Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2020-11
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22899
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Ноя 25, 2020 11:55 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112501
Тема| Балет, театр «Астана Балет», Премьера, Персоналии, Айнур Абильгазина, Джордж Баланчин, Рикардо Амаранте
Автор| Таша Нойер
Заголовок| Торжество танцевальной классики
В театре «Астана Балет» состоялся вечер классического балетного искусства.

Где опубликовано| © Республиканская газета «Казахстанская правда»
Дата публикации| 2020-11-24
Ссылка| https://www.kazpravda.kz/fresh/view/torzhestvo-tantsevalnoi-klassiki
Аннотация| вечер балетного искусства



Столичный коллектив представил три произведения: премье­ру классического дивертисмента «Триумф» хореогра­фа Айнуры Абильгазиной, одноакт­ный балет «Серенада» Джорджа Баланчина и фрагмент из балета Diversity Рикардо Амаранте.

Любители высокого искус­ства смогли насладиться произведениями Петра Чайковского, Антонио Вивальди, Людвига Минкуса, Александра Глазунова, Сергея Рахманинова, Шарля Гуно и Камиля Сен-Санса в исполнении симфонического оркестра под руководством дирижера Армана Уразгалиева.

– На мой взгляд, это очень хорошая практика, когда театр предоставляет свои творческие силы и площадку для молодых талантливых хореографов. Дивертисмент Айнуры Абильгазиной «Триумф» поставлен на музыку Чайковского – Сюиту для оркестра № 3. Это яркое, отличающееся от первых двух сюит широтой и размахом произведение. Для постановки Айнура использовала финал сюиты, который написан в форме тем с вариациями. В этих частях есть большое скрипичное соло, оно демонстрирует прекрасные звуковые и технические возможности солистов, которые его исполняют. В нашем случае это прекрасная скрипачка Каламкас Джумабаева, – поделился эмоциями маэстро Арман Уразгалиев.

Ведущей солистке театра «Астана Балет» Айнуре Абильгазиной ранее доводилось ставить сольные номера на сцене родного театра, однако «Триумф» стал ее первой крупной работой, в которой участвуют порядка 20 артистов. Обратившись к канонам классического танца, хореограф создает дивертисмент, соединив в нем изящество, утонченность и возвышенность.

– Эта работа – воспевание классического искусства, ведь классический балет – начало начал всех направлений и стилей. Мне хотелось отдать дань русской балетной школе и показать, какое прекрасное настоящее мы имеем сегодня. Очень благодарна руковод­ству театра за предоставленную возможность и веру в меня как хореографа. И конечно, спасибо артистам за проявленное уважение и поддержку, – отметила хореограф Айнур Абильгазина.

Подготовка к премьере шла в усиленном темпе: в репетиционных залах артисты разучивали новую хореографию, костюмеры готовили к показу костюмы из репертуарных спектаклей, а в пошивочном цехе создавался, пожалуй, один из самых ярких символов балета – классичес­кая пачка.

По словам мастеров пошивочного цеха, на изготовление одной балетной пачки из десяти слоев может уйти от 14 до 16 м специальной ткани – жесткого тюля. Мужчин же по всем канонам классического балета одели в балетные трико и колеты.

Художник-сценограф хореографической миниатюры «Триумф» – Жандос Омаров, художники по костюмам – Наталья Протасова и Айнур Абильгазина. В день премьеры балета на сцене солировали Айнур Абильгазина и Уэсли Карвальо.

– Я знаю, какой это особенный момент был для Айнуры, и старался поддерживать ее не только на сцене, удерживая в воздухе, но и морально – за кулисами, – поделился солист театра «Астана Балет» Уэсли Карвальо.

Пятнадцатиминутная поста­новка оказалась насыщенной сложными поддержками и вращениями. И артисты в очередной раз доказали, что им подвластны любые танцевальные жанры, будь то неоклассика, контемпорари, модерн или основа основ – классический балет.

Вечер классического балета прошел с большим успехом, несмотря на небольшое число людей в зале, обусловленное правилами санитарно-эпидемиологических норм. Особо бурные аплодисменты получил оркестр под руководством Армана Уразгалиева.

В декабре поклонников столичного театра ожидают показы традиционных предновогодних представлений – «Золушка» и «Щелкунчик».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22899
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Ноя 25, 2020 12:15 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112502
Тема| Балет, Башкирский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Дмитрий Шостакович, Иван Васильев
Автор| Вероника Кулагина
Заголовок| Шостакович, война, балет
Где опубликовано| © Журнал PRO Танец
Дата публикации| 2020-11-20
Ссылка| https://clck.ru/S8Anb
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Самым востребованным композитором на балетной сцене, к памятным датам Великой Отечественной войны, неизменно становится Д.Д. Шостакович. «Ленинградская симфония» и в этом, юбилейном, году должна была прозвучать к 9 мая на различных сценических площадках, но помешал COVID-19. Спектакли, запланированные на весну, стали один за другим выходить осенью. В Красноярском театре оперы и балета, в сентябре 2020 года, режиссер Сергей Бобров и хореографы Олеся Алдонина и Наталья Боброва предложили свой вариант «Ленинградской симфонии», создав диптих на музыку Дмитрия Шостаковича и Dies Irae Алексея Сюмака. В ноябре, в Самарском театре оперы и балета, в рамках «Самара Шостакович Балет I: вечер балетов на музыку Дмитрия Шостаковича», был показан перенесенный из Мариинского театра исторический балет Игоря Бельского, хореографа, впервые обратившегося к музыке первой части Седьмой «Ленинградской» симфонии до мажор (1941, Op. 60), и также в ноябре, в Башкирском театре оперы и балета вышел опус хореографа и либреттиста Ивана Васильева на музыку I, III и IV частей Симфонии под названием «1418». Цифры, заботливо подсчитанные автором, означают количество дней войны. Присутствие Шостаковича в уфимском балете чисто номинальное: играла фонограмма. Чрезвычайно любопытно, как звучал бы оркестр под управлением Артёма Макарова, но весь его коллектив на карантине до декабря. Оформил спектакль Иван Складчиков, броско и графично изобразив геометрию Ленинграда, он метафорично превращает висящие шеренгой золотые канаты то в ограды садов и парков, то в тюремные решетки фашистских застенков.


Сцена из балета «1418»

Незатейливое либретто спектакля, состоящего из двух взаимосвязанных, по мнению автора, действий повествует о двух парах – молодой (первый акт) и ветеранов войны (второй акт). Фабула первого, названного «Соседи», проста – Девушка (Лилия Зайнигабдинова) и Рокер (Сергей Бикбулатов), натурально соседи по лестничной клетке, встречаются, влюбляются, какое-то время, как и положено приличным влюбленным, изнывают от любви поодиночке, оглаживая себя и мечтательно закатывая глаза, но, к счастью для зрителя, довольно быстро воссоединяются. Об этом, гораздо больше хореографии, даёт понять двуспальная кровать, глубокомысленно составленная из односпальных кроватей влюбленных. На ней они и оказываются, ознаменовывая финал первого действия. Любопытны музыкальные характеристики героев: Девушке отдан разнообразный Шостакович от музыки к кинофильму «Овод» до Прелюдии № 10 (до-диез минор) из цикла «24 прелюдии», соч. 34; Рокеру вручили «Тюремный рок» Джерри Либера и Майка Столлера, «Ты – частичка меня» Коула Портера и «Чай для двоих» из мюзикла No, No, Nannete Винсента Юманса (музыка) и Ирвинга Сизара (слова). Осталось только найти рокера, который всё это действительно слушает. Хотя это мелочи, конечно.

Во втором действии разворачивается настоящий блокбастер с участием героических офицеров Красной армии и фрицев в фуражках и полной амуниции, вплоть до автоматических штурмовых винтовок. Но наши тоже не лыком шиты, они с пистолетами. Лихо крутя пируэты и вздымаясь в жете партер Юноша (Иван Васильев) с помощью «молодости, отваги и великого подвига» побеждает захватчиков и возвращается к Девушке (Валерия Исаева). Она, дожидаясь любимого, крутит фуэте и поднимает ноги в печальных арабесках. Под трагическую музыку Шостаковича, которая не столько о тех, кто вернулся, сколько о тех, кто НЕ вернётся, приезжают с фронта весёлые Юноша и его друзья. На фоне видеопроекции эмблемы серпа и молота на кумаче они воссоединяются с возлюбленными. Всё это мы видим как бы глазами Ветеранов (Гульнара Халитова и Ильдар Маняпов), которые счастливо, сидя на лавочке в парке, погружаются в приятные воспоминания.

Во всех отношениях идейно правильный спектакль Ивана Васильева заслуженно попадает в хоровод одобренных к дате государственных мероприятий. С 2020 года балетная труппа Башкирского театра перспективная, молодая, жаждущая работать, будет исполнять постановки Ивана Васильева на постоянной основе, танцовщик занял пост приглашенного главного балетмейстера театра.

Фото предоставлены пресс-службой Башкирского театра оперы и балета

============================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22899
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Ноя 25, 2020 6:31 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112503
Тема| Балет, Академия русского балета им. Вагановой, Персоналии, Николай Цискаридзе
Автор| Мария Финошина
Заголовок| «Раньше средней школы учить балету нельзя»: Николай Цискаридзе о талантливых детях, конкурентной среде и Instagram
Где опубликовано| © RT
Дата публикации| 2020-11-22
Ссылка| https://russian.rt.com/nopolitics/article/805072-nikolai-ciskaridze-intervyu
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

22 ноября на телеканале «Россия 1» стартует седьмой сезон конкурса детских талантов «Синяя птица». Одно из судейских кресел проекта вновь займёт народный артист России ректор Академии русского балета Николай Цискаридзе. В эксклюзивном интервью RT педагог рассказал, как появилась «Синяя птица» и без чего невозможно пройти отбор на конкурс. Также артист назвал оптимальный возраст для начала обучения балету и порассуждал на тему истоков нездоровой конкурентной среды в том или ином коллективе.


Николай Цискаридзе РИА Новости © Екатерина Чеснокова

— Вы в этом году, конечно, вновь в жюри «Синей птицы». Расскажите о ваших отношениях с конкурсом. Что вам особенно в нём нравится, что держит с ним?

— Это придумала всё Даша Златопольская, с которой я много лет дружу. Когда она это всё задумала, то меня позвала первым, поделилась своей идеей, рассказала, что хочет сделать, пригласила к участию. Я ей высказал какие-то свои соображения. Мы по-дружески поговорили, она с чем-то согласилась, что-то ей, видимо, не очень пришлось. В общем, как-то мы запустились. Она пригласила замечательных членов жюри мне в команду — Светлану Безродную и Олега Погудина. Нас было трое вначале.

Мы убедили (продюсеров. — RT), что нас стоит всё-таки выпустить один раз. Нам никто не верил, но уже ко второй программе были огромные рейтинги. После того, как мы запустились, и на других каналах появились подобные передачи. Но главное отличие «Синей птицы» от всего остального в том, что здесь показываются дети, которые выбрали искусство своей профессией.

Это не самодеятельность. Мы из самодеятельности детей, как правило, если берём — только тех, кто претендует дальше обучаться в профессиональных учебных заведениях и действительно свяжет свою жизнь со сценой, с выступлениями, с соревнованиями.

Во втором сезоне у нас появился ещё Денис Мацуев. Были только народные артисты России, и не просто по званию, а по призванию — мы все из вундеркиндов. Мы все были детьми, которые прошли этот путь. Вот, допустим, я и Мацуев — мы очень рано получили награды (фонда. — RT) «Новые имена», который Денис возглавляет до сих пор.

— Вы провели очень чёткую черту между самодеятельностью и профессиональной деятельностью. Вам кажется, что самодеятельность с годами, через количество, не может перерасти в качество? Ребёнок не может со временем понять, что ему это нужно?

— Вы понимаете, в чём дело... Я очень люблю самодеятельность как вид жизнедеятельности человека, когда это дополнение к вашей профессии или к вашей основной учёбе. Когда вы просто для души занимаетесь чем-то. И здесь очень чёткая грань между тем, что делается для души, и тем, что делается для профессии. Будучи ребёнком, который никогда не ходил ни на какую самодеятельность, а сразу пришёл в серьёзнейшее учебное заведение, и особенно будучи руководителем одного из главных профессиональных учебных заведений в мире, я могу вам сказать: я не люблю самодеятельность, которая претендует на профессиональные навыки.

— Вы не могли себе этого позволить в детстве?

— Я мог себе позволить. Просто моя мама была очень в этом плане гуманная, она мне дала насладиться детством. Она была педагогом, много лет наблюдала детей. Потому она сказала: «Ребёнок должен наиграться».

Мама меня не повела ни в один кружок. Она бы разрешила ходить, если бы я хотел того сам. Но она не думала, что должна сделать из меня артиста, циркача или ещё кого-то там. Просто она мне давала кругозор. А у нас сейчас многие родители не знают, как занять ребёнка. Другое дело, что и время поменялось. Никто не играет во дворе. Никто не играет в те игры, в которые мы играли. Сейчас все сидят в гаджетах. И мир немножко другой.

— Как педагог какой совет вы бы дали родителям? Как развивать таланты? Здесь, если обращаться к вашему личному опыту, прислушиваться стоит к желанию ребёнка? Или всё-таки во главе угла должно стоять прагматичное решение, расчёт родителей, что будет более перспективным, что принесёт большие заработки?

— Кому что. С моей точки зрения, если хотите принести пользу ребёнку, смотрите и выискивайте, к чему у него есть способности. Очень многие родители заставляют заниматься теннисом или футболом, потому что в дальнейшем у ребёнка может быть большая зарплата. А для этого тоже надо иметь навыки, данные. Сколько погубленных детей, и ничего из них не вырастает!

Я с мамой абсолютно согласен, что ребёнок должен наиграться. Когда я занялся балетом, мне было около десяти лет. Я к тому моменту набезобразничался, набегался, наигрался. И когда попал в учебное заведение, где моё время было занято с девяти утра до восьми вечера, совершенно спокойно, с удовольствием это делал, потому что мне нравилось. Я был очень увлечён тем, чем занялся, вот и всё.

— Десять лет. Звучит как довольно поздний возраст для начала занятий балетом. Сейчас открывается много школ, секций, куда детей принимают с двух, с трёх…

— Это катастрофа — эти школы для маленьких детей. Одно дело, когда там гимнастика какая-то, танцы, типа польки-бабочки. Но есть огромное количество шарлатанов, которые ставят детей на пуанты, заставляют их...

Я вам пример приведу. Был мальчик, который делал сложные вещи, танцевал взрослую вариацию на одном балетном канале. В «Синюю птицу» его не взяли, потому что — ещё раз говорю — мы самодеятельность не берём. И он в этом году пришёл поступать к нам в ленинградскую Академию русского балета. Мальчика не приняли, потому что у него нет никаких способностей для балета. Он уже испорчен самодеятельностью до такого состояния, что его не переучить. Мало того, у него не было хороших навыков.

Мы не берём раньше десяти лет. У нас с восьми до десяти примерно есть подготовительные группы при московской академии, при петербургской. Это было всегда. А уже на обучение мы принимаем после начальной школы, когда ребёнок переходит из четвёртого в пятый класс. Так было всегда, с царских времён и по сей день.

Раньше учить балету нельзя. Я говорю об этом много лет. Родители не слышат, ведут к этим шарлатанам. Они им врут, берут у них деньги и портят детей, портят их здоровье.

Вчера я очень долго дискутировал с одним парнем, который преподаёт в одной из таких шарлатанских групп. Он рассказывал, как они разовьют то и то... Нельзя развить. Скелет сломать нельзя. Если скелет от природы вот такой — его не заменить. Точно так же, как голос развить нельзя. Для попсы можно, для оперы — нет. С этим надо родиться.

— После завершения сезонов вы продолжаете общаться с победителями конкурса? Может, как-нибудь участвуете профессионально в их судьбе?

— Денис, я знаю, тесно общается. У него программа, у него такой девиз: «Этот номер можно провезти по стране». И он их возит. Я серьёзно занимаюсь образованием. Было несколько детей, которых мы находили на «Синей птице», и они здесь, в академии, учились. Есть дети, которые мне сами пишут. Вот, допустим, парень, грузин, Гиорги Джишкариани, один из лауреатов «Синей птицы», потрясающе играл на саксофоне. Он мне летом написал в Instagram: «Так и так, получил такую-то стипендию, уезжаю в такую-то школу (школа саксофонистов находится за границей)».

Мне очень приятно, я за ними всеми слежу. Если вижу — очень радуюсь. Потому что, действительно, значит, человек нашёл свой путь. Мало того, ещё надо отдать должное Даше. С самого начала был мой посыл ей, что мы должны поддерживать педагогов, которые их довели до этого уровня. Есть очень хорошие педагоги. У нас есть одна дама, ученики которой несколько раз выигрывали.

— Вы известны как очень строгий преподаватель с жёсткими требованиями к дисциплине. А есть ли черта, которую вы самому себе не позволите никогда перейти?

— Я просто не позволяю никому перейти уровень профессионализма. Когда мы находимся в классе, когда мы работаем, конечно, есть очень серьёзная грань. Я всем объясняю: это мой класс, и здесь только одни правила — мои. Здесь не будет правил никаких других.

Я им всегда говорю: «Я вас не просто люблю, я вас обожаю. Вы для меня — самое дорогое. Но балет я люблю больше».

И так было всегда, и по отношению к Николаю Цискаридзе тоже. Когда мы выходим из зала, когда заканчивается вот эта секунда педагога и ученика, для меня это мои самые любимые люди, самые дорогие. И моё сердце, кошелёк, здоровье — всё для них открыто, 24 часа в сутки. И даже те, кто не был моим личным учеником, а выпустился в период моего ректорства, знают, что кабинет всегда открыт, по любому поводу они могут прийти. Если я в состоянии им помочь, то всегда это сделаю.

— Я думаю, вы, как никто, знаете ответ на этот вопрос: балет — это больше талант или работа?

— Балет — это способности. Талант — это то, что появляется на сцене. Балет — это точно так же, как большая музыка, большая опера, большой цирк... Я слово «большой» употребляю в значении карьеры на высоком уровне. Это прежде всего сочетание уникальных способностей природных и гигантского количества труда и везения. Если нет этих трёх совпадений — до свидания. Хоть один компонент отсутствует — не получится.

— В балете очень жёсткая конкурентная среда. Вы не раз говорили, что вам самому устраивали бойкоты, куда-то пропадали ваши вещи. И про битое стекло в пуантах все эти истории мы слышали от вас, от других танцоров. В фильмах это видим. Нет дыма без огня — наверное, так оно и есть в реальности. Эта среда появляется с самых первых лет обучения? И вообще, почему она появляется?

— Понимаете, это везде есть. Единственное, что могу вам сказать как педагог, руководитель школы и как артист балета: вся гадостность ребёнка идёт из семьи. Простите, но здесь: а) генетика; б) нравы в семье. Если ребёнок вырос в семье, где он видит одни скандалы, где мать обманывает папу, где отец обманывает мать, — всё это будет повторено. Это я вам говорю на 100%.

— Если вы как преподаватель замечаете такие моменты, скажем, откровенной жестокости, подлости по отношению к сокурсникам в своих учениках, вы это пресекаете?

— Я пресекаю. Но я могу только предупредить. Потому что всё равно человек поступит сообразно своему... У меня есть пример: один из моих учеников, в которого я вложил гигантское количество времени, любви, — стукач. Такой известный в Большом театре сейчас стукач. И делает очень неплохую карьеру, по его разумению. Она для меня неприемлема. И главное, что она не обоснована его способностями. Всё зиждется на стукачестве и подлостях.

— Даже способному человеку такую подлость не сможете простить?

— Простить — нет, я этому человеку никогда уже не смогу. Но что сделать? Тот человек, о котором я вам говорю, он, слава богу... ну, знаете, средней паршивости. Там способности очень простые. Как говорила Майя Плисецкая: «Мужик хорош лишь тем, что большой». К сожалению, когда есть реальный талант и человек подонок, меня рядом не будет. Но, как мы знаем, Пушкин написал: «Гений и злодейство — две вещи несовместные».

Самые большие артисты не бывают подонками, стукачами, лжецами. Они, как правило, очень раненые люди, но очень порядочные. А вот этот «середняк» пошёл на все подлости, которые возможны. Я вам даже описать не могу. Человек лжёт 24 часа всем: родителям, руководству, тем, с кем живёт, с кем дружит.

— Самое большое ваше разочарование в жизни — это?..

— Подлость. Знаете, была очень интересная вещь. Когда у меня начались трудности в Большом театре... ну, как бы руководство объявило: «Гнобим, унижаем, уничтожаем». По приказу определённое количество педагогов (подчёркиваю — педагогов!) подписало против меня бумаги. Точно так же, как они подписывали в советское время против Мариса Лиепы, Майи Плисецкой, Галины Вишневской.

С одной стороны, мне было безумно приятно, что меня в одну секунду возвели в ранг уже неумирающих и я моментально попал к великим артистам. Сразу понятно — статус подтвердился окончательно.

Но я с этими людьми провёл массу времени. С некоторыми из них танцевал, кто-то был моим педагогом, кто-то — коллегой. И я, с одной стороны, понимаю, почему каждый из них так поступал: кто-то из зависти, кто-то из-за детей, кто-то из-за того, что боится увольнения. Четыре человека только встали и сказали «нет». Четыре.

— Хотелось бы немного поговорить о современном искусстве. Как человек традиционной культуры, как вы относитесь к современным её проявлениям? Театральные перформансы, рэп-баттлы, стрит-арт... Вас это увлекает, привлекает?

— Когда есть талант, вы хотите, не хотите — будете человека слушать, смотреть. Нравится вам эта тенденция или не нравится.

Когда появился такой серьёзный рок... Был же период моего детства, оно пришлось на диско. Вдруг диско стало сменяться роком. Очень много рок-групп пошло серьёзных. И появился... я не могу сказать, что я был в восторге от этого, но был Фредди Меркьюри, были Queen. Я не знаю почему, но я их слушал. А это талантливо безумно. И посмотрите... тогда было очень много рок-групп. Прошло уже 30 лет, мелодии и цитаты Фредди Меркьюри и Queen каждый человек знает, а всё остальное кануло в Лету. Конечно, сейчас рэперов очень много. Опять-таки пройдёт 30 лет, мы с вами, дай бог, будем разговаривать и вспомним только две-три композиции. Остальное канет в Лету.

Понимаете, когда это по-настоящему талантливо, ты запоминаешь, реагируешь на это.

— Продолжая тему современности. Благодаря соцсетям традиционно достаточно закрытая балетная среда стала доступна зрителю. Юные балерины выкладывают фотографии, видео. А как вы относитесь к этому обнажению, к этому бэкстейджу?

— Вы знаете, что интересно... Я вам пример приведу.

Я во время карантина зачекинился. У меня есть аккаунт в Instagram, и я стал юным блогером. Я не пишу про салаты и про нижнее бельё. Я что-то всё время пытаюсь придумать интересное. И благодаря Instagram я вижу многих ребят, которые учатся у меня в академии. И всё время думаю: «Господи, какая способная девочка, какой способный мальчик! Как же я мог не заметить!» Прихожу в класс посмотреть... и мне становится смешно.

Дело в том, что эта виртуальная жизнь не имеет ничего общего с реальной. И вот там, в Instagram, это кажется милым. Но посмотришь и понимаешь: «Господи, два — в лучшем случае! Вообще, это минус четыре».

Сейчас многие родители платят каким-то менеджерам, которые раскручивают их детей. Но дело в том, что сцена, серьёзное искусство, не имеют ничего общего с рекламой. Масса моих коллег не вылезают из телевизора, Instagram, «глянца». Вы, журналисты, всё равно звоните Николаю Цискаридзе. У меня нет директоров, пиар-агентов, но я с 1992 года без остановки даю интервью.

— В одном из интервью вы говорили, что с той же неожиданной лёгкостью для вас, с какой вы закончили танцевать, выступать, вы можете закончить и преподавательскую деятельность.

— Абсолютно.

— Тогда где мы сможем увидеть Николая Цискаридзе после этого?

— На диване. Да ничего нет лучше! Я так благодарен карантину... он мне показал, какой я счастливый человек. Мне никто не нужен! Мне не нужны театры, у меня этого всего было в жизни очень много. Тем более в нынешний театр мне ходить не хочется, потому что исполнительское мастерство упало на низкий уровень.

Опять-таки благодаря карантину все театры себя обнажили и уничтожили. Они стали транслировать нынешние спектакли и уничтожили репутацию навсегда. И настоящие меломаны, балетоманы начинали тут же искать это в хорошем исполнении: спектакли 1970-х, 1980-х, 1960-х. Потому что невозможно слушать эти «Травиаты», смотреть эти «Дон Кихоты» и «Лебединые озёра» в плохом исполнении. Это плохо, люди. Это очень-очень плохо.

Потому я подумал: боже, какое счастье — у меня есть диван, книги, у меня есть интернет. Что мне ещё в жизни надо? Люди, с которыми я дружу, с которыми хочу видеться, с которыми хочу каких-то любовных взаимоотношений, у меня тоже есть.

— Много раз уже прозвучала тема драмы, тема актёрства. Вряд ли мы увидим Николая Цискаридзе — актёра?

— А кто его знает? Всё возможно, но с этой фамилией и именем я на сцену никогда не выйду. Только в балете. Я считаю неприличным, когда люди тиражируют своё имя для привлечения в другой профессии. Николай Цискаридзе — это один из лучших классических танцовщиков в мире.

— Бренд...

— Да, это в белом трико принц. А когда человек с очень громким именем просто зарабатывает тем, что читает какие-то стишки и играет какую-то пьесу и благодаря своему громкому имени привлекает народ — нет. Если я на такую глупость решусь — возьму псевдоним. Потому что это мне интересно, и этому я начну учиться с нуля. Это профессия.

Мои друзья, очень близкие мне люди, — это Алиса Фрейндлих, Марина Неёлова, Роман Григорьевич Виктюк, я много провёл с ним времени. Я очень дружил с Наташей Курдюбовой и вообще со всем блистательным коллективом Театра Фоменко, со Светланой Крючковой. Я много общался с Аллой Сергеевной Демидовой, с Константином Райкиным. Это величайшие артисты. Это глыбы, это профессия. Как можно себе позволить пойти на этот же путь, не понимая, что тебе надо учиться с нуля?

— Когда вы выступали, вы задумывались о том, чтобы уехать за рубеж?

— А зачем задумываться? Меня очень часто приглашали, но мне не нравилось. Я очень рано в своём детстве попал на орбиту с аристократией. В разных странах. И я понял одно: не хочу быть эмигрантом и никогда им не буду.

— В Американском театре балета, который был основан русским эмигрантом и всегда тесно связан с русской хореографической школой, практически не осталось русских солистов и ведущих танцовщиков. Кто-то говорит, что причина в том, что на фоне русских солистов остальные, при всех их талантах и прикладываемых усилиях, блекнут. А кто-то говорит — политика...

— Вы знаете, очень хорошо было придумано в Американском театре балета, в ABT (American Ballet Theatre. — RT), который в Нью-Йорке. У них было, как в зоопарке: пара латиносов, пара украинцев, пара русских, пара афроамериканцев…

— Квоты такие.

— Да, квоты. И пара обязательно из Европы... Потому что Америка — это эмигрантская страна. И, как правило, те или иные артисты продавались той публике, которая шла на них. Я не говорю о меломанах и балетоманах, которые шли просто на всех, потому что сравнивали составы. Эти продаются для Брайтона, эти для Куинса и так далее.

Потом, в России всегда было амплуа. В России всегда было так, что кривоногая короткошеяя тётка не может танцевать «Лебединое озеро», а в Америке с самого начала было можно всё. Потому что это толерантность.

В американском театре каждая исполнительница Лебедя — обязательно человек с большими физическими недостатками. И Майю Плисецкую вы там не увидите никогда. Такие люди уже не пробиваются к сцене, к сожалению.

— Вот эта толерантность привела к тому, что практически дискриминация таланта происходит...

— Да, да, да. И низвержение таланта, низвержение способностей. Обязательно, чем уродливей человек, тем больше будут писать и в Instagram, и в Facebook: «Молодец, держись, давай!» В моё время мы не могли даже представить, чтобы человек, не имеющий экстерьера, попал на какую-то роль. А в Америке чем хуже, тем он будет известнее.

Знаете, я очень обеспокоен всем этим. Потому что в области балета, классического спектакля мы были впереди планеты всей и будем впереди планеты всей.

Классический балет — русское искусство. Мы не имеем права поворачивать голову на Запад. Они должны смотреть на нас и учиться всему у нас, а мы — диктовать.


Видеоверсию интервью смотрите на RTД 23 ноября.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22899
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Ноя 25, 2020 8:28 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112504
Тема| Балет, Самарский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Дмитрий Шостакович, Юрий Бурлака, Вячеслав Хомяков, Леонид Якобсон, Максим Петров
Автор| Татьяна ПОБЕРЕЗКИНА *, Анна ЛАЗАНЧИНА **, Фото Антона СЕНЬКО
Заголовок| Шостакович-балет
Где опубликовано| © СВЕЖАЯ ГАЗЕТА. КУЛЬТУРА • № 22 (195), стр. 7
Дата публикации| 2020 ноябрь
Ссылка| https://yadi.sk/i/HdqhfNflz_9rjg
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Музыка Шостаковича звучит этой осенью в Самаре как никогда часто. Сначала – на открытом воздухе в рамках грандиозного международного фестиваля искусств «Шостакович. Самарское время DSCH», затем – на концертах в зале филармонии в исполнении самарских музыкантов и гастролирующих звезд. Теперь – в театре оперы и балета, где состоялась премьера «Самара Шостакович Балет I».


Спортивный танец Западной комсомолки и четырех спортсменов из второго акта балета
Золотой век». Хореография Леонида Якобсона


Интересно, что за все годы истории театра в его репертуаре не было балетов Шостаковича. «Золотой век» и «Светлый ручей» были исполнены на сцене театра лишь однажды, во время гастролей балета Большого театра. Зато в разное время были поставлены хореографические спектакли на музыку композитора – «Барышня и хулиган» (1966), «Ленинградская симфония», «Казнь Степана Разина» (1986). Причем, если первые два спектакля являлись переносами со столичных сцен, то «Казнь Степана Разина» была самобытной хореографической интерпретацией произведения Шостаковича балетмейстером Игорем Чернышевым, реализовавшим свой авторский замысел вместе с единомышленниками-сопостановщиками (дирижер Василий Беляков, хормейстер Валерия Навротская, художник Наталья Хохлова) и артистами труппы.

Появление нового хореографического проекта выглядит вполне закономерным и логичным. Музыкальное наследие Шостаковича – не просто яркое явление отечественного искусства, но и звуковая «летопись» истории нашей страны. Статус «запасной столицы» в годы Великой Отечественной сделал Куйбышев причастным к знаковым событиям этой истории – параду 7 ноября 1941 года и премьере Седьмой симфонии 5 марта 1942 года. Премьера балетов на музыку Шостаковича подчеркнула эту сопричастность.

Вечер балета состоял из трех отделений. Первое представляло собой дивертисмент из отдельных хореографических номеров, поставленных разными балетмейстерами. Перед зрителями словно промелькнули десятилетия ХХ века от 30-х до конца 90-х годов, воплощенные через призму эстетических пристрастий и личных вкусов хореографов.

Яркое впечатление произвел первый номер на музыку второй части Десятой симфонии. Хореографическую идею Игоря Бельского воплотила в танце Анастасия Тетченко. Палачи-инквизиторы не смогли уничтожить аллегорическую Свободу: женственная и хрупкая, она становилась сильной и мужественной, сокрушала врагов и торжествовала победу. «Трагическое скерцо» по замыслу перекликалось с «Ленинградской симфонией», что образовало драматургическую арку и отчасти придало целостность всему балетному вечеру.

На «Старой фотографии» четко проявилось «лицо» хореографа Дмитрия Брянцева, соединившего в пластике героев спортивные, бытовые и классические элементы. Сюжет этого номера вызвал ассоциации с историей «Барышни и хулигана».

Постановка Леонида Якобсона «Танец Западной комсомолки и четырех спортсменов» отсылала к образам реалистической живописи Александра Дейнеки. Акробатически виртуозную хореографию и сложные поддержки солисты самарской труппы исполнили вполне достойно.

«Праздничный вальс» не создал праздничного настроения, а показался в целом будничным. Видимо, у солистов не сложилось общего понимания и ощущения этой музыки, что не могло не отразиться на исполнении. В «Танце с зонтиками» студенты хореографического училища (колледжа) выглядели несколько зажатыми. Хореография Максима Мартиросяна, возможно, еще не до конца ими технически освоена. Юным исполнительницам не хватало легкости и ансамблевой синхронности. Тем не менее, благожелательно настроенная публика восторженно принимала каждый номер, высоко оценивая работу постановщиков и исполнителей.

Второе отделение концерта обещало сюрприз – премьеру одноактного балета «Фортепианный концерт» в постановке Максима Петрова на музыку Первого концерта для фортепиано с оркестром Шостаковича (солист – Роман Ерицев). Удивительна наша малая родина: провинциальный город Самара имеет столичные амбиции – что ни премьера, то непременно мировая (!).


• Сцена из балета «Фортепианный концерт»

Концерт для фортепиано, написанный молодым композитором, представляет собой многослойный текст, содержащий цитаты и многочисленные стилевые аллюзии. Настроение музыки постоянно меняется, как картинки в калейдоскопе: то бравурное, то сумрачное, то элегичное, то шутливо-ироничное. Молодой петербургский балетмейстер, почувствовав эту импульсивность эмоциональной жизни музыки, пытался то следовать каждому ее повороту, то создавать свою параллельную реальность. И в том, и в другом случае хореографическое решение не образовывало с музыкой гармоничного целого. Интересным показалось воплощение медленной части концерта, которое смотрелось бы более эффектно и воспринималось логичнее, если бы до конца состоялось как па-де-де. В финале запомнился центральный раздел с ярким соло трубы (Сергей Чеботаренко), воплощенный хореографом как соревнование танцовщиков.

Кульминационным стало третье отделение, в котором была исполнена «Ленинградская симфония» – точнее, первая часть Седьмой симфонии Шостаковича в хореографии И. Бельского. Бережно воссоздал постановку гениального балетмейстера Вячеслав Хомяков, которому удалось вдохнуть новую жизнь и передать сам дух этого произведения. Хореография, отражающая танцевальную эстетику 1960-х годов, смотрелась неожиданно современно. Идея осмыслить в танце трагедию войны и цену победы и ее воплощение в этом балете оказались слиты воедино. Это, видимо, и обеспечивает «Ленинградской симфонии» долгую сценическую жизнь и популярность во всем мире. Солисты и артисты балетной труппы максимально реализовали свои силы; они серьезно и ответственно отнеслись к важному моменту восстановления исторического спектакля на самарской сцене.

Наша щедрая память подбрасывает картинки того, что было более 30 лет назад: Куйбышевский спектакль 1986 года. На сцене Валентина Пономаренко и Сергей Воробьев, Елена Брижинская и Михаил Козловский, Александра Бородина и Наиль Гимадеев… Возможно, еще через 30 лет кто-то из тех, кто был в зале, сможет, глядя на сцену, вспомнить сегодняшних исполнителей – Марину Накадзиму, Сергея Гагена...

Приподнятое настроение премьеры «Самара Шостакович Балет I» было создано во многом благодаря реальному звучанию оркестра. Под управлением дирижера Андрея Данилова музыканты исполнили известные произведения не просто профессионально и корректно, но с особой проникновенностью и пониманием значимости происходящего.

Каждая премьера способствует формированию репертуара, профессиональному росту труппы. Освоение хореографии ведущих отечественных балетмейстеров ХХ века – важная профессиональная задача. Но привлекут ли названия балетов на музыку Д. Д. Шостаковича в театр нового зрителя – время покажет.

----------------------------------------------------------------
Самарский академический театр оперы и балета
Самара Шостакович Балет I
Вечер балетов на музыку Дмитрия Шостаковича

I отделение: дивертисмент из балетных номеров
Балетмейстер-постановщик – Юрий Бурлака
Художник-постановщик – Александр Пырялин (по эскизам Л. Чупятова к балету Ф. Лопухова на музыку В. Дешевова «Красный вихрь», 1924)
Художник по костюмам, художник по свету – Елена Соловьёва

II отделение: балет «Фортепианный концерт»
Художники-сценографы – Настя Травкина и Сергей Жданов
Художник по костюмам – Татьяна Ногинова Художник по свету – Константин Бинкин

III отделение: балет «Ленинградская симфония»
Балетмейстер – Вячеслав Хомяков
Художник-постановщик – Андрей Войтенко (по эскизам М. Гордона)
Художник по костюмам – Татьяна Ногинова (по эскизам М. Гордона)
Художник по свету – Александр Наумов

Дирижер-постановщик – Евгений Хохлов
----------------------------------------------------------------------------------------

* Музыковед, преподаватель Самарского музыкального училища имени Д. Г. Шаталова.
** Музыковед, кандидат искусствоведения, доцент СГИК.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22899
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Ноя 25, 2020 9:09 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112505
Тема| Балет, БТ, Татарский театр оперы им. М. Джалиля, Персоналии, Владимир Васильев
Автор| Павел Ященков
Заголовок| Большой театр завершил фестиваль в честь великого танцовщика XX века
Владимир Васильев превратил заупокойную мессу в гимн жизни

Где опубликовано| © Московский Комсомолец
Дата публикации| 2020-11-25
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2020/11/25/bolshoy-teatr-zavershil-festival-v-chest-velikogo-tancovshhika-xx-veka.html
Аннотация| Фестиваль, ИНТЕРВЬЮ

Последним спектаклем, которым Большой театр завершил свой фестиваль в честь одного из величайших танцовщиков XX века Владимира Васильева, стал балет «И воссияет вечный свет». В Москву его привёз Татарский академический государственный театр оперы им. М. Джалиля. Перед нами - титаническая по размеру и замыслу театрально-хореографическая симфония, где на сцене присутствует 144 человека: из них 62 человека - хор, 25 артистов кордебалета, 5 пар солистов балета, четыре солиста оперы и ещё оркестр!.. Впервые за всю более чем двухсотлетнюю свою историю, одно из самых главных музыкальных произведений человечества - «Реквием» Моцарта - получил театральное воплощение.


СПЕКТАКЛЬ ВЛАДИМИРА ВАСИЛЬЕВА «И ВОССИЯЕТ ВЕЧНЫЙ СВЕТ».

Этот спектакль - финальный аккорд прошедшего в Большом театре фестиваля, посвященного юбилею Владимира Васильева, который в апреле отметил свое 80-летие. В фестиваль вошли балеты «Дон Кихот», «Спартак» и «Щелкунчик», незабываемые образы героев из которых Васильев вписал в историю классического танца XX века…

«И воссияет вечный свет» - не первое обращение Васильева к такой форме спектакля, где заняты разные театральные подразделения. Ведь, по сути, в Москву с гастролями приехал не только казанский балет, но весь оперный театр в полном составе. Не менее масштабной была и предыдущая постановка для казанского театра "Dona nobis pacem" («Даруй нам мир») на музыку Высокой мессы си минор И.С.Баха.

Название "И воссияет вечный свет" - "lux aeterna" взято из строчек самого Реквиема. Это часто повторяемая на латыни фраза из заупокойной мессы: Requiem aeternam dona eis, Domine, et lux perpetua luceat eis (лат.) (Вечный покой даруй им, Господи, и вечный свет пусть светит им). Но заупокойную мессу Васильев превратил в настоящий гимн жизни!

«Я не знаю, к какому жанру можно отнести этот спектакль. Для меня это неважно. В нем - синтез разных видов искусства, объединившего все силы музыкального театра... И в то же время, это не опера-балет, потому что невозможно разделить это музыкальное целое на отдельные составляющие, даже сложенные вместе. «Реквием» Моцарта для меня – не только гениальное творение великого музыканта, создавшего траурное прощание с миром и обретающего вечный покой. Это - исповедь Художника-творца, раскрывающая глубины и поднимающаяся на высоты человеческого духа…Это - гимн жизни созидающей!», - рассказывает Владимир Васильев, который выступил в этом спектакле в роли его главного героя.

Перед нами масштабное, эпохальное полотно, где основной принцип - синтез разных искусств: поэзии, живописи, компьютерной графики, пения, музыки и танца (музыкальный руководитель - главный дирижер театра Ренат Салаватов, хормейстер – Любовь Дразнина) - отражает разносторонность дарований юбиляра. Он подобно Леонардо да Винчи интересуется многим и воплощает многое. Это давняя мечта Васильева — объединить все силы большого музыкального театра в едином действе на сцене, чтобы показать всю его мощь и силу воздействия на зрителя.

В спектакле «И воссияет вечный свет» воспоминания хореографа о прожитой жизни, его раздумья. Васильев - хореограф-философ. Поэтому перед нами не прямой рассказ о себе. В спектакле дан обобщенный образ художника, размышляющего о мироздании, о любви и смерти, и жизни после смерти. Не случайно в конце спектакля в выси над сценой, в духовном мире мы видим влюбленных, постаревшего Мастера и его Маргариту, его возлюбленную.

Сам маэстро в спектакле читает собственные стихи и выходит на сцену как дирижер всего действа. Он - творец, демиург собственного мира – создает в спектакле собственную вселенную, творит свой космос. В буклете к спектаклю напечатан синопсис, но содержание балета понятно и без него.

В начале – пролог. Звучит джаз, пред зрителем кабинет Мастера. Он за работой. Стол, уютно горит лампа с зеленым абажуром… Над кабинетом, как на балконе, размещен джазовый оркестрик… Джаз - увлечение молодости, с него все и начинается. Это молодость мира и собственная молодость - как бы автобиографическая проекция на жизнь и творчество самого Васильева.

В этом спектакле Васильев выступает и как художник — его живопись использована в компьютерной графике, которую он вместе с компьютерным дизайнером выстраивал музыкально.

Васильев – абстракционист, напоминает Кандинского. Яркие подобные радуге фантастические сочетания цветов и оттенков сменяют друг друга. С помощью чисто технических средств, зеркал и движущихся экранов, на которых высвечивается движущиеся проекции картин в формате 3D, мультимедийные декорации трансформируются в как будто расширяющуюся вселенную, где всё неустойчиво, минутно, тленно, и среди мига и тлена – вечное и нетленное творческое начало, вечная любовь.

Действительно, фантастическая сценография, созданная для спектакля московским художником Виктором Герасименко, - какая-то бесконечно трансформирующаяся вселенная. Кулисы сцены оформлены в виде пилонов, что создает ассоциацию с храмом. «Мы неслучайно выбрали такой образ: с одной стороны, «Реквием» в какой-то мере – это музыка храма; с другой стороны, сцена для главного героя – это его творческий храм», - говорит художник-постановщик Виктор Герасименко. Важным элементом декорационного решения являются огромные зеркала. В оформлении используется компьютерная графика, созданная Эриком Исламовым (Москва), в которой тот высвечивает живописные работы Владимира Викторовича (художник по свету – Айвар Салихов).

Важное место в спектакле отводится хору. Хоровые исполнения чередуется с соло: сопрано Гульнора Гатина, меццо-сопрано Екатерина Сергеева, тенор Ярослав Абаимов и бас Евгений Ставинский. Певцы одеты в библейские «белые одежды», контрастирующие с серыми плащами, в которые одет хор. Белые одежды напоминают ангелов. Ангельские ассоциации то тут то там мерещатся зрителю. В одном из платьев мы видим рукава-крылья, а в одном из изображений компьютерной графики – танцующего человека, раскинувшего руки. И руки эти напоминают крылья. Изображение точно повторяет мизансцену спектакля, в которой Васильев, воздев руки к небу, делает их похожими на крылья.

Хореографические образы в спектакле не иллюстрируют музыкальную составляющую, а растворены в ней. Хореография становится сутью, смысловым центром всей композиции. Главные партии исполняют пять пар солистов казанской балетной труппы в обрамлении кордебалета — Михаил Тимаев, Аманда Гомес, Алесcандро Каггеджи, Мана Кувабара, Таис Диоженес, Вагнер Карвальо, Александра Елагина, Ильнур Гайфуллин, Алина Штейнберг, Антон Полодюк. Как в балетах Бежара, тут заняты танцовщики разных национальностей (например, Алесcандро Каггеджи - англичанин с итальянскими корнями, есть бразильцы, японцы, русские, татары), как и у него, юноши с обнаженными торсами и в белых трико, девушки в белых платьях.

Я не знаю, осталось ли много мне жить,

И не знаю, как жизнь дальше сложится.

Не дай Бог мне задуматься: быть иль не быть?

Надо жить! Остальное приложится! – читает Васильев в финале спектакля свои стихи, после того как отзвучала «Аллилуйя» из мотета Моцарта «Exsultate, jubilate». И стихотворение это определяет содержание всего спектакля. Ведь перед нами одновременно исповедь художника и гимн вечному созиданию жизни.

Спектакль «И воссияет вечный свет» родствен по своему накалу и исповедальности таким немеркнущим шедеврам в истории хореографического искусства, как IX симфония Бетховена в постановке Мориса Бежара. В сущности, Васильев в своем спектакле, как артист, непосредственно работавший с Бежаром, применил постановочные принципы этого гениального хореографа.

-Мне показалось, что в этом спектакле Вы выступаете как хореограф, продолжающий в определенном смысле развитие тех постановочных принципов, которые разрабатывал в своем творчестве Бежар: синтетическое искусство (музыка, оперное и хоровое пение, поэзия), сочетание чего-то, казалось бы, мало сочетаемого: у Бежара это Моцарт, или Бах, и танго; у Вас «Реквием» и джаз…

- Это в Вас балетный критик говорит. Этот спектакль совсем иной – с удивлением отвечает мне Васильев на моё предположение. - Это не балет, в котором использована опера или просто задействован джаз. Бежар — замечательный, уникальный Мастер, но все же один из многих великих мастеров в моей жизни. Если говорить о влиянии, то в этом спектакле есть влияние ВСЕГО накопленного за долгий творческий путь, огромное количество людей творческих, с которыми меня связала жизнь и у которых я учился всю свою жизнь: и хореографы, и музыканты, и художники. Именно о них обо всех этот Спектакль. Именно им всем это послание. Я посвятил этот спектакль всем ушедшим великим творцам, свет от творчества которых будет сиять людям! Но не только это память об ушедших — это и гимн живущим, надежда на лучшее, на то, что свет воссияет всем! Не случайно в финале звучат эти слова «Надо жить!» и «Аллилуйя!»

Васильев рассказывает мне о том, что формировало его творческую личность. Говорит о воздействии от окружающего, которое исподволь формирует каждого из нас в процессе нашего жизненного пути. Это люди и события, которые проходят через жизнь и у которых мы все вольно-невольно учимся. В жизни Васильева таких мастеров огромное количество — еще в школе он с упоением слушал Ю.А.Бахрушина, потом был ренессансный мастер Касьян Голейзовский, Роман Якобсон, Ростислав Захаров, Леонид Лавровский, Игорь Моисеев, Юрий Григорович. Конечно и Бежар, и Килиан, и Пети. Были великие музыканты и композиторы, не говоря уже о художниках. Здесь и традиции русского театра, и в частности Большого театра, которые он впитывал от своих еще «дореволюционных» педагогов. Во времена Васильева балет всегда был участником оперных спектаклей, а они – ученики - каждую неделю участвовали и в операх, и в балетах театра. В 1990 году состоялся первый фестиваль в честь Васильева, в котором были объединены разные виды искусства.

- «Реквием» это последнее и, наверное, самое потрясающее произведение Моцарта. Но обстоятельства его создания какие-то мистические. Заказчик был неизвестен. Просто в дом в июле 1791 года пришел посланник в черном и на условиях анонимности сделал заказ на заупокойную мессу. Безденежье заставило Моцарта принять это условие. Только позже выяснилось, что «Реквием» был заказан музыкантом-любителем графом Францем фон Вальзеггом для исполнения в память о его ранее умершей жене, и граф хотел выдать это произведение за собственное сочинение. А получилось, что «Реквием» Моцарт написал по себе самому… Жуткая история! Не боялись ли вы, Владимир Викторович, браться за «Реквием» из суеверия?

- Суеверия не было, об этом я не думал. Но вот за месяц до премьеры случилась пандемия!!! Совпадение? Не знаю!

- Какое впечатление у вас осталось от данного в вашу честь Большим театром фестиваля?

- Я благодарю всех артистов и всех, кто был занят в организации и проведении этого фестиваля за этот щедрый и красивый подарок к моему юбилею в стенах родного театра. Это был счастливый отрезок моей жизни!
==================================================================

ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вт Дек 01, 2020 11:53 pm), всего редактировалось 2 раз(а)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22899
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Ноя 25, 2020 9:19 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112506
Тема| Балет, БТ, Татарский театр оперы им. М. Джалиля, Персоналии, Владимир Васильев
Автор| Елена ФЕДОРЕНКО
Заголовок| Юбилей, превращенный в танец: в Москве завершился фестиваль в честь Владимира Васильева
Где опубликовано| © Газета «Культура»
Дата публикации| 2020-11-25
Ссылка| https://portal-kultura.ru/articles/theater/330207-yubiley-prevrashchennyy-v-tanets-v-moskve-zavershilsya-festival-v-chest-vladimira-vasileva/
Аннотация| Фестиваль в честь Владимира Васильева


Фото: Елена Фетисова

В чествовании великого танцовщика, продлившемся с 15 по 24 ноября, приняли участие Большой театр, Татарский академический государственный театр оперы и балета имени Мусы Джалиля и Государственный молодежный ансамбль песни и танца «Алтай».

Фестиваля ждали прошедшей весной, когда живой легенде балета Владимиру Васильеву исполнилось 80 лет, но праздник состоялся только в хмуром ноябре. Так распорядилась пандемия — злая фея Карабос нашего времени.

Большой театр посвятил своему идеальному танцовщику и звездному премьеру показы трех спектаклей на Исторической сцене. За свою 30-летнюю артистическую карьеру он сделал немало ролей, и все они — вершинные, проходящих и дежурных — не встречалось.

Открывал парад «Дон Кихот» с Юлией Степановой и Денисом Родькиным в главных партиях. Неунывающий цирюльник Базиль и его озорная подружка Китри появились в репертуаре легендарного дуэта Владимира Васильева и Екатерины Максимовой в 1962-м, на четвертый сезон их театральной службы: «Переломным моментом для нас с Катей оказался этот балет — мы выстроили отношения Китри и Базиля в мельчайших деталях, каждый нюанс казался чрезвычайно важным». И более полувека их исполнение остается образцом для подражания. Васильев усложнил технику, привил мужскому танцу небывалую полетность, выразительность рук, широкий пластический напев. А его донкихотовская виртуозная круговая комбинация взлетающих прыжков в совершенном аттитюде давно уже называется «васильевским кругом» и признана эталоном классики.

Вторым спектаклем фестивальной афиши стал «Спартак» с Игорем Цвирко в партии вождя гладиаторов и Анастасией Денисовой — его возлюбленной Фригией. Титульная роль в балете Юрия Григоровича принесла 28-летнему Васильеву Ленинскую премию и премию Ленинского комсомола. «Спартак» стал героическим символом балетного искусства второй половины прошлого столетия, как чеховская «Чайка» для Московского Художественного. Буйные пиры и дикие схватки, невероятные пируэты, головокружительные прыжки, скульптурные позы — непривычная эстетика открыла новую страницу в летописи балета и в истории мужского классического танца. Верно найденная интонация определила образ: в гордом бескомпромиссном и сильном васильевском Спартаке билось нежное страдающее доверчивое сердце, раздираемое раздумьями. Эта психологическая бездна чувств тоже предопределила будущее балета. Роль села как влитая. Тогда Васильева впервые назвали великим. Асаф Мессерер писал: «В 28 лет он сделал роль, которая сразу встала в тот избранный, имеющий общекультурное и вневременное значение ряд, где Лебедь Анны Павловой, Джульетта Галины Улановой, Кармен Майи Плисецкой».

«Щелкунчик» завершал мемориальный экскурс. Эта балетная сказка вошла в жизнь «Кати и Володи», как именовали театралы своих любимцев, еще в школе: они танцевали в па-де-труа, были маленькой Машей и ее братом, в выпускном спектакле исполнили главные партии. В 1966-м Юрий Григорович поставил в Большом своего «Щелкунчика» о взрослении и мечте. Взрослела Маша, призрачную мечту воплощал Принц — он исчезал в момент пробуждения героини. Рождественская сказка перерастала детскую историю, становилась предупреждением о несовпадении надежд и реальности. Союз хореографа и первых исполнителей оказался счастливым. Гармоничный дуэт Максимовой и Васильева так и остался непревзойденным. Завороженным зрителям представлялось, что хореографический текст рождается здесь и сейчас. На фестивале главные партии замечательно исполнили ученица Максимовой Анна Никулина и Владислав Лантратов.

Под шквал оваций 22-го ноября Большой театр принимал на своей Исторической сцене труппу Татарского театра оперы и балета имени Мусы Джалиля со спектаклем на музыку Реквиема Моцарта «И воссияет вечный свет» для солистов, хора, балета и оркестра в постановке Владимира Васильева. В грандиозном проекте участвовало более 150 артистов и музыкантов. Такой мощный бенефис труппы — событие нечастое и в былые времена, а уж в нынешние коронавирусные — из разряда фантастических. Мировая премьера состоялась в Казани 5 сентября и «Культура» о ней рассказывала (на сайте от 08.09.2020).

Владимир Васильев давно хотел поставить синтетическое действо, когда вокалу интонирует танец, пластика «подхватывает» речь, и в плавильном котле растворяются границы жанров. Еще в 80-х годах уже прошлого века автор этих строк впервые услышала от Владимира Викторовича о его замысле визуализировать образы Высокой мессы Баха в Ватикане силами сотен артистов из разных стран. Тогда проект не состоялся. Десятилетия спустя свершилось — в Казани появился спектакль «Даруй нам мир». Теперь в репертуаре Татарского театра две мессы — Баха и Моцарта. В спектакле «И воссияет вечный свет» (строка из канонического текста Реквиема) Васильев не только режиссер-постановщик, хореограф, сохудожник (его живописные полотна проецируются на сцену), но и исполнитель главной роли Художника-творца, который уже открыл законы жизни и судьбы.

Известно, что Моцарт писал Реквием до последнего дня, смерть помешала композитору закончить произведение, и в нем остались зашифрованы тайны ухода с бренной земли, прощание с миром перед вечным покоем. Васильев — мастер солнечного дара, философ и жизнелюб — ставит не заупокойную «поминальную молитву», а слагает «гимн жизни созидающей» в форме исповеди Художника.

Получился спектакль трех благодарений. Васильев — гениальный танцовщик «золотой эры» Большого балета — благодарит Творца за счастье творчества. Мелькают узнаваемые микроцитаты знаменитых партий, которые он танцевал и сочинял: Нарцисс, Меджнун, Спартак, Базиль, Иван Грозный, Ромео, Икар, легкой тенью возникают позы и па из «Шопенианы», «Макбета», «Анюты». В конце первого акта под знаменитую Lacrimosa герой Васильева обнимает девушку в белом — свою музу — и у всех, кто помнит дуэт Кати и Володи (иных в зале не было), перехватывает дыхание.

Второй поклон Создателю — за Моцарта и всю великую музыку, доставшуюся человечеству. До Реквиема, который за два с лишним столетия не знал сценического прочтения, Васильев обращался к моцартовской музыке в своих спектаклях «Эти чарующие звуки...» и «О, Моцарт! Моцарт…».

Восхищение красотой и величием мира — третье благодарение — явлено уже в оформлении сцены. Маленький кабинет Художника «вписан» в образ собора. Церковь как «дом Господень» и театр как «храм искусства» — в ясности метафоры постановщикам не откажешь. Лучи света и система зеркал делают пространство сияющим и безграничным. За неполных два часа проходит весь цикл жизненного пути: от беззаботной юности к умудренной зрелости. Радость, утраты, разочарования, испытания муками творчества и счастьем открытий — замечательно передают все участники этого сложнейшего многолюдного спектакля. В общем финале звучит жизнеутверждающая «Аллилуйя» из мотета Моцарта, а Художник-Васильев читает свои стихи: «Надо жить! Остальное приложится!».

В Музейном и Экспозиционном фойе Большого театра до середины декабря открыта выставка картин Владимира Васильева. Поэтические пейзажи, живописные натюрморты, лаконичные портреты, виды любимых уголков мира и, конечно, родной Москвы. Экспозиция была подготовлена к весне, теперь ее дополнили работы, созданные в период карантина.

Заключительный день фестиваля прошел на Основной сцене Малого театра. Государственный молодежный ансамбль песни и танца «Алтай» показал спектакль «Блуждающие звезды» по одноименному роману Шолом-Алейхема. Автор либретто, режиссер-постановщик и художник — сам юбиляр. Вторым хореографом стал участник всех васильевских Мастерских современной хореографии Дмитрий Залесский.

Этот молодой коллектив из Барнаула приезжал в Москву в начале прошлого года с двумя спектаклями Васильева: «Дом у дороги» на музыку Валерия Гаврилина по поэме Александра Твардовского и «Жил человек» — художественный результат авторской Мастерской Владимира Викторовича на тему творчества Василия Шукшина.

У «Блуждающих звезд» любопытная история. В 1990 году в Нью-Йорке Васильев побывал в гостях у писательницы Бэл Кауфман, родной внучки Шолом-Алейхема (в России пользовался невероятной популярностью ее роман «Вверх по лестнице, ведущей вниз»). Встреча напомнила о давней мечте поставить спектакль о еврейских Ромео и Джульетте. Постановка виделась Васильеву мультижанровым сценическим сочинением: танцы, вокал, ансамбль музыкантов и скрипач-солист в роли рассказчика. Ансамбль «Алтай» подхватил затею. Получился вокально-пластический спектакль с элементами мюзикла. Щедрый мелодизм народной музыки, стройная драматургия, шарм еврейского юмора, зажигательные танцы, трогательный голос одинокой скрипки. Юных влюбленных из еврейского местечка жизнь разводит по разным уголкам мира. Они встречаются много лет спустя и понимают, что их чувства не остудило время, но возврата к былому уже нет. Вторая сюжетная линия — любовь героев к театру. Эта мысль всегда дорога Васильеву.

Восторженные зрители приветствовали юбиляра, и он станцевал с артистами Хава Нагила. А певцы, заменив слова одной из песен спектакля, задорно выводили рефреном: «Мастер, мы хотим еще». Через год «Алтаю» исполнится 10 лет, уже появились новые планы. Впрочем, у Владимира Васильева — перфекциониста и мечтателя — их всегда много.

Фото: Елена Фетисова


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вт Дек 01, 2020 11:57 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22899
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Ноя 25, 2020 10:55 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112507
Тема| Балет, Национальная опера Украины, Персоналии, Анико Рехвиашвили
Автор| Людмила Троицкая
Заголовок| «Балетные дети» вспоминают
В Национальной опере Украины состоялся вечер памяти Анико Рехвиашвили, экс-руководителя балета

Где опубликовано| © Газета «День» №223
Дата публикации| 2020-11-25
Ссылка| https://day.kyiv.ua/ru/article/kultura/baletnye-deti-vspominayut
Аннотация| вечер памяти Анико Рехвиашвили


АНИКО РЕХВИАШВИЛИ, КАК РУКОВОДИТЕЛЬ БАЛЕТА, УСПЕЛА ПРОРАБОТАТЬ В НАЦИОНАЛЬНОЙ ОПЕРЕ ТОЛЬКО ШЕСТЬ ЛЕТ / ФОТО ИЗ АРХИВА НАЦИОНАЛЬНОЙ ОПЕРЫ

Программа концерта состояла из номеров балетов, поставленных хореографом (Анико Юрьевна умерла год назад 16 ноября на 56-м году жизни после длительной болезни). Артисты исполняли фрагменты из спектаклей «Дама с камелиями», «Венский вальс», «Юлий Цезарь», «El sombrero de tres picos», «Снежная королева». А еще премьеры Национальной оперы Анастасия Шевченко и Ян Ваня исполнили адажио из балета «Красавица и чудовище» на музыку Войцеха Киляра, который балетмейстер начала ставить, но не успела закончить.

Анико Рехвиашвили, как руководитель балета, успела проработать в Национальной опере всего шесть лет... При ней балетная труппа театра впервые с 1964 (!) года поехала на гастроли в Париж. Мировая балетная столица встретила наших артистов афишами в парижском метрополитене и на городских автобусах. Зрители 16 раз всецело заполняли зал Театра на Елисейских полях, аплодируя «Щелкунчику». А затем французы уже просили, чтобы в следующий раз Анико приехала с новыми, своими, постановками, а не только с классикой.

Рехвиашвили удалось создать уникальную балетную труппу, с большим количеством талантливых и разнообразных по своему таланту артистов. Она никогда не считала украинский балет ни сестрой, ни дочерью, ни падчерицей какого-то чужого балета. Ведь именно мы дали миру столько ярких имен. Недаром театральные агенты буквально караулили в хореографическом училище и в Академии танца имени Лифаря, чтобы успеть перехватить молодые таланты, заключить контракт и вывезти за границу. Когда Анико Юрьевна только пришла работать в Национальную оперу, на конкурс в труппу театра приходило по 8—6 человек. А в последние годы уже пробовали свои силы полторы сотни танцовщиков. Потому что в театре постоянно ставились новые балеты, и артисты видели свои перспективы.

— Она была очень строгой. Особенно к тем, в ком видела потенциал. Чем лучше она к тебе относилась, тем более требовательной была. Не только на сцене. Следила, как ты ведешь себя в театре, как и где проявляешься в социуме, как даешь интервью и др. Если ты входил в круг тех, кого она считала своими учениками, с кем много работала, все они должны были отвечать ее требованиям», — вспоминает солист балета или, как это правильно называть в театре, премьер Никита СУХОРУКОВ.


ПРЕМЬЕРЫ НАЦИОНАЛЬНОЙ ОПЕРЫ АНАСТАСИЯ ШЕВЧЕНКО И ЯН ВАНЯ НА КОНЦЕРТЕ ИСПОЛНИЛИ АДАЖИО ИЗ БАЛЕТА «КРАСАВИЦА И ЧУДОВИЩЕ» НА МУЗЫКУ ВОЙЦЕХА КИЛЯРА, КОТОРЫЙ БАЛЕТМЕЙСТЕР НАЧАЛА СТАВИТЬ, НО НЕ УСПЕЛА ЗАКОНЧИТЬ... / ФОТО АЛЕКСАНДРЫ ЗЛУНИЦИНОЙ

За эту требовательность и в то же время материнское отношение балетные артисты боготворили своего балетмейстера. Так, Анастасия Шевченко, которую Анико Рехвиашвили видела своей главной героиней в балете «Дама с камелиями», перед телекамерой не могла сдерживать слезы. Сама же Анико Юрьевна бесконечно в разных интервью рассказывала о своих «балетных детях». Вспомним еще раз ее слова:

«Особенно горжусь тем, что они разные. Поэтому одного можно любить за одно, другого — за другое. Конечно, я люблю Анастасию Шевченко. Это не секрет. Она — моя ученица. У нее удивительная манера исполнения. Безумно живая балерина. А еще Никита Сухоруков. Эти артисты не врут на сцене. Это удивительное свойство. Ведь балет немного эгоистичное искусство. Балерины должны себя «нести» и любить. У Никиты и Насти же хватает силы понимать, что они все это делают ради зрителя.

Я очень люблю наших двух ведущих мастеров Дениса Недака и Яна Ваню. Наверно, за то, что они — воплощение балетного идеала. Настоящие рыцари балета. Вот танцовщики должны быть такими. Какие-то недосягаемые принцы, о которых все мечтают. Они очень красивы.

Мне очень нравится Наталья Лазебникова. Очень умная балерина, которая тонко работает. Вот какую партию ты ей не дашь, исполнит с ювелирной точностью. Потом смотришь и думаешь: ну вот как она догадалась, что ты думал? На нее смотреть одно удовольствие. Кроме невероятной обворожительности, там такое количество ума ... Такая же Таня Лезовая. Очень талантливы Юлия Москаленко, Анна Муромцева. Это тот золотой стратегический запас, который должен быть у каждого театра.

И чем они все мне еще очень нравятся: это поколения длинноногих и длинноруких, красиво сложенных, с располагающей внешностью танцовщиков».

СПРАВКА «Дня»

Анико Рехвиашвили (1963—2019 гг.) окончила хореографическую студию Государственного академического ансамбля танца Украины им. П. П. Вирского (1982), хореографическое отделение Киевского института культуры (1990).

Была организатором, художественным руководителем и балетмейстером балетного театра «Анико балет» (1995). С 1996 года заведовала кафедрой современной классической хореографии Национального университета культуры и искусств.

Среди хореографических постановок Рехвиашвили: «Болеро», «Четыре поцелуя», «Страсть», «Времена года», «Итальянский альбом», «Незаконченная исповедь».

На сцене Национальной оперы Украины поставила балеты: «Венский вальс», «Даниэла», «Дама с камелиями», «Дафнис и Хлоя», «Снежная королева», «Ночи в садах Испании» и «El sombrero de tres picos», «Юлий Цезарь», «Половецкие танцы», балетные сцены в операх «Моисей», «Ярослав Мудрый», «Норма», «Наталка Полтавка», ряд хореографических номеров и танцев для солистов.

А. Рехвиашвили была лауреатом Международного конкурса им. Сержа Лифаря (в 1996 году, третья премия в номинации хореография), а также лауреатом 25-й премии «Киевская пектораль» в номинации «Лучшее пластичное решение спектакля» (балет «Снежная королева»).
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22899
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Ноя 25, 2020 11:44 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112508
Тема| Балет, НОВАТ, Премьера, Персоналии, Начо Дуато
Автор| Анастасия Зырянова
Заголовок| КЛАССИКА ДОЛЖНА МЕНЯТЬСЯ
Где опубликовано| © журнал "Leaders Today" № 9 [184], стр 52-53
Дата публикации| 2020 ноябрь
Ссылка| https://leaderstoday.ru/pdf/2020_9.pdf#page=54
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Знаменитый испанский хореограф Начо Дуато представил на сцене НОВАТа балет «Баядерка» на музыку Людвига Минкуса. В чём уникальность русских танцоров, может ли музыка Баха со временем звучать иначе и в чём минусы и плюсы жизни иммигранта в Берлине – в нашем эксклюзивном интервью.



LT: «Баядерка» — это ваша первая постановка после возвращения в Михайловский театр. Какие нововведения вы привнесли в постановку?

НАЧО ДУАТО: Практически вся хореография новая, моя. Я добавил в хореографию больше индийского колорита в движениях, в позах, больше плавных линий, именно того, что присуще Индии. Также отличаются костюмы: мы создали их с учётом национальной культуры. Я даже хотел добавить традиционную индийскую цепочку на лицо от носа к мочке уха, но это неудобно для танцоров. Я был в Индии несколько раз, и то, что я в качестве костюмов использую в постановке, – это мой непосредственный опыт. Вряд ли Мариус Петипа, создавший «Баядерку», ездил в Индию, видел все это воочию. Скорее всего, он видел какие-то картины, изображения и интерпретировал на основе этого. Мы можем посмотреть в «Щелкунчике», «Спящей красавице» испанские танцы, и это все очень утрированно, стереотипно. Такие представления имеют мало отношения к реальности. Я знаю, что критикам не нравится то, что я говорю, но это правда.

Вы работали в разных странах, с разными танцорами. Как думаете, есть какая-то ииндивидуальность и характерные черты русских танцовщиков?

У русских танцоров лучшая в мире классическая техника. Я хочу сказать, что далеко не каждая труппа в мире обладает женским кордебалетом с такой техникой. Конечно же, для исполнения классической техники должна быть классическая, в нашем понимании, конституция тела: длинная шея, красивые руки, ноги, все это должно быть изящным, утонченным. В современном танце такого не встретить. В этом основное отличие русских танцоров — в классической школе. Может быть, классический подход в какой-то степени старомоден, но артисты балета готовы больше открываться новому веянию.

Я думаю, что классика должна меняться со временем. Это не картина известного художника, которая написана однажды и может очень долго видеть в музее и существовать как законченное произведение искусства. Порой мы слышим, что у Петипа в 1800-х годах танцевали не так. Конечно, не так, времена были другие, восприятие другое.

И всё же, есть ли для вас какие-то неприкосновенные моменты, которые в классической постановке должны оставаться такими, какими были изначально?

Нет ничего, к чему нельзя прикасаться, но нужно делать это с большим уважением к классике. Например, третий акт «Баядерки» невозможно глобально изменить – всё, что я сделал, это изменил концовку. Никогда раньше артисты балета не могли делать того, что делают танцоры сейчас: у них была другая обувь, они были в теле. Если сейчас танцор может поднять ногу очень высоко, то тогда не мог. Если сейчас зрители думают, что, придя в театр на классическую постановку, они увидят постановку прошлого века, то они ошибаются. Танец — это очень живое искусство, оно меняется. Сейчас артисты физически могут делать больше, чем их предшественники.

Даже уже написанную музыку можно по-своему интерпретировать. Каждый дирижер играет чуть-чуть в своем понимании, оркестр звучит по-другому. Тот же Бах сейчас исполняется немного быстрее, чем в прошлом. Чайковский раньше был более величественным, сейчас его играют спокойней, потому что ощущения меняются.

И всё же, вам больше нравится ставить современную хореографию, проверенную временем, или классические постановки, где можно без оглядки на оригинал воплощать свои идеи?

Неправильно будет говорить о том, что мне что-то нравится больше. Я терпеть не могу современные постановки, если они плохо сделаны, и терпеть не могу классику, если это приторная, нафталиновая классика. Я могу смотреть некоторые классические балеты Большого театра, Королевский балет, некоторые постановки Ла Скала… Если это сделано хорошо, то не важно классическая это или современная постановка.

Ставя классический балет, ты всегда берешь чужую идею, чужое либретто. Это всегда имеющаяся история, на которую ты можешь наложить хореографию. А современная постановка — полностью моя фантазия. Это может быть история о наркозависимости, ксенофобии, гомофобии, политических проблемах. Мне нравится работать и с классикой, и с современными постановками – сам опыт как хореографа абсолютно разный, разные подходы.

С возвращением в Михайловский театр планируете приезжать с постановками в НОВАТ?

Буду рад приехать и поработать, но планирую не я, а руководитель, Владимир Абрамович Кехман. Мы с ним разговаривали, и я отметил, что было бы интересно поставить в вашем театре что-то более современное. Я вижу артистов, балета и для меня очевидно, что они хотят нового движения, нового танца. Сейчас, мне кажется, они не - много устали от классики, исполняя одни и те же пируэты. И для зрителя было бы хорошо увидеть что-то новое.

Какой творческий опыт вы полу - чили за четыре года работы в балете Берлина?

Мне не нравится Берлин, там слишком много людей, которые считают, что они знают как лучше, что лучше, и они пытают - ся это «лучшее» навязать остальным.

Они не признают и не принимают иностранцев на высокие посты. Ты можешь быть рядовым иностранным артистом в труппе. А я был интендантом — руководил балетом, и это было тяжело, поскольку я ощущал отторжение и неприятие. Дважды меня просили в Берлине выйти из такси, потому что я разговаривал по телефону на испанском языке. И такое происходило не только со мной. Знаменитого китайского художника Ая Вэйвэя как-то попросили удалиться из ресторана, потому что он говорил на китайском. И он покинул Берлин по той же причине, что и я.

Мне нравилось ходить на оркестровые концерты, в музеи, в филармонию (там шесть филармоний), также там отличный драматический театр. Это все сделано потрясающе. Поэтому в Германию стоит приезжать на десять дней, чтобы просто оценить прекрасную архитектуру. Я родом из Мадрида — это совсем другая культура. В России вы тоже немного отстраненные, но здесь нет невежливости и грубости.

Какие современные постановки и хореографы вам нравятся? В каком направлении сегодня развивается мировая современная хореография?

Мне нравятся Иржи Килиан, Уильям Форсайт, Кристал Пайт. Я бы посоветовал посмотреть на их хореографию. Мой любимый хореограф — Марта Грэм: то, какие вопросы она поднимала, как она работала с музыкантами, с артистами, это прекрасно! Я в восторге о того, как она показывала женщину на сцене, озвучивая все те проблемы, с которыми женщины сталкивались. Даже в классических балетах женские партии были слегка глуповаты, это были принцессы с коронами, над которыми доминируют мужчины. Ее влияние на изменение этого стереотипа огромно.

Я не слежу за развитием современной хореографии. Хореографы сейчас не слушают музыку, не знают её историю, и это неминуемо отражается на результате их работы. Когда я был молод, в двадцать лет мне нужно было три часа находиться дома, чтобы послушать один концерт. Сейчас я даже представить себе не могу, кто готов выделить 3 часа своего времени, чтобы послушать Дебюсси или Вивальди, и это чудовищно для меня. Истинная культура и образование требуют времени, но это одно из самых важных и ценных вложений человека.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22899
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Ноя 26, 2020 12:45 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112601
Тема| Балет, Проект «Большой балет», Персоналии,
Автор| Игорь Ступников
Заголовок| Вышел новый сезон проекта «Большой балет»
Где опубликовано| © «Санкт-Петербургские ведомости» № 216 (6814)
Дата публикации| 2020-11-26
Ссылка| https://spbvedomosti.ru/news/culture/vyshel-novyy-sezon-proekta-bolshoy-balet/
Аннотация|

В течение нескольких ноябрьских суббот любители хореографии были прикованы к экранам телевизоров: телеканал «Россия – Культура» представил очередной сезон своего проекта «Большой балет». В проекте были задействованы Мариинский театр, театры оперы и балета Улан-Удэ, Саратова, Уфы, Воронежа, Екатеринбурга, Сыктывкара, Красноярска.

Участниками стали восемь пар молодых артистов, уже завоевавших признание публики и критики. Дважды в дуэтах партнерами юных исполнителей становились их опытные коллеги, проходившие вне конкурса и решившие поддержать своих земляков. К удивлению балетного сообщества, в проекте не приняли участие московские театры, которые могли бы представить на конкурс немало замечательных танцовщиков.

В конкурсный репертуар артистов вошли фрагменты как из балетов классиков – Мариуса Петипа, Льва Иванова, Августа Бурнонвиля, так и современных хореографов – Юрия Григоровича, Владимира Васильева, Кирилла Симонова.

Организаторы изменили систему выставления оценок. В прежних сезонах после выступления танцовщиков члены жюри произносили либо «да», либо «нет». Возникали парадоксальные ситуации: нередко эксперты высказывали исполнителям довольно серьезные замечания, но общей оценкой оказывалось, на удивление зрителей, положительное «да». Введенная на этот раз десятибалльная система дала возможность судьям ставить более дифференцированные оценки.

В состав жюри вошли звезды мирового балета Диана Вишнева и Фарух Рузиматов, а также заслуженный артист Украины Денис Матвиенко, заслуженный артист России Алексей Мирошниченко. Примечательно, что почти все члены жюри – воспитанники Академии им. А. Я. Вагановой, а Матвиенко, окончивший Киевское хореографическое училище, многие годы танцевал на сцене Мариинского театра и нынче преподает классический танец в Академии Вагановой. Территория конферанса принадлежала певцу Ильдару Абдразакову и приме-балерине Большого театра Светлане Захаровой. Они представляли исполнителей, задавали им вопросы и порой смягчали накаленную атмосферу обсуждений.

В работе жюри была своя драматургия: жест, мимика, взгляд эксперта порой говорили зрителю больше, чем заключительный вердикт. Тонкие замечания делал Алексей Мирошниченко, взрывной темперамент Дениса Матвиенко словно вырывал его из судейского кресла – опытный мэтр показывал молодому танцовщику, как следовало бы исполнить то или иное движение. Диана Вишнева также не ограничилась устным комментарием: спустившись на сцену, она показала юной исполнительнице, как достичь подлинной красоты в классической позе. Самым суровым судьей оказался Фарух Рузиматов: из десяти возможных баллов в его оценках превалировала семерка.

Мариинский театр представил в проекте одну танцовщицу – Марию Хореву, занимающую в табели о рангах положение первой солистки. Ее партнером выступил премьер труппы Владимир Шкляров. Юная балерина, лишь два года назад окончившая Академию им. Вагановой по классу профессора Людмилы Ковалевой, уже освоила большой репертуар. Среди ее партий – героини балетов «Раймонда», «Баядерка», «Пахита». Для конкурсных выступлений Мария Хорева выбрала сложный репертуар – дуэты из балетов «Спящая красавица» и «Баядерка». Критики всегда отмечали ее отточенную технику и безупречную фразировку движений, однако конкурс предъявил балерине и свои условия, и свою атмосферу: здесь не только аплодисменты зрителей, но и зоркие глаза членов жюри. В двух турах оценки Хоревой занимали верхнюю строчку, превалировали десятки. В «Спящей красавице» члены жюри отметили нечеткость некоторых балетных позиций и, главное, отсутствие внутреннего взаимодействия партнеров. Аврора Хоревой была занята лишь собой, не одаряя теплотой своего принца Дезире – Шклярова.

В «Баядерке» балерина проявила широту танца, чуткую музыкальность, однако Диана Вишнева отметила огрехи в стопах исполнительницы и невыразительность позировок. Хорева восприняла замечания эксперта со спокойствием профессионала.

Конкурс продолжается. В финале жюри предстоит нелегкая задача выбрать лучшего исполнителя и лучший дуэт.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22899
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Ноя 26, 2020 1:58 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112602
Тема| Балет, МАМТ, Премьера, Персоналии, Бурмейстер,
Автор| Андрей Галкин
Заголовок| Попытка оживить мечту
Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко возобновил «Вариации» В.П. Бурмейстера на музыку Жоржа Бизе
.
Где опубликовано| © портал «МУЗЫКАЛЬНЫЕ СЕЗОНЫ»
Дата публикации| 2020-11-26
Ссылка| https://musicseasons.org/popytka-ozhivit-mechtu/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Судьба этого балета необычна: он был создан в Париже. Бурмейстер первым из советских хореографов начал систематически выезжать для работы в Западную Европу. В 1960-м он перенес в парижскую Оперу «Лебединое озеро», прогремевшее четырьмя годами ранее на французских гастролях Музыкального театра. В 1961-м сочинил для London Festival Ballet, нынешнего Английского национального балета, «Снегурочку» на музыку П.И. Чайковского. В 1962-м последовало вторичное приглашение в Париж. Бурмейстер собирался ставить «Трех мушкетеров», написал подробный план будущего балета. Композитор Жорж Орик, новый директор Оперы, аннулировал предварительные договоренности и переключил внимание хореографа на «Концертные хроматические вариации» Бизе. Так родилась неоклассическая композиция для балерины, премьера, двух солисток, четырех корифеек и женского кордебалета «Sur un thème» («На одну тему»), в русской версии названная «Вариациями».


«Вариации». Денис Дмитриев и Ксения Шевцова © Карина Житкова

Жанр бессюжетного балета не был типичен для Бурмейстера, но не был ему и чужд. Многочастные ансамбли, островки белой неоклассики, присутствовали в его спектаклях разных лет. В больших танцевальных драмах они оттеняли игровые сцены, действенные монологи и дуэты. В «Вариациях» хореограф сделал чистый танец единственным выразителем содержания. Он отказался от сюжета, от пантомимы и декораций, упростил костюмы, свет, но не изменил собственному сложившемуся стилю.

Индивидуальный стиль и определил достоинства постановки, потому что тема – мечты Юноши (Художника, Поэта и т.д.) – не нова. Но вполне самостоятельно ее претворение.

Обращая взор к романтическому прошлому, Бурмейстер видит в нем не одну элегическую белизну тальонизма, но и драму поисков, и горечь утрат. Он держит в памяти, что сонмы порхающих видений чаще всего символизировали недостижимое, и помещает свой белый балет в такую же драматургическую оправу.

Солист в перекинутом через плечо плаще движется по диагонали сцены. Его выход срифмован с выходом графа Альберта на кладбище во втором акте «Жизели». Прыжки и повороты в воздухе передают «мечтания» и «страсти», непрерывные усилия творческой воли, в ответ на которые завеса темноты приоткрывается, впуская рой сильфид. В финале герой преклоняет колено перед опустевшим пространством. Светлые грезы покинули его. Навсегда ли? Ответа нет…

Женские партии «Вариаций» дифференцированы в строгом порядке старинной иерархии. Основное внимание хореографа отдано балерине. По сравнению с известными романтическими стилизациями начала XX века, лексикон ее танца расширен. В соло он включает всевозможные вращения, в дуэте – виртуозные поддержки. К 1960-м гг. ни те, ни другие уже не ассоциировались с акробатикой и служили иллюзии полета наравне с каноническими pas de bourrée на пальцах и парением в руках партнера. В то же время танец балерины до предела детализирован. В адажио она подолгу остается на месте, меняя лишь положения корпуса, рук и рабочей ноги, отражая всем телом дыхание музыки. Движения кордебалета по преимуществу просты. В них заново обнаруживается скромная красота согласно исполненного реверанса, тянущихся от кулисы до кулисы рядов одинаковых поз. Немного сложнее выхода корифеек. Вариации солисток продолжают галерею созданных Бурмейстером девичьих портретов: подруг Флер-де-Лис, сверстниц и невест принца Зигфрида.

Премьеру «Sur un thème» в Париже тепло приняли зрители и критика, но заметного места в репертуаре спектакль не занял, возможно, из-за краткости – он длится не полных 20 минут. Его значение для французской хореографии выявилось позднее, после того, как Пьер Лакотт поставил «Сильфиду», и опыт Бурмейстера сказался на решении второго акта.

В Музыкальном театре «Вариации» шли с 1964-го. Одной из исполнительниц, получивших центральную партию непосредственно из рук автора, была Маргарита Дроздова – в прошлом балерина, а сегодня педагог-репетитор, руководитель нынешнего возобновления. Героиня Дроздовой представала Мечтой всей жизни, проводившей Юношу от мимолетных грез к вожделенным ему тайнам творчества и бытия. Два года назад, в декабре 2018-го, Маргарита Сергеевна возобновила фрагмент спектакля к столетию театра. Тогда на сцене появилась ни в чем не повторявшая ее Мечта Натальи Сомовой. Миловидная белокурая сильфида с танцем, стелющимся как туман и текучим как парное молоко, дарила забвение байроническому Поэту Ивана Михалева.

Юбилейные концерты не оставляли сомнений: «Вариации» могут и должны вернуться в репертуар. Сейчас, на премьере, что-то пошло не так. Труппа докладывала хореографию с сухим старанием, обращая балет в гербарий.

Зацветет ли он вновь, можно будет проверить совсем скоро. Следующее представление «Вариаций» назначено на десятое декабря.


фото с сайта Музыкального театра им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко

===================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вт Дек 01, 2020 11:59 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22899
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Ноя 26, 2020 7:35 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112603
Тема| Балет, Башкирский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Иван Васильев
Автор| Лада Волкова
Заголовок| В премьерных уфимских балетах Иван Васильев мастерски соединяет несочетаемое
Где опубликовано| © Собкор02; МК в Уфе
Дата публикации| 2020-11-26
Ссылка| http://www.sobkor02.ru/news/art-object/20955/
https://ufa.mk.ru/culture/2020/11/29/premer-mikhaylovskogo-teatra-postavil-v-ufe-dva-odnoaktnykh-baleta.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Спектакли "Соседи" и "1481" Башкирский театр оперы и балета готовился показать ещё в мае – к празднованию юбилея Победы, но премьеру пришлось отложить из-за пандемии. Звёздный танцовщик с мировым именем, премьер Михайловского театра Иван Васильев не только танцует главные партии, но и выступает в качестве хореографа-постановщика обоих балетов.



Сон в летнюю ночь

Новинки, пополнившие репертуар главного театра башкирской столицы, стали первым премьерными спектаклями сезона, который провели со зрителями. В конце октября премьерные показы ещё одной новинки - оперетты Жака Оффенбаха "Герцогиня.G" провели без публики и оркестра. Правда, в итоге и балетные премьеры всё же пришлось смотреть под фонограмму - оркестр ещё пребывал на карантине из-за того же коронавируса, унесшего жизнь одного из музыкантов.

Впрочем, уфимских балетоманов отсутствие живой музыки вряд ли особо расстроило, ведь они пришли, прежде всего, смотреть, а посмотреть, действительно, было на что. Хотя бы на звёздного танцовщика с мировым именем, премьера Михайловского театра Ивана Васильева, который не только танцует главные партии, но и выступает в качестве хореографа-постановщика обоих балетов.

В прошлом сезоне Васильев уже ставил на уфимской сцене балет-сказку "Конёк-Горбунок" на музыку Родиона Щедрина с феерическими декорациями и костюмами главного художника театра Ивана Складчикова, который, кстати, вошёл в лонг-лист театральной премии "Золотая маска". Новые постановки, над которыми Васильев работал опять в тандеме со Складчиковым, должны были стать частью праздничных мероприятий, посвящённых 75-летию Победы. Увы, карантинные меры спутали все планы, но зато премьерные спектакли отложенных на полгода балетов Иван Васильев танцевал уже в новом статусе - летом он стал главным приглашенным балетмейстером Башкирского театра оперы и балета. Это назначение позволит ему не только самому ставить спектакли, но и определять репертуар балетной труппы театра. Уже сейчас известно, что в ближайших планах артиста-хореографа постановка балета "Нуреев", где, без сомнения, уфимцы смогут вновь лицезреть его в главной партии. В своих новых уфимских постановках Васильев танцует главные партии не в один день: на первом премьером показе он вышел на сцену в "Соседях", на втором - в "1418".

- Балеты отличаются друг от друга очень сильно, но в итоге они связаны. Получается, что это как бы один спектакль, состоящий из двух частей: первый акт - "Соседи", второй акт - "1418", - пояснил постановщик Иван Васильев.

Действие первого балета происходит в конце 50-х - начале 60-х годах в Ленинграде. Это история любви молодой пары – Рокера, которого танцуют Иван Васильев и Сергей Бикбулатов и Девушки, партию которой исполняют Валерия Исаева и Лилия Зайнигабдинова. Молодые люди живут на одной площадке, и однажды парень заступается за соседку, избавляя от навязчивых кавалеров, с которыми девушка вовсе не желает знакомиться. Зарождающее чувство между героями заставляет обоих предаваться мечтам друг о друге, а в итоге Рокер признается в любви прекрасной соседке, и та отвечает ему взаимностью.



Второй балет - "1418", получивший название по числу дней от начала и до конца войны, начинается в послевоенное время - пожилая пара ветеранов войны, сидя на лавочке в парке, вспоминает как героически сражались с фашистами. Воспоминания переносят их в прошлое, которое они не могут забыть - проводы на вокзале, полученная "похоронка", оказавшаяся ошибкой: Юноша в исполнении Рустама Исхакова и Ивана Васильева не погиб, а попал в плен, откуда смог в итоге бежать, работа его невесты, которую танцуют Гульсина Малюкасова и Валерия Исаева, в полевом госпитале, куда она отправилась, после того, как пришла в себя после страшного известия, тяжёлые бои и, наконец, радость победы над врагом. Заканчивается балет сценой, где к ветеранам в парке подходят герои из первого балета - Рокер со своей подругой - и дарят пожилой паре цветы.

Эхо былых эпох

Объединяет оба балета и музыка Дмитрия Шостаковича: "1418" целиком поставлен на Седьмую "Ленинградскую" симфонию - дирижёр-постановщик Артём Макаров использовал первую, третью и четвёртую части знаменитого произведения. А вот в "Соседях" музыка Шостаковича - вальс из Сюиты № 2 для джаз-оркестра, вторая часть Первого концерта для фортепиано с оркестром, а также вальс и романс из фильма "Овод" соседствует с самыми популярными в мире в те годы эстрадными и джазовыми мелодиями - песнями в исполнении Фрэнка Синатры, Эллы Фицджеральд и короля рок-н-ролла Элвиса Пресли.

Такой необычный, смелый микс русской классики и хитов культовых американских исполнителей XX века вполне оправдан. Взять, к примеру, композицию Tea for two - "Чай для двоих" - Винсента Юманса и Ирвинга Сизара, которую современники называли "олицетворением духа эпохи тех лет" и которая стала суперпопулярной в Америке и Европе, - она была оркестрована Шостаковичем. Русский классик услышал её на грампластинке и был настолько очарован, что выпустил её под новым названием "Таити-Трот" и даже включил в свой балет "Золотой век". Другая композиция, звучащая в "Соседях" - I've Got You Under My Skin - "Ты - частичка меня" - Коула Портера в исполнении Фрэнка Синатры вошла в Зал славы самой престижной музыкальной премии в мире "Грэмми" и ещё при жизни легендарного исполнителя считалась шедевром. Песня Jailhouse Rock - "Тюремный рок" - очень успешного дуэта - Джерри Либера и Майкла Столлера - из одноимённого голливудского фильма с участием Элвиса Пресли тоже заняла достойное место в Зале славы рок-н-ролла. Одним словом, композиции в "Соседях" подобраны со вкусом. К тому же такой музыкальный материал - редкость для Башкирского театра оперы и балета, что, несомненно, подогревает интерес к постановке.



- Для нас эти премьерные постановки - что-то новое и не совсем обычное, - говорит музыкальный руководитель и главный дирижёр театра Артём Макаров. - "Соседи " - довольно смелая компиляция музыки разных эпох и жанров. На моей памяти подобного в нашем театре ещё не было. Наряду с этим балет "1418" - также смелый шаг для коллектива театр, но в совершенно другом направлении. Сложнейшая, пронзительная музыка Седьмой симфонии Дмитрия Шостаковича, символ военных лет, имеет, я бы сказал, сакральное значение не только для музыканта, но и любого российского человека. Создать театральное воплощение этой великой музыки - рискованный замысел. Но, надеюсь, мы справились.

Необычной оказалась и хореография новинок - микс неоклассики и танца модерн. В качестве ассистентов постановщика выступили народные артисты Башкирии Гульсина Мавлюкасова и Ильдар Маняпов - обоим нашлись роли в новых спектаклях. Мавлюкасова танцует главную женскую партию в балете "1418", а Маняпов - небольшую партию ветерана войны.

Что касается главных мужских партий, в обеих постановках блистал Иван Васильев, два вечера подряд демонстрируя свои фирменные фишки, за которые его так обожает публика, - впечатляющие прыжки, почти акробатические трюки на полу, неизменную экспрессию и яркий артистизм.

От Большого до Ла Скала

Трудно поверить, но когда-то будущую звезду мирового балета не воспринимали всерьёз - педагоги Белорусского хореографического колледжа, где Васильев когда-то учился, считали его бесперспективным. "С таким ростом, короткими и толстыми ногами в балете делать нечего", - вынес неутешительный вердикт преподаватель народных танцев. Об этом сам Иван не раз рассказывал в интервью, но, как оказалось, педагог ошибался. Да, артист, действительно, невысокого роста, несколько коренаст, но всё это с лихвой компенсируется безупречной техникой, яркой мужской харизмой и неуёмной энергией.

Сегодня 31-летний Васильев - заслуженный артист России, лауреат международных конкурсов и приглашённый солист многих знаменитых театров - от Большого и Мариинки до Ла Скала и Баварского балета. Дебютировав в качестве хореографа пять лет назад, на сегодняшний день он имеет уже пятнадцать авторских постановок. Кстати, нередко он выступает не только как хореограф-постановщик, но и как соавтор оригинальных либретто - так было и с его первой уфимской постановкой "Конёк-Горбунок". В рекламных буклетах новых уфимских балетов автором либретто значится только Васильев.

- Я мечтал ставить балеты с десяти лет, хотя мне всегда нравилось танцевать, - признаётся Иван. - Но танцевать пятнадцать версий одного балета не интересно, мне тесно в рамках традиционных балетных амплуа. Моя задача как хореографа - сделать что-то новое.



С непростой задачей столкнулся и художник-постановщик балетов Иван Складчиков, с прошлого сезона занимающий пост главного художника Башкирского театра оперы и балета. Нынешние премьеры - третья работа Складчикова на уфимской сцене: кроме балета "Конёк-Горбунок", он создал декорации и костюмы для оперы "Аттила" - режиссёрского дебюта прославленного башкирского баса Ильдара Абдразакова.

- Балеты «Соседи» и «1418» - моя первая встреча с творчеством Дмитрия Шостаковича и темой Великой Отечественной войны в балете. Когда я только начинал работать над спектаклем "1418", для меня встал большой вопрос: "Как не утонуть в тяжести и темноте, в которую погружается сюжет балета?", - признается Иван Складчиков. - Именно поэтому моим решением было создание сценографии и костюмов лёгких по восприятию, даже чуть акварельных, которые могли бы оттенить серьёзность темы. Я хотел подчеркнуть, что даже в ту страшную пору люди встречались, любили друг друга - и было место для очень близких и понятных нам человеческих чувств и эмоций, связанных не только с войной. Отсюда родилась общая художественная концепция спектаклей, каждый из которых, тем не менее, имеет свою стилистику: более сдержанная и лаконичная одежда 40-х в балете "1418" и стиль new look послевоенной эпохи в "Соседях". В обоих спектаклях для меня было важным реализовать некую графичность, схожую с книжными иллюстрациями, чтобы дать зрителям ощущение прозрачности и пробудить чувство ностальгии по тем временам, которые для меня - ребёнка, рождённого в Советском Союзе, - стали тёплой, уютной историей, греющей душу.

Кроме оригинальных и впечатляющих декораций, созданных Иваном Складчиковым, стоит отметить работу художника по свету Ирины Вторниковой, которая давно сотрудничает с уфимским театром. Ближайшие постановки "Соседей" и "1418" можно будет увидеть 11 декабря.

===============================================================================
ВИДЕО - ПО ССЫЛКЕ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Ноя 29, 2020 1:32 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22899
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Ноя 26, 2020 7:53 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112604
Тема| Балет, Воронежский театр оперы и балета, Персоналии, Людмила Масленникова
Автор| Ангелина Оболонская
Заголовок| «У артистов балета короткий срок». Бывшая танцовщица о победах и упущениях
Где опубликовано| © «АиФ-Воронеж»
Дата публикации| 2020-11-26
Ссылка| https://vrn.aif.ru/culture/theater/u_artistov_baleta_korotkiy_srok_byvshaya_tancovshchica_o_pobedah_i_upushcheniyah
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Выбрать профессию в детстве и остаться в ней на всю жизнь, 25 лет отдать любимому театру и продолжать работать в нем после ухода на пенсию, блистать на лучших театральных подмостках мира и жалеть, что могла бы добиться большего – это все о танцовщице, педагоге, заслуженной артистке России Людмиле Масленниковой. «АиФ-Воронеж» рассказывает историю этой удивительной женщины.

Мама сделала выбор

«Мне было шесть лет, когда мама впервые привела меня на балетный спектакль, это было «Лебединое озеро». Такое впечатление он на меня произвел – невероятное! Потом несколько лет я танцевала дома, на улице, изображая из себя лебедя. Когда к нам в дом приходили гости, я танцевала для них. Самое интересное, что я прекрасно помню эти истории из глубокого детства», - рассказывает героиня.

Семья Людмилы Ивановны была совсем не творческой. Папа – рабочий, а мама переехала в Воронеж из глухой деревни под Рамонью и всю жизнь «болела» балетом, говорят, танцевала дома до самой старости.

Мама заметила наклонности дочери и в возрасте десяти лет отвела ее в хореографическое училище. В тот год был очень большой конкурс – 100 человек. И из всех претенденток выбрали всего восемь красавиц, в их числе – Людмила Масленникова.

«Я не буду себя хвалить, потому что это не моя заслуга. От природы у меня такие данные, которые подходят для балета: выворот, подъем, шаг, прыжок, – рассказывает Людмила Ивановна. – Маме, конечно, огромное спасибо, за то, что она за меня сделала такой выбор. Ни она, ни я об этом не пожалели».


Героиня связала свою жизнь с Воронежским театром оперы и балета. Фото: Из личного архива/ Людмила Масленникова

Трудная учеба

«Учиться было очень трудно. Я думала, приеду, костюм надену и выйду танцевать. А нас поставили лицом к станку, вывернули ножки, и мы приседали, поднимались, вытягивались. Это же трудный процесс, надо правильно поставить бедра, осанку – очень сложно и муторно. Для детей вообще невыносимо, особенно если не понимать, для чего это делаешь. И только когда у нас начались первые маленькие концерты на настоящей сцене, тогда уже стало легче. Стало понятно, для чего, что и как», - вспоминает героиня.

К слову, первые концерты в жизни Людмилы Масленниковой произошли уже на первом году обучения. На камерных отчетных концертах юные воспитанники показывали маленькие кусочки из балетных постановок.

«Очень мотивировали прогоны в большом зале, - говорит Людмила Ивановна. - Мы, малышня, сидели под станком, а взрослые выпускники танцевали сложные партии. Мы смотрели на них, а нам говорили: «Если ты будешь заниматься, если будешь на уроке все учить, трудиться, когда-нибудь и ты станцуешь так же».

В 1969 году Масленникова закончила хореографическое училище, и ее пригласили в Воронежский театр оперы и балета. Но стать солисткой театра не так просто. Для начала артисту предстоит пройти участь танцовщика кордебалета.

Тогда в ее жизни появилась Дина Марковна Арипова – балетмейстер Воронежского театра оперы и балета. Она первой заметила талантливую танцовщицу и предложила сольную партию в балете «Корсар».

Вообще Людмила Ивановна с теплотой вспоминает своих талантливых педагогов. Первому учителю, Надежде Поляковой, она благодарна по сей день. Женщина была бессменной наставницей Масленниковой на протяжении всех восьми лет обучения в училище. Суровую, но добрую преподавательницу невероятно боялись, но любили все студенты. А потом судьба свела их снова – в театре. Два года учитель и ученица танцевали вместе на одной сцене.


Людмила Ивановна была с гастролями в разных странах мира. Фото: Из личного архива/ Людмила Масленникова

Бурная карьера

Переломным в своей карьере Масленникова считает спектакль «Корсар» - после него молодой артистке стали предлагать основные партии в постановках.

«Я была тогда еще совсем молодая, 19 лет, а спектакль драматический. То есть, там надо было играть актерски, что мне жутко нравилось. Приятно танцевать спектакли, в которых необходима высокая эмоциональность, а не просто выполнять классические пустые движения, – вспоминает артистка. – Еще мне очень нравилось танцевать спектакль «Песня торжествующей любви» по Тургеневу. Музыку написал наш воронежский композитор Носырев, а балетмейстером была та самая Дина Арипова. Этот спектакль шел только в нашем театре, ни в каких других театрах не успели поставить – своего рода эксклюзив. Этот спектакль меня очень грел. Запомнилась «Тысяча и одна ночь», ну и «Лебединое озеро» – это эталон и сложнейшее произведение. В нем одна и та же балерина танцует белого нежного лебедя и черного, коварного. Представляете, какая интересная работа для артиста! Станцевать две противоположные партии в одном спектакле».

«Когда я была молодая и танцевала, меня приглашали поехать в Москву, в Баку. Но я себе представить не могла, что останусь жить там, нет-нет, я хотела домой. А с поездками мне очень повезло, потому что с гастролями мы были во многих странах! Начиная с 1981 года, мы ездили в Чехословакию, Мексику, Нидерланды, Францию и даже два месяца пробыли в Африке. Я повидала весь мир. Я в этом смысле счастливый человек, очень счастливый», - добавляет героиня.

Всем сердцем артистка любила родной воронежский театр, где провела всю свою творческую жизнь:

«Мне было достаточно того, что я здесь танцую. Репертуар был достаточно обширный, поэтому в Воронеже лучше всего».

В 1985 году Людмилу Масленникову наградили званием «Заслуженная артистка России». Говорит, это было большой неожиданностью, ведь руководство театра не предупредило, что отправляет документы в Москву.

«И тут вдруг в 1985 году – такая неожиданность. Конечно, это было приятно, когда ты понимаешь, что не просто так проработал все это время, еще и получая удовольствие от дела всей жизни. Ну а потом все продолжилось дальше, – смеется Масленникова. - Что от нее, от корочки, работать-то дальше надо. А от нее даже еще больше спроса, что ты такой титулованный артист».

Враг ­– время

Но время для артиста балета бежит неумолимо. Спустя 25 лет Людмила Масленникова покидает родную сцену.

«Нет ни одного артиста, который спокойно бы ушел со сцены. Для каждого артиста ­– это большая беда и боль. Ты уже понимаешь, что ты не можешь танцевать как раньше. Физика тела не та – ни гибкости, ни подъема, ни шага. Нет ничего того, что позволяло бы танцевать так же хорошо, как в 20 лет. Тогда понимаешь, что надо уходить», - отмечает Людмила Ивановна.

Но артистке повезло, ведь она не просто ушла из театра, а осталась в нем педагогом-репетитором. Ведь уйти в никуда для артиста – катастрофа. Но Людмиле Ивановне повезло, для нее этот переход произошел не так болезненно. Она осталась в родном театре, который называет своим домом.

«Вы знаете, я могла бы добиться большего. Не знаю, чего. Но, может быть, я недостаточно работала. Это теперь с точки зрения педагога-репетитора я все понимаю, – делится артистка. – А сейчас, когда ты сидишь в балетном зале, смотришь, как танцуют артисты, а потом наблюдаешь за их победами из зрительного зала… Очень жаль, что все прошло, что ты никогда уже не выйдешь на сцену. А так хочется, так хочется. Танцуешь вместе с учениками. Они падают, и ты падаешь. Жалко, что все проходит. Что делать, такой у нас короткий срок, у артистов балета. Когда приходит понимание и много знания, тогда ты сама уже не можешь выйти на сцену. Понимаешь много, а сделать не можешь».

Сейчас в жизни балерины наконец-то появилось время побыть с семьей. В годы бурной карьеры она не могла уделить достаточное время дочери, а сейчас участвует в воспитании внучки и проводит самоизоляцию вместе с ними. Единственное, о чем никогда не жалела блистательная танцовщица Людмила Масленникова, так это о профессии, которую она выбрала в раннем детстве вместе с мамой.

«Я не жалею, что выбрала такую профессию. Да, ты трудишься, вкладываешь очень много сил, но выходя на сцену, получаешь огромное удовольствие. Когда тебе аплодируют в конце, ты понимаешь, что до этого работала в балетном зале, стирала ноги в кровь – не просто так», - подчеркивает героиня.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22899
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Ноя 26, 2020 8:12 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112605
Тема| Балет, НОВАТ, Персоналии, Наталья Осипова
Автор| корр.
Заголовок| Наталья Осипова: «Сцена – место, где я настоящая»
Где опубликовано| © сайт НОВАТ
Дата публикации| 2020-11-26
Ссылка| https://novat.nsk.ru/news/interview/natalya-osipova-stsena-mesto-gde-ya-nastoyashchaya/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Прима-балерина Королевского балета Ковент-Гарден, ярчайшая звезда мировой балетной сцены Наталья Осипова вновь выступит на сцене НОВАТа 27 ноября. Балерина, знаменитая своими полётными прыжками, филигранной техникой, невероятным сценическим обаянием и мастерством актёрского перевоплощения исполнит одну из самых успешных своих ролей – Китри в балете Л. Минкуса «Дон Кихот».

О сегодняшнем периоде в своей работе блистательная артистка рассказала в интервью.

– Вы уже не в первый раз танцуете в НОВАТе, расскажите, каковы Ваши впечатления о театре?

– Да, я уже не в первый раз в Новосибирском театре оперы и балета. Впервые я здесь выступила очень давно, в самом начале своей карьеры. Тогда я танцевала здесь в «Дон Кихоте», в концертах – достаточно много. Здесь я впервые танцевала «Баядерку» и один из первых своих спектаклей «Жизель». Мне всегда очень приятно сюда возвращаться: в сам театр, в балетный зал, на сцену и находиться среди этих людей – замечательных артистов, педагогов. Здесь прекрасная, очень тёплая атмосфера. Кроме того – я живу за границей, в англоязычной среде, и меня очень радует возможность слышать русскую речь и говорить на родном языке.

– Многие приглашённые артисты говорят, что сцена нашего театра вызывает у них особые эмоции, как Вы себя чувствуете здесь?

– Сцена театра, несомненно, особенная. Во-первых, она просто огромная, зрительный зал – тоже гигантский, и сначала это даже немного пугает – ты понимаешь, что своей энергетикой должен заполнить всё это огромное пространство, зарядить всю зрительскую аудиторию. Я танцевала во многих театрах, но, по-моему, сцены сравнимые по масштабу только в Большом театре и Метрополитен опера. Конечно, это особое чувство – танцевать на такой сцене.

– Жизель и Китри – Ваши коронные партии, в этом сезоне Вы уже исполняли их в нашем театре. Какая из этих ролей Вам ближе?

– Жизель – партия, к которой хочется возвращаться вновь и вновь. Сам спектакль очень глубокий, он о любви, о жизни… Каждый раз ты проживаешь, прочувствуешь спектакль по-новому, и обычно это созвучно тому, что происходит в этот период в твоей жизни. Посмотрев каждую мою «Жизель» вы сможете легко понять, какой я была в этот период – все они очень разные. С «Дон Кихотом» отношения складываются немного по-другому. Это был один из первых и самых успешных моих спектаклей. В первый раз я танцевала его в Большом театре, и после, наверное, ещё миллион раз. Для этого балета нужно страстное желание танцевать – если его нет, то не имеет смысла выходить на сцену в этом балете. Я люблю «Дон Кихот» в традициях Большого театра – как танцевали Лепешинская, Плисецкая, чтобы искры из-под ног летели… Но в какой-то момент появилась усталость – я просто не хотела его танцевать. Тогда как раз я переехала в Лондон, у меня появился другой репертуар – я танцевала в современных и неоклассических постановках, в новых прочтениях классики, в балетах Аштона, Макмиллана. Только сейчас, спустя долгое время, а именно после карантина у меня вновь возникло желание танцевать этот спектакль – летать, выражать в танце свои эмоции, делиться со зрителями энергией. Впервые я вышла на сцену после карантина именно в НОВАТе, не танцевала более полугода, поэтому было очень сложно приходить в форму. Сейчас, благодаря первым послекарантинным спектаклям, я вновь полна сил и той самой душевной энергии, которая помогает летать, прыгать, наслаждаться танцем… Поэтому я с огромным желанием жду «Дон Кихота», у меня будет два спектакля, ещё один запланирован в Петербурге, в Михайловском театре.

– Что для Вас сцена?

– Также – в разные периоды жизни по-разному. Иногда – это смысл жизни, без которого невозможно существовать, но бывают периоды, когда я не хочу находиться на сцене. Каждый выход на сцену – это огромная работа, даже не столько физическая, сколько внутренняя. Ведь ты вкладываешь в спектакль столько своей души, столько сил, что невероятно устаёшь, и уже не хочешь быть на сцене – да, такое тоже случается. Ведь чтобы что-то отдать, поделиться, нужно сначала что-то в себе накопить. Но всё-таки сцена – место, где я настоящая, даже более настоящая, чем вне её. Даже близкие, видя меня в спектакле, говорят, что такой, как на сцене, меня не знают.

– Ваши пожелания зрителям НОВАТа?

– Сейчас я живу в другой стране и нахожусь в иной ситуации. В Лондоне у нас, к сожалению, нет возможности танцевать на сцене, а у зрителей нет возможности приходить в театр. Я знаю, как страдают зрители и артисты, многие впадают в депрессию от того, что спектакли вновь отменяют, театры в Лондоне снова закрыты вплоть до конца года. И я хочу сказать новосибирским зрителям, что это такое большое счастье, что театр открыт, что есть возможность ходить в театр, конечно, очень аккуратно, соблюдая все необходимые меры безопасности. Никакие онлайн-проекты не заменят обмен энергией, живые эмоции, когда ты можешь разделить радость с другими зрителями и почувствовать энергетику, идущую со сцены. Наслаждайтесь возможностью ходить в театр! «Дон Кихот» с участием звёзд мирового балета Натальи Осиповой и Игоря Цвирко – 27 ноября на Большой сцене НОВАТа, начало в 19:00.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пт Ноя 27, 2020 6:49 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22899
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Ноя 26, 2020 11:43 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112606
Тема| Балет, Государственный театр оперы и балета Республики Саха (Якутия), Премьера, Персоналии, Екатерина Тайшина
Автор| Надежда КУЗЯКОВА
Заголовок| ПРЕМЬЕРА НА ФЕСТИВАЛЕ: БАЛЕТНАЯ ТРУППА ГОСУДАРСТВЕННОГО ТЕАТРА ОПЕРЫ И БАЛЕТА РЕСПУБЛИКИ САХА (ЯКУТИЯ)ИМ. Д.К.СИВЦЕВА –СУОРУН ОМОЛЛОНА В ПЕРВЫЙ РАЗ ПОКАЗАЛА ЗРИТЕЛЯМ СВОЙ НОВЫЙ БАЛЕТ ИМЕННО НА ФЕСТИВАЛЕ «ВИДЕТЬ МУЗЫКУ».
Где опубликовано| © "Музыкальный Клондайк"
Дата публикации| 2020-11-26
Ссылка| https://www.muzklondike.ru/events/videt_muziky_yakutiya
Аннотация| Фестиваль, Премьера



Программа Пятого фестиваля музыкальных театров по понятным причинам была полна сюрпризов. Конечно, отмены запланированных спектаклей огорчали, но спонтанно возникающие замены оказались очень интересными. А театр из Якутска так вообще выпустил на фестивале премьеру, и теперь в выходных данных одноактного балета «Платформа. История одного вокзала» навсегда записано: «Премьера состоялась 16 ноября 2020 года на сцене Московского государственного академического детского музыкального театра имени Н.И.Сац». Наверное, это первый случай в истории – когда театр из региона не просто гастролирует в столице, а показывает премьеру, которую «дома» еще никто не видел.

«СахаОпераБалет» - такой красивый бренд сегодня укореняет в информационном поле Государственный театр оперы и балета Республики Саха (Якутия). Он следует примеру некоторых других театров, справедливо полагающих, что кроме официального названия (которое может быть достаточно длинным) театру необходима краткая и броская «марка».

Театр давно участвует в фестивале «Видеть музыку». Но в этом году представлен не только новый бренд – впервые гости из Якутска показали на форуме музыкальных театров современный балет. До этого в фестивальной афише они представляли либо масштабное оперное полотно – «Князя Игоря» Бородина, либо сосредотачивались на чисто национальном материале, показывая важные для культуры народа Саха традиционные произведения – балет на музыку Ж.Батуева «Чурумчуку» по мотивам сказки С.Р.Кулачикова-Элляя и первую якутскую музыкальную комедию В.Ксенофонтова «Тиэтэйбит».


«Платформа. История одного вокзала» - спектакль, в котором безусловно ощущается национальный колорит, но подан он в современных пластических формах, словно опосредован ими. «Эта постановка – соединение ментальности народа Саха, видения жизни и особого лексического колорита», - говорит художественный руководитель театра Сергей Юнганс.

Содержание балета и условно, и конкретно. Череда жизненных эпизодов разных людей объединена местом действия – платформой одного железнодорожного вокзала. Время действия разное. Можно понять по деталям костюмов, что что-то происходит в начале прошлого века, что-то – в военные годы и сразу после, что-то – ближе к нашему времени и – уже сегодня.

Балетмейстер-постановщик и автор либретто Екатерина Тайшина не стремилась к сложной фабуле. Рассказанные в спектакле истории просты – любовь, разлука, верность, ожидания… С этими сюжетами легко встретиться в обычной жизни. Но аллюзии на жизненные ситуации у Екатерины Тайшиной воплощены в интересных хореографических решениях. Хореография передает сложный подтекст простых, иногда даже наивных, ситуаций, в движениях артистов выражены душевные движения и чувства персонажей, и спектакль по настоящему «держит». Лексика балета –неоклассика и современный танец. Танцовщики владеют этой лексикой органично и легко, хотя можно предположить, что встретились с новыми для себя задачами, причем не только чисто хореографическими, но и актерскими. Спектакль показал, что балетная труппа театра из Якутска (во всяком случае, те ее представители, что участвовали в московской премьере) находится в хорошей форме. В «Истории одного вокзала» были заняты солисты Динара Гасанбалаева, Валерий Аргунов, Айвал Скрыбыкин («Трио»), Иннокентий Оконешников («Солдат»), Юлия Марина и Аркадий Посельский («Сбежавшая»), Александра Ларева и Николай Попов («Встреча»), Анастасия Платонова и Сарыал Афанасьев («Влюбленные»), Венера Федотова и Альмира Куркутова («Мать и дочь»), Павел Необутов («Ожидание»). Последняя в череде миниатюр – история о юноше, ставшем жертвой нападения бандитов, - считаю, замечательно раскрыла дарование Никиты Рогова, и в острой графичной пластике с элементами акробатики также свободно ощущали себя «противники» его героя - Айвал Скрыбыкин, Сергей Прокопьев и Александр Деляев. Большая смысловая нагрузка в спектакле легла на Афанасия Максимова (Старик – судя по всему, дежурный по станции). Его персонаж прошел через балет, вне времени – как персонифицированный образ Добра.

Художник Саргылана Иванова очень лаконичными средствами создала образ вокзала именно как символа быстротечности времени, места разлук встреч, места надежд, которые сбываются и не сбываются.

Московская публика приняла спектакль очень тепло. Что ж, впереди у «Платформы» встреча с родным зрителем. Надеемся, она будет удачной.

Пожелание – музыка, на которую поставлен балет (он идет под фонограмму), современная, выразительная и интересная, - обозначена в программке как «музыка композиторов XXI века». Хотелось бы все же узнать их имена. А может, ее сочинил компьютер?

Пятый фестиваль музыкальных театров «Видеть музыку» проходит в Москве в сентябре-ноябре 2020 года. Фестиваль организован Ассоциацией музыкальных театров при финансовой поддержке Министерства культуры РФ, с использованием гранта Президента Российской Федерации, предоставленного Фондом Президентских грантов.

Фото Е.Лапиной предоставлены пресс-службой фестиваля «Видеть музыку»
=====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22899
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Ноя 27, 2020 4:09 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112701
Тема| Балет, МТ, Премьера, Персоналии, Алексей Ратманский
Автор| Наталья Сердюк
Заголовок| Вечер балетов Алексея Ратманского: игра телами
О премьере Мариинского театра, отрепетированной с хореографом по видеосвязи.

Где опубликовано| © Ваш Досуг
Дата публикации| 2020-11-27
Ссылка| https://www.vashdosug.ru/spb/theatre/article/2572227/
Аннотация| Премьера


«Семь сонат». Источник: пресс-служба Мариинского театра. Автор: Наташа Разина

Весна 2020 года нарушила привычный порядок вещей во всём. Театральный сезон замер, ушёл в интернет, а XIX Международный фестиваль балета «Мариинский» оборвался перед своей главной премьерой – и «Семь сонат» Алексея Ратманского, отрепетированные с хореографом по видеосвязи, были показаны лишь в конце сентября. Вчера, 27 ноября, сразу три балета прославленного хореографа показали в Москве, в концертном зале «Зарядье». Впечатлениями от просмотра делится Наталья Сердюк.

Зачастую по фестивальной премьере можно угадать «базовые ценности» Мариинского балета, вектор его развития на ближайшее время. И если прошлогодняя новинка – Push Comes To Shove Твайлы Тарп 1976 года – казалась именным подарком виртуозному Кимину Киму, то появление в репертуаре «Семи сонат» и возобновление «Лунного Пьеро», по-видимому, свидетельствует о повороте театра на курс более современной хореографии. О том, насколько долгожданной для труппы была новая встреча со спектаклями Ратманского, можно судить по составам исполнителей: нынешние и будущие примы и премьеры с удовольствием примеряют на себя новые роли.

«Семь сонат», поставленные в 2009 году для ведущих солистов Американского театра балета, на Мариинской сцене обрели новый звёздный состав. Екатерина Кондаурова, Алина Сомова и Мария Хорева, появляясь в сопровождении своих кавалеров, кажутся одной идеальной героиней, отражённой волшебным зеркалом и являющей свои разные ипостаси в вариациях и дуэтах. Отойдя от схемы «В ночи» Джерома Роббинса, исследовавшего науку страсти нежной, Ратманский весело миксует всевозможные сюжеты и конфигурации. Изящную композицию, сочинённую для трёх пар солистов, можно воспринимать и как размышление о чувствах, и как разговор об истории балета XX века. Хореограф с мягкой иронией интерпретирует то, на чём вырос он сам, на чём воспитывались и артисты, и зрители: вот среди хулиганских па юношей мелькает намёк на танец маленьких лебедей, вот реверанс в сторону Баланчина, а вот – Бурнонвиля и всей датской школы.

Ратманский играет телами танцовщиков, то сбивая их с ног, то нарушая заданный ритм, на секунду возвращая им стабильность и снова заставляя балансировать на краю невидимой пропасти. Порой стабильные, строго вымуштрованные классические тела бессознательно стремятся компенсировать эти «неправильности» – кто-то смягчением переходов между движениями, кто-то – отчаянно не давая себе «упасть». Но если артисты ныряют в балет с «закрытыми глазами», не сопротивляясь хореографии, а полностью отдаваясь её течению, как, например, Евгений Коновалов и Роман Малышев, то постнеоклассика Ратманского обнаруживает и красоту, и внутреннюю логику, и наследие великой традиции.

Судя по всему, хореография Ратманского больше всего подходит танцовщикам, полным «божественной пустоты», – готовым убрать свой характер и положиться на сочинённые для них па. Возможно, в этом секрет того, как удивительно «сел» на Викторию Терёшкину «Лунный Пьеро», поставленный в 2009 году для Дианы Вишнёвой, балерины совершенно другого темперамента и пластики. Своей марионеточной бесстрастностью, пронзительной механичностью страданий и насмешек над своими незадачливыми воздыхателями, Терёшкина создала пугающе изысканный образ Петрушки XXI века. Однако новая программа была бы неполной без своеобразного десерта, жизнерадостного хита Concerto DSCH, в котором под музыку Шостаковича Ратманский с азартом занимается строительством идеального балетного коммунизма и заставляет размышлять, каким бы стал Баланчин, останься тот в СССР, а также о том, как к лицу Мариинскому балету современная хореография.

===================================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
Страница 6 из 8

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика