Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2020-11
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22299
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Ноя 12, 2020 10:26 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020111202
Тема| Балет, Академия русского балета им. Вагановой, Персоналии, Юрий Петухов
Автор| Вера Шуваева
Заголовок| Мы не пирожки печём. Юрий Петухов – о балете, TV-чернухе и билетах в театр
Где опубликовано| © Еженедельник "Аргументы и Факты" № 46. АиФ-Прикамье
Дата публикации| 2020-11-11
Ссылка| https://perm.aif.ru/culture/person/my_ne_pirozhki_pechyom_yuriy_petuhov_o_balete_tv-chernuhe_i_biletah_v_teatr
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Юрий Петухов: «Культуру надо спасать, и как можно скорее. И прежде всего надо очень бережно относиться к педагогическим кадрам». © / Андрей Чунтомов / Из личного архива

Зигфрид и Базиль, Труффальдино и Гришка Отрепьев, Адам и Орфей – в этих и многих других партиях блистал в 70-е на сцене Пермского театра оперы и балета Юрий Петухов.

Сегодня он заведует кафедрой балетмейстерского образования Академии русского балета им. Вагановой в Петербурге. А на «Арабеске-2020», недавно завершившемся в Перми, был членом жюри конкурса.

Стоило ли проводить «Арабеск» во время пандемии? Почему нельзя преподавать хореграфию онлайн? Что общего у Есенина с Рахманиновым? Об этом рассказывает народный артист России.

Номера на ладонях

Вера Шуваева, «АиФ-Прикамье»: Юрий Николаевич, в связи с закрытием границ из-за COVID-19 нынешний «Арабеск», как считают некоторые, получился урезанным. Количество участников значительно уменьшилось, да и зрители могли смотреть его только онлайн. Может, надо было отменить его?

Юрий Петухов
: У меня абсолютно нет ощущения, что конкурс урезанный. И уровень его не стал ниже. Как может он снизиться, когда участвуют в «Арабеске» артисты из профессиональных театров и учебных заведений? Когда их оценивает профессиональное жюри во главе с легендарным Владимиром Васильевым? То, что конкурс пришлось проводить без зрителей – это да. Но конкурсантам очень помогала аудиозапись аплодисментов. Они сразу приободрялись, чувствовали себя выступающими на публике. Знаю, насколько это важно для любого участника. Не раз сам участвовал в конкурсах, а сейчас ежегодно провожу в Латвии Международный хореографический конкурс «Рижская весна».

Несмотря на жёсткие ограничения, в театре всё было чётко продумано и прекрасно организовано. Поэтому проведение «Арабеска-2020» правильное решение. Этот конкурс очень важен для пермской балетной школы, известной на весь мир. К тому же вирусы боятся улыбающихся, по-настоящему счастливых людей. А на «Арабеске» было много улыбок.

– Годы вашей работы в Пермском оперном пришлись на счастливое время. Балетоманы до сих пор называют его золотым веком хореографии или эпохой Боярчикова. Какой из поставленных им балетов вам наиболее дорог?

– Все дороги, потому что я участвовал во всех. Это как дети. Мы были детьми для Николая Николаевича (Николай Боярчиков – главный балетмейстер Пермского театра оперы и балета в 1971-1977 гг. – Авт.), а наши дети – это роли в его спектаклях. Расскажу случай из того времени. Как-то летом пошёл я на рыбалку. Часа в четыре утра. Туман. Иду по Коммунистической, дохожу до театра. И вдруг вижу: на площади перед ним – человек двести. Выкрикивают что-то.

– Так это очередь за билетами! Сама стояла каждый месяц. Писали номера на ладонях, устраивали перекличку.

– Да, оказалось, очередь на «Орфея и Эвридику». Но я ведь не знал про это. Позже услышал, что на премьеры кое-кто проникал в театр даже через окошко в туалете! Почему эти воспоминания приятны? Потому что это наша работа. И кому-то, значит, она была очень нужна.

Беречь педагогов

– Питерская публика другая?


– Там в зале всегда было много педагогов. И школьных, и вузовских. А сейчас какой педагог сможет купить билет за пять тысяч рублей? Я уж не говорю про пенсионеров – это же половина пенсии. В обществе огромное, просто катастрофическое расслоение по материальному благополучию. И это, мне кажется, большая ошибка руководства страны.

– В конце октября Владимир Путин провёл в режиме видеоконференции заседание Совета по культуре и искусству. Удалось послушать?
– Конечно, хотя уже шли просмотры на «Арабеске». Культуру надо спасать, и как можно скорее. Прежде всего, по-моему, надо очень бережно относиться к педагогическим кадрам. Пересмотреть многие вещи, придуманные за последние годы. В том числе этот несчастный ЕГЭ.

– Вы имеете в виду общеобразовательные школы?

– Нет-нет, везде всё одинаково. Нельзя разбрасываться педагогами. Надо дать им возможность преподавать так, как они видят. Педагогам любых школ. А педагоги балетного искусства – это вообще особые люди. Артист балета – продукт индивидуальный. Мы не пирожки печём. Пирожки – и те у всех получаются по-разному. А тут люди, и каждый человек со своим внутренним миром. С тем, что он будет нести со сцены в зал. Это очень важно в плане развития зрителей. Потому что человек, который смотрит одну чернуху, особенно на сегодняшних телеканалах, и ведёт себя соответственно.

Эффективно заниматься балетом онлайн невозможно. Балет – это искусство, которое передаётся из рук в руки, из ног в ноги. А не через экран компьютера.

– Во время весенней самоизоляции артисты балета продолжали заниматься дома. Многие даже выкладывали забавные видео: кто-то накрывает на стол под музыку из «Дон Кихота», кто-то исполняет партию Жизели на кухне.

– И слава Богу! Все же сидели по домам несколько месяцев. Чтобы не падать духом и слегка поддерживать форму, устраивали такие вещи. Своего рода карантинный китч. Но эффективно заниматься балетом онлайн невозможно. Балет – это искусство, которое передаётся из рук в руки, из ног в ноги. А не через экран компьютера. Вспоминаю Аллу Шелест, когда она уже не могла ходить. И я был последним, кто привозил её на репетиции. Так она сидела в ногах у артистки, вставляла туда пальцы, правила ей руки. Только так, только через личный контакт.

Ответ Анне Ахматовой

– Среди балетов, поставленных вами, немало созданных по литературным произведениям. Литература мотивирует сильнее, чем музыка?


– Меня – да. Я воспитан на литературном театре Боярчикова, на его балетах «Ромео и Джульетта», «Три карты», «Царь Борис» и т. д. Очень хочется, чтобы память о Николае Николаевиче именно в этом направлении сохранилась. Один из лучших своих балетов – «Есенин» – я поставил в Театре им. Якобсона. Жаль, что показанных спектаклей было мало, поскольку я уже начинал ставить в то время «Русь», посвящённую Андрею Рублёву. Но доделать этот спектакль мне не дали. Не хочу сейчас углубляться в ту историю. Уверен, смотреть надо всегда вперёд, а не назад.

– Есенин – ваш любимый поэт?

– Мне близки два человека: Есенин и Рахманинов. Неслучайно в «Есенине» в основном звучит музыка Рахманинова. Казалось бы, они совершенно разные: один – от сохи, крестьянский сын, другой – аристократ. Но оба безумно любили Россию. Да, после революции Рахманинов покинул Родину и больше сюда не вернулся. Но уехал он не от России.

– Бывая за границей, вы наверняка встречаете там бывших пермяков – друзей и коллег?

– Пермские танцовщики сегодня по всему миру. Когда возил свою труппу в Америку, убедился: в каждом городе там работают русские артисты. И среди них много пермяков. Часто встречался с Маратом Даукаевым. У него всё в порядке: трое детей, очень хорошая своя школа балета в Калифорнии.

– Из артистов вашего поколения, пожалуй, самым неожиданным образом сложилась судьба Геннадия Судакова. Фантастически талантливый танцовщик ушёл в монастырь.

– Почему неожиданным? У каждого в жизни собственный путь. Этим летом мы с женой были у него в Святогорском монастыре в Пушкинских горах. Гена служит монахом. Очень светлым человеком стал. Да он и был светлым. Высочайшего уровня артист! Вспоминали Пермь, театр, наши спектакли. Сейчас к нему туда приезжают паломники и просто туристы. Гена рассказывает им о Пушкине. Так что всё не просто так.

– Напоследок любимый тест Анны Ахматовой. Она проводила его для новых знакомых, чтобы понять, к какому типу относится человек. Итак, чай или кофе? Собака или кошка? Пастернак или Мандельштам?

– Зачем выбирать? Я ответил бы Анне Андреевне словами Мандельштама: «Ах, матовый ангел на льду голубом! Ахматовой Анне пишу я в альбом».

ДОСЬЕ
Юрий Петухов. Родился в 1953 г. в Свердловске. Окончил Пермское хореографическое училище (1972) и балетмейстерское отделение Ленинградской консерватории (1989). В 2001-2011гг. – худрук Театра балета им. Якобсона. С 2000 г. преподаёт в Академии русского балета им. Вагановой. Лауреат Госпремии им. Глинки. Кавалер ордена «За честь и достоинство».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22299
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Ноя 12, 2020 8:40 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020111203
Тема| Балет, театр оперы и балета Удмуртской Республики, Персоналии, Илья Волков
Автор| Анастасия Захарова
Заголовок| Артист балета из Ижевска: «Если происходит заминка, импровизируем»
Где опубликовано| © IzhLife.ru
Дата публикации| 2020-11-12
Ссылка| https://izhlife.ru/working/98267-artist-baleta-iz-izhevska-esli-proishodit-zaminka-improviziruem.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Илья Волков о сложных костюмах и стереотипах про диеты


Илья Волков в роли Феи Карабос в «‎Спящей красавице»‎. Фото: предоставлено Театром оперы и балета

Театры в Удмуртии сейчас закрыты для зрителей. Но за кулисами продолжаются репетиции и даже готовятся премьеры, а артисты продолжают держать себя в форме. В новом выпуске проекта «Моя работа» рассказываем об артисте балета Илье Волкове. Он исполняет сольные партии в балетных спектаклях – Ротбарта в «Лебедином озере», Феи Карабос в «Спящей красавице», Дроссельмайера в «Щелкунчике», мастера Виноградинки в «Чиполлино» и другие.

Досье

Илья Волков

Возраст: 36 лет

Образование: Высшее, степень «Бакалавр» АРБ им. А. Я. Вагановой

Семейное положение: женат, воспитывает двоих детей

Хобби: чтение художественной литературы, хоккей.

Как пришел в профессию:

– Мама записала меня в школу искусств по направлению «хореографическое творчество» в моем родном поселке Балезино. Конечно, тогда не очень хотелось заниматься балетом. Друзья дразнили «танцулькой». Но в школе искусств было интересно. Два года я прозанимался там. Потом к нам приехала студентка из Пермского училища, посмотрела наш урок и предложила съездить на общий просмотр. Меня приняли. В 11 лет я переехал в Пермь, жил в интернате и занимался в училище. Общеобразовательные уроки мы совмещали с занятиями классического, историко-бытового, характерного, дуэтного танцев и практики. Там уже была совершенно другая атмосфера: вокруг меня были люди, которые увлекались искусством. Мыслей бросить уже не возникало.

Выступал на Красной площади и в Оксфорде

Илья Волков окончил Пермское училище в 2003 году. Уже во времена студенчества артист участвовал в постановках училища и театра оперы и балета Перми. Даже ездил выступать в Англию и Испанию во время учебы.

– В Испании мы танцевали балет «Коппелия» Лео Делиба. Я исполнял соло в танцах мазурке и чардаш, четверку друзей. Испанская публика принимала тепло. Мы объездили примерно 30 городов, было трехразовое питание, платили 7-10 евро за спектакль. Было здорово, чувствовали себя взрослыми, – вспоминает Илья.

Во время гастролей ученики успевали прогуляться по городам. Например, в Англии им устроили экскурсию по Лондону: они проплыли по Темзе, видели Биг Бен, зашли в Лондонский Тауэр, прошлись Лондонскому мосту. В Испании артистов привезли в национальный музей Прадо.

После окончания училища у артиста было три варианта развития событий: вернуться в Ижевск, остаться в Перми или поехать по приглашению работать в Челябинск. Но Илья Волков поехал на просмотр в Санкт-Петербург. Там молодого человека не взяли, но нашлась вакансия в Москве. В столице он танцевал в Русском национальном балетном театре, Московском академическом музыкальном театре им. Станиславского и Немировича-Данченко, Кремлевском балете. В основном Илья Волков танцевал в кордебалете и исполнял партии корифея. Работа артиста устраивала: зарплата была хорошая, коллектив тоже, на тот момент было много гастролей. Артист даже не может сразу вспомнить, сколько стран он успел посетить: около 20-25. Илья Волков был в Китае, Южной Корее, Мексике, Франции, Греции, Италии, Португалии, странах СНГ. Самая значительная роль у танцовщика была в Мексике: он играл Дроссельмайера в «Щелкунчике».

– Балет – европейское искусство. Поэтому в Китае, например, аплодисменты скромные, но когда выступала четверка маленьких лебедей, аплодировали здорово. Зато в Европе порой мурашки шли по коже от реакции публики, – вспоминает артист.

Кстати, и там в выходные дни танцовщики успевали осмотреть достопримечательности: они были на Великой Китайской стене, поднимались пешком на второй этаж Эйфелевой башни, ездили в Версаль, были в квартире Шерлока Холмса на Бейкер-стрит в Лондоне и в музее мадам Тюссо.

Но Илье жизнь в Москве представлялась сложной. К тому же артист все равно хотел вернуться на родину.

– На работу я добирался 1 час 10 минут. Экология была ужасная, много автомобилей, только по утрам в воскресенье можно было дышать. Возможность создать семью и вести личную жизнь была немыслимая. Как-то с гастролями приехали в Ижевск. Здесь я встретился с женщиной из Министерства культуры. Когда-то благодаря ей я получил возможность самому выбрать место работы, так как по договору, подписанному родителями, на бесплатное питание и проживание, должен отработать пять лет в театре оперы и балета в Ижевске. Она напомнила, что здесь меня ждет театр, и я вернулся, – рассказывает Илья Волков.

Происходит казус – начинается импровизация

Рабочий день начинается в 10:00 утра. 1 час идет урок классического танца, а дальше репетиции, они длятся три часа с перерывами. Днем артисты уходят домой или при необходимости учат партии дома или в театре. Вечером снова идут репетиции с 18:00 до 21:00, во время открытого сезона добавляются спектакли репертуара. Такой режим в театре у артистов балета со вторника по воскресенье. Понедельник - выходной день. Когда Илья Волков разучивает новую роль, он продолжает репетировать и дома: смотрит видео, разучивает движения.

Репетиции проходят в репетиционном зале и на сцене с декорациями и костюмами. Но сцена постоянно занята, поэтому основной процесс подготовки спектакля проходит в балетном классе. Подготовка премьерного спектакля может занять полгода. Постановка танцев, пошив костюмов, изготовление постижёрами париков, усов, бакенбардов. Пишутся декорации, изготовляется бутафория, монтируется и создается определенное освещение сцены и многое другое.

Но во время карантина режим работы поменялся. Артисты только поддерживали себя в форме, например, занимались дома. У каждого было расписание, когда можно было приходить в театр на индивидуальные занятия. Его составили так, чтобы артисты не пересекались друг с другом.

Перед выходом на сцену артист волнуется. Он старается настроиться на роль, вспомнить ошибки, которые нужно исправить, и по возможности остаться один.

Театр – искусство, за которым зритель наблюдает в режиме реального времени. На спектаклях порой случаются казусы.

– У Дроссельмайера в «Щелкунчике» очень сложный костюм со множеством кармашков. Он показывает фокусы во время выступления. Например, мне нужно было доставать ленту платочков из одного кармана, а она порвалась. В другой раз в «Щелкунчике» не сработала хлопушка, и пришлось просто подарить ее Фрицу, брату Марии. В такой ситуации главное не зацикливаться на этом моменте и продолжать танцевать, – говорит артист.

Бывает, что во время выступления происходит задержка перемены сцены на следующую картину. Однажды в «Щелкунчике» происходила смена декораций, Илья подал знак руками, чтобы поднимался звездный плащ, а он стоял на месте. Позже оказалось, что Мария и Принц просто не успели переодеться. Поэтому пришлось походить по сцене, подумать, потанцевать, и только потом продолжить партию. Главное, чтобы зрители ничего не заметили.

«Могу сменить костюм меньше, чем за минуту»

Илья Волков умеет полностью себя гримировать. Этим искусством артисты овладевают еще в училище: там даже есть отдельный предмет «Грим». Но иногда танцовщикам требуется помощь гримеров.

– Под Ротбарта я, может быть, и загримируюсь сам, но на это у меня уйдет час – два. А гример подскажет и подрисует. Я прихожу в театр за час до начала спектакля, чтобы подготовиться. Но для ролей со сложными костюмами и гримом нужно приходить еще раньше. Например, у того же Ротбарта нужно сделать нос и подождать, пока он застынет, – рассказывает Илья.

Артист успевает сменить костюм меньше, чем за минуту. Особенно часто это умение пригождается в балете-ревю «Не ревнуй меня к Бродвею». Там артисты переодеваются по семь-восемь раз за спектакль.

– В начале мы показываем египетский танец, а потом сразу испанский. Египетский костюм состоит из купальника, пояса и головного убора, его я меняю на испанский. Его готовлю заранее и прошу помочь коллег, не задействованных в этом номере. Забегаю за кулисы, расстегиваю и снимаю пояс, надеваю комбинезон Испании прямо поверх египетского купальника, кто-то сзади одевает жилетку и головной убор, по пути запрыгиваю в туфли, и вперед, на испанский танец, – объясняет артист.

Партию Феи Карабос создавали под мужчину

Любимые партии Ильи Волкова – цыганский танец в «Дон Кихоте» и адажио цветов в «Чиполлино». Партии привлекают Илью сложностью: для этих танцев нужно преодолевать себя. Но особенно яркой в практике артиста была партия Феи Карабос в «Спящей красавице».

– Наша Фея Карабос отличается от всех остальных. Обычно ее представляют как старенькую, вредную бабушку. Я даже сам в роли мышки выкатывал катафалк с Феей Карабос в училище. У нас она более живая, молодая, подвижная, – говорит артист.

Роль Феи Карабос Илью Волкова не смущает: ведь изначально эту партию балетмейстер Мариус Петипа ставил для мужчины, итальянского танцовщика-виртуоза Энрико Чекетти. Благодаря этой предыстории у Ильи Волкова нет никакого отторжения к этой роли.

– В образе Феи Карабос нужно отразить обиду, что ее не пригласили. Для этого я читаю литературу, анализирую, как другие артисты представляли образ. Добавляются свои мысли, интуиция, помогает балетмейстер и музыка. Так я готовлюсь к любой роли, – говорит артист.

Блиц

Как правильно называть мужчину, который танцует в балете?

– В трудовой книжке и мужчины, и женщины записаны как «артист балета». Можно назвать танцовщиком. Раньше бывало, что меня задевали различные слова вроде «балерун». Но потом это отходит, потому что люди так называют нас по отсутствию знаний.

Сидят ли артисты балета на диетах?

– Нет, никакого специального режима питания у меня нет. За лето могу поправиться на пять килограммов. Но когда начинается сезон и репетиции, все уходит само из-за физических нагрузок.

Бывает ли, что артисты устраивают друг другу козни ради роли?

– Я с таким не сталкивался. Во всех театрах, где я работал, были хорошие коллективы. И если человек действительно работает, это видно, и он получает роль.

Как долго служит одна пара балетных туфель?

– Примерно полгода. Но к спектаклю я готовлю себе по две-три пары, чтобы была замена. Кстати, у мужчин не бывает пуантов, потому что мы не встаем на пальцы, только на полупальцы.

Бывают ли у мужчин-артистов колготки и пачки?

– Колготок у мужчин нет, эта одежда называется трико. Но мы ставили однажды спектакль «И в шутку, и всерьез». Там мужчины и колготки, и пачки носили, и в женщин переодевались. Колготки были ужасно неудобными.

Действительно ли артисты балета рано уходят на пенсию?

– Стаж работы солистов – 15 лет, кордебалета – 20 лет. Я думаю, что расцвет у артиста балета наступает в 20 – 30 лет. Многие после выхода на пенсию остаются преподавать. Я уже занимаюсь с детьми, и потом продолжу педагогическую деятельность.

Есть ли у танцовщиков профессиональные заболевания?

– Я с этим не сталкивался. Один раз, на репетиции, получил перелом пятой плюсневой кости на стопе. Но в этом я сам был виноват, расслабился. После этого пришлось месяц и неделю носить гипс, потом разрабатывать ногу. Какое-то время я танцевал только в легких партиях.

Сколько зарабатывает артист балета?

– Зависит от ролей и количества спектаклей. В среднем выходит около 30 тысяч.

=========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22299
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Ноя 12, 2020 9:14 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020111204
Тема| Балет, Гамбургская государственная опера, Персоналии, Джон Ноймайер
Автор| Ольга Борщёва
Заголовок| «Смерть в Венеции» — «пляска смерти» Джона Ноймайера
Где опубликовано| © Belcanto.ru
Дата публикации| 2020-11-12
Ссылка| https://www.belcanto.ru/20111202.html
Аннотация|



Балет Джона Ноймайера «Смерть в Венеции» (2003) по одноимённой новелле Томаса Манна на гамбургской сцене возобновили 29 октября — через три дня театр снова закрылся на карантин.

Джон Ноймайер, проявляя свой немалый драматургический талант, идёт подробно по тексту, повсюду рассыпая цитаты. Поэтому рецензия на его балет невольно становится литературным разбором гомоэротической новеллы Томаса Манна.

Манн строит своё произведение в смысловых плоскостях, заданных сочинением Ницше «Рождение трагедии из духа музыки» и музыкой Рихарда Вагнера. Может быть, Ашенбах умирает в Венеции, потому что именно там Вагнер — наряду с Шёнбергом, важнейший композитор для Томаса Манна — на грани самоубийства работал над вторым актом оперы «Тристан и Изольда». Связка «музыка-любовь-болезнь-смерть» более явно проступает в новелле Манна «Тристан» и в его романе «Доктор Фаустус», но дух её ощущается и в «Смерти в Венеции». Поэтому Джон Ноймайер поставил свой балет, преимущественно, на музыку Вагнера. Сейчас фрагменты из «Тристана и Изольды», «Тангейзера» и произведений, обращённых к Матильде Везендонк, звучат как в записи, так и в исполнении пианиста Себастьяна Кнауэра; записи и фортепианная игра перетекают друг в друга.

Основное, что меняет Джон Ноймайер — Густав фон Ашенбах (Кристофер Эванс) вместо писателя становится хореографом. Его мир, выстроенный под музыку Баха, — это аполлоническое пространство дисциплины, чёткости, контроля, порядка и чёрно-белых контрастов («... один тонкий знаток человеческих душ заметил в большой компании: "Ашенбах смолоду жил вот так, — он сжал левую руку в кулак, — и никогда не позволял себе жить этак", — он разжал кулак и небрежно уронил руку с подлокотника кресел.») В этом мире Ашенбах без особого успеха работает над балетом о жизни Фридриха Прусского (Эдвин Ревазов), где появляется и фаворитка короля танцовщица Барбарина (Элен Буше).

На протяжении новеллы Ашенбах встречает ряд символически нагруженных персонажей: это странник в Мюнхене, молодящийся старик, гондольер без патента, гитарист-виртуоз, цирюльник, превращающий Ашенбаха в молодящегося старика. Всех их Ноймайер удваивает: Марк Юбете и Феликс Пакет появляются то в джинсах с обнаженными торсами, то пляшут в рыжих париках с раскрашенными губами.

Сразу три роли блестяще исполняет и Анна Лаудере. Она то преданная Ашенбаху ассистентка в строгом костюме, обеспечивающая надёжную работу балетной машины и удобство Ашенбаха как её двигателя; то босая мать Ашенбаха в лёгком белом платье; то мать Тадзио в полагающихся ей жемчугах.

О матери Ашенбаха Томас Манн пишет: «...более быструю и чувственную кровь в прошлом поколении привнесла в семью мать писателя, дочка чешского капельмейстера. ... Сочетание трезвой, чиновничьей добросовестности с тёмными и пламенными импульсами породило художника, именно этого художника» (мать Томаса Манна, как известно, прибыла в Любек из Бразилии). Больше в новелле эта женщина не упоминается, но в балете она часто появляется как воспоминание и объяснение.

«Двойной» странник, разбудивший в Ашенбахе тягу к путешествиям, возникает на сцене под Тристан-аккорд, и вскоре маленький Ашенбах (Луис Мусин) входит вместе со своей матерью в тропический лес, где «из густых зарослей папоротников, из земли, покрытой сочными, налитыми, диковинно цветущими растениями, близкие и далекие, вздымались волосатые стволы пальм» и где идёт «настоящий» дождь.

Taдзио в представлении Ноймайера и в исполнении Атте Килпинена показался обычным незатейливым мальчиком с мячиком, лишённым тонкой красоты и таинственной сумеречности Бьёрна Андресена (Тaдзио в экранизации Лукино Висконти). Он несколько раз пытается достать у себя из пятки занозу («Никто не решался прикоснуться ножницами к его чудесным волосам; как у "Мальчика, вытаскивающего занозу", они кудрями спадали ему на лоб, на уши, спускались с затылка на шею»).

В аскетичных декорациях сдержанно двигаются элегантные дамы и господа, время от времени пары ссорятся между собой; играют мускулами парни на венецианском пляже.

Ашенбах ставит на Тадзио балет; сложно сказать, в своём воображении или в реальности. В любом случае, отношения между фигурами выглядят значительно более тесными и телесными, чем в новелле Томаса Манна, где Ашенбах и Тадзио только встречаются взглядами.

Мир дионисийской оргии, в который Ашенбаха ввергает любовь к Тадзио, описывается Томасом Манном значительно более красочно, чем он показан в балете («Женщины, путаясь в длинных одеждах из звериных шкур... со стоном вскидывая головы, потрясали бубнами, размахивали факелами, с которых сыпались искры, и обнаженными кинжалами, держали в руках извивающихся змей, перехватив их за середину туловища, или с криками несли в обеих руках свои груди» и т.д.) На сцене же появляется несколько пар в леопардовых штанах; вокруг Ашенбаха увивается «двойной» Дионис, пока тот объедается холерной земляникой; сцену заливает неприятным зелёным цветом.

Ноймайер исходит из того, что Томас Манн, описывая выступление труппы бродячих певцов в отеле на фоне запаха карболки, пародирует пляску смерти или Макабр — сюжет, возникающий в европейском искусстве в эпоху позднего Средневековья в связи с эпидемиями чумы. Манну, конечно же, хорошо был знаком живописный фриз «Любекская пляска смерти», до Второй мировой войны находившийся в церкви Святой Марии рядом с домом его деда. Поэтому эпидемию холеры в Венеции Ноймайер показывает в духе подобного танца — как пляску под аккомпанемент бешеных гитаристов. В это время чёрные фигуры, похожие на средневековых палачей в колпаках с прорезями для глаз, медленно тащат белые полотна, на которые укладывают тела. Теперь в этой сцене артисты танцуют в масках — трудно было ожидать от Джона Ноймайера настолько топорной актуализации.

Умирает балетный Ашенбах, конечно же, под Песню любви и смерти Изольды. Томас Манн, вслед за Вагнером, видит смерть Ашенбаха как растворение индивидуального существования в волнах бесконечности — он «уносится в роковое необозримое пространство».

Когда Ашенбах на пустой сцене перед смертью бросается в объятия Тадзио, обрывается сердце, но этот эффект, пожалуй, в большей мере создаёт «Тристан» даже в таком усечённом звучании, чем хореография Ноймайера.

Фото: © Kiran West
==========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22299
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Ноя 13, 2020 9:44 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020111301
Тема| Балет, Dance Open, Персоналии,
Автор| Лейла Гучмазова
Заголовок| Что смотреть на фестивале балета Dance Open в Санкт-Петербурге
Где опубликовано| © Российская Газета
Дата публикации| 2020-11-13
Ссылка| https://rg.ru/2020/11/13/reg-szfo/chto-smotret-na-festivale-baleta-dance-open-v-sankt-peterburge.html
Аннотация| фестиваль

Все театры в этом году оказались на грани выживания, а петербургский фестиваль Dance Open выжил дважды. Сначала весной, когда распались туры лучших мировых трупп - фестиваль тогда сгладил общий шок онлайн-программой. Потом ранней осенью, когда границы не открылись и все договоренности вновь подвисли. Теперь, собравшись с силами, он все-таки входит в живую жизнь под бодрым слоганом "Снова в оффлайн" в начале декабря на сценах театра "Балтийский дом" и БКЗ "Октябрьский". Что удивительно, в программе не скромное "что смогли", а снова лучшее: три успешных российских театра и гала мировых звезд.


Фото: Пресс-служба фестиваля Dance Open

ДАЛЕЕ ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22299
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Ноя 13, 2020 9:51 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020111302
Тема| Балет, Современная хореография, Воронежский театр оперы и балета, Платоновский фестиваль, Персоналии,
Автор| Анна Гордеева
Заголовок| ТАНЦЫ В ЧЕСТЬ ПИСАТЕЛЯ И ПОЭТА
НА ПЛАТОНОВСКОМ ФЕСТИВАЛЕ ПОКАЗАЛИ РАБОТЫ МОЛОДЫХ РОССИЙСКИХ ХОРЕОГРАФОВ

Где опубликовано| © Журнал Музыкальная жизнь
Дата публикации| 2020-11-13
Ссылка| https://muzlifemagazine.ru/tancy-v-chest-pisatelya-i-poyeta/
Аннотация| Фестиваль

Ковидная гадость смешала планы и Платоновского фестиваля: обычно в июне в Воронеж приезжают театры из многих стран мира, теперь же – сентябрь и только российские компании (некоторые европейские постановки были показаны по трансляции). Но тем яснее стало, что и нашей стране есть чем похвастаться в сфере современного театрального искусства: программа получилась обширной, и нехороша была лишь тем, что некоторые события происходили одновременно – всюду не успеть.

Танцевальная программа была самой скромной частью фестиваля, что и понятно: местные ресурсы ограничены. Балетная труппа Воронежского театра оперы и балета в последние годы отчаянно пытается нащупать свой стиль, но многолетний застой и невеликие бюджеты работают против нее; труппа современного танца, созданная три года назад в драматическом Камерном театре, бодра, любопытна, жадна к работе, но артисты, пришедшие из разных школ – от бального танца до классического, – пока не очень представляют себе возможности того вида искусства, которым решили заняться. На Платоновском фестивале эти два театра представили три постановки: «Плот “Медузы”» Камерного театра стал мировой премьерой, их же вечер «Танцуем Мандельштама» впервые был показан в декабре прошлого года, а вечер одноактных балетов Воронежского оперного (Aheym, «Арлекинада. New», Anima) впервые появился в позапрошлом сезоне (май 2019-го), но показывают его нечасто.

Программа одноактовок Воронежского оперного не имеет прямого отношения к сочинениям Андрея Платонова («впрямую относящиеся» вещи театр и не обязан показывать каждый год – «датских» спектаклей у него достаточно, и вечер танцминиатюр 2013 года, и опера «Родина электричества» в 2017-м). Однако, конечно, пафос поиска нового языка как такового – это платоновский пафос. Программа сотворена творческим дуэтом, ее выпустили московские хореографы Софья Гайдукова и Константин Матулевский. Aheym на музыку Брайса Десснера и Kronos Quartet поставил Матулевский, «Арлекинаду» на музыку Алексея Айги – Гайдукова, а последнюю одноактовку Anima на музыку Филипа Гласса они сочинили вместе.

У обоих постановщиков честное балетное прошлое: Гайдукова окончила Московскую государственную академию хореографии и танцевала в классической труппе театра «Балет Москва», Матулевский –выпускник петербургской Академии Русского Балета, шесть лет танцевавший в театре Бориса Эйфмана. При этом Матулевский отчетливо дальше отошел от стандартов «классики», принятых в наших школах: в его сочинениях артисты более гибки, более подчиняются музыке (а не подчиняют ее себе), и общая интонация ближе к, скажем, килиановской – мир – волна, к которой надо принадлежать, а не сквозь которую надо прорываться. Гайдукова больше любит отчетливо поддающиеся пересказу сюжеты и четкие акценты поз; оттого ее сочинения более понятны широкому зрителю и, кажется, более этим зрителем любимы. В целом вечер – один из первых шажков Воронежского оперного к современному репертуару, но впереди еще очень большая дорога, и до той степени новизны, когда можно говоритьоб адекватности имени Платонова в названии фестиваля, еще очень далеко.


Алина Гужва в миниатюре Ольги Васильевой

Новенький «Плот “Медузы”», которым открывалась танцевальная программа фестиваля, сотворен хореографом Павлом Глуховым на специально написанную Василием Пешковым музыку. Название отсылает к знаменитой картине Теодора Жерико, запечатлевшей спасение людей на плоту после крушения фрегата «Медуза» (1819, сейчас принадлежит Лувру). Брошенные капитаном и значительной частью команды, спасшейся на шлюпках, сто с лишним пассажиров судна в течение двухнедельного дрейфа на большом плоту убивали друг друга и друг друга ели, то есть демонстрировали глубинные звериные свой­ства человеческой натуры. Картина Жерико считается одним из шедевров романтического искусства (грозная власть природы, мрачные тона, все такое), но Павла Глухова, выбравшего эту тему для постановки,романтиком точно не назовешь. Это один из самых душевно устойчивых и твердо стоящих на ногах московских сочинителей танцев.

Начиная с самых первых его работ (например, «Три сестры» на музыку Шопена, что он сделал в 2014-м в Театре-­студии современной хореографии под руководством Игоря Шегая, уложив в двадцать минут с копейками портрет чеховских героинь) и до сегодняшнего дня (предыдущая премьера – «Арррр», исследование мужской звериной натуры на музыку Василия Пешкова), Глухов смотрит на своих героев взглядом внимательным, но достаточно отстраненным, ни в коем случае не предлагая публике ни влюбляться в них, ни ужасаться их поступкам. Жизнь есть жизнь, она происходит вот так, ничего романтического. И в «Плоте “Медузы”» чрезвычайные обстоятельства происходящего будто смущают хореографа, и он это смущение преодолевает иронией. Интенсивные дуэты и ансамбли «погибающих и спасающихся» прерываются появлением загадочных морских персонажей – артисты в темных поблескивающих трико выкатываются, лежа животами на скейтах. Все вместе смотрится уже не трагической притчей о попавшем в бурю и не умеющем спасаться человечестве (занятно, что Глухов ставил свой спектакль, не зная о готовящейся в Большом премьере «Девятого вала» – видимо, обстоятельства этого года навеяли оба спектакля), но некоторой вариацией на темы океанариума и Cirque du Soleil. Что ж, меньше пафоса, больше надежды, и современный танец, кажется, более оптимистичен в разговоре на темы катастроф, чем классический балет.

Впрочем, катастрофы бывают разными, и катастрофа страны, в конце 1930-х угробившей одного из лучших своих поэтов, стала поводом для создания в прошлом году вечера «Танцуем Мандельштама». Фестиваль поэзии, посвященный несчастному гению, был придуман худруком Воронежского Камерного театра Михаилом Бычковым еще пять лет назад, в прошлом году у него появилась и танцевальная часть. Восьми российским хореографам, специализирующимся на современном танце, было предложено поставить миниатюры, вдохновляясь ­каким-либо из стихотворений Мандельштама. Поучаствовали в проекте Владимир Варнава, Ульяна Чепурина, Александр Литягин, Константин Матулевский, Ольга Васильева, Константин Кейхель, Никита Чумаков и Павел Глухов. К­то-то ставил с очевидной оглядкой на трагическую судьбу поэта, ­кто-то – так, словно ему дали абсолютно незнакомый текст неведомого автора и все, что есть, – вот это небольшое количество зарифмованных строк.

Второй вариант выбрал Владимир Варнава – его «Дано мне тело», где использовалась музыка Равеля, стало фантазией на темы юношеской сексуальности. Два танцовщика и танцовщица (Виталий Шилов, Олег Петров и Екатерина Чепорова) то сплетались в единый узел, то рассыпались, расставаясь, и в финале сели рядом, всматриваясь в зал, чтобы, очевидно, найти жизнерадостный отклик у своих ровесников. Константин Матулевский предпочел первый путь, и в его «Сумерках свободы» на музыку Йоханна Йоханнссона герой (Игорь Прудской) пытается выжить в очевидно неблагоприятной среде, где невидимая сила бросает его лицом в пол, заводит руки за спину и, кажется, бьет током. Самыми любопытными оказались сочинения Ольги Васильевой и Никиты Чумакова. Васильева, взяв в работу «Я наравнес другими» (музыка – Ф. С. Блум и Нильс Фрам), ушла от текста максимально далеко: она сотворила монолог не поэта, мучающегося от ревности, но беспечного предмета его обожания. Алина Гужва в кратком этом монологе стала воплощенной Евой – вот только вместо яблока у нее был лимон. Евой бодрой, спортивной, усмешливой и не задумывающейся о последствиях. А Никита Чумаков (наименее раскрученный из авторов, выпускник бельгийской школы P.A.R.T.S.) поставил на музыку Эннио Морриконе миниатюру «Мальчик в трамвае», использовав стихотворение из детского цикла Мандельштама. И этот маленький монолог, исполненный самим хореографом, пожалуй, можно назвать открытием вечера.

Детский цикл Мандельштама – это середина 1920-х, еще почти ничего не предвещает ужаса и тьмы, и стихотворение про первоклассника, демонстрирующего в трамвае навыки арифметических операций в пределах первого десятка, лишено второго дна – это вам не Хармс. Но Чумаков прочитал его с сегодняшним знанием, и получилось восхитительно и жутко. Весь монолог – это бодрый марш, счастливое шествие, торжество этого самого героя-­первоклассника: вот он какой – умный, веселый, правильный. Но веселье чуть-чуть слишком громкое, шаг чуть-чуть слишком бодр, и сквозь торжество проступает истерика (ассоциация отсылает зрителя к другому юношескому монологу, знаменитому Tomorrow Belongs to Me из «Кабаре»). Взять самое простенькое из сочинений совсем непростого поэта и с его помощью поговорить о стране и об участи этого поэта – вот это и значит чувствовать поэзию как таковую. Этот талант чувствования и продемонстрировал Чумаков, на сочинения которого теперь, несомненно, следует обращать особое внимание. Как и на другие опыты танцующих людей в Воронежском Камерном театре.

ФОТО: АНДРЕЙ ПАРФЕНОВ
======================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22299
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Ноя 13, 2020 2:47 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020111303
Тема| Балет, Театр «Астана Опера», Премьера, Персоналии, Патрик де Бана
Автор| Таша Нойер
Заголовок| Традиции и красота балета
Театр «Астана Опера» представит новый национальный балет «Зов степи»
.
Где опубликовано| © Республиканская газета «Казахстанская правда
Дата публикации| 2020-11-11
Ссылка| https://www.kazpravda.kz/fresh/view/traditsii-i-krasota-baleta
Аннотация| Премьера



Балет на музыку Тлеса Кажгалиева в постановке знаменитого хореографа Патрика де Бана станет большим событием в культурной жизни Казахстана.

– Мы готовим уже вторую премьеру в этом сезоне, кроме прочего, в планах до конца года представить и новый полномасштабный оперный спектакль. Считаю, что в условиях пандемии театр показывает неплохие темпы. Национальный балет «Зов степи» – это тандем идей казахстанской и зарубежной постановочной команды. Думаю, что творчество рождается там, где собираются единомышленники, а мы подобрали профессионалов высокого уровня, которые воплощают в жизнь грандиозные замыслы. Премьера обещает быть очень интересной. Уверен, мы не разочаруем наших зрителей, – отметил директор «Астана Опера», заслуженный деятель Казахстана Галым Ахмедьяров.

Он также добавил, что уже начались репетиции, труппа полностью погружена в работу, а в цехах театра шьют кос­тюмы, создают декорации и бутафорию.

Притча об окрыляющей мечте отважного зодчего будет рассказана языком современной хореографии. Первая часть этого балета, по словам хорео­графа-постановщика Патрика де Бана, будет традиционной с элементами народного танца, а вторая – стилизованная, изящ­ная – покажет жизнь города.

– Национальные движения меня вдохновляют, я изучаю их, немного изменяю и адаптирую под свой хореографичес­кий язык. В работе над новым спектаклем музыка всегда стоит для меня на первом месте. В данном случае мы использовали музыку Тлеса Кажгалиева, она очень удобна, потому что изначально была написана для балета. Пять частей его произведения, которые я использую, очень сильно напоминают мне сочинения Сергея Рахманинова и Игоря Стравинского, – рассказал Патрик де Бана.

По признанию балетмейстера, его цель – вовлечь публику в творческий процесс, дать ей возможность принимать в нем участие. Для него очень важно, чтобы зрители не просто посмотрели спектакль, поаплодировали и ушли, но чувствовали, вдумывались и нашли свой собственный сюжет. И вопреки традиции занавес не будет открываться, а входящие в зал зрители будут видеть на сцене уже действующих артистов.

– Человечеству нужна современность, эволюция, развитие, но в то же самое время этот балет показывает, что если кто-то забывает свое прошлое, традиции старших поколений, у такого человека теряются корни. И тогда ветром унесет его, – сказал Патрик де Бана.

Хореограф-постановщик работал над национальными балетами в разных странах. Большую популярность ему принес спектакль, поставленный в Китае. Там Патрик де Бана работал над национальной легендой, которой было полторы тысячи лет: хореограф трансформировал ее в современный балет. Кроме того, национальные балеты он представил в Турции, в Японии, а в ноябре 2018 года состоялась премьера спектак­ля «Мечты путешественника – рассказ из Мухаррака» в Бахрейне. Этот масштабный проект был посвящен закрытию Года «Мухаррак – столица исламской культуры-2018», его зрителями стали лидеры многих стран.

Где бы балетмейстер ни трудился, требования к артистам остаются одни – дисциплина, умение мыслить, проведение личного исследования, изучение материала. Солисты, по мнению хореографа, всегда должны работать с душой.

Отметим, что убранство сцены будет выполнено в минималистическом стиле, так как, согласно авторской концепции, спектакль должен показывать в первую очередь красоту и элегантность самой хореографии.

Дирижер-постановщик – Абзал Мухитдин, автор либретто – известный казахстанский кинорежиссер, сценарист, поэт Бахыт Каирбеков, автор хорео­графической адаптации либ­ретто – Жан Франсуа Вазель. В постановочную команду также вошли: художник по декорациям Рикардо Санчес Куэрда, художник по костюмам Стефани Бауэрле, композитор-аранжировщик Карлос Пино-Кантана, художник по свету Джеймс Анго, консультант художника по костюмам Дарига Тайшикова, консультант художника по свету Ултай Ерденбекова, специалист управления сценографии Алина Усенбаева, художники-гримеры Серик Басбаев и Зарина Аймуханова.

Новый национальный балет «Зов степи» столичный зритель сможет увидеть и оценить уже в первой половине декабря.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22299
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Ноя 13, 2020 2:52 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020111304
Тема| Балет, Театр «Астана Балет», Премьера, Персоналии, Анвара Садыкова
Автор| Таша Нойер
Заголовок| Природа всегда побеждает
Где опубликовано| © Республиканская газета «Казахстанская правда
Дата публикации| 2020-11-13
Ссылка| https://www.kazpravda.kz/articles/view/priroda-vsegda-pobezhdaet
Аннотация| Премьера

В театре «Астана Балет» состоялась премьера одноактного балета «Желтораңғы туралы аңыз» («Печаль желтуранги») в постановке казахстанского хореографа Анвары Садыковой.



В этом балете поднимается одна из актуальных тем сегодняшнего дня – вторжение людей в мир природы, которое оборачивается страшными последствиями: от загрязнения биосферы и разрушения природных экосистем до изменения климата и глобальных пандемий.

– Сейчас эта тема актуальна как никогда. Наше стремление – найти гармонию между природой и людьми. Сам образ туранги с сильной корневой сис­темой говорит о ее стойкос­ти и мощи, позволяющих противостоять невзгодам. Эти качества свойственны и нашему народу: пережив в свое время много трудностей, он становится сильнее и продолжает идти вперед, – рассказывает хореограф Анвара Садыкова.

Либретто к балету написал знаменитый казахстанский поэт Бахыт Каирбеков. Каждая картина спектакля обладает философским содержанием, а образы наполнены внутренним осмыс­лением и внешней красотой.

Согласно легенде, когда-то туранга была девушкой, а позже ее душа воплотилась в дерево. Она живая… Но люди, что приходят в туранговую рощу, видят в ней лишь добычу и безжалостно, яростно нападают с топорами, желая унести как можно больше ценной древесины. И лишь один из этих жестоких дровосеков почувствует, увидит душу туранги – легкую, светлую девушку, заключенную в сердцевине.

– К идее создания балета меня подтолкнула музыка: вдохновением послужило прекрасное произведение Куата Шильдебаева «Печаль Туранги». Произведения композитора несут определенную мысль и идею. А музыка вызывает разные эмоции: в ней есть печаль, боль, тоска, но в то же время и тот свет, к которому мы должны стремиться… Мы ­постарались найти определенный пласти­ческий язык для каждого образа, отражающий глубину звучания казахских музыкальных ин­струментов, например, кобыза, звуки которого разносятся по степи дуновением вет­ра, – отметила Анвара Садыкова.

По словам балетмейстера, хореографический текст балета ­поставлен на основе классического балета в сочетании с богатейшей лексикой казахского танца.



– Все выразительные, эмоциональные воплощения идут именно через национальную пластику. Помимо движений казахского танца, очень важно сохранить национальную самобытность, – подчеркнула Анвара Садыкова.

Как отмечает ведущая солистка театра «Астана Балет» Дилара Шомаева, хореографические работы Анвары Садыковой отличаются современными формой и звучанием казахской национальной хореографии, а идеи, которые она берет, очень человечны, поэтому трогают и зрителя, и танцовщиков.

Туранга представлена в двух ипостасях – дерева и его души – юной девушки. Эти партии на сцене воплощают две разные балерины.

– Душа ее, несмотря на то, что дереву тысячи лет, молода, как юная девушка. И она олицетворяет женское начало всего сущего в мире природы и людей, где все гармонично. В хореогра­фии присутствуют ­элементы национальных традиций, то есть это небольшие поклоны, специфи­ческое положение рук, движения, передающие девичье стеснение, – рассказала Дилара Шомае­ва, исполнившая в премьерном спектакле партию души туранги.

По ее словам, вжиться в роль было несложно, потому что это чувство единения с природой живет в каждом из нас, заложенное издревле. Сыграло роль и руководство такого чуткого и внимательного хореографа, как Анвара Садыкова. Артис­ты отмечают, что балетмейс­тер ­открыта к сотворчест­ву, и для нее очень важно, чтобы смысл каждого движения соответствовал не только правде исполнителя, но и философской идее спектакля, в первую очередь национальной.

В успешном восприятии балета, продолжении линии раскрытия персонажей важное значение имеет и художественное оформ­ление спектакля: декорации, костюмы, свет... По словам художника по костюмам Натальи Протасовой, работая, она обращалась к реальным природным образам.

– Костюмы артистов, танцую­щих партии птиц, повторяют анатомию птиц – оперение, расцветку. Так же у деревьев. У нас идет полное погружение в природу. Для изготовления костюмов использовались дос­таточно прос­тые материалы, но очень много ручной работы, в частности, рос­писи по ткани. Чтобы наглядно показать конфликт и контраст между двумя мирами – природы и людей, я одела дровосеков в достаточно современную, даже немного футуристическую одеж­ду: джинсы, футболки, ботинки. На фоне природы их образы получились грубыми, как у нас­тоящих захват­чиков. Хотелось таким образом показать, ­насколько люди ­оторвались от природы, как они на нее покушаются и ошибочно думают, что им все дозволено, – отметила Наталья Протасова.

Декорации к спектаклю проектировал Жандос Омаров. Он рассказал, что большую часть оформления спектакля составляет мягкая декорация. С ее помощью воссоздана самая нас­тоящая туранговая роща в период поздней осени.

– Каждый листик, а их более тридцати тысяч, мы создавали из специальной ткани, которую замачивали в текстильной крас­ке, кипятили, сушили и оттуда вручную вырезали то, что необ­ходимо. Все это делается для того, чтобы декорации были ­объемными и живыми, – поделился тонкостями работы ­Жандос Омаров.

В премьерных спектаклях заглавные партии исполнили Ансаган Кобентай, Фархад Буриев, Дилара Шомаева, Асель Жангаскаева, Сундет Султанов и Дарина Кайрашева. Всего в балете задействованы более 40 артистов.

Одна из задач, которая была поставлена перед коллективом театра «Астана Балет», – это популяризация национальной хореографии, создание новых национальных балетов. И с этим театр успешно справляется: в его репертуаре три национальных балета, программа «Наследие Великой степи» и теперь уже представленный публике новый балет «Желтораңғы туралы аңыз».

=====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22299
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Ноя 13, 2020 4:23 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020111305
Тема| Балет, Театр «Астана Балет», Премьера, Персоналии, Анвара Садыкова
Автор| Ольга Шишанова
Заголовок| Плач о туранге
Где опубликовано| © "Новое поколение"
Дата публикации| 2020-11-10
Ссылка| https://www.np.kz/news.php?id=364
Аннотация| Премьера, ИНТЕРВЬЮ

В столичном театре “Астана Балет” состоялась премьера одноактного спектакля “Легенда о туранге” в постановке казахстанского хореографа Анвары Садыковой. В интервью “НП” она рассказала о том, как шла подготовка к балету, что было самым трудным и самым интересным, а также о том, в чем заключается его основная идея

- Анвара, в чем изюминка постановки этого балета?
- Либретто к балету написал известный поэт, режиссер, сценарист Бахыт Каирбеков. История, на первый взгляд, проста - о дереве, которое пережило на самом деле очень многое. Туранга относится к роду тополиных и произрастает только в Казахстане и в США, являясь символом сразу трех штатов - Вайоминга, Канзаса, Небраски. Туранга - не простое дерево. Испокон веков предки казахов почитали его как священное древо из страны Туран. Другое название этого священного дерева - желтуранга, то есть туранга, призывающая ветер. Оно даже в тихую погоду только ему известным способом качает ветвями из стороны в сторону, словно призывает ветер. Деревья эти не образуют, как говорят лесоводы, высокоплотных насаждений, а растут на расстоянии друг от друга. В причудливо искривленных стволах часто устраивают свои гнезда синицы, сизоворонки, даже удоды. А на вершинах кроны селятся беркуты, орланы-белохвосты. Как редкое дерево туранга внесена в Красную книгу природы Казахстана, и вырубка его запрещена. Тем более что оно пережило даже ледниковый период. То есть настолько стойкое, что способно перенести самые суровые природные катаклизмы. Но вот против людской алчности оказывается бессильным...

- То есть?
- В этом балете мне хотелось провести несколько линий, в том числе таких как стойкость, сила. В этом отношении меня впечатлило произведение Куата Шильдебаева “Печаль Туранги”. Музыкальные произведения этого композитора всегда несут определенную мысль и идею, которые вызывают разные эмоции. В них есть печаль, боль, тоска, но в то же время тот свет, к которому мы должны стремиться. Я постаралась найти определенный пластический язык для каждого образа, причем отражающий глубину звучания казахских музыкальных инструментов, таких, например, как кобыз, звуки которого разносятся по степи дуновением ветра.

Кроме того, в этом спектакле поднимается одна из актуальных тем сегодняшнего дня - вторжение мира людей в мир природы, которое, как я уже говорила, оборачивается страшными последствиями: от загрязнения биосферы до разрушения природных экосистем и изменения климата. Так что сегодня эта тема актуальна как никогда. И потому основная мысль балета, наше стремление - найти гармонию между природой и людьми. Ведь образ туранги с сильной корневой системой говорит о ее стойкости и мощи - эти же качества свойственны и нашему народу.



- Несколько слов о декорациях. Они весьма необычны...
- Да, особенно необычна в этом роль балерины, которая изображает само дерево на сцене. Показывает, что туранга - живой организм, у нее есть душа. И легенда выстроена как раз на том, что когда-то туранга была девушкой, которую заколдовали, и она стала деревом. Тогда как для дровосеков, которые приходят в туранговую рощу, это дерево - просто добыча, способ заработать деньги. К счастью, среди них окажется юноша, который почувствует и увидит красоту, душу этой туранги. И вот тут начнется самое интересное...
- Что было самым сложным в ходе воплощения спектакля?
- У нас в театре “Астана Балет” подобралась очень сильная команда. Ведь постановка балетного спектакля - это коллективный труд художников по костюмам, сценографов, осветителей, артистов. Однако у нас была общая задача, мы смотрели, как говорят, в одну сторону, и, на мой взгляд, между всеми было то внутреннее понимание процесса, которое позволило мне ощутить творческий подход каждого, устраивающий меня полностью.



- Были ли и как использованы в балете национальные мотивы танцев?
- “Легенда о туранге” построена в основном на элементах классического танца. Но все выразительные, все эмоциональные образы идут через призму традиционной национальной пластики. И здесь важен момент того, что помимо национальных движений, которые были взяты из казахского танца, нам было важно сохранить национальную самобытность, манеру стиля, которую я стремилась показать. Надеюсь, мы смогли и сможем это удержать, воплощая и дальше. Тем более что все подчеркнуто очень интересными, стилизованными костюмами нашего художника Натальи Протасовой. Так, чтобы наглядно показать конфликт и контраст между двумя мирами, она одела дровосеков в современную одежду: джинсы, футболки, ботинки. И на фоне природы их образы получились грубыми, как у настоящих захватчиков. Тем не менее даже в их коллективном выступлении мы умудрились использовать элементы казахского народного мужского танца, которые, мне кажется, получились достаточно ярко выраженными. Мне же как хореографу во всех случаях - как следует поступить, какой элемент предпочесть - условия диктовала музыка. Тогда как сценография самостоятельно продолжала идею, линию раскрытия сущности героев. При этом большую часть оформления составила так называемая “мягкая” декорация. С ее помощью воссоздана самая настоящая туранговая роща в период поздней осени. Каждый листик, а их более тридцати тысяч, создавали из специальной ткани, которую замачивали в текстильной краске, кипятили, сушили и оттуда вручную вырезали то, что необходимо. Все это делалось для того, чтобы декорации получились объемными и живыми.

Нур-Султан
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22299
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Ноя 13, 2020 4:54 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020111306
Тема| Балет, Театр «Астана Балет», Премьера, Персоналии, Рикардо Амаранте, Дэвид Джонатан
Автор| Ольга Шишанова
Заголовок| “Страстная” премьера
Где опубликовано| © "Новое поколение"
Дата публикации| 2020-11-12
Ссылка| https://www.np.kz/news.php?id=377
Аннотация| Премьера

В столичном театре “Астана Балет” состоялась двойная премьера. В течение двух дней публике представили сразу два новых спектакля от современных хореографов Рикардо Амаранте и Дэвида Джонатана. Билеты на обе премьеры раскупили в считаные дни, а столичный зритель, истосковавшийся по высокому искусству, горячо благодарил артистов бурными овациями

Открыл вечер одноактный балет Longing (“Страстное желание”) в постановке Рикардо Амаранте. Публике представили мировую премьеру балета-размышления о сущности человеческих отношений, иными словами, это попытка языком современной хореографии разобраться в извечных вопросах - чего на самом деле люди хотят от любви и почему они так одержимы телом, но не душой?

Зрители, истосковавшиеся по своим любимцам после долгого перерыва, наконец-то офлайн смогли увидеть и заново оценить мастерство ведущих солистов столичного театра балета - Фархада Буриева, Айжан Мукатовой, Сундета Султанова, Ильи Манаенко, а также других танцоров, которые и сами были в восторге от премьеры.



“Нам хорошо знаком стиль Рикардо - наши тела помнят, как именно надо танцевать его балеты, так что сама хореография далась нам легко. К тому же мы репетировали его еще в начале года и должны были презентовать весной, но из-за карантина дата премьеры сдвинулась. Было очень приятно вернуться на сцену, увидеть наших любимых зрителей лицом к лицу, почувствовать их энергетику. Я думаю, все артисты после этих выступлений были окрылены настоящим творческим счастьем”, - поделился своим впечатлением от состоявшейся премьеры ведущий солист “Астана Балет” Фархад Буриев.

Что касается самого Рикардо Амаранте, то, по его словам, как и в других его работах, художественное оформление в этом спектакле тяготело к минимализму. С помощью игры света балетмейстер и световой дизайнер Роберт Даутов создали ощущение, что происходящее на сцене - сон, который со стороны (из зала) наблюдает зритель.
“Этот балет как сон. Мы не всегда понимаем, про что наши сны, и когда ты рассказываешь, что тебе приснилось, то задаешься вопросом: что же это может значить? Точно также после просмотра этого балета каждый призадумается о его смысле. Пластические решения здесь выполнены в моем привычном стиле - неоклассике. Все классические шаги трансформированы в модерновые и неоклассические. И совсем немного влияния танго - музыка скажет достаточно, хотя в такие моменты все происходящее видится нечетко, подернутое дымкой, яркими вспышками света. Всю эту атмосферу мы передали на сцене с помощью света, дыма и экранов”, - поделился хореограф.

Более того, по словам художника по костюмам Паулы Розы Сантаны, каждый образ в этом балете является некой подсказкой и путеводителем. “Белый цвет означает, что происходящее на сцене - это сон, в котором к человеку приходит его идеал, как образ ангела, черный говорит о реальном мире, ну а третья часть, когда артисты предстают в костюмах телесного цвета, словно нагие, является аллегорией на душу человека, свободной от любых проявлений материального мира. В этой части люди встречаются именно душами”, - подчеркнула она. Так Longing стал десятым спектаклем, созданным приглашенным хореографом Рикардо Амаранте для театра “Астана Балет”. Жаль, но этой работой балетмейстер завершает свою деятельность в столичном театре.



Во втором отделении зрителям довелось увидеть одноактный балет “Инстинкт”. Это было первое знакомство столичной публики с ведущим солистом театра “Астана Балет” Дэвидом Джонатаном в качестве хореографа-постановщика.

“Для меня это огромная честь, ведь мне оказали такое доверие! Здесь чудесные артисты, они перенимают мой стиль, движения и быстро учатся, чему я очень благодарен, так как времени на подготовку у нас было очень мало”, - заявил новоиспеченный хореограф.
В этом абстрактном балете Дэвид обратился к теме разлуки с любимым человеком, которая особенно актуальна в нынешнее время пандемии при закрытых границах. По его замыслу, в этом спектакле музыка и пластика, слившись в едином порыве, просто кричат о нестерпимой боли от несбыточности встреч.

“В балете я использовал музыку нескольких композиторов, один из которых - Жак Лусье, который миксовал работы Баха с джазом. Когда я услышал его музыку, то был уверен, что когда-нибудь обязательно создам под нее балет. В ней много современного звучания, есть фрагменты, где ярко слышен барабан, а затем его сменяет чувственный джаз”, - поделился Дэвид Джонатан.

Зрители же в ответ отметили высокую технику исполнения, музыкальные решения обоих балетов, продуманные детали костюмов и световое оформление. Обе постановки, несомненно, оставили у всех неизгладимое впечатление и особенное послевкусие.

Нур-Султан
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22299
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Ноя 13, 2020 10:22 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020111307
Тема| Балет, Театр оперы и балета Коми, Премьера, Персоналии, Андрей Меркурьев.
Автор| Вероника Морохина
Заголовок| Вечер авторской хореографии Андрея Меркурьева "Признание" удивит зрителей смешением стилей
Где опубликовано| © ИА Комиинформ
Дата публикации| 2020-11-13
Ссылка| https://komiinform.ru/news/206588/
Аннотация| Премьера

Вечер авторской хореографии главного балетмейстера Театра оперы и балета Коми, заслуженного артиста РФ Андрея Меркурьева "Признание" совместит в себе современную и классическую хореографию. О предстоящей премьере, которая состоится в рамках фестиваля балетного искусства "Зарни джыджъяс", рассказал на встрече с журналистами сам автор проекта Андрей Меркурьев.

"Вечер авторской хореографии "Признание" - проект, который был создан 4 года назад в Москве и с тех пор постоянно развивается, объединяя вокал, фотографию, музыку, драму. С него мне бы хотелось начать работу с артистами Театра оперы и балета, так как именно в своей хореографии, работая с ними один на один, я смогу понять, на что они способны, как они меня слышат и чувствуют", - рассказал Андрей Меркурьев.



Вечер состоит из двух актов. В программе первого отделения премьера одноактного балета "Просветленная ночь" на музыку Арнольда Шёнберга. Он соединяет в себе два стиля - современную хореографию и классику. Арнольд Шёнберг - основоположник музыкального экспрессионизма, но именно романтический струнный секстет "Просветленная ночь" принес известность будущему "подрывнику" музыкальных основ и гармоний. Балет создан композитором под влиянием стихотворения немецкого поэта-импрессиониста Рихарда Демеля. Сольные партии исполнят Анастасия Лебедик и Роман Миронов.

"Для нашего оркестра Шёнберг станет серьезным вызовом. Его в нашем оркестре никогда не играли, оно почти не исполняется из-за сложности, и вот сейчас мы постепенно овладеваем этим материалом", - отметил в свою очередь, главный дирижер оркестра Театра оперы и балета Роман Денисов.

Второе отделение будет состоять из номеров, в которых у Андрея Меркурьева уже есть опыт постановки. Однако для труппы театра и зрителей это будет полноценной премьерой.

Грациозное соседство стилей стоит ожидать зрителям и в завершающем фестиваль балетного искусства гала-концерте. Принять участие в нем приглашены гости "Большого театра". Гала-концерт также будет необычным, так как не будет состоять из хитов классической хореографии.

"Сам фестиваль вмещает в себя соединение разных стилей, поэтому и гала-концерт будет строиться по такому же принципу. Ставка идет больше на показ современной хореографии, но так как я всю жизнь проработал в академическом театре и классика для меня первична, поэтому пуанты никуда не исчезают", - пообещал Андрей Меркурьев.

"Большой театр" привезет в Сыктывкар премьерные показы, которые на днях прошли в Москве. Совсем скоро их увидит сыктывкарская публика. Гостями заключительного гала-концерта выступят звезды балета: прима-балерина "Большого театра" России заслуженная артистка РФ Екатерина Крысанова и премьер "Большого театра" заслуженный артист РФ Владислав Лантратов, а также артисты балета "Большого театра" Брюна Кантанеде Гальянони, Анастасия Страхова, Никита Капустин, Эрих Сволкин.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22299
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Ноя 14, 2020 11:47 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020111401
Тема| Балет, Театр оперы и балета имени Мусы Джалиля, Юбилей, Персоналии, Луиза Мухаметгалеева
Автор| Анна Тарлецкая
Заголовок| Прима-балерина Луиза Мухаметгалеева: «Я не привыкла халтурить, всегда работаю на полную катушку»
Где опубликовано| © Реальное время
Дата публикации| 2020-11-13
Ссылка| https://realnoevremya.ru/articles/193856-prima-balerina-i-pedagog-luiza-muhametgaleeva-otmechaet-yubiley
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

К юбилею знаменитой балерины в театре оперы и балета имени Мусы Джалиля будет представлен балет «Спартак»



14 и 15 ноября балетом «Спартак» в Казани поздравят с юбилеем педагога-хореографа, народную артистку Татарстана, приму балета Луизу Мухаметгалееву. Она блистала в «Лебедином озере» и «Кармен», «Ромео и Джульетте» и «Баядерке», преподавала в Казанском хореографическом училище. Сегодня она — ведущий педагог-хореограф знаковых репертуарных спектаклей, которые ставят в ТГАТ им. Мусы Джалиля. Луиза Ильдусовна рассказала «Реальному времени» о любимых ролях (сыгранных и нет), о дочке-балерине, о счастливой супружеской жизни и о своем отношении к современной хореографии.

Свой день рожденья отпраздновала двумя репетициями

— Луиза Ильдусовна, 5 лет назад вас поздравляли балетом «Ромео и Джульетта», в этот раз выбрали «Спартак» Арама Хачатуряна. В чем его особенности, будут ли в постановке какие-то изменения, новшества?


— Балет создан балетмейстером Георгием Ковтуном — как он поставлен, так и идет. Другое дело, что мы вводим новых исполнителей, будет задействована молодежь и в кордебалетных сценах, и в сольных. Будет премьера у нашей ведущей балерины Аманды Гомес, она впервые исполнит партию Ливии. «Спартак» — один из самых значимых спектаклей в нашем театре, он грандиозный. Там задействованы и балет, и хор, и артисты миманса, и хореографическое училище, и оркестр. То есть практически вся труппа театра.

Как правило, «Спартаком» мы обычно заканчиваем сезон, таким мощным аккордом, представляем его и на Нуриевском фестивале. Так что мне и хотелось бы отметить свой юбилей таким грандиозным действом.

— День рождения у вас был в октябре. Как вы его отметили — в кругу семьи, с коллегами?

— В связи с сегодняшними реалиями жизни, можно было бы сказать, что я отмечала праздники в кругу семьи. Но и этого не произошло в связи с тем, что в мой день рожденья мы праздновали перенесенный юбилей Георгия Ковтуна. Было очень много работы, в этот день было две оркестровых репетиции — днем и вечером. Я пришла домой и просто легла спать. Только спустя 2 недели мы семьей сходили в кафе выпить по бокалу вина.

— В «Спартаке» вам не пришлось исполнить ни одной роли — его ставили, когда вы уже были педагогом…

— Да, он ставился в начале двухтысячных годов, и как балерина я не была в нем задействована, хотя в балете есть что потанцевать. Например, две женские партии, одна положительная, другая отрицательная. Вот Мать-Волчица, которая вскормила Спартака и Красса по версии Ковтуна — наш спектакль отличается от постановки Григоровича в Большом театре. Но вот здесь партию Волчицы исполняет моя дочь — Алина Штейнберг.

— Вы гордитесь дочерью?

— Я всегда с удовольствием смотрю, как она танцует, переживаю и волнуюсь, мне нравится. Я ее, конечно, очень критикую всегда, но в этой партии мне нравится ее внутренний стержень, посыл и то, как она чувствует свою героиню.

— Что вы можете сказать об этом образе?

— Для балерины это очень интересная партия, неклассическая, там есть что рассказать телом, пластикой. Это философский и трагический образ — она теряет обоих сыновей.

Любая балерина — это актриса, прежде всего. Я всегда делаю акцент именно на то, что нужно передать образ, состояние души персонажа, делала акцент на актерском мастерстве. Когда работаю с ребятами, обращаю внимание именно на эту сторону.

Конечно, техника остается техникой, хорошо вертеть пируэты и высоко прыгать — это замечательно и необходимо. Но ведь когда твоя душа живет, поет и плачет — все это передается зрителю. Он ощущает, пустой актер или наполнен.

— А вы чувствуете реакцию зрителя?

— Когда я танцевала — конечно! Я не видела зрителя никогда: когда танцуешь, полностью поглощена образом, спектаклем. Но при этом все равно ощущаешь, что зритель тебя видит и понимает. Это передается уже в конце спектакля — аплодисментами. Такое признание и признательность нужны актеру всегда.

— Вспоминается сериал «Анна Павлова» Эмиля Лотяну. Там она, впервые исполнив «Умирающего лебедя», уже за кулисами чуть не плачет: «Они не хлопают! Почему они не хлопают?». У вас бывало такое — зритель молчит?

— Обычно такое случается за рубежом. Там зритель настолько поглощен действием, что боится хлопать, чтобы не нарушить атмосферы. Зато в конце, когда занавес опущен, такие бурные аплодисменты звучат! Нас это всегда удивляло, потому что в России после каждого удачно исполненного трюка, сцены звучат овации, а там — нет, тишина. Мы переживали, что не донесли до зрителя свое внутреннее состояние или не понравилось что-то, пока не поняли, что они боятся спугнуть ощущение, допустим, сказки, если мы показываем «Спящую красавицу» или «Щелкунчика».

«Перед глазами всегда Майя Плисецкая в образе Кармен»

— Есть ли у вас любимые балеты и роли?


— Есть. Например, «Лебединое озеро». Этот балет мне достался рано, мне 22-23 года всего было тогда. Обычно это такой классический спектакль, который балерина танцует, набравшись опыта, багажа.

Это непростое соединение лиричной Одетты — белого лебедя, и ее антипода — Одилии, черного лебедя. Две роли воплощает одна балерина и перевоплотиться достаточно сложно, и это — помимо того что там есть технические нюансы, которые тоже сложны для балерины!

Эту партию я готовила в Санкт-Петербурге с Ниной Александровной Федотовой, которая передала мне знаменитый петербургский стиль, а я, в свою очередь, стараюсь донести до своих учеников. Да, балет достался мне достаточно сложно, не все мне подходило, но именно этот спектакль прошел через всю мою жизнь.

Но, пожалуй, самые любимые мои партии — это Гамзатти, дочь раджи в «Баядерке», и особенно Кармен. Очень люблю этот спектакль. Мне повезло, что его поставили хотя бы к концу моей творческой биографии, но фрагменты из «Кармен» я танцевала в концертах. Когда же его полностью поставили в Казани, я была просто счастлива! Перед глазами всегда несравненная Майя Плисецкая в образе Кармен.

— Вы были лично с ней знакомы?

— Нет, я смотрела много ее записей. Она танцевала каждый раз по-разному, импровизировала, но Кармен Плисецкая исполняла так часто, что черпать вдохновение из ее работы можно, как из бесконечного источника.

— Майя Плисецкая еще и в кино снималась. Вам поступали подобные предложения от режиссеров? Ведь в советском кино очень часто снимались балерины, например, Илзе Лиепа…

— К сожалению, нет. Мне говорили о том, что я могла бы сниматься, но не сложилось. А вот с Илзе мне довелось познакомиться. Она приглашала меня на свои творческие вечера, я к ней обращалась, когда делала свои. Мне очень хотелось станцевать партию Шахерезады из одноименного балета Римского-Корсакова, а для этого необходимо было разрешение Илзе Лиепы на исполнение этой роли. Поскольку эта семья владеет авторским правом на исполнение балета — именно Изабель Фокина и Андрис Лиепа возобновили исполнение этого балета в 1993 году в России.

Я позвонила сначала Андрису, он сказал, что не против, но нужно договориться и с Илзе. Она мне любезно разрешила. Очень жаль, что этот одноактный балет не идет в нашем театре. Может, я потому и делала творческие вечера, что хотела реализовать себя как актрису в нашем театре. Но руководство театра в лице директора Рауфаля Мухаметзянова и Владимира Яковлева мне всегда помогали. Благодаря моим поездками в Москву и Санкт-Петербург, где и училась новым интересным номерам и фрагментам, я имела возможность обогащать репертуар.

— А была ли такая партия, которую станцевать хотелось, но не сложилось?

— Да, была. Фрагмент из этого спектакля я станцевала на своем творческом вечере, но целиком исполнить весь спектакль не удалось. Это партия правительницы Мехменэ Бану из балета Арифа Меликова «Легенда о любви» в постановке Григоровича, но этот спектакль у нас никогда не шел. Мне очень нравилась эта трагическая роль, такие драматические образы вообще мне очень близки — когда есть надрыв, эмоции.

Или вот «Макбет» Молчанова — он шел в Большом театре, мене бы очень хотелось выступить и в нем. Одновременно я с большим удовольствием и «Спящую красавицу» танцевала, такой эфемерный балет. Люблю разноплановые роли, когда есть, где развернуться, показать свои разные грани. Судьба достаточно благосклонна была ко мне, давая возможность мне реализовываться на своих вечерах.

На своем веку я повстречала много людей, которые помогали мне в этом — Нина Александровна Федотова, Олег Георгиевич Соколов, Наталья Михайловна Садовская, известный московский критик, которая меня всегда поднимала, направляла на новые свершения. Неоценимую помощь и поддержку оказали мой первый педагог в училище по классическому танцу Сайяра Сагировна Юнусова, а также Сания Хасановна Хантимирова, Камиль Гайфуллович Гайнуллин и другие.

Она предложила нам интересный номер на четверых — знаменитый дивертисмент «Па-де-Катр» Цезаря Пуни и балетмейстера Жюля-Жозефа Перро. Произведение создано специально, чтобы объединить четырех прим театра — первыми его танцевали Мария Тальони, Карлотта Гризи, Фанни Черрито и Люсиль Гран. Известно, что в театре одновременно работает несколько прим, каждая считает себя лучшей. В этом же произведении каждая может раскрыться полностью. Так в этом номере оказались Ирина Хакимова, Елена Щеглова, Елена Кострова и я. Мы занимались в Питере, тогда Ленинграде, с Габриэллой Трофимовной Комлевой, примой Кировского театра. Она нас, четырех девушек из Казани, всегда ставила в пример — с таким старанием мы работали. А ведь питерская школа — идеальная, эталонная школа балета. Попасть в стены этого театра, работать с педагогами — большое везение.

Пенсия — за горами

— Года два назад директор хореографического училища Татьяна Шахнина опровергла миф о том, что балерины рано уходят на пенсию. Сегодня это совсем не так, вы тоже доказываете это своей кипучей деятельностью. Как проходит ваш обычный рабочий день?


— Примерно в 10 часов, через день я прихожу в театр, где у нас проходит часовой артистический урок. Затем начинаются репетиции по текущему репертуару. Они длятся по-разному, если один вызов на репетицию в день — до 16 часов занимаемся. Если два вызова — репетируем до двух, а вечером приходим на оркестровую репетицию или спектакль. Остается только два часа днем, чтобы поехать домой, пообедать или сделать свои личные дела — у меня ведь тоже семья, и никто не отменял походы в магазин. Конечно, мне очень помогают муж и дочь на машине. Все как у нормальных людей. Плюс мне надо еще помочь маме — приготовить или купить что-то для нее. Раньше я в этот перерыв успевала еще и в училище сбегать, провести урок два раза в неделю, с двух до пяти.

— То есть на обед у вас уроки были? Как «танцы на завтрак, танцы на обед…?»

— Да. Но так получилось, что со временем в репертуаре нашего театра стали появляться такие грандиозные спектакли, как «Спартак», «Золотая орда», «Пер Гюнт». Мощные, большие, которые я веду как педагог. Я поняла, что мне не хватает времени, чтобы провести как следует репетицию или урок. В итоге стала не успевать в обоих местах. В театре стали подстраиваться под мое расписание в училище, а театр — моя основная работа. Мы с Татьяной Зиновьевной поговорили, она меня поняла, но очень переживала, что я ушла.


Сцена из балета «Спартак». Фото: Максим Платонов

— Грустно было расставаться с училищем?

— Мне, конечно, очень нравилось работать в училище, на курсах я вела актерское мастерство, причем много десятков лет. Я преподавала, даже когда еще танцевала. Пыталась «вытащить» из детей душу, достучаться до них — получалось почти со всеми. Потом видеть плоды своего труда — а многие работают в нашем театре — просто здорово. Бывает, конечно, что и ругаю их: «Мне стыдно, что вы у меня учились!», если они что-то недодают в плане актерства.

В общем, я поняла, что так разрываться — только во вред и мне, и моей работе. Я не привыкла халтурить, всегда работаю на полную катушку. Поняла, что нужно выбирать. Но ведь и здесь, в театре, многие мои ученики — выпускники того же нашего училища. Можно сказать, мало что поменялось в плане преподавания.

— Вы могли бы похвастаться успехами своих учеников?

— Учеников у меня, конечно, достаточно много. Они работают не только у нас в России, но и по всему миру. В нашем театре это заслуженный артист России Артем Белов, мой первый ученик. Далее — лауреат всевозможных премий Михаил Тимаев, Ольга Алексеева, Максим Поцелуйко, Наталья Мурзина, Илья Белов, Денис Исаев, Глеб Кораблев, Айсылу Мирхафизхан, Фаяз Валиахметов, Катя Бортякова, которая работает в Москве, Вика Капитонова — она в Бостоне сейчас. Есть еще ребята в кордебалете, а также солисты первой и второй категории, как мы их называем.

С дочери спрос особенный — «три шкуры»

— Для своей дочери вы не только мама, но и учитель? Вы строги с ней?


— Я ее педагог всю ее жизнь, и ей, конечно, тяжело… Достается ей очень сильно, иногда она даже обижается на меня. Хотя нет, сейчас она меня понимает. Просто я ей говорю: «С тебя особенный спрос, с тебя — три шкуры». Но я не один педагог в театре, она и с другими работает. Нет, никаких поблажек.

— Алина рассказывала, что вы не желали ей судьбы балерины…

— Папа Алины — Захар Штейнберг — музыкант, скрипач. Он был против того, чтобы она пошла в музыкальную школу. А я была против хореографического училища. Но в итоге она все же пошла в музыкальную школу, пела там в хоре. Потом с подругой, Катей Бортяковой-Хакимовой пошла «за компанию» в училище — Катя поступать, а Алина посмотреть на это все. А там все педагоги училища работали в театре, все ее прекрасно знали — театральные дети с пеленок растут в театре. Ей предложили попробовать. Хотя дома я пыталась проверить ее данные, но она сопротивлялась. А тут она все молча: ногу ей поднимают в потолок, она терпит. Взяли ее. Я поставила условие — год не бросать обе специальности. Потом, сказала ей, выберешь. Спустя год она и решила остановиться на профессии балерины. Ей тогда было 10 лет.

— Это ведь как судьба. Вас ведь тоже увидели в театре и пригласили в училище?

— Да, меня сразу взяли на третий тур экзаменов. Я тогда только мечтала быть балериной, а реальностью была художественная гимнастика, которой я занималась. Из многочисленных гимнасток, которые выступали в тот момент в здании театра, отобрали только меня.

— Откуда же такие данные редкие у вас, у дочери? От родителей?

— Мама у меня всегда была пластичной, всегда хорошо пела. Какое-то творческое начало у нее было, хотя работала она на заводе контролером. Но что-то такое было в ней, что и передалось мне. Папа тоже всю жизнь проработал на заводе «Радиоприбор». Родители всегда нас с братом поддерживали. Брат у меня бывший хоккеист, много времени посвятил спорту.

— Вы вышли замуж достаточно рано, все трое, с мужем и дочерью, работаете в театре. Как вы уживаетесь, всегда вместе?

— Ну, дочь-то живет отдельно, бабушка ее даже спрашивает у меня: «Как там Алина?», на что я отвечаю, что если увижу на репетиции, то передам привет. Но она всегда приходит нам с мужем на помощь — мы ведь с ним не водим машину. С супругом тоже можем немного поспорить, например, по творческим вопросам. Но мы любим друг друга. Не можем друг без друга. Мы всегда вместе — и отдыхаем, и в театре.

Классика актуальна всегда, но и нового хочется

— Как вы относитесь к современному танцу, к фестивалю современной хореографии StagePlatforma Олега Ивенко, который последние годы проходит на сцене театра?


— Могу сказать, что молодец Олег Ивенко. Это очень хорошая задумка и направление. Но у нас мало современной хореографии в репертуаре. Поэтому и назвать современные балеты, которые идут в театре, я могу только неоклассикой на основе классического танца. Современный танец — это очень обширное явление со множеством направлений. Я, например, тоже не все приемлю, и далеко не все мне нравится. Но Олегу я говорю: «Продолжай!».

Конечно, хочется прикоснуться к спектаклям балетмейстеров, которые идут по всему миру и уже считаются классикой — это Иржи Килиан, Уильям Форсайт, Джон Ноймайер, Ролан Пети, Морис Бежар... Но сейчас это почти невозможно, да и денежные затраты немалые. Добавим сюда и авторские права на многие произведения.

Если раньше я могла свободно исполнить фрагмент из спектакля «Собор Парижской Богоматери», то теперь — все, это невозможно… Ведь и в России много балетмейстеров интересных, но все заканчивается только концертными номерами, тогда как хочется увидеть мощное большое полотно.

— Может, наш казанский зритель к этому не готов — от этого стоит отталкиваться?

— Нет-нет! Зритель с большим удовольствием воспринимает. Если, допустим, на Нуриевском фестивале идет концерт и возникают современные номера — новинка идет «на ура». Конечно, современные хореографические номера не всегда равнозначны, а классика всегда актуальна, но ведь хочется и еще чего-то, нового! Тем более балетный век короток, нужно пробовать все, но только лучшее.

— Вы говорили, что раньше на обед у вас были уроки. Сейчас вам приходится прикладывать усилия, чтобы держать себя в форме? Сидите на диете?

— Диеты сейчас нет никакой. Я себя не ограничиваю, хотя иногда приходится, но не из-за того, что боюсь поправиться. Но есть на ночь и не хочется. Да, может, и по привычке себя и попридерживаешь. Но в плане физической нагрузки, я уже не прыгаю так, как это делают артисты. Раньше показывала почти в полную силу движения — а сейчас балетные травмы не проходят бесследно. Начинаешь себя беречь. Сейчас у меня другие задачи.

======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Ноя 14, 2020 10:20 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22299
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Ноя 14, 2020 10:19 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020111402
Тема| Балет, Театр оперы и балета Республики Коми, Фестиваль балетного искусства "Зарни джыджъяс" Персоналии,
Автор| корр. ТАСС
Заголовок| Уникальные коллективы впервые выступят на фестивале балетного искусства в Коми
Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2020-11-14
Ссылка| https://tass.ru/kultura/10000981
Аннотация| Фестиваль

В рамках мероприятия также состоятся мастер-классы и творческие встречи по хореографии. В том числе их проведут премьер Большого театра Владислав Лантратов и прима-балерина Екатерина Крысанова

Фестиваль балетного искусства финно-угорских государств и регионов России "Зарни джыджъяс" ("Золотые ласточки") пройдет в Республике Коми с 14 по 22 ноября. Он несколько раз переносился из-за пандемии, менялся его состав и репертуар, но фестиваль состоится, и впервые он пройдет в рамках Международного культурного центра в регионах РФ "Перекресток культур 2020", сообщил в пятницу журналистам директор Театра оперы и балета Коми Дмитрий Степанов.

"Очень большой федеральный проект, курируемый Минкультуры РФ - Международный культурный центр "Перекресток культур" - впервые проводится в Коми, и в рамках него состоится наш фестиваль "Зарни джыджъяс". Центр заключается в совместном творчестве российских и зарубежных молодых деятелей культуры, музыки и искусства. В этом году этот проект проходит всего в четырех федеральных округах по итогам федерального конкурса, в том числе и в Сыктывкаре", - рассказал директор театра.

Как отметил министр культуры, туризма и архивного дела Коми Сергей Емельянов, организовать фестиваль с участием российских и зарубежных исполнителей было совсем непросто в условиях пандемии, переговоры велись с десятью театрами. Однако в столице республики выступят и проведут творческие встречи и мастер-классы уникальнейшие коллективы, отметил он.

В частности, рассказал директор театра, состоится онлайн-встреча с дирижером Александром Дмитриевым, который проживает сейчас во Франции. Пройдет круглый стол, посвященный жизни театра и театральной деятельности во время Великой Отечественной войны - большой просветительский проект для молодежи с участием федеральных экспертов. Также состоятся несколько мастер-классов и творческих встреч по хореографии. Их проведут премьер Большого театра Владислав Лантратов и прима-балерина Большого Екатерина Крысанова, а также новый руководитель балетной труппы Театра оперы и балета Коми Андрей Меркурьев, иностранные артисты из Большого.

Уникальные встречи

В рамках фестиваля 14 ноября пройдет спектакль "Яг Морт". Это один из последних показов в существующей редакции, поскольку весной 2021 года планируется премьера спектакля в новой редакции. "На следующей неделе состоится творческий вечер Андрея Меркурьева - это уникальная творческая встреча. Затем выступят наши гости - Константин Кейхель со своей труппой из Санкт-Петербурга и Александр Могилев из Москвы. Это молодые, очень яркие и одни из самых прогрессивных современных хореографов в стране и в мире, которые уже завоевали известность. Для Сыктывкара их выступление - яркое событие. Заключительный гала-концерт фестиваля состоится 22 ноября", - рассказал Степанов.

Премьера балета "Яг Морт" состоялась в 1961 году, его ставили четыре раза, в нынешней редакции спектакль идет с 2006 года. "Яг Морт" - это первый коми-балет, яркий национальный спектакль на жизнерадостную музыку коми-композитора Якова Перепелицы.

Государственный театр оперы и балета Республики Коми, действующий с 1958 года, - крупнейшая культурная площадка в регионе. В репертуаре более 60 опер, балетов и постановок других жанров. Театр имеет свои традиции и известен международным фестивалем оперного и балетного искусства "Сыктывкарская весна", фестивалем балетного искусства финно-угорских стран и регионов России "Золотые ласточки" и новогодним лайт-фестивалем.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22299
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Ноя 14, 2020 10:44 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020111403
Тема| Балет, Театр оперы и балета Республики Коми, Фестиваль балетного искусства "Зарни джыджъяс" Персоналии,
Автор| корр.
Заголовок| «Золотых ласточек» в Коми «распугал» Яг-Морт
Где опубликовано| © ИА БНК
Дата публикации| 2020-11-14
Ссылка| https://www.bnkomi.ru/data/news/120306/
Аннотация| Фестиваль

Фестиваль балетного искусства в Театре оперы и балета республики начался со знаменитого коми балета.


Посмотреть в отдельном окне


Видео и фото Виктора Бобыря

Фестиваль балетного искусства финно-угорских государств и народов России «Зарни Джыджьяс» («Золотые ласточки») изначально должен был состояться в октябре, но из-за пандемии коронавируса его перенесли на ноябрь. За месяц претерпели изменения как афиша проекта, так и состав гостей. Единственной неизменной позицией остался балет «Яг-Морт», показ которого 14 ноября открыл фестиваль.



«Яг-Морт» ― первый коми балет, музыку к нему написал Яков Перепелица, хореография ― Бориса Мягкова. В основе либретто ― коми народные сказания. Лесной человек Яг-Морт (Роман Миронов) похищает девушек и жен охотников, нападает на села и всяческими способами портит жизнь простым людям. Вместе с ним темные силы в балете воплощает колдунья Ёма (Екатерина Игнатова). Противостоят им похищенная Яг-Мортом Райда (Наталья Супрун) и спасающий ее Туган (Ринат Бикмухаметов). Они олицетворяют светлые силы ― любовь и семейные узы.

Балет «Яг-Морт» называют национальным достоянием: либретто неразрывно связано с художественным стилем коми литераторов – Ивана Куратова и Каллистрата Жакова, а в самой постановке находят отражение быт и хозяйство народа, например, танцы рыбаков и охотников, праздник весны.

Мировая премьера балета состоялась в 1961 году. С того момента постановка несколько раз претерпевала изменения, и на фестивале показали уже четвертую версию балета, созданную в 2006 году.

На «Зарни Джыджьяс» у зрителей есть одна из последних возможностей увидеть «Яг-Морт» в этом виде. Национальное хореографическое достояние в скором времени получит пятую редакцию. Как рассказал на пресс-конференции в преддверии «Зарни Джыджъяс» главный дирижер театра Роман Денисов, новая версия будет «шоу».

Пятая редакция «Яг-Морта» совместит старое и новое. Сейчас проводится большая исследовательская работа по восстановлению музыкальных материалов Якова Перепелицы. В ней участвуют и театр, и музей Ивана Куратова, где хранится часть архива композитора. Партитура восстановлена, в новой редакции намерены воплотить весь порядок номеров, который были изначально задуман автором. Уже сделана рабочая запись для того, чтобы балетмейстер мог работать. Но балет не будет полной реконструкцией. Его ждет новая хореография и визуальные изменения.

Пока же зрители Театра оперы и балета Коми могут посетить другие мероприятия «Зарни джыджъяс»: 18 ноября состоится вечер авторской хореографии нового балетмейстера Андрея Меркурьева «Признание» (6+).

Видео и фото Виктора Бобыря
========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22299
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Ноя 15, 2020 11:58 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020111501
Тема| Балет, БТ, Юбилей, Персоналии, Владимир Васильев
Автор| корр.
Заголовок| Большой театр отметит фестивалем юбилей народного артиста СССР Владимира Васильева
Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2020-11-15
Ссылка| https://tass.ru/kultura/10004813
Аннотация|

На Исторической сцене покажут балеты "Дон Кихот", "Спартак" и "Щелкунчик", а также спектакль "И воссияет вечный свет"

Балет Людвига Минкуса "Дон Кихот" откроет в воскресенье фестиваль в честь 80-летия танцовщика, хореографа, народного артиста СССР Владимира Васильева, который пройдет в Государственном академическом Большом театре России (ГАБТ) с 15 по 22 ноября. Об этом сообщил ТАСС генеральный директор театра Владимир Урин.

"Сегодня на нашей Исторической сцене мы открываем фестиваль, посвященный юбилею народного артиста СССР Владимира Викторовича Васильева. В честь выдающегося танцовщика будут показаны знаковые в его карьере балеты: "Дон Кихот" (15 ноября), "Спартак" (17 ноября) и "Щелкунчик" (18 ноября). А 22 ноября как завершающий аккорд будет представлен многожанровый спектакль Татарского театра оперы и балета "И воссияет вечный свет" на музыку Моцарта, в котором Васильев выступает как режиссер-постановщик, хореограф и исполнитель главной роли", - сказал Урин.

Он напомнил, что празднования должны были состояться весной этого года к 80-летию Владимира Васильева (он родился 18 апреля 1940 года), однако были отложены из-за вынужденного перерыва в работе театра, вызванного пандемией коронавирусной инфекции.

"Хотя и сейчас эпидемиологическая ситуация в Москве достаточно напряженная, в связи с чем введены ограничительные меры, но будем надеяться, что нам удастся достойно провести фестиваль в честь замечательного мастера", - заявил гендиректор Большого театра.

Урин также добавил, что в Музейном и Экспозиционном фойе исторического здания театра развернута выставка произведений Владимира Васильева - художника. Представлено более 70 акварелей - пейзажи, виды Москвы и городов мира, эскизы к спектаклям, натюрморты и портреты, созданные им совсем недавно. Работа выставки продлится до 14 декабря.

Мнение юбиляра

Свой комментарий по поводу предстоящего фестиваля дал ТАСС Владимир Васильев.

"Впервые еще мальчиком я танцевал на сцене Большого театра в 1948 году, - рассказал Васильев. - И вот мне уже 80, и мой юбилей отмечают в этом великом театре, ставшем мне родным домом на большую часть моей жизни. Я благодарен театру за этот прекрасный подарок к моему юбилею", - заявил артист.

"Конечно, я надеюсь увидеть все спектакли юбилейного фестиваля, - продолжил Васильев, - и показать зрителям мою новую постановку на музыку "Реквиема" Моцарта для хора, балета, солистов в исполнении труппы Татарского оперного театра. Она называется "И воссияет вечный свет". "Сегодня особенно хочется, чтобы этот свет разогнал все наши земные напасти и воссиял каждому. В спектакле оптимистический финал. Я рад, что телеканал "Культура" снимет этот спектакль и покажет его в конце ноября в своем эфире", - отметил Васильев.

Судьба артиста

Владимир Васильев - советский и российский артист балета, хореограф, режиссер, поэт, художник, педагог. Родился 18 апреля 1940 года в Москве. В 1958 году окончил Московское хореографическое училище (ныне Московская государственная академия хореографии) по классу Михаила Габовича.

Васильев был солистом Большого театра на протяжении 30 лет - с 1958 по 1988 годы. Работал с ведущими хореографами своего времени - Касьяном Голейзовским, Леонидом Якобсоном, Леонидом Лавровским, Ростиславом Захаровым, Юрием Григоровичем, Морисом Бежаром, Роланом Пети. Многие свои партии готовил с педагогами Алексеем Ермолаевым и Галиной Улановой. В 1958 году был партнером Улановой в балете "Шопениана" на музыку Фредерика Шопена.

Одной из самых известных ролей в карьере Васильева стал Спартак в одноименном балете Арама Хачатуряна. Среди других знаменитых работ танцовщика - Базиль ("Дон Кихот" Людвига Минкуса), Альберт ("Жизель" Адольфа Адана), Щелкунчик-принц ("Щелкунчик" Петра Чайковского), Дезире ("Спящая красавица" Петра Чайковского), Иван Грозный ("Иван Грозный"), Ромео ("Ромео и Джульетта") - оба на музыку Сергея Прокофьева.

С 1971 года выступает в качестве хореографа, поставил ряд авторских балетов и их классических версий в России и за рубежом. В качестве сорежиссера и балетмейстера создал телебалеты "Анюта", "Дом у дороги" и художественный фильм "Фуэте", сорежиссер фильма "Мир Улановой" и нескольких документальных лент. Хореограф мюзикла "Юнона и Авось", оперных постановок Франко Дзеффирелли "Аида" и "Травиата".

В 1980-1990 годах преподавал в ГИТИСе и возглавлял балетмейстерский факультет. В 1995-2000 годах был художественным руководителем - директором Большого театра. С 2000 года - основатель и куратор школы "Большой" в Бразилии, с 2013 года ведет свою творческую мастерскую, где работает с современными хореографами. С 1998 года - президент Фонда Галины Улановой, с 1990 года - бессменный художественный руководитель конкурса артистов балета "Арабеск" (Пермь), председатель жюри престижных международных конкурсов.

Васильев - народный артист СССР, лауреат премии Ленинского комсомола, Ленинской премии, Государственных премий СССР и РФ. Является кавалером орденов Ленина, Дружбы народов, Трудового Красного Знамени, "За заслуги перед Отечеством" IV и III степеней. Также отмечен медалью ЮНЕСКО им. Пабло Пикассо, государственными орденами Италии, Японии, Литвы, Бразилии, Франции и многими другими международными премиями и наградами.

Был женат на знаменитой балерине, народной артистке СССР Екатерине Максимовой (1939-2009). В течение многих лет супруги выступали на сцене вместе, их дуэт был удостоен премий им. Мариуса Петипа ("Лучший дуэт мира"), им. Джино Тани. Живопись стала вторым призванием Васильева. Состоялось более тридцати выставок его работ, им оформлено более десятка спектаклей, концертов и вечеров. Он также пишет стихи, в свет вышли три поэтических сборника Васильева "Цепочка дней" (2000), "Между да или нет" (2015) и "До и после" (2020).
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22299
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Ноя 15, 2020 8:25 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020111502
Тема| Балет, Современная хореография, Персоналии, Акрам Хан
Автор| Беседовала Вероника Кулагина
Заголовок| «Жизель – это моя мама». Акрам Хан специально для журнала PRO Танец
Где опубликовано| © журнал PRO Танец
Дата публикации| 2020-11-09
Ссылка| журнал PRO Танец
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Фото с официального сайта Akram Khan Company

Акрам Хан, наверное, самый современный и своевременный из ныне действующих хореографов. И причиной тому, кроме актуального пластического языка – темы, на которые он хочет «разговаривать» с помощью танца. Сделав Жизель бесправной эмигранткой, он попал в струю времени и стал выразителем гуманистических, даже, если хотите, цивилизационных идей, поддерживаемых многими прогрессивными людьми. Этот невероятный процесс создания новой классики захватывает не только потому, что происходит на наших глазах, но и потому, что на сцене, несмотря на почти двухсотлетнюю историю известного спектакля, – наши современники.

ДАЛЕЕ ЧИТАЕМ ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
Страница 3 из 6

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика