Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2020-11
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22695
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Ноя 27, 2020 4:24 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112702
Тема| Балет, Михайловский театр, Премьера, Персоналии, Михаил Мессерер
Автор| Ольга Угарова, Фото: Cтас Левшин
Заголовок| Михаил Мессерер
Где опубликовано| © La Personne.
Дата публикации| 2020-11-25
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/mikhail-messerer-mikhailovsky/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Театральный сезон петербургского Михайловского театра начался под брызги шампанского по случаю премьеры спектакля «Коппелия». Искрящийся танцами, красками и юмором балет вышел в редакции главного приглашенного балетмейстера театра на площади Искусств Михаила Мессерера – именно с легкой руки мэтра в город вернулась одна из жемчужин мирового классического репертуара.

Михаил Григорьевич, два года назад вы подарили балет «Коппелия» зрителям Новосибирского театра оперы и балета, а в этом – вернули любимую балетную историю Петербургу. Почему, на ваш взгляд, этот сюжет должен быть в классическом репертуаре?

В Петербурге «Коппелии» не было пару десятилетий. Классических балетных партитур вообще не много, а уж балетов-комедий всего три-четыре. Мы постарались сохранить стиль, образ старинного балета, сделав его все же для современного зрителя — это важно, и в этом, пожалуй, состояла моя профессиональная задача. Над первыми постановками работали великие Артур Сен-Леон, потом Мариус Петипа, после – Александр Горский. Мы сделали спектакль именно как приношение этим постановщикам.

Какие задачи вы ставили перед художниками?

Мой соавтор Вячеслав Окунев всегда эффектно и современно использует традиционные театральные декорации. Причем, не только в балете. Вот и теперь ему прекрасно удалось выстроить буколический городок в первом акте, а во втором — создать таинственную мастерскую часовщика-кукольника Коппелиуса. Все это, наряду с парадным декором третьего акта, выполнено сочными красками, а цвета костюмов, прорисованных с тонким вкусом, изобилуют мажорными тонами.

Именно с Вами труппа Михайловского театра освоила хореографию Фредерика Аштона в «Тщетной предосторожности», героику и народный танец «Пламени Парижа», тексты «Корсара» Константина Сергеева, «Лауренсии» Вахтанга Чабукиани, «Золушки» Ростислава Захарова, «Лебединого озера» и «Дон Кихота» Александра Горского – все в Ваших редакциях. С какими новыми вызовами она столкнулась сейчас?

Сейчас, в период пандемии, задача сохранить исполнительский уровень. Спектакль ставился онлайн: к сожалению, из-за введенных повсеместно ограничений я не мог присутствовать очно. Но нам все-таки было легко благодаря тому, что труппа и я хорошо понимаем друг друга. Мы проработали вместе с дюжину лет, артисты прекрасно знают, чего я хочу, а мне известны сильнейшие стороны каждого исполнителя. К тому же, в театре замечательный корпус педагогов-репетиторов.

Ваша редакция балета «Коппелия» изобилует танцами и техническими хитростями. Танцовщикам было сложно справиться с текстом?

Труппа была подготовлена к такой задаче. Как любой классический балет, «Коппелия» предъявляет высокие требования к дисциплине тела, здесь необходим четкий академический «акцент» и драматическая выразительность. Все эти редкие сегодня вещи и показали артисты Михайловского.

В одном из интервью Вы говорили, что принимая должность главного балетмейстера Михайловского театра в 2009 году, Вы ставили перед собой задачу поднять уровень балетной труппы. Через пять лет круг британских критиков назвал Михайловский балет лучшей международной труппой. Спектакли, которые вы поставили в театре, усовершенствовали труппу?

Мне хочется надеяться, что так. Во всяком случае, делая постановку, я всегда думаю о том, чтобы она была полезна труппе, не забываю о своем педагогическом долге.

Вы очень много работаете с классическим наследием, делая его интересным в сегодняшнем мире. А как Вы относитесь к новым версиям академических сюжетов, а не к редакциям? Например, к работам Матса Эка?

Матс Эк – великий мастер актуального прочтения классических названий. Я преклоняюсь перед его могучим талантом. Кстати, с Эком мне посчастливилось работать несколько лет в Стокгольме, когда я служил балетмейстером в Королевском шведском балете, а также в качестве приглашенного педагога в «Кульберг-балете», которым Эк в то время руководил. Тем не менее, с точки зрения современного подхода к классике, лично мне ближе гений Алексея Ратманского.

Почему надо переосмысливать старые идеи – не достаточно ли просто консервировать классику и просто ухаживать за ней, как за старой картиной?

Нет, театр – живой организм, балетный спектакль меняется от вчерашнего представления к сегодняшнему. Его не повесишь на стену.

Что нужно делать, чтобы старинные балеты были интересны в XXI веке?

Это просто. Их надо ставить (Улыбается.).

Вы много ездите по миру в связи с работой: Милан, Петербург, Нью-Йорк. Ставите и преподаете. Какая ближайшая остановка?

Еду в Будапешт. В недавнем прошлом мне посчастливилось сделать для труппы Венгерского национального балета «Дон Кихот» и «Лауренсию», а сейчас поставлю там «Пламя Парижа».

===========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22695
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Ноя 27, 2020 6:38 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112703
Тема| Балет, Национальная опера Украины, Персоналии, Анико Рехвиашвили
Автор| Світлана МАКСИМЕЦЬ
Заголовок| Остаться в искусстве: вечер памяти Анико Рехашвили в Нацопере
Где опубликовано| © Уикенд
Дата публикации| 2020-11-20
Ссылка| https://www.weekend.today/lica/ostatsja-v-iskusstve-vecher-pamjati-aniko-rehashvili-v-nacopere.htm
Аннотация| вечер памяти Анико Рехвиашвили



Дама с камелиями, Снежная королева и Юлий Цезарь на одной сцене. В Национальной опере Украины прошел вечер памяти художественного руководителя балета театра Анико Рехвиашвили. Артисты танцевали номера из поставленных Анико Юрьевной спектаклей. А Настя Шевченко и Ян Ваня исполнили адажио из балета «Красавица и чудовище», который она не успела закончить.

Одно из последних интервью Анико Рехвиашвили давала Уикенду. И в нем она говорила о главной своей гордости — палитре балетных звезд, которую создавала в театре. Всего шесть лет руководила она труппой, но успела поставить множество спектаклей. И при ее руководстве наши танцоры впервые с 1964 года поехали в Париж, балетную столицу мира, чтобы показать «Щелкунчика». 16 раз танцевали украинцы для французской публики, и на всех спектаклях зал был заполнен до отказа.

Анико Юрьевна рассказывала Уикенду, как это было:

— Французы принимали нас с такими любовью и уважением, каких мы не могли даже предположить. И во многих беседах при обсуждении наших гастролей звучало слово «прорыв». Конечно, потрясло, когда мы увидели рекламу нашего «Щелкунчика» на огромных афишах в метро, на городских автобусах, хотя все билеты до нашего приезда уже были проданы. Впервые наш диск продавался в Гранд-опера рядом с записями балетов Нуреева и другими громкими именами.

Парижане — публика очень избирательная, но если они видят, что перед ними настоящее, то дарят тебе свои эмоции сполна. Хотя сначала мы испугались: где у нас принято аплодировать, стояла тишина. Спектакль идет, в зале тихо, у нас нервы. Но в конце — шквал, гром, овации. От четырех до шести раз поднимался занавес, нас долго не отпускали. Они кричат, неистово выражая свою любовь.

Она вспоминала, как с Настей Шевченко ходила в Гранд-опера на «Даму с камелиями», а потом узнала, что этот же спектакль смотрел и Никита Сухоруков, который в нашей постановке исполняет партию Александра. Вообще ее постоянно окружали артисты, она была к ним внимательна и требовательна. А ведь когда Анико Юрьевна только начинала работать в Нацопере, на конкурсы в труппу театра приходило 6-8 человек. Спустя несколько лет ее работы претендентов было уже полторы сотни.

Анико Юрьевна признавалась:

—Мы с директором балета Сергеем Скузем постоянно ездим по учебным заведениям страны, принимаем участие в выпускных экзаменах. Вообще я девушка коварная: если прознаю, что в каком-то театре есть кто-то, кто меня профессионально взволнует, то приму меры. Так ведется большая селекционная работа по Украине. Пусть меня простят коллеги (и они прощают), но в первый театр страны мы собираем лучшие силы.



И артисты высоко оценивали результат ее усилий, видели все новые спектакли в оперном и понимали, какие возможности открываются перед ними. А она могла бесконечно говорить об их таланте, о том, какие они разные — как краски на палитре, оттенки, без которых не создашь шедевров Моне и Ренуара. Тогда, в разговоре с Уикендом, Анико Юрьевна с трогательной гордостью рассказывала о танцорах:

— Мое первое впечатление о Насте Шевченко сложилось после премьеры «Баядерки»: все девочки как девочки, а эта сияет убежденностью, что балет — самое большое великолепие. На сегодняшний день Настя стала самым большим моим откровением.

Конечно, я выделяю Никиту Сухорукова. Он невероятно талантливый и интеллектуальный танцовщик. Они с Настей представители совсем иной формации артистов. Никита подходит к каждой партии ювелирно, его работой можно любоваться, он считывает все, о чем только думаешь.

Удивительная девочка Юля Москаленко обладает светлой природой, это Аврора по жизни. Она не только интересна с точки зрения техники, но и обладает яркой индивидуальностью. Таня Лезова более опытная балерина, она — одно из первых моих открытий. Она творит на сцене чудо, теплое и искреннее.

Мы долго боролись, чтобы Станислав Ольшанский пришел к нам из Львовской оперы. Он безумно талантлив, по праву занял здесь положение премьера и способен на какие-то совершенно неожиданные и яркие действия на сцене. Ярослав Ткачук — это особенное обаяние и собственный фан-клуб. Он занимает свою нишу и умеет делать неповторимое.

У Анико Рехашвили было множество планов. По ее приглашению в Киев приезжала Клод Бесси — знаменитая балерина, в течение 30 лет возглавлявшая балетную школу при парижской опере. Они с Анико мечтали, что Бесси поставит с артистами Нацоперы балет «Миражи» Сержа Лифаря, обсуждали запуск большого украино-французского балетного проекта.

Анико Юрьевна рассказывала Уикенду о театре, артистах и планах на будущее. И только в конце добавила несколько фраз о своем сокровенном желании:

— Как каждый человек в искусстве, я работаю для себя. Но работая для себя, я открываю миру талант артистов. Артисты составляют наш театр, а театр их любит. Значит, я работаю и для него. Наверное, в каждом есть желание работать для искусства. Очень хочется войти, прикоснуться и остаться.

Фото: Александра Злуницына

===========================================================================
ФОТОГАЛЕРЕЯ - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22695
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Ноя 27, 2020 6:45 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112704
Тема| Балет, НОВАТ, Персоналии, Игорь Цвирко (БТ)
Автор| корр.
Заголовок| Игорь Цвирко: «Сегодня мы работаем с ещё большей отдачей»
Где опубликовано| © сайт НОВАТ
Дата публикации| 2020-11-27
Ссылка| https://novat.nsk.ru/news/interview/igor-tsvirko-segodnya-my-rabotaem-s-eshchye-bolshey-otdachey/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Сегодня, 27 ноября в балете «Дон Кихот» на сцене НОВАТа вновь выступит солист Большого театра, один из самых ярких современных артистов Игорь Цвирко. Каждая сценическая работа танцовщика отличается выразительностью образа, эмоциональностью, техническим мастерством, его темперамент и энергетика с лёгкостью покоряют любой зал.

Мы побеседовали с артистом накануне выступления.

– Как Вы ощущаете себя в Новосибирском театре, в работе с нашим коллективом?

– Я второй раз буду танцевать в НОВАТе. Должен сказать, коллектив здесь отличный, боевой. С огромным удовольствием прихожу в балетный класс, общаюсь с коллегами. Сейчас проходят репетиции, ребята с интересом наблюдают, это всегда очень приятно. Танцевать на такой большой сцене – удовольствие, есть размах для прыжков, для вращений. Большая сцена, большой зрительный зал – это больше зрительского внимания, эмоциональной отдачи, а сейчас это как никогда актуально для нас – артистов.

– После перерыва в работе, обусловленного пандемией, с какими чувствами Вы приступили к репетициям?

– Перерыв у меня длился 4 месяца, конечно, поначалу было довольно-таки непросто. Большой театр выделил нам линолеум, станок, и мы все занимались во время карантина, хотя, конечно, полноценными эти занятия не назовёшь – прыгать в квартире никак не получится. Благо, что это было летом, была возможность выйти на улицу и после первых посткарантинных репетиций, я понял, что в неплохой форме.

– Вы много танцуете и в классике и в современной хореографии. Какой репертуар Вам, как артисту, ближе?

– Мне всегда интересна в первую очередь сама роль, то есть драматическое содержание партии, выраженное хореографическим контекстом. Я люблю сюжетные спектакли, в которых происходит раскрытие персонажа. Если говорить о классическом наследии, то это «Иван Грозный», «Спартак» Юрия Григоровича, если о современных постановках, то мне понравилось работать в спектакле Кристофера Уилдона «Зимняя сказка», где я танцевал Леонта. Конечно, современные постановки очень разные, мне нравится работать в спектакле, если у балетмейстера есть какие-то режиссёрские находки, когда хореограф является ещё и режиссёром.

– Что Вы любите из классики?

– Я очень люблю «Щелкунчик» Юрия Николаевича Григоровича. Когда танцуешь в этом балете, действительно ощущаешь, что находишься в сказке, это идеальное сочетание музыки и хореографии. Не сказать, что я люблю танцевать принцев, но мне кажется, что образ принца, созданный Юрием Николаевичем очень точный, и он мне очень близок.

– Ваши пожелания новосибирским зрителям?

– Я хочу сказать зрителям, что не нужно бояться приходить в театр. Театры сейчас делают всё возможное, чтобы обеспечить безопасность публики. Зрительская поддержка очень важна для нас – артистов, а в сегодняшней ситуации мы работаем с ещё большей отдачей, чтобы подарить вам настоящие эмоции, которые надолго вам запомнятся.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22695
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Ноя 27, 2020 8:00 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112705
Тема| Балет, Воронежский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Алексей Шелыгин, Андрей Петров
Автор| Татьяна ПОДЪЯБЛОНСКАЯ
Заголовок| Воронежский театр поставил «кукольный» балет, которым дирижирует инженер-ядерщик
Где опубликовано| © Комсомольская правда - Воронеж
Дата публикации| 2020-11-27
Ссылка| https://www.vrn.kp.ru/daily/21712093.5/4329264/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото: Татьяна ПОДЪЯБЛОНСКАЯ

Яркий в огнях иллюминации Париж и заснеженный Петербург, красочные куклы и первая любовь, прекрасная музыка и порхающие балерины. Атмосферу праздника и легкости, которые так нужны нам сейчас, в непростое «ковидное» время, создал Воронежский театр оперы и балета в новом спектакле «Продавец игрушек». Это мировая премьера балета по мотивам романа писателя Виктора Добросоцкого, музыку к которому написал один из самых востребованных современных композиторов Алексей Шелыгин. Настоящая рождественская сказка к Новому году для детей и взрослых.

Трогательную историю потомка русского дворянского рода, вернувшегося на родину предков для того, чтобы обрести любовь, поставил художественный руководитель «Кремлевского балета» Андрей Петров (это его вторая совместная работа с нашим балетом, в 2016 году мастер поставил в Воронеже спектакль «Руслан и Людмила»).

Итак, Николя Берски, владеющий в Париже магазином игрушек, для которого лично делает волшебных кукол, получает приглашение приехать в Россию. У него есть таинственный ключ, который на заснеженной родине деда открывает не только старинные часы, фонтаны с сокровищами, но и сердце прекрасной Наташи. Словом, влюбленных ждут приключения, борьба со злодеями и счастье в финале. Получился необыкновенно яркий, волшебный балет, в котором танцуют десятки кукол. Сценографию балета "Продавец игрушек" придумал Григорий Белов, художник по костюмам - Ольга Полянская.

- Мой герой - профессор-злодей, он мерзкий и надменный, но тем интереснее рисунок танца, который в смене пластики и движений, то плавных, то резких и угловатых, показывает его лицемерие и притворство, - поделился танцовщик Максим Данилов.

- А у меня легкая, полетная, прыжковая роль – души деда главного героя. И прыжки, этот полет показывают эфемерность этого доброго «привидения», - добавил Михаил Ветров, танцующий партию портрета деда Николя.

Оркестром дирижирует недавно принятый в штат Данила Серганин. Дирижер приехал к нам из Саранска, где был главным дирижером местного театра.

- Я в процессе знакомства с воронежским оркестром, находим точки соприкосновения с музыкантами, они положительно реагируют на замечания, у нас плодотворный контакт, - рассказал дирижер-постановщик Данила Серганин.

Молодой дирижер признался, что по первому образованию он инженер-ядерщик. Но любовь к музыке (он в детстве занимался аккордеоном и фортепиано) пересилила, он окончил консерваторию по специальностям хоровое дирижирование и дирижер-симфонист. Серганин отметил, что воронежскому репертуару не хватает восточной темы: театру вполне по силам поставить «Мадам Батерфляй» или «Принцессу Турандот».

Премьеру «Продавца игрушек» покажут 27, 28 и 29 ноября. В спектакле заняты Иван Негробов, Марта Луцко, Максим Данилов, Михаил Ветров, Луиза Литягина, Луис Фернандо да Сильва Шавеьер и другие артисты.

=============================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22695
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Ноя 27, 2020 10:15 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112706
Тема| Балет, театр Astana Ballet, Премьера, Персоналии, Анвара Садыкова, Куат Шильдебаев
Автор| Дамир Уразымбетов
Заголовок| «Легенда о Туранге»: стойкость природы или человека?
Где опубликовано| © Qazaq Ballet — интернет-журнал о хореографическом искусстве Казахстана
Дата публикации| 2020-11-22
Ссылка| https://qazaqballet.kz/main_articles/balet-legenda-o-turange-stojkost-prirody-ili-cheloveka/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Казахский балет движется в сторону нового витка, чему способствуют создаваемые хореографами спектакли. Пандемия настолько «иссушила» творческие потребности художников, что они сочинили немало за последние месяцы. Только театр Astana Ballet подготовил пять премьер. Одна из них состоялась 6 и 7 ноября 2020 года в Нур-Султане: балетный спектакль «Желтораңғы туралы аңыз» («Легенда о Туранге») на музыку К. Шильдебаева поставила А. Садыкова, ассистент хореографа — М. Кадырова. Это второй полнометражный балет А. Садыковой. Первая проба пера состоялась в 2016 году, когда в Алматы на сцене ГАТОБ имени Абая был показан этно-балет «Тұран дала — қыран дала» («Вечная земля казахская») в исполнении учащихся Алматинского хореографического училища имени А. В. Селезнева. Поэтичная, пронзительно придуманная автором либретто Б. Каирбековым история о стойком дереве Туранге, дала возможность А. Садыковой наделить ее хореографической жизнью.

Действие балета строится вокруг дерева Туранги, которое издавна растет на просторах казахской степи. Туранга противостояла песчаным барханам. Сквозь века она выстояла, закалилась, обрела мощные корни, которые питают ее. Но вдруг появляются непрошеные гости — люди, которые хотят срубить дерево. На защиту Туранги встает храбрый Юноша.

Балет исполнили артисты театра Astana Ballet — А. Кобентай, А. Жангаскаева (Туранга), Д. Шомаева, Д. Кайрашева (душа Туранги), Ф. Буриев, С. Султанов (Юноша), К. Ахмедьяров, Э. Сарсембаев (главари дровосеков) и другие. Рассмотрим некоторые детали премьерных показов спектакля.



1. Композиция и сценография. Спектакль представляет завершенную форму и достаточно многослойную сочную структуру из девяти зацикленных эпизодов: «Благоденствие», «Стихия ветра», «Монолог Туранги», «Дровосеки», «Сон», «Борьба», «Оплакивание», «Печаль Туранги», «Благоденствие». Зрителю сложно сосредоточить внимание на одном и уследить за всем, что происходит на сцене. Тому способствуют насыщенная полихромная сценография, не только театрально-бутафорская, но и проекционная, обилие танца, перемещения множества деталей и персонажей.

Декорации — осень, листья, туранговая роща, звездное небо (художник-сценограф — Ж. Омаров, видеографика — Д. Ибраев, Н. Абишев). Туранги представлены в облегающих комбинезонах с древесным рисунком, что выглядит метафорично (костюмы Н. Протасовой). Не в тон им практически разноцветные природных, но приторных оттенков, костюмы птиц. Потому птицы (удоды, сизоворонки, синицы) в отличие от сдержанных туранг излишне «пестрят». Они, возможно, были бы более уместными в детском балете (вспоминаются эпизоды с необычным животным миром из фильма «Фантастические твари и где они обитают»). Ощущение свободы нравов в спектакле создают джинсовые с переплетающими тело ремнями костюмы дровосеков (почти как у Пети в «Юноше и смерти») и дискотечное освещение в сценах с ними же. Душа Туранги одета в голубое балахонное платье с ниспадающими от плеч «крыльями» (что-то похожее было у персонажа богини Умай в «Тұран дала — қыран дала»), которое часто скрадывает хореографию и амплитуду движений исполнительницы этой партии.

2. Персонажи. Туранга, душа Туранги, юноша, главарь, дровосеки и другие герои — представляют образную картину балета. Нельзя сказать, что в этом спектакле главные герои «ведут» линию сюжета. Они ее обозначают, осязают, но не меняют явно или мало изменяют ход действия, принимая участие в нем. Тем не менее, многое, в первую очередь впечатление зрителя, зависит от них. Кордебалет выполняет несколько функций: двигает действенную линию спектакля, создает атмосферу, сопровождает сюжет. Их жизненное правдоподобие важно для привлечения аудитории в саму канву спектакля, а, значит, они отвечают и за его эмоциональную сторону, которая важна для катарсиса.

3. Музыка. Имеет свое место недостаток музыкального тематизма, монументальности звуковых дорожек, их естественного оркестрового (а не компьютерного) звучания. Часто музыка бросается из крайности в крайность: то это трагедийная вязкая магия кобыза («Монолог» и «Печаль Туранги»), то это эстрадные «ритмы-скачки» («Дровосеки»), то вдруг жетыген звучит вместе с кобызом («Сон»), то струнные электронно «фонят». Важно еще одно: музыкальная драматургия сложена и ее нарратив логичен. Всегда непросто для отдельно взятого сюжета создавать музыкальную компиляцию, изначально не предназначенную для него.



4. Рисунок танца. Пластические находки А. Садыковой красивы, эстетически привлекательны. Ощущаются ее поиски движения по наитию, по слышанию музыки. У персонажей присутствуют лейтмотивные элементы (в том числе в слиянии с музыкальным материалом). То это балетная «классичность» с выстроенными комбинациями и свойственной ей геометрией линий; то это полуимпровизация, каноны, разноликость танцевальных голосов и фраз. Часто движения хореограф делает простыми, но их наполненность и утонченность только обогащают общую картину. Например, движение «шынтақ толқын» вниз в исполнении нескольких туранг, расположенных по всей сцене, которые как бы распадаются, увядают, засыхают, умирают. Либо это простые движения плечами (у дровосеков), которые как нельзя лучше отражают дух народа.

В спектакле присутствуют и по-своему интерпретированные части, в которых неявно узнаются фрагменты известных балетов. В эпизодах постановки осязается «донкихотская» диагональ (только в правую сторону) как в вариации Китри из первого акта. В ней дровосеки, выстроившиеся в линию, как тореадоры, бьют днищами топоров по сцене, а их главарь (в программке он так назван) делает прыжковую комбинацию; есть также и почти неуловимо ощутимая перекличка танца туранг (в эпизоде «Оплакивание») с танцами виллис из второго акта «Жизели». Здесь есть «спартаковское» «шагание» дровосеков en face, которое меньше по объему/количеству исполнителей и которое, не успевшее развиться, переходит в работу с реквизитом (размахивание топором). Это все только приближает и располагает зрителя к себе.



Можно говорить и о попытке «симфонизировать» развитие танца. В первой сцене с дровосеками основной акцент сделан на натуралистичном движении «рубка топором» с вкраплением в него entrelacé, tours en l’air и pirouettes. Но при этом «рубка» повторяется много раз, за счет чего снижается уровень метафоричности. В последующем эпизоде («Борьба») танцы дровосеков разрабатываются более активно, появляются национальные элементы; меняется рисунок, как по кругу, так и в диагональ, а также из крестообразного движения перестройка рисунка в латинскую букву V: эпизод зрелищный и хореографически сочный с элементами национальных черт. При этом сцена с дровосеками местами похожа на синтез диско-шоу и кара жорги, что «выбивает» балет из академичности и чуть выносит его за грань театрального действия, приближая к народным пляскам. А может быть и в будущее казахского балета. В упомянутом эпизоде «Борьба» эффектно выглядит «выклевывание» птицами глаз дровосеков, у которых прямо на сцене вдруг оказываются «окровавленные» лица. Вообще сама сцена при небольшом фантазировании «оглушает» правдивостью: природа защищается, как может, от безобразной руки человека. Это не может не впечатлять и не возмущать осознанием того, что мы творим. Примечательное место есть в либретто Б. Каирбекова: «Но жадность людская не знает границ. Мощный ствол Туранги виделся добытчикам грудой золота, желанной наградой, которую им посулили торговцы. <…> Вздыбились корни Туранги, выйдя из-под земли, а ветви принялись хлестать добытчиков. На помощь Туранге пришли птицы, лишившиеся своих гнезд и птенцов. <…> В слепой ярости добытчики, размахивая топорами, порубили друг друга». И вот уже с тонкими красиво подсвеченными покрывалами проходят туранги, как неспешный ветер, заметая «заблудившихся в понятиях» дровосеков.

Один из центральных эпизодов спектакля — трехчастный дуэт души Туранги и Юноши. Он поставлен в сцене «Сон», когда хореограф использует проекцию на ткань на авансцене (лишь единожды показывается этот прием), где Юноше снится сон с руками в крови туранг. В то время, когда пара танцует adagio, на проекции на фоне звездного неба тоже прорисовывается дуэт (здесь это становится заметным, потому что в других частях балета картинка дополняет полусказочную реальность и не мешает восприятию действия). Сценическое пространство постоянно «дышит» в разных его местах. Во второй части дуэта «прилетают» птицы, наблюдая за душой и юношей, сопровождая их.



Отдельным танцевальным фрагментом (через неуместное затемнение сцены, а, следовательно, сознательное переключение между эпизодами без сквозного развития) хореограф вставляет в балет сцену гибели-борьбы («Оплакивание»), где практически умирает Туранга. Эпизод завершается тем, что все птицы стоят в позах arabesque (в пол) в верхней части сцены, обрамляя Турангу, и почему-то по-человечьи держатся руками (крыльями?) за свои сердца.

В последней сцене присутствуют птицы, туранги, Туранга, ее душа, юноша. В конце Туранга взбирается на свой «пень-пьедестал» и он немного продвигается на зрителя. Сцена выглядит неоправданной, потому что все участвующие в эпизоде персонажи практически стоят на местах и «классический» киноприем «приближения к зрителю» не имеет смысла, потому что через несколько мгновений занавес «захлопывается». Наверное, балет может длиться не 34 минуты, а чуть дольше, чтобы окончательно завершить развитие характеров и сюжетных линий.



5. Идея. Спектакль «Легенда о Туранге» затрагивает тему вторжения человека в природу, где она терпит до последнего, а потом дает отпор. Возможно, на этом следовало бы сделать более настойчивый акцент без мажорного традиционного финала, чтобы зрители «до кожи и костей» почувствовали и осознали уже давно существующую проблему. Поэтика темы восстания природы прослеживается, но не восходит до высочайшей пронзительности (из-за композиции эпизодов). В балете же более выпукло подана другая тема: стойкости. Стойкости народа, стойкости человека перед судьбой.

Поиски нового — это всегда важно и необходимо. Появление спектаклей в музыкальных театрах дает возможность осмыслять происходящую действительность, спорить с собственными мыслями, размышлять о судьбе казахского балета. Театр воспитывает и важно давать «правильное питание» обществу, чтобы его оздоравливать. В постановке А. Садыковой «Легенда о Туранге» присутствует уловимая связь прошлого, традиционного, неизбывного (намек на монументальность формы, намек на стройность хореографического ансамбля) и неожиданно смелого настоящего, современного, немного даже будущего. В балете много чарующих пластических находок, эффектные световые (художники по свету — Е. Тихонин, А. Марков) и сценографические решения, присутствие трепетной идеи победы природы над человеком. Спектакль сложился во многом благодаря команде специалистов высокого класса и претендует на то, чтобы не быть забытым и проанализированным в будущем уже на профессиональной балетоведческой основе.



Считаю необходимым привести полное либретто Б. Каирбекова из программки к спектаклю, которое, несомненно, структурирует впечатление от вышепрочитанного, потому что балет А. Садыковой и либретто — это единое целое.

«ЖЕЛТОРАҢҒЫ ТУРАЛЫ АҢЫЗ» («ЛЕГЕНДА О ТУРАНГЕ»)

В древние века родилось эго удивительное дерево. В начале: как все живое, нежное и беззащитное. Туранга стала удобным домом для птиц, устроивших свои гнезда в уютных дуплах, подобных напевным отверстиям в свирели.

Страшным испытанием — почти смертельным — стало для нее наступление песчаных барханов. Подобно волнам моря, нахлынули они и погубили всю растительность в округе, и только Туранга выстояла, несмотря на свою кажущуюся хрупкость. В борьбе с песками она закалилась, обрела мощные корни, но ствол, прогибаясь под толщами песка, потерял свою тополиную стать. Но самой большой птицей, полюбившей Турангу, стал степной ветер. Покоренный ее стойкостью, ветер полюбил гостить в пышной кроне Туранги, смиряя свою мощь, навевая столь желанную в пустыне прохладу.

Полюбили Турангу и люди за ее тенистую приветливую сень, видя в стойкости дерева божественную силу. Но никогда не остаются ночевать под ним. Ибо помнят легенду о том, как…

…пришли в эти пустынные места добытчики, прослышав о ценном свойстве древесины туранги: посуда и сёдла, изготовленные из ствола туранги, не знали трещин, а высушенная на солнце древесина становилась необычайно крепкой. И принялись они рубить ветви туранг.

Застонала Туранга, не зная, как защитить себя от непрошеных гостей.

Настал вечер, и дровосеки отправились на отдых. Только один из них решил остаться ночевать под деревом.

Туранга навеяла на юношу страшный сон. Заметался пленник, не в силах открыть глаза. И увидел он себя рубящим турангу, и с ужасом понял, что из-под топора течет настоящая кровь, и узрел в изогнутом стволе девичий стан, услышал ее стон и бессильный плач.

Утром добытчики вновь взялись за топоры, но юноша бросился к ним, умоляя не рубить дерево, а довольствоваться уже срубленными ветвями. Но жадность людская не знает границ. Мощный ствол Туранги виделся добытчикам грудой золота, желанной наградой, которую им посулили торговцы. Они набросились на юношу и убили его, и вновь принялись рубить дерево. Вздыбились корни Туранги, выйдя из-под земли, а ветви принялись хлестать добытчиков. На помощь Туранге пришли птицы, лишившиеся своих гнезд и птенцов. Своими острыми клювами они выклевали глаза своим врагам. В слепой ярости добытчики, размахивая топорами, порубили друг друга.

А над бездыханным юношей склонилась безутешная Туранга, полюбившая своего храброго защитника. Слезы птиц окропили ее пораненные корни, заживили обрубленные ветви, и она вновь обрела былую мощь и красоту.

Но долгие годы плакалась Туранга, делясь своей болью от неразделенной любви с путниками, выбравшими ночлег под ее кроной. Протяжные стоны ее, согласно легенде, поселяли в душах спящих странников неизбывную печаль.

Перестали люди ночевать под ветвями Туранги. Поняла Туранга, что может и вовсе оттолкнуть от себя людей, и перестала жаловаться на свою судьбу. Гордая и сильная, она смирилась со своим одиночеством, по-прежнему противостоит песчаным натискам, служа тенистым оазисом путникам, радуясь пению птиц. Только степному ветру поверяет она свои протяжные песни, и он внимает им, затихая, раскачиваясь в ее гибких ветвях…

Вот почему прозвали казахи древо Туранга на свой лад «Желторанғы» — «Гнездовье ветра».

И только немногие знают, что, если кто из юных путников влюбится в ее красоту, она наделит юношу вдохновеньем. И однажды, став поэтом или музыкантом, они постигнут тайну ее корней — тайну любви, которая дарит Творцу бессмертие.

В статье использованы фотографии Асхата Нурекина.

=================================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22695
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Ноя 28, 2020 7:35 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112801
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Димо Милев
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| «Мне важно видеть на сцене именно людей»
Главное открытие Большого в этом сезоне, хореограф Димо Милев — о себе и своих балетах

Где опубликовано| © «Лента.ру»
Дата публикации| 2020-11-20
Ссылка| https://lenta.ru/articles/2020/11/20/milev/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Балет «Угасание»
Фото: Елена Фетисова / Большой театр


Этот балетный сезон Большой театр открыл уникальной премьерой — программой «Четыре персонажа в поисках сюжета». Спонтанную инициативу директор балета Махар Вазиев проявил в самый, казалось бы, неподходящий момент — началась пандемия COVID-19. «Переговоры начались где-то в середине мая, все было непонятно, — вспоминает Вазиев, — но когда 8 июня вдруг выступил Собянин, сказав, что с 9-го открываются репетиционные залы, вот тогда появилась надежда. А дальше, не буду скрывать, я обратился к нашим друзьям». Одну из главных ролей в рождении проекта сыграл Олег Дерипаска — и финансовую, и организационную, в том числе отправил за хореографами личный самолет. Общий счет четырех премьер со многими неизвестными оказался равным — две банальные постановки и две явные удачи. И это можно считать победой театра: ведь мировые премьеры гораздо престижнее и полезнее для любой труппы мира, чем перенос готовых спектаклей. К тому же малая форма практична — из удачных балетов можно составлять любые программы. Так сто с лишним лет назад и поступал великий Сергей Дягилев, успешно избегая заурядности. 24-26 ноября «Четыре персонажа в поисках сюжета» в Большом театре пройдут в том же составе, как и на сентябрьской премьере. Главное открытие «Четырех персонажей» — талантливый болгарин Димо Милев, автор балета «Угасание». Татьяна Кузнецова специально для «Ленты.ру» поговорила с постановщиком о том, как он начал учиться балету, как сбежал из социалистической Болгарии и почему на пятом десятке лет все еще считается «молодым хореографом».

Как вас занесло в Москву?

Димо Милев: Однажды поздно вечером, почти ночью, мне позвонил руководитель балетной труппы Большого театра. Я вообще-то подумал, что он ошибся, не к тому попал. А через месяц уже оказался в Москве.

Балет «Угасание», который вы поставили для Большого театра, совсем небольшой, 18 минут. Сколько времени вы его готовили?

Думаю, где-то месяц в зале. Мы же не знали точно, когда премьера будет.

Трудно было работать в незнакомой труппе? Для вас важны артисты, на которых ставите? То есть зависит ли ваша постановка от их возможностей, индивидуальностей или вы готовы любого обучить делать то, что вам надо?

Знаете, раньше мне нравилось самому все решать, я хотел, чтобы артисты выполняли задачи, которые я перед ними ставлю. Но потом это изменилось. Сейчас мне кажется, что мы на полпути — я иду к артистам, они ко мне. Иногда мне нравится дать танцовщику возможность развиваться в том ключе, в котором он двигается спонтанно. А иногда наоборот: артистам нужно, чтобы я точно, досконально и подробно рассказал все, что им нужно сделать. Так что по-разному бывает.

Две ваши две премьеры, которые прошли одна за другой, — «Угасание» в Большом и «Fusion some confusions» в знаменитой молодежной труппе Нидерландского театра танца (NDT-2) — по стилистике настолько не похожи, будто их ставили разные хореографы. Вероятно, вы как раз и применяли разные принципы: в NDT-2 давали артистам волю, а в Москве досконально и подробно показывали хореографию.

Вы совершенно правы. Но надо добавить, что я прекрасно знаю ребят из NDT, я два года с ними работал как репетитор. А в Большом театре я немного знал артистов-танцовщиков, но совсем не был знаком с ними как с людьми. И поэтому мне надо было готовиться к постановке гораздо основательнее.


Хореограф Димо Милев
Фото: NDT


И что вы узнали об артистах Большого как о людях?

Во-первых, они очень способные, они могут многое сделать — особенно Катя Крысанова и Маша Виноградова. Ну и Денис Савин, и Кристина Кретова. И еще я увидел, что они открыты ко всему новому, и это для меня было неожиданностью. Потому что я полагал, что встречу у классиков некое сопротивление. Но этого совершенно не было — их открытость очень помогла работе.

Вы сами, в сущности, классик — в Болгарии закончили хореографическое училище. Кто вас привел в балет?

Мама. Она была инженером, но всегда мечтала о чем-то художественном, творческом. И когда я был совсем маленьким, она привела меня в балетную школу.

А вы не возражали? Ведь в Болгарии в конце 1980-х преподавали по жесткой советской методике — только классика и ничего, кроме классики.

Я думал, что если мама меня туда привела, то, наверное, это правильно и хорошо. Первые годы у меня не было никакой внутренней связи с тем, что я там делал, и только спустя несколько лет мне действительно начало все это нравиться.

После окончания балетной школы вы довольно быстро сумели перебраться на Запад – поступили в Молодой балет Франции. Это была середина 1990-х, тогда с отъездом стало просто?

Совсем непросто. На самом деле это была большая удача, потому что я должен был отправиться служить в армию через два месяца после того, как закончил училище. Мне просто повезло: руководитель Молодого балета Франции увидел меня на балетном конкурсе в Варне, предложил контракт, и я тут же согласился, мгновенно.

То есть вы на конкурсе в Варне представляли Болгарию? Значит, были одним из лучших молодых танцовщиков и вас все равно собирались отправить в армию?

Ну да.

Вообще-то удивительно. Даже в СССР существовала отсрочка для артистов балета, тем более способных. Это было одной из сильных мотиваций для мальчиков — многие поступали в хореографические училища, чтобы не служить.

Раньше и в Болгарии было так, но в мое время все уже поменялось. Армейская служба стала обязательной, очень жесткой, и отслужить должны были все без исключения.

В Болгарию вы с тех пор так и не вернулись, работали в очень солидных труппах: в Балете Нанси у Пьера Лакотта, в Испании у Начо Дуато. Были солистом, танцевали огромный репертуар — от Баланчина и классики до самых авангардных авторов. А ставить начали только 11 лет назад. Почему так поздно?

Был очень занят — пытался быть хорошим танцовщиком.

Вот вам сейчас уже за 40, а вы все еще числитесь в «молодых хореографах». И, несмотря на очевидный талант, карьеру хореографа пока не сделали. Не обидно?

Мне было 33 года, когда я перестал танцевать. Я занялся очень многими вещами: стал давать мастер-классы, проводить семинары, ассистировать. Я не концентрировался на постановке хореографии, поэтому все так и получилось. Но мне кажется, такая жизнь намного богаче, чем если бы я занимался только постановками.

То есть для вас профессия хореографа лишь одна из многих?

Да, мне нравится работать и репетитором, и ассистентом хореографа, нравится и танцевать иногда, и преподавать. И мне кажется, что эти разные аспекты деятельности дают мне возможность лучше понять, как взаимодействовать с людьми — в принципе. К тому же мне всегда нужно время, чтобы подготовиться к той или иной работе. И для сочинения хореографии тоже нужно время. А его всегда не хватает.

На фестивале Дианы Вишневой «Контекст» вы давали мастер-класс, представив его как «мастер-класс для ума и тела, сфокусированный на том, чтобы раскрыть внешне то, что человек проживает внутри». Красивая фраза, но как это сделать технически?

Для этого, конечно, нужно время. Для того, чтобы понять и осознать себя как человека. Потому что у нас, артистов балета, есть определенные коды. Мы делаем вот так руками, так – ногами, это наш привычный набор для демонстрации чувств. Но часто эти коды могут быть чисто внешними, ничем не обеспеченными изнутри. И поэтому каждый день, даже повторяя одни и те же движения, мы должны учиться наполнять их смыслом.

Пина Бауш говорила: «Главное не в том, как человек движется, а в том, что им движет». А вот Баланчина раздражало, когда артисты выспрашивали, «что ими движет» — про чувства своих персонажей. Мне об этом рассказывал старейший танцовщик Юрий Зорич. Он все допытывался у Баланчина, что ощущает герой «Серенады», когда его ведет Ангел, как ему идти эту длинную диагональ. И мистер Би весьма холодно ответил: «Идите ровно». Ему был не интересен танцовщик-интерпретатор, ему была важна придуманная им точная форма — как исчерпывающая формула. А что вы ставите во главу угла?

Мне кажется, во многом это зависит от того, в какое время ты живешь. Может быть, Баланчину так важна была форма, потому что именно через нее он мог противопоставить свое искусство тому, что было раньше. Я сейчас чувствую себя ближе к Пине Бауш. Может, еще и потому, что сам уже старею: мне важно видеть на сцене именно людей, а не просто геометрию.

Я бы сказала — людей в предлагаемых обстоятельствах. Может, литературного сюжета в ваших спектаклях и нет, но вы позволяете зрителям придумать свой, подкидывая опору в музыке, в оформлении, в четком развитии отношений персонажей. В Большом театре «Угасание» вы поставили на музыку Энрике Гранадоса — композитора, который всю жизнь панически боялся моря, словно предчувствуя свою судьбу: он утонул, спасая свою жену. Ваш тихий интимный балет тоже полон тайного страха за близких, в нем чувствуется приближение надвигающейся катастрофы, много визуальных образов, связанных с водой: перекатов, наплывов, круговоротов. А в нидерландском «Fusion some confusions» артисты работают на квадратных платформах, которые становятся все меньше и меньше – это мир из-за пандемии сжимается до размеров комнаты?

Люди воспринимают этот балет именно так, меня многие спрашивали об этом. Отвечаю: нет, я задумал Fusion намного раньше начала пандемии. Но согласен: жизнь внесла в него свой незапланированный сюжет.

Если бы, учитывая ваше академическое образование, вам предложили поставить классический балет, вы бы заинтересовались?

Никогда об этом не думал. В основном потому, что люблю ставить собственные истории.

А как вы выбираете музыку?

По-разному. Иногда ставлю на готовые произведения, иногда работаю с композиторами над новой музыкой.

Махар Вазиев сказал, что после сентябрьской премьеры уже пригласил вас на новую постановку в Большой.

Да? Ну, пока ничего конкретного. Я знаю, что скоро у меня проект в Швейцарии, в Санкт-Галлене, потом в Сингапуре, между ними я планирую сделать несколько независимых проектов со своими друзьями.

Скажите, как выживают европейские труппы и хореографы во время пандемии? Ведь спектаклей-фестивалей нет, зарабатывать невозможно. Государство их поддерживает?

Во всех странах абсолютно по-разному. У меня есть друзья в Германии, которые получают по 5 тысяч евро, и друзья в Испании, которые не получают вообще ничего. Это полный… не знаю, хаос.

Но вы-то живете в Нидерландах, там всегда активно поддерживали современный танец, молодых хореографов.

Для независимых артистов все было совсем не так благополучно, как для компаний. А сейчас, во времена кризиса, субсидирование еще больше сократилось.

NDT-2 показал свою премьеру при пустом зале, зато любой желающий во всем мире мог посмотреть ее за 15 евро. Возможно, для компаний это наилучший выход? Тем более что и снимались эти спектакли с учетом трансляции — с подвижной камерой, крупными планами, иногда оператор входил в кадр. Вы, как автор, занимались и съемкой тоже? Курировали монтаж?

До начала мы обсуждали, что именно надо снять крупным планом, какие детали важно не пропустить, что лучше взять общим планом. Но потом, во время съемки и трансляции я этим уже не руководил, у них были свои специалисты.

Ну и как по-вашему — выигрывают ли спектакли от монтажа, от крупных планов, от активной камеры? Может быть, в этом вообще будущее современного танца?

Да будь у меня хоть двадцать камер и хоть десять самых талантливых операторов, я никогда не променяю это на живой нормальный спектакль со зрителями.

======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22695
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Ноя 28, 2020 8:57 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112802
Тема| Балет, Воронежский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Алексей Шелыгин, Андрей Петров
Автор| Татьяна Ткачева (Воронеж)
Заголовок| В Воронеже прошла мировая премьера балета "Продавец игрушек"
Где опубликовано| © Российская Газета
Дата публикации| 2020-11-28
Ссылка| https://rg.ru/2020/11/28/reg-cfo/v-voronezhe-proshla-mirovaia-premera-baleta-prodavec-igrushek.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Яркий спектакль для семейного просмотра поставили в Воронежском театре оперы и балета по роману Виктора Добросоцкого - известного экономиста, государственного и общественного деятеля.


Фото: Воронежский театр оперы и балета

Новогодняя сказка наверняка порадует детей и родителей понятным сюжетом, детективным и сентиментальным одновременно, и приятной "шлягерной" музыкой.

События "Продавца игрушек" разворачиваются в наши дни, так что классические пачки и пуанты соседствуют на сцене с шубами, полицейской формой, ботинками мэра и белыми халатами врачей. А главная героиня не только крутит фуэте, но и ходит на лыжах.

Волшебная история о том, как потомок русских князей, молодой француз Николя Берски отправляется на историческую родину искать дедушкины сокровища, изобилует сценами на злобу дня.

"Продавец игрушек", по признанию Виктора Добросоцкого, был написан под впечатлением от знакомства с потомком рода Барятинских, приехавшего в их усадьбу под Курском (сегодня в особняке работает вип-санаторий "Марьина роща"). Мужчина с подчеркнуто аристократическими манерами оказался продавцом супермаркета. Случайная встреча подсказала завязку приключенческого романа.

В последние годы он пользуется популярностью у режиссеров. По мотивам книги уже создан драматический спектакль в Вахтанговском театре, снят кинофильм с Пьером Ришаром. Композитор Александр Журбин сочинил на либретто романа мюзикл (пару лет назад поставленный в Ивановском музыкальном театре), его коллега Алексей Шелыгин - классическую оперу. Премьерный показ ее состоялся в ноябре 2019-го в столичной "Новой опере".

В Воронеже "Продавец игрушек" впервые сделался балетом. Музыку написал все тот же Алексей Шелыгин, один из самых востребованных современных композиторов. Его произведения звучат в массе фильмов и телесериалов (достаточно вспомнить "Бригаду", "Бой с тенью" и "Штрафбат").

- Оперную музыку очень сложно перенести в танцевальный спектакль, поэтому партитура для балета собиралась по кусочкам, совпадают только отдельные эпизоды, - пояснил дирижер-постановщик Данила Серганин.

Хореографию придумал художественный руководитель театра "Кремлевский балет", народный артист России Андрей Петров. Массовые танцы с участием "игрушек" позволили проявить себя молодым артистам Воронежского театра, партии князя Берского и профессора - раскрыть комедийный дар премьеров Михаила Ветрова и Максима Данилова.

Ценителям балета стоит посмотреть на спектакль в обоих составах, чтобы сравнить образы Николя в исполнении Ивана Негробова и бразильца Луиса Фернандо Да Силва Шавьера, Наташи - в версии двух воронежских прим Марты Луцко и Елизаветы Корнеевой.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22695
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Ноя 29, 2020 1:48 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112901
Тема| Балет, Проект «Большой балет», Бурятский театр оперы и балета, Персоналии, Харука Ямада, Эрдэм Сандаков
Автор| Юлия Ламажапова
Заголовок| «Камеры, репетиции, волнительные моменты с выступлений»
Артисты бурятского театра участвуют в проекте на федеральном канале.

Где опубликовано| © Ариг Ус
Дата публикации| 2020-11-29
Ссылка| https://arigus.tv/news/item/149925/
Аннотация|



На телеканале «Культура» открылся новый сезон масштабного конкурса «Большой балет». В число участников вошли и артисты Бурятского государственного академического театра оперы и балета им. Цыдынжапова 26-летняя Харука Ямада и 20-летний Эрдэм Сандаков. О пути к нелегкому искусству и о том, как они попали в престижный проект.

Из ринга к станку

Поездка на конкурс в Москву для Эрдэма и Харуки оказалась как глоток свежего воздуха. Камеры, репетиции, волнительные моменты с выступлений – там было всё, по чему изголодались настоящие артисты.

- Я вообще был в шоке. Когда учился в колледже, в общежитии смотрел по телевизору сезоны проекта. И никогда не мог представить, что сам там окажусь. Даже не задумывался об этом. И мне говорят, что мы едем туда. Сначала я обрадовался, а потом испугался. Все эмоции испытал, – рассказывает о своих переживаниях Эрдэм.

Молодой человек работает в Бурятском театре оперы и балета третий год и задействован почти во всех спектаклях. А начиналась его балетная история совсем не творчески. До 4-го класса юноша учился в селе Шибертуй Бичурского района. По совету родного дяди, солиста театра Булыта Раднаева мальчик поступил в Бурятское хореографическое училище им. Л. Сахьяновой и П. Абашеева. И хотя до этого Эрдэм успешно занимался боксом в сельском клубе и даже завоевывал спортивные награды, он целиком доверился мнению родственников.

- Дядя и его жена, балерина Вероника Степанова, с детства наблюдали за мной, пытались понять, получится ли из меня артист балета. Хотя я был толстенький, они не придавали этому значения. Знали, что физические упражнения вернут форму, – рассказывает юноша.

Из десяти остались только трое

Эрдэм поясняет, что для балета очень важны физические данные – гибкость, выносливость и высокий подъем стопы.

- Когда вытягиваете ногу, она должна выглядеть как игла, стрела. У некоторых людей не вытягивается полностью, внешне будто топорик, – говорит он.

К тому же обязателен музыкальный слух. При поступлении в училище педагоги-концертмейстеры проверяют его наличие у абитуриентов. Ведь в течение четырех лет студенты дополнительно осваивают игру на фортепиано.

В общей сложности Эрдэм учился 12 лет: 5 балетных классов и три курса после их окончания. В будние дни начинающий танцор жил в общежитии, на выходные уезжал к дяде, а на каникулы домой в деревню.

Первые месяцы повышенная физическая нагрузка давалась тяжело. Кроме репетиций, никто не отменял общеобразовательные предметы. Уроки в первые годы начинались в 8.30 утра и длились до 16 часов. Когда стали постарше, учились уже до 19-20 часов. А в день репетиций студенты уходили еще позже. Благо, общежитие находилось в десяти минутах ходьбы.

К жесткому режиму привыкнуть смогли не все. В начале учебы в классе Эрдэма было десять мальчиков, до конца дошли лишь трое.

- Это искусство не для всех. Но у меня не было мысли бросить. Не то чтобы я в восторге был, просто у меня получалось. Надо выдержать, – объясняет он.

Педагог Евгения Волкова три года обучала юношу азам классического балета. Прыжкам и прочим серьезным техническим моментам Эрдэма учил Сергей Ремишевский. После ученик перешел под крыло Юрия Муруева, у которого занимается и по сей день.

До проекта Эрдэм танцевал в театре два с небольшим года и в основном участвовал в кордебалете, исполнял корифейские роли. Однако уже в первый год во время гастролей на приморской сцене Владивостока ему доверили роль Дитриха в «Лебедином озере».

- Новичку исполнять сольную партию очень ответственно. Я был в паре с Евгенией Цыреновой. Хорошо, когда опытный партнер может подсказать, напомнить, справиться с волнением, — рассказывает юноша.

Репетиции в театре проходят ежедневно, отдых у артистов – по графику. В понедельник, тяжелый день для простых горожан, они наслаждаются досугом. А в привычные для всех выходные дают спектакли.

К ним готовятся тщательно. Сначала репетируют отдельные партии, затем соединяют в единое целое. В день представления проводится генеральная репетиция, по утрам всех обзванивают, чтобы не было «сюрпризов».

Высшее искусство

На одной из таких репетиций к молодому артисту подошел художественный руководитель Баярто Дамбаев и попросил видео и фото выступлений юноши. Для чего — не уточнил. Спустя какое-то время сообщил, что они с японской балериной Харукой Ямада участвуют в конкурсе «Большой балет».

С собой пара привезла шесть номеров. На момент подготовки публикации показаны два из них – «Ангара» и «Талисман». Высокое жюри тепло приняло бурятских танцоров в гостях. Некоторые члены коллегии удивились, что в сибирской глубинке существует театр классического балета. Хотя народный артист России Фарух Рузиматов в прошлом году приезжал с гастролями в Улан-Удэ и отметил достойный уровень бурятского театрального искусства.

Между тем Эрдэм вспоминает, как во время учебы в училище пересматривал любимые постановки: «Корсар», «Дон Кихот», «Баядерка» и «Бахчисарайский фонтан» и даже не мечтал в них участвовать. По его словам, балет — высшее искусство, потому что это тяжёлый труд.

- Он сложен тем, что нельзя объяснить мысли словами. Мы доносим их до зрителя эмоциями, движениями, жестами. Это красота. Здесь, как в гимнастике, надо делать чисто. Техника очень важна, – рассуждает участник престижного балетного конкурса.

Мечта о классическом балете

Балерина Харука Ямада родом из японского города Хёго, что находится неподалеку от Осаки. Девочка с двух лет занималась танцами и гимнастикой, но тогда ещё не подозревала, что станет артисткой балетного театра.

До 17 лет Харука с утра до вечера училась в обычной школе, а затем спешила на занятия хореографией. Получив стандартное образование, она переехала во Францию, где поступила в Парижскую высшую национальную консерваторию музыки и танца.

- Я мечтала танцевать чистый, классический балет, но на Западе он современный, неоклассика, – рассказывает девушка о причинах возвращения из Европы в Японию.

Позже Харука на год улетела в Нью-Йорк, но американское искусство также не устроило балерину.

На одном из танцевальных конкурсов в Японии в жюри присутствовал художественный руководитель бурятского театра Морихиро Ивата. Он и пригласил девушку в Улан-Удэ в качестве стажёра.

Холод, смешение народов и буддизм

Харука говорит, что японская семья о Бурятии ничего не знала, только Байкал был на слуху. Родные боялись отпускать девушку в холод и неизвестность, к незнакомому народу. Родители, зная о мечте Харуки стать балериной, смирились и отпустили дочь. Хотя по-прежнему скучают и периодически просят приехать обратно.

- Но Морихиро Ивата рассказал, что люди здесь теплые, смешение русских и бурят интересно. И что популярен буддизм. Поэтому не боялась. Меня волновали только морозы. Кстати, пожив здесь, минус 18 казались уже не такими холодными. Город маленький, за день обошла. Очень понравился театр, – делится японка первыми впечатлениями о Бурятии.

Первый год Харука училась классическому балету, танцевала в массовых сценах и не получала зарплату. Жила на заработанные в Японии средства. Когда девушка рассказала родителям о проекте, они не могли понять, для чего она едет в Москву. В Японии нет подобных аналогов – программ, посвященных балету. Узнав, что дочь будут показывать по телевизору, они обрадовались за её успехи и теперь внимательно следят за выступлениями Харуки в интернете.

В планах японской девушки продолжать работать и учиться.

- Мне нравится атмосфера и традиции академического театра русского классического балета. Очень ценю, уважаю наших педагогов, – заключает Ямада-сан.

==================================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22695
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Ноя 29, 2020 1:58 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112902
Тема| Балет, Фестиваль «Видеть музыку», Театр оперы и балета Республики Саха (Якутия), Премьера, Персоналии, Екатерина Тайшина
Автор| Кюннэй Еремеева
Заголовок| Екатерина Тайшина рассказала о московской премьере своего нового балета
Где опубликовано| © Yakutia-Daily.ru
Дата публикации| 2020-11-29
Ссылка| https://yakutia-daily.ru/ekaterina-tajshina-rasskazala-o-moskovskoj-premere-svoego-novogo-baleta/
Аннотация| Фестиваль, Премьера



16 ноября в Москве на фестивале музыкальных театров «Видеть музыку» состоялся премьерный показ балета Екатерины Тайшиной «Платформа. История одного вокзала». О репетициях в пандемию, синтезе классики с современным танцем и слезах в зале.

– Чудесный спектакль, – сказал о нем организатор фестиваля, президент Ассоциации музыкальных театров, художественный руководитель Московского детского музыкального академического театра имени Наталии Сац Георгий Исаакян. – Мне очень нравится стилистика, мне очень нравится труппа, мне очень нравится атмосфера. Мне нравится, что наши коллеги ищут какие-то новые пути.

Впечатления зрителей: «Я вчера плакала с первых минут. Надеюсь, ещё много зрителей будет у постановки. Так приятно видеть, что театр развивается», «Идея интересная! Постановка хореографии блестящая!»

Екатерина Тайшина – автор и идеи, и либретто, сама подбирала музыку и занималась постановкой:

– Это человеческие истории: первая из них относится к концу ХIХ века, потом – Великая Отечественная война и далее – до той эпохи, в которой живём мы, но при этом все они – вне времени, близки и понятны всем.

По жанру балет «Платформа. История одного вокзала» – неоклассика, то есть синтез классики с современным танцем.

Конечно, перед тем как представить свой балет искушённой московской публике, она переживала, тем более что готовиться к премьере пришлось в беспрецедентной обстановке:

– Я работала с тремя составами, ведь сейчас в любой момент может выбыть один человек, второй… Но на фестивале в Москве танцевал первый состав – перед отъездом мы сдавали анализы, и у всех они оказались отрицательными.

Несмотря на связанные с этим волнения, артисты выступили очень хорошо, а это драматический спектакль, и кроме хореографии, важно было показать именно актерское мастерство. У них получилось сделать это искренне, и люди в зале плакали.

Задействованы в нём и наши звёзды, и недавние выпускники – Сарыал Афанасьев, Юлия Мярина, Павел Необутов, Никита Рогов… Почти треть труппы.

На премьере в Якутске – правда, я не знаю, когда это произойдет — хотелось бы показать все три состава.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22695
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Ноя 29, 2020 5:51 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112903
Тема| Балет, ГАТОБ имени Абая, Премьера, Персоналии, Гульжан Туткибаева, Вячеслав Окунев, Вильям Орланди
Автор| Гульзат Сахова
Заголовок| Новую версию балета «Корсар» представили на сцене ГАТОБ имени Абая
Где опубликовано| © МИА «Казинформ»
Дата публикации| 2020-11-27
Ссылка| https://www.inform.kz/ru/novuyu-versiyu-baleta-korsar-predstavili-na-scene-gatob-imeni-abaya_a3724076
Аннотация| Премьера



Казахский государственный академический театр оперы и балета имени Абая представил премьеру новой версии красочного балета на приключенческую тему из жизни корсаров, передает корреспондент МИА «Казинформ».

Балет «Корсар» - считается яркой жемчужиной в копилке мировой музыкальной классики. Наравне с другим знаменитым произведением Адольфа Шарля Адана, балетом «Жизель», входит в золотой фонд мирового балетного репертуара, в основе которого лежит либретто одноимённой поэмы Байрона.

Над созданием новой версии балетной постановки в современной хореографической обработке работала главный балетмейстер-постановщик, народная артистка РК Гульжан Туткибаева. По словам хореографа, новая версия отличается, в первую очередь, новой сценографией, новыми костюмами и музыкальным материалом.

«Конечно, есть те фрагменты, которые считаются классическими. Но есть такие танцевальные фрагменты, которые не шли раньше в нашей старой версии. Сейчас присутствует много танцевальных мизансцен. Хотелось больше неприливных действий, чтобы не было скучно зрителю. Те ключевые танцевальные фрагменты, которые считаются мировой классикой они остались в неизменном виде. Это па-де-де, различные вариации, танец в оживленном саду, танец корсаров и все это было сделано в моей редакции, как хореографа. Мы действительно сделали свой спектакль, который подходит нашей труппе», - рассказала Гульжан Туткибаева.

Для ценителей балетного искусства премьера новой версии «Корсар» полна масштабным романтическим полотном, авантюрными приключениями с обилием мастерски построенных массовых сцен и ансамблей.



«Последнее творение Адольфа Адана «Корсар» ставится на сцене ГАТОБ им. Абая в преддверии 165-летия со дня премьеры балеты. Ранее «Корсар» шел на сцене ГАТОБ в период с 1996 по 2006 гг. Однако, это была не новая постановка, а перенесенная версия Новосибирского государственного академического театра оперы и балета. Спектакль со всеми декорациями, костюмами, световым и музыкальным решением, а самое главное в хореографии Владимира Владимирова, художественного руководителя балета был передан в дар нашему театру. В тяжелые годы перестройки, такой подарок считался большой роскошью. Постепенно, по причине полного износа декораций и костюмов (спектакль был передан в дар новосибирцами после нескольких лет эксплуатации на сцене) постановка была снята с репертуара, хотя всегда собирала зрительские аншлаги», - рассказала директор ГАТОБ им. Абая, заслуженный деятель РК Ая Калиева.

Дирижером-постановщиком симфонического оркестра ГАТОБ им. Абая выступил Ерболат Ахмедьяров.

«С момента первой постановки «Корсара» прошло больше ста лет и постановок было очень много. Их основу составляла музыка Адольфа Адана, оркестрованная самим автором, а также фрагменты написанные другими композиторами - Минкусом, Дриго, Дворжаком, Чайковским, Корнблитом и другими. В мире существует около 4-5 вариантов оркестровок балета «Корсар». В новой постановке мы попытались добиться более интересного звучания оркестра. Изюминкой нашей версии является вставной номер для музыкального антракта, в котором мы использовали увертюру к опере Адольфа Адана «LaPoupeedeNuremberg» («Нюрнбергская кукла»). Уверен, что новая постановка балета «Корсар», станет ярким событием в культурной жизни нашего любимого Алматы, ведь это для нас долгожданная премьера года», - рассказал Ерболат Ахмедьяров.

Ведущие солисты балетной труппы театра воплотили на сцене историю корсаров. Захватывающий сюжет балета развивается динамично и зрелищно.

«Корсар» - это романтический, приключенческий балет. Моей задачей была поставить динамичный, живой, красочный, захватывающий, современный спектакль. Мы хотим, что бы зритель почувствовал себя неотъемлемой частью действия, и ему захотелось оказаться внутри этого спектакля. Костюмы к балету создал народный художник России Вячеслав Окунев. Как всегда, они отличаются своим неповторимым стилем. Сценографию разработал итальянский художник Вильям Орланди. Его замысел несёт в себе совершенно другое, непривычное для нас построение декораций, особенностью которых является их движение во время действия. Мы также применили видеоконтент, который дает ощущение настоящего моря. Это придаст спектаклю новое ощущение сценического пространства и динамику», - поделилась Гульжан Туткибаева.

Долгожданная премьера балета «Корсар» на большой сцене ГАТОБ имени Абая пройдет уже в эти выходные.

========================================================================
ВСЕ ФОТО и ВИДЕО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22695
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Ноя 29, 2020 9:25 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020112904
Тема| Балет, Государственный академический театр танца Республики Казахстан, Премьера, Персоналии, Булат Аюханов
Автор| Дамир Уразымбетов
Заголовок| Египетская мозаика Булата Аюханова
Где опубликовано| © интернет-журнал о хореографическом искусстве Казахстана
Дата публикации| 2020-11-29
Ссылка| https://qazaqballet.kz/main_articles/egipetskaja-mozaika-bulata-ajuhanova/
Аннотация| Премьера

«Профиль решает все. Анфас можно подукрасить». Эта цитата из книги «последнего из могикан» Булата Аюханова как нельзя лучше подходит тематике выбранного им сюжета для своего нового творения. Продолжение премьерного «бума» в хореографическом искусстве Казахстана 26 ноября 2020 года ознаменовано показом Государственным академическим театром танца Республики Казахстан балетной оперы «Аида-сюита».



Мэтр взял высокую планку — в вольной (по его выражению) интерпретации музыки Дж. Верди либретто А. Гисланцони он, молчаливо ссылаясь в названии на «Кармен-сюиту», создал свою лаконичную драматически насыщенную историю любви Аиды и Радамеса. Хотя сюжет оперы, отпраздновавшей в этом году 150-летие, достаточно сложный и адаптировать его для балета не каждый сможет. Не в первый раз он обращается к оперному жанру. Когда-то Аюханов ставил и «Онегина», и «Татьяну», и «Даму с камелиями». В прошлом году он создал блестящую балетную оперу «Пиковая дама». Вспомним и знаменитую транскрипцию «Кармен-сюиты», которую одним из первых казахский балетмейстер поставил через два года после кубинского коллеги. Нельзя, к слову, не заметить, что диапазон композиторов, к которым обращается Аюханов обширный и многогранный. Ему подвластна музыка многих, порой даже не «танцевальных» произведений.

Теперь же в жанре балетной оперы Булат Аюханов поставил спектакль на тему египетских фараонов и жриц (ассистент М. Касымов). Если в прошлогодней «Пиковой даме» балетмейстер местами-таки иллюстрировал пение (музыкальный материал спектакля представляет собой мастерски сделанную компиляцию из аудиозаписи оперы в исполнении М. Каллас), то в этот раз он прибегнул к условному метафорическому воплощению чувств и эмоций героев. Жанр балетной оперы неминуемо сложен, но безусловно актуален, и эта небывалая смелость и творческая раскованность поражает (уже которое десятилетие подряд) в Аюханове.


А. Мукашева (Амнерис) и А. Жаксылыкова (Аида)

Известный многим аюхановский хореографический стиль в постановке движений с мелкой техникой, гран батманами, насыщенным музыкальным танцем, прямоугольными рисунками узнаваем, но в «Аиде-сюите» явственно ощущается свежесть, незашоренность лексики и, безусловно, рука мастера, мыслящего масштабно и структурно. Он развивает и осмысляет до логического конца образы и сюжеты, выстраивает законченную композицию в полной гармонии с музыкальной драматургией. Ему, захаровскому ученику, всегда были интересны сюжет и драма. Египетская мозаика Аюханова увлекает, хотя сегодня нелегко увлечь клипово мыслящего зрителя. Мэтр всегда успешен в этом. Это секрет его театра.

Богатство хореографической лексики всегда у Аюханова настолько велико, что декорации уже играют малую роль. Но в этот раз балетмейстер решил применить проекцию. Мгновенное погружение то в тронный зал, то в подземелье, то в берега Нила стало ненавязчивым (а значит весьма уместным) дополнением к идее спектакля. Мастер эффектен в использовании хореографической полифонии, в развертывании сюжета. Драматичные пластические откровения в соло-монологах Аиды или Радамеса, завязывание и развитие дуэтов-диалогов Аиды и Амнерис или же Аиды и Радамеса — представляют собой восхитительное празднество хореографической и сюжетной композиции. Казалось бы, что ставить «профильный» танец — непросто, но Аюханов не становится заложником египетских фресок и силуэтов — не забывая их, он свободно разрабатывает лексику и в профиль, и анфас. Танцующие альмеи, фараон, жрецы, рабы — все логично, зрелищно, захватывающе и пикантно.


А. Мукашева (Амнерис) и М. Касымов (Радамес)

Главные партии исполнили солисты театра Абылай Тулеев (Фараон), Айнур Мукашева (Амнерис, дочь фараона), Мади Касымов (Радамес, начальник дворцовой стражи), Даулет Ыбышев (Амонасро, царь Эфиопии, отец Аиды), Аида Жаксылыкова (Аида, эфиопская рабыня. Поговаривают, что именно для оперы Дж. Верди французским египтологом О. Мариетом было придумано это имя и после стало распространенным), Жанар Кушербаева (Альмея), Санжар Амиров (африканский танец), жрицы, жрецы, египтяне, военачальники, солдаты, рабы, пленные эфиопы — артисты балета ГАТТ РК. Актеры играют, живут в образах, ведут за собой. Будь то монолог или диалог главных героев балетной оперы. Им действительно сопереживаешь. Особенно ближе к концу, когда артисты «разошлись» и «в полную ногу» вещают историю любви в знаменитом трепетном дуэте Аиды и Радамеса, о котором Ф. Верфель писал «О, спокойная, непобедимая печаль сильных сердец перед неотвратимым». «Ведь никого нет тебя роднее», — говорят они друг другу, заключая «Аида-сюиту».


А. Жаксылыкова (Аида) и М. Касымов (Радамес)

Невзирая на впечатляющий бэкграунд, балетмейстер по-прежнему творчески не удовлетворен, жаден до нового, открыт экспериментам и верен традициям. Он до сих пор волнуется перед каждой премьерой. Это видно и слышно в его знаменитых спичах перед началом спектаклей. Булат Аюханов — это человек с вдохновляющим стремлением к искусству. Его энергия неиссякаема и созидательна. Каждый новый день мэтра начинается с полета фантазии и мысли о самых близких — его артистах и его театре, которым он посвятил всю свою жизнь. Так было и будет всегда.

Фото предоставлены пресс-службой ГАТТ РК.
==========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22695
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Ноя 30, 2020 11:03 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020113001
Тема| Балет, МТ, гастроли, Персоналии, Алексей Ратманский
Автор| Лейла Гучмазова
Заголовок| Тур во время чумы
Мариинский балет выступил в «Зарядье»

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №219/П от 30.11.2020, стр. 11
Дата публикации| 2020-11-30
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/4593004
Аннотация|


Балет «Дафнис и Хлоя» Владимира Варнавы сиял малобюджетным гламуром
Фото: Александр Шапунов


Мариинский театр показал в «Зарядье» два вечера балета. Даже при соседстве с густой симфонической программой придуманного Валерием Гергиевым II Международного музыкального фестиваля «Зарядье» и сокращении публики до 25% балетные гастроли выглядят полноценным пиром во время чумы. Рассказывает Лейла Гучмазова.

Три балета Алексея Ратманского сделаны в разное время в разных местах, но, собранные в один вечер, выглядят выставкой достижений одного автора. Герой-хореограф здесь разный: романтик в «Семи сонатах», невротик в «Лунном Пьеро», эстет «Concerto DSCH». Все эти образы еще и отличный способ представить балетную труппу Мариинского, затененную Мариинским оркестром с оперой и вздохами, что лучшие времена питерского балета прошли или еще не настали. Труппа всегда воспринимает поездки в Москву как экзамен, и даже при снижении гастрольного градуса до 25% зрителей ей надо было показаться в лучшем виде. Ради этого Мариинский выставил весь обновленный штат, в том числе малоизвестных Москве молодых.

«Семь сонат» Доменико Скарлатти дали им такую возможность. Поставленные в 2009 году для Американского театра балета «Сонаты» появились в Мариинском пару месяцев назад. Они легки и логичны, как балетная неоклассика, где можно получать удовольствие от формы, темпа, гармонии, а смысловые акценты спрятать так деликатно, что их не сразу заметишь. Каждой триольке равна заноска, каждому вежливому крещендо — сближение пар. В «Сонатах» нет резких эмоций — обманчивая гладкость рисунка, как и виртуозность, кроется в деталях. Если кабриоли, то без лихого припечатывания, если туры, то без натужности. Этот подход Ратманский предпочитает со времен «Прелестей маньеризма» конца 1990-х, и с той поры он стал только изощреннее и мудрее. В тексте подсветилось качество исполнения — от мягко уверенной в себе Екатерины Кондауровой до чудной Маши Хоревой, тоненькой, трепетной, очень нежной и легонько заносящейся от туров. А еще «Сонаты» повторили подходы давнего «Поцелуя феи» Ратманского по части преданности искусству: в тексте проглядывают приветы классическим вилисам, музам «Аполлона» и девушкам «Серенады» Баланчина.

35-минутного «Лунного Пьеро» Арнольда Шёнберга Ратманский ставил почти десять лет назад для храброй Дианы Вишнёвой, и Москва не раз могла его оценить. Поскольку в балете нечасто жалуют нововенцев со всей их додекафонией и серийной техникой, «Пьеро» по заслугам прослыл интеллектуальным. Он выглядит не только как изощренный контрапункт к партитуре и нерву времени, но и как парафраз адажио Авроры с четырьмя кавалерами из «Спящей красавицы». Разве что кавалеров тут трое (Кимин Ким, Александр Сергеев, Роман Малышев), и они поперек всякой галантности забывают о своей героине (Рената Шакирова). На этот опус легко накладываются современные проблемы гендерных трений. С одной стороны, живучая модель обожания прекрасной дамы, все как при бабушке. С другой — нахлест собственных эмоций у каждого Пьеро, когда хочется объективации и обладания, но не хочется умножения проблем. Впрочем, героиня не выдерживает идеологического груза, проигрывая в эмоциях как минимум Кимину Киму и, конечно, уступая первой исполнительнице.

После ахроматизма «Семи сонат» и «Лунного Пьеро» идущий финальным «Concerto DSCH» (тоже Американский театр балета, 2008 год) — просто взрыв эмоций. Во-первых, Шостакович, пронимающий даже на четверть полный зал. Во-вторых, хлестнувший оркестр Валерий Гергиев, балет слегка презирающий, но терпящий ради Моцарта, Шостаковича и погоды в доме. Ну и сам Алексей Ратманский, сгустивший в «Concerto DSCH» свой самый недооцененный балет «Болт». Здесь запакованы все его плюсы: экспрессивность формы, открытость цвета, музыкальность и бешено красивый балетный конструктивизм. Плюс великое отечественное ноу-хау 1920-х годов — «танцы машин» с их синхроном и наивной жаждой роботизации. Парни в комбинезонах, как шестеренки, и девушки в косынках, как фонтан ВДНХ, рассыпаются по сцене «Зарядья» в решительных прыжках строителей нового, где целеустремленность — наше все, особенно на гастролях в Москве.

Рядом с этим полным жизни вечером следующий показался искусственным. 50-минутный балет «Дафнис и Хлоя» Мориса Равеля, год назад сделанный в Мариинском Владимиром Варнавой, блистал гламуром с первого до последнего шага. Артисты в офисных двойках с черепами козлотуров на головах важно ходили, обсиживали дизайнерские стулья на авансцене, стучали пластмассовыми розами, укладывались на пол с могильными плитами. На лирической теме кратко сказали «бе-е-е», на пиано спустили штаны при деликатно опавшем свете, но, постояв, окончательно снимать их раздумали. Было и хорошее. Когда передавали приветы «Послеполуденному отдыху фавна» Нижинского или на высоких четвереньках со скорпионьи торчащими конечностями шли вдоль сцены. Сзади, за частоколом прутьев, оркестр во главе с Гергиевым, ни на что не отвлекаясь, занимался сугубо Морисом Равелем, и ради этого можно было пересидеть зрелище, убеждаясь, что при всей пестроте афиши слухи о смерти Мариинского балета преувеличены.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Дек 02, 2020 6:29 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22695
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Ноя 30, 2020 2:59 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020113002
Тема| Балет, Проект «Большой Балет», Персоналии, Денис Матвиенко
Автор| Беседовала Дженнет Арльт
Заголовок| Денис Матвиенко — о балете, семье и «солнечной» философии
Где опубликовано| © Телеканал Культура
Дата публикации| 2020-11-30
Ссылка| https://tvkultura.ru/article/show/article_id/373085/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Фото: Вадим Шульц

Проект «Большой Балет» уже перешагнул за экватор: всего несколько выпусков — и будут известны имена победителей. А пока телезрители болеют за своих фаворитов, мы беседуем с одним из членов жюри проекта — приглашенным солистом Михайловского и Мариинского театров, заслуженным артистом Украины, лауреатом международных конкурсов Денисом Матвиенко. Три месяца назад он начал преподавать в Академии русского балета имени Вагановой. В своем интервью Денис рассказал о новой деятельности, о главном качестве хорошего танцовщика и тех участниках «Большого балета», которые произвели на него особое впечатление.

— Преподавание в Академии имени Вагановой — это первый опыт педагогической деятельности в Вашей жизни?

Денис Матвиенко:
С детьми — да. Сейчас я являюсь доцентом Академии русского балета имени Вагановой. Веду урок классического танца у мальчиков пятого класса и дуэт у второго курса. А так, если учитывать, что десять лет назад я стал художественным руководителем балета Национальной оперы Украины и после этого Новосибирского театра оперы и балета... Естественно, я работал как педагог, давал классы.

— Ваши ощущения от работы с детьми?

Д. М.:
Ох, сложно. Дети — это энергетические вампиры (смеется). Они не так подготовлены, как взрослые артисты, приходится всё разжевывать, по десять, по миллион раз всё повторять. Но мне кажется, что дети наиболее отзывчивые. Они очень ждут каждого замечания, и я вижу, что я для них, наверное, тот человек, который в какой-то мере определяет их судьбу. Ведь я даю хоть и не начальную базу, но тем не менее базу классического танца и дуэтного. И я с удовольствием это делаю. У меня большой багаж разных школ, разных стилей — московская школа (Большой театр), питерская (которая немного отличается) и начальная киевская. В общем, где я только не танцевал! И в какой-то момент меня просто стало разрывать от этого багажа, мне хотелось быть полезным. И это какая-то новая история про меня. Потому что все знают Дениса Матвиенко как артиста, знали как художественного руководителя, а теперь — педагога.

— Теперь, несмотря на Вашу внешность, Вы стали кем-то вроде патриарха, который хочет поделится этим богатым опытом?

Д. М.:
Ха-ха, нет, не патриархом. Знаете, ещё большой плюс в том, что я, скажем так, танцующий педагог. Я был и танцующим руководителем. Мог обучать не только на словах, но и на деле. Я также сам периодически занимаюсь со своими детьми, это полезно и для меня, и для них.

— То, что Вы начали заниматься с детьми, не значит окончание Вашей танцевальной карьеры?

Д. М.:
Окончание моей танцевальной карьеры я планировал ещё лет пять назад, когда приступил к руководству в Новосибирском театре. Тогда и по жизни так сложилось, и травм было много, и я думал, что достаточно натанцевался, и я действительно достаточно натанцевался. Я могу уйти хоть завтра, и не буду скучать по сцене, честно скажу. Естественно, какие-то роли, которые я хотел, не сделаны, но я думаю, что ни один танцор, заканчивая карьеру, не будет удовлетворен. Я к этому очень философски отношусь.

Но тем не менее я продолжаю танцевать, у меня спектакли в Михайловском, Мариинском театрах, так что приходится как-то двигаться. В общем, живот пока не отрастить. Я жене обещал, что я буду как Брэд Питт. Поэтому даже когда нет работы, я всё равно хожу в зал, занимаюсь, поддерживаю форму. Хочется подольше быть красивым. Время никого не щадит.

— Во многих Ваших интервью чувствуется тоска, что Вы не очень много времени проводите с собственными детьми.

Д. М.:
Это да, так было раньше. Но недавно закончился мой контракт в Новосибирском театре оперы и балета, и я решил не продлевать его, потому что семья в Санкт-Петербурге. Меня дети не видели практически. Но сейчас всё изменилось.

— Во время карантина были с семьёй? Насладились моментом, о котором так мечтали?

Д. М.
: Абсолютно! Провёл это время с семьёй. Мы честно отсидели полтора месяца с середины марта. Было немного сложно, ведь дети маленькие. Одной семь лет, второму — год. И Вы, конечно, представляете, что творилось дома. Но мне было хорошо. Во-первых, от меня все отстали. Раньше постоянно кто-то звонил, писал, всем от меня что-то было нужно. Я как человек воспитанный, всегда стараюсь каждому уделить внимание, ответить, но уже просто устал. Вообще история с пандемией перевернула весь мир, много что изменилось. То, что не нужно — отпало, и слава богу, никто не пристаёт, и я очень счастлив.

— То есть Вы из пандемической ситуации выходите с положительным опытом?

Д. М.:
Да, точно. Но я вообще положительный человек, оптимист. Я считаю, что во всём нужно какие-то позитивные вещи искать.

— Вы постоянно пребываете в каком-то солнечном настроении и полны оптимизма, это сразу бросается в глаза.

Д. М.:
Да, я когда пришёл в киевский театр работать (я пришёл, учась на третьем курсе, с семнадцати лет я уже танцевал спектакли), меня все называли солнышком. Я как-то всех любил. Конечно, со временем, работая в театрах, встречаешь разных людей. И иногда ты чересчур открыт (а я открытый человек). И получаешь за это, и начинаешь меняться в другую сторону. Но не подумайте ни в коем случае, я не жалуюсь. Вообще моя покойная мама, знаете, она отбила чувство жалости вообще.

— Каким образом?

Д. М.:
Розгами! Ха-ха. Я шучу. Она воспитывала. К сожалению, папа мой, покойный тоже, мало занимался семьёй и детьми, в основном мама. И она была за маму, и за папу. Хотела, чтоб сын вырос мужчиной. За что я ей очень благодарен.

— У неё это получилось? В смысле женщина может вырастить настоящего мужчину?

Д. М.:
У неё это получилось, я считаю. У меня сын, ему сейчас год и семь месяцев и даже моя жена говорит, что я слишком строг с ним. Я порой действительно себя торможу, но мне хочется, чтоб он был мужиком.

— Вы — за строгое воспитание?

Д. М.:
Я за справедливое воспитание. Хочу, чтобы сын вырос сильным человеком. Если брать хронологию истории, всего человечества, мужчины были созданы для того, чтобы воевать, охотиться, семью свою охранять. Мы должны быть именно такими.

— Возвращаясь к этому солнечному оптимизму, это встроенная опция или приобретённая?

Д. М.:
Я думаю, что это врождённое. Потому что я смотрю на свою дочь, и она очень похожа в этом на меня. Я даже иногда говорю жене, что ей будет нелегко с этим оптимизмом по жизни, потому что когда-то я по голове получал за свою доброту. Не сразу понимаешь где свет, а где тьма.

— Скажите, вот Вы родились в танцевальной семье. У Вас был какой-то другой выбор?

Д. М.:
Я занимался футболом, довольно неплохо, пока меня не отдали в Киевское хореографическое училище. В училище меня отдали наверное просто потому, что... Вот я сейчас как родитель понимаю. Моя дочь рисует, ходит в музыкальную школу, занимается танцами. Она вообще способна к творчеству. Это генетически. Я понимаю, что это гены. У неё это получается лучше, чем у других, она уже в четвёртом поколении танцует. Гены, я действительно теперь верю, что существует такое понятие. Я понимаю, что если её отдать в Академию, то это значительно облегчает жизнь родителям, потому что у ребёнка хорошие данные и она сможет успешно реализоваться. Это облегчает мне задачу как отца. Может она смогла бы стать великолепным доктором, но тогда мы могли бы пропустить момент, когда она могла бы стать хорошей балериной. Поэтому я думаю, что мои родители пошли по более лёгкому пути. И не прогадали с этим.

— И Вы не сопротивлялись?

Д. М.
: Я с трёх лет на сцене, в разных коллективах, и всегда был гвоздём программы. Мне это всё легко давалось, легче, чем другим. И актёрское мастерство, и танец, и всё остальное. Как сопротивляться? Папа спросил: «Сынок, ты хочешь танцевать?» Я сказал: «Да». Я же не знал, каково это — научится танцевать.

— Учитывая Ваш огромный опыт в разных танцевальных сферах, то, что вы работаете с детьми, проводите кастинги, скажите — с какого возраста можно определить потенциал у юного артиста?

Д. М.:
Ну, есть яркие личности. Например, если мы возьмём моего коллегу Николая Максимовича Цискаридзе, я думаю, что это было с десяти лет понятно, что это одарённый человек. По своим физическим параметрам. Некоторые проявляются немного позже. У меня как раз сейчас 15-летние мальчики, это как раз возраст, когда видна колоссальная разница. Кто-то уже прямо сильный, а кто-то ещё совсем ребёнок по всем фронтам: и по физике, и по мышлению. Поэтому я думаю, что в пятнадцать уже можно понять, кто есть кто.

— Однажды Вы сказали, что главный параметр у танцовщика — это мозги. То есть не только эти технические данные, но и интеллект, и психологическая резистентность. Вы этому учите?

Д. М.:
Многие считают, что артисты балета — это ногами дёргать. Но это абсолютно неправильно, потому что ногами дёргать надо красиво и правильно, а для этого нужно думать. Я три месяца преподаю, и доволен тем, что последние недели три мальчики начали анализировать что они делают. Почему что-то получилось, почему не получилось. К сожалению, раньше с ними об этом никто не говорил. А меня именно педагог так воспитывал, что мы должны сами понимать всю механику, постоянный анализ должен быть. Каждое движение придумано не просто так, и не глупыми людьми, поэтому в каждом движении должно быть в первую очередь содержание этого движения. Поэтому парни последние три недели, я вижу, копаются в себе. То есть я стараюсь преподавать не по одному какому-то шаблону, не под одну планку всех, а индивидуально подходить к каждому. Учитывая, естественно их природные качества и способности.

— А Ваш опыт в «Большом балете», это первый такой опыт на телевидении?

Д. М.
: Да-да, я впервые сидел в телевизионном жюри. Скажу честно (и я это говорил и на проекте, не знаю, вырежут или нет), что я не большой поклонник такого рода мероприятий. Считаю, что балет нужно смотреть вживую, и что через экран телевизора очень сложно оценить участников. Прочувствовать танец можно только сидя в зале. Но я так думал до того, как посмотрел выпуски. Я думал, что это не формат, а оказывается это формат, и все очень правильно, красиво, профессионально сделано. Так что съемочная команда «Большого балета» — большие молодцы.

— Кто из участников запомнился особо?

Д. М.:
Из участников — Анастасия Лебедик (респ. Коми), балетмейстер у них Марианна Рыжкина. Она так блекло начала, я даже помню, их ругал за исполнение Вальса Мошковского... И когда была современная хореография, последние два тура она меня просто потрясла. И Диану Вишнёву тоже. Ей двадцать лет всего, но она так проникновенно, по-взрослому, по-женски танцевала. Очень редко в этом возрасте человек может показать такой жизненный опыт на сцене.

— Вообще у вас между членами жюри на проекте было согласие или были споры?

Д. М.:
В основном — да, согласие. Мы как-то в одном направлении шли. В конце мы немного по поводу девочек и их премий спорили, но пришли к единому мнению.

— Как Вам кажется, что-то в их карьере изменится после проекта?

Д. М.:
Они увидели, как танцуют другие, как в классической, так и в современной хореографии. Если они ребята умные (а они ребята умные), то это им даст большой рывок в их исполнительстве.

— Какими качествами нужно обладать, что нужно показать, чтобы заслужить высшие баллы, заслужить внимание жюри?

Д. М.:
Я конечно не буду рассказывать, что мы должны иметь академическое образование. Классические природные качества, техника, и т. д. и т. п. Я думаю, очень важна правильность подбора репертуара, как классического, так и современного. То есть были ребята, которым явно неправильно подобрали номера. И причём эта претензия даже не к артистам, а к их педагогам, руководителям, которые это не учли. Поэтому хочу пожелать им именно это.

— «Большой балет» для Вас — это конкурс или все-таки телешоу?

Д. М.:
Я бы это оценил этот как состязание, конкурс в рамках телевизионного шоу. Я надеюсь, что у нас, как у жюри, получилось это сделать. Скажу Вам честно, если бы я сидел в балетном зале один на один с этими артистами, я бы на другом языке разговаривал с ними. С некоторыми бы в более, наверное, короткой и жесткой форме. Но это телевидение. Я думаю, что у нас получилось быть дипломатами.

— Лично о Вас, какой комментарий или оценка запомнились больше всего в жизни?

Д. М.:
Обо мне? Да Вы знаете, я вообще не любитель про себя читать какие-то комментарии, рецензии...

— Вас и с Барышниковым, и с Нуреевым, и с кем только ни сравнивали.

Д. М.
: Ну это лестно, конечно, Наташа Макарова такое сказала, это приятно слушать, не скрою. (В одном из интервью звезда мирового балета Наталья Макарова сказала о Денисе Матвиенко: «Это Барышников, Нуреев и Годунов в одном лице. Такого явления в балете не было давно». — Прим. ред.). Но вот года четыре назад, в рамках фестиваля «Dance open», Словенский национальный театр показывал балет «Пер Гюнт». На музыку Грига, и с хореографией Эварда Клюга. Его хореография, кстати, тоже была на «Большом Балете». Клюг — мой друг, мой любимый хореограф, и я танцевал партию Пер Гюнта тогда. Это ультрасовременная хореография, где нет ни пируэтов, ни прыжков, что обычно привыкли видеть в моем исполнении. И вот какое-то издание, не помню, написали что.. Ну похвалили, что прекрасный спектакль, и написали, что «хоть все и ждали от Матвиенко, как всегда, много пируэтов и прыжков, но этого не было, а Матвиенко достиг такого уровня, что на него приятно смотреть, просто когда он стоит спиной в зал». И мне это очень понравилось, потому что всю жизнь у меня был шаблон такого трюкача, прыгуна. А мне хотелось показать, что я могу быть разным, могу быть и драматическим актёром. И в этот момент у меня это наконец-то получилось, и люди увидели, что оказывается есть и такие способности у этого танцовщика.

===========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22695
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Ноя 30, 2020 3:16 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020113003
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Майя Плисецкая
Автор| Анна Гордеева
Заголовок| ОНА – МАЙЯ ПЛИСЕЦКАЯ
В БОЛЬШОМ ТЕАТРЕ ПРОШЕЛ ВЕЧЕР, ПОСВЯЩЕННЫЙ 95-ЛЕТИЮ СО ДНЯ РОЖДЕНИЯ ВЕЛИКОЙ БАЛЕРИНЫ

Где опубликовано| © Журнал Музыкальная жизнь
Дата публикации| 2020-11-30
Ссылка| https://muzlifemagazine.ru/ona-mayya-pliseckaya/
Аннотация| вечер памяти Майи Плисецкой



Майи Плисецкой вот уже пять с половиной лет нет на этом свете, но ее день рождения продолжает оставаться праздником – а не торжественным «вечером памяти», как бы он ни назывался. При этом сотворить такой праздник непросто: балерина в любом своем занятии поднимала планку чрезвычайно высоко, соревнование с ней – великий вызов.

Ее юбилеи всегда предлагали что-то новое (хотя бы только для России) и дерзкое. В 2000 году она привезла «Кармен-сюиту» в постановке Матса Эка (танцевал варшавский Большой театр), и благоговейные фанаты Майи Михайловны впадали в ступор, глядя, как на сцене взвод солдат откровенно исходит желанием при виде цыганки; в тот же вечер испанский танцовщик Игорь Йебра станцевал мужскую версию «Лебедя» на музыку Сен-Санса. В 2005-м за юбилей взялись Алексей Ратманский и Дмитрий Черняков – и восхитительного хулиганства и шуточек там тоже было достаточно: от кульбитов шаолиньских монахов, ставших частью балета «Дон Кихот», до гордого дефиле капельдинеров Большого театра. Нынешний юбилейный концерт был поручен Родионом Щедриным Андрису Лиепе: хореограф и менеджер, сейчас руководящий балетной труппой Большого театра имени Навои в Ташкенте, дружил с Майей Михайловной, и она ему доверяла.

Выбор определил «рамку» концерта: номера были соединены выходами Илзе Лиепы, которая зачитывала фрагменты из мемуаров Плисецкой. Артистка, вероятно, очень волновалась – и оттого перебрала с пафосом: она читала очень живую, яркую, иногда беспощадную книгу как монументальное государственное сочинение. На экране-заднике в эти моменты эта книга пролистывалась: публике предъявлялось новое издание мемуаров. Благодаря спонсорской помощи «Сбера» абсолютно все зрители смогли в тот же вечер это издание, дополненное множеством ранее не публиковавшихся фотографий, заполучить в свою библиотеку: его дарили по окончании программы. Фрагменты были выбраны так, чтобы подвести зрителя к следующему номеру в программе.


Екатерина Шипулина и Руслан Скворцов в миниатюре «Прелюдия»

Режиссер не стал пробовать сотворить что-то экстраординарное (первой ролью девятилетней Плисецкой в балетной школе числится роль Чан Кайши в балете «Конференция по разоружению», поставленном Леонидом Якобсоном на музыку Глинки, – ах, как бы сейчас смотрелась реконструкция этого танца или хотя бы фантазия на его тему!) – в сложный для театров период он выбрал стратегию «искусства возможного». В отсутствие иностранных гостей, всегда считавших честью приехать на юбилеи Плисецкой, он собрал артистов Большого и Мариинского театров и предложил добротную программу, в которой была честность хроники, интонация праздника и неожиданные восхитительные подарки.

За хронику отвечали подростки – ученики Школы классического танца Геннадия и Ларисы Ледях. Хореограф Ольга Насырова создала для них два номера – фантазии на тему одной из первых ролей Плисецкой-школьницы и одной из последних ролей Плисецкой-звезды. Ребенком Плисецкая танцевала номер «Полюшко-поле», поставленный ее первой учительницей Евгенией Ивановной Долинской на музыку песни Льва Книппера, в котором, по словам балерины, она была «русской бабенкой», – теперь ансамбль учащихся, чуть подрагивая коленками, перестраивался на сцене маленькой алой группой, вероятно, воображая себя «едущими по полю героями», какими-то юными неуловимыми мстителями. В этом определенно была историческая правда: с юности жизнь Плисецкой была борьбой, в которой она побеждала благодаря отваге и неунынию. А номер Мориса Бежара «Ave Майя» на музыку Иоганна Себастьяна Баха и Шарля Гуно, в котором Плисецкая танцевала уже практически только руками, играя с веерами, вдохновил Насырову на композицию, где как бы весь ансамбль подростков превращался в Плисецких – аккуратный клин юных танцовщиц с веерами в руках. Музыку в этом номере исполнял Камерный хор Московской консерватории под управлением Александра Соловьёва.


Ольга Смирнова — Кармен

За праздник в этот вечер отвечали многие артисты, и они Майю Михайловну не подвели. Прежде всего ее не подвел оркестр Большого, который вел Павел Сорокин: музыка была музыкой, а не «сопровождением». Среди лучших номеров – Гран па из «Раймонды» Александра Глазунова (хореография Мариуса Петипа в редакции Юрия Григоровича), где солировали Ольга Смирнова и Денис Родькин. Балерина и премьер Большого точно воспроизвели благородство и прохладу этой хореографии; танцовщик сохранял точный рисунок и ощущение безусильности и в мощных прыжках. Юная солистка Мариинского театра Мария Хорева предстала принцессой Авророй в Адажио с четырьмя кавалерами, также приехавшими из Петербурга (Максим Зюзин, Иван Оскорбин, Алексей Тимофеев, Никита Корнеев). Хорева, чья звезда сейчас стремительно летит вверх, была изумительной Авророй – одновременно строгой (ну, это ведь принцесса женихов экзаменует – кто достоин?) и сдерживающей улыбку, доверчивой и слегка опасливой. Незнакомая сцена, вероятно, заставляла танцовщицу нервничать, быть неуверенной в своем апломбе – и, чуть подняв руку над головой, Хорева слишком резким движением вручала ее следующему кавалеру. Что, впрочем, глобально впечатления не портило.


Юлия Степанова и Денис Родькин исполнили Адажио из «Легенды о любви»

Солисты Большого Мария Виноградова и Артем Овчаренко внятно воспроизвели стиль поставленной Асафом Мессерером в 1933 году «Мелодии» на музыку Глюка – эту смену скульптурных поз, будто герои и героини устремленных в будущее советских монументов тридцатых годов сошли с пьедесталов и затанцевали в ночи. Должно было стать праздником и «черное» па-де-де из «Лебединого озера» в версии Юрия Григоровича – но не стало: ведущая солистка Большого Алена Ковалева неприятно удивила резкостью движений и в то же время несогласованностью их; «влетевший» в этот дуэт по срочной замене премьер Большого Артемий Беляков сделал все, что мог, но ситуацию не спас. А в финале вечера на радость зрителям разыгралось настоящее соревнование балерин в роли Кармен: разные фрагменты балета Бизе – Щедрина в постановке Альберто Алонсо исполнили Ольга Смирнова и Екатерина Шипулина из Большого театра и Екатерина Кондаурова и Оксана Скорик из театра Мариинского. Мы увидели Кармен пугающе жестокую и Кармен текучую, как мед, Кармен властную и Кармен почти по-детски искреннюю. Каждая была замечательна в своем роде – и каждая вела свой диалог с легендой Майи Плисецкой, которой все версии наверняка бы понравились – она не раз поддерживала артисток, предлагавших собственные трактовки. Все эти штучки в духе «лучшая лесть – подражание» были ей совершенно чужды.

Неожиданных подарков – тех, которыми особенно запомнится вечер – в программе было два. Балерина и премьер Большого театра Екатерина Шипулина и Руслан Скворцов исполнили номер «Прелюдия», поставленный в 1967 году на музыку Иоганна Себастьяна Баха Наталией Касаткиной и Владимиром Василёвым. Плисецкая танцевала этот номер с Николаем Фадеечевым, но ей разрешили показать его лишь восемь раз в течение года, а затем он был убран из репертуара театра. Более чем через пятьдесят лет он воскрешен – и показан под живую музыку (за органом – Евгения Кривицкая). Крохотная хореографическая поэма, где к склонившейся под ударами судьбы женщине является воспоминание о ее любимом, где она заново проживает встречу с ним и расставание навсегда, полна достоинства и тоски. Героиня Плисецкой в сохранившейся записи величественна в своем горе, и звучащий у нее Бах монументален; героиня Шипулиной наивнее, она все не может поверить в то, что жизнь так жестока к ней, – и орган в этот вечер звучит нежнее и более сочувственно.


«Образ Майи». Выставка в Большом императорском фойе Большого театра

Второй же важной миниатюрой стала мировая премьера: Алексей Ратманский поставил для примы Мариинского театра Дианы Вишнёвой и премьера Большого театра Дениса Савина «Приношение Майе». Взята всеми узнаваемая музыка Сен-Санса, «Лебедь», но в специально к этому вечеру сделанной аранжировке Родиона Щедрина, где присутствует женский голос (сопрано Кристина Алиева). Истаивающая в руках партнера балерина, то совсем будто теряющая силы, то кидающая последнюю энергию в полет вокруг танцовщика, что вращает ее,как пушинку, напоминает более не Лебедя, но Розу из балета Ролана Пети «Гибель розы» на музыку Густава Малера. Плисецкая очень этот балет любила, быть может, потому, что в ней самой никогда этой надломленности не было – а совсем чужое играть особенно интересно, это особенно большой вызов. Так и Вишнёва – энергия и пламя – отточенно затихала в руках Савина, играя в эту историю с декадентской интонацией. А публика смотрела на нее не дыша.

Неприятным недостатком вечера следует признать постоянно включенный свет в зале, что работало против атмосферы театра, важной для Плисецкой. А существенным достоинством – работу художника по видеопроекциям Александра Федорко, выстраивавшего на заднике коллажи из фотографий великой балерины с несомненным тактом и вкусом. В целом вечер, несомненно, удался. Что ж, и в трудный год Плисецкая сделала нам подарки на свой день рождения. Спасибо, Майя Михайловна.

ФОТО: ДАМИР ЮСУПОВ / БОЛЬШОЙ ТЕАТР
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22695
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Ноя 30, 2020 5:28 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020113004
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Брайн Ариас, Симоне Валастро, Димо Милев, Мартин Шекс
Автор| АЛЛА МИХАЛЁВА
Заголовок| МОРЕ, ВОЗДУХ, НЕБЕСА
«ЧЕТЫРЕ ПЕРСОНАЖА В ПОИСКАХ СЮЖЕТА» В БОЛЬШОМ ТЕАТРЕ

Где опубликовано| © Театрал
Дата публикации| 2020-11-30
Ссылка| https://teatral-online.ru/news/28439/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Премьера Большого своим названием недаром ассоциируется со знаменитой пьесой Пиранделло «Шесть персонажей в поисках автора», обнажающей противоречивость мира реального и мира искусства. И действительно, царство свободы, господствующее на сцене, начинает казаться более реальным, чем люди в масках (словно персонажи театра абсурда) в полупустом зрительном зале Новой сцены. Да и сами обстоятельства создания спектакля в эпоху коронавируса достаточно необычны.

Внеплановая премьера в таком театре, как Большой – событие уникальное. Спектакль родился из желания руководителя балета Махара Вазиева заполнить работой творческий вакуум, образованный пандемией. Он пригласил четверых зарубежных хореографов, с которыми или сталкивался в работе, или познакомился по видеозаписям, и предложил им сочинить четыре танцевальных сюжета для артистов готовых принять учаcтие в экстренной работе. В результате в проекте приняли участие лучшие силы балетной труппы: Светлана Захарова, Ольга Смирнова, Екатерина Крысанова, Евгения Образцова, Анастасия Сташкевич, Кристина Кретова, Мария Виноградова, Алена Ковалева, Ольга Марченкова, Владислав Лантратов, Семен Чудин, Вячеслав Лопатин, Артемий Беляков, Игорь Цвирко, Якопо Тисси. И это только из числа прима-балерин, премьеров и ведущих солистов, а ведь в программе заняты солисты всех уровней и артисты кордебалета.

«Сюжеты» же оказались гораздо шире проблем сегодняшнего дня. Постановщики, как и большинство представителей современной хореографии, в своих мини-балетах говорят на вечные темы – о тонкости взаимоотношений людей друг с другом, природой и Высшими силами.

Впрочем, сюжет американского хореографа Брайна Ариаса «Девятый вал», вдохновленный одноимённой картиной Айвазовского, – на музыку Глинки и Римского-Корсакова – миниатюрой никак не назовешь. И по продолжительности (идёт более часа) и по числу участников, помимо пятерых солистов (Маргарита Шрайнер, Владислав Лантратов, Элеонора Севенард, Игорь Цвирко, Якопо Тисси) в спектакле занято 38 танцовщиков, призванных визуализировать самое знаменитое полотно великого марениста.

Изгибающиеся тела, волнообразные движения рук, ладони, то прижатые к груди, то вскинутые над головой, танцовщики, как на гребне волны взмывающие ввысь на руках партнёров, перетекания кордебалета, то ломающего диагонали, то сбивающегося в кучку, передают ощущение неуправляемого движения водных потоков и противостояние человека морской стихии. Тем не менее, происходящему присуща зыбкая монотонность. С течением действия хореограф исчерпывает запас фантазии и начинает повторяться. Впрочем, и накату природных волн присуща цикличность. А всплески соло, насыщенных прыжками, и дуэтов, в которых танцовщики периодически «ускользают» друг от друга, проскакивая то под ногой, то под рукой партнера, то перекатываясь через его спину, оживляют несколько однообразные колебания «водных масс».



Трое других участников проекта – итальянец Симоне Валастро, болгарин Димо Милев, Мартин Шекс, родом из Франции, работают по всей Европе и имеют за плечами опыт сотрудничества с авторитетными театрами и компаниями.

Окончивший школу балета Академии театра Ла Скала Симоне Валастро с 1998 года связан с Парижской оперой и как танцовщик, и как хореограф, в качестве которого дебютировал в 2003 году. С тех пор он успел поставить более десятка работ и пройти обучение в Хореографической академии Оперы под руководством великого Уильяма Форсайта.

Для своей постановки Валастро выбрал песню Дэвида Лэнга «Just (After Song of Songs)» из одноименного альбома. В переводе это название звучит «Всего лишь» или «Только» (После Песни Песней)» и хореограф в своей миниатюре стремится передать эротическое звучание ветхозаветного текста. Впрочем, поэтика Царя Соломона здесь адаптирована на свой лад. Лаконичные строки песни вроде «только твоя любовь/ только ты на девятнадцать миль/ только имя твоё» или «и душа моя, и душа моя, и душа моя, и душа моя/ и мой скромный дом/просто вы проданы» определяют ритм танца. Актёры словно выпевают своими телами лирико-нервозные рифмы, что блистательно удается Ольге Смирновой, с чьего ломанного соло на фоне закрытого занавеса начинается эта пятнадцатиминутная (но хореографически ёмкая) миниатюра. Во всяком случае, интересно вычитывать смысл коротких, изобретательных дуэтов, трепету коих вторят обнажившиеся на задней стене сцены вращающиеся лопасти вентиляторов.

Миниатюра Симоне Валастро в паре с «Угасанием» («Fading») Димо Милева на музыку испанского композитора Энрике Гранадос составляет второе отделение программы. Выпускник Софийской Национальной школы танцевального искусства Милев выступал на многих европейских сценах, в том числе Национального театра танца Испании под руководством Начо Дуато, где быстро достиг премьерской позиции. Сегодня он свободный художник, выступающий в качестве хореографа, ассистента хореографа, танцовщика и педагога. Последние два года был репетитором в Нидерландском театре танца (NDT2).

Его хореография, во всяком случае в «Угасании», отмечена покойной несуетностью. По словам самого постановщика, его сюжет навеян драматической судьбой автора музыки, страдавшего аквофобией (страхом воды) и погибшего, спасая свою тонущую жену. Выразительные, выплывающие из тумана дуэты дают пищу полету зрительского воображения. У каждой пары – своя интонация «угасания», возможно, символизирующая не только последний уход, но и охлаждение иссякающих чувств. У одних – элегически-нежное, у других – энергично-нервозное, у третьих – мягко-тревожное. Танцовщики (Маргарита Шрайнер, Владислав Лантратов, Анна Балукова, Мария Виноградова, Дарья Хохлова, Дмитрий Ефремов, Игорь Цвирко) прекрасно передают всю гамму этой, эмоционально богатой, палитры чувств.

Третье отделение отдано «Тишине» («Silentium»). Так называется миниатюра Мартина Шекса, 20 лет назад окончившего Школу танца Парижской оперы, где он спустя годы дебютировал как хореограф. Сегодня Шекс ставит в Японии, Бразилии, Австралии, странах Европы. «Тишину» он создал для Светланы Захаровой, чья героиня, по словам самого хореографа, за 15 минут сценического действия проходит путем инициации (обряд, знаменующий переход человека на новую ступень в рамках некого мистического сообщества). За музыкальную основу взята «Silentium» Арво Пярта – вторая часть концерта Tabulа Rasa. Мэттью Лентон, шотландский режиссёр (основатель и руководитель британского театра Vanishing Point, известный в России, благодаря Сезонам Станиславского) назвал это произведение лучшей музыкой для перехода в мир иной, ибо она даёт надежду на загробную жизнь.

Собственно говоря, этому и посвящён короткий балет Шекса. Солистка, окружённая танцовщиками – судя, по числу аппликаций крыльев на их костюмах – шестикрылыми серафимами, – наделена отличным соло, очень подходящим Захаровой с её отточенным мастерством, утонченными линиями рук и роскошным шагом. Её остраненный танец напоминает молитвенное состояние, тело трепещет, волнуется. Героиня, словно слыша «зов», замирает в ожидании перемены участи. Томно выразителен и её дуэт с возникающим из темноты партнёром (думается, одним из предводителей небесного воинства), сдержанно деликатным Артемием Беляковым. В пластике Захаровой появляются новые краски, движения рук начинают напоминать взмахи крыльев. «Посвящение» героини состоялось. И она, влекомая партнёром, покидает сцену, оставляя за собой печально-красивый эмоциональный след, созвучный общей интонации вечера «четырёх сюжетов».

ФОТО: ПРЕСС-СЛУЖБА БОЛЬШОГО ТЕАТРА
======================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
Страница 7 из 8

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика