Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2021-02
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 5379

СообщениеДобавлено: Сб Фев 06, 2021 2:06 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021020604
Тема| Музыка, Персоналии, Юрий Башмет, Максим Венгеров, Дмитрий Маслеев, Маттиас Гёрне, Ксавье де Местр, Мария Баракова
Автор| Елена Алексеева
Заголовок| Букет от Башмета
Гала-концерт в День рождения Юрия Башмета прошел в рамках II Зимнего международного фестиваля искусств в Москве

Где опубликовано| © «РЕВИЗОР»
Дата публикации| 2021-02-02
Ссылка| https://rewizor.ru/music/reviews/buket-ot-bashmeta/
Аннотация| КОНЦЕРТ

24 января в день своего 68-летия маэстро Юрий Башмет встал за пульт камерного ансамбля "Солисты Москвы" и Симфонического оркестра "Новая Россия". Солистами праздничной программы выступили - Максим Венгеров (скрипка), Дмитрий Маслеев (фортепиано), Маттиас Гёрне (баритон, Германия), Ксавье де Местр (арфа, Франция), Мария Баракова (меццо-сопрано). В концерте прозвучала музыка И. Штрауса, К. Сен-Санса, Ф. Буальдье, Л. ван Бетховена, Ф. Шуберта, В. А. Моцарта.

Моложавый, энергичный, недавно победивший ковид, маэстро Юрий Абрамович Башмет вышел на сцену к оркестру "Новая Россия". Нарядно убранная сцена, как нельзя, лучше подчеркивала торжественность мероприятия. Семь огромных канделябров, украшенных цветами, мерцали огнями, искусно подсвеченные режиссером по свету. Открыла концерт несравненная жемчужина Иоганна Штрауса Увертюра к оперетте "Летучая мышь". А несравненное обаяние музыкальной личности Башмета немедленно зарядило особой упругостью и искрометностью венскую вальсовость.

По признанию Маэстро только однажды он не справлял свой день рождения на сцене, выступая перед публикой, и это обстоятельство плохо сказалось на его физическом и творческом самочувствии. С тех пор Башмет не экспериментирует, а всегда приглашает своих гостей в концертный зал либо в качестве партнеров по сцене, либо в качестве публики.

Партнерами Башмета в этот вечер оказались воистину мастера мирового исполнительского искусства, всемирно признанные мэтры, выдающиеся музыканты - неподражаемый баритон Маттиас Гёрне, скрипач Максим Венгеров, солист Венского филармонического оркестра арфист Ксавье де Местр. В эту когорту уже маститых личностей в мире музыки, включая самого Юрия Башмета, вошли недавно взошедшие на музыкальный Олимп исполнители, лауреаты I премии Международного конкурса им. П. И. Чайковского пианист Дмитрий Маслеев и меццо-сопрано Мария Баракова. Все они безоговорочно покорили публику своим мастерством.

Ария Далилы из оперы "Самсон и Далила" Камиля Сен-Санса в исполнении приглашенной солистки Большого и Мариинского театров Марии Бараковой предварила французскую музыку для арфы.

Весьма редко исполняемый концерт для арфы французского композитора Франсуа-Адриён Буальдье (1775-1834) под пальцами Ксавье де Местра заворожил тонкостью звуковых филиграней. Вторая медленная часть в миноре особенно держала слушательское внимание. Что и говорить, божественный инструмент сиюминутно подчинялся арфовому богу.

Концерт n 3 для фортепиано с оркестром Людвига ван Бетховена до минор в исполнении Дмитрия Маслеева, выученный пианистом специально для выступлений с Маэстро Башметом, подготовил публику к немецкой части вечера.

Второе отделение концерта шло в сопровождении камерного ансамбля "Солисты Москвы". Маттиас Гёрне выказал эталон немецкого стиля романтической песни Lied. Четыре песни Франца Шуберта прозвучали тончайшей выразительностью грусти. Неподражаемое гибкое интонирование певца, не столь характерное для мужского низкого голоса, его легкость вокального звукоизвлечения максимально выявляли природу шубертовского стиля. "Счастливая любовь рыбака", "Дождь слез" (из цикла "Прекрасная мельничиха"), "Путевой столб" (из цикла "Зимний путь"), "На закате" были исполнены в переложении для голоса и оркестра. Аккомпанировал Маэстро Башмет, управляя "Солистами Москвы".

Максим Венгеров, младший коллега Маэстро Башмета, знакомый с ним с детства, почел за честь выступить в день его рождения рядом с Юрием Абрамовичем. Максим Венгеров еще перед началом всегда заставляет публику предвкушать нечто незабываемое. Первый звук Концерта n 5 для скрипки с оркестром Ля мажор Моцарта, взятый скрипачом, казалось, вместил в себя музыкальный ДНК моцартовского сочинения. Магнетически собрав слушательское внимание вокруг звучащей ноты, музыкант, будто взрастил весь концерт из нее, извлек красоту музыки. Каждая фраза партитуры была осмыслена, каждая нота была на вес золота.

В качестве биса все участники гала-концерта исполнили "Happy birthday". В этот вечер цветы красовались на авансцене, благоухали в зале, но самый роскошный "букет", т.е. состав исполнителей, был преподнесен Юрием Абрамовичем своим слушателям.

Устроители гала-концерта в День рождения Башмета, прошедшего в рамках II Зимнего международного фестиваля искусств Юрия Башмета в Москве, повернули себе и нам во благо проблемы с ограничениями концертной деятельности, сумев собрать артистов такого высокого ранга.

====================
Фотогалерея – по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 5379

СообщениеДобавлено: Сб Фев 06, 2021 2:07 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021020605
Тема| Музыка, "Зарядье", II Зимний международный фестиваль искусств Юрия Башмета, Персоналии, Богдан Волков, Патрисия Копачинская, Иштван Вардаи, Давид Фрай, Юрий Башмет
Автор| Елена Алексеева
Заголовок| II Зимний международный фестиваль искусств - центр притяжения мировых звезд
Где опубликовано| © «РЕВИЗОР»
Дата публикации| 2021-02-04
Ссылка| https://rewizor.ru/music/reviews/ii-zimniy-mejdunarodnyy-festival-iskusstv-tsentr-prityajeniya-mirovyh-zvezd/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Концерт "XX век - Век поиска" прошел в рамках II Зимнего международного фестиваля искусств Юрия Башмета в зале "Зарядье".

Звезды мирового уровня - Богдан Волков (тенор), Патрисия Копачинская (скрипка, Швейцария), Иштван Вардаи (виолончель, Венгрия), Давид Фрай (фортепиано, Франция) солировали в произведениях Б. Бриттена, К. А. Хартмана, И. Стравинского, М. Равеля. В концерте приняли участие камерный ансамбль "Солисты Москвы" и симфонический оркестр "Новая Россия". Место за дирижерским пультом занял художественный руководитель фестиваля Юрий Башмет.

В наше "голодное", из-за неполноценной концертно-театральной жизни, время мероприятия II Зимнего международного фестиваля искусств по участникам программ кажутся "пиром". Устроителям фестиваля удалось эксклюзивно заполучить таких звезд мировой исполнительской сцены, за которыми стоит очередь на несколько лет вперед. Эти широко востребованные музыканты прилетают в Россию исключительно ради участия в Московском фестивале Юрия Башмета. Фестиваль благополучно перемещается по семи концертным площадкам города, радуя зрителей, меломанов и гурманов от искусства прославленными именами и их невероятным мастерством.

Очередной фестивальный концерт объединил четырех таких звездных солистов, красиво выстроив панораму "главенствующих" академических инструментов - голос, скрипка, виолончель, фортепиано. А программная концепция вечера под названием "XX век - Век поиска" предложила осмысление авторов ушедшего века, их сочинений, родившихся в начале и конце 1930-х годов. Что нынешний век забрал с собой в будущее от прошлого, какой импульс был задан новому тысячелетию? Эти вопросы подразумевались в весьма интересном выборе разностилевой программы, включающей сочинения англичанина Бенджамина Бриттена, немца Карла Амадеуса Хартмана, русского Игоря Стравинского и француза Мориса Равеля - композиторов, представляющих нации, "главенствующие" в музыке и политике XX века.

Чудесный вокальный цикл "Озарения" (1939) для голоса и струнного оркестра на стихи Артура Рэмбо молодого на тот момент Бенджамина Бриттена исполнил Богдан Волков. Солист Большого театра, лауреат Парижского оперного конкурса и Международного конкурса "Опералия" Пласидо Доминго, приглашенный солист европейских оперных театров, вокалист показал свой переливчатый тембр голоса во всей своей красе. Певец впервые исполнил это сочинение, выказав большой актерский энтузиазм и прекрасное французское произношение. Он признался, что на этом языке ему очень комфортно петь, порой, удобнее, чем на других языках.

Признанная королева интерпретаций современной музыки, несравненная Патрисия Копачинская исполнила "Concerto funebre" (1939) для скрипки и струнных Карла Амадеуса Хартмана, прожив и прочувствовав на сцене квинтессенцию трагедии ХХ века. В своем неповторимом стиле босоногая скрипачка превращала свой инструмент в многоголосый хор всего человечества. На сцене концертного зала "Зарядье" Патрисия стояла босиком. Известно ее пристрастие выступать без обуви.

Обаятельный Иштван Вардаи, лауреат XIII Международного конкурса им. П. И. Чайковского и международных конкурсов в Будапеште, Женеве, Мюнхене, исполнил "Итальянскую сюиту" (1932) для виолончели и камерного оркестра из музыки балета "Пульчинелла" Игоря Стравинского. Венгерский виолончелист демонстрировал еще одну черту ХХ века, века всевозможного поиска - неоклассицизм. И в ХХI веке неоклассический стиль имеет своих приверженцев.

Давид Фрай (David Fray) и симфонический оркестр "Новая Россия" под управлением Маэстро Юрия Башмета исполнили Концерт n 1 (1931) для фортепиано с оркестром Соль мажор Мориса Равеля. Французский пианист, лауреат премий "Revelation Classique" и "Victoires de la musique" любим российской публикой. Колорит музыки Равеля особенно проявился в исполнении солистом второй части цикла. Длинное соло без сопровождения оркестра погружало в оцепенение, окрашенное испанско-французским шармом равелевской музыки. Соль мажор в крайних частях под пальцами пианиста позитивно утверждал великолепие партитуры. Давид Фрай законопослушно играл в медицинской маске, ненадолго сняв ее на аплодисментах.

II Зимний международный фестиваль искусств Юрия Башмета в Москве имеет в запасе еще не менее интересные встречи с иностранными гостями и нашими российскими артистами в своей афише. Премьеры и музыкальные новинки, барокко и джаз, а также финал Первого Всероссийского фотоконкурса "Зеркало искусств" предложит Москве нынешний форум 2021.

===============
Фотогалерея – по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 5379

СообщениеДобавлено: Сб Фев 06, 2021 2:08 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021020606
Тема| Музыка, Персоналии, Константин Емельянов
Автор| Елена Алексеева
Заголовок| Интервью с пианистом Константином Емельяновым
Где опубликовано| © «РЕВИЗОР»
Дата публикации| 2021-02-04
Ссылка| https://rewizor.ru/music/intervu/intervu-s-pianistom-konstantinom-emelyanovym/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Пианист Константин Емельянов, лауреат III премии XVI Международного конкурса им. П. И. Чайковского, дал первый сольный концерт в Большом зале консерватории.

Музыкант презентовал свой дебютный альбом, записанный на этой сцене и выпущенный при поддержке компании Yamaha Music и фирмы "Мелодия". В концерте прозвучали: цикл "Времена года" П. И. Чайковского, сюита для клавесина соль минор Ж.Ф. Рамо, три фрагмента из балета "Петрушка" И. Ф. Стравинского. Пианист играл на рояле Yamaha CFX. С 2019 года Константин Емельянов является Артистом Yamaha. После выступления мы встретились с Константином Емельяновым в Артистическом центре Yamaha и поздравили его с удачным концертом. Музыкант дал интервью нашему порталу Ревизор.ru, поделившись впечатлениями от события и ответив на наши вопросы.

- Расскажите о своем дебютном альбоме, пожалуйста.

Мой диск монографический, полностью посвящен музыке Чайковского. Изначально я хотел записать Скерцо из 6-ой симфонии в транскрипции Самуила Евгеньевича Фейнберга, я его играл на II туре Конкурса Чайковского. Мой профессор Сергей Леонидович Доренский очень хотел, чтобы я обязательно записал это сочинение, вокруг него, собственно, программа и выстроилась. Мне изначально хотелось посвятить первый диск русской музыке. Но поскольку 2020-й был годом 180-летия со дня рождения Петра Ильича, то диск получился монографическим. Прибавился цикл "Времена года" "Ноктюрн" ор.19 №4, и две пьесы из ор.72 - "Характерный танец" и "Элегическая песнь"

- Первый сольный концерт в БЗК очень волнительно?

Несомненно. Я много раз играл на этой сцене, но в формате сольного концерта до этого в Большом зале не выступал.
Изначально этот концерт планировался 24 апреля прошлого года. Из-за известных событий он переносился, переносился и вот вчера, наконец, состоялся. Первоначально еще не было диска, и программа была немного иная, но Рамо там был уже тогда. Концерт мне предложили сделать совместно Московская консерватория и Yamaha, а сейчас появился еще один повод - презентация моего диска. 22 января вышел цифровой альбом на всех интернет-платформах, его можно послушать на Yandex, Youtube, Apple Music, Spotify. Выпуск самого физического диска требует немного больше времени, обещают сделать это в начале весны.

- А было бонусом к сольному концерту то обстоятельство, что вы в этом же зале записывали альбом, запись помогла?

Запись, вообще, очень помогает. Так, как ты занимаешься к записи, ты не занимаешься никогда, даже перед конкурсом. Запись - непростой процесс, но очень увлекательный. Делается большое количество дублей, потому что все ноты должны быть идеально слышны. На концерте акустически что-то может слиться, все-таки живая акустика. На записи под микрофонами слышно все.

- С 2019 года вы официально являетесь Артистом Yamaha. Как вы получили этот статус?

Мне предложила руководитель Артистического центра Оксана Александровна Левко. Когда я готовился к конкурсу, у меня была возможность здесь в Артистическом центре Yamaha заниматься днями и ночами. На конкурсе я играл на рояле Yamaha CFX, который привозили специально из Японии. Во время проведения конкурса и поступило это предложение. Согласился с радостью. Эти инструменты я хорошо знаю. Когда ты играешь на концерте на рояле, на котором занимаешься или на подобном, имеешь дополнительное преимущество.

- Ваш первый сольный концерт в Большом зале консерватории вы открыли пьесой "Январь", это месяц, в котором вы родились. Очень бережно и чутко прикоснулись к начальной фразе, сразу завладели вниманием слушателя. Из двенадцати миниатюр "Январь" самая любимая?

Это, конечно, никак не связано (смеется), но она одна из моих самых любимых во "Временах года".

- А как вы себя воспринимаете? Слушая вас, кажется, что вы лирик, порой, трагический лирик.

Я не знаю, это могут знать те, кто слушает. От таких клише, ярлыков, которые слушатели или критики могут вешать, я стараюсь уходить. Естественно, я знаю, что мне ближе, что нет, но все меняется и меняется постоянно. Сегодня одно, через полгода у тебя совсем другие программы. Но в принципе я понимаю, что быть абсолютно универсальным невозможно. Невозможно переломить себя полностью. Мои педагоги говорили, если ты знаешь, что это не твое основное поле, нужно все равно переступить себя и играть. Как говорится, из сонаты часть не выбросишь.

- Ваш Рамо на концерте покорил, хотя в эту старинную музыку нелегко вложить такие явные чувства. Эта музыка созерцательная, интеллектуальная?

Она достаточно изобразительная и даже декоративная. Мне кажется, это свойственно французскому искусству, не только музыке. Когда играешь сюиту целиком, стараешься и сквозную форму выстроить. Есть этап в работе с такой музыкой (ажурной, с огромным количеством разнообразных украшений), когда ты работаешь над техническими аспектами - как у танцоров, делаешь больше оборотов, чтобы потом на сцене делать меньше, но зато на другом уровне, с большим запасом.
Мне интересна музыка Рамо, она не так часто исполняется на современном рояле, свежо воспринимается. Год назад у меня была программа из блока сонат Скарлатти. Мои взаимоотношения с барокко с него и начались, как, наверное, у многих. Потом уходишь в Рамо, Куперена, Люлли. Мои главные учителя в музыке Рамо – это записи Григория Соколова и записи клавесинистов. Когда я слушал исполнения Григория Липмановича, то всегда восторгался и не понимал, как это возможно на современном рояле? И у меня возникло острое желание попробовать самому.

Но в моем репертуаре, абсолютно откровенно могу сказать, этот автор появился благодаря творчеству Григория Липмановича.
От клавесинных записей я старался перенять ощущение времени. По сравнению с роялем, на клавесине, естественно, совсем другие средства выразительности. На исторических инструментах это звучит более аутентично, конечно. Если на рояле можно использовать звуковые градации, интонирование, педаль, краски, то на клавесине драматические и драматургические моменты, скорее, выражаются ощущением времени, агогикой. Это и Баху свойственно и вообще музыке той эпохи.

- Что на данном этапе вам не близко?

Я не играю Скрябина пока что. Мало его играл, только некоторые мазурки и этюды. Естественно, отдаю дань его таланту, но пока не пленяет. Однако, его "Прометея" люблю и не отказался бы сыграть. И есть еще Ференц Лист. Да, я и играл на бис в концерте его Кампанеллу, но это, пока что, исключение. Но я не зарекаюсь.
Вот Бетховена всегда хочется играть, и за прошедшие полгода его было много в моей жизни. Тем более, юбилейный год 250-летия композитора. Кажется, каждую неделю концерты, сонаты. Доучиваешь одну сонату и уже хочется следующую. Это затягивает.

- Кумиры у вас есть среди пианистов?

Их огромное количество, в основном пианисты прошлого, но есть и ныне живущие, но всегда боюсь перечислять, кого-нибудь забудешь.

- Случались ли какие-то встречи с дирижерами, которые переворачивали ваше мышление?

Тут как и с предыдущим вопросом, можно кого-нибудь забыть.
Скажу лишь, что для меня самое ценное - именно музыкантское начало. То, как человек слышит и чувствует музыку. Даже если вы с дирижером в чем-то не совпадаете, но он настоящий музыкант, то это всегда большая радость и удовольствие от творческого процесса.

- Расскажите о своих наставниках?

Про своих педагогов я могу долго и много говорить. Мне безумно повезло. Когда я приехал в Москву и поступил в Колледж при Консерватории к Ольге Евгеньевне Мечетиной, там начался мой профессиональный путь и рост. Затем поступил в Консерваторию в класс к замечательному профессору Александру Ашотовичу Мндоянцу. Через два года перешел в класс к Сергею Леонидовичу Доренскому. С этого момента моя жизнь поменялась на До и После. Когда у тебя что-то не получалось, он мог сказать пару простых слов, например: здесь чуть быстрее, здесь чуть тише. И все. И сразу все преображалось. Это, действительно, секреты старых мастеров. Помню, перед конкурсом мы с ним готовили Кампанеллу Листа, которую он сам проходил еще со своим педагогом Григорием Романовичем Гинзбургом. Сергей Леонидович раскрывал мне разные секреты, часто это было что-то очень простое, но именно то, что нужно. В Кампанелле он был против, чтобы разводить громовержца, ну, кроме коды. Во-первых, нужно выстроить постепенность нарастания в форме. Во-вторых, музыка, все-таки, не в мажоре написана.
Еще моими наставниками были ассистенты Сергея Леонидовича, профессора: Николай Львович Луганский, Андрей Александрович Писарев и Павел Тигранович Нерсесьян.
Все они великолепные пианисты, много концертирующие. Все - представители класса Доренского. И все со своим индивидуальным почерком.
В некоторых случаях ассистенты говорили: "Ну, ты же знаешь, что бы сказал Сергей Леонидович". Но все они - яркие индивидуальности, и в этом заслуга и главный секрет школы Доренского. Я старался перенять от них все, что мог.

- На Конкурсе Чайковского вы были фаворитом, получили III премию. Для вас это "сложилось или не сложилось"?

Я в принципе не рассматриваю, как сложилось или не сложилось. В моем понимании все сложилось. Когда я шел на конкурс, у меня абсолютно не было каких-то амбиций. Моя установка была - если пройду на второй тур, то уже будет личная победа. Я это рассматриваю как выступление, провожу работу над своими ошибками и все.

- На Конкурсе Чайковского представители класса Доренского шли прямо ноздря в ноздрю. Не было каких-то косых взглядов между вами?

Я этого не ощущаю, мы с ребятами прекрасно общаемся. Конкурс – это здесь и сейчас, и элемент лотереи никто не отменяет.

- Собираетесь еще участвовать в Конкурсе Чайковского или другом?

Пока нет. Не зарекаюсь, но пока нет такой потребности. Сергей Леонидович говорил, что цель конкурса - получить доступ к сцене, выступать. Пока концерты есть и предложений достаточно много. Я не амбициозный в плане первой премии. Люди идут на кого-то или не идут. Главное - концертная деятельность, а конкурс - не самоцель, а лишь средство.

- А вы конфликтный человек?

Абсолютно нет. Бывает попадаются в твоей жизни, в профессиональной деятельности люди, которые жить не могут без конфликтов. Даже если ты для этого ничего не делаешь, но человек пытается тебя ввести в это, обострить ситуацию. Я ужасно это не люблю и не понимаю, зачем вообще тратить на это бесценное время, которого и так очень мало.

- Что пандемия прибавила или вычла из вашего образа жизни?

Произошло концертовычитание (смеется). Не хочу ни о чем негативном. Во-первых, благодаря пандемии я окончил в июне аспирантуру. В этом году этого бы точно не произошло в другой ситуации, потому что не было бы времени дописать свой диплом. Все зачеты, экзамены проводились дистанционно по видео-конференциям. Нужно было все задания отправлять на почту. А по прежним планам в это время у меня стояли концерты. Во-вторых, во многом благодаря пандемии я записал первый диск. Разговоры были уже об этом, но раскачивался я бы еще долго. А так - время появилось.

- Композитором не хотите быть?

Нет, не хочу. Как минимум, мы не обязаны создавать, а только интерпретируем, и может быть разное прочтение. А когда это, вообще, твое детище, и критика может разнести... Композитор – это свой мир, большой груз, крест. Это даже не профессия, это дар, врожденная предрасположенность. А когда это только профессия – это слышно.

- Что читаете? Есть у вас любимые произведения.

Времени совсем нет, иногда получается только урывками в самолете. Давно хотел почитать Гессе "Игру в бисер", на карантине почитал и то, что было до этого произведения и после него, пошел постепенно по хронологии.

- Верите в судьбу?

Все в наших руках – это факт. Есть воля случая, удача - неудача, конечно, но, в конечном итоге, все в наших руках.

- Вы интроверт или экстраверт?

У меня есть круг близких друзей, с которыми мне комфортно, но я интроверт. С новыми людьми мне первое время всегда очень некомфортно, поэтому я очень радуюсь, что на сцене мне не нужно разговаривать со зрителем голосом, за редким исключением.
Надеюсь, что скоро все вернется в привычное русло, хотя пандемия не может уйти бесследно, какие-то изменения в жизни, в сознании уже есть. Но я верю, что скоро мы снова сможем встречаться в концертных залах и театрах в привычном формате. Без ограничений.

================
Фотогалерея – по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Фев 06, 2021 1:51 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021020607
Тема| Музыка, Опера, Международный оперный фестиваль им. Ф.И. Шаляпина, Татарский театр оперы и балета им. М. Джалиля, Персоналии,
Автор| Иона Койфман
Заголовок| «Пиковая дама» на Шаляпинском-2021: новый золотой стандарт фестивальной халтуры
Где опубликовано| © электронная газета «Бизнес Online»
Дата публикации| 2021-02-06
Ссылка| https://www.business-gazeta.ru/article/498282#comments498282
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Когда казанский зритель платит деньги, чтобы увидеть спектакль, в котором невозможно отличить режиссуру от случайности. Часть 3-я

Хорошей режиссурой в российской оперной провинции считается разводка, при которой люди на сцене не сшибают друг друга с ног. Если при этом действие привносит в оперу дополнительные смыслы, даже по случайности или из-за невнимательного чтения либретто, это спектакль безусловно выдающийся. Иона Койфман во второй раз посетил «Пиковую даму» в постановке Юрия Александрова, показанную казанским оперным театром на Шаляпинском фестивале – 2021, и сравнил ее с провинциальным золотым стандартом.

МНОЖЕСТВЕННЫЕ ДЕЖАВЮ

Бывают костюмные спектакли, которые идут в театрах десятилетиями — и словно машина времени отправляет зрителя в парчовое и золоченое прошлое. Бывают постановки комфортные и тревожащие, забавные и скучные. Но все это — не о казанской «Пиковой даме». На этом спектакле трудно всерьез даже заскучать.

Яйцо Фаберже из папье-маше, полностью идентичного натуральному и озаренный потолок, на который ложатся цифровые тени, не имитируют никакой материальной или психологической реальности. Они имитируют исключительно хрупкую, как глазурь на пирожном из театрального буфета, субстанцию удивления.

Видеографика, мимические персонажи-призраки и многозначительные жесты солистов создают видимость режиссерской интерпретации, которая обращена сразу и к тексту оперы Чайковского, и к ее музыке. Мистические полотеры движутся в ритме вступления к четвертой картине, словно в детском мультфильме, богатей Елецкий приходит к невесте с пышным букетом, а бедный офицер Герман — с жиденьким, Лиза зверски трясет Машу за плечи, изливая ей душу: события сюжета осмысливаются на уровне любопытного трехлетки, который пробует все на ощупь и на зуб, и выражает свои впечатления с помощью элементарного лексикона.


Мария Лобанова (Большой театр) сыграла виктимную и постоянно напуганную Лизу — а неразборчивая артикуляция в верхнем регистре сильно испортила впечатление от ее красивого тембра
Фото: © Евгений Биятов, РИА «Новости»


ЗДЕСЬ ЧТО-НИБУДЬ НЕ ТАК

Исполнительские составы международного провинциального фестиваля, как известно, примерно соответствуют составам рядовых столичных спектаклей. И естественно встраиваются в пищевую цепочку отечественной оперной жизни: вы нам — артистов, мы вам — удобную разводку.

Здесь «Пиковая дама» снова скорее исключение, чем подтверждение правила: в спектакле Юрия Александрова буквально всем, от передвигающегося приставным шагом Елецкого до мечущейся Маши, необходимо хлопотать лицом, туловищем и конечностями. Доморощенная фантасмагория из пиковых дам, спутниц Графини, регулярно отвлекает внимание на себя. Но в центре, как и обещано — певцы.

Главная тема постановки Александрова — галлюцинации. В соответствии с ней на сюжет заплатками настрочены опереточные трюки, так что зритель лишается даже спасительной возможности вздремнуть. Видения и фантазмы навязчиво предлагают новые и новые порции несвежего театрального удивления до последних секунд спектакля. На сцену щедро извергаются клубы дыма; видеопроекции летают по картонному мрамору; Графиня неаппетитно заигрывает с внезапно оказавшимся в ее спальне офицером; даже свежезастрелившийся Герман остается полусидеть, томно глядя в зал: как тут не устрашиться возможным продолжением.

ВЫЙТИ ИЗ ШКАФА

Артисты старательно выполняли режиссерские указания. Мария Лобанова (Большой театр) сыграла виктимную и постоянно напуганную Лизу — а неразборчивая артикуляция в верхнем регистре сильно испортила впечатление от ее красивого тембра. Николай Ерохин из музыкального театра Станиславского и Немировича-Данченко напористо спел партию Германа, временами впадая в полную достоинства сценическую истерику. Томский Владислава Куприянова (Мариинский театр) и Елецкий Владимира Целебровского («Санктъ-Петербургъ Опера») откровенно скучали — им досталось значительно меньше актерских задач.

Печально известная акустика Казанского оперного театра в очередной раз добавила проблем: уходя глубже авансцены, почти все певцы терялись за звучанием оркестра. Лучше всего в спектакле прозвучали романс Полины, исполненный Екатериной Сергеевой (Мариинский театр) с точно рассчитанной аффектацией и идеальной тембровой ровностью — и дуэт с ее же участием в пасторали (Прилепу спела солистка Казанской оперы Венера Протасова).

Приглашенным столичным артистам вновь аккомпанировал оркестр под управлением Марко Боэми, постоянного участника Шаляпинского и музыкального руководителя постановки. На профессиональном сленге деятельность Боэми на фестивале определяется глаголом «собрать»: качество оркестрового звучания близится к границе допустимого, но, по крайней мере, все участники процесса производят звуки приблизительно одновременно; нестройные ансамбли, неряшливые аккорды духовых, пронзительное пение хора, все же не создают непоправимой катастрофы. Однако музыкальная часть выглядит крайне помятой, как парадный костюм, который надевается раз в году и хранится скомканным.

БАНАН, ПРОСТО БАНАН

Впрочем, в случае с «Пиковой дамой» не поможет ни носить чаще, ни отпаривать тщательнее. Все сшито на живую нитку, так что невозможно понять, какая из заплаток наляпана для красоты, а какая по ошибке. «Пиковая дама» на Шаляпинском-2021 задает новый золотой стандарт фестивальной халтуры: пресловутые дополнительные смыслы возникают в ней несвоевременно и непроизвольно — как оговорки по Фрейду.

Когда безумный Герман во второй картине внезапно начинает обращаться с репликами в пустоту — это нормальное дежурное режиссерское решение. Когда он вяло хватает Лизу за бока — это банальное отсутствие решений. Когда вместо нее он плотоядно щупает стул между ножек — это неконтролируемое выделение абсурда: зритель платит деньги, чтобы увидеть спектакль, в котором невозможно отличить режиссуру от случайности. Но бесконечно лояльную казанскую оперную публику и этим трудно удивить.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Фев 10, 2021 5:29 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Фев 06, 2021 5:22 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021020608
Тема| Музыка, Опера, Международный оперный фестиваль им. Ф.И. Шаляпина, Татарский театр оперы и балета им. М. Джалиля, Персоналии, Альбина Шагимуратова
Автор| Владимир Дудин
Заголовок| Альбина Шагимуратова: Почему важно уметь принимать вызовы от жизни и искусства
Где опубликовано| © Российская газета
Дата публикации| 2021-02-06
Ссылка| https://rg.ru/2021/02/06/reg-pfo/albina-shagimuratova-pochemu-vazhno-umet-prinimat-vyzovy-ot-zhizni-i-iskusstva.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Всемирно известная оперная певица Альбина Шагимуратова выступит в опере "Травиата" Верди на Международном оперном фестивале им. Ф. Шаляпина в Казани. Лауреат первой премии конкурса Чайковского (2007), владеющая бриллиантовой техникой колоратурного сопрано Альбина рассказала "РГ", за что любит эту роль и почему важно хотеть и уметь принимать вызовы от жизни и искусства.


Оперная певица Альбина Шагимуратова. Фото: Павел Ваан, Леонид Семенюк/ Пресс-служба Мариинского театра

Партия Виолетты в "Травиате" - ваша любимая?

Альбина Шагимуратова
: Да, одна из любимых, но какая певица не любит "Травиату"? Красивая история, потрясающая музыка. Верди написал мелодии, которые хватают за сердце. Я исполняла ее очень много раз, настолько вжилась в нее, что чувствую себя в ней легко и гармонично. Если почитать "Даму с камелиями" Дюма, станет понятно, какое несчастное у нее было детство, она рано потеряла мать, которая тоже умерла от чахотки. Судьба Виолетты была предрешена. Но она все же испытала минуты счастья с Альфредом.

Как вы думаете, почему Верди написал оперу о куртизанке?

Альбина Шагимуратова:
Хороший вопрос, хотя об этом лучше всего было бы спросить у Верди. Может быть, композитор кого-то так же беззаветно любил и потому образ Маргариты Готье так глубоко запал ему в душу? Мне очень везло с дирижерами: когда я исполняла "Травиату", каждый из них помогал мне лучше понять этот образ. Например, в Венской опере был Эвелино Пидо, который помог мне разобраться с темпами, расставить смысловые акценты. А маэстро Риккардо Мути однажды был на моем спектакле в Чикаго в качестве слушателя. Я исполняла с ним Царицу ночи в "Волшебной флейте" Моцарта на Зальцбургском фестивале, а также участвовала в гастролях в Японии. Дирижеров, которые по-настоящему любят певцов и помогают им, не так много. Я вспоминаю и свое сотрудничество с Джеймсом Ливайном в "Похищении из сераля" Моцарта, которая стала последней его работой на посту главного дирижера Метрополитен Опера. Он многому меня научил.

Вы нередко выступаете и с Валерием Гергиевым. Многие певцы говорят, что он умеет преображать хаос в космос иногда даже без репетиций.

Альбина Шагимуратова:
По приглашению Валерия Абисаловича я солистка Мариинского театра вот уже почти три года. Да, он шестым чувством улавливает дыхание певца. У меня было много выступлений с маэстро без репетиций и таких, что у меня дух захватывало. Я прошла большую закалку. Бывает, что месяцами репетируешь, результата не добиваешься, свежесть пропадает, а выходит маэстро Гергиев - и начинается магия. С кем бы мне еще очень хотелось выступить, но теперь не суждено, так это с Марисом Янсонсом. Я была на его "Пиковой даме" в Зальцбурге - что он творил за пультом! Марис даже не дирижировал, а будто погружался в музыку, ведя за собой всех солистов, весь Венский филармонический оркестр, создавая этот спектакль, в котором музыка звучала так, как была написана Чайковским - никакой отсебятины.

Недавно вышел ваш диск неизвестной оперы "Пария" Доницетти. Насколько певца увлекает процесс звукозаписи?

Альбина Шагимуратова
: Да, я осталась под большим впечатлением от знакомства с этой компанией, специализирующейся на записях редких опер. Им удается собирать очень качественные составы исполнителей. Патроном лейбла является Рене Флеминг, которая тоже записывалась там. Первым моим диском у них была опера "Семирамида" Россини, после которой мне уже вообще ничего не страшно - ни "Травиата", ни "Лючия", ни любая другая опера. Это очень сложный материал, поэтому очень редко ставится. Партию главной героини за последние десятилетия удалось исполнить Джойс ди Донато и мне.

Сегодня некоторые лирико-колоратурные сопрано соблазняются предложениями исполнить "Тоску". Вам еще не предлагали?

Альбина Шагимуратова
: Когда ты развиваешься как белькантовая певица, не можешь перечеркнуть это и перейти к Пуччини, потому что это совсем другая планета, где требуется другой голос, дыхание, мышление. Я отказывалась от предложений даже больших дирижеров: когда исполняешь Моцарта или Беллини, ты не можешь браться за "Реквием" Верди, это несовместимо. Сейчас я нацелена на репертуар для драматических колоратур - "Анну Болейн" и "Марию Стюарт" Доницетти, а также "Норму" Беллини, намеченную на 2022 год.

Когда-то вы преподавали в Казанской консерватории, а сегодня бываете в Казани редко?

Альбина Шагимуратова:
Я уже не преподаю. Последней моей выпускницей была Айгуль Хисматуллина, но я решила остановиться, поскольку разрывалась между Москвой, Казанью и другими выступлениями. Педагогика - огромная ответственность. Я занималась не с начинающими певцами, а с аспирантами, которые уже проучились пять лет в консерватории. За два года аспирантуры было сложно что-то исправить, если были проблемы. Заниматься с певцами надо с первого курса. Айгуль пришла в плачевном состоянии, но сделала огромный рывок после большой совместной работы, у нас получился хороший тандем. Я очень часто получаю сообщения в Facebook и Instagram, где просят послушать, порекомендовать, поэтому у меня возникла идея создания в Казани своего Оперного центра, появления которого ждут очень многие наши студенты. Пандемия внесла свои коррективы, но я надеюсь, что к концу этого года или в следующем мы откроемся.

Каким видится вам место Шаляпинского фестиваля в Казани в истории мировой оперы?

Альбина Шагимуратова
: Это старейший фестиваль в России, которому сам Бог велел проходить именно в Казани, где певец родился. У фестиваля сложилась богатая история и традиции. Я дебютировала там в 2006 году в год 250-летия Моцарта в партии Царицы ночи. Никогда не забуду, как зал стоя аплодировал мне на "Лючии", топал ногами, что редко бывает в России, так топали после моей Лючии только в Ла Скала. Театр не изменяет себе, старается держать планку, приглашая достойных певцов. Конечно, хотелось бы, чтобы чаще задействовали и местных певцов, хотя фестиваль международный, чтобы фестиваль двигался вперед, чтобы в его афише был представлен не только Верди и веристские оперы, но и "Дон Жуан" Моцарта, чтобы о Шаляпинском фестивале знали далеко за пределами нашей страны.

Справка "РГ"

Альбина Шагимуратова


Родилась в Ташкенте. Выпускница Московской консерватории по классу Галины Писаренко. Мировую известность принесла партия Царицы ночи в "Волшебной флейте" Моцарта, с которой певица дебютировала на Зальцбургском фестивале в 2008 году, в Метрополитен-Опера - в сезоне 2009-2010 гг., в 2010-2011 - в Ла Скала и Большом театре, позднее в Венской государственной опере и многих других театрах. В 2011 г. Исполнила партию Людмилы в премьере оперы "Руслан и Людмила" М. Глинки в Большом театре, исполнив партию Людмилы в постановке Дмитрия Чернякова под управлением Владимира Юровского. Лауреат премий Casta diva (за партию Людмилы в спектакле Большого театра) и "Золотая маска" (за партию Лючии ди Ламмермур в спектакле Татарского театра оперы и балета им. М. Джалиля). В 2019 году была председателем жюри 26-го Международного конкурса вокалистов им. М. Глинки.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Фев 10, 2021 5:29 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 5379

СообщениеДобавлено: Вс Фев 07, 2021 1:55 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021020701
Тема| Музыка, II Зимний международный фестиваль искусств Юрия Башмета, Персоналии, Юрий Башмет, Максим Венгеров, Дмитрий Маслеев, Маттиас Гёрне, Ксавье де Местр, Мария Баракова, Богдан Волков, Патрисия Копачинская, Иштван Вардаи, Давид Фрай
Автор| Надежда Травина
Заголовок| Звёзды сошлись: как проходит фестиваль Юрия Башмета в Москве
О двух концертах на столичных площадках с участием артистов мирового уровня.

Где опубликовано| © Ваш досуг
Дата публикации| 2021-02-03
Ссылка| https://www.vashdosug.ru/msk/concert/article/2572369/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

В Москве продолжается зимний Международный фестиваль под руководством маэстро Юрия Башмета. В течение нескольких дней на крупных концертных и театральных площадках столицы – в филармонии, консерватории, Концертном зале «Зарядье», «Современнике» и других – проходят выступления выдающихся музыкантов и оркестров, театральные спектакли, литературные выставки и даже финал фотоконкурса о жизни людей искусства. Столичный фестиваль Башмета и его команды, поначалу воспринимавшийся как приквел к их более «возрастному» фестивалю в Сочи, в этом году заявил о себе более уверенно – даже несмотря на сегодняшние условия. Музыкальный критик Надежда Травина посетила два концерта в рамках фестиваля и делится своими впечатлениями.
Неустанно следуя традиции, Юрий Башмет идёт по пути объединения смежных видов искусства на своих фестивалях (музыки, театра, литературы, живописи), приглашая наиболее ярких сегодняшних представителей каждого из них – от актёра Константина Хабенского, сотрудничающего с маэстро уже много лет до швейцарца Оскара Бьянки, одного из самых авторитетных композиторов в сфере современной академической музыки. Исполняемые «Новой Россией» и «Солистами Москвы» классические хиты для меломанов здесь органично сосуществуют с крупными «серьёзными» сочинениями и с только что написанными опусами; ощущения винегрета не возникает по той простой причине, что каждая программа выстроена с особой тщательностью. И каждый раз, листая красочный подробный буклет фестиваля, разбегаются глаза: выбор событий весьма широк и разнонаправлен, говорить можно о каждом подробно и долго. Мы же остановимся на двух концертах, которые, пожалуй, лучше всего охарактеризует «глянцевая» эффектная фраза «звёзды сошлись».

«Дождь слёз» в день рождения

Первый «десант» звёзд высадился в Московской филармонии. Вечер открылся хитом всех новогодних концертных программ любого сезона – увертюрой к оперетте «Летучая мышь» Иоганна Штрауса. Праздничный тон был задан неслучайно: маэстро Башмет встречал свой день рождения, и всё – вплоть до роскошных люстр с живыми цветами, украшавших сцену – соответствовало этому событию. Поздравить маэстро вышли российские и (что важно) зарубежные музыканты: последних сегодня не так-то просто привезти, учитывая по-прежнему закрытые границы. Немецкий баритон Маттиас Гёрне, у которого на родине – полный локдаун, спел четыре песни Франца Шуберта: одну из них, «Дождь слёз» из цикла «Прекрасная мельничиха», наверняка слышал хоть один процент из 50-ти сидящих в зале. Гёрне привлекал внимание не столько звукоизвлечением, сколько пластичными телодвижениями, очевидно, помогающими ему добиться нужной фразировки: казалось, что артисту неудобно находиться либо в данной тональности, либо в балансе с оркестром; впрочем, любимец публики, не раз выступавший на российских сценах, преподнёс эти четыре миниатюры с большой любовью и романтической одухотворённостью.
Ещё одним заграничным гостем вечера стал французский арфист Ксавье де Местр. Для нас мужчина за арфой – уже событие (у многих инструмент ассоциируется с девочкой в красивом платье), но для европейцев эти гендерные стереотипы наверняка не имеют особого значения. Ведь значение имеет то, что именно хочет представить публике артист: в нашем случае он подарил публике настоящий раритет, ценность которого могли оценить настоящие знатоки. Ксавье де Местр исполнил Концерт для арфы с оркестром Франсуа-Адриена Буальдьё – композитора XIX века и придворного музыканта Александра I. Классический по стилю и структуре концерт напоминал изысканную стилизацию Гайдна, Моцарта и Бетховена одновременно, но в сольных высказываниях уже смотрел в подступающий романтизм.
Три отечественных артиста – победители прошлого и позапрошлого конкурсов Чайковского сопрано Мария Баракова и пианист Дмитрий Маслеев, а также мэтр скрипичного искусства Максим Венгеров в этот вечер порадовали своим качественным, уверенным исполнением – особенно, запомнилась ария Далилы из оперы Сен-Санса «Самсон и Далила» в чувственной, томной интерпретации Бараковой.

Только XX век, только хардкор

Другой концерт в рамках фестиваля, привлекший внимание и великолепной программой, и интернациональным составом солистов, прошёл в Концертном зале «Зарядье» и носил название в духе просветительской лекции: «XXвек – век поиска». Лекции маэстро Башмет читать не стал, а может и зря: кто как не он является одним из ведущих исполнителей и популяризаторов «авангардной» музыки прошлого столетия и той, что пишут композиторы сегодня. К последней у Юрия Абрамовича, кстати, отдельный интерес: на его фестивалях практически всегда звучат премьеры самых свежих опусов, которые композиторы создают по его заказу (практика, широко действующая в Европе, но не в России). Впрочем, в программе концерта, о котором идёт речь, маэстро объединил скорее «олдскульные» сочинения XX века – например, жемчужину неоклассического периода Игоря Стравинского, «Итальянскую сюиту» из музыки балета «Пульчинелла», которую изящно и с утончённым вкусом сыграл виолончелист Иштван Вардаи или, скажем, лирико-возвышенное Адажио Арама Хачатуряна из балета «Спартак», прозвучавшее у оркестра как мощный финал в каком-нибудь фильме эпохи итальянского неореализма. К этим номерам примкнул Первый концерт Мориса Равеля, неожиданно превратившийся в джазовую сюиту: солист Давид Фрай (он же Давид Фрэ в привычной транслитерации на русский) был раскован и свободен в исполнении, и ему, очевидно, не мешала медицинская маска.
Особый момент концерту в «Зарядье» придало выступление двух сегодняшних суперзвёзд – тенора Богдана Волкова и скрипачки Патриции Копачинской. Сладкоголосый светловолосый Волков уже успел неоднократно поработать с выдающимися оперными режиссёрами Дмитрием Черняковым и Саймоном Макберни, давно уже покорив и музыкальных критиков, и публику. В «Зарядье» Волков представил вокальный цикл Бенджамина Бриттена «Озарения» – девять изысканных миниатюр на стихи Артюра Рембо, то декламируя фразы как в оперных речитативах, то выходя на открытый лиризм как в сольной арии, и лишь под конец сумел обрести гармонию с камерным ансамблем. Но настоящий XX век, настоящий хардкор настал лишь тогда, когда на сцену вышла Патриция Копачинская, по своему обыкновению, босая и в чёрном. Её экспрессивное, почти что дьявольское исполнение «Траурного концерта» немецкого композитора Карла Амадеуса Хартмана, где в финале звучит цитата революционной песни «Вы жертвою пали» (история создания этого опуса вообще удивительна – стоит погуглить), одновременно захватывало и дух, и внимание – что, впрочем, не мешало открыто радоваться тому, что мы имеем возможность это слышать вживую здесь и сейчас.

==============
Фото – по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Фев 08, 2021 2:33 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021020801
Тема| Музыка, Опера, Премьера, Персоналии, Дмитрий Бертман
Автор| Ирина Шымчак
Заголовок| ДМИТРИЙ БЕРТМАН:
В ЖИЗНИ У КАЖДОГО ЕСТЬ СВОЯ ПРАВДА

Где опубликовано| © Журнал Музыкальная жизнь
Дата публикации| 2021-02-07
Ссылка| https://muzlifemagazine.ru/dmitriy-bertman-v-zhizni-u-kazhdogo-est/
Аннотация| Премьера, ИНТЕРВЬЮ

10 февраля в Московском театре «Геликон-опера» свою версию оперы Дж. Пуччини «Тоска» представит Дмитрий Бертман (ДБ). Накануне премьеры с режиссером и художественным руководителем «Геликона» поговорила Ирина Шымчак (ИШ).



ИШ Начнем сразу с провокационного вопроса. Зачем публике нужна еще одна «Тоска»? Столько их уже поставлено…Что нового можно сказать?

ДБ Есть оперы, которые обросли традициями и клише, переходящими из одного спектакля в другой. Происходит это по одной причине: эти оперы как раз и являются самыми известными и популярными, и успех их постановок не зависит ни от режиссера, ни от дирижера, ни даже от певцов. «Тоска», «Кармен», «Травиата», «Евгений Онегин» идут во всех театрах мира, независимо от уровня этих театров. А идут они именно потому, что на эти спектакли публика всегда купит билеты. Композитор оплатил своим талантом все штрафы за проблемы тех, кто будет исполнять. Поэтому в этих произведениях – огромная творческая территория для режиссера, для дирижера, для исполнителей. На самом деле мы редко можем увидеть спектакль «Тоска», который бы открыл нам что-то новое. Тем более, что это опера веристская, в ней много иллюстрации, закрученный сюжет, действенная музыка, и зритель сидит, вжавшись в кресло. В этом случае и возникает особая востребованность в создании парадоксальных решений.

ИШ В первый раз вы ставили «Тоску» в Риге в 2004 году. Какую эволюцию в вашем сознании с тех пор прошла эта опера?

ДБ Во-первых, сразу хочу сказать, что эта опера была одной из тех, которые я услышал еще в детстве. Я влюбился в «Тоску» в постановке Бориса Александровича Покровского, которая шла в Большом театре. В ней пело созвездие уникальных солистов Большого театра. К сожалению, я не застал уже Галину Павловну Вишневскую в этой роли, только знаю от нее, от Покровского, как это все было. Но я застал других исполнительниц Тоски – это потрясающие Тамара Милашкина, Галина Калинина, Маквала Касрашвили, Людмила Сергиенко. Прекрасные Каварадосси – Владимир Атлантов, Зураб Соткилава, Владимир Щербаков. В роли Скарпиа блистали Юрий Мазурок, Александр Ворошило, Владислав Верестников. Фантастические певцы, звездные составы, и я смотрел этот спектакль, как завороженный… Конечно, в Каварадосси был еще Владислав Пьявко. Он придумал невероятный трюк, который вошел в историю оперы. Пьявко имел актерское образование (он гитисовец, и был оснащен феноменальным актерским мастерством), поэтому, когда в спектакле играл Владислав Иванович, люди ходили специально на него и на его трюк: он падал во время расстрела спиной и по огромной траектории слетал вниз головой к оркестровой яме. Это был сумасшедший цирковой трюк. Весь зал ахал, потому что даже просто увидеть такое уже было переживанием – казалось, артист точно убьется от падения. «Тоска» в постановке Покровского на самом деле был одним из последних оставшихся на сцене Большого театра спектаклей мастера, и когда открылась Новая сцена, он еще сохранялся.

Эту оперу я знал наизусть на русском языке (она шла на русском языке). Когда мой друг, режиссер и в то время директор Латвийской Национальной оперы Андрейс Жагарс пригласил меня в Ригу ставить спектакль «Тоска», я был счастлив, ведь «Тоска» для меня – как первая детская любовь. Я решил, что это провидение, и я должен это сделать.

В Риге в одной команде со мной работал художник Андрис Фрейбергс, из когорты великих сценографов, который в Советском Союзе уже был звездой и ставил очень много спектаклей и в Ленкоме, и на Таганке. Дирижером-постановщиком был тогда молодой главный дирижер Латвийской Национальной оперы Андрис Нелсонс (сейчас он входит в пятерку лучших дирижеров мира), а художником по костюмам – легендарная Кристине Пастернака. В спектакле участвовал изумительный состав исполнителей: молодой Александр Антоненко, который феноменально сделал Каварадосси, Самсон Изюмов, потрясающий баритон (он до сих пор поет Скарпиа). Эгилс Силиньш, который сейчас является директором Латвийской Национальной оперы, тоже пел в моем спектакле Скарпиа. И, конечно, Тоски: великолепная Инесса Лина Бургитта (она была ведущей меццо-сопрано в Литве, пела Амнерис, Кармен, и ради Тоски пошла на эксперимент), позже в спектакль вошла талантливейшая Кристине Ополайс, это была одна из ее первых ролей в театре. Сейчас Тоску поет превосходная Лиене Кинча. Этот спектакль я очень любил, потому что мне было позволено полностью сделать свою авторскую версию, и я пытался ответить на вопросы, которые занимали меня с детства и казались какой-то нелогичностью. Прежде всего я старался найти для себя что-то неизведанное в этом хорошо знакомом мне материале, который я знал наизусть.

Этот спектакль до сих пор идет на сцене Латвийской Национальной оперы. Мне очень хотелось, чтобы своя «Тоска» была в «Геликоне», и я решил, что в этом сложном для театров году именно «Тоска» Дж. Пуччини была бы очень хорошей афишной историей. В то же время у нас есть замечательные составы исполнителей. В «Тоске» очень важно, чтобы певцы были не просто артистами, которые поют тяжелейшие партии, а свободными людьми, потому что «Тоска» зашлакована разного рода клише.

ИШ Да, «Тоска» – опера, требующая смелых нестандартных решений. Вы не боитесь повториться?

ДБ Постановки «Тоски» были этапными, и они гениальны. Вспомним Марию Каллас–Тоску: это ведь была революция в оперном театре, в смысле проникновения в образ, и после нее все исполнительницы, которые пели Тоску, просто «держали экзамен» перед Марией Каллас. Дальше все изобретения Висконти и Дзефирелли уже клишировались. Зрители подсознательно ждали, когда главная героиня поставит канделябры, когда она положит крест в сцене смерти Скарпиа, и это все повторялось…

В «Тоске», при всей театральности истории, есть проблемные зоны, чисто оперные. Это очень сложный первый акт, потому что там огромный любовный дуэт – парная сцена художника Каварадосси и Тоски, и он всегда шел не очень стремительно, потому что сама история разворачивалась позже. Далее, гениальнейшая сцена Скарпиа с Тоской, которая вся наполнена действием. И третий акт, тюрьма, сцена расстрела.

Мне было интересно смотреть на хорошо знакомую историю, зная весь опыт (а опыт всегда нужно знать), пробовать прочесть ее с позиции логики, размышляя, как еще эта история могла бы произойти, чтобы все соответствовало тексту, но сама история не стала иллюстрацией текста. И я для себя определил, что, конечно, это детектив, стопроцентный, потому что там убийства, да еще какие! Но, помимо убийств, в этой опере был и триллер, как в историях Тенесси Уильямса со страшными мурашками. И я размышлял, чем и как мотивировать поведение героев, потому что у меня самого возникали вопросы. Например, никогда, даже в детстве, не доверял месту и обстоятельствам убийства Скарпиа. Я понимал, что для Тоски, женщины-актрисы, убить человека, даже во имя любимого – это событие. Оно должно было стать намного важнее, чем любой другой поступок, потому что, мне кажется, ничего страшнее убийства по событийности быть не может. Убить человека в первый раз – это всегда психологический шок. А я смотрел, вот она его убивает, потом кладет крест и бежит в тюрьму. И бежит через весь Рим, с этой запиской в руке, успев еще переодеться, потом ее вдруг почему-то пропускают в тюрьму, она приходит, а Каварадосси один сидит в трехсотметровой камере с видом на историческую часть города. Потом целый взвод выводит на расстрел одного человека. И тут начинается театральщина, этакая пудра театральная. И эта оперная тупость, которая из постановки в постановку протекает, оправдывается только тем, что «это же опера»!

Вся история постановок «Тоски» имеет мало разных решений. Возникали решения дизайнерские, некие чисто визуальные вещи. Но история не менялась даже в том случае, когда спектакль переносили во времена фашизма, и на сцену выходили фашисты в свастике и нацисты в кожаных пальто. Это, кстати, тоже штамп в «Тоске», потому что «Тоска» развивалась или в классическом сюжете, как в месте действия, или в фашизме, или в современном полицейском участке. Три версии. Не было веерного развития этой истории. И моя задача – попытаться найти совершенно другой путь, через крупный план, через психоанализ.

Вы замечали, что дети из всех сказочных героев почему-то больше любят Бабу Ягу, Змея Горыныча, Кащея Бессмертного? Вся эта нечисть всегда вызывала самый большой интерес (и даже я в детстве сочувствовал отрицательным персонажам). И сейчас дети лучше реагируют на отрицательных героев, чем на положительных. Скарпиа – отрицательный персонаж, злодей, но мне всегда казалось, что музыка Скарпиа – невероятно красивая, благородная и очень лирическая. Какой бы нос орлиный ни приклеить гумозом, как бы ни играть маньяка, музыка этого персонажа-злодея обладает невероятной страстью и силой.

Даже первый акт, который заканчивается молитвой в храме и знаменитой сценой Te Deum… В мировой истории, наверно, нет более страстной и любовной мессы. И нет другого примера в опере, где было бы такое фортиссимо. Это тяжелейшая сцена для баритона: Скарпиа поет вместе с детским хором, с большим тутти симфонического оркестра, с колоколами, звонницей, с ударами пушки, которые прописаны в партитуре… Все, что существует в выразительности звука и форте, аккомпанирует Скарпиа. Месса Te Deum – перпендикуляр всей этой сцены. Это мощнейшая история. Поэтому я придумывал, как это мотивировать, как сделать эту сцену, как стать адвокатом каждого героя.

В жизни у каждого есть своя правда, и у каждого есть своя мотивация. Даже когда человек делает какой-то ужасный поступок, он мотивирует свои действия положительно: во имя справедливости, во имя каких-то комплексов, которые он пытается перебороть. Человек, который делает что-то плохое в жизни, наверно, делает это тоже от недолюбленности, от того, что кто-то его обидел в детстве, в любви…

Поэтому, чтобы не было дидактики «этот плохой, а этот хороший, а вот это любовный треугольник», я попытался обратиться к психоанализу и поменять предлагаемые обстоятельства, при этом не уходя в смену сюжета.

ИШ Да ведь сама Тоска – взбалмошная, истеричная и психологически неустойчивая особа, явно нуждающаяся в помощи психотерапевта…

ДБ Дело в том, что ее иногда так интерпретируют, потому что роль действительно сделана очень тяжелая. Партия написана для очень крепкого сопрано. Когда говорят о драматическом сопрано, именно Тоска – показатель этого редкого психотипа голоса. И я всегда думал – почему эта истерика, когда она входит в церковь? Я пытался ее оправдать, чтобы не возникал образ истеричной бабы. Ну, и на самом-то деле история с Каварадосси – она тоже не очень простая. Если у Тоски такая реакция – значит, были до этого какие-то случаи, которые могли вызвать эту реакцию. И любовь ее слепа. Страсть. Любовь в этот момент находится на самой высшей точке этапа невозможности существования. И мы видим по отношениям Тоски и Каварадосси, что это – не взаимная история. Когда приходит Анджелотти и спрашивает, кто это был, Каварадосси не отвечает, что это «моя любовь» или «моя любимая», а так, мимоходом, про нее – «а, одна из». И я думаю, что это несовпадение – такая же тема, как в «Евгении Онегине». Тема несовпадения чувств. Это очень близко, хотя и парадоксально.

Эта личная история для меня намного важнее, чем история политическая, которая заложена в опере – война, Наполеон, революционер Анджелотти, допрос. «Тоска» ведь тоже имела исторический момент, когда в Советском Союзе в Большом театре ставился спектакль под названием «Жизнь за коммуну». Но я хочу сконцентрироваться на тайном мире нутра человеческого.

ИШ Противоречий с Пуччини не возникало?

ДБ Музыка в «Тоске» – абсолютно феноменальная. Это не музыка-украшение, это музыка, которая пробивает любого человека и своей чувственностью, и своей мощью, и заставляет не просто слушать, а вибрировать.

ИШ А у вас есть любимый момент в «Тоске»?

ДБ Нет такого. Она вся такая, «вкусная». Музыка, под которую прощались с Марией Каллас.

ИШ Гениальность любой музыки, наверно заключается в том, что она воспринимается как современная в любую эпоху. Вот и «Тоска» – удивительно современна.

ДБ Потому что она – о человеке, о его природе. А нутро человеческое не меняется.

ФОТО: ЮЛИЯ ОСАДЧА
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Фев 09, 2021 10:03 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021020901
Тема| Музыка, Опера, Международный оперный фестиваль им. Ф.И. Шаляпина, Татарский театр оперы и балета им. М. Джалиля, Персоналии, Ахмед Агади, Зоя Церерина
Автор| Анна Тарлецкая
Заголовок| Три карты Германа сменились тремя загадками Турандот
Где опубликовано| © Реальное время
Дата публикации| 2021-02-08
Ссылка| https://realnoevremya.ru/articles/202476-pervaya-nedelya-xxxix-shalyapinskogo-festivalyazakonchilas
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Последнее произведение Джакомо Пуччини исполнялось без счастливого финала


Фото: Максим Платонов

В постановке режиссера Михаила Панджавидзе 2012 года звучит только музыка самого итальянского композитора, который, как известно, не успел завершить произведение. Уже после смерти автора счастливый финал с лирическим дуэтом главных героев, принцессы Турандот и принца Калафа, дописал по черновикам автора его ученик Франко Альфано. Подробнее об очередном спектакле Шаляпинского фестиваля — в репортаже «Реального времени».

Все, что успел Пуччини

Первая неделя Шаляпинского фестиваля 2021 года красиво и эффектно завершилась оперой Джакомо Пуччини «Турандот» — «три карты» Германа сменились «тремя загадками» Турандот. Большая часть исполнителей в постановке Михаила Панджавидзе — солисты Татарского академического театра оперы и балета имени М. Джалиля — Зоя Церерина (Турандот), Гульнора Гатина (Лиу). Однако и приглашенные звезды имеют непосредственное отношение к Казани. Алексей Тихомиров (Тимур) в 2003 году окончил Казанскую консерваторию, сейчас служит в московской «Новой Опере». Принца Калафа исполнил частый гость Казани и горячо любимый здесь Ахмед Агади, который с 2005 года представляет Мариинский театр.

С момента первой постановки оперы в 1926 году в Милане свою трактовку «Турандот» представляли десятки театральных режиссеров по всему миру. Причем финал, написанный учеником и другом Пуччини, звучит не всегда — многие постановщики довольствуются только музыкой самого композитора. Он не успел добраться до счастливой развязки, которая сохранилась лишь в черновом варианте, поэтому и впечатление у зрителя остается разное: это или торжество любви, или смерть безнадежно влюбленной в принца Лиу, которая все же успевает предсказать любовь к Калафу правительнице Китая.


Сам тенор признается, что Казань любит особенной любовью

«Не понимаю людей, делающих гадости»

Десятый год «Турандот» неизменно собирает аншлаг в Казани. Главную мужскую роль исполняли разные приглашенные солисты, однако симпатии зрителя — на стороне Ахмеда Агади. Сам тенор признается, что Казань любит особенной любовью. Его мать — татарка. Кроме того, именно сюда он стремится каждый год в апреле, чтобы в день рождения Габдуллы Тукая исполнить главную партию в опере «Любовь поэта».

В этом году, правда, радостные чувства от праздника музыки были несколько омрачены:

— Я с таким удовольствием приезжаю на фестиваль, чтобы дарить радость, только добрые чувства зрителю, весь мой талант. Поэтому меня очень удивляют, неприятно поражают нападки, негативные отзывы. Я вообще не понимаю людей, которые испытывают удовольствие, делая гадости. Такое было после «Паяцев», открывших фестиваль, — признался «Реальному времени» певец.

В роли героя-любовника восточный красавец-мужчина Агади чувствует себя как рыба в воде. На его счету партии Каварадосси в «Тоске», Рудольфа в «Богеме», Радамеса в «Аиде». Своему Калафу артист очень сочувствует:

— Есть женщины — покладистые кошечки домашние. А есть — неприступные и гордые, но вместе с тем прекрасные и желанные. Именно такую хочет покорить каждый мужчина-завоеватель. Мой герой жизнь ставит за любовь, настолько велика награда. И я его понимаю. И ведь после поцелуя холодная Турандот тоже дрогнула — она неожиданно для себя начала понимать, что такое любовь.


Творческий дуэт Агади и Зои Церериной, исполнительницы роли Турандот, сложился давно: вместе они спели «Тоску» и «Кармен»

Опера «высшего пилотажа»

Одним из красивейших мест в опере можно считать арию Калафа в третьем действии Nessun dorma («Пусть никто не спит»). Пуччини считал незаконченную оперу вершиной своего творчества. Действительно, по признанию исполнителей, все арии здесь невероятно сложные, требующие большого мастерства. Творческий дуэт Агади и Зои Церериной, исполнительницы роли Турандот, сложился давно — вместе они спели «Тоску» и «Кармен». Как рассказал певец, если в качестве партнерши выступает эта солистка Татарского оперного театра, можно быть спокойным — свою роль она отыграет «на пять», возьмет самую высокую ноту:

— Зоя Церерина вообще трудяга — каждый день она очень много работает, и это дает свои результаты. Если раньше она выступала в амплуа меццо-сопрано, то сегодня диапазон ее голоса настолько широк, что она с легкостью исполняет партии, написанные для сопрано, — говорит Ахмед Агади.

Впереди у тенора еще одна большая роль на фестивале — Иван Грозный в опере Резеды Ахияровой «Сююмбике», которая будет показана 22 февраля. «Но то уже совсем другая история. Тут я должен перевоплотиться в жестокого бессердечного тирана-правителя», — признается он.


За час до спектакля Зою Церерину можно застать только в одном месте — за фортепиано в своей гримерной

Новое платье принцессы

За час до спектакля Зою Церерину можно застать только в одном месте — за фортепиано в своей гримерной. Она рассказала, что с особой радостью готовится к выходу на сцену — артисты так соскучились по выступлениям. Кроме того, в ставшей уже привычной постановке появилась новая деталь. Если раньше Турандот выходила в воинском снаряжении, в латах, то теперь решено смягчить ее образ. Специально для фестиваля этого года сшито удивительное платье для принцессы, женственное и великолепное, с которым приходит и новая трактовка личности главной героини.

— Я сопереживаю своей героине. Многие считают ее жестокосердной и надменной, на самом же деле за ее поведением скрывается некая трагедия. Это одна из сложнейших оперных партий, требующая аккумуляции всех сил, и спеть Турандот для меня — настоящее счастье. Голос нужно всегда держать в форме, это как мышцы для спортсмена перед соревнованиями. Я работала над партией с разными мастерами — пела в Бонне, в Дортмунде, Санкт-Петербурге, на фестивале Хосе Каррераса в Бангкоке. Но до сих пор ищу что-то новое в ней, много читаю, пропуская большое количество информации через себя, — говорит Зоя Церерина.

Партия Турандот в трактовке Панджавидзе очень сжата во времени, принцесса раскрывается только во втором действии в сцене трех загадок. Без яркого счастливого финала она получается очень трагичной.

— Без хэппи-энда мой персонаж получается таким кровожадным, многие ее осуждают. Мне же хотелось бы показать искренность ее побуждений. Она ведь и принцам сочувствует, предлагая им уйти, не отгадывая ее загадки, и тем самым спастись. В чем же ее обвинять? Но и без финального дуэта с Калафом видно, что замкнутый круг разомкнулся, ее тронула любовь и преданность Лиу, — уверена певица.

фото Максима Платонова
=========================================================================
ФОТОГАЛЕРЕЯ - ПО ССЫЛКЕ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Фев 10, 2021 5:28 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Фев 09, 2021 10:49 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021020902
Тема| Музыка, Опера, Международный оперный фестиваль им. Ф.И. Шаляпина, Татарский театр оперы и балета им. М. Джалиля, Персоналии, Ахмед Агади, Зоя Церерина
Автор| Кей Бабурина
Заголовок| Загадка «Турандот», или Что делали автозак и «космонавты» в центре Казани
Где опубликовано| © электронная газета «Бизнес Online»
Дата публикации| 2021-02-09
Ссылка| https://www.business-gazeta.ru/article/498530
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

На Шаляпинском-2021 показали последнюю оперу Пуччини, а в антрактах радовали зрителей репертуаром московских подземных переходов. Часть 4-я

«Турандот» из тех произведений, которые любят, знают и почти не ставят: спектакля не будет без выдающихся вокалистов с мощной сценической харизмой, сказочный Китай негласно подразумевает дорогущие декорации, а в музыке, кроме крупного пуччиниевского мазка, есть слой колоритных хитростей, требующих нерядового дирижерского мастерства. Но кто не рискует, тот не пьет шампанского в бело-золоченом фойе театра им. Джалиля. Музыкальный критик Кей Бабурина оценила казанскую «Турандот» 2012 года выпуска.


Нужно отдать должное режиссеру Михаилу Панджавидзе: он сумел создать спектакль, акции которого с годами только растут в цене
Фото: республика21век.рф


НОВАЯ ЭТИКА НЕНОВЫМИ НОТАМИ

Нужно отдать должное режиссеру Михаилу Панджавидзе: он сумел создать спектакль, акции которого с годами только растут в цене. Его «Турандот» — ровесница Болотного дела, и посреди халатов и пагод на сцену выезжает автозак, а нарядные драконы на щитах императорских силовиков не нивелируют их сходства с нашими родными «космонавтами». Если зритель и попадает в сказку, то разве что в такую, которая «ложь, да в ней намек».

Или в такую, где, чем дальше, тем страшней. Следить за перипетиями любви, которую выдумал себе Калаф, сегодня не так интересно, как анализировать отношения народа и власти. А народ в спектакле тотально управляем, его интересы сведены к двум вещам: смерти и половой жизни. Смерть их интересует во всех аспектах: своя собственная, ибо в тоталитарном государстве любая жизнь всегда висит на волоске; чужая, ибо главным развлечением являются публичные казни претендентов на руку Турандот, а фоновым — поединки борцов; и смерть как идея, завораживающая холодным светом луны, к которой обращен молитвенный хор.

А половая жизнь народ Пекина беспокоит исключительно чужая: всем не дает покоя брачный статус Турандот. Джакомо Пуччини жил всего 100 лет назад, этические коллизии многих его опер не потеряли актуальности до сих пор (злоупотребление властью в «Тоске», материальное выживание в «Богеме», вопросы ответственности в «Мадам Баттерфляй» и т. д.), но даже на их фоне эвристичность образа Турандот поражает. Будь она хоть 10 раз принцесса, она — жертва репродуктивного принуждения, и каждый в Пекине, включая собственного отца, мысленно уложил ее в кровать с первым, по сути, встречным; омерзительная троица министров делает это, смакуя подробности. Ничего удивительного, что Турандот защищается, как может: придумывает испытание с тремя загадками и казнью за ошибку. Справедливо, не так ли, что каждый, кто готов рискнуть своей жизнью (можно же не рисковать и остаться в безопасности!), чтобы нарушить чужую половую неприкосновенность, заслуживает этой жизни лишиться? В законодательстве подобное обычно называется необходимой самообороной, и в странах с нормальным судопроизводством не несет для жертвы правовых последствий.

В изначальной версии спектакля Турандот открыто вела войну за свою свободу: носила брутальные доспехи и шлем, применяла к Калафу силу; после его победы в испытании Турандот оставалась в скромном белом халате и простоволосая — побежденная, униженная, беззащитная. В спектакле 39-го Шаляпинского фестиваля Зоя Церерина уже одета в платье и головной убор, отсылающие к костюмам Умберто Брунеллески для мировой премьеры оперы в 1926 году в Ла Скала. Это не мешало ей гвоздить Калафа холодным огнем своего голоса, глядя на него сверху вниз; но все же такая подчеркнутая разнесенность их по разным полюсам бинарной гендерной модели поменяла расклад сил, сделала Турандот заведомо более слабым противником.

Впрочем, Турандот по партитуре полагается самое запредельное из всех возможных проявлений слабости. Проиграв Калафу, она в отчаянии делает максимально подлое, что может сделать правитель: берет в заложники собственный народ. Все будут казнены, если она не узнает имя принца, по-джентльменски предоставившего ей издевательски невозможную иллюзию выхода. Что ж ты за страна такая, сказочный Китай, если тебе проще репрессировать всех без разбора, чем, например, подослать убийц к отдельно взятому возмутителю спокойствия?


«Турандот» — ровесница Болотного дела, и посреди халатов и пагод на сцену выезжает автозак, а нарядные драконы на щитах императорских силовиков не нивелируют их сходства с нашими родными «космонавтами»
Фото: республика21век.рф


ЧТО НЕ НАПИСАНО ПЕРОМ

Есть такой отдельный жанр — «последнее произведение». Оно всегда наделено мистическим флером, даже если автор после него счастливо прожил еще много лет. «Турандот» имеет флер трагический, и по праву: Пуччини умер (сердце не выдержало мучительной лучевой терапии 1920-х), не дописав оперу; как с придыханием процитировал во вступительном слове к спектаклю Эдуард Трескин апокрифический вариант знаменитой фразы Артуро Тосканини, «смерть вырвала перо из рук маэстро».

Маэстро отходил в мир иной не с пером в руке, а со стеклянными иглами в горле, но факт остается фактом — при каждой постановке приходится решать, чем будет заканчиваться опера: благостным финалом, дописанным учеником Пуччини Франко Альфано, менее благостными версиями XXI века или нотами, которые успел написать сам автор. В спектакле Казанской оперы выбран последний вариант, и завершающей становится сцена, где безответно влюбленная в Калафа рабыня Лю (в Казани, как во всех российских постановках, — Лиу, потому что опера про Китай еще не повод интересоваться китаистикой вообще и транскрипцией китайских имен в частности) жертвует собой, и ее смерть становится этическим переломом оперы. В спектакле Панджавидзе перелом еще и политический: когда Лю погибает (причем безо всяких пыток, просто впитывая в себя чужую боль, боль избитого Тимура и потерявшего под ударами сознание Калафа), не Турандот открывает для себя любовь, а императорские опричники познают сострадание; обступив маленькое тело, лежащее на капоте автозака, они снимают шлемы, и под забралами оказываются живые люди. Скорбная толпа тихо вступает в Запретный город, и некому встать у нее на пути. И в стремительной немой развязке Калаф отказывается от Турандот — что, впрочем, уже не становится облегчением ни для кого. Правильное вообще не обязано быть приятным.


Удачно выстроив несущую конструкцию спектакля, Панджавидзе оставил обидно недотянутым ряд деталей. Много фронтальных, до снотворности статичных мизансцен
Фото: республика21век.рф


ОДОЛЖИТЕ ТЕНОРА

Удачно выстроив несущую конструкцию спектакля, Панджавидзе оставил обидно недотянутым ряд деталей. Много фронтальных, до снотворности статичных мизансцен. Сцена, когда персидского принца распинают на ритуальном гонге, должна выглядеть символично, но выглядит пошло; к тому же принца, которому по тексту полагается быть фанатиком, умирающим за любовь, непоименованный в программке статист изображает замученным до полного равнодушия существом. Режиссер не обязан иллюстрировать либретто буквально, но тогда желательно, чтобы титры его не подставляли, предлагая зрителю сферический перевод в вакууме.

Однако ответственная за перевод и переключение титров (и поименованная в буклете) Алсу Барышникова, кажется, делает свою работу, не глядя не только на сцену, но и в файл, потому что чем еще объяснить внезапное появление на табло во время оркестровой интродукции к третьему акту строчки из середины первого акта «Мадам Баттерфляй»: «Подруги, я пришла на зов любви…» Такие вещи случаются, все мы люди; но обычно они вылавливаются на генпрогоне — а тут спектаклю 8 лет.

Досадные детали заляпывают целое, как жирные пятна вышитый шелковый халат. На фоне изящных и функциональных движущихся башен с фонариками сценографа Игоря Гриневича режут глаз грубые, низкого разрешения проекционные задники видеохудожника Павла Суворова. Художник по костюмам Юлия Ващенко придумала Калафу костюм с совершенно новогодней мишурой, а свой меч принц мог бы достать, только прорезав им куртку. При этом нельзя сказать, что постановщикам не важны мелочи: для небольшой роли советника Понга из Мариинки был выписан тенор Олег Балашов — Понгу нужно спеть одну строчку, держа на весу эротично извивающуюся балерину, с таким в самом деле не всякий артист справится.

Еще один стабильно заемный тенор — Ахмед Агади в роли Калафа. Он тут практически объект культа, представительницы какового предпочитают воспринимать стремительную, на одном дыхании взлетающую Nessun dorma сквозь экран телефона, в плохом качестве консервируя для домашнего употребления то, во что стоило бы окунуться здесь и сейчас.

Лю, как и Турандот, своя штатная, да и грех было бы приглашать заезжую сопрано, имея в труппе безупречную Гульнору Гатину.


Что в досадные мелочи не запишешь — это оркестр под управлением главного дирижера театра Рената Салаватова. Все темпы были загнаны так, словно Салаватову хотелось быстрее промотать данную непонятную партитуру
Фото: республика21век.рф


SPEAK SOFTLY PILAF

Что в досадные мелочи не запишешь — это оркестр под управлением главного дирижера театра Рената Салаватова. Все темпы были загнаны так, словно Салаватову хотелось быстрее промотать данную непонятную партитуру; чеканные китайские мелодии склеивались итальянской кантиленой в переваренный рис из дешевого плова. Но выходившие в восторге гости фестиваля, кажется, против такого угощения не возражают.

Еще бы — ведь перед спектаклем и в обоих антрактах зрителей кормили еще более нажористой пищей для слуха. В фойе блистал струнный квартет театра, наяривая самые зажигательные мелодии из лучшего репертуара переходов московского метро: все эти очи черные, вальсы цветов и прочие Speak Softly Love. Там, где москвичи обычно ускоряют шаг, казанцы скандировали «спасибо». Даже странно было не видеть открытого скрипичного футляра для сбора денег с такой отзывчивой аудитории. Или шляпы — для пущего антуража это могла бы быть меховая шапка, как у Федора Ивановича на знаменитом портрете. А там и до «Шляпинского» фестиваля недалеко.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Фев 10, 2021 5:28 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Фев 09, 2021 4:03 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021020903
Тема| Музыка, Опера, БТ, Камерная сцена имени Б.А.Пок­ровского, Премьера, Персоналии, Жорж Бизе, Владиславс Наставшевс
Автор| Дмитрий ПАРНОВ, Павел РЫЧКОВ (фото)
Заголовок| Искатели жемчуга
Долгожданная премьера

Где опубликовано| © Учительская газета
Дата публикации| 2021-02-09
Ссылка| https://ug.ru/iskateli-zhemchuga/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В Большом театре России (Камерная сцена имени Б.А.Пок­ровского) прошла первая оперная премьера 245‑го сезона. Название выбрано редкое и драгоценное – «Искатели жемчуга» Жоржа Бизе. Не самая популярная и в то же время одна из самых загадочных французских опер не шла в Москве достаточно давно, а на главной сцене страны – вообще с начала XX столетия.

Из-за пандемии коронавируса и вынужденных ограничений театр переносил премьеру оперы Бизе уже неоднократно. Изначально планировалось выпустить спектакль еще в предыдущем сезоне. Тем не менее первый блок спектаклей прошел в декабре 2020 года, второй – с 28 по 31 января 2021 года. «Искатели жемчуга» – спектакль, подготовленный командой во главе с латышским режиссером Владиславсом Наставшевсом (это его дебютный спектакль в опере), под музыкальным руководством дирижера Алексея Верещагина.

У композитора Жоржа Бизе есть абсолютнейший хит – опера «Кармен», которая входит в Топ мировых шлягеров и украшает афиши практически всех театров мира – от великих до рядовых. Да и само творчество Бизе подчинено «Кармен» безоговорочно, все остальные произведения незаслуженно находятся в тени «коварной испанки».

«Искатели жемчуга» – это первая опера композитора, которая была поставлена на сцене. Бизе написал оперу в 24 года по заказу одной из оперных компаний Парижа. Сочинил музыку достаточно быстро, за несколько месяцев. Сюжет оперы достаточно традиционный: ее действие происходит на острове Цейлон, среди ловцов жемчуга. История девушки-жрицы, нарушившей обет девственности, и ее избавления от кары нередко показывалась на оперной сцене. На фоне волнующих песен и плясок разыгрываются драма ревности Зурги и любовь охотника Надира и Лейлы.

В опере поднимается и модная в то время во Франции ориентальная тема. Среди «колониальных» опер других композиторов можно выделить «Лалу-Рук» Давида, «Африканку» Мейербера, «Царицу Савскую» Гуно, «Короля Лагорского» Массне, «Самсона и Далилу» Сен-Санса, «Лакме» Делиба. Но «Искатели жемчуга» были первыми.

Мировая премьера «Искателей жемчуга» состоялась 30 сентября 1863 года, выдержала пару десятков представлений и более при жизни автора не исполнялась. Среди однообразных и вялых отзывов публики и прессы выделилась рецензия композитора Гектора Берлиоза, отметившего, что партитура оперы «содержит множество прекрасных выразительных моментов, полных огня и богатого колорита».

Сами же оперные мелодии «Искателей жемчуга» впечатляют красотой и богатством. Яркостью отличаются также массовые сцены, обрамляющие лирические либо драматические эпизоды оперы.

Лучшие мелодии служат украшением концертных программ: популярнейший романс Надира, а также дуэт Надира и Зурги (оба из первого действия, абсолютные шедевры Бизе).

Сейчас «Искатели жемчуга» практически не ставятся на театральных подмостках. Поэтому появление редчайшего оперного названия в репертуаре Большого театра – шаг мудрый и интересный. Театр использовал редакцию Брэда Коэна.

Над спектаклем работали режиссер-постановщик и сценограф Владиславс Наставшевс, художник по костюмам Елисей Косцов, художник по свету Антон Стихин. Режиссер Владиславс Наставшевс ставит оперу без особых временных и пространственных примет, сохраняет режиссерский баланс и чувствует музыку. Спектакль получился невероятно стильным и интересным.

Исполнители главных партий создали интересные образы, актерски убедительные и полноценные: Лейла – Тамара Касумова, Татьяна Конинская и Татьяна Федотова; Надир – Ярослав Абаимов и Петр Мелентьев; Зурга – Константин Сучков и Азамат Цалити; Нурабад – Алексей Прокопьев и Кирилл Филин.

Музыкальная работа дирижера Алексея Верещагина выглядит по-европейски интересно и увлекательно. Особо хочется поблагодарить хор, ставший полноценным действующим лицом (хормейстеры Александр Рыбнов, Павел Сучков).

Стоит поздравить Большой театр с удачной премьерой, что не так часто случается в последние годы, и пожелать спектаклю твердо осесть в репертуаре Камерной сцены. Хотя постановка заслуживает как минимум Новой сцены, если не Исторической.

======================================================================
ФОТОГАЛЕРЕЯ - ПО ССЫЛКЕ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Фев 10, 2021 5:28 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Фев 09, 2021 8:52 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021020904
Тема| Музыка, Опера, МТ, ­ "Золотая маска", Персоналии, Родион Щедрин
Автор| Екатерина Кретова
Заголовок| «Лолита» Мариинского театра выдвинута на «Золотую маску»
Родион Щедрин расставил акценты в антипедофильской направленности оперы

Где опубликовано| © "Московский комсомолец"
Дата публикации| 2021-02-09
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2021/02/09/lolita-mariinskogo-teatra-vydvinuta-na-zolotuyu-masku.html
Аннотация| "Золотая маска"

Опера Родиона Щедрина по роману Владимира Набокова «Лолита» в постановке Мариинского театра была представлена в конкурсной программе фестиваля «Золотая маска» в номинации «лучший спектакль», а также в частных номинациях — выдвинуты исполнители трех главных ролей. Спектакль — перенос постановки Пражской оперы (режиссер Слава Даубнерова, художник Борис Кудличка), поэтому постановщики не номинированы.


ФОТО: ПРЕСС-СЛУЖБА МАРИИНСКОГО ТЕАТРА

Как и музыкальный руководитель Валерий Гергиев, который много лет назад устранился от персонального участия в конкурсе. Спектакль, поставленный в жанре музыкально-театрального триллера, оказался чрезвычайно сильным и впечатляющим по месседжу, глубоким по смыслу, мастерским по постановочным решениям, безупречным по музыкальному и актерскому исполнению. Однако, несмотря на то, что опера заканчивается трагически, вряд ли в зале нашелся хоть один человек, который смахнул слезу.

Родион Щедрин написал «Лолиту» в начале 90-х — на собственное либретто. Написал, расставив акценты таким образом, что всякие сомнения в антипедофильской направленности этого сочинения рассеиваются с первых же тактов.

Сейчас уже канули в Лету скандалы и споры вокруг романа Набокова, написанного в середине 50-х годов прошлого века. Да и тогда апологетов у него было гораздо больше, чем критиков. Щедрин сразу выносит Гумберту обвинительный приговор, выведя на сцену хор судей. И это не только и не столько жюри присяжных, приговоривших героя к смертной казни в финале, это суд Божественный и суд совести самого Гумберта. Этот последний суд оказывается для преступника самым жестким и самым беспощадным: последняя сцена встречи 17-летней беременной Лолиты и Гумберта, во время которой он понимает, что уничтожил жизнь самого любимого им существа, ведет его к еще одному преступлению — убийству Куильти и собственной смерти.

Режиссер Слава Даубнерова делает еще один шаг в сторону осуждения педофилии — на сцене периодически появляются лолиты — несчастные девочки, жертвы, чьи трагические судьбы так и остались неотмщенными, а часто даже и неизвестными.



Пелагея Куренная в роли Лолиты — грандиозная актерская работа. Никакого травестирования, никаких излишеств в изображении «ребенка». Но при этом невероятная органичность: пластика угловатого подростка, смешная естественность маленькой девочки, которая совершенно не озадачена своей женственностью. Ведь именно на это ведется Гумберт в исполнении Петра Соколова — как бы интеллигентный очкарик, на которого только посмотришь — и сразу поймешь: псих. При работе с артистами Даубнерова использует приемы гиперреалистического театра (неудивительно, что режиссер принимала участие в программах института Ежи Гротовского) и даже кинематографа. Кинематографичность проявляется и в сценографии Кудлички: бытовые достоверные интерьеры, настоящий автомобиль, мотель, телефонная будка, шланг, из которого поливают палисадник. Если взять каждый сценографический сет крупным планом — будет реалистическое кино. Но все они разбросаны по сцене, образуя условно-безусловный мир, в котором театральность и бытовая конкретность очень хитро перемешаны. Еще одна актерская работа, номинированная на «Золотую маску», — Александр Михайлов в роли Куильти. В отличие от своих партнеров он играет эксцентрику и гротеск, тем самым внося в ансамбль резкую фальшивую ноту. Фальшивую — осознанно и намеренно. Ведь весь мир вокруг Лолиты полон фальшивой пошлости. И здесь нельзя не отметить еще одну актрису, которой не досталось номинации, но которая создала очень выразительный образ: Дарья Росицкая в роли Шарлотты. Ей удалось сыграть какой-то удивительно правильный для этой роли синтез пошлости и трогательности. Платье из той же ткани, что и мебель, манеры «Марлен Дитрих для бедных», но при этом искренняя жажда любви и счастья. Вообще надо сказать, что каст в этом спектакле настолько точный, будто постановщики выбирали артистов из сотен претендентов.

Наверное, странно, что в описании оперного спектакля все еще ничего не сказано о музыке. Но партитура Родиона Щедрина написана Мастером, феноменальным драматургом, создающим некое звуковое действие по всем законам музыкальной драмы, Щедрин строит свою конструкцию, категорически игнорируя такую базовую категорию музыки, как красота. Звуковые комбинации насыщены внятной интонационностью с семантикой, весьма далекой от традиционной. Ползущая, мрачная оркестровая ткань, великолепно выстроенная маэстро Гергиевым, пребывает в перманентном развитии, движении, как некий «солярис». И вы понимаете, что это океан. Но в нем — не вода, а некая субстанция, которая имеет свою природу, очень сильную, быть может, и мощную, но не водную. И волны в нем как будто точно такие же, как в океане. И девятый вал похож. И штиль. И корабли в нем тонут. Но все-таки это не морская вода, а нечто иное. Певцы принимают и присваивают эту стихию, пропевая ритмизованный текст на определенных нотах очень естественно и органично. Но это не мелодия в том смысле, в котором этот термин применим к оперному жанру. И интонации вокальных линий тоже не имеют ничего общего с классической семантикой музыкальной интонации.

А потому при всем огромном интеллектуальном впечатлении от спектакля эмоциональное воздействие музыки равно нулю. Возможно, в этом секрет редкого обращения к этой партитуре в мировом оперном театре. Приходя в оперу сегодня (особенно сегодня!) людям хочется заплакать от жалости к вердиевской Виолетте, пуччиниевской Мими или к героине «Человеческого голоса» Пуленка. Над щедринской Лолитой слезу не прольешь.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Фев 10, 2021 5:27 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Фев 10, 2021 5:07 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021021001
Тема| Музыка, Опера, Международный оперный фестиваль им. Ф.И. Шаляпина, Татарский театр оперы и балета им. М. Джалиля, Персоналии, Светлана Москаленко, Сергей Скороходов
Автор| Анна Тарлецкая, фото: Максим Платонов
Заголовок| «Травиата» в Казани: легко ли умирать молодой и так ли хорош герой-любовник
Где опубликовано| © Интернет-газета «Реальное время»
Дата публикации| 2021-02-09
Ссылка| https://realnoevremya.ru/articles/202623-traviata-legko-li-umirat-molodoy-i-tak-li-horosh-geroy-lyubovnik
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

«Травиата» в Казани: легко ли умирать молодой и так ли хорош герой-любовник



Оперу Джузеппе Верди «Травиата» часто называют оперным шлягером из-за обилия ярких арий: от прелюдии к первому акту через застольную песню «Поднимем кубки» — к гениальной «Простите вы навеки» в третьем действии. Ни одной проходной мелодии в опере нет. Именно они около трех часов звучали накануне в Татарском академическом театре оперы и балета им. М. Джалиля на XXXIX Шаляпинском фестивале.

«Падшую» приняли не сразу

«Травиата» переводится как «падшая или заблудшая женщина». Возможно, поэтому премьера оперы в марте 1853 года потерпела фиаско — общество еще не привыкло видеть главной героиней куртизанку. Это нам, искренне сострадавшим в свое время «Интердевочке», такое трудно понять, но даже Дюма-отец был против постановки пьесы сына «Дама с камелиями». Однако он разрыдался над ней, признав в своем отпрыске великий талант. Дюма-сын, в свою очередь, также признал гений Верди после постановки оперы, значительно переделанной по сравнению с его сюжетом, сказав, что его роман жил бы от силы полвека, композитор же обессмертил произведение.

К слову, самому Верди не впервой было ставить во главу угла персонажа, отвергнутого обществом. Он уже проделал такую «штуку» в «Трубадуре» и «Риголетто». Сегодня же «Травиата» является наиболее исполняемой оперой, согласно мировой оперной статистике. Лишь на некоторое время она уступала первенство «Волшебной флейте» Моцарта, чтобы вновь занять позицию лидера.

Легко ли умирать на пике счастья

Исполнительница роли Виолетты, солистка Михайловского театра Светлана Москаленко, призналась, что каждый раз с трудом ей удается финальная сцена смерти героини. Нужно суметь показать боль и страдания Виолетты одновременно с тем, что умирает она буквально на пике счастья. Для этого приходится максимально использовать возможности голоса — лирическое, трагическое и колоратурное сопрано.


Рецепт хорошей артистической формы Светланы Москаленко — сон, хорошая еда и спокойствие

— Не могу сказать, что мы похожи характерами. Да и она всякий раз разная — нежная и трепетная, игривая и кокетливая — к этому располагает род ее занятий. Она очень молодая девушка, поэтому есть и озорство. В общем, весь спектр эмоций, стопроцентная женщина, — уверена артистка.

Два года назад певица приезжала в Казань, чтобы также исполнить роль Травиаты и принять участие в гала-концерте. Тогда ей удалось подробнее посмотреть Казань и даже съездить в Раифский монастырь. В этот раз погода не дала возможности неспешно прогуляться: «Быстрее бежишь, чтобы не заглотнуть холодного воздуха». Рецепт ее хорошей артистической формы — сон, хорошая еда и спокойствие.

Ария со шваброй в руках

Светлана Москаленко рассказала, что в последнее время, выйдя из самоизоляции, чаще всего поет именно эту партию, правда, пока только в России. Пандемия нарушила все планы, разорвала и действующие контракты, и только намечавшиеся договоренности.

— Зато мы много времени провели с семьей — во время гастролей это не часто удается. Муж у меня виолончелист и тоже часто бывает в разъездах. Дочка пошла в прошлом году в первый класс, так что время на подготовку к школе тоже было очень своевременно.

Возвращаясь к пандемии, певица вспомнила о видеоролике, который записали на самоизоляции артисты балетной труппы Михайловского театра. По соцсетям разошлись кадры, где премьеры и примы танцуют на своих кухнях за готовкой и уборкой и даже на пустынной улице. «Два-три певца из оперной труппы тоже записали подобный ролик, но он был не таким масштабным. Все потому, что они не рассказали всем поющим нашего театра, камерно сделали. Я бы, например, с удовольствием исполнила какую-нибудь арию, орудуя шваброй», — рассмеялась Светлана Москаленко.

Была бы Виолетта счастлива с Альфредом?

На казанской сцене в 2007 году оперу поставила режиссер Жаннет Астер, француженка австрийского происхождения. Традиционно перед каждым преставлением Шаляпинского фестиваля вступительное слово берет народный артист Татарстана Эдуард Трескин. Он рассказал «Реальному времени», что сам не раз исполнял в этой опере роль отца главного героя Жоржа Жермона в России и за рубежом.

— Мне нравится эта постановка, здесь есть простота и элегантность. Кто-то, конечно, может осуждать поведение Альфреда, который на балу у Флоры в порыве ревности слишком яростно треплет и швыряет Травиату. Но его поведение оправдано — он юн и ревнив. Он же не плохой человек. В целом, мне очень нравится, и я сам участвовал, в постановке Нияза Даутова, великого режиссера, личности, которая рождается раз в сто лет, — поделился артист.

Говоря о том, что стало бы с парой, не выхвати ранняя смерть Травиату, Эдуард Трескин задумывается и отвечает: «Может быть, любовь бы и перевесила, Травиата оставит привычный образ жизни и останется с любимым».

Избалованный ребенок и жажда чистоты

С ним не согласен исполнитель роли Альфреда, солист Мариинского театра Сергей Скороходов. Певец считает своего героя инфантильным, не способным самостоятельно принимать решения. Однако пытается его понять и сделать симпатичным для публики, сочувствие которой всецело на стороне Виолетты и даже отца, Жермона-старшего, который сделал подлость, но раскаялся в ней:

— Это самый непростой герой, потому что объяснить его поступки мне, как мужчине, не всегда удается. Однако композитором написан он «крепко», нужно хорошо «приложиться» голосом». Я очень долго подбирал к нему ключи и не уверен, что мне удалось это сделать до конца. Это избалованный ребенок, который не может повзрослеть. Думаю, что Виолетта предчувствовала, что ее ждет скорый конец и специально захотела чего-то чистого, ничем не испорченного, потому что, возможно, слишком много грязи было в ее жизни.

«Люди боятся говорить правду»

Сергей Скороходов рассказал, что сейчас у него очень много работы в Мариинском театре — накануне он представлял Лоэнгрина в одноименной опере Рихарда Вагнера, самого любимого своего героя, а сразу после казанского спектакля возвращается домой, чтобы следующим вечером исполнить роль Ленского в Евгении Онегине. Несмотря на напряженный график, артист признался, что в Казани уже успел посетить любимые рестораны и магазины, где приобрел платье супруге, спортивный костюм для себя и любимый казылык.

— «Люблю я весело пожить», как говорил поэт Яков Галицкий, — подытожил свои высказывания Сергей Скороходов и добавил, что Лоэнгрин ему наиболее близок своим возвышенным романтизмом бесстрашием говорить правду. — Люди по большому счету боятся это делать, как и совершать хорошие поступки, ухаживать за девушкой. А бояться этого не нужно.

фото: Максим Платонов
=========================================================================
ФОТОГАЛЕРЕЯ - ПО ССЫЛКЕ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Фев 11, 2021 10:25 am), всего редактировалось 2 раз(а)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Фев 10, 2021 5:24 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021021002
Тема| Музыка, Опера, Персоналии, Альбина Шагимуратова
Автор| Полина Виноградова
Заголовок| Альбина Шагимуратова: «Я пела во всех театрах, о которых мечтала»
Где опубликовано| © Belcanto.ru
Дата публикации| 2021-02-10
Ссылка| https://www.belcanto.ru/21021001.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Альбина Шагимуратова — одна из самых ярких оперных звёзд современности. Она исполняет главные партии на лучших сценах мира и признается, что ее любовь к музыке началась с татарских народных песен. В интервью Belcanto.ru знаменитая певица рассуждает о национальной культуре, ответственности за её сохранение и мечтах, которые всегда сбываются.

— Альбина, выступление на Зальцбургском фестивале — вершина, к которой стремится каждый оперный артист. Вы ее покорили практически в начале своего творческого пути. Какую высоту вы наметили себе следующей целью и как быстро ее удалось достичь?

— Тогда, в 2008 году на Зальцбургском фестивале, случился мой международный дебют. Я пела партию Царицы ночи в опере «Волшебная флейта» Моцарта, за дирижерским пультом был маэстро Риккардо Мути. В тот год в июне я закончила двухгодичную молодежную программу в США, в студии Хьюстон Гранд-Опера, а в августе уже пела в Зальцбурге. С того момента мировые оперные театры распахнули передо мной двери, и сбылась моя мечта — выступить на сцене Метрополитен-опера в Нью-Йорке. И потом я пела во всех театрах, о которых мечтала.

— Какая роль далась вам труднее всего, а про какую можете сказать, что будто для вас создана?

— Пожалуй, самой трудной была заглавная роль в опере «Семирамида» Россини. Это пятичасовая опера, где главная героиня на протяжении всего времени не сходит со сцены. Я ее пела в Лондоне и в Мюнхене. Это Эверест для вокалистки. Репетируя каждую партию, я осваиваю новую высоту; в моем репертуаре много технически сложных партий — Лючия в опере «Лючия ди Ламмермур» Доницетти, Амина в опере «Сомнамбула» Беллини и другие роли, которые требуют высокой концентрации. А легко мне далась партия Виолетты в опере «Травиата» Верди. Когда я была студенткой, моей самой большой мечтой было исполнить роль Виолетты Валери, и я сама удивилась, как мне легко далась эта партия. С тех пор я исполнила ее на многих сценах мира.

— А где бы вам хотелось спеть в России, где вы еще не пели?

— Мне кажется, я пела везде, где есть оперные театры. Во Владивостоке, в Сибири… Правда, не довелось еще выступить в Новосибирском театре оперы и балета, про который я слышала много хорошего. Не знаю, есть ли оперный театр на Чукотке, там мне бы хотелось спеть. Но сейчас я не думаю, где я хочу петь, но думаю о том, что я хочу исполнить. Предложений очень много, от чего-то приходится отказываться.

— Какой из спектаклей, в которых вы участвовали, был самым смелым и стал для вас творческим вызовом?

— «Руслан и Людмила» Глинки в Большом театре в постановке Дмитрия Чернякова. Это было сложно во всех смыслах — эмоционально, психологически, физически. Дмитрий Черняков — невероятно талантливый режиссер, который тесно взаимодействует с артистами. Репетиции были очень эмоциональными, он очень точно выстраивал для каждого психологическую линию: на первый план выходили наши чувства, личные переживания, вокал отходил на десятый-двадцатый ряд. Ты уже не просто оперная певица, которой нужно блестяще спеть свою партию, но драматическая актриса. Не Альбина, а Людмила. Я не только пела, я жила на сцене.

— Вы ведущая солистка Мариинского театра, но также поете в Татарском государственном театре оперы и балета. Что значит для вас этот театр?

— Да, я уже довольно давно солистка Мариинского театра; для меня была большая честь, когда Валерий Гергиев предложил мне стать частью прославленной труппы. Но Казань — это город, куда я переехала из Ташкента, где училась, там живут мои родители. Все мои предки из Татарстана, мои бабушки и прабабушки жили здесь еще до войны. И для меня как для татарки большая радость быть солисткой Татарского театра оперы и балета, который входит в пятерку лучших оперных театров России. Меня пригласили сюда после победы на Международном конкурсе им. Чайковского в 2007 году. Тогда всё случилось почти одновременно: Зальцбургский фестиваль, международная карьера... Но каждый раз, выходя на эту сцену, я чувствую крепкую связь с городом, его культурой, с людьми.

— Вы чувствуете себя послом своей культуры в мире, ответственной за ее сохранение и развитие? Что зрители на Западе знают о вашей малой родине?

— Практически все знают, что великий Фёдор Шаляпин родился в Казани. Этот город — кузница оперных талантов, что подтверждает и Шаляпинский оперный фестиваль, который проходит там каждый год.

Конечно, поскольку я много выступаю на западе, это моя миссия и ответственность — сохранять и олицетворять культуру и язык своего народа. Например, в Париже и в Сан-Франциско живёт много татар, и они скучают по родине. Когда я приезжала на гастроли в Сан-Франциско и пела татарские народные песни, это была такая радость для зрителей. Я видела слезы в их глазах. Это самое родное, часть души, без этого невозможно прожить. Я люблю татарские песни, пела их в детстве с отцом, а уже потом, когда услышала оперу, сразу влюбилась в оперное искусство. Но началось всё с татарских песен, которые я обязательно пою на своих концертах. Мне важно исполнять музыку на своем родном языке, поскольку язык — наша идентичность. В Национальном Совете (Милли Шура) Всемирного конгресса татар, в котором я состою, мы занимаемся сохранением своей культуры и традиций; и я повторюсь, раз мне выпала судьба выступать по всему миру, то достойно представлять свою национальную культуру — моя основная задача.

— В период карантина вы принимали участие в онлайн-встречах со зрителями, которые проводил Мариинский театр. Как вы относитесь к такой свободной форме общения артиста с поклонниками, как разговор из дома — искренний, непосредственный? Нужна ли граница между личным и публичным?

— Да, мы проводили встречи онлайн, но запись делали в студии, так что я была не в домашней обстановке. Мне очень нравится общаться со зрителями, но граница должна быть, и устанавливает ее сам артист. Нужно быть открытой, общительной, но в тоже время оставаться загадочной.

— Каким бы трудным ни был 2020 год, он всех заставил понять что-то важное о самих себе, о людях, о жизни. Что лично вам помог осознать этот общемировой кризис?

— В этот трудный для всех год я поняла, как важно ценить каждую минуту, проведенную с семьей. Радоваться простым вещам. Карантин нас всех сблизил — меня со своими родителями и с родителями супруга; я постоянно была с дочерью. Этот период заставил задуматься о многих философских вопросах. Жизнь быстротечна, и всё, что возможно, необходимо сделать сейчас, не откладывая на завтра. Когда я немного приостановила профессиональную деятельность и погрузилась в семью, я и себя открыла с другой стороны, как мать и жену. Научилась готовить новые и неожиданные блюда, например, суши. Нас всех карантин заставил остановиться и задуматься о том, что для нас главное в жизни — наши близкие. Мы почувствовали ценность друг друга.

Но и на свою профессию мне удалось взглянуть по-новому. У меня была возможность слушать разные исполнения опер, которые я пою, и сопоставлять разные трактовки. Раньше я не могла так вдумчиво изучать каждую партию, разучивала роли чуть ли не на бегу, в перелетах, в паузах между гастролями. Поэтому я благодарна этим месяцам без заграничных поездок за то, что мне удалось глубже понять себя и искусство, которому я посвятила свою жизнь.

— Какой спектакль вы сыграли первым после снятия карантинных ограничений?

— Это была «Лючия ди Ламмермур» Доницетти в Мариинском театре.

— Вы гастролируете по всему миру. При таком графике удается хотя бы иногда проводить отпуск с семьей?

— У меня не получается отдыхать каждый год: наши с мужем рабочие графики редко совпадают. Но как раз незадолго до пандемии мы купили дом в Подмосковье, и я сейчас вплотную занимаюсь ремонтом. Мне нравится проводить вечера с семьей, до пандемии мне это почти не удавалось, а теперь я поняла, как же это прекрасно – собираться вместе за ужином. Где бы я ни была, все праздники стараюсь быть с семьей. Радуюсь, когда получается приехать в Казань.

Мне хочется, чтобы скорее забурлила активная творческая жизнь и все театры мира открылись. Я почему-то уверена, что вся жизнь изменится к лучшему, и артисты будут существовать как-то по-другому. По крайней мере, я сделала для себя важные выводы и расставила приоритеты.

Беседу вела Полина Виноградова

Авторы фото — Павел Ваан, Леонид Семенюк, Валентин Барановский, Наташа Разина (© Мариинский театр)
=======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Фев 10, 2021 9:03 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021021003
Тема| Музыка, Опера, Премьера, Персоналии, Дмитрий Бертман
Автор| Екатерина Кретова
Заголовок| Дмитрий Бертман предложил радикальное прочтение «Тоски»
В «Геликон-опере» состоялась премьера оперы Пуччини

Где опубликовано| © "МОСКОВСКИЙ КОМСОМОЛЕЦ" №28477
Дата публикации| 2021-02-11
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2021/02/10/dmitriy-bertman-predlozhil-radikalnoe-prochtenie-toski.html
Аннотация| Премьера

Опера Пуччини «Тоска» появилась в репертуаре театра «Геликон». Ее поставил худрук театра Дмитрий Бертман, дирижер — Валерий Кирьянов, художники — Татьяна Тулубьева и Игорь Нежный, художник по свету — Дамир Исмагилов. Постановка впечатлила своим высоким музыкальным уровнем, а также в очередной раз подтвердила, что «Геликон» — режиссерский театр, а сам Бертман — настоящий хедлайнер авторской оперной режиссуры.


ФОТО: АГН «МОСКВА»

Много лет назад на вопрос, почему в «Геликоне» не идут оперы Пуччини, Дмитрий Бертман ответил, что, по его мнению, великий итальянский композитор слишком жесток по отношению к своим героям. И музыка его — уж очень трагична. Не согласиться с этим невозможно: накал страстей в партитурах Пуччини невероятно силен. На финалах его опер, которые можно охарактеризовать крылатой фразой «в общем, все умерли», рыдают даже мужчины. Но вот в «Геликоне» появилась «Турандот» — пожалуй, самая мрачная опера синьора Джакомо, а теперь и «Тоска», партитура настолько душераздирающая, что ее фанатам без валидола лучше и в театр не приходить.

Секрет такого нерва не только в музыке, но и в сюжетах, в текстах либретто, в написание которых Пуччини всегда внедрялся самым глубоким образом. Вместе с либреттистами Луиджи Илликой и Джузеппе Джакозой композитор не просто прорабатывал все детали сюжета «Тоски», но обращал внимание на употребление того или иного слова в тексте. Важнейшим моментом фирстиля Пуччини был его реализм. Именно это обстоятельство роднит его с веристами, именно оно подчас вредило композитору: зрителей шокировал натурализм, который тогда, в начале ХХ века, был публике в новинку.

Сейчас публику ничем не удивишь. Разве что прекрасным исполнением музыки, написанной более 100 лет назад. Хорошим пением. Замечательным звучанием оркестра. Все это было предъявлено «Геликоном» в полной мере. Маэстро Валерий Кирьянов с первой ноты взял тот самый градус, который необходим для этой великой музыки. Музыки, в которой романтическая традиция уже переходит в экспрессионизм, где диссонанс преодолевается гармонией немыслимой красоты, где нет даже намека на банальность или вторичность. Оркестр играл на одном дыхании. Это очень важно в исполнениях партитуры Пуччини — не останавливаться, не тормозить, не терять драматизма. И только финальный аккорд вдруг прекращает это трехчасовое движение — внезапно и трагично, как сама смерть. А она, как мы уже знаем, непременно подстерегает хотя бы одного героя оперы «жестокого» композитора. Солисты — Алиса Гицба (Тоска), Игорь Морозов (Каварадосси) и Михаил Никаноров (Скарпиа) составили великолепное трио настоящих пуччиниевских певцов. Артисты восхитили красотой тембров, великолепной вокальной техникой, да и просто большими голосами, перекрывающими оркестр не криком, не форсированием, а объемом и мощью звука.

И все же на афишах театра неслучайно первым стоит имя режиссера-постановщика, а не дирижера. Дмитрий Бертман предложил в этом спектакле весьма радикальное решение, как всегда доказательное, но на этот раз довольно далекое от истории, написанной авторами.

Тех, кто ожидал, что Бертмана заинтересует политическая окраска «Тоски», в постановке которой в наше время легко можно было бы спекульнуть на теме «прогрессивная интеллигенция и тирания», постигло разочарование: нет и нет. Бертман сделал спектакль о классическом любовном треугольнике. Скарпиа любит Тоску. Тоска любит Каварадосси. Каварадосси любит себя. Все сюжетные коллизии, мотивации, развитие сюжета подчинены этому раскладу и неизбежно приводят к сюжетному кульбиту, который поджидает нас в конце второго акта. Артистичная, постоянно играющая какую-то пафосную роль певица закалывает, как и положено, обожающего ее Скарпиа, который, похоже, когда-то был ее мужем (об этом свидетельствуют их совместные портреты в его кабинете, а также ее свадебное платье, из которого он сделал своего рода культовый экспонат) и… сходит с ума. Да так резко и бесповоротно, что все остальные события оперы проходят в ее помутившемся рассудке. Ну, и на сцене, конечно. Появляются призраки казненных художников в мешках на головах, Каварадосси свою знаменитую арию E lucevan le stelle поет за манекеном с платьем Тоски, что напоминает тантамареску, ну, а в сцене расстрела помешавшаяся примадонна палит из пистолета куда-то в сторону. И это понятно: если расстрел — это ее собственный бред, то надо его довести до конца. Когда прибегают стражники, чтобы арестовать разбушевавшуюся артистку, Тоска вместе со Скарпиа опускается в бездну, благо «геликоновская» технология это позволяет сделать в лучшем виде.

Такой финал сегодня вполне в тренде. У Дмитрия Чернякова, к примеру, давно уже все оперные герои имеют тот или иной психиатрический диагноз. Помнится, в «Клеопатре» Георгия Исаакяна финальную сцену играли в сумасшедшем доме. Решение на самом деле перспективное: ведь практически финал любой оперы можно трактовать как безумие какого-либо героя. Например, как прикольно смотрелась бы заключительная картина «Евгения Онегина», если поставить ее, как предсмертную галлюцинацию Ленского?
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Фев 11, 2021 10:32 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021021101
Тема| Музыка, Опера, Международный оперный фестиваль им. Ф.И. Шаляпина, Татарский театр оперы и балета им. М. Джалиля, Персоналии, Николай Ерохин, Владислав Куприянов,
Автор| Лиля Шайхутдинова
Заголовок| Николай Ерохин: В театр Джалиля едут со всей России, чтобы услышать «Пиковую даму»
Где опубликовано| © СОБЫТИЯ - Татинформ
Дата публикации| 2021-02-10
Ссылка| https://sntat.ru/news/culture/10-02-2021/nikolay-erohin-v-teatr-dzhalilya-edut-so-vsey-rossii-chtoby-uslyshat-pikovuyu-damu-5805358
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

На сцене театра оперы и балета имени Джалиля сплелись азарт и любовь, явь и сон, голоса оперных певцов ведущих российских и белорусского театров. XXXIX Шаляпинский фестиваль был продолжен одной из самых психологических опер Петра Чайковского «Пиковая дама».


фото предоставлено пресс-службой театра

Еще ни один Шаляпинский фестиваль не обошелся без показа спектакля «Пиковая дама» с момента постановки ее последней редакции режиссером Юрием Александровым. «Отпраздновать» своеобразный пятилетний юбилей показов в рамках Международного оперного фестиваля имени Федора Шаляпина собрались артисты «Новой оперы» и «Санктъ-Петербургъ Оперы», Большого и Мариинского театров, Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко и Национального Большого театра Республики Беларусь, а также солисты Театра оперы и балета имени Мусы Джалиля.

Казанская версия «Пиковой дамы», по словам самого режиссера Юрия Александрова, порождена самим Петербургом — городом контрастов: белых ночей и дождей, величественной архитектуры и серых «панелек», великолепной поэзии и бесконечной депрессии. Как в городе уживаются эти противоречия, так и здесь, в опере, нет четких границ между сном и явью, наваждением и здравым смыслом.

«Это типичный спектакль академического театра со всеми плюсами, а если это помножить на градус фестиваля имени Шаляпина, то это добавляет какой-то эмоции в этот спектакль. Другое дело, я не могу согласиться с некоторыми режиссерскими концепциями, которые и не по Пушкину, и не по Чайковскому. Ну, например, взаимоотношения Лизы — Германа и Германа — Графини. Это концепция самого режиссера. Вопрос: а зачем? Этого нет у наших классиков, не заложено», — поделился своим мнением заслуженный работник культуры РФ, музыкальный эксперт, журналист радиостанции классической музыки «Орфей» Николай Рыбинский.



Несмотря на непринятие некоторых режиссерских концепций, Рыбинский дал высокую оценку исполнителям и творческому коллективу татарского музыкального театра.

«Великолепен был хор, несмотря на то что режиссерские задачи перед ним поставлены архисложные: он не только поет, но и танцует. Теперь я бы хотел увидеть поющий балет», — посмеялся Рыбинский.

Он также заметил, что, несмотря на прошедшие пять лет, декорации и видеоинсталляции не устарели и создают неповторимую атмосферу замечательного города на Неве.

Неудивительным стало приглашение на заглавные партии заслуженной артистки Удмуртии Александры Саульской-Шулятьевой (Графиня) и лауреата премии города Москвы Николая Ерохина (Герман), а также заслуженного артиста Республики Карелия Владимира Целебровского (князь Елецкий), которые буквально стояли у истоков режиссерской работы Александрова. Именно они исполняли эти партии пять лет назад на тогда еще премьерной «Пиковой даме».

«В ваш театр едут со всей России и не только, чтобы услышать классическую версию оперы. Ведь вся Европа уже давно немного сошла с ума на современных постановках. В хорошем смысле этого слова, но все-таки сошла с ума. А здесь всегда точно знаешь, что тебе не будут показывать голые части тела», — рассказал Николая Ерохин.

Владислав Куприянов, исполнитель партии Томского, также заметил, что в XXI веке важно сохранять классическое наследие, хотя бы в приближенном к первоисточнику варианте.

«“Пиковая дама” в казанском театре довольна консервативна. Но мне она именно этим и импонирует. В ней можно раскрыть эпоху того времени, когда все герои были в первую очередь благородны. А когда пытаются осовременить, то теряется обстановка того времени: Петербурга эпохи Екатерины II. Когда пытаются изменить время — на мой взгляд, постановка теряет свою уникальность. Все-таки Петр Ильич и Александр Сергеевич писали совсем про другое время», — рассказал о своем отношении Куприянов.

Остается надеяться, что сложившаяся многолетняя дружба с солистами ведущих российских театров продолжится и казанская публика сможет вновь и вновь наслаждаться бесподобным тенором Николая Ярохина, прекрасным меццо-сопрано Александры Саульской-Шулятьевой, ангельским сопрано Марии Лобановой и других артистов.

фото предоставлено пресс-службой театра
==========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7  След.
Страница 2 из 7

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика