Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2020-12
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Дек 09, 2020 12:01 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020120901
Тема| Балет, , Персоналии, Ирина Сергеева, Олег Габышев, Иван Зайцев
Автор| Анастасия Смирнова
Заголовок| В Доме офицеров прошел вечер «Одноактных балетов»
Где опубликовано| © «Санкт-Петербургские ведомости» № 224 (6822)
Дата публикации| 2020-12-08
Ссылка| https://spbvedomosti.ru/news/culture/v-dome-ofitserov-proshel-vecher-odnoaktnykh-baletov/
Аннотация|

Работы молодых петербургских балетмейстеров нечасто можно увидеть на площадках города. Тем интереснее было посетить вечер в Доме офицеров, названный просто – «Одноактные балеты». Программа состояла из трех постановок – «Инициация» Ирины Сергеевой, лауреата премии «Арабеск», финалистки конкурса хореографов фестиваля Context Дианы Вишневой, и работ двух танцовщиков с именем – премьера Михайловского театра Ивана Зайцева («Дафнис и Хлоя») и ведущего солиста Театра балета Бориса Эйфмана Олега Габышева («Метель»).

Три хореографа представили совершенно разный взгляд на пластическое искусство. Ирина Сергеева поставила современный «танец-обряд» с авангардным музыкальным оформлением (спектакль сопровождал коллектив «МолОт-ансамбль», находившийся на сцене). Автор загадала зрителю пластический ребус, подав его в сумрачно-пессимистичном ключе (в русле сегодняшних настроений). В «Метели» Олег Габышев по-своему увидел мятущуюся русскую душу и «отанцевал» ее порывы. Раскрывая психологические перипетии повести Пушкина, он продемонстрировал собственный хореографический стиль, сочетающий музыкальность, оригинальную пластику и умение передать состояние персонажа через движение. Иван Зайцев «увидел» историю пастушка и его подруги в духе чистого танца – классического и гротескового, представив буколическое прочтение истории Дафниса и Хлои и музыки Равеля.

Хочется особо отметить дарование Олега Габышева, который сумел вырасти в самостоятельного художника под крылом такого авторитарного творца, как Борис Эйфман.

Вечер получился насыщенным. Здесь были и авангард, и авторская хореография в стиле мэтров ХХ века, и по-современному поданная балетная классика. Танцовщики помогли балетмейстерам воплотить свои замыслы. Это были девушки из танцевальной компании «Сейчас начнется...» у Ирины Сергеевой, солистка Театра балета Бориса Эйфмана Любовь Андреева, солисты и артисты Михайловского театра.

На фоне декабрьского уныния балетный вечер в Доме офицеров стал глотком свежего чисто петербургского воздуха. В декабре нас ожидают (хочется надеяться, в режиме офлайн) два балетных фестиваля. Однако уже сегодня Олег Габышев, Ирина Сергеева и Иван Зайцев, который выступил, кроме прочего, художественным руководителем вечера, со своими спектаклями составили достойную конкуренцию известным проектам.


Материал опубликован в газете «Санкт-Петербургские ведомости» № 224 (6822) от 08.12.2020 под заголовком «О чем и как танцуют молодые».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Дек 09, 2020 7:55 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020120902
Тема| Балет, МТ, Гастроли, Персоналии, Алексей Ратманский, Владимир Варнава
Автор| Павел Ященков
Заголовок| В Москве прошли гастроли балета Мариинского театра
Вечная весна против пандемии

Где опубликовано| © Московский Комсомолец
Дата публикации| 2020-12-09
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2020/12/09/v-moskve-proshli-gastroli-baleta-mariinskogo-teatra.html
Аннотация| Гастроли

Гастроли такого театра, как Мариинский, всегда относятся к событиям особо важным в культурной жизни столицы. Тем более что прославленная на весь мир балетная труппа этого театра с полноценными спектаклями не посещала Москву уже много лет. Поэтому двухдневная балетная программа, показанная в самый разгар пандемии в рамках II Московского фестиваля «Зарядье», да еще и под предводительством маэстро Валерия Гергиева, несмотря на 25-процентные ограничения, с недавних пор введенные в столице, стала настоящей отдушиной для московских меломанов и балетоманов.


СЦЕНА ИЗ БАЛЕТА АЛЕКСЕЯ РАТМАНСКОГО «СЕМЬ СОНАТ». ФОТО АЛЕКСАНДРА ШАПУНОВА. ПРЕДОСТАВЛЕНО ПРЕСС-СЛУЖБОЙ МАРИИНСКОГО ТЕАТРА.

Тем более что привезли в Москву такие спектакли, которые в исполнении Мариинского театра никогда ранее здесь не показывались. Да и вообще культурный десант из Питера, по всей видимости, имел своей тайной целью разрушить устойчивые в Москве представления, что некогда процветающая и известная во всем мире балетная компания сейчас захирела, погрязла в классической рутине, ставит на своей сцене балеты малосовременные и никак не актуальные.

Сцена концертного зала «Зарядье» подходила для таких целей как нельзя лучше. Больше года назад балетная труппа Мариинского театра уже показывала здесь балет «Времена года» одного из самых интересных своих хореографов Ильи Живого и концертную программу, тоже составленную из современных номеров, сделанных для Творческой мастерской молодых хореографов Мариинского театра.

На этот раз для двухдневной программы были выбраны такие востребованные в балетном мире имена, как Алексей Ратманский и Владимир Варнава. Творчество бывшего худрука Большого театра, а ныне хореографа — резидента Американского балетного театра (ABT) было востребовано Мариинским театром одним из первых. Ратманский сотрудничает с этой труппой с конца 90-х годов и поставил здесь в общей сложности уже девять сюжетных («Поцелуй феи», «Золушка», «Конек-Горбунок», «Анна Каренина») и бессюжетных («Средний дуэт», «Поэма экстаза», «Семь сонат», «Лунный Пьеро», Concerto DSCH) балетов.

Последняя премьера, балет «Семь сонат», готовилась еще весной, но из-за пандемии ее перенесли и показали только в конце сентября. И вот не прошло и двух месяцев — как «Семь сонат» в Москве. Это первое сочинение хореографа для Американского балетного театра (ныне основного его места работы). Поставлено оно на музыку Доменико Скарлатти и показано в Нью-Йорке 11 лет назад. В этом же году балет показали в Москве во время последних гастролей ABT. Причем исполняли его тогда такие звезды Американского балетного театра, как Дэвид Холберг, один из самых выдающихся танцовщиков своего поколения (ныне он руководит труппой Австралийского балета), виртуозный аргентинец Герман Корнехо или сексапильная американка Джули Кент.

Перенесенный на сцену Мариинки балет еще раз выявил такую важную черту хореографа Ратманского, как верность классическим принципам. Причем в исполнении артистов Мариинского балет не только не утратил своего шарма, но и дополнительно подчеркнул присутствующую в сочинении Ратманского ориентацию на классику и неоклассику в лице, например, Джорджа Баланчина. Добротно сделанный в духе классических традиций и разбавленный модерновой лексикой балет музыкален и включает в себя три дуэта, вариации, а также затейливо разработанные заключительные ансамбли.

Хореография, созданная Ратманским для шести танцовщиков, не совсем бессюжетна, подчеркивает индивидуальность каждого из этих артистов, попутно обрисовывает кое-какие характеры и даже походит на наброски к портретам этих артистов. Особенно хорошо партии легли на таких опытных солистов, как Алексей Тимофеев и Екатерина Кондаурова, а также на набирающих за последнее время обороты молодых Романа Белякова и Марию Хореву, показывая утонченную элегантность этих артистов.

Кажется, на Марию Хореву на нынешних гастролях была сделана особая ставка. Новая восходящая звезда Мариинского театра оказалась главной героиней и еще одного балета Ратманского, показанного на сцене концертного зала «Зарядье» в заключение первого вечера, — Concerto DSCH. Балет поставлен на музыку сочиненного в 1957 году Шостаковичем «Второго концерта для фортепиано с оркестром». В название хореограф вынес музыкальный автограф композитора (четыре ноты, записанные в немецкой нотации, составляют инициалы Шостаковича — D.Sch.). Созданный двенадцать лет назад для другой американской труппы — New York City Balle, в Мариинский он был перенесен в 2013-м, но в Москве показывается впервые.

На гастролях балетом дирижировал лично маэстро Гергиев, и это показывает, какая роль отводится этому сочинению Ратманского-Шостаковича в нынешней афише театра. Привычные к стилистике Ратманского артисты Мариинки отлично почувствовали явленную в этом балете ироничность воспитанного во времена перестройки хореографа и ярко воспроизвели оптимизм, задор и веру в скорое коммунистическое будущее, характерное для советской молодежи эпохи оттепели.

Все эти спортивно-балетные комбинации, так похожие на физкультурные парады, созданные для Красной площади хореографом Игорем Моисеевым, построения и перестроения шеренг, скульптурные группы в духе «Рабочего и колхозницы», добросовестно и иронично воспроизведенные в балете хореографом, стилистически точно показывали 7 пар танцовщиков, призванных изображать советскую массовку. А расположенный в центральной части балета красивейший лирический дуэт, который отлично танцевали чем-то напоминающий молодого Дэвида Холберга рослый красавец Всеволод Маевский и по-детски хрупкая и по-советски наивная и чистая в своем образе Мария Хорева, как бы останавливал мчавшееся для трудовых подвигов сумасшедшее «время вперед». Его и воспроизводит в своем балете находящийся «в поисках утраченного времени» хореограф Алексей Ратманский.

Все намного сложнее оказалось с балетом, помещенным во второе отделение трехчастного «Вечера балетов Алексея Ратманского». Черно-белый по цвету костюмов и грима (густо набеленные лица) «Лунный пьеро» призван показать другую грань хореографа. Несмотря на своих героев, всех этих Пьеро и Коломбин, перед нами балет, который далек от спектакля в стиле комедии дель арте. Вообще стильность — то определение, которое сразу приходит на ум при просмотре этого сложного для восприятия сочинения. Созданный на додекафоническую музыку основоположника новой венской школы австрийского и американского композитора Арнольда Шенберга балет имеет важную составляющую в виде стихов писавшего по-французски бельгийского поэта-символиста Альбера Жиро, которые прекрасно спела участвующая в гастролях меццо-сопрано Юлия Маточкина. В тексте, который неплохо бы высвечивать над сценой для большего понимания этого нарочито затемненного и в музыкальном и в поэтическом отношении сочинения, читаются настроения внутренней неуверенности в завтрашнем дне, тоска по прошлому, которого не вернешь: «Пьеро отправляется на прогулку и попадает под чары луны и, завороженный, размышляет о любви и религии; Пьеро мучают мысли о смерти; Пьеро возвращается домой, задумываясь о прошлом и луне»…

Балет был создан Алексеем Ратманским в 2008 году специально для Дианы Вишневой в рамках ее программы «Красота в движении» и не так давно перенесен на сцену Мариинского театра. Он ни в чем не похож на знаменитый балет Глена Тетли, также поставленный на эту музыку, соединивший воедино, казалось бы, несоединимое — академический танец и американский модерн, так успешно воплощенный на сцене Рудольфом Нуреевым. В «Лунном Пьеро» Ратманского можно наслаждаться игрой знаменитого премьера Мариинского Кимина Кима. Сплав артистичности и техники этого великолепного танцовщика, присущая ему выразительность каждого движения, которые соотносятся со смыслами сочинения Шонберга-Ратманского, не могут не притягивать к себе внимания зрителя.

Балет модного ныне хореографа Владимира Варнавы «Дафнис и Хлоя», показанный во второй день гастролей, оказался далек как от романа греческого писателя II века нашей эры Лонга, так и одноименного балета Михаила Фокина, показанного некогда в Париже дягилевской труппой, где партии Дафниса и Хлои исполняли легендарные Вацлав Нижинский и Тамара Карсавина. Варнава создал самостоятельное прочтение этого произведения, не внеся в балет практически никакой драматургии. Он больше напоминает стихотворение на тему древнегреческого писателя и хорошо соответствует прекрасной музыке Равеля, которую блистательно интерпретировал Валерий Гергиев и знаменитый оркестр Мариинского театра.

Хореограф подал эротический сюжет древнегреческого писателя через призму собственных ощущений. В его произведении задействованы 5 современных Дафнисов и столько же Хлой, иногда видны парафразы из сочинения Нижинского «Послеполуденный отдых фавна». Как некогда и Нижинский в опередившем свое время балете, Владимир Варнава тоже возвращает своих героев из современного мира к первозданной природе, где просыпаются раскрепощенные, первоначальные инстинкты молодого и неопытного человеческого существа… И любовь, как в скульптуре Огюста Родена «Вечная весна», которая мерещилась в движениях танцовщиков во время просмотра этого балета, дана как вершина человеческих чувств.

Но Мариинский театр славен не только современными постановками, но в первую очередь классикой, сочетающей в своем репертуаре как западные, так и отечественные постановки: и многих из молодых артистов, которых мы увидели в Москве, можно будет увидеть в ближайшие дни в Санкт-Петербурге в балете Фредерика Аштона «Сильвия», а также в балете «Дон Кихот». Я лично спешу!

=====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Янв 04, 2021 10:00 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Дек 09, 2020 9:19 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020120903
Тема| Балет, театр “Астана Опера”, Премьера, Персоналии, Патрик де Бана, Алтынай Асылмуратова
Автор| Ольга Шишанова
Заголовок| Вечный зов
Где опубликовано| © Газета "Новое поколение"
Дата публикации| 2020-12-08
Ссылка| https://www.np.kz/news.php?id=500
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Большим событием для культурной жизни Казахстана в уходящем году станет демонстрация в предстоящие выходные в столичном театре “Астана Опера” нового национального балета “Зов степи” на музыку Кажгалиева в постановке знаменитого хореографа Патрика де Бана



По мнению специалистов, этот спектакль будет понятен и востребован не только в Казахстане, но и далеко за рубежом. И тому есть ряд причин. Степь сама по себе поэтична, она всегда вдохновляла многих людей искусства на создание различных произведений. Вот и в новом балете вместе со своими обычаями и традициями она стала центром внимания для художественно-постановочного состава театра “Астана Опера”.

Это дирижер-постановщик Абзал Мухитдин и хореограф Патрик де Бана, автор либретто, поэт Бахыт Каирбеков и художественный руководитель балетной труппы Алтынай Асылмуратова.

Что касается сюжета балета, то он основан на легенде об истории семьи, которая мечтает о рождении ребенка и молит высшие силы о его появлении на свет. Спустя время, придя в этот мир, он - будущий зодчий, становится главным героем произведения, вокруг которого разворачиваются все дальнейшие события. Борьба с завистниками, встреча с любимой, строительство города и многое другое ожидают его на жизненном пути.
Однако притча об окрыляющей мечте отважного зодчего будет рассказана языком современной хореографии.

- Первая часть этого балета будет традиционной, с элементами народного танца, а вторая - стилизованной, изящной - покажет жизнь города. Национальные движения меня вдохновляют, я изучаю их, беру в свой мир, потом немного изменяю и адаптирую под свой язык. В создании хореографии музыка всегда стоит для меня на первом месте. В этом спектакле мы использовали музыку Кажгалиева. Она очень удобна, потому что изначально была написана для балета. Пять частей из этого произведения, которые я использую, очень сильно напоминают мне сочинения Рахманинова, Стравинского, - поделился хореограф-постановщик Патрик де Бана.

По мнению балетмейстера, современные молодые люди начинают терять красивый способ мышления, какой был у старшего поколения. Его цель заключается в том, чтобы привлечь публику в искусство и дать ей возможность принимать в нем участие, стать частью его работы. Для него очень важно, чтобы зрители после открытия занавеса не просто посмотрели спектакль, поаплодировали и ушли, а важно, чтобы они почувствовали, задумались, чтобы нашли свой собственный жизненный сюжет.

- Человечеству нужны эволюция, современность, развитие, но в то же самое время этот балет показывает - если кто-то забывает свое прошлое, традиции старших поколений, он теряет корни. И когда повеет ветер, он улетит, - считает Патрик де Бана. Который, где бы ни трудился, требования к артистам оставляет одни - дисциплина, умение мыслить, проведение личного исследования, изучение материала. Более того, солисты, по мнению хореографа, всегда должны работать с душой.

А вот что рассказала Алтынай Асылмуратова:

- Национальный балет имеет огромное значение для нашего репертуара. Образно говоря, это лицо театра. Действительно, долгожданная для нас премьера, так как было трудно найти хореографов-постановщиков, чтобы создать необычный балет на национальную тему. Хочется, чтобы это было интересно, и чтобы спектакль стал по-настоящему знаковым. Балет современный, он оригинален и по оформлению, и по хореографии, где оба акта не похожи друг на друга. Первую часть исполнят под гармонично подобранную музыку, которая дает определенный настрой, ощущение философской наполненности. Она затягивает, вводит в мистическое состояние. Естественно, что во второй части в современном балете не будет традиционных национальных движений. Зато окажется много аллегорий, но, несмотря на это, все достаточно понятно. Мы волнуемся, и я больше всех, потому что мне хочется, чтобы все было на достойном уровне. Перед нами стояла задача - показать эту историю так, чтобы она могла быть понятна не только здесь, в Казахстане, но и во всем мире. Для этого мы и пригласили западного хореографа, который дает западную подачу, но при этом постановочная команда целиком сохраняет национальный дух.

Ну а показать в балете степь и новый город предстоит команде художников-постановщиков. В театре “Астана Опера” процессом создания сценографии и костюмов, бутафории, света, видео руководит заместитель директора по художественно-производственным вопросам и эксплуатации здания Виктор Караре:

- Это абсолютно новый подход в работе над спектаклем по многим критериям, потому что он рождается у нас на сцене. К созданию балета театр приступил год назад. Определенный объем коллектив выполнил в период карантина, даже когда многие отрасли останавливались, мы продолжали дистанционно делать то, что было в наших силах. Зрители увидят интересный двухактный спектакль, включающий девять картин, и прекрасный финал. В этой постановке мы не используем привычные для публики видеопроекции, так как по задумке хореографа-постановщика все акценты должны быть сделаны на хореографии, и только в поддержку ей визуально работают спецэффекты, сценические технологии, костюмы и декорации. Но вместе с тем все они уникальны, потому что в нашем театре не повторяется ни один спектакль.

К слову, убранство сцены будет выполнено в минималистическом стиле, так как согласно концепции спектакля оно должно отражать красоту и элегантность мира современного балета.

Нур-Султан
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Дек 11, 2020 1:04 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020121101
Тема| Балет, Национальная опера Украины, Юбилей, Персоналии, Раиса ХИЛЬКО
Автор| Лариса Тарасенко
Заголовок| Лучшая Жизель
Юбилей отметила Раиса ХИЛЬКО — известная балерина, а ныне педагог-репетитор Национальной оперы Украины

Где опубликовано| © Газета "День" №235-236, (2020)
Дата публикации| 2020-12-11
Ссылка| https://day.kyiv.ua/ru/article/kultura/luchshaya-zhizel
Аннотация| Юбилей, ИНТЕРВЬЮ


ФОТО ПРЕДОСТАВЛЕНО НАЦИОНАЛЬНОЙ ОПЕРОЙ УКРАИНЫ

Раиса Алексеевна посвятила театру, сцене, искусству балета более 50 лет жизни! Она была прима-балериной и танцовщицей лирико-романтического плана.

С успехом гастролировала в Японии, Германии, Португалии, Венгрии, Италии, Испании, Болгарии, Египте, Аргентине, Бразилии, Перу, Никарагуа и других странах.

Ее звездными партиями стали: Мавка («Лесная песня» М. Скорульского), Ольга («Княгиня Ольга» Е. Станковича), Девушка («Девушка и Смерть» Г. Жуковского), Одетта-Одилия, Аврора, Клара («Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик» П. Чайковского), Жизель (одноименный балет А. Адана), Никия («Баядерка» Л. Минкуса), Раймонда, Сильфида (одноименный балеты А. Глазунова, Х. Левенсхольда), Эгина («Спартак» А. Хачатуряна), Мария («Бахчисарайский фонтан» Б. Асафьева), Мехменэ-бану, Ширин («Легенда о любви» А. Меликова) и др.

Раиса Хилько олицетворяет своим искусством целую эпоху киевского балета — как танцовщица, а как педагог — строгий хранитель традиций, воспитатель следующего поколения балерин, которые сегодня дарят высокое искусство современному зрителю.

«НА АКАДЕМИЧЕСКОЙ СЦЕНЕ ВСЕ ДОЛЖНО БЫТЬ ХОРОШО»

— Раиса Алексеевна, а как вы начинали свою жизнь в искусстве?


— Родилась в Днепропетровске. Моя семья никак не была связана с балетом или театром вообще. В детстве занималась в танцевальном кружке, и воспитательница, видя мое предпочтение танцу и способности, посоветовала маме отвезти меня в хореографическое училище. Мне было девять лет, когда я в него поступила, и с тех пор навсегда соединила свою жизнь с Киевом, по завершении обучения — с прекрасным театром, Национальной оперой, которому была верна всю свою жизнь.

— И никогда не возникало желания поменять сцену?

— Нет! Дело в том, что наше поколение балерин было востребовано, нас любила и ждала публика. Поэтому на гастролях, которых было тогда очень много, часто ловила себя на желании поскорее вернуться, потому что дома — твой зритель, твои спектакли. Было довольно строгое разделение, солистов было не так много, как сейчас. Почему начали потом разъезжаться? Потому что стали менее востребованными, искали лучшей художественной судьбы.

— Но предложения перейти на другую сцену были?

— После конкурса в Варне в 1978 году, где я получила золотую медаль, меня приглашали в Большой театр в Москву. Но я думала просто: здесь я танцую, а там буду ждать, когда выйду на сцену.

— Сильно отличается современная балетная школа от той, которую получили вы?

— Да, и я бы сказала, радикально. Мне сложно понять, почему так происходит, потому что преподают люди, которые сами танцевали, опытные, владеющие методиками, которые могут обратиться к какой-либо специальной литературе, видеоматериалам. Может, исчезла какая-то человечная составляющая? Нет контакта педагога с учеником. Свое отношение к педагогам в мое время я определила бы как обожание! И в голову не пришло бы ни одной из учениц не выполнить то, что сказал и показал педагог, не добиться заслуженной похвалы. С другой стороны, педагог — это дар, не каждому он под силу. Еще важно понимать, что раньше был очень жесткий отбор, а конкурс среди поступающих был по 20 — 30 человек на место. Сейчас принимают почти всех, особенно мальчиков. Педагоги прекрасно видят, что некоторым в балете не место, но работают со всеми.

— Когда вы поступили в училище, педагогический состав был в основном из приглашенных?

— Наши педагоги, начиная с директора Галины Алексеевны Березовой, были представителями ленинградской, вагановской школы, признанной во всем мире. Моя самая главная и самая любимая учительница, Наталья Викторовна Веркундова — это педагог от Бога. Мне казалось, что она может научить танцевать всех! Это и Антонина Васильева, Ольга Попова, Любовь Шинкаренко (переехала из Москвы в Киев). Но и новая плеяда уже украинских педагогов была высшего качества: дуэтный танец нам преподавал Роберт Клявин, народно-сценический — Евгений Зайцев, прекрасный педагог из плеяды поколения Павла Вирского. А еще — была разработана и четко выполнялась программа обучения, которая представляет собой набор и последовательность комбинаций, которые корректируют возрастающую нагрузку. Программа, кстати, не менялась, ею и сейчас должны руководствоваться, но с каждым поколением мы, педагоги со стажем, фиксируем много пробелов. Во время обязательного ежедневного урока некоторые артисты просто не могут или не хотят — тоже абсолютно неприемлемая в наше время вещь — делать те или иные классические комбинации. Современные педагоги мотивируют это тем, что какие-то элементы никогда не используются в танце. Но они есть, и их нужно воспринимать как ступеньки, а не препятствия.

— Попал ли кто-то из вашего выпуска, кроме вас, в столичную труппу?

— Нет, взяли только меня. Это вообще-то интересный период: в то время в театре был очень мощный состав артистов — от солистов до кордебалета, и довольно долго никого из училища не принимали. Само по себе, образовался возрастной разрыв. Когда я в 1968 году, в семнадцать лет пришла туда, то основной когорте было под сорок, второму эшелону — тридцать... А уже со следующего за мной выпуска начали принимать ежегодно выпускников училища — Таякину, Сморгачову... Стало актуально омолаживать коллектив.

— А как вы чувствовали себя среди «могикан»? Пришлось ли вам проходить школу кордебалета?

— Приняли меня прекрасно: заботились все со всех сторон — маленькая, худенькая! Как с ребенком носились. И еще мне повезло, что в тот сезон приехал из Ленинграда Александр Виноградов ставить «Шопениану». Существовало тогда правило: приглашенный постановщик сам выбирает из труппы людей, которые будут работать в его спектакле. И я попала в этот круг. Поэтому не прошло и полгода, как я уже танцевала сольную партию. Получила положительные отзывы. Позже благодаря этому было назначение на партию Сильфиды в его же следующей постановке. А еще «повезло», что многие ведущие солистки одновременно ушли в декрет, в связи с чем мне в первом же сезоне выпала возможность станцевать Жизель — заветную мечту каждой классической танцовщицы! В кордебалете мне пришлось работать только пару недель. А вот все маленькие соло — па-де-труа, феи, «камни», различные вариации — перетанцевала во всех спектаклях. Наталья Викторовна была моим педагогом и здесь, в театре, она же вела всю классику и ставила меня во все спектакли, поэтому я хорошо знала изнутри, как говорится, все постановки, в которых постепенно выходила уже как премьерша. В третьем сезоне я уже танцевала «Лебединое озеро», «Спящую красавицу».

— А что-то кроме классики танцевали?

— Да у нас тогда, кроме классики, практически ничего и не шло. Но для своего первого творческого вечера в стиле современного танца я пригласила эстонского хореографа Май Мурмаа, которая поставила для меня одноактный балет-дуэт «Дафнис и Хлоя» Равеля (моим партнером был Виталий Видинеев) и триптих-монолог «Оттенки» на музыку Шопена. Впоследствии уже были балеты Анатолия Шекеры — «Легенда о любви», «Спартак», «Ольга».

— Хотелось ли вам попробовать себя в партии Кармен?

— Я никогда не претендовала на такие характерные партии, как Кармен или Китри в «Дон Кихоте». У меня было четко определено амплуа лирико-романтической балерины, и ни мой педагог, ни я сама не считали нужным выходить за рамки амплуа. Работы всегда хватало, и мнение Натальи Викторовны для меня всегда была законом. Исключением, пожалуй, оказалась постановка Генриха Майорова «Чиполлино», в которой все танцевали с удовольствием. В мое время амплуа придерживались строго. Сейчас культивируется тип универсальной балерины, а таких, на самом деле способных на все — единицы: там линии не соответствуют, там темперамент. А на сцене ничего не скроешь. Поэтому своим подопечным я если не запрещаю, то сильно предостерегаю от несвойственных им ролей. Как педагог-репетитор я отвечаю за классику, то есть слежу за линией даже в таких современных постановках, как «Мастер и Маргарита», не говоря уже о балетах Анико Юрьевны Рехвиашвили — хоть это и современные постановки с новыми элементами, но в основе их все равно классика. Что бы ни говорили, но на академической сцене все должно быть хорошо. И не только! У Бежара, у Ноймаера — у всех линия! Более 50 лет я работаю в балете и буду настаивать на своем: балет — это красота линий. Не спасут лучшие солисты, если в массе каша. Последний раз я вышла на сцену в 2000-м — в концерте, за спектакль я бы уже не взялась. Надо уметь отвечать за имя и образ, которые мы своим трудом оставляем в душе и памяти зрителя...

«ТАКАЯ ЖИЗЕЛЬ РОЖДАЕТСЯ РАЗ В СТО ЛЕТ»

— В широкой галерее образов, созданных вами на сцене, отличается своей безупречностью и неоспоримостью партия Жизели, которую признавали вашей коронной партией. Вы даже получили своеобразный титул лучшей Жизели своего времени, который закрепился за вами в балетном мире, в прессе, которая восторженно писала, что «такая Жизель рождается раз в сто лет!». Как это произошло и что для вас Жизель?


— Да, это моя любимая роль, моя любимая героиня! С нее все началось. После выпускного концерта училища, где я танцевала па-де-де, меня взяли в театр. Первой главной партией, которую я исполнила на его сцене, тоже была Жизель. С ней я получила третью премию на конкурсе в Москве, с ней победила в Варне, где получила первую премию и золотую медаль. Председателем жюри была легендарная балерина Алисия Алонсо. После гала-концерта в своем интервью она призналась, что видела в этой партии многих знаменитых балерин, но теперь Хилько — лучшая в мире Жизель. Могу сказать без пафоса: я с честью носила этот «титул» в душе, не имея права занизить планку.

«ЗДОРОВАЯ КОНКУРЕНЦИЯ, КОТОРАЯ ПИТАЕТ ТЕАТР, ФОРМИРУЕТ ВКУС ЗРИТЕЛЕЙ»

— Но в Японии вас признали в другой роли?


— Гастроли в Японию проходили тогда регулярно — летом каждые два года. Публика там абсолютно фанатичная. Чайковского они обожали, а если балет — это «Лебединое озеро». Поэтому гастрольный репертуар составлялся по принципу: «Лебединое» и... японцам нравилась моя Одетта-Одилия, иначе как «белой балериной», меня там не называли.

— В ваше время наряду с вашим именем громко звучали имена Людмилы Сморгачовой, Татьяны Таякиной. Вы были сверстницами, отличались удивительным дарованием и легендарной работоспособностью. Было ли между вами соперничество?

— Еще бы! У нас был примерно один репертуар, мы никогда не уступали свои спектакли, боролись, можно сказать, за них. Думаю, нас всех это сильно мотивировало. Мы очень разные, у каждой свои поклонники. Но хорошо, что критика в то время была достаточно профессиональна и справедлива. Если нас сравнивали, то в плане разных красок, тонов и оттенков, которыми мы изображали своих героинь, а не сталкивали лбами, выставляя оценки не в пользу соперницы. Это здоровая конкуренция, которая питает театр, формирует вкусы зрителей. В реальной жизни мы могли и вовсе не пересекаться, у нас были разные интересы, круг общения. Я вообще была довольно замкнутой и долго держалась ближе к Наталье Викторовне, которая мне была второй мамой (с девяти лет я была у нее под крылом). Она интересовалась тем, куда я хожу, что читаю-смотрю. Я и жила у нее почти три года после училища, пока не получила однокомнатную квартиру от театра, куда сразу же перевезла родную маму.

— А как же романтические истории?

— А вот и нечего рассказать. Балет отнимал столько места в моей жизни, что ничто другое меня и не интересовало. И это не было никакой жертвой. Времени на другое я практически не имела: утром урок, днем ??репетиции, вечером спектакль. Даже когда я не танцевала, то все равно была рядом с Верекундовой, которая вела всю классику. После занятий мы ехали домой. Замуж я вышла аж в 29 лет: как впервые влюбилась, так и вышла.

— С кем вы больше всего любили танцевать в паре?

— Моими любимыми партнерами были Валерий Некрасов и Вадим Федотов — надежные, деликатные, с очень мягкими руками. Но мне посчастливилось танцевать также с Веаниром Кругловым. Это был партнер от Бога! С ним можно было выйти на сцену без репетиций, и все получалось идеально. А уж как вышла замуж, моим партнером преимущественно был Виталий Видинеев. Стоит отметить, что до нашего поколения в театре не было традиции формирования ярко выраженных пар — на разные спектакли назначали разных партнеров. Наше время отличалось интенсивностью гастролирования. А это особый и специфический момент: в условиях напряженной работы на чужих сценах важно чувствовать надежное плечо рядом, станцованность. Поэтому и остались в нашей истории устоявшиеся дуэты: Таякина — Ковтун, Сморгачова — Лукин, Хилько — Видинеев. С Николаем Прядченко тоже много танцевала. Но с ним танцевали и, главное, любили танцевать все. Недаром его называли «принцем украинского балета».

— Когда и с чего началась ваша педагогическая деятельность?

— Тогда я еще танцевала. Ко мне обратилась выпускница училища Наталья Лазебникова с просьбой подготовить ее к конкурсу имени Сержа Лифаря. Этот опыт дал мне понять, что по завершении артистической карьеры я могу учить молодых балерин тонкостям исполнения. Уроки я начала давать сначала в Детском музыкальном театре на Подоле (ныне КМАТОБ для детей и юношества). В Национальной опере главным балетмейстером тогда был Анатолий Шекера, наши отношения не заладились, и он не продлил мне контракт. А на Подоле руководил тогда Георгий Ковтун, и он пригласил меня к себе. Как раз готовилась постановка «Приглашение на казнь». Три года репетировала там, а потом уже вернулась в родной театр как педагог.

Первой моей «ученицей» стала Елена Филипьева, с ней работать было одно удовольствие. Центральная ее карьера связана с работой под моей опекой. Когда мы говорим о контакте между учителем и учеником, то это был тот самый случай: ей не нужно было повторять несколько раз одно и то же — сегодня мы на репетиции что-то сделали, а в следующий раз я вижу, что можно двигаться дальше, а не топтаться, толочь воду в ступе... Потом ко мне пришли Юлия Москаленко, Аня Муромцева, Настя Шевченко. Я видела их потенциал, лепила, оттачивала каждую деталь. Сегодня их знает и любит публика, но реалии таковы, что карантин, вынужденный простой ну просто выбивает почву из-под ног. Они должны танцевать классику, а большие спектакли не идут уже несколько месяцев. Это настоящая драма. Без «Спящей красавицы», «Лебединого озера» настоящей балериной не станешь, сколько ни танцуй Кармен, Зобеид, Эгин, Фригеш...

— Мир меняется, а что вам не нравится в современном театральном бытии?

— Есть вещи, которым трудно противостоять. Мир коммерциализируется, театрам все сложнее выживать без надлежащей поддержки. Рассуждения кассовости иногда негативно влияют как на репертуар, так и на исполнительское мастерство. Наружная реклама (а нередко и самореклама) формирует вкусы публики довольно агрессивно. А нужна популяризация, равные возможности.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Дек 11, 2020 10:53 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020121102
Тема| Балет, Театр оперы и балета Республики Коми, Фестиваль балетного искусства "Зарни джыджъяс", Персоналии, Александр Могилёв, Андрей Меркурьев
Автор| Анна АШИХМИНА
Заголовок| ПРЕМЬЕРЫ И СЮРПРИЗЫ
Где опубликовано| © Газета «Музыкальный Клондайк»
Дата публикации| 2020-12-09
Ссылка| https://www.muzklondike.ru/events/zolotye_lastochky
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Вторая половина ноября в Республике Коми ознаменовалась ярким и долгожданным событием - в Сыктывкаре с успехом прошел Фестиваль балетного искусства финно-угорских государств и регионов России "Зарни джыджъяс" ("Золотые ласточки").

Седьмой по счету фестиваль стал не только прекрасным подарком для всех театралов и поклонников классического балетного искусства, но и настоящим глотком свежего воздуха для ценителей современной хореографии. В этом году сыктывкарскому зрителю посчастливилось насладиться множеством премьер и приятных сюрпризов.


Фестиваль ведет свою историю с 1997 года. Некоторое время он отсутствовал на театральных афишах и вновь возрожден был в 2014 году. Сейчас "Зарни джыджъяс" традиционно, один раз в два года проходит на сцене Государственного театра оперы и балета Республики Коми.

Нынешней осенью фестиваль состоялся, несмотря на пандемию: запреты и ограничения весьма ощутимо сказались на деятельности театра и подготовке к масштабному событию. До последнего момента организаторы и поклонники оставались в тревожном ожидании: состоится - не состоится? "Зарни джыджъяс" несколько раз переносился: менялись и его состав, и репертуар. К счастью, даже в сегодняшней зыбкой реальности искусство победило. Более того, именно в этом году, впервые, знаменитый праздник балета прошел в рамках Международного культурного центра в регионах РФ "Перекресток культур 2020", что, несомненно, обозначило и подчеркнуло его высочайший уровень.

«Международный культурный центр, который в этот раз приехал в Сыктывкар - это проект, созданный по поручению Президента РФ, инициированный Министерством культуры еще в 2014 году, - рассказала посетившая фестиваль куратор проекта Мария Большакова, - мы кооперируемся, взаимодействуем с самыми необычными и уникальными, самыми влияющими на территории проектами. В частности, здесь это искусство балета». Эксперт высоко оценила уровень сыктывкарского театра и качество творческого процесса в нем.


«Яг-Морт». Райда — Наталья Супрун, Яг-Морт — Роман Миронов.
Фото Д.Напалкова


Первой "ласточкой" фестиваля стал знаменитый национальный балет Якова Перепелицы "Яг-Морт", получивший высокую оценку не только от аплодирующего зрительного зала, но и от известных критиков и деятелей искусств. Созданный композитором почти 60 лет назад, "Яг-Морт" стал творческой визитной карточкой театра, вехой в развитии музыкально-театрального искусства республики. Своеобразный, таинственный коми фольклор, образно-выразительная музыка Якова Перепелицы, естественные и напевные мелодии, подкупающие своей самобытностью и искренностью, яркий национальный колорит и гармоничное сочетание народного танца и классического рисунка балета. 14 ноября главные партии исполнили Роман Миронов (Яг-Морт), Наталья Супрун (Райда), Ринат Бикмухаметов (Туган), Екатерина Игнатова (Ёма), Артём Дудин (Окса), Юлия Чужмарова (Мада). Дирижировал спектаклем главный дирижер театра Роман Денисов. Сама история очень поэтична. Балет рассказывает о любви и торжестве человеческого разума над темными силами. Яг Морт - герой древних преданий коми народа. На языке зырян "яг" - лес, лесной, "морт"- человек. Солист балета Роман Миронов был демонически прекрасен в роли Яг-Морта. Впечатляют и очаровывают решения острогротесковыми танцевальными средствами: весь выразительный, колючий, «корягистый». Фигура, мысленно вызывающая образ северной деревянной скульптуры и создающая особую сказочную и мифическую атмосферу. Музыкальная тема персонажа энергична и зловеща. А как нежна и изящна красавица Райда - прима-балерина театра Наталья Супрун. Очень точно найденный образ в танце, чистый и возвышенный, красочный и яркий. «Яг-Морт» принадлежит к спектаклям, где либреттисты, в общем-то, не изменяют сказочным традициям. Наверное, именно поэтому "Яг-Морт" понравился и давним ценителям балетного искусства, и тем, кто пришёл в театр первый раз. Отдельно отмечу невероятно обаятельный персонаж Ёма, исполненный Екатериной Игнатовой. Злая колдунья влюблена в Яг-Морта и ревностно оберегает его. Гибкая, необузданно-темпераментная, то язвительная, то боязливая и комичная, с меняющейся яркой мимикой и выразительными жестами - она вызвала настоящий восторг публики.

Национальное хореографическое достояние совсем скоро получит пятую редакцию. Новая версия балета «Яг Морт» постарается вернуться к музыкальным истокам, совмещая в себе и старое, и новое. В серьезной исследовательской работе по возрождению музыкальных материалов Якова Перепелицы участвуют театр и музей Ивана Куратова, где хранится часть архива композитора. Балет не претерпит полной реконструкции и глобальных изменений. Его визуально осовременят и украсят новой хореографией.


«Просветленная ночь». Сцена из балета. Фото Д.Напалкова

Второй день фестиваля ознаменовался каскадом премьер. На сцене Театра оперы и балета Республики Коми был представлен вечер авторской хореографии Андрея Меркурьева «Признание». Проект нового главного балетмейстера театра, занявшего свою должность всего полтора месяца назад, был поставлен для фестиваля в кратчайшие сроки и стал настоящим прорывом. Обычно такую программу театры готовят по 3-4 месяца, в Сыктывкаре это сделали за две недели. Можно лишь предположить, сколько сил, энергии, вдохновения и труда было вложено в этот концерт.

Работы Андрея Меркурьева отличаются искренностью, выразительностью и чувственностью. Он щедро делится со зрителем своими открытиями, своим многогранным талантом и глубоким внутренним миром.

Проект «Признание» существует уже 4 года. Он был представлен в разных городах России, в том числе и в Москве, с артистами Большого театра на сцене Новой оперы.
«Вечер авторской хореографии "Признание" - проект, который постоянно развивается, объединяя вокал, фотографию, музыку, драму. С него мне бы хотелось начать работу с артистами Театра оперы и балета, так как именно в своей хореографии, работая с ними один на один, я смогу понять, на что они способны, как они меня слышат и чувствуют», - рассказал Андрей Меркурьев.

В первом отделении публика увидела премьеру одноактного балета на музыку Арнольда Шёнберга «Просветлённая ночь». Экспрессивный и совсем не танцевальный Арнольд Шенберг оказался крепким орешком для музыкантов театра и главного дирижёра Романа Денисова. Однако профессионалы с честью справились с непростой задачей, которую поставил перед ними новый балетмейстер. Также, как и солисты театра Анастасия Лебедик и Роман Миронов, которые, поддавшись магнетизму музыки Шенберга, танцевали вдохновенно и взволнованно.

Во втором отделении вечера зрители увидели премьеру девяти хореографических композиций в исполнении артистов сыктывкарского театра. Постановки Андрея Меркурьева были абсолютно разными и по музыке, и по настроению, и по актерскому воплощению. Сам постановщик танцевал в этот вечер в двух композициях, сверкнув разными гранями своего таланта и вызвав восторг публики.

19 ноября «Золотые ласточки» принесли поклонникам балетного искусства сразу несколько эксцентричных и ярких спектаклей. В первом отделении зрителю предложили коктейль современной хореографии и русского фольклора с интригующим названием "Частушки, Т.М!", заявленный в программке как "спектакль-правда о мыслях русского человека". Во втором отделении представили глубокую постановку с огромной смысловой нагрузкой «Будет что почитать» с участием поэтессы Тины Бем. Необычный проект привез в Сыктывкар Александр Могилёв и его коллектив "•ЭТО• русская компания современного танца".


Сцена из спектакля «Частушки, ТМ!». Фото В.Батлукова

Александр Могилев - хореограф, танцовщик, театральный режиссер и балетмейстер, победитель шоу "Танцуй!" на Первом канале, ведущий хореограф телевизионных шоу "Танцы на ТНТ" и "Большой балет", учредитель, идейный вдохновитель и член жюри других проектов, а последние три с половиной года - художественный руководитель и директор созданного им коллектива "•ЭТО• русская компания современного танца".
Хореографические эксперименты от Могилева - это незабываемое и очень своеобразное шоу, полное неординарных, порой неожиданных решений, экспрессии и ярких впечатлений. Спектакль «Частушки.ТМ!», номинированный на соискание российской национальной театральной премии «Золотая маска», оказался очень интересен своей сценографией (художник Анастасия Капустина), а также представленным синтезом русского традиционного многоголосного пения, этнических инструментов и электронной музыки. Во втором отделении артисты представили спектакль-дивертисмент о классической литературе «Будет что почитать». Стихи Тины Бем предваряли танцевальные истории, представляя жизненные картины, отсылающие нас к Гоголю, Горькому, Некрасову, русским классикам, остро поднимавшим жизненные злободневные вопросы.

Череду ярких постановок «Зарни джыджъяс» продолжил третий вечер современной авторской хореографии. Проект представил Константин Кейхель и компания танца «Акведук» (г. Санкт-Петербург). Кейхель - танцовщик и хореограф, имя которого уже широко известно в профессиональной среде. В первом отделении публику ждали премьерные танцевальные миниатюры, во втором - публику поразил хореографический спектакль «Крот» на музыку американского композитора-авангардиста Фредерика Ржевски.

Завершение фестиваля «Зарни джыджъяс» и Международного культурного центра «Перекресток культур 2020» в Республике Коми стало настоящим праздником как для поклонников классического балетного искусства, так и для ценителей современной хореографии. Заключительный вечер, 22 ноября, подарил зрителям множество приятных сюрпризов.

В своем вступительном слове министр культуры Коми Сергей Емельянов напомнил о сложностях, сопровождавших организацию фестиваля из-за пандемии и отметил, что праздник было решено провести, несмотря ни на что.

Звездными гостями заключительного концерта стали артисты Большого театра России Анна Никулина, Михаил Лобухин, Анастасия Страхова, Никита Капустин, Эрик Сволкин и Брюна Кантанеде Гальянони. Конечно же, программа гала-концерта не обошлась и без любимых артистов нашего театра, которые блистали ничуть не меньше, а порой даже и ярче, чем приглашенные звезды. Среди них: заслуженная артистка РФ, народная артистка РК Наталья Супрун, заслуженный работник РК Роман Миронов, Полина Лебедева, Анастасия Лебедик и Ринат Бикмухаметов.

Стоит отметить очень интересную и грамотно составленную программу концерта, выстроенную режиссером и хореографом Андреем Меркурьевым, в которой классика перемежалась с современными постановками. Настоящим кульминационным событием хореографического вечера стала всероссийская премьера номера «Снежная интродукция», поставленного Андреем Меркурьевым на музыку современного финского композитора Тоумаса Кантелинена (дирижер Александр Дмитриев). Финальному выходу звёзд балета публика аплодировала стоя. Праздник закончился, золотые ласточки разлетелись по своим городам, но зрители с нетерпением будут ждать следующего фестиваля, который, несомненно, принесёт море новых открытий и впечатлений.


Фото предоставлены пресс-службой
Государственного театра оперы и балета Республики Коми.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Дек 12, 2020 8:02 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020121201
Тема| Балет, «Царицынская опера», Персоналии, Алексей Михеев (Саратовский театр оперы и балета)
Автор| Беседовала Анжела Буцких
Заголовок| «Живу на сцене»: солист Волгоградского театра «Царицынская опера» рассказал об участии в шоу на телеканале «Культура»
Где опубликовано| © Волжская правда (г. Волжский)
Дата публикации| 2020-12-12
Ссылка| https://gazeta-vp.ru/zhivu-na-sczene-solist-volgogradskogo-teatra-czariczynskaya-opera-rasskazal-ob-uchastii-v-shou-na-telekanale-kultura/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Премьер Саратовского театра оперы и балета, заслуженный артист РФ Алексей Михеев уже более пяти лет с удовольствием сотрудничает с театром «Царицынская опера». Вчера приглашенный солист балета блестяще исполнил главную роль — цирюльника Базиля в премьере – балете «Дон Кихот» Л. Минкуса. Артист ведет насыщенную гастрольную деятельность, в составе российской балетной труппы работал в Японии, Мексике, Испании, Италии, Франции, Африке, сотрудничает с балетными труппами Москвы, Астрахани, Волгограда, Румынии. О своих проектах, участии в шоу «Большой балет» на телеканале «Культура» рассказал сам Алексей Михеев.

Партнер отвечает за безопасность, партнерша за красоту

— Алексей, какие партии вы исполнили в театре «Царицынская опера»?




— Все главные партии балетных спектаклей, которые идут на сцене «Царицынской оперы». Теперь и партию влюблённого в Китри Базиля. Мне очень нравится «Дон Кихот» Л. Минкуса. Это моя любимая Испания, самая лучшая, на мой взгляд, страна — свободная, толерантная, жизнерадостная. Туда приезжаешь и моментально включаешься в драйв – «Hola», «Amigos». Многие путают балет с произведением Мигеля Сервантеса. А здесь музыка, любовь, зажигательные ансамблевые танцы завораживают с первого выхода на сцену. Драйвовый спектакль заводит с первых аккордов, его энергетика буквально сносит с ног.

— Вы много гастролируете, есть с чем сравнить. Как вы чувствуете себя в театре «Царицынская опера»?

— Я приезжаю в театр «Царицынская опера», как к себе домой. Мне очень комфортно работать здесь. Мои коллеги по театру «Царицынская опера» – профессионалы своего дела, отзывчивые и приветливые. Я работаю с балеринами, с которыми уже «станцевался». Мне очень комфортно в паре с Маргаритой Таракановой. Она такая «зажигалочка», мы с ней постоянные партнеры. Дважды я танцевал со Светланой Яковлевой и один раз с Ольгой Туаевой. У меня остались самые приятные впечатления.

— Алексей, наверное, непросто найти общий язык с разными партнершами?

— У меня был прекрасный педагог по дуэтному танцу в хореографическом училище Александр Федорович Санин. Мой жизненный опыт тоже во многом помогает мне понять своего партнера и найти общий язык. Поначалу у меня были моменты, когда выходил на сцену в конфликте. Эти ощущения очень мешали в танце, чувствовалось напряжение. А это категорически нельзя показывать зрителю. Сейчас мой опыт помогает сглаживать мне любые недопонимания.

— В балетной паре мужчина занимает лидирующую позицию?

— По-разному у всех пар. Я стараюсь прислушиваться к своей партнерше по танцу, но, как правило, веду я и говорю как лучше, удобнее для нас. Я считаю, что за исполнение танца отвечают оба. Но в плане ведения, музыкальности и безопасности ответственен я, партнерша следует, доверяет мне и украшает танец.

— Наверняка были ситуации, когда в танце что-то пошло не так…

— Самые курьезные моменты случаются, когда забываешь порядок или отключаешься буквально на секунду. Однажды в спектакле «Вешние воды» В. Кобекина с Кристиной Кочетовой случилась ситуация в поддержке: я ее поставил и отошёл. Она начинает падать, она мне доверяет, она даже не согнулась, только глаза такие: «Ты нормальный?». Поймал буквально за считанные секунды… Или идёшь на балерину, она что-то маякует, а ты не понимаешь… А она не ту ногу на поддержку подняла, ноги не должно быть, а тут раз…, тогда быстро перепрыгиваешь и работаешь дальше. Опыт помогает быстро перестраиваться и находить выход в любой ситуации.

Как мальчишка — хулиган стал принцем

— Алексей, как вы стали артистом балета? С чего всё началось?


— Я начал танцевать с 6 лет. Мама привела меня в детскую школу искусств № 1. Мой первый педагог Нина Алексеевна Ермакова умело посадило «зерно» внутри меня. Я долго брыкался, отказывался заниматься. Мне нравилось танцевать, но я был таким хулиганом с окраины. Но я верю в судьбу. Именно она привела меня в балет. Как ещё можно объяснить тот факт, что в середине года я попал в хореографическое училище, куда я совсем не собирался. Тогда мне было 10 лет, я танцевал в хореографическом ансамбле «Фантазия» при детской школе. Моему педагогу поступил звонок из хореографического училища о появившемся месте и она предложила занять его мне. Меня посмотрели и сразу взяли, хотя мне не хватало опыта. Мой педагог и мама тогда настояли, я стал воспитанником хореографического училища. Кстати, моя мама мечтала стать балериной и воплотила в какой-то степени эту мечту во мне. В 2004 году окончил хореографическое отделение Саратовского областного училища искусств. В том же 2004-м стал лауреатом регионального балетного конкурса им. В. Адашевского. С 2004 года стал танцевать в Саратовском академическом театре оперы и балета. Набрать опыт в театре мне помогал мой педагог — народный артист России, заслуженный артист РФ Игорь Стецюр-Мова.

—Каков был ваш дебют?

— Хорошо помню свою первую главную роль — принц Эльфов в детском спектакле «Дюймовочка». Меня выбрал режиссёр- постановщик, хотя я только пришёл в театр. Но я быстро понял, что правильно выбрал свой путь. Когда выходишь на сцену – получаешь адреналин, кайф, происходит энергообмен со зрителями, а для артиста сцена – это жизнь.

Успешный 2020 год

— Несмотря на то, что этот год у всех сложный у вас он очень удачный. Вы получили звание заслуженного артиста Российский Федерации, приняли участие в проекте «Большой балет» на телеканале «Культура». Расскажите об этом.


— Получение звание заслуженного артиста стало некой ступенью, своего рода подтверждением моих заслуг и это очень приятно. У меня было очень насыщенное лето. В июне я получил звание заслуженного артиста РФ, в июле уже начались съемки четвёртого сезона танцевального проекта «Большой балет». А в сентябре мне посчастливилось стать экспертом классических танцев в творческой антишколе по хореографическому искусству на форуме «Таврида» в Крыму. Под открытым небом на берегу Чёрного моря проходили мастер-классы по самым разным творческим направлениям. «Таврида» — это уникальная образовательная платформа возможностей для молодых ребят. Я счастлив, что принял участие в этом форуме и познакомился с замечательными людьми. Я верю в судьбу и знаю, что все встречи и события происходят не случайно.

— Именно такой — судьбоносной для вас стала встреча с Софьей Гайдуковой — куратором проекта «Большой балет».

— Да, Софья ставила в Саратовском театре оперы и балета мюзикл, где мы и познакомились. Совершенно неожиданным стал ее звонок и предложение принять участие в проекте вне конкурса, когда мы все сидели на карантине. В это время жутко не хватало нагрузки и не было никакой мотивации. Всегда говорил себе, что быстро приду в форму как только начну заниматься, как только станет известно когда откроются театры. Конечно, я занимался, ездил на велосипеде, подолгу гулял с собакой. И тут звонок от Софьи Гайдуковой, это была судьба! Мы приняли вызов вместе с балериной Саратовского театра оперы и балета Кристиной Кочетовой. Восемь пар из ведущих театров со всей страны стали участниками амбициозного проекта. Мы были не в форме и за три недели с Кристиной в авральном режиме восстанавливали свое тело. Первую неделю все мышцы сковало, и мы просто работали через боль. Для шоу мы подготовили семь номеров: шесть репетировали в Саратове и один непосредственно в Москве. Нам необходимо было выучить совершенно новый номер «Реверберация» в жанре неоклассики. Для артистов классического балета это совсем не просто, там совсем другая хореография. Мы в течение трех дней смотрели этот номер и просто не понимали с чего начинать. Кроме того, обучение танцу проходило по онлайн-связи на английском языке с самим куратором — постановщиком Гарретт Смитом. И это достаточно сложно. При личном контакте педагог может подойти, помочь, подсказать, кроме того присутствовал языковой барьер. В какой-то момент было отчаяние, накопилась гиперактивность, а выйти на сцену не получалось. Сложно было держать порядок в голове, музыка была необычная, с непонятными акцентами. Было ощущение, что у нас заработали другие мышцы, чувствовали себя по-другому, не могли полностью владеть своим телом… Но мы справились. В конце декабря будет гала-концерт, покажут наш финальный номер, в конкурсе три номинации: «Лучший дуэт», «Лучшая танцовщица», «Лучший танцовщик». С нетерпением ждём результатов.

— Алексей, правда, что вы дважды танцевали главные партии на сцене Большого театра?

— Мне очень повезло. Саратовский театр оперы и балета дважды выезжал на гастроли в Большой театр с балетами «Стальной скок» С. Прокофьева и «Вешние воды» В. Кобекина, оба спектакля поставил Кирилл Симонов. Первый спектакль «Стальной скок» прошел на некотором страхе. Постановка была номинирована на премию «Золотая маска» в 2016 году. А «Вешние воды» я просто прожил как обычно. Не успел оглянуться – прошел первый акт, то же самое случилось и со вторым актом. Постановка Саратовского театра оперы и балета участвовала в фестивале Ассоциации музыкальных театров «Видеть музыку» в 2019 году.

Голубая классика — это каноны, неоклассика — возможность выбора

— Вы всегда проживаете свои роли. А есть ли среди них те, которые не очень отзываются?


— Конечно, я проживаю все свои роли, по-другому невозможно в балете. Я не могу говорить и кричать, но языком тела я признаюсь в любви своим избранницам, страдаю, радуюсь… Я люблю все свои роли, но одна роль даётся мне сложнее – принца Дезире в балете «Спящая красавица» П.И. Чайковского. Это голубая классика, там слишком нужно быть принцем. Мне немного тяжеловато ощутить себя в этой роли, но я быстро «расхожусь» и включаюсь в процесс. Самое интересное, что принца в «Лебедином озере» я чувствую сразу, моментально включаюсь в роль Зигфрида. Там совсем другое амплуа. Я вообще люблю драму, такие спектакли как «Кармен-сюита» А. Алонсо, «Вешние воды» В. Кобекина, «Юнона и Авось» А. Рыбникова…

— Алексей, вам нередко приходится танцевать в жанре неоклассики. Сложнее или легче, чем исполнить классический танец?

— В неоклассике немного проще, есть возможность раскрыться побольше. В классике есть каноны, которые нельзя нарушать. В неоклассике есть возможность выбора – больше прогнуться, уйти по-другому, там можно «отпустить» тело.

— Чем занимаетесь помимо балета?

— Я бегаю, иногда штангу поднимаю, катаюсь на велосипеде. Сейчас занимаюсь танцами в стиле модерн (направление «Gaga dance»). Тело по-другому работает, раскрепощается, в этом танцевальном направлении получаю другие силовые нагрузки.

— Что для вас балет?

— Балет для меня — всё. Я поздно осознал, что балет – это моя жизнь. У меня все так последовательно складывалось, я просто танцевал. Однако в балете важна не только техника исполнения, но и эмоциональная подача танца, вспомогательные элементы, мимика. В 25 лет я осознал, что на сцене нужно жить и стал работать над внутренним состоянием перед подготовкой каждого образа. Тогда я стал осознанно работать над партиями, продумывать мимику, дополнительные движения. Очень большой опыт дал мне гастрольный тур по Испании с труппой Тимура Файзиева. Мы ездили по городам и провинциям, я танцевал партию шута. Тимур Леонидович первый обратил внимание на мои эмоции. Он тогда сказал мне: «Ты должен показывать, что ты шут». Я продумывал шутки, которые были в контексте спектакля, чувствовал себя шутом и мимически демонстрировал это. Зрители смеялись в голос. Тогда я осознал, что балет – это жизнь. Его нужно сыграть как драматический актер. Любую роль, любой спектакль. Если ты вышел и красиво прыгнул – это цирк. А если ты вышел и прыгнул с чувством, эмоциональным посылом к своей партнерше, то зрители обязательно почувствуют это и без слов.

— Ваша супруга тоже артист балета Саратовского театра…

— Мы живем в своём мире, у нас свои интересы и увлечения. Очень сложно найти своего человека из другой сферы деятельности.

— У вас растёт дочь, хотели бы отдать ее в балет?

— Ей пока четыре года, есть время для принятия правильного решения. Я хотел бы, но супруга против. Но я точно знаю, что прямое попадание в быт – для меня это смерть. Поэтому было бы замечательно, если бы моя дочь занималась творческой профессией. Творчество дает возможность перевоплощения, самореализации.

— Планируете заниматься преподавательской деятельностью? Есть ли у вас свои воспитанники?

— Пока я не ухожу в педагогику. Я просто не готов к этому. Для меня занятия с детьми — это огромная ответственность. Это не просто уроки — это может быть дорога в будущее, судьба, если хотите… «Лепить» будущее маленького человечка нужно умело. Сейчас я получаю дополнительное образование в Саратовском государственном университете по педагогическому направлению. Хочу построить методику обучения из своего опыта. Но это пока только мечты.

=======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Дек 12, 2020 9:21 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020121202
Тема| Балет, театр «Балет Москва», Персоналии, Елена Тупысева
Автор| Наталия Мануйлович
Заголовок| Елена Тупысева, директор театра «Балет Москва»: «Я думаю, что наш театр дорос до своей площадки»
Где опубликовано| © Проект "Театр To Go"
Дата публикации| 2020-12-12
Ссылка| https://teatrtogo.ru/2020/12/12/elena-tupyseva-direktor-teatra-balet-moskva-ya-dumayu-chto-nash-teatr-doros-do-svoej-ploshhadki/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Про театр «Балет Москва» слышали многие по всей России. С 2012 года его возглавляет Елена Михайловна Тупысева, и благодаря ей театр расцвел и стал любимым местом не только среди поклонников современной хореографии, но и среди простых зрителей, ценящих интересное современное искусство. Мы поговорили с Еленой о том, как жилось театру во время карантина, почему важно не прекращать работу и как артисты пережили кризис. Кроме этого, Елена Михайловна поделилась планами театра на будущее и своими мечтами.


Фото предоставлено пресс-службой театра. Фото: Алексей Костромин

Сложно оставить без внимания текущую ситуацию с театральным миром в России. Из-за коронавируса сначала нельзя было работать вообще, теперь только на 25% зала. Как театр справляется с этим?

Если говорить про полное закрытие, то это было неожиданно. Понятно, что Москва отставала немного от других больших европейских городов, и предполагалось, что с нами произойдет то же самое, то есть, психологически я была готова к ситуации в целом. Но не думала, что это так быстро произойдет.

Артисты прервали работу чуть раньше, чем нас закрыли, потому что был такой период непонимания: продолжим мы играть спектакли или нет, поэтому мы на какое-то время даже перестали репетировать, чтобы не подвергать артистов риску заразиться. Когда объявили о закрытии, я думала, чем мы будем заниматься, никто же не понимал, как надолго нас закрыли и когда вообще мы сможем вернуться к работе. Во время карантина артисты каждый день занимались – и наши педагоги, и педагоги приглашенные вели онлайн-классы. Понятно, что они всё равно теряли форму, потому что дома мало что можно делать, но каждый день видеть друг друга, хотя бы онлайн – это важно.

С 25% заполняемостью зала работать сложно, так как наши доходы сократились на три четверти и, конечно, такие финансовые потери приведут к сложному финансовому положению. Артистам играть в мало заполненном зале некомфортно. Очень надеюсь, что к весне ситуация улучшится.

Что для Вас, как для директора, было самым сложным в этот кризис?

Я думаю, самое сложное – принять то, что эта ситуация надолго. Что все планы на 2020 год и даже 2021 придется перестроить, изменить. Также, хоть мы и государственный театр, принадлежим Москве и у нас есть субсидии от города, которые покрывают большинство зарплат, мы, конечно, столкнулись с финансовыми потерями. Ведь выпуски новых спектаклей и некоторые другие расходы происходят за счет заработанных на билетах средств. И, конечно, самое обидное – отменились все гастроли, запланированные на 2020. У нас были большие планы со спектаклем «Танцпол», но мы его даже в Москве мало поиграли, не успели.

Как Вы думаете, как изменилась труппа после этого? Повлиял ли карантин на артистов и их восприятие профессии?

Конечно, они соскучились по своей профессии, ведь привыкли каждый день репетировать, встречаться, играть спектакли на зрителя. Артисты – именно те люди, которые сложнее всего переживали этот кризис. Наверное, они пересмотрели скоротечность своей профессии. Кроме этого, у нас особенный жанр, мы можем что-то делать онлайн, но всё-таки относимся к live-art, живому искусству, и любой выход на сцену сейчас очень важен, более ценен, чем раньше.

Во время карантина вы выпустили премьеру «Прощай, старый мир!» с хореографом Владимиром Варнавой. Почему решили делать онлайн-спектакль? Чтобы попробовать новый формат или для того, чтобы быть в тренде онлайн-театра?

Было очень много не онлайн-спектаклей, а трансляций. Мне это было неинтересно, ведь спектакли, созданные для сцены, надо специально записывать. У нас нет таких качественных видео и нет бюджетов для этого. Во время карантина мы с артистами работали в разных форматах: и мастер-классы, и онлайн-включения. Когда стало понятно, что вся эта ситуация надолго, я предложила разным хореографам сделать спектакль. В итоге договорились с Володей Варнавой.

Месяц работали над этим проектом, репетировали, готовились. Володя предложил команду – и художника-дизайнера, Павла Семченко, и композитора, и видеохудожника, и техническую команду поддержки. Это же очень сложная работа с множеством технических особенностей. Как и в любом живом спектакле, был риск, что что-то не сработает, что кто-то войдет в кадр позже или раньше, что не включится камера или видеосигнал не будет нормальным. Не вся труппа приняла в этом участие, всего 5 или 6 артистов, но они были заняты с утра до ночи целый месяц и совершенно по-новому исследовали возможность показывать спектакль, понимая, что ты находишься в своей комнате, в квартире. Ты у себя дома, у тебя другие застройки-настройки в теле, мозгу. Это сложный момент – танцевать дома, понимая, что на тебя смотрит кто-то, непонятно, сколько человек и какая их реакция.

Недавно состоялась самая настоящая, оффлайн-премьера спектакля «Волшебник страны ОЗ». Скажите, как решиться на премьеру, зная, что театры могут закрыть в любой момент?

В принципе несложно. Здесь не столько страшно премьеру готовить, сколько переживаешь за артистов, которые каждый день ездят на работу в общественном транспорте. Это такая лотерея – заболеешь ты или нет. У нас небольшой коллектив, и, если кто-то заболеет, мы из-за этого не сможем сыграть спектакль. Премьеру мы просто делаем для того, чтобы делать, и в любом случае мы бы её показали. Это лучше, чем не делать ничего. Премьера 2 раза переносилась с площадки на площадку. Из-за этого, с одной стороны, перегорели чуть-чуть, с другой стороны – у хореографов было больше времени поработать над спектаклем, какие-то вещи мы попробовали, проверили.

Вообще идея этого спектакля давно родилась?

У нас в театре есть хореографы-резиденты Анастасия Кадрулёва и Артем Игнатьев, они с нами всегда работают – домашние хореографы, choreographer in residence, как говорят. Хореографы где-то раз в год-два создают новый спектакль для нас. При этом мы, естественно, приглашаем для работы и других хореографов. Но где-то четверть репертуара делают нам Настя с Артемом. В 2015 году они ставили балет для всей семьи «Дюймовочка». Получилось удачно, и я поняла,что нужно обязательно сделать еще одну детскую премьеру.

Какой новый опыт приобретает труппа благодаря этой работе? В «Танцполе» это было объединение классической и современной трупп, в «Прощай, старый мир!» – онлайн работа. А с чем необычным артисты столкнулись в «Волшебнике»?

Здесь опять участвуют обе труппы. Каждый спектакль – это, естественно, новый опыт, в любом случае. И Настя с Артемом – это хореографы с танцевальным прошлым, они выпускники балетных академий. Они как раз такие люди, которые знают отлично классику, балет и хорошо разбираются в современном танце. Поэтому они могут работать и с балетными артистами, и с артистами современного танца. После «Танцпола» стало понятно, что у нас есть возможность объединять обе труппы. Не каждый раз, но есть. И мы решили второй раз это сделать. Еще одна задача – не относиться к «Волшебнику» как к детскому спектаклю. Мы всегда подходим к детскому спектаклю серьезно с точки зрения концепции, костюмов и музыки. Настя и Артем создают такую хореографию, которую артистам было бы интересно танцевать.

Как дети воспринимают современный танец?

Дети, да и многие взрослые, не разбираются сильно в жанровых различиях, поэтому мы делаем спектакль, в котором много видео и костюмов. История понятна, многие её читали. Всё действие – это как будто компьютерная игра, а герои книги – это герои воображаемой компьютерной игры. Каждое путешествие по разноцветным странам – это как прохождение уровней. Я думаю, что для детей, которые сейчас, естественно, знакомы с виртуальным миром, с компьютерными играми, это будут узнаваемые символы, которые смогут их заинтересовать.

Меняется ли отношение зрителей к современному танцу?

Зависит от города и региона. Если говорить про Москву, то это очень развивающийся современный город. К нам ходят не профессионалы танца или балета, а обычные зрители, готовые экспериментировать со своим досугом. Они ходят и смотрят разные вещи: в театр идут, на выставки, в кино. Эти люди периодически ездят за границу и понимают современную визуальную и театральную культуру. Я думаю, что современного танца стало чуть больше, чем 10 лет назад, к нему больше глобального доступа – за границей, в интернете. Современный танец – искусство нишевое, это не мюзикл, не искусство больших масс. Но, как и любое искусство, оно имеет своего зрителя.

Много людей приходят к нам и впервые видят современный танец. Если это качественный продукт, если он хорошо сделан, если он современный, с хорошей музыкой на интересные темы, то он впечатлит зрителя. Такой еще есть показатель: коммерческие компании всё чаще и чаще обращаются к нам за помощью в создании чего-то – выступить на корпоративе, например. Недавно, где-то год назад, был юбилей одной большой международной юридической компании, для которой руководители сделали подарок сотрудникам этой организации – выкупили спектакль, и вся компания, 200 человек, пришла в театр, посмотрели наш «Танцпол».

Как бы Вы определили положение современного танца в России? В чем отличие от европейских стран?

В Европе культура в основном финансируется из государственных источников – бюджеты федеральные, города, региона. Там не так много государственных организаций культуры, по большей части частные. Так вот, доступ к деньгам имеют как частные организации, так и государственные – ты можешь подать заявку не только на конкретный проект. Но ты можешь рассчитывать и на институциональную поддержку – подаешь заявку на двухгодичную или четырехгодичную субсидию, в зависимости от уровня развития твоей компании. В России этого нет. В России смысл в том, что на государственные деньги, неважно какой бюджет – муниципальный/региональный/федеральный, по закону поддерживаются государственные организации культуры. Все организации культуры, которые есть и поддерживаются, например, в Москве, по большей части это организации, которые существовали еще до 1991 года. А жанр «современный танец» появился в России после 91 года. Просто государство не создавало новых институций для новых жанров, чтобы финансировать. А в институциях существующих, которые занимаются другим, оно не может зародиться. А «Балет Москва» – небольшой театр, созданный в 1989 году. И вообще случайным образом так сложилось, что в нем появилась труппа современного танца, помимо классического балета.

Как изменился зритель театра «Балет Москва» за те 8 лет, что Вы им руководите?

Когда я пришла в театр, он был в глубочайшем кризисе по всем фронтам и причиной моего назначения было то, чтобы Департамент культуры не был доволен положением дел в театре и прежним руководителем. Поэтому меня назначили, чтобы предложить театру новую концепцию развития. Театр они закрыть не могли, хотя я предлагала, потому что мне казалось, что проще закрыть и открыть что-то новое, чем из такой кризисной ситуации двигаться куда-то. Мне предложили эту работу для того, чтобы переосмыслить этот театр. Зритель ходил, но очень плохо. Мы отменили весь репертуар и стали всё делать заново, и многие зрители подумали, что это просто новый театр. Те, кто стал к нам ходить, ничего не знали про «Балет Москва» до этого.

Сколько понадобилось времени, чтобы справиться с кризисом?

Были разные этапы. Так, чтобы перестать хирургическим путем действовать – года три.

Как бы Вы описали текущую концепцию развития театра?

Она сильно не поменялась с 2012 года. Изначально смысл и миссия была такая, что, имея необычное преимущество как две труппы – современного танца и балетную, различающиеся технически, концептуально, эстетически, развивать театр в области современной хореографии, опираясь на разнообразный технический вокабуляр артистов. Разные жанры – балет и танец – объединены современной хореографией. Две труппы, сохраняя свою самобытность и свою обособленность, двигаются в одном векторе, который называется современная хореография. Стояла задача найти свое лицо, чтобы «Балет Москва» было равно современной хореографии, и не важно, это балет или современный танец. Для создания спектаклей мы приглашаем российских и зарубежных хореографов, которые делают постановки с нашими артистами с нуля. То есть, мы не занимаемся переносами, не показываем спектакли, которые когда-то были где-то поставлены. С нами работают хореографы нового поколения. Наша задача, чтобы артисты влияли на создание спектакля, чтобы активно принимали участие. Хореограф всегда приезжает сам, во время работы важно его общение с труппой. Почему новое поколение: у них есть время, чтобы создать качественный спектакль, а это 8-9 недель. У хореографа должно быть время и желание окунуться в другую культуру, провести время в другой стране, в другом городе, столкнуться со всевозможными бытовыми или культурными проблемами, ну и сделать спектакль.

Сейчас концепция отличается тем, что прошло время, труппа – одна и вторая – поняли, что они полноправные участники процесса, стало нестрашно обе труппы задействовать в одном спектакле. Они понимают, что все важны – одни и вторые, и что для успеха такие эксперименты интересны. Я думаю, что частично наш репертуар в дальнейшем будет строиться на том, что раз в год-два мы будем выпускать спектакли, где работают обе труппы.

Какие у Вас самые любимые работы в репертуаре Вашего театра?

Мне кажется, что была удачная работа в самом начале – «Эквус» хореографов Анастасии Кадрулевой и Артема Игнатьева – короткая работа, которая до сих пор в репертуаре, артисты ее любят. Композитор, Алексей Айги, сам играет очень часто на спектаклях. Она такая милая и прикольная получилась, хореография там интересная, наша визитная карточка.

У современной труппы, я думаю, это «Застывший смех», очень сложная работа для зрителя, её один из моих любимых хореографов, Крис Херинг, делал. Это очень сложная работа, она идет редко, нет возможности её часто показывать. Постановка очень сильная и очень сложная для артистов. Саундтрек к спектаклю – записанные голоса артистов, их речь, они весь спектакль артикулируют, не произнося слов, то есть, танцуют и лицом.

Ну и, пожалуй, «Танцпол», свежий наш спектакль. Крутая работа шведского композитора, с нуля написанная музыка, которую можно слушать без спектакля. Он даже выпустил альбом у себя в Швеции и онлайн выложил. Постановочный процесс был очень классный. Ставил спектакль Йерун Вербрюгген из Бельгии, было интересно каждый день – здорово, весело. С этим хореографом мы до сих пор дружим. Это большая редкость, потому что новые спектакли и их выпуск часто связаны с конфликтами, недовольствами, то есть, существует негативная сторона процесса в большей или меньшей степени. Здесь были кризисные ситуации, из которых мы выходили хорошо, без скандалов и лишнего негатива друг другу шли навстречу.

Есть ли какие-то Ваши личные мечты, связанные с театром? Например, своя площадка наконец…

Да, я думаю, что наш театр дорос до своей площадки. Если бы 8 лет назад мне этот вопрос задали, а мне его задавали, то на тот момент площадка не нужна была, потому что надо было доказать, имеем ли мы право вообще существовать. Мы же не знали, как будет развиваться театр, насколько будут интересные постановки. Сейчас уже понятно, что нам тесно кочевать с одной площадки на другую, иногда качество спектаклей тяжело держать, кочуя с места на место. Наверное, собственная площадка, где мы могли бы много чего делать, не помешала бы. Приятнее каждый день приходить в свой дом и не зависеть от настроения не твоих сотрудников. Когда ты показываешь спектакль в гостях, ты должен понимать, что ты в гостях, что ты все время находишься под присмотром. И качество проката спектакля зависит от работы не только твоей команды, но и сотрудников площадки – как встретят нашего зрителя в гардеробе, насколько чистые туалеты и так далее.

Еще хочется больше с российскими хореографами работать, их не так много, к сожалению. Появятся, надеюсь. При этом, с другой стороны, современный танец и балет – это международный вид искусства, он вне национальности. И если посмотреть репертуар любой зарубежной компании, то там нет такого, что в австрийской компании только австрийцы. То есть, есть имена, с которыми хотелось бы поработать. С какими-то мы уже точно будем работать, с какими-то еще будем обсуждать.

Еще мне нравится работать в разных пространствах, не только в театральных. Мы последние два года потихоньку занимаемся проектами в музейных пространствах, мы с Аней Абалихиной выпустили серию перформансов с современной труппой и показывали на фестивале «Территория» в залах Московского музея современного искусства.

Ну еще, наверное, хочется чаще ездить на гастроли по России и миру, интересно встречаться с другим зрителем.

Поделитесь секретом, с кем из хореографов есть уже есть договоренность?

Мы пока в процессе обсуждения, контракт еще не заключен. Но я надеюсь, в мае состоится премьера, если ничего не помешает. Хореограф из Великобритании. Точнее португалец, выросший в ЮАР, живет в Лондоне, зовут его Артур Пита. Он будет делать нам новую работу, у него есть своя команда – композитор и художник по декорациям и костюмам и, скорее всего, будет российский драматург. Пока не знаю, что это будет за работа. Знаю точно, что опять обе труппы будут работать вместе. Артур Пита очень театральный хореограф, придумывает свои необычные миры, так что, я думаю, это будет интересная работа.

====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Дек 12, 2020 10:08 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020121203
Тема| Балет, Астраханский театр оперы и балета, Персоналии, Ростислав Захаров, Дмитрий Гуданов
Автор| Анна Гордеева
Заголовок| ЗАХАРОВ ПРОТИВ ПЕТИПА
В БАЛЕТЕ ПРИВОЛЖСКОГО ГОРОДА НАЧИНАЮТСЯ НОВЫЕ ВРЕМЕНА

Где опубликовано| © Журнал Музыкальная жизнь
Дата публикации| 2020-12-12
Ссылка| https://muzlifemagazine.ru/zakharov-protiv-petipa/
Аннотация|

Четыре месяца назад главным балетмейстером Астраханского театра оперы и балета был назначен Дмитрий Гуданов – и в начале декабря театр позвал публику и критиков взглянуть на первые результаты его работы и оценить масштаб планов его команды.

Ситуация бывшему премьеру Большого театра досталась непростая: дело не только в том, что Астрахань – один из немногих значимых городов страны, где театр оперы и балета появился лишь в XXI веке, но и в том, что предшественник Гуданова, хореограф Константин Уральский, ставший первым балетным руководителем в Астрахани, выстраивал репертуар как репертуар сугубо авторской труппы. Поклонникам его дарования это нравилось, сторонников более академичных танцев раздражало, но факт есть факт: из спектаклей наследия, привычно составляющих основу репертуара любой российской труппы (и работающих на поддержание качества этой труппы) в афише присутствуют лишь «Лебединое озеро», «Жизель» и «Дон Кихот», и все они отредактированы (иногда всерьез) Уральским, «переписаны» его почерком. Это было приемлемо, когда театр был театром авторским; сейчас, когда заявлена цель интенсивного развития труппы, новому начальнику балета предстоит вести артистов к классическим стандартам качества. Понятно, что от новых людей ждут новых решений – и первое решение, первая идея, предложенная на суд публике, оказалась нетривиальной. Дмитрий Гуданов выбрал в качестве персонажа-знаменосца не Мариуса Петипа или Жюля Перро, к примеру. Он предложил идею балетного фестиваля на волжских берегах, посвященного Ростиславу Захарову.

«Ух ты», – переглянулись критики и историки балета. Смелая идея.

Автор яркого (и по сей день идущего во многих театрах страны) «Бахчисарайского фонтана» и легендарной (но идущей сейчас лишь в Михайловском театре) «Золушки» – одна из значительных фигур советского балета, но фигура своеобразная. Поставив в 27 лет свой самый первый и самый знаменитый балет, он стал не только лидером движения «драмбалета», но затем и главным балетмейстером Большого театра, создателем балетмейстерской кафедры в ГИТИСе и очень влиятельным человеком в советском балетном мире. И все свое влияние, и все свое красноречие он направлял на борьбу с теми сочинителями, кто искал какую-то иную дорогу в творчестве, кроме драмбалетной. Отечественным авторам доставалось с разной степенью интенсивности; Баланчина он презирал и втаптывал под плинтус. Выбирая именно Ростислава Захарова (понятно, что на сам выбор повлиял и тот простой факт, что Захаров в Астрахани родился), Гуданов рисковал вызвать всплеск интереса у тех любителей балета, что рвутся в безоговорочное прошлое – и не только балетное. Тем не менее концерт, ставший заявкой фестиваля (что во всей силе своей развернется осенью 2022 года), сразу же четко дал понять: «вечно вчерашних» здесь не ждут. Речь о будущем.

Будущее это берет из прошлого то, что ценно. Давно отгремели битвы драмбалета и балета симфонического и в репертуаре ведущих балетных театров соседствуют самые разные авторы. И из XXI века мы можем посмотреть на авторов драмбалетов как на создателей прежде всего очень качественных, эффектных, театральных спектаклей. Их грехи и их идеологические монологи остались в прошлом; а после большой волны интереса к сочинениям бессюжетным публика вновь хочет , чтобы на сцене ей рассказывали истории.

И программа концерта объединила многих рассказчиков советских лет – и «драмбалетных», и «симфонических», и попавших меж жерновов, как Леонид Якобсон, и работавших практически без отклонений от лекал Мариуса Петипа – как Петр Гусев. То есть стало очевидно, что курс Астрахани – не по жесткому учебнику «Искусство балетмейстера», а по широкой дороге сюжетного балета, который уважали и уважают во всех балетных странах.


Вальс Машковского. Фото: Вадим Матасов

Концерт, созданный совместными усилиями Дмитрия Гуданова и режиссера Олега Попкова, предложил не просто перечень номеров, но осознанно выстроенную картину развития советского сюжетного балета. Номера вступали друг с другом в диалог – а приглашенные звезды из Большого, Мариинского, Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко и Театра имени Леонида Якобсона соседствовали с местными солистами, специально подготовившими к вечеру новый репертуар. Конечно, труднейшие тексты проходили небезупречно – но было видно, как буквально на лету впитывают мастерство астраханские артисты. В па де де из балета «Талисман», сочиненном Петром Гусевым по мотивам Мариуса Петипа, изящная Харука Номура стала правильно-хрупкой Нирити, а Николай Выломов лихо прорезал пространство в роли Бога Ветра; Айгуль и Артур Альмухаметовы станцевали наполненный рискованными поддержками «Вальс Машковского», поставленный Василием Вайноненом, с тем бесстрашием, что роднило артистов и первых советских летчиков.


Евгения Образцова и Михаил Лобухин. Фото: Вадим Матасов

Выступления приезжих звезд превратились в мастер-класс по сюжетному танцу: Евгения Образцова и Михаил Лобухин станцевали, сыграли, прожили «сцену у балкона» из «Ромео и Джульетты» Сергея Прокофьева в постановке Леонида Лавровского как психологическую поэму, Мария Александрова выплеснула в вариации из «Лауренсии» Александра Крейна в постановке Вахтанга Чабукиани всю силу своей героини и всю ее полетную гордость, а Анастасия Лименько и Сергей Мануйлов в дуэте из «Эсмеральды», поставленной Владимиром Бурмейстером (где он использовал музыку и Цезаря Пуни, и Рейнгольда Глиэра и Сергея Василенко) точно проговорили историю благороднорожденного Феба и вольной цыганки. Особенный «обмен мнениями» произошел на материале вдохновившей Арама Хачатуряна легенды о восставшем римском рабе: Дарья Павленко и Денис Климук исполнили дуэт из «Спартака» в постановке Леонида Якобсона, Евгения Образцова и Михаил Лобухин – в постановке Юрия Григоровича. Во втором дуэте лирика затмевает неизбежность грядущей трагедии, в первом – трагедия грохочет в каждом жесте. Поразительная пластика Дарьи Павленко, по накалу напоминающая экспрессию немого кино, но нигде не «перебарщивающая», превратила этот дуэт в одно из главных событий концерта.

А в финале оркестр театра, ведомый его худруком и главным дирижером Валерием Ворониным, грянул «Время, вперед!» – и трудно было бы выбрать финал удачнее. Тут все -–готовность работать, вера в будущее, память о том, что было великого в прошлом. Теперь остается только держать за астраханцев кулаки и следить за их успехами.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Дек 13, 2020 11:30 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020121301
Тема| Балет, Персоналии, Константин Уральский
Автор| Беседовала Анна ВОРОБЬЁВА
Заголовок| Константин УРАЛЬСКИЙ: «Сохранение классического наследия – это сохранение школы нашего искусства и русского балетного театра»
Где опубликовано| © АртМосковия
Дата публикации| 2020-12-13
Ссылка| https://artmoskovia.ru/konstantin-uralskij-sohranenie-klassicheskogo-naslediya-eto-sohranenie-shkoly-nashego-iskusstva-i-russkogo-baletnogo-teatra.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Константин Семёнович Уральский – заслуженный артист России. Окончил Московское Академическое Хореографическое училище. Работал в Большом театре. Хореограф-постановщик. Художественный руководитель Астраханского государственного театра оперы и балета. В первую очередь меня интересовало его мнение о недавно прошедшем конкурсе артистов балета, увидел ли он новых звезд среди участников. А так же поговорили про уровень сегодняшнего Большого театра, его постановки. О том, что важно для сохранения искусства в России.



– Константин, хотела с вами поговорить про Всероссийский конкурс артистов балета, который недавно прошел в Москве в театре «Сац». Как вам уровень участников? Увидели кого-то интересного из артистов и хореографов.

– Всё, что происходило в дни конкурса, с моей точки зрения, это героизм – после пандемии и перерыва в несколько месяцев подготовиться к конкурсным выступлениям и выйти на сцену.

Я не хочу сравнивать конкурс этого года и прошлогодний, потому что условия совсем разные.

Мне понравился уровень в младшей группе. Она выглядела очень ровной, и в ней было несколько потенциально интересных молодых артистов. Конечно, ещё не столь опытные, учащиеся, или только пришедшая в театр молодежь.

Старшая группа была менее яркая, но в ней были уже сформировавшиеся прекрасные артисты. Очень понравились выступления Елены Свинко из Красноярска и Крисы из «Кремлевского балета». Интересные балерины, но очень разные.

Конкурс, к сожалению, был не такой масштабный, как в предыдущие годы по причине условий, сложившихся в последние несколько месяцев, из- за длительной паузы в работе театров. Но то, что конкурс был проведён, это очень важно.

На Западе все конкурсы переводят в дистанционный формат, жюри просматривает участников по видео, или в zoom трансляции из балетных залов или со сцен театров. Вы представляете, что такое балет дистанционно? Это просто невозможно!

Хорошо, что этот конкурс вообще состоялся, и все участники большие молодцы.

– Я заметила, что премии в некоторых номинациях не были вручены, с чем это связано?

– Тут две причины. Для того, чтобы премия была вручена, участники должны набрать определенное количество баллов, соответствующих данной премии. Такие условия, если есть недобор баллов, то значит, премия не присуждается.

И потом просто не было таких участников, которым можно было дать данную премию, скажем первое место. Выступление участника могло быть удачным, но это не золото. Жюри должно иметь определенную позицию, потому что, награждая участника той или иной премией, жюри оценивает его не только по баллам, но и по своему профессиональному мнению. Достоин он премии или нет. Поскольку это очень профессиональный конкурс, как правило, все, что на нем происходит, это очень ответственно. На результаты смотрят другие артисты, и оценка жюри становиться для них определенным ориентиром в их работе.

– А вообще уровень балета в целом в России сейчас растет или падает? Он выше сейчас, чем был раньше?

Я не могу сказать, что уровень падает. Есть изменение эстетики и направления репертуара. Очень много внимания стали уделять трюковым движениям. Это конечно даёт развитие техники танца, сегодняшние артисты бесспорно технически более оснащённые, чем предыдущие поколения. Но ярких актерских личностей, как в прошлых поколениях, практически нет. А ведь балет это не спорт, это театральное искусство.

Явлений, ролей на сцене я не вижу. Думаю, что это не связано с падением уровня педагогического мастерства, скорее связано с отсутствием ярких хореографов. Артиста в театре воспитывает и формирует именно хореограф, человек, создающий с артистом роли, спектакли.

– Вы сами танцевали в Большом театре. Как вы оцениваете уровень сегодняшнего Большого театра, в нем идут хорошие постановки? Или что-то нужно изменить?

– Я не хочу критиковать свой родной театр. Я воспитанник Большого театра и очень горжусь им.

Он сегодня другой. Сильно изменился репертуар, в спектаклях нет единого стиля. Нет единства в направлении репертуара. История русского балета во многом началась в Петербурге, в Императорском театре, в доме Петипа как мы теперь его называем, и она развивалась только благодаря хореографам, которые следовали заложенным традициям русского балетного театра.

Но сегодня Большой театр не имеет в своем руководстве сильного яркого хореографа. Какими были, например, Александр Горский, Леонид Лавровский, Юрий Григорович. Сегодня в Большом театре работает много хореографов из разных стран, в том числе из России, но нет таких авторитетных хореографов, руководителей.

Что касательно мнения, что раньше уровень был лучше, то есть такая тенденция, что предыдущее поколение всегда критикует исполнение последующего. Наше поколение ругали ветераны сцены, говорили, что они танцевали лучше. И так будет всегда: все предыдущие поколения будут ругать последующие. Но для меня Большой сегодня, как я уже сказал, совсем другой, и сравнивать его с прошлым театром просто не могу и не хочу.

В репертуаре какие-то спектакли для меня очень яркие и интересные, какие-то стилистически слабые. Какие-то спектакли мне совсем не интересны, и я не считаю, что они вообще должны быть в репертуаре Большого. Видимо, сейчас такой период у Большого театра.

Надо рассматривать сегодняшнюю ситуацию с разных сторон. В защиту труппы хочу сказать, что сегодня артисты Большого театра очень сильные технически. Возможно, сильнее, чем предыдущие поколения, есть и яркие солисты, и ведущие солисты, балерины, но артистических явлений, личностей явно не хватает.

– Вы работали в качестве хореографа в Астраханском театре оперы и балета, в Челябинском театре оперы и балета имени Глинки, в Германии, США, Боливии. Есть ли для вас существенная разница между труппами?

– Да, разница, конечно, есть, и иногда очень большая. Разница есть даже между коллективами в одной стране. Это естественная вещь. Когда я где-то работаю как приглашенный хореограф, постановщик, я должен понять и влиться в жизнь коллектива, в их привычки, условия, понять мышление (к сожалению, оно не всегда есть), чтобы найти с труппой общий язык. Есть большие, есть небольшие труппы, но разница между театрами зависит от того, кто этой труппой руководит, и как она воспитана. Зависит от лидеров. Для меня всегда очень важно найти подход к труппе, заинтересовать, увлечь артистов.

Как руководитель труппы театра в Астрахани, я выстроил и воспитал труппу в лучших традициях русского балетного театра. Для меня этот опыт – уникальный случай: собрать заново труппу академического репертуара. Я выбрал путь сформировать труппу из молодых выпускников хореографических школ страны и вырастить коллектив.

У меня была задача – объединить в одной труппе артистов разных учебных заведений и выстроить постепенный план развития. Увидеть в юном артисте потенциал. Продумать, как правильно выстроить его дальнейшее развитие. Вырастить из начинающих артистов солистов, премьеров. Правильно составить для них репертуар, следить за их профессиональным ростом, развитием, как техническим, так и актерским. И делая все это, не забывать о необходимом в театре репертуаре. Это очень интересный процесс, который мне нравится.

– Какими качествами должен обладать артист, чтобы быть востребованным в театре? Чтобы попасть в хороший театр?

– Самое главное, любой выпускник балетной школы мира должен быть физически талантлив. Это и внешние данные, и технические возможности. Многие думают, если будут много работать, то и без данных добьются успеха. Но это не так. Если у тебя нет физических данных, не соответствуют пропорции тела, то, как бы ты ни старался, как бы ты ни работал, ничего не получится. Поэтому артист, прежде всего, должен быть физически способным.

Кроме того, я всегда как руководитель смотрю на внутренний потенциал. Исполнение технических элементов сегодня может быть ещё слабым, но я смотрю на потенциал развития. Например, у ученика не получается вращение, но у него есть к этому способности, и при правильной работе с педагогом это постепенно улучшается. Увидеть способность и направить молодого артиста в правильном направлении работы, это не простая задача, и здесь нужно терпение и педагога, и артиста. Ну и конечно актерские данные. Как я уже сказал, балет это не только красивое исполнение движений.

Еще немаловажная вещь. Артист должен быть открыт миру. Не тупо смотреть: вот я люблю балет, и хочу танцевать то, что уже знаю. Для меня как для руководителя и хореографа важно, чтобы артист понимал в целом мир танца. Не был зашореным. Владел не только элементами классического танца, но и современного. Сейчас обязательно нужно быть открытым к освоению нового, современная хореография тоже важна для развития. Балетный театр не стоит на месте, он живой организм и все время развивается. Качественное исполнение репертуара классического наследия, и умение быть столь же готовым к исполнению современного репертуара совершенно необходимо.

Сегодня от артиста требуется намного больше, в том числе и понимание современной хореографии, владение техникой исполнения различных направлений танцевальных школ. Владение не только элементами классического танца.

И обязательно любой артист, который хочет быть успешным, должен быть голодным до творчества.

Мне не интересен артист, который не ищет и не пробует что-то новое, который остановился в своём развитии.

– Вы сами кого-то можете отметить как выдающегося и яркого из хореографов и артистов, которые работают сегодня?

Вы знаете, я очень не люблю отвечать на такой вопрос, потому что речь идет о моих коллегах. У кого-то было что-то более удачное в карьере, у кого-то менее удачное. Что-то мне смотреть было интересно, что-то не очень. Я думаю, если я буду пытаться оценивать работы моих коллег, им это будет немножко неприятно. Есть ряд моих коллег, известных в мире и которые прекрасные хореографы. Мне их работы нравятся. Но я бы не хотел называть какое-то отдельное имя.

– Вы автор 15 балетов. В них оригинальная хореография, или вы реконструировали все эти балеты на основе ранней постановки?

– У меня уже намного больше 15 балетов. Их уже больше 30. Они все оригинальные. Какие-то из них большие, какие-то маленькие. 15 – это, возможно, только двухактные балеты. Я не считал.

Помимо авторских балетов, я занимаюсь восстановлением нашего великого классического наследия. Например, в Астраханском театре идут балеты «Лебединое озеро», «Дон Кихот», «Щелкунчик, «Жизель». В них есть и обновленная хореография. Иногда я вношу в балет свои идеи, но непременно, готовясь к таким постановкам, досконально изучаю оставленное нам великими мастерами наследие и сохраняю их хореографию. Сохранение классического наследия – это сохранение школы нашего искусства и русского балетного театра. Это ответственность всех, кто принял на себя роль руководителей балетных трупп.

– Как вы считаете, искусство должно подстраиваться под зрителя, или же нести свою первоначальную идею и тянуть зрителя на свой уровень?

Искусство не может подстраиваться под зрителя. То, что производит художник, – это часть его внутреннего мира. В своем искусстве он говорит о том, что возникает в его душе, мыслях, он самовыражается в искусстве.

Истории известно много случаев, когда произведения не воспринимались своими современниками. А сегодня мы считаем их выдающимися.

Художник, который делает что-то под заказ общества и подстраивается под него, он уже не художник. Он уже не творит, а выстаивает формулу, которая будет удобной и популярной. Конечно, можно об этом поспорить, но для меня спор здесь неуместен.

– Какие ценности вы пытаетесь донести, когда работаете с артистами как хореограф, и когда сами выступали как артист до зрителей?

– Любое произведение включает в себя наши общечеловеческие ценности. Любовь, добро, справедливость… Поэтому любая тема, которую вы возьмете, любая театральная пьеса или книга, она будет об этом рассказывать. О наших общих ценностях. Каждый спектакль несет разную тему.

Возьмем как пример постановки «Макбет» и «Доктор Живаго». Оба произведения рассказывают о любви, смерти, предательстве, жажде власти. Но и в том, и другом разговор идёт о человеческих ценностях, и о нас, людях, том, как мы относимся к друг другу, и о жизни.

Для меня важно, чтобы артист стал частью истории, происходящей на сцене. Для меня тяжело видеть две вещи. Когда просто бессмысленно исполняется танцевальная комбинация, артист находится на сцене, не донося никакую идею, это ужасно. Второе, это когда артист выглядит ущербно, не по роли (исполнить ущербность требует большого мастерства), а по тому, что он не готов исполнять эту партию. В этом я всегда вижу вину руководителя и педагогов, которые выпустили его на сцену. К сожалению, артисты стремясь станцевать ту или иную роль, часто это не понимают. В процессе подготовки к спектаклю артисты должны пройти определенные этапы. Как постановщик я только могу направить артиста, создать определенное состояние работы. Дальше он должен много работать сам.

Иногда мы можем наблюдать на сцене очень красивые балетные элементы. Но когда в них нет смысла, то вся техника выглядит ущербной. К сожалению, это сейчас можно увидеть в театре. Это печально, когда ты видишь, что исполнитель даже не пытается прочувствовать, про что он танцует.

– Есть ли тот человек, на которого вы ориентируетесь в жизни? И в профессии?

– Я не могу назвать одного человека. Это все мои педагоги, они все мои наставники.

Самые главные люди в жизни – это мои родители, которые с юности были преданы театру. Мой отец, Семён Уральский – актёр, режиссер театра и цирка. Для него режиссура была смыслом жизни. Он передал мне любовь к театру, и к профессии. И, конечно же, моя мама, которая помогла увидеть и понять, что такое балет. Люди абсолютно непоколебимые в своей любви и вере в искусство. Эти два человека самые главные мои учителя.

А дальше есть очень много педагогов, которые меня учили как артиста балета, под чьим руководством я работал в театре. Мои учителя в Московском хореографическом училище. Каждый вложил в меня кусочек себя.

В театре это все, начиная с Юрия Николаевича Григоровича, и все блистательные мастера разных поколений Большого театра, педагоги-репетиторы, которые со мной работали. Затем педагоги, которых я встретил в ГИТИСе, профессора, передавшие мне в руки профессию, и вместе с этим ответственность за наше искусство.

Так получилось, что в определенный период жизни на меня влияли разные люди, в том числе и хореографы. Борис Эйфман, Морис Бежар, Иржи Киллиан, Джордж Баланчин, да и многие другие. Я умею видеть и учиться.

Однажды меня в Америке спросили, кто мои педагоги. Я задумался. И назвал всех, во всех поколениях, начиная от Мариуса Петипа, всех хореографов, которые были после него, и не только в России.

Я люблю наше искусство и предан русскому балету, его школе и традициям. Для меня связь поколений – это основа сохранения человеческой культуры и искусства.

======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Дек 13, 2020 11:46 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020121302
Тема| Балет, театр «Астана Балет», Премьера, Персоналии, АНВАРА САДЫКОВА
Автор| Гульнара ЖУМАСЕИТОВА
Заголовок| Новый казахский балет
Где опубликовано| © «НОВАЯ МУЗЫКАЛЬНАЯ ГАЗЕТА» (Казахстан)
Дата публикации| 2020-12-02
Ссылка| https://musicnews.kz/novyj-kazahskij-balet/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

На днях театр «Астана Балет» представил новый балет «Желторанғы туралы аңыз» в постановке молодого хореографа Анвары Садыковой. Национальная хореография Казахстана в своих поисках достаточно часто обращалась к фольклорным образам, эпическому наследию, сказкам и легендам. На основе этих поисков на сцене казахского балетного театра в ХХ веке появились развернутые хореографические произведения в постановке Д.Абирова, З.Райбаева, Б.Аюханова, М.Тлеубаева. Наступившее тысячелетие выдвинуло новые имена хореографов, продолжающих традиции признанных мастеров казахского балета, но в контексте творческих исканий современного балетного театра. Сегодняшние хореографы М.Авахри, Г.Адамова, Г.Туткибаева, А.Тати достигли определенных результатов в возврате на хореографическую сцену присущей природе балетного театра обобщенной образности через синтез классического танца с национальной и современной пластикой, нового подхода к танцевальной выразительности.



В этот список уверенно можно включить и Анвару Садыкову, ищущего свой путь в хореографии молодого балетмейстера, которая смело берется за расширение диапазона как жанровых, так и стилистических возможностей национальной хореографии. Смелость и неожиданность в сочетании танцевальных элементов и использовании неординарного музыкального материала для своих постановок – яркая черта ее творческого почерка.

В основу балета положена древняя легенда о дереве под названием желтораңғы, которое растет на степных просторах нашей земли. Дерево выстояло в борьбе с песчаными бурями, выстояло и перед людской жестокостью с их стремлением к наживе, благодаря отважному юноше. Для казахов дерево считалось живым и очень ценным, так как вырасти его на бескрайних степных просторах было очень сложно, но именно они давали прохладу и защиту для всего живого, служили средством для постройки жилища и бытовых принадлежностей людей. Сегодня эта связь обрывается, ведя человечество к глобальным экологическим проблемам. Концептуальная идея либретто балета, созданное известным поэтом Бахытом Каирбековым, предельно понятна каждому зрителю, при этом философски глубока и многослойна.

Значимость премьерного спектакля в том, что новая работа театра объединила талантливых представителей национальной культуры, которые не первый раз встречаются на этой сцене, имеют опыт работы в балетном искусстве. Композитор, хореограф, автор либретто и художник оказались единомышленниками в рождении нового балета, в котором национальный колорит гармонично сочетается с современными тенденциями в развитии хореографии.

Музыка балета написана известным казахстанским композитором Куатом Шильдебаевым. Хотя материал скомпонован из нескольких произведений, написанных композитором в разное время, музыкальный материал балета воспринимается достаточно цельным, благодаря кропотливой работе композитора вместе с хореографом по обработке, связке и компоновке отдельных частей в единое целое. Композитор не первый раз работает с этим коллективом, в репертуаре театра идет его балет «Жусан». Музыка Шильдебаева привлекает яркой современностью музыкального претворения казахской сакральной музыки, выраженной через мелодичные эмоциональные темы. Броская современность вкупе с хорошо читаемым национальным началом его музыки ориентирована на молодежную аудиторию с ее повышенным интересом к этнической музыке в современном звучании.

Впервые балет был осуществлен Садыковой в форме хореографической миниатюры. Глубокая идея легенды ей нравилась, давая ей уверенность в том, что этот материал можно интересно развернуть и для полноценного хореографического полотна. Предложение театра осуществить самостоятельный балет на сюжет этой истории, она восприняла с радостью и смелым творческим ожиданием. Ее воодушевление передалось и Б.Кайырбекову, который не первый раз создает либретто к национальным балетам.

Хореограф весьма тонко и смело насыщает сюжет древней легенды выразительными ассоциациями, проецируя их на современные проблемы экологии, тем самым превратив спектакль в философское раздумье о взаимоотношении природы и человека, жажды наживы и неизбывной печали о потерях. Хореография, предложенная Садыковой, как и музыка решена в современном стиле с использованием классического танца и национальной пластики. Танцевальный язык балета разнообразен и выразителен, как и те задачи, которые ставили перед собой авторы балета. Мягкая выразительная пластика рук и корпуса в танце Туранги, сочетается с графической четкостью поз и неожиданной сменой ритмов в танце птиц, демонстрируя многообразные выразительные возможности синтеза различных видов танцевального языка.



Гармоничный синтез образует сложный калейдоскоп пластических средств, который усиливает зрелищное начало в спектакле. Этому помогает и использование в балете приемов кинематографического монтажа посредством видеографики и крупного кадра. Как, например, в сцене когда юноша во сне видит кровь на своих руках из срубленных веток туранги. Таким способом хореограф выделяет важный момент и действие в осознании героя балета, визуально лаконично и эмоционально по времени и форме, тем самым придав динамику и образность в решении спектакля.

Стремление к обобщенности в трактовке действия и хореографического видения помогло хореографу найти очень удачное пластическое решение для образа дерева Туранги. На протяжении почти всего действия Туранга находится на возвышении, ее действия выражаются лишь движением рук и корпуса. Выразительный костюм и необычно живописное решение кроны дерева усиливают ее стойкость и красоту в зрительском восприятии.

Внутренняя наполненность дерева как живого существа выражена через образ души Туранги. Именно в ней воплощено женское начало миропонимания народа, как светлого, оберегающего и созидающего духа. Ее пластическая речь прозрачна, соткана из красивой вязи классического танца и как бусинками украшена элементами казахского танца.



Художественное оформление балета осуществлено силами специалистов самого театра. И результат надо сказать получился весьма впечатляющий. Сценография балета, созданная художником Жандосом Омаровым, получилась по настоящему театральной, объемной и при этом лаконичной, без лишних деталей и подробностей. Как только открылся занавес зрители не удержались от аплодисментов в знак восхищения от представленной красивой картинки.

Сочетание цвета и мягкая пастельность сценического оформления гармонично сочеталась с балетными одеяниями исполнителей, разработанных художником по костюмам Натальей Протасовой. Сдержанный колорит костюмов, близкий по цвету к естественным природным цветам, тем не менее подчеркивался хорошо читаемой ярко обозначенной деталью. Дровосеков художник одела в современные костюмы – джинсы, майку и ботинки, как противопоставление гармонии в природе и зримая нить к современному миру разрушения и нескончаемой жажды наживы. Танец дровосеков построен на широких размашистых элементах из арсенала мужского народного танца, поданных в современной, шутливо-ироничной форме. Их танец получился выразительным, эмоциональным по пластической подаче.

К премьере театр подготовил два состава исполнителей. Образ Туранги воплотили Ансаган Кобентай и Асель Жангаскаева, юношу танцевали Фархад Буриев и Сундет Султанов, душу Туранги – Дилара Шомаева и Дарина Кайрашева. В каждом из составов были неожиданные открытия и интересные решения образов. Вся труппа продемонстрировала присущий ей высокий уровень профессионализма и вживания в предлагаемые обстоятельства премьерного спектакля.

Встреча балетного театра с древней легендой о дереве желторангы еще раз доказала, сколько интересных возможностей таится в союзе балета с национальным фольклором и неиссякаемыми образами жизни своего народа. Данный премьерный спектакль продемонстрировал готовность молодого поколения хореографов нести новые интересные идеи и решения в постановке национальных спектаклей, раскрыть образные возможности национальной пластики в синтезе с классическим танцем, найти современный подход к трактовке глубоких философских вопросов человечества на балетной сцене. И данный факт не может не радовать тех, кто осознает, что ценность и своеобразие любого вида искусства и хореграфии, в том числе, в сохранении и развитии идентичности своей национальной культуры.


Гульнара ЖУМАСЕИТОВА,
балетный критик, профессор искусствоведения
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Дек 14, 2020 12:28 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020121401
Тема| Балет, Международный петербургский фестиваль Dance Open, «Урал Опера Балет», Персоналии, Вячеслав Самодуров, Антон Пимонов
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Dance Open получил «Приказ короля»
Весенний фестиваль открылся в середине декабря

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №229/П от 14.12.2020, стр. 11
Дата публикации| 2020-12-14
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/4614087
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


Мужская вечеринка на музыку Брамса оказалась самым веселым номером программы

В Санкт-Петербурге открылся главный весенний фестиваль Dance Open, перенесенный с апреля на декабрь: на сцене театра «Балтийский дом» с программой «масочных спектаклей» выступил «Урал Опера Балет». Рассказывает Татьяна Кузнецова.

Международный петербургский фестиваль Dance Open боролся за жизнь с апреля, не желая пропускать год и поступаться превосходно подобранной международной программой, но победил лишь наполовину: европейцев в Россию все-таки не пустили, так что программу пришлось составить из отечественных трупп, доставивших в Петербург свои репертуарные новинки. Открыли фестиваль екатеринбуржцы, объединившие в программе «Урал-интро» свои «масочные» балеты, которые так и не смогли показать ни Москве, ни даже судьям «Золотой маски»: как раз в октябре—ноябре уральскую балетную труппу сразил коварный вирус. Последствия дали о себе знать на гастролях в Петербурге: заметно было и физическое напряжение, и отсутствие достаточного количества репетиций. Из сочувствия к артистам не стоит придираться к чистоте и легкости танца, тем более что привезенный репертуар интересен и сам по себе. В особенности «Вальпургиева ночь» Баланчина, поставленная в 1980 году на хореографическую картину из оперы Гуно «Фауст»: на российской сцене она представлена впервые, да и в остальном мире редкий гость. Теперь понятно почему.

Хореография, полная банальностей, кажется сочиненной эпигоном Баланчина, плохо проштудировавшим его наследие. Никаких пространственных изысков — кордебалет, колыхаясь в хромающих па-де-бурре, выстраивался чаще всего в шеренги и диагонали. Центральное адажио покоилось на вековечных арабесках, обводках и канонических пируэтах, против которых бунтовал еще Фокин. Кода из школярских сиссонов и маленьких па-де-ша формально соответствовала ритму музыки, но отнюдь не отражала романтического буйства «Вакханалии». Пожалуй, лишь вариация второй солистки с рискованными турами и прыжками на пуантах напоминала о великом даре главного неоклассика ХХ века.

Впрочем, оригинальность — еще не залог качества, что и продемонстрировала сюита из балета «Приказ короля», за который его постановщик и худрук екатеринбургской труппы Вячеслав Самодуров получил «Маску» как лучший хореограф. 25-минутный экстракт составили из самого главного — больших танцевальных фрагментов. Grand pas с парой протагонистов, солистками и обширным женским кордебалетом соединили с финальным мужским танцем, стилизованным под эпоху Людовика XIV. Сюжет остался за кадром, хотя отношения главных героев явно нуждались в объяснениях: героиня, одетая в серебристую модернизированную пачку, сурово таращила глаза в зал и резко возражала против чего-то, разводя ручки в стороны на протяжении долгого и довольно унылого адажио. Ее кавалер оставался невозмутим, явно дожидаясь момента, когда сможет показать личное мастерство в вариации, вывернутой наизнанку. Начавшись с шене и большого пируэта — типичных финальных вращений, в средней части — двойных турах на авансцене — она совпала с вариацией принца Дезире из «Спящей красавицы». Впрочем, игривые подмигивания великим было заметны во всех частях сюиты: женский кордебалет сгибал ножку в колене, как музы в коде «Аполлона Мусагета», четверка корифеек по-венгерски закладывала руку за затылок, напоминая о «Раймонде». Фишка в том, что чувство юмора у хореографа специфически балетное — делать все, как в классике, только наоборот. Если канонический прыжок направлен вперед, то у Самодурова артисты ухитряются отпрыгнуть назад, если инерция движения требует поворота вправо, то у него повернутся непременно влево. Если у Петипа кордебалет ровен и строен, то самодуровский хаотичен: все двигаются как бы вразнобой, выскакивают из строя; нарушая симметрию, то и дело сбиваются в неровные кучки. Смотреть на это, конечно, неудобно, но есть и преимущество: нельзя понять, хорошо ли вышколено «тело балета».

Словом, просмотра усеченного «Приказа короля» корреспонденту “Ъ” хватило, чтобы решительно не согласиться с вердиктом жюри «Маски»: лаврами лучшего хореографа следовало увенчать Антона Пимонова. Его скромный 22-минутный «Brahms Party», поставленный под фонограмму песенных циклов Брамса, являл собой произведение более интересное и сложное, чем претенциозный «Приказ короля». Во-первых, балет для мужчин ставить труднее, чем для женщин — у дам с их пуантами в арсенале больше движений. Во-вторых, обыгрывая все варианты ансамблей — от соло до нонета, хореограф проявил недюжинную фантазию, умудрившись не зациклиться на «лейтмотивах». Наконец, чувство юмора у Пимонова деликатнее, чем у его опытного коллеги, хотя источник вдохновения у обоих коренных петербуржцев один — академическая классика. В своем «мальчишнике» («Brahms Party» задуман как вечеринка, на которой парни и соперничают, и подшучивают друг над другом) хореограф скрещивает несовместимые движения, но так, что они кажутся вполне органичными — лишь опытный глаз разглядит жест «мазурки» в детском галопчике. Мерный классический ритм хореограф разбивает джазовыми акцентами на слабую долю. Возможно, балет еще занятнее, чем кажется: не все танцовщики чувствуют шуточки хореографа, не все вошли в форму — а этот балет требует не только сил, но и настоящей виртуозности. Чтобы увидеть, что именно поставлено автором, следовало следить за маленьким прыгучим японцем Томохо Терадой — он, юркий, быстрый, выносливый, купался в этой исконно русской хореографии, подчеркивая и ее остроумие, и ее современность. Впрочем, и без факультативных знаний зрители оценили «Brahms Party» выше других балетов программы. Когда в финале на сцене бабахнула новогодняя хлопушка и девять парней в изнеможении повалились навзничь, как лепестки исполинской ромашки, зал разразился такими громкими и долгими аплодисментами, будто был аншлаговым, а не лысел пустыми креслами разрешенных «25% заполняемости».


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Янв 04, 2021 10:02 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Дек 14, 2020 1:01 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020121402
Тема| Балет, Международный петербургский фестиваль Dance Open, «Урал Опера Балет», Персоналии, Вячеслав Самодуров, Антон Пимонов, Джордж Баланчин
Автор| Ирина Юршина
Заголовок| Труппа «Урал Балета» открыла в Петербурге XIX Международный фестиваль Dance Open
Где опубликовано| © Русский блоггер
Дата публикации| 2020-12-14
Ссылка| https://rblogger.ru/2020/12/14/danceopen2020-uralbalet/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Ежегодный Международный Фестиваль балета Dance Open, наконец-то, прервал «молчание», справился с трудностями пандемии и открыл двери театра для новых долгожданных очных встреч артиста и зрителя.

Сила искусства сильнее, чем мы думаем. Театральная история нашего города в разные периоды – тому подтверждение.



Теперь от грустного к приятному.

10 декабря в театре Балтийский дом состоялся показ программы «Урал интро» одной из ведущих трупп России – Урал балет. Это гастроли Екатеринбургского государственного академического театра оперы и балета. Было представлено три одноактных балета, разных по стилю, идее и образам. Но тем и интереснее. Танец многогранен и прекрасен во всех его проявлениях.

Первый акт, балет классический, «Вальпургиева Ночь» в хореографии Джорджа Баланчина, основателя неоклассики в балете и гения двадцатого века. Премьера в России состоялась лишь в прошлом году в Екатеринбурге.

Минимум декораций, только фон разных цветов, много света, летящие воздушные платья нежных цветов и такие же нежные, изящные балерины. Вот первое впечатление от балета.

Много массовых сцен, но есть и дуэты. В каждой — получаешь удовольствие от ровности и чёткости движений, невесомости и лёгкости, с которой они совершаются. Плавный и скользящий танец в начале, становится диким и необузданным во второй половине программы. Причёски девушек меняются с аккуратного пучка на распущенные длинные волосы. И эта деталь придаёт такой «изюм» танцу, меняет настроение и темп. Хочется упомянуть здесь великие слова Джорджа Баланчина, его кредо «Видеть музыку, слышать танец».

«Вальпургиеву Ночь» можно увидеть только на родине театра, в Екатеринбурге.

Второй акт, Brahms Party в хореографии Пимонова Антона, безусловно интересен своей необычностью и оригинальностью. Ведь в нём выступают только мужчины. Этот балет современный, динамичный.

Любопытна сама хореография, пути решения переходов, комбинаций и танцевальных связок, свобода в движении и ирония. Вместо классических балетных костюмов на артистах простые футболки и брюки. Опять же декораций нет, есть только танец и ничто не должно от него отвлекать.

Программа поставлена под песни немецкого композитора Иоганнеса Брамса.

И третий акт, «Приказ короля», в хореографии Самодурова Вячеслава, художественного руководителя балетной труппы Екатеринбургского государственного академического театра оперы и балета.

Спектакль безусловно посвящён памяти великого Мариуса Петипа, создавшего этот балет ещё в 1886 году. Но в современном «Приказе короля» наших дней Самодуров даёт волю своему виденью танца и восприятию, позволяет движениям развиваться и меняться. Можно сказать, что это своеобразный эксперимент Вячеслава, который несомненно удался на все сто.

Эта постановка, получившая «Золотую маску», увлекает в сказочный, волшебный мир. Красивые необычные элегантные костюмы, современные движения танцоров, но с сохранением некоторых элементов классики. Всё выглядит торжественно и максимально безупречно. Музыку специально для «Приказа короля» написал петербургский композитор Анатолий Королёв.

В рамках фестиваля Dance Open была представлена только часть этого балета. Теперь хочется увидеть его целиком.

Я не была в театре очень давно. Чувства смешанные, но больше в них счастья, радости и восхищения. Ладони соскучились по аплодисментам, глаза — по балету, и я в целом – по искусству и театру!

Напомню, что уже многие-многие годы фестиваль Dance Open проходил в апреле. И в этом году его, конечно, тоже ждали с нетерпением, но в нашу жизнь ворвалось такое понятие, как он-лайн показы. И для Dance Open это не стало исключением.

В следующие дни декабря фестиваль продолжит премьеры других танцевальных трупп на настоящей сцене театра, что не может не радовать и вселять надежду!

Фото: Евгений Юршин

===================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Дек 14, 2020 4:31 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020121403
Тема| Балет, проект «Большой Балет», Персоналии, Диана Вишнева
Автор| Алина Артес
Заголовок| Диана Вишнева: «Быть в жюри – это значит подсказывать правильный ракурс»
Где опубликовано| © Россия – Культура
Дата публикации| 2020-12-14
Ссылка| https://smotrim.ru/article/2498581
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



На телеканале «Россия-Культура» завершается четвертый сезон проекта «Большой Балет». Впереди – вечер сюрпризов и объявление имен победителей.

Одним из главных подарков четвертого сезона стало возвращение в кресло члена жюри примы-балерины Мариинского театра, народной артистки России Дианы Вишневой. Строгая, но справедливая, она покорила сердца не только всей съемочной команды, но и миллионов зрителей. О партиях, мечтах и новой онлайн-реальности Диана Вишнева рассказала Алине Артес.

А.А. - Диана, для Вас это не первый опыт в качестве члена жюри проекта «Большой Балет». Каким стало возвращение на проект?

Д.В.
- Мне было приятно вернуться в проект, а еще и в таком составе жюри. Хотя я не сразу согласилась, ведь съемки проходили летом, в период пандемии. Были сомнения, не хотелось рисковать. Но в итоге все же решилась. До Москвы добиралась на машине, остановилась у друзей, чтобы не жить в отеле. На самой съемочной площадке были все меры предосторожности, поэтому мне не приходилось об этом беспокоиться.

Конечно, предыдущий опыт пригодился, но все равно было непросто. Ведь члены жюри не столько оценивают, сколько дают конструктивную оценку участникам, которая помогает посмотреть на свое исполнение со стороны, открыть в себе что-то новое. И в этом самая трудная и ответственная задача. Все мысли нужно успеть уместить в телевизионный формат. К каждому участнику хочется подойди индивидуально, найти такие слова, которые именно ему помогут, поддержат. Быть жюри — это значит подсказать правильный ракурс того, над чем еще нужно работать, что в себе развивать.

А.А. - В социальных сетях нашего канала Вас называют самым строгим и требовательным членом жюри. Вы согласны с этим определением?

Д.В.
- В балете есть одно правило: если педагог постоянно делает замечания, поправляет и критикует, значит он видит в тебе потенциал, он верит в тебя. Наша профессия предполагает требовательность и определенную строгость. А иначе как добиться результата? Невозможно делать вполноги или же уповать, что когда-нибудь после получится. Танец есть здесь и сейчас. Со временем приходит мастерство, свобода на сцене. Но чтобы этого достичь, придется, как говорится, съесть свой пуд соли. Я всегда к себе предъявляю высокие требования, ведь кто, как не ты сам, строгий критик для себя. Поэтому в своих суждениях я честна с конкурсантами, мне хочется дать им импульс к развитию, как когда-то давали мне. Если я вижу, что выступление неудачное, то будет попросту непрофессионально с моей стороны не сказать про это.

А.А. - После первого сезона «Большого Балета» Вы предрекали мировой успех Сергею Полунину. Ваши прогнозы сбылись. Есть ли в этом сезоне будущие звезды мировой величины?

Д.В.
- Все же не люблю загадывать наперед. Главное то, как артист распоряжается своим талантом, на что он тратит силы. Жизнь на большой сцене испытывает человека. Очень непросто быть примой или ведущим солистом. Это накладывает ответственность не только в театре, но и за его пределами. Поэтому я бы пожелала каждому участнику не терять головы, слушать и верить своим педагогам, и помнить, что в классе мы всегда ученики и каждая новая высота будет даваться еще большим трудом, чем предыдущая, поэтому нужно сохранять внутри себя цельность, четко понимать, чего хочешь, как выстроишь свой творческий путь.

А.А. - Нынешний сезон получился по-настоящему всероссийским. Артисты каких театров удивили Вас особенно?

Д.В.
- В каждой паре есть что-то особенное, своя харизма, энергетика. Мне было очень интересно видеть то, насколько выделялись фольклорные темы во многих выступлениях. Это же так важно, это сохранение истории определённого театра и наследия хореографов.

Ребятам еще многому предстоит научиться, но я вижу у каждого потенциал. И мне бы хотелось, чтобы они не растеряли тот запал, с которым пришли на проект. Желание развиваться и не видеть потолка, рисковать и пробовать непривычное — одно из главных качеств в артисте.

А.А. - И все же в этом году большое влияние имела именно Петербургская школа. С ней оказались связаны практически все члены жюри, многие из педагогов. Это совпадение или закономерность?

Д.В.
- Во многом это закономерность. Академия Вагановой - одна из сильнейших не только в России, но и в мире. Она дала множество прекрасных артистов и хореографов. На основах заветов Агриппины Вагановой выстроена система образования во многих других училищах. Поэтому ее след есть везде. Жалею, что на конкурсе в этот раз не была представлена московская или пермская школа. Они также исторически одни из сильнейших. А Пермское училище и вовсе родилось на базе Академии Вагановой или как тогда ее называли, Ленинградское училище. Эфир оживил бы соперничество таких похожих по уровню мастерства школ, было бы интересно находить отличия и разную подачу.

А.А. - «Большой Балет» - это все-таки конкурс. Но в Вашей жизни конкурсы были не столь частым явлением. Соревнования не слишком привлекали Вас?

Д.В.
- Действительно, я не так много участвовала в балетных конкурсах. Хотя один из них, Приз де Лозанна, стал для меня судьбоносным. После него про меня узнали на западе, а в театре еще во время студенчества доверили исполнить роль Китри в «Дон Кихоте». Это была невероятная честь и ответственность. Именно это во многом определило мой дальнейший путь.

Конкурсы дают возможность широты взгляда. Помню, в Лозанне я впервые вживую, не на кассете, увидела, как исполняют хореографию Джона Ноймайера или Матса Эка. В Академии Вагановой не было класса современного танца, а здесь он считался нормой. Все это перевернуло меня, я поняла, что не хочу быть только в классическом репертуаре, мне нужно выходить за границы предоставляемых возможностей.

В конкурсах меня всегда настораживал тот факт, что молодой артист рискует остаться лишь конкурсным исполнителем. Что он только спринтер, не марафонец, способен собраться для короткого выступления, а не вести весь спектакль. Поэтому я не приветствую, когда артисты стремятся принять участие в как можно большем количестве конкурсов. Во всем нужна мера и понимание, а для чего ты это делаешь, что тебе это дает. Ведь награда далеко не всегда означает признание, статус и новые роли.

А.А. - Участники «Большого Балета» часто признаются, что не все конкурсные дни даются им одинаково легко. Кому-то тяжелыми кажутся сольные выходы, а кто-то испытывает волнение перед вечером современной хореографии. А какой этап Вы считаете самым сложным?

Д.В.
- Трудно сказать однозначно, все индивидуально. Телевизионный формат в целом непростой. Камера настолько близко, что выхватывает самые мелкие детали мимики и жестов. Артист как никогда оголен, он должен держать лицо, быть органичным в кадре. Но такой опыт закаляет. Съемка крупным планом очень помогает увидеть собственные ошибки даже не в смысле техники, а именно исполнительского мастерства, артистизма, подачи себя на сцене.

Если говорить в целом о том, какой жанр в танце сложнее, то я бы не стала так выделять, здесь невозможно сравнивать. В классической и современной хореографии разные подходы в работе. В классике ты воздушен, должен создавать ощущение эфемерности, мечты. Не говорю уже о технической стороне, ведь классика делает балерину таковой, это крепкий стержень.

В современной хореографии все идет от твоего нутра, внутреннего мира. Кому-то это сложнее дается, ведь заглянуть в себя, вытащить эмоции на сцене очень непросто.

В моем репертуаре одним из самых интересных и непростых опытов стал моноспектакль Каролин Карлсон «Женщина в комнате». Действие длилось сорок минут, на протяжении которых я ни разу не уходила со сцены. Сначала мне казалось, что это невозможно, я не смогу удержать внимание зала. Да и физически это непросто. Но Каролин верила в меня, мы много работали. И в итоге я очень уверенно и свободно чувствовала себя в спектакле, он стал одним из самых любимых в моем репертуаре.

А.А. - В 2020 году пандемия коронавируса изменила все планы. Артистам, организаторам фестивалей пришлось быстро приспособиться к непростым условиям. Это коснулось и Вашего фестиваля «Context». Опыт этого года будет использоваться в дальнейшем?

Д.В.
- Этот год с удвоенной силой аккумулировал наши творческие идеи, ускорил те процессы развития фестиваля, к которым мы шли. В первую очередь это касается создания собственной онлайн-платформы live.contextfest.com. Она дала нам возможность провести большую часть параллельной программы с мастер-классами и лекциями, которую мы не смогли осуществить вживую. Особенно горжусь тем, как мы сделали трансляцию Вечера молодых хореографов. Его мы смогли успеть показать вживую на сцене в «Гоголь-центре». Трансляция была выстроена таким образом, что зритель мог видеть приготовления артистов за сценой, моменты закулисья, обычно скрытые от посторонних глаз. В итоге трансляцию посмотрело около 100 тысяч человек!

Также мы показали запись спектакля Алексея Мирошниченко «Шахерезада», в котором я должна была выступить в рамках фестиваля. Постановку мы обязательно покажем вживую, но интернет позволил увидеть ее еще большему количеству зрителей из самых разных стран и городов. И в этом главный плюс режима онлайн.

Опыт таких показов и в целом составления программы для digital мы точно будем развивать дальше. Мир изменился окончательно. Сегодня время синтеза разных жанров. Конечно, ничто не заменит живого спектакля и аплодисментов в зале, но перед театрами сейчас стоит вопрос, а как сделать так, чтобы танец был создан с учетом показа только онлайн? Это предполагает иные подходы к съемке и в целом мысли движения в пространстве. Я вижу в этом естественную эволюцию искусства. Это очень интересный процесс.

А.А. - Вы прекрасно совмещаете несколько амплуа: и артистки, и организатора. А о своем собственном спектакле когда-нибудь мечтали?

Д.В.
- Никогда не видела себя в роли хореографа. Я в полной мере реализуюсь как артист, мне интересен процесс сотворчества с постановщиком, познание себя в этом, расширение духовных границ. И сегодня мне хочется делиться накопленным опытом, я постепенно перехожу к педагогической деятельности. Даю мастер-классы, провожу открытые уроки в своей студии Studio Context, а также по приглашениям в других театрах во время моих гастролей. Сейчас я являюсь доцентом кафедры режиссуры балета в Санкт-Петербургской консерватории, где также периодически даю уроки по сценическому мастерству. С учениками мне интересно работать уже непосредственно над ролью.

Поэтому и в «Большом Балете» мне казалось важным рассказывать о той или иной партии, объясняя, как я ее чувствую, какие акценты важно уловить, как выстроить дуэт с партнером, как найти себя в партии. В своем становлении как педагог и я вижу еще и свой долг перед моими учителями. Ведь знания передаются из ног в ноги, как у нас принято говорить.

А.А. - Кажется, Вы исполнили все главные балетные партии. Но есть ли то, что Вам пока не удалось осуществить на сцене?

Д.В.
- В классическом репертуаре я, действительно, многое успела за свою творческую карьеру. Поэтому постепенно отхожу от ролей Жизели или Джульетты. Но в современной хореографии для меня открывается масса возможностей, это новый этап. Работа с Охадом Наарином, Каролин Карлсон, Марко Гекке, Эдвардом Локом, Полом Лайтфутом и Соль Леон, с артистами труппы Марты Грэм и многими другими показала мне главное - жизнь артиста в современном танце не имеет границ!


Не пропустите специальный выпуск проекта «Большой Балет» 19 декабря в 15:30!
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Дек 15, 2020 10:07 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020121501
Тема| Балет, Пермский театр оперы и балета имени П.И. Чайковского, XVI-й конкурс «Арабеск», Персоналии,
Автор| Александр Максов
Заголовок| Вошел в историю особой строкой
Где опубликовано| © Портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2020-12-14
Ссылка| https://musicseasons.org/voshel-v-istoriyu-osoboj-strokoj/
Аннотация| КОНКУРС

Грозный covid-19, словно коварная Фея Карабос, вступившая в борьбу с Феей Сирени, решил потягаться со светоносной музой танца. Но подобно доброй Фее Сирени, Терпсихора и на этот раз заставила Зло отступить. Роль покровительницы балета сыграли директор пермского конкурса «Арабеск» Елена Завершинская и ее соратники. Из-за пандемии им пришлось отменить открытие конкурса в первоначальные сроки, когда уже подготовка к нему практически завершилась и получившие билеты участники были готовы отправиться в путь.

Не желая сдаваться, организаторы конкурса, проводимого в XVI -й раз, начали всю работу заново, находясь в режиме напряженного ожидания развития событий. Ох, какое это было тревожное время! Ура! Смещенный во времени почти на полгода «Арабеск» все же стартовал. Правда, не без потерь. Прежде всего, это коснулось количества конкурсантов, поскольку принять участие в творческом соревновании не смогли все жаждущие за пределами российских рубежей. Впрочем, нет худа без добра: теперь жюри получило возможность пристальнее вглядеться в каждого конкурсанта, проявляя максимум терпения и выдержки. Второй особенностью конкурса стало отсутствие зрителей в зале. Дирекция конкурса и театр оперы и балета имени П.И. Чайковского крайне ответственно подошли к выполнению всех требований роспотребнадзора и Губернатора Края. Каждый прибывший на конкурс участник и гость должен были предъявить справку об оптимистическом результате теста на коронавирус. Что уж говорить о том, что обязательным было измерение температуры при входе в здание, санитайзеры и непременное ношение масок?! Однако и тут нашлось место для оптимизма. Отсутствие зрителей в зале компенсировали первой в истории конкурса online трансляцией туров, которая невообразимо расширила зрительскую аудиторию.


Лири Вакабаяси и Кубаныч Шамакеев (pas de deux Китри и Базиля)
Фото Андрея Чунтомова.


Любовь к балету и сама интрига соперничества актерских амбиций привела к тому, что в нашей стране, да и в мире, количество балетных состязаний многократно размножилось. Любой конкурс старается создать у себя благоприятную атмосферу, способствующую максимальному творческому раскрытию потенциала каждого участника. Но то, как это делают в Перми невозможно ни с чем сравнить. Речь даже не о безупречной организации самого мероприятия, четкого расписания репетиций и просмотров. Сходя с трапа самолета, уже ощущаешь эту неформальную заботу, в которой устроители не только продумали все бытовые детали жизни в конкурсные дни, но и проявляют ежеминутную готовность пойти навстречу пожеланиям гостей. Удивительно, как органично подобрана команда Завершинской. Ее коллеги – руководитель Департамента управления проектами театра Анна Касимова, ответственный секретарь дирекции конкурса Юлия Артемова, дневавшие и ночевавшие в штабном номере отеля сотрудники конкурса, а также волонтеры, опекавшие участников – все объединены не просто умением работать, но и искренним желанием сделать максимально возможное, чтобы пребывание на пермской земле счастливо запомнилось.

Мало им проблем, непосредственно связанных с конкурсными мероприятиями, так еще взвалили на себя заботы по обогащению содержательности внеконкурсной программы. С этой целью организовали выставку «Балерины Дега на марках» из личной коллекции Н. Левкоевой и чудесную экскурсию в Белогорский монастырь.

Создание доброжелательной и теплой атмосферы трудно переоценить, поскольку конкурс есть конкурс, здесь неминуемы радость победы и грустное разочарование. Конечно, побежденных на «Арабеске» не бывает. Каждый участник не просто получает свой шанс, но и оказывается в выигрыше, поскольку сама подготовка, размышление над программой и репетиции позволяют молодежи подняться над собой в профессиональном отношении.

Жюри конкурса, возглавляемое Владимиром Васильевым, предельно внимательно отнеслось к каждому конкурсанту. Как важно для них мнение этих авторитетных деятелей хореографии – балетмейстеров, артистов, педагогов: народных артистов России Юрия Петухова, Татьяны Предеиной, заслуженной артистки РФ, прима-балерины Большого театра Марианны Рыжкиной, художественного руководителя Пермского государственного хореографического училища Владимира Толстухина, руководителя балетной труппа Пермского театра Антона Пимонова, Пожалуй, впервые за судейским столом оказался представитель ультрасовременных жанров танцевального искусства. Это хореограф и продюсер Александр Могилев.

Еще одна особенность, отличающая «Арабеск» от всех мировых конкурсов – наличие жюри прессы, в которое вошли видные балетоведы и критики: Сергей Коробков (председатель), Наталья Левкоева, Виолетта Майниеце, Ольга Розанова и автор этих строк.

Оптика обоих жюри позволила с разных сторон оценить выступления конкурсантов, и хотя часто взгляды практиков и теоретиков совпадали, все же круг награжденных был значительно расширен.

Конкурс, прошедший под знаком юбилея Владимира Васильева открылся премьерой его балета «Анюта» в исполнении пермской труппы. В этот день сделали исключение, и театр, с учетом шахматной рассадки, был переполнен. Сам Владимир Викторович вышел в роли Петра Леонтьевича, явив поистине незабываемое чудо искусства. Космос русской души! Васильев наслаждался сценой, до слез взволновав публику психологической достоверностью актерской игры.

Да, высокая художественная планка была задана, и тем разительней оказались дальнейшие впечатления от сцены, на которой желания удивить трюком порой разрушало гармонию танцевальной речи.

Конкурсную борьбу начали участники младшей возрастной категории. Бесспорно, у воронежской ученицы Тамиллы Шишкаловой (вариация Царицы вод из «Конька-горбунка»), и представительницы Аргентины Каролины Моисеевой (вариация из «Grand pas classique») еще есть некоторый запас времени для того, чтобы отточить технику и внимательнее сфокусироваться на образной стороне танца. Ну а студенту пермского хореографического училища Льву Пономареву еще просто рано было браться за вариацию Альберта («Жизель»). Ведь он, пока с трудом справляющийся с волнением, все же лучше исполнил вариацию Колена («Тщетная предосторожность»). Выписывала «синусоиду» и челябинка Дарья Ладыко, которая произвела хорошее впечатление в сложнейшем solo Раймонды, но снизила его исполнением вариации из «Pas de quatre».

Конечно, здесь вновь встал вопрос о верности выбора конкурсной программы, а его уже приходится в который раз адресовать наставникам молодых артистов.

Среди «юниоров» в лучшую сторону выделились пермяки Юлия Хрусталёва (вариация из «Тирольского pas de deux) , Дарья Быкова (вариация с колокольчиками из «Бахчисарайского фонтана»), Марат Сафин (pas de deux из балета «Коппелия»).

Татьяна Коновалова из Челябинска исполнила вариацию Аспиччии («Дочь фараона») не только уверенно технично, но и выразительно. Представители Московской государственной академии хореографии Иван Сорокин (вариация из «Grand pas classique») и Богдан Плешаков (вариация Франца, «Коппелия») сразу приковали к себе внимание, заставив с интересом ожидать их дальнейших выступлений. И, забегая вперед, скажу – не разочаровали.

Вполне естественно, соревновательный градус повысили участники старшей возрастной группы. В числе лидеров оказались москвичи: хрупкая Александра Криса (pas d`esclave «Корсара»), лучезарная Наталья Пивкина (вариация Авроры, «Спящая красавица»), мечтательно-сдержанная Ксения Ринг (вариация Маши, «Щелкунчик»). Смело ринулись в бой, блеснув темпераментом, Мушег Аветисян (вариация Люсьена, «Пахита») и Арутюн Аракелян («Пламя Парижа») – оба представлявшие Россию и Москву.

Во второй тур жюри перевело по четырнадцать танцовщиков из каждой возрастной группы. Теперь, требования к артистам еще более ужесточились. «Чистоту» школы настоятельнее требовалось обогатить совершенством формы, музыкальностью, артистизмом. Кому же лучше удалось придать танцу художественный абрис? Грациозной пермячке Виктории Снигур («Талисман»). Ее однокашнице Дарье Чугуновой (вариация Авроры, «Пробуждение Флоры»), пермскому танцовщику финну Расмусу Алгрену (вариация Зигфрида, «Лебединое озеро»).

С другой стороны, обязательное исполнение на втором туре номера современной хореографии позволило жюри рассмотреть в конкурсантах умение забыть академические каноны и раскрепостить тело, выразив пластикой заложенную хореографом мысль. Здесь преуспели Ульяна Мокшева и вышеупомянутый Расмус, исполнившие дуэт Павла Глухова «Врастая в землю» (музыка К. Монтеверди), обескуражившая в классическом разделе Полина Завьялова («Не судьба», хор. Ольги Герасимовой, муз. Инны Желанной), Елизавета Таранда («Трепет» хор. Андрея Меркурьева, муз. И.С. Баха), Камилла Исмагилова и Субедей Дангыт («Не там», хор. Дарьи Вергизовой, муз. Ф. Гласса).

Третий тур, сокративший численность соревнующихся до восьмерых «юниоров» и девяти «сеньоров» обострил борьбу. И здесь, наконец, следует рассказать о тех, кто еще не был упомянут. Прежде всего назовем пермячку Диану Товтын (вариация Одалиски, «Корсар»), и, конечно, японку Лири, Вакабаяси в дуэте с кыргызом Кубанычем Шамакеевым (pas de deux «Диана и Актеон»). Как и Иван Сорокин, Александра Криса и Наталья Пивкина эта замечательная пара с самого начала стала фаворитом конкурса. Танец Лири и Кубаныча рождал образ, восхищал стабильностью техники. Увлекая, он заставлял следить за эволюциями хореографии и живо следовать за ее эмоциональными переливами. Столь же властным было блистательное исполнение Ильдаром Тагировым собственной хореографической новеллы «Ратютю» (муз. Ибрахима Маалуфа). Конкурсы современной хореографии и ее исполнителей проходит в рамках основного конкурса, но выделен в специальные разделы «Арабеска». Здесь, далеко не каждое произведение вызывало отклик, но это как раз было порождено драматическим воображением автора-исполнителя и выпестовано глубоким пониманием театральных законов.

Итак, основные конкурсные награды распределились следующим образом:

Младшая группа

Первая премия (девушки):
не присуждена

Первая премия (юноши):
не присуждена

Вторая премия (девушки) поделена между:
Снигур Викторией (Россия, Пермь)

Товтын Дианой (Россия, Пермь)

Вторая премия (юноши):
Сорокин Иван (Россия, Москва)

Третья премия (девушки) поделена между:
Чугуновой Дарьей (Россия, Пермь)

Мокшевой Ульяной (Россия, Пермь)

Третья премия (юноши):
не присуждена



Старшая группа

Первая премия (женская):
не присуждена

Первая премия (мужская):
Шамакеев Кубаныч (Кыргызстан)

Вторая премия (женская):
Вакабаяси Лири (Япония)

Вторая премия (мужская):
Дангыт Субедей (Россия, Кызыл)

Третья премия (женская) поделена между:
Крисой Александрой (Россия, Москва)

Исмагиловой Камиллой (Россия, Казань)

Третья премия (мужская) поделена между:
Алгреном Расмусом (Финляндия)

Сафиным Маратом (Россия, Пермь).

=======================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Янв 04, 2021 10:04 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Дек 15, 2020 10:24 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020121502
Тема| Балет, театр «Царицынская опера», Премьера, Персоналии, Людвиг Минкус, Алексей Михеев, Маргарита Тараканова
Автор| Наталия Ермилова
Заголовок| «Дон Кихот» сорвал овации на сцене «Царицынской оперы»
В Волгограде состоялась премьера классического спектакля Людвига Минкуса.
Где опубликовано| © Volganet.net
Дата публикации| 2020-12-15
Ссылка| https://volganet.net/2020/13496/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Большая премьера состоялась в Волгограде 11 и 12 декабря. Театр «Царицынская опера» представил спектакль Людвига Минкуса «Дон Кихот», которому зрители аплодировали стоя.

Как рассказали Volganet.net в «Царицынской опере», балет «Дон Кихот» по праву входит в пятёрку самых знаменитых балетов мировой классики, оставаясь одним из наиболее любимых зрителями спектаклей. Однако в полной, классической версии его поставит далеко не каждый театр: сложные сольные партии могут исполнить только выдающиеся артисты балета.

На главную роль Базиля «Царицынская опера» пригласила премьера Саратовского театра оперы и балета Алексея Михеева, который признался, что в техническом плане роль цирюльника – одна из самых сложных, поскольку включает большое количество прыжков и вращений.

Партию главной героини Китри блестяще исполнила ведущая солистка театра «Царицынская опера» Маргарита Тараканова. Во втором составе зрители увидели артистов балета волгоградского театра Дмитрия Агафонова и Викторию Иржигитову. Лучшие качества странствующего рыцаря и неискоренимого романтика на сцене воплотил Григорий Глинский, исполнив партию Идальго Дон Кихота.

По словам Григория, самым сложным было донести до зрителей эмоции героя, который своим идеализмом и комичностью не вписывается в современное восприятие действительности.

– Полномасштабную классическую постановку «Дон Кихота» можно увидеть в ведущих театрах мира, а теперь и в театре «Царицынская опера», – рассказала главный балетмейстер театра «Царицынская опера» Татьяна Ерохина. – Этот балет сложный как в постановке, так и в хореографии. Но это жизнеутверждающий спектакль, который необходимо просмотреть всем. Он красочный, весёлый, задорный, полный ярких хореографических решений. А великая музыка Минкуса прекрасно раскрывает эмоции и образы на сцене.

– Мы счастливы, что теперь в репертуаре нашего театра есть один из самых искрометных и ярких спектаклей, – поделился эмоциями директор театра «Царицынская опера» Леонид Пикман. – В полной классической версии «Дон Кихот» погружает нас в атмосферу праздника и веселья, при этом спектакль сочетает в себе классический балет и характерный танец. Приглашаем всех зрителей, не попавших на премьеру, посмотреть балет в конце новогодних праздников.

Добавим, что постановка классического балета «Дон Кихот» – большое событие для города и региона.

Редакция портала Volganet.net поздравляет «Царицынскую оперу» с блестящей премьерой.

Фото: театр "Царицынская опера"
========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7  След.
Страница 2 из 7

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика