Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2020-01
На страницу Пред.  1, 2, 3  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 5038

СообщениеДобавлено: Пн Янв 20, 2020 1:25 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020012001
Тема| Музыка, Персоналии, Маттиас Гёрне
Автор| Владимир Дудин
Заголовок| Бас и Брамс
Маттиас Гёрне спел на концерте памяти Янсонса

Где опубликовано| © Российская газета - Федеральный выпуск № 4(8058)
Дата публикации| 2020-01-13
Ссылка| https://rg.ru/2020/01/13/nemeckij-bas-bariton-gyorne-vystupil-na-koncerte-pamiati-iansona.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Маттиас Гёрне: Очень мало дирижеров могут позволить себе "рукописное" искусство, никому ничего не доказывая. Фото: Станислав Левшин

Всемирно известный немецкий бас-баритон Маттиас Гёрне исполнил вокальный цикл "Песни об умерших детях" Малера в сопровождении симфонического оркестра Петербургской филармонии под управлением Юрия Темирканова. Концерт, в котором также прозвучала Четвертая симфония Брамса, был посвящен памяти выдающегося дирижера Мариса Янсонса, которому 14 января исполнилось бы 77 лет.

Уход Янсонса стал огромной невосполнимой потерей для всего музыкального мира. Каким запомнился вам этот дирижер?

Маттиас Гёрне: Уход таких великих личностей всегда непредсказуем. Марис, конечно, был уже не молод, но еще и не так стар. Проблемы со здоровьем у него начались давно, но как достойно он выдержал это испытание. Последний раз мы виделись, казалось бы, совсем недавно в Петербурге на концерте к юбилею Юрия Темирканова. Мы планировали выступить в этом году на концерте открытия знаменитого Зальцбургского фестиваля, посвященном его 100-летию. Предполагалось исполнять "Шесть монологов из "Имярека" ("Jedermann") швейцарского композитора Франка Мартена. Эта пьеса - культовая для Зальцбурга, поскольку написана Гофмансталем, одним из создателей фестиваля. Я очень ждал этого события.
Марис был уникальным дирижером, полностью посвятившим себя музыке. Часто вспоминаю, как фантастически готовил он каждое свое выступление, будучи абсолютным перфекционистом, но и о том, какой он был человек - располагающий к общению, открытый, что встречается крайне нечасто, относившийся с большим уважением к тем, кто оказывался рядом, всегда стремился помочь, понять и решить даже самые трудные вопросы. Его всем очень не хватает.

С недавних пор вы регулярный гость в Петербурге. Выступали и в Концертном зале Мариинского театра, и в Большом зале филармонии. Чем вас так пленил творческий союз с маэстро Юрием Темиркановым?

Маттиас Гёрне: Маэстро Темирканов - легендарный дирижер прославленного оркестра. В этом уходящем поколении музыкантов меня подкупает глубина процесса сотворения музыки. Посмотрите, как изменился мир и его ценности, какую роль играют теперь социальные медиа, как Интернет вмешался в музыкальный бизнес, как нужно суетиться, чтобы получить признание, чтобы тебя заметили, услышали. Все это - ничто для его поколения, он с этим не считается. Для него существует только музыка. Сегодня очень мало дирижеров могут себе позволить такое "рукописное" искусство, которым способны заниматься без усилий, никому ничего не доказывая, щедро делясь своей мудростью. Оркестр Петербургской филармонии - восхитительный, в нем слышна традиция, особенно в технике струнных, которые звучат так плотно, густо. За этим звуком можно услышать культуру города, страны, историю нации с таким множеством драматических, страшных событий. Здесь музыканты играют очень эмоционально, с душой. Не редко приходится иметь дело с оркестрами с безупречным качеством исполнения, но оно оставляет вас равнодушным. А ведь музыка хочет говорить о самом сокровенном от сердца к сердцу. Оркестр под управлением Юрия Темирканова на это способен.

Свою открытость русской культуре вы демонстрировали, когда исполняли вокальный цикл на стихи Микеланджело Дмитрия Шостаковича…

Маттиас Гёрне: На мой взгляд, музыка Шостаковича остается недооцененной на Западе, многие дирижеры за нее не берутся, хотя ее и включают в свои программы такие маэстро как Хайтинк или Мути. На Западе вообще не могут понять, как было возможно сочинять так, как Шостакович после Второй венской школы, не говоря о том, что музыка России той поры вообще сильно отличалась от того, что происходило в Европе. А что за цикл на стихи Микеланджело! Он ведь был сочинен перед последним творением Шостаковича - Альтовой сонатой, воспринимающейся как завещание.

А с маэстро Валерием Гергиевым выступали? Знаете, что он и Темирканов - ученики одного педагога, ленинградского профессора Ильи Мусина?

Маттиас Гёрне: Не знал об этом, очень интересно. Мы исполняли с Валерием Гергиевым пару вещей, в частности, на его фестивале в Роттердаме песни Малера на стихи Рюккерта, и это было по-настоящему великолепно! Гергиев - выдающийся дирижер и по музыкальности, и по открытости, по опытности и энтузиазму. Все мы знаем, как страшно он всегда занят, но если у него появляется время, шанс основательно поработать с ним увеличивается, и тогда он способен сотворить исполнение высочайшего уровня. Мне, во всяком случае, повезло создать с ним именно такое.

И Теодор Курентзис - тоже ученик того же мастера. С ним сотрудничали?

Маттиас Гёрне: Да, однажды исполнял с ним песни Малера из "Волшебного рога мальчика" в Мадриде. Я встречаю Курентзиса время от времени на разных концертах. Он известен тем, что работает со своим кругом молодых певцов. Понятно, что ему хочется иметь на них влияние, но все же интересно, почему он не сотрудничает с лучшими певцами мира? Знаю, что он любит подолгу репетировать, чтобы добиваться результата, даже если речь идет о небольшом сочинении, очень требовательный и, вне всякого сомнения, - невероятно одаренный. Я был на нескольких концертах с участием его оркестра и хора MusicAeterna в Зальцбурге, и колоссальное впечатление производило наблюдение за тем, как он выражает себя, как всеми силами стремится достичь максимального эффекта от проникновения в музыку. Меня приглашали к нему в Пермь исполнить "Зимний путь" Шуберта с Маркусом Хинтерхойзером, но к тому моменту мой график был уже сформирован. Удивительно, что свой коллектив он создал где-то далеко на Урале, напоминая нам об огромности мира.

*Это расширенная версия текста, опубликованного в номере "РГ"
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 5038

СообщениеДобавлено: Вт Янв 21, 2020 3:02 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020012101
Тема| Музыка, Опера, Персоналии, Хибла Герзмава
Автор| Мария Бабалова
Заголовок| Клан сопрано
Хибла Герзмава даст юбилейный концерт в Кремле

Где опубликовано| © Российская газета - Федеральный выпуск № 8(8062)
Дата публикации| 2020-01-16
Ссылка| https://rg.ru/2020/01/16/hibla-gerzmava-dast-iubilejnyj-koncert-v-kremle.html
Аннотация| ЮБИЛЕЙНЫЙ КОНЦЕРТ



Юбилейный гала-концерт Хиблы Герзмавы, в котором примут участие многие из ее звездных коллег-друзей, 19 января пройдет в Государственном Кремлевском дворце.

"Будет звезда!!!!" - именно с четырьмя восклицательными знаками написала в своих судейских записках великая Елена Образцова во время прослушиваний конкурса Чайковского в 1994 году. И угадала! Хибла Герзмава не только взяла первый в истории этого престижного соревнования музыкантов Гран-при, но стала одной из самых ярких оперных певиц современности. И хотя тогда, четверть века назад, Большой театр не обратил внимания на новое имя, оно довольно скоро стало украшать афиши лучших оперных домов мира - российской певице, рожденной под солнцем Абхазии, аплодировали театры Лондона и Рима, Мюнхена и Вены, Цюриха и Парижа. Милана и Нью-Йорка и, конечно, Санкт-Петербурга и Москвы.
Многие из работ певицы были отмечены самыми разными наградами. Незабываемо сказочным было явление Хиблы Герзмавы в фантастическом шоу закрытия Олимпиады в Сочи, можно вспомнить и роскошный выход на официальном гала-концерте ФИФА в Большом театре в честь нашего футбольного мундиаля.
Но, несмотря на планетарный успех, Хибла Герзмава сохраняет верность своему родному Московскому музыкальному театру имени К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко, на подмостках которого сделано ею почти два десятка партий. И уже в феврале певица выйдет на сцену сразу в четырех спектаклях: "Отелло" Верди (2-го), "Богема" Пуччини (5-го), "Лючия ди Ламмермур" Доницетти (23-го) и "Медея" Керубини (29-го).
- Я благодарна Богу и своему театру, что оказалась именно в его стенах, где меня лепили, как глину, а я, как губка, впитывала все, что видела и слышала вокруг. Меня всегда окружали потрясающие учителя: Ирина Ивановна Масленникова и Евгения Михайловна Арефьева и, конечно, главный режиссер театра Александр Борисович Титель. Меня за ручку привели сюда еще студенткой Московской консерватории на прослушивание, я прошла успешно все три тура. Но была немного пухленькой, и худрук Александр Борисович сказал: похудеешь, тогда возьмем. И через год, потеряв практически 25 килограммов, я оказалась в труппе. Мне важно было вырасти в "моем" театре. Я рано лишилась родителей, и театр стал для меня и домом, и семьей, - всегда подчеркивает Хибла Герзмава.
Но в юбилейный год запланированы, конечно, и зарубежные выступления певицы. Сольные камерные концерты, в программе которых романсы русских композиторов, совсем скоро будут в Тель-Авиве и Лондоне. В апреле Хиблу ждет нью-йоркская Metropolitan в роли Лиу в "Турандот" Пуччини, в мае - флорентийский театр Maggio Musicale с Дездемоной в "Отелло", в июне - лондонский Covent Garden, где Хибла будет Елизаветой в "Доне Карлосе" Верди. А в мае еще ожидается одно уникальное событие, где главной героиней тоже будет Хибла Герзмава. Речь о концертном исполнении оперы Доницетти "Анна Болейн" на сцене Большого театра.
Но все же для юбилейного гала был выбран Кремль - площадка, конечно, не акустическая, а требующая "подзвучки", что должно быть обидно как для певицы, находящейся в самом расцвете сил и таланта, так и для ее поклонников. "Я - оперная певица, для меня "живое" звучание - без микрофонов - естественно и привычно, но мне очень хотелось, чтобы как можно больше людей смогло стать свидетелями этого вечера", - отметила певица.
Вместе с ней в этот вечер сцену разделят Анна Нетребко, и этот факт вызывает интригующий интерес публики: будет ли баттл между двумя харизматичными сопрано или они проявят себя как подружки, а также тенор Юсиф Эйвазов, баритон Игорь Головатенко, бас Дмитрий Ульянов, пианист Денис Мацуев, трубач Сергей Накаряков и актриса Чулпан Хаматова. Вечер пройдет под аккомпанемент Национального филармонического оркестра России, за дирижерский пульт встанет Владимир Спиваков.
Остается только заметить, что билеты на концерт недешевые. Но все вырученные от продажи билетов средства будут переданы в два благотворительных фонда - "Подари жизнь" Дины Корзун - Чулпан Хаматовой и Благотворительный фонд Владимира Спивакова.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 5038

СообщениеДобавлено: Вт Янв 21, 2020 3:03 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020012102
Тема| Музыка, Опера, Башмет-центр, «Зарядье», Персоналии, Алла Чепинога, Валентина Борисова, Василий Гафнер, Петр Морозов, Ольга Спицына, Ольга Жиленкова, Андрей Макаров, Александра Ловянникова, Анна Поспелова
Автор| Марина Гайкович
Заголовок| На поле музыкального театра появляется новый жанр – беби-опера
Опера для слушателя в пеленках

Где опубликовано| © «Независимая газета»
Дата публикации| 2020-01-16
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2020-01-16/7_7770_culture2.html
Аннотация| ДЛЯ ДЕТЕЙ

В текущем концертном сезоне внимание музыкальных институций обратилось на самую юную публику – малышей. Появилось сразу несколько опер – с приставкой беби, – предназначенных действительно для тех, кому в Большой театр не попасть еще несколько лет. Есть возможность подготовиться.
В Башмет-центре миниатюрный музыкальный спектакль поставили петербургская корпорация «Кот Вильям» и режиссер Алла Чепинога, специализирующаяся на детских операх – ей принадлежит несколько подобных постановок в Мариинском театре. Для спектакля «День рождения ослика Иа», где дети встречаются (а кто-то и знакомится) со знаменитыми героями «Винни-Пуха», пригласили художника Викторию Хархалуп, квартет «Страдиваленки» (участник конкурса квартетов на телеканале «Культура», который запомнился многим зрителям виртуозными аранжировками и артистичностью) в компании с арфисткой Валентиной Борисовой, солистов московских театров Василия Гафнера, Петра Морозова, Ольгу Спицыну, Ольгу Жиленкову и Андрея Макарова.
А для консультаций приглашали специалистов по педагогике. Поэтому в спектакле были рассчитаны фрагменты разговорные, музыкальные и игровые, появился образовательный элемент: кратко и максимально доступно герои объясняли основные оперные понятия – ария, дуэт, речитатив и другие. Музыкальные инструменты тоже были выбраны выразительные, привлекающие внимание: рояль, скрипка, контрабас, аккордеон и арфа – разумеется, после спектакля детям разрешили их потрогать и попробовать извлечь звуки самостоятельно. Обстановка – зал с лепниной, колоннами и хрустальной люстрой, рассадка на стульчиках, понятные декорации (грибок, торт), настоящие оперные формы (ария, ансамбль, хор), симпатичные герои в объемных костюмах – все это так или иначе формирует представление о взрослом оперном театре.
Спектакль «Шумовички» пробует другой тип работы с малышами, обращаясь к образному мышлению, фантазии, воображению ребенка. Повествовательная линия здесь есть – это история о девочке, которой открылись шумовички – обычно невидимые хранители дома. Правда, невидимы они лишь в присутствии хозяев – а когда остаются одни, не лишают себя удовольствия пошалить. Зрители рассаживаются на полу в шатре – комнате девочки, а матерчатые стены становятся экраном, за которым творится волшебство – теневой театр, где плавают вилки, ложки, тарелка каши, будильник, где виден профиль виолончелиста и его прекрасного инструмента. А когда стенка приподнимается, чудят шумовички, создавая настоящую кухонную симфонию – в ход идет и крупа в банке, и поварешки, и крышки кастрюль, и другая утварь. Режиссер Александра Ловянникова и композитор Анна Поспелова используют наработки, уже опробованные в театральных постановках для малышей – в Москве их создают в основном частные компании, государственный театр, даже детский, не так охотно идет на контакт с публикой, у которой, как говорится, молоко на губах не обсохло.
Впрочем, «Шумовички» и еще одна беби-опера композитора Татьяны Шатковской-Айзенберг – «Дерево» – были созданы в рамках проекта «КоOPERAция», который уже второй раз проходил в Музыкальном театре им. Станиславского и Немировича-Данченко (руководит им режиссер Екатерина Василева).
И тот и другой проект будут показаны еще раз: на «День рождения ослика Иа» Башмет-центр приглашает в феврале, а оперы из проекта «КоOPERAция» ждут своего зрителя в концертном зале «Зарядье» в марте.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 5038

СообщениеДобавлено: Вт Янв 21, 2020 3:03 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020012103
Тема| Музыка, Камерный зал имени Булеза, Неделя Шуберта, Персоналии, Томас Хэмпсон, Вольфрам Ригер
Автор| Татьяна Белова
Заголовок| Будет ласковый снег
Томас Хэмпсон и Вольфрам Ригер исполнили «Зимний путь» на Неделе Шуберта в Берлине

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №8 от 18.01.2020, стр. 4
Дата публикации| 2020-01-18
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/4224903
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


Фото: boulezsaal.de

Камерный зал имени Булеза уже в четвертый раз становится резиденцией Недели Шуберта. В программе только Lieder, причем прославленные исполнители делят площадку с юными, а концерты и открытые мастер-классы продолжаются скрупулезной академической работой в аудиториях. Бессменный куратор недели Томас Хэмпсон убежден, что Францу Шуберту есть что сказать нам, сегодняшним. Полностью с ним согласна Татьяна Белова.
Пересчитывать все варианты интерпретации открывшего фестиваль цикла «Зимний путь», накопившиеся за без малого двести лет, занятие неблагодарное. Историю трагической любви и поисков утешения в смерти, изначально предназначенную для тенора и фортепиано, уже пели басы, баритоны и сопрано; ее превращали в балет, графическую инсталляцию, кино и разбирали на атомы в томах научной и художественной литературы. Но стремились ли эти трактовки раскрыть замысел автора или продемонстрировать подход артиста, во главе угла каждый раз оказывалась личная история, сконцентрированное частное переживание. В эпическое измерение лирику Шуберта отчасти выводила оркестровая версия Ханса Цендера, разрушающая гармонию ужасами звучащего ХХ века. Томас Хэмпсон и Вольфрам Ригер, его постоянный пианист, сумели найти это измерение в оригинальной камерной версии.
Если принимать их выступление за объект научного исследования, ключевыми словами станут «цикл», «шарманка», «память», «гиперреализм». За каждым из них — манера исполнения: яркие крещендо, вспышки ярости и нежности, гордости и раскаяния, объемная картинка сотканного голосом пейзажа и одновременно подчеркнуто механистичные звуки рояля, в зачинах песен подсказывающие будущие воспоминания. За каждым — эстетическая концепция. Хэмпсон не пытается реабилитировать инфантильное упоение страданиями, облеченное в «унылый романтизм» Шубертом едва ли не удачнее, чем Байроном. Его «Путь» — это путь зрелого человека, он состоит из воспоминаний, намертво пробитых на валике шарманки, и каждый шаг на этом пути предопределен и прожит неоднократно. Хэмпсон не играет в поддавки ни с собой, ни с публикой, делая вид, что открывает эту перепетую музыку заново и проживает ее со свежими, спонтанными реакциями. Он подчеркивает цикличность, принятие давно случившегося, а трагичность мироощущения у него связана не с изменой, а с утратой.

Возможно, утратой не только личной, но и мира как целого: от песни к песне горизонт лирического героя все расширяется, заледеневшая земля перестает быть аллегорией его внутреннего состояния, а три солнца в небе уже не поэтическое преувеличение помраченного сознания. И если гиперреализму как художественному течению свойственно делать акцент на социальных проблемах, то постапокалиптический «Зимний путь» Хэмпсона—Ригера можно считать ярчайшей антивоенной и антиядерной агитацией, в одном ряду с давними предостережениями Рея Брэдбери или совсем недавним «Фиолетовым снегом» Беата Фуррера, который сейчас звучит со сцены соседней с Залом Булеза Берлинской оперы.
Отсутствие задачи сыграть влюбленного юнца влечет за собой не только меняющуюся вокальную интонацию. Преподнося историю с дистанции памяти, Хэмпсон строит цикл как музыкальную форму, выступая фактически дирижером, и жесты его во время пения отражают не эмоции, а нюансы агогики. Музыкальная логика определяет драматическую, а не наоборот: даже единство темпа в первой и двадцатой песнях цикла манифестирует их сюжетную связь.
Музыкальной и музыкантской логикой руководствуется Хэмпсон-куратор. На концертах Недели Шуберта поют звезды камерного репертуара Ангелика Кирхшлагер, Андре Шуэн, Кристина Ландсхамер, за роялем — Джулиус Дрейк, Даниэль Хайде и Герольд Хубер. Еще три вечера отданы молодым певцам, чьи имена, возможно, стоит запомнить: Марие Зайдлер, Эма Николовска, Киран Каррел, Юсси Юола, Шон Майкл Пламб, Яцзе Чжан (выступающие под рояль маститого Хартмута Холля). В их биографиях отведено важное место обучению Lieder, а значит, и оперные их выступления наполнены смыслом и техническим мастерством. В программу фестиваля входят также два открытых мастер-класса и отчетный концерт студентов Академии Баренбойма-Саида: кураторская и преподавательская работа Томаса Хэмпсона неотделима от исполнительской — открытой миру и переосмысливающей этот мир через музыку.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 12088

СообщениеДобавлено: Чт Янв 23, 2020 7:56 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020012301
Тема| Музыка, Концерт, К/З «Зардье», Персоналии, А. Григорян
Автор| Александр МАТУСЕВИЧ
Заголовок| Звезда Зальцбурга не зажглась в Москве
Где опубликовано| © Культура
Дата публикации| 2020-01-16
Ссылка| https://portal-kultura.ru/articles/opera/310055-zvezda-zaltsburga-ne-zazhglas-v-moskve/
Аннотация| Выступление звезды Зальцбургского фестиваля Асмик Григорян в «Зарядье» вызвало много вопросов.

«Зальцбург уже не тот!» — вздыхают старожилы, за что получают презрительные взгляды модной публики, которая мотыльками слетается на его в мировом масштабе распиаренные акции. В наступившем году самый известный и самый престижный международный музыкальный фестиваль на родине великого Моцарта отмечает свое столетие.

К внушительному юбилею элитарный форум подходит с безупречным маркетингом: бренд раскручен до небес, «Зальцбург — Мекка меломанов», место, куда любой, стремящийся быть причастным к мировым музыкально-театральным трендам, должен приехать хоть раз в жизни. Самое передовое и актуальное искусство — в Зальцбурге, самые громкие имена — там же. Поэтому в августе мировые СМИ в обязательном порядке оповестят планетарную общественность, в каком платье вышла на сцену Анна Нетребко и какие из верхних нот ей удались особо, а какие не слишком.



Но если с раскруткой у Зальцбурга все в порядке, то с музыкальными достижениями уже давно не все так безоблачно. В долгую и славную эпоху великого дирижера Герберта фон Караяна, возглавлявшего смотр десятилетиями, качеству музицирования здесь уделялось первостепенное внимание, но те времена канули в Лету. Его наследник Жерар Мортье, любитель радикальных экспериментов и эпатажной режиссуры, переориентировал форум на иные ценности, и хотя его эпоха тоже уже давно закончилась, вопросы к музыкальному качеству остались. И если симфонические программы (то, чего Мортье практически не касался) по-прежнему безупречны, то наполнить оперные спектакли адекватным вокалом получается далеко не всегда. Яркое свидетельство тому — концерт сопрано Асмик Григорян в московском зале «Зарядье».

Певица провозглашена «звездой Зальцбурга», что, безусловно, не рекламный трюк и соответствует действительности, но в том-то и вопрос — какие звезды сегодня зажигает Зальцбург? Очевидно, что к стандартам Караяна вернуться никто не спешит, внешние данные и актерский кураж по-прежнему ценятся выше качеств голоса и музыкальности.

Асмик Григорян хорошо известна в Москве. Дочь знаменитых советских певцов Ирены Милькявичюте и Гегама Григоряна неоднократно выступала в Большом театре, приезжала с гастролями других коллективов и на отдельные проекты, но то все было, что называется, «в прошлой жизни», то бишь, до дебюта в Зальцбурге. В 2017-м она спела там Мари в «Воццеке» Берга, на следующий год — Саломею в одноименной опере Рихарда Штрауса, минувшим летом повторила эту свою работу (за что получила титул «певица года»), а будущим летом ожидается ее выход в «Электре» того же автора.

Реклама работает безотказно. Ее первый сольник в российской столице, состоявшийся минувшей осенью в Московской консерватории, и вчерашний, уже второй реситаль, на этот раз в «Зарядье», были проданы под завязку. Именитый Национальный филармонический оркестр России (худрук Владимир Спиваков) — на сцене; маститый литовский маэстро Гинтарас Ринкявичюс — за пультом; бронзовый лауреат последнего Конкурса Чайковского мариинский тенор Мигран Агаджанян — в качестве подпевающего в дуэтах партнера. Словом, все по высшему классу, и публика, казалось бы, получила полный набор атрибутов престижности, не выезжая в далекий и дорогой Зальцбург.

Однако если убрать праздничный слепящий налет гламура, то можно обнаружить удивительные, хотя и вполне ожидаемые вещи. Еще когда Григорян приезжала в Москву пять-шесть лет назад не слишком известной солисткой Литовского театра оперы и балета для участия в золотомасочном показе «Летучего голландца» Михайловского театра и сделанном театром «Геликон» специально для Дмитрия Хворостовского «Демоне» в Зале Чайковского, невозможно было не отметить ее яркий артистизм и выигрышный экстерьер, равно как и не слишком подходящий голос для лирических героинь Вагнера и Рубинштейна — что для сентиментальной Сенты, что для нежной Тамары. Одно дело — петь музыку ХХ века: для опер Берга и Штрауса, исполненных ею в Зальцбурге, для опусов Корнгольда, Яначека или Прокофьева, которые также уже есть в ее репертуаре, актерская харизматика важнее умения погрузить слушателя в пучину вокального гедонизма. Но в Москве была заявлена совсем другая музыка.

Дворжак, Беллини, Верди и Пуччини — это иная история и иная территория. Тут вокальный театр, краски голоса гораздо важнее актерской подачи. А с этим у Григорян дела обстоят не так уж блестяще. Она не унаследовала солнечного итальянского типа голоса своего знаменитого отца, ее инструмент — звучный и сильный, но достаточно резкий, жесткий, пронзительный, лишенный ласкающих слух обертонов, в нем совсем нет южной неги — а сплошной напор и решительность. Даже для экспрессивных пуччиниевских героинь (в «Зарядье» Григорян спела Лауретту, Манон, Чио-Чио-сан и на бис Мими) необходима тембральная наполненность звука, пение чувственное, попросту красивое, а не только дикие выплески энергии и победное заколачивание верхних нот, что уж говорить о недосягаемой иконе итальянского стиля бельканто беллиниевской Норме или изобилующей тонкими нюансами партии Виолетты Валери? Как умная артистка, Григорян, конечно, пытается что-то делать и тут, что-то искать, но природные кондиции ее голоса дают ей для этих поисков очень мало возможностей. С таким инструментом убедительно можно петь разве что брутальную пуччиниевскую Турандот, но лучше — оставаться на территории постромантической оперы, в крайнем случае — немецкого репертуара. Что, собственно, Зальцбург ей сегодня и предлагает, хотя и для кровожадной Саломеи, и для рефлексирующей Хриcофемиды богатство собственно звука и разнообразие вокальных светотеней вовсе не являются роскошью.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 12088

СообщениеДобавлено: Чт Янв 23, 2020 8:04 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020012302
Тема| Музыка, Филармония, "Евгений Онегин", Персоналии, М. Ребека, А. Неклюдов, К. Шушаков, В. Синайский
Автор| Северьян Цагарейшвили
Заголовок| В Московской филармонии исполнили "Евгения Онегина"
Где опубликовано| © Российская газета
Дата публикации| 2020-01-21
Ссылка| https://rg.ru/2020/01/21/reg-cfo/v-moskovskoj-filarmonii-ispolnili-evgeniia-onegina.html
Аннотация|

Новый оперный год в Московской филармонии открылся концертным исполнением "Евгения Онегина" в стенах Концертного зала Чайковского. "Лирические сцены" исполнили Госоркестр им. Светланова под управлением Василия Синайского и международный состав исполнителей, среди которых - знаменитое латышское сопрано Марина Ребека, тенор Алексей Неклюдов и баритон Константин Шушаков.

Московская филармония, на площадках которой часто звучат редкие партитуры, в этот раз проявила необычный традиционализм: ведь такая опера, как "Евгений Онегин", в России по популярности сравнима с такими шлягерами, как вердиевские "Травиата" или "Риголетто". Но знакомые каждому любителю музыки "лирические сцены" обеспечили удачный старт сезону: во многом потому, что дали возможность московской публике услышать звезду-сопрано - латышскую певицу Марину Ребеку.

Певица известна на Западе в итальянском репертуаре и в апреле прошлого года на сцене Зала Чайковского дала сольный концерт, в котором исполнила арии трех доницеттиевских королев. Но и чисто русский по внутреннему наполнению образ Татьяны у Ребеки оказался очень удачным: ее трактовка лишена чрезмерной "итальянизации" и драматической аффектации. Ясный, гибкий голос певицы будто светится изнутри лиризмом, обаянием и душевной красотой "милого идеала" Пушкина-Чайковского, в ее пении много piano и филировок, а верхние ноты отличаются яркостью и свободой.

Достойным оказалось и исполнение партии Ленского молодым тенором Алексеем Неклюдовым: его лирический голос не отличается большим объемом, но певец мастерски пользуется mezzavoce, а драматические сцены очень достоверны актерски. Несколько терялся на фоне этих исполнителей приятный по окраске баритон Константина Шушакова в партии Онегина. Игривый темперамент Ольги хорошо передавала меццо-сопрано Айгуль Ахметшина, а колоритные образы няни Филипьевны и помещицы Лариной создали Александра Саульская-Шулятьева и Мария Горцевская. Слабым звеном вечера стал Гремин Олега Цыбулько: знаменитая любовная ария прозвучала неярко, без необходимой наполненности звука в нижнем регистре.

Зато Госоркестр им. Е.Ф. Светланова, совсем недавно исполнявший монументальную рождественскую ораторию Баха в стенах собора Петра и Павла, в этот вечер показал большое стилистическое мастерство. Конечно, не в последнюю очередь благодаря работе Василия Синайского, бывшего музыкального руководителя Большого театра и большого специалиста по русской музыке. Изумительные по нежности и лиричности piano струнных и деревянных духовых, слаженное, льющееся звучание хоровых сцен, исполненных с вокальным ансамблем Intrada, щемящие "секвенции" Татьяны, обрушивающийся на слушателя трагизм оркестрового tutti в сцене ссоры на балу, смерти Ленского и в заключительном дуэте Онегина и Татьяны - благодаря столь тщательной работе над оркестровой тканью столь привычная меломанам музыка заиграла новыми красками.
А после "Евгения Онегина" - весной - обладателей оперного абонемента Московской филармонии ждут "Лакме" Лео Делиба и первое в России исполнение моцартовского раритета "Митридат, царь Понтийский".
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 5038

СообщениеДобавлено: Пт Янв 24, 2020 1:31 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020012401
Тема| Музыка, Персоналии, Юрий Башмет
Автор| Наталья Ломыкина
Заголовок| «Я обожаю ездить по стране»: Юрий Башмет о Ростроповиче, отношениях с детьми и новых проектах
Где опубликовано| © Forbes
Дата публикации| 2020-01-21
Ссылка| https://www.forbes.ru/forbeslife/391497-ya-obozhayu-ezdit-po-strane-yuriy-bashmet-o-rostropoviche-otnosheniyah-s-detmi-i
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

На этой неделе в Москве стартует первый Зимний фестиваль искусств под руководством Юрия Башмета. Forbes Life воспользовался этим поводом, чтобы встретиться со знаменитым дирижером — поговорить с ним о важности таланта и профессионализма, его любимых музыкантах и фотографиях знаменитых голливудских актрис, которые он берет с собой на концерты

Зимний фестиваль искусств уже 13 лет проходит в Сочи — и вдруг Москва! За московских зрителей, конечно, можно порадоваться, но не нарушается ли камерность фестиваля? В Сочи все сосредоточено вокруг Зимнего театра, и в этом есть особая прелесть.

Мы берем выжимку и сочинские наработки и переносим их в Москву. Московская публика — наша родная, мы здесь живем и поэтому фестивалем хочется поделиться. Я понимаю, что вы задаете немного провокационный вопрос — не нарушается ли целостность проекта, но, с другой стороны, мы и в Сочи пытаемся расширить сферы влияния фестиваля: играли на лыжном курорте и в органном зале — камерные концерты и конкурс композиторский, проходят разнообразные мастер-классы. Но все-таки центр в Сочи, конечно, Зимний театр. Вопрос серьезный, потому что я не знаю, какой центр будет в Москве.

Каких звезд везете? Какие будут премьеры?

Помимо концертов, в которых примут участие все три моих коллектива (Камерный ансамбль «Солисты Москвы», Государственный симфонический оркестр «Новая Россия» и Всероссийский юношеский симфонический оркестр. — Forbes Life), состоится мировая премьера оперы Александра Чайковского, пройдут показы спектаклей «Ван Гог. Письма к брату» с участием Евгения Миронова, «Не покидай свою планету» с Константином Хабенским, мои авторские версии спектаклей «Кармен» и «Евгений Онегин» и многое–многое другое. На гала-концерте закрытия фестиваля мы сыграем целый ряд мировых премьер, поэтому и назвали концерт закрытия «Время — вперед». А в Сочи на XIII Зимнем международном фестивале искусств (в 2020 году он пройдет с 12 по 23 февраля) будет еще вечер балета — Наталья Осипова и Джонатан Годдар выйдут в балете «The Mother», будет этнический концерт — впервые приедет в Россию Сона Йобартех из Гамбии, виртуоз коры — традиционной африканской 21-струнной арфы. Конечно, как всегда в Сочи, ждем вечер джаза — приедет номинант на «Грэмми» молодой пианист Кристиан Сандс, выступающий со своим джазовым трио, концерт «Музыкальное путешествие по следам Марко Поло» с прекрасным меццо–сопрано Раффаэллы Миланези — словом, программа очень обширная.

Сколько у вас примерно концертов в год? Вот год закончился — подводите итоги?

Я точно не считал, но количество зашкаливает примерно за двести.

То есть в среднем чаще, чем раз в два дня. Получается, иногда вы прилетаете, чтобы отыграть концерт и тут же улететь?

Бывает, но прилетать в день концерта я не очень люблю. А у нас случается иногда и по два концерта в день, это вообще катастрофа, так ускориться — нелегко.

Темп жизни в последнее время вообще сильно ускорился, а у вас он и был запредельный. Как вы с этим справляетесь?

Пытаюсь соответствовать и настраиваться. Вы знаете, у нас нет такого понятия — хорошо отдохнул, а потом хорошо сыграл. Бывает, вообще не поспал, а концерт получился лучше, чем после отдыха. Единственное, что я могу сказать точно: само выступление придает силы и желание, то есть получается, что там живешь, подпитываешься. Особо я люблю концерты, когда публика в самом начале становится соучастником. Ты их какой-то ниточкой зацепил через гениальную тему автора или идею, если это современное произведение, — и чувствуешь, что они с тобой. Вот здесь начинается импровизация. Тогда концерт я считаю успешным, во всяком случае не напрасным.

Насколько универсален язык музыки? Влияет ли разница культур, национальностей на восприятие, на реакцию аудитории?

Я бы отметил несколько аспектов. Первый — это географический: например, если играешь в турне в Германии и приближаешься к Франции. И вот еще немецкая земля, но она уже близка к Франции — там уже сама публика более французская. Если из Франции едешь в обратную сторону, например, Эльзас — они уже сильно немецкие по мышлению и по реакции в зале. Немцы, приближаясь к Франции, становятся более эмоциональными и менее образованными. Франция, приближающаяся к Италии, —то же самое: она становится гораздо более эмоциональной по восприятию и, как мне кажется, еще менее образованной. Я не хочу их обижать, просто чем южнее, тем реакция свободнее и восторженнее.
Когда играешь в Германии, всегда есть момент дополнительной ответственности, потому что они реально знают классическую музыку в массе своей, а иногда, как и японцы, могут сидеть в первом ряду с нотами. Вот у тебя это же издание и ты играешь, переворачиваешь и видишь краем глаза, как они делают то же самое.

Вы выступали в лучших концертных залах мира. Есть ли среди них такие, в которых вам играть трудно?

Важно четко различать акустику зала и историю. Атмосфера, сам воздух сохраняет память о том, что там происходило. Самые нервные для меня залы — это Большой зал консерватории в Москве и зал в Мюнхене, где я играл после конкурса заключительный концерт (Международный конкурс альтистов в Мюнхене в 1976 году. — Forbes Life), и в памяти осталось ощущение конкурсности. И вроде много лет прошло, а ощущения остались нервные.

Хотя выиграли.

Выиграл, еще как! Но в этом зале всегда волнуюсь. Еще нервный, но очень приятный — это «Музикферайн» в Вене (Wiener Musikverein), там потрясающая акустика, но опять-таки память очень серьезная. Там не всегда хорошо со вкусом (в моем понимании), но публика такая теплая, что после первых двух минут там начинаешь просто наслаждаться, потому что звучит замечательно.
Мой инструмент — альт 1758 года работы Паоло Тесторе — начинает очень хорошо звучать на родине, в Милане, потому что его сделал миланский мастер. Хотите думать, что это мистика или со мной что-то происходит, но я считаю, что в этом есть простая биология, физика, химия. Он сделан там, для него это естественные условия. Инструмент же проходит свои состояния: износ струн, износ волоса на смычке, влажность, температура — все влияет. Например, везешь инструмент в машине — резкое движение (не удар, а просто так случилось: повернулось что-то на миллиметр, какая-то дужка), и меняются все частоты. Кстати, в этом зале, в театре «Современник» у меня был ужас однажды. На сцене было очень холодно, а в артистической очень тепло. Все это сказывается.
Есть какие то залы, которые совсем не обладают прекрасной акустикой, но мера ответственности и удовольствие могут быть выше. В нашей стране к самому понятию концерта прибавляется «ты наш» и «вы мои», ощущение, что мы одна страна. И в восприятии публики есть что-то особое: вот он к нам приехал! Я обожаю ездить по стране! Раньше я давал 80% концертов за рубежом и 20% — в стране. Внутри этих двадцати процентов 5-6% в Москве, 3-4% в Питере, потом Нижний Новгород, Екатеринбург и все. А в какой-то юбилейный год я сознательно решил этот баланс изменить: получилось около 70% у нас и 30% за рубежом.
А сейчас я повторил недавно это же ощущение в турне с юношеским симфоническим оркестром, потому что я видел лица наших молодых музыкантов. Вот живет человек во Владивостоке, к примеру, приехал в Москву на сборы — и сразу опять аэропорт, улетели в Женеву. Она или он увидели впервые фонтан женевского озера, «Музикферайн», филармонию в Берлине или зал Верди, но они так и не видели Питер или Москву в жизни никогда. Мы создали Всероссийский юношеский симфонический оркестр 7 лет назад, у коллектива уже были зарубежные гастроли, в том числе и турне по странам Азии. В 2019 году мы сделали для них турне по нашей необъятной стране: они увидели Ярославль, Кострому, Углич, Калугу, Екатеринбург, Пермь. Я видел их лица, и мне показалось, что происходящее было для них очень важным. Хотя, конечно, главная задача в другом: мы их учим (и они сами учатся), как жить в оркестре, в ансамбле и в жизни.
Я вспоминаю свою учебу: по коридору шел Ростропович или Коган, молодые Кремер, Спиваков. Сейчас такого нет. Витя Третьяков — живая легенда, но он не ходит по коридорам консерватории. И мы приглашаем солистов в оркестр, ведь ребятам от 11 до 22 лет, они реально учатся. Я после какого-то тура пригласил Витю Третьякова, и он играл Бруха с юношеским оркестром.

Я спросила у своих студентов на журфаке МГУ, что они хотели бы узнать у вас. И, честно скажу, сама бы я не рискнула этот вопрос задать, но у ребят он лидировал, и я обещала. Что вы сказали внуку, когда после пожара в квартире вашей дочери в сети появилась запись, где он говорит, жаль, что скрипка не сгорела?

Это вообще не очень обсуждается. У этой истории есть детали, которые говорят о том, что кто-то из знакомых, записав это, его подставил. Он и его мама и так испытали большой стресс, так что я ему сказал что-то вроде «ну ты выдал», без определения, хорошо это или плохо. Я его не ругал. Но я никогда и не слышал от него таких слов, он очень воспитанный мальчик. Это такой возраст, когда не всегда хочется брать скрипку, стоять и заниматься. У него есть и другие интересы. Зато через два месяца он выиграл конкурс детский с другой скрипкой. Я его спросил, нравится ли ему вообще, что он выиграл — и он очень сдержанно сказал «да». Это очень важно. Сейчас вот он поехал на конкурс, где по возрасту оказался самым маленьким, и только что мне звонил — занял третье место.

А вообще вам удается побыть с внуком?

Удается. Летом я с ним довольно много времени провел, поскольку у меня отменились гастроли. В бильярд его научил играть, скрипкой немного позанимался, общался с ним — он очень хороший человек.

Вы как-то сетовали, что упустили сына, позволили ему бросить инструмент. Думаете, надо было с ним просто больше заниматься?

Я считаю, что пропустил много времени с дочкой.

Почему? Она же сложившийся музыкант.

Она замечательно играет и без меня, да. Но я знал несколько примеров, когда дети с той же фамилией занимаются тем же, и это выглядит не всегда хорошо, потому что чаще всего дети хуже родителей. И когда моя Ксюша стала музыкой заниматься, я принципиально никуда ее не приглашал и не двигал. А потом во дворе консерватории столкнулся с потрясающим профессором Наумовым, учеником Нейгауза, и он спросил «Юра, а почему вы не приглашаете Ксюшу, она лучше всех в классе играет концерт Равеля!» Теперь мы с ней много уже играем. Но она много гастролирует и сама. Мне часто звонят, поздравляют, рассказывают про стоячие овации, а я и не знал, что она туда поехала. А вот с сыном не получилось: он хотел играть, когда был маленький, потом остановился, потом был новый заход… все это куда-то кануло, хотя он очень музыкальный. Не знаю до сих пор, хорошо это или плохо. Он отличный парень, очень близкий мне человек, друг мой, но в музыке не получилось.

А у вас во время учебы были моменты, когда хотелось бросить музыку?

Бросить музыку не было желания никогда. У меня произошел плавный переход от «Битлз» к Чайковскому. Я вдруг понял, что и в классической музыке есть «Битлз». Слушал я, конечно, не только «Битлз», но еще и Procol Harum, Pink Floyd — он заставлял задуматься. Но на «Битлз» мы молились. А потом на уроке истории музыки нам поставили Шестую симфонию Чайковского. На уроке на меня это не произвело сильного впечатления, но вечером я понял, что в памяти остались какие то ощущения и эпизоды музыкальные из этой симфонии. И на следующий день мой друг — мы за одной партой сидели, он был сыном профессора и заведующего кафедрой фортепиано в консерватории — услышал от меня, что меня это заинтересовало, и подарил мне виниловую пластинку с Шестой симфонией. А на обратной стороне Второй фортепианный концерт Рахманинова. Я помню, Рахманинова исполнял Рудольф Керер, а Чайковский — под управлением Мравинского. Я поставил дома эту пластинку, а родители уже ложились спать. Я дослушал, и мне дико захотелось поставить ее еще раз. Поначалу не хотел мешать, но через какое-то время осторожно спросил: «Может, мы послушаем?» Они обрадовались очень, что я чем-то таким увлекся, и все мы слушали Шестую симфонию, она до сих пор для меня любимая. Сколько раз я уже ею дирижировал, и слава богу, что так моя судьба сложилась. Сам-то, как альтист, я не буду ее играть. Хотя однажды я партию исполнял — когда Ростропович уезжал из России, он прощался Шестой симфонией, и я тогда сидел в студенческом оркестре.

Это же про Шестую симфонию говорили, что она провалилась, потому что на премьере ею дирижировал сам Чайковский. А вообще что значит «плохой» дирижер? Может ли дирижер испортить произведение?

Что значит испортить? Если оркестр хорошо знает произведение, то нет. У оркестрантов есть инстинкт самосохранения. Может выйти любой человек — если они профессионалы, они все равно сделают. Оценку дирижера можно разделить на два понятия: профессионален или нет. Дальше будет уже вопрос вкуса, идет трактовка, то есть темп и агогика — соотношение длительности между нотами, динамика, усиление того или иного качества в данный момент, смысла данного эпизода. Есть холодные ремесленники — это плохо. А эмоциональные и непрофессиональные — это тоже плохо.

Вы хулиганите, когда дирижируете?

И когда сам играю, и когда дирижирую, для меня самое главное — это импровизация. Не принцип «чтобы не повториться», а веление музыки: повело меня в эту сторону— я ныряю туда до конца. Поэтому мне нужен оркестр, который меня слушается, а для этого их надо увлечь. Бывает, что оркестр не получается увлечь, но это редко (смеется). А насчет хулиганства… Когда машина уже на ходу, можно увлечься и вместе с оркестром эту музыку проживать. Но чуть начинает провисать, опять надо брать бразды в свои руки. Вообще это темная, конечно, профессия, потому что все по-разному дирижируют, у каждого свои особенности.

Летом в рамках года музыки Великобритании и России мы говорили с самым авторитетным британским критиком классической музыки Фионой Мэддокс, и она сказала: вы счастливые люди — у вас часто играет Курентзис. Сама она при любой возможности идет на концерт, где он дирижирует. У вас есть такие предпочтения?

На меня из западных дирижеров очень сильное впечатление произвел Карлос Клайбер. А на Клайбера — Федосеев. Мы с Клайбером общались один раз в жизни (не на сцене, а именно разговаривали), и он сказал: когда я вижу в Вене афишу Федосеева, понимаю, что за день до этого есть репетиция, и я прихожу и сижу всю репетицию.

Осталось спросить Федосеева.

Он бы вам подтвердил провал Шестой симфонии Чайковского по вине авторского дирижирования. Что мне нравится в Федосееве, он старается как можно ближе подойти к замыслу автора. Бывает много традиций, вариаций, интерпретаций, но если они повторяются, то удешевляются со временем, а вот авторский текст как раз освежает очень. И я как раз на этой стороне.
Я считаю так: база должна быть авторской, 100%, а дальше в меру своего образования, вкуса и желания фантазируй сколько хочешь. Но базироваться надо не на том, что делали другие исполнители, а на том, что делал сам автор, и тогда ты будешь оригинальным. А стремление специально быть оригинальным зачастую оборачивается поверхностным. Внешние эффекты, когда нет связи между звуком и жестом, а есть спина с руками — для публики, такие дирижеры мне не интересны. Вы затронули фамилию Курентзиса, я с ним несколько раз выступал, он очень талантливый человек. Из зала я его не видел. Если же говорить о наших дирижерах, я однажды приехал в Роттердам накануне репетиции. Я знал, что там находится Валера Гергиев (он там главным режиссером был), и наугад спросил у того, кто меня встречал: «А где Валера?» Сказали, что у него сейчас мастер-класс, я пошел туда — и получил огромное удовольствие от этого мастер-класса. У него колоссальное количество средств выразительности, просто со своим оркестром он ведет себя гораздо скромнее, потому что они давно его знают и знают, чего он хочет. А с чужим оркестром проявляется его феноменальная школа, и талант, и все что хочешь. Если он останавливает оркестр, что-то им говорит, то вы сразу же видите изменения и огромный результат. У Гергиева совершенно гипнотическое воздействие на оркестр, власть над ним.
А вот Юрий Хатуевич Темирканов совершенно иначе работает — на невероятном обаянии, у него много своих каких-то типических жестов, он очень талантлив. Сейчас не стало Мариса Янсонса, его обожали все оркестры, где бы он ни работал. Удивительно светлый человек, доброжелательный и высокий профессионал. У нас, к счастью, осталась запись «Этюдов в простых тонах» Александра Чайковского: там моя дочь играла, а дирижировал как раз Марис. Мне как исполнителю, как солисту, очень нравятся такие дирижеры, которые не подкладываются под солиста, не дирижируют в чистом виде, а воспринимают музыку как произведение, а не как аккомпанемент солисту. Я когда с Валерой Гергиевым играю — есть запись одна сумасшедшая из Зальцбурга, там Шнитке у нас был — и у меня такое чувство, что я играю лучше, чем могу, а он дирижирует лучше, чем он может. С Темиркановым у нас было что-то похожее, когда мы играли Бартока в Израиле.

Это дорогого стоит, такое единение. Тут ведь мало одного профессионализма.

Я знаю секрет. Перед тем, кого ты очень уважаешь, ты не стесняешься и выражаешь себя, и он тебя не стесняется. Тогда это, возможно, произойдет. С Ростроповичем играть было потрясающе.

Как, по-вашему, соотносятся талант и труд в жизни успешных музыкантов?

Мне кажется, в само понятие таланта труд обязательно входит. Если быть талантливым, но недостаточно трудиться — это скорее дилетантство. Не слишком талантливый человек, но очень трудолюбивый может дойти до очень больших высот, и в нем даже в возрасте может проснуться больший талант, чем тот, с которым он родился. Поэтому я считаю, что труд — это основа всего. А так у людей просто спят таланты.
Так же как вот говорят «а мне медведь на ухо наступил, поэтому я к музыке как-то странно отношусь», ведь это неверно. Это не мои какие то измышления, просто когда меня проверяли в детстве, сказали «слуха нет». Потом спросили, а чувство ритма? Ритм есть. А если ритм есть, как может не быть слуха? И догадались, что просто связки не отвечают музыкальному слуху — и мне месяц развивали связки. Я по своему опыту могу сказать, у всех есть музыкальный слух, это данность. Поэтому теперь, когда человек говорит, что у него нет музыкального слуха, я спрашиваю, а песня какая-нибудь нравится? Если да, значит, она в тебе есть, ты просто сам не можешь спеть.
Еще раз могу повторить, как во мне проснулась любовь к классической музыке. Были же какие-то способности, раз мне нравились шедевры «Битлз». Я, как загипнотизированный, пришел от «Битлз» к Чайковскому, но с сомнениями. Люди в этом возрасте, 13- 14 лет, понимают и чувствуют дыхание времени лучше, чем те, кто не дорос и перерос. И я уже чувствовал запах шикарной, но мертвечинки. Слушал «Come Together» и думал «здорово, а что можно еще в этом плане?». Главное исчезло — «Битлз» рухнули. Я ничего не мог найти достойного, но потом услышал джаз-рок «Чикаго», сделал — получилась жалкая копия. Тут меня спас Владимир Ильич Ленин. Не лично, конечно, а потому, что был объявлен в Киеве конкурс, посвященный столетию Ленина. И у меня просто появилась цель. Меня до сих пор интересуют мостики между разными жанрами.

Поэтому вы и играете с разными исполнителями, включая Диану Арбенину.

С разными, но талантливыми. Конечно, самое трудное — исполнять романтическую музыку. Хотя, казалось бы, она самая мелодичная, гармоничная и так далее. Чтобы исполнять Моцарта и всю венскую классику качественно, достаточно образования и высокого уровня владения инструментом. А вот романтическая музыка человека оголяет совершенно. Тут возникает главный вопрос — вкус. Тут полшага влево-вправо, и ты уже в ресторане играешь. И, к сожалению, очень многие этим грешат. И это не «в наше время было лучше», это другая история. Можно играть современно, но при наличии хорошего вкуса.

Последний вопрос задам как раз про ваш инструмент, точнее, про футляр. Когда вы открывали футляр, видно было, что в крышке у вас фотографии. Что это за снимки, можете рассказать?

Это голливудские актрисы. Я раньше ничего не клал в футляр, так же как никогда не играл с кольцом, считал, что это мешает. Знаменитый Айзек Стерн, который боролся со всеми своими знаменитыми учениками-скрипачами, категорически запрещал играть с кольцом. Я с ним не был знаком, просто сам считал, что кольцо мешает визуально. Однажды я так даже обручальное потерял: снял на время концерта, и оно исчезло. А потом так случилось, что мне практически для веса нужно было кольцо какое-то на руке, и я в аэропорту в Израиле приобрел такое царское красивое кольцо. Недели три у меня не было концертов, и я его носил. А потом, когда начал репетировать, конечно, его снял, и мне чего-то не хватало на руке: веса. И я с ним стал играть, а потом кто-то пошутил: «смотри, Айзек увидит». Я же с ним тогда даже не был знаком! И когда мы с Айзеком первый раз встретились в Париже, то я очень волновался — он же легенда! А он мне сделал комплимент. Он сказал с таким грубым одесским акцентом: «Кто тебе ставил правую руку? Это лучшая правая рука в мире, шо я видел!». «А шо ты с кольцом играешь?» Я ждал этого вопроса и объяснил ему. Тогда он сказал: «Тебе можно».

Но вы начали отвечать про фотографии.

Дело в том, что в спектакле, который сейчас будет, «Не покидай свою планету», Костя Хабенский, который гениально читает эту роль, в какой-то момент разбрасывает и рвет фотографии неизвестных женщин. И потом луч света попадает на мой футляр. Когда Костя его открывает, там должны быть эти же фотографии. Спектакль идет уже три года, вот они там так и лежат. Сначала я их отклеивал, а потом решил, что постоянно делать это глупо. Раньше там были фотографии дедушки, детей моих, профессора, но теперь они просто лежат в футляре.

==========
Фото – по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 5038

СообщениеДобавлено: Пт Янв 24, 2020 1:31 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020012402
Тема| Музыка, Пермская опера, Персоналии, Артем Абашев, Филипп Копачевский, Андрей Баранов, Алексей Жилин
Автор| Инесса Суворова
Заголовок| В Пермском оперном театре установили новую акустическую ракушку
Где опубликовано| © «Российская газета»
Дата публикации| 2020-01-21
Ссылка| https://rg.ru/2020/01/21/reg-pfo/v-permskom-opernom-teatre-ustanovili-novuiu-akusticheskuiu-rakushku.html
Аннотация|


Фото: Инесса Суворова

В Пермском театре оперы и балета обновили сцену. Там появилась новая акустическая ракушка - специальное техническое сооружение, позволяющее более точно отправлять звук в зрительный зал.

По словам генерального директора театра Андрея Борисова, этого события здесь долго ждали. О необходимости обновления звукового оформления сцены говорил еще Теодор Курентзис. И вот его мечта сбылась. Новое сооружение имеет более широкие возможности по сравнению с тем, что было в театре с 2012 года.
- Конструкция новой ракушки позволяет адаптировать сцену под различные музыкальные задачи, - говорит он. - На сцене может выступать и большой симфонический оркестр, и солист, играющий на одном инструменте. Это разное звучание, под которое требуется разная настройка звукоотражающей поверхности. Старая ракушка не позволяла это делать, ее элементы были жестко зафиксированными. В новой можно изменять угол наклона потолка, увеличивать и уменьшать ширину боковых панелей. А это дает совсем иное качество звучания.

Кроме того новая ракушка имеет и другие достоинства. Например, светодиоды, вмонтированные в потолок. Они могут менять цвета, что дает возможность применять на концертах светоэффекты. При этом светодиоды не нагреваются и - что для музыкантов особенно важно - не шумят. Цвет самой деревянной поверхности, выполненной из дорогих пород дерева, гармонирует с цветовой гаммой зрительного зала.
Другой особенностью, важной для музыкального сообщества города, является то, что при необходимости ракушка легко разбирается и вновь собирается. Это было одним из пунктов технического задания на сооружение. Это позволит использовать ее не только на сцене театра оперы и балета, но и на других концертных площадках.
Как отметил министр культуры Пермского края Вячеслав Торчинский, ракушка уникальна, поскольку сделана по индивидуальному заказу. Исполнители - американская фирма, специализирующаяся на строительстве акустических сооружений. Новая ракушка обошлась краевому бюджету в сумму 23 миллиона рублей.

- Расширение технической базы театра предоставляет новые возможности не только для повышения качества звука, но и для освоения новых пространств и их вывода на уже совсем другой уровень, - отметил он. - Особенно актуальна эта задача перед Дягилевским фестивалем, во время которого мы используем все возможности и ресурсы региона для проведения столь масштабных культурных событий международного значения.
Впрочем, старая ракушка еще тоже послужит искусству. На время фестиваля ее планируют использовать на других площадках, в частности в ДК Солдатова, который уже заявлен как одно из мест проведения таких мероприятий.

Впервые ракушка будет представлена зрителю на симфоническом концерте 22 января. Симфонический оркестр театра под руководством дирижера Артема Абашева исполнит Тройной концерт для фортепиано, скрипки и виолончели Бетховена и Первую симфонию Брамса. Приглашенные солисты концерта: Филипп Копачевский (фортепиано), Андрей Баранов (скрипка) и Алексей Жилин (виолончель).
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 5038

СообщениеДобавлено: Вс Янв 26, 2020 12:28 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020012601
Тема| Музыка, Персоналии, Юрий Башмет
Автор| Мария Бабалова
Заголовок| Не стоит прогибаться под изменчивый мир
Юрий Башмет открывает Первый Зимний международный фестиваль искусств в Москве

Где опубликовано| © Российская газета - Столичный выпуск № 14(8068)
Дата публикации| 2020-01-24
Ссылка| https://rg.ru/2020/01/23/iurij-bashmet-oshchushchenie-liderstva-u-menia-bylo-vsegda.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Фото: Максим Шеметов / ТАСС

24 января, в свой день рождения, Юрий Башмет дает старт своему новому творческому проекту - Первому Зимнему международному фестивалю искусств в Москве. Этот форум - двенадцать вечеров - концертов, спектаклей и перформансов на восьми столичных площадках. Накануне события музыкант рассказал "РГ" о фестивале, политике и о том, как сделал выбор между смычком и саблей.

Юрий Абрамович, как родилась традиция концерта в день рождения?

Юрий Башмет: Все получилось естественно. Дело в том, что если в очень значимый момент жизни у меня нет выступления, то какая-то очень важная часть меня выпадает, и тогда я уже не живу полноценно. Поэтому в день рождения я должен быть на сцене. К тому же очень приятно не только получать, но и преподносить подарки.

У вас множество фестивалей, среди которых, наверное, самый известный, что уже много лет проходит в Сочи. Почему вы решили создать подобный проект в Москве?

Юрий Башмет: Москва - мой любимый город. И я подумал, почему же вот уже сколько лет мы ездим по России, фестивали делаем, а Москву игнорируем - это несправедливо. И программа получилась неожиданно даже для нас очень насыщенной. Потому что в подобном проекте всегда есть огромное желание и смысл собрать вместе что-то новое, интересное и любимое. Фестиваль - это ведь не просто череда концертов, это еще всегда и роскошь человеческого общения и артистов, и публики. И все мои фестивали поэтому очень разные, если даже и возникают какие-то пересечения внутри программ.

Что должно, на ваш взгляд, стать главным событием нового фестиваля?

Юрий Башмет: Наши премьеры. Например, хоровой оперы Александра Чайковского "Сказ о Борисе и Глебе". Насколько я понимаю, предчувствую, что это очень большая композиторская удача. Он очень плодовитый автор и при этом, конечно, такой последний из могикан. У него самобытный музыкальный язык, но основа настоящая, академическая. Мне это в нем очень близко. Я приверженец Московской консерватории, прямо говорю. Но будет еще, конечно, на фестивале премьера альтового произведения, написанного молодым талантливым композитором Кузьмой Бодровым.

Вы не считаете, что для альта, как сольного инструмента, вы сделали гораздо больше, чем он того заслуживает? Ели бы не ваши усилия, он не стал бы таким популярным?

Юрий Башмет: В смысле популярности, согласен. А что больше, чем он заслуживает, - нет. Ведь при появлении, например, концерта Шнитке стало ясно, что роль альта минимально не ниже, чем любого другого, сольное звучание которого нам привычно. И не случайно сам Шнитке считал, что это был его лучший инструментальный концерт. Хотя я считаю, что у него великолепный фортепианный концерт и, конечно, Первый Concerto Grosso для двух скрипок - это шедевр! Конечно, есть для альта и переложения классических произведений. Но, я думаю, что альт-соло - это инструмент ХХ века и сегодняшнего дня. И сонаты Шостаковича, концерт Шнитке и концерт Губайдулиной тому подтверждение.

А когда вы задумались о дирижировании?

Юрий Башмет: Сегодня среди музыкантов-инструменталистов дирижирование во второй половине жизни кажется распространенным явлением. На самом деле все очень индивидуально. Например, Давид Ойстрах начал дирижировать, находясь на абсолютном пике своей инструментальной формы. А Рихтер в конце жизни сказал мне, что еще далеко не сыграл весь огромный фортепианный репертуар, чтобы начать дирижировать. Если человек хорошо играет на своем инструменте, я убежден, он не может быть плохим дирижером, потому что профессия одна - музыкант. И тому примеров масса: и Темирканов, и Симонов, и Джулини были альтистами. Но, если честно, мне раньше дирижеры, за редким исключением, не нравились. Потому что все внимание их, как правило, было сосредоточено на симфонии, а отношение к солисту часто оказывалось достаточно халатным, в пределах формального аккомпанемента. Поэтому дирижирование для меня это не только расширение репертуара.

Неужели всю музыку вы играете с одинаковым удовольствием и степенью погружения?

Юрий Башмет: Стараюсь. Но, конечно, есть произведения, которые я сыграл однажды и больше не буду, потому что не нашел той глубины, которая с каждым новым исполнением способна дарить уникальные ощущения, мысли, что расширяют твое миропонимание. Но такой способностью обладают лишь великие произведения.

А что, на ваш взгляд, делает произведение великим?

Юрий Башмет: Колоссальный баланс мысли, души и искренности. И бешеная работа. Все, как в Шестой симфонии Чайковского, где под каждой тактовой строчкой три-четыре сноски вариантов. Это абсолютно гениальный и кровавый труд. Быть музыкантом - творцом или исполнителем - это не только привилегия, но и каторжное служение.

И, несмотря на это, вы захотели, чтобы музыкальная династия Башметов имела продолжение?

Юрий Башмет: Когда родилась моя дочь Ксюша, то мы с супругой пришли к мнению, что не надо учить ее музыке. Но когда ей было около пяти лет, отправили ее на какое-то время к бабушке, не предупредив о своем решении. И когда Ксюша вернулась в Москву, уже стало ясно, что растет музыкант, так как с ней стали заниматься. Чему, честно скажу, я был очень рад. Но все же главное для меня, чтобы ей жизнь не испортила фамилия. Именно из-за фамилии, я думаю, мой сын Александр и не стал музыкантом, а у него были прекрасные способности. Но, к сожалению, невозможно быть мудрым смолоду. Поэтому сейчас, я очень хочу, чтобы мимолетные соблазны юности глобально не отвлекли от музыки моего внука, уж слишком много ему дано от природы и от его учителей. Обидно будет это потерять.

А в вас сегодняшнем осталось что-нибудь из детства?

Юрий Башмет: Наверное, умение побеждать. Вообще ощущение лидерства у меня было всегда. Мама пробовала меня в разных областях, чтобы увидеть, что меня может заинтересовать, чтобы уличным бандитом не стал. Она считала нужным, чтобы человек был чем-то постоянно увлечен. И среди прочего у меня была секция фехтования. Почему? Потому что в это время были старые фильмы "Фанфан-тюльпан" и "Три мушкетера". И мне, действительно, нравились занятия. Это сабля была. И где-то за полгода тренировок я дошел до юношеского разряда. Но вскоре меня мама забрала оттуда: ей кто-то сказал, что эти занятия могут закрепостить кисть, что плохо для музыкантского будущего. Но тогда очарованный вестерном "Великолепная семерка" я переключился на метание ножей. Помню, покупали ножи по рубль двадцать, и устраивали турниры во дворе. И тут я сразу тоже стал победителем… Характер человека в детстве закладывается.

А с какой целью вы создали Всероссийский юношеский симфонический оркестр?

Юрий Башмет: Сегодня в России создание детско-юношеских оркестров стало модой. Должен сказать, я сначала расстраивался, когда узнавал, что вот там и там молодежные оркестры один за другим открываются. Думал, что началась чистая спекуляция на "утраченном детстве". А потом перестал переживать, потому что наша идея изначально была другой. Мы не создаем оркестр, который ежедневно работает, получает зарплату. Мы учим профессии, постоянно проводя прослушивания для ротации состава, ездим с концертами и по России, и по Европе. Невероятно, но благодаря таким поездкам дети в 13-14 лет из самых разных регионов нашей страны уже видели своими глазами многие мировые достопримечательности, что тоже очень важно для формирования личности. Оркестру уже восемь лет, вполне достаточный срок, чтобы сделать вывод, что этот проект оказался результативным.

Сегодня вы много по России гастролируете?

Юрий Башмет: Несколько лет назад я сознательно решил, что надо изменить приоритеты. И если раньше 80 процентов выступлений было у меня за границей, а 20 - дома, то сегодня пропорция уже обратная. И эта идея оправдала себя в плане миссионерства, патриотизма. Такой любви, преданности музыке нигде в мире, как в России, не встретишь. Может, только в Японии нечто подобное происходит. Иногда приезжаешь в город, названия которого даже не знал, а тебя люди у служебного входа в зал ждут и рассказывают, что твоего концерта 20 лет ждали. Такое забыть, переоценить невозможно.

Какими сегодня, на ваш взгляд, должны быть отношения между художником и властью?

Юрий Башмет: Однажды Рихтер сказал мне: "Классическая музыка и политика - две вещи несовместимые". И тогда я с ним полностью согласился, потому что увлечение его личностью было абсолютным. А сегодня, с годами я понимаю, что в жизни не все так просто. И если мы вспомним историю, то всплывет немало подтверждающих это сюжетов из разных эпох. Конечно, для автора или исполнителя было ужасно, когда по каким-то идеологическим, цензурным соображениям что-то закрывалось. Но, во-первых, история все рассудила. А во-вторых, подобные вещи и ныне происходят повсюду в мире, но теперь по причинам больше экономического свойства. Невозможно жить в обществе и быть свободным от него.

А что значит для вас быть Народным артистом СССР, страны которой уже нет на карте мира?

Юрий Башмет: Во-первых, я отношусь с большим пиететом к музыкальной истории советской эпохи. Во-вторых, я появился на свет в тот год, когда ушли из жизни Сталин и Прокофьев. Но я родился. И дальше все, что со мной было и происходит сегодня, - это я. Мне повезло и с прекрасными родителями, и с гениальными учителями, и великолепными коллегами. И я все это унесу с собой. Поэтому я категорически не буду клеймить свое историческое прошлое, даже несмотря на то, что в нем было и плохое. У меня есть инстинкт самосохранения собственного "я". А это "я" - явление цельное.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 5038

СообщениеДобавлено: Вс Янв 26, 2020 12:28 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020012602
Тема| Музыка, Зимний фестиваль искусств Башмета, Персоналии, Юрий Башмет
Автор| ВЛАДИМИР БУЛКИН
Заголовок| На Зимнем фестивале Башмета кашляющего Ефремова заменит Сергей Гармаш
Впервые в Москве пройдет Зимний фестиваль искусств Юрия Башмета

Где опубликовано| © «Комсомольская правда»
Дата публикации| 2020-01-24
Ссылка| https://www.kp.ru/daily/27083.7/4154598/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Юрий Башмет организовал огромное множество фестивалей в разных городах России. Многие слышали о фестивалях в Сочи, в Ростове-на-Дону, в Ярославле... Почему среди этих городов не было Москвы - остается только догадываться. Москвичи шутили, что для того, чтобы увидеть и услышать некоторые нашумевшие постановки Башмета, легче поехать в Сочи, чем подкараулить и попасть на московские показы. (Например, это касается аншлагового спектакля по Экзюпери "Не покидай свою планету", где единственную роль исполняет Константин Хабенский, а за музыкальное сопровождение ответственны Башмет и оркестр.

И вот маэстро понял сам, что "время пришло". С 24 января по 10 февраля в Москве на восьми площадках развернется первый столичный Зимний фестиваль искусств Башмета. Билеты уже почти проданы, но если постараться, то можно попасть. Например, важно услышать шесть Бранденбургских концертов Баха, которые сыграют "Солисты Москвы" в Зарядье 30 января. Обычно исполняются один или два концерта, чтобы прозвучало сразу шесть - это большая редкость.

Важно помнить, что фестиваль искусств - это не только музыка, но и спектакли. Башмет придумал интересный новый жанр, который получил известность как "театр Башмета". Это микс спектакля и концерта, музыки и танца. Объяснить сложно, но смотреть легко, приятно и познавательно.

- Сейчас у молодого поколения другие скорости. Заставить ребенка пять часов слушать оперу - это катастрофа, - говорит маэстро. - Взять "Евгения Онегина": да девяносто процентов наших граждан вообще не знают, в чем сюжет. Поэтому мы во время спектакля рассказываем сюжет, подбираем хиты из оперы и все это укладываем в полтора часа. Так получается, что неподготовленный зритель обогащается. Он и содержание узнал, и оперу послушал.

В копилке мастера уже пять спектаклей. А своей самой любимой маэстро называет постановку "Фантастическая Кармен", которая пройдет 4 февраля в "Геликон-опере". - Существует три произведения "Кармен". Во-первых, это история Проспера Мериме, во-вторых, оригинальная опера Чайковкого и, наконец, сюита для балета, которую сочинил для Майи Плисецкой Родион Щедрин. Мы все это соединили. Поэтому в нашей постановке есть и оперная певица, и прима Большого театра, и драматическая актриса", - объяснял музыкант журналистам.

Сам он сравнивает свою "Кармен" со знаменитым фильмом "Амадеус", где история взаимоотношений Моцарта и Сальери рассказана с точки зрения Сальери: "Вот так и мы в постановке сделали: факты не меняются, зато взгляд другой. Все, как я люблю".
Как всегда, маэстро приготовит неожиданности. Однажды в Сочи Башмет привозил китайскую оперу "Волшебная заколка". Сказать, что она удивила слушателей - ничего не сказать. В Москву приедет не менее оригинальная постановка - опера "Лейла и Маджнун" на арабском языке.

Автор ее - всемирно известный композитор Арман Амар, известный музыкой к фильмам Люка Бессона.

Будут в течение фестиваля и мировые премьеры произведений отечественных композиторов. А десятого февраля в Большом зале консерватории состоится гала-концерт. На котором, среди прочего, прозвучит "Слово о полку Игореве" Александра Чайковского. Это замечательное произведение в забытом жанре мелодекламации: когда чтец исполняет текст, а оркестр под управлением Юрия Башмета - сопровождает чтение музыкой. Москвичи могли слышать это произведение. Например, два года на концерте по случаю дня рождения маэстро в роли чтеца выступал Михаил Ефремов, и тогда случилось непредвиденное: исполнителя прямо на сцене сразил кашель. Огромный зрительный зал сочувствовал не князю Игорю, Ярославне и дружине, а Ефремову, захлебывающемуся от кашля, но продолжающему читать. Зал выдохнул только на последней фразе: "Князю слава, а дружине "аминь".

Непонятно, этот ли случай тому причина или что-то другое, но на сей раз исполнять "Слово" будет Сергей Гармаш.

ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ
Юрий Башмет: В жизни надо слышать не только "браво", но и "бу"

24 января прославленный музыкант Юрий Башмет отмечает день рождения. Уже стало традицией, что этот праздник маэстро встречает на сцене. Но в этом году есть и то, что выходит за рамки традиций: впервые музыкант проведет в Москве Зимний фестиваль искусств, который продлится до 10 февраля. Подробности узнавала Евгения Коробкова.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 5038

СообщениеДобавлено: Вс Янв 26, 2020 12:29 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020012603
Тема| Музыка, Персоналии, Юрий Башмет
Автор| ЕВГЕНИЯ КОРОБКОВА
Заголовок| Юрий Башмет: В жизни надо слышать не только "браво", но и "бу"
Маэстро рассказал, что его бесит, о методе обучения при помощи палки и о том, что он зарыл под сливами

Где опубликовано| © «Комсомольская правда»
Дата публикации| 2020-01-24
Ссылка| https://www.kp.ru/daily/27083.7/ 4154337/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

24 января прославленный музыкант Юрий Башмет отмечает день рождения. Уже стало традицией, что этот праздник маэстро встречает на сцене. Но в этом году есть и то, что выходит за рамки традиций: впервые музыкант проведет в Москве Зимний фестиваль искусств, который продлится до 10 февраля. Подробности узнавала Евгения Коробкова.

- Из "Комсомолки"? Это моя любимая газета,обожаю "Комсомолку", - первым делом сказал Юрий Башмет, когда я еще не задала вопроса. - Я когда в самолете лечу, всегда беру только вашу газету. Понимаю, что бизнесмены другое читают, но мне другое непонятно. Я вот "Комосомолочку" люблю.

- Юрий Абрамович, как приятно... Почему не все музыканты такие вежливые и воспитанные?

- Вы считаете, что не все вежливые и воспитанные? Можно, я закурю?

- Можно-можно. Но ваших тонко чувствующих коллег-музыкантов постоянно раздражает то дикция журналиста, то дефекты речи, то еще что-нибудь.

- То, что я принадлежу цеху музыкантов и исполнителей не означает вседозволенности. У меня есть правила, которые заложили мама и папа в детстве, это моя точка отсчета, я стараюсь им следовать.

- Со стороны кажется, что вас ничто никогда не бесит, у вас всегда хорошее настроение...

- Бесит, конечно, просто я научился с годами не реагировать. Из последнего, что взбесило - это конкурс Чайковского. Мне очень не понравилось, что председателями жюри по скрипке и вокалу были иностранцы. И мало того, что иностранцы, так еще и менеджеры, не имеющие никакого отношения к инструменту. Почему Тамара Синявская, лауреат первой премии конкурса Чайковского, не председатель жюри по вокалу? Почему Спиваков не возглавлял жюри по скрипке?

- Что? Юрий Башмет сказал "Спиваков"?

- Да, я сказал "Спиваков", потому что я сейчас справедливые вещи говорю. У нас есть Витя Третьяков и Володя Спиваков - эталоны, лауреаты. Кто-то из них должен был быть председателем жюри по скрипке. Но почему-то нужно было звать иностранца, который скрипку никогда не держал в руках. Вот это меня очень раздражает. А хамство - нет, уже нет. Хамы - они как курильщики. Привыкли, трудно бросить.

"МЕЖДУ ТРЕТЬЕЙ И ЧЕТВЕРТОЙ СЛИВОЙ Я ЗАРЫЛ ПОСЛАНИЕ ПОТОМКАМ"

- Почему вы всегда отмечаете день рождения концертом? Не лучше ли за столом с друзьями.


- Одно другому не мешает. Можно сначала на сцене, а потом - за столом. Дело в том, что с детства для меня существует два праздника: день рождения и Новый год. И я привык эти праздники проводить на сцене. Мне, например, друзья говорят: да зачем ты мучаешься, это так тяжело давать концерт 31 декабря... А я помню, что когда под какой-то Новый год не выступал, мне потом было очень плохо, я долго восстанавливался, не мог прийти в себя после такого. Видимо, для меня выступать органичнее, чем не выступать. Поэтому так сложилось, что в день рождения и в Новый год я должен быть на сцене, и желательно - дома.

- Дома - это в Москве, имеете в виду?

- Да, конечно, Москва - мой любимый город.

- А Львов, где вы учились, не ваш любимый город?

- (Вздыхает, выпускает дым кольцами). Ну вы же знаете политическую картину? К сожалению, я там вообще не бываю, не говоря уже о концертах.

- Хотелось бы?

- Очень. И концерт хотелось бы дать и просто по-человечески приехать. Это же город моего детства. Я в последнее время часто его вспоминаю... как с моим лучшим другом бегали за недозрелыми сливами на территорию дворца Потоцких, как страшно боялись, что сторож попадет в нас дробью. Как закопали там бутылку с посланием для будущих поколений...

- У кого-то есть шанс откопать послание молодого Башмета?

- Если уже не откопали. Я помню, где мы зарыли: это между третьей и четвертой сливой.
Во Львове остались все родные могилы: и родителей, и дедушки, который мне деньги на учебу давал, и брата... У меня есть друг детства, он все это время, пока продолжается неразбериха - следит за могилами. Отказывается от денег принципиально, потому что считает, что моя мама была немножко и его мамой. Потому что, когда он приходил ко мне, моя мама говорила: "Юра будет еще час будет заниматься. Посиди, подожди. А вот это ты читал?" И приносила ему интересную книгу. Так он прочел все книги нашей домашней библиотеки...
Мне надо во Львов, проведать их. Поэтому очень хочу, чтобы все политические проблемы утряслись, а они не могут не утрястись. Главное - дожить до этого момента.

- Раз уж затронули такую тему. Вам посвящали произведения выдающиеся композиторы, которых больше нет. Недавно ушел Гия Канчели, посвятивший вам "Стикс". Исполняли ли вы это произведения после ухода Канчели? Чувствовали ли связь.

- Я вам рассказывал, наверное, как исполняя последнее произведение Шостаковича, после его смерти уже - увидел Шостаковича в зале. Обычно я исполняю "Стикс" раз в год, но после ухода Гии я еще этого не делал. Мне нужно собраться с силами, потому что это особое произведение: мощное, мистическое. Как говорил Гия, он написал "Стикс" для альта, потому что голос альта способен объединить голоса живых и мертвых.
Связь с композитором, конечно, ощущается в нем особо. Эта музыка проникает во все тело. Например, я не играю год, а потом мне достаточно совсем немного времени, чтобы восстановить. Руки, помнят его, "Стикс" остается в теле, становится частью меня.

- Разве не со всеми произведениями так?

- Далеко нет. Есть музыка, которые забывается начисто. Бриттен например. У него несколько вещей я их отыгрываю и забываю полностью, будто не играл никогда... Вообще-то это большая тайна, но я исполню исполню "Стикс" на концерте 24 января.

- Незадолго перед вашим днем рождения назначили нового министра культуры. Что вы ждете от него?

- Если бы меня спросили, что нужно делать министру, я бы тут же посоветовал направить ресурсы на увеличение оплаты труда педагогов музыкальных школ. Они же за копейки работают, на энтузиазме. Мы когда ездим по стране, отбираем детей во Всероссийский оркестр - очень даже заметно, где сильный педагог работает. Вроде бы, дела постепенно налаживаются, если вы слушали Послание президента Федеральному собранию, то он сказал, что выделит музыкальным школам 8 миллиардов рублей на закупку инструментов. Это сильный шаг. Конечно, если пропорционально на все школы разделить, не так много получится, но, с другой стороны, не во все же школы "Стенвеи" покупать...

- А что думаете относительно будущего музыкальных школ? В последнее время много говорят о том, что они не нужны и музыке нельзя учить из-под палки.

- Я все-таки за советскую систему образования, она давала прекрасные плоды. Есть разные способы учить музыке, из-под палки - один из них. У меня была студентка из Китая, помню, она просила: поставьте мне четверку, я буду стараться, иначе, когда я приду домой, папа будет бить меня палкой долго и больно... А папа у нее был министром культуры какой-то китайской провинции...
Шутка, наверное, про палку, но строгость нужна. Мне даже моя дочь Ксения однажды сказала: папа, тебе надо было быть со мной строже.

- Извините, но не могу не задать вопрос про внука Гранта, когда он после пожара в доме сказал, жаль, что скрипка не сгорела.

- Грант сейчас в таком возрасте, когда, может быть не всегда хочется заниматься. Я сам себя помню в это время, может быть, хотелось больше чего-то другого: на улице бегать, в футбол гонять. Он очень вежливый, воспитанный мальчик, и я от него никогда не слышал ничего подобного.
Все это было сказано из-за стресса, который испытали и он, и Ксения во время пожара, а этой записью, которую везде распространили, его товарищ просто подставил. Через короткое время после того, что случилось, Грант выиграл детский скрипичный конкурс и мне сказал, что ему нравится играть и нравится побеждать.

МУЗЫКАНТУ ВСЕ ИНТЕРЕСНО ПОЩУПАТЬ

- Вот вы говорили, что надо думать о публике, а сами на каждом концерте исполняете такое, что иногда непонятно, это музыканты инструменты настраивают или уже произведение звучит.


- Я считаю, что в программе должно звучать все: от самого простого, до самого сложного. Кто-то ведь в первый раз приходит, а кто-то - абонемент купил и все знает, поэтому ориентироваться нужно на весь спектр гостей. На каждом концерте я обязательно даю шлягер: это может быть увертюра Россини или сороковая симфония Моцарта, или пятая симфония Бетховена. И в то же время обязательно звучит что-то новое, сложное. Без этого нельзя.

- А вам самому эти акустические полотна новых композиторов, что, нравятся?

- Нет, я не говорю, что мне все это нравится. Мы как-то исполняли "спектальную" музыку, это такое направление, когда играет специально расстроенный по частотам инструмент. Уходит полчаса чтобы так настроить или расстроить оркестр. Звучит дикая фальшь! Но в то же время эта фальшь системна. А в прошлом году в Сочи исполняли музыку, написанную "Яндексом". И даже в этой музыке даже было что-то симпатичное. Конечно, я сильно сомневаюсь в том, что будущее музыки связано с этим направлением, но музыканту все интересно пощупать, а ждем-то все равно нового Прокофьева, Шостаковича, Рахманинова.

- Не боитесь, что публика не выдержит такого щупания?

- Давно не боюсь. Перестал бояться после одного Новогоднего концерта, который мы играли с Ростроповичем. Исполняли Шнитке и русскую программу, а публика хотела Штрауса и польки. Мы играли очень хорошо, но в генеральной паузе кто-то выкрикнул: "Бу". Я тогда не знал, что это значит, и Ростропович мне сказал, что это "антибраво". Удивительно то, что это "бу" привело к бешеному успеху. Про нас написали абсолютно все. Я тогда подумал, что в жизни надо слышать не только "браво", но и "бу".

ПОЧТИ ЗАБЫЛ, КАК ИГРАТЬ НА ГИТАРЕ

- В программе сказано, что вы исполните некий музыкальный Манифест Башмета. Что за манифест у Башмета?


- Пока никому особенно не рассказываю, что это. Но если коротко, то я за академическую основу. Сначала - академизм, а потом - любые свободы, иначе будет анархия. Я против внешнего эффекта.

- А вы считаете, что у вас нет внешнего эффекта? Красивый мужчина с альтом - это разве не внешний эффект.

- Гм, спасибо, мне приятно, что считаете меня красивым.

- На ваше шестидесятипятилетие, в концертном зале Чайковского была выставка ваших фотографий, и я сама видела, как тетеньки зависали и умилялись: "ой, ну какой красивый мужчина". Это к тому, что вы не можете отрицать внешний эффект, который производите. Все эти длинные волосы, фантастические перстни на мизинце.

- Волосы да, но я же битломан, битломанам положено длинные волосы. К тому же мне на них дал индульгенцию Рихтер. Он сказал: "Знаете, я не люблю когда у мужчин длинные волосы, но вам идет. Только длиннее - уже не надо". Но внешний эффект в них, мне кажется, был раньше, а сейчас - нет. У меня ведь волосы уже не густые, длина пожалуйста, растут быстро, но нет густоты.

- А как тогда ваши знаменитые украшения? Огромные кольца на мизинце?

- Так кольца не для красоты совсем, а для веса. Я раньше очень строго относился к украшениям, сам ничего не носил и не приветствовал даже обручальные кольца у участников ансамбля. Как-то отвлекают, что-то внешнее в этом есть. Но однажды застрял в израильском аэропорту на пять часов и от скуки приобрел кольцо. Оно было большое такое, дорогое. Так привык к ощущению веса на пальце, что четырнадцать лет с ним отыграл, пока не потерял. А после того, как потерял, понял, что не могу без ощущения веса на пальце. Пошел в ювелирный магазин, раскрыл инструмент и мы с продавщицей стали пробовали разные украшения, насколько комфортно в них играть. Выяснилось, что одного кольца мало, поэтому я купил два.

- А, так это у вас два кольца на мизинце?

- Да, два, они в сумме весят тридцать два грамма. Но я думаю от них отказаться совсем. В прошлом году во время активной игры в консерватории одно у меня соскочило и улетело. Я его нашел и с тех пор играю без колец. Причем, многие заметили, что без колец звук стал лучше, полетнее. В общем, ношу кольца по привычке, но скоро и совсем от них откажусь, мне так кажется.

- Вы же гитарист в прошлом, когда в последний раз брали в руки гитару?

- Недавно играл. Понял, что вообще все забыл. Это было на передаче "Синяя птица", там один из участников исполнял органную фантазию, потом парень дал мне гитару и говорит: Юрий Абрамович, мы знаем, что вы играете...
Это была простая такая, дешевая гитара... я взял несколько аккордов, он подхватил. И, счастью, гитару у меня забрали и дали альт, на котором я доиграл.

НАШ ПРЕЗИДЕНТ ОТЛИЧНО РАЗБИРАЕТСЯ В МУЗЫКЕ

- Юрий Абрамович, и напоследок. Вы говорили, что музыкант должен испытывать чувство любви перед концертом.


- Я так говорил?

- Да, имеется в виду, к произведению.

- А, это да. Обязательно. Если я сам не влюблен, не могу заставлять влюбляться зрителя.

- В какие произведения влюблены в данный момент.

- Да, почему-то "Лебедь" Сен- Санса. Крутится в голове, не знаю, почему. Та-ра-ти-ра (поет) там такая блестящая серединка, абсолютно классический пример высказывания Гете, что в любой форме должен быть эпизод, который сам по себе не несет смысла, но если его убрать - форма рассыплется. Потрясающая вещь... Та-ра-ти-ра... Не знаю, к чему я это, наверное,потому, что Майю Плисецкую вспомнили недавно. Она очень хотела, чтобы я играл это произведение на альте, а она - танцевала. Но у нас так и не получилось, а Майя вскоре умерла. Правда, потом я "Лебедя" сыграл в Токио с мамой теперешнего императора. Она предложила, я говорю, это же не для альта написано, у меня нет нот. А она отвечает, ну ничего, мой сын играет на альте, у него есть переложение. И мы сыграли.

- Ничего себе в Японии императоры. На альте играют!

- Да, но у нас, знаете ли, президент тоже в музыке очень хорошо разбирается. Я это сам знаю.

С 24 января по 10 февраля в Москве пройдет первый Зимний международный фестиваль искусств под управлением народного артиста СССР, маэстро Юрия Башмета. Всемирно известные музыканты и знаменитые актеры театра и кино объединятся, чтобы представить публике разнообразную программу из 12 вечеров сразу на 8 площадках города.
Спектакли, музыкально-литературные проекты, концерты классической и современной академической музыки, мастер-классы, выставки в фойе театров и концертных залов, специальные проекты фестиваля – все это, и многое другое ждет гостей на настоящем празднике искусства под управлением маэстро Башмета.


==========
Фото – по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 5038

СообщениеДобавлено: Вс Янв 26, 2020 12:29 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020012604
Тема| Музыка, Персоналии, Алексей Гориболь
Автор| Дмитрий Хабаров
Заголовок| 45 минут из жизни Алексея Гориболя
Где опубликовано| © «Прямая речь»
Дата публикации| 2020 январь
Ссылка| http://www.directspeech.ru/news/sobytiya/45-minut-iz-zhizni-alekseya-goribolya/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


С виолончелистом Рустамом Комачковым.
Фото: Григорий Сысоев / РИА Новости


Именно столько в его исполнении звучат «Буковинские песни» Леонида Десятникова, премьеру которых большой композитор доверил большому пианисту

Алексей Гориболь из тех настоящих музыкантов, которые, пребывая за гранью реальности, создают её такой, какая она есть. Он её чувствует, понимает и доводит настолько ясно, что возникающие перед зрителем образы приобретают абсолютно зримые очертания. Он не был на Буковине, но «Буковинские песни» в его исполнении играют с твоим воображением, постепенно завораживая лесной глубиной диковинного Прикарпатья. За роялем он, что в общении, – галантен, артистичен, нетерпелив. К классике, равно как и к публике, – внимателен, предусмотрителен, почтителен. Вера Горностаева рекомендовала своим студентам прислушиваться к фортепианному туше Гориболя. Вера Таривердиева ему доверила музыку Микаэла Таривердиева. Леонид Десятников посвятил пианисту свои «Буковинские песни»... Мы поинтересовались: каково быть первым исполнителем произведения, которое современники уже причисляют к знаковым сочинениям начала XXI века.

В глубине буковинского леса

– Читал, что Леонид Десятников вам сочувствовал, когда вы разучивали его произведение. Тяжело давались его «Буковинские песни»?


– Слово «тяжело» в вопросе неуместно. Работа с «Буковинскими песнями» принесла мне не трудности, а абсолютное удовольствие, творческое наслаждение, сопряжённое с ощущением огромной ответственности. С первого проигрывания, с первой ноты стало очевидно – фортепианный репертуар обогатился абсолютным шедевром. Думаю, сочинению суждена долгая и счастливая жизнь.

– Приятно осознавать право первого исполнения за собой?

– Я работаю с музыкой Леонида Аркадьевича 30 лет и являюсь первым исполнителем подавляющего большинства его камерных произведений для рояля. Для меня это посвящение – большая честь.

– Музыкант, исполняющий произведение композитора, сам становится сочинителем?

– В большой степени в новой музыке исполнитель является соавтором композитора. Очень важно, как музыкант услышит и проживёт новое сочинение. Он соединяет написанный автором текст со своим прочтением – пропускает через себя и в итоге «присваивает». Я так думаю. Но не каждый композитор с этим согласится.

– Какие образы перед собой во время исполнения представляли? Вообще во время игры важно использовать ассоциации?

– Никаких. Ассоциаций собственно с песнями не было, с природой тоже. Буковину я проезжал единственный раз в жизни на поезде из Москвы в Вену. В работе над прелюдиями я исходил из материала, который создал Леонид Десятников и в котором отразился его мир, его ощущения, его стиль. Это и был мой главный ориентир.

– Композитор безоговорочно принял вашу версию исполнения? Или всё-таки споры возникали?

– Не будем идеализировать довольно сложный процесс подготовки произведения к первому исполнению. Конечно, Десятников делал существенные замечания. Он – прекрасный пианист и многое замечательно показывал, впрочем, как и его коллеги-композиторы, несколько отстранённо. Стоит вспомнить Рахманинова, который подчёркнуто сдержанно играл свою музыку, но абсолютно иначе раскрывался в сочинениях других авторов. Десятников также эмоционально сдержан в показе своей музыки. Поэтому заново её пережить и «отдать» в зал – моё дело как исполнителя.

С первой интонации

– На московской премьере видел, как Малый зал Московской консерватории внимал каждому звуку. Музыкант чувствует со сцены реакцию зала?


– Конечно. Публика разная, неоднородная, но «Буковинские песни» одинаково внимательно слушали независимо от места, где они звучали – будь то Barbican в Лондоне, Lincoln Center в Нью-Йорке, Мраморный дворец в Санкт-Петербурге или зал Школы искусств в Зеленогорске. Когда музыка воздействует с первой интонации, к ней сразу приковано внимание слушателя, она поглощает, ведёт за собой, не даёт без неё жить все 45 минут звучания. Такую музыку называют гениальной.

– Что после концерта чувствует музыкант?

– Опустошение. Некоторое время – недовольство. Но вместе с ним в какой-то момент приходит и удовлетворение.

– Вера Горностаева рекомендовала студентам прислушиваться к вашему тушe. А вы к кому прислушивались?

– Я фанат Святослава Рихтера. Восхищаюсь им не только как музыкантом, но и как многогранной личностью – пианист, философ, художник, режиссёр, музыкальный куратор. Помню нашу первую встречу. Я учился на третьем курсе консерватории. Меня рекомендовали в ансамбль студентов и аспирантов консерватории для работы с Рихтером над постановкой комической оперы Бенджамина Бриттена «Альберт Херринг» на «Декабрьских вечерах». Всех участников постановки Святослав Теофилович пригласил в свой знаменитый «грааль» на Большой Бронной (имеется в виду квартира пианиста. – Ред.) для прослушивания авторской записи этого произведения. В перерыве вдруг зашёл разговор о кино, и в частности о фильмах Лукино Висконти. Мэтр нашёл во мне хорошо «подкованного» собеседника и уделил целых 10 минут своего внимания. Неплохо для первой встречи. Рихтер так и остался для меня кумиром номер один. Но я не могу не сказать о том невероятном впечатлении, которое произвели на меня записи Сергея Рахманинова, Гленна Гульда, Марии Юдиной и концерты Эмиля Гилельса.

– В свободное от работы время есть место музыке? Какой?

– Самой разной. Очень люблю Александру Пахмутову. Она – Шуберт нашего времени. Обожаю Раймонда Паулса и с удовольствием играю для друзей свои фортепианные транскрипции его песен. На 70-летии, которое Раймонд Вольдемарович отмечал в Петербурге, мы с Леонидом Десятниковым сидели с юбиляром за одним столом. Ох, мне надо было встать, подойти к роялю и сыграть что-то для маэстро! Но из-за внутренней робости я этого так и не сделал, о чём сильно жалею.

Пульсация времени

– Как вы относитесь к нынешней популяризации классической музыки. По вашему мнению, массам вообще нужно высокое искусство?


– Это вопрос не ко мне – к социологам, историкам, музыковедам. В своё время о классической музыке на главных телевизионных каналах и на радио в своих циклах говорили такие великие музыканты, как Евгений Светланов, Геннадий Рождественский, Вера Горностаева. С периодичностью раз в неделю выходили передачи Элеоноры Беляевой и Ольги Доброхотовой. Рейтинг классической музыки в массовом сознании был невероятно высок. Отсюда оцепления консерватории на концертах Рихтера, Гилельса, Ростроповича, Ойстраха. Но и теперь я вижу полные залы и, конечно, радуюсь этому.

– Неотъемлемой частью многих ваших концертов стали ваши комментарии. Почему вы это делаете?

– Я всегда восхищался особым даром Веры Горностаевой говорить о музыке. Это были удивительные эссе, которые буквально сочинялись на сцене в прямом контакте с публикой. И я учился у Веры Васильевны свободе речи и образному высказыванию. Теперь я часто выступаю с такого рода преамбулами. Не так давно в «Ельцин-центре» в Екатеринбурге стартовал наш цикл музыкально-просветительских программ «Послушайте!», в идее которого исполнение собственно музыки соединяется с рассказами о композиторах, эпохах, исторических контекстах, в которых создавалось то или иное произведение. Например, в программе «Непокорённые» звучит вокальная музыка на стихи Блока, Цветаевой, Мандельштама, Ахматовой, Хармса, Олейникова и Бродского. Теме детства в музыке посвящена программа «Детский мир», в которой вместе с гениальным вокальным циклом Мусоргского «Детская», представлен цикл стихотворений Веры Павловой, написанных к «Детскому альбому» Петра Ильича Чайковского. Под моё фортепианное сопровождение и видеопроекции картин художницы Ирины Корсаковой стихи читают автор и Ингеборга Дапкунайте. В октябре мы открыли второй сезон проекта «Послушайте! », и я очень рад, что он уверенно занимает видное место на культурной карте Екатеринбурга.

– Что ещё интересного сейчас происходит в вашей творческой жизни?

– По сценарию режиссёра Сергея Соловьёва «Тургенев. Метафизика любви» с Сати Спиваковой и Владимиром Кошевым мы подготовили литературно-музыкальную композицию, рассказывающую о непростых взаимоотношениях французской примадонны Полины Виардо и русского писателя Ивана Тургенева. Мой роман с кино, начатый сотрудничеством с Алексеем Учителем, Ренатой Литвиновой и Александром Зельдовичем, продолжается. Для новой картины Андрея Смирнова «Француз» я записал «Лунную сонату» Бетховена, а в кинокартине Сергея Урсуляка «Ненастье» исполняю фортепианные коллажи. Огромным событием для меня стал выход на фирме «Мелодия» двух компакт-дисков. Это «Буковинские песни» Десятникова и давно задуманная работа – авторский альбом вокальных циклов Александра Чайковского. Я благодарен «Мелодии» и Карине Абрамян за фантастические условия для осуществления записи и восхитительное оформление.

– Вас с кино связывают и семейные отношения. Недавно обнаружил ваше родство с замечательным актёром Николаем Пастуховым.

– Подарок судьбы – иметь такого родственника! Он поразительно тонко чувствовал музыку. Помню, как две недели ежедневно Николай Исаакович прослушивал и анализировал запись «Кармен» с Мэрилин Хорн в главной партии, или сонаты Бетховена в интерпретации Эмиля Гилельса, или ХТК («Хорошо темперированный клавир» Баха. – Ред.) в исполнении Святослава Рихтера. Очень многое мне дал Театр Советской Армии, в котором Пастухов служил и где с детских лет я имел возможность часто бывать. Помню восторг, с каким я смотрел премьеру спектакля «Святая святых» по пьесе Иона Друцэ, поставленный Ионом Унгуряну с потрясающей декорацией Эдуарда Кочергина. Это был один из лучших спектаклей театральной Москвы конца 70-х. На него было также трудно попасть, как на «Гамлета» с Высоцким или «Иванова» со Смоктуновским. Знаю, что эта роль Пастухова впечатлила Товстоногова, и Георгий Александрович вёл переговоры о его участии в спектаклях БДТ в Ленинграде. Часто с дядей мы выезжали в Подмосковье, где во время долгих прогулок посещали монастыри и заброшенные церкви. Эти прогулки – мои университеты. Мне кажется, он не получил звания народного артиста СССР потому, что был глубоко верующим человеком. Николай Исаакович оказал на меня огромное воздействие, а потом частенько бывал на моих концертах и радовался за меня.

– С появлением Российского музыкального союза организационный момент жизни пианиста изменился?

– Конечно. РМС поддерживает фестиваль «В сторону Выборга», автором и художественным руководителем которого я являюсь много лет. Кстати, моя питерская премьера «Буковинских песен» также прошла при непосредственном участии союза. Я всегда знаю, что могу прийти в РМС с новой творческой идеей, и она будет услышана и поддержана. По-моему Российский музыкальный союз очень грамотно и ответственно объединяет музыкальные силы страны в единый центр. Я приветствую такую консолидацию.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 5038

СообщениеДобавлено: Вс Янв 26, 2020 12:30 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020012605
Тема| Музыка, Персоналии, Лера Ауэрбах
Автор| Сергей Белковский
Заголовок| Дом в Челябинске, в котором Лера Ауэрбах написала оперу «Подарок для Снегурочки»
Где опубликовано| © Сетевое издание Lentachel.ru
Дата публикации| 2020-01-24
Ссылка| https://lentachel.ru/news/2020/01/24/dom-v-chelyabinske-v-kotorom-lera-auerbah-napisala-operu-podarok-dlya-snegurochki.html
Аннотация|



«Девочка у «Ритма». Оглядываясь назад, можно сочинить такое эссе про Леру Авербах, так звали ее в Челябинске. А многие годы на афишах в разных странах ее знают уже, как Леру Ауэрбах

Впрочем, дом с музыкальным магазином «Ритм» - это символ. В годы детства композитора подобных магазинов больше в городе, наверное, и не было. Зато был дефицит всего, в том числе и музыкальных инструментов. Поэтому витрины этого дома напротив, скорее всего, вызывали в душе девочки мечты о музыке. Впрочем, повторюсь, это сейчас можно так фантазировать, зная, кем стала эта девочка.

«Мы жили не в доме, где «Ритм», а напротив, по адресу: площадь Революции ,1. Наши окна и балкон «смотрели» на «Ритм», - вспоминает Лев Исаевич, отец Леры. Здесь, в возрасте 12 лет Лера написала первую свою оперу «Подарок для Снегурочки», которая была поставлена потом в Челябинске и показана еще в нескольких городах, в том числе в Москве у Натальи Сац. Лера уже в восемь лет солировала на фортепиано с Челябинским симфоническим оркестром (концерт Гайдна). В Челябинске вышел и первый сборник ее стихов «Опрокинутый мир». Из этого дома на площади Революции, дома напротив музыкального магазина, ранними зимними утрами Лера ходила в органный зал на Алом поле, где имела возможность благодаря Владимиру Хомякову играть на органе. В Челябинске Лера в самом начале 90-х годов стала лауреатом Международного конкурса юных композиторов имени Чайковского, который проводился на родине композитора. Из этого дома на площади при содействии Кирилла Шишова и Надежды Диды юная девушка «стартовала» покорять Америку. Ей было тогда всего 17 лет.

Сейчас Лера Ауэрбах считается человеком планеты. О многих знаменитых городах она может рассказать в своем литературном стиле. Есть у нее строчки и про челябинское детство: в книге «Сороколуние» на странице 431. «Челябинск. Три слога. Девять букв. Че-ля-бинск. Язык совершает путешествие от неба к зубам, чтобы закончить звонким причмокиванием губ: Че-ля-бинск! Слово навсегда отпечатывается в моем сердце, на скрижалях моей судьбы. И как же меня угораздило здесь родиться?». И далее в этом эссе читаем: «Город, в котором я впервые увидела свет, исток истоков. Несчастный, самолюбивый, серо-дымный, обрученный с памятью, обреченный на любовь. Любовь, вынесенную за скобки, любовь, не смотря ни на что, как некий общий знаменатель, как символ детства». А вот как Лера вспоминает встречи с челябинским органом. «Были долгие рассветные часы в органном зале, когда я подходила к этому огромному стройному чуду и говорила: «Ну, здравствуй!». И орган, вздыхая, шумел проснувшимися мехами и трубами. Золотые буквы немецкой фирмы проступали под слабым светом: сквозь высокие окна неумолимо проникал морозный уральский рассвет, и мне было так хорошо, как бывает только в отрочестве, когда и боль и радость возрастают до символов, когда еще не сомневаешься в своих силах и возможностях и, вследствие этого, действительно оказываешься всесильным». Вот и еще один, челябинский «поворот» для эссе – «Девушка и орган».

Тогда Лера была такой, как на этом портрете, сделанном моим отцом фотографом Владимиром Белковским – в доме на площади. В этой работе есть еще один портрет Авербах – он на стене, автор картины челябинская художница Анна Бутакова. Эта картина сейчас находится у Леры в доме во Флориде. Автор этих заметок решил переиздать книгу «Прогулки по Челябинску», дополнив ее несколькими новыми главами о Челябинске и челябинцах. Одна из этих глав расскажет про «Девочку у «Ритма». А что было потом за океаном? Жерар Депардье будет включать её стихи в свои концерты, сама она станет вести блог в престижной «Лучшей поэзии Америки». Еще будет много чего, но это потом. Например, уроженка Челябинска станет одним из самых исполняемых в мире из ныне живущих композиторов. Она получила степени бакалавра и магистра по классу фортепиано и музыкальной композиции в нью-йоркской Джульярдской консерватории, а также закончила аспирантуру (по программе концертирующего пианиста) в Ганноверской высшей школе музыки.

Лера - автор более 120 симфонических, вокальных и камерных сочинений, а также оперных и балетных произведений. Регулярно экс-челябинка выступает как концертирующий пианист и дирижер в крупнейших концертных залах мира. Музыку Леры Ауэрбах исполняют Гидон Кремер, Леонидас Кавакос, Хилари Хан, Вадим Глузман, Дэниэл Хоуп, Юлиан Рахлин, Вадим Репин, Филип Квинт, Нарек Ахназарян, Алиса Вейлерштейн, Давид Герингас, Николас Альтштадт, Дмитрий Ситковецкий, Ким Кашкашьян, Готье Капюсон, Дэвид Финкель, Пол Кац, Ву Хан, Зоряна Кушплер, Наталья Ушакова, Стелла Григориан, Мартин Винклер, Отто Катцемайер, Лилли Паасикиви, Никита Сторожев и другие выдающиеся современные солисты. Ее симфонические сочинения звучали в исполнении ведущих оркестров под управлением Владимира Спивакова, Нееме Ярви, Феликса Коробова, Владимира Федосеева, Осмо Вянскя, Андраша Келлера. Балеты и оперные спектакли на музыку Леры Ауэрбах ставили Джон Ноймайер, Азур Бартон, Гойо Монтеро, Теренс Колер, Соль Леон, Пол Лайтфут, Тим Плегге, Реджинальдо Оливейра, Меди Валерски, Кристин Милиц, Арила Сигерт, Дмитрий Белянушкин, Джон Ла Боучедиэр, Том Голд. Балеты и оперы Ауэрбах исполнялись в театрах и концертных залах Гамбурга, Амстердама, Антверпена, Копенгагена, Берлина, Сан-Франциско, Лос-Анжелеса, Мюнхена, Баден-Бадена, Карлсруэ, Вены, Токио, Осаки, Торонто, Шанхая, Пекина, Москвы, Нью-Йорка. Записи с ее музыкой (CD и DVD) выпущены фирмами Deutsche Grammophon, ECM, BIS Records, King Records, Capriccio, Cedille, ARTE и PBS.

Ауэрбах не менее активна и в литературе. Кстати, первые «шаги» и в музыке и в литературе юная Лера сделала еще в Челябинске. Здесь вышла первая книга ее стихов. На сегодня в России и США вышло шесть сборников стихов и прозы Леры Ауэрбах: «Опрокинутый мир», «Рождение звука», «Диалог со временем», «Сороколуние», «Ступеньки в Вечность» и «Ганноверские тетради». Сергей Юрский записал диск с её стихами и написал предисловие к последней книге. Жерар Депардье, Евгений Кисин и Сергей Юрский включают её стихи в концерты, а доктор филологических наук Вячеслав Океанский написал научный трактат: «Лунарная мистерия в лирике Леры Авербах — эзотерическая герменевтика прощания с детством». Стихи Леры входят в различные международные антологии поэзии, а также (в России) в хрестоматию для учеников старших классов. Ауэрбах регулярно ведет блог в престижной «Лучшей Поэзии Америки» (“Best American Poetry”), а в 2015 г. в Филадельфии вышла первая англоязычная книга ее афоризмов и рисунков «Избыток бытия» (Excess of Being). С большим успехом в Вене прошла мировая премьера трехактной оперы «Гоголь», созданной Ауэрбах по заказу Театра ан дер Вин (Вена). Ауэрбах не только автор музыки, но и либретто, в основу которого была положена ее одноименная пьеса. Новаторская опера «Слепые», написанная для 12 голосов без инструментального сопровождения, была поставлена берлинской Камерной оперой, а также на фестивалях в США и Норвегии, в Музыкальном театре им. Станиславского и Немировича-Данченко и Театре ан дер Вин (премьера состоялась в январе 2015 года).

Балет Леры Ауэрбах «Русалочка» был в 2012 году награжден премией ECHO Klassik. Этот балет многие годы входит в репертуар балетных трупп Копенгагена, Гамбурга, Сан-Франциско, Москвы (театр им. Станиславского и Немировича-Данченко), Государственного Национального Балета Китая. В 2013 году, к 40-летию Гамбургского балета, был возобновлен балет «Préludes CV», с которого началось сотрудничество Леры Аэурбах и Джона Ноймайера. В 2014 году по заказу Гамбургского театра и Московского театра имени Станиславского и Немировича-Данченко Ауэрбах написала балет «Татьяна» по роману Пушкина «Евгений Онегин». В московском спектакле роль Татьяны исполняла Диана Вишнева.

Хотя Лера Ауэрбах всю жизнь рисовала и изучала живопись, но только после пожара в её Нью-Йоркской студии в 2009 году она стала активно и профессионально заниматься живописью и скульптурой. В 2013 году в Норвегии состоялась первая персональная выставка ее работ. В 2015 году в Швейцарии на ее сольной выставке «Музыка на холсте» былo представлено более 120 работ. Картины и рисунки Леры Ауэрбах находятся в частных коллекциях, продаются на аукционах, публикуются в журналах и книгах, а также используются в качестве обложек компакт-дисков и книг. Интерес у публики вызвала выставка бронзовых скульптур Леры Ауэрбах, состоявшаяся в марте-апреле 2017 года в Нью Йорке (галерея Щукина). Эта же экспозиция была представлена в Вене осенью того же года (с добавлением картин и рисунков). Лера была стипендиатом Фонда Пола и Дейзи Сорос, нью-йоркским обществом пушкинистов избиралась поэтом года русского зарубежья, а Всемирный экономический форум в Давосе (Швейцария) признал её одним из «Молодых лидеров мира» и регулярно приглашает ее выступать с лекциями и презентациями.

С 1991 года постоянным местом жительства Леры стал Нью-Йорк, в то время как Гамбург и Вена ― ее европейские обители. А городом, где осталось ее детство, был и остается Челябинск. «Город, в котором я впервые увидела свет, исток истоков». А иллюстрировать эти заметки хочется снимком, который сделал мой отец Владимир Белковский перед отъездом юной Леры Авербах, так ее звали в Челябинске, в Америку. Еще ничего не было того, о чем вы прочитали в этих заметках. Но была мечта, и был талант, в который верила юный поэт и музыкант сама, верили ее родители и те взрослые, кто поддержали Леру на выбранном ей пути. Этот фотопортрет, сделанный в доме напротив «Ритма», сегодня воспринимается как ностальгический. Впрочем, не знаю, вспоминается ли город детства Лере сегодня, ставшей давно человеком планеты. Верится, что вспоминается. Не случайно же она написала о нем такие трогательные строки.

Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 12088

СообщениеДобавлено: Пн Янв 27, 2020 6:40 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020012701
Тема| Музыка, Камерный ансамбль "Солисты Нижнего Новгорода" Персоналии, М.Емельянычев
Автор| Северьян Цагарейшвили
Заголовок| Максим Емельянычев привез в Москву коллектив из Нижнего Новгорода
Где опубликовано| © Российская газета
Дата публикации| 2020-01-27
Ссылка| https://rg.ru/2020/01/27/reg-cfo/maksim-emelianychev-privez-v-moskvu-kollektiv-iz-nizhnego-novgoroda.html
Аннотация|

Камерный ансамбль "Солисты Нижнего Новгорода" впервые выступил на сцене Концертного зала "Зарядье". Дирижер - один из самых востребованных российских музыкантов молодого поколения - Максим Емельянычев. Именно с ним сегодня связан симфонический тренд "Солистов", и в сентябре 2017 года французская звукозаписывающая компания Aparté Music записала Третью симфонию Бетховена и Вариации на тему Гайдна Брамса - совместный диск музыкантов.
Основанный в начале 1980-х годов, коллектив "Солисты Нижнего Новгорода" входит в число самых авторитетных камерных ансамблей России, а его репертуар простирается от исторически информированного барокко до последних веяний электронно-акустической музыки. Программа московского концерта показала разные грани мастерства музыкантов - от строгого классицистского академизма в лице венских классиков до новаторского стиля современности. А Максим Емельянычев, яблоко") продемонстрировал глубокое чувство стиля, ведя оркестр с большим музыкантским чутьем.

Вечер открылся "Фантазией на тему Томаса Таллиса" британского композитора Ральфа Воана-Вильямса. Основанное на мотиве одного из гимнов английского композитора эпохи Ренессанса Томаса Талеса, совмещенном с гармоническим языком начала XX века, произведение предназначено для струнного ансамбля, призванного имитировать величественное звучание "короля инструментов" - органа. Для достижения особого акустического впечатления часть струнных инструментов расположилась на балконе, и льющееся звучание двух инструментальных групп, будто перекликающихся друг с другом, создавали в зале таинственно-сакральную атмосферу.

Мистицизм Воана-Вильямса сменился задором восемьдесят третьей симфонии соль-минорной Франца Йозефа Гайдна, получившей шуточное название "Курица". Полные лучезарного юмора быстрые фрагменты, в которых звучание скрипок и деревянных духовых изображает кудахтанье курицы, в ней сочетаются с возвышенной красотой мелодии Andante. Мастерство оркестра и дирижера чувствовалось в слаженности и прозрачности звучания гайдновской партитуры, полного "драйва" и энергии, но никогда не выходящего за строгие рамки классицистического стиля.
Так же вдохновенно прозвучало другое произведение из классического репертуара - Фортепианный концерт № 17 Моцарта, одна из мелодий которого, кстати была услышана композитором у скворца. В нем Максим Емельянычев выступил не только как дирижер, но и как солист.

Современный репертуар на концерте оказался представлен сочинением Павла Карманова с неординарным названием "Green DNK", содержащим в себе как намек на фамилию известной скрипачки Татьяны Гринденко, так и связь с зеленым цветом - символом жизни - в сочетании с несущей ключевую для жизни человека генетическую информацию молекулой. Завершился же концерт исполнением на бис абсолютного хита всех времен и народов - бессмертного Andante из двадцать первого фортепианного концерта Моцарта.
Кстати

После московского концерта эта программа будет исполнена Максимом Емельянычевым и "Солистами Нижнего Новгорода" в Париже.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 12088

СообщениеДобавлено: Пн Янв 27, 2020 6:45 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020012702
Тема| Музыка, Уральский филармонический оркестр, Персоналии, Д. Лисс, Н. Форже
Автор| Лариса Барыкина
Заголовок| Уральский филармонический оркестр привезет в Москву сенсационную программу
Где опубликовано| © Российская газета
Дата публикации| 2020-01-25
Ссылка| https://rg.ru/2020/01/25/uralskij-filarmonicheskij-orkestr-privezet-v-moskvu-sensacionnuiu-programmu.html
Аннотация|

Оркестр из Екатеринбурга во главе с его лидером Дмитрием Лиссом - симфонический коллектив весьма заметный в контексте российской музыкальной жизни.

Ежегодно он дает более ста концертов и представляет свыше семидесяти программ. Выступления УАФО проходят на самых известных российских площадках и в престижных мировых концертных залах. Естественно, уральцы не однажды играли в Москве: на сцене Большого зала консерватории и Зала им. Чайковского.

Настал черед дебюта в Концертном зале "Зарядье". На этот раз в столице оркестр выступает без поддержки солистов топ-уровня, которые обычно любят с ним играть, а привозит чисто симфоническую программу, и ее смело можно назвать сенсационной. Французский диптих составлен из музыки к балету Мориса Равеля "Дафнис и Хлоя" (будет представлена вторая сюита) и "Турангалила-симфонии" Оливье Мессиана, чрезвычайно редко исполняемого сочинения, тем более - в России. Два произведения объединены еще и любовной тематикой, трактованной по-французски изысканно, но в разных ракурсах: пасторально-античном и экстатически-восточном.

Симфония "Турангалила" (1948) стала одним из главных событий состоявшегося в декабре 2019 года в Екатеринбурге V Международного музыкального фестиваля "Евразия".
За два дня до московского исполнения сочинение также прозвучит в Концертном зале Мариинского театра. И этот неподдельный интерес к сочинению Мессиана очень понятен. Грандиозная партитура, по словам Дмитрия Лисса, занимает в истории музыки XX века место равное "Весне священной" Стравинского. Симфония создана для огромного по составу оркестра с использованием редчайшего инструмента - волны Мартено. Этот электро-акустический инструмент с необычным фантастическим тембром был придуман музыкантом Морисом Мартено в первой трети XX века во Франции, и Мессиан был среди тех композиторов, кто наиболее активно его использовал. Его супруга и пианистка Ивонн Лорио вспоминала: "инструмент привлек композитора необычайной музыкальностью и, сверх того, неземным звуком, парящим надо всем оркестром. Мессиан был католиком, и примерно такой звук ожидал услышать на небесах".

Партию волн Мартено в Москве исполнит профессор Национальной консерватории Парижа Натали Форже. Еще одним солистом "Турангалила-симфонии" выступит ее коллега по консерватории, пианист, известный интерпретатор музыки Мессиана Роже Мюраро. В Екатеринбурге партию фортепиано играл другой, не менее известный французский пианист Пьер-Лоран Эмар, причем наизусть. Сама же интерпретация симфонии Мессиана в трактовке Дмитрия Лисса предстала гигантским красочным полотном, с чередованием грандиозно-масштабных и медитативных фрагментов, с тонко проработанными звуковыми роскошествами. Единственное, что пришлось с сожалением констатировать, что этой музыке в небольшом зале филармонии Екатеринбурга - очень тесно. Намечающееся там строительство нового концертного зала по проекту архитектурного бюро Захи Хадид - давно назревшая необходимость. А пока Уральский оркестр опробует свои силы в акустике зала "Зарядье".
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3  След.
Страница 2 из 3

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика