Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2020-02
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Фев 25, 2020 6:04 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020022502
Тема| Балет, "Золотая Маска" Самарский театр оперы и балета, Персоналии, Юрий Смекалов
Автор| Inner Emigrant
Заголовок| «Три маски короля»: честный зрительский балет
В Москву с гастролями приехал хит Самарского театра оперы и балета.

Где опубликовано| © Ваш Досуг
Дата публикации| 2020-02-25
Ссылка| https://www.vashdosug.ru/msk/theatre/article/2570863/
Аннотация| Фестиваль

Не успела в Москве отгреметь премьера очень зрительской современной оперы, как на гастроли в столицу из Самарского театра оперы и балета приехал танцевальный спектакль «Три маски короля» в хореографии Юрия СМЕКАЛОВА на оригинальную музыку Михаила КРЫЛОВА. Главную партию исполнил прославленный премьер Мариинского театра Владимир ШКЛЯРОВ. За дирижерский пульт встал художественный руководитель и главный дирижер театра Евгений ХОХЛОВ. На единственный показ в столице сходил шеф-редактор «Вашего досуга» Inner Emigrant и увидел редкое явление.

Такие явления, как «Три маски короля», — на театральной сцене редкость. В хорошем смысле «народный», невероятно зрелищный, экспрессивный и задорный спектакль, порождающий «рев толпы», сочетается с виртуозностью высокого искусства классического балета и, при этом, содержит в себе, как «кухонную философию», так и более серьезные политические и социальные подтексты. Подобного попадания «во всех», так или иначе, стремится достичь любой театрализованный массовый продукт, но, как правило, выходит плохо, в лучшем случае удовлетворяются запросы какой-то одной части аудитории. В данном случае в пору говорить о талантливом искусстве компромисса — несочетаемое сочетается, недостижимое достигается, в невероятное верится.

Музыка, написанная композитором Михаилом Крыловым специально для этого спектакля, яркая и запоминающаяся, обескураживает своей простотой и примитивностью. Такую неприхотливую музыку невольно хочется отнести к фоновому и спекулятивному саундтреку бесчисленных цирковых и ледовых шоу, если бы не два «но» — оркестровка, которую сделал талантливый академический композитор Даниил Пильчен и саунд-дизайн Влада Жукова. Из столкновения «массового» и «элитарного» возник первый удачный компромисс. Мелодии заедают в памяти, многих зрителей тянет прихлопывать и раскачиваться в такт, но, при этом, музыкальный поток может приятно удивить выбранными выразительными средствами и более искушенных слушателей.

Продолжает череду удачных компромиссов хореография Юрия Смекалова. С одной стороны, в спектакле много массовых сцен, в духе шоу-балетов, ритмичных и эффектных. Кажется, что их цель — впечатлять и не дать зрителю ни на секунду испытать скуку. Как вдруг, тональность действия сменяется, и на передний план выходят соло — со все еще эпично выстроенными мизансценами, приводящими в восторг публику зрелищными высокими прыжками и безупречными картинными поворотами, но уже с ювелирной техникой, требующей от солистов хорошей классической подготовки и неподдельного артистизма. Как с первым, так и со вторым у исполнителей трех главных ролей все в полном порядке.

Ксения Овчинникова в роли Эммы прекрасна в своей хрупкости, детской наивности. Не возникает никаких сомнений, почему она единственная, кто не носит маску — она просто не понимает зачем. Выгода — это совсем не про нее, и не удивительно, что именно она — та сила, которая заставит героев от масок отказаться. Анастасия Тетченко в партии Сары — эфемерное, неземное создание, то ли плод воображения, то ли наваждение, перерождающееся в метафору абсолютного и маскулинного зла. При всей возвышенности образа ей удается пронести в себе и таящуюся в тихом омуте опасность. Не каждая артистка балета может с такой убедительностью преображаться в трансгендерных ролях. И, наконец, Владимир Шкляров в роли Юлия — возможно первого правителя в истории, который осознал уродливость своей маски и захотел от нее избавиться, — по праву главная звезда и центробежная сила всего спектакля. Его пластика страстная, решительная и порывистая остается в то же время певуче летящой, академически безупречной и элегантной. В нем чувствуются, как благородная стать правителя, так и буйство смятенного молодого человека. Небольшая хореографическая партия «надевания маски» досталась даже дирижеру Евгению Хохлову, как прием выноса театрального действа за пределы сцены.

Наконец, спектакль неплохо составлен идеологически. Конечно, до многозначительной глубины притчи ему далеко. Конфликт лежит на поверхности. Вопрос масок стоит довольно обыденно: есть маска политическая, маска личностная и маска социальная. Есть и попытка от этих масок избавиться, которая в конечном итоге приводит к невозможности полностью от них отделиться, так как не бывает той маски, в которую носитель не вдохнул бы часть себя настоящего. Но есть одна маска, которая зачаровывает особо — это декорация, выполненная художником-постановщиком Вячеславом Окуневым — огромная античная голова, которая на протяжении почти всего спектакля пустыми глазницами трагично взирает на людей — как на тех, что тщетно стараются не отодрать свое истинное лицо, сдирая маски, так и на тех, кто сидит в зале и с жадным блеском в глазах смотрит на сцену.

=============================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Фев 26, 2020 12:23 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020022601
Тема| Балет, Балет Монте-Карло, Гастроли, Персоналии, Жан-Кристоф Майо
Автор| Варвара Свинцова
Заголовок| Утроение «Строптивой»: как балет Монте-Карло побывал в Новосибирске
Знаменитый спектакль Жана-Кристофа Майо станцевали три состава исполнителей

Где опубликовано| © Известия
Дата публикации| 2020-02-26
Ссылка| https://iz.ru/979950/varvara-svintcova/utroenie-stroptivoi-kak-balet-monte-karlo-pobyval-v-novosibirske
Аннотация| Гастроли


Фото: Виктор Дмитриев

Соперничество персонажей и танцовщиков разных стран, иллюзорная стервозность и реальная любовь... В Новосибирске впервые состоялись гастроли Балета Монте-Карло. Труппа Жана-Кристофа Майо представила на сцене Театра оперы и балета легендарный спектакль «Укрощение строптивой».

Одно из самых успешных хореографических сочинений на шекспировский сюжет было создано для Большого театра в 2014 году. Майо использовал музыку Дмитрия Шостаковича, соединив фрагменты из разных сочинений в единую партитуру. Балет получил восторженный прием и собрал урожай фестивальных наград, а для Екатерины Крысановой и Владислава Лантратова, исполнивших партии Катарины и Петруччо, стал карьерным прыжком. Позднее Жан-Кристоф Майо адаптировал спектакль для собственной труппы.

На пресс-конференции, открывшей сибирские гастроли, у мэтра спросили, какое прочтение — в Москве или Монако — ему нравится больше.

— У меня нет ответа, — задумался хореограф. — К моему видению, к тому, что я задумывал, ближе балет Монте-Карло. Работая над спектаклем изо дня в день, я очень многое уточнил, приблизил движения к музыкальным акцентам, добился точного попадания в музыку. В каком-то смысле это тот случай, когда ребенок превзошел своих родителей. Но это не было бы возможно без созданного в Большом театре, без той вспышки эмоций, которую несла в себе московская постановка.

Пьеса Шекспира при переводе на язык танца неизбежно трансформируется. Не все повороты сюжета легко считываются публикой — это тот случай, когда предварительное знакомство с либретто, изложенным в программке, совсем не лишнее. Постановщик не перегружает действие подсказками, в его прочтении главное — в пластическом и эмоциональном взаимодействии артистов. «Укрощение строптивой» — пример того, как из индивидуальностей сложить ансамбль и создать особое энергетическое поле. Оно настолько насыщенное и живое, что зритель даже если и не улавливает мотивы некоторых персонажей, невольно начинает примерять разные виды любовных отношений к своему личному опыту. А это именно то, к чему в первую очередь стремится постановщик.

— Мне важно, чтобы в танце присутствовали движения настоящей жизни и чтобы зрители идентифицировали себя с героями на сцене, — утверждает Жан-Кристоф Майо.

В Новосибирске «Укрощение строптивой» шло три вечера подряд. Это была редкая возможность увидеть, как разные артисты вписываются в одно пластическое полотно и освещают его собственным светом. Открывали гастроли Екатерина Петина и Матей Урбан. Екатерина — танцовщица вагановской выучки, имеющая идеальные классические пропорции, красивые ноги и безукоризненную постановку рук. Она представила свою героиню роскошной красавицей, не привыкшей сдерживать эмоции и желания. Но под наигранными повадками мегеры угадывалась невозмутимость прирожденной примы.

Совсем иная пластика была у героини второго вечера — итальянки Алессандры Тоньолони, выступавшей в паре с Франческо Мариоттини. Больше резкости и острых углов, немыслимые в классике «кустистые» руки, взгляды-молнии, выжигающие всё вокруг: в этой строптивице присутствовал чисто итальянский вкус к скандалу, отношение к нему как к важной жизненной радости, умение получать удовольствие от яростных вспышек собственной стервозности. Алессандра Тоньолони в роли Катарины заставила вспомнить о звездах итальянского кино и образах женщин необыкновенной красоты и личностного масштаба, которые появлялись на киноэкране в эпоху его расцвета.

Третий вечер подарил публике встречу с первыми исполнителями — вместе с артистами балета Монте-Карло на сцену вышли Екатерина Крысанова и Владислав Лантратов, прима и премьер Большого театра России. Рассказанная ими история была несколько иной. Их Катарина и Петруччо обречены быть вместе, они уверены в этом с первых же мгновений и разыгрывают видимость конфликта, которого на самом деле нет.

Какими бы ни были нюансы отношений главных героев, все-таки самое красивое в этом балете Майо отдал другой паре — Бьянке и Люченцио. Их финальный дуэт — воплощение любви гармоничной, свободной от соперничества и распрей. Во времена гендерной смуты он смотрится особенно свежо. В роли Бьянки в течение трех вечеров на сцену выходила Катрин Шрадер. Благородный облик и красота линий её героини значили для общего успеха спектакля, пожалуй, не меньше, чем драйв и эмоциональный накал главных персонажей.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Фев 26, 2020 10:00 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020022602
Тема| Балет, Astana Ballet, Гастроли, Персоналии,
Автор| Ольга Зорина. Фото предоставлено пресс-службой Astana Ballet.
Заголовок| Astana Ballet влетел на воздушных пуантах в Алматы, заметно взволновав публику
Всегда отзывчивый, но все же избалованный и искушенный алматинский зритель принял молодой балет северной столицы теплом и аншлагами

Где опубликовано| © МК в Казахстане
Дата публикации| 2020-02-26
Ссылка| https://mk-kz.kz/culture/2020/02/26/astana-ballet-vletel-na-vozdushnykh-puantakh-v-almaty-zametno-vzvolnovav-publiku.html
Аннотация| Гастроли

C 19 по 23 февраля, на сцене КГАТОБ имени Абая представляли оригинальную разножанровую программу: три одноактных балета — Concerto Barocco Джорджа Баланчина, A Journey of Memory Раймондо Ребека, Love’s Lost Idols Николо Фонте и балет-сказку «Золушка» Сергея Прокофьева. Astana Ballet привез с южную столицу и выставку «Семь вуалей Евразии» с работами Алексея Кривцова, одного из самых востребованных фотографов в балетном мире. Ее также можно было увидеть в КГАТОБ имени Абая.



Astana Ballet, основанный в 2012 году по инициативе Первого Президента Казахстана Нурсултана Назарбаева в Нур-Султане, имеет с своем репертуаре 20 разножанровых балетных постановок, причем многие из них созданы лучшими современными хореографами мира эксклюзивно для труппы этого балета, и четыре кoнцертные прoграммы.

Гастролируя по городам и континентам и укрепляя ореол признания и популярности, столичный балет удивил и Алматы, куда приехал сплоченной командой. Открытые, дружелюбные, воодушевленные солисты балета и такие же очарованные жизнью и своим любимым занятием постановщики, и сам директор театра Александр Совостьянов заряжали своей энергией и страстью к этому искусству. Это было так волнующе и очевидно, что волна вдохновения накрыла всех, кто в эти дни приближался к сцене.

— Нашей целью было создание оригинального балета мирового уровня, — говорит Александр Совостьянов. — В Алматы мы привезли «Золушку» и три одноактных балета, которые, по нашему мнению, всецело раскрывают возможности нашей труппы. Считаю, что все три балета получились высокого качества, и мы рады, что их создали непосредственно для нашей труппы — под наши технические, физические, интеллектуальные и профессиональные возможности. Получилось на сто процентов из ста — как мы планировали, такой результат и вышел. К примеру, что касается балета Джоржда Баланчина, который мы также привезли в Алматы: вы же понимаете, что это мировая классика, и Фонд Баланчина позволяет исполнять его канонические произведения только тем коллективам, которые отвечают всем высочайшим требованиям. Нам разрешили это сделать, и мы также продолжаем сотрудничать, имея в планах поставить еще несколько балетов Баланчина. Ребятам самим нравится участвовать в процессе создания таких произведений хореографии, которые лишь потом, на последних репетициях, становятся шедеврами, но наших танцоров серьезные задачи мотивируют профессионально и творчески. Им хочется быть выше собственных возможностей, и у них это получается! Артисты у нас невероятные, и мы гордимся ими!

Джоржд Баланчин — один из немногих хореографов, создавших постоянную труппу со своим репертуаром, положивший начало американскому балету и современному неоклассическому балетному искусству в целом. Он создатель нового направления в классическом балете ХХ века, во многом определившего развитие хореографического театра США. Родился и вырос в Петербурге, уехал из России после смерти Дягилева. Сегодня Фонд Джорджа Баланчина продолжает реализацию проектов великого хореографа во всем мире.

Алматинская публика впервые увидела шедевр Баланчина Concerto Barocco, признанный уникальным в мировой истории танца. Восхитительная хореография в неоклассическом стиле, помноженная на божественную музыку Иоганна Себастьяна Баха, профессионализм и красоту артистов балета, вызвала небывалый трепет в груди и приятное удивление. Причем сюжета в этом произведении искусства вы не найдете, но воспарить над этим миром, наблюдая за слиянием величественной музыки и изящного танца, точно сумеете, даже если этого никогда ранее с вами не случалось.

Другой представленной и вдохновляющей стала постановка немецкого хореографа Раймондо Ребекка A Journey of Memory — «Путешествие памяти». «У всех нас есть свои воспоминания. Радостные и грустные. Одни остаются с нами навсегда, другие со временем исчезают. Героиня моего балета — женщина. На сцене она появляется в образе реального человека и ее памяти. Она смотрит в зеркало и оказывается в зазеркалье, где рядом ушедшие люди, где прошлое оживает. В зеркале мы видим не только свое отражение, но и свои переживания, всю свою жизнь... Я стараюсь создать знаки, моменты, надавить на кнопку в сознании аудитории, чтобы люди могли вспомнить что-то важное, когда увидят определенные движения, картины на сцене», — признается в одном из своих интервью хореограф. Удивительно хороша музыка, подобранная к балету. «Для меня очень важна музыка, — признается Раймондо Ребек. — Иногда у вас есть идея, и вы ищите подходящую музыку, иногда есть музыка, которая вам нравится, вы создаете идею, помня и думая об этой музыке. В этом случае у меня изначально были идеи, я искал к ним фортепианную музыку. Предпочитаю органичные мелодии, не стараюсь сделать вызов обществу, используя «сумасшедшую музыку», меня больше вдохновляет что-то очень приятное, гармоничное».

Заворожили не только необычная, наполненная сложными и, сказала бы, эротичными элементами хореография, прекрасная умная музыка, но и интерактивная сценография, созданная также Раймондо Ребеком: живое зеркало, стена с оживающими фотографиями, в один момент превращающимися в «скалодром», по которому взбирается героиня, забывшись в памяти, плавающие люстры. А как легки, воздушны, красивы и грациозны сами исполнители танца!

Надо отметить, что Раймондо Ребек — известный балетмейстер, педагог, хореограф, лауреат престижных национальных и международных конкурсов артистов балета. Как приглашенный балетмейстер-педагог работал с балетными труппами разных стран. Многие зарубежные солисты и балетные труппы обращаются к нему с просьбой создать хореографические номера для них, но не всем он оказывает свою поддержку и внимание, выбирая самые интересные, на его взгляд, коллективы.

Другой не менее известный американский хореограф Николо Фонте сам предложил поставить танец для Astana Ballet, увидев выступление труппы в Нью-Йорке и оценив ее профессиональные возможности. Согласитесь, не каждого всемирно известного хореографа привлечет недавно созданный театр, к тому же пока еще и не такой знакомой страны в мире, как наш Казахстан. А в богатом списке Николо Фонте есть, к примеру, «Пермский балет Чайковского», где хореограф воссоздал постановку Михаила Фокина 1911 года «Петрушка» в современной интерпретации. Презентуемый в КГАТОБ имени Абая неоклассический балет Love’s Lost Idols — «Утерянные кумиры любви» предстал очень эмоциональным танцем, исполняемым артистами под магию музыки итальянского композитора Эцио Боссо. Автор призывает этим творением всех жить здесь и сейчас, чувствовать и любить в этот миг, не заглядывая в будущее. И этот оригинальный балет еще несколько мгновений не отпускал зрителей после своего завершения.

Но состояние восхищения и восторженного удивления сопровождало публику и при сoзерцании балета-сказки «Золушка». Казалось бы, классическая история, знакомая всем с детства, виденная в выступлениях разных коллективов, но в этой постановке и она заиграла свежими красками, и даже легким юмором, с которым виртуозно справились молодые артисты Astana Ballet. В партии Золушки выступили: заслуженный деятель Казахстана Татьяна Тен, Назерке Аймухаметова и Дарина Кайрашева. Партию Принца исполнили: Казбек Ахмедьяров, Сундет Султанов и Фархад Буриев. Дирижер-постановщик оркестра — Арман Уразгалиев, хореограф — Надежда Калинина, художникпостановщик — Сергей Новиков.

О своей Золушке на пресс-конференции рассказала ведущая солистка театра, заслуженный деятель РК Татьяна Тен:

— Моя Золушка очень трудолюбивая, кроткая, нежная, трогательная. Это большая ответственность — показать ее и других своих героинь алматинскому зрителю. Но добавлю, в каком бы городе мы ни гастролировали, большом или маленьком провинциальном, для нашего коллектива всегда важно и волнительно, как нас примут зрители, понравится ли наш репертуар, какое «послевкусие» мы оставим. Развиваясь сами, мы хотим развивать и эстетический вкус зрителя. Это миссия любого думающего театра. Хочется надеяться, что, оставляя свою любовь на легендарной алматинской сцене, мы получили частицу тепла зрителей культурной столицы, понравились ей.

Сказать, что зрители удивлены и впечатлены уровнем профессионализма столичных артистов и постановщиков, будет мало. А вот эмоциональное: «Bravissimo!» — в самый раз! И, знаете, захотелось с бОльшим желанием навещать Нур-Султан — теперь в нем появилась очень мотивирующая для этих целей точка. Astana Ballet — культурная визитная карточка столицы Казахстана и всей страны.

Фото предоставлено пресс-службой Astana Ballet.
=====================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Фев 26, 2020 4:16 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020022603
Тема| Балет, X Международный фестиваль искусств «Дягилев P.S.», Персоналии,
Автор| Александр Фирер
Заголовок| Видения вальса. Постскриптум
Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2020-02-26
Ссылка| https://musicseasons.org/videniya-valsa-postskriptum/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

На фоне разнообразной, но безликой палитры танцфестивалей, собирающих свои программы «с миру по нитке…», фестиваль «Дягилев P.S.» выгодно отличается концепцией и форматом, в первую очередь не коммерческим, а художественным. Каждый год у фестиваля появляется новая тема, объединяющая приглашаемые компании, их опусы-новинки и талантливых исполнителей. Проект снискал репутацию лучшего данс-форума в Санкт-Петербурге.

Вальсирующей кульминацией X Международного фестиваля искусств «Дягилев P.S.» стали два события, привлекших публику титулованными именами Натальи Осиповой и Сабуро Тэсигавары. Для обоих танцперсон именно вальс стал художественным стержнем привезенных ими проектов: замечательные «Грустный вальс» Яна Сибелиуса к драме Арвида Ярнефельта «Kuolema» («Смерть», где мать главного героя умирает под видение вальса, танцуемого ею с умершим мужем) и Вальс №2 Дмитрия Шостаковича из Сюиты для джазового оркестра №1, украсивший профрейдистскую «новеллу о снах» Стэнли Кубрика «С широко закрытыми глазами».

Обоих исполнителей объединяет вальсирующая самозабвенность жизни на сцене.

Новелла о снах. P.S.


Сабуро Тэсигавара и Рихоко Сато

Россия, как известно, не только «родина слонов», но и арена для дерзких творческих экспериментов. Она примечает и талантливых японцев: Москва даже видела гопак в их исполнении, а Петербург распахнул двери для отанцовывания Достоевского жителем страны восходящего солнца Сабуро Тэсигаварой, напоминающего космического пришельца. Всклокоченная «азбука Морзе» кистей словно отражала рваную осциллограмму надломленной души и израненного рассудка культового персонажа романа «Идиот». Но это лишь поверхностные очертания айсберга.
Танцовщик выдал чувственный пластический парафраз по образному миру романа в пульсирующе неуловимом ритме времени. Прерывисто бурлящая экспрессия, философская созерцательность, цепкая внутренняя сосредоточенность послужили красками для написания сущностного портрета героя. Яркий представитель третьего поколения буто (так называемого пост-модернистского) Сабуро Тэсигавара открыт широчайшей выразительности и современного, и классического танца. Его лексика изобилует виртуозностями из арсенала мужского экзерсиса. Бесконтактный сценический альянс с непроницаемой Рихоко Сато подчеркивал персонифицированную самодостаточность филигранного исполнителя, который пытался раствориться в пластическом романе о терниях человеческой души, что вполне роднило его с творческими принципами самого Федора Михайловича.

Новелла о вальсе P.S.

В названии программы «Чистый танец» есть своеобразный вызов, ибо мы любим танец Натальи Осиповой именно за непредсказуемую живость и захватывающую свободу, для которой чужда геометрическая безупречность. Двухчасовой марафон-бенефис дарит публике квинтэссенцию данс-реноме балерины, демонстрирующей широкую палитру своих достоинств и возможностей.

В элегическом дуэте из балета Энтони Тюдора «Увядающие листья» на музыку Антонина Дворжака Наталья Осипова и Дэвид Холберг словно предавались ностальгическим воспоминаниям о своей танцевальной юности, о взаимной и красивой платонической любви балерины и танцовщика. В номере, сотканном из полутонов, есть самоощущение каждого во взаимности. А насыщенную гамму красок Осиповой оттеняла пастель мягких переходов и нежности цвета Холберга.
Пылкая искренность Осиповой в «Грустном вальсе» Сибелиуса растворяется в волнующих бликах души, стремящейся упорхнуть к свободе. Педантичные нюансы, коими славна и ценна хореография Алексея Ратманского, артисты преломляли по-своему. И, если Холберг полностью погружался в светлую меланхолию, то у Осиповой границы темперамента были широко открыты. В ее танце клокочуще доминировала страстная порывистость холерика.
В исповедальной самобытности монолога Натальи Осиповой в номере «Ave Maria» Шуберта (хореография Юки Ойши) видится маленькая Наташа, сама себе сочинившая миниатюру на популярную когда-то песню Криса де Бурга «Lady in red». Та же искренность, чистота, проникновенность. И непостижимым образом «Ave Maria» Осиповой соотносилась с номером «Ave Maйя» на музыку Баха-Гуно в постановке Бежара, который Плисецкая исполняла на закате своей карьеры. В завороженной ее медитативности прорывались щемящие интонации. В «Ave Maria» Осиповой – бурные всплески как бунт, но та же внутренняя погруженность, глубокая и прочувствованная. И оттого, казалось, что свой номер Осипова негласно посвящала незабвенной Майе.

В двухголосной фуге объятий номера «Шесть лет спустя» израильтянина Роя Ассафа Наталья Осипова и Джейсон Киттельбергер пластически преподносят теплообмен чувств, именуемый счастьем. Их босоногий дуэт был лирической антитезой пуантной ультратанцевальности Осиповой. Искусные узоры переплетенных рук выражали-рождали исповедальные интимные смыслы, сокровенные желания в себе и друг в друге. Эта завораживающая дуэтная метафора любви запоминается окрыляющей и согревающей нежностью обоих.
Пластически бенефисная сага представила Наталью Осипову во всей многогранности ее танцевального мировоззрения, технических возможностей, актерского понимания и представления о танце.


Фото Евгения Пронина, Евгения Матвиенко, Ирины Туминене

=======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Мар 02, 2020 11:25 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Фев 26, 2020 4:22 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020022604
Тема| Балет, Нижегородский театр оперы и балета им. А.С.Пушкина, Персоналии, Олег Ивенко
Автор| Анна Бугрова
Заголовок| Мужской танец
Звезда российской балетной сцены в Нижнем Новгороде

Где опубликовано| © МК в Нижнем Новгороде
Дата публикации| 2020-02-26
Ссылка| https://nn.mk.ru/culture/2020/02/26/zvezdnyy-balet-v-nizhnem.html
Аннотация|


Фото пресс-службы театра оперы и балета им. А.С.Пушкина

«Как я тебе завидую, – написала мне моя приятельница, много лет живущая в Англии. – Ты живьем увидишь па-де-скляв Али в исполнении прекрасного Олега Ивенко! Я в него еще по фильму про Нуреева влюбилась просто».

В Нижний Новгород молодой премьер из Казани и исполнитель заглавной роли в фильме Рэйфа Файнса «Нуреев. Белый ворон» Олег Ивенко приезжает уже не в первый раз. Чуть меньше месяца назад он принял участие в «Вечере балета» в качестве приглашенной звезды. «Хорош, великолепен, обаятелен, – писали про него зрительницы на своих страничках в соцсетях. – Жаль, что так мало станцевал». И вот как будто в ответ на эти сожаления Олег Ивенко снова в Нижнем Новгороде на сцене нашего оперного театра – 19 февраля он оттанцевал партию Али в «Корсаре», а через день уже блистал в очередном «Вечере балета».

Традиция «Вечеров балета» зародилась на заре существования Нижегородского оперного театра в самые первые его сезоны. Со временем репертуар пополнился новыми жанрами и форматами, и хореографические концерты стали проходить все реже и реже, а потом прекратились совсем. Но вот в июле 2019 года Нижегородский оперный театр обрел новое руководство, своеобразный триумвират, состоящий из директора и художественного руководителя Александра Топлова, его заместителя по художественному руководству балетной труппой Морихиро Ивата и зама по руководству оперой Дмитрия Белянушкина. Новая метла по обыкновению начала новую уборку, был проведен ребрендинг, появился новый фирменный стиль, новый логотип – заглавная буква «Н», левый штамб которой выполнен в виде ионической колонны, а под ней слова «опера» и «балет», на манер пермского и екатеринбургского оперных домов. И для театра началась новая жизнь.

В рамках этой новой жизни было решено возродить красивую традицию хореографических концертов, и вот уже второй раз на нижегородской сцене в одной программе были представлены самые разные эпохи и стили балетного искусства. Зрители увидели классическую хореографию Василия Вайнонена, Асафа Мессерера, Мариуса Петипа, Петра Гусева и современные постановки Бориса Мягкова, Морихиро Ивата, Леонида Сычева, Татьяны Разенковой. И во второй раз снова в качестве guest star в Нижний был приглашен танцовщик с вполне мировым именем – заслуженный артист Татарстана Олег Ивенко.

Видимо, поскольку в первый раз всем показалось, что его было непростительно мало, во второй Олег кроме па-де-склява в рамках «Вечера балета» исполнил еще целую партию раба Али в уже репертуарном показе спектакля балета «Корсар» на музыку А. Адана, Р. Дриго, Л. Делиба, Ц. Пуни в постановке Морихиро Ивата, премьера которого состоялась в середине декабря 2019 года и как часть ребрендинга стала вторым проектом, полностью поставленным самим Морихиро Ивата на нижегородской сцене.

Известно, что именно образ Али открыл для мира великого Нуреева, став первым триумфом и первым «бисом» легендарного танцовщика. А роль Нуреева в франко-британском фильме «Нуреев. Белый ворон» сделала звездой уже самого Олега Ивенко, имя которого, несмотря на то что к 2019 году молодой человек стал лауреатом многих конкурсов и фестивалей, было известно лишь весьма ограниченному кругу любителей классического танца. Зато после премьеры фильма Олег проснулся уже почти без преувеличения всемирно известным. В США и Великобритании, Японии и Италии – везде после показов картины критики отмечали кроме яркого режиссерского взгляда убедительность исполнителя главной роли.

Олег Ивенко родился в Харькове, там окончил балетную школу, а потом, по собственному выражению, ринулся в Минск, в Белорусский хореографический колледж, где учился его кумир танцовщик Иван Васильев. К концу обучения в колледже Ивенко оказался в числе лучших, и предложения о работе он получил действительно прекрасные, в том числе от Национального театра Украины и даже от представителей знаменитой Венской оперы.

Но, ко всеобщему удивлению, Олег выбрал Татарский театр оперы и балета имени Мусы Джалиля, в который он был принят в сентябре 2010 года. «Я люблю классический балет, а для меня классический балет всегда существовал в первую очередь именно в России, – пояснил свой неожиданный выбор Олег, когда мы с ним разговорились на следующий день после спектакля. – Я не знал тогда, что Республика Татарстан – это не совсем Россия, – он смеется. – Но я ни в коем случае не жалею о своем выборе. Этот театр дал мне абсолютно все, он меня вырастил как зрелого, большого артиста. Мне дают свободу ездить по стране, по миру, к вам вот приехал, в марте в планах Минск, в этом меня поддерживают, и спасибо руководству театра за это».

Нижегородские зрители, без сомнения, тоже благодарны руководству Татарского театра за возможность увидеть прекрасный – техничный и легкий – танец Олега Ивенко. Очень спокойный и уверенный, каждым своим движением транслирующий в зал мужественность и способность на жертву ради идеи, Ивенко, безусловно, украсил нашу постановку «Корсара». Честно говоря, во время первого просмотра балета на партию освобожденного Конрадом раба Али я почти не обратила внимания. В исполнении же Олега она засверкала, как драгоценный камень после огранки. Несмотря на предельную лаконичность костюма, когда на сцене появлялся Али, от него просто невозможно было отвести взгляд.

«Это такая партия: если ты пообещал Медоре и Конраду, что теперь будешь их защищать, так защищай, – чувствуется особое отношение Олега к этой роли. – Моей задачей было показать именно мужской танец. Иногда мужской танец превращается в женские пляски, которые, как по мне, теряют свою ценность. Я отсмотрел очень много танцовщиков, кто-то мне нравится, кто-то нет, а кто-то делает вроде хорошо, но по-женски, нет мужской силы в исполнении. Я решил привнести сюда такую мужественность и драматизм, когда он в конце сражается один против всех. Я надеюсь, что зрители почувствовали ту энергетику, которую я посылал в зал».

И зрители, без сомнения, почувствовали: после спектакля все обсуждения сводились к восторженным: «Великолепно», «Вообще такое зрелище!», «Просто отдыхаешь душой» и, конечно же, самое главное: «Еще пойду!» Это и есть то, ради чего театр устраивает тематические вечера, покупает и привозит новые инструменты, приглашает интересных и знаменитых артистов. То, ради чего вообще всё.

Что касается Олега Ивенко, то он не собирается прерывать свои отношения с Нижегородским театром оперы и балета и планирует привезти к нам зимой 2020 года свой фестиваль современной хореографии Stage Platforma.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Фев 26, 2020 5:17 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020022605
Тема| Балет, театр оперы и балета имени М.Джалиля, Персоналии, Сания Хантимирова
Автор| Марат ШАКИРЗЯНОВ
Заголовок| «И величавый белый лебедь по глади зеркала скользил…»
Где опубликовано| © Газета Республика Татарстан
Дата публикации| 2020-02-26
Ссылка| http://rt-online.ru/i-velichavyj-belyj-lebed-po-gladi-zerkala-skolzil/
Аннотация| ЮБИЛЕЙ

К юбилею Сании Хантимировой



Казанский балет – явление яркое и уникальное, с ним связано немало блистательных имён танцовщиков. К числу выдающихся служительниц Терпсихоры, отдавших жизнь поиску идеала на балетной сцене, принадлежит и народная артистка Татарстана Сания Хантимирова.

Генеалогия Хантимировых восходит к крепким крестьянским корням. Её отец – уроженец Нурлатского района, мама будущей балерины выросла на Вятке, затем жила в Свердловске, а позже вся семья переехала в Казань. Здесь у Нафисы и Хасана Хантимировых в 1945 году родилась дочь Сания, а спустя три года – её младший брат Ахсан. Хасан-абый прошёл фронт и в 1952 году скончался от старых ран, оставив на руках жены двух маленьких детей.

Любовь к музыкальному театру будущей приме казанского балета привила мама. Она помнила блистательные выступления в Свердловске Нияза Даутова и всегда с восторгом рассказывала детям о спектаклях с его участием. А в Казани она стала брать с собой в театр подросшую дочь… Самым сильным детским впечатлением Сании стал балет «Лебединое озеро». Сказочная героиня настолько очаровала девочку красотой и грациозностью, что она буквально заболела хореографией. Позже, как вспоминает Сания Хасановна, она узнала, что партию Одетты – Одилии в том спектакле танцевала звезда казанского балета пятидесятых годов Нинель Юлтыева. Впоследствии судьба снова их сведёт, и Нинель Даутовна станет наставницей юной «грации» Хантимировой.

А пока маленькая Сания с удовольствием ходила в школьный танцевальный кружок. В 1950-е годы любимым местом отдыха казанцев был парк «Чёрное озеро». Летом здесь играл оркестр, выступали детские коллективы, зимой были ёлка и каток. Традиция ныне почти забытая… Сания тоже не раз выходила на летнюю эстраду «Чёрного озера» и однажды даже получила приз за лучшее исполнение народного танца.



В 1956 году в Казани достроили новое здание театра оперы и балета, и вскоре сюда приехали педагоги-хоре-ографы из Ленинграда для отбора талантливых детей в Вагановское училище. Поистине добрая фея из сказки улыбнулась девочке, любившей танцевать и импровизировать. Юная Сания успешно прошла конкурс и поехала учиться в Северную Пальмиру.

Ленинградское хореографическое училище (ныне – Академия русского балета им. А.Я.Вагановой) – одна из старейших балетных школ мира. Здесь начинали свой путь на сцену Матильда Кшесинская, Анна Павлова, Вацлав Нижинский, Галина Уланова, Рудольф Нуриев, Михаил Барышников… В музее истории балета при училище замечательный педагог, гречанка по происхождению М.Х.Франгопуло приобщала юные казанские таланты к миру императорских театров и балетных легенд. До сих пор Сания Хасановна не устаёт благодарить своих выдающихся наставников, которые помогли её профессиональному становлению. Летом 1965 года, с отличием окончив училище, она возвращается в Казань.

Поступив на работу в театр оперы и балета имени М.Джалиля, Сания едет на гастроли в Чебоксары, где после двух репетиций её вводят вместо заболевшей исполнительницы испанского танца в спектакль «Травиата».

В дальнейшем репертуар балерины стремительно пополнялся разноплановыми ролями. Сама Хантимирова отдавала предпочтение романтическим образам. Неслучайно среди её самых любимых партий – Аврора («Спящая красавица»), Мария («Бахчисарайский фонтан»), Жизель, Сююмбике («Шурале»). Всего же в её послужном списке свыше 40 партий.

Многие классические партии Хантимирова знала наизусть. Быстро вживаться в роль помогал и актёрский талант. «Меня всегда привлекала в балете возможность актёрского самовыражения, – признаётся она. – Исполняя одни и те же па, я всегда искала особую хореографическую интонацию, чтобы тот же арабеск был неповторим в балетах разных стилей».

Танец Хантимировой всегда отличался лёгкостью, воздушностью. А такие черты её внутреннего «я», как теплота и задушевность, наполняли образы мягким звучанием. И это неслучайно, ведь творческим идеалом для балерины всегда была великая Галина Уланова

Отзывы критиков тех лет дают возможность представить многогранный творческий облик танцовщицы. Например, газета «Вечерний Омск» в 1982 году писала о Хантимировой: «В пластике её Джульетты много по-детски хрупких, угловатых, наивных движений, настроение меняется мгновенно: она шалит, капризничает, сердит Кормилицу, а потом тут же ласкается к ней. Уже в этой сцене балерина мягко намечает логику развития образа – в самом финале картины Джульетта, вдруг осознав себя не ребёнком, а юной девушкой, переходит с детской резвости к мыслям о том, что ждёт её в жизни. Здесь и волнение, и тревожное предчувствие, и тихая грусть… Глубоким драматизмом исполнен танец Хантимировой в келье священника, это настоящая исповедь героини… И вот мы видим Джульетту, давшую согласие на свадьбу с Парисом: какие заученно-механические движения, какая трагическая растерянность в них, какое духовное одиночество! Артистка верна Шекспиру и верна Прокофьеву».


Сания Хантимирова в роли Жизели.

Танец Хантимировой всегда отличался лёгкостью, воздушностью. А такие черты её внутреннего «я», как теплота и задушевность, наполняли образы мягким звучанием. И это неслучайно, ведь творческим идеалом для балерины всегда была великая Галина Уланова. Своим вдохновенным трудом Сания Хантимирова завоевала признание и любовь зрителей, уважение в коллективе. В её танце присутствовали и правда, и философская мысль, и психологическая глубина. Хантимирова благодарна судьбе за замечательных партнёров. Это Ревдар Садыков, Салих Хайруллин, Камиль Гайнуллин, Наиль Сарваров, Виталий Бортяков, братья Ибатуллины. Хотя, как однажды пошутил Джордж Баланчин, балет – это женский мир, в котором мужчина – лишь почётный гость.

В 1992 году Сания Хантимирова окончила балетмейстерское отделение Петербургской консерватории и осуществила ряд постановок в родном театре. В их числе – «польский» акт в опере «Борис Годунов», танцы в оперных спектаклях «Алтынчеч» и «Джельсомино в Стране лжецов».

Многие годы Сания Хасановна преподаёт в Казанском хореографическом училище, передавая свой уникальный опыт молодёжи. Среди её воспитанников – народная артистка Татарстана Луиза Мухаметгалеева, солист Пражского балета Игорь Жуков, заслуженный артист России Николай Шильников, заслуженные артисты Татарстана Артём Белов, Михаил Тимаев, Станислав Сырадоев, Айсылу Мирхафизхан и многие другие. Она очень любит своих ребят, следит за их успехами, что-то подсказывает… И они, будучи уже и сами большими артистами, отвечают ей взаимностью.

Накануне юбилея легенды татарского балета мы побеседовали с некоторыми из её звёздных учеников.


С любимым учеником Артёмом Беловым.

Артём Белов: «Сания Хантимирова – редкий профессионал с уникальным видением детского таланта. Попасть в её руки – это счастье. Она знала моих родителей, общалась со всей семьёй, следила за моими робкими шагами в балете, подсказывала нюансы: как стоять, двигаться, носить костюмы, как не сломать руку или ногу. Все её замечания я впитывал, как губка, дико уставал, но постепенно начал понимать смысл выбранной профессии. Как говорила великая Фаина Раневская, балет – это каторга, усыпанная цветами, но сколько же надо проделать черновой работы, чтобы тебя заметили, похвалили, назначили премьером! Я очень благодарен моим педагогам Виталию Николаевичу Бортякову и Сание Хасановне Хантимировой за веру в меня, за становление моего профессионализма, теперь я и сам уже педагог, за любовь сквозь отчаяние, когда хочется всё бросить и больше не появляться на репетициях. Я их обожаю и сердечно желаю энергии, душевной щедрости, любви и новых маленьких лебедей!»

Михаил Тимаев: «Сания Хасановна – удивительно добрая и нежная женщина. Порой её доброжелательность, советы творят чудеса: вырастают крылья – и паришь в «Спартаке», борешься со злом в «Лебедином озере», сражаешься за любовь в «Ромео и Джульетте»… Наш театр всегда полон, зрители нас любят, после спектакля мы, мокрые от счастья, пота и слёз, выходим на поклоны, благодарим за цветы, радуемся вместе с залом. Есть ли в этот момент люди счастливее нас? Только наши педагоги!»

Фото из личного архива автора
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Фев 26, 2020 9:39 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020022606
Тема| Балет, Кино, Персоналии, Олег Ивенко
Автор| Олеся Бондаревская
Заголовок| Кто смог воплотить образ Рудольфа Нуреева на киноэкране /
Белый ворон, прилетевший с востока

Где опубликовано| © Журнал <<Татарстан>>
Дата публикации| 2020-02-26
Ссылка| http://protatarstan.ru/oleg-ivenko-perevoploshcheniye-v-rudolfa-nureeva-belyi-voron/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Каково это – быть человеком, которого половина мира превозносит, а другая считает заносчивым извращенцем? Об опыте перевоплощения в великого Рудольфа Нуреева, о его желаниях, амбициях и энергетике рассказал Олег Ивенко – премьер Татарского академического государственного театра оперы и балета им. М. Джалиля, сыгравший главную роль в фильме британского режиссёра Рэйфа Файнса «Нуреев. Белый ворон».

«БАЛОВЕНЬ, ВСПЫЛЬЧИВЫЙ, ИМПУЛЬСИВНЫЙ, СУКИН СЫН…»

– Как вы думаете, почему на роль «Белого ворона» Файнс выбрал вас?


– Не знаю, лучше у него спросить. Кастинг был очень серьёзный. Рас­сматривались именно русские танцо­ры, так как в фильме много говорят на русском и сам Рэйф, который играет Александра Пушкина, педагога Нурее­ва, тоже говорит по-русски. Кроме того, нужно было немного знать английский, так как по сценарию Нуреев начинает учить этот язык.

– То есть вы английский выучили благодаря роли?

– До сих пор учу, потому что мне поступают предложения сниматься, но мой английский не позволяет. Но я работаю над этим.

– В фильме многое посвящено профессиональному становлению Нуреева, порой мучительному. Вы переживали что‑то подобное?

– Травмы были – и физические, и эмоциональные. Однажды я сломал ногу в разгар сезона и тогда прочув­ствовал, насколько всё жёстко в нашей среде. Но мой путь всё‑таки не столь тернистый.

– Как удавалось войти в роль?

– Я чувствовал огромную ответствен­ность и перед съёмочной группой, и пе­ред самим Нуреевым. Это был мой де­бют в качестве актёра, и мне пришлось бы очень тяжело, если бы не помощь команды фильма и самого Рэйфа, ко­торый с нуля учил меня актёрскому мастерству. Он исключительный про­фессионал и замечательный человек.

– Знаю, что вы очень много всего посмотрели и прочитали о Нурееве. Что запомнилось?

– Удивительно вот что: сколько книг, столько и мнений о нём. Баловень, вспыльчивый, импульсивный, сукин сын – вот это всё. Но постепенно у меня сложилось своё мнение о нём, и оно совпало с видением режиссёра.

– Какое оно, это видение?

– Нуреев – это человек, который очень хочет показать свой талант всему миру и очень жаден до сцены, он хочет владеть ею единолично. И мне было очень приятно прочувствовать это всё изнутри.

– То есть это чувство вам созвучно?

– Да.

– Если бы вы описывали Нуреева в трёх словах, какие это были бы слова?

– Талантливый, извращённый, жад­ный.

– Извращённый?

– О его сексуальных похождениях, гомосексуальных в частности, очень много рассказано. Это часть его лич­ности, он без этого не мог. На сцену не мог выйти без такой подпитки. Очень жадный до всего – до любви, до танца, до славы.

– Наверное, его притягательность для публики в этом и заключается. Но каков он с профессиональной точки зрения?

– Он – звезда. Он первый поднялся на полупальцы, что до него было ис­ключительно женским элементом. На­дел трико вместо штанов, чем вызвал скандал: как так, голый танцор на сце­не?! Он первый, кто вышел из тени балерины. Да, сейчас она на первом плане, и мужчина поддерживает её, чтобы она не упала с пуантов. Но Ну­реев преподнёс своё тело так, что его стало видно зрителю. Благодаря ему вы можете разглядеть и балерину, и её партнёра почти в равной степени.

– Как вы считаете, его путь – это успешная творческая судьба?

– Безусловно.

– Даже несмотря на то, что родина на долгое время фактически отре­клась от него?

– Это издержки профессии. Он по­нимал, что Париж, в отличие от СССР, понимает его и принимает, и сделал выбор.

СЦЕНА – ЭТО ВСЁ ТОТ ЖЕ КОЛИЗЕЙ

– Есть сегодня такие вызовы для людей творческих профессий, которые бы вели к достижениям подобного масштаба?


– Сегодня тяжело подняться на такой уровень. Нами правит интернет-про­странство. Нужно сделать что‑то сверхъестественное, чтобы прибли­зиться к вершине. Сейчас нет имён в балете, которые гремели бы так, как Барышников и Нуреев. При том что танцовщиков и балерин много.

– Почему танцоры стремятся в ба­лет?

– Сегодня это модно и престижно. И прибыльно. Но не так прибыльно, как спорт. Артисты балета не зараба­тывают столько, сколько спортсме­ны. Вообще, есть ощущение, что для государства этот вид искусства сей­час на каком‑то семнадцатом месте. Спортсменам, например, выделяются средства на реабилитацию, а танцов­щикам – нет, хотя нагрузка в балете ничуть не меньше, чем в профессио­нальном спорте. И подобные вопросы не директор театра должен решать.

– За рубежом развито меценат­ство в балете: выдающихся артистов и проекты поддерживают частные инвесторы.

– В России на постановки тоже вы­деляется достаточно государственных средств, но гонорар танцора составляет крошечную часть этого бюджета. В про­фессиональном спорте совершенно другая ситуация. Моё мнение – так быть не должно. Конечно, эту систему тяжело менять. Но необходимо. Я постоянно рассказываю об этом журналистам.

– Но почему вы считаете, что го­сударство должно изменить эту си­туацию?

– А почему не должно? Мы вдохнов­ляем людей, мы даём им возможность не быть заложниками только рабо­ты и своих мыслей. Люди приходят в театр, чтобы расслабиться. Сцена – это всё тот же Колизей, где зрители наблюдают кровавое зрелище и вы­плёскивают свои эмоции. Гладиаторы, между прочим, считались героями. Сегодня мы точно так же создаём шоу – ценой ежедневных тренировок, потом, слёзами, кровью.

– Получается, если зритель не ис­пытал вдохновения, то это плохая постановка?

– Есть две причины того, что зритель не испытал ничего, – или он ещё не го­тов к этому искусству, или танцовщики бездарны.

– Кто из современных артистов балета вам интересен?

– Вадим Мунтагиров, премьер труппы лондонского Королевского театра Ко­вент-Гарден, из балерин – неизменно Светлана Захарова, которая не опускает планку. Это люди, которые никогда не лгут на сцене и выходят на неё ради того, чтобы танцевать.

ПРО ЭНЕРГЕТИКУ В ТАНЦЕ

– Один из героев фильма «Нуреев. Белый ворон» говорит, что «энергия всегда приходит с Востока», имея в виду влияние русского балета на ми­ровую сцену. Это по-прежнему верно?


– Скажем так: настоящий спектакль я по-прежнему могу увидеть только в России, потому что русские артисты умеют импровизировать.

– То есть они более свободны?

– Это скорее иллюзия свободы.

– А что вообще определяет выда­ющегося танцовщика?

– Нужна эмоциональная, физическая и профессиональная специальная под­готовка. И харизма – «бонус» свыше, назовём это так. Если всего этого нет, ты вряд ли попадёшь в элиту балета.

– Если бы вас попросили заняться пропагандой балета, в школах, на­пример, с чего бы вы начали?

– Я бы попросил детей убрать теле­фоны и спросил, видели ли они «Щел­кунчика».

– Вам нравится этот балет? Нра­вится танцевать в нём?

– То, что мне не нравится, я вообще не танцую, потому что не хочу обма­нывать зрителя. Я кайфую от того, что я делаю. Это моё кредо. Я выхожу на сце­ну, чтобы донести танцем правильную энергетику и правильную мысль, идею моего персонажа.

– Вас захватывают драматические роли?

– Сейчас, после «Нуреева», – да. Я стал глубже их понимать. Напри­мер, трагедию Альберта из «Жизели». Он потерял любимую потому, что она сошла с ума. После этого он танцует фактически с привидением. Дон Ки­хот, Солор в «Баядерке» – я по-другому увидел своих героев в этих спектаклях. Скоро должна начаться подготовка к постановке «Дамы с камелиями», и я внутренне готов танцевать эту партию, мне это интересно.

– А «Щелкунчик»? В нём же тоже происходит трансформация.

– Да, но там ты становишься прин­цем, который спасает Машу, и больше ничего. А когда есть трагедия, то нуж­но поднапрячься, внутри себя прийти к исполнению. Станцевать так, чтобы зал вместе с тобой это всё прожил.

– В «Шурале» нет какой‑то особен­ной драмы, тем не менее вы говори­ли, что это одна из ваших любимых ролей.

– У каждого из нас есть некая тёмная часть личности, и вот в «Шурале» я пре­вращаюсь в лесное чудище и просто вы­плёскиваю её наружу. Это совершенно особенные эмоции.

– Кстати, вы уже несколько лет живёте в Казани. Что‑то нашли для себя в татарской культуре?

– Я больше материалист. Я нашёл здесь театр, который полюбил, руково­дителей, которых очень ценю, встретил девушку… Я люблю этот город.

ЭВОЛЮЦИЯ, А НЕ ЛОМКА ШАБЛОНОВ

– Артист вашего уровня – в неко­тором смысле человек мира. Нет ли в этом риска утратить свою иден­тичность?


– А сейчас кто‑то об этом думает? Я имею в виду на глобальном уровне. На самом деле, я считаю, если родители заложили это в тебя, ты не забудешь. Я родился на Украине, я помню свою родину, уважаю её, очень хорошо от­ношусь. И очень надеюсь, что конфликт между Украиной и Россией иссякнет.

– Вы ездите в Харьков?

– Сейчас чаще привожу родителей сюда. Они приезжали на мой послед­ний фестиваль StagePlatforma и были впечатлены. Для меня это очень важно.

– В ноябре 2020 года StagePlatforma пройдёт в четвёртый раз. Что ожида­ет его участников и зрителей?

– В первой части – современный од­ноактный балет, во второй – концертная программа, для которой номера будут делать крутые российские хореографы и зарубежные артисты. Кстати, для на­шего оперного театра это будет супер­премьера – современный балет на его сцене поставят впервые в истории.

– Ломаете шаблоны?

– Это не ломка – это эволюция. Мне ка­жется, время пришло. И я горжусь тем, что директор театра Рауфаль Мухамет­зянов мне доверился в этом. Нас поддер­живает министр культуры Татарстана Ирада Аюпова, это тоже знаково.

– Вам нравятся ребята, кото­рые приходят на мастер-классы StagePlatforma?

– Мне нравится их желание восприни­мать новое. Мне хочется, чтобы каждый выходил с фестиваля с мыслью: «Надо срочно двигаться вперёд!» Время ско­ротечно, а возможность проявить себя выпадает, может быть, раз в жизни. Ну и чем старше становишься, тем сложнее себя переломить. Кстати, в нашей ба­летной школе мы помогаем в том числе и взрослым найти себя, свою свободу в танце.

– Что должен сделать человек, ко­торый хочет что‑то понять про ба­лет?

– Первый шаг – прийти на постановку. Правда, к балету человек должен быть внутренне готов. Я вот до сих пор не воспринимаю оперу. Недавно я уснул на спектакле. Но думаю, что в 30–40 лет буду готов. Жизненный опыт – это такая линза, через которую необходимо смо­треть на искусство, чтобы что‑то видеть.

ВИЗИТНАЯ КАРТОЧКА

Олег Ивенко, заслуженный артист Татарстана, лауреат международных конкурсов, ведущий солист (премьер) Татарского академического государ­ственного театра оперы и балета им. М. Джалиля. Родился в Харькове в 1996 году. Окончил Харьковскую балетную школу, Белорусский хо­реографический колледж. Участник шоу «Большой балет» телеканала «Россия-Культура». Исполняет ведущие партии в спектаклях классического репертуара («Дон Кихот», «Баядерка», «Ромео и Джульетта» и др.). Инициатор и соорганизатор фестиваля совре­менного танца и сценических практик #StagePlatforma. Исполнитель главной роли в фильме Рэйфа Файнса «Нуре­ев. Белый ворон» (сценарий основан на книге Джули Каваны «Рудольф Нуреев. Жизнь»). Фильм получил на­граду Международного кинофестиваля в Токио «За лучший художественный вклад». В российский прокат «Нуреев. Белый ворон» вышел в прошлом году.

Фото: Ната Смирнова
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Фев 26, 2020 10:15 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020022607
Тема| Балет, Дагестанский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Олег Виноградов
Автор| Ума Саадуева
Заголовок| Олег Виноградов: «Балет в Дагестане обязан быть и жить!»
Где опубликовано| © АиФ Дагестан
Дата публикации| 2020-02-26
Ссылка| https://dag.aif.ru/culture/oleg_vinogradov_balet_v_dagestane_obyazan_byt_i_zhit
Аннотация| Премьера, Интервью


operadag.ru

Впервые премьера балета «Горянка» по поэме Расула Гамзатова прошла в марте 1968 года в Мариинском театре. Постановка имела оглушительный успех и не один год шла на разных сценах СССР и за рубежом. Спустя полвека в республике представили первый национальный балет под новым названием – «Асият», тем самым подарив «Горянке» новую жизнь.

Долгожданная премьера прошла с аншлагом в Махачкале 15 февраля стараниями народного артиста СССР, всемирно известного балетмейстера Олега Виноградова. Он более полугода провел в Дагестане, ставя спектакль с артистами Дагестанского театра оперы и балета. Легендарный хореограф рассказал «АиФ Дагестан» о своих впечатлениях от современной Махачкалы, любви к искусству и ненависти к тем, кто её губит.

«Я не приукрашиваю»

– Олег Михайлович, какие чувства испытываете к нашей республике?


– Я о Дагестане знаю больше, чем многие другие его жители. Для меня этот регион – целая страна. По красоте гор, лугам, водопадам, горным озёрам, пастбищам он не уступит никакой другой стране мира...

– Страна?

– Совершенно верно! Какая же эта республика? Дагестан – это целая страна! Здесь есть всё: и Швейцария, и Испания и Германия, не говоря уже о том, какое богатство культуры, обычаи, обряды, диалекты, танцы. Всё это – кладезь искусства и замечательных людей. Я влюбился в Дагестан раз и навсегда! Бог сделал мне этот великолепный подарок. Поэтому когда представилась возможность снова вернуться в этот чудесный мир богатства: природного, музыкального, культурного – я, не задумываясь, поменял весь свой график, расписание и приехал сюда.

– Вы спустя полвека поставили новую версию «Горянки». Думаете, «Асият» будет иметь такой же успех, что и 52 года назад?

– Этот проект я бы назвал событием мирового масштаба. Извините, но я не приукрашиваю. Кто сегодня в мире думает о культуре ислама? Никто! Что можно противопоставить негативу? Только одно – культуру воспитания, образования, а этого в Дагестане хоть отбавляй. Наш спектакль – гимн культуре региона, поэзии, гимн миру ислама. Приехав сюда опять, я не узнал Махачкалу – она стала совершенно другой.

– Осовременилась и стала серой?

– Наоборот, она выросла и стала сильной, как Стамбул, Сеул: быт, улицы, дома, рестораны. Замечательный город со светскими обычаями. По соседству со мной мечеть, я ночью и утром слышу азан, и никому он не мешает. По улицам ходят модно одетые женщины, а рядом другие – в старинных традиционных одеждах, и красавицы все! Мне очень интересно развитие национальных элементов, потому что многие мои балеты – на национальной основе, а без этого нельзя. Радостно, что при скромных возможностях местного театра, он ничем не хуже тех, что есть в больших городах.

… И хурма прекрасная

– А что вы скажете о театральной труппе? От них ведь тоже многое зависит.


– Возможности труппы пока не очень высокие, но для нас, профессионалов, не существует плохих, слабых, маленьких трупп. Если у нас есть материал – мы из любой команды сделаем то, что нужно. Меня ничем не испугать в этом плане. Руководство театра делает всё возможное, несмотря на скромный бюджет, на отсутствие классического репертуара и традиций. Удивительные люди участвуют в спектакле «Асият», они вполне могут быть на уровне мировых звёзд.

Тот же Муртуз Гаджиев (играет в постановке роль Османа. – Прим. авт.) – уникальный человек, умница, думающий, образованный актёр, чуткий, воспитанный, технически потрясающий. Да, поверьте мне, ведь мне есть с чем сравнить. Эльдар и Джамиля Ахмедовы – великолепная пара, профессионалы высокого уровня, о которых должны узнать не только в России, но и в мире. Важно, чтобы они не чувствовали себя брошенными.

В нерабочее время актеры балета приходят ко мне и просят с ними поработать. Какая радость для меня такое слышать, такая отдача, понимаете? Честно вам скажу, несмотря на возраст, здоровье и свой плотный график, я здесь получаю удовольствие.

– Очень приятно это слышать.

– А мне-то как приятно! Я в восторге от театра, людей и от винограда, которого здесь много. А какая здесь хурма прекрасная (смеется). Я в Дагестане изведал всё – от каспийских осетров до шашлыков. Для меня здесь всё удивительно и замечательно, нечего пожелать, кроме как, чтобы все были здоровы!

– Но там, где есть плюсы, есть и минусы. Олег Михайлович, может, вы юлите?

– Ни в коем случае! Честно говорю, никаких минусов не увидел и не ощутил здесь.

– Ни в театре, ни в социуме?

– Знаете, я всё время страдал от того, что постановки, подобной «Горянке», за все эти годы так и не появилось в мире. В театре Санкт-Петербурга руководство убрало добротный репертуар, в том числе и мои постановки. Убрало, потому что неудобно… Удобно другое, то, что в России теперь называется гламуром.

Дорвались до свободы, до хаоса, до псевдодемократии. Поэтому я с нетерпением ждал премьеры «Асият», чтобы люди поняли, каким должен быть балет. В этом изумительном дагестанском мире, где такое разнообразие культуры, языков, музыки, танцев, не может не быть балета! Он здесь обязан быть, жить!»

АИФ ДОСЬЕ
Олег Михайлович Виноградов — советский российский артист балета, балетмейстер, хореограф, педагог, сценарист, сценограф. Родился в 1937 году в Ленинграде. Окончил Ленинградское хореографическое училище, а позже балетмейстерский факультет ГИТИСа. Ставил балеты на сценах театров Одессы, Минска, Риги, Таллинна, Фрунзе, Дрездена, Будапешта, Софии, Берлина. В 1990 году основал в Вашингтоне Universal Ballet Academy. Декан факультета режиссуры музыкального театра Санкт-Петербургской консерватории.

Об унитазах на сцене

– Многие поговаривают, что балет умирает. Кто же его хоронит?


– Кому-то, значит, это выгодно. Почему нет детских балетов, почему не идёт «Щелкунчик», «Золушка», других изумительных постановок? Потому что руководители не думают об этом. Да, есть танец лезгинка, Дагестан в этом смысле молодец, дети ходят на танцы с детства, это хорошо, это гордость России! Очень важно, чтобы об этом писали и говорили именно вы – «Аргументы и Факты». Ведь, это факты, а уж аргументов тут больше, чем достаточно.



– Например?

– В классическом балете нет ни одного некрасивого движения, а в современном, в псевдосовременном балете, важен эпатаж, пятую точку свою показать, унитаз вынести на сцену. Ведь что творится в Мариинском театре? Бардак начался с него и с Большого театра, где современный «Евгений Онегин» преподнесен в извращенном виде. Татьяна пишет письмо Онегину, а у неё в постели под простынёй карлик лежит. Нормально? Извратили Пушкина! Вот это сегодня считается искусством.

Сегодня время «серебренников», жулья! Если министры, заведующие отделами культуры, допускают, что на сцене Мариинского театра танцуют голые мужики и бабы, то разве это нормально? Свобода? Демократия? Бардак!

– Раз ставят и показывают на большой сцене, значит, людям это нравится?

– Нравится таким же зрителям, как они сами. Вот, например, бизнесмен выезжает за границу, у него есть деньги и каприз – ему хочется себя показать и увидеть другую страну. Он нанимает актёров, кого угодно, лепит какой-то спектакль и под громким названием «имперский», «императорский», «петербургский» гастролирует. Этих трупп наплодили столько, что опозорили всё русское искусство. Раньше появление русских было сенсацией. Это звучало гордо и было престижно: русские педагоги, русские артисты и так далее. Зарубежные танцовщики брали русские фамилии специально, чтобы выйти на сцену. Сейчас на многих просмотрах висит табличка: «Русских просим не приходить». Я ненавижу жуликов и я за ними охочусь, особенно в балете!

– Театр – волшебный мир, который может перенести зрителей в сказку. Поэтому, Олег Михайлович, перейдем от жуликов к простым дагестанским ребятам, что мечтают связать свою жизнь с балетом. Какой ценный совет вы дали бы им?

– Верить в классику! Это уникальная эстетика, созданная более 300 лет назад. Она воспитала поколение красивых, здоровых людей. Классика – это культура тела, идеал красоты, координации. Самое важное в балете и жизни – воспитание. А символ балета – красота женщины. А женщин надо любить и восхвалять, точно так же, как и балет.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Фев 28, 2020 1:04 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020022801
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Анна Русских
Автор| Беседовала Анна ВОРОБЬЁВА
Заголовок| УРОВЕНЬ БАЛЕТА ПАДАЕТ
Артисты всё чаще ставят во главу угла не искусство, а деньги

Где опубликовано| © Литературная Россия № 2020 / 7
Дата публикации| 2020-02-27
Ссылка| https://litrossia.ru/item/uroven-baleta-padaet/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Анна Русских – артистка балета Большого театра, педагог-репетитор, блоггер (на Яндекс-Дзен ведёт канал «Записки балерины»). Недавно в соавторстве с Германом и Андреем Ситниковыми она выпустила книгу «Из глубины памяти. Герман Борисович Ситников». Но мы решили поговорить с Анной Русских не только о книге, но и о современном балете, о проблемах воспитания нового поколения артистов.



– Анна, любителям балета наверняка было бы интересно узнать больше о вышедшей книге.

– Вначале было просто интервью. Потом поняли, что материала набирается много, и решили сделать книгу. Затем сбежал мой соавтор, и я делала книгу одна. Почти два года. Была на грани того, чтобы книгу забросить, но поддержал сын Германа Борисовича.
И вот, год назад книгу сделали. Напечатали и выпустили через «Ридеро». Ровно столько экземпляров, сколько было нужно. Делали для себя, для друзей, для любителей балета. Тираж был маленький, всего 60 экземпляров. Поэтому книга разошлась быстро.

– Сейчас много говорят о том, что упал уровень балетных исполнителей и постановок в театрах. Согласны ли вы с этим мнением?

– То, что упал уровень, как мне кажется, идёт от балетных школ. Если так говорят, то получается, что нет хороших выпускников, которые готовы танцевать всё то, что сейчас ставят. Тогда встаёт вопрос к педагогам, которые этих детей готовят. В МГАХ всегда был сильный педагогический состав. Понятно, что в классе не могут быть все дети одинаково способные. Обычно выдающихся – один-два. И потом, нельзя забывать, что младшие классы – это база. Педагоги, которые преподают в первых классах, их профессионализм – всё это потом мы видим на сцене, когда их ученики вырастают. Конечно, это не умаляет важности старших классов, которые дают технику. И ещё одно. Можно быть великой балериной и при этом совершенно «никаким» педагогом, точно так же и – наоборот. Та же Майя Михайловна Плисецкая никогда сама не преподавала, хотя танцевала фантастически.

– Cами ходите в театр? Можете выделить кого-то из современных хореографов и исполнителей?

– Я практически не хожу на балетные спектакли, так как это стало неинтересно. Я выросла на выступлениях того поколения, когда на сцене были настоящие звёзды. Я застала многих великих: это и Н.И. Бессмертнова, Н.И. Сорокина, Е.С. Максимова, многие другие… Сейчас, увы, нет артистов такого уровня. По крайней мере, в таком количестве. Поэтому и говорим, что уровень балета падает. Конечно, есть звёзды – Светлана Захарова или Мария Александрова. Но это единицы. Однако у меня всё равно нет желания пойти в театр. Я имею в виду, на балетные спектакли, так как в драматические театры я хожу. В общем, мне сложно назвать кого-то из молодых.

– Вы работали в Краснодарском Музыкальном театре. Чем отличается уровень региональных театров от московских?

– Мне кажется, что там дети отличаются большей самодисциплиной, трудолюбием и тягой к знаниям. Они более внимательные и более исполнительные.
Последнее время часто наблюдаю в Большом театре ситуации, когда на классе молодой артист пропускает то или иное движение. Причём не только на середине, но и у станка. Я считаю, что это элементарное отсутствие воспитания и культурных норм. Современная молодёжь много себе позволяет. У нас был в театре период, когда пришло поколение «золотой молодёжи». Они позволяли себе остановиться посередине комбинации и отойти. Или просто стояли.

– Чему вы сами пытаетесь научить своих учеников?

– Важна техника, от этого никуда не деться. И техника усложняется с каждым годом. Но нынешнее поколение артистов потеряли ту одухотворённость, которая была у Г.С. Улановой, М.Т. Семёновой, Л.И. Семеняки, Е.С. Максимовой. Я говорю ученикам о важности техники. Но без души это будет гимнастика, а не танец. Зритель, приходя в зал, в большинстве не понимает технических балетных моментов. Встал артист в пятую позицию или нет и так далее. Зритель видит только, танцует артист или нет. И тут важнее – голова и руки. То, что создаёт танец. Я стараюсь донести именно это. Пятая позиция это хорошо. Но надо танцевать, а не просто правильно делать движение. Вообще, артисты сейчас, к сожалению, во главу угла поставили не искусство, а деньги. Молодёжь приходит в театр и говорит: «Я не буду эту партию танцевать, так как за неё платят маленькие деньги». А когда артист думает о том, сколько он получит за эту партию, то ни о какой одухотворённости не может идти речи.

Есть и другой момент. Раньше мы больше ходили на выставки и в музеи, всем интересовались. В своём театре мы могли посмотреть на других артистов, чаще ходили в другие театры и драматические, и балетные. Сейчас у артистов на это нет времени. В спектаклях заняты одни и те же люди, очень напряжённый репертуар, когда у артиста может быть семь спектаклей за шесть дней. А это очень сложно и тяжело, это колоссальная нагрузка. Конечно, когда артист возвращается домой, то никуда уже не хочет идти.

– А как можно сделать так, чтобы современный зритель захотел прийти в театр на балет?

– Что касается зрителей, я считаю, если человек действительно пришёл в театр приобщиться к искусству, а не «для галочки», то это уже много значит. Но как и в случае с артистами, все зарабатывают деньги. Ну, и цены на билеты достаточно высокие. Не каждый может позволить себе пойти в театр. А если ещё в семье есть дети?

– Если бы вы сами ставили балет, то о чём? Cовременное искусство должно подcтраиваться под вкусы зрителя или наобoрот – нести свою изначальную хореографию и нравственную идею?

– Я никогда не думала о том, чтобы что-то ставить, так как никогда не считала себя балетмейстером. Я педагог. Но если бы я брала какую-то тему, то это было бы что-то для детей. К сожалению, сейчас в Большом театре нет ни одного детского балета! А ведь раньше шли такие спектакли как «Чиполлино», «Маленький принц», «Белоснежка и семь гномов». Сейчас для детей ничего нет, поэтому я бы поставила детскую сказку.
Что касается репертуара театров, то должна идти и классика, и современная хореография. Это положительно сказывается на артистах, потому что в этих направлениях используются разные техники владения корпусом. Тем более, что из зрителей кто-то любит больше классику, а кому-то нравится всё современное. Как и в живописи: кому-то нравится Малевич, а кому-то Левитан.

– Как молодым хореографам со своими идеями спектаклей можно пробиться к руководству театров?

– Это сложный вопрос. Сейчас в Большом театре ставятся «Времена года» на музыку Вивальди, премьера будет весной.. Cтавит Артемий Беляков – это молодой начинающий хореограф. Пробиться сложно в больших городах, в Москве и Санкт-Петербурге. Но тогда, наверное, имеет смысл идти в маленькие театры или ехать в другие города, на периферию, где твоё творчество будет востребовано и действительно интересно. Раньше было проще, чем сейчас, в плане финансирования. Но, уверена, что небольшим театрам новые постановки молодых хореографов интересны, и пробиться будет проще.



– Хотела затронуть тему образования в балетных училищах. Есть мнение, что там всё очень жёстко, как в армии. Это действительно так? Что ни в коем случае нельзя делать по отношению к ребёнку?

– Я не помню жёсткости. Была дисциплина. И особенно для девочек, которые склонны к полноте, в плане питания. Чего нельзя? Я считаю, что нельзя повышать голос на ребёнка ни в коем случае. Я сама этого никогда не любила. Можно быть строгим педагогом, не повышая голоса. И рукоприкладствовать нельзя, хотя в моё время были педагоги, которые себе такое позволяли. Нельзя унижать ребёнка на глазах у одноклассников. Настоящий педагог себе такого не позволит.
Если говорить про родителей и их роли в воспитании детей, то родитель должен поддерживать ребёнка и вселять в него уверенность. Но здесь палку перегибать тоже нельзя. У нас в классе была девочка, которой мама всё время говорила, что она самая лучшая. Но когда эта девочка на госэкзамене получила «три», для неё это была трагедия. Поэтому даже в родительской любви должна быть мера.

– У нас в России несколько заведений готовят артистов балета. Профессия популярная. В итоге мы имеем переизбыток выпускников. Театры переполнены. И многие не могут себя найти в профессии и уходят. Конкуренция – это хорошо? Как вы относитесь к тому, что столько людей получают творческое образование?

– С одной стороны, конкуренция – это хорошо. Конкуренция была и раньше. Однако раньше было распределение. Была комиссия, которая принимала экзамены. В неё входили руководители театров. Но была возможность взять свободное распределение и искать работу самому. Раньше в Москву приезжали все руководители всех коллективов в стране и отбирали себе выпускников в труппы. Сейчас же – каждый выпускник может отправить своё резюме в любой театр мира и сам выбирать, куда он хочет пойти. Другое дело, пригласят его или нет. Когда было лучше, сказать сложно. Раньше так же многие не могли устроиться после окончания академии. На кого-то было несколько заявок, а на кого-то не было вообще.

– А это хорошо, что артисты уезжают заграницу, закончив обучение в наших школах?

– Сейчас в Большом театре работают артисты из других городов и стран. Почему артисты не могут уехать куда-то работать, чтобы набираться там опыта? Там другая система и репертуар, другие спектакли. Но это хороший, полезный опыт. Если ты не востребован в России, то почему бы и не уехать.

– Какие качества должны быть у артиста, чтобы он был востребован?

– Каждый балетмейстер и руководитель театра выстраивает свою политику и берёт определённых артистов. Он точно знает, какой артист ему подойдёт. Кому-то нужны высокие, кому-то наоборот. Но в первую очередь сейчас смотрят на форму и технику, без неё никуда. Кроме того, важны целеустремлённость, выносливость, увлечённость своим делом.

– На кого вы сами ориентируетесь?

– Я хочу быть похожей сама на себя. У меня есть свои принципы, которые сформировались под влиянием моей семьи, окружения. Какого-то эталона одного человека у меня нет. Всегда смотрю на разных людей, разные образы и выбираю то, что мне близко, что нравится. Идеал человека для меня – это собирательный образ.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Фев 28, 2020 12:40 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020022802
Тема| Балет, Большой театр оперы и балета Беларуси, Персоналии, Егор Азаркевич
Автор| Наталья Пахомович
Заголовок| Балет не для слабых. Мастер сцены Большого театра рассказал о своих буднях и мечтах
Где опубликовано| © агентство «Минск-Новости»
Дата публикации| 2020-02-27
Ссылка| https://minsknews.by/balet-ne-dlya-slabyh-master-sczeny-bolshogo-teatra-rasskazal-o-svoih-budnyah-i-mechtah/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Ведущему мастеру сцены Большого театра оперы и балета Беларуси Егору Азаркевичу удается с невероятной легкостью и романтизмом воплощать образы принцев в балетах «Щелкунчик», «Лебединое озеро» и «Спящая красавица». Сложно устоять перед обаянием Тристана и мужеством Спартака в его исполнении. А в жизни артист не стремится к публичности и не дает интервью, поэтому стоит порадоваться уникальной возможности, выпавшей корреспонденту агентства «Минск-Новости», узнать о его творчестве из первых уст.


«Ромео и Джульетта»

— Ваш путь на сцену с чего начинался?

— У мамы, Натальи Александровны, была давняя мечта танцевать на сцене, но не получилось ее осуществить. А когда она была беременна, уверяла близких, что, независимо от того, родится сын или дочь, ребенок будет заниматься танцами. Так что моя судьба уже тогда была предрешена.

Кстати, мама остается самой преданной моей поклонницей и приходит почти на каждый спектакль с моим участием, дарит цветы. Очень ей благодарен за то, что в зале есть тот человек, которому хочется показать, чего добился. Она всегда очень переживает и волнуется за меня.

С 4 лет я уже занимался в танцевальном кружке во Дворце культуры железнодорожников. Неподалеку находится СШ № 168 с хореографическим уклоном, где учился 4 года, а в пятый класс поступил в Белорусский государственный хореографический колледж.

Как и многие мальчишки, я любил футбол, играл в него до 9-го класса, пока не сломал руку. Тогда осознал, что нужно выбирать: или спорт, или занятия балетом. Понял, что хочу получать профессию, а для этого надо много работать над собой.

Моим педагогом был Уран Азимов (до него у меня на протяжении пяти лет менялись педагоги). Он был жестким, выгонял из зала, если казалось, что ленюсь. Приходилось очень много работать.

За год до выпуска из колледжа отправился в Большой театр на стажировку. Попав в кордебалет, понимал, что нужно совершенствоваться, делать что-то, чтобы меня заметили и доверили, хоть маленькую партию.

Не стоять в кордебалете, а двигаться вперед

— А что нужно, чтобы заметили?


— Трудолюбие. Невозможно, наверное, чтобы пришел в театр, и у тебя всё получалось с блеском. Важно, чтобы в тебе увидели потенциал, предложили небольшую роль, и оправдать доверие руководства, использовать свой шанс по максимуму.

— Насколько важно умение конкурировать?

— Конкурирую, прежде всего, с самим собой. Артисты балета не соревнуются друг с другом, каждый преодолевает себя, понимая, что должен стать лучше, профессиональнее.

— Из ролей, исполняемых вами сейчас, какие ближе?

— Роль Спартака. Это партия, которую хотел исполнить еще со времен обучения в колледже. Прошло много лет, пока моя мечта сбылась. Роль доставляет мне громадное удовольствие, несмотря на то что она безумно тяжелая, одна из самых сложных мужских партий в репертуаре нашего театра. В ней можно показать все свое мастерство, передать заряд эмоций и энергии.

Исполняю и роли принцев. Они чаще бывают в нашем репертуаре, а Спартак — реже. Может, еще и поэтому он мне дороже.

Заметил, что мне ближе отрицательные роли, они интереснее, в них больше красок. Все партии, которые станцевал, остались в памяти, они связаны с различными периодами жизни. Есть что вспомнить, ведь этот сезон в театре для меня 13-й. Понимаю, что взрослею и с каждым годом приходят опыт и мастерство, но и за своей формой нужно следить больше. Если не буду работать над собой, начну скатываться назад.

— Как настраиваетесь на работу?

— Бывает, педагог помогает настроиться. С опытом понимаю: если совсем не получается, нет настроения и желания, лучше завтра сделать все на полную силу, чем сегодня некачественно. Учусь рассчитывать силы и разумно планировать время.

Перед выходом на сцену у меня нет определенных ритуалов, не ношу и талисманов, а вот молитву прочесть могу.

— Уйдя за кулисы после окончания спектакля, что сразу же делаете?

— Начинаю анализировать, как сегодня исполнил роль, что сделал, а что — нет. Раскладываю все по полочкам, затем освобождаюсь от мыслей и отдыхаю.

«Театр – дом, в котором провожу большую часть жизни»

— Профессия для вас…


— Образ жизни. Театр — дом, в котором провожу большую часть жизни. Здесь, можно сказать, живут наши артисты, вырастают их дети, а затем приходят и их внуки.

В 2010 году было очень много работы, даже подсознательно хотелось отдохнуть и полежать. И вдруг — получил серьезную травму во время спектакля. На больничном провел 9 месяцев. Через две недели вынужденного отдыха начал сильно скучать по сцене, переживал, удастся ли на нее выйти. Не понятно было, восстановится мое здоровье или нет, ощутил, что не смогу жить без зрителей и сцены.

К сожалению, в нашей профессии, наверное, нет артиста, который прошел бы свой путь без травм. Порой снять сильную боль перед спектаклем помогают уколы и массаж. Конечно, попросить найти замену можно, но ты понимаешь, что другой не успеет отрепетировать, а это определенный риск. Выйдя на сцену, вживаешься в роль, переключаешься и порой не чувствуешь боли.

— Давайте поговорим о ролях, которые хотелось бы исполнить, и артистах балета, служащих вам ориентирами в профессии.

— Мечтаю сыграть графа Альберта в спектакле «Жизель». Эту партию в нашем театре я еще не исполнял. Она, мне кажется, должна быть в творческой копилке ведущего артиста в любом театре. Партия интересная, история предательства полна драматизма — все это нужно суметь сыграть. К сожалению, спектакль редко идет, да и мы порой уезжаем на гастроли, когда он запланирован к показу.

Когда готовишь партию, смотришь видео выступлений артистов различных театров. Стараешься тянуться к тем, кто опытнее и сильнее тебя. В Михайловском театре премьер Леонид Сарафанов, в Большом театре —заслуженный артист России Михаил Лобухин. Это достойные артисты.

Когда учился в училище и репетировал адажио из «Спартака», спрашивал совет у Антона Кравченко. У Игоря Артамонова консультировался, когда репетировал «Лебединое озеро», по образцу его колета шили костюм и мне.

— Чем занимаетесь в свободное время?

— В основном — учебой в Белорусской государственной академии музыки, со временем стану преподавателем классического танца. Пока же единственный выходной день — понедельник — проходит там. А если выдается свободное время, могу ничего не делать, чтобы восстановить силы, или сходить в кино, отвлечься и сменить обстановку.

Уже долгое время вожу машину, поэтому нет того напряжения, которое присуще начинающему водителю, иногда хочется немного погонять, но сдерживаю себя и стараюсь быть аккуратным на дороге.

— На ваш взгляд, что можно сделать, чтобы балет был популярен среди юных зрителей?

— Родителям нужно самим ходить в театр и брать с собой детей. Помню первый спектакль, который увидел в детстве, — «Чиполино» в Большом. Мне было, наверное, 4 года, когда мама привела меня в театр. А первый мой выход в роли арапчонка на сцену состоялся в балете «Корсар» — спустя год обучения в колледже.

Было страшно, смущался ужасно… Страх прошел с опытом, чем больше ролей, тем меньше его остается. Теперь его вовсе нет, осталось только волнение за то, что может что-то не получиться. Все равно выйдешь на сцену, поэтому волнение подавляешь внутри себя.

С гастролями мы были в Мексике, Китае, во многих странах Европы. Зрители тепло принимали нас, общались, просили автографы. Хотелось бы отправиться на гастроли в США и Австралию, увидеть сцены театров этих стран, познакомиться со зрителями и продемонстрировать возможности нашей балетной школы.

Фото Михаила Нестерова

======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Фев 28, 2020 1:36 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020022803
Тема| Балет, Королевский балет Дании, Персоналии, Марсин Купински
Автор|
Заголовок| Марсин Купински
Где опубликовано| © La Personne.
Дата публикации| 2020-02-25
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/marcin-kupinski/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Блиц с премьером Королевского балета Дании Марсином Купински.



Фото: Морган Норман
Cтиль: Мария Монти
MUAH: Джессика де ля Торро
Ассистент фотографа: Альма Бенгстон


Яркий момент из детства?

Думаю, на свадьбе моего дяди, где я забрался на маленький подиум и стал танцевать. Должно быть, это был первый раз, когда я наслаждался выступлением на сцене:)

Я читаю…

«12 правил жизни» Джордана Петерсена

Кумир?

Миша Барышников

Я ненавижу в людях?

Глупость и неспособность учиться у истории

Человек, с которым хотелось бы встретиться?

Квентин Тарантино

Самое важное в жизни?

Радость, мир и гармония

Способность, которой хотелось бы обладать?

Читать мысли людей 🙂

Любимый город? Почему?

Нью-Йорк. Такой живой, энергетический, там всегда что-то происходит. Я думаю, там никто не скучает

В моем плейлисте…

“Blinding Lights” – The Weekend

Я горжусь…

Собой и тем, что я многого добился

Я не могу без…

Музыки и танца

Отношение к соц. сетям?

Иногда я там бываю, чтобы посмотреть новости моих друзей

Отношение к критике?

Мне нравится критика, у которой есть основание, позднее из этого можно сделать выводы

Самое сложное?

Вставать по утрам

Секрет успеха?

Оставаться чувствительным и открытым к тому, что нас окружает

=============================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Фев 28, 2020 5:55 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020022804
Тема| Балет, МТ, Персоналии, Cветлана Савельева
Автор| Фото Ира Яковлева
Заголовок| Cветлана Савельева — Блогер La Personne!
Где опубликовано| © La Personne
Дата публикации| 2020-02-27
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/svetlana-saveleva-bloger-la-personne/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Выпускница Вагановской академии Светлана Савельева уже год работает в Мариинском театре. Мы заметили ее на Выпускном концерте, было в этой девушке что-то особенное, что привлекало внимание. Недавно в Петербурге состоялась наша встреча, и это тот случай, когда внешняя красота отражает внутреннюю: благородство суждений, жажда знаний, культура и скромность. В свой выходной Света может сесть на поезд и приехать в Москву, чтобы целый день провести в Третьяковской галерее, ее Инстаграм наполнен великолепными историями о закулисной жизни артиста балета, которые она трепетно пишет для своих подписчиков. И мы рады сообщить, что теперь Светлана – колумнист La Personne!

А о чем она будет писать в блоге, она расскажет вам сама в интервью.
Добро пожаловать в La Personne, Света!


Мы увидели тебя год назад на Выпускном концерте Академии им. А. Я. Вагановой. Тебя выделяло немного отстраненное состояние – ты будто была очень сконцентрирована внутри себя и сжата как комок энергии. Ты могла бы вспомнить свое состояние в тот момент? Что ты чувствовала, ведь уже через месяц тебя ждала совсем другая новая жизнь?

Период выпускных спектаклей всегда очень нервный – большое количество репетиций, постоянное стремление сделать все возможное (и невозможное), плюс экзамены по общеобразовательным предметам – все это, как снежный ком, накапливалось и очень давило. Мы ждали конца спектаклей как окончания трудностей.

Последние два года обучения давались особенно тяжело – и в моральном, и в физическом плане. Часто к концу года, когда мысленно подводила итоги и думала о будущем, многое представлялось мне туманным и несбыточным. Но, как я поняла потом, так только казалось.

Ты предполагала, что тебя возьмут в Мариинский театр? И как это было?

Совсем не предполагала. Была не уверена, что меня захотят видеть в этой труппе, или что будут занимать в спектаклях, когда приду.

На просмотр шла с легким сердцем – хотелось просто хорошо сделать урок в зале Мариинского театра, а не думать о результате и дрожать. Это мне и помогло.

Ты помнишь, как прошел твой первый рабочий день в театре?

Конечно, помню!

После утреннего урока была репетиция «Лебедей» – как «молодежь» мы обязаны были присутствовать и все повторять, чтобы быстрее заучить партии. Помню, что вечером смотрела спектакль из-за кулис – розовые костюмы девочек из «Вальса» казались мне сказочными! Смешно говорить, но я почувствовала себя маленькой девочкой, которую впервые привели на балет – настолько все завораживало.

Чуть позже, когда я приехала домой, мне позвонила режиссер и сказала, что я буду танцевать в «Симфонии до мажор» Баланчина. Тогда я обрадовалась, что выучила порядок заранее.

С какими трудностями ты столкнулась в начале?

Первая трудность – непривычный утренний урок. В Академии привыкаешь, что помимо тебя в классе максимум 11 человек, то есть тебе достаётся и внимание педагога, и место на середине. В театре, где в одном зале умещаются 40-45 артистов, нужно концентрироваться только на себе – и стараться прийти утром пораньше, чтобы занять хорошее место у станка.

Еще, конечно, заучивание порядка. Был момент, когда мне казалось, что голова перестанет соображать – я учила партии утром, перед уроком, в обед, перед сном. Но это всё временно – потом привыкаешь схватывать с первого раза и меньше заостряешь внимание только на порядке.

Как ты изменилась за этот год после выпуска?

Определенно стала спокойнее. Все педагоги из Академии, которые встречают меня, каждый раз говорят, что я начала улыбаться. И это правда. А еще приобрела уверенность – то, чего мне долго не хватало в Академии.

Ты помнишь свои первые впечатления, когда ты увидела балет?

Когда я была маленькой, мы с мамой ходили в Екатеринбургский театр оперы и балета на «Лебединое озеро». Я очень хорошо запомнила, что во время танца маленьких лебедей у кого-то из артисток очень сильно стучали пуанты по сцене – многие зрители из-за этого начали улыбаться.

Каково это – быть студентом легендарной Вагановской академии?

Это ответственно. Показывая себя, ты показываешь свою школу и ее историю. Думаю, у многих учеников сидит в подсознании установка, что мы, ученики одной из лучших школ, должны соответствовать. В определенные моменты это работает, а иногда – навешивает на плечи груз ответственности.

Как ты попала в Академию?

После пятого класса общеобразовательной школы педагог из Екатеринбурга настоятельно посоветовал моей маме съездить со мной в Петербург. Приехав, мы подали документы в Академию и в первый, и во второй классы – на всякий случай. После просмотра в первый класс мне порекомендовали прийти на просмотр во второй. И там, после урока классики, мне сказали, что я принята.

Наша редакция обожает твой Инстаграм. Редкий случай, когда балерина не завлекает аудиторию шпагатами и изогнутыми стопами. Ты создаешь истории, твоя аудитория не только смотрит красивые фотографии, которые, кстати, у тебя отнюдь не банальные и чувственно атмосферные. Твои подписчики действительно читают длинные тексты под фото. Расскажи, как началась твоя история с Инстаграм. Где ты находишь вдохновение для своих постов?

В определенный момент захотелось делиться не только внешней стороной профессии, но и внутренней – рассказывать о рутине, делиться советами, историями. А еще захотелось показать, что внимание людей балета сосредоточено не только на нем, балетные – тоже люди, как говорится. Это и стало стимулом больше писать и делиться с подписчиками своими мыслями.

Вдохновение нахожу в книгах – можно заметить, что иногда меняется моя манера письма из-за влияния произведения. Часто на тему поста наводят разговоры с коллегами, ситуации, возникающие на работе, воспоминания.

Твои любимые аккаунты в Инстаграм, за кем ты сама следишь?

Люблю читать не балетных блогеров – людей и активистов, пишущих на остросоциальные темы, например. Это расширяет сознание, наводит меня на новые мысли. Еще очень люблю блогеров, чьи фото хочется повторить – они тоже не балетные, но эстетичные, атмосферные фотографии подталкивают к творчеству. Ну и без видео рецептов не обходится – сразу тянет готовить.

Ты теперь колумнист La Personne. О чем будешь вести свою колонку?

О людях театра. О тех, кого не видно, но без кого невозможна наша работа. Или о тех сторонах людей, которые со сцены незаметны – ведь многие Авроры в жизни еще и мамы, а Зигфриды любят играть в онлайн-игры. Такое столкновение театральной и реальной жизней меня очень привлекает.

Блиц

Я никогда не пробовала

Тянуть кота за хвост

У меня всегда с собой эти три вещи

Книга, наушники и блокнот

Любимый город

Санкт-Петербург

Я горжусь

Своей мамой

Яркий момент из детства

Совсем маленькая делала себе бутерброды с хлебом и сгущенкой и бежала смотреть «Осторожно, обезьянки!» 🙂

Я читаю

Все, что привлекает внимание: биографические произведения, ужасы, детективы, фантастику, романы

Идеальный день

Когда успеваешь сделать все задуманное, но не устаешь

Кумир

Мама, Мария Александровна Грибанова и Олеся Новикова

Я не могу без…

Без личного пространства и моментов наедине с собой

Мечта

Мир во всем мире, взаимопонимание и уважение, независимо от обстоятельств

Секрет успеха

Трудолюбие, бесстрашие и уверенность

Отношение к соцсетям

Положительное, без фанатизма

Отношение к критике

Иногда неприятно, но необходимо

Казус на сцене

Из недавнего – отколовшийся локон на парике, бивший меня по лицу

Самая сложная партия

Вилисы из «Жизели»

Способность, которой хотелось бы обладать

Летать

Что является твоим главным недостатком?

Стеснительность

Какова твоя мечта о счастье?

Воплотить в жизнь всё задуманное

Твои любимые писатели?

Братья Стругацкие, Стивен Кинг, Александр Беляев, Агата Кристи

Любимая героиня в истории?

Ульяна Лопаткина

Ярчайшее впечатление за последнее время?

Общение с маленьким братом

Твой девиз по жизни?

Любой артист должен быть хорошим Человеком, а уже потом – хорошим танцовщиком

======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Мар 02, 2020 11:14 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020023001
Тема| Балет, театр “Астана Опера”, Премьера, Персоналии, Раймондо Ребек
Автор| Ольга Шишанова
Заголовок| «БЕТХОВЕН – БЕССМЕРТИЕ – ЛЮБОВЬ»
Где опубликовано| © газета "Новое поколение"
Дата публикации| 2020-02-25
Ссылка| http://www.np.kz/hotnewstop/26764-bethoven-bessmertie-lyubov.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Мировая премьера балета “Бетховен - Бессмертие - Любовь” о судьбе творца-композитора Людвига ван Бетховена, приуроченная к его 250-летнему юбилею, прошла на сцене Большого зала в столичном театре “Астана Опера” с огромным успехом

Мы уже писали о том, какая грандиозная подготовка шла накануне показа спектакля в театре, и вот, наконец, премьерные фанфары объявили ее кульминацию. Столичный театр представил широкой публике новый балетный жанр. Спектакль поставил немецкий хореограф Раймондо Ребек как масштабное творческое высказывание на тему драматического жизненного пути выдающейся личности.

Композицию самого балета можно считать повествовательной, сюжет рассказывает нам о муках и тайнах творчества гения. На сцене мир Бетховена обретает такие силу и мощь, что зритель верит - все так и было. Вот будущий композитор с отцом сидят за роялем, изучая новый материал: снова и снова Людвигу приходится повторять сочинение. С тяжелым трудом помогает справиться Эвтерпа - Вдохновение, она поддерживает его. Все артисты передавали образы очень эмоционально, их движения были хореографически выверены. И, несмотря на то, что в этом балете есть ряд абстрактных героев (Болезнь, Вдохновение, Любовь), все же зрителям легко понять линии характеров этих персонажей.



Повзрослевший одаренный Бетховен привлек внимание просвещенных боннских семейств, а блестящие фортепианные импровизации обеспечили ему свободный вход в высокие музыкальные собрания. Примером такого внимания высшего общества к персоне Бетховена в балете можно считать сцену Венского бала. Например, помимо абсолютно новой современной хореографии удивляет здесь и сценическое оформление. Декорации японского мастера, а также автора концепции светового дизайна Йоко Сеяма напомнили хрустальный дворец. Такое решение принято не просто так. Прозрачный хрусталь - символ другого временного измерения, точнее - он указывает нам на то, что действие балета не принадлежит какому-то конкретному времени и месту. Наверное, поэтому хореограф именно в этой сцене вводит в спектакль главную героиню Любовь (ее наряд ярко-красного цвета как символ этого сильного чувства). Первая встреча композитора с возлюбленной происходит в момент, когда все общество застывает не только бездвижно, но кажется, что и бездыханно. Так точно, в самое сердце Бетховену попадает своими чарами Любовь.

Меняет общий настрой переход музыкального материала от моцартовской серенады к современной музыке немецкого композитора Хаубриха. И новое восхищение зрительской аудитории: портреты учителей Бетховена - Моцарта и Гайдна оживают, выходя из своих картинных рамок, и они танцуют трио вместе с Бетховеном, а позже, в па-де-куатре, к ним присоединяется и Эвтерпа.

В роли Бетховена впечатляюще интересен был Бахтияр Адамжан, особенно это коснулось сцены письма, где его пластические и артистические решения показали творчески зрелую актерскую натуру. В паре с ним танцевала прима театра Айгерим Бекетаева (Любовь), свою героиню она сделала драматически правдивой и пронзительно чувственной. Во второй день в этих партиях блистали Далер Запаров и Марико Китамура.



Восхитили по динамике и массовые сцены. Хореография Раймондо Ребека пластичная, он знает, как правильно использовать пространство. Яркие сольные и парные номера двух главных действующих лиц отражали накал чувств, однако Бетховен делает выбор все же не в пользу Любви, он отдает предпочтение Эвтерпе - Вдохновению.
Сам Бетховен любил повторять, что музыка - более высокое откровение, чем вся мудрость и философия. “Кому открывается моя музыка, тот избавляется от всех тех бед, которые терзают других людей”, - говорил он.

Музыкальные номера в этом балете воплотили богатейшую подборку характеров, эмоций, психологической атмосферы. Симфонический оркестр “Астана Опера” под руководством дирижера-постановщика Абзала Мухитдинова уверенно справился с поставленной задачей и передал яркие краски такой знакомой и в то же время каждый раз новой музыки. Соло на рояле блестяще исполнила Долорес Умбеталиева.
По сюжету последние годы жизни Бетховен страдал и боролся со своей глухотой. Очень интересной и глубокой по своему психологическому и хореографическому содержанию оказалась партия Болезни. Композитора настигла глухота, которая стала платой за талант. Балетмейстером утверждается мысль о том, что недуги есть в каждом из нас. Будь ты человек из знати или из бедного сословья, от своей болезни не убежишь.
Завершающая сцена Рая полностью выдержана в белом цвете, она рассказала о неподвластном влиянии времени. В музыкальную основу материала легла знаменитая Симфония №9 Бетховена. Посыл этого произведения ясный и современный. Именно сегодня, когда в мире множество конфликтов, оно особенно актуально - это произведение об объединении людей.

Неслучайно в столь масштабной сцене был занят весь творческий коллектив театра “Астана Опера”. Впервые в истории балета артисты хора стали полноценными участниками балетного спектакля. Фигуры, созданные ими на сцене, завораживали своими четкими линиями. Артисты балета, хора, миманса, солисты оперы, музыканты оркестра создали по-настоящему захватывающее зрелище.

Бетховен стоит один, он неподвластен времени и пространству - на такой эмоциональной ноте закончилась мировая премьера балета “Бетховен - Бессмертие - Любовь”. Солисты сорвали шквал аплодисментов, крики “Браво!” слышались отовсюду, море цветов украсило сцену после выступления как благодарность артистам за высокое мастерство.

Нур-Султан
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Мар 02, 2020 6:20 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020023002
Тема| Балет, МТ, Персоналии, Мария Хорева
Автор| Екатерина Поллак
Заголовок| И ЖИТЬ ТОРОПИТСЯ, И ЧУВСТВОВАТЬ СПЕШИТ: ДЕБЮТЫ МАРИИ ХОРЕВОЙ
Где опубликовано| © BEATRICE MAGAZINE
Дата публикации| 2020-02-29
Ссылка| http://beatricemagazine.com/maria_choreva_debuts/
Аннотация|

Немногим больше полугода прошло со дня дебюта Марии Хоревой в партии Никии, как готовы новые образы: 18-го декабря первая солистка Мариинского театра прибавила к своему портфолио роль Раймонды, а спустя два месяца, 23-го февраля, – Авроры. Прав был Белинский, когда говорил, что юность есть прекрасная роскошная весна, время деятельности и кипения сил. А деятельность юной балерины, если забыть о том, что она проводит в театре только второй сезон, по статусности натанцованного (в том числе и на гастролях) уже составит честь действующим прима-балеринам. И судя по тому, что в «план-минимум на ближайшее время»[1] занесены «Лебединое озеро» и «Ромео и Джульетта»[2], ставки только повышаются. Вопрос о том, через какое время репертуарное королевство Мариинского окажется Марии маловатым, оставим до поры за скобками.


Фото: Наташа Разина © Мариинский театр

Конечно, подобный подход к карьере всегда будет вызывать споры, тем более, он чужд театральному Петербургу и распорядкам Мариинского, но, сказать прямо, разговоры об этом успели набить оскомину. Чем обсуждать, насколько этикетным выглядит парад «Баядерок», «Пахит», «Бриллиантов» и «Корсаров» в исполнении недавней выпускницы, ведущей с первых дней в театре, в сущности, образ жизни состоявшейся балерины, не лучше ли поговорить о pro et contra самого экспресс метода подготовки партий?

Определенно, Мария может себе позволить лететь, как «Сапсан», и останавливаться только на крупных станциях, – для этого есть балетные данные, великолепная выучка, стабильность в исполнении, выносливость. Хореографический текст осваивается ею в короткие сроки без видимых преткновений, и даже скачки на пальцах, которые Мария как обладательница высоких и красивых подъемов вроде бы не может себе позволить[3], неожиданно становятся запоминающимися фрагментами танца. Стоило ли ожидать, что ее Раймонда во втором действии отпрыгает в вариации, не дрогнув, диагональ entrechat-deux на кончиках пуантов? А в «Спящей…», явившись по взмаху волшебной палочки Феи Сирени в лесную долину видением Авроры, будет завораживать Дезире стремительными перелетами из арабеска в арабеск и тоже на кончиках пальцев, едва касаясь сцены? Такой исполнительский риск вызывает уважение.

Вообще с блеском показанных комбинаций, которые после спектакля хочется перебирать в памяти и пересматривать в Instagram, у Марии немало. Вспоминаются développé в «Раймонде»; легкие балансы и «обводки» в аттитюд «розового» адажио с кавалерами, до руки каждого из которых принцесса снисходила, сама поднимая руку в третью позицию и застывая изящной статуэткой. И все-таки балет, как сформулировала У.В. Лопаткина на одном из своих творческих вечеров, – это не только суперконтроль над движением, но и полет души. Еще – «исследование», интеллектуальное и психоэмоциональное изыскание, которое проводит артист, приступая к вживанию в новый образ, а вживание и душевные полеты при высокоскоростных переездах от одного балета к другому трудносовместимы.

Быстрая смена образов не дает серьезно сосредоточиться на каком-то одном из них, а ведь такие большие спектакли как «Спящая…», «Раймонда», «Баядерка» давно обрели своих genius loci, оберегающих их неповторимую атмосферу и мифологию. Чтобы попасть в исполнительский контекст партий Авроры, Никии, Раймонды недостаточно освоить (даже технически превосходно) хореографические номера и мизансцены. Мысль очевидная, но из нее следует другая: потребность появиться во многих спектаклях сразу оказывается сильнее желания углубиться в материал и наделить его индивидуальными чертами.

Нельзя сказать, что у Марии такого желания нет. Напротив, некоторые сцены свидетельствуют об удачных результатах поисков, но они фрагментарны и не могут составить продуманный танцевальный портрет ее героинь от начала и до конца балета. Оттого так заметны «разрывы» в ткани повествования.

В «Спящей красавице», например, ценна не столько отвлеченная виртуозность, сколько деликатная игра настроениями и полутонами, «стилизованное изящество с оттенками старомодной игривости». Абсолютного совершенства достиг в этом Владимир Шкляров, пожалуй, лучший Дезире Мариинского нынешних сезонов. Игривое настроение и рокайльные мотивы появляются в танце Авроры-Хоревой ближе к финалу, а до этого ее принцесса до того неприступна и даже скованна, что этот образ «красавицы надменной» хочется перенести в свадебный акт «Раймонды». И наоборот: ликование юности и трепет ожидания, которые удались Марии в первой картине «Раймонды», так украсили бы ее Аврору, и т.д.

Конечно, на эти соображения можно возразить, что все будет доработано позже, и через пару сезонов об образах Марии начнут говорить, что разносторонность чувства сочетается в них с многогранностью мастерства… Но, как показывает практика, изнурительная сценическая нагрузка для артиста чревата, наоборот, «замыливанием» исполняемого материала и формированием таких клише и танцевальных привычек, которые помогают выдерживать марафон с наименьшей потерей сил и ресурсов. И это обидно, потому что из под пуант Марии, как в сказке, могли бы высекаться драгоценные камушки, а пока же – сверкающая бижутерия.

[1] Интервью М. Хоревой журналу «Glamour», 21.02.20.

[1] Интервью М. Хоревой журналу «Glamour», 21.02.20.

[1] Интервью М. Хоревой журналу «Beatrice Magazine», 11. 06.18.


=======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22125
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 27, 2020 3:43 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020023003
Тема| Балет, Персоналии, Алла Осипенко
Автор| Игорь Савин
Заголовок| Алла Осипенко, народная артистка РСФСР:
«Я люблю свой родной город»

Где опубликовано| © газета "Культурный Петербург" №1 (102), стр. 3, 14
Дата публикации| 2020-02-20
Ссылка| http://kultura.spb.ru/wp-content/uploads/2020/02/KP_01_2020_site.pdf#page=2
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Народная артистка РСФСР Алла Осипенко — гордость и легенда ленинградского и отечественного балета. Она выступала в качестве солистки в лучших балетных коллективах нашего города, снималась в фильмах лучших кинорежиссеров. Недавно она отметила юбилей. О своем пути в искусстве Алла Евгеньевна рассказала в беседе с нашим корреспондентом.



Алла Осипенко пришла в балет в 1950 году. Ее, одну из последних учениц Вагановой, судьба связала с лучшими советскими хореографами: Григоровичем, Эйфманом, Якобсоном. Она — легенда отечественного и мирового балета. В год своего юбилея балерина согласилась кое что вспомнить и кое о чем поговорить…

Вы по матери состоите в родстве с академиком Императорской академии художеств, известным художником Владимиром Боровиковским, почему вы не Боровиковская, как ваша мама?

— Родство не прямое, художник был двоюродным братом моего прадеда. Да, мама была последней Боровиковской. Она очень хотела, чтобы я взяла эту фамилию: моего отца посадили в 1937 году по печально известной 58-й статье. Но я сказала маме, что если возьму ее фамилию, то тем самым откажусь от отца, причиняя ему огромную боль. Хотя тогда они уже были в разводе.

Известно, что вы не собирались становиться балериной. Как вы решились пойти сдавать экзамены в Ленинградское хореографическое училище?

— Боже мой, это было так давно… В школе на площади Восстания, где я училась, был кружок танца. Однажды педагог сказал моей бабушке: «У вашей внучки отвратительный характер, но она способная девочка, и я бы вам посоветовал отдать ее в хореографическое училище». И, слава богу, я туда попала. Когда началась война, встал вопрос, с кем мне ехать в эвакуацию. Меня очень хотели отправить с той школой, где я училась, учителя уговаривали: я была способной девочкой. Но какой-то умный человек сказал, что школ много, а балетное училище одно. И меня отправили с училищем. Вот так я и попала в балет.

Помните тот день, когда были зачислены в Ленинградское хореографическое училище? Вы, наверное, были очень счастливы…

— Я была очень самоуверенной девочкой, а потом стала весьма несамоуверенной балериной. Когда меня зачислили в училище, я восприняла это как должное. Тогда я уже понимала, что у меня есть данные, не такие, как у моих сверстниц. К сожалению, та детская наглость — в хорошем смысле этого слова — с годами меня покинула. Во время сценической карьеры мне очень не хватало веры в себя. Из-за чего все доставалось с большим трудом. Хотя на меня ставили балеты, внутренняя неуверенность все равно оставалась.

Вы жили в интернате, как это предписывалось традицией для воспитанников хореографического училища?

— Я была приходящим ребенком и в интернате никогда не жила. Мама уехала в эвакуацию за мной — я и там жила с мамой, и здесь тоже.

Вы одна из последних учениц Агриппины Вагановой. Каким она была человеком и педагогом?

— Конечно же, я горжусь тем, что я ее ученица. Последняя — Ира Колпакова, а я предпоследняя. А так как у Агриппины Яковлевны было два класса вместе, то мы с Ирой учились в одном классе. Только я окончила училище на год раньше. С Вагановой сложные были отношения. Она была очень требовательный человек, но ко мне относилась как-то иначе. Моя крестная, очень известная портниха в Ленинграде, шила блузки для Агриппины Яковлевны; конечно, от меня это долго скрывалось. Агриппина Яковлевна ко мне придиралась больше всех, выгоняла из класса за болтовню, что, впрочем, пошло мне на пользу. И она постоянно мне говорила, что со своим характером я закончу в мюзик-холле. Так оно и случилось — последний мой спектакль проходил на сцене мюзик-холла.

Какие были традиции в хореографическом училище тех лет?

— Художественный руководитель у нас был Николай Павлович Ивановский, солист императорского театра. Мне кажется, все этим сказано. При встрече с ним нельзя было быть некорректной или невоспитанной. Я застала тот период, когда училище еще напоминало императорское, с теми же законами. Конечно, была естественная градация в профессии, к способным ученикам относились с особым вниманием. Но война всех сплотила, в общих трудностях все были дружны и близки.

Как вы сразу по окончании училища попали в Кировский театр?

— Из моего класса приняли 12 человек, а всего нас было 45, так что мне очень повезло. Но я просто была способная — может быть, поэтому и приняли.

Вы помните свою первую партию в театре?

— Царица бала в «Медном всаднике». Я в кордебалете почти не была — танцевала «четверки», «двойки».

В этом году Юрию Григоровичу исполнилось 90 лет. Какую роль он сыграл в вашей судьбе?

— Он сыграл в моей жизни огромную роль, потому что ставил спектакли на меня. Если бы не он, я не нашла бы себя, не станцевала главных своих партий, изменивших мою творческую судьбу, мою актерскую палитру. Слава богу, он жив и здоров.

Балеты Юрия Григоровича «Каменный цветок», «Легенда о любви» стали для вас триумфальными. Ведь вы — первая русская балерина, которая вышла на сцену без классической балетной пачки. Как вы отнеслись к такой идее?

— За меня так решили, и я была очень довольна. Видите ли, у меня был тогда совершенно другой характер, это потом уже я стала забитая. У меня была хорошая фигура — а почему бы и не показать. Мне было удобно танцевать в одном трико, когда пачка не мешает. Пачка, бывает, торчит сбоку, с партнером трудно. А когда ты затянутая, то удобно и легко.

Вы — первая русская балерина, удостоившаяся премии Анны Павловой Парижской академии танца. Какой резонанс получило это событие?

— Об этой премии сегодня мало говорят. Я получила ее в Париже в 1956 году из рук Сержа Лифаря. Эта премия представляла собой книжечку и какое-то приложение к ней. Дома я все это спрятала в свой знаменитый сундук, однако журналисты как-то проведали и сообщили в газетах о моей награде. Я была первой, но не единственной получившей ее балериной.

Как происходил отбор артистов на заграничные гастроли во времена железного занавеса?

— Я как-то не вникала в эти вещи. Меня всегда брали, я не была в черных списках тех, кому надо было воевать и отстаивать свои права. Я была самоуверенной девушкой. Карьера шла вверх, и она меня устраивала. Абсолютно спокойно относилась к тому, что меня могли не взять на гастроли. Сильно не рвалась за границу, в отличие от других артистов.

Вам не раз предлагали остаться за рубежом. Почему вы не согласились?

— Помню, как в Югославии мне предложили в очередной раз остаться. Сказали: «Мы вам дадим множко денег, множко апартаментов». На что я им сказала, что у меня множко бабушек. Мои бабушки были долгожительницами, да еще с нами жила моя крестная. Поэтому у меня были обязательства перед семьей, я была воспитана в ответственности за нее. Да и любила я свой родной город.

Почему на пике своей карьеры вы покинули Кировский театр?

— Просто попала на хорошую почву… Тогда появлялись новые коллективы — Якобсона и Эйфмана. А я когда-то бросила фразу: «Танцую в театре двадцать лет — и ухожу». Легко так сказать по молодости лет! Но прошло двадцать лет, а я все никуда не ухожу. И в 1971 году я написала заявление об уходе: «Прошу уволить меня из театра по творческой и моральной неудовлетворенности». Я всегда тяготела к более современному балету, от классического я подутомилась. И никогда не считала, что хорошо танцую классический балет. Ну, может быть, Раймонду или Фею Сирени. В «Лебедином озере» вечно спотыкалась. У меня не было как таковых удачных классических спектаклей. А в современный модерн меня хватали, и там я себя чувствовала себя как рыба в воде.

Вы ушли из Кировского театра вместе с вашим мужем и партнером Джоном Марковским?

— Не думала, что он тоже так поступит. У нас даже и не заводилось такого разговора. Я подала заявление об уходе и пошла искать Джона, но в театре его не оказалось — я поехала домой, где его и застала. Сказала о заявлении и о том, чтобы он ни в коем случае не уходил из Кировского театра. Оказалось, что он меня опередил и подал заявление раньше.

Вы жалели о своем уходе из театра?

— Никогда не жалела. Хотя материально было жить довольно сложно. Деньги были другие, копеечные. Но после моего ухода из театра у меня, безусловно, открылось второе дыхание, причем довольно долгое.

У Якобсона вы буквально летали по сцене в «Полете Тальони».

— Задумка была в том, чтобы никто не видел поддержек партнеров, чтобы было абсолютное ощущение полета. Увы, полного эффекта Якобсон не достиг: все равно были видны руки танцовщиков в черных перчатках.

А «Нимфу и Минотавра» жестко раскритиковали. И за что? За пошлость?

— На мне было телесного цвета трико — словно оголенная. Да, был очень серьезный скандал — мы же в темноте просвечивали. И все шипели: «Боже, она же голая!» Номер запрещали. Приходилось ходить по обкомам, к самым большим начальникам. Ходили к Толстикову и Сизову, унижались, просили. Но некоторые начальники нас защищали, потому что им самим понравилось. Как раз Сизов, председатель Ленгорисполкома, и дал разрешение.

После ухода от Якобсона вы попали к Эйфману. Как вы нашли общий язык с Борисом Яковлевичем? Все таки, говорят, у него тяжелый характер.

— У меня тоже характер не подарок. Его, вероятно, устраивала моя форма, моя работоспособность. Меня притягивал его талант, и мне казалось, что я от него многое брала. С Борисом, с одной стороны, было отчуждение, а с другой — притяжение. Конечно, порой отношения были сложные, но в моей памяти остались только положительные воспоминания.

Он поставил на вас знаменитое «Двухголосие». Какова была идея номера?

— Балетмейстеру хотелось рассказать о своих душевных тяготах. А нам с Джоном хотелось поведать о собственных непростых взаимоотношениях. «Двухголосие», как и другие постановки Бориса, посвящено любви, которая выше любых дрязг. Этот номер в некотором смысле автобиографичен для каждого из нас. Очень жаль, что его запись была уничтожена.

А почему вы ушли из труппы Эйфмана?

— Уже возраст подпирал. Хотя Борис еще рассчитывал на меня ставить, были какие-то задумки, но я уже понимала, что достаточно.

Почему вы не любите, когда вас называют великой балериной?

— Какая же я великая? Великие балерины — это Павлова, Карсавина, Уланова, Плисецкая. А я была просто приличной балериной, которая хорошо исполняла сочиненный на меня репертуар.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
Страница 5 из 6

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика