Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2020-02
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22331
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Фев 14, 2020 7:50 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020021405
Тема| Балет, Современная хореография, “Барток / Бетховен / Шенберг“, Персоналии, Анна Тереза де Кеерсмакер
Автор| НИКА ПАРХОМОВСКАЯ, ИННА РОЗОВА
Заголовок| Непарные танцы: что случилось со спектаклем Анны Терезы де Кеерсмакер «Барток / Бетховен / Шёнберг» за 14 лет
Где опубликовано| © Журнал ТЕАТР.
Дата публикации| 2020-02-08
Ссылка| http://oteatre.info/neparnye-tantsy-chto-sluchilos-so-spektaklem-anny-terezy-de-keersmaker-bartok-bethoven-shyonberg-za-14-let/
Аннотация|


©Anne Van Aerschot

Журнал ТЕАТР. – о недавних гастролях компании «Rosas» в рамках Зарубежной программы «Золотой маски».

Когда «Фазу» Анны Терезы де Кеерсмакер несколько лет впервые привезли в Москву, выяснилось, что у нас мало кто знает хореографа, считающегося одним из главных действующих лиц contemporary dance. Но сегодня – после нескольких гастролей и вала публикаций – она в наших краях абсолютная звезда. Неудивительно, что очередной приезд ее компании Rosas вызвал в постновогодней и небогатой на театральные события Москве настоящий ажиотаж.

В этом году – 30 лет со времени первых гастролей труппы Кеерсмакер в Москве, причем второй раз она появилась уже как живой классик только в 2017-м. Импровизированную ретроспективу открыла «Фаза» (1982) – ее этапный дуэт, где минималисткая пластика сложно синхронизирована с минималисткой музыкой Стивена Райха, продолжил многофигурный «Дождь» (2001), тоже на музыку Райха, где в потоке воображаемого дождя исполнители двигались то в унисон, то в рассинхроне.

На недавнем вечере в МАМТе имени Станиславского и Немировича-Данченко, организованном в рамках Зарубежной программы «Золотой маски», были показаны работы разных лет, собранные в 2006 году в «Репертуарный вечер №2» («Bartók / Beethoven / Schönberg Repertory Evening II»).

В «Струнном квартете N°4» на музыку Бартока (1986), главную скрипку играли не четверо музыкантов, сидящих на сцене, и не четыре танцовщицы, эту сцену собой заполнявшие, а их черные ботинки, которые то пускались в пляс, то замирали прямо посреди движения. Издали ботинки казались грубыми, почти мужскими, и какими-то нарочитыми, но при этом чрезвычайно живыми, особенно по контрасту с простыми черными юбками, то и дело взвивающимися выше положенного, удручающе серьезной партитурой, сосредоточенными лицами и скудной пластикой своих обладательниц. Не заснуть за лицезрением этого медленного, меланхоличного, доведенного до автоматизма танца было практически невозможно.

Второй номер программы – «Большая фуга» на музыку Бетховена (1992) – оказался короче и бодрее. Здесь танцевали уже только мужчины, причем снова квартетом и снова весьма неторопливо. Вернее, темпа и экспрессии и в музыке, и в хореографии хватало – не было их лишь у исполнителей, как будто выдохшихся еще до начала разучивания своих партий на узком пятачке отведенного им сценического пространства. Но в «Die Grosse Fuge» были, по крайней мере, юмор, смешные повторы и игра с надоевшими костюмами, которые в итоге оказывались сброшены за ненадобностью. И пусть солисты не произвели неизгладимого впечатления своей техникой (что всегда является отличительной особенностью артистов Кеерсмакер), но в целом танцевальной обедни не испортили.

В отличие от финального дуэта невыразительных Соа Ратсифандриана и Боштяна Антончича, превративших романтичную во всех смыслах «Просветленную ночь» Шёнберга в нудное действо. Этому весьма способствовала хореография, построенная на неожиданной для Кеерсмакер драмбалетной пантомиме, и нелепые костюмы: что-то вроде ночной сорочки или платья в цветочек у нее и темный деловой костюм с белой рубашкой у него. Ни подлинного взаимодействия, ни фирменного стиля, ни элементарного темпоритма – одни лишь вымученные страдания с заламыванием рук.

Возможно, солисты “Rosas” были не в настроении или устали (как говорит Кеерсмакер, танец современен лишь благодаря танцовщикам, его исполняющим). Или, возможно, устала сама Кеерсмакер, которая все больше оглядывается в прошлое, и почти не смотрит в будущее.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22331
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Фев 16, 2020 2:17 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020021601
Тема| Балет, ГАТОБ имени Абая, Персоналии, Гульжан Туткибаева
Автор| -
Заголовок| "Легенду о любви" Юрия Григоровича покажут в ГАТОБ имени Абая
Где опубликовано| © Главные новости Казахстана - Tengrinews.kz
Дата публикации| 2020-02-15
Ссылка| https://tengrinews.kz/promises_culture/legendu-lyubvi-yuriya-grigorovicha-pokajut-gatob-imeni-abaya-391681/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

16 февраля в Казахском государственном академическом театре оперы и балета имени Абая пройдет балетная постановка Юрия Григоровича "Легенда о любви". Мы встретились с художественным руководителем балета, Народной артисткой РК Гульжан Туткибаевой и узнали, чем знаменит и так популярен этот балет, как он вошел в репертуар театра и стал любим зрителем.

Гульжан Усамбековна, в тот момент когда Ю. Григорович подтвердил свое участие в работе над балетом, какие эмоции Вы испытывали и как шла работа, когда балетмейстер уже прилетел в Алматы?


Гульжан Туткибаева. Фото: Николай Постников©

Репертуар нашего театра всегда был насыщенным и многообразным. Если говорить о классическом репертуаре, то это постановки именитых балетмейстеров, чьи спектакли идут во всех театрах мира, которые внесли неоценимый вклад в развитие балетного искусства. Но, тем не менее, нам давно хотелось, чтобы в нашем театре шли спектакли такого великого мэтра балетного искусства, как Юрий Григорович. Он навсегда останется первооткрывателем хореографического симфонизма, его спектакли грандиозны и масштабны, в них присутствуют определенная стилистика, графика, сложная классическая хореография. И когда Юрий Николаевич согласился поставить балет "Легенда о любви", для нас это стало очень знаковым и важным событием. Поначалу для меня работать с ним было очень трепетно и волнительно, может быть, даже немного страшновато. Но как только начался творческий процесс, все переживания исчезли. У нас сложился творческий тандем, он был восхищен и физической подготовкой нашей труппы, и профессиональным подходом к работе на сцене. Он нас учил тому, что каждая деталь важна и влияет на целостность и общее восприятие спектакля. Каждый персонаж продуман до мелочей, что создает неповторимый художественный образ. Когда мы ставили свет на сцене, Юрий Николаевич делился со мной личным опытом, своими видением и личными историями - это было абсолютное понимание друг друга. Для меня это навсегда останется большой честью! Хочется добавить, что Григоровичу очень понравилось работать с нашей труппой и с техническим подразделением театра, что спустя 3 года после его первого приезда он поставил в КГАТОБ имени Абая балет "Ромео и Джеульетта", который каждый раз неизменно проходит с аншлагом. Нам посчастливилось иметь 2 легендарных спектакля Ю. Н. Григоровича, чем мы очень гордимся. Помню, нам завидовали многие театры, что нам удалось пригласить мэтра мировой хореографии Юрия Григоровича и поработать с ним.

- Хореография в балете считается классической, но и понятие "классика" трактуется по-разному, как бы вы охарактеризовали ее?

- Хореография в балете "Легенда о любви" абсолютно классическая, но она сложна технической насыщенностью. В ней сложна постановка рук у всех персонажей; начиная от главных партий и заканчивая солистами кордебалета. Необходимо выдержать весь стиль спектакля. А тем более классику танцевать всегда сложнее.

- Расскажите, что интересного ждет зрителя именно 16 февраля, состав с дня премьеры изменился? Что вы можете сказать об артистах - ведущих солистах балетной труппы, которые впервые будут исполнять партии в этом балете?

В это воскресенье в очередной раз пройдет балетный спектакль А. Меликова "Легенда о любви", хореография Григоровича. Если говорить о солистах, то из всех артистов, а это все ведущие солисты нашего театра, только Амир Жексенбек хорошо знаком со своей партией Визиря, он танцевал ее на премьере. Григорович был очень им доволен и, помню, сказал, что Амир выделяется своими индивидуальностью и артистистизмом. Партию Ширин исполнит наша ведущая солистка Жанель Тукеева. Это образ принцессы, который ей очень идет - она так же нежна, трогательна и очень грациозна. А партию Незнакомца исполнит наш несравненный Нельсон Пенья, он уже знаком со своим героем. Нельсон невероятно творческий человек. Остальные солисты будут впервые танцевать этот балет. Мехменэ Бану будет исполнена Маликой Ельчибаевой - для нее это новая партия, но по всем своим профессиональным и природным качествам этот образ ей абсолютно подходит. В роли Ферхада выступит наш солист балета Архат Аширбек. Его партия очень большая, и для него это серьезное испытание.

Вообще не каждому даже ведущему солисту удается исполнить эту роль. Она сложна и физически, и эмоционально. А вот в образе шута выйдет наш Заслуженный деятель РК, любимый зрителю артист Асет Мурзакулов, который с блеском исполняет эту партию. Состав очень сильный, все эти артисты достойно показали и проявили себя не только на сцене нашего театра, но и с большим успехом продемонстрировали свое мастерство как французской публике, так и в London Coliseum. Отдельно хочется отметить музыкальное сопровождение под руководством Нурлана Байбусинова, который дирижировал этот спектакль на премьере. Восточный колорит и краски, так тонко созданные композитором А. Меликовым и Ю. Григоровичем, наши артисты чувствуют душой и вносят свои определенные эмоциональные нюансы. Спектакль сложный и интересный, и я надеюсь, что зритель оценит его по достоинству.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Фев 17, 2020 9:40 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22331
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Фев 16, 2020 5:54 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020021602
Тема| Балет, театр Мэтью Борн, Гастроли, Персоналии,
Автор| Нина Аловерт / Фотографии Джоана Парссона
Заголовок| Лебединое озеро от Мэтью Борн
Где опубликовано| © Elegant New York
Дата публикации| 2020-02-14
Ссылка| http://elegantnewyork.com/swan-lake-nyc-alovert/
Аннотация| Гастроли

Закончились гастроли лондонского театра Мэтью Борн, который после более чем двадцатилетнего перерыва привез в Нью-Йорк еще раз свою постановку «Лебединого озера» П.И.Чайковского.



В наше время в балетном мире усиливается тенденция восстановления первоначальных постановок классических балетов (я не говорю о результатах, только о тенденции). Параллельно развивается другое направление: современные хореографы используют музыку и либретто классических балетов для создания совсем другого хореографического и философского произведения. Самым талантливым и оригинальным спектаклем второго направления (из тех, что я видела) является «Лебединое озеро» Мэтью Борн.
Борн сочинил этот балет в 1995 году, получил за него много премий. В Нью—Йорк театр привозит этот спектакль третий раз. За это время хореограф что-то поменял, но об этом позднее. Балет идет с неизменным успехом, у входа спрашивали «лишний билет».


Балет Петипа/Иванова – романтический, грустный, красивый. Любовь Принца и заколдованной Принцессы-лебедя, хотя и заканчивается смертью героев, но это смерть торжествующей любви, побеждающей все обманы волшебного мира.

«Лебединое озеро» Борн – это совпадение реального мира и волшебного в своем бездушии и жестокости, а мир лебедей напоминает не красивую сказку, а страшный готический роман.

Действие балета Борн переносит в наши дни, по видимому, в английский королевский дворец. Начинается спектакль со сцены, которая является «заявкой» основной темы балета. В спальне Принца над кроватью висит огромное зеркало. Королева-мать сурово прощается с Принцем, не желая обнять его перед сном, и этим нежеланием проявлять любовь предает его во власть иного недоброго мира. В зеркале появляется образ Лебедя.

Бедный одинокий Принц – мягкий, даже нежный человек. Королева и ее Личный Секретарь муштруют Принца, обучают его жить в строгих рамках этикета, где нет места чувствам. Ему подбирают Подружку, весьма легкомысленную особу, чтобы до свадьбы научила Принца кое-чему. Принцу кажется, что он нашел любящего его человека. Поход королевской семьи с Возлюбленной Принца и Секретарем в театр – очаровательная, смешная сцена. Не знаешь, куда смотреть: на пародию на романтический балет, которую танцуют «на сцене», или в королевскую ложу, где Возлюбленная Принца (совершенно необученная королевскому этикету) бурно переживает события балета, угощает Королеву и Принца конфетами из кулька и т.д.

атем следует сцена между Принцем и Королевой, где он насильно пытается добиться от нее материнской любви, но бесполезно (страстный,выразительный дуэт)… Принц убегает за своей Возлюбленной в какой-то сомнительный бар, где Секретарь в образе папарацци, делает компрометирующие фотографии. Принц видит, как Секретарь дает деньги его Подружке и считает, что она подослана к нему, что никаких чувств на самом деле к нему не испытывает. В полном отчаянье Принц бежит в парк на берег озера, чтобы утопиться. На фонарном столбе висит надпись: НЕ КОРМИТЕ ЛЕБЕДЕЙ! Но Принц ничего не замечает. Он бежит к озеру…а навстречу ему из темных вод выходят волшебные лебеди… Вот тут и начинается сцена из готического романа. Лебеди-оборотни в исполнении мужчин с обнаженным торсом в штанах до колен, покрытых перьями, с черной полосой на лбу производят пугающее впечатление. Нет, это не мужчины, которые танцуют женщин. Хореограф создал образы мужчин – лебедей и поставил танцы, совершенные по пластической выразительности. Танцовщики имитирует некоторые позы и взмахи рук-крыльев, которые сочинил Л.Иванов. Но в исполнении мужчин облик этих полу-людей, полу-птиц по своему даже красив, но страшной, колдовской красотой. Из этой стаи оборотней выделяется один, Главный, который проявляет интерес к Принцу. Принц верит, что нашел среди птиц любящего друга, которого не мог найти в реальном мире.

Не торопитесь с выводами! Это балет не о гомосексуализме во всяком случае, не в этом смысл любви Лебедя и Принца. Оба героя – мужчины, но сам хореограф предупреждает в одном из интервью, что Принц прежде всего ищет любовь и человеческое тепло, в котором отказывает ему мать. Лебеди скрываются в озере, а счастливый Принц, который думает, что нашел друга, возвращается во дворец. Ах, не кормите лебедей! не любите лебедей!

Бал во дворце также отчасти отвечает старому сюжету: мать-Королева предлагает сыну выбрать невесту. Но не эту Возлюбленную, которая не умела вести себя в театре, только не её! Да и Принц не верит больше в искренность ее чувств. Съезжаются гости, Принц танцует с невестами…и вдруг! На музыку появления Одиллии на сцену выходит антипод белого Лебедя, Незнакомец, как его называют в либретто. Сколько бы я ни рассказывала об этой сцене, невозможно передать ошеломляющего впечатления, которое она производит. Возникнув «ниоткуда», пройдя где-то сзади по краю балкона, на сцену развязной походкой, пританцовывая, выходит современный молодой человек в черных кожаных брюках и черной рубашке. И так велико его сексуальное обаяние, что все женщины на балу, включая Королеву, теряют голову и виснут на этом нахальном самце, как девицы в низкопробном баре.

Легкомысленная Подружка Принца оказывается среди них самой робкой и целомудренной. Бал превращается в разнузданную оргию, и этим балом правит Личный Секретарь. Бедный Принц, который и узнает своего Друга-Лебедя в этом молодом наглеце, и не узнает, приходит в страшное смятение. Его возмущает поведение матери-Королевы. Незнакомец дразнит Принца видимым сходством с Лебедем и оскорбительным различием. На музыку «32х фуэте» вся масса гостей во главе с Незнакомцем несется прямо на Принца. Принц теряет голову от отчаянья: он убедился, что его Друг-Лебедь, в котором он искал душевное родство, на самом деле такой же, как его окружение во дворце. В исступлении Принц начинает палить из пистолета. И только Подружка бросается к Принцу, чтобы вырвать у него пистолет. Секретарь достает свой пистолет и, пользуясь суматохой, стреляет в Принца. Но убивает его Возлюбленную. В убийстве обвиняют Принца и утаскивают со сцены. Зрители с трудом переводят дыхание, потому что вся фантасмагория бала держит их в неослабевающем напряжении.

Затем следует малоудачная пантомимная сцена, где с позволения матери, Доктор (он же – Секретарь) определяет у Принца безумие и запирает его в больничной палате. И тогда…и тогда из-под кровати и из углов комнаты выползают лебеди…На этот раз они не просто существа из другого мира, они агрессивно-враждебны и Принцу, и его другу Лебедю, который появляется последним. Эти оборотни и убивают обоих. Какая это потрясающая театрально-балетная сцена! Как выразительно создан пластический “крик” Лебедя над телом Принца! Страшные Птицы исчезают, унося с собой мертвого Лебедя. Вернувшаяся Королева рыдает над трупом сына. А над изголовьем кровати поднимается Лебедь, держа на руках мертвого Принца (дублера, естественно). Своего рода соединение любящих после смерти, но какое страшное!

Бурне создал спектакль такой эмоциональной силы, что после окончания его ещё долго приходишь в себя, как будто вынырнул из водоворота. И тогда начинаешь думать: о чем же этот трагический балет? Романтический Принц жалок, беспомощен и неспособен жить со своим идеализмом ни в реальном мире, ни в волшебном. Волшебный мир потерял свои романтические черты. Балет 19 века – фантастическая сказка. Балет 20 века – фантасмагория, не оставляющая надежд. Стая лебедей убивает Лебедя за то, что тот хотел завести друга со стороны: а не предавай свою банду!

Дружеских обществ больше нет, есть профессиональные союзы, шайки и мафии. Ротбарт хотел гибели принца в романтические времена, чтобы сохранить власть над девушками, а Секретарь хочет гибели Принца без всяких видимых оснований. В первом варианте, который мы видели в 1998 году, Секретарь имел прототипом Ротбарта, Незнакомец был его сыном, которого Секретарь хотел посадить на трон. В новой редакции Бурне снял эту мотивировку, предоставив зрителю решать самому… Возможно, Принц ненавистен Секретарю своей добротой и беззащитностью. Сегодня Зло многолико (секретарь, наставник, папарацци, распорядитель бала) и безнаказанно правит миром, так считает автор спектакля. А в современном мире не обязательно иметь причины для ненависти или убийства. Так злободневен этот балетный спектакль!

И все таки что-то осталось нам в утешение. Ещё существуют “не такие, как все” и даже могут встретиться. Их трагическая встреча – знак надежды. Ещё может проснуться и страдать материнское сердце. Но посмотрев этот современный парафраз старого балета, приходишь к ещё одному выводу: насколько правомернее сочинить балет на старую тему, но с современной хореографией и философской идеей, чем переделывать классическую хореографию в угоду своим амбициям или осуществлять весьма сомнительную идею восстановления балета двухвековой давности.

Несколько слово об артистах, которых я видела. Метью Болл в роли Лебедя и Незнакомца – прекрасный танцовщик, пластически выразителен, особенно в образе Лебедя. Конечно, я думаю, никто не может сравниться с первым исполнителем Адамом Купером, особенно в роли Незнакомца, его нельзя забыть. Джеймс Ловелл в роли Принца меня разочаровал, он исполнитель хореографии – и только. Николь Кабера – Королева и Фрея Фелд – Возлюбленная Принца – оставили прекрасное впечатление. И вся труппа лондонского балета достойна восхищения.

Фотографии Джоана Парссона
===============================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22331
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Фев 17, 2020 9:47 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020021701
Тема| Балет, Театр "Астана Опера", Персоналии,
Автор| корр.
Заголовок| В "Астана Опера" состоялась премьера балета "Бетховен - Бессмертие - Любовь"
Где опубликовано| © Главные новости Казахстана - Tengrinews.kz
Дата публикации| 2020-02-17
Ссылка| https://tengrinews.kz/music/astana-opera-sostoyalas-premera-baleta-bethoven-bessmertie-391754/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Мировая премьера балета "Бетховен - Бессмертие - Любовь" о судьбе творца-композитора Людвига ван Бетховена с огромным успехом прошла на сцене Большого зала "Астана Опера" 14 и 15 февраля при содействии Министерства культуры и спорта РК. Столичный театр представил широкой публике новый балетный жанр. Спектакль поставлен немецким хореографом Раймондо Ребеком на музыку Людвига ван Бетховена, Иоганна Себастьяна Баха, Вольфганга Амадея Моцарта, Йозефа Гайдна, Дирка Хаубриха. "Бетховен - Бессмертие - Любовь" - это масштабное творческое высказывание на тему драматического жизненного пути выдающейся личности.

Балет начинается с похоронной процессии. Люди, одетые в черную одежду, прощаются с гением, провожая в последний путь великого композитора. Они поражены вестью о его смерти и глубоко скорбят о том, что Бетховен покинул их. Эта сцена показывает, насколько сильным было его влияние в музыкальном мире. Черное пианино, символизирующее гроб, создает мрачную картину бытия, утверждая таким образом, что все в этом мире бренно. Однако немного позже эпизод Космоса покажет нам, что композитор не умер, а лишь стал частью Вселенной, одной из звезд высокого черного небосвода.

Композицию самого балета можно считать повествовательной, сюжет рассказывает нам о муках и тайнах творчества гения. На сцене мир Бетховена обретает такую силу и мощь, что зритель верит: все так и было. Вот будущий композитор с отцом сидит за роялем, изучая новый материал: снова и снова Людвигу приходится повторять сочинение. С тяжелым трудом помогает справиться Эвтерпа – Вдохновение (Асель Шайкенова, Гаухар Усина), она поддерживает его. Все артисты передают образы очень эмоционально, их движения хореографически выверены. И несмотря на то что в этом балете есть ряд абстрактных героев (Болезнь, Вдохновение, Любовь), все же зрителям легко понять линии характеров этих персонажей.

Повзрослевший одаренный Бетховен привлек внимание просвещенных боннских семейств, а блестящие фортепианные импровизации обеспечили ему свободный вход в высокие музыкальные собрания. Примером такого внимания высшего общества к персоне Бетховена в балете можно считать сцену Венского бала. Помимо абсолютно новой современной хореографии, удивило здесь и сценическое оформление. Декорации японского мастера, а также автора концепции светового дизайна Йоко Сеяма напомнили хрустальный дворец. Такое решение было принято не просто так. Прозрачный хрусталь – символ другого временного измерения, точнее, он указывает нам на то, что действие балета не принадлежит какому-то конкретному времени и месту. Наверное, поэтому хореограф именно в этой сцене вводит в спектакль главную героиню Любовь (ее наряд ярко-красного цвета как символ этого сильного чувства). Первая встреча композитора с возлюбленной происходит в момент, когда все общество застывает, не только недвижимо, но кажется, что и бездыханно, так, точно в самое сердце Бетховену попадает своими чарами Любовь.

Меняет общий настрой переход музыкального материала от моцартовской серенады к современной музыке немецкого композитора Дирка Хаубриха. И новое восхищение зрительской аудитории: портреты учителей Бетховена – Моцарта и Гайдна – оживают, выходя из своих картинных рамок, и они танцуют трио вместе с Бетховеном, позже, в па-де-куатре, к ним присоединяется Эвтерпа.

Впечатляюще интересен был Бахтияр Адамжан (Бетховен), особенно это касается сцены письма, его пластические и артистические решения показывают творчески зрелую актерскую натуру. В паре с ним танцует прима театра Айгерим Бекетаева (Любовь), свою героиню она сделала драматически правдивой и пронзительно чувственной. Во второй день в этих партиях блистали Далер Запаров и Марико Китамура.

Восхитили по динамике массовые сцены. Хореография Раймондо Ребека пластичная, он знает, как правильно использовать пространство. Яркие сольные и парные номера двух главных действующих лиц отражают накал чувств, однако Бетховен делает выбор все же не в пользу Любви, он отдает предпочтение Эвтерпе – вдохновению.

Сам Бетховен любил повторять, что музыка — более высокое откровение, чем вся мудрость и философия. "Кому открывается моя музыка, тот избавляется от всех тех бед, которые терзают других людей", - говорил он.

Музыкальные номера в этом балете воплощают богатейшую подборку характеров, эмоций, психологической атмосферы. Симфонический оркестр "Астана Опера" под руководством дирижера-постановщика Абзала Мухитдина уверенно справился с поставленной задачей и передал яркие краски такой знакомой и в то же время каждый раз новой музыки. Соло на рояле блестяще исполнила Долорес Умбеталиева.

По сюжету последние годы жизни Бетховен страдал и боролся со своей глухотой. Очень интересной и глубокой по своему психологическому и хореографическому содержанию оказалась партия Болезни (Олжас Маханбеталиев, Серик Накыспеков). Композитора настигла глухота, которая стала платой за талант. Балетмейстером утверждается мысль о том, что недуги есть в каждом из нас, будь ты человек из знати или из бедного сословья, от своей болезни не убежишь.

Завершающая сцена Рая полностью выдержана в белом цвете, она говорит нам о неподвластном влиянии времени. В музыкальную основу материала легла знаменитая Симфония № 9 Бетховена. Посыл этого произведения ясный и современный. Именно сегодня, когда в мире множество конфликтов, он особенно актуален, это произведение об объединении людей.



В этой масштабной сцене был занят весь творческий коллектив театра "Астана Опера". Впервые в истории балета артисты хора стали полноценными участниками балетного спектакля. Фигуры, созданные ими на сцене, завораживали своими четкими линиями. Артисты балета, хора, миманса, солисты оперы, музыканты оркестра создали по-настоящему захватывающее зрелище.

Бетховен стоит один. Он неподвластен времени и пространству – на такой эмоциональной ноте заканчивается мировая премьера балета "Бетховен – Бессмертие – Любовь". Солисты сорвали шквал аплодисментов, крики "браво" слышались отовсюду, море цветов украсило сцену после выступления как благодарность артистам за высокое мастерство.

===========================================================================================

ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22331
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Фев 17, 2020 4:32 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020021702
Тема| Балет, Театр Балета Бориса Эйфмана, Персоналии, Алина Петровская
Автор| Екатерина Матвеева / Фото: Ира Яковлева
Заголовок| Алина Петровская
Где опубликовано| © La Personne
Дата публикации| 2020-02-13
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/alina-petrovskaya-eifman-ballet/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Алина Петровская в 2014 году окончила Белорусскую государственную хореографическую гимназию-колледж с красным дипломом. Сразу по окончании гимназии получила приглашение в Театр Балета Бориса Эйфмана в качестве солистки. За время работы исполнила ведущие партии в спектаклях: «Анна Каренина» (Каренина), «Рэквием» (Мать), «Эффект Пигмалиона» (Тея), «По ту сторону греха» (Грушенька), «Чайковский PRO et CONTRA» (Баронесса фон Мек), «Up & Down» (Розмари, Двойник), «Роден» (Роза), «Русский Гамлет» (Екатерина).

С нашими читателями Алина поделилась своими мыслями о балете, Петербурге, творчестве и фотосъемке.


Как вы попали в Театр Балета Бориса Эйфмана, чем был обусловлен выбор?

Мне посчастливилось попасть на спектакль «Анна Каренина», когда мне было четырнадцать, я тогда училась в хореографическом училище. В тот момент Театр Бориса Эйфмана гастролировал в Минске, и я влюбилась в этот спектакль, театр и артистов. На этом спектакле я впервые познакомилась с творчеством Бориса Эйфмана и поняла, что это театр моей мечты. Эмоции захлестнули меня настолько сильно, что после спектакля я плакала, и появилась мечта – работать в этом театре. В детстве я и представить не могла, что буду работать здесь, только в глубине души надеялась, что мечта моя сбудется! Так и вышло. Это счастье, когда исполняется детская мечта, и еще большее счастье исполнять роль Анны Карениной, которая в свое время поразила меня.

Меня пригласили в труппу Бориса Эйфмана на последнем курсе, приглашения были и в другие театры, но я выбрала именно этот. На выбор также повлияла моя любовь к современной хореографии, я уже во время учебы склонялась к тому, что выберу театр, в репертуаре которого преобладает современный балет.

Чем вас так поразила роль Анны Карениной, и сложно ли исполнять эту партию?

Конечно, сложно, но это одна из моих любимых партий. Женственность, необыкновенная красота и страдания – это все в этой женщине. В ее трагедии больше страсти, чем отчаяния, но для меня именно страдания и страсти – это лучший способ выражать эмоции, работать над этим и творить. Когда танцую, полностью погружаюсь в процесс, он захватывает меня, и не чувствуется усталость. Главное, не думать о технической сложности, а просто растворяться в роли и тогда можно достигнуть истинного выражения эмоций. Я чувствую, что это мое – природное, и этого не стесняюсь.

Чем еще примечателен Театр Балета Бориса Эйфмана для вас?

В нашем театре все артисты высокие, это очень красиво и эффектно. Но самым важным моментом я бы выделила то, что у нас работают очень сильные личности. Настолько сильные люди – и морально, и физически, и духовно, что я не перестаю поражаться нашим артистам. Борис Яковлевич гениальный и очень не простой человек, я счастлива, что судьба свела меня с ним, и у меня есть возможность совместного творчества с гением современного мирового балета. Солисты в нашем театре творят и занимаются современной хореографией, где новаторство и личное творчество играют большую роль, что очень важно для меня.

Вам нравится жить и работать в Санкт-Петербурге?

Обожаю этот город! Несмотря даже на то, что здесь, порой, идут дожди! Мне как раз и подошел этот климат.

В Санкт-Петербург я сразу приехала после того, как окончила балетное училище. И живу здесь уже пять лет! Мне кажется, чем больше я здесь живу, тем больше он мне нравится, тем больше я наслаждаюсь и любуюсь его красотой. Чувствую вдохновение от архитектуры Петербурга, мостов, Невы. Словом, это мой город, ведь неспроста у меня фамилия Петровская.

Что для вас успех?

Остаться верным себе и следовать своей мечте. Это искренняя любовь и свет в моей душе! Много разных соблазнов преподносит нам жизнь. Тем самым через познания и тернии своей души мы приходим к личному успеху! Это некая свобода чувств и эмоций. Успех – это мои чудеса в умении творчески подходить к любым задачам и видеть красоту даже в чем-то повседневном, например, в прочитанной книге, встрече с друзьями и просто в радости стакану сока. Во многом успех – это еще умение наслаждаться… Наслаждаться каждой минутой на сцене и как бы ни было тяжело – радоваться! Вся сложная работа и мысли пусть остаются в репетиционном зале, а на сцене должны царить красота и радость.

Какой ваш любимый балетный спектакль?

Я обожаю все наши спектакли, потому что у нас вся хореография воплощается через эмоцию и смысл, через музыку и драму, через историю героев. Хореография наполнена содержанием. Все это дает в итоге абсолютные шедевры, на которые хочется смотреть и смотреть!
Но также прекрасно отношусь и к другим современным хореографам, нужно развиваться и перенимать что-то новое и у других. Люблю балеты Ноймайера, Крэнко, Форсайта, Килиана.

Алина, вы часто сотрудничали с известными фотографами, и у вас богатый набор восхитительных кадров. Что для вас процесс съемки танца, как для балерины?

Я ценю в работе с фотографом возможность выражать эмоции. Просто позировать скучно. Если фотограф умеет провоцировать на эмоции и правильно работать с артистом балета – это удача. Мне нравится заранее продумывать образ и работать со стилистами. Отчасти для меня это как выход на сцену. Мне очень интересно, когда мы вместе с фотографом создаем историю и показываем действие. Наверное, фотограф заранее должен видеть картинку и стремиться к задуманному, тогда будет успех!

Фото: Ира Яковлева

===========================================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22331
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Фев 17, 2020 5:53 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020021703
Тема| Балет, МТ, Персоналии, Виктория Терешкина
Автор| Юлия Сумзина
Заголовок| Виктория Терешкина: "Я не могу танцевать только классику"
Где опубликовано| © Voci dell'Opera
Дата публикации| 2020-02-16
Ссылка| https://www.vocidellopera.com/single-post/viktoria-tereshkina
Аннотация| public talk



30 января в Dom Boutique Hotel прошел театральный вечер «Тройной Дайкири», где кроме показа фильма Иннокентия Иванова, посвящённого хореографу-новатору начала ХХ века Михаилу Фокину, состоялся public talk с прима-балериной Мариинского театра, народной артисткой России Викторией Терёшкиной. Виктория не только охотно беседовала с Ольгой Угаровой и Иннокентием Ивановым, но и ответила на два вопроса Voci dell'Opera. Представляем вам выборку наиболее интересных ответов с прошедшего мероприятия.

Ольга Угарова (далее О.У.): Известно, что помимо того, что в репертуаре Виктории полный спектр классических партий, она очень любит работать с молодыми хореографами. И надо отметить, что молодые хореографы очень ей за это благодарны, потому что они всегда без страха идут к ней и знают, что Виктория на любой вызов откликнется очень позитивно. Вопрос: С чем связана Ваша любовь к современной хореографии и к молодым петербургским хореографам, которые сейчас пытаются что-то нащупать на родной почве, на родной сцене Мариинского театра?

По поводу нашей мастерской ежегодной я считаю, что это потрясающий проект Мариинского театра, это огромная возможность для начинающих хореографов. И каждый раз мне очень приятно, что хореографы выстраиваются ко мне в очередь. Я уже даже дала себе такое обещание, что не могу согласиться участвовать у всех, поэтому кто первый ко мне подойдет — тому и дам согласие. И каждый раз есть надежда, что «а вдруг» это будет тот самый балет, который будет ассоциироваться с моим именем.

Единственное, что я спрашиваю у хореографов, какая будет музыка и какие будут костюмы, потому что для меня это имеет огромное значение. С другой стороны, иногда одолевают такие каверзные мысли: «А вдруг они обращаются ко мне потому что у меня есть определенный статус, и они понимают, что мое участие в их спектаклях — это как бы «беспроигрышный вариант». Но, с другой стороны, например, Юрий Смекалов говорит: «Ты рождена для балета». Конечно, это как мед в уши, я это слышу и мне очень приятно.

Недавно я согласилась выучить хореографию уже существующего балета Ильи Живого «Времена года», потому что каждый раз идя по нашему балетному коридору, я слышала в репетиционном зале музыку Макса Рихтера на знаменитую музыку «Времена года» Вивальди, и каждый раз мне хотелось остановиться и дослушать ее до конца. Внутри происходит восприятие очень близкое мне. Илья, конечно, поначалу уговаривал, а я говорила: «Ну не знаю, может быть... А когда? А что?» И Юрий Валерьевич (Фатеев — прим.ред.) сомневался: «Тебе это нужно? Ты хочешь в этом участвовать?», я говорю: «Да, я хочу, мне интересно». И вот так каждый раз я ищу себя, то здесь, то там. Это очень интересный опыт, и, вы знаете, когда сидишь на жесткой диете, всегда хочется съесть гамбургер. Поэтому я не могу танцевать только классику, мне интересно пробовать все. Долго танцуя классику, я начинаю скучать по современной хореографии, танцуя современную хореографию — начинаю скучать по классике. И я очень рада, что в Мариинском театре такой репертуар. Мне очень повезло, поэтому я очень счастлива.

Иннокентий Иванов (далее — И.И.): Виктория, почему в репертуаре, скажем, Мариинского театра практически нет современных сюжетных балетов? В Большом театре есть «Герой нашего времени», есть «Нуреев», что-то еще. Наши же хореографы, такое ощущение, что работают без либреттиста. В их балетах обычно нет сюжета, это набор красивых движений, поставленных под музыку.

Я боюсь, что это, к сожалению, те рамки, в которые загнали наших хореографов. У них, порой, не бывает такой возможности, потому что Валерий Абисалович решает этот вопрос, без его решения никогда не обходится... Бывает слишком дорогой бюджет, или права на музыку нужны какие-то, или нет нот, то есть хореограф, бывает, вкладывает свои финансы, чтобы премьера состоялась.

О.У.: Но при этом появляются большие восстановленные балеты или реконструкции, если можно так выразиться, трехъактные балеты Юрия Смекалова и «Медный всадник». Как Вы к реконструкциям относитесь? Только что состоялась премьера «Жизели» Ратманского на сцене Большого театра, привозили недавно «Коппелию» Пьера Лакотта… Собственно, «Пахита» — это, конечно, не реконструкция, это что-то в стиле Петипа, тем не менее, это исторические большие формы... Они более востребованы среди зрителей, на Ваш взгляд, чем новые?

Я знаю часть зрителей, которые ждут этого. То есть когда-то они видели эти спектакли и теперь просто руками и ногами за то, чтобы они вернулись. Хотя я вот, например, считаю, что балет «Жизель» не изжил себя, он будет во все времена актуален. Он прекрасен, он гениален, и, мне кажется, не было необходимости в том, чтобы его реконструировать, какие-то находить моменты, которые раньше были. Я не совсем за... То есть время поменялось, артисты поменялись, тяжелые костюмы, опять же, ограничивают наши движения. Мир балета изменился, скорости изменились, темпы, тела... То есть у балерин намного выше поднимаются ноги, они делают больше пируэтов, и, конечно, костюмы этому мешают. Обычно это какие-то корсетные лифы, в них даже дыхание сковывается, это совершенно другое, тяжелые пачки недаром ушли. Естественно, костюмы делают немного на современный лад, как-то их облегчают, но все же, мне кажется, нет ничего лучше «Баядерки» Чабукиани, которая буквально позавчера прошла. Вы знаете, когда этот спектакль снимали на DVD, руководство приняло такое решение: давайте в этом спектакле, так как костюмы уже как-то обветшали и выглядят не очень, возьмем костюмы из вихаревской «Баядерки». Я просто умоляла руководство: «Пожалуйста, можно я оставлю костюмы из старой версии!» То есть, мне кажется, к змее нет ничего лучше этого бордового костюма. Но тени... Мне пришлось надеть желтый из вихаревской «Баядерки», потому что кордебалет в таких костюмах танцует, и я не могу от них отличаться.

И.И.: Вы готовитесь к окончанию карьеры?

Нет! (смеется). Морально готовлюсь, и недавно Юрий Смекалов выложил в своем инстраграм пост о том, что 37 лет — это тот возраст, когда, в основном, балетные уходят на пенсию. И почему-то там была моя фотография (смеется) с его спектакля. И я так ему и прокомментировала, что хочется вообще не иметь возраста и танцевать вечно, но ваш организм за вас решит эту проблему.

Так же Виктория рассказала об одной из своих традиций.

Перед спектаклем, есть у меня такая традиция: я лежу на сцене звездой. Мне все говорят: «Зачем ты это делаешь?» Я как будто... энергетику беру со сцены.

Юлия Сумзина (Voci dell'Opera): Виктория, я хотела бы поблагодарить Вас за «Баядерку», абсолютное наслаждение видеть Вас на сцене, особенно в таких мощных спектаклях как «Баядерка» или «Лебединое озеро». Я хотела бы спросить, в первую очередь, в связи с тем, что наша встреча связана в том числе и с творчеством Михаила Фокина, и его эпохой, интересно ли Вам начало ХХ века, фокинское время, потому что многие балеты пошли оттуда. Как Вы относитесь к этому историческому периоду и какое время Вас вдохновляет?

Мои любимые эпохи… это Матильда Ксешинская, вот эти времена... а еще я обожаю царские времена, Екатерину II. Я очень много смотрела исторических фильмов на эту тему. Эти эпохи мне интересны, но я рада, что я живу в XXI веке, все-таки балет шагнул очень далеко вперед. И даже Майя Плисецкая говорила: «Сейчас танцуют лучше!» Но все равно в их танце что-то такое неуловимое присутствует, ты смотришь: и темпы другие, и позиции не такие аккуратные, но какая-то энергия, какая-то энергетика, что-то в них есть... Актерское мастерство другое, может быть, более гротесковое. Но сейчас, если бы мы танцевали так, я думаю, это выглядело бы странно.

Юлия Сумзина (Voci dell'Opera): И еще один вопрос. Мы видим, как Вы увлечены своей профессией, что для Вас означает «найти время для себя»? Для себя лично, вне профессии...

Мы сейчас все уже мамочки, вся наша гримерная, и я поняла, что у нас все разговоры о детях. Мы вспоминаем то время, когда мы были еще не мамами и говорили: «Ну что, куда сегодня вечером пойдем?» Теперь у нас нет времени вообще, мы даже не видимся. Иногда хочется посидеть компанией, но у всех свои дела. Это с одной стороны угнетает, но с другой, это такое счастье, что у нас есть другая жизнь. Если бы не было семьи, тогда все твое время занимает балет... и когда эта жизнь закончится, чем жить дальше? Я не знаю, станет ли моя дочь моим продолжением, станет ли она балериной. Мы сейчас ходим на художественную гимнастику, я вижу, что ей, как и мне в свое время, не нравится. Я бы, может быть, сдалась, но, вспоминая свой опыт, я же тоже не хотела. Но я думаю, что так случилось: вот тут педагог, тут характер и все совпало. Это судьба.

Фотографии и текст: Юлия Сумзина

====================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22331
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Фев 17, 2020 9:32 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020021704
Тема| Балет, Театр "Астана Опера", Персоналии, Раймондо Ребек
Автор| Наталья Курпякова
Заголовок| Ода Бетховену
Мировая премьера балета «Бетховен – Бессмертие – Любовь» состоялась в театре Astana Opera

Где опубликовано| © Республиканская газета «Казахстанская правда»
Дата публикации| 2020-02-17
Ссылка| https://www.kazpravda.kz/articles/view/oda-bethovenu
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Светящийся стеклянный рояль, «падающие» с высоты ноты, движущиеся портреты, 20 пар кордебалета, хор, участвующий в хореографических построениях… А в финале спектакля на сцену поднимается оркестр, где среди музыкантов оказывается сам Бетховен, олицетворяя вечное и вневременное значение своей музыки.

Автору либретто и хореографу-постановщику Раймондо Ребеку и артистам Astana Opera удалось сделать невозможное – показать музыку Бетховена. Но разве ранее не сам композитор совершил невероятное – писал музыку, лишившись слуха?

Гениальные музыкальные творения и трагедия личной жизни сделали Людвига ван Бетховена одним из самых исполняемых композиторов мира. В 2020-м множество проектов в разных странах будет посвящено его 250-летию. Astana Opera выбрал свой путь, создав эксклюзивное произведение – балет «Бетховен – Бессмертие – Любовь».

Постановщиками и артистами проделана огромная работа. Это и выбор музыкального материала: звучат сочинения Бетховена, Баха, Гайдна, Моцарта, а также немецкого автора Дитриха Хаубриха, написанные для этого балета. Дирижер-пос­тановщик – Абзал Мухитдин. Это и оригинальные, а порой буквально ослепительные сценографические и световые решения (автор концепции Йоко Сеяма), выдержанные в основном в черно-белой гамме – как фортепианная клавиатура, и порядка 300 эффектных костюмов (художник Роса Ана Чанза).

Художественный руководитель балетной труппы Astana Opera Алтынай Асылмуратова подчеркивает: очень важно иметь в репертуаре спектак­ли, созданные специально для свое­го театра, для своих артис­тов. Это большое событие, ответственное и вдохновляющее, которое запомнится каждому участнику постановочного процесса.

На премьерных спектаклях главные партии исполнили Бахтияр Адамжан и Далер Запаров (Бетховен), Айгерим Бекетаева и Марико Китамура (Бессмерт­ная Любовь), Олжас Маханбеталиев и Серик Накыспеков (Глухота), Асель Шайкенова и Гаухар Усина (Эвтерпа).

Масштабный спектакль, объе­динивший артистов балета, вокалистов (хор, движущийся «в унисон» с кордебалетом производит сильнейшее впечатление), музыкантов, в начале отсылает к эпохе классицизма, бесконечно трансформируется, обретая в итоге элементы современной мистерии. Постановка подарит неожиданные ассоциации и открытия как для подготовленной публики, так и для неофитов.

Аншлаг на премьерах и восторг публики позволяют утверждать, что балет «Бетховен – Бессмертие – Любовь» войдет в историю театра, современной культуры Казахстана и будет интересен международной театральной общественности. Увидеть такой красивый талант­ливый спектакль – настоящая удача для театрала.

Постановка осуществлена при поддержке Министерства культуры и спорта РК.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22331
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Фев 18, 2020 10:06 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020021801
Тема| Балет, Театр оперы и балета им. Абая, Персоналии, Досжан Табылды
Автор| Айгуль Омарова
Заголовок| Самый титулованный танцор Казахстана Досжан Табылды раскрыл тайну возвращения в большой балет
Где опубликовано| © Караван
Дата публикации| 2020-02-18
Ссылка| https://www.caravan.kz/gazeta/samyjj-titulovannyjj-tancor-kazakhstana-doszhan-tabyldy-raskryl-tajjnu-vozvrashheniya-v-bolshojj-balet-610020/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Самый титулованный танцовщик Казахстана вернулся в большой балет, теперь он солист Театра оперы и балета им. Абая в Алматы. А на днях Досжан Табылды презентовал свою книгу “Расправь свои крылья”, в которую вошли интервью разных лет.



Мы познакомились с Досжаном в 2014 году, говорили тогда о главной роли в его жизни – роли Спартака в одноименном балете Арама Хачатуряна. Он даже попал в Книгу рекордов Гиннесса как самый молодой ее исполнитель. А сегодня Табылды – один из самых признанных мастеров балета в Казахстане, лауреат и дипломант множества конкурсов. Успел потанцевать в Сеуле и Париже. Но в апреле 2017 года вдруг покинул сцену и создал в Алматы собственную школу танца.

Дисциплина и труд

– Досжан, не так давно в США признали труд танцовщика одной из самых тяжелых профессий в мире. Даже самой тяжелой. Это так?


– Да, это правда. Но это и самый красивый труд. Как говорили философы, мыслители: артисты балета, танцовщики – это атлеты от бога. Наша профессия связана не только с тяжелым трудом, но и той божественной красотой, которая дарится с помощью движения, с помощью посыла. То есть через тело говорит душа. И это всегда возвращает человека к истокам, истине, необъятному чувству любви, к той теплой энергии, состоянию именно божественному, которое присутствует в каждом человеке, важно только его пробудить. Балет – это гармония, которая рождается через движение тела и посылается во внешний мир. Я думаю, это самое важное – чтобы каждый человек не забывал про внутреннюю культуру и про свое внутреннее божественное “я”.

– А все же, почему тяжелый труд?

– Балет – физически сложный вид искусства, потому что человек изначально является существом очень ленивым и нужно суметь обуздать своего зверя. Репетиции по 8 часов в день, спектакли по 3 часа. Это очень тяжело. За одно выступление солист теряет до 2 килограммов веса. Но имеется и плюс. Каждый выход на сцену – такой выброс адреналина, что ни с чем не сравнить. Наша работа включает в себя как переживания, так и ответственность перед своим зрителем. И поэтому необходимо работать над собой постоянно, развиваться как личность. С этим не сравнится никакая другая профессия. Насколько сложно, настолько и прекрасно.

– Как вам удалось заставить себя начинать день со станка в репетиционном зале? Как 8–10-летним детям, поступающим в хореографическое училище, приучить себя к ежедневному труду, дисциплине?

– Это все благодаря нашим наставникам, например, Ольге Борисовне Шубладзе, моему первому педагогу! Они научили нас многому. С 10 лет у нас в порядке вещей было: с утра – тренинг, весь день репетиции плюс общеобразовательные предметы. Естественно, мы приходили домой в шесть-восемь часов вечера и просто валились с ног. Нагрузка с каждым годом увеличивалась.

Такой график сохраняется и в театре, куда ты попадаешь после окончания училища.

Для артиста балета, профессионала нельзя представить утро без тренинга. Каждое движение, каждое па – это всё записано, всё по канонам классического танца.

Понимаете, если сегодняшний мир скоротечен и подвержен влиянию моды, то балет держится на классике. Нет такого, чтобы сегодня работала одна рука, а завтра вторая. У нас всё в комплексе, всегда в гармонии души и тела. Работает каждая клеточка твоего организма.

С кличем “Аруах!”

– В казахстанском балете каждый год появляются новые имена. Если раньше мы знали только Рамазана Бапова и Булата Аюханова, то сейчас блистают Сержан Кауков, Дмитрий Сушков, Жандос Аубакиров, Бахтияр Адамжан и многие другие. Если раньше в этом списке были только мужчины, то сейчас появилась целая поросль танцовщиц. С чем это связано?


– Я думаю, это естественно, с учетом того, что наше хореографическое училище им. Селезнёва имеет прекрасных педагогов. Хочу отметить: многие его выпускники танцуют сегодня не только в Казахстане, но и за рубежом. Рамазан Саликович Бапов и Булат Газизович Аюханов – уникальные легендарные личности, которые сыграли огромную роль в становлении казахстанского балета. Они – лидеры, за которыми захотели идти другие.

Действительно, у нас сейчас выросла настоящая плеяда мощных молодых танцовщиков. И вполне объяснимо, почему в Казахстане развивался именно мужской танец. Я думаю, все зависит от среды обитания, это – воспитание.

Педагоги нас учили помнить, что, когда мужчина выходит на сцену, должна проявляться мужская энергетика, нас воспитывали как бойцов.

Или, если хотите, как барсов, степных волков. К слову, это генетически у нас заложено в крови, в сердце. То есть такая мощь батыров.

– Вы хотите сказать, что наш балет неразрывно связан с корнями, казахской землей, народом?

– Именно так. Нам подвластны все партии в балете, особенно героические, и это чувствуется. И на сегодня меня радует то, какой посыл для развития есть у молодых артистов балета. Подобных возможностей раньше не было: когда мы выезжали на Запад, нас никто не знал, ты один, вокруг тысячи людей, а тебе нужно выйти и за минуту показать, кем ты являешься. Но я всегда чувствовал за собой эту силу родной земли и ответственность перед родиной, всегда выходил на сцену с кличем “Аруах!” – невероятные ощущения!

Спартакиада

– Досжан, вы были в свое время одним из самых молодых танцовщиков мира, кому предложили исполнить партию Спартака. Один из самых выдающихся хореографов XX века Юрий Григорович, насколько я знаю, был очень доволен вами.


– Спасибо большое! Да, это все – правда. Мне было лет 10, и я помню уроки в маленьком 7-м зале в хореографическом училище. Ольга Борисовна мне еще тогда сказала: “Вот ты будешь Спартаком!”. Понимаете, интересно, как это все складывалось. На меня педагоги всегда смотрели, как на Спартака, другому, например, говорили: “Ты будешь Крассом”. А мне постоянно твердили про Спартака и сравнивали с Рамазаном Саликовичем Баповым.

В 20 лет, будучи солистом ГАТОБа, я приехал с Московского международного конкурса, где председательствовал в жюри Юрий Григорович, и был вторым казахстанцем, победившим на нем.

И услышал о том, что буду исполнять роль Спартака. Что осуществилось в 2005 году в спектакле, поставленном Зауром Райбаевым.

Позже, уже в 2014 году, в Астану приехал сам Юрий Григорович. Конечно, он решил поставить “Спартака” на столичной сцене. В его спектакле участвовали два состава артистов. В одном танцевал я, а во втором роль Спартака исполнял Бахтияр Адамжан, у которого сейчас все хорошо идет и за которого я всегда рад. Так что могу сказать, что участвовал в двух постановках “Спартака”.

АЛМАТЫ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22331
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Фев 18, 2020 10:32 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020021802
Тема| Балет, Фестиваль Context. Diana Vishneva, Персоналии, Диана Вишнева
Автор| Беседовала Анастасия Силкина
Заголовок| Диана Вишнева: каждый спектакль фестиваля Context уникален
Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2020-02-18
Ссылка| https://tass.ru/interviews/7778973
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Диана Вишнева
© Александр Куров


Народная артистка России, прима-балерина Мариинского театра Диана Вишнева дает старт уже восьмому ежегодному фестивалю современной хореографии Context. Diana Vishneva. Родившийся из желания обратить внимание на молодое поколение постановщиков, смотр вырос из трех дней до круглогодичного цикла, с разножанровыми спектаклями ведущих танцевальных трупп мира в афише, а также лекциями и мастер-классами. О программе самого продолжительного в истории фестиваля Context. Diana Vishneva, его точках роста и собственном возвращении на сцену артистка рассказала в интервью ТАСС.


— Диана, в афише фестиваля Context. Diana Vishneva — творческие команды из Канады, Израиля, Италии и представители Перми. Как происходит отбор участников?

— При каждой возможности я смотрю новые спектакли, когда бываю в том или ином городе на гастролях или путешествуя. Часто я специально езжу смотреть определенные постановки, которые кажутся мне наиболее интересными для фестиваля. Также и моя команда постоянно следит за международными премьерами и отечественными новинками, часто выезжает в города России и Европы, чтобы видеть спектакли живьем. После мы обмениваемся мнениями и уже принимаем решение о включении спектакля в программу. Сделать выбор не так просто: какую линию взять, как выстроить программу. Но план уже сформирован до 2022 года, и есть танцевальные компании, которые ждут своего времени, чтобы правильно вписаться в контекст.

Это очень тяжелый труд и в то же время невероятный творческий процесс. Ты приобретаешь контакты не просто профессиональные, а дружеские. Вот эти долгосрочные связи и закладываются в основу нашей программы. Творческие люди — очень чуткие, и когда они окружены не только организационным порядком и дисциплиной, но и любовью и знанием своего дела, то, конечно, они хотят возвращаться, продолжать сотрудничество, сотворчество.

— Будут ли премьеры?

— Конечно, международная программа вся — российские премьеры.

— Можете что-то выделить особенно?

— У нас получается так готовить программу, что каждый спектакль уникален. И это не просто громкие слова. Например, впервые в Россию приедет компания Кристал Пайт с русским "Ревизором", созданным на стыке танцевального жанра и драмы. Будет Охад Наарин, который выступает сам, еще и в новом для нашего фестиваля жанре спектакля-кабаре. Мы покажем небольшой бенефис Пермского театра, который в столицах очень любят, — спектакль "Шут" возобновляют специально для фестиваля, а "Шахерезаду" Москва и Петербург увидят впервые. У нас интересные молодые хореографы из Израиля и Италии: Эляль Дадон и Кристиана Морганти. Последняя долгие годы была артисткой в труппе Пины Бауш, о которой ее спектакль-лекция.

— Уверена, "Шахерезаду" зрители ждут, ведь она будет означать ваше возвращение на сцену Context. Diana Vishneva после декретного отпуска.

— Да, я очень рада вернуться и участвовать вновь не только как организатор и художественный руководитель, но и в качестве балерины. Буду танцевать "Шахерезаду" с новым партнером — Эваном МакКи.

Про сам спектакль я могла бы рассказывать бесконечно, настолько он произвел на меня сильное впечатление. Алексей Мирошниченко проделал огромную работу, чтобы оживить на сцене историю любви последних правителей Ирана — Мохаммеда и Фарах Пехлеви. И передать ее очень тонко, метафорично, с уважением к истории. Это масштабная, эпическая история, которая и сделана масштабно. Мы никого не изображаем, а стараемся соответствовать тому времени и тем людям таким, какими они были. Каждую сцену мы досконально разбирали и учили по несколько дней. В каждой много нюансов в плане мизансцен, переходов, связок, даже просто акцентов на взгляды, позы. Во всем этом очень интересно разбираться, искать себя, свою Фарах, при этом не забывая о документальных фактах.

Я очень рекомендую посмотреть этот спектакль. Ведь не так часто на театральной сцене можно увидеть настолько живые, по историческим меркам, сюжеты. А музыка Римского-Корсакова, возможно, как и мне, откроется вам с новой стороны. В ней уже не слышишь той достаточно жестокой, даже кровавой истории Шахерезады.

— Из биографий ряда великих артисток балета мы знаем, какой риск для карьеры они видели в создании семьи. Были ли у вас какие-то опасения?

— Не знаю, с чем это связано — или с моим логическим подходом во всем и всегда, или это такая прописная линия моей жизни, — но все случается вовремя. Я очень сознательно подходила к рождению ребенка. Возможно, я немного затянула с этим (Диана родила первенца Рудольфа в 41 год — прим. ТАСС), но в тот момент случился переходный этап в моей карьере: я закончила свою 13-летнюю историю сотрудничества с ABT (Американским театром балета — прим. ТАСС), немного поменялся мой репертуар в Мариинском театре. Что-то во мне созрело, переросло и, конечно, с ребенком возродилось. Сейчас все закольцевалось в гармонию семьи, профессии и роста как личности, создателя и организатора фестиваля. Ведь фестиваль — это тоже своего рода ребенок, которому уже восемь лет.

— Давайте поговорим о ваших фестивальных детях — молодых хореографах, которых вы находите благодаря конкурсу.

— С этого и задумывался фестиваль — обратить внимание на молодое поколение. Помочь им в развитии и реализации. Крупные театры хотят, чтобы к ним приходил уже сформировавшийся хореограф. Но так не бывает, молодому постановщику где-то нужно оттачивать мастерство, пробовать и набираться опыта. Все это возможно в камерном пространстве в формате лаборатории. Из этой мысли и родился наш конкурс. Причем в первые годы мы приглашали тех хореографов, которых знали лично. Спустя время мы пришли к формату конкурса с отбором заявок и жюри.

— Удается ли следить за их дальнейшей творческой судьбой, в чем-то помогать?

— Конечно. В последнее время все чаще видим их на афишах крупных театров, среди участников популярных телевизионных шоу на ведущих российских каналах. Я замечаю, как они выросли, вышли на совершенно иной уровень понимания себя в профессии, обрели свой почерк. Их точно уже нельзя назвать молодыми хореографами. Мы приглашаем их показать свои новые работы в рамках фестиваля. А некоторых из финалистов я приглашала создать постановки для открытия своей студии танца Studio Context в Петербурге.

Если говорить о помощи, то один их ярких примеров — финалист прошлого года Кирилл Радев, получивший стажировку, который пять лет прорывался на конкурс, и только к пятому году мы увидели его созревшим. Так что даже на этапе отбора заявок это не просто определение: кто-то лучше, кто-то хуже. Кому-то нужно время, и мы общаемся, даем советы. Наше сообщество постепенно растет. Это движение и образовательное: молодые хореографы посещают все мастер-классы, лекции, кинопоказы и спектакли в рамках фестиваля.

— Как артистка вы бы доверились им?

— Премьера новой версии "Петрушки" в Перми в 2017 году как раз была работой победителя первого конкурса — Владимира Варнавы. Сейчас он сделал уже немало постановок и в Мариинском театре, и на драматической сцене. В том числе работал с Ингеборгой Дапкунайте и Чулпан Хаматовой именно в драматических спектаклях.

— Обычно фестивали стараются ограничить каким-то временным периодом и географической локацией. Ваш же смотр разворачивается в двух городах и практически на протяжении года: старт приема заявок на конкурс хореографов в феврале, показы в июне-июле, а также в октябре. Почему так?

— Мы перешли на сезонный формат, чтобы легче получить те работы, которые хотели бы привезти и показать, но не опираясь при этом только на конкретную неделю или месяц, в который проходит фестиваль. В этом смысле график фестиваля стал гибче.

— Какой будет система продажи билетов? Смогут ли зрители в Москве или Петербурге приобрести абонемент на все показы в своем городе?

— В этом году мы решили не делать абонементов. Это связано с тем, что у программы фестиваля две части — летняя и осенняя, между которыми довольно большой разрыв.

Билеты на Context. Diana Vishneva, как и всегда, можно приобрести на официальном сайте contextfest.com. В этот раз будет три выпуска билетов в продажу. С 11 февраля стартовала первая часть, включающая все ценовые категории, на постановки основной программы фестиваля. Узнать о выпуске следующей можно, подписавшись на рассылку Context friends, или следить за новостями в социальных сетях фестиваля.

— Это будет уже восьмой по счету смотр. Остаются какие-то нереализованные идеи?

— Из трех дней фестиваль вырос до недели, из недели — в фестиваль двух городов. Потом это расширилось до месяца, и теперь уже круглогодичный проект. Если сказать, что все реализовано, то можно закрывать фестиваль. Есть огромное количество планов, и возможности растут: мы стали заметны, нас хотят видеть, в том числе в регионах. Все хотят коллаборировать: музеи хотят делать картины пластическими, "оживлять" их, хореографы хотят говорить, драматические актеры вливаются в хореографические спектакли… Фестиваль приобретает совершенно иной масштаб.

— Вы упомянули регионы. Есть ли мысли о расширении?

— Я думаю, что это ни к чему. Хореографическая база все равно стекается в центр — Москву и Петербург. В регионы мы выезжаем на гастроли с отдельными спектаклями Context.

— Диана, где зрители смогут вас увидеть вне фестиваля?

— В скором времени снова буду выступать в Париже с компанией Мориса Бежара в балете "Болеро". Исполнять это произведение — очень эксклюзивное право. После возвращаюсь в родной Мариинский театр, танцую одну из моих любимейших ролей — Анну Каренину хореографа Алексея Ратманского. Затем у меня выступления в Америке, где исполню хореографию Марты Грэм, после выступаю в Новосибирске на 75-летии театра оперы и балета вместе с одним из моих любимых партнеров Владимиром Малаховым, а также меня ждут в Японии, где выступлю с Орели Дюпон в постановке Охада Наарина. И уже будет подготовка к фестивалю и "Шахерезаде".
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22331
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Фев 18, 2020 2:54 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020021803
Тема| Балет, театр «Астана Опера», Персоналии, Алтынай Асылмуратова.
Автор| Дана Аменова
Заголовок| Разнообразие танца
Где опубликовано| © "Вечерняя Астана"
Дата публикации| 2020-02-03
Ссылка| http://vechastana.kz/raznoobrazie-tanca/
Аннотация| «Гала-балет»

Известные казахстанские танцовщики и восходящие звезды отечественного балета выступили в театре «Астана Опера» с долгожданной программой «Гала-балет».



Преданные поклонники с любопытством наблюдали за самобытными и оригинальными номерами, которые представили артисты театра «Астана Опера» и воспитанники Казахской национальной академии хореографии. Столичная публика по достоинству оценила лучшие шедевры классической и современной хореографии. Грандиозный вечер открылся дивертисментом из балета «Пахита» Минкуса и Дельдевеза в хореографии Петипа в исполнении заслуженного деятеля Казахстана Анель РУСТЕМОВОЙ и лауреата международных конкурсов Олжаса ТАРЛАНОВА. Второе отделение запомнилось балетоманам фрагментом из балета «Сильфида» Левенсхольда в хореографии Бурнонвиля в интерпретации Анастасии ЗАКЛИНСКОЙ, Данияра ЖУМАТАЕВА и артистов кордебалета. Программу продолжило романтическое па-де-де из балета «Пламя Парижа» Асафьева в хореографии Вайнонена в исполнении Азизы АЙМАКОВОЙ и Жансерика АХМЕТОВА. Украшением вечера стало оригинальное, колоритное сочинение Steppe Sons «Қорқыт» в национальной хореографии Садыковой, где блистали Еркежан ЖУНУСОВА и Султанбек ГУМАР. Также собственное профессиональное мастерство показали заслуженные деятели Казахстана Гаухар УСИНА и Таир ГАТАУОВ и лауреаты международных конкурсов Арман УРАЗОВ и Шугыла АДЕПХАН, погружая публику в волшебную атмосферу грации и изящества. По традиции завершили гала-балет знаменитые и востребованные во всем мире артисты, заслуженные деятели Казахстана Бахтияр АДАМЖАН и Айгерим БЕКЕТАЕВА, которые исполнили гран-па из балета «Дон Кихот» Минкуса в хореографии Петипа.



По словам художественного руководителя балетной труппы театра «Астана Опера» Алтынай АСЫЛМУРАТОВОЙ, дебютные сольные выступления особенно важны для молодых танцовщиков, находящихся в самом начале творческого пути.

— Это непрерывный процесс работы, в котором артисты учатся, очень много репетируют, оттачивают мастерство. В результате зрительские взгляды приковывают молодые таланты, яркая сценография и, конечно, замечательные костюмы, — сказала Алтынай Асылмуратова.

— В целом, гала-балет можно назвать полугодовым отчетным концертом для наших зрителей. Это отличная возможность показать свои способности на нашей исторической сцене. За семь лет артисты театра «Астана Опера» стали популярны не только в Казахстане, но и выступали по всему миру. Уверен, такие хореографические вечера будут проходить в других балетных кругах в качестве маленькой презентации будущего нашего театра и казахстанского балетного искусства, — сказал Бахтияр Адамжан.

Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22331
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Фев 18, 2020 4:36 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020021804
Тема| Балет, Музыкальный театр Карелии, Премьера, Персоналии, Кирилл Симонов
Автор| Наталья Гальцина
Заголовок| «Тщетная предосторожность». Явление третье
Где опубликовано| © интернет-журнал "Лицей"
Дата публикации| 2020-02-18
Ссылка| https://gazeta-licey.ru/culture/86219-tshhetnaya-predostorozhnost-yavlenie-trete
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Каждое новое поколение творцов создает свою эстетику, свой язык, наполняет произведения атмосферой современной жизни, которая проходит «здесь и сейчас», вокруг и внутри нас.

14 февраля на сцене Музыкального театра Карелии прошла премьера нового балета Кирилла Симонова «Тщетная предосторожность».

Вначале немного об истории балета на карельской сцене.

«Соперницы». 1956 год


Фото: Леонид Глинка

В самом начале формирования Музыкального театра Карелии трудно было представить, в каком направлении пойдет развитие балетной труппы, репертуар создавался спонтанно. Может быть, поэтому первым балетным спектаклем молодого театра был комический балет «Соперницы» на музыку «Тщетной предосторожности» Петера Гертеля. Балетмейстером стал приглашенный из Москвы Николай Холфин, который впервые этот спектакль поставил в 1933 году в Московском художественном балете под руководством Викторины Кригер.

В Петрозаводске премьера состоялась 3 марта 1956 года. Оформлял спектакль художник Владимир Петров, дирижировал Борис Пинский. Либретто было написано Холфиным совместно с Борисом Мордвиновым и Павлом Марковым «в стиле французской комедии, где соблюден известный принцип единства времени и места – все события совершаются в один день и в одном месте». Так писал в одной из первых рецензий на балет концертмейстер балетной труппы театра Григорий Цвибель.

В том варианте от либретто «Тщетной предосторожности» Доберваля (первого постановщика) остались только имена главных действующих лиц — Марцелины, Лизы, Колена и Мишо, Ален превращается в Никеза. И если в старинной «Тщетной предосторожности» Марцелину традиционно исполняет артист, то в «Соперницах» — артистка, но не балета, а оперетты — Валентина Карпова. Здесь авторы либретто ввели множество второстепенных действующих лиц (слуга Мишо, портниха, старуха и старик, гусар, богатая дама и ее муж, подруги Лизы-барышни), посредством которых закручивается и развивается сюжет.

В этом спектакле Холфин широко использовал все возможные в современном балете выразительные средства. Классический, характерный танец, гротеск, пантомима – всё было в творческой палитре балетмейстера. Наличие многочисленных дуэтов, вариаций и даже pas de deux Лизы-барышни и Колена в дивертисменте второго акта, позволяет определить стиль этого спектакля как классический комический балет.

Свою первую рецензию на партию Лизы-служанки получила Светлана Степанова, будущая ведущая солистка Карельского балета: «Чувства и переживания своей героини актриса убедительно раскрывает в танцах и игровых сценах. Хорошая техническая подготовленность и несомненное актерское дарование Степановой особенно ярко проявилось во втором акте, где она исполняет адажио, вариации, и в сцене перед зеркалом в третьем акте». (Гаврилов М., Лебедева И. //Ленинская правда, 20 марта 1956г.//)

Партия Колена также явилась первой большой партией начинающего Константина Ставского, впоследствии ставшего главным балетмейстером и создавшего «Эсмеральду» и «Бахчисарайский фонтан».

До конца 1956 года балет «Соперницы» выдержал 26 представлений.

«Тщетная предосторожность». 1975 год


Фото: Леонид Глинка

В истории Карельского балетного театра сезоны 1975/1976 и 1976/1977 были связаны с деятельностью ленинградского балетмейстера Юрия Иосифовича Громова, народного артиста России, профессора, педагога, искусствоведа.

Петрозаводская версия «Тщетной предосторожности» имела самостоятельное художественное значение, ибо отразила новые творческие идеи постановочного порядка и создавалась с учетом энергетики данной труппы, возможностей ее солистов и кордебалета. За основу Громов взял музыкальную редакцию и композицию Олега Виноградова, осуществленную им на сцене Ленинградского Малого театра оперы и балета в 1971 году. Но балетмейстер не стал копировать ленинградскую постановку, а сумел найти свое, во многом оригинальное и свежее хореографическое решение.

Репетиции продолжались непрерывно, вплоть до премьеры 30 января 1975 года. Сценическое оформление балета создал главный художник театра Андрей Шелковников, оркестром дирижировал Лев Ковалев. Этот комический балет начинался с пролога, в котором артисты в своих репетиционных халатах на глазах у публики разбирают костюмы своих персонажей, висящих на вешалках, которые стоят на просцениуме перед супер-занавесом.

После премьеры, в одном из интервью Громов говорил: «Хореография построена полностью на хореографическом арсенале, но классика преломлена в жанре комедии. Много гротеска, буффонады. Балет предельно сложен по технической насыщенности. Я решился ставить этот спектакль в Петрозаводске потому, что здесь есть крепкие солисты, опытные мастера, которые могут интересно и сложно работать — Светлана Губина, Юрий Сидоров, Наталья Гальцина, Владимир Мельников, Александр Калентьев. Самое главное, мы принципиально не хотели показывать технических трудностей балета. Зритель не должен их заметить».

Спектакль получился живой, увлекательный и современный. В рецензиях на «Тщетную предосторожность» писали: «Громов свободно пользуется современными хореографическими средствами, органично соединяет классический и характерный танец с пантомимой, искусно вплетает в танцевальную ткань элементы акробатики».

Балет был в репертуаре театра и представлялся на гастролях до апреля 1977 года, и прошел двадцать раз.

«Тщетная предосторожность». 2020 год


Фото: Виталий Голубев

И вот третий раз этот старинный балет обретает новую жизнь на нашей сцене, на этот раз в постановке Кирилла Симонова, художественного руководителя балета Карелии. Как всегда, хореограф ломает все стереотипы и идет своим путем, помещая героев «пейзанского» балета в Пансион мадам Марцелины, где ее дочь Лиза тоже учится вместе с другими девушками.

Действие происходит в коридорах пансиона, где за большими окнами виднеется роскошный горный пейзаж, искусно подсвеченный художником по свету Евгением Виноградовым, и пространство сцены, ограниченное стенами (кажется, что артистам не хватает места), за счет этого визуально расширяется. Радостная световая палитра сохраняется во время всего балета, что полностью соответствует и музыке и сюжету.

Зрителя сразу погружают в атмосферу праздника, несмотря на то что Марцелина, разыскивая Лизу, неожиданно для всех несколько раз громко выкрикивает ее имя (в современных балетах этот голосовой прием часто используют).

С первых тактов музыки сцену захватывает стихия классического танца. По словам постановщика, он никогда столько классики не ставил. Все привыкли, что балеты Симонова это прежде всего серьезные сюжеты, построенные на современной пластике, окрашенной индивидуальными чертами хореографа, уже вполне узнаваемыми. Но в «Тщетной предосторожности» разнообразие и насыщенность хореографическими идеями показывает, насколько полно Симонов владеет и классическим танцем.

И вот парадокс – насколько восприятие балета зависит от исполнителей. В первом спектакле главных героев Лизу и Колена танцевали гости из Москвы Алевтина Касаткина и Максим Павлов, в их профессионализме не приходится сомневаться, так как все многочисленные дуэты, вариации были исполнены «так, как надо». И казалось, что балет нашел своих героев… Но, посмотрев во второй премьере Юки Окоти и Матоя Араки, понимаешь, что это другой спектакль! Музыкальность с большой буквы отличает этих артистов, здесь стали очевидны и понятны хореографические мысли хореографа, акценты и нюансы! И самое главное в искусстве артиста – сценическое обаяние, которым в полной мере обладают Юки и Матоя.

Комические персонажи – Марцелина (Э. Демидов и А. Кузьмич), Мишо (П. Назаров, кстати, солист-вокалист) и его сын, придурковатый Ален (Д. Тарасов) успешно выполнили задачу постановщика привнести в балет элемент гротеска. Эдуард Демидов пластически более подвижен, зато А. Кузьмич – очень интеллигентен. А вариация, исполненная Д. Тарасовым, удивила и порадовала — танцовщик творчески и технически вырос.

Нельзя не упомянуть значение кордебалета в этом балете. Четкая отточенность и синхронность движений является главной чертой нашей труппы, что артисты демонстрируют в каждом спектакле театра. Конечно, это достигается огромной работой репетитора Алексея Зарицкого и каждого артиста в отдельности. Это особая часть балетного спектакля, без которой и балета нет! Здесь все эпизоды с участием кордебалета смотрятся легко и естественно.

Каждое новое поколение творцов создает свою эстетику, свой язык, наполняет произведения атмосферой современной жизни, которая проходит «здесь и сейчас», вокруг и внутри нас. Двадцать первый век резко поменял вектор развития искусства. Что было невозможно двадцать-тридцать лет назад, сейчас норма. Например: в балете — унитаз в туалетной комнате, возникает вопрос — зачем? Многих зрителей, привыкших к определенной эстетике в Театре, шокировала эта деталь, но… это право постановщиков.

Новая премьера показала, что балет Карелии развивается, движется в разных направлениях, становится цельным, важным сегментом репертуара театра. И все это благодаря таланту, работоспособности творческим исканиям художественного руководителя балета Кирилла Симонова.

============================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22331
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Фев 18, 2020 9:05 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020021805
Тема| Балет, НОУ, Персоналии, Наталия Мацак
Автор| корр.
Заголовок| Прима-балерина Нацоперы Наталия Мацак: "Профессиональный уровень балерины – это одна история, а медийность – совсем другая"
Где опубликовано| © Сегодня.Lifestyle
Дата публикации| 2020-02-18
Ссылка| https://www.segodnya.ua/lifestyle/showbiz/prima-balerina-nacopery-nataliya-macak-professionalnyy-uroven-baleriny-eto-odna-istoriya-a-mediynost-sovsem-drugaya-1403976.html
или https://twnews.es/ua-news/prima-balerina-natsopery-nataliia-matsak-professional-nyi-uroven-baleriny-eto-odna-istoriia-a-mediinost-sovsem-drugaia
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Артистка рассказала о первом гонораре, характере и отношениях с мужем

Балет – это магия. Он завораживает и оставляет след в душе каждого зрителя. Почитатели искусства несомненно мечтают заглянуть за кулисы и узнать личность артиста, который блестяще исполняет очередную партию на сцене. Сегодня.Lifestyle предлагают прикоснуться к прекрасному и познакомиться с Наталией Мацак – примой Нацоперы Украины.

Накануне столичной премьеры двух балетов "Шехеразада" и "Пахита" Наталия рассказала о сотрудничестве с именитыми танцовщиками, о том, как на свой первый гонорар купила стиральную машину и почему у нее дома нет весов.

Наталия, 22 февраля в Оперном театре вы вместе с премьером Нидерландского театра Константином Алленом впервые станцуете в Киеве сразу два балета – "Шехеразада" и "Пахита". Это не первый ваш тандем с Константином. Почему решили повторить?

Знаете, в Киеве танцевало много разных приглашенных нами артистов балета высокого уровня. Мне очень повезло, что довелось с ними сотрудничать, ведь это всегда обогащает твой профессиональный резерв. Но дуэт – особенный момент. Он может сложиться, а может – нет.

В прошлом году, когда мы танцевали вместе с Костей "Баядерку", у нас все сложилось. Случилась какая-то химия… Было удобно и комфортно работать на сцене, и получился результат, которого мы хотели добиться. Такой дуэт хочется продлить. И на днях это случится! Тем более Константин всегда мечтал станцевать "Шехеразаду". В Европе этот балет практически не показывают, считают, его спектаклем постсоветского пространства.


Артист балета Константин Аллен
Фото: пресс-служба


А что касается балета "Пахита"… Константин танцевал, правда, немного иную версию в Европе. А я буду танцевать его впервые в Украине. Это такой эксклюзив. Специально для этого вечера разрабатываются костюмы, украшения, аппликации…

Что будет особенного в этой постановке?

Особенность спектакля "Шехеразада" в том, что люди придут и погрузятся сразу в два совершенно разных стилистических мира. От аристократичной классики до горячего Востока. Многие люди, которые никогда не были на этом спектакле, воспринимают его как "Тысяча и одна ночь", но это немного другая история. Это не детский спектакль. Он перенасыщен эмоциями, яркими костюмами, эротическими сценами и большим количеством людей на сцене.

Первую партию Золотого раба, которую будет танцевать Константин, когда-то танцевал Вацлав Нижинский. Эта роль требует от артиста выйти за пределы классического балета. У мужчин крайне редко есть такого рода партии в балете, поэтому ее танцовщики очень любят и могут в ней показать пластику своего тела.

Кстати, у Константина очень интересный генофонд (смеется). Он рожден на Гавайях и когда танцевал "Баядерку", все думали, что это индийский танцовщик. На самом деле у него просто такая внешность, он высокого роста. Добавьте к этому технический набор, пластику... Для "Шехеразады" это важно, поскольку партия Золотого раба считается эталоном мужской красоты.

Наталия, вы не мечтали стать примой, при этом с четырех лет занимались танцами. Какую цель преследовали?

В четыре года цель не преследуют (смеется). В этом возрасте просто получают удовольствие и учатся чему-то новому. У меня были задатки, и меня отдали в хореографическое училище. К 14-15 годам понимаешь, что из этого может быть толк и тебе это нравится. И нравится настолько, что ты готов работать каждый день, а нагрузка, которая положена для достижения результата, тебя не пугает. Вот тогда это и приобретает смысл, появляются более серьезные задачи.

У меня был азарт, мне хотелось достичь чего-то, но я не ставила себе цели достигнуть статуса примы. Мне кажется, это естественно, если ты вкладываешь много сил в эту профессию, а потом достигаешь высоких результатов.


Балерина Наталия Мацак
Фото: пресс-служба


Однажды вы сказали, что звезды с мировым именем зачастую имеют сложный характер. Вы ведь тоже много гастролируете и определенно добились успеха, как можете описать собственный характер? Часто даете волю эмоциям?

Не иметь характера балерине, это странно (смеется). Я человек очень эмоциональный, стараюсь выпускать больше энергии на сцене, могу проявить ее, если мне будут мешать выполнять работу на том уровне, на котором, я считаю, она должна быть выполнена.

Когда говорят, что у артистов балета сложный характер, это смешно, ведь, чтобы добиться высоких результатов, ты не можешь быть без характера. Хороший человек – это не профессия. Одно дело добиться успеха, а другое – его удержать. Это совсем разные позиции.

Наши театры редко продвигают артистов за границу, несмотря на то что это лучший способ популяризации украинского балета. В чем причина? Нежелание "отдавать" своих звезд?

Если нет сотрудничества с театрами, то артист ставится в такую позицию, что он должен начинать с нуля. Когда едет Большой театр или Мариинский (это если говорить о постсоветском пространстве), то за них говорит прежде всего имя театра, и, конечно, это намного упрощает артистам задачу. Сначала люди слышат статус театра, а потом воспринимают артиста. И это не всегда бывает равноценно, но для многих европейских компаний принципиально важно.

С Украиной сейчас немного сложно, за нас не особенно кто-то договаривается, это больше индивидуальный путь. Этого очень не хватает, и это нужно восстановить, потому что это провоцирует утечку очень хороших артистов в другие страны. Люди не хотят оставаться неизвестными, хотят развиваться, получать разный репертуар, к которому здесь нет доступа. Выходит так, что ты можешь его получить, только если ездишь за границу.

Кстати, не все артисты, кто уехал от нас, могут потом удержаться там. Пока востребован и актуален как танцовщик, это одна жизнь, когда выходишь там на пенсию – другая. 95% людей не знают, где там работать и как зарабатывать деньги.

В общем, много спорных вещей, но если театр имеет серьезное имя и авторитетное давление в мире, это, конечно, для артистов открывает невероятный путь.

Всю себя вы посвящаете работе и редко бываете дома. Как муж реагирует на такой график и сложно ли сохранять взаимопонимание?

Для обычного человека это сложно, но мой муж – солист Национальной оперы Сергей Кривоконь, поэтому он всегда рядом. Он участвует во всех процессах, хотя у него есть свой репертуар.

Мы часто танцуем отдельно, и это лучше для семьи. Работать мужу и жене вместе бывает достаточно сложно. Мы практически всегда рядом, за исключением того, когда кто-то из нас ездит на гастроли. Так было в этом сезоне. Муж был в Швейцарии, я – в Голландии. Мы встретились в Париже, отработали гастроли, потом снова разъехались и встретились уже в Киеве.


Наталия Мацак с мужем Сергеем Кривоконь
Фото: пресс-служба


Часто готовите дома? Или же у вас есть помощник, который поддерживает порядок и отвечает за кухню?

Мы редко готовим и едим дома. Помощники есть, иногда помогают. Хорошо это или плохо – не знаю. Но сейчас такое время, когда можно везде спокойно перекусить.

Удается ли придерживаться правильного режима питания при таком ритме? В чем стараетесь себя ограничивать?

За время балетной карьеры мое питание менялось и корректировалось много раз. Все зависит от нагрузки и состояния организма. Я придерживаюсь простого и легкого питания, стараюсь понимать, что ем. Употребляю пищу небольшими порциями и не смешиваю сладкое и соленое. Сейчас это очень актуально. Многие этим увлекаются. И это правильно!

При таких нагрузках организм должен быстро переваривать пищу, которую ты туда положил. Больше белка, салатов, мяса, рыбы. Очень мало сладкого. Не потому, что я себя ограничиваю. Я люблю иногда съесть мои любимые конфеты – инжир в черном шоколаде, но это бывает в маленьких количествах и только для вкуса.

Какие ваши параметры на данный момент? Довольны своим весом или стремитесь к определенной отметке?

Я честно скажу, даже не знаю своего веса. У меня дома нет весов. В последний раз взвешивалась летом прошлого года. Если ты хорошо выглядишь, у тебя хорошая форма, не так важно, сколько ты весишь. Ты в принципе не можешь много весить, если ты худой (смеется). Я на себе вижу каждые 100 граммов, если они появляются и исчезают. Единственный твой корректор – это зеркало.

Но бывают балерины, которые говорят: "Я взвешиваюсь и знаю, что вешу 50 килограммов". А ты смотришь на нее и понимаешь: ну не может там быть 50 килограммов, там гораздо больше.

За свою многолетнюю карьеру вы выступали на многих престижных сценах. Какая публика и чем наиболее запомнилась?

Не могу выбрать что-то одно. Учитывая, что в этом году в театре – мой двадцатый сезон, вспомнить абсолютно все гастроли невозможно. Было так много всего.

Значимой частью жизни стал Париж. Много спектаклей танцевали в этом городе на разных сценах с партнерами разного уровня. Были с гастролями в Лондоне, где танцевали с премьерами Мариинского театра "Баядерку" и "Лебединое озеро". И это очень ответственно.

Вспоминаю Корею. Это были потрясающие гастроли, с теплой публикой. Какая-то особенная страна, с определенным отношением.

Однажды был момент, когда я была на гастролях два месяца, это было слишком. А потом мы ездили с театром в Японию. Но осталось много впечатлений. В таких поездках ты можешь совместить работу и отдых, что очень редко бывает. В основном артисты балета ничего не успевают посмотреть на гастролях. Ты можешь объездить весь мир, а потом назвать считанные города, в которых ты мог куда-то сходить и что-то увидеть.

Назовите свой самый большой гонорар за всю карьеру.

Я помню мою первую зарплату в театре. Она была 300 гривен. В 2000 году это казалось космосом для ребенка после училища. Через полгода она выросла. Но тогда… В училище ты не располагал своими средствами, и вдруг тебе платят столько… После первых своих гастролей я получила гонорар и купила стиральную машину (смеется). Дальше запросы и гонорары растут, у тебя другие задачи и расходы, и это становится нормой. Но первые деньги, на которые ты можешь купить стиральную машину, становятся событием.

Наталия, вы являетесь примой Национальной оперы Украины, наравне с Екатериной Кухар. В то же время за последние годы Екатерина стала не только самой известной представительницей Нацоперы, но и является одной из популярных представителей украинского шоу-бизнеса. Изменилось ли после этого отношение коллег к Екатерине?

Катерина – моя одноклассница, мы вместе учились… Знаете, мне кажется, что статус, который есть у балерины в театре, и ее профессиональный уровень – это одна история, а медийность – совсем другая. И это нужно понимать! В театре много прим, любую балерину, которая один раз вышла в балете, уже называют примой, но так не может быть. Для примы нужно иметь большой репертуар. И это еще совсем не значит, что если ты выходишь в медийность, ты ошеломителен в театре.

Какая цель на данный момент в профессии и какой видите себя через 10 лет?

Моя цель – разобраться в том, как я могу свой опыт максимально эффективно трансформировать в дальнейшем – в театре или за его пределами. Можно делать много вещей, но хочется делать то, в чем ты лучший. Опыт большой и жизнь давала возможность пробовать себя в разных проявлениях этой профессии, хочется все это оформить во что-то правильное и долгосрочное. Сейчас мы с мужем над этим работаем. Когда я определюсь, думаю, мы это представим.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22331
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Фев 18, 2020 9:58 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020021806
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Мария Александрова, Владислав Лантратов
Автор| Беседовала Полина Павлович и Ольга Хайкина
Заголовок| Мария Александрова и Владислав Лантратов: «Любовь спасет мир»
Где опубликовано| © LOCALDRAMAQUEEN
Дата публикации| 2020-02-18
Ссылка| http://localdramaqueen.moscow/2020/02/interview-m-alexandrova-v-lantratov/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Эти такие знакомые всем нам слова произнесла в завершение нашего невероятно искреннего и очень душевного разговора удивительная женщина, выдающаяся балерина и невероятной силы человек – Мария Александрова. Её партнёр на сцене и в жизни – премьер Большого театра Владислав Лантратов к этому моменту нашего интервью уже убежал – его ждали на репетиции, но мы все же успели поговорить о многих волнующих поклонников вопросах.

Мария и Владислав, как нам кажется, – воплощение большого стиля в танце и большой любви в жизни, абсолютно уникальные артисты балета по разным причинам, одна из которых – их удивительная сила и воля, вера в себя и жажда танца, которые смогли сделать невероятное – в этом году оба танцовщика вернулись на сцену после тяжелейшей травмы.


Предлагаю начать с инфоповода, хотя это, наверное, очень официально. Но инфоповод большой, веский и приятный – выступление Марии и Влада в Лондоне через несколько дней (беседа с героями состоялась в конце января, накануне ежегодного гала-концерта Ballet Icons Gala в лондонском театре Coliseum, где Мария и Владислав исполнили дуэт из «Кармен-Сюиты» – здесь и далее прим. ред. LDQ). С какими ощущениями – в большей степени человеческими, а не артистическими – вы подходите к этому событию?

ВЛ:
Для нас это первый совместный выход на сцену после травмы, а для Марии – вообще первый выход. Поэтому ощущения соответствующие… Но во мне все равно как-то живет уверенность, что все это состоится, состоится на том уровне, на котором должно быть, без всяких скидок. Да, Мария?

МА: У меня, конечно, совсем другая буря эмоций!

ВЛ: Маша просто не видит себя со стороны, поэтому, конечно, внутри много сложных мыслей, сомнений. Это понятно.

А ты можешь на себя со стороны посмотреть?

ВЛ:
Думаю, просто я сделал уже этот шаг, первый после травмы. Уже было несколько спектаклей в Большом театре. Конечно, я вижу, как работает Маша. У нее все в порядке, и она готова! Остается только сделать этот шаг.

МА: Остается довериться тому, что говорит Влад, и действительно сделать этот шаг. Но эмоций много, слишком много. Наверное, потому, что я пока не получила ответ на очень важный вопрос. Я понимаю, что травма случилась, к этому нельзя быть готовым, но, как правило, травма приносит в жизнь некие вопросы или ответы на них. И пока я не нашла ни один ответ на вопрос, зачем мне это было нужно. Я так до сих пор и не понимаю, зачем мне нужна была травма второй раз. Поэтому этот путь, возвращение, был для меня довольно трудным и мучительным. Радует, что не таким долгим, каким мог бы быть, но ответов я пока не получила. С другой стороны, этот момент очень эмоциональный для меня еще и потому, что Лондон и именно театр Coliseum, одна из любимейших сцен.

И один из любимых городов, так ведь?

МА:
Безусловно. И кстати, моя любовь к нему тоже шла трудным путем! Я долго не любила этот город, не понимала его, он меня даже раздражал. Что там всегда было – это огромное количество работы и адский график. А потом вдруг наступил период, когда я с удовольствием ехала, у меня появились какие-то любимые места… И наконец третий этап – когда этот город мне открыл Влад, а он его изначально любил. И с тех пор я просто смаковала каждый приезд. И вот я возвращаюсь на сцену именно там.

Я знаю, что и в Лондоне этого очень ждут, очень много людей поддерживают, чувствую тепло оттуда.

Ты заговорила про поддержку, насколько она важна? Потому что много про это написано, сказано. Есть энергия зала, есть разный зритель: мы, зрители, это чувствуем, что иногда действительно зал воодушевленный и, например, «Кармен-сюита», которая уже прошла у Влада, она действительно была такая абсолютно волшебная и в зале в том числе. Насколько важна поддержка публики или ты все-таки находишься в неком вакууме? Творчество – это творчество внутри, и оно само по себе, а зритель – он просто сам зритель?

ВЛ:
Все по-разному… В какой-то момент для тебя важно, как зал сегодня был с тобой, поддерживал, реагировал ли на тебя. Бывают и такие «замкнутые» вечера, когда ты сосредоточен только на себе, на спектакле и не реагируешь ни на что. Только в своем мире остаешься.

МА: Я могу сказать, что это одни из самых сложных отношений в моей жизни – отношения с залом. Сначала, будучи в школе, я вообще не понимала, что это та живая стена, ради которой все происходит. Это нормально: ты еще не владеешь профессией, ты ее не знаешь, ты не знаешь себя. И только когда ты приходишь в театр, эта стена становится активной. Тебя судят уже совершенно по-другому, с другими критериями. И вот тут начинается взаимоотношение с этой материей, с этим организмом – и дальше уже различные эпитеты прикладываются: живым, мертвым, тяжелым, холодным, отстраненным, опаздывающим, скучающим, вовлекающимся… И дальше меняющимся по мере того, как развивается твой навык, твоя привычка чувствовать этот организм.

Я пришла в Большой театр, когда, например, отношения с клакерами были очень плотными, это была часть жизни. И я была одной из тех, кто сказал, что мне в Москве этого не надо: я часто уезжаю на гастроли и понимаю, что я владею залом, там учусь с ним работать непосредственно. И я в Москве выходила в зал «один на один». Да, опасаясь, что бросят веник, да, боялась, но это не важно – это были мои отношения с залом напрямую. Именно поэтому я научилась быть в контакте, в диалоге с залом. И серьезно относилась к себе, не заискивала с публикой, а все-таки себя мобилизовала, выкладывала настолько, чтобы по-честному вовлечь, заинтересовать зрителя. Я не хочу впустую проводить время на сцене. Если это будет интересно мне, то будет интересно и артистам, которые рядом, и моим партнерам, и людям в зале, и оркестрантам, и дирижеру будет интересно. Из этого создавалось мое отношение к зрителю.

Интересно, учитывая твой путь, когда примерно появилось это осознание?

Не скажу, что это раз! – и появилось. Это складывалось из наблюдений, вещей, которые я не могла себе объяснить. Например, артисты танцуют очень хорошо, но их оставляют по чьей-то воле без должного внимания. Или я понимала, что артист танцует плохо, а внимание чрезмерно раздуто. Для меня правдивость очень важна, из этой правдивости складывается правильное отношение к себе и вообще этика и эстетика этой жизни. Я не люблю, когда понимаю, что границы добра и зла смещаются, искажаются, когда базовые человеческие ценности выворачиваются наизнанку. Во мне тогда просыпается революционерка, которая может свернуть горы.

Влад, а тебя что подталкивает горы сворачивать?

МА:
Ну вот вчера как свернул гору трехактного спектакля! (Владислав накануне станцевал «Дон Кихот» в Большом театре)

ВЛ (после паузы): То, что происходит в моей жизни сейчас – я не думаю об этом в категориях сворачивания гор… Сейчас у меня была поступательная работа, от задачи к задаче. Работал над определенными вещами, от одного движения к другому, шел-шел очень конкретными шагами…

МА: У Влада есть качество, которое меня, например, просто поражает, – это невероятное ощущение точки опоры в этом мире! Это когда и ты можешь воспользоваться этой системой координат, опереться на него!

ВЛ: Я сейчас задумался – откуда, почему это… Наверное, так я чувствую гармонию: мне важно, чтобы мой мир был упорядочен – чтобы все было по полочкам, все было устроено так, как нужно мне, моему педагогу, Маше. И пусть вокруг хаос, я не должен на это обращать внимание!

МА: А для меня, человека эмоционального, когда мир вокруг словно с горы несется куда-то, очень важно повернуть голову, взять его за руку и понять, что все хорошо.

Любовь и взаимная поддержка на сцене, та самая «химия», является ли она ведущей силой из вашей личной жизни или, когда вы вместе на сцене, работает что-то другое, исключительно профессиональное?

МА:
Мне кажется это вообще основная вещь, что мы позволяем друг другу любить в этот момент. Все зиждется на каком-то невероятном доверии и любви друг к другу. И на колоссальной ответственности, каждый из нас не хочет подвести, быть хуже в глазах визави.

Влад, а для тебя?

ВЛ:
Это был длинный путь – к тому, какие мы сейчас на сцене. Этот путь начинался от профессии. Маша взяла меня к себе на репетиции, вводила в некоторые спектакли – по сути, выстраивала фундамент профессиональный, а мне нужно было взять «ее» высоту. Первые спектакли совместные – «Светлый ручей», «Дон Кихот», а «Пламенем Парижа» открывали гастроли в Гранд-Опера. И потом это переродилось в отношения, в любовь, в то, что мы сейчас переживаем, и в то, что вы видите и чувствуете. Так что это был длинный и счастливый путь.

МА: Когда мы только начали готовить с Владом «Дон Кихот», это был 2011 год, у меня случился разговор с моим педагогом, Татьяной Николаевной Голиковой. Вот мы репетируем, и что-то у нас не получалось. Когда ты готовишь спектакль – это нормально, это процесс. Главное – ты видишь, что человек хочет, слышит и делает все, и даже если не получается, он костьми ложится. Ничто не бесит так сильно, чем когда ты видишь, что ты вкладываешь душу больше, чем человек рядом, и все уходит как в вату. Меня купило то, как Влад работал. Нужно десять раз – отработал, пятнадцать – пятнадцать! Как Влад горел! И была какая-то совсем неудачная репетиция, не получалось ничего. И Татьяна Николаевна мне в раздевалке говорит: «Маш, я вот не понимаю, зачем тебе это надо…». Я говорю: «Ну как, Татьяна Николаевна, Вы посмотрите, с какой отдачей человек работает». И все, против этого ты ничего не скажешь, потому что и со мной она пережила такой же момент, когда она меня только взяла и тоже не очень понимала, кто это, что это.

Получается, что вот эта огромная взаимная отдача даёт хорошему, большому артисту ощущение правды, и это то зерно, которое есть. Мне кажется, что ещё необходима некая интеллектуальная содержательность. От драматического актера автоматически ждёшь, что когда у него «Три сестры», от Чехова он никуда не уйдёт. Насколько важна интеллектуальная составляющая балетного артиста, если он выходит вроде бы танцевать всем известную сказку о Золушке?

МА:
Конечно, интеллект – это что-то врожденное. Но саморазвитие никто не отменял. Для меня странно, если человек нелюбопытен, невнимателен, не способен учиться, особенно сейчас, когда вокруг столько возможностей и любая информация близко. Даже зайдя сюда в «Мастерскую» (Интервью проходило в школе Masterskaya Art School), ты считываешь информацию: какие краски, какие техники, как глаз это все воспринимает, какие возникают эмоции. Когда я вижу неэмоциональных, нелюбопытных людей в нашей профессии, у меня это вызывает вопрос – пригоден или нет. Меня научили мерить большими стандартами, критериями.

ВЛ: Самое страшное, что все видно на сцене: кто ты, пусто ли там, ветер у тебя в голове свистит – или же ты наполнен, знаешь, кем ты выходишь, зачем ты выходишь, для чего ты выходишь. Вот если человек вообще не прочитал ничего, ничего не посмотрел, ничего даже не попытался почувствовать – это все видно! Да и неудобно становится, если ты видишь такое на сцене. Невольно глаз опускается, отводится. Это не стыд, но какое-то неудобство, неловкость.

Ещё неоднозначный вопрос: какой балетный театр есть сейчас и здесь для вас? Какие есть ощущения, о том, какое оно будущее – и ваше в театре – и театра вообще в это сумбурное время?

МА:
Я думаю, что сейчас одна из самых больших проблем заключается в том, что вроде бы все индивидуалисты, но Личности, которая бы сдвигала большое что-то, – ее нет. Либо она не доходит, потому что у нее просто не хватает сил, система сжирает, слишком много времени нужно тратить, слишком много сил… Это ужасающе для любой формы искусства, что мы на нее смотрим через призму бизнеса. Это для искусства как такового чудовищно, потому что суть человека-творца – она в другом.

Ты сама переходишь к самому на мой взгляд сложному, даже неприятному вопросу, который заключается в том, что же это такое — настоящее творчество, и есть ли ощущение свободного, чистого и независимого творчества?

МА:
Дело в том, что в нашей профессии твоя основная несвобода заключается в том, что это колоссальная дисциплина. Ты должен встать всегда вовремя, ты должен быть готов к классу, после этого должен быть готов к репетиции, и после репетиции готов пойти на другую репетицию к хореографу. Ты должен быть в состоянии вечной дисциплины, твое тело должно быть умнее, чем твой мозг. Дальше – ты связан волей педагога, волей хореографа, волей руководителя, волей обстоятельств, которые так или иначе у тебя ещё большую жизненную энергию отбирают. И при этом ты еще находишься в постоянном поиске самого себя, своей индивидуальности. У нас ведь есть ещё спектакли, которые переходят из поколения в поколение, и твоя задача внести какую-то интерпретацию. И здесь получается самое интересное: постоянный поиск – это тоже своего рода железная дисциплина, только другого уровня, внутреннего, духовного, эмоционального.

Влад, ты молчишь – сложный вопрос?

ВЛ:
Вообще… без авантюры никуда! Это может спасти даже какой-то тугой, неподъемный проект. Надо начать импровизировать, попробовать внести от себя эту долю авантюры, и вот уже ты какую-то вибрацию получил, пошло-пошло, и главное в этот момент оказаться в зале с партнером, с хореографом, с педагогом. Тогда, через эту энергию может что-то возникнуть, что-то настоящее.

Вам удалось бывать в разных странах, есть ли какое-то отличие, будь то образование, будь то такт и понимание материала у публики, с которой вы встретились на гастролях?

ВЛ:
Есть, конечно! Сразу вспоминаются японцы, французы, американцы – это самые характерные примеры… Американцам показывай технику, эффекты, живые эмоции, нерв – это их впечатляет, это им нужно.

МА: Но их и легко обмануть этими эффектами, мне кажется.

ВЛ: Японцы любят нюансы, они видят все, на все обращают внимание! Кому-то понравилось, какая у тебя сегодня была причёска, кому-то – какой-то нюанс в танце, они очень трогательные и благодарные. Они всегда прекрасно принимают, но никогда не кричат «браво», только аплодируют. Всегда ждут после спектаклей на служебном входе, иногда кажется, что всем залом! И там уже кричат.

Французы – более изысканные во всем и более требовательные к чистоте, к той же технике, к внешнему виду, ко всему. Самые сложные, мне кажется, зрители.

МА: Самые сложные – в России! Потому что, несмотря на то, что балет – это наша национальная слава и гордость, восприятие за последние десятилетия стало очень искаженным. Если у тебя нет телевизионной «короны», то тебя могут просто не заметить, каким бы глубоким артистом ты ни был. К сожалению, это данность. Вообще, в сознании подавляющего большинства населения существует только одна балерина в XXI веке. И это при том значении, какое имеет в нашей стране балет, артист балета. Мы ведь едва ли не единственная страна, где это узаконенная профессия, другие еще могут поспорить, что это не профессия, забывая разницу между терминами – танцовщик и танцор. Если вот мне скажут «танцор» – я всегда поправляю. Танцовщик – это человек, обладающий академическим образованием.

Мы живем в мире, где каждый жаждет высказаться. Есть ли для вас сегодня авторитетное мнение, к которому готовы прислушаться?

МА:
Да, безусловно! Во-первых, я обожаю наше старшее поколение. Они все-таки видели очень много, и если мы проходим какие-то круги в нашем профессиональном мире в первый, второй, третий раз – поверьте мне, они это все переживают уже по десятому кругу. И если мы, допустим, говорим о каком-то падении уровня, критериев, то я наблюдаю падение 20 лет – а они наблюдают это всю свою жизнь! И этот опыт, эти знания, эти кровь и слезы, и это счастье – все то, что в них накоплено – нет ничего более ценного. Если ты можешь к этому прикоснуться – это самое большое.

Какое-то авторитетное мнение есть среди круга, который может оценить результат работы над спектаклем?

МА:
Да!

Это педагог?

МА:
В первую очередь, это Влад.

ВЛ: Я не авторитет вообще!

МА: Для меня – авторитет! Конечно, есть моменты, когда я понимаю, что он может мне соврать, но это так мило! Для меня таким авторитетом была Татьяна Николаевна Голикова, у меня есть Валерий Степанович Лагунов (педагог Владислава в Большом театре), есть окружение Влада, с которым я всегда могу посоветоваться. Конечно, принимать решение буду я…

Потому что, если ты принимаешь решение – это и твоя ответственность?

МА:
Да, конечно. Но, тем не менее, есть гораздо моложе меня люди, я понимаю, что они сейчас искренние, и я понимаю, что от молодости можно взять – искренность и энергию. Любая искренность обладает энергетическим посылом, это уже ценно.

Влад, а для тебя кто обладает авторитетным мнением?

ВЛ:
Конечно это моя семья, это мои педагоги, люди, которым я доверяю, друзья. И мне повезло, что это не один-два человека, это мое счастье! Если бы их не было, я не представляю вообще, где бы я был и кем бы был. Есть какие-то базовые принципы, которые пришли из детства, и возможно, которые я понял, уже работая в театре…

МА: У тебя есть выработанные критерии отношения к жизни, к работе, к отношениям – наверное, это от мамы все-таки, которую я, к сожалению, не знала (мама Владислава – балерина, заслуженная артистка России Инна Лещинская). Но люди, которые ее знали, все говорят о ней в превосходных степенях, с огромной любовью и уважением. То, как мальчики (у Владислава есть старший брат, заслуженный артист России Антон Лещинский, педагог-балетмейстер театра «Ленком», кандидат искусствоведения, профессор, преподаватель ГИТИСа и ВТУ им. Щепкина) трогательно держат память о маме – это, конечно, очень дорого в наше время.

ВЛ: Конечно, театр – сложный организм, иногда приходится идти на какие-то компромиссы – это, конечно же, рубцуется внутри тебя, дает о себе знать, но все равно есть свои рельсы.

… А по этим рельсам всё и движется. Но вдоль любого пути всегда обочина, а на обочине – масса мнений, зачастую мнения непрошенные. Насколько вы ранимы к критике обывателя?

ВЛ: В молодости я обращал на это внимание, расстраивался, думал об этом, меня это беспокоило. Наверное, нормально для начинающего. Сейчас – нет, не трогает, у меня есть свое дело, свой путь. И если есть, за что покритиковать в профессии – я сам это вижу и знаю.

МА: Есть еще вот что: ты быстро понимаешь, кем сказано, почему сказано, и это не трогает. Есть знание, приобретенный опыт, которые помогают что-то отсеивать.

Вы оба активны в социальных сетях, у вас достаточно много подписчиков. Вы как-то определяете для себя ведение профиля в инстаграме?

ВЛ:
Не думал, но для меня страшно, если это превращается в работу или подменяет собой жизнь. Для меня это прямо кошмар, когда я вижу, как люди по несколько раз в день делают посты, расписывают что-то, «сториз» постоянные из жизни… Я так не могу, я этим не живу. Для чего мне страничка в том же самом инстаграме? Просто поделиться чем-то из своей жизни, что сегодня такой-то этап пройден. Но и важная вещь – это коммуникация с профессиональным миром, с коллегами.

А коммуникация с поклонниками?

ВЛ:
Системы в этом нет, есть изнутри посыл: да, вот сейчас я хочу чем-то поделиться. И еще раз повторю: страшно, если это превращается в работу.

Твоя работа другая

ВЛ:
Моя жизнь другая, не хочу, чтобы она превращалась в роман с телефоном! Знаете, бедные дети, которые еще не выпустились из Академии, а уже имеют огромное количество подписчиков… Не знаю, во что это может вылиться. Я говорю сейчас про совсем юных девочек и мальчиков: кто ты в настоящей жизни – ты знаешь? Ты понимаешь? Чего ты добился? Если на тебя посмотреть на сцене – ты кто? что у тебя внутри?..

МА: Я могу объяснить, почему у меня инстаграм. У меня это конкретная работа над собой, потому что я все-таки асоциальный тип. Мне не нужно общаться с огромным количеством людей, быть в постоянном потоке, чтобы считать информацию – нет, мне достаточно выйти молча на какую-то знакомую мне точку пересечения и понять, что сейчас изменилось в пространстве, в мире, в людях. Я это очень быстро понимаю, и я понимаю сразу, чего мне опасаться. Для меня инстаграм – это все-таки не инструмент, а свойство самой материи окружающего мира. Я стараюсь открываться, правда, ровно настолько, насколько я могу себе не то, чтобы позволить, а насколько у меня хватает на это внимания. Потому что все-таки надо потратить время, снять что-то, откадрировать, написать, запостить, а оно почему-то не опубликовалось, ну и так далее. Я за время уже 32 фуэте сделаю и пять раз повторю!

Влад, ты уходишь на репетицию. А мы говорим тебе большое спасибо за эту авантюру! Спасибо большое и удачи!

ВЛ:
Вам спасибо! Пойду быть Воландом! (Большой театр готовит постановку балета «Мастер и Маргарита»)

МА: С точки зрения того, что я стала фрилансером, думаю, мне в какой-то мере соцсети сейчас пригодятся. И я, если что, позвольте, буду с вами советоваться.

Как же это приятно, мы будем искренне рады содействовать! А инстаграм – это единственная соцсеть?

МА:
У меня есть фейсбук, но я там выставляю только фотографии. Вот что-то меня зацепило, собирали грибы, например, белые, очень это было красиво, я могла выставить 30 фотографий белых.

В информационном пространстве часто встречаются критические замечания после просмотра спектакля. Балет — это все же элитарное искусство, для которого нужен определенный бэкграунд, чтобы суметь оформить в нужные слова все мысли. Однако псевдо-критики не стремятся скрывать незнание. Не обидно ли читать подобные критические заметки после всех приложенных усилий?

МА:
Но мы можем остановить эту лавину?

Мы, наверное, нет. Но должны поменять своё отношение к ней?

МА:
Безусловно. Мы не можем остановить смену дня и ночи, мы должны выработать какое-то определённое к этому отношение и как-то понять, как иметь с этим дело, успеть до ночи вернуться или поставить фонари на улице, ну и так далее. Какие в этом есть преимущества? Ты быстро понимаешь, кого ты читаешь, ты быстро понимаешь уровень образования, степень глубины познания, образ мышления, в этом есть плюс. Есть минус – если вдруг человек амбициозный, если вдруг он посчитал, что он может на этом зарабатывать деньги, то тут, на мой взгляд, уже возникают этическая и эстетическая ответственность.

Все чаще стала замечать, что артисты делают перепосты подписчиков после выступлений, все же “виртуальные аплодисменты” импонируют?

МА:
Безусловно, это приятная награда, такая же как аплодисменты. Я для себя давно определила, что важно, кто тебя оценивает. Это ведь может быть и зеркало – кто эти люди, это характеризует отчасти, кто ты есть. Ведь здесь же еще тонкий момент лести. Она начинается тогда, когда тебе становится это приятно, и чью лесть ты с легкостью принимаешь, это тоже важно. Мне кажется, тут все-таки надо прислушаться… Скажи мне, кто твой друг, и я скажу, кто ты.

Маша, Вы с Владом говорили на творческих встречах последнего времени о том, что это удивительно, но эта тяжёлая, негативная, сложная, болезненная ситуация с травмами – она привела к вам людей, которые оказались вам близки, и в том числе они приходили каким-то странным образом через эти же соцсети. И получается, что зрительская отдача иногда переходит некие границы, а болезненные ситуации становятся своеобразной лакмусовой бумажкой.

МА:
Абсолютно так! Интернет и соцсети могут принести колоссальную пользу, это самый быстрый способ получения информации, за которую тебе даже не надо платить, это потрясающий инструмент в руках не-дикаря, который способен подарить очень много действительно сокровищ и открытий, прежде всего человеческих.

С другой стороны, когда много информации, когда она доступна, обидно осознавать, что человек может оказаться весьма поверхностным.

МА:
И это правда. Это бесит страшно. Мне кажется, это касается любого человека, в любой профессии – должна быть внутренняя культура, внутренняя элитарность, которая даст тебе понимание и зерна, и многослойности. Очень важно помнить, что в нашем вроде бы прогрессивном мире есть зло, оно никуда не делось. Возможно все, тебя прямо вот в секунду испепелить могут, не важно – принцесса Диана ты или невесть кто. Беспрецедентное время, совершенно без граней.

Но в памяти поколений – и в балете в том числе – остаются те самые жемчужины или бриллианты, которые в себе как раз и соединяют внутреннюю глубину со всеми остальными качествами

Мне кажется, мы сейчас с еще одной интересной особенностью столкнулись: если взять определенную верхушку общества – людей успешных, известных, то основная ценность – это те, кто стоит под ними, кто обладает конкретными знаниями действительно, кто способен сделать выбор и не потерять часть себя. Мне кажется, здесь есть такой дисбаланс: те, на кого масса обращает внимание, они часто не соответствуют основным ценностям. А ценное – оно вот именно там и существует, где-то посередине, где очень много людей, которые ценность публичного успеха понимают по-другому. Для меня это очень-очень важно, что таких людей много.

Влад недавно мне сказал: «Какое это счастье – подержать за талию в балетном зале любимого человека!». Я человек наивный, верящий в то, что любовь спасёт мир и мне кажется, что когда на вас смотришь и в театре и жизни, даже если вы в каком-то официальном статусе, даже если вокруг много людей, от вас всё равно исходит очень сильное ощущение любви.

МА:
Спасибо, я тоже за то, что любовь спасёт мир!

=============================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22331
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Фев 19, 2020 10:16 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020021901
Тема| Балет, МТ, Персоналии, Кимин Ким
Автор| Беседовала Инкюнг КИМ, сотрудница Генерального консульства Республики Корея в Санкт-Петербурге
Заголовок| Азиатский Ромео. Кимин Ким - о балете и Мариинском театре
Где опубликовано| © Санкт-Петербургские ведомости
Дата публикации| 2020-02-19
Ссылка| https://spbvedomosti.ru/news/culture/aziatskiy-romeo-kimin-kim-o-balete-i-mariinskom-teatre/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Вопросы о лишнем билетике задавать оказалось бессмысленно. «Что вы, сегодня же выступает Кимин Ким, значит, точно будет аншлаг», - объяснила тщетность наших метаний у входа в Мариинский театр многоопытная билетерша. Выпускник корейской школы искусства Yewon и Корейского национального университета искусств Кимин Ким был принят в Мариинку стажером в 2011 году. В 2015-м стал премьером. Он - первый азиатский танцовщик, присоединившийся к труппе этого театра, и самый молодой премьер в его истории. Американский балетный театр, Лондонский королевский балет, балетная труппа Парижской оперы также приглашают к себе Кимина Кима, так что его график распланирован на два-три года вперед. «Это нелегко, но я счастлив, что у меня так много шансов выступать на сцене - я этого хочу, и это моя обязанность», - говорит Кимин.


Кимин Ким в роли Раба в балете Михаила Фокина «Шахерезада». ФОТО Сергея БОБЫЛЕВА/ТАСС

Мальчик, мечтавший о Мариинке

- С детства моей мечтой было выступать вместе с балетной труппой Мариинского театра, но я думал, что этому не суждено сбыться, - признается Кимин Ким. - Произведения, которые я хотел исполнять, были созданы в этом театре. Здесь сохранили оригинальную хореографию и костюмы. В постановках лично принимали участие композиторы, написавшие музыку. Говорят, Сергей Прокофьев принимал настолько активное участие в постановочном процессе «Ромео и Джульетты», что доходило до ссор с хореографом... Я хотел ощутить дух истории в месте, где был создан балет, о котором я мечтал.

В Мариинском театре я могу прочувствовать всю красоту и глубину искусства. Когда ты здесь, сам театр нашептывает тебе истории, которые накопились на протяжении всех его лет. Может быть, именно поэтому каждый раз, когда я репетирую, меня это так впечатляет и трогает.

Когда я только пришел в Мариинский, думал, что мне никогда не дадут роль принца, ведь российский зритель не привык к принцам азиатской внешности. Но сначала было «Лебединое озеро», затем - «Жизель», «Спящая красавица», «Золушка», нынче - «Ромео и Джульетта»... Во всех этих постановках мне дали главную роль. Я почувствовал, что здесь меня действительно признают и принимают. И я очень благодарен россиянам, которые при гордости за «свой», «родной» балет приходят на мои - иностранца - выступления и поддерживают меня. Это большая честь. И я прилагаю все усилия, чтобы мои выступления стали совершеннее.

Русский балет по-корейски

- Вначале я думал, что мне надо стараться изо всех сил прежде всего потому, что я здесь - единственный корейский танцовщик, и имидж Кореи у российского зрителя формируется в том числе через впечатления от моего танца, - продолжает Кимин Ким. - Но, после того как у меня появились сольные выступления и я стал премьером, я начал думать, что хоть и представляю Корею, но в то же время являюсь и представителем России. Главное решение, что созрело во мне, - выступать, соединив в душе воедино Корею и Россию.

Российскому зрителю очень важна актерская игра. Если танцовщик не может должным образом выразить все эмоции главного героя, то как бы хороша ни была техника танца, это никогда не найдет отклика у зрителя. Я очень много размышляю над тем, как выразить главного героя полностью, окрасить его, так сказать, в свой цвет. Я поднялся на сцену в роли Ромео, только проработав роль до идеального состояния, полностью «переварив» ее. Сказать по правде, я беспокоился, сможет ли принять российский зритель азиатского Ромео...

(Заметим: несмотря на эти опасения, российский зритель принял «тщательно проработанного» Ромео Кимина Кима овациями, оценив не только фирменный легкий прыжок танцовщика, но и его актерские способности. - Прим. ред.)

Не танцуй как Барышников - танцуй как Кимин

Спектакль Push Comes To Shove американка Твайла Тарп впервые поставила в 1976 году для Михаила Барышникова и труппы Американского балетного театра на музыку Джозефа Лэмба и Йозефа Гайдна. Как известно, Барышников после эмиграции в Америку произвел большой фурор в местных балетных кругах. В Петербург, на сцену Мариинского театра, спектакль был перенесен в марте прошлого года. Кимин Ким стал первым из танцовщиков российского балета, кто удостоился исполнять это произведение после Барышникова.

- Вначале Твайла Тарп не хотела давать мне Push comes to shove, а я в свою очередь тоже не особо горел желанием его исполнять, - рассказывает Кимин Ким. - Но после просмотра моего выступления и после наших разговоров о музыке Твайла сказала, что хочет дать это произведение мне. Добавив при этом: «Не исполняй его как Барышников, исполняй так, как можешь только ты».

«Это было словно сон»

Benois de la danse - это своего рода «Оскар» в мире балета. Эту премию вручают лучшим танцовщикам и самым влиятельным людям в области балетного искусства за год.

- В большинстве случаев лауреатами премии становятся те, кому за 30, и вот, представьте, меня номинировали наравне с такими влиятельными артистами балета - одно это уже приносило радость, - вспоминает минуты триумфа Кимин Ким. - А в итоге десять членов жюри, приехавших из разных стран на эту церемонию, назвали меня лауреатом. И я получил главный приз! Отлично помню, как, дрожа от волнения, поднимался на сцену за наградой (которую, к слову, совсем не ожидал получить и потому не подготовил речь). В этот момент я пообещал себе, что буду еще больше стараться.

К счастью, у меня много возможностей выступать на разных сценах. Например, я танцевал в «Баядерке» в Американском театре балета, где в свое время работала примой-балериной мой кумир с ранних лет Наталья Романовна Макарова. В детстве я до дыр засматривал кассеты с ее выступлениями, стремясь приблизиться к этому идеалу. А сейчас получил приглашение от моего кумира со словами: «Из всех Солоров (главный персонаж в «Баядерке»), что я видела, ваш - самый классный». Это было для меня словно сон...

Язык хореографии в международных отношениях

Артист русского балета кореец Кимин Ким считает себя своего рода мостом, связывающим людей обеих стран, помогающим народам доброжелательнее смотреть друг на друга и проявлять друг к другу еще больший интерес.

В рамках празднования 30-летия установления дипломатических отношений между Кореей и Россией Кимин Ким выступит в Корее.

- Когда у меня выступление в Корее, я всегда с радостью выхожу на сцену. Потому что так я могу показать на родине не только себя, но и традиционный русский балет. Кроме того, я могу продемонстрировать моим поклонникам-землякам, как я продвигаюсь в России.

Мне кажется, что нет лучшего средства для ведения диалога между странами, чем искусство. Если мои выступления помогут в развитии отношений между Кореей и Россией, то для меня лично это будет большой честью. И, может быть, искусство балета станет единым языком, который будет прочно связывать страны между собой.

Беседовала Инкюнг КИМ,
сотрудница Генерального консульства Республики Корея в Санкт-Петербурге

Перевод с корейского Дарьи СЕНЧУГОВОЙ

Материал опубликован в газете «Санкт-Петербургские ведомости» № 030 (6628) от 19.02.2020 под заголовком «Азиатского Ромео встречают овациями».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22331
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Фев 19, 2020 11:39 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020021902
Тема| Балет, Балет Монте-Карло, Премьера, Персоналии, Жан-Кристоф Майо
Автор| Александр Фирер
Заголовок| Алгебра над гармонией, или как Коппелия убивает мастера
Где опубликовано| © портал «МУЗЫКАЛЬНЫЕ СЕЗОНЫ»
Дата публикации| 2020-02-19
Ссылка| https://musicseasons.org/algebra-nad-garmoniej-ili-kak-koppeliya-ubivaet-mastera/
Аннотация| Премьера


Лу Бен — Коппелия

Мировая премьера двухактного балета Жан-Кристофа Майо «Coppel-I.A.» в «Балете Монте-Карло» – яркое событие не только для Монако, но и для всего танцевального сообщества. Это большая удача мэтра, одно из лучших его творений. В него вложено много личного. Балет «Коппел-I.A.» (I.A. означает intelligence artificielle – искусственный интеллект) – современный, умный, динамичный и абсолютно слитный с музыкой спектакль. Смотрится с неотрывным интересом. Хореографически он насыщен вариациями, дуэтами и общим танцем для друзей Сванильды и Франца, приглашенных, матери Сванильды (Мимоза Коике) и Леннарта, доверенного лица Сванильды (Леннарт Радтке) и прототипов, а для заглавной героини изобретена особая дискретно перетекающая пластика.

Изысканная и «нездешняя», «алгебраичная» и магнетически привлекательная Коппелия выглядит на фоне человеческого сброда персонажем, перетягивающим на свою сторону симпатии не только Коппелиуса и Франца, но и зрителей. Искусственное создание может быть привлекательнее живого человека, порой бездушного, тупого и агрессивного. Угрожающий социум в лице хамоватой Сванильды (Анна Блэкуэлл), ее напористой матери и брачующихся карикатурных приятелей на гульбище воинственно встречает появление Коппелии: она чудом избегает уничтожения от рук вандалов. Сванильда же в конце концов уверенно отвоевывает себе в мужья Франца.

Соавтор и брат хореографа Бертран Майо создал оригинальную партитуру по прочтении «Коппелии»» Лео Делиба, половину которой почтенно занимают аранжированные блистательные делибовские мелодии, одни из самых дансантных во всей балетной музыке. Мир звуков своей оригинальной «половины» Бертран Майо черпает из глубин психоанализа, шифрования, словно качаясь на волнах виртуального океана и космических сфер. Нейронная сеть уже успешно рисует посредством графических редакторов: недалек тот день, когда она и музыку сама сочинять научится. Но композиторское творчество пока по силам лишь человеку. Бертран Майо создал футуристическое полотно о вечном поиске идеального партнера в технологически развитом обществе.

Сценография Эме Морени (она же художник по костюмам) инсталлирует некий гигантский коридор, белый в мирском витальном первом действии и черный во втором, в мастерской Коппелиуса с круглыми кабинами-лабораториями со шторами-нитями. На сцене огромные полуокружности то сдвигаются, то раздвигаются, меняя условные границы между бытовой житейской реальностью и манящей «нейросферой». А образуемый ими неохватный полнолунный диск соотносится с преогромным мудрым зрачком на заднике, сужающимся и расширяющимся, взирающим на все будто глаз времени. В финале же конструкции настолько подвижны, что кажется миром завладел хаос. Все приходит в мощный «экшен», предтечу нового, ещё непознанного – те самые новые формы движения, освобождающие пространство мироздания для информационной эволюции.

Комический балет «Коппелия» по новелле Эрнста Гофмана был поставлен Артюром Сен-Леоном в далеком 1870 году в Императорском оперном театре в Париже. Полтора столетия балет в самых разных редакциях дарит публике радость сказки, чуда и счастливой любви в одном флаконе. Спектакль-триллер Жан-Кристофа Майо с проблематикой искусственного разума и боевого феминизма далек от услаждающего зрелища для семьи. Современный Коппелиус в алгоритмах «алхимического гофманианства» вместо механической куклы генерирует-пробуждает к жизни молодую женщину, рожденную искусственным интеллектом. Пигмалионствуя, мастер мечтает обратить свое создание в прекрасную возлюбленную. Но ростки чувственности в Коппелии воспламеняет не создатель, а молодой сексапильный, ветреный и глуповатый Франц (Симоне Трибуна). Великолепно актерски воплотивший и станцевавший немолодого ревнивца с уязвленным самолюбием Коппелиуса Матей Урбан в порыве ярости отключает «питание» у своего создания. Но программное обеспечение позволяет Коппелии оперативно выйти из спящего режима. Современная «неспящая красавица» не нуждается в «допинге» поцелуя. Далее она, сворачивая с пути трансгуманизма, не ведая никаких преград, попросту убирает помеху, безэмоционально свернув шею своему создателю. При этом она делает вполне сентиментальный реверанс, целуя холодеющую руку мертвого Коппелиуса. И отправляется к людям, в «большое плавание» в современном социуме…

Майо представил публике новое пластическое дарование и удивительную актрису танцтеатра – француженку с точеным телом и выразительным лицом Лу Бен, доселе солировавшую в Магдебургском балете. Безусловно, она способна дать созидательный импульс художнику…

Современники великого Леонардо да Винчи утверждали, что лишь его голова была средоточием эстетических, технических, культурологических и прочих всевозможных знаний. Майо поставил балет о «голове» современной – эстетически совершенной форме Искусственного Интеллекта, программная враждебность, риск непостижимости и интеллектуальное превосходство которого способно стереть границы самых невероятных человеческих фантазий. Искусственный Интеллект знаменует и некую грядущую угрозу человечеству: кто играет с ним – играет с огнем. Сам Жан-Кристоф в своем гармоничном балете не навязывает идею все делить на «черное и белое», но видит в каждом явлении дуалистичные грани. А о том, какой свой собственный путь выберет обретшая свободу героиня, хореограф собирается рассказать в «Коппел-И.И.-2».

Фото Alice Blangero
==================================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Мар 02, 2020 11:19 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
Страница 3 из 6

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика