Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2020-09
На страницу 1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Сен 01, 2020 12:23 pm    Заголовок сообщения: 2020-09 Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020090101
Тема| Балет, театр Astana Balet, Персоналии, Айнур Абильгазина, Татья­на Тен, Фархад Буриев, Казбек Ахмедьяров
Автор| Наталия Хомс
Заголовок| Open air балет
Astana Balet сменил родную сцену на площадку под открытым небом.

Где опубликовано| © Республиканская газета «Казахстанская правда»
Дата публикации| 2020-09-01
Ссылка| https://www.kazpravda.kz/articles/view/open-air-balet
Аннотация|



Театр продолжает работу над своими онлайн-проектами. 27 августа коллектив выступал в самом сердце Ботанического сада, где прошли съемки концерта, организованные при поддержке Министерства культуры и спорта и акимата столицы.

В программу концерта вошли два одноактных балета – Love Fear Loss приглашенного хореографа Рикардо Амаранте и «Путешествие памяти» современного балетмейстера Раймондо Ребека.

Love Fear Loss – это три дуэ­та, навеянные необыкновенной жизнью и восхитительной музыкой французской певицы Эдит Пиаф в исполнении ведущих солистов театра Дилары Шомаевой и Дэвида Джонатана, Айжан Мукатовой и Сундета Султанова, Татьяны Тен и Фархада Буриева.

Заглавные партии в балете «Путешествие памяти» исполнили Айнур Абильгазина, Татья­на Тен, Фархад Буриев и Казбек Ахмедьяров.

Трансляция концерта сос­тоится 2 сентября в 20.00 на YouTube-канале театра и будет доступна для всех желающих.

– Astana Balet представил множество онлайн-проектов за время карантина. Съемки концерта, организованные специально для такого формата работы, – это абсолютно новый этап. Здесь есть свои нюансы, которые отличают съемочный процесс от привычного нам. Но, уверен, наши зрители оценят старания артистов. Помимо этого, мы готовим еще один уникальный онлайн-проект, который будем реализовывать параллельно с возвращением к привычному режиму работы со зрителями, – рассказал директор театра Astana Balet Александр Совостьянов.

Съемки следующего концерта прошли 30 августа на импровизированной сцене перед главным входом в театр. Мероприя­тие в честь Дня Конституции проходило в режиме онлайн на официальных интернет-платформах театра в YouTube и Instagram. В прог­рамму концерта вошли лучшие хореографичес­кие миниатюры из национального дивертисмента «Наследие Великой степи».

Один из прекрасных номеров под названием «Ақ қыз» исполнила ведущая солистка театра «Астана Балет» Дарина Кайрашева. Казахский национальный танец с элементами классики рассказывает историю белоснежного лебедя, олицетворяющего легкую, нежную женскую натуру.

– Мы уже соскучились по своим зрителям, и я надеюсь, зрители тоже хотят поскорее встретиться. После такого большого перерыва мы готовимся представить полноформатные спектакли в здании театра сог­ласно всем нормам, которые положены по карантину. Где-то во второй половине месяца мы уже покажем несколько спектаклей. Может быть, даже выедем на гаст­роли, – отметил заместитель директора театра Astana Balet Валерий Кузембаев.

Он также приоткрыл теат­ральный секрет: в новом сезоне зрителей ожидают премьера постановки «Султан Бейбарс» и несколько новых номеров. По его словам, активная онлайн-работа не может в полной мере заменить «живые» выступления, поэтому сейчас коллектив внимательно пересматривает свои спектакли, чтобы вновь показать их публике.

Кстати, театр Astana Balet ­открыл свои двери для зрителей уже сегодня. А вот даты ближайших мероприятий скоро будут анонсированы на сайте и в Instagram театра.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Сен 01, 2020 11:22 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020090102
Тема| Балет, театр "Эстония", Премьера, Персоналии, Марина Кеслер
Автор| Ильдар Низаметдинов
Заголовок| В театре "Эстония" прошла премьера балета "Анна Каренина"
Где опубликовано| © Новости ERR
Дата публикации| 2020-09-01
Ссылка| https://rus.err.ee/1129964/v-teatre-jestonija-proshla-premera-baleta-anna-karenina
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В театре "Эстония" прошла мировая премьера балета "Анна Каренина". Музыкальный материал для постановки хореограф Марина Кеслер почерпнула из сочинений Дмитрия Шостаковича. В сентябре "Анну Каренину" покажут в театре "Эстония" еще семь раз.

Истории Анны Карениной ставились в прошлом на сцене театра "Эстония" дважды, и постановщик нынешнего спектакля Марина Кеслер сама когда-то танцевала партию Бетси.

В обоих случаях это был балет на музыку Родиона Щедрина, но Марина Кеслер решила использовать другой музыкальный материал - сочинения Дмитрия Шостаковича. Получив согласие наследников композитора, хореограф сама составила своего рода сюиту, использовав, в частности, много музыки, написанной Шостаковичем для кино.

"Великий талант Шостаковича, он проявлялся даже в малом, то есть вся музыка, которая была для фильмов создана, я открыла для себя абсолютно новый мир. Мне даже казалось, что эта работа гораздо интереснее, чем ставить па, к которым я привыкла", - сказала "Актуальной камере" Кеслер.

Хореографический стиль своего спектакля Кеслер описывает как неоклассику. "На базе классики, поскольку в нашей труппе очень сильная классическая основа, образование, и плюс, элементы модерна тоже. Я думаю, это называют неоклассикой", - отметила хореограф.

Кеслер давно мечтала о постановке по роману Льва Толстого, и надеется, что зрители примут ее интерпретацию хрестоматийного произведения.

"Хочется по-своему этот роман переосмыслить и донести до публики, именно мое отношение к героям: Анне, Вронскому, Каренину. При том, что я называю это традиционной постановкой. Думаю, что так, как я роли почувствовала, они может быть, будут чуть другие, не такие, как привыкли думать", - пояснила Кеслер.

Главные партии в премьерном спектакле танцуют Анна Роберта, Евгений Гриб и Анатолий Архангельский. В сентябре "Анну Каренину" покажут в театре "Эстония" еще семь раз.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Сен 02, 2020 9:13 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020090201
Тема| Балет, Приморская сцена Мариинского театра, Премьера, Персоналии, Фикрет Амиров, Эльдар Алиев
Автор| корр.
Заголовок| Из Владивостока в сказку арабского Востока
Где опубликовано| © Аргументы и факты - Владивосток
Дата публикации| 2020-09-02
Ссылка| https://vl.aif.ru/society/iz_vladivostoka_v_skazku_arabskogo_vostoka
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Премьера балета «Тысяча и одна ночь» на Приморской сцене Мариинского театра прорвала многомесячную блокаду COVID-19. Сохраняя все меры безопасности: рассадку зрителей в шахматном порядке, непременное наличие масок и перчаток, измерение температуры при входе в театр и санитайзеры повсюду, театр с этой высокой творческой ноты начал V-й международный дальневосточный музыкальный фестиваль «Мариинский». Этот праздник искусства традиционен, проходит во Владивостоке ежегодно с 2016 года.

Балет «Тысяча и одна ночь» родился в 1979 году в столице Азербайджана - Баку. Его создателями стали выдающийся азербайджанский композитор Фикрет Амиров, видные литераторы Максуд и Рустам Ибрагимбековы, а также Нела Назирова, которая затем выступила еще и в качестве балетмейстера-постановщика.
Восточная экзотика всегда притягательна. Однако, красочный спектакль с его яркой и мелодичной музыкой, наполненный фантастическим сюжетом и чудесами, к тому же нес высокую философскую идею торжества разума, добра, благородства. Не удивительно, что в этой и иных постановках, балет триумфально прошествовал по сценам многих городов Советского Союза и даже вышел за его пределы.

Вполне естественен интерес к спектаклю его нынешнего автора – главного балетмейстера владивостокского театра Эльдара Алиева. Секрет прост. Эльдар родился в Баку, здесь получил профессиональное образование и начал сценическую карьеру. Он буквально напоен южным солнцем, овеян морским бризом и обласкан каспийской волной. Его этнические корни помогли еще глубже впитать национальную пластику, еще более чутко откликнуться на мелодическую красоту и богатство азербайджанской музыки. Дальнейшая карьера артиста стремительно взлетела и продолжилась на Исторической сцене Мариинского театра Санкт-Петербурга. Один из лучших мировых балетных театров не зря называют «Домом Петипа», так что здесь, может быть, как нигде, лучше всего познаются все секреты классического балета.



Синтез национального и общеевропейского свойственен и музыке Амирова, Симфонические принципы композиторского письма он сочетает с ярко выраженной национальной колористикой. Наглядное свидетельство тому – включение в партитуру звучания традиционного азербайджанского щипкового инструмента - тара. К слову, тар, зазвучавший в руках специально приглашенного из Баку тариста Рамина Азимова, останется в оркестре театра и по прошествии премьерных показов балета.

Эльдар Алиев уже не раз возвращался к сценическому воплощению «Тысячи и одной ночи». Когда он многие годы руководил в американском Индианаполисе компанией Ballet Internationale, осуществил постановку здесь, а еще в компании Atlanta Ballet. К премьере, несколько задержанной коронавирсусом, спектакль подготовлен им и в Софии.

Итак, Алиев предложил зрителю свою версию балета, поставленного с поистине голливудским размахом. Музыка, хореография и оформление сплелись воедино в стилистике древних арабских миниатюр.

Спектакль начинается с развернутой увертюры, во время которой на супер-занавесе наплывают страницы старинной книги. Видеохудожник Вадим Дуленко смог синхронизировать музыкальные образы с изобразительными. Когда льется лирическая мелодия, мы видим идиллические картинки альковных сцен. Но стоит музыке повести рассказ о событиях драматических, как на экране возникают кровопролитные баталии, сверкают острые клинки воинов.

Приглашенный из Баку дирижер Эйюб Кулиев хорошо знаком с партитурой и умело выявляет все ее достоинства. Главное, ему удалось добиться оркестрового звучания азербайджанской музыки российскими оркестрантами совершенно без акцента.

Сценограф спектакля и автор костюмов Петр Окунев молод, но являясь главным художником театра, в целом неплохо справился с задачей. В декорациях созданы обобщающие образы пестрого Востока, отмечены романтические нюансы. Если в декорациях и многочисленных сценических эффектах типа сгорания хищной птицы Рухх в снопе огненных искр или падающего с высоты алого шелкового холста, изображающего всепоглощающее пламя, использованы современные приемы, то в костюмах художник увлекся точными национальными деталями. Здесь бытовизм несколько переборщил, скрыв балетные фигуры даже главных героев широкими шальварами, кушаками и тяжеловатыми бархатными жилетами.

Хореографический стиль спектакля может быть определен как неоклассика, ориентально окрашенная .

Спектакль смотрится очень динамично. Его сюжет пересказывается в двух словах. Вернувшись с охоты, Шахрияр застает свою жену в объятиях Раба. Возмездие настигает неверную Нуриду, но гнев Шаха грозит гибелью всем женщинам царства. Лишь юной Шехерезаде удается смягчить опаленное женской изменой сердце повелителя. Каждую ночь она рассказывает Шахрияру новую сказку, где женщины несут добро и нежность, а мужчины - защитники, где побеждают из взаимное притяжение, самоотверженность, любовь и верность.



Чтобы раскрыть тему, балетмейстер придумывает напряженный мужской монолог Шахрияра, сложные, но красивые акробатические дуэты, где балерины могут подолгу не опускаться на землю. Они перетекают из одной позы в другую на руках партнера, низвергаются с высоты вытянутых рук в головокружительные «рыбки» почти касаясь носом самой сцены. И через секунду снова оказаться на плече кавалера.

Алиев уверенно владеет различными формами танца, сценическим пространством. Об этом говорят изобретательные узоры кордебалета, будь то энергичного мужского (лучники, разбойники) или экспрессивного женского (скорбящий народ).

Артисты сумели воплотить художественный замысел хореографа. Спектакль густо населен персонажами. Сказок три. Первая повествуют о Птице Рухх (Шизуру Като) и спасенной от нее Синдбадом (Аслан Алиев) Девушке (Катерина Флория). Вторая сказка - о Принцессе Будур (Анастасия Балуда), Аладдине (Гилерме Джунио) и злом Колдуне (Денис Голов). Завершают триптих Али-Баба (Алехандро Кабезас) со своей служанкой Марджаной (Наталья Демьянова), которая одна сумела справиться с Атаманом (Сергей Аманбаев) и сорока разбойниками. Воистину интернациональный состав исполнителей. В главных партиях предстали рослый и сильный красавец Сергей Уманец (Шахрияр), эмоциональная Лилия Бережнова (Нурида), техничная Анна Самострелова (Шехерезада). Несмотря на большой объем работы подготовлено три состава исполнителей. В одном из спектаклей премьерного блока в главных ролях снова блеснули артисты из Мариинского театра Петербурга: Роман Беляков (Шахрияр), Екатерина Чебыкина (Нурида), Рената Шакирова (Шехерезада).

В финале главные герои восхитительно пролетели над сценой на волшебном ковре-самолете, на прощание, помахав руками публике, которая горячо приняла спектакль. Едва отзвучал последний аккорд, зал взорвался овацией, криками «супер», «браво», «спасибо». Зрители долго не отпускали артистов, приветствуя всех создателей спектакля и завалив их цветами.

Фото: Мариинский театр/ Мариинский театр
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Сен 02, 2020 9:23 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020090202
Тема| Балет, Приморская сцена Мариинского театра, Премьера, Персоналии, Фикрет Амиров, Эльдар Алиев
Автор| Сергей Лалетин
Заголовок| Балетный Восток на Приморской сцене
Где опубликовано| © «Восток-Медиа»
Дата публикации| 2020-09-02
Ссылка| https://vostokmedia.com/comment/sergey-laletin/02-09-2020/baletnyy-vostok-na-primorskoy-stsene
Аннотация| Премьера

Четыре года прошло с тех пор, как владивостокский театр оперы и балета стал приморской сценой Мариинского театра. Что удалось достичь за это время и получилось ли создать культурное пространство от Лиссабона до Владивостока? — рассказывает колумнист «Восток-Медиа» Сергей Лалетин.

Когда в 2016 году во Владивостоке театр оперы и балета вдруг стал Приморской сценой Мариинского, в культурной сфере двух российских столиц встретили это событие, мягко говоря, прохладно. «Зачем вообще на Дальнем Востоке музыкальный театр такого масштаба?», — недоумевали скептики, невольно возвращая к жизни знаменитый «амурский вопрос» полуторавековой давности. К счастью, современные невельские и муравьевы смело пошли по стопам своих славных предков и невзирая на трудности всего за семь лет сумели создать крепкий форпост русского оперного и балетного искусства. В выигрыше остались все. Жители края получили уникальную возможность стать частью единого культурного пространства «от Лиссабона до Владивостока». Местные власти повысили престиж региона, а Россия усилила культурную экспансию на своих восточных рубежах. Творческий, просветительский и экономический потенциал Приморской сцены огромен, нужно лишь грамотно выстраивать стратегии развития, и здесь уже есть ощутимые результаты.

Наглядным подтверждением успешного роста молодого коллектива стала премьера балета «Тысяча и одна ночь» композитора Фикрета Амирова в хореографии главного балетмейстера театра Эльдара Алиева. На все три спектакля, открывавшие V Международный Дальневосточный фестиваль «Мариинский» 14, 15 и 16 августа, билетов было не достать. Если, перефразируя поговорку, в зале и было куда упасть яблоку, то только из-за «шахматной» рассадки публики, в полном соответствии со всеми предписаниями Роспотребнадзора. Засидевшихся в самоизоляции зрителей не смутили ни очереди на входе с измерением температуры, ни масочно-перчаточный режим, ни социальная дистанция. А артисты, изголодавшись по работе и выступлениям, рвались на сцену. В итоге общая эмоционально-деятельная жажда была утолена с избытком — во Владивостоке прошла первая масштабная балетная премьера с начала пандемии.

Руководство любого театра заинтересовано в том, чтобы видеть в зале «своего» зрителя, способного в полной мере насладиться сценическим искусством. Неискушенную публику бережно «взращивают» и последовательно «воспитывают» переходя от простого к сложному. В этом смысле для репертуара Приморской сцены «Тысяча и одна ночь» — идеальный вариант. В балете есть все, что нужно для приобщения к балету неофитов — в причудливую вязь арабского Востока сплетены колоритная музыка, ясный сюжет, красочное декорационное оформление и хореография с обилием танцев и ярких пластических образов. Здесь нет постмодернистских экспериментов с движением и претензий на псевдопсихологию. Это, слава богу, оставлено до лучших времен, когда в крае появятся свои, жадные до всего новомодного записные балетоманы. Нынешних же ценителей и знатоков балета спектакль порадует гармоничным союзом сложной ритмо-мелодической музыкальной партитуры и виртуозной хореографической техники. Словом, каждый покинет театр на волне положительных эмоций!

«Тысяча и одна ночь» — балет-сказка, и чудеса начинаются с первыми тактами увертюры, когда видео-проекция на занавесе раскрывает перед нами страницы книги, украшенные изящными персидскими миниатюрами. Сценография художника-постановщика Петра Окунева удачно сочетает современные технологии с традиционным оформлением. К роскошным декорациям в духе сюжетных балетных «блокбастеров», с расписными задниками и обилием красочных костюмов, добавлены нестандартные решения — например, движущиеся кулисы, пиротехника, летящий ковер-самолет. Эти эффекты наполнили спектакль настоящим театральным волшебством.

За пультом все дни стоял Эйюб Кулиев — главный дирижёр Государственного театра оперы и балета Азербайджана, буквально контрабандой вывезенный из Баку специально для премьеры. Благодаря стараниям маэстро приморский оркестр добавил подлинно восточные краски в палитру своего звучания. Особого шарма музыке придал тар — национальный азербайджанский инструмент (солист Рамин Азимов). Его характерный тембр, заставляющий вибрировать душевные струны, сопровождал все лирические сцены спектакля. Хочется надеяться, что с отъездом Э. Кулиева оркестр сохранит заданный стандарт аутентичного исполнения.

Действие балета развивается по-восточному неторопливо, но без длиннот и лишних сцен. Царь Шахрияр застает красавицу-жену Нуриду в объятиях раба, после чего казнит ее, а заодно решает предать смерти всех женщин страны. Но прекрасная Шехеразада мудрыми речами и нежной любовью смягчает сердце царя, и они соединяются в счастливом браке. Эльдар Алиев не стал отступать от либретто первой постановки 1979 года, сохранив драматургию Н. Назировой и братьев Р. и М. Ибрагимбековых. Поэтому первый акт балета — своего рода расширенный ремейк фокинской «Шехеразады», а второй — хореографическое ревю на тему трех самых популярных сказок «Тысяча и одной ночи», с пышной танцевальной кодой счастливых героев. Общая канва сюжета отвечает принципам защиты традиционных семейных ценностей и выводит, как и положено сказке, простую мораль: в страсти нет счастья; измена непростительна, а чрезмерный гнев ожесточает душу; только сила истинной любви способна принести очищение и свет. Присвоенный спектаклю возрастной ценз 12+ вполне может быть снижен: эстетический вкус постановщика нивелирует чувственный эротизм отдельных сцен, возводя любовные утехи в ранг подлинного искусства, а на первый план выводятся перипетии волшебной сказки.

Прозрачный сюжет позволил Алиеву создать собственную, совершенно оригинальную, не отягощенную излишним подтекстом хореографию. Танец, льющийся широко и свободно, неоклассичен, стилизован ориентальными мотивами в позировках, подчеркнутой графикой положений рук, гибким корпусом. Томные дуэты и выразительные монологи, раскрывающие характеры главных героев, соседствуют с динамичными танцами и экстатическими плясками кордебалета.

В балетной труппе театра 90 человек, и в премьере оказались заняты буквально все. На большой сценической площадке мощное впечатление производят массовые сцены: выход двенадцати пар суровых воинов, сладострастная оргия золотых рабов, надрывный плач обреченных на смерть белых дев, пестрая картина восточного базара с соблазнительными невольницами, разудалая скачка лихих разбойников. За всем этим стоит кропотливый труд педагогов-репетиторов, особенно работавших с мужским составом.

Кроме трех главных действующих лиц — Шахрияра, Шехеразады и Нуриды в балете еще десять афишных партий и каждая роль требует от исполнителей танцевального совершенства и актерского мастерства. В театре удалось собрать сильный костяк солистов — все владеют техникой сложных прыжков и вращений, выполняют головокружительные верховые поддержки в дуэтах.

В труппе, помимо россиян, много иностранцев из ближнего зарубежья, есть бразильцы, итальянцы, японцы. Воздушными прыжками, четкостью содебасков и туров запомнился Шизуру Като в партиях Птицы Рухх и Аладдина. Гилерме Джунио был хоть и субтильным, но темпераментным Рабом, полностью поглощенным стихией пляски. Обворожительная Марджана Натальи Демьяновой страстным танцем поочередно свела с ума двух уморительно смешных разбойничьих Атаманов — Сергея Аманбаева и Владислава Ржевского, каждый раз заставляя волноваться всю сильную половину зрительного зала. В убедительно-зловещем образе Колдуна-визиря бессменно выступал выразительный Денис Голов.

Главные партии в один из премьерных дней исполнили представители «головного офиса» Мариинского театра — Рената Шакирова, Екатерина Чебыкина и Роман Беляков. Необходимо отметить, что солисты Приморской сцены Анна Самострелова, Сергей Уманец, Канат Надырбек, Лилия Бережнова и Катерина Флория отнюдь не уступали приглашенным петербуржцам — ни в танцевальной технике, ни в актерской игре. Из всех ведущих исполнителей особо выделим, пожалуй, Ренату Шакирову, которая продемонстрировала легкость, отточенное мастерство и осмысленность в танце. Она блестяще воплотила образ Шехеразады, подтвердив традиционно высокий статус петербургской балетной школы. Для творческого роста приморских артистов необычайно полезна работа на одной сцене с коллегами из лучших театров страны и мира. Благо, бренд «Мариинский» предоставляет такую возможность.

Премьера состоялась! Гром оваций помог забыть, что театр заполнен лишь наполовину. Вполне вероятно, будь в зале аншлаг, шквал аплодисментов обрушил бы стены. Спектакль, как цельное художественное полотно, получился зрелищным, живым и достойным долгой сценической жизни в репертуаре. Создание столь качественного театрального продукта — огромная заслуга главного балетмейстера Эльдара Алиева. Он сумел вдохновить творческий коллектив и организовать общую слаженную работу, благодаря колоссальному практическому опыту артиста, хореографа, художественного руководителя. Но главное — Алиев на наших глазах практически с нуля и весьма успешно создает новую, современную труппу на основе трехсотлетних традиций петербургской академической балетной сцены. Эти традиции, что сто лет назад вывели русский балет на мировой уровень, сегодня способны объединить представителей разных школ, стран, национальностей в рамках одного театра — как на сцене, так и в зрительном зале. Остается пожелать Приморской сцене Мариинского театра, по флотскому обычаю, семь футов под килем, а публике — почаще приходить на спектакли!

Сергей Лалетин
Балетовед, балетный критик, старший научный сотрудник Санкт-Петербургского Театрального музея
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Сен 02, 2020 1:57 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020090203
Тема| Балет, БТ, МГАХ, Персоналии, Елизавета Гапоненко
Автор| Беседовала Юлия Фокина
Заголовок| Шаг в будущее – на сцену Большого театра: Елизавета Гапоненко
Где опубликовано| © LOCALDRAMAQUEEN
Дата публикации| 2020-09-02
Ссылка| http://localdramaqueen.moscow/2020/09/bolshoi-theatre-newbie-gaponenko/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Все мы так много знаем об известных артистах и громких именах. Но почти ничего о тех, кто только начинает свой путь к творческим вершинам. LDQ будет знакомить вас с молодыми и перспективными артистами. Кто эти герои, скрывающиеся за новыми именами? Будущие звёзды, которым суждено гореть на театральном небосклоне долгие годы, или кометы, которые промчатся ярко и быстро, оставив лишь блеск за собой? Время покажет. А мы — расскажем. В лаконичном формате блиц-интервью.

Народный танец, современный танец, балет – интересы многих девочек в детстве. Не все главным увлечением в итоге выбирают балет. И тем более не все решаются продолжать на более серьёзном уровне. Но Лиза выбрала именно этот путь: такой непростой, но с таким красивым результатом.

Первый шаг – Московское государственное хореографическое училище имени Л.М. Лавровского и три года учёбы в нём. Следующий, по совету педагогов, – Московская государственная академия хореографии. Девочка из небольшого города в Ростовской области поверила в себя и в свою мечту. И вот она – одна из лучших на курсе: музыкальная, выразительная и очень пластичная. И главный шаг уже тоже сделан – на сцену Большого театра.

Что Вас вдохновляет?
Когда человек искренне заинтересован и кайфует от того, что делает.

Я никогда не решусь на…
Отправиться в долгое путешествие на корабле

Самое большое достижение
Не могу назвать какое-то большое достижение, для меня очень важны маленькие победы.

Кумир из настоящего
Екатерина Крысанова и Наталья Осипова

Кумир из прошлого
Екатерина Максимова

Идеальный ужин. С кем?
В кругу любимых людей

Не могу не улыбнуться, если…
Вижу вечером прекрасные закаты

Партия мечты
Гамзатти, Коппелия

Самое яркое воспоминание за годы учёбы
Не могу выделить одно, для меня важны многие воспоминания: выступления на концертах, репетиции, уроки, моменты с друзьями. Много хорошего было за эти годы, что навсегда останется в моей памяти.

Казус
Сломала ногу в день экзамена

Самое сильное во мне – это…
Работоспособность

Недостаток, с которым я борюсь – это…
Нерешительность

Без чего Вы не готовы выйти из дома?
Без поцелуя в нос своей собаки

Любимый фильм
«Гордость и предубеждение»

Идеальный день
Когда я делаю то, что хочу, будь то какой-то активный день, полный событиями и впечатлениями, или спокойный день, когда я провожу время дома одна и ни с кем не общаюсь.

Любимая книга
«Поющие в терновнике»

Ожидания от ближайшего будущего
Освоиться в новом коллективе

Удача или упорство?
30/70

На какого мультипликационного героя Вы похожи?
Мой брат сказал, что я похожа на Фиксика

Весна или осень?
Весна

Первая мысль сегодня утром
Надо идти гулять с собакой

Перед сном книга или музыка?
Инстаграм

Любимый балет
«Баядерка», «Щелкунчик» и «Коппелия»

Путешествие мечты
Много стран, много новых мест, много впечатлений

Если бы не удалось попасть в МГАХ, то…
Училась бы дальше в училище им. Лавровского.

Ради успешной карьеры я готова пожертвовать…
Временем

Ритуал, который придаёт уверенности перед выходом на сцену или важным событием
Ни с кем не разговаривать, спокойно настроиться

В самом раннем детстве я мечтала стать…
Балериной

Опасения, связанные с отменой выпускных экзаменов
Проблемы с устройством на работу

Первая мысль, когда я узнала, что меня пригласили в труппу Большого театра…
Что?!

Ощущения сейчас
Легкое волнение, ожидание нового

Я никогда не пробовала, но очень хочу…
Полетать на самолете рядом с пилотом

Как бы Вы продолжили «Отчего люди не…»?
Могут быть всегда счастливы

Что для Вас «счастье»?
Любовь, семья и работа, которая приносит удовольствие

==========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Сен 02, 2020 6:12 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020090204
Тема| Балет, Латвийский Национальный театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Айвар Лейманис, Вадим Мунтагиров, Юлия Брауэр
Автор| Марина Ковалёва
Заголовок| В Национальной опере — премьера балета «Лебединое озеро»
Где опубликовано| © Латвийское радио 4
Дата публикации| 2020-09-02
Ссылка| https://rus.lsm.lv/statja/kultura/kultura/v-nacionalnoy-opere--premera-baleta-lebedinoe-ozero.a372799/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Foto: Andris Tone

В Латвийском Национальном театре оперы и балета сегодня премьера «Лебединого озера» — для исполнения партий Одетты/Одиллии и принца Зигфрида подготовлены четыре состава исполнителей, сообщает Латвийское радио 4.

В день премьеры 2 сентября заглавные партии исполняют премьер Лондонского королевского балета Вадим Мунтагиров — лучший Зигфрид в мире — и латвийская балерина Юлия Брауэр.

«Лебединое озеро» на музыку Петра Ильича Чайковского — это балет балетов, вечный балет, балет, который ставят в мире чаще всего, и в репертуаре Оперы он был при всех властях. Новая постановка отличается особой красочностью. Автор костюмов — знаменитый Роберт Пердзиола. Он свою карьеру начинал у Дзефирелли, работал в Метрополитен-опера, Большом и других театрах. Действо, как и задумывал Чайковский, разворачивается в Германии. В нашей версии его решено перенести в Баварию — в романтические замки Людвига II Нойшванштайн и Линдерхоф, пронизанные лебединым мотивом, ведь лебедь красовался на гербе предков короля Людвига.

За основу хореограф-постановщик Айвар Лейманис взял классическую версию Петипа—Иванова, балета 1895 года, поставленного еще при жизни Чайковского. Свои редакции «Лебединого» были у Вагановой, Григоровича, Нуреева, Ноймайера и многих других, но Лейманис придерживается первоисточника. И вот почему:

«Во всем мире обычно идет оригинальная хореография, есть, конечно, какие-то нюансы в каждом театре, и есть абсолютно новые постановки, где в воде танцуют... Когда ставился этот балет, конечно, главное было — балерина! И у мужчин не было особо много техники в этом балете. Я поставил новую вариацию для принца, монолог для принца, для Ротбарта, для шута...»

Мужскую заглавную партию 2 и 4 сентября исполнит премьер Лондонского королевского балета Вадим Мунтагиров — танцовщик, титулованный «лучшим в мире Зигфридом». Он отметил особенность рижской постановки:

«Сейчас мне очень приятно танцевать эту версию, потому что вот выходишь на сцену — и не чувствуешь, что ты опять «Лебединое...» танцуешь, а чувствуешь, что танцуешь что-то новое. Сцена с Ротбартом новая! Для меня это первый раз, где мне надо очень много прыгать, где очень много «физики» — физической нагрузки».

Вадим Мунтагиров партию Зигфрида исполняет 10 лет. Как он может объяснить, что принц Зигфрид принял Одилию за Одетту, ведь это два совершенно разных типа женщин? На вопрос Латвийского радио 4 на устах у премьера появилась улыбка, а в зале раздался смех:

«Даже не знаю... В принципе, это очень похоже с «Жизелью», допустим, где я опять-таки плохой. С одной стороны, немного неприятно танцевать эту партию, потому что в жизни я никогда такого бы не сделал, я нормальный человек и никогда бы так не поступил, чтобы променять на кого-то... Тяжело ответить на этот вопрос! Возможно, когда ты влюблен, теряются все мысли — может, она пришла такая красивая, вся в черном — по-другому выглядит, но какие-то движения повторяются из Белого па-де-де. И тут ты понимаешь, что это Она, что мы прошлой ночью так же танцевали вместе... Вот такая у меня версия».

Партнерша Вадима Мунтагирова по сцене — латвийская балерина Юлия Брауэр. Она исполнит партии Одетты/Одиллии, которые считает одинаково сложными:

«Что Белый, что Черный лебедь, они каждый сложны по-своему. Партия Белого лебедя мягкая и лиричная, и тебе надо ее пропеть, а не просто стоять на балансе — до кончиков пальцев ног пропеть всю скрипку! Вот в партии Черного лебедя надо сочно руками станцевать, пропеть то, как она заманивает Зигфрида, обманывает… Это тоже очень сложно! Если говорить о передаче чувств, то создать образ сложнее, чем справиться с техникой», — добавляет балерина.

Балет «Лебединое озеро» допускает два финала — чаще трагичный, погибает Белая лебедь — Одетта, иногда и Зигфрид вместе с ней, реже встречается хеппи-энд. Вадим Мунтагиров станцевал 14 разных вариантов. Сколько из них было с хорошим концом?

«Даже не знаю, не считал! Мне больше нравится, когда радостный конец, потому что все-таки музыка такая приятная: рассвет, и не хочется быть грустным оттого, что Одетта погибла — всегда приятнее, когда вы вместе».

В редакции Айвара Лейманиса Зигфрид одолевает колдуна Ротбарта, любовь Одетты и Зигфрида побеждает, но с оговоркой:

«Спектакль все-таки кончается тем, что вроде бы Ротбарт погиб, но взмахом его крыльев кончается спектакль. Что это значит? Что зло побеждено, но не уничтожено. Что впереди, может быть, будет еще что-то другое».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Сен 02, 2020 11:09 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020090205
Тема| Балет, Академия им. А. Я. Вагановой, МТ, Персоналии, Елизавета Авсаджанишвили
Автор| Алиса Асланова / Фотограф: Ира Яковлева
Заголовок| Елизавета Авсаджанишвили
Где опубликовано| © La Personne
Дата публикации| 2020-09-02
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/vaganova-mariinsky-elizaveta-avsajanishvili/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Этот год стал настоящим испытанием не только для артистов балета, но и для выпускников балетных школ. Они разом лишились выпускных экзаменов и концертов, нормальной подготовки к просмотрам в театры. Нередко выпускные экзамены и концерты имеют судьбоносное значение в жизни артистов балета, это своеобразная точка отсчета для выпускников хореографических училищ.

Сегодня мы рассказываем вам об одной из лучших выпускниц Академии им. А. Я. Вагановой 2020 года. Елизавета Авсаджанишвили – ученица легендарного педагога Людмилы Валентиновны Ковалевой, еще совсем недавно не знала как сложится ее судьба. Сегодня Елизавета уже артистка Мариинского театра. В интервью La Personne балерина рассказала о сложностях, с которыми столкнулась во время карантина, как проходил просмотр в Мариинский театр и какие цели она ставит перед собой сегодня.




Елизавета, можно вас поздравить с работой в театре после выпуска?

Думаю, все артисты балета и люди, связанные с искусством, согласятся, что было непросто вдруг покинуть сцену, ежедневную работу в зале и оказаться около кухонного стола вместо балетного станка. Мы, выпускники, очень ждали выпускных спектаклей, ведь мы получаем рабочие места в театре после того, как на нас посмотрят на сцене и на экзаменах. Ситуация оказалась крайне сложная.

Я надеялась, что случится чудо и мы получим возможность просмотреться в театры. И моя надежда оправдалась. Когда Мариинский театр вновь открылся для зрителей, нас просмотрели. И сегодня я уже могу сказать, что стала частью этой большой семьи под названием Мариинский театр!

Как проходил просмотр?

Из-за ситуации с пандемией просмотр в театр мы ждали долго. Объявили о нем неожиданно! После сдачи теста на Covid-19 я смогла прийти на просмотр. Скажу честно, было крайне волнительно вновь оказаться в зале около станка перед комиссией с концертмейстером и с педагогом. А дальше, как обычно, мы сделали балетный экзерсис, и по итогам нам объявили результаты.

Как вообще на вас повлияла ситуация с карантином? Как вы держали себя в форме? Что пришлось предпринимать для поддержания формы?

На мой взгляд, время, которое мы получили на карантине — это не трата времени. Карантин и самоизоляция дала возможность работать над собой, вновь поставить цель в жизни, найти ответы на вопросы. Мой педагог Людмила Валентиновна Ковалева однажды мне сказала: «Из этой страшной ситуации нужно выйти победителем». Именно эта фраза мотивировала меня каждый день. Я работала над собой и для себя, использовала это время, чтобы стать лучше.

Как решили вопрос с экзаменами в Академии? Расскажите, как проходило обучение во время карантина?

Академию закрыли на карантин достаточно резко. У нас должны были начаться Государственные экзамены через несколько дней, и ситуация была абсолютно непонятной. Никто не знал, что будет и как все закончится для выпускников.

Во время карантина у нас проходили уроки дистанционно, сессию по общеобразовательным урокам сдавали через приложения для видео-конференций, а для методики записывали видео с определенными комбинациями, придуманными педагогами, и отправляли все по почте. К сожалению, для нас Гос. экзамены не состоялись.

Если смотреть глобально, что самое важное дала вам учеба в Академии, что вы пронесете через всю свою жизнь?

Дисциплина, терпение и знание.

Самое яркое воспоминание во время учебы?

Каждый выход на сцену, гастроли в Японии, которые оставили яркий отпечаток в моем сердце, и местные люди, встречающие нас после спектаклей с аплодисментами и подарками. Конечно, в моей памяти навсегда останется первое выступление в роли принцессы Маши на сцене Мариинского театра. То чувство, которое я испытала после спектакля, даже не могу описать словами, это было что-то волшебное. Тогда мне только исполнилось 16 лет, и это был первый балет, в котором я станцевала ведущую партию.

Что вас вдохновляет?

Многое. Например, музыка. Может вдохновлять даже одна фраза из мелодии, услышанная на классике или на репетиции, или даже из не классической музыки. Обычно я сохраняю мелодию и переслушиваю ее множество раз.

Люблю смотреть старые записи, архивы балетных спектаклей. Своеобразный подход к партиям танцовщиков прошлых лет, их выстраивание роли, проработка мелких жестов, актерская игра, виртуозность – все это вдохновляет безгранично.

Вдохновляют аплодисменты. Очень сильно. Для зрителей всегда хочется сделать что-то большее, чтобы они получили удовольствие и полюбили твое творчество.

Какие цели вы для себя поставили сегодня, когда ваш творческий путь только начинается?

На сегодняшний день в балетном мире техникой никого не удивишь. Это мое мнение, многие наверняка со мной не согласятся. В каждой большой труппе техника на высшем уровне, а вот, что касается индивидуальности — это редкость. Я всегда обращаю внимание на индивидуальность и личность в балете. Считаю,что именно индивидуальность делает балерину особенной и выделяет от остальных. Моя цель на данный момент – поиск личности, путь к индивидуальности и работа над собой. Поэтому труд, труд и еще раз труд.

Присущи ли вам страх или сомнения перед будущим?

Всегда интересно, что ждет нас в будущем, и я часто задумываюсь, какой будет моя жизнь через пять или десять лет. Всегда думаю позитивно и отправляю позитивные мысли в космос, но знаю, что для хорошего будущего необходимо работать здесь и сейчас.

Ваше состояния духа в настоящий момент?

На данный момент я начинаю новую страницу своей жизни. Не знаю чего ожидать, к чему готовиться. Я словно ребенок, которому подарили книжку и он с нетерпением ждет, когда начнет читать и проникнет в ее новый увлекательный мир.

Благодарим Академию им. А. Я. Вагановой за помощь в создании съемки.

Фотограф: Ира Яковлева

==============================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Сен 03, 2020 12:38 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020090301
Тема| Балет, Современный танец, Персоналии, ДИАНА ВИШНЁВА, ОХАД НААРИН
Автор| Богдан Королёк
Заголовок| РАЗГОВОР ИЗ ДВУХ УГЛОВ
ДИАНА ВИШНЁВА И ОХАД НААРИН В ПОИСКАХ ТОЧЕК ПЕРЕСЕЧЕНИЯ СОВРЕМЕННОГО ТАНЦА И КЛАССИЧЕСКОГО БАЛЕТА

Где опубликовано| © Журнал Музыкальная жизнь
Дата публикации| 2020-09-03
Ссылка| http://muzlifemagazine.ru/razgovor-iz-dvukh-uglov/
Аннотация| Диалог



Фестиваль Context. Diana Vishneva при участии Посольства Израиля в России провел онлайн-программу, которая завершилась разговором балерины Дианы Вишнёвой (ДВ) и хореографа Охада Наарина (ОН). По просьбе «Музыкальной жизни» Богдан Королёк расшифровал и прокомментировал наиболее важные фрагменты двухчасового диалога.

«Израильский contemporary dance» — явление того же рода, что и «швейцарские часы»: знак качества, безусловное признание, заочное восхищение. Спектаклями хореографов-израильтян любят время от времени щеголять респектабельные труппы и фестивали. Context не исключение: в течение семи прошедших сезонов здесь представляли свои работы Ицик Галили, Барак Маршал, Даниэль Агами и Хофеш Шехтер – все популярны и любимы в мире.В этом ряду Охад Нахарин — почти что Ulysse Nardin.
Двадцать восемь лет кряду Наарин стоял во главе тель-­авивской Batsheva Dance Company, за это время утвердив ее в числе лучших танцевальных театров. В минувшее десятилетие и отечественную сцену сразил «вирус Наарина» – к слову, именно так назывался спектакль, который Batsheva исполнила в Петербурге весной 2017-го, ровно за год до того, как Наарин оставил руководство труппой, и под занавес фраппировала зрителей потоком инвектив: со сцены в русском переводе зачитывали финал пьесы Петера Хандке «Оскорбление публики», и трудно было придумать что-либо своевременнее и желаннее для публики российской.

Впрочем, славу в мировом танцевальном сообществе, истощенном открытиями ХХ столетия и непреходящим дефицитом идей, Наарин стяжал не скандальными сценическими эскападами, а изобретением под названием «гага». Это не стиль и не техника, скорее – исследовательский метод, изучение взаимодействия танцовщиков с собственным телом и друг с другом. Наарин разработал его, наблюдая поведение животных, и до сих пор любит говорить об «обнаружении зверя внутри себя». Гага отрицает понятие техники как неизменного набора правил и приемов для повтора-заучивания за преподавателем; она предполагает два курса, для танцовщиков-профессионалов и для всех желающих вне зависимости от рода занятий и сценического опыта. Цель, по слову изобретателя, – «научиться прислушиваться к собственным ощущениям», сверяясь только с телом, а не с зеркалом, как это принято в классическом танце (и, например, Диана Вишнёва в минувшем разговоре призналась, что после работы с Наарином начала сторониться балетных зеркал).

Хозяйка Context’а впервые изучала гага на репетициях балета Наарина B/olero – на фестивале 2016 года Вишнёва исполнила его вместе с парижской этуалью Орели Дюпон. Сезон-2020 обещал премьеру «кабаре-шоу» Playback, совместной постановки фестиваля и Batsheva Dance Company: снова, разумеется, гага, снова тексты Хандке (теперь не оскорбления, а «благословения») и Наарин, исполняющий на бас-гитаре собственную музыку. Теперь московская премьера отложена без объявления новых дат.


Орели Дюпон и Диана Вишнёва в спектакле B/olero, 2016

Нынешний разговор Дианы Вишнёвой и Охада Наарина стал в русскоязычном поле самым подробным интервью хореографа, который вообще не слишком склонен излагать свое «творческое кредо» письменно и устно. Большей частью диалог касался биографии Наарина и совместной работы собеседников: теплая личная интонация была способна растрогать чувствительных слушателей. Однако главной темой, протянувшейся через весь разговор, стало сближение классического балета, который представляет действующая прима Мариинского театра Вишнёва, и того искусства, которым занимается Наарин и которое принято обозначать расплывчатым термином «современный танец».

Диана Вишнёва первой из постсоветских балерин отважилась на столь масштабное включение нового танца в личный (и, в конечном счете, российский) репертуар – и в этом отношении имела великую советскую предшественницу. Майя Плисецкая, выступив в балетах Ролана Пети и Мориса Бежара, стерла границы между «балетной карьерой» и «небалетной репутацией» – да и внутри самих балетов Бежара и Пети пытаться обозначить водораздел «классика-неклассика» проблематично и попросту вредно.

Какие различия публика и критика обычно подразумевает, всякий раз сталкивая лбами современный и классический танец: те, что связаны собственно с телесным поведением и телес­ной этикой, или социально-политические? Возможно, сегодня уместно ввести термин «сценический танец» и отказаться от жесткого подразделения танца на два вида. Фестивали, подобные Context. Diana Vishneva, убеждают, что на уровне поэтики современный танец и классический балет имеют намного больше общего, нежели о том привычно рассуждать.

Гага

ДВ
Мне до сих пор непонятно, почему ты моментально согласился работать со мной: у тебя, кажется, не было опыта взаимодействия с классическими танцовщицами? В то время, когда мы познакомились, наши миры практически не пересекались.

ОН У нас гораздо больше сходств, чем различий: страсть к танцу, сила воображения, профессионализм. К моменту знакомства я еще не видел тебя в танце – тогда я отправился на YouTube и просто стал наблюдать за тем, как ты танцуешь. Тело не лжет: я сразу увидел артиста, человека, который чувствует движение, соединяет тяжелое физическое усилие с наслаждением и любовью к искусству. Меня всегда тянет к человеку, который чувствует свое тело – знает, как оно работает не потому, что видит себя в зеркале, а потому, что чувствует его изнутри, чувствует связь со взрывной энергией танца.

Суть танца заключается не в стиле. Мы можем говорить на разных языках и использовать разные стили, но все равно будем встречаться в точке выражения сути танца. Гага – не стиль. Представь, что это ящичек с инструментами, который может использовать абсолютно любой танцовщик. Мне нравится работать с профессиональными артистами: они способны совершенно по-разному использовать эти инструменты.

ДВ Гага учит получать удовольствие от движения, даже когда становится физически непросто, например, во время выступления. Она полна контрастов: медитативные элементы, которые требуют расслабления, например, floating («плавание», одна из основных категорий в педагогике гага, предполагающая не определенный класс движений, а состояние контроля над телом и гравитацией. – Б. К.), соседствуют с моментами невероятного усилия.

ОН Что касается floating, все просто: главное, отрицать гравитацию. Это самая важная сила в жизни и в танце – нужно сделать так, чтобы она не довлела над нами. Чаще всего танцовщики не учатся прислушиваться к этой силе, но это позволяет сделать танец более мягким, а движение – более протяженным. Кому-то это дается естественно, как тебе, но этому можно научиться. Каждый вечер, ложась в постель, спрашивать себя: чему я сегодня научился, как сумел выйти за пределы привычного, вообще, зачем я танцую? Не как, а зачем. Зачем ты танцуешь, Диана?

ДВ Я воспринимаю мир через движение, меня движет мое нутро и эмоции. От многих правил, которым меня учили, мне пришлось отказаться, некоторые из этих правил стали казаться мне идиотскими – уроки гага стали для меня перезагрузкой тела. Только столкнувшись с современным танцем, я поняла, что такое гравитация.

ОН Преодоление гравитации всегда предполагает движение вверх – в этом сходство классического и современного танца. Важно то, как мы используем эту взрывную силу, позволяем ли себе мягко входить в движение, внимательны ли мы к проявлениям слабости в своем теле. Проводя много времени перед зеркалом, танцовщик начинает концентрироваться на своем изображении, забывая прислушиваться к своим ощущениям. В этом случае он становится мебелью, а не зверем, каким он может быть в танце.

ДВ Раньше я выстраивала линию своего тела только через зеркало. Теперь я сторонюсь зеркал.

ОН Танец – это прежде всего чувствование. Когда мы танцуем, мы не видим себя: ощущаем кожу под одеждой, чувствуем, как нас касается воздух, – и здесь мы наконец приходим к соединению усилия и удовольствия. Удовлетворение танцем не в том, как мы выглядим со стороны и что показываем публике. Для танца не нужна публика и не нужна музыка – нужно только пространство. Да, мы репетируем и погружаемся в процесс, затем танцуем перед другими, но суть процесса и наши ощущения не меняются: иногда мы можем стать наблюдателями и следить за публикой, которая следит за нами, – только находясь при этом в действии.

ДВ Ты имеешь звание профессора Джульярда, где гага включена в учебный курс. Хотел ли ты облечь свою методику в письменную форму? Может быть, пора конвертировать свои наработки в цифровой формат, сделать онлайн-платформу, где бы ты объяснял принципы гага на примере своих спектаклей?

ОН Онлайн-платформа интересна как способ расширения моего исследования, а не архив. Завтра я проведу занятие для 250 преподавателей гага со всего мира. Новые возможности коммуникации, открывшиеся во время карантина, теперь останутся с нами надолго, они имеют огромную ценность: позволяют делиться знанием с очень многими людьми. У нас есть нечто вроде внутреннего учебника, где зафиксированы основные термины гага, но превращать его в официальное пособие пока не хочется: исследование не окончено, и я не уверен, что когда-­нибудь вообще захочу написать книгу.

Карьера

ДВ
Мама привела тебя в Batsheva Dance Company, когда тебе было 22 года. Затем ты выступал в Нью-Йорке у Марты Грэм, затем – в труппе Мориса Бежара. О тебе отзывались как об очень хорошем исполнителе: нечасто бывает, что хореограф в прошлом был выдающимся танцовщиком. Но почему такое позднее начало?

ОН Я жил в маленькой деревне, где нельзя было получить танцевальное образование, занимался спортом, гимнастикой, музыкой, но никогда не стремился танцевать профессионально – совершенно как моя дочь: она все время говорит, что не хочет заниматься танцем и при этом постоянно танцует. До армии (Наарин служил в годы Египетско-израильской войны 1967–1970 годов. – Б. К.) я хотел стать архитектором, но к концу службы стал думать, что делать дальше, и сумел договориться о занятиях в Batsheva. Это не было серьезным карьерным решением: мне просто нравилось танцевать. Классический танец и техника Марты Грэм – вот моя основа.

Ставить я начал после травмы и операций на позвоночнике. Во время реабилитации я перепробовал все доступные методы – физио­терапию, тайчи, пилатес – и стал искать новые способы работы с телом, новый язык. Мне всегда было любопытно, как движется тело в пространстве. Это и породило новый язык, хотя название «гага» появилось только 15 лет спустя: все это время мы работали в репетиционном зале как в научной лаборатории.

Я учился ставить в процессе постановки: десять лет работы в Нью-Йорке были прекрасной школой. Общение с артистами было непростым процессом: тогда я понял, как важно создавать для артиста ощущение безопасности. Главное, я дал себе возможность заходить в репетиционный зал без знания того, что именно получится в финале. Тем лучше будет результат, чем больший разрыв я допущу между первоначальным замыслом и итогом. В Batsheva мне еще многому предстояло научиться – прежде всего, как превратить конфликт в диалог.


Диана Вишнёва и Охад Наарин репетируют B/olero, 2016

ДВ Ты думаешь о том, какое наследие оставишь в Batsheva после себя – ведь сейчас существует культ Batsheva, связанный с твоим именем, – и допускаешь ли появление других хореографов, не связанных с языком гага? В первые годы твоей работы для Batsheva ставили Килиан, Форсайт, Прельжокаж…

ОН Я уже не являюсь руководителем труппы, нынешний арт-директор (Гили Навот, занявшая этот пост в сентябре 2018 года. – Б. К.) работает так, как хочет, и я ей доверяю. Я не теряю связь с компанией и продолжаю исследование. Не скажу, что часто пытаюсь заглянуть в будущее. Предпочитаю вкладываться в момент, в людей, передавать то, чему я научился и во что верю. Пусть это будет вкладом не в великое светлое будущее, но в такое будущее, которое будет чуть лучше настоящего.

ДВ Свои спектакли ты продолжаешь репетировать сам?

ОН Да, пусть и не каждый день. Премьера – это промежуточная стадия. Даже если она прошла десять лет назад, мы все равно встречаемся с артистами и продолжаем что-то менять. Самая важная точка соприкосновения с артистами – утренний гага-класс три раза в неделю. Это место, где происходит открытие нового, и для меня это важнее создания новой работы.

ДВ Ты смотришь все свои спектакли и ездишь с труппой на гастроли. Устраиваешь ли ты разборы исполнения с артистами?

ОН Крайне редко общаюсь с ними после спектакля, даже если мне что-то не понравилось. Предпочитаю провести ночь со своими впечатлениями и поделиться ими на следующий день. Может быть, артисты с удовольствием послушают комплименты после выступления, но это не будет важным вкладом в работу. После спектакля нужна тишина.

Признание

ДВ
Ты всегда показываешь другим людям, насколько они важны для самих себя. В твоих постановках много абсолютной радости, но также много боли, и этот контраст поражает. Можно ли вытанцевать боль?

ОН Боль и радость сосуществуют. Когда я проходил реабилитацию после травм или когда переживал уход жены (первая супруга Наарина, танцовщица Мари Кадзивара, скончалась от рака в 2001-м. – Б. К.), это происходило параллельно с танцем: боль не изгоняла из жизни радость. Танец не избавляет от боли и не выражает ее – он делает танцующего сильнее.

ДВ Многие твои работы связаны с текущей политической повесткой. Я была на одном из твоих спектаклей, и он несколько раз прерывался одиночными протестами в зале. Готовишь ли ты артистов к таким ситуациям? Как художник должен реагировать на политическую цензуру?

ОН Протесты происходили во время гастролей, в основном в Великобритании, и были организованы пропалестинской организацией, поскольку нашу труппу финансирует правительство Израиля. То есть протестовали против оккупации палестинских территорий, а не против нашего спектакля. Я тоже против оккупации, но не уверен, что акции во время танцевальных спектаклей помогают палестинцам.

Что касается моих работ… Можно жить в маленькой швейцарской деревушке и постоянно подвергаться насилию со стороны отца – такой ребенок будет травмирован гораздо сильнее, чем я, выросший, казалось бы, в непростых условиях. Вопросы, которые я поднимаю, – вопросы этики, вопросы человеческого достоинства. Это личное, а не политическое высказывание.

ДВ Как ты относишься к критике своих спектаклей – насколько тебе важно быть понятым?

ОН Много лет назад мне хотелось, чтобы меня любили, а не понимали, потом чтобы меня понимали, а не любили, но теперь снова все поменялось, и я хочу, чтобы меня любили, а не понимали.

ФОТО: МАРК ОЛИЧ, ASCAF
========================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Сен 03, 2020 5:16 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020090302
Тема| Балет, Театра оперы и балета республики Коми, Персоналии, Марианна Рыжкина
Автор| Наталия Колесова
Заголовок| Марианна Рыжкина. От Москвы до Сыктывкара
Где опубликовано| © ClassicalMusicNews.Ru
Дата публикации| 2020-09-03
Ссылка| https://www.classicalmusicnews.ru/articles/marianna-ryzhkina-2020/
Аннотация| творческий портрет



Марианна Рыжкина, прима-балерина Большого театра, заслуженная артистка России, с недавних пор возглавляет Театра оперы и балета республики Коми. Для того, чтобы сменить ритм столичной жизни и первую сцену страны на суровые, без преувеличения, будни театра в столице северной республики, требуется неординарная сила характера и воля.

Марианна не только занята ежедневной работой с труппой, созданием живого и оригинального репертуара, но и неустанно заботится о том, чтобы вывести своих солистов на новый уровень. Поэтому ее подопечные Анастасия Лебедик и Ринат Бикмухаметов и приняли участие в теле-шоу «Большой балет».

Заняв пост главного балетмейстера Театра оперы и балета Коми, Марианна пополнила весьма немногочисленные ряды женщин-руководителей балетных трупп, среди которых Наталия Касаткина, Нина Ананиашвили и Орели Дюпон. Все сомнения и тревоги по поводу этого решения померкли, когда Марианна познакомилась с труппой. Вместе они работают уже два года, и отношения только укрепляются.

В Сыктывкаре Марианне Рыжкиной нашлось применение и как хореографу, и как педагогу. Начала с того, что поставила «Вариации на тему рококо» на музыку Чайковского. Для исполнения ведущей партии виолончели в Сыктывкар пригласили солиста оркестра Большого театра Арсения Котляревского.

К 80-летию Екатерины Сергеевны Максимовой, Марианна, одна из самых верных учениц Максимовой, представила вечер-посвящение, на который приехал Владимир Викторович Васильев. Вечер состоял из трех отделений – премьеры «Привала кавалерии» Петипа в реконструкции Н. Н. Воскресенской, «Вальпургиевой ночи» и гала-концерта, в котором сама Рыжкина исполнила «Элегию» Рахманинова в постановке В.В.Васильева.

Понимая, как не хватает молодым артистам «энергетического обмена» и общения с «живыми легендами», при каждой возможности она приглашает в Сыктывкар артистов Мариинского, Большого, театра Станиславского. Давать мастер-классы приезжал сам мэтр Михаил Леонидович Лавровский.

К счастью, Сыктывкар находится всего в 1 часе 20 минутах лета от Москвы. Многие звезды с радостью соглашаются приехать. Сама Марианна работает буквально с утра до ночи, поэтому скучать по дому в Подмосковье, родителям, мужу Борису Ефимову и двум взрослым сыновьям, Климу, артисту Большого театра, и Глебу, студенту факультета промышленного дизайна Британской высшей школы дизайна, она почти не успевает.

За месяцы пандемии Марианна, как и многие балетные педагоги, вела он-лайн классы, прекрасно понимая, насколько пагубно столь долгие перерывы могут отразиться на техническом состоянии труппы. Тем более, что партнерский танец вообще можно поддерживать только в процессе репетиций.

И перед учениками балерины, молодыми участниками программы «Большой балет», стояла задача вернуться в форму в кратчайшие сроки. Анастасия Лебедик и Ринат Бикмухаметов справились блестяще, записали шесть программ. И Настя, недавно поступившая в театр, и ведущий солист труппы Ринат подготовились к съемкам в рекордный срок. Это было преодоление, настоящая борьба с собой. Репетиции начались в Коми, потом работа продолжилась на съемках в Москве.


Ринат Бикмухаметов, Марианна Рыжкина, Анастасия Лебедик. Фото – Михаил Логвинов

В программы вошли «Вальс» Мошковского в постановке В. Вайнонена в редакции, переданной Р. С. Стручковой, дуэт из «Золушки» в постановке М. Рыжкиной, «Цыганский танец» К. Голейзовского из «Дон Кихота» у Насти, вариация из «Пламени Парижа» у Рината, вставное Па-де-де из I акта «Жизели», кадриль из оперы Р. Щедрина «Не только любовь» постановке М. Рыжкиной.

Шестую программу – современный номер – репетировали он-лайн со шведским хореографом Анникой Хоглинг. Страсти разгорались еще сильнее от того, что участники не имели возможности встретиться с современными хореографами лично. На съемках все артисты предельно сконцентрировались, впитывая уникальный опыт. Работа кипела круглосуточно – запись, грим, интервью. В сентябре программа «Большой балет» выйдет на телевидении, и мы узнаем имена победителей.

Марианна Рыжкина по-прежнему выходит на сцену. Танец приносит ей удовольствие. Как в последней премьере – сложнейшей хореографии Джорджа Баланчина «Кончерто барокко» на музыку Баха.

Приезжая в Москву, она постоянно бывает в Большом театре. В качестве педагога-репетитора ведет с солистами спектакль Джона Ноймайера «Анна Каренина». В Большом хранятся ее костюмы, в гримерной, как прежде, стоит туалетный столик.

Большой театр сильно изменился за последние годы, стал активным, современным. Для многих артистов жить интересами и жизнью театра – понятия из «прошлого века». С грустью Марианна наблюдает, как связь поколений прерывается.

Формируя репертуар труппы Театра оперы и балета Коми, она старается соблюдать баланс между спектаклями большой формы – «Дон Кихотом», «Лебединым озером», «Щелкунчиком», «Жизелью», «Баядеркой» и современной хореографией. Понимая, что Республика Коми – специфический регион, где театр должен быть неким центром притяжения, она видит свою цель еще и в том, чтобы работать с публикой, воспитывать ее, просвещать.

У главного балетмейстера здесь есть множество задач, помимо творческих: приходится бороться и за чистоту лестниц, и за специальное покрытие пола для балетных артистов. Это ежедневное подвижничество оправдывается искренней заинтересованностью и преданностью молодых артистов.

Для балерины, у которой в жизни и карьере есть и было все, главными становятся иные приоритеты. Не амбиции хореографа или лидера, не борьба с химерами. А просто работа, которая и есть награда.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Сен 04, 2020 8:52 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020090401
Тема| Балет, Бурятский театр оперы и балета, Проект «Большой балет», Персоналии, Касси Абраншес
Автор| пресс-служба театра
Заголовок| Как «Большой балет» объединил Бразилию и Бурятию
Где опубликовано| © «Байкал Daily»
Дата публикации| 2020-09-04
Ссылка| https://www.baikal-daily.ru/news/16/397907/
Аннотация| «Большой балет»


Фото:Cassi Abranches

Творческий симбиоз артистов Бурятского театра оперы и балета и бразильского хореографа настолько поразил участников, что может вылиться в масштабное сотрудничество

Причём здесь балет и Бразилия?

Эх, Бразилия. Страна золотых пляжей, голубого океана и футбола. Что же тебя, латиноамериканский объект вожделения Остапа Бендера, может объединять с далёкой степной Бурятией? Можно ли вообразить точки соприкосновения у двух совершенно разнополярных регионов? До лета 2020-го уважаемые знатоки межэтнических отношений наверняка сошлись бы во мнении, что в чёрном ящике вряд ли может быть что-то за исключением кофейных зерен.

Теперь же всё поменялось, и фактором сближения стала одна из самых мощных сил в мире. Сила искусства. Началом потенциально интересных взаимоотношений стал главный балетный телепроект России – «Большой балет» на телеканале «Россия-Культура», в четвёртом сезоне которого приняла участие пара из Бурятского театра оперы и балета – Харука Ямада и Эрдэм Сандаков. По условиям конкурса участники готовят семь различных номеров, и одним из них является «Современный танец в постановке зарубежного хореографа».

Наш дуэт ждал, что под иностранным хореографом подразумевается какой-нибудь соотечественник, перебазировавшийся за рубеж, но худрук балетной труппы Баярто Дамбаев огорошил ребят – с ними будет работать педагог из Бразилии.

И здесь даже не совсем далёкий от мира искусства читатель вместе с Эрдэмом и Харукой поднимет брови в порыве удивления. Для начала, казалось бы вообще, причём здесь балет и Бразилия. Следом возникает ещё череда вопросов. Хотя бы, как можно ставить номер: а) по видеосвязи б) в условиях языкового барьера в) с многочасовой разницей во времени. Ну и, наконец, главный: «Кто же этот загадочный хореограф?». Разбираемся по пунктам.

«Были в курсе регалий Касси, но взяла она нас другим»

Знакомьтесь, Касси Абраншес. Бывшая танцовщица, приступившая к работе хореографом в 2009 году, а уже через три года по приглашению бразильского правительства ставила шоу для церемонии открытия Мирового экономического форума в Швейцарии. В 2016-м Касси отвечала уже за церемонию открытия Паралимпийских игр в Рио. В 2019-м презентовала свой последний спектакль Agora, который не только принёс автору престижную латиноамериканскую премию APCA Award 2019 за лучшую хореографию, но и с громадным успехом выступил на знаменитом фестивале Moviemento в немецком Вольфсбурге, после чего получил предложение на гастрольный тур по всей Западной Европе и Великобритании.

Регалии внушают, но самое забавное, что работа с нашей парой стала возможна вовсе не из-за громких строчек в творческом досье бразильянки.

- Продюсеры «Большого балета» предложили нам несколько вариантов, и мы остановили свой выбор на Касси, – делится подробностями Баярто Дамбаев. – Конечно, мы с педагогом Татьяной Муруевой были в курсе достижений Касси, но взяла она нас не этим. Не всегда имя хореографа гарантирует решение задачи. Нам же нужен был танец, который максимально бы подходил возможностям ребят. Мы же отлично знаем все их сильные и слабые стороны и можем визуально заранее представить исполнение. Номер Касси показался самым подходящим. Стало ясно: Харука и Эрдэм будут смотреться выгодно.

Насколько попали в десятку с выбором южноамериканки в качестве хореографа мы узнаем осенью, когда отснятый в июле «Большой балет» выйдет на «Культуре». Но об одном уже можно говорить с уверенностью: совместная подготовительная работа стала началом маленькой бурятско-бразильской балетной дружбы. И в итоге она может стать началом большого творческого союза, который принесёт много новых эмоций нашему зрителю.

Восторг через тысячи километров

- Касси классная, – улыбается Эрдэм. – Никогда не пилила нас, не ругала. Даже не требовала каноничного исполнения номера, как в кино, давала простор для импровизации и все время убеждала: «Это уже ваш танец, добавляйте своё!».

Кино из цитаты Эрдэма – «Рио, я люблю тебя». Именно на танце из художественного фильма о жизни крупнейшего бразильского города, поставленного Абрашес, остановили свой выбор Дамбаев и Муруева.

- К общению через переводчика привыкли быстро, а вот с подстройкой графика репетиций по времени было сложновато, – продолжает артист нашего балета. – Пока готовились в Улан-Удэ вроде бы ясность наступила быстро. Когда у нас семь вечера – у неё утро. А уже в Москве, где у нас также было две видеорепетиции уже на самом конкурсе не сразу нашли удобный отрезок.

У Харуки от воспоминаний о совместной работе с Касси и вовсе задрожал голос:
- Репетируем танец и слышим, как она кричит из экрана: «Граси, граси». А ведь её восторг летит через тысячи километров. Аж дух захватывает. Когда прощались, она разрыдалась. Честно, были в полном шоке.

Ничего себе! Вот это нерв, вот так накал страстей. Мы, безусловно, догадывались об импульсивности натуры бразильцев по многочисленным сериалам, но после таких искренних подробностей не могли не связаться с самой Касси.

- Первый опыт сотрудничества с Россией плюс ещё и на сто процентов виртуальный, но получилось так удачно, – Касси с удовольствием делилась подробностями по мессенджеру, сопровождая текст смайликами с сердечками и поцелуйчиками. – Харука и Эрдэм очень талантливы, и самое важное, чисты, как байкальская вода. Не удивительно, что люди к ним тянутся, и я вот не стала исключением. У нас получилась настоящая команда. Надеюсь, у моих бурятских друзей остались такие же тёплые впечатления не только от профессионального, но и личного общения. Теперь вот жду-не дождусь, когда мне пришлют ссылку на трансляцию «Большого балета». Уверена, что у ребят всё и так получилось шикарно. Для меня большая честь принять участие в таком уникальном проекте. Качество продакшна по предыдущим сезонам просто поражает.

«Украду у вас Харуку и Эрдэма»

Харука и Эрдэм уже строят планы однажды добраться до Бразилии и познакомиться с запавшим в душу хореографом уже лично, но это артисты – люди эмоций, поэтому даже не знают, что, возможно, встретиться им предстоит не в частном, а в рабочем порядке.

- Теперь мечтаю пригласить Касси к нам в театр, - приоткрывает творческие планы Баярто Цырендоржиевич. – Пока всё упирается в финансы, но постараюсь как-то вопрос решить. Нам бы очень помогло такое сотрудничество, ведь у неё свой особый язык танца. Мы движемся в плане постановки спектаклей в современном танце, но у нас нет концертной программы из отдельных номеров. Для развития надо двигаться в этом направлении, и мы стараемся развиваться. Ставили «Сон в летнюю ночь», весной планируем неоклассику «Ромео и Джульетта». Но, повторюсь, для концертной программы, допустим, для балетного гала-вечера надо привлекать сторонних хореографов для постановки характерных номеров. И помощь Касси могла бы оказаться неоценимой. У неё свой особый взгляд.

Сама Абрашес не только горит желанием приехать или пригласить Эрдэма и Харуку в свои проекты, но и вообще установить связь между бурятским и бразильским балетом. Между прочим, Бразилия – единственная страна в мире, где есть международный филиал Большого театра. Да-да, в городе Жоинвиль, и в этом году он отметит 20-летний юбилей своего существования. Решение о создании принимал знаменитый Владимир Васильев, а руководит ей Павел Казарян.

- Школа Большого – одна из ведущих в нашей стране, –подчеркнула Касси. – Неоднократно с ними сотрудничала, мне очень нравится их философия, структура и методология. Директор школы Павел Казарян – мой друг и рассчитываю в будущем свести его с Баярто по вопросам возможного взаимодействия. Вы же в курсе, что несколько выпускников школы входят в труппы российских театров? Может, и у них что-то получится. Сама же с огромным удовольствием приеду к вам в Улан-Удэ. Надеюсь, всё сложится, и мы реализуем в вашем театре совместные проекты. А, если не сложится, то, возможно, «украду» у вас своих новых друзей в Бразилию. С возвратом, конечно. Пусть пока эта ужасная пандемия нарушила все связи, но верю, что работа для «Большого балета» станет началом больших творческих отношений.

Естественно, мы не могли не передать шутку (шутку ли?) про «кражу» Эрдэма и Харуки Баярто Цырендоржиевичу, на что худрук балетной труппы философски заметил: «Искусство так и развивается, когда один совместный творческий эксперимент в итоге раскручивается как маховик и перерастает в новый мощный импульс для всех участников».

С нетерпением ждем продолжения!

Пресс-служба БГАТОиБ специально для совместного проекта с «Байкал Daily»


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Сен 05, 2020 9:20 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Сен 05, 2020 9:10 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020090501
Тема| Балет, , Персоналии, Йерун Вербрюгген
Автор| Марина Насардинова
Заголовок| Йерун Вербрюгген: Я отказался от должностей, за которые многие на убийство бы пошли
Где опубликовано| © DELFI (Латвия)
Дата публикации| 2020-09-05
Ссылка| https://rus.delfi.lv/showtime/news/whatson/family/jerun-verbryuggen-ya-otkazalsya-ot-dolzhnostej-za-kotorye-mnogie-na-ubijstvo-by-poshli.d?id=52433591
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Foto: Publicitātes foto/Alice Blangero

Быть премьером знаменитой труппы и покинуть сцену на пике карьеры, в 30 с небольшим, – такое в голове не укладывается. Но Йерун Вербрюгген как знал, что совсем скоро национальные балеты Уэльса, Фландрии, Словении, Финляндии и множество других театров завалят его работой, а критики будут называть одним из самых многообещающих хореографов Европы. В 2018 году бельгиец откликнулся на приглашение из России и поставил к юбилею театра "Балет Москва" спектакль "Танцпол"; о своем "русском приключении" он вспоминает с нежностью и собирается приехать на "Золотую Маску в Латвии", чтобы увидеть "Танцпол" в Лиепае и Вентспилсе. Если график позволит, конечно.

А давайте вы перво-наперво расскажете, кто такой Йерун Вербрюгген?

Ой, боженьки. Ну… Я бельгиец, мне 37 лет, родился в Брюсселе, балетную школу окончил в Антверпене. О карьере классического танцовщика особо не мечтал, не было ощущения, что это прям мое. Нет, правда: меня совсем не заботило, насколько я талантлив, делаю ли успехи, стану ли премьером. Я просто получал огромное удовольствие от танца -- такой, знаете, наивный паренек. И это привело меня в такие места, о которых я и думать не мог. Да, начинал на сцене я все с той же классики, сильной радости от этого не испытывал, медленно, но верно двигался в сторону более современной хореографии – и в конце концов оказался в Балете Монте-Карло. Туда набирают артистов с очень серьезной технической подготовкой, репертуар очень обширный, причем львиную долю составляют спектакли Жана-Кристофа Майо. Для меня это было идеально: выразительная, экспрессивная, театрализованная хореография. Я роста-то небольшого, зато очень подвижный (смеется), мне со школы говорили – о да, ты рожден для балета, но Принцем никогда не будешь. А я отвечал: ну и отлично, мне достанутся все классные характерные персонажи. В результате станцевал и принцев, и Ромео…

Это был лучший Ромео, которого я когда-либо видела.

Спасибо. Словом, много странного, неожиданного и приятного в моей карьере случилось. А в 31 год я принял решение ее завершить - потому что у меня возникло ощущение, что я сделал на cцене решительно все, чего хотел. Можно было остаться в Балете Монте-Карло и спокойно деньги зарабатывать, но это как-то не вписывалось в мою картину жизни. Мне приключения нужны.

А как вообще в вашей жизни танец возник?

Да вот как-то не врезался в память момент, когда я сказал – о, я хочу танцевать. Мне кажется, я танцевал с рождения. И мои родители решили: раз так, не будем отдавать его на футбол или баскетбол, отдадим его в балет. Думаю, на самом деле мною двигала страсть к созиданию, к творчеству. Мне ужасно нравилось что-то сочинять, придумывать - и это не только к хореографии относилось. Когда я в 11 лет ставил в школе миниатюры, это было скорее визуальное искусство, чем танец. В общем, не будь балета, я нашел бы другой способ самовыражения. Пусть рисовальщик из меня и никудышный.

Нужно ли быть хорошим танцовщиком, чтобы стать хорошим хореографом?

(Смеется.) Не знаю. Наверное, это у кого как. По мне, не надо быть супер-танцовщиком, чтобы обладать воображением хореографа. Хотя, конечно, мой опыт помог мне как минимум по части образования: я впитывал в себя умения всех балетмейстеров, у которых танцевал. Работа с артистами на репетициях и во время творческих мастерских тоже многое мне дала.


Foto: Publicitātes foto/Кирилл Михирев

Вас называют Тимом Бертоном от хореографии. Как вы относитесь к этому сравнению?

Как к прекрасному комплименту. (Смеется.) Это после "Щелкунчика" так стали говорить, которого я поставил в Женеве шесть лет назад. Мне, конечно, трудно взглянуть на себя со стороны, сам себя я с Бертоном не ассоциирую. Хотя, пожалуй, понимаю, откуда это сравнение пошло, очень для меня лестное. Бертон для каждого фильма придумывает целую вселенную, которая то ли на мечту похожа, то ли на ночное наваждение. Я тоже с первых своих работ стремился создавать маленькие миры – только используя для этого язык тела.

Это важно для вас – быть ни на кого не похожим, демонстрировать собственный почерк?

Это для всех хореографов важно. Правда, я никогда на эту тему специально не заморачивался, тем более что любой балет, который ты ставишь, требует отдельного подхода, нового взгляда. Но мне кажется очень ценным, что знакомый режиссер, видевший мои ранние опусы, приходит сейчас на мои спектакли и говорит: а знаешь, здесь проглядывает тот 20-летний Йерун, которого я знал когда-то. Я расту, я меняюсь, как все мы с возрастом меняемся, но при этом остаюсь собой – и хочу, чтобы так было и впредь.

Но, может, есть какие-то любимые мастера, которые на вас повлияли?

У меня много любимых. Как танцовщику мне повезло встретиться с настоящими титанами -- я работал с Яном Фабром, я работал с Жаном-Кристофом Майо, Матсом Эком, я танцевал в балетах Иржи Киллиана и Джорджа Баланчина. Они все в моем теле, в моей душе, в моем багаже. Конечно, они на меня повлияли, как влияет, обогащая, любой художественный опыт. Но когда я сочиняю -- мне не требуется вдохновение со стороны. Я всецело зациклен на себе в этом процессе, я как будто в пузыре нахожусь.

В "Танцполе", который скоро покажут на "Золотой Маске в Латвии", чего только не увидишь на ногах у артистов: пуанты, роликовые коньки, балетные туфли. Кто-то босиком танцует. Кто-то – по сюжету – танцует до последнего вздоха… Для вас это личная тема?

Когда меня попросили сочинить спектакль к 30-летию "Балета Москва", выяснилось, что этот театр еще ни разу не задействовал обе свои труппы сразу, классическую и contemporary dance. Эту задачу передо мной и поставили. И поскольку речь шла об объединении, мне захотелось поговорить о пространстве, которое объединяет самых разных людей: о танцполе. А еще меня всегда захватывала тема дэнс-марафонов, которые проходили в Штатах во времена Великой депрессии. Когда бедняки соглашались за гроши, буквально за еду, танцевать неделями напролет, без сна и отдыха, с перерывами всего на 15 минут. И все сложилось. С одной стороны, у нас праздник танца, юбилей, с другой – именно в таких марафонах танец с предельной ясностью демонстрировал свою разрушительную силу. Понимаете, языком танца проще всего показать, что человек счастлив. Но танец же может нанести непоправимую травму, если вовремя не остановиться. Я решил: вау, классно. Очень мощный месседж о танце до самой смерти. Об одержимости танцем. О том, что каждый танцовщик приносит ему в жертву как минимум свою нормальную жизнь.

Оставалось, не утратив эту двойственность, вырулить к позитиву. И ключ нашелся. Это композиция Dancing Stars, которая звучит в спектакле. "Мы все - танцующие звезды, мы оставляем вам в наследство свой свет, даже когда умираем…" Мне очень нравятся эти слова. И еще вот эти: "Ты никогда не одинок в ночи, если ты танцуешь. Кто-нибудь на земле обязательно танцует одновременно с тобой". Это очень правильная финальная точка.

Вы часто чувствовали себя счастливым, когда танцевали?

Да. Танец – это лекарство от всех напастей. Танец – это свобода.

Это же ваш первый опыт работы в России – "Танцпол"? Какие впечатления?

Я был поражен красотой русских танцовщиков, своеобразием их культуры, силой их духа. "Балет Москва" – очень интересная компания, уникальная, и хотя я поначалу не очень себе представлял, как балетные артисты будут взаимодействовать с теми, кто специализируется на современной хореографии, все прошло легко и просто. Единственная проблема была языковой: говоришь – окей, ребята, все отлично, все идут направо, понятно? Они отвечают – йес. И идут налево. Но это было забавно, я выучил несколько слов по-русски. Нет, правда, это одно из самых приятных воспоминаний за последнее время – мое русское приключение.

Вы боитесь премьер? Или уверены в своих силах?

На премьерах нужно полностью отключить того контроль-фрика, каким ты был на репетициях. Другого выхода просто нет. Ты молча и неподвижно сидишь в зале на виду у публики, ты не можешь больше влиять на то, что происходит на сцене. А на сцене, конечно, что-то обязательно идет не так. Их не существует в природе – идеальных преставлений. Надо принять это как данность и не расстраиваться, а сконцентрироваться на том, как исправить ошибку к следующему представлению. Это все, что от тебя отныне требуется. Вот они, танцоры с их техникой, с их эмоциями, отныне это их спектакль, а не твой. Отпусти их. Но это дается нелегко. В этом смысле надо большую работу над собой проделывать.

А репетировать любите?

Мне кажется, хореография сродни рисованию или ваянию. Она создается с нуля в репетиционном зале. Именно там происходит важнейшая часть работы, именно там я трачу максимальное количество энергии. Я еще танцовщиком пристально наблюдал за балетмейстерами, -- некоторые из них были поразительными мастерами, а некоторые – настоящими придурками. О, процесс создания спектакля совсем не похож на занятия в классе. Тут искры летают, тут один человек должен вести за собой других, подталкивать, вдохновлять… Вопросы эмпатии очень важны… Я знаю, что выполнить мои требования танцовщикам тяжело чисто физически. Поэтому я стараюсь их по мере сил развлекать -- на моих репетициях много игры, забавы, быть может, иногда в перебор. Зато атмосфера хорошая. И это сказывается на конечном результате.

Я не тот хореограф, что приходит в зал с уже готовым вариантом спектакля – посмотрите, что я делаю, что я чувствую, и повторите точь-в-точь. Конечно, я проделываю подготовительную работу по максимуму. Конечно, я показываю движения. Но окончательное решение принимаю, глядя на артиста. Мне нужно, чтобы он интерпретировал мои идеи в зависимости от своих способностей, навыков, уровня мастерства, национальных особенностей. Я даю ему свободу. Много свободы. При этом все мои танцовщики говорят – о, как приятно, ты точно знаешь, чего хочешь. И это очень смешно, потому что изначально я понятия не имею, чего я хочу. Я скорее знаю, чего я не хочу. Наверное, это даже важнее.


Foto: Publicitātes foto/Кирилл Михирев

Времена сейчас непростые. Вы почувствовали, что театральное сообщество как-то сплотилось за последние полгода?

Давайте по-честному: я фрилансер, свободный художник, и я не особо вовлечен в эти групповые процессы. Меня никто из коллег и танцовщиков не спрашивает, что я думаю и чувствую по поводу пандемии, да и по другим поводам тоже. Звучит грустновато, да. Но я должен быть сильным и справляться со своими эмоциями сам.

А планы ваши на сезон сильно порушились?

Нет, все вроде бы в порядке, только сроки сместились. В ближайшие недели начну ставить "Жар-птицу" в Карлсруэ и выпущу ее в ноябре, потом сделаю Massâcre для Большого театра Женевы и еще одну работу для балета Мангейма. Но кто сейчас может быть в чем-то уверен?..

Вам есть о чем мечтать?

Я счастливчик, конечно. Шесть лет назад, когда я решил начать карьеру хореографа, у меня на горизонте было только пара проектов, на которые я мог рассчитывать. Если бы они не осуществились, мне пришлось бы снова возвращаться на сцену и танцевать. Но они осуществились. Я начал много ставить, сразу три компании мне предложили стать их руководителем. За такие должности многие на убийство бы пошли. Но мне нужно было сперва найти себя как хореографа, отточить свой стиль, понять, как работать с танцовщиками. И я отказался. Поверьте, это было тяжелейшее решение – сказать "нет" в те времена, когда у меня все было так зыбко. Но я полагаю, это решение было единственно верным, потому что, по мне, быть хореографом и возглавлять труппу – это две разные работы, двойная ответственность. Раньше я не чувствовал себя к этому готовым. Сейчас, пожалуй, созрел. Хорошо бы у меня появилась собственная данс-компания, пусть небольшая. Но форсировать события, торопить их я не хочу, мне и фрилансером неплохо живется. Хотя малая толика стабильности бы не помешала. (Смеется.) Но я действительно считаю себя везучим. И я так много работаю, что это не может не принести плоды.

Вы танцуете дома, пока вас никто не видит?

(Смеется.) О да! Правда, свои танцы на кухне в инстаграм не выкладываю. Я танцую, когда я один дома, но для себя!


Однактный балет "Танцпол" будет показан на фестивале "Золотая Маска в Латвии" 12 октября в Лиепайском театре и 14 октября в Вентспилсском театральном доме Jūras Vārti.

Генеральными партнерами "Золотой Маски в Латвии" на протяжении 15 лет являются компания "Северсталь" и Rietumu Banka. В 2019 году фестиваль обрел нового партнера -- ПАО "Уралкалий".

"Золотая Маска в Латвии" проходит при поддержке Министерств культуры Латвийской Республики и Российской Федерации, Посольств Латвийской Республики и Российской Федерации, Государственного Фонда культурного капитала Латвии, Рижской думы, Лиепайской думы и Вентспилсской думы.
Организатор фестиваля "Золотая Маска в Латвии" -- компания ART Forte. Билеты на спектакли фестиваля "Золотая Маска в Латвии" можно приобрести во всех театральных кассах и сети Biļešu Paradīze, bilesuparadize.lv.

Дополнительная информация на сайтах goldenmask.lv и artforte.lv.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Сен 06, 2020 3:35 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020090601
Тема| Балет, Приморская сцена Мариинского театра, Персоналии, Эльдар Алиев
Автор| Людмила Лаврова
Заголовок| Тысяча и один успех Эльдара Алиева
Где опубликовано| © ClassicalMusicNews.Ru
Дата публикации| 2020-09-06
Ссылка| https://www.classicalmusicnews.ru/interview/eldar-aliev-2020/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Недавно на Приморской сцене Мариинского театра состоялась премьера балета «Тысяча и одна ночь» Фикрета Амирова в хореографии Главного балетмейстера Приморской сцены Эльдара Алиева, открывшая V Международный дальневосточный фестиваль «Мариинский». Спектакль имел феноменальный успех.

В беседе с Людмилой Лавровой Эльдар Алиев рассказывает о премьерном спектакле и о «тайнах» искусства балета.

— Скажите, пожалуйста, Эльдар, что входит в обязанности главного балетмейстера Приморской сцены Мариинского театра?

— Полный перечень, изложенный в должностных обязанностях Главного балетмейстера перечислять, было бы очень долго, но дело в том, что в реальности мои обязанности далеко не ограничиваются этим перечнем.

Театр – это живой организм, а балетная труппа – его неотъемлемая часть, поэтому служба в театре на одной из руководящей творческой должности – это очень увлекательное путешествие с выполнением обязанностей, перечислить которые практически невозможно.

Но основными обязанностями является формирование труппы артистами, репетиторским и административным составом, рекомендации художественному руководителю театра по репертуарной политике балетной труппы, формирование репетиционного плана, проведение репетиций с артистами и солистами, а также, как я уже говорил, полная ответственность за деятельность этого творческого подразделения в любом ее проявлении.

— На протяжении многих лет вы руководили балетной труппой в США. Какие есть различия в работе с балетной труппой в американских театрах и в российских?

— Если отвечать коротко, то различия огромные. Из основных различий отмечу следующие:

в США нет репертуарных балетных театров, то есть любая труппа дает спектакли блоками на период аренды театра, так как здания театров труппам не принадлежат, а работают с ними на арендной основе;
любой балетный театр предлагает определенное количество программ в сезон, их количество колеблется в среднем от 4-х до 8-ми и зависит от финансовых возможностей компании, интереса к балету публики в том или ином городе и, соответственно, продаж билетов на спектакли;
театры практически не поддерживаются государством, а существуют на спонсорские деньги, гранты и доходы от продаж;
в ответственность директора американской балетной труппы входит гораздо больший перечень обязанностей, чем в России, и, в основном, эти дополнительные обязанности связаны с привлечением средств в труппу.
Перечень можно продолжать до бесконечности, но основным преимуществом работы в России, на мой взгляд, является возможность большей концентрации руководителя на творческой стороне работы труппы, чем на финансовой и административной.

— Какие творческие преимущества есть у руководителя, работающего на должности главного балетмейстера?

— Смотря с какой стороны к этому вопросу подойти. Каждый творческий руководитель по-разному рассматривает понятие «преимущество».

Лично я основным преимуществом на занимаемой должности считаю возможность решать все вопросы напрямую с директором-художественным руководителем театра В. А. Гергиевым, с которым у нас выстроены очень продуктивные творческие отношения. Таким образом, развитие балетной труппы нашего театра постоянно находится в прогрессе.

Судите сами: за столь короткий срок самый молодой театр России в репертуаре балетной труппы имеет 13 масштабных спектаклей, а к постановке в этом сезоне планируются также «Баядерка» и «Раймонда», которые практически закроют список сокровищницы шедевров балетной классики, имеющийся в нашем репертуаре.

— С какими трудностями приходится вам сталкиваться?

— Опять-таки, смотря что называть трудностями. Трудной я бы назвал ситуацию с пандемией COVID-19, когда весь мир оказался в ситуации, аналогу которой не помнят даже люди более старшего поколения, чем я. Я уже не говорю о совершенно катастрофической ситуации, сложившейся в международном театральном сообществе: закрытие театров, простои артистов с последующей потерей их творческой формы, закрытие в результате банкротства множества западных трупп и т. д.

Российские театры находятся в привилегированном положении по сравнению, например, с американскими труппами, которые практически не имеют государственной поддержки.

А все остальные трудности я бы назвал рабочими буднями, решение которых и входит в наши обязанности.

— Что вы и (или) театр предприняли, чтобы помочь артистам балета сохранить форму во время карантина?

— Думаю, что нашим артистам повезло больше, чем артистам других театров. Фактически вскоре после начала послабления самоизоляции наше обращение к руководству края с просьбой разрешить артистам балета приходить в театр и поддерживать форму было поддержано, и наши ребята приступили к занятиям небольшими группами с соблюдением всех санитарных норм.

Это помогло избежать проблем, связанных с затяжным выходом из самоизоляции и связанных с этим последствий для артистов, и могу сказать совершенно точно, что премьера балета «Тысяча и одна ночь», которую мы с большим успехом выпустили 14 августа, после четырехмесячного перерыва была бы невозможной.

— Теоретически ежедневный урок классики артист балета на карантине может делать дома. Скажите, пожалуйста, чем занятия дома отличаются от занятий в классе – ведь артист выполняет те же самые движения? (Я не имею в виду разучивание партий, требующих выполнения прыжков, поддержек и прочего, для чего требуется много места).


— Понятие «теоретически» очень редко употребляется в нашей профессии, а более употребляемым понятием служит «практически», иными словами, все успехи артистов, которые мы видим на сцене, нарабатываются именно практикой, изнурительным трудом.

Ежедневный урок входит в жизнь артистов с первого дня начала профессиональных занятий этим видом искусства, то есть с 10-ти лет и до ухода на пенсию, которая полагается после 20-ти лет профессиональной деятельности. Один день без урока требует одного дня занятий, чтобы вернуть артиста к той форме, в которой он был до пропуска. То есть, форма нарабатывается «день на день»: день пропуска на день работы. Вот теперь легко посчитать, сколько дней уйдет на то, чтобы вернуться в форму артистам, пропустившим 4-5 месяцев из-за самоизоляции, связанной с пандемией.

Урок – это лишь один час профессиональных занятий, и служит урок лишь разогревом и подготовкой мышц артистов балета к рабочему дню, состоящему из репетиций и спектаклей.

Общеизвестно, что одним уроком в форме держаться невозможно. Самое проблематичное – это то, что в первую очередь при отсутствии возможности занятий и репетиций, помимо потери тонуса мышечного корсета, «садится» еще и дыхание, которое возвращается лишь после первого проведенного спектакля. Так что урок – это лишь малая часть ежедневного рабочего дня артиста балета.

Занятия дома могут лишь в какой-то степени способствовать поддержанию мышечного аппарата в тонусе, но с уверенностью могу сказать, что заменить занятия и репетиции в зале, занятиями дома невозможно.

Урок состоит из 5-ти составляющих: занятия у станка, на середине зала, маленькие прыжки, средние прыжки и большие прыжки. Наверное, невозможно себе представить артиста, который исполняет вращения или прыжки в своей квартире. Это можно делать только в специально оборудованном под репетиции зале и на специальном покрытии.

— Совсем недавно на Приморской сцене Мариинского театра с большим успехом прошла премьера балета «Тысяча и одна ночь» в вашей хореографии. Почему вы решили поставить именно этот балет?

— Прежде всего, потому, что мне очень нравится музыка Фикрета Амирова, написанная к этому балету. Еще потому, что я был уверен в том, что наша труппа смогла бы станцевать и станцевала этот спектакль так, как того требует моя задумка, и еще потому, что этот спектакль привлекает не только балетную публику, но и зрителя, для которого он может стать первым балетом в жизни и привьет интерес, а возможно, и любовь к нашему виду искусства.

Сейчас уже можно выдохнуть и сказать, что премьера балета «Тысяча и одна ночь» состоялась и прошла с большим успехом. Премьеру готовили в необычных условиях, то есть в период пандемии COVID-19, готовили с перерывом, с неопределенностью относительно даты выпуска премьеры, с соблюдением всех требований Роспотребнадзора, которые также вносили свои коррективы в работу труппы и т.д. Возникшая ситуация создавала определенное психологическое воздействие на всех нас, но труппа работала с полной отдачей, с увлечением и удовольствием. Наверное, в какой-то степени все эти сопутствующие факторы внесли драйв в процесс подготовки и выпуск премьеры.

Спектакль очень сложный для всей труппы: кордебалета, исполнителей сольных партий, которых в спектакле 10, и исполнителей ведущих партий, которых три. Спектакль также сложен для технического его проведения постановочной частью, учитывая, что в нём много спецэффектов и перемен декораций. Любая несогласованность работы одного из звеньев цепи могла поставить под угрозу успех спектакля, но слава Богу, всё прошло очень слаженно и гладко, а соответственно, успех стал большой победой театра, тем самым, выводя его на следующий уровень своего развития.

Сложно выделить кого-либо из общего процесса подготовки спектакля, и я благодарен всем подразделениям, принимавшим участие в подготовке и выпуску премьеры, оркестру, который готовил и выпускал премьеру под руководством приглашенного из Азербайджана дирижера Эйюба Гулиева, вдохнувшего в спектакль определенный колорит, присущий восточному человеку, всем без исключения работникам балетной труппы: репетиторам, артистам, солистам, а также артистам, исполнившим ведущие партии в премьерных спектаклях: Анне Самостреловой, Лилии Бережновой, Саки Нисида, Катерине Флории, Сергею Уманцу и Канату Надырбеку.

Также хотел бы отметить наших коллег из Петербурга: Ренату Шакирову, Екатерину Чебыкину и Романа Белякова, которые в короткий срок подготовили свои партии и справились со всеми сложностями на присущем артистам Мариинки уровне.

— Что привлекло вас в музыке Фикрета Амирова?

— В этой музыке привлекательно все: ее мелодичность, колорит, которым она пронизана с первой и до последней ноты, поэтичность, многообразие музыкальных тем и, самое главное, она помогает артистам раскрыться и максимально точно отразить характеры, чувства и эмоции своих персонажей.

От этой музыки невозможно устать, эту музыку хочется слушать бесконечно, под эту музыку хочется создавать хореографию и под нее хочется танцевать. С уверенностью могу сказать, что это одно из самых удачно написанных музыкальных произведений для балетного театра.

— Расскажите, пожалуйста, о вашей хореографии балета «Тысяча и одна ночь».

— Хореографию «рассказать» невозможно, её можно и нужно смотреть. Могу сказать, что спектакль очень сложный для всей труппы, а в особенности для исполнителей ведущих и сольных партий, а их в балете 13.

В массовых сценах занята вся труппа, которая сегодня насчитывает около 90 артистов. Дуэты ведущих солистов насыщены сложнейшими поддержками, вариациями и многими элементами, требующими виртуозности исполнения.

— Есть ли что-нибудь общее в вашем балете и балете Юрия Григоровича тоже на восточную тему – «Легенда о любви»?

— Общая, конечно же, тема Востока. Но Восток, как говорится, дело тонкое и иллюстрация темы Востока в спектаклях балетных, драматических, мюзиклах в зависимости от концепции автора, может быть совершенно разной.

Гениальный балет Юрия Николаевича Григоровича – это, бесспорно, шедевр по всем параметрам, по музыкальному материалу, драматургии, сценографии и, конечно же, по хореографии. Это глубоко философский спектакль о жертвенности, любви, потерях и о многом другом, иными словами – в данном балете показан очень серьезный, глубоко философский Восток и сценографически спектакль решен соответственно.

В балете «Тысяча и одна ночь» показан совсем другой Восток: Восток сказочный, колоритный, красочный. Поэтому проводить параллель даже между идеями авторов обоих спектаклей, не говоря уже о сценографическом и хореографическом решениях, нет смысла.

— Что для вас главное при выборе артистов на те или иные партии?

— Существует несколько параметров при распределении ролей и один из важнейших – это, прежде всего, совпадение амплуа артиста с характером исполняемой роли. Не стоит, например, назначать на роль героического плана исполнителя гротескового амплуа. То есть, говоря языком оперного искусства, это всё равно, что на басовую партию назначить тенора или на партию, написанную для колоратурного сопрано, назначить певицу меццо-сопрано. Разумеется, из этого ничего хорошего ожидать не стоит.

— Ещё лет 20 назад Мариинский и Большой театры редко приглашали в труппы артистов балета, которые окончили не Вагановское училище (в настоящее время – Академия русского балета) и не Московское хореографическое училище (в настоящее время – Московская государственная академия хореографии) соответственно. А сейчас в труппе Мариинского театра, например, и не просто в труппе, а среди ведущих солистов есть представители киевской школы, пермской, новосибирской и других.

Как вы считаете, это к лучшему или особенности «своей» школы надо сохранять в труппе?


— В действительности, в прошлом, и в труппе Большого театра, а меньшей степени – в труппе Кировского (Мариинского) театров представители других школ тоже занимали положения ведущих солистов.

Так, в труппе Большого театра танцевали Надежда Павлова, выпускница пермского училища, Нина Семизорова, выпускница киевского училища, в Кировском театре танцевали замечательные представители пермской школы Любовь Кунакова, Ольга Ченчикова, Марат Даукаев, а ранее – Галина Рагозина.

Я и сам свой диплом, как исполнитель, получил в бакинском хореографическом училище, а затем, главным балетмейстером Мариинки О. М. Виноградовым, был приглашен в труппу театра.

Конечно же, кордебалет Кировского (Мариинского) театра прошлых лет являлся исключением, отличаясь от других балетных трупп тем, что практически целиком состоял из выпускников Вагановского училища и по праву считался лучшим в мире. Таким единством стиля и школы не мог похвастать ни один балетный театр того времени. Но времена меняются, строятся вторые сцены и в Большом, и в Мариинском, увеличивается в два раза количество показа спектаклей и соответственно, балетные труппы значительно увеличиваются по своему количественному составу.

Обеспечить качественными кадрами балетные труппы Большого и Мариинского театров, состоящими только из выпускников МГАХ и АРБ соответственно, наверное, сегодня было бы сложно, поэтому к работе в ведущих балетных труппах страны все больше привлекается талантливая молодежь со всего мира.

Если раньше существовало обязательное распределение студентов по окончании ими учебных заведений, то в наше время этого уже не происходит, и каждый студент в праве сам решать, где ему работать, вплоть до заключения зарубежных контрактов и отъезда из России. Я считаю это неправильным, но так сегодня обстоят дела и так выглядит ситуация.

Думаю, что при нынешней глобализации, которая, несомненно, коснулась и балетного сообщества, российские театры, скорее, перестали быть исключением.

— Чем отличается талантливый артист балета от физически способного?

– Начнем с того, что физические способности в балете – это большая редкость. Также хочу отметить, что физически способных больше, чем талантливых артистов. Талантливых – очень немного, а физически способных и талантливых – единицы.

Способному артисту подвластно многое и это привлекает к нему постановщиков, педагогов и руководителей балетных трупп. Физически способный артист – всегда ценность для постановщика и труппы в целом, так как любой спектакль этот артист проведет достойно, на уровне, но скорее всего, спектакли у этого артиста будут похоже один на другой. У талантливого же артиста никогда не будет одинаковых спектаклей и в этом его уникальность.

Думаю, что это и есть отличительная черта талантливого артиста, а среди других черт – это непохожесть на других, неповторимая индивидуальность, способность в своей интерпретации исполняемой партии, порой. идти над заданным постановщиком хореографическим текстом.

Например, в хореографической постановке одни и те же движения можно исполнять по-разному. Так вот талантливый артист, не искажая заданный автором текст, обогатит исполняемую им партию настолько, что даже автор порой не предполагает возможности подобной уникальности интерпретации. В этом и состоит особенность талантливого артиста.

— Насколько труднее вам работать с талантливыми артистами нежели с физически способными? И в чем эта трудность проявляется?

— Работа с талантливыми артистами – это огромная ответственность для педагога, репетитора, руководителя, так как в твоих руках оказывается большой дар, который предстоит огранить, отполировать, но не нарушить его природную красоту. Талантливые, в большинстве своем, очень ранимы, сложны в работе и спектакли они танцуют не всегда ровно: все будет зависеть, наверное, от «движения небесных светил», то есть, как пойдет…

Со способными проще и спокойнее во всех отношениях: и в подходе к ним, и в работе с ними, да и продукт они будут всегда выдавать довольно ровный и качественный, правда не настолько уникальный, как это делают талантливые артисты.

— Пушкин считал, что гений и злодейство – две вещи несовместные. А как вы считаете?

— В своей жизни мне посчастливилось иметь честь быть знакомым с несколькими гениями, но среди них злодеев не припомню. Думаю, что особый дар дан гениям свыше для того, чтобы его преумножать, развивать и делиться этим даром с людьми.

На мой взгляд, развивать свой исключительный талант гению можно только за счет изнурительного труда и невероятной работоспособности, которые и занимают все его время, поэтому на злодейство его просто не остается. Так что соглашусь с Александром Сергеевичем.

— Можно ли сделать выдающийся спектакль, если в труппе нет гениальных артистов? Только профессиональные.

— Артисты – это основная составляющая руководителя любой балетной труппы. Насколько выдающийся спектакль поставлен – покажет время, так как только временем проверяются спектакли.

Если в театре поставлен хороший спектакль, то он обязательно будет жить своей жизнью, и каждый исполнитель будет вносить в его жизнь свои краски, свое дыхание. И если на момент создания спектакля в труппе нет гениальных артистов, то спектакль своего исполнителя обязательно дождется, а, может быть, и откроет своего исполнителя из числа тех, которые служат в труппе, но до поры появления спектакля в репертуаре театра к себе не привлекали пристального внимания руководства и не имели возможности артистически раскрыться. В моей практике такие случаи бывали.

Подводя итог, думаю, что создание интересного спектакля возможно и без гениальных исполнителей, и если таковой появится, то обязательно выведет этот спектакль на другой уровень.

Беседу вела Людмила Лаврова
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Сен 06, 2020 5:38 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020090602
Тема| Балет, Опера, театр оперы и балета им. Джалиля, Премьера, Персоналии, ВЛАДИМИР ВАСИЛЬЕВ
Автор| Ольга ЮХНОВСКАЯ
Заголовок| «НАДО ЖИТЬ, ОСТАЛЬНОЕ ПРИЛОЖИТСЯ!»: В КАЗАНИ СОСТОЯЛАСЬ ПРЕМЬЕРА СПЕКТАКЛЯ ЛЕГЕНДЫ БАЛЕТА ВЛАДИМИРА ВАСИЛЬЕВА
Где опубликовано| © Газета «Вечерняя Казань»
Дата публикации| 2020-09-06
Ссылка| http://www.evening-kazan.ru/articles/nado-zhit-ostalnoe-prilozhitsya-v-kazani-sostoyalas-premera-spektaklya-legendy-baleta-vladimira-vasileva.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Мировая премьера постановки «И воссияет вечный свет» прошла 5 и 6 сентября в театре оперы и балета им. Джалиля. Создатели утверждают, что театральное воплощение бессмертного «Реквиема» Моцарта произошло впервые за более чем 220-летнюю историю произведения, обычно оно звучит лишь в концертном исполнении. Режиссером, хореографом и главным лирическим героем спектакля выступил легендарный танцовщик, народный артист СССР Владимир Васильев, отметивший в апреле свое 80-летие. Корреспондент «Вечерней Казани» стала свидетелем того, как заупокойная месса превращается в гимн жизни.

Грандиозный «Реквием» Моцарта по сути - молитва, последний крик души. «Реквием» в прочтении Васильева в двух словах можно обозначит как «Былое и думы». Это размышления 80-летнего человека о жизни, его воспоминания о любви, молодости, об утратах и превратностях судьбы. Творческий замысел воплощают на сцене солисты оперы и балета, хор, оркестр и… джазовое трио Евгения Борца. В канву художественного высказывания, которое можно расценить как некое творческое завещание маэстро, также вплетены стихи и движущиеся проекции картин Владимира Васильева в формате 3D (легенда балета много лет увлекается живописью и, кстати, с 2015 года состоит в Союзе художников Татарстана).



Едва занавес открывается, зритель видит на сцене легкую конструкцию, напоминающую уютную летнюю дачу. На первом этаже за столиком у зеленой лампы сидит главный герой - Владимир Васильев, в мансарде над ним располагается джазовое трио. С авторских импровизаций Евгения Борца и начинается спектакль. В прологе перед взором Васильева пролетают прекрасные видения прошлого: пять пар юношей и девушек танцуют, все наполнено радостью и светом. Затем «домик с мансардой» прячется в глубине сцены, на первую линию выступает хор. Декорация изображает высокие чертоги некого святилища. Храм земной это или храм небесный - каждый волен додумывать самостоятельно…

- Ваш великолепный хор исполняет «Реквием» без клавира! Они выучили его наизусть, они - герои! - оценил работу хористов казанской оперы Владимир Васильев в беседе с корреспондентом «ВК». - Поставить спектакль на «Реквием» - моя давняя мечта. Слава Богу, что руководство театра имени Джалиля понимает, какой великой мощи это произведение. Для меня это одновременно прощальная исповедь художника-творца и гимн созидающей жизни. Моей сверхзадачей было обратиться своим произведением к потомкам и в то же время - заглянуть в собственную душу. Не знаю сам, к какому жанру отнести спектакль, в нем синтез разных видов искусства. Кстати, действие неслучайно начинается под звучание джаза в исполнении трио Евгения Борца, джаз - неотъемлемая часть моей молодости.

Одним из ключевых героев премьеры является хор, артисты которого стали самыми активными участниками постановки. И не было в зале человека, который не восхитился бы его совершенным звучанием.

- После «Реквиема», который хор исполняет на память, можно говорить, что мы как бы закончили вторую консерваторию. Безусловно, совмещать виртуозное пение с активной жестикуляцией, перемещениями по сцене, синхронной сменой поз тоже непросто. Так что постановка Васильева стала дня нас серьезной школой, - рассказала, в свою очередь, главный хормейстер театра им. Джалиля Любовь Дразнина.

Кроме хористов и музыкантов в спектакле, который 22 ноября представят на исторической сцене Большого театра, участвуют оперные и балетные солисты. Главные партии исполняли Гульнора Гатина (ТГАТОиБ им. Джалиля), Екатерина Сергеева (Мариинский театр), Ярослав Абаимов (московский театр «Новая Опера» им. Колобова), Максим Кузьмин-Караваев (Германия). В сольных балетных партиях были заняты Михаил Тимаев, Аманда Гомес, Таис Диоженес, Вагнер Карвальо, Александра Елагина, Ильнур Гайфуллин, Алина Штейнберг, Антон Полодюк, Мана Кувабара и Алесcандро Каггеджи.



В эпилоге спектакля, когда зазвучала «Alleluja» из мотета Моцарта «Exsultate, jubilate», публика достигла катарсиса. Зал взорвался криками «Браво!» и аплодисментами после того, как в финале Владимир Васильев прочел свое стихотворение, в котором были такие строки:

Я не знаю, осталось ли много мне жить,
И не знаю, как жизнь дальше сложится.
Не дай Бог мне задуматься: быть иль не быть?
Надо жить! Остальное приложится!


- «Реквием» слушала впервые, теперь это мое любимое произведение Моцарта, спектакль и стихи Владимира Викторовича довели до слез, это были слезы очищения, - призналась после премьеры корреспонденту «ВК» бывшая телеведущая, а ныне тренер медитаций Айгуль Мирзаянова.

Кроме Мирзаяновой из известных личностей корреспондент «ВК» заметила на субботнем спектакле министра культуры Ираду Аюпову и главу управления Роспотребнадзора по РТ Марию Патяшину. Руководитель главного в период пандемии ведомства - одна из немногих в театре была в защитной маске. Реакция Патяшиной на буфет, где вопреки предписаниям Роспотребнадзора продавать все в упакованном виде бутерброды с красной рыбой и икрой открыто лежали на витрине, а в бокалы лились шампанское и мартини, осталась неизвестной.

Фото Павла ПЛАТОВА
=========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Сен 06, 2020 5:47 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020090603
Тема| Балет, Латвийская Национальная опера, Премьера, Персоналии, Айвар Лейманис
Автор| Андрей Шаврей
Заголовок| Андрей Шаврей: Латвийская опера, открытие сезона, премьера «Лебединого озера». Дорого!
Где опубликовано| © Rus.Lsm.lv
Дата публикации| 2020-09-06
Ссылка| https://rus.lsm.lv/statja/za-efirom/za-efirom/andrey-shavrey-latviyskaja-opera-otkritie-sezona-premera-lebedinogo-ozera-dorogo.a373254/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Foto: Андрис Тоне

Латвийская Национальная опера открыла свой сезон — пандемийный. По такому случаю дали громкую премьеру — «Лебединое озеро» в транскрипции художественного руководителя Латвийского Национального балета Айвара Лейманиса. Вообще-то премьера эта должна была состояться еще в апреле, но захвативший весь мир вирус внес свои коррективы, и в результате тут во многом смешались и театр, и жизнь.

То, что премьера будет пышной, сомневаться не приходилось еще тогда, когда о грядущей постановке сообщили в прошлом, таком спокойном году. Тон задавал уже один тот факт, что к постановке удалось привлечь сценографа Хуана Гильермо Нову и художника по костюмам Роберта Пердзиолу. Один работал с великим Франко Дзеффирелли, другой в «Метрополитен-опера» — в общем, послужной список у обоих весьма впечатляющий.

Ко всему прочему, на 3 апреля в предпремьерном показе в роли Зигфрида анонсировался премьер балета миланской Ла Скала Тимофей Андрияшенко, и несмотря на то, что он уроженец Риги, договориться об его участии в постановке было явно нелегко. Но Лейманис с Тимофеем договорился, билеты были распроданы — но тут, как колдун Ротбарт, в жизнь ворвался ковидный вирус — и все отменилось. Вернее, перенеслось на сентябрь. И видоизменилось.

Удача в том, что тут же удалось договориться, что в двух премьерных рижских показах будет танцевать роль Зигфрида премьер Королевского балета Великобритании «Ковент-Гарден» Вадим Мунтагиров. Но и эта новость была с горчинкой — не все его смогли увидеть, даже постоянные посетители премьер.

На сей раз в зал вместимостью более девятисот человек пускали только 479 зрителей — и каждого через отдельный вход (в партер — через центральный вход, в бельэтаж — через боковую дверь, на балконы — через вторую боковую дверь). Пришлось проводить обмен билетов — еще одна заморочка.

Но справедливости ради скажем, что слава Господу, что вообще все состоялось и в таком варианте — театр открылся, а по нынешним временам это весьма позитивный знак, учитывая, что объявлен и репертуар до конца года — на днях, например, грядет новый состав в «Травиате» Верди.

Многие поклонники балета, искусства этого декадентского, разумеется, пострадали. Например, в премьере я так и не увидел Мунтагирова — смотрел новую постановку во время генеральной репетиции, там был наш солист. Обычно на таком «предпремьерном показе» полный партер, а сейчас там было только около семидесяти человек. И еще пара человек в бельэтаже. Хорошо, что во имя социальной дистанции не убирали, как в иных театрах, кресла — так что не было «проплешин», а кресла, которые нельзя занимать, огорожены бордовыми ленточками.

Ну, и строгий голос перед показом и в антрактах на трех языках (латышский, английский, русский) говорит свысока, что следует соблюдать ту самую дистанцию. И мыть руки. Да, а на входе — дезинфицирующие средства, уже привычный аксессуар последнего полугодия.

Во время генеральной репетиции, когда раскрылся занавес, и публика увидела «картинку», раздался одинокий аплодисмент за моей спиной. Это аплодировал Александр Колбин, некогда (в 1970-91 годах) ведущий солист Латвийского балета. Остальные как-то подрастерялись (во время премьеры зал явно аплодировал в унисон, в конце концов, там вид со сцены эффектнейший!). Тут сразу ясно, что это весьма удачный и верный ход — для такого знаменитого уже почти полтора столетия балета стоит сделать прежде всего роскошную картинку (сценография, костюмы, свет). А уже далее эту картинку по возможности заполнять — прежде всего танцем и по возможности выдающимися солистами.

Сценография действительно королевская, с зеркалами по боку, так что тут невольно «расширяется сознание» — и у зрителей, и у артистов. А каждый костюм — действительно произведение искусства. И если бы из них сделать отдельную выставку, то она бы дала фору выставкам всемирно известного историка моды Александра Васильева.

Большая удача этой постановки (и давайте хвалебный реверанс сделаем в адрес господина Лейманиса!), что в ней задействована вся труппа нашего балета, а в четырех составах — все ведущие солисты. После полугодовой паузы для артистов это очень важно — участие в полноценном спектакле.

Плюс — новые силы нашего балета, например, влившийся в труппу Фабио Сонцони, отлично танцевавший во время моего просмотра роль шута. А за кулисами — репетиторы, среди которых мэтры нашего балета Инесе Думпе и Геннадий Горбанев, недавно ставшие репетиторами премьер Сергей Нейкшин и Раймонд Мартынов, а также Айша Сила, Виктория Янсоне, Илья Власенко. То есть в деле достижения хореографической Победы участвовали все!

И тут еще и проверка для оркестра под управлением главного дирижера Мартиньша Озолиньша. Немного забегу вперед: после генеральной репетиции у служебного входа свой велосипед отцепляла первая скрипка Светлана Окунь, в исполнении которой звучит знаменитое соло. Сказала, что ровно четыре состава — и для каждого свой темп, свои нюансы.

Я смотрел в роли Зифгрида нашего солиста Виктора Сейко, а в роли Одетты-Одиллии Йоланту Лубею. Оба с идеальными фигурами и будто сошедшие с картин античных мастеров. И на фоне окружающей их роскоши и гениальной музыки все звучало и «игралось» достойно уже во время предпремьерного показа. Стоит тогда представить, как это было во время премьеры, когда с Вадимом Мунтагировым танцевала наша Юлия Брауэр.

Я видел Мунтагирова за несколько дней в театре — там одно движение ног и рук во время пресс-конференции уже о многом говорило. Потом я посмотрел фрагменты по Интернету — Мунтагиров эту партию танцевал в Кремлевском балете, в частности. И это то, что вызывает неподдельный восторг и изумление — помимо техники и актерских качеств там есть еще что-то необычайно ценное и редкое — уверенность в своих движениях, при этом некий трепет и легкость. Там целая гамма эмоций и прочего.

«Только это очень сложно — показать все это легко!» — сказал Вадим сейчас в Риге.

В роли Ротбарта Аветик Карапетян хорош уже чисто внешне — учитывая его колоритную внешность, уж не говоря о действительно феноменальной технике, которую все знатоки нашего балета давно знают. Добавим ко всему такие многочисленные в этом балете моменты, как обилие танцев: па-де-труа в первом отделении, большие и маленькие лебеди во втором, а в сцене бала испанский, неаполитанский, русский танцы, чардаш, танец невест. И все это, кстати, на фоне злого гения Ротбарта, который правит тем самым балом. Плюс — видеопроекции летящих голубей, а также преданной Одетты, преображающейся на экране в лебедя.

Что непосредственно до постановки Лейманиса, то за основу он взял Мариуса Петипа и Льва Иванова, классическую версию. И сделал, на мой взгляд, весьма удачную стилизацию.

Это не неоклассика, а то, что можно сравнить с реставрацией старинной картины, с которой спустя время необходимо сдуть пыль, не утратив при этом все драгоценные фрагменты. Мне кажется, это удалось. Те, кто носит очки, может представить этот эффект — когда вы после некоторого перерыва водружаете на нос оправу, и вдруг видите все вновь в четких и ярких красках, волшебство!

Ну, а в финале реставрации — мощная подпись. Как известно, финал даже в привычных классических версиях зачастую различается. Говорят, во времена Чайковского финал был трагический — Одетта погибала, но лебеди спасались, преображаясь в девушек. Говорят, товарищу Сталину не нравился трагизм, и финал сделали оптимистическим — все оставались живы, аплодисменты, прием в Царской ложе, ордена.

Здесь Ротбарт одним ударом крыла смертельно ранит Одетту, и Зигфрид уносит ее, бездыханную, за кулисы. Клином удаляются за кулисы и лебеди. Бой со злом — и звучат последние такты музыки Чайковского, которые возвещают о конце злого колдовства и рассвете. На сцене остается одинокий Зигфрид, стоящий на коленях, закрыв от горя руками лицо. И при последних аккордах на сцену выходит Одетта, живая и невредимая, в образе прекрасной девушки.

В общем, сон все это был, сон! И говорят, даже кошмарные сны тоже завершаются просветлением. А надежда умирает последней.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Сен 07, 2020 10:01 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020090701
Тема| Балет, Опера, театр оперы и балета им. Джалиля, Премьера, Персоналии, ВЛАДИМИР ВАСИЛЬЕВ
Автор| Анна Тарлецкая, фото Максима Платонова
Заголовок| «И воссияет вечный свет»: оперный театр открыл сезон новой постановкой Владимира Васильева
Где опубликовано| © Реальное время
Дата публикации| 2020-09-07
Ссылка| https://realnoevremya.ru/articles/186538-v-kazani-sostoyalas-premera-spektaklya-vladimira-vasileva
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Мировую премьеру москвичи увидят только 22 ноября, после чего она войдет в репертуар театра



В минувшие выходные на сцене Татарского академического театра оперы и балета имени М. Джалиля состоялась премьера спектакля в постановке Владимира Васильева «И воссияет вечный свет». Этой первой в истории театральной постановкой «Реквиема» Моцарта» театр открыл свой новый сезон. Как создавалась новаторская постановка, какой жанр выбрал автор, войдет ли он в репертуар театра, и почему мировая премьера состоялась именно в Казани, в репортаже «Реального времени».

«Реквием» — конец или начало?

«Реквием» Моцарта — одно из известнейших произведений композитора, сложных и загадочных. Чем он стал для Владимира Васильева — завещанием, напутствием, примером творчества или началом его нового этапа?

Начать с того, что это — заупокойная месса, где одновременно, звучат и радость и горе, и ликование попавших в рай и отчаяние оказавшихся в аду. Особенно остро это чувствуется в самой исполняемой части реквиема — «Лакримозе» («Слезная»), кинематографисты часто ее используют в своих лентах. Второй момент — это последнее произведение Моцарта, заказанное ему «неизвестным посланником в черном». Так получается, что гении одновременно становятся провидцами, и Моцарт понимал, что пишет «Реквием» и по себе. Так, по свидетельству супруги Констанцы, во время работы над произведением Моцарт часто жаловался на здоровье и говорил о том, что отравлен. Кроме того, есть свидетельство друзей композитора, которые пришли к нему за день до смерти и пропели «Реквием» — то, что уже написано. Однако во время первых тактов «Лакримозы» Моцарт расплакался и заявил, что не успеет закончить эту часть. После смерти композитора его произведение заканчивали Йозеф Эйблер и Франц Ксавер Зюсмайер.

«Переписал свое творчество набело»

По словам автора спектакля — постановщика, хореографа и исполнителя главной роли Владимира Васильева, эта постановка — своеобразное резюме всего его творчества. Можно сказать, что это все его работы, собранные в одной постановке, переписанные «набело»:

— Это спектакль и о самом себе. Меня часто мучило то, что практически все, что я сделал в своей жизни, мне не нравилось. И тогда мне думалось, что, наконец, я сделаю нечто, что поразит окружающих. Я всегда работал с большой любовью и большим удовольствием, и каждый раз мне казалось: вот-вот оно получится. И так до 80 лет. И вот я создал этот спектакль. Собственно он о том, как я это делаю, ведь здесь я исполняю роль творца. Он о том, как я вижу музыку, в данном случае, Моцарта. Это не прямой рассказ о себе, а некий собирательный образ, то есть мне бы хотелось чтобы я был таким. И также очень бы хотелось, чтобы этот спектакль взволновал зрителя. Все, каждый артист сегодня обнажит перед вами свою душу, — рассказал перед премьерой Владимир Васильев.

Если говорить о выборе названия, то оно как бы само собой напрашивается. «И да воссияет вечный свет» — часто повторяемая на латыни фраза из заупокойной мессы:

Requiem aeternam dona eis, Domine, et lux perpetua luceat eis (лат.)

Вечный покой даруй им, Господи, и вечный свет пусть светит им.


«И да воссияет вечный свет» — часто повторяемая на латыни фраза из заупокойной мессы

«В Казани многое случается впервые»

Театральное воплощение «Реквиема» стало первым в истории за более чем двухсотлетнюю жизнь произведения. По признанию самого Владимира Васильева, это было его давней мечтой. Причем, он сразу знал, что ставить будет свой спектакль именно на сцене Татарского театра оперы и балета.

— Я испытываю удовлетворение от работы с коллективом, как и во время постановки Си-минорной мессы Баха. Вообще, я помню Казань и 50 лет назад — буквально перед премьерой пересмотрел документальный фильм об истории Казани, всем его рекомендую. И слава тебе Господи, что в этом городе живут люди, которые понимают, что для меня значит эта постановка. Я только заикнулся Рауфалю Сабировичу, что хочу поставить «Реквием», он сразу отозвался — «Пожалуйста!» В Казани вообще много что происходит в первый раз, и возможно даже — в первый раз в мире. Или вот такое — 20 лет назад никто себе даже представить не мог исполнение хором «Реквиема» без клавира! — поделился мнением Владимир Васильев.

«Хор во второй раз закончил консерваторию»

Хор действительно играет в постановке особую роль. Это и молящиеся в церкви, и люди в целом — общество, толпа, это и главный голос мессы. Вокалистам приходится постоянно двигаться, хор перестал быть статичным — и это тоже новаторство.

— Каждый член хора слово второй раз закончил консерваторию, — рассказала о проделанной работе хормейстер Любовь Дразнина. — За время работы мы прошли высшую музыкальную школу. Уверяю вас, каждый участник сдал свою вокальную партию еще в декабре, и не по одному разу. Я в курсе того, в каком направлении сегодня развивается хоровое искусство. И то, что мы отказались от статичности, выбрали движение, говорит о том, что мы работаем в этом ключе.

Хоровые исполнение чередовалось на сцене сольными партиями сразу четырех голосов. Их подарили слушателям сопрано Гульнора Гатина, меццо-сопрано Екатерина Сергеева, тенор Ярослав Абаимов и бас Максим Кузьмин-Караваев. Своими белыми нарядами на форе серых одежд хора, стоящего за их сценой, они напоминают ангелов, а в костюме Екатерины Сергеевой даже продуманы рукава-крылья, которые они поднимает то за соей спиной, то стоя за вокальным партнером, Максимом Кузьминым-Караваевым.


Гибкие и ранимые, одетые, как и вокалисты, в белое, как мечущиеся души, они притягивают к себе внимание немым рассказом о любви и ее горестях, радости жизни и страхом пере переходом в иной мир

Мятущиеся души и переменчивая статичность

Собственно, это и объясняет то, что автор выбрал не просто балет или оперную постановку, но синтез всех видов искусств. Оркестр и хор передают уникальность творения композитора, эпичность и торжественность заупокойной мессы, принятой в католической церкви. Неожиданно звучащий в прологе джаз — отсылка к современности. Балет — слово движение душ героев. Центральные партии исполняют пять пар солистов казанской балетной труппы в обрамлении кордебалета — Михаил Тимаев, Аманда Гомес, Таис Диоженес, Вагнер Карвальо, Александра Елагина, Ильнур Гайфуллин, Алина Штейнберг, Антон Полодюк, Мана Кувабара и Алесcандро Каггеджи. Гибкие и ранимые, одетые, как и вокалисты, в белое, как мечущиеся души, они притягивают к себе внимание немым рассказом о любви и ее горестях, радости жизни и страхом пере переходом в иной мир.

Сам маэстро читает стихи собственного сочинения и выходил на сцену, как дирижер всего действа. На декорации транслируются картины Васильева, на которых угадываются и тихие пейзажи, и целые галактики, и танцующие фигуры…

Отдельного внимания заслуживает оформление сцены. Кулисы сцены оформлены в виде пилонов, это одновременно с храмом, либо иногда появляется ощущение, что все происходит в пещере, подземелье — что тоже символично. По словам художника-постановщика Виктора Герасименко, это одновременно и католический храм — ведь звучит музыка именно католической мессы. С другой стороны, так можно показать и значение сцены для творца, артиста — это тоже храм. Важным элементом декорационного решения являются огромные зеркала, в которых отражается и все происходящее на сцене, и проецируемые картины автора. Так пространство словно расширяется, колонны будто раздвигаются и появляется ощущение движения в бесконечное пространство. Причем, сами декорации не меняются на протяжении всего действа — меняется их восприятие, в зависимости от света и отраженных на их картинах.


Сам маэстро читает стихи собственного сочинения и выходил на сцену, как дирижер всего действа

«Мимо джаза никто не прошел»

В прологе спектакля неожиданно зазвучал джаз. Причем над сценой появилась еще одна, малая сцена, на которой трио российского джазмена Евгения Борца исполнило один из известных джазовых стандартов в авторской обработке. Как отметил Евгений Борец, мелодия была выбрана по просьбе Владимира Васильева.

На вопрос, как вдруг, почему зазвучал джаз перед таким монументальным произведением Моцарта, как «Реквием», автор и постановщик спектакля ответил: «Это молодость человечества. Никто из нас, будучи юным, не миновал и не смог пройти мимо джаза. Я в своем спектакле показываю весь путь человеческий. И именно джаз как нельзя лучше может рассказать о молодости, непосредственности».

Евгений Борец рассказал корреспонденту «Реального времени», что, узнав о предложении Владимира Васильева поучаствовать в его постановке ощутил одно — счастье:

— В конце прошлого года мне позвонил директор театра Рауфаль Сабирович. Он в это время обсуждал творческие планы с Татьяной Шахниной, директором казанского хореографического училища. Это было действительно непередаваемое ощущение, жаль, мобильная связь была неважной, поскольку я находился в дороге. Но несколько позже я приехал в Казань и мы вчетвером, теперь уже с Владимиром Васильевым, встретились в кабинете директора. Комфортно ли мне, джазмену на оперной сцене? Вы шутите? Я здесь в шесть лет уже репетировал постановку по Моцарту, я ведь из Казани. А дома всегда комфортно. Это большое счастье, когда такие музыканты, как Владимир Викторович, руководят творческим процессом, воплощая на сцене такие, казалось бы, неподъемные вещи. Он смог сложить все это в исповедальное полотно, перемешав несовместимые, на первый взгляд, жанры.

Евгений Борец отметил, что будет стараться приезжать в Казань на каждый спектакль, как только он плотно войдет в репертуар спектакля. По данным пресс-службы театра, случится это после показа спектакля «И воссияет вечный свет» в Москве, то есть после 22 ноября. Состав исполнителей, конечно, будет меняться, но, как сообщил джазмен, его трио это не коснется.

«Реквием» по ковиду

Премьера спектакля была назначена на апрель — к празднованию 80-летия Владимира Васильева. Однако по причине всеобщего карантина ее пришлось отложить, и теперь, к счастью, удалось собрать именно тот состав артистов, который планировался изначально. Более того, как рассказал сам автор кроссовера, во время изоляции он «ничего не потерял». В эти месяцы Владимир Васильев продолжал писать картины, которые теперь зритель увидел в качестве мультимедийных декораций.

Можно сказать, что сентябрьская премьера стала своеобразным «реквиемом» по ковиду. Она торжественно заявила о том, что и после потрясений и перемен жизнь продолжается, пусть и в новом формате. Так, даже на такую премьеру, можно сказать, мирового значения, зал был не заполнен до предела — требования Роспотребнадзора соблюдались неукоснительно. Зрители сидели строго в масках, на входе замерялась температура. Однако пришедшим трудно было удержаться от дружеских объятий — такой долгожданной была встреча меломанов, среди которых наблюдалось немало московских гостей.

Последними в спектакле звучат жизнеутверждающие «Alleluja» из мотета «Exsultate, jubilate» Моцарта и стихотворные строчки Владимира Васильева: «Не дай мне Бог задуматься: быть или не быть. Надо просто жить, остальное приложится». И так, вечный свет воссиял. Премьера состоялась. Жизнь продолжается.

фото Максима Платонова
=================================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕН
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу 1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
Страница 1 из 6

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика