперь вы знаете, что это, скорее всего, балерина, и пудрить она собирается пуанты.

Друзей не едят

Первая книга об истории русского балета вышла в 1896 году. Автор – Александр Плещеев – включил в нее историю о странном происшествии, случившемся в России с парой пуантов всемирно известной балерины Марии Тальони.

Считается, что именно Мария Тальони стала первой танцевать на пуантах.

В 1837 году она с большим успехом гастролировала в Петербурге. После ее отъезда осталась пара пуантов, которые были приобретены некими господами, а затем…съедены под соусом.

Быль это или побасенка? Нет ответа.

А если съели, то зачем? Из любви к балерине? Чтобы едоков озарил хоть лучик ее славы? Или это был некий обряд для усиления успеха самой Тальони? У публики ведь тоже есть свои суеверия и магические средства поддержки любимых артистов…

Я не стала спрашивать Виту, как оценивает она этот поступок. И так понятно после ее слов о том, что пуанты для балерины – это как скрипка для скрипача, это помощники и друзья. А друзей не едят.

Накануне очередного спектакля и уж тем более премьеры Вита старается взять пуанты домой – чтобы переночевали дома.

В антрактах тоже не оставляет их на сцене. Не из опасения, что какая-то злодейка или завистница, которыми полны фильмы о балете, их повредит. Просто не хочется разлучаться. Они ведь напитаны энергией танца.

Каждую пару пуантов Вита старается поносить подольше, а когда приходит момент неизбежного расставания, говорит своим бессловесным друзьям и помощникам: «Спасибо!»


P. S. Если особе прекрасного пола, чья профессия не связана с балетом, приснятся пуанты, то, как утверждает сонник, это значит, что ее могут ждать счастливые перемены и знакомство с человеком, которое откроет перед ней новые перспективы.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22871
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Мар 10, 2021 12:39 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021031001
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Элеонора Севенард
Автор| Арина Шабанова
Заголовок| Балерина Элеонора Севенард о классике, любви и карьере в Большом
Где опубликовано| © “‘Vogue”
Дата публикации| 2021-03-05
Ссылка| https://www.vogue.ru/beauty/balerina-eleonora-sevenard-o-klassike-lyubvi-i-karere-v-bolshom
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Первое большое интервью новой ведущей солистки театра для Vogue



Балерина, а с недавних пор и ведущая солистка Большого театра Элеонора Севенард сумела прославиться и стать «надеждой русского балета» всего за пару лет после выпуска из Вагановской академии в Петербурге. Ее пуантам легко поддаются сцены главных театров в мире, а сама она к 22 годам, кажется, успела впитать все величие своих знаменитых предков (в роду Элеоноры отметилась сама Матильда Кшесинская). Чем живет и о чем мечтает Элеонора, а главное, как ей удается быть сильным и выносливым воином в теле хрупкой статуэтки — Vogue узнал у нее лично.

18 февраля появилась новость о том, что вы стали ведущей солисткой Большого театра — поздравляю с повышением! Для вас это тоже стало сюрпризом?

Конечно, я ничего не знала, танцевала в тот момент в спектакле «Дон Кихот» с одной репетицией. К слову, у нас достаточно непростой сезон: сложные условия в мире накладывают отпечаток и на театр. Артисты болеют, у нас часто случаются экстренные замены, и я достаточно много в последнее время буквально влетаю в какие-то спектакли по замене — но делаю это с удовольствием, потому что безумно люблю свою работу.

Тем вечером я точно так же с огромным удовольствием выступала без какой-либо задней мысли о повышении. Но к концу спектакля пришел художественный руководитель Махар Хасанович Вазиев (заслуженный артист России, руководитель балетной труппы Большого театра. — Прим. Vogue) и сказал, что заслуженно назначает меня на новую должность, завтра нужно прийти написать заявление. Я особенно запомнила момент, когда мы выходили на поклон — спектакль сам по себе поразительный, а тут еще и такое действительно важное для меня событие.

Расскажите, как в балете происходит карьерный рост.

Прежде всего нужно набрать репертуар. Разница между обычной балериной и ведущей на самом деле очень большая — ведущая солистка исполняет только главные роли в спектаклях, а для этого нужно набрать определенное количество спектаклей с ведущей ролью, чтобы показать, что ты это можешь. И соответственно, идти к цели, если этого действительно хочется. В противном случае об этом нельзя и мечтать. Это повышение означает, что я теперь официально не могу исполнять «двоечки» или «троечки» — хоть это и соло, но все же не ведущие партии. Мое же время теперь будет уходить преимущественно на подготовку главных ролей.

Какими качествами должна обладать балерина, чтобы выйти из кордебалета солисткой при такой колоссальной конкуренции? Что помогло лично вам?

Могу сказать вам честно: изначально многих берут в кордебалет, но с перспективой повышения до будущей солистки или даже примы. Театру ведь тоже нужны новые солисты, поэтому они заинтересованы в том, чтобы давать дорогу молодым. Когда меня взяли в театр, я танцевала и в кордебалете, и в небольших сольных вариациях — то есть периодически мне давали шанс и пробовали меня. Так в первый сезон я уже исполняла сольные партии, а спустя полгода работы мне досталась роль Мари в балете «Щелкунчик» — это была моя первая ведущая партия в спектакле. Почему мне тогда дали шанс? Наверное, видели, что я стараюсь, пробую и репетирую с моим педагогом — то, что мне предоставили репетитора, тоже очень важно для роста. А вообще есть люди, которые приходят работать именно в кордебалет — это ведь тоже очень сложно и интересно. Для меня в свое время это было целой школой: глаза должны одновременно смотреть во все стороны, чтобы видеть девочек перед собой и по сторонам, сохраняя на сцене ровный рисунок и двигаясь как одна. Это очень непросто и вместе с тем безумно красиво. Даже на репетициях меня часто завораживает, как наш кордебалет танцует на одном дыхании — это очень большая и важная часть нашей труппы.

То есть в большей мере важно личное стремление?

Конечно. Многие даже боятся исполнять некоторые партии, потому что это физически очень сложно. Например, в балете «Дон Кихот», о котором я говорила, бывает безумно сложно скрыть усталость уже после первого акта, кажется, что сил просто не хватит. Это огромная нагрузка, а выносливость у всех разная: кто-то может физически не выдерживать соло, а в кордебалете прекрасно работать в свое удовольствие. Конечно, он все равно будет уставать, но в целом будет куда легче.

Кроме того, у нас есть характерные солисты — они танцуют народные русские или восточные танцы не в пуантах, а в туфлях. В каждом балете свой сюжет и всегда есть эмоциональные танцы — мазурка, чардаш. Есть и просто актерские роли — например, балерины могут исполнять маму Жизель или Джульетты. Театр дает артистам большой выбор и возможности проявить себя: кто-то хочет быть характерным персонажем, кто-то актером, кто-то классическим танцовщиком, а кто-то современным. Каждый человек на сцене находит свою нишу, и это очень здорово.

Вы говорили, что начали заниматься балетом в четыре года — наверняка тогда вы и не предполагали, что будете танцевать в Большом. Расскажите, когда и как к вам пришло понимание, что вы хотите посвятить балету всю свою жизнь.

Только в последнее время я осознаю, что, сколько себя помню, всегда занималась балетом. Детские воспоминания ведь сохраняются примерно с трех-четырех лет, а в этом возрасте я уже занималась. У меня такое чувство, что балет всю жизнь был рядышком, с самого детства. Конечно же, чтобы посвятить этому жизнь, нужно начать достаточно рано, а дети не понимают всей серьезности и ходят на занятия как бы для общего развития. В более осознанном подростковом возрасте ощущение, что это действительно мое, ко мне и пришло.

В это время вы как раз учились в Вагановской академии в Петербурге, расскажите, чему вас научил классический русский балет в жизни в целом, не считая великолепно поставленных вращений и прыжков.

Балет особенным образом закаляет характер, и я думаю, что в какой-то мере его можно сравнить со спортом. Как искусство он сильно отличается, но в плане дисциплины и характера он, безусловно, очень похож на спорт. Нужно уметь преодолевать себя и свою боль — опять же повторюсь, что это большая физическая нагрузка, из-за которой часто случаются мелкие травмы, болят мышцы. После обычных тренировок в зале тело может гудеть на следующий день, а теперь представьте, что вы проходите определенные элементы классического танца каждый день с утра до ночи. Таким образом ты учишься преодолевать себя с самого детства — не вести себя как ребенок, а постоянно бороться. Также регулярно проходят отчетные концерты, на которых бывают просмотры: после долгих репетиций и проб кого-то на них пускают, а кого-то нет. Так впервые сталкиваешься с неудачей. А если и проходишь дальше, то ты не должен радоваться: впереди еще больше работы. Я считаю, что конкуренция в балете все-таки должна присутствовать, но не злая, чтобы всегда было стремление развиваться и расти. Конечно, все это здорово воспитывает характер.

Сама Академия классического русского балета является самой старинной балетной школой в России — в ней чувствуется определенный дух. Заходишь внутрь и понимаешь, что именно здесь учились величайшие балерины и танцовщики. В этих стенах через картины в тебя буквально врастает эта культура, мы ведь учимся там долго. После четвертого класса общеобразовательной школы я поступила в академию и проучилась там восемь лет. Эта школа отличается от обычной: первым уроком может быть математика, а вторым — урок классического танца. Занятия заканчиваются здесь не днем, а в семь часов вечера каждый день, а каникулы всего два раза — зимой и летом. Ты сразу же понимаешь, что находишься в особенном месте, где педагоги учат методике классического русского танца, на которой выстроен репертуар всех главных театров в мире — Мариинского в Санкт-Петербурге, Большого в Москве, Гранд-опера в Париже, Ла Скала в Милане, Королевской оперы в Лондоне, Метрополитен-оперы в Нью-Йорке.

Ежедневно вы проводите в зале колоссальное количество времени — расскажите, что вы делаете и как проходит ваша обычная тренировка.

Мы называем это не тренировкой, а уроком или классом. У нас есть два таких класса ежедневно — в 10 и в 11 часов, там преподают разные педагоги, и артисты сами распределяются по ним. В Большом театре всего пять залов для занятий, поскольку труппа очень большая. В начале дня у нас проходит этот урок как своего рода разогрев перед репетициями и спектаклями, чтобы мышцы размялись и стали мягкими. Это классический урок танца, которому нас учат в школе — стоим у станков, вертимся, прыгаем. Затем у нас начинаются репетиции и иногда прогоны спектаклей. В зависимости от загруженности мы чаще всего проводим в театре весь свой день. Единственное исключение — если у тебя вечером спектакль, то можно приехать к нему, разогреться и на сцену. Дело в том, что практически невозможно весь день работать и хорошо станцевать, чтобы хватило сил. Выходной у нас всего один, это понедельник, а в субботу и воскресенье мы работаем для тех, кто отдыхает, как и в праздники.

А как вы отдыхаете? В представлении многих балерины и в свободное время не изменяют своему образу жизни, слушают классическую музыку и смотрят исключительно исторические фильмы — развеете этот стереотип?

Я абсолютно искренне могу сказать, что действительно люблю классическую музыку. Когда ты в такой особенной среде, начинаешь это сильно ценить. Мы действительно видим самых разных артистов и у нас в театре и во время гастролей в других, что просто потрясающе. Но это не значит, что мы не можем послушать какую-то современную музыку или сходить на концерт — это уже, скорее, стереотип. Мы целыми днями вращаемся в определенной среде, а классическая музыка — наш аккомпанемент на классе и на выступлении, без нее никуда. Репетируем под рояль, танцуем под оркестр — она всегда с нами.

Вне театра, когда бывают сложные недели, хочется просто выспаться и никуда не бежать — это самый лучший отдых. Все как у всех людей, честно говоря. Единственное — иногда хочется сделать массаж, чтобы помочь организму быстрее восстановиться. В баню можно не всегда, хотя я знаю, ребята у нас часто ходят попарить мышцы, чтобы они были мягче. Но лично мне помогает хороший часовой массаж, во время которого можно убрать все зажимы в ногах, спине, руках, шее. Иногда действительно нужно, чтобы тело почувствовало, что ты отдохнул, а то бывает такое, что лежишь весь день — и в итоге становится еще хуже. Еще бы, ты прыгал всю неделю, а тут прилег — у организма шок.

Понятно, что этого требует от вас профессия, но не могу не сказать, что выглядите вы просто потрясающе. Расскажите про свою диету — позволяете себе сладкое или калорийное?

Спасибо! Скажу честно — сладкое позволяю. Ограничиваю себя только по вечерам, если нужно похудеть. Опять же, балет — это большая нагрузка, для которой нам нужны силы. Нам необходимо хорошо питаться, иначе где еще нам черпать энергию, когда все внутри буквально горит? Расскажу вам одну историю: многие сейчас носят умные часы Apple Watch, у нас некоторые девочки тоже раньше носили, а сейчас перестали, потому что они мешают репетировать. Там есть функция подсчета калорий, и одна наша балерина решила ради интереса включить счетчик во время репетиции «Дон Кихота». Оказалось, что за час она сожгла больше тысячи калорий, а это только одна репетиция. Поэтому нам в принципе не нужно худеть специально, иначе может случиться травма: попросту говоря, у организма не будет энергии для движения, и он начнет затрачивать дополнительные ресурсы, тем самым травмируясь. Так что я просто стараюсь не есть булочки и придерживаться здорового, сбалансированного питания. По возможности, конечно. (Смеется.) А вот следовать режиму, к сожалению, невозможно, так как расписание меняется каждый день. После вечернего спектакля есть вообще не хочется, как и обычным людям после изнурительной тренировки в зале. Стоит прийти домой, расслабиться, и уже ближе ко сну просыпается чувство голода — благо завтра ждет репетиция, на которой все снова сожжется.

Расскажите про свой макияж в жизни и на сцене.

Каждый день я подкрашиваюсь — мне это добавляет уверенности. Я не из тех людей, кто любит выходить без косметики: всегда пользуюсь тональным средством из линии Dior Backstage, добавляю румяна и тушь. Это что касается макияжа на каждый день. Создание образа для спектакля — всегда определенный процесс. Конечно, у нас есть гример, но он один на всех, и иногда бывает такое, что мне хочется накраситься именно самой.

А какую косметику используете для выступлений? Специальный стойкий грим или средства из обычной косметички?

Сейчас такая косметика, что нет особой надобности использовать специальную сценическую. Все привычные бронзеры и хайлайтеры, наоборот, очень красиво смотрятся во время спектаклей — единственное, хайлайтер нужно наносить осторожно, так как на сцене очень яркий свет. По этой же причине нужен более плотный и темный тон: очень плоское освещение прожектора, прямо как в студии, съедает все тени и делает кожу бледнее, и нам приходится краситься достаточно сильно. Например, если вы будете смотреть спектакль из зала, а потом зайдете за кулисы, то вы заметите разницу в том, как это выглядит издалека и вблизи. Так что секрет сценического макияжа в том, что мы красимся той же косметикой, только ярче, из-за чего получается такой обман зрения. Сцена Большого театра сама по себе огромная, и чтобы с последнего ряда были видны наши глаза, мы клеим ресницы и делаем стрелки — это целый процесс.

Есть ли у вас явные фавориты среди продуктов?

Люблю помады M.A.C и Nars, потому что они матовые, а нам особенно важно, чтобы, когда мы улыбаемся, не оставалось следов от косметики на зубах. Быть красивым на сцене — это тоже наша задача. Туши у меня очень много — сейчас даже открою косметичку — под каждое настроение своя. Если я веду спектакль, то всегда клею ресницы. Тени использую Too Faced — мне нравится, что у них большой выбор цветов, и под разные образы можно найти нужный оттенок.

А как создаются образы для спектаклей? Насколько вы свободны в этом процессе?

Мне очень нравится, что в нашей профессии мы можем экспериментировать с макияжем. Бывают роли, в которых это даже приветствуется. Это тоже особый вид творчества — ты думаешь, чего тебе хочется, какие тени выбрать под наряд, как лучше накрасить губы.

Буквально на днях я танцую в спектакле «Четыре персонажа в поисках сюжета». Когда только намечалась премьера, хореограф дал нам некую свободу в разработке образов. Наши костюмы там лазурно-голубого цвета, а сам балет разворачивается на фоне картины Айвазовского «Девятый вал» — мы могли придумать на лице рисунки волн или морской пены. Для этого нам как раз-таки принесли специальный грим, о котором вы спрашивали, в этом случае он был необходим, чтобы мы могли кисточками изобразить на лице свое видение морской тематики. В итоге все пришли к тому, что мальчики красят синим цветом только шею, а девочки наносят голубые тени с мерцающими блестками — это напоминает отражение луны в воде и выглядит очень красиво. Кстати, и сейчас можно продолжать экспериментировать: некоторые, например, пробуют синеватые скулы. Свет на сцене во время спектакля приглушенный, поэтому это выглядит особенно необычно и эффектно.

А что насчет ухода? Понимаю, что мы с вами ровесницы, и каких-то особенных проблем с кожей в нашем возрасте нет. Есть ли незаменимые средства, которые особенно нравятся?

На самом деле уже с самого начала работы на сцене меня начало беспокоить большое количество плотного тона на коже. После умывания лично у меня кожа требует серьезного увлажнения. Я не очень люблю маски — может быть, только пока. Но мне нравится увлажняющий крем Hydra Life Dior, с которым очень комфортно при минусовой температуре и сухом воздухе в квартире. Еще мне нравится натуральный увлажняющий крем My Clarins.

Говорят, что из-за конкуренции в балете нет места дружбе, но тем не менее вы нашли в нем место любви. То, что ваш молодой человек (артист балета, премьер Большого театра Денис Родькин. — Прим. Vogue) из вашей же профессии, больше помогает или мешает?

На самом деле мне очень комфортно, учитывая, что мы весь день проводим в театре. Если кто-то из нас работал бы в другой сфере, мы бы виделись только рано утром и поздно вечером, а выходные у нас были бы в разные дни. А так мы запросто можем между репетициями пойти выпить чашечку кофе, поболтать и чуть-чуть отдохнуть вместе — для этого нам даже не нужно выходить из театра. Поэтому здесь одни плюсы.

И наверняка проще поддерживать друг друга?

Да, к примеру, очень легко быть за кулисами на всех спектаклях с участием друг друга — для этого даже не нужно просить билет. Находясь всегда рядом, ты можешь принести воды между актами, поддержать морально, выйти посмотреть выступление из зала. Это действительно большой плюс — просто огромный.

В одном из интервью вы говорили, что все балерины делятся на тех, кому проще дается либо адажио, либо технические элементы. Себя вы отнесли ко второму типу. Почему?

По природе я и правда отношу себя к типу технических балерин — повращаться и попрыгать мне от природы дается легче, чем исполнить какое-то адажио. Но недавно мы ездили в Сочи на ежегодный фестиваль зимних искусств Юрия Абрамовича Башмета, в рамках которого танцевали адажио из балета «Ромео и Джульетта». Было безумно приятно исполнять такое романтическое адажио со своим любимым человеком. Партии там очень эмоциональные и доставляют какое-то внутреннее удовлетворение: происходит буквально упоение танцем. Это немного отличается от тех моментов в спектакле, когда ты все время прыгаешь, крутишься, устаешь и бежишь дальше. Здесь ты именно танцуешь.

Сложно ли переключаться?

Как раз-таки наоборот, гораздо приятнее, когда в одной роли есть все, и ты можешь показать максимум. Исполнять их — огромное счастье. Вообще в последнее время я поняла, что очень люблю большие сюжетные балеты в несколько актов, в которых ты проживаешь целую историю на сцене. Недавно был балет «Корсар», и там вокруг тебя пистолеты, имитирующие выстрелы, огромный корабль, который потерпел кораблекрушение прямо на сцене. Участвовать в такой захватывающей истории действительно большое удовольствие для артиста. У нас очень много таких балетов, поэтому я стремлюсь пробовать, готовить и показывать подобные масштабные роли все больше.

На Западе все стремительнее развивается направление модерна в балете. Не хотели бы вы в будущем немного отойти от классики и попробовать себя в современном танце?

Есть спектакли, в которых я танцую современную хореографию в балетках, а не в пуантах — то есть я уже себя пробую. Но пока что мне более интересно классическое направление. Как я сказала, мой особенный интерес вызывают большие сюжетные спектакли. У зрителя, кстати, судя по комментариям и отзывам в инстаграме, больший отклик находят именно такие классические постановки. Артистам в них всегда интересно — удастся ли справиться с серьезными актерскими и техническими задачами в таком масштабном действии. И когда все получается, ты радуешься гораздо сильнее, получая большой заряд на дальнейшие достижения.

Над какими спектаклями вы работаете и где вас можно увидеть на сцене уже сейчас?

Сейчас как раз репетирую партию в балете «Спартак». Теперь пробую другую женскую роль. Премьера намечена на седьмое марта — я впервые буду выступать в статусе ведущей солистки. Это будет интересно, потому что премьера досталась мне неожиданно. Но мы сейчас вовсю готовимся и репетируем с моим педагогом: уже выучили весь порядок спектакля и теперь работаем над образом.

Какая партия для вас самая особенная?

На самом деле все роли, когда ты их исполняешь, становятся любимыми, поэтому выбирать сложно. Но у меня есть одно особенное воспоминание: два года назад меня поставили исполнять Фригию в балете «Спартак» на гастролях в Лондоне. Это был первый раз, когда я участвовала в таком сюжетном балете и испытала все эти невероятные эмоции. Поэтому лично для себя я выделяю ее, хотя люблю все партии, которые исполняю.

Что бы вы хотели сделать за свою карьеру, чтобы могли сами себе сказать — все было не зря?

Сложно сказать, потому что все так быстро и непредсказуемо. Даже если сейчас вдруг все закончится, я скажу, что все было не зря. Для меня удовольствие — просто выходить на сцену.

=====================================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22871
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Мар 11, 2021 1:34 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021031101
Тема| Балет, «Астана Балет», «Астана Опера», КНАТОБ им. Абая, Персоналии,
Автор| Наталия Хомс
Заголовок| Любовь и весна
В театре «Астана Балет» состоялся праздничный гала-концерт в честь Международного женского дня.

Где опубликовано| © Республиканская газета «Казахстанская правда»
Дата публикации| 2021-03-11
Ссылка| https://kazpravda.kz/fresh/view/lubov-i-vesna
Аннотация| Концерт



Два вечера на сцене выступали звезды казахстанского балета, ведущие солисты трех крупнейших театров страны – «Астана Балет», «Астана Опера», КНАТОБ им. Абая. Артис­ты исполнили фрагменты из спектак­лей классического наследия и современные хореографические постановки.

– Программа получилась насыщенной и разнообразной, многие номера были впервые представлены на нашей сцене. Хотелось передать ощущение прихода весны – новой жизни, любви, страсти. Поэтому каждый номер говорил о любви в разных ее проявлениях: страстной, романтичной, меланхоличной, – рассказал художественный руководитель театра «Астана Балет» Нурлан Канетов.

В первом отделении зрители увидели фрагменты из балетов «Эсмеральда» Ц. Пуни, «Лебединое озеро» П. Чайковского, «Пламя Парижа» Б. Асафьева, «Мелодия» К. Глюка, Diversity П. Маскани. Особо запомнилось яркое выступление ведущих солистов трех театров: Фархад Буриев, Бахтияр Адамжан и Жанель Тукеева прекрасно исполнили трио из балета «Корсар» А. Адана.

В программу второго отделения вошли гранд-па из «Жизели», дуэты из «Кармен-сюиты», Love Fear Loss, адажио из балета «Лебединое озеро», «Гопак» в хореографии Федора Лопухова, вальс из балета «Шопениана» и па-де-де из балета «Дон Кихот».

Одним из ярких моментов вечера стало адажио из балета «Спартак» А. Хачатуряна в хореографии Георгия Ковтуна. Спартака и Фригию воплотили Фархад Буриев и Айнур Абильгазина.

– Это очень красивый, сложный, эмоциональный дуэт. Драматичный, наполненный любовью. Партию Фригии я танцевала впервые, – отметила ведущая солистка театра «Астана Балет» Айнур Абильгазина.

На сцене солировали артисты театра «Астана Балет»: Татьяна Тен, Фархад Буриев, Казбек Ахмедьяров, Айнур Абильгазина, Дилара Шомаева, Айжан Мукатова, Уэсли Карвальо, Эльдар Сарсембаев, Балжан Абдрахманова и другие. В качестве приглашенных артис­тов в гала-балете выступили премь­ер театра «Астана Опера» Бахтияр Адамжан, ведущие солисты КНАТОБ им. Абая Жанель Тукеева, Рахим Даиров и Малика Ельчибаева.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22871
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 12, 2021 2:36 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021031201
Тема| Современная хореография, Воронежский театр оперы и балета, Фестиваль, Персоналии,
Автор| Ирина Лазарева
Заголовок| На фестивале «RE: Форма танца» в Воронеже показали «Астматический этюд» и последнюю встречу Отелло и Дездемоны
Где опубликовано| © Горком 36
Дата публикации| 2021-03-12
Ссылка| https://gorcom36.ru/content/na-festivale-re-forma-tantsa-v-voronezhe-pokazali-astmaticheskiy-etyud-i-poslednyuyu-vstrechu-otello/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Разные направления современной хореографии представили на открытии второго фестиваля «RE: Форма танца» в Воронежском государственном театре оперы и балета. Гала-концерт, объединивший в себе работы разных постановщиков-лауреатов и участников всевозможных фестивалей, состоялся 11 марта.



– Гала-концерт современной хореографии мы назвали «RE: Форма танца. Взаимосвязи», что демонстрирует взаимосвязь нашего фестиваля с другими фестивалями нашей страны. После первой «RE: Формы танца» труппа нашего театра участвовала в фестивале Context, нас пригласили на Мандельштамфест. Хореографы, чьи работы представлены на гала-концерте, были участниками «Золотой маски», – рассказал художественный руководитель театра оперы и балета Александр Литягин.

Имена хореографов, чьи работы вошли в гала-концерт, могут быть знакомы воронежскому зрителю. Среди них – артистка балета в танцевальной труппе Воронежского Камерного театра, хореограф Ольга Рыжкова; Софья Гайдукова и Константин Матулевский, уже ставившие на воронежской балетной сцене; Павел Глухов, поставивший два спектакля в Камерном театре. Зрители увидели также работы хореографов Эрнеста Нургали, Игоря Булыцына, Марии Яшниковой и специального гостя фестиваля Марианны Рыжкиной.

Открыла «Взаимосвязи» работа Эрнеста Нургали, в которой он представляет мужской дуэт и говорит о невозможности открыто выражать свои чувства в обществе. Визуально эффектный номер наполнен не только красивой хореографией, но и природой сложных эмоций. «Астматический этюд» Игоря Булыцына – бессюжетный неоклассический танец, в котором используются «ломанные» балетные элементы. Неожиданно финальной точкой постановки стал проехавший через всю сцену велосипед.

Очень красивый номер Last с артистами балета Лизой Корнеевой и Максимом Даниловым поставила хореограф Марианна Рыжкина – специально для концерта «Взаимосвязи». Получилась драматическая история. Хореограф объяснила смысл названия – оно может означать «последний взгляд», «последний вздох». Рыжкина фантазирует на тему последней встречи Отелло и Дездемоны, используя музыку Б. Бриттена. Финальная поддержка выглядит очень изящно, хотя и печально: балерина, словно распятый ангел, висит на спине партнера. В этом номере можно разглядеть и современный социальный контекст.

– Фестиваль «RE: Форма танца» – это возможность попробовать себя в новой пластике, стилистике, с разными хореографами, обменяться опытом с артистами другой лексики, а также почувствовать новые возможности своего тела, – отметила Марианна Рыжкина.

В «Клетке» Ольги Рыжковой немало звуковых акцентов: начавшись под немузыкальный бит, история стала разворачиваться, казалось, под трель падающих капель, рисуя в воображении внутреннюю клетку каждого из нас, борьбу с собой, обстоятельствами. Номер «Сумерки свободы» от Константина Матулевского, который произвел фурор на Мандельштамфесте, собрал бурные овации и здесь.

Фестиваль современной хореографии «RE: Форма танца» продлится в Воронеже до 14 марта. 13 марта состоятся три премьеры – это танцевальный спектакль «Лета», хореографическая сюита Donem incognitum и хореографический спектакль «След». На закрытии будут показаны две премьеры – танцевальный спектакль «Дева» и одноактный балет с музыкальным антрактом «Шут» с участием приглашенных на главные партии звезд российского балета.

Фото Константина Кириакиди
============================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22871
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 12, 2021 2:56 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021031202
Тема| Современная хореография, Персоналии, Акрам Хан
Автор| Екатерина Баева
Заголовок| Акрам Хан: «Современный человек ведет себя так, будто у него два рта и одно ухо»
Где опубликовано| © Афиша Daily
Дата публикации| 2021-03-12
Ссылка| https://daily.afisha.ru/brain/19084-akram-han-sovremennyy-chelovek-vedet-sebya-tak-budto-u-nego-dva-rta-i-odno-uho/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Акрам Хан, один из самых известных британских танцовщиков и хореографов, рассказал «Афише Daily» об искусстве в эпоху пандемии и о работе с классическими танцовщиками.



— В эпоху пандемии все стало цифровым. Это вообще хорошо или плохо?

— И хорошо, и плохо. С одной стороны, это позволяет нам оставаться на связи, обмениваться информацией. Какие‑то цифровые проекты могут нас и вдохновить. С другой — это плохо, потому что, безусловно, привело к трансформации цивилизации.

Самые древние человеческие ритуалы были связаны с общностью, обменом энергией. Пещерный человек, древние охотники и собиратели были членами общества. Человек — животное социальное. Взаимодействие посредством технологий — это не социальное взаимодействие, а взаимодействие с информацией. Раньше люди собирались, чтобы посредством музыки, танца, историй научиться друг у друга и пробудить в себе все пять чувств: обоняние, осязание, зрение, слух, вкус.

Если мы примем эту трансформацию, этот переход в цифровое — для меня это значит, что мы бросили даже пытаться оставаться людьми.
В этом новом мире мы уже и так, оставаясь на связи, становимся все более и более одинокими, гораздо больше, чем раньше.

— Как вы думаете, человечество было готово к такому повороту?

— Нет, не было. Я и сам был не готов. Конечно, нет худа без добра: я смог оставаться на связи с отцом, который с марта застрял в Бангладеш и не мог вернуться. Но вообще-то в мире происходят совершенно трагические вещи — и особенно пострадал мир искусства. Пандемия разрушает современное искусство и очень тяжело бьет по артистам.

— Они пострадали финансово или психологически?

— Давайте разделять эти сферы. Есть множество артистов-фрилансеров, которые не числятся ни в какой организации, их не поддерживает правительство. А ведь они так же важны, как любой официальный институт. Именно им достанется больше всего, и меня это невероятно удручает.

Крупные компании вроде театров и музеев, вероятно, выживут, ведь их финансово поддерживают обеспеченные филантропы. Под удар попадает весь андеграунд — люди, которые и раньше зарабатывали не много, но которые искренне любят и развивают искусство.

Психологическая сторона вопроса — это другая история. Не только артисты, весь мир вообще находится в глубоком психологическом кризисе. Как раз поэтому я считаю, что надо поддерживать искусство, ведь именно оно помогает нам как‑то коммуницировать с миром и выплывать. Оно позволяет нам выразить себя и найти свое место с мире — так, как не позволяет государство или патриархальное общество.

— Какими словами вы могли бы поддержать артистов?

— Зависит от того, кому будут адресованы мои слова. Если мы говорим о человеке, которому на еду не хватает, слова тут не помогут. Я осознаю, что нахожусь в привилегированном положении: у меня есть семья, свой дом. Но, если у вас есть возможность, попробуйте замереть и немного подумать.

Мы как‑то забыли, что у нас два уха и всего лишь один рот. Современный человек ведет себя так, будто у него два рта и одно ухо. Или вообще нет ушей.

— Эта метафора часто встречается в ваших работах.

— Все мои постановки — об этом. Мое поколение утратило искусство слушать. Мы перестали слушать природу, а ведь раньше природа четко отделялась от любого нарратива. Раньше в мифах всегда отражалась идея, что земля дана нам взаймы, мы тут гости. А сейчас мы вдруг стали богами природы. Вместо бережного отношения мы насилуем природу — и я считаю, что в этом виноват патриархат.

— Думаете, человеку нужно научиться смирению?

— О, все смирение мы давно растеряли. Сначала западное общество, а вслед за ним и восточная цивилизация. Для нас смирение — это знак слабости. А это совсем не так. Посмотрите, кто тут теперь слаб? Достаточно крохотного невидимого вируса, чтобы взять и остановить всю планету. Мы пали на колени и наконец увидели, насколько мощна природа.

— В своих работах вы часто рефлексируете на тему настоящего и будущего. Будет ли какая‑то постановка про пандемию?

— Сейчас я работаю над фильмом к Международному фестивалю в Манчестере. Он посвящен потере близкого человека во время эпидемии коронавируса.

— Вы сейчас работаете онлайн или в студии?

— Сейчас я возобновил работу над спектаклем «Creature», премьера которого должна была состояться в English National Ballet (ENB) в марте прошлого года, но была, разумеется, отложена из‑за локдауна. Сейчас мы работаем в студии — около 30 танцовщиков. Носим маски, соблюдаем новые правила безопасности, но какое же это счастье — снова быть в театре с танцовщиками, пускай мы и не можем коснуться друг друга, не можем подойти близко.

Присутствие других тел в пространстве рядом с тобой дает совершенно другую энергию.

— Как вы относитесь к постановкам, созданным специально для цифрового просмотра?

— О, я их обожаю. Понятное дело, не каждый может создать в таком жанре что‑то хорошее. Всякого дерьма полно. Собственно, как и в театре. Я видел парочку совершенно потрясающих работ, но большинство — это просто перенос существующей работы в цифровую реальность. Я сам, делая что‑то для экранов, обязательно учитываю эту совсем иную форму коммуникации со зрителем, работаю по-другому. И поэтому я неохотно разрешаю снимать и транслировать свои работы, которые созданы для театра. Их надо смотреть живьем.

— Живьем мы скоро сможем увидеть ваш «Kaash» в Театре имени Станиславского и Немировича-Данченко.

— О да, я в предвкушении. Не смогу, вероятно, присутствовать лично, но буду следить за премьерой. Это моя первая постановка c российской труппой, и мне очень нравится с ними работать. Я очень уважаю русскую традиционную культуру, ее истории, сказки, книги и, разумеется, классический балет. И вот наконец я могу поделиться своим опытом с русскими танцовщиками. Это большая радость.

— Не боитесь, что классическим балетным танцовщикам будет трудно воспринять вашу современную хореографию?

— Должен признаться, я стал понимать, как работать с классическими танцовщиками. Я начал с [выдающейся французской балерины] Сильви Гиллем, поставив для нее дуэт. Потом работал с труппой ENB. И сейчас я уже понимаю, как найти свой голос в их классическом языке. «Kaash» создавался не на классическое балетное тело, но он будет изменен и адаптирован так, чтобы танцовщикам он подошел.

-------------------------------------------
14 марта в рамках британо-российского онлайн-форума UK-Russia Creative Bridge пройдет публичная дискуссия с Акрамом Ханом. Для просмотра необходима регистрация.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22871
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 12, 2021 7:16 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021031203
Тема| Современная хореография, Воронежский театр оперы и балета, Фестиваль, Персоналии,
Автор| Юлия Львова , фото — Наталья Трубчанинова
Заголовок| Без права на ошибку. В Воронеже стартовал II Фестиваль «RE:Форма танца»
Где опубликовано| © РИА Воронеж
Дата публикации| 2021-03-12
Ссылка| https://riavrn.ru/news/bez-prava-na-oshibku-v-voronezhe-startoval-ii-festival-reforma-tanca/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Второй фестиваль «RE:Форма танца» стартовал в Воронеже в четверг, 11 марта. Форум современной хореографии объединил самых востребованных российских постановщиков, работающих в различных стилях и направлениях современного танца, ведущих воронежских и московских артистов, а также авторитетных критиков и исследователей современной хореографии. Помимо танцевального действа, зрителей ждет насыщенный образовательный блок из лекций и мастер-классов.

О том, как готовилась «RE:Форма танца», рассказали его худрук и главный балетмейстер Воронежского театра оперы и балета Александр Литягин, экс-прима-балерина Большого театра Марианна Рыжкина и театральный критик Татьяна Кузнецова.



Александр Литягин отметил, что изначально основными задачами фестиваля ставились развитие балетной труппы в направлении современной хореографии, выход артистов балета на новый профессиональный уровень и популяризация современного танца среди молодых зрителей. Какие-то задумки удалось реализовать, какие-то, к сожалению, нет.

– Труппа должна развиваться, а не показывать одни и те же спектакли на протяжении десятилетий. Да, мы храним классическое наследие, никто не собирается от него отказываться, но артистам нужно творческое развитие. Они все молодые, талантливые, им необходим поиск разных жанров, пластики, хореографов. Создавая фестиваль, думал, кого из хореографов мы можем пригласить в Воронеж. Что особенно приятно, ни от одного не получил отказа. Не было только тех, кто физически не смог поучаствовать: например, Кирилл Радев сейчас живет в Испании, Алексей Расторгуев тоже пока за границей, – сообщил худрук фестиваля. – После первой «RE:Формы танца» у нас уволился один артист балета. На прощание он сказал мне обидную вещь: дескать, этот фестиваль я сделал на горбах труппы. Я долго переживал по этому поводу. Спустя месяц несколько солистов спросили: «А у нас будет еще «RE:Форма танца»?" Особенно меня поразили слова Ивана Негробова, премьера нашей балетной труппы, артиста, обладающего солидным профессиональным багажом: он признался, что участие в «RE:Форме танца» было самым ярким и увлекательным событием в его карьере. Для меня эти слова очень многое значат.

По оценке профессионального танцевального сообщества, первый фестиваль «RE:Форма танца» заявил о себе громко. Впоследствии все восемь постановок были включены в репертуар Театра оперы и балета, с некоторыми номерами артисты выступали на фестивалях Context, «Ротонда», «Мандельштамфест».

Александр Литягин с грустью признал, что пока форуму не удалось справиться только с одной задачей – привлечь в театр молодую аудиторию. На второй фестиваль было продано чуть больше половины билетов, а хотелось бы видеть аншлаг.

Балетный критик Татьяна Кузнецова согласилась с Литягиным, что в театр нужно привлекать молодежь. И как раз современная хореография, громкие имена постановщиков могут в этом помочь.

– Вообще, перед Александром нужно снять шляпу: он предпринимает попытку оживить балет. Современная хореография должна будоражить, вызывать сильные чувства: от ненависти до восхищения, от восторга до споров. Город должен развиваться, в том числе культурно. Молодежь должна ходить в театр. А туда либо детей водят, либо в зале присутствует только возрастная публика. А это должна быть тусовка со своей публикой, которая не пойдет «окультуриваться» на «Лебединое озеро», а захочет посмотреть современный балет, – считает Кузнецова.

Лейтмотивом второй «RE:Формы танца» стала взаимосвязь, которую создатели форума постарались выстроить между крупнейшими хореографическими фестивалями страны, солистами балетной труппы Воронежского театра оперы и балета, артистами танцевальной труппы Камерного театра и приглашенными танцовщиками. Именно с этой взаимосвязи, послужившей названием гала-концерта, открылся четырехдневный фестиваль.

В течение вечера воронежцы увидели несколько работ популярных молодых хореографов, участников крупнейших фестивалей, лауреатов и номинантов «Золотой маски»: Эрнеста Нургали, Марии Яшниковой, Павла Глухова, Игоря Булыцына, Ольги Рыжковой, Константина Матулевского и Софьи Гайдуковой.

Заслуженная артистка России балерина Марианна Рыжкина специально для концерта «Взаимосвязи» поставила номер современной хореографии Last. Его исполнили солисты Воронежского театра оперы и балета Максим Данилов и победительница проекта «Большой балет» на телеканале «Культура» Елизавета Корнеева.

– Я в Воронеже за последний месяц уже во второй раз, опять на большом проекте – это говорит о том, что при непростой ситуации в стране Воронежский театр оперы и балета живет, выпускает новые интересные проекты и премьеры. Известные российские хореографы мечтают попасть на «RE:Форму танца» – меня, например, не с первого раза пригласили. Фестиваль позволяет артистам классической балетной школы попробовать себя в разной пластике, стилистике, поработать с разными хореографами. Постановщики тоже получают здесь новый опыт: одно дело ставить номера с профессиональными артистами театра, и совсем другое – с труппой Камерного театра, которая не совсем балет в нашем понимании. Но тем не менее это очень интересный синтез. Не всякий классический танцовщик может исполнить современную хореографию, на это влияют много факторов – от раскрепощенности до природной пластики, это все очень индивидуально. Даже в Большом театре не все классические артисты участвуют в современных танцевальных постановках, не все способны перейти эту грань, – пояснила Марианна Рыжкина.

По словам балерины, она давно мечтала как хореограф поставить драматический номер на музыку Бриттена. Идея понравилась Александру Литягину, он сам предложил артистов – Елизавету Корнееву и Максима Данилова. Их исполнение полностью удовлетворило Марианну Рыжкину:

– У меня не было времени на ошибку. Номер Last мы подготовили в кратчайший срок – всего за пять дней. На репетиции было важно, чтобы все поддержки получились у ребят с первого раза. Я безмерно рада, что им это удалось. Максим невероятно сильный, крепкий партнер, Лиза – тонкая, изящная балерина. Мне легко работалось с ними. Любой хореограф, когда четко знает, что он хочет донести, быстро находит контакт с исполнителем. А если работа увлекает исполнителей, это вообще прекрасно.

– Last – это последняя встреча Отелло с Дездемоной. Мне не хотелось в названии указывать имена, я хотела, чтобы зритель сам понял, о чем номер, – добавила балерина. – При том что я не люблю английские слова в балетном мире, слово Last идеально подошло номеру. Во-первых, оно емкое, как сама постановка, во-вторых, имеет много значений. Это может быть и последний вздох, и последний взгляд, и последняя надежда. Пусть каждый зритель почувствует свою историю. Конечно, я очень рада, что премьера номера состоялась именно на «RE:Форме танца».

В субботу, 13 марта, публика увидит сразу три одноактных балета, которые хореографы поставили специально для балетной труппы Воронежского театра оперы и балета. Это постановки «Лета» от хореографов Ольги Рыжковой и Олега Петрова, хореографическая сюита по произведениям Гоголя Donem incognitum в постановке Дениса Постоева и Александра Литягина, а также танцевальный спектакль «След» Константина Кейхеля.

В день закрытия фестиваля – в воскресенье, 14 марта, – зрителей ждут два кардинально разных по жанру и исполнению спектакля. Солистка театра Диана Кустурова покажет «Деву» в постановке Софьи Гайдуковой и Константина Матулевского. Танцевальный спектакль дополнят вокальные партии 24 артистов хора, которые а капелла исполнят редко звучащие в России произведения Йохана Йоханнссона и Дэвида Лэнга. В финале покажут спектакль с музыкальным антрактом «Шут» в постановке Никиты Высоцкого, который представит современный взгляд на балет Прокофьева «Сказка о шуте, семерых шутов перешутившего». Ради участия в этом проекте на один день в Воронеж приедут солист Большого театра Игорь Цвирко и прима-балерина «Кремлевского балета» Екатерина Первушина.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22871
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 12, 2021 7:58 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021031204
Тема| Балет, Новосибирский театр оперы и балета, Персоналии, Анжелина Воронцова (Михайловский театр)
Автор| корр.
Заголовок| Анжелина Воронцова: «Работа вдохновляет меня»
Где опубликовано| © сайт театра
Дата публикации| 2021-03-11
Ссылка| https://novat.nsk.ru/news/interview/anzhelina-vorontsova-rabota-vdokhnovlyaet-menya/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Прима-балерина Санкт-Петербургского Михайловского театра Анжелина Воронцова – одна из самых ярких звёзд российской балетной сцены. Каждый выход артистки на сцену неизменно вызывает восхищение зрителей: изящество, красота линий, филигранная точность исполнения и невероятное актёрское обаяние балерины никого не оставляют равнодушным. В марте на сцене НОВАТа артистка, чей яркий талант давно завоевал сердца новосибирских зрителей, впервые в карьере танцует обольстительную Эгину в балете «Спартак» в легендарной версии Юрия Григоровича.

Накануне дебюта Анжелина Воронцова рассказала о своей работе и о готовящейся партии.


– Сейчас у всех артистов балета во всех театрах довольно плотный график, мы очень загружены. Это огромное счастье, но, конечно, времени на что-то ещё, кроме театра совсем мало. Признаюсь, для меня нет в этом проблемы – меня очень радует возможность репетировать, выходить на сцену, радует, когда много работы. Можно сказать, что именно работа вдохновляет меня на работу, на творчество.

– Вы хорошо знакомы с нашей сценой, с нашей труппой – с какими чувствами Вы приезжаете в Новосибирск, выходите на нашу сцену?

– Я люблю приезжать в Новосибирск и танцую здесь с особыми чувствами. Меня вдохновляет масштабность сцены – моя карьера начиналась в Большом театре, там тоже большая сцена, и этот размах мне по душе. Мне нужно пространство, которое я могу заполнить, я люблю широту шагов, жестов, люблю делиться энергией с залом – это близко моей индивидуальности. Здесь сильная профессиональная труппа, замечательные солисты, кордебалет и отдельно хочу отметить прекрасных концертмейстеров балета – музыка на репетициях очень важна. Мне очень комфортно в НОВАТе, я радуюсь каждому приезду сюда, но вместе с тем очень ответственно подхожу к выступлениям в Новосибирске, поскольку знаю, насколько здесь искушённые зрители, а если они тебя полюбили – нужно оправдывать их доверие. И мне кажется, у меня есть контакт с новосибирским зрителем – каждый раз во время спектаклей я чувствую очень сильную волну ответной энергии.

– Есть у Вас спектакли, которые Вы танцуете с особым чувством, с особым желанием?

– В последнее время для меня таким спектаклем стал балет «Баядерка». Думаю, для каждой русской балерины это особенный, очень важный спектакль – это русский репертуар, можно сказать, квинтэссенция балетной классики. Я очень люблю этот спектакль, для меня это одновременно и испытание и наслаждение: гениальный акт «Тени» – вершина классического танца, монолог Никии во втором акте, где требуется передать богатейшую палитру чувств, эмоций. Возможность выразить всё это в танце – бесценна для каждого артиста. Сейчас я готовлю очень интересную партию – Эгину в балете «Спартак» в версии Юрия Григоровича, и я чувствую, что этот спектакль становится одним из моих самых любимых.

– Расскажите чуть подробнее об этой Вашей работе?

– «Спартак» Юрия Николаевича Григоровича является эпохальным спектаклем в истории советского балета. И для меня работа над партией Эгины также стала рубежной, знаковой. В этой партии очень важна проработка образа, детали, но самое важное – быть личностью на сцене. Более двух лет назад впервые прозвучало предложение танцевать Эгину, и всё это время я вынашивала роль, пересмотрела, наверное, все имеющиеся записи «Спартака», искала подходящие для меня трактовки, провела очень много времени в репетиционном зале и очень серьёзно обдумывала материал, и очень рада, что эта партия пришла ко мне именно сейчас. В процессе репетиций мы опирались на запись 1970 года с премьерным составом. Поскольку репетициям предшествовала серьёзная внутренняя работа, к их началу я подошла с пониманием своего персонажа, с видением образа, и с самого начала ощутила, что партия подходит мне физически – свободой жестов и графичностью поз, широтой движений, сложностью прыжков. Спектакли Юрия Григоровича требуют полной самоотдачи, абсолютного погружения в роль, и я очень надеюсь, что мне удастся воплотить на сцене всё задуманное, и с каждым спектаклем образ Эгины будет всё более целостным и выразительным. «Спартак» – балет, с которым каждый артист профессионально растёт, раскрывается, он из тех гениальных спектаклей, которые никогда не устаревают и не теряют актуальности. И конечно, в этом балете гениальная музыка Хачатуряна – с самых первых нот сердце наполняется энергией, сильными эмоциями.

– Ваш самый любимый момент работы?

– Самый любимый момент – предвкушение. Когда очень долго готовится партия, глубоко прорабатывается материал, и к спектаклю приходишь во всеоружии. Когда ты настолько ощущаешь свою готовность – как сжатая пружина – что, можно сказать, рвёшься на сцену, чтобы поделится со зрителями всей той энергией, которая тебя переполняет. Это не перед каждым спектаклем чувствуешь, и для меня это ощущение очень ценно.

– Ваши пожелания новосибирским зрителям?

– У новосибирских зрителей есть и прекрасный театр, и понимание искусства, и вкус, и любовь к артистам. Поэтому просто хочу пожелать – приходите в театр и радуйте нас своими аплодисментами. Мы вас всегда очень ждём!
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу 1, 2, 3, 4, 5  След.
Страница 1 из 5

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика