Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2021-03
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22888
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Мар 29, 2021 11:19 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021032903
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Кристиан Шпук, Ольга Смирнова, Семен Чудин, Мария Виноградова, Артемия Беляков
Автор| Анна Гордеева
Заголовок| ОРЛАНДО БЕЗ НЕИСТОВСТВА
В БОЛЬШОМ ТЕАТРЕ СОСТОЯЛАСЬ МИРОВАЯ ПРЕМЬЕРА БАЛЕТА КРИСТИАНА ШПУКА

Где опубликовано| © Журнал Музыкальная жизнь
Дата публикации| 2021-03-29
Ссылка| https://muzlifemagazine.ru/orlando-bez-neistovstva/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Сцена представляет собой «черный кабинет», основная гамма костюмов – черный, серый, темно-зеленый (за сценографию «Орландо» отвечал Руфус Дидвишус, за костюмы – Эмма Райотт). Изысканно тусклый свет сотворен Мартином Гебхардтом. Хореограф Кристиан Шпук любит темные цвета, мрачные настроения:среди лучших его балетов – сделанный в Цюрихе «Зимний путь» (Шуберт/Цендер, про путешествие к смерти сквозь холод и мглу) и сотворенный в Риге «Песочный человек» (Шуман, Шнитке и Доннер, точная интонация гофмановской жути). В придуманной Вирджинией Вулф 93 года назад истории Орландо – елизаветинского пажа, оказавшегося бессмертным и по ходу своего многовекового жизненного путешествия превратившегося в женщину, – Шпук тоже увидел прежде всего мрачные тона и сполна воспроизвел их на сцене.

Партитура балета была собрана из фрагментов нескольких сочинений. Виолончельный концерт Элгара (солист Петр Кондрашин) стал музыкой Орландо, назойливый нерв Концерта для скрипки с оркестром Филипа Гласса (солист Станислав Измайлов) превратился в символ времени, сквозь которое проходит герой. При этом концерты разъяты, их части разнесены по разным эпизодам. К этим двум «главным» музыкальным сочинениям добавлена музыка Леры Ауэрбах (по одной прелюдии в каждый акт двухактного балета), православное песнопение «Под Твою милость» в исполнении Хора Свешникова (в записи; это эпизод с влюбленностью Орландо в русскую княжну Сашу), «Песнь из Священной книги» Гурджиева (также запись – Ансамбль народных инструментов имени Гурджиева; эпизод восстания в Турции, где Орландо служит послом), «Жаворонок» Глинки и ария-вокализ Элизы из балета «Дикие лебеди» Елены Кац-Чернин. Оркестр Большого театра, ведомый Алексеем Богорадом, мужественно сплетал разномастные нити в единую музыкальную ткань, и чаще всего у него это получалось.


Орландо – Ольга Смирнова, Кавалер Орландо – Якопо Тисси

По структуре новый балет представляет собой набор сцен, каждую из которых предваряют несколько фраз, произносимых по трансляции приятным женским голосом. Это – пояснения к происходящему, и они совершенно необходимы, потому что разобраться, что происходит на сцене, без них было бы очень трудно. Главная коллизия «Орландо» Вулф – превращение молодого человека в девушку, случившееся неким магическим способом (герой просто заснул на неделю, а проснулся уже героиней), – никак не отражается в придуманной Шпуком пластике. В 1997 году, когда этот сюжет был впервые использован в балете (Роберт Норт поставил в Риме бенефисный спектакль для Карлы Фраччи), два акта – «мужской» и «женский» жестко делились по характеру дуэтов, в которых великая итальянка вела диалоги с партнершами/партнерами. У Шпука и там и там в тексте правят ранверсе; понятно, что это не случайность, что мысль, высказанная в книге Вулф, – одежды (=пол) могут меняться, человек остается одним и тем же – сознательно транслируется им в балете. Но эта одинаковость утомляет глаз: начинает казаться, что речь вообще не о том, что Орландо – это один и тот же человек, несмотря на его/ее превращения, – а о том, что жизнь героя нудна до невозможности.

Из пяти заявленных в буклете балерин в премьерную серию вышли только две – Ольга Смирнова и Мария Виноградова. Прохладная прима из Вагановской школы и жизнерадостная солистка из школы московской по-разному взглянули на текст: Смирнова транслировала замкнутость своего поэтического пажа, брезгливость по отношению к ухажерам, а в момент влюбленности ее героиня царственно позволяла себе поклоняться. Виноградова же (быть может, противореча хореографу – но точно соответствуя интонации Вулф) в первом акте определенно играла юношу, завороженного загадками жизни, во втором – женщину, относящуюся к жизни с тем же любопытством, и добавляла в текст энергию, которой там катастрофически не хватало. Это был(а) именно Орландо из романа – того романа, что был написан Вулф как объяснение в любви ее подруге, Виктории Сэквилл-Уэст. Решительная завоевательница женских сердец, Сэквилл-Уэст вдохновила Вулф на многие ее сочинения – но главное, давала жажду жить писательнице, с детства страдавшей затяжными депрессиями. Потому роман Вулф – да, говорящий и о природном одиночестве поэта – так полон солнцем и любовью; это солнце и любовь, эти шуточки, этот ясный день жизни вносила в жизнь Вулф Сэквилл-Уэст. Но эту ясную интонацию (которую отлично почувствовала в своем фильме 1992 года режиссер Салли Поттер) вовсе убрал из своего спектакля Шпук. Он явно помнил только то, чем жизнь Вулф закончилась – а закончилась она самоубийством, когда после начала Второй мировой и бомбежек Лондона писательница не смогла более справляться со своей депрессией.


Орландо – Ольга Смирнова

Весь спектакль Шпука – о том, как темна жизнь и утомительны окружающие люди. При этом он не дает себе труда как следует этих людей прорисовать, придумать им запоминающуюся пластику. Вот шестнадцатилетним Орландо увлекается пожилая королева Елизавета – сколько интересных ходов здесь можно было бы придумать – хоть комических, хоть трагических! Шпук отдает роль королевы танцовщикам-премьерам, танцовщикам-виртуозам – и, обнаружив в программке имена Семена Чудина (в первый вечер) или Артемия Белякова (во второй), зритель предвкушает яркий танец – но нет, королева лишь шествует в массивном «историческом» наряде. С тем же успехом эту роль можно было поручить рослому артисту миманса. Во втором акте, когда Орландо уже сама разгуливает в платье, Шпук «расплачивается» с премьерами, дав им же роль любовника героини – Шелмердина. В этой части они получают возможность немного потанцевать – но с точки зрения лексики их танец ничего интересного не представляет, публика наблюдает, как они, так сказать, плавают баттерфляем в очень ограниченном пространстве.

Орландо Вирджинии Вулф дал обещание Елизавете навсегда оставаться юным – и обещание сдержал, и именно юностью, любопытством, авантюризмом наполнен роман. Орландо Кристиана Шпука от рождения стар и опаслив, ему не интересны люди, он их боится. (Как искрила в книжке история о влюбленности Орландо в русскую княжну Сашу! Здесь персонажи делают несколько невнятных кругов друг вокруг друга, и Саша исчезает в кулисах; Ксении Жиганшиной (в первый вечер) и Анне Балуковой (во второй вечер), как и премьерам, не дали потанцевать. И проблема, собственно говоря, не в том, что хореограф не придерживался интонации романа (менять что-то или вообще все – его святое право), но в том, что балет по определению – территория любопытствующей юности. Можно написать хоть восемьсот страниц о том, как утомительна и невыносима жизнь – и, вполне возможно, у книги найдутся поклонники и почитатели. Но наполни всего лишь двухактный балет (час – первое действие и сорок пять минут –второе) усталостью, депрессией, боязнью людей – и его не спасет даже высококлассная труппа Большого. Что ж, и после неудач жизнь, к счастью, продолжается. В Большом начались репетиции следующей новинки – «Чайку» (сочинение Ильи Демуцкого) ставит Юрий Посохов, эта команда точно никому заскучать не даст. Премьера ожидается в начале июля.

ФОТО: НАТАЛЬЯ ВОРОНОВА, ПАВЕЛ РЫЧКОВ / БОЛЬШОЙ ТЕАТР
=========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22888
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Мар 29, 2021 1:51 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021032904
Тема| Балет, БТ, Персоналии, РУСЛАН СКВОРЦОВ
Автор| Вера Сергеева, Мария Хлопцова
Заголовок| РУСЛАН СКВОРЦОВ
Где опубликовано| © Bolshoi expert
Дата публикации| 2021-03-29
Ссылка| https://www.bolshoiexpert.ru/ruslan_skvortsov
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Маша: Руслан, в сентябре у тебя в Instagram появился пост о том, что ты завершаешь карьеру в Большом театре. Эта публикация пощекотала нервы твоим поклонникам. К счастью, ты продолжаешь в этом сезоне танцевать, и немало. Поясни, что изменилось?

Руслан: Я написал в этом посте, что я попрощался с театром в должности. Моя должность артиста театра, премьера, закончилась, я вышел из штата. Сейчас официально я не сотрудник Большого театра, а приглашенный артист на контракте. На каждый спектакль, в котором меня хотят видеть, меня приглашают. То есть изменилась юридическая формальность, и на каждый отдельный спектакль со мной заключается контракт.

Вера: А в чем отличие – быть действующим артистом труппы или приглашенным артистом, кроме юридической стороны?

Р.: Когда ты в штате, ты получаешь оклад, президентские гранты, какие-то премии, у тебя есть гарантия, что ты занят в спектаклях, и работаешь официально. Я же теперь получаю только голый гонорар за спектакль.

В.: И как ощущения?

Р.: Пока я особой разницы не заметил. Я думал, что выйду на пенсию, и появится столько времени, буду приходить иногда, заниматься классом, чуть репетировать… Но Махар Хасанович предложил попробовать педагогическую деятельность. Во время пандемии старшее поколение отправили на карантин, возникла нехватка педагогов, чтобы давать классы, нужно было распределить людей, избежать скопления. Таких артистов, как я, стали подряжать постепенно давать классы. Это было предложение руководства попробовать себя в этой деятельности и, возможно, в дальнейшем получить ставку педагога.

В.: Ты раньше сам об этом думал?

Р.: Я думал, но совершенно в другом ключе. Думал, что работа педагога в театре – такое неблагодарное дело, сидишь в театре… В итоге «сижу». И я реально весь день, с утра и в лучшем случае до 17-18 часов, если нет спектакля, репетирую с учениками, сам или на постановочных репетициях. Я намного больше времени стал здесь проводить, нежели когда я здесь просто танцевал.

М.: В Instagram мы заметили, что ты репетируешь с Давидом Мота Соаресом…

Р.: У меня сейчас Давид, Клим Ефимов, периодически приходит Артур Мкртчян. У них обширный репертуар. Плюс меня внесли в список педагогов-репетиторов на новую постановку «Орландо».

В.: У тебя уже сформировалось какое-то понимание, как учить артистов?

Р.: Учить уже особо не приходится, потому что люди опытные и прошли определенную школу. Чисто визуально и технически я какие-то вещи вижу и подсказываю. Ориентируюсь не только на то, как я это вижу, но и на то, как меня учили мои педагоги.

В.: Как репетитор ты больше уделяешь внимание технике? Или также стилистике, особенностям старой балетной школы, которые очень важно сохранять?

Р.: Часто встречаю такие вопросы про стилистику и старую школу… Я стараюсь учитывать и то, и другое. Как меня учили, существует движение, и существует смысл. Это две составляющие, которые дополняют друг друга в виде танца, благодаря чему это называется искусством. Конечно, балет – это прежде всего движение, но если это движение лишить смысла, то будет больше похоже на спорт. Хотя сейчас даже в спорте, например, в фигурном катании, пытаются делать номера со смыслом, а не просто набор тулупов. Несколько моих бывших балетных знакомых работают с фигуристами. В балете, если мы говорим не о совсем абстрактной постановке, а о сюжетном спектакле, одним движением не отделаешься. Каждое движение должно быть зачем-то и для чего-то, и чтобы это понял не только ты сам, но и зритель. В свое время у нас ставился балет «Агон», я ходил на репетиции, и мне не нравилось. Мало того, что музыка Стравинского - на любителя, плюс банальные костюмы как для урока классического танца. У нас был дуэт с Катей Шипулиной. На постановочные репетиции приехал Джон Клиффорд (бывший премьер труппы Нью-Йорк сити балет, постановщик, репетитор, представляющий Фонд Джорджа Баланчина, прим.). У меня совершенно не лежала душа, я злился, мне казалось, что это просто набор движений. Джон мне сказал: «Если ты придумаешь историю, чтобы заинтересовать себя самого, то и зрителю будет интересно это смотреть». Мне тогда очень это запомнилось, и теперь задумываюсь над каждым движением. Всегда надо думать. Голова нам не только для того, чтобы есть.

М.: Педагог – это уже совсем другой статус в театре, определенная ответственность и другие взаимоотношения с коллективом. Еще вчера вы с ребятами вместе стояли у станка, а сегодня ты уже сам их учишь. Уже чувствуются какие-то глобальные изменения в отношениях с другими артистами?

Р.: Действительно, забавная ситуация. Ребята почти сразу стали обращаться ко мне по имени-отчеству. Вообще, пока ко мне хорошо относятся (смеется).

М.: По твоему мнению, должна быть такая строгая иерархия? Или важнее поддерживать дружеские отношения?

Р.: Это разные вещи. Можно дружить, но при этом на работе относиться друг к другу с уважением, не только в репетиционном зале, но и на сцене. Дружный коллектив – это замечательно. Но эта дружба должна быть потом, после работы. Хотя сейчас уже нет таких дружеских компаний, как были раньше. Постепенно с уходом старших поколений это тоже теряется. Раньше устраивали творческие вечера, писали стихи...

М.: Вернемся к соцсетям. Ты завел Instagram несколько лет назад, достаточно поздно по сравнению с другими артистами. И на тебя сразу обрушился шквал твоих поклонниц. Я знаю, что ты очень внимателен к тому, что тебе пишут, и всегда отвечаешь. Это дает какой-то дополнительный импульс и вдохновение?

Р.: Импульс есть, когда критикуют. Когда хвалят, конечно, это тоже приятно. На самом деле, аккаунт я заводил, потому что готовился проект по балетным гала. И я думал, что он поможет это дело продвигать. Потом эти гала несколько раз прошли, затем пандемия, и дело приостановилось. А Instagram остался.

В.: Благодаря твоему Instagram и твоим репостам я увидела, насколько действительно люди тебя любят.

М.: Сейчас же многие артисты поддерживают отношения со своими поклонниками с помощью соцсетей, общаются, с кем-то даже начинают дружить. Это хорошо, что барьер между зрителем и артистом стирается?

Р.: Да, мы живем в век современных технологий, и, благодаря развитию соцсетей, человек из любого уголка планеты может общаться с кем угодно. С одной стороны, это хорошо. Например, зритель после просмотра спектакля или концерта может через соцсети отправить сообщение лично и оставить свой отзыв, поделиться впечатлениями от увиденного или услышанного, что раньше было практически невозможно. Я всегда стараюсь всем ответить и поблагодарить. Но все же я не медийный человек.

В.: А был такой опыт, что приятельские отношения с поклонниками переходили в дружеские?

Р.: Был. И знаете, говорят, что артисты – творческие личности, очень эмоциональные. Но вот поклонники артистов – это настоящие «вулканы эмоций»! Поэтому стараюсь не «задруживаться».

М.: Про тебя говорят, что ты последний из "романтических принцев" Большого театра, того, уходящего поколения. Ты сам видишь эту разницу - между нынешними премьерами и твоим поколением?

Р.: Не знаю, как тут себя оправдать… Многое накапливается с опытом, потому что ты начинаешь какие-то вещи по-другому осмыслять – тот или иной жест, как вести себя в различных ситуациях. Научить этому тоже можно, но человек должен сам понять. Думаю, что и нынешние, и будущие премьеры будут набираться опыта. И потом будет уже другой «последний в своем поколении» классический танцовщик.

В.: Поясню, как я это вижу. Иногда мне не хватает какой-то деликатности. Все как-то чрезмерно, экспрессивно.

Р.: Это пока юношеский максимализм. Больше накрутить, выше прыгнуть.

В.: Перейдем к твоим самым интересным партиям. В 2019 году состоялась премьера Красса. Очень неожиданная для всех, но очень приятная. Почему так поздно? И как тебе в образе римского полководца?

Р.: Поздно, да. Много лет назад сам Юрий Николаевич предложил мне подготовить партию Спартака. Но тогда руководство это не поддержало. Спустя какое-то время я станцевал адажио из «Спартака» со Светой Лунькиной на личных гастролях в Японии. С этим связана забавная история. Спустя какое-то время Большой театр приезжает на гастроли в Японию, в репертуаре стоит «Спартак», танцует Ваня Васильев. И там висит афиша, где я с Лунькиной… Было неловко. Почему еще я тогда не стал бороться за эту партию - я замечал, что исполнение партии Спартака дает не лучший результат в дальнейшем. «Спартак» – тяжелый спектакль и не совсем классического плана, после него очень сложно танцевать классику, не только через короткий промежуток времени. Когда ты начинаешь над ним много работать и неосознанно уходишь в эти движения и специфическую хореографию, про все остальное забываешь. Это касается и партии Красса. И бывают случаи, что видишь, как это вылезает, например, в «Лебедином». Хочешь не хочешь, а для артиста балета «Спартак» - это Оскар, лучшая роль. Как было в этот раз - за три недели до этого спектакля я по замене танцевал «Коппелию». И спустя пару дней руководитель вызывает меня к себе и говорит: «Я вот посмотрел на тебя в «Коппелии»… и задался вопросом... Прочему ты не танцуешь Красса???»

В.: Очень интересная логика (смеются).

Р.: Мне предложили попробовать. Я согласился. В итоге у меня была неделя, чтобы попробовать, неделя, чтобы выучить, и еще неделя дорепетировать. Если вы помните, афишу придерживали до последнего момента, потому что я пробовал, и Махар Хасанович пытался понять, получится ли. Конечно, вопрос состоял в том, выдержу ли я, потому что подготовить такую партию за сжатые сроки физически очень тяжело, обычно ее годами готовят. В итоге все получилось и все обошлось.

В.: А по характеру тебе Красс подошел?

Р.: Как «последнему романтику», наверное, мне ближе был бы Спартак. Но Красс мне тоже понравился. Раньше я эту партию особо не видел. Я вообще обычно не смотрю спектакли. Я готовил ее с Марком Перетокиным, он тоже начал танцевать Красса достаточно поздно и много его танцевал. Он помог мне по-другому посмотреть на образ, Красс – не убийца или маньяк, он полководец, легионер, фанат своего дела в хорошем смысле этого слова, у него ответственность.

В.: Тебе было сложно вживаться в этот образ?

Р.: Сложно, так как приходилось учить порядок по видеозаписям разных исполнителей, и, хочешь не хочешь, с движениями заучивались и манеры, реакции. А Марк меня во многом пресекал и запрещал. Музыка Хачатуряна сама по себе выводит на эмоции. Было сложно себя сдерживать. Я ему говорю за это большое спасибо. Получился другой Красс.

М.: Евгений Онегин – один из самых любимых нами и многими твой образ. Сколько раз я смотрела тебя в этой партии, и каждый раз вижу что-то новое в твоем исполнении. Балет поставлен иностранцем. Как ты готовился к этой роли – по роману или по тому, что говорят постановщики?

Р.: Готовил именно то, что они ставили. Там было все очень строго, шаг, жест взгляд в сторону – расстрел сразу. Все вбивалось по рисунку.

М.: На твой взгляд, иностранное видение этого образа отличается от «пушкинского»? Мне кажется, Онегин более злой в этом балете…

Р.: Может быть. Все это из-за того, что ставил иностранец, а у них играет большую роль «смотрибельность» на сцене. Для них это шоу. Некоторые моменты преувеличены или, наоборот, убраны. На мой взгляд, поставлено хорошо. Недаром Джон Крэнко (хореограф, прим.) долгое время ставил этот балет, раздумывал, менял порядок. Он очень переживал по поводу того, что привезет спектакль сюда и покажет его российским зрителям. Приняли его здесь не очень, он обиделся, в итоге его постановку танцуют во всем мире, кроме России. И вот теперь она идет только в Большом театре, и с успехом. К сожалению, сам он уже этого не увидел. Поколение поменялось, и теперь то, что раньше отвергали, многим нравится. Остались и те, кто продолжает сравнивать с первоисточником, остальные просто смотрят. Когда смотреть неинтересно, начинают искать отголоски оригинала, анализировать, а когда увлекательно – этому меньше придается значения. Сколько произведений множество раз переделаны и переписаны, начиная со сказок и дальше. Как я уже сказал, в профессиональном плане спектакль хорошо поставлен. Очень музыкально, динамично, незатянутые акты, все компактно.

В.: Тебе подходит и образ, и спектакль. Ты себя в нем, думаю, очень комфортно ощущаешь…

Р.: Особенно с того момента, как постановщики уехали, мне очень комфортно. (смеется)

В.: С начала премьеры и по настоящий день ты танцуешь этот спектакль. Как менялся твой Онегин? Маша упомянула, что каждый раз находит нечто новое в твоем исполнении. Эти изменения осознаны, или это уже импровизация?

Р.: Импровизация тоже, потому что нельзя исполнить в точности то, что заучено, хочешь не хочешь, будут отступления, у тебя меняются партнерши, разные факторы и ситуации на сцене. Достаточно кому-то сделать жест или подать знак чуть по-другому, и смысл может поменяться. На сцене все происходит так же, как и мы с вами сейчас общаемся. Есть личные моменты, настроение влияет, по-другому звучит оркестр, по-другому слышишь музыку, ничего не стоит на месте.

М.: Напомним нашим читателям, что ранее спектакль шел на Исторической сцене. После переноса на Новую сцену, как мне кажется, по крайней мере со стороны зрителя, балет стал более камерным, более интимным, лучше видно эмоции на лицах артистов. Что для артистов изменилось с переносом спектакля на сцену поменьше?

Р.: Пространство практически осталось то же, за кулисами только стало меньше места, потому что декорации сделаны для большой сцены. Зритель ближе сидит, да, но мы это особо не замечаем. Конечно, большая сцена артистам нравится больше, и в плане удобства в том числе. Но если это идет на пользу спектаклю – это хорошо.

В.: Еще одно твое воплощение русской классики на сцене – Печорин в балете «Герой нашего времени». Как тебе пришлось сочетание «лермонтовской» классики и музыки современного композитора? Есть ли разница – работа с современным композитором и с музыкой старых мастеров?

Р.: На мой взгляд, когда музыка пишется под определенный спектакль, это лучше. Так, например, было у тандема Григоровича с Хачатуряном. В чем плюс? Это как вы заказываете автомобиль под себя и со всеми опциями на свой вкус. Простой пример (улыбается). Это работает на пользу, не приходится искать какие-то акценты. Композитор и хореограф работают слаженно вместе, и все будет логично. Были сложности с темпами, поначалу они были слишком быстрые, но это не такая большая проблема, если композитор не против их поменять. И дирижеры на это идут. Все-таки спектакль собирается постепенно, не с первого раза. И уже к 5-10 спектаклю и темпы «устаканиваются», и все срастается, спектакль начинает жить.

В.: Нам известно, что балерины имеют возможность договориться с дирижером о темпе. А у мужчин подобное практикуется?

Р.: Да, и на моей практике было такое. Но теперь говорю ученикам: темпы на сцене могут быть абсолютно разные. Сегодня один дирижер, завтра - другой, он встал с одной ноги – быстро, с другой – медленно. Дирижер может прийти на репетицию, послушать, но бывало, договаривались заранее, а на сцене выходило все наоборот. Поэтому нужно привыкать, нужно уметь адаптироваться, исходя из конкретной ситуации на сцене, потому что ни зрителю, ни руководителю не станешь объяснять: «Знаете, это не я, это просто такой темп был сегодня». Это же смешно.

В.: «Герой нашего времени» - бессмертное произведение. По образу хореография несколько осовременивает героев, актуализируя их к нашим дням. Образ твоего Печорина ближе к классической интерпретации, или же ты тоже его видишь более современным?

Р.: Наша задача в первую очередь - передать то, что хочет от тебя постановщик, хореограф, режиссер. Уже потом ты что-то добавляешь и, если это идет на пользу, как они считают, это остается. Что касается «Героя», это произведение, которое в школьные годы я прочитал за ночь. Оно хорошо написано, не затянуто, нет ненужной тягомотины. Образ очень интересный, он такой естественный, просто не повезло человеку в судьбе. Мне не приходилось что-то надумывать. Это простая жизненная ситуация, те же наши дни, если поменять антураж и костюмы. Всегда есть подобные люди – изгои, лишние, может, они и сами себя такими чувствуют, может - нет.

В.: Люди, которые не умеют вовремя принять решение или сделать выбор?

Р.: Возможно, так. В силу своей надуманности, сложности. Это все было в то время, когда произведение написано, и будет продолжаться в любые времена все равно. Это настолько жизненный сюжет, он мог произойти в любое историческое время, и в современном мире тоже.

В.: В рамках своей одноактной части балета ты танцуешь с двумя партнершами, совершенно разными героинями. Сложно переключаться?

Р.: Здесь мы с вами возвращаемся в начало нашего разговора про осмысление. Есть движение, а есть смысл. Как и мы с вами, с одним человеком мы дружны, с другим безразличны.

В.: Да, однако в обычной жизни мы не можем переключиться сразу, а вы на сцене это делаете на раз.

Р.: Нас этому учат с юности, в процессе репетиционного процесса это получается уже довольно естественно. Плюс - понимание того, что происходит в данный момент на сцене.

М.: Интересно: то, что может казаться зрителю сложным, артистам дается легко, или наоборот.

В.: Ты сказал, что никогда не смотришь другие спектакли, в данном случае тоже? Ты не смотришь на других Печориных? Это тебе не нужно, чтобы собрать ваше трио в конце?

Р.: Мне кажется, что у Кирилла Серебренникова в том и была задумка, что это должны быть три разных человека, три поколения, три разных образа. Я не смотрю, в принципе, еще и потому, что я в это время либо греюсь, либо гримируюсь.

М.: Поговорим о «Светлом ручье» - веселый, жизнеутверждающий балет. Зрители его очень любят. И, конечно, феноменальный образ Сильфиды, которую исполняет мужчина на пуантах. Как здесь не перейти в гротеск, чтобы это было не пошло, уместно, смешно?

Р.: На мой взгляд, это совершенно не смешно, я не очень люблю этот балет. Это тяжело, эти пуанты… То, что мне принесли перед премьерой – тихий ужас, стоять было невозможно, домой приходишь, носки снимаешь вместе с ногтями. Со временем я подобрал себе пуанты, в которых более-менее комфортно. В общем, ноги жутко болели, тут не до гротеска (смеется). Часто спрашивают, как эту грань не перейти… я не знаю. Многие видят в этом комический момент, а для меня это другое, неприятный розыгрыш и издевательство. В советское время не могло быть такого, в силу менталитета. Но это мое ощущение. Хорошо, что это получилось, теперь это визитная карточка театра, такие спектакли должны быть в репертуаре. Раньше был «Чиполлино», но он детский. А этот спектакль подходит всем. Смысл в другом: ты разыгрываешь, но делаешь это не по своей воле, тебя поставили перед фактом, но при этом ты по образу классический танцовщик, ты профессионал, должен это сделать хорошо.

В.: Наибольшую сложность представляет комический аспект или трудности физического исполнения (на пуантах)?

Р.: Дело не в комичности. Можно посмешить зрителя. Есть прекрасный пример - балет «Трокадеро» в Монте-Карло. Труппа, где танцуют только мужчины на пальцах. Они танцуют на пальцах, но они делают это настолько серьезно и, в общем-то, здорово. У них есть их замечательная визитная карточка «Умирающий лебедь». Когда артист идет, и у него из пачки перья сыпятся, но это сделано с таким вкусом! Потому что они не шутят, они работают. Есть клоуны, которые пытаются развеселить, а есть клоуны, которые в этом живут.

В. и М.: Неожиданный ответ.

Р.: Более того, в свое время я пытался отказаться от участия в «Светлом ручье», но не вышло.

М.: Когда мы готовились к нашей беседе, то читали и старые интервью, и в одном из них ты как-то сказал, что ты вообще ленивый. Лень и балет, это как вообще сочетается? Казалось бы несовместимые понятия.

Р.: Лень - это лень, а балет — это работа. Это как утром встать и почистить зубы. У нас это с 10 лет, для нас это настолько в порядке вещей, как доехать от дома до работы. Рутина существует. Лень в другом. Например, многие считают, что нужно все время что-то репетировать, надо что-то готовить, может, что-то показать руководству, у меня такого никогда не было (улыбается). Чтобы я заставил себя лишний раз напрягаться? Нет, я слишком себя люблю. Мне говорили, что надо подготовить, тогда я готовил, личной инициативы у меня никогда не было. Наверное, лень именно в этом. У меня был случай участия в Московском конкурсе, это были две выкинутые недели из жизни, я потом, наверное, месяц не спал. У меня был такой нервный срыв, что я поставил на этом крест. Это действительно очень тяжело, и я, видимо, не конкурсный человек. А есть другие, которые ездят по конкурсам постоянно. Для меня легче три акта спектакля станцевать, чем раз выйти с отдельным па-де-де. Поэтому концерты тоже не люблю.

В.: Ты вообще не ездишь на гастроли? Это все-таки хороший заработок.

Р.: Езжу. Но есть люди, которые из них не вылезают, а у меня так не получается. Заработок - да, но сейчас ситуация кардинально изменилась.

В.: А что сейчас? Понятно, официальных гастролей нет, а отдельно приглашают?

Р.: Приглашают, но меньше, и это стало невыгодно. Одно дело - Большой театр, где есть господдержка и, несмотря на 25% зрителей, наши гонорары не сократились. В остальных случаях, даже если приглашают, зачастую все откладывается или переносится на неопределенный срок. А еще начинаются разговоры – мол, вы понимаете, 50% заполняемость зала, мы не можем заплатить 100% гонорара... Но ведь и мы не можем на 50% танцевать. Конечно, этот период для всех тяжелый очень.

В.: Прогнозы действительно на сегодняшний день не самые радужные.

М.: Будем надеяться на лучшее! Руслан, спасибо за эту приятную беседу!


Фото обложки - С. Авакум

==================================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пт Апр 09, 2021 11:52 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22888
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Мар 29, 2021 5:43 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021032905
Тема| Балет, БТ, Премьера. Персоналии, Алексей Ратманский, Уэйн Макгрегор, Сиди Ларби Шеркауи, Пол Лайтфут, Соль Леон, Ольга Смирнова
Автор| Редакция
Заголовок| Премьера новой балетной программы POSTSCRIPT в Большом театре
Где опубликовано| © Театр To Go
Дата публикации| 2021-03-29
Ссылка| https://teatrtogo.ru/2021/03/29/postskript-smirnova/
Аннотация|

Премьера новой балетной программы POSTSCRIPT состоится 25 и 26 мая в Большом театре. Продюсерская компания MuzArts готовит захватывающий вечер современной хореографии, куда войдут работы таких балетных мэтров, как Алексей Ратманский, Уэйн Макгрегор, Сиди Ларби Шеркауи, Пол Лайтфут и Соль Леон. В центре программы – прима Большого Ольга Смирнова, которую зрители увидят в трёх балетах из четырёх, вошедших в программу.

Продюсер компании MuzArts Юрий Баранов: «Идея проекта родилась после того, как мы поставили для Ольги Смирновой новый номер «Макгрегор + Мюглер». После успешной премьеры в Лондоне было принято решение создать новую программу и пригласить выдающихся хореографов нашего времени. Каждый из приглашённых творцов неповторим в своём стиле, хореографической пластике, своих взглядах и жизненной философии. Их номера наполнены неповторимым вдохновением, эмоциями, которые они искусно выражают через внутренний мир и физические возможности артистов».


фото предоставлено пресс-службой проекта.

Главной премьерой вечера станет балет «MCGREGOR+MUGLER» – невероятная коллаборация двух визионеров от искусства из мира танца и высокой моды. Знаменитый хореограф Уэйн Макгрегор и легендарный кутюрье Манфред Тьерри Мюглер создали дуэт специально для Ольги Смирновой (ее партнером станет премьер Большого театра Денис Савин).

Тьерри Мюглер всегда был склонен к театральности. Его фантастические наряды носят все, от Дэвида Боуи, Синди Лопер и Мадонны до Деми Мур, Леди Гаги и Ким Кардашьян. Здесь он возвращается к любимой теме женоподобного андроида, подарив танцорам рептилоидную кожу, лица-маски и гривы-ирокезы и облачив в зеркально-сияющие латы киборгов.

«Манфред Тьерри Мюглер – не только настоящая икона моды, но и невероятный соавтор. Было настоящим наслаждением обмениваться идеями, энергией и доверием в этом новом творческом приключении. Этот процесс открыл новые перспективы для нас обоих. В результате получилась неожиданная и экстремальная работа», – говорит хореограф Уэйн МакГрегор.

Саундтрек к балету – современная электронная музыка, созданная американским композитором Холли Херндон с использованием искусственного интеллекта, а также неоклассическая фортепианная электроника немецкого композитора Нильса Фрама.

Премьера балета состоялась в конце 2019 года в Великобритании. В России он будет исполняться впервые.

«ФАВН» ­– балет, созданный хореографом Сиди Ларби Шеркауи к столетию «Русских сезонов», являющийся своеобразным ремейком знаменитого балета Вацлава Нижинского «Послеполуденный отдых фавна» на с одноименное сочинение Клода Дебюсси, где оригинальная партитура органично дополнена электронной музыкой от современного британского композитора Нитина Сауни. Спектакль рассказывает о встрече двух языческих лесных существ в завораживающем исполнении солистов Большого театра Вячеслава Лопатина и Анастасии Сташкевич.

«ВОСПОМИНАНИЕ О ДОРОГОМ МЕСТЕ» ­– балет для двух танцовщиков и двух балерин, поставленный Алексеем Ратманским в 2012 году на одноименный опус Петра Чайковского в оркестровке Александра Глазунова. Ратманский вдыхает новую жизнь в классику, необычайно изобретательно используя элементы академического стиля. Исполнители номера – звезды Большого театра Екатерина Крысанова, Якопо Тисси, Ольга Смирнова и Артемий Беляков.

Завершит программу балет «POSTSCRIPT» хореографов Пола Лайтфута и Соль Леон на знаменитую музыку Филипа Гласса. Это одно из наиболее сложных произведений, созданных авторами, как по хореографии, так и по эмоциональному наполнению. Здесь есть все характерные черты присущие лучшим балетам известного дуэта Лайтфут/Леон: потрясающая музыкальность, лаконичные декорации, меланхолия и гармоничная плавность потока движений танцоров.

======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22888
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Мар 30, 2021 11:47 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021033001
Тема| Балет, Воронежский театр оперы и балета, Премьера. Персоналии, Никита Высоцкий
Автор| Нина Тесейко
Заголовок| Премьера балета "Шут" в Воронежском театре оперы и балета
Где опубликовано| © журнал «Voci dell'Opera»
Дата публикации| 2021-03-29
Ссылка| https://www.vocidellopera.com/single-post/shut-premiera
Аннотация| Премьера, ИНТЕРВЬЮ


Впервые балет "Шут", созданный на музыку Сергея Прокофьева, был поставлен в Париже в 1921 году в программе знаменитой гастрольной антрепризы Сергея Дягилева, запомнившейся под названием "Русские сезоны". Дягилевские сезоны изумили Западную Европу значительностью и самобытностью художественной культуры России. Отдельным открытием программы стали сценические либретто, восходящие к русскому фольклору. Сегодня балет "Шут" встречает своё сценическое 100-летие.


14 марта этот спектакль в авторской редакции артиста театра "Кремлёвский балет" Никиты Высоцкого увидит зритель Воронежского театра оперы и балета. Мы поздравляем Никиту с премьерой и желаем всем артистам успешной премьеры, а для вас, дорогие читатели, мы подготовили небольшое интервью с балетмейстером спектакля. Никита ответил на наши вопросы, и мы уверены, вам будет интересно узнать немного больше об этом балете, а ещё лучше, если мы вдохновим вас его посмотреть.

Как появилась идея постановки? Это литературный, сказочный образ или выдуманный?

Идея появилась давно, но главное, что появилась возможность воплотить эту идею в жизнь. Персонаж взят Сергеем Прокофьевым из сказки "Шут" А. Афанасьева. Вместе с Сергеем Дягилевым было написано либретто по её мотивам. Я продолжил ту же историю и общую линию повествования, взяв за основу это либретто, и сделал более актуальный для нашего времени вариант спектакля.

Чего ждать зрителю на премьере?

В первую очередь - это ситуационная комедия. Я надеюсь, что зрителю будет смешно, и он сможет отдохнуть, насладиться спектаклем. Местами это гротеск, местами - абсурд. Но зрителям точно будет весело и забавно наблюдать за происходящим.

С какими сложностями пришлось столкнуться при подготовке?

Работая с артистами, сложностей я не испытывал, кроме, наверное, недостаточного количества времени для подготовки. Меня очень радовала и радует заинтересованность артистов в качественном результате. И, как мне показалось, у нас сложилась дружелюбная творческая обстановка. Особенно хочется отметить художественного руководителя Воронежского театра оперы и балета Александра Литягина, который создал прекрасную рабочую атмосферу и всячески способствовал нам в процессе подготовки спектакля. Появлялись некоторые технические сложности, конечно, но они были все решаемы и незначительны.

Как ты подбирал артистов на ведущие партии?

Изначально у меня было два претендента, которых я бы очень хотел видеть в партии Шута. Это Михаил Мартынюк (бывший премьер театра "Кремлёвский балет"), который к сожалению на тот момент уже практически не танцевал, и Игорь Цвирко (ведущий солист балета Большого театра России). На мой взгляд, это два ярчайших характерных артиста. Конечно, они оба выдающиеся премьеры, солисты с огромным опытом, но для меня было очень важно, чтобы у артистов был сильный, яркий характер, внутренняя харизма, чтобы человек мог блестяще сыграть на сцене нетипичные роли. Я предложил Игорю и очень рад, что он не отказал. Ему интересно творчество, он открыт для всего нового. Нам работалось легко и непринуждённо, с шутками и пониманием друг к другу. Что касается Шутихи, то здесь я даже не раздумывал. Мой выбор пал на Екатерину Первушину, мою жену. Она отлично подходит по всем параметрам, совпадает по типажу и она супер-профессионал. Я ей очень горжусь и горжусь тем, что мы вместе в такие сложные, но интересные времена создаём спектакль.

Как к вашему творческому порыву отнеслись в театре "Кремлёвский балет"?

О моей творческой деятельности в качестве балетмейстера известно уже очень давно. Поэтому какого-то большого удивления постановка не вызвала. Скорее удивление, что это будет именно полноценный спектакль. В целом была положительная реакция. Большая часть артистов труппы театра "Кремлёвский балет" приедут на премьеру "Шута", и я очень это ценю, очень рад этому. Мне крайне приятно такое отношение со стороны коллектива - это подстёгивает и мотивирует двигаться дальше.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22888
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Мар 30, 2021 8:57 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021033002
Тема| Балет, Кино, Премьера. Персоналии, Диана Вишнева, Лилия Будинская
Автор| Ольга Мамиконян
Заголовок| Прима-балерина Диана Вишнева и российские хореографы о танце, мужественности и фильме «Слепок»
Где опубликовано| © журнал GQ
Дата публикации| 2021-03-29
Ссылка| https://www.gq.ru/success/prima-balerina-diana-vishneva-i-rossijskie-horeografy-o-tance-muzhestvennosti-i-filme-slepok
Аннотация| Премьера, ИНТЕРВЬЮ

В преддверии премьеры совместного фильма «Слепок» фестиваля Context. Diana Vishneva, Aksenov Family Foundation и Пушкинского музея GQ поговорил с ведущими хореографами России о понятии гендера в танце и обществе, красоте человеческого тела и современном балете.



31 марта в кинотеатре «Октябрь» состоится премьера фильма «Слепок». Масштабного для российского искусства проекта, который соединил в себе художественный дуэт танцовщиков во главе с прима-балериной Дианой Вишневой и произведения искусства ГМИИ им. Пушкина. Фильм – отражение пяти исторических эпох и пяти залов и коллекций знаменитого музея в форме танца. В интерпретации пяти хореографов – Константина Семенова, Андрея Короленко, Анны Щеклеиной, Александра Фролова и Лилии Бурдинской – в фильме «ожили» Античность, Древняя Греция, Рим, Средние века и Ренессанс.

Мы решили выяснить, как создавался фильм на стыке нескольких видов искусства одновременно, какими современные хореографы увидели людей разных эпох и как создать танец, который соединяет прошлое и будущее.

Как вам пришла идея создания фильма «Слепок»?

Диана Вишнева
: В момент локдауна мы остались без возможности сцены и театра, музеи – без посетителя, все ушло в онлайн. Мы с командой моего фонда искали варианты альтернативных проектов взамен ранее запланированных. Мы точно знали, что хотим продолжать двигаться в направлении изучения синтеза искусств в разных формах. При этом съемка на камеру выглядела абсолютно реалистичной. Далее мы соединились с Фондом Аксенова в идее, что было бы интересно объединить хореографов моего фестиваля и композиторов фонда. Пушкинский музей был другом и партнером и Фонда Аксенова, и моего фестиваля Context. Все сошлось. Вместе мы придумали создать онлайн-перформанс в залах музея.

Но тогда мы еще не понимали, насколько многозначным, многослойным по смыслам получится наш фильм. Каждый из нас шел на эксперимент: режиссер никогда ранее не работал с танцем, у хореографов не было опыта полного метра в кино, а музей прежде не видел себя через живую пластику человеческого тела. Поэтому соединилось все: разные поколения, стили и мышления. Каждый искал свое отношение с прошлым, выражал свое понимание эпохи. Фильм можно считать исследованием на тему того, как в современности отзывается прошлое. Каким языком сегодня мы говорим с историей.

Как известно, балетная среда очень консервативна. Как вам кажется, как меняются понятия о женственности и мужественности в современном балете? И меняются ли вообще?

Женственность и мужественность меняют формы в контексте своего времени, но суть их остается, а танец это только подчеркивает в любой период истории. Балет не исключение. И он, несмотря на свою кажущуюся консервативность, постоянно изменяется, эволюционирует, а вместе с ним женственность и мужественность танцовщиков. Проявляя себя в разных формах и стилях, создавая новые языки в танце, в то же время они остаются неизменными как основы хореографии.

Какая из 5 эпох, представленных в фильме, вам ближе всего?

Каждая эпоха прекрасна по-своему и дала искусству то, что сегодня составляет его мировое наследие. В каждой находишь свое вдохновение. Тем более что мой образ в фильме – это путеводная нить, связывающая все эпохи с настоящим. Я не оцениваю их, а прохожу сквозь них, наблюдаю со стороны. Отражаю их события и память в современности.

Фильм «Слепок» создан совместно с ГМИИ им. А. С. Пушкина и рассказывает о красоте человеческого тела и танца в разные эпохи. Какое произведение искусства ассоциируется с вашей любимой эпохой?

Невозможно выделить любимую эпоху. Например, будучи студенткой Академии Вагановой, я ходила в Эрмитаж наблюдать за скульптурами, за их естественностью жеста, которую после могла перенести в спектакли. В моем сознании есть набор образов и художественного опыта, который помогает мне на сцене или же на репетициях, особенно в новой работе.



Как бы вы сами описали сегодняшнее понятие о мужественности и женственности?

Это то, что дает гармонию в мире. Это две неизменные основы взаимодействия. Сейчас они менее привязаны к стандартам, традициям, укладам. Они могут проявляться в разных жанрах, расходиться и сходиться, меняться местами, изменять имена, но они всегда остаются теми же по своей природе. А их взаимодействие всегда будет питать искусство.

Каким бы был слепок современного поколения танцоров?

Современное поколение артистов и хореографов неизменно опирается на опыт своих предшественников. И в фильме это аллегорично проявляется, когда участники общаются с пространством музея современным языком танца, но в основе которого тот же пластический код, что у замерших скульптур. Ведь их позы и жесты хранят образ первого танца, как образ первого человека. Это диалог танца прошлого с танцем настоящим.

Вы создательница ежегодного международного фестиваля современной хореографии Context. Отличаются ли номера первых ваших участников фестиваля 2013 года от современных и чем?

Конечно. Современный танец в России за последние 10 лет очень изменился. Главное отличие в том, что у сегодняшних хореографов уже больше опыта насмотренности в силу того количества зарубежных компаний, приезжающих в Россию. В 2013 году такого еще не было.

Наблюдая за нашими выпускниками на протяжении восьми лет, что существует фестиваль, я вижу, что они не видят потолка, не сидят на месте. Даже пандемия не смогла их остановить, они создавали постановки у себя дома, буквально на кухне. Проводили гала-вечера танца онлайн, соединяясь с другими хореографами и артистами. Все они представляют примерно одно поколение хореографов, но они все разные. Кто-то пришел из классической школы, другие получили образование на Западе. Такое соединение разных ментальностей дает развитие и обогащение современному российскому танцу.

Почему вы выбрали именно данную эпоху?

Лилия Будинская
Хореограф танца по эпохе Средних веков


Из всех предложенных эпох этого фильма Средневековье – самая интересующая меня. Я собираю книги о Средневековье, мне нравится средневековая музыка. В свободное время я смотрю документальные фильмы о Средневековье и в музеях мира ищу раннюю нидерландскую живопись. Мне интересны монахи и алхимики, художники и мыслители того времени. Мне интересно, как менялась вера и какие изменения были в религии и почему. Мне всегда было интересно, во что верят люди. И как их вера или ее отсутствие вершит судьбы и творит историю. Я считаю, что мы до сих пор разбираем ошибки Средневековья. Все, что произошло тогда, существует и сейчас.

Как раскрывались понятия гендера и мужественности в целом в эпохе, которую вы выбрали?

Андрей Короленко
Хореограф танца по эпохе Древнего Рима


В нашей работе, единственной во всем фильме, участвуют только мужчины. Эта идея возникла случайно, вскользь на одном из первых обсуждений фильма, но в процессе, когда мы начали подробно изучать искусство того времени и экспозицию зала, обнаружили, что, во-первых, с ходу не вспоминается ни одной известной женщины Древнего Рима, а во-вторых, в самом зале превалирующее большинство скульптур и бюстов – мужчины: императоры, полководцы, солдаты, жрецы и простые рабочие. При этом в той же экспозиции одни из самых ярких акцентов – фигуры волчицы-матери, богинь Виктории и Юноны. Мы не следовали за очевидными архетипами бойцов-гладиаторов, а исследовали другие грани того, что можно назвать мужественностью в этом контексте. Поэтому в работе можно увидеть мужчину-сына, мужчину-брата, мужчину, знающего свою силу и место в мире, но открытого к чувственному взаимодействию с окружающим пространством, рефлексирующего, готового не только воевать, но и договариваться.

Какие отличительные черты у танца вашей эпохи?

Анна Щеклеина
Хореограф танца по эпохе Ренессанса


Наша команда (два хореографа и два танцовщика) увидели расслабленность в телах эпохи, гармоничность в существовании. И нам это очень понравилось. В телах нет борьбы, но есть переживания разных эмоций и этапов, важнейших вех. Но, несмотря на трагичность, тело не разрушено, не напряжено, оно принимает случающееся с ним.

Александр Фролов

Хореограф танца по эпохе Ренессанса


Самым ярким мотивом нашего танца стала согнутость, покалеченность, пластическим лейтмотивом – схожесть со скульптурами, передача мучительности движения и внутренней трагедии.

Какое произведение искусства у вас ассоциируется с эпохой, для которой вы ставили танец? И чем вы вдохновлялись при постановке танца?

Константин Семенов
Хореограф танца по эпохе Древней Греции


Если говорить о красоте человеческого тела, выраженной в скульптуре, то безусловными лидерами для меня будут два произведения, слепки которых есть в собрании Пушкинского музея. «Афродита-Венера Милосская», застывшая в спирали, прекрасная и загадочная: в ее полуобороте есть какая-то недосказанность. И скульптурная композиция «Гибель Лаокоона и сыновей», которой восхищался сам Микеланджело. А я вдохновлялся своими танцовщиками и тем, как мы погружались в пространство и воздействовали на него.

Как бы вы сами описали сегодняшнее понятие о мужественности?

Константин Семенов
: Для меня это всегда про умение нести ответственность за свои поступки, свой выбор и за тех, по Экзюпери, кого мы приручили.

Андрей Короленко: Мне кажется, в самом слове и его значении заключен некий парадокс. Говоря «мужественный» мы, как правило, подразумеваем силу, стойкость, выносливость, отвагу, уверенность, однако все эти качества, как и многие другие, могут быть присущи любому человеку, независимо от пола и гендера. И когда мы говорим о женщине, что она «мужественна», в самом слове будто звучит «она обладает мужскими качествами», хотя означает это совсем иное. Все так или иначе приводит нас к гендерным ожиданиям, наверное, в том числе поэтому в нашей работе нет показной маскулинности и акцента на том, что в ней участвуют именно мужчины.

Лилия Будинская: Мужественность очень зависит от женственности. Мужественность начинается с женственности. До тех пор, пока раненая женственность будет воспитывать мужественность, мужественность будет израненной.

Анна Щеклеина: Понятие мужественности сейчас наконец трансформируется. Разрушаются стереотипы о нечувствительности мужчин, бесчувственности, оба гендера двигаются навстречу друг другу, гармонизируются. Слабость перестает быть унизительной или привилегированной. Потому что если долго подавлять свою природу, свою чувственность, силу, злость, то внутренний мир разрушается. Но сейчас разрушаются барьеры и психологические устаревшие установки. Я бы назвала этот период Новым Ренессансом.

Александр Фролов: Трудно найти общее определение, но субъективно для меня это – брутальность, чувственная маскулинность без абьюза, агрессивность лишь в проявлении сексуальной энергии, действенность. Доброта и созидание – это мужественность. Опора и защита – это мужественность.

И сейчас для меня неотъемлемой частью мужественности является чувственность и чувствительность, которых так не хватает русскому образу мужчины, который сейчас даже не скульптура без рук и ног, а просто камень, который в первую очередь не умеет чувствовать сам себя.

==========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22888
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Мар 31, 2021 11:56 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021033101
Тема| Балет, МТ, Персоналии, Мей Нагахиса
Автор| Ольга Угарова, Фотоистория: Ира Яковлева
Заголовок| Мей Нагахиса
Где опубликовано| La Personne
Дата публикации| 2021-03-31
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/may-nagahisa-mariinsky/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Проект «Иностранцы В Петербурге»

Русский балет давно открылся миру, и труппы родных театров тому подтверждение. Сегодня в афишах артисты из Кореи, Японии, Бразилии, США и Европы. Уже полюбились зрителю имена иностранных звезд, обосновавшихся в России, уже следим мы за молодыми танцовщиками, только закончившими Академии, к слову, отечественные. Команда La Personne решила встретиться с семью иностранцами, которые выходят на сцену Мариинского театра, и сделать фотоистории про настоящих и будущих героев главных афиш страны. А для этого мы прогулялись с ними по набережным Невы в шквальный ветер, проникли в закулисье театра и репетиционные залы и даже попросили пустить нас в самые секретные скульптурные и художественные мастерские Петербурга.

Мей Нагахиса
Япония
Мариинский театр, историческая сцена

Впервые я вышла на сцену Мариинского театра, когда мне было 15 лет. Это была партия Ману в балете «Баядерка». Я приехала тогда в Петербург по приглашению Юрия Валерьевича Фатеева, с которым познакомилась в Калифорнии, где проходила летнюю балетную программу. После выступления он пригласил меня в труппу, но нужно было сначала закончить Академию в Монако, где я в тот момент училась. Через два года меня приняли в компанию.

После своего дебюта в балете «Щелкунчик» я плакала. Мне не верилось, что теперь я танцую такую большую партию на сцене Мариинского театра. Я безумно влюбилась и в театр, и в спектакли сразу в свой первый приезд в Россию. А еще, тогда меня очень впечатлили люди, которые очень сконцентрированы на работе и на своей профессии.

Сейчас в моем репертуаре есть партии Маши, Джульетты, Сильфиды и Ширин. А самым невероятным событием для меня стала роль Жизели. С детства я мечтала станцевать в этом спектакле. Изучая всевозможные записи, даже планировала, как буду исполнять разные сцены, и представляла себя на сцене с графом Альбертом. И все равно подготовка была непростой. Мой педагог Эльвира Геннадьевна Тарасова очень помогла мне, особенно с эпизодом сумасшествия: он оказался самым сложным. Но несмотря на все трудности, моя мечта все-таки стала реальностью!

La Personne благодарит пресс-службу Мариинского театра, Дарину Грибову и лично Виталия Котова за помощь в создании материала.

======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22888
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Мар 31, 2021 6:13 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021033102
Тема| Балет, МАМТ, Персоналии, Акрам Хан
Автор| ДЕНИС МЕРЕЖКОВСКИЙ
Заголовок| Суперзвезда современного танца Акрам Хан – о российской премьере балета Kaash
Где опубликовано| Harper's Bazaar
Дата публикации| 2021-03-31
Ссылка| https://bazaar.ru/bazaar-art/teatr/superzvezda-sovremennogo-tanca-akram-han-o-rossiyskoy-premere-baleta-kaash/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

«Репетируя в Москве, я почувствовал, что русские танцовщики видят себя носителями чего-то великого»



Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко 2, 3 и 4 апреля представит новый вечер одноактных балетов «Джордж Баланчин / Шарон Эяль / Акрам Хан». И если культовая постановка Баланчина «Кончерто барокко» лишь возвращается в репертуар Музтеатра, то Autodance* израильтянки Шарон Эяль и Kaash Акрама Хана мы увидим в Москве впервые. Накануне премьеры Bazaar расспросил Акрама о том, в каких условиях готовился спектакль и чем его удивили русские артисты.

Акрам, вы когда-нибудь задумывались, чем для вас является балет?

Это точно не мое хобби и не то, чем я всего лишь люблю заниматься. Движение и танец в прямом смысле слова заложены в мою ДНК. Выходит, балет – это и есть я. (Смеется.)

В 2019-м вы объявили о завершении танцевальной карьеры. Насколько тяжело вам это решение далось?

Оно было и остается одним из самых сложных в моей жизни. Знаете, нас с детства учат во что бы то ни стало достигать цели, но не объясняют, как потом расстаться с результатом огромного труда и идти дальше. В древней восточной культуре были мифы, которые рассказывали людям, как это делать. Я же пока просто пытаюсь смириться с этой мыслью, разжать кулак.

Вам всего 45, в вашем случае причина явно не только в возрасте.

В нем тоже. И как бы я к нему ни относился, со временем каждый из танцовщиков понимает, что каких-то вещей уже не может себе позволить. Чудо происходит, когда ты еще на старте осознаешь, что все конечно, – и вот тогда можно достичь такого, о чем никогда не мечтал.

"РЕПЕТИРУЯ В МОСКВЕ, Я ПОЧУВСТВОВАЛ, ЧТО РУССКИЕ ТАНЦОВЩИКИ ВИДЯТ СЕБЯ НОСИТЕЛЯМИ ЧЕГО-ТО ВЕЛИКОГО."

В детстве ваши родители, если не ошибаюсь, видели вас врачом или адвокатом, а на занятия классическим индийским танцем катак отправляли исключительно для того, чтобы вы не теряли связь с корнями. Вы сами о чем тогда мечтали?

У меня всегда было мало друзей, но мне хотелось найти как можно больше единомышленников. Так вышло, что я отыскал их на сцене. Именно поэтому самоизоляция стала для меня одним из самых серьезных испытаний в жизни. Приходилось договариваться с собой, чтобы не относиться ко всему происходящему как к тюремному сроку.

Работу над чем прервала пандемия?

Мы почти закончили репетировать спектакль Creature с Английским национальным балетом (премьерная серия должна была пройти с 1 по 8 апреля 2020-го на сцене театра Сэдлерс-Уэллс, но перенеслась на сентябрь 2021-го. – Прим. HB). Потом случился вроде как антракт.

Он же возник и в работе над российской премьерой Kaash в Музыкальном театре им. К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко. Надеюсь, больше ничего не случится, и мы все-таки увидим этот спектакль в исполнении русских танцовщиков.

Если честно, и я очень надеюсь! (Смеется) А еще на то, что эта премьера пройдет значительно лучше, чем 19 лет назад во Франции (впервые спектакль был показан в 2002 году на сцене Maison des Arts во французском Кретее. – Прим. НВ). Признаюсь, тогда случилась настоящая катастрофа! Мы репетировали три месяца, но спектакль все равно был очень сырым. Кстати, это мой первый большой балет.

Если в трех словах, то о чем Kaash?

О разрушении, сохранении и создании нового. В трех не вышло, простите. (Смеется.)

Вы часто приглашаете в соратники современных художников: Kaash, например, оформлял Аниш Капур. Интересно, как вам с ним работалось?

Я успел посотрудничать со многими и скажу честно: Аниш не от мира сего. У меня есть простой тест: если не получается описать ощущения, которые во мне вызывает работа художника, значит, это что-то стоящее. И с Капуром все ровно так и произошло. Работая с ним, я испытал... просветление? Простите за пафос, но более подходящего слова не найти.

Однажды вы сказали, что не существует артистов, которые «выше самого искусства». Так тесно поработав с русской труппой, не поменяли своего мнения?

Репетируя в Москве, я почувствовал, что эти танцовщики видят себя носителями чего-то великого. Вы ведь не будете спорить, что балет в России – настоящая религия? И это самым лучшим образом отражается на качестве самого танца.

В своей хореографии вы смешиваете собственный балетный язык с танцем катак, который исполняется по жестко регламентированным правилам. Как тогда импровизировать?

Знаете, меня часто просят описать мой танцевальный стиль. Но это невозможно! Потому что он, представьте себе, все время меняется. И от артистов я всегда жду импровизации, потому что катак – всего лишь язык. Как и у любого языка, у него есть своя грамматика, но это не мешает каждому говорить на нем по-своему – и о своем.

Фото: ОЛЬГА ТУПОНОГОВА-ВОЛКОВА

========================================================
все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22888
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Мар 31, 2021 8:28 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021033103
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Кристиан Шпук, Ольга Смирнова, Семен Чудин, Мария Виноградова, Артемия Беляков
Автор| Павел Ященков
Заголовок| В Большом озаботились проблемами трансгендеров
На Новой сцене театра состоялась мировая премьера по знаменитому произведению Вирджинии Вулф

Где опубликовано| © "Московский Комсомолец"
Дата публикации| 2021-03-31
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2021/03/31/v-bolshom-ozabotilis-problemami-transgenderov.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Известный немецкий балетмейстер, директор балета Цюриха Кристиан Шпук — четвертый крупный западноевропейский хореограф, который ставит на сцене Большого театра оригинальный балет, и далеко не первый, кто обращается в своем творчестве к знаменитому роману Вирджинии Вулф «Орландо». Действие в балете, мировая премьера которого только что состоялась в Большом, как и в романе, начинается в шекспировские времена, в самом конце XVI века, а заканчивается уже в веке двадцатом, продолжаясь более 350 лет. Через время, сохраняя вечную молодость и привлекательность, проходит здесь один и тот же человек. Причем, как в древнеиндийском метемпсихозе, рождается привлекательным андрогинным юношей, но в конце первого действия засыпает (сон здесь уподобляется смерти), просыпаясь уже женщиной.


ФОТО: НАТАЛЬЯ ВОРОНОВА / БОЛЬШОЙ ТЕАТР

Роман «Орландо» является в западноевропейском театре одним из популярнейших для сценического воплощения произведений. В абстрактном и никак не опирающемся на сюжет романа балете Уэйна МакГрегора, что поставлен по тому же произведению Вулф в Английском королевском балете, двуполость главного героя, например, передается с помощью дуэта мужчины и женщины, символизирующего две платоновские половинки. У Марко Гёке другой подход: у него роль Орландо достается танцовщику Фридеману Фогелю. Но огромное большинство постановщиков отдают предпочтение женщине, как это в 1992 году сделала британский режиссер и сценарист Салли Потер в фильме «Орландо», в котором главную роль она отдала популярнейшей английской актрисе Тильде Суинтон.

По тому же пути пошел и Кристиан Шпук, создавший свой балет под влиянием этого фильма. Орландо у него тоже играет женщина: выбор на эту партию в первом составе Ольги Смирновой, а во втором Марии Виноградовой если не является безупречным, то все же удачен. Хотя ни та, ни другая балерина и намека на андрогинность не имеют и являются на сцену во всем расцвете женственности, тем не менее обе смотрятся органично, а Смирнова даже напоминает Тильду Суинтон.

Влияние британского фильма в режиссерских решениях Шпука является определяющим. Даже роль королевы Елизаветы I он, как и в фильме, отдает мужчине (Семен Чудин, Артемий Беляков), и эта партия, которая тоже, по идее хореографа, предполагает двуполость, поскольку в другой жизни Орландо встретится у него с королевой, но уже в образе мужчины — бродяги, воина и моряка Шелмердина; ее исполнение у обоих танцовщиков идеально.

Художественный стиль Кристиана Шпука хорошо известен в России, и большинству его произведений присуще мрачное черно-белое оформление. Ничем от предыдущих балетов не отличается и «Орландо». Черная коробка-кабинет — несменяемая ни в первом, ни во втором действии сценическая декорация (сценограф Руфус Дидвишус). Смена эпох в балете отражается лишь сменой решенных в той же черно-белой эстетике костюмов (художник Эмма Райотт), условно соответствующих тому историческому периоду, который в данный момент изображается на сцене. В балете лишь одно цветовое пятно, приходящееся на период рококо, — разноцветные камзолы и кринолины, пышные пудреные парики, похожие на те, что мы видим в британском фильме, вносят оживление и разнообразие в монотонный спектакль. Впрочем, визуальной мрачности противопоставляется увлекательный сюжет, посвященный жизни и приключениям прекрасного юноши, который наподобие Дориана Грея наделен утонченной андрогинной внешностью вкупе с вечной молодостью. В любовные сети 16-летнего ловеласа попадает даже стареющая королева Англии Елизавета I, которая сделала Орландо своим фаворитом и осыпала титулами, землями и замками. Роман с племянницей посла Московии княжной Сашей, общение с известным поэтом Николасом Грином, занятие политикой и путешествие в Константинополь, где во время мятежа черни против султана он впадает в состояние анабиоза. Но через библейские 7 дней воскреснет уже в облике прекрасной девушки и продолжит свое странствие через времена и эпохи уже в новом облике… Все эти перипетии романа хореограф добросовестно и весьма подробно отражает в балете.

При этом слову Вирджинии Вульф отдано в балете не меньше времени, чем собственно движению: огромные куски из романа с титрами на английском языке читаются в спектакле, предваряя все семь сцен, в которые очень ловко и талантливо упаковал сложное литературное произведение сценарист спектакля и автор либретто Клаус Шпан. Такой прием делает историю, рассказанную в балете, понятной зрителю, предоставляя хореографу возможность вволю самовыражаться, не ставя перед собой абсолютно никаких драматургических задач. И если бы не литературные подпорки в виде многочисленных отрывков из романа, понять происходящее на сцене было бы решительно невозможно.

Не передает своей хореографией Шпук не только содержания романа, но и изощренной литературной игры, присущей творчеству английской писательницы. Напротив, балетмейстер в своем сочинении слишком серьезен и мрачен. Хореографически балет представляет собой урок дуэтного танца, растянувшийся на два акта. Дуэтов здесь множество и на любой вкус: однополые и разнополые, главных героев и абстрактных персонажей, поставленных как причудливая смесь неоклассики и модерна… При этом дуэты абстрактных персонажей (выделим дуэты таких ярких танцовщиков, как Якопо Тисси и Алена Ковалева, Давид Мотта Соарес и Алексей Гайнутдинов, Дмитрий Ефремов и Эрик Сволкин) более интересны и разнообразны, нежели дуэты главных героев, — мужская ипостась Орландо от женской по пластике отличается мало.

Музыка в спектакле сборная, но подобрана со вкусом (дирижер-постановщик Алексей Богорад). В постановке вообще чувствуется стиль: виолончель, по замыслу хореографа, это тема Орландо, поэтому наиболее значимые эпизоды балета поставлены под музыку Концерта для виолончели с оркестром Эдуарда Элгара. Лера Ауэрбах перемешана здесь с музыкой Елены Кац-Черни. Восстание в Константинополе идет под запись «Песни из священной книги». Превращение в женщину — под «Жаворонка» Михаила Глинки.

Не трансгендерное превращение, а Время вообще важнейшая тема в спектакле. Воплощена она под музыку Филипа Гласса, и эти сцены, как и дуэт-встреча с Шелмердином, к которой Орландо идет все 350 лет своего пребывания на Земле, являются наиболее впечатляющими в спектакле. Словно в воронку времени засасывает Орландо опоясавший его спиралью кордебалет, построения которого явно навеяны творчеством модного ныне канадского хореографа Кристал Пайт. Перед главным героем проносятся все главные встреченные им на протяжении 350 лет люди: Елизавета–Шелмердин, княжна Саша (Ксения Жиганшина, во втором составе Анна Балукова), писатель Николас Грин (Денис Савин, во втором составе Владислав Лантратов)…

I’m not what you think I am («Я не тот, за кого вы меня принимаете») — высвечивается неоном запись в конце балета, подчеркивающая, что отнюдь не проблемы пола (хотя и они тоже) волнуют хореографа в этом спектакле… Несмотря на перемену пола, временных эпох и костюмов, он сохраняет собственное «я» и остается той же самой личностью, которой был изначально. «Времени всегда много и всегда мало»; «Время собирать камни»; «Не жди идеального времени» — эти и другие записи на тему Времени пишут в финале танцовщики мелом на стене черного кабинета.

===============================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пт Апр 09, 2021 11:54 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22888
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Мар 31, 2021 9:03 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021033104
Тема| Балет, , Персоналии, Борис Эйфман
Автор| Марина Алексеева
Заголовок| Борис Эйфман: «Мы превращаем постановки XX века в балеты XXI столетия»
Где опубликовано| © Петербургский дневник
Дата публикации| 2021-03-31
Ссылка| https://spbdnevnik.ru/news/2021-03-31/boris-eyfman-my-prevraschaem-postanovki-xx-veka-v-balety-xxi-stoletiya
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

6 и 7 апреля в Александринском театре состоится премьера балета Бориса Эйфмана «Страсти по Мольеру, или Маска Дон Жуана». Чем привлекает его этот образ? Насколько востребованы первые выпускники Академии танца? И как маэстро будет отмечать свой юбилей, он рассказал «ПД»


Фото: Дмитрий Фуфаев/«Петербургский дневник»

– 6 апреля состоится премьера балета «Страсти по Мольеру, или Маска Дон Жуана», которая из-за коронавируса переносилась несколько раз. Но вы не оставили намерения сделать спектакль. Эта была работа на сопротивление?

– Любое творчество строится на преодолении обстоятельств. Хотя, конечно, ситуация, в которой театр оказался год назад с началом эпидемии, беспрецедентна. Неделями сидеть в четырех стенах, не имея возможности полноценно репетировать и поддерживать форму, – тяжелое испытание для артиста. Когда изоляция закончилась и труппа вернулась в балетный зал, возникли новые трудности. Танцовщикам предстояло восстановить физические кондиции и вспомнить огромное количество хореографического материала, поставленного и отрепетированного до вынужденной паузы. К тому же артисты теперь работают в защитных масках, а это очень нелегко.

Зритель должен был увидеть новый балет о Мольере еще в июле прошлого года. Судьба распорядилась иначе, и путь к премьере оказался долгим. Но главное: спектакль «Страсти по Мольеру, или Маска Дон Жуана» полностью готов, совсем скоро зритель с ним познакомится.

– В 2001 году вы уже выпускали балет «Дон Жуан и Мольер». Чем новая постановка будет отличаться от спектакля начала «нулевых».

– Те, кто внимательно следит за моим творчеством, знает: на протяжении последнего десятилетия я возрождаю и модернизирую легендарные спектакли нашего театра, появившиеся в 1990-х и 2000-х годах. Поверьте, я занимаюсь этим не из-за дефицита свежих идей – их у меня предостаточно. Не хватает лишь времени, чтобы все реализовать. Я хочу вдохнуть новую жизнь в знаковые постановки прошлых лет. Привнести в них актуальное для меня идейное содержание и современную, более изобретательную хореографию. Кроме того, театральные технологии сегодня развиваются бешеными темпами. Поэтому сценографическое оформление нужно каждый раз готовить заново, учитывая современные тенденции и возможности.

Мы не реанимируем спектакли как музейные реликвии, а превращаем постановки XX века в балеты XXI столетия. «Дон Жуан и Мольер» занимал достойное место в афише театра и с триумфом исполнялся в Америке, Европе, Азии. Затем балет покинул репертуар. Но мне всегда хотелось вернуть его на сцену. Я не просто переработал старый спектакль, а фактически поставил абсолютно новый, с самостоятельной драматургией и хореографической партитурой. Художник Вячеслав Окунев, мой многолетний соратник, создал для премьеры оригинальные костюмы и эффектные масштабные декорации.

В балете 2001 года повествование строилось вокруг того, как великий драматург сочиняет пьесу о Дон Жуане. Эта линия была сохранена и значительно переосмыслена. Однако сейчас мы показываем весь жизненный и творческий путь Мольера – от блужданий по французской глубинке его труппы до написания «Тартюфа», «Мнимого больного», иных гениальных пьес и последнего выхода их автора на сцену. Образ Дон Жуана в балете получился сложным, многогранным. С одной стороны, Мольер сочиняет пьесу о чудовищном распутнике, стремясь отомстить светским щеголям, с которыми изменяла ему молодая жена Арманда. С другой, Дон Жуан обладает властью над женщинами – тем, чего так не хватает изможденному стареющему комедиографу. Автор ненавидит своего персонажа и одновременно мечтает оказаться на его месте, прожить жизнь, полную наслаждений. Дон Жуан – и альтер-эго, и проклятие Мольера.

– Фигура Мольера всегда вызывала интерес у режиссеров. Можно ли говорить о схожести судьбы Мольера, создавшего свою труппу и посвятившего ей себя без остатка, с вашей судьбой?

– Я не раз подчеркивал, что могу сочинять спектакли только о тех персонажах, которые мне интересны. В противном случае как я прочувствую и пойму своего героя? Как отражу в пластике внутреннюю эмоциональную жизнь того, кто мне чужд? Ведь, скажем, наш балет «Роден, ее вечный идол» никогда бы не состоялся и не снискал всеобщего признания, если бы я сам не знал, что значит жертвенный творческий труд.

Вы правы: Мольер – один из наиболее близких для меня художников. Готовясь к постановке спектакля о нем, я по традиции изучил колоссальное количество источников. И, читая о комедиографе, не переставал удивляться тому, как много нас объединяет. Мне хорошо знакомы терзания и заботы, из которых складывалось существование Мольера как драматурга, режиссера и директора своего театра, единолично несущего ответственность за его успехи и неудачи и платящего за все здоровьем, жизненными силами, душевным покоем. Правда, есть и вещи, нас различающие. Мольеровская труппа, хоть и успела поскитаться, все же обрела пристанище. Наш театр, к сожалению, пока остается бездомным.

– А какова судьба задуманного вами четверть века назад Дворца танца. Есть ли подвижки в этом вопросе?

– Существует замечательное высказывание: «В России надо жить долго». Идее Дворца танца действительно уже больше 25 лет. Срок немалый. Однако именно сейчас этот замысел наконец перестает быть бесплотным. Возведение Дворца ведется, причем достаточно интенсивно. Уже завершено строительство подземной части, идут работы на первом этаже. Конечно, десятилетия ожидания изматывают. На текущий момент построить наш театральный дом и новый международный центр балетного искусства обещают к концу 2022-го – в год 45-летия труппы.

– Более близкий юбилей – ваше 75-летие в июле. Как планируете его отмечать?

– Одновременно со спектаклем о Мольере мы репетируем балет под рабочим названием «Тайны закулисья» – хореографическую интерпретацию чеховской «Чайки». Некоторое время назад у нас в репертуаре уже была постановка по этому произведению. Сейчас мы готовим совершенно другой спектакль с новой трактовкой вечного сюжета о поиске художественных форм, о противостоянии консерваторов и бунтарей в искусстве. Действие развернется в стенах балетного театра. Не знаю, успеем ли выпустить вторую премьеру непосредственно к моему юбилею. В любом случае «Тайны закулисья» будут очень важной работой и для нашего театра, и для меня лично. Что касается программы празднования, то в июле мы планируем дать специальные серии спектаклей в Петербурге, в Александринском театре, и Москве – на исторической сцене Большого театра.

– Можно сказать, что и для Академии танца этот год станет историческим. Ведь это год первого выпуска и, значит, можно подвести некоторые итоги.

– В феврале воспитанники Академии успешно сдали государственные выпускные экзамены. По итогам многие получили предложения от ведущих театров Москвы, Перми, Самары и других крупнейших культурных центров страны. 9 выпускников приглашены в нашу труппу.

Разумеется, никто сейчас не предскажет, как именно сложится их артистическая судьба. Но качество образования, получаемого в Академии, позволяет надеяться на то, что воспитанников ждет счастливая жизнь в искусстве. Руководство и педагоги школы выступают в роли первопроходцев, применяя на практике инновационную методику подготовки универсальных артистов. Насколько она эффективна, покажут ближайшие годы.

– Где и когда можно будет увидеть спектакли вашего театра в Петербурге? И состоится ли возвращение к гастрольной деятельности или ей помешает коронавирус?

– График наших петербургских выступлений довольно насыщенный. 26 апреля мы покажем в Александринском театре «Анну Каренину» – хореографический хит, который не шел дома с осени 2018 года. 17 и 18 мая петербуржцы увидят комедийный балет «Эффект Пигмалиона», а 19 мая – постановку «Роден, ее вечный идол». В последний день весны труппа станцует в Санкт-Петербурге спектакль «Чайковский. PRO et CONTRA». 1 июня будет вновь представлен балет о Родене. И, наконец, самое важное: 2 и 3 июня на сцене Александринского театра пройдут показы спектакля «Страсти по Мольеру, или Маска Дон Жуана». Так что если вы не успели попасть на апрельскую премьеру, не расстраивайтесь.

Также у нас запланировано немало гастролей в России. В середине апреля труппа привезет в Новосибирск балеты «По ту сторону греха» (по роману «Братья Карамазовы») и «Анна Каренина». Во второй половине месяца постановку по великому произведению Достоевского сможет оценить публика Красноярска, а в конце мая – зрители Омска. Для нас большая честь исполнять этот спектакль в год 200-летия Федора Михайловича в рамках программы празднования юбилея писателя.

– Такого театрального сезона, как прошедший и нынешний, никогда еще не было. Как перенесли его взрослые танцовщики, ваши маленькие подопечные и вы сами? Готовы ли сделать прививку?

– Не просто готов – уже привился. Я стараюсь с оптимизмом смотреть в будущее и верю, что эпопея с пандемией рано или поздно закончится. Тогда мы будем вспоминать этот период как дурной сон. Слава Богу, нашим артистам и воспитанникам Академии танца удалось сохранить самое ценное – здоровье. Теперь нужно набраться терпения и ждать, когда жизнь полностью вернется в привычное русло. Как гласит древняя мудрость: «Все проходит, и это пройдет».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22888
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Апр 01, 2021 1:29 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021033201
Тема| Балет, Современная хореография, МТ, "Золотая Маска", Персоналии, ЕЛЕНА АНДРОСОВА
Автор| Лейла Эйвазова
Заголовок| ЕЛЕНА АНДРОСОВА
"РУССКИЕ ТУПИКИ II", МАРИИНСКИЙ ТЕАТР, САНКТ-ПЕТЕРБУРГ

Где опубликовано| © Maskbook – интернет-ресурс Фестиваля «Золотая Маска»
Дата публикации| 2021-03-31
Ссылка| http://maskbook.ru/elena-androsova/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



# Балет/современный танец
# Женская роль
# Русские тупики II


Елена, насколько сложно танцевать под русский минимализм? Приходилось ли раньше танцевать под такую музыку?

Нет, до этого я исполняла лишь классический репертуар. «Русские тупики» — мой первый опыт подобного рода. В нём есть свои особенности, но не стану называть их сложностями.

Расскажите, как проходили репетиции.

Когда создавался хореографический текст, мы репетировали под запись, каждая пара отдельно — Надя с Костей (Надежда Батоева и Константин Зверев, которые танцевали на премьере в марте 2020 — прим.ред.) и мы с Василием [Щербаковым]. Через некоторое время к нам начала приходить Настасья Хрущёва — репетиции стали проходить под живой аккомпанемент, и это была совершенно другая работа, другие эмоции. Настасья — потрясающий композитор, пианистка и человек с мощным энергетическим зарядом, который заполнял весь репетиционный зал.

Как считаете, какие роли вы с Василием исполняете на сцене? Могло ли это быть чем-то символическим, например, олицетворением русской весны и русской зимы? Или же «Русские тупики» — абстрактное искусство?

Абстрактное искусство. В манифесте Настасьи действительно звучат слова «русская весна, русская зима». Однако Максим [Петров] заверял нас, что нет никакого подтекста. Вы сами можете представлять что угодно: пара в возрасте, пара с другой планеты, тут нет конкретики. Зритель сам видит картину в соответствии со своими ощущениями. Возможно, текст, который читают Настасья и Максим перед началом, даёт некую отправную точку, и зритель находит параллели.

Максим поставил условие, что мы не должны выражать никаких эмоций на сцене, пусть каждый и проживал в себе что-то своё. Мы не обсуждали с Васей, какая мы пара, и не пытались всё свести к одному знаменателю, у каждого было своё ощущение. Люди после спектакля тоже выдавали разные версии.

Какие?

Пара старше, пара младше, соседи на лавочке, «пара-воспоминание» и так далее.

Ощущаете ли вы кинематографичность в «Русских тупиках»? Словно вы в некоем короткометражном кино?

Не знаю, как передать чувства, которые испытываешь на сцене. Казалось, что я в каком-то сне. Кино — да, возможно, короткие эпизоды. Из них складывается некая картина, внимание зрителя переходит то на одну пару, то на другую. Это побуждает к соединению фрагментов в единый ряд или параллели.

Влияла музыка?

Безусловно. Музыка Настасьи сама по себе сильная, пронзительная, а в этом спектакле она абсолютно захватывает, даёт направление и эмоциональному состоянию. Музыка, сливаясь с хореографией Максима, становится единым завершённым образом.

Настасья писала, что «Русские тупики» — рефлексия на тему музыки XIX века. Вы это почувствовали в процессе работы над постановкой?

Честно говоря, не задумывалась. Я воспринимала музыку как нечто самобытное, отдельное от Римского-Корсакова и Чайковского. Для меня это была скорее рефлексия жизни. Моей жизни.

Можно ли саму хореографию назвать эмоциональной? Движения у вас довольно резкие.

Да, конечно. Синкопы, неожиданные всплески — в этом, как мне кажется выражается эмоция.

Хореография Максима сложная по технике?

Да, его хореография сложная и по технике, и по силе. Моя же партия сложна скорее в координационном плане. Я уже работала с Максимом, но как репетитор, и сожалела, что не могу участвовать в его спектаклях. И вот мне выпал счастливый случай, Максим пригласил меня в качестве исполнителя.

А можете подробнее рассказать?

Самое главное — уложить в голове порядок движений. Сложность заключалась в запоминании комбинаций. Опять же, чуть меняется ритм или движение, как порядок нарушается. Может отвлечь малейший внезапный звук и потому должна быть предельная концентрация внимания.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 5529

СообщениеДобавлено: Вс Апр 04, 2021 12:58 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021033202
Тема| Балет, Урал Опера Балет, Персоналии, Вячеслав Самодуров, Павел Клиничев, Елена Трубецкова, Иван Суродеев, Михаил Хушутин, Елена Шарипова, Екатерина Сапогова, Елена Воробьева, Арсентий Лазарев, Мики Нисигути, Алексей Селиверстов
Автор| Лариса Барыкина
Заголовок| Праздник после паузы
Где опубликовано| © Культура Урала № 3 (89), Март 2021, С. 22-25
Дата публикации| 2021 март
Ссылка| https://www.muzkom.net/sites/default/files/kultural/3-89_web_2.pdf#page=25
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Первая балетная премьера в Урал Опере после паузы длиной в полтора года, после месяцев локдауна и его последствий, — это тот случай, когда просто идешь в театр и радуешься, что через огромный перерыв вновь увидишь танцующих на сцене артистов. И, вроде, без особых предвкушений... Но неожиданно тебя буквально сметает вихрь впечатлений и ощущений! И оказывается, что это не просто долгожданная, а потому всегда приятная встреча после разлуки. Это какое-то новое знакомство. Вот уж действительно: выходить из пандемии можно по-разному.

Программа с успехом могла бы называться «Три века классического танца» (кажется, что-то похожее уже было), три одноактных «спектакля» собраны худруком Вячеславом Самодуровым как всегда концептуально. Сюита из балета Августа Бурнонвиля «Неаполь» — это век девятнадцатый, «Видение розы» — Le Spectre de la rose — легендарная постановка эпохи дягилевских сезонов авторства Михаила Фокина, датируется 1911 годом. Наконец, «Вариации Сальери» — балет Самодурова, поставленный в 2013 году и возвращенный в репертуар в новой редакции.


Екатерина МАЛКОВИЧ и Елена КАБАНОВА в балете «Неаполь»

Как и полагается в оперном театре, на спектакле «Неаполь» еще до открытия занавеса звучит музыка, она так стремительна и упоенно жизнелюбива (дирижер Павел Клиничев), что настраивает на эйфорию и торжество. Праздник, только с внезапными сюрпризами, и случается. После открытия занавеса ждешь традиционного антуража старинного романтического балета: площадь, море на заднике, артистов в привычных костюмах, что сейчас нам станцуют «у воды» немыслимой сложности и особой специфики хореографию Августа Бурнонвиля, создавшего свой датский вариант балетной классики. Вместо этого — лазурного цвета пустая сценическая коробка и немного деревянных ящиков по углам. Вся собравшаяся повеселиться компания — если не совсем в бытовых, то в сценических молодежных одеждах: разноцветные воздушные юбки у балерин и темные брюки на подтяжках с разноцветными рубашками у танцовщиков (концепция оформления — Елена Трубецкова).

Главная пара выезжает на алом скутере «Веспа» (раньше этот транспорт называли мотороллерами), намек на итальянский киношный неореализм, в общем, считывается, хотя никто на этом не настаивает. А дальше начинается не столько классический балетный дивертисмент (баллабиль, па де сис, тарантелла), сколько молодежная танц-вечеринка где-нибудь в порту. И от лихого перепляса с точным соблюдением примет датского стиля (мелкая техника, прыжки) — просто дух захватывает. Конечно, в анамнезе екатеринбургской балетной труппы и многолетний репертуарный хит «Сильфида», и недавние «Урок танца» из балета «Консерватория», и Па де де из «Ярмарки в Брюгге». Хореография Бурнонвиля как она есть — артистам труппы знакома хорошо, но, кажется, ее никогда не танцевали с такой энергией, отдачей и безупречностью. В двух составах задействована практически вся труппа, не буду кого-то специально выделять.

Второй балет вечера мог бы претендовать на роль маленького интермеццо (танцует всего одна пара, труппе нужен отдых), если бы не репутация «Видения розы». Балета, получившего в истории статус гениального фокинского прозрения, требующего исполнителей уровня знаменитых Вацлава Нижинского и Тамары Карсавиной. Не буду утверждать, что таковые в нашей труппе появились. Но уже не впервые прихожу к выводу, что поэтичную стилизацию (в театре ее предварили кинохроникой танцующей европейской столицы) способны исполнить просто одаренные и хорошо выученные солисты. Скажем, танцовщик в этом балете должен обладать как минимум пластичными руками и хорошим прыжком — все это в наличии у совсем молодого Ивана Суродеева и у Михаила Хушутина. Как и томная грация, дар ретро-стилизаций оказались прекрасными свойствами Елены Шариповой и Екатерины Сапоговой.

Финальный балет «Вариации Сальери», конечно, стал кульминацией вечера. В свое время он мощно «выстрелил» и в Екатеринбурге, сумев возбудить интерес новой публики, и на «Золотой Маске», собрав сразу несколько наград. А главное, он возвестил миру о появлении хореографа, за творчеством которого нужно пристально следить. 26 вариаций на тему испанской фолии композитора Антонио Сальери с музыкальной точки зрения — это каталог оркестровых звучаний и радующий полнотой реестр человеческий эмоций и чувств, с множеством оттенков и подробностей. В сочинении есть, и хореограф это точно уловил, ученое мастерство, демонстрация возможностей и триумф композиторского профессионализма, умение представить лаконичную музыкальную тему в сонме фактурных, гармонических, инструментальных нарядов. Самодуров идет дальше, сочиняя тридцатиминутный спектакль, где общий танец, ансамбли, дуэты, соло, пробежки и выглядывания из-за кулис, микро-детали и пластические штрихи — все складывается в общую блистательную композицию.

В подтексте — мы понимаем — нам рассказывают про Балет, который торжество и мука, счастье и ремесло, театр и абстракция, человеческие драмы и комические происшествия. В общем, жизнь. А в этой жизни всегда есть воспоминания о предшественниках и профессиональных ориентирах, что указали путь (Баланчин—Килиан—Форсайт), без каких-либо цитат, разумеется. Есть ощущение если не золотой клетки, то таинственного, темно-красного эзотерического пространства (сценограф Альона Пикалова), с невероятной, иногда ирреальной атмосферой (художник по свету Нина Индриксон), в котором так прекрасно смотрятся белоснежные пачки балерин и серые мужские колеты (костюмы Елены Зайцевой). Зрителю дают понять, что допускают его в «святая святых», где виртуозность и «упоение точностью» стремятся к планке «головокружительно».

Желая совершенства и перфектности, спустя восемь лет после первой премьеры, Самодуров возвращается к своему едва ли не лучшему балету и делает новую редакцию. Кстати, это не впервые. Мне довелось видеть другой его известный балет «Ромео и Джульетта» сначала в Генте, поставленным на труппу Королевского балета Фландрии, а затем в Екатеринбурге. Скажу честно: время сработало в плюс. А «Вариации Сальери» номер два приобрели более ясные очертания, уточненные детали, радикализированную, хотя и незаметно, хореографию. Исполнение выглядело превосходным в обоих виденных мною составах. Назову главные пары солистов: Елена Воробьева (она танцевала этот балет и в первой редакции и получила за него «Золотую Маску», обойдя самых знаменитых столичных балерин) и Арсентий Лазарев, а также Мики Нисигути и Алексей Селиверстов.

И еще один штрих к премьере новой «тройчатки»: два балета прошлого из этой программы Самодуров ставил сам, очевидно, имея их в своем послужном списке танцовщика и не используя «специалистов». Его совсем не увлекают, и это уже понятно, прелести балетной архаики и лавры реконструктора. Он, если и заглядывает в гарвардские архивы, то только за тем, чтобы уточнить свое понимание классики, ее лексических и композиционных особенностей. Его цель — дать классическому танцу новую жизнь.

Если всерьез задуматься после этой, явно не проходной балетной премьеры, то несколько выводов напрашиваются сами собой. Как человеку, которому есть с чем сравнить, полагаю, нам крупно повезло, и не единожды. Перечислю. В Екатеринбурге сегодня работает один из самых одаренных, креативных и актуально мыслящих хореографов страны. По мне — самый интересный. Балетных трупп, которыми руководят не просто бывшие танцовщики, а творцы и сочинители, сегодня в стране по пальцам пересчитать. Самодуров приехал в Екатеринбург почти 10 лет назад, и все это время держит в напряжении не только балетоманов. В театр побежали те, кто балетом почти никогда не интересовался. Далее. Балетная труппа театра каждый год обновляется, иногда даже, кажется, чересчур стремительно: мы не успеваем выучить новые имена, полюбить харизматиков-солистов. Эта труппа выглядит сегодня поразительно молодой, свежей, оснащенной и боеспособной. Полное отсутствие анемичности особенно удивляет в постпандемийную пору.

Еще один момент. В Оперном театре уже не служит главным, но по-прежнему выступает в связке с Самодуровым отличный дирижер из Большого театра Павел Клиничев. Каждый раз он показывает высокий класс музицирования. Клиничев — один из немногих, кто способен по-настоящему вдохнуть жизнь в старинную балетную музыку (авторы «Неаполя» Э. Хельстед и Х. С. Паулли), потому, что относится к ней без снобизма и высокомерия, а с любовью и уважением. Он умеет дирижировать, что называется, балетным «в ноги», но при этом никогда не поступается музыкальными принципами, партитура у него — первооснова и владычица. А уж когда он играет просто хорошую музыку (в этот вечер К. М. Вебер и А. Сальери), то удовольствие обеспечено.

Наконец, не могу не сказать о зрителях екатеринбургского театра. Приучить к регулярной новизне, к умению воспринимать балет, лишенный сюжетных подпорок, улавливать остроумные детали, ироничные штрихи, которыми так любит нашпиговывать свои постановки Вячеслав Самодуров, это, знаете ли, сложнейшая задача. Ее не всегда могут решить и в более знаменитых театрах, консерватизм балетной публики обеих столиц просто поражает. А тут, в родном городе, полное ощущение, что ты сидишь в театре абсолютно среди «своих». Разве вы слышали смешки на абстрактном, лишенном нарратива балете? Собственно, на радикальных оперных спектаклях ощущения сходны. Театр воспитал и сегодня имеет свою публику.
Итак, как теперь модно говорить: у вас есть несколько причин, чтобы посетить последнюю балетную премьеру театра Урал Опера Балет, и после длительных месяцев грусти и тревоги получить столь желаемое ощущение праздника.

Фото предоставлены театром Урал Опера Балет
=====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22888
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Апр 04, 2021 11:21 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021033203
Тема| Балет, Приморская сцена Мариинского театра, Гастроли, Персоналии, Адольф Шарль Адан, Фикрет Амиров, Мариус Петипа, Константин Сергеев
Автор| Людмила Лаврова
Заголовок| На балет билетов нет
Гастроли в Петербурге балетной труппы Приморской сцены Мариинского театра

Где опубликовано| © «Belcanto.ru»
Дата публикации| 2021-03-31
Ссылка| https://www.belcanto.ru/21033101.html
Аннотация| Гастроли



Балетная труппа Приморской сцены Мариинского театра, несмотря на пандемию, прилетела в Петербург на гастроли и привезла три замечательных спектакля — раритетную «Тысячу и одну ночь», «Корсара» и «Спящую красавицу». Приморцы выступали как на исторической сцене Мариинского театра, так и Новой сцене, называемой «Мариинский-2». Каждый из спектаклей был показан несколько раз, то есть, продемонстрировать своё мастерство смогли все ведущие солисты Приморской труппы. А показать, безусловно, было что.

Прежде всего, роскошный и яркий балет «Тысяча и одна ночь» в хореографии главного балетмейстера Приморской сцены, в прошлом — премьера Кировского (сейчас — Мариинского) театра Эльдара Алиева на музыку выдающегося азербайджанского композитора Фикрета Амирова (1922-1984). Этот спектакль в августе 2020 года открывал Международный дальневосточный фестиваль «Мариинский. Владивосток» и имел грандиозный успех. Ничуть не меньший успех он снискал и в Петербурге.

«Тысяча и одна ночь» — большой двухактный неоклассический балет, в основу его либретто положен памятник средневековой арабской литературы — собрание сказок «1001 ночь», объединенных историей о царе Шахрияре и красавице Шехерезаде. Впервые этот балет был поставлен в Азербайджанском театре оперы и балета в 1979 году. Партитура, на которую композитора вдохновили поездки в Ирак, Иран, Турцию, Сирию, Марокко, Египет и знакомство с местными традициями, воссоздает колорит музыкальной культуры Ближнего Востока. Богатство арабской ритмики передано при помощи целого арсенала ударных: в балете звучат бонго, тамтам, ксилофон, вибрафон, барабаны, колокольчики, литавры, тарелки. В состав оркестра включен и традиционный азербайджанский струнный инструмент тар. «Я хочу, чтобы азербайджанская музыка звучала во всем мире»,— говорил композитор, и в своих сочинениях смело вплетал в классические европейские формы восточные мелодии, подражал звучанию народного оркестра, которое хорошо помнил с детства.



Эльдар Алиев настоял на обязательном приглашении в состав оркестра музыканта (Рамин Азимов), играющего на таре. Его лирическое соло, словно голос рассказчика, занимает центральное место в партитуре и придает музыкальному повествованию чувственный национальный колорит. По мнению хореографа, музыка «Тысяча и одной ночи» — одно из самых ярких произведений, созданных для современного балетного театра.

Первым спектаклем «Тысяча и одна ночь», открывавшим гастроли, дирижировал Эйюб Кулиев (Азербайджан). Оркестр Мариинского театра, руководимый азербайджанским маэстро, демонстрировал чистоту звука и высокую исполнительскую культуру. Музыка, исполнявшаяся оркестром под управлением Кулиева, несла сильный поток творческой энергии композитора, но при этом мелодия словно ложилась под ноги исполнителям, заставляя ощутить единство созвучий и движений.

В музыке Фикрета Амирова, помимо колорита, привлекательны и мелодичность, поэтичность, многообразие музыкальных тем и, самое главное, как считает Эльдар Алиев, от этой музыки невозможно устать, она помогает артистам раскрыться и максимально точно передать характеры, чувства и эмоции своих персонажей.

Ну, а такая музыка рождает соответствующую ей хореографию. А хореография спектакля очень сложна для всех его участников, особенно для исполнителей ведущих и сольных партий, а их в балете целых тринадцать! Эльдар Алиев, уроженец Баку, неоднократно ставил этот балет в разных театрах Америки и Европы, однако для труппы Приморской сцены создал новую редакцию. Основа пластического языка персонажей — неоклассика, а для точной передачи стилистики Востока с исполнителями работал специалист по восточным танцам. Дуэты ведущих солистов насыщены сложнейшими верховыми поддержками (например, солист держит балерину, подняв её над головой на одной руке, а она, вытянувшись в струнку почти горизонтально, упирается своей рукой ему в плечо), вариациями и многими элементами, требующими виртуозного исполнения. В массовых сценах занята вся труппа, которая насчитывает около 90 человек.

Одна из главных партий — Нурида (Лилия Бережнова) — отличается глубоким драматизмом, сложной техникой и требует от балерины владения искусством перевоплощения, впрочем, этого требуют все партии балета. Нурида, жена царя Шахрияра (Сергей Уманец), танцуя, сначала выражала состояние одиночества, когда Шахрияр уехал на охоту, затем — нерешительность, боязливость, а закончила тем, что впала в распутство. Нурида вместе с рабами участвует в оргии — материализовавшемся пороке. Лилия Бережнова — очень яркая танцовщица, быстрая и легкая, с точными движениями, и в сцене безумного танца рабов она осталась и царицей, и прима-балериной.

Ещё одна главная героиня — Шехерезада (Анна Самострелова) — в первом дуэте нарочито медлительна, она знает, что на рассвете её казнят, и никуда не торопится, начиная рассказывать сказки царю Шахрияру. А в монологе демонстрирует восточную негу, соблазнительность и всё крепнущую уверенность в себе. Анна Самострелова прекрасно справилась со сложностью хореографии и сумела передать всю гамму чувств и состояний своего персонажа. Замечательная находка постановщиков (костюмы Петра Окунева, он же автор декораций): на протяжении спектакля, а точнее, по мере того, как Шахрияр увлекся сначала сказками, а потом и сказительницей, костюмы Шехерезады меняются несколько раз, показывая, что проходит большой промежуток времени (1001 ночь), с каждой сменой они становятся богаче и красочнее, и косвенно демонстрируют, как растет расположение Шахрияра к Шехерезаде.

Сергей Уманец — Шахрияр — подвижный, очень техничный артист, с уверенными, мощными прыжками и виртуозными вращениями. Он также проявил себя как прекрасный партнер в дуэтах — его поддержки надежны и красивы. Уманец скупо, но выразительно, как и положено царю, вел и драматическую линию своей партии. Разъяренный изменой жены с рабом, а потом потерянный и страдающий, он в хитросплетениях сказок Шезерезады вновь обретает жизнь.

В Приморской труппе — многочисленный мужской кордебалет, что большая редкость для балетных трупп, и Эльдар Алиев щедро наделяет его разнообразными и непременно сложными танцами. Яркий пример этого — танец лучников, в котором принимают участие 24 артиста, где перед публикой предстаёт четкий, выверенный строй лёгких, нервных, готовых сорваться с места арабских скакунов и всадников (скакуны — в воображении зрителей), готовых идти за своим повелителем.

Превосходна по своей театральности сцена восточного базара: он полон красок, шума, веселья, обмана. Здесь и торговцы фруктами и всякой всячиной, и вельможа, покупающий наложниц. Появляется Принцесса Будур (Анастасия Балуда), и все падают ниц. И только Аладдин (Гилерме Джунио) поднимает голову и смотрит на красавицу-принцессу. В сцене базара есть и динамика, и скорость, и юмор, и связующая плавность в танцах.

Красочные, многочисленные и настоящие (не условные) декорации Петра Окунева и невероятное разнообразие костюмов (более двухсот) делают пиршество танцев в «Тысяче и одной ночи» феерическим.

В балете «Тысяча и одна ночь» при том, что он очень насыщенный, выдержан удивительный баланс: всего в нём ровно столько, сколько предполагает музыка и безупречный вкус хореографа, поэтому смотрится спектакль на одном дыхании и завершается стоячей овацией.

Следующим гастрольным гостем стал «Корсар» Адольфа Адана, который был показан на исторической сцене Мариинки. Симфоническим оркестром Мариинского театра дирижировал Антон Торбеев. Эльдар Алиев сделал свою редакцию либретто Жюля Анри Вернуа де Сен-Жоржа и Жозефа Мазилье и создал новую хореографию с использованием фрагментов хореографии Мариуса Петипа. Ещё каких-то двадцать-тридцать лет назад балет прекрасно обходился без видео, но XXI век сказал своё слово: шторм и терпящий бедствие, но выживший корабль — шикарное кино-зрелище — предваряет танцевальную часть балета. И опять восточная тема: рыночная площадь в Адрианополе, где Сеид-паша (Сергей Зототарёв) выбирает девушек для своего гарема.

А на площади танцует многочисленный мужской кордебалет (редкость, как я уже отметила выше) и очень радует не только своим мастерством, но и самим фактом своего существования. В партии корсара Конрада (Канат Надырбек) впечатляющие прыжки перемежаются виртуозными вращениями и мягкими элементами классического танца. Эльдар Алиев создает чрезвычайно интересную хореографию. В частности, мужские танцы, какими бы быстрыми они ни были, и какими «силовыми» элементами не были бы насыщены, всегда остаются очень элегантными, а в мужских характерах неизменно присутствует доблесть.

Но и женские танцы — как Медоры (Ирина Сапожникова), так и Гюльнары (Лилия Бережнова) очень затейливы и изящны, а солистки как нельзя лучше подходят для образов своих героинь. Прекрасен женский кордебалет в одном из самых знаменитых образцов классической хореографии — картине «Оживлённый сад», от которого глаз не отвести. Хореография Эльдара Алиева не лишена юмора (например, комично ведет себя в гареме Саид-паша), а юмор в балете — привилегия не каждого хореографа. В «Корсаре» сохранены все шедевры прошлых редакций в хореографии Петипа: трио одалисок, па д’эскляв, главное па-де-де спектакля, известного как па- де-де Медоры и Раба, вариации Медоры, характерный танец Форбан. Всё остальное идёт в хореографии Алиева.

Изумительно красивые декорации Семена Пастуха и костюмы Галины Соловьёвой в совокупности с танцами сделали постановку живописной и сочной. Публика отдавала должное постановщикам и исполнителям, многократно аплодируя по ходу спектакля.

Завершила гастроли приморцев «Спящая красавица», балет-феерия на либретто Ивана Всеволожского и Мариуса Петипа по сказкам Шарля Перро. Хореография Мариуса Петипа в редакции Константина Сергеева (1952) и Эльдара Алиева (2017). Дирижёр Антон Торбеев. Изысканные сказочные декорации и костюмы создал Вячеслав Окунев.

Спектакль по широко известной сказке принимал Мариинский-2 (Новая сцена). Если в спектакле гости со всего королевства съехались во дворец короля на празднование рождения принцессы Авроры (Ирина Сапожникова), то публика, стосковавшаяся по очень редко идущему в Мариинском театре балету, несмотря на пандемийные сложности, съехалась на гастрольный спектакль в максимально возможном в условиях ограничений количестве. За ковидный год люди устали от стрессов и запретов и пришли посмотреть на красоту. А красоты в «Спящей красавице» очень много: и музыка Петра Ильича Чайковского, и декорации (интерьеры королевского дворца как-никак!), и костюмы Принца (Канат Надырбек), Принцессы Авроры (Ирина Сапожникова), многочисленных фей (Фея сирени — Катерина Флория, злая фея Карабос — Юрий Зиннуров и другие), и короля (Василий Неплюев) и королевы (Алиса Содолева) и, конечно, танцы.

Эльдар Алиев создал сюиты добрых фей и сюиты феи Карабос для кордебалета (в прологе) – изысканно элегантные и очень сказочные; в 1-м акте — вальс, но, к сожалению, в период пандемии привлечь в этот номер детей оказалось невозможным. Во 2-м акте — очень выразительная сцена Карабос со свитой и битва Принца Дезире с Карабос. Остальные номера шли в компоновке Алиева (надо сказать, что очень удачной), но хореография Петипа-Сергеева сохранена. В 3-м акте хореография Алиева включала полонез, развернутый дуэт Золушки (Дарья Тихонова) и Принца Фортюне (Алексей Голубов) и мазурку кордебалета. Общая мазурка с персонажами сохранена в версии Петипа-Сергеева.

Конечно, хореография Мариуса Петипа прекрасна и вечна, как вечно искусство классического балета. Редакция «Спящей красавицы» Константина Сергеева — выразительна, элегантна и уже тоже стала классикой. Но время идет вперёд, балетная классика вбирает в себя новые имена, и одно из них — Эльдар Алиев. Он ставит настолько соответствующие мелодии движения действующих лиц, что я ловлю себя на мысли: «Откуда он это знает? Как он понял, что здесь должно быть именно так?». Алиев своей хореографией делает музыку ещё более выразительной, живой, зримой, она словно обретает иное, обновлённое «тело». А зрители — яркие, надолго запоминающиеся впечатления.

Фото Наташи Разиной / Мариинский театр
==================================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22888
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Апр 13, 2021 11:09 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021033204
Тема| Балет, Национальный театр оперы и балета им. А. Спендиарова, Юбилей, Персоналии, Вилен ГАЛСТЯН
Автор| Наталия Гомцян
Заголовок| МЯТЕЖ И ПОБЕДА
Вилену ГАЛСТЯНУ исполнилось 80 лет

Где опубликовано| © "Голос Армении"
Дата публикации| 2021-03-12
Ссылка| https://www.golosarmenii.am/article/111917/myatezh-i-pobeda
Аннотация| Юбилей

Спектаклем "Маскарад" Национальный академический театр оперы и балета им. А. Спендиарова отметил юбилей: 80-летие со дня рождения народного артиста республики, профессора, лауреата Государственной премии РА и международных премий, обладателя медали Мовсеса Хоренаци и ордена Месропа Маштоца Вилена Галстяна.
НЕСМОТРЯ НА МИТИНГУЮЩИХ НА УЛИЦАХ ЕРЕВАНА, когда, казалось бы, людям не до юбилеев, огромный зал Национального театра оперы и балета им. А.Спендиарова был переполнен, что свидетельствовало о всенародной любви к своему кумиру. Впрочем, зал бывает переполненным и на обычных постановках Вилена Галстяна, сколько бы раз ни шли они на сцене. Молодое поколение зрителей вряд ли помнит танцовщика-Галстяна. Но лучшие балетные постановки осуществляются именно им.



До начала спектакля "Маскарад" в постановке героя юбилейного вечера зрителям были показаны небольшие фрагменты из документальной кинохроники, где запечатлены сольные отрывки из балетов с участием Галстяна-танцовщика.

Мне посчастливилось видеть Вилена Галстяна в расцвете его таланта. Но он давно перешел в иное качество - не танцует, осуществляет постановки, является художественным руководителем балетной труппы. Артист балета - это мгновенное видение, и творчество его реально существует лишь во времени, в котором он творит. Поэтому какими бы точными штрихами ни был обрисован портрет, он все же бледнее непосредственно пережитого впечатления.

И все же в памяти людей сохраняется легенда. Вилен Галстян - одна из легенд. Мы помним Вилена-танцовщика прямым, как струна, и властным, помним его особенную стать и шарм, танец - эффектный, броский, каскадный. Мы помним его в летящем прыжке, подобном вспышке. И танец, увиденный издали, казался вспышкой летящей жизни. Его таинственная и притягательная власть ошеломляла зрителей. Индивидуальность танцовщика, артистизм, особый шарм, увлеченность танцем делали его искусство праздником. Его имя, связанное с историей армянского балетного искусства, на протяжении нескольких десятилетий быстро выделилось и обозначило суверенную художественную территорию сначала под крылом театра, а потом и за его пределами, в столицах бывшего Союза и за рубежом.

ДЕРЗОСТЬЮ, ЭНЕРГИЕЙ, ТЕМПЕРАМЕНТОМ И СИЛОЙ он увлекал зрителей Англии, Франции, США, Швеции, Японии, России. С наивной и безрассудной легкостью он покорял вершины виртуозности. Его партнерами по сцене были выдающиеся балерины - Раиса Стручкова, Екатерина Максимова, Малика Сабирова, Галина Рагозина, Валентина Ганибалова, Лилиан Кози, примы-балерины армянского балета.

...Победоносный, летуче-чеканный шаг. Всего несколько шагов и несколько тактов музыки. В них было столько грации и темперамента, что зал разряжался взрывами эмоций.



Первый увиденный мной балет с участием Вилена Галстяна был "Дон-Кихот" Минкуса. Остались убеждение, уверенность на долгие годы вперед: балет прекрасен, а Галстян - чудо танцевального искусства. Впоследствии на десятках спектаклей танцовщика первые впечатления развернулись, обновились. Но не изменилась суть. Танец Галстяна всегда излучал мощную энергию радости, напрямую обращался к каждому из нас. Он был подобен ему самому: необычная комбинация силы, ярчайшей фантазии и профессионального мастерства. Силовые эффекты, рекордные скорости, уникальные прыжки, зависание в воздухе - все это было естественно для Вилена. Сколько ни помню его на сцене - он был одержим танцем, театром. Радостным игровым духом была наполнена его одержимость. В его полетах, прыжках самым ярким впечатлением был общий контраст силы и невесомости. За раскованностью, демократизмом манеры и в то же время строгой классической выверенностью сценических движений всегда ощущалась фундаментальная основа: та школа, что дает таланту свободу самовыражения, власть над зрительным залом и собственным профессиональным аппаратом.

И что незабываемо: когда он шел своей легкой, спокойной походкой к середине сцены, зрительный зал взволнованно замирал. А когда он начинал танцевать, зрители попадали в плен его человеческого и артистического обаяния. Это было волшебное соединение легкости, страсти, мужественности и красоты. Союз опьяняющий музыкальности и четких, ясных линий. Его танец будил в нас какие-то дремлющие силы души. Он расковывал все оковы, все, что было угнетено, рвалось к жизни и вырывалось на свет. Могучая художественная воля отличала Вилена Галстяна от всех когда-либо виденных нами армянских танцоров. Весь - порыв, весь - готовность к борьбе. Он был собран и целен - как часть большой единой соединительной воли. В танце Галстян был грозным античным героем, пламенным испанцем и необузданным фавном. Уверена, что его актерские данные позволили бы ему выступать на любой драматической сцене, но не знаю, стал бы он таким уникальным художником, потому что его танцевальный дар от Бога множит, укрупняет, расширяет его творческие возможности до феноменальных размеров.

БЕЗУДЕРЖНАЯ ПЛАМЕННАЯ СТРАСТЬ, ПЫЛКОЕ ВООБРАЖЕНИЕ, импульсивность душевного мира - таковы герои Вилена Галстяна. Если радость - то до буйства, борьба - до исступления, гнев - до неистовства, отчаяние - до безумия. Они подчиняются своей страсти с каким-то неистовым упоением, становятся непокоренными, бунтующими ее жертвами. Обреченность, тяготеющая над героями Галстяна, сообщает им черты исключительности. Презирая опасность, с гордо поднятой головой они летят навстречу гибели, бесстрашно, безрассудно вступая в заведомо неравный поединок. Таков Альберт Галстяна, погубившего Жизель, таков Спартак - блестящий воин и философ, человек, страдающий и торжествующий в своем порыве, нежный к своей возлюбленной Фригии, недосягаемый в величии гибели. Таков Арбенин - влюбленный, ревнивый, сомневающийся, жестокий и обезумевший в момент осознания своей трагической ошибки. Таков Антуни - аскетичный священник, вдохновенный музыкант, жертва Геноцида и исступленно бьющий в колокол духовный вождь, призывающий к жизни свой отчаявшийся народ.



"Да, современным танцовщикам стоит подумать о духовности и об умении полностью раствориться в образе, о ценностях, которые сейчас, увы, отброшены многими на второй план ради безупречного технического танца, - отмечает в одном из своих статей в "ГА" доктор искусствоведения, ведущий сотрудник Института искусств НАН РА Назеник Саргсян. - Увы, век танцовщика недолог. Однако еще в период своей бурной сценической деятельности с 1974 года Галстян уже проявил себя балетмейстером, осуществив постановку балета "Гаяне" Арама Хачатуряна. Им осуществлены постановки эпических героических опусов, балета "Спартак" и оперы-балета "Давид Сасунский" Эдгара Оганесяна. Балет же "Снежная королева" Тиграна Мансуряна уводит в эпоху романтизма. Присовокупим к этому многочисленные хореографические миниатюры в жанрах народно-сценического академического и современного классического танца".

В музыке Арама Хачатуряна балетмейстер в первую очередь ищет основу для создания народного характера, обобщенного до символа, не ограничиваясь лежащей на поверхности этнографической достоверностью, стараясь проникнуть в композиторский замысел. Он тонко чувствует стиль Хачатуряна, его яркую национальную характерность и буйство мелодичного языка. Так он выстраивает все спектакли на музыку Хачатуряна, в том числе и "Маскарад", который до сих пор идет с аншлагом.

ВСЕ СОЗДАННОЕ ВИЛЕНОМ ГАЛСТЯНОМ НА СЦЕНЕ запечатлевается в основном благодаря его страстному вдохновению. Вдохновением отмечена его работа главным балетмейстером нашего театра, директором и художественным руководителем Ереванского хореографического колледжа, когда он там работал. С какой страстью и отдачей он исполнил главную роль в фильме "Цвет граната" великого С. Параджанова. - В 2000 году он основал отделение "Режиссура балета" в Ереванском институте театра и кино.

Сейчас многое изменилось в жизни легенды балета. Несколько лет назад ушла из жизни прекрасная балерина, его супруга и друг Надежда Давтян, с уходом которой завершился самый яркий период его жизни. Но дело родителей продолжает их сын - блистательный танцовщик Давид Галстян, ныне солист Тулузского балета. Есть повод Галстяну гордиться и дочерью Джульеттой, пианисткой и певицей, выступающей ныне на подмостках западных театров.

Многое изменилось и в родном театре. Но неизменной осталась любовь к бессмертному искусству танца, жизни, людям.

P.S. Коллектив редакции "ГА" поздравляет любимого артиста и балетмейстера с юбилеем и желает ему здоровья и новых творческих созиданий.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22888
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Апр 14, 2021 5:37 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021033205
Тема| Балет, Ростовский музыкальный театр, Персоналии, ЕЛИЗАВЕТА МИСЛЕР
Автор| Наталия Красильникова
Заголовок| ЕЛИЗАВЕТА МИСЛЕР: «ЖИЗЕЛЬ – САМЫЙ ПРОНЗИТЕЛЬНЫЙ ДЛЯ МЕНЯ ОБРАЗ МИРОВОГО БАЛЕТА!»
Где опубликовано| © «Качественный продукт»
Дата публикации| 2021-03-28
Ссылка| http://kprodukt.ru/2021-03-28%7Celizaveta-misler-zhizel-samyy-pronzitelnyy-dlya-menya-obraz-mirovogo-baleta%7Cteatr
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Не знаю, как кто, но я отлично помню то время – март 2001 года. И не только из-за событий моей личной жизни: начало весны совпало тогда с чаяниями ростовских балетоманов и всех любителей балета. Теперь эта дата – 17 марта 2001 года – золотыми буквами вписана в историю культуры не просто Ростова-на-Дону – она вписана в историю российского балетного театра. Именно в тот день на сцене Ростовского музыкального театра прошла премьера балета А. Адана «ЖИЗЕЛЬ», положив тем самым начало рождению профессионального балета в нашем городе, не имевшем никогда до того времени собственной балетной школы и как следствие, никаких традиций исполнения классического балета. За 20 лет образ Жизели на ростовской сцене воплотили многие великолепные балерины – Ольга Буринчик, Нелли Алимова, Юлия Плониш, Екатерина Кужнурова, Мари Ито. Но более всех меня пленила Елизавета МИСЛЕР, которая танцевала Жизель с 2005 года и до лета 2018-го – до ухода из театра и перехода на преподавательскую работу. Накануне знаменательной юбилейной даты - 20-летия ростовского балета – мы встретились с экс-примой-балериной РГМТ, заслуженной артисткой России ЕЛИЗАВЕТОЙ МИСЛЕР, чтобы поговорить о том, чем стала Жизель именно для неё. Я как зритель увидела в Жизели Мислер не просто блистательно сыгранную роль по всем законам театра проживания, это была абсолютно по-новому для меня прочитанная судьба любящей и погибшей от этой любви девочки, хотя к тому времени я видела стольких Жизелей в разных, в том числе, двух главных оперных театрах России - в Большом и в Мариинском.



Е. Мислер – коренная ростовчанка, влюбленная в свой город и ни разу ему не изменившая. Она закончила отделение хореографии Ростовского училища культуры (педагоги Людмила Федоровна и Виктор Николаевич Кравченко) и Ростовский филиал Санкт-Петербургского университета культуры по специальности «Менеджмент социально-культурной сферы». Всегда мечтала о карьере балерины, но в нашем городе еще не было синтетического музыкального театра. Придя в балетную труппу РГМТ, Лиза поначалу танцевала в кордебалете. Ее первыми большими ролями стали Принцесса в «Шехеразаде» и Вакханка в «Вальпургиевой ночи».

- Я шла к своей Жизели четыре года. Я всегда чувствовала, что это действительно МОЯ роль! Но тогдашнее руководство ростовской балетной труппы не видело меня в этом образе, объясняя это тем, что у меня нет академической балетной школы. Тогда в театр пришла народная артистка Узбекистана Нелли Алимова, которая работала и солисткой, и педагогом-репетитором. Она увидела меня в роли Жизели (которую сама Нелли блистательно танцевала! – Н.К.) и сделала со мной весь второй акт. Но рождению своей Жизели я обязана счастливому случаю и педагогу-репетитору Светлане Николаевне Масанёвой. В январе 2005 года основная на тот момент исполнительница партии Юлия Плониш находилась на гастролях, Ольга Буринчик - в декретном отпуске. До спектакля оставались считанные дни. И тогда Светлана Николаевна заявила руководству балета, что безгранично верит в меня и сделает со мной роль. За 5 дней мы приготовили первый акт. А второй у меня уже был, надо было просто освежить его. Так родилась моя любимейшая роль. Моим первым партнером был Андрей Рябов (Принц Альберт). Вскоре в театр на постановку «Дон Кихота» приехал Алексей Николаевич Фадеечев, и руководство театра решило показать ему меня в «Жизели». Слава Богу, он тоже поверил в меня! Кроме того, в его «Дон Кихоте» я вышла в своей следующей большой роли – Китри. Так я поднялась на другой, более высокий, исполнительский уровень.

- Лиза, вы танцевали Жизель с разными партнерами. Менялось ли ваше видение образа в зависимости от того, какой Альберт был рядом с вами в спектакле?

- Безусловно. Мое понимание образа менялось - конечно, не кардинально, но каждый партнер привносил какие-то новые краски и нюансы. Андрей Рябов акцентировал в Альберте черты эдакого увальня и негодяя. Рядом с таким Альбертом моя Жизель ощущала себя девушкой-жертвой, в какой-то мере игрушкой в руках сознательного обманщика. Больше всего спектаклей я станцевала, как вы, наверное, помните, с Олегом Сальцевым – моим самым главным и самым любимым партнером по ростовской сцене. В самом Олеге было выражено романтическое начало, и С.Н. Масанёва, вводившая его в роль Альберта, ориентировала Олега, что он тоже жертва обстоятельств – прежде всего, жертва социального неравенства: Жизель - простая крестьянская девушка, Альберт – граф. Он любит Жизель, но вынужден подчиняться законам своего знатного рода. Такое решение изначально делало невозможным воссоединение двух главных героев, они оба были жертвами. Моя Жизель рядом с Альбертом – Сальцевым была более утонченная, более чувственная. А сцена сумасшествия была для Жизели как гром среди ясного неба: она никак не могла осознать, что ее предал такой искренне любящий человек, каким был Альберт Олега Сальцева. Андрей Рябов как актер признавался, что его Альберт изначально не любил Жизель, он просто развлекался с доверившейся ему простой девушкой. Во втором загробном акте Альберт Рябова испытывает чувство раскаяния и вины за бездарно погубленную им жизнь юной Жизели и с этим чувством приходит на ее могилу. ВИНА им двигала, но НЕ ЛЮБОВЬ! А. Рябов несколько лет работал в труппе Вячеслава Гордеева, который именно так понимал драматургию роли Альберта. Вообще довольно интересная трактовка выходила, когда я танцевала с Андреем!

А вообще, сам образ Жизели за те 13 лет, что я танцевала ее на сцене РГМТ, не претерпел особых изменений. Я в этой роли просто купалась. Я погружалась в нее с огромной радостью. Для меня Жизель – самый пронзительный образ во всей мировой балетной литературе! Она воплощение всего лучшего, что может быть в человеческой и особенно в женской душе: она предельно открыта, искренна, от нее исходит невероятный внутренний свет. Да, возможно, кому-то она кажется излишне наивной: ее незащищенность, обнаженность души, ее неподготовленность к предательству сегодня воспринимаются как нечто нереальное. Но я верю, что и сегодня женщины, подобные Жизели, существуют. Пусть их очень немного, но они есть. И в этом их свобода и их сила.

- Согласна с вами: человек уязвимый всегда подставлен для ударов, но он ведь открыт и для счастья! Поэтому я, как и вы, не вижу особого смысла специально закрываться от жизни, от людей и, признАюсь, настороженно отношусь в жизни к слишком «закрытым» и недоверчивым натурам. Лиза, у вас есть любимая исполнительница роли Жизели в мировом балетном театре?

- Конечно! Это великая балерина Екатерина Максимова. (У меня тоже. Мне повезло: я видела Екатерину Сергеевну в роли Жизели не только по телевизору, а и на сцене Большого театра! – Н.К.) Она удивительно передавала переход от гармонии к дисгармонии в сцене сумасшествия. Мне тоже очень важен этот драматургический «перепад»: у Жизели идет такой внутренний надлом, который она не может пережить. Ее хрупкость, ее абсолютное доверие миру рушатся, поэтому она умирает. Предательство любимого человека для нее равносильно смерти. Танцуя каждый спектакль, я мечтала, чтобы люди хотя бы на два часа отстранились от суеты повседневности, чтобы они поверили, что и в реальной нашей жизни всё не так уж мрачно. Балет «Жизель» сам по себе – катарсис. Этот спектакль – он словно исповедь. И я исповедовалась любимым зрителям, как могла.

В марте 2017 года на сцене Ростовского музыкального театра прошел бенефис примы-балерины Елизаветы Мислер. Для своего праздника Елизавета выбрала, конечно, спектакль «Жизель». Партнером ее тогда был ведущий солист балета РГМТ, заслуженный артист Молдовы Анатолий Устимов. А несколькими годами ранее, в 2012 году, балетная труппа РГМТ гастролировала в Италии. Гастроли организовал Луиджи Пиньотти, бывший в свое время импресарио великого Рудольфа Нуреева. Е. Мислер не раз восхищалась исполнением выдающейся итальянской балерины Карлы Фраччи – в том числе, в образе Жизели: Лизе очень импонировала всепоглощающая страсть, с какой проживала судьбу своей героини знаменитая итальянка. После одного из спектаклей «Жизель» в Италии к Мислер подошел импресарио с одной немолодой женщиной, итальянкой, которая долгое время работала в труппе Карлы Фраччи. Эта дама сказала Лизе: «Я первый раз вижу русскую балерину, исполняющую Жизель столь эмоционально и чувственно!» Такой комплимент от итальянской балерины дорогого стоит. А сам Луиджи Пиньотти признался Елизавете: «Ты моя любимая Жизель! Я хожу на все твои спектакли!»

Летом 2018 года Е. Мислер и ее супруг – один из ведущих танцовщиков Ростовского музыкального театра Альберт Загретдинов покинули театр, целиком посвятив себя педагогической работе. Для почитателей таланта этих двух великолепных артистов, в том числе, для меня, их уход был, словно гром среди ясного неба. Елизавета и Альберт находились в отличной профессиональной форме. Но Лиза убеждена: «Лучше уйти на один год раньше, чем на один день позже». Ровно такие же слова произнесла в свое время великая певица Галина Вишневская, на пике своей карьеры оставившая оперную сцену. Как же сегодня живет художественный руководитель отделения «Искусство балета» Ростовского колледжа искусств, заслуженная артистка России Елизавета Петровна Мислер, что наполняет ее, чем компенсирует она расставание с любимой сценой?

- Возможно, я скажу не оригинальные вещи: моя судьба балерины продолжается! Я с радостью воплощаюсь в своих учениках. Я стараюсь передать им, прежде всего, ОТНОШЕНИЕ к искусству балета, учу их быть достойными этого искусства. И еще я учу их выражать музыку телом, «пропевать» ее телом, как говорили мои учителя. Танец – это способность видеть музыку через собственное тело. И я верю: наступит день, когда кто-то из моих учениц выйдет на сцену в моей самой любимой роли – в Жизели, а я буду сидеть в зале и плакать от счастья и от потрясения, как когда-то плакали мои зрители, видя в этой роли меня.

ФОТО: Ольга Возлюбленная, Денис Демков
========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5
Страница 5 из 5

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика