Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2019-09
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20551
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Сен 20, 2019 10:10 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019092003
Тема| Балет, Шоу, «Сны Спящей красавицы», Персоналии, Диана Вишнёва
Автор| Екатерина Баева
Заголовок| Балерина Диана Вишнева — о новых технологиях и смерти классического балета
Где опубликовано| © Афиша Daily
Дата публикации| 2019-09-20
Ссылка| https://daily.afisha.ru/brain/13055-balerina-diana-vishneva-o-novyh-tehnologiyah-i-smerti-klassicheskogo-baleta/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В Петербурге состоялась российская премьера «Снов спящей красавицы», нового сольного проекта примы-балерины Мариинского театра Дианы Вишневой. Следующий показ пройдет в Москве 20 сентября, а дальше начинается большой гастрольный тур по России и Америке. «Афиша Daily» встретилась с балериной после премьеры, чтобы обсудить постановку.



— О чем этот спектакль, и что за жанр такой — «высокотехнологичное танцевальное шоу»?

— Это история о том, что же снится Спящей красавице в те 100 лет, пока она спит и ждет Принца. История о ее эмоциях, страхах, ее внутренних демонах. Спящая красавица — одна из моих знаковых ролей. Я с ней все время прощаюсь — и все время к ней возвращаюсь. Что касается жанра, то он совершенно новый, это взаимодействие танцевального искусства, современной музыки и электронных технологий. Мы соединяем их и превращаем в спектакль, а не просто в мультик или компьютерную стрелялку. Да, мы выходим на непривычные для балерины арены и площадки, хотим привлечь и другую, не столь театральную аудиторию — но жанр остается интеллектуальным.

— Кто ваш зритель?

— Любой. В том-то и дело, что в этом шоу всякий найдет для себя какой‑то отголосок красоты или просто насладится экшеном. Это не драматический спектакль, но философский, он заставляет задуматься, улететь в свои мысли и переживания. Он будет доступен и интересен каждому зрителю, любого возраста.

Я не выступаю в роли Бьорк, Шер или Мадонны, напротив, мы претендуем на то, чтобы человек, привыкший ходить в театр, открыл для себя что‑то эмоционально новое.

— Значит, в первую очередь вы видите в этом действии театральную составляющую?

— Нет, я прежде всего себя вижу. Я не иду на компромисс с собой, участвуя в какой‑то декоративной, пусть и гиперсовременной истории. Если бы я пела, то да, было бы что‑то другое. Но я на сцене по-прежнему балерина, которой важен элемент серьезности. Тот же хореограф — это не просто человек, который делает attractive show, это не аттракцион.

— То есть это не цирк?

— Обязательно должно быть смысловое наполнение — что, почему… В то же время, так как мы берем виртуальные технологии и электронную музыку, это должно превратиться в шоу, потому «Сны спящей красавицы» — совершенно новый жанр.

— Вы говорили, что репетировать было очень сложно, приходилось буквально себя ломать. В чем тогда удовлетворение от этого проекта?

— Прогресс все больше внедряется в театральное действие. Все происходит постепенно, начиная с тех режиссеров, которые просто вешают на сцене экраны, снимают с камеры и тут же транслируют в драматическом спектакле. Мне вообще кажется, что соединить театр с виртуальной реальностью — это история будущего. При этом хотелось не просто оставить эту виртуальную составляющую декоративным элементом, а наполнить ее смыслом и превратить все в спектакль — и это не то что сложная, а порой даже казалось, что невыполнимая задача. Нужно было найти правильный диалог. И получилось, что главным все равно остался танец.

Другое дело, что танец это специфичный. Нельзя рассматривать эту хореографию в привычном смысле: «Ой, что‑то он тут не то поставил», — а надо рассматривать ее в синтезе с другими компонентами: музыкой, виртуальным миром, аватарами. Аватаров же придумал не хореограф, их придумал Тобиас Греммлер. Визуальный ряд тоже сделал другой человек, а хореограф должен был его адаптировать. Здесь у нас командная работа, и она очень рисковая, — кто за что отвечает, и кто в итоге соединяет. Из‑за этого было много сложностей и недопонимания в процессе.

Кто берет на себя нагрузку? Все традиционно упирается в хореографа, но он же не может отвечать за техническую часть. Те, кто делает техническую часть, должны быть людьми театральными, а они не театральные, поэтому трудно было придумать, как создать слаженное действие, найти эту линию. То у тебя сенсоры отключились, то надо перезагрузить, то сделать зум, то подключить другое измерение, то цвет поменять, то заставить аватары двигаться. Сначала тебя это поражает — вау, рука двигается! — но через десять секунд становится скучно, и нужно бесконечно что‑то придумывать. А хореограф не должен придумывать, что делать этим аватарам, а технические люди не знают, что делать аватарам, потому что они не столько сведущи в том, что делается у танцовщиков, у них нет такого опыта.

— Как же вы их всех подружили между собой?

— Ну вот мы вечно в какой‑то борьбе. Она то стимулирует, то доводит нас до упадка, то вновь воодушевляет. Шаг за шагом все действие обретает очертания и смысл, постоянно подключается новый материал, поэтому кажется, что начинаешь все заново.

Шоу прошло уже четыре раза, а с этими технологиями каждый раз — как в первый, и это сводит тебя с ума, и ты задумываешься: а зачем это все?

— И зачем?

— Ну что значит зачем, это развитие! Мы же выступаем в определенном смысле пионерами, и я надеюсь, что эти усилия принесут новый заряд, — да что говорить, уже принесли. Люди, которые консервативны, которым вообще не должно было понравиться, ходили на все четыре шоу, и потом спрашивали: «А когда еще?» Я говорю, куда вам, вы же уже четыре посмотрели? А они — нет, нам надо еще, надо понять. Вот и получается, что ты не просто потрясен, ты до такой степени не готов к тому, что тебе показывают, что постоянно думаешь: а что это? Ты же видишь, что это не просто развлекательная программа с балеринкой.

— Там есть нарратив?

— Конечно. Это же история, и все закольцовано. Другое дело, что переходы не такие четкие, как в классическом либретто: пришел, увидел, сделал… Первый акт, например, отличается от второго. В первом мне труднее, где как раз появляются три демона. Если бы сценарий писал хореограф, он должен бы был прописать все от А до Я, как он это видит, но тут все было готово до него, и на бумаге выглядело понятным, а в рабочем процессе — ничего не стыкуется.

Поэтому «Сны» — невероятно сложный проект. В нем я не чувствую себя ни балериной, ни современной танцовщицей, а каким‑то интерактивным персонажем — но с живым сердцем. В какой‑то момент неизбежно превращаешься в этого аватара, что на экране позади тебя. Ты все время помнишь, что должен и его брать под контроль, — а балерине этого обычно не нужно делать. Она всегда ищет опору внутри себя, а здесь мне свой внутренний мир нужно было делить, контролировать и подстраивать под это существо. Это большой вызов. Вот вы говорите, для чего? Для того и делаю. Это что‑то новое. С этим хореографом можно было сделать прекрасный спектакль, но…

— Уже не так интересно делать традиционные спектакли?

— Интересно, но хочется же что‑то привносить в этот мир.

— То есть классический балет еще не умер?

— (Закатывает глаза.) Ну умер, и тут же возродился. Понимаете, все зависит от индивидуальности, от того, кто за этим стоит — какой театр, какая труппа, какой директор, какой хореограф. Все до такой степени субъективно! Пока есть школы, есть педагоги, есть индивидуальность, все будет жить. Другое дело, что‑то надо сохранять, что‑то менять, чему-то давать жизнь. Я даю жизнь этим виртуальным персонажам. Для меня это интересный процесс. Зрители приходят раз за разом, чтобы посмотреть и переварить информацию.

Очень много информации — это же реальность сегодняшнего дня. Почему люди сидят все время в телефоне? Театр проецирует сегодняшний день, и вот я спроецировала его в спектакле. И я знаю, что этот спектакль даст очень много импульсов разным людям креативным. Любой режиссер, хореограф, который посмотрит это шоу, возьмет что‑то в свои новые спектакли. Понимаете? Для этого все и делается — дать креативное вдохновение для создания чего‑то нового. Поэтому спектакль рассчитан на широкую аудиторию.

— Кордебалет уже выступал с вами в Америке, а Принц, Марайн Радемакер — вы с ним раньше, кажется, не танцевали?

— Мы раньше не танцевали, но пересекались: балетный мир маленький. Общаясь на фестивалях, ты всегда для себя делаешь check-up и понимаешь, что, например, с этим партнером найдешь общий язык. Когда я смотрю танец, то читаю любой жест. Для меня танец — это прежде всего интеллектуальное мышление и характер, он ни в коем случае не завязан на то, какие данные у артиста. Школа — это основополагающий фундамент, она, безусловно, должна присутствовать, и чем выше ее уровень, тем сильнее основа. Но самое важное — дальше: как ты будешь дальше развиваться в профессии интеллектуально.

С этим связана и моя собственная история — как я стала танцевать, как осталась в профессии, какие учителя у меня были. Я всегда танцевала только через голову. И этот проект — он вообще не про ноги и не про тело. Он про голову, про математический склад ума, иначе ты просто не потянешь. Я танцевала и спектакли по три акта, по десять спектаклей, но тут другое. Я свое тело все время заставляю работать. Да, легче было пойти в зал и сделать что‑то привычное, понятное, но ты спускаешься вниз, надеваешь эти сенсоры и думаешь: «Да чтоб тебя… (смеется) разорвало на этом экране!» Жить с аватарами оказалось не так‑то легко, с живыми людьми проще.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20551
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Сен 21, 2019 10:54 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019092101
Тема| Балет, XIX фестиваль «Летние балетные сезоны» Самарский театр оперы и балета (САТОБ), Персоналии,
Автор| Тата Боева
Заголовок| (Не) столица. Время перемен. Московские гастроли Самарского театра оперы и балета
Где опубликовано| © газета «Музыкальное обозрение»
Дата публикации| 2019-09-05
Ссылка| https://muzobozrenie.ru/ne-stolica-vremya-peremen/
Аннотация| Фестиваль

Как живут и что ставят в балетных театрах за пределами двух столиц? Вопрос не праздный, ответ сложный. О каких компаниях слышно в Москве и Петербурге? Первыми вспоминаются Пермь и Екатеринбург.

Во время Великой Отечественной в Пермь (тогда город Молотов) были эвакуированы Ленинградское хореографическое училище (ныне Академия русского балета им. А.Я. Вагановой) и театр оперы и балета имени Кирова (ныне Мариинский). Так в городе появилась хореографическая школа. После распада СССР Пермь по праву родного города Сергея Дягилева стала российским центром дягилевоведения. Большой исполнительский конкурс «Арабеск» (с 1988), издательские и просветительские проекты Олега Левенкова, Дягилевский фестиваль (с 2003), первые в России переносы балетов Джорджа Баланчина, сотрудничество с европейскими хореографами – лишь немногие достижения пермского балета.

«Екатеринбургскому балетному чуду» меньше десяти лет. В 2011 году труппу возглавил Вячеслав Самодуров, только что закончивший исполнительскую карьеру и начинающий карьеру хореографа. Уже первая его постановка, «Amoro Buffo» (2011) «вывезла» екатеринбургских танцовщиков в Москву. В кратчайшее время труппа стала получать престижные награды, участвовать в фестивальных программах. Самодуров дал екатеринбургскому балету узнаваемое лицо. Теперь в Екатеринбург на каждую премьеру съезжаются ценители балета, а каждый новый сезон приносит уральской труппе как минимум номинацию на «Золотую маску».

Некогда в число балетных центров входил Новосибирск, но после «дела Тангейзера» и назначения Владимира Кехмана на пост художественного руководителя к Новосибирскому театру не прислушиваются, да не очень-то и слышно.

Остальные труппы — а их немало — годами существуют без громких гастролей и выездов на модные фестивали. Выступают для своей публики, потчуют местных балетоманов стандартным набором «классических» названий. Это верный кусок хлеба, то, что гарантировано не отпугнет зрителя. И это же путь в никуда. Премьерам классического балета в провинции почти никогда не удается привлечь внимание столичных критиков или войти в конкурсную программу «Золотой маски».

2018 год был юбилейным годом Мариуса Петипа – и принес множество изменений. «Датный» спектакль выпустил, пожалуй, каждый российский театр балета. Выяснилось, что классика может быть разной. Над «золотым фондом» можно слегка иронизировать, оставаясь при этом верными духу императорского балета и букве хореографической нотации – что с блеском продемонстрировала екатеринбургская «Пахита» (2018) в постановке Сергея Вихарева и Вячеслава Самодурова. Не возбраняется и быть последователем Петипа, реконструировать музыкальные партитуры и восстанавливать танцы. Это принцип, по которому созданы спектакли Юрия Бурлаки, – и в 2018 году две его премьеры, самарская «Эсмеральда» и воронежский «Корсар», взбодрили местные труппы и стали билетом в столицу. Для балетной труппы Самарского театра оперы и балета (далее САТОБ) это было первым попаданием в программу «Золотой маски» (прежде на фестиваль выезжали только их оперные спектакли).


Сцена из спектакля «Эсмеральда». Эсмеральда - Ксения Овчинникова, Судья - Степан Гусаров

Прошлое и будущее

Большие московские гастроли САТОБ на сцене Российского Молодежного театра в рамках XIX фестиваля «Летние балетные сезоны» (1-7 июля 2019) зафиксировали двойственную ситуацию: в репертуаре соседствуют и прежние, «местного уровня» постановки, и спектакли, которые появились при новом руководстве и за короткое время обеспечили самарскому балету внимание танцевального сообщества.

Преобразования в САТОБ связаны, как и в «Урал Балете», с новым лидером. Юрий Бурлака пришел на должность главного балетмейстера театра в 2017 году. За относительно небольшой срок он много успел и вывел балетную труппу из группы «для местного потребления» в «многообещающие». Первая же премьера, концертная программа «Grand Pas Петипа» (2017), «призванная сохранить существующее наследие великого балетмейстера», собрала небанальные номера из разных балетов Мариуса Ивановича. «Эсмеральда», вышедшая в том же сезоне 2017/18, уже начала собирать «урожай» из наград. Кроме номинации на «Золотую маску», в списке IV всероссийский фестиваль «Волжские театральные сезоны», на котором балерина Ксения Овчинникова (одна из Эсмеральд) получила приз за лучшую женскую партию, профессиональный конкурс «Самарская театральная муза-2017», отметивший и Овчинникову, и ещё одну Эсмеральду, Веронику Землякову. Новое «Лебединое озеро» (2018) пока крупных наград не получило, но вместе с «Эсмеральдой» поехало на московские гастроли. На спектакле были замечены эксперты «Маски».

Невесты, шуты и кошечки

У САТОБ крепкий, артистичный кордебалет. На московских спектаклях он временами получал внимание едва ли не больше, чем солисты. Многих, например, совсем молодого Диего-Эрнесто Кальдерона Армьена, хочется разглядеть пристальнее в более заметных партиях.

Амплуа и возможности солисток и ведущих танцовщиков видны сразу же. Крепкий, но неожиданно легкий в прыжках Кирилл Софронов, который летает в Голубой птице и успевает хохмить в партии поэта Гренгуара. Марина Накадзима, которая в главных партиях вроде Эсмеральды концентрируется на танце, выражая сложную палитру эмоций лишь телом, а в микро-ролях вроде неназванной невесты принца Зигфрида в «Лебедином озере» показывает себя как драматическая актриса, «отыгрывая» малейшее душевное движение. Сильная балерина-ориентир Ксения Овчинникова, чей артистический диапазон позволяет быть и лукавой обманщицей Одиллией, и лучезарной принцессой Авророй, и некрасивой, сгорбленной Эсмеральдой перед казнью. Анастасия Тетченко, опытная танцовщица с телом почти как у Мари-Аньес Жило. Она немного скованна в партиях «вторых героинь» вроде Флер-де-Лис, зато расцветает в испанском танце из «Лебединого озера», где демонстрирует сильную, гибкую спину — и становится понятно, почему именно ей досталась партия советника Конора в «Трех масках короля» Юрия Смекалова, требующая экспрессии больше, чем виртуозности. Максим Маренин в партии Шута стал главным героем поклонов между актами во время «Лебединого озера», устраивая мини-представления уже перед закрытым занавесом.

Артисты выручают там, где самим постановкам театра может не хватать смелости или оригинальности. В спектаклях Юрия Бурлаки видно, что труппа заразительно танцует, не забывает про актерские задачи и распределяет силы. Кордебалетные сцены похожи у него на возврат к раннему Московскому Художественному театру с подробной «внутренней жизнью» для каждого. Это не однородные «придворные» или «бродяги», а множество неназванных героев. Пока «главные» ведут сюжет, у кордебалета бурлит собственная жизнь. На финальной «Эсмеральде» самарцы выложились так, что сложно было поверить в недельный марафон. Многоперсонажный, постоянно что-то делающий помимо танца кордебалет был искрометен. Максима Маренина глаз вылавливал даже среди толпы бродяг. Быстрая Дарья Капишникова улыбалась и кокетничала среди подруг Эсмеральды так же, как несколькими днями раньше мягко перебирала пуантами и руками-лапками в образе Кошечки.

Длинные гастроли в Москве выглядели как испытание. Семь полноформатных вечеров подряд, большинство артистов на сцене ежедневно. Можно было делать ставки — через сколько дней спектакли увянут сами собой из-за усталости исполнителей?

Ответ — не с этой труппой.

Что впереди?

Сейчас рано говорить, превратится ли Самара в третью «нестоличную столицу» балета. Но в том, что с приходом нового главного балетмейстера САТОБ стал компанией с амбициями и пробует скинуть с себя морок провинциальности, сомнений нет.

Уже готовы планы на новый сезон. Заявлены премьеры — с разноплановыми задачами, новыми или нечастыми для труппы. Драмбалетная жемчужина «Бахчисарайский фонтан», в котором привычные пуанты сочетаются с отличной от классики XIX века лексикой и требованиями к актерской игре — как мостик от существующего репертуара к миру танца XX века (так откроется в октябре 2019 года фестиваль классического балета имени Аллы Шелест). Новая редакция старинной «Наяды и рыбака» — как урок чистоты стиля и тренировка техники (декабрь 2019). Наконец, перспектива получить в феврале-марте 2020 года новый оригинальный балет от Юрия Смекалова — как возможность держать руку (точнее, ноги) на пульсе сегодняшнего танца и не замыкаться на больших названиях из прошлого. Остается лишь дождаться выполнения заявленного — и следить за траекторией этой компании.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20551
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Сен 21, 2019 10:13 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019092102
Тема| Балет, МТ, Персоналии, Анастасия Нуйкина
Автор| Ольга Угарова
Заголовок| Анастасия Нуйкина – Мариинский Театр
Где опубликовано| © La Personne
Дата публикации| 2019-09-21
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/anastasija-nujkina-mariinsky/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Сейчас за громкими диджитал-сенсациями, стремительными карьерными взлетами, аккаунтами с армией подписчиков от нашего внимания может ускользнуть главное. Театр больше «Инстаграма», поэтому одна из миссий La Personne – знакомить читателей с юными балеринами, за которыми уже сейчас надо следить, не отрывая глаз. Сегодня наша героиня – Анастасия Нуйкина, пришедшая в Мариинский театр в прошлом году. Выпускница Академии им. А.Я. Вагановой и ученица Людмилы Валентиновны Ковалевой уже станцевала среди прочего Марию в «Бахчисарайском фонтане» и Машеньку в «Щелкунчике», а в конце первого сезона у нее должна была быть премьера в партии Гамзатти в «Баядерке», но случилась травма. Скоро у Анастасии снова дебюты, и мы желаем ей сил, энергии и вдохновения, чтобы идти к своей мечте – танцевать.



В 2014 году, переехав в Петербург, вы оказались вдали от родной Самары, от семьи, от своих друзей. Вам было страшно?

Когда я поступала, мой будущий педагог Елена Георгиевна Забалканская, которая как раз, увидев меня на уроке в Самарском хореографическом училище, предложила поехать на просмотр в Академию, сказала, что в новом коллективе поначалу будет непросто. Именно она уговорила моих родителей отдать меня в интернат, а не жить на съемной квартире: Елена Георгиевна считала, что так будет проще стать своей и понять атмосферу. Сначала привыкать к новой школе и Петербургу пришлось долго: мне часто хотелось к родителям, а маме звонила на удачу даже перед уроком. Но я чувствовала бесценную поддержку Елены Георгиевны, хотя она и говорила о своей строгости, и я ей благодарна за все, что она для меня сделала и делает до сих пор.

С первого курса вы учились уже у Людмилы Валентиновны Ковалевой.

Да. Было очень волнительно, ведь Людмила Валентиновна – легенда! Все ее уроки выстроены таким образом, что помимо проработки каждой мышцы, оттачивалось исполнение движения.

Это помогло в театре?

Конечно! Только мой педагог в Мариинском театре Маргарита Гаральдовна Куллик все равно спрашивает, когда же я уже стану балериной, ведь так или иначе, в Академии все по-другому. Там была учеба, а сейчас надо танцевать.

Было тяжело в первый сезон понимать педагогов-репетиторов?

Сейчас Владимир Ким и Маргарита Куллик, которые буквально взяли под свое крыло, стараются раскрепостить меня. Мне именно это дается непросто, и в первом сезоне я очень зажималась: даже в театре среди коллег чувствовала себя, как не в своей тарелке. Может быть, от этого общего страха и вышла травма накануне моего дебюта в «Баядерке». Мы даже думаем, что эта травма поможет мне освободить характер и тело.

Еще во время учебы в Академии, вы вышли на сцену Мариинского театра в балете «Аполлон» в партии Полигимнии вместе с Ксандером Паришем. Непросто было начинать с хореографии Джорджа Баланчина?

Это была невероятная ответственность со всех сторон: партнер – премьер Мариинского театра, репетитор – Юрий Валерьевич Фатеев (и.о. художественного руководителя балетной труппы Мариинского театра — прим. ред.), культовый балет. Честно говоря, я не знала, что предстоит, а перед премьерой все время крутилось в голове: «Что же будет?! Что же будет?!». Хорошо, что на премьеру приехала мама, и я ощущала тепло от ее присутствия в зале.

Кроме Ксандера Париша, вы уже танцевали и с Кимин Кимом.

С Кимин Кимом мы даже ездили вдвоем на гастроли в Вену, и он там был не только как мой партнер, но и в качестве моего репетитора. На поклонах мне хотелось его выдвинуть вперед, будто это мой чудесный талисман, ведь он всего себя без остатка посвящает балерине. Кстати, Кимина везде встречают такими грандиозными аплодисментами, как на стадионе. Невероятно!

Что было самое сложное за время первого сезона в театре?

Первое, что вспоминается, это выход в кордебалете «Лебединого озера». У меня была такая паника, и чтобы соблюдать все линии, глаза крутились на 360 градусов, но все девочки старались подсказывать и поддерживали. Одной из самых сложных партий оказалась лиричная Мария в «Бахчисарайском фонтане», но Маргарита Гаральдовна оставалась ради меня по вечерам, и мы разбирали каждый жест и нюанс. А когда шла подготовка к Гамзатти в «Баядерке», то к нам присоединялся и Кимин, чтобы поделиться своими мыслями о спектакле.

Как вы думаете, какие партии вам ближе?

Наверное, характерные, ведь в жизни не будешь такой, как, скажем, Гамзатти. А еще я, конечно, мечтаю о партии игривой Китри и о роковой Кармен. Но в каждом спектакле нужен жизненный опыт, которого мне не хватает, поэтому пока я очень много пересматриваю записей, например, с Викторией Терешкиной, и фиксирую всю информацию, которую дает мне Маргарита Гаральдовна.

Что хотелось бы станцевать в этом сезоне?

Очень много всего! Лидируют в списке в том числе и «Драгоценности» Джорджа Баланчина: мне нравятся и Рубины, и Бриллианты. Первые такие яркие и острые, вторые – хоть и холодные, но с таким невероятным подтекстом. Еще мне очень близка музыка Игоря Стравинского! А вообще: просто очень хочется танцевать и танцевать – это самое главное для меня.

Фотограф: Ира Яковлева
==========================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20551
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Сен 21, 2019 10:21 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019092103
Тема| Балет, XXXII Международный фестиваль классического балета имени Рудольфа Нуриева (Уфа), Персоналии,
Автор|
Заголовок| В Уфе в рамках XXII Международного фестиваля балетного искусства им.Р.Нуреева выступила балетная труппа Урал Оперы Балета
Где опубликовано| © <<Культурный мир Башкортостана>>
Дата публикации| 2019-09-21
Ссылка| https://kulturarb.ru/ru/news/v-ufe-v-ramkah-xxii-mezhdunarodnogo-festivalya-baletnogo-iskusstva-imrnureeva-vystupila-baletnaya-truppa-ural-opery-baleta
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

ФОТОГАЛЕРЕЯ по ссылке

В Уфе сегодня состоялся вечер одноактных балетов, который представил уфимцам Екатеринбургский государственный академический театр оперы и балета.

Зрителей поприветствовал почетный ведущий фестиваля, заслуженный деятель искусств РФ Сергей Коробков, со словами: «Сегодня мы принимаем замечательных гостей – Урал Опера Балет. Сейчас мы увидим, как выглядит театр, к которому прикован взор всего балетного мира. Как однажды сказал Вячелав Самодуров (художественный руководитель Урал Опера Балет. – прим.ред.) о сегодняшних спектаклях, – «Три века – три балета – три стиля»».

Предпоследний вечер фестиваля украсили сюита «Наяда и Рыбак», фрагменты из балета «Приказ короля» и одноактный балет на музыку Шарля Гуно «Вальпургиева ночь».

Как пишут в театре, первый из балетов, «Наяда и Рыбак», – праздник виртуозного классического танца, строгого и, одновременно, изящного, искрящегося. Этот балет не дошел до наших дней целиком, но сохранился фрагмент, который был поставлен в Екатеринбурге знатоком старинной хореографии, признанным мастером реконструкции спектаклей начала ХХ века Юрием Бурлака.

Мировая премьера фрагментов из балета Вячеслава Самодурова «Приказ короля» состоялась в Екатеринбурге в минувшем сезоне. Новую партитуру по заказу Урал Балета написал петербургский композитор Анатолий Королёв. На фестивале представили Большое классическое па из балета, а также финальное королевское антре.

В завершении вечера был исполнен одноактный балет на музыку Шарля Гуно «Вальпургиева ночь» Джорджа Баланчина. Постановка была подготовлена в сотрудничестве с Фондом Джорджа Баланчина (Нью-Йорк) и выполнена в соответствии со стандартами стиля и техники признанного мастера хореографии ХХ столетия. Балеты Баланчина – всегда вызов для лучших мировых трупп. «Вальпургиева ночь» – не исключение, ведь в ней – головокружительная смена темпов и ритмов, малых и больших ансамблей, кристальная конструкция, которую венчает блистательный финал – вакхическая пляска двадцати четырех танцовщиц. Урал Балет исполнил «Вальпургиеву ночь» Баланчина впервые в России и заслужил высокую оценку экспертов нью-йоркского Фонда Баланчина и уральской публики.

Напомним, фестиваль завершится 24 сентября представлением «Гала – Григорович. Концерт звезд балетного искусства». В концерте принимают участие: Нина Змиевец (Театр балета Бориса Эйфмана), Денис Климук (Санкт-Петербургский государственный академический театр балета имени Леонида Якобсона), Татьяна Предеина (Челябинский театр оперы и балета), Дмитрий Гуданов, Валерия Исаева, Алиса Алексеева, Лилия Зайнигабдинова, Шота Онодэра, Айрат Масегутов, Софья Доброхвалова, Артём Доброхвалов. Дирижёр - Артём Макаров, Герман Ким.

=====================================================================
ФОТОГАЛЕРЕЯ по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20551
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Сен 23, 2019 9:33 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019092301
Тема| Балет, Проект «Русские сезоны», Гала-концерты солистов балета Санкт-Петербурга (Дортмунт), Персоналии,
Автор| Светлана Наборщикова
Заголовок| По дортмундскому счету: Санкт-Петербург возродил «Русские сезоны»
Международный проект представил замысел Сергея Дягилева в новом свете

Где опубликовано| © Известия
Дата публикации| 2019-09-23
Ссылка| https://iz.ru/924185/svetlana-naborshchikova/po-dortmundskomu-schetu-sankt-peterburg-vozrodil-russkie-sezony
Аннотация|


Фото: пресс-служба фестиваля Dance Open


Пылающий Париж и мирная Верона. Испанцы и римляне. Нимфы и воины. Классика Петипа и новации Клюга. В течение двух вечеров немецкая публика приобщалась к достижениям русского балета. «Известия» оценили вояж отечественных танцовщиков в Дортмунд.

Гала-концерты солистов балета Санкт-Петербурга, организованные международным фестивалем Dance Open, состоялись в рамках мультижанрового проекта «Русские сезоны», призванного познакомить западную публику с современным российским искусством. На сцену Оперного театра Дортмунда вышли солисты Мариинского и Михайловского театров, а также Театра балета им. Леонида Якобсона.

— Мы счастливы принимать у себя русских танцовщиков, — поделился с «Известиями» директор Оперного дома Дортмунда (Opernhaus) Тобиас Эйхингер. — Вы видите, что в зале полный аншлаг. И в этом нет ничего удивительного: наши зрители знают, что русский балет — вершина танцевального творчества.

Оригинал и копия

Искусство танца и представители Северной столицы в сегодняшних «Русских сезонах» занимают особое место, поскольку именно с ними был связан оригинал. На излете 1900-х годов петербургский антрепренер Сергей Дягилев и его коллеги — танцовщики, композиторы, художники — покорили Европу невиданным прежде искусством. Затем к уроженцам Северной столицы добавились москвичи, а с течением времени «Русские сезоны» стали интернациональным мероприятием. Иностранцы, участвовавшие в нем, брали русские имена — в этом случае кассовый успех был обеспечен.

Вечера в Дортмунде подтвердили мировую отзывчивость искусства балета. Петербуржцев поддержали москвичи, танцовщики балета Дортмунда и Национального балета Нидерландов. Глава Dance Open Екатерина Галанова составила программу таким образом, чтобы и публику порадовать, и артистов в лучшем свете показать. В целом это удалось, хотя и не без трудностей.

— В театрах начался сезон, и команда собиралась сложно, но мы справились, — призналась «Известиям» Екатерина Галанова. — В программе много классики, для местных зрителей это дополнительная ценность. Что касается успеха, то его мы ожидали. Публика здесь понимающая.

На дортмундской сцене испытанная классика чередовалась с экспериментом, советские раритеты — с западным мейнстримом. Приветом дягилевской эпохе выглядело «Видение розы», созданное Михаилом Фокиным для Тамары Карсавиной и Вацлава Нижинского. Трепет ресниц, о котором Карсавина рассказывала ученицам, из опуса давно ушел, но и в теперешнем приземленном виде временами сквозит былое очарование. Во всяком случае танцевавшие «Видение» Анна Тихомирова и Иштван Симон постарались его не разрушить. Свежо смотрелись композиции Леонида Якобсона, прямого наследника Фокина. Театр его имени хранит наследие мастера, и нет сомнений, что изящному и в меру фривольному «Венскому вальсу» (исполнители Алла Бочарова и Денис Климук) уготована долгая и успешная жизнь. Китайский хореограф Ксин Пенг Ванг, возглавляющий сегодня Балет Дортмунда, пока не достиг славы советского коллеги, но, судя по искрометной композиции на музыку Астора Пьяццолы (артисты Анна Цыганкова и Константин Аллен), имеет хорошие шансы улучшить свое реноме.

Пул и пыл

Классика была представлена мощным пулом мировых хитов. Игорь Цвирко и Елена Евсеева вначале погрузились в балетную античность (па-де-Диан из «Эсмеральды»), затем преобразились в Базиля и Китри из «Дон Кихота». Партнер, помимо прочего, брал зал элегантными прыжками, а партнерша со знанием дела работала с предметами. В частности, будучи Дианой, скрутила 32 фуэте, не выпуская из рук охотничьего лука. Для полного блеска талантливой паре следовало бы исполнить виртуозно-силовое па-де-де из «Пламени Парижа», тем более что Цвирко в роли революционера Филиппа уже безотказно зажигал на родине. Но организаторы отдали выигрышный дуэт Софье Матюшенской и Андрею Сорокину, артистам техничным, хотя к воспламенению еще не готовым. Анастасия и Денис Матвиенко с фирменным блеском исполнили па-де-де из «Корсара», но подлинных высот достигли в негромком дуэте из балета «Пер Гюнт». Харизматичным танцовщикам очень шла и музыка Эдварда Грига, и хореография Эдварда Клюга.

В каждом гала зрители выбирают своих любимцев, и не всегда критерием становятся безупречные прыжки и вращения. Семейная пара Ирина Перрен и Марат Шемиунов не злоупотребляет ни тем ни другим, сделав ставку на головокружительные поддержки и море обаяния. Этого вполне хватило, чтобы каждый их выход сопровождался криками восторга. Особенно порадовала реакция публики на старинную советскую композицию «Весенние воды», которую Асаф Мессерер поставил на музыку одноименного романса Рахманинова. У нас ее нередко поругивают за пафосность и помпезность, а в Германии она в очередной раз доказала свою жизнеспособность.

Финальный комплимент собрал на сцене всех участников, и трудно сказать, кто первенствовал в этом соревновании виртуозов. Впрочем, герои дортмундского гала более склонны не к соперничеству, а к сотрудничеству. По словам Екатерины Галановой, уже достигнута договоренность о приезде в Санкт-Петербург Дортмундского балета со спектаклем «Сон в летнюю ночь» в постановке Александра Экмана. Российская премьера состоится на весеннем фестивале Dance Open.

СПРАВКА «ИЗВЕСТИЙ»
Проект «Русские сезоны» инициирован правительством России. В рамках фестиваля в одном из зарубежных государств на протяжении календарного года проходят гастроли лучших российских коллективов, выставки из собраний крупнейших музеев, кинопремьеры и другие проекты.

В 2017 году фестиваль принимала Япония, в 2018-м — Италия. В этом году более 400 мероприятий в 80 городах запланированы в Германии.

=====================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20551
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Сен 23, 2019 9:54 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019092302
Тема| Балет, Шоу, «Сны Спящей красавицы», Персоналии, Диана Вишнёва
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Балеты во сне и наяву
Диана Вишнева представила «Сны спящей красавицы»

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №172, стр. 11
Дата публикации| 2019-09-23
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/4101762
Аннотация|


Погоня за высокими технологиями заставила Диану Вишневу забыть балеринские привычки
Фото: Кристина Кормилицына / Коммерсантъ


В «Крокус Сити Холле» состоялась московская премьера мультимедийного шоу Дианы Вишневой «Сны спящей красавицы», которому предстоит большое турне по городам России и остального мира. В «Сны» погрузилась Татьяна Кузнецова.

Диана Вишнева, главная балетная поборница современности, выпустила рекордное в России число премьер, поработав почти со всеми значимыми авторами. «Сны спящей красавицы» — очередной амбициозный проект, рассчитанный на мировой прокат. Идея простая и одновременно грандиозная: представить сны принцессы Авроры, мучившие ее целое столетие. Для создания двухчасового шоу с единственной героиней, в котором ее главными партнерами окажутся виртуальные двойники, была ангажирована международная команда знаменитостей: дизайнер Тобиас Греммлер, художник по костюмам Барт Хесс, художник по свету Лорен Форт и пионер электронной музыки Тайс Де Влигер (De Noisia), не допустивший и намека на Чайковского. Словенский хореограф Эдвард Клюг был призван связать мир виртуальный и реальный.

Над шоу соавторы трудились год, и, похоже, процесс этот оказался нелегким. В интервью Дианы Вишневой звучат отголоски творческих дебатов: «Аватаров же придумал не хореограф, их придумал Тобиас Греммлер. Визуальный ряд тоже сделал другой человек, а хореограф должен был его адаптировать». Технические задачи явно доставили больше проблем, чем ожидалось: «Все традиционно упирается в хореографа, но он же не может отвечать за техническую часть. Те, кто делает техническую часть, должны быть людьми театральными, а они не театральные, поэтому трудно было придумать, как создать слаженное действие, найти эту линию». Вообще-то «линию» мог бы обеспечить толковый сценарий, но либреттиста в команде не было, а потому «Сны» оказались поистине бессвязными: про что они и к чему привели Аврору, понять совершенно невозможно. Впрочем, старомодная драматургия явно не заботила вдохновительницу проекта, устремившую высокотехнологичный «взгляд в будущее».

Точнее, в недалекое прошлое. Кому, как не Диане Вишневой, работавшей с Эдуаром Локом, знать, что этот компьютерный фанат населял видеодвойниками свои спектакли еще лет 17 назад и что прыжки в виртуальную реальность и обратно на сцену хореографы используют с прошлого века. Однако все детали мультимедийных постановок они обычно продумывают сами, а не подгоняют хореографию под видеоряд титулованных соавторов. В проекте же Дианы Вишневой буйные дизайнерские фантазии уничтожают робкую балетмейстерскую мысль. Равно как и ее интерпретатора: маленькую фигурку балерины в телесном комбинезоне с датчиками на всех суставах буквально топят гуляющие по заднику космогонические вихри и океаны. На экране зловеще колышется поле тонких бордовых дамских рук; качает шеей чудище с тремя мордами в виде набрякших бутонов с клыкастыми тычинками; плывут и танцуют аватары-манекены — гигантские, целлулоидные, лысые, сине-алые, как человек-паук.

А на сцене Диана Вишнева прикладывает руки к голове, намекая, что вся эта вакханалия разрывает ей череп, беспомощно отстраняет рукой видения и проводит согнутыми ногами большие ронды, сокращая стопу «утюжком», поскольку лексика объявлена «современной». Виртуальные чудища часто вторят ее движениям — к невыгоде живой балерины: у аватаров и амплитуда шире, и компьютерные тела гибче. В целом же партия современной Авроры кажется довольно бессмысленным тестом на выносливость: хотя Диана Вишнева почти не уходит со сцены, те па и пассы, которые она проделывает, выглядят совсем не эффектно — будто хореограф задался целью сохранить силы протагонистки на весь марафон. Особенно он щадит балерину во втором акте, в котором переодетая в бриллиантовый комбинезон Аврора преимущественно ходит из кулисы в кулису или лежит, вытянувшись бездыханным телом, на руках мужского кордебалета.

Эти восемь мужчин в платьях до полу, вооруженные бамбуковыми палками, играют в шоу функционально-декоративную роль. Но и Принцу (отличный танцовщик Марейн Радемакер) отведена партия не богаче: поддержать балерину в длинном, но простеньком адажио в первом акте и поцеловать во втором, после чего тихо исчезнуть за кулисами. В виртуальных фантазмах Авроры он не участвует, да и в реальной ее жизни тоже. Свадьбы не будет: после судьбоносного поцелуя принцесса отправляется на свое прозрачное ложе, с которого поднялась в начале представления. Возможно, для того, чтобы доспать на нем следующую серию шоу в случае успеха мирового турне «Снов спящей красавицы».


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вт Окт 01, 2019 9:32 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20551
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Сен 24, 2019 5:36 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019092401
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Татьяна Осипова
Автор| Наталья Плуталовская / Фото: Алиса Асланова
Заголовок| Татьяна Осипова
Где опубликовано| © La Personne
Дата публикации| 2019-09-24
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/tatjana-osipova-bolshoi-theatre/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Татьяна Осипова, молодая артистка Большого театра, переняла наследие нескольких школ: начав своё профессиональное обучение в Пражской консерватории, она продолжила его в Пермском училище, а во взрослую жизнь вышла из дверей Московской академии хореографии. Интеллект, образованность, душевная восприимчивость кажутся ей неотъемлемой составляющей хорошего артиста, поэтому о книгах для нашей специальной рубрики Read & Pirouette Таня согласилась поговорить с большой охотой. И в нашем разговоре, обрамлённом в литературную рамку, приоткрыла мир, который так редко может увидеть зритель, – мир переживаний начинаюйщей артистки, находящейся в поиске своего пути.

Таня, я знаю, что ты с большой любовью относишься к классической литературе. Почему для тебя она интереснее современной?

Мне нравится классика, потому что она вечна. Писатели затрагивают такие темы, которые волновали и тогда, и волнуют сейчас, и в будущем будут. Ты читаешь и понимаешь, например, как тот же Достоевский знает душу человека, сколько он пережил, чтобы правильно описать состояние героя. И часто, говоря о герое, он пишет о себе.

Но бывает, что да, это классика, да, это великое произведение, но оно просто-напросто не твоё.

Да-да, абсолютно! У меня бывало такое: мне нравилось произведение очень сильно, мне было интересно его читать, но я чувствовала, что это не моё. Возможно, с некоторыми выводами писателя я не согласна.

Можешь привести пример?

Например, «Анна Каренина» Толстого. Потрясающая книга, но Анна, хотя сомневалась, как поступить, мне кажется, поступила не по совести. С этим я не согласна. Для меня важно в сложной ситуации прислушиваться к тому, что говорит совесть. Она всегда подскажет правильный вариант. Пусть он будет для тебя невыгодным, но зато ты потом будешь спокоен, что не пошёл против неё.

А если бы тебе досталась роль Анны в постановке, как бы ты сыграла её, раз отношение к героине сложное? Нужно же быть честной с собой и зрителем. Ты бы вообще согласилась?

Не очень люблю говорить о том, что мне ещё не предлагали. Если ситуация возникнет, я подумаю и смогу сказать, как поступлю, а сейчас могу только фантазировать. Это зависит от множества вещей: какой хореограф, какой у спектакля посыл. Почувствовав, что знаю, как сыграть, думаю, согласилась бы, попробовала. Мне интересны такие драматичные сюжеты.

Вот мы говорим с тобой о предпочтениях. Но люди же постоянно меняются…

Не спорю. Ты хочешь сказать, что допускаешь: твоё мнение может измениться?

Да, я сейчас сильно меняюсь.

Изменяясь, мы развиваемся. Любая книга, приходящая в нашу жизнь, как и любое другое произведение искусства, нас немного меняет, поэтому каждой книге – своё время, момент, когда мы будем готовы понять и принять её. Кстати, на что ты обращаешь внимание, читая что-то новое? Что может привлечь тебя или, наоборот, оттолкнуть?

Мне важно, чтобы чувствовалась связь с писателем. Знаешь, иногда хочется разделить с кем-то свои переживания или услышать, что человек тоже что-то подобное проживает, но не всегда получается. И тогда я обращаюсь к литературе и к музыке – они меня спасают. Я открываю книгу и вижу, что человек именно это переживал, что переживаю в данный момент я, и меня это настолько сильно трогает! То же самое в музыке. Если я, например, слышу то состояние, которое сейчас во мне, послушаю и всё, могу продолжать работать. Приходит какое-то облегчение, понимаешь?

Конечно. Ты о катарсисе — очищении через искусство. И тут ещё не последнюю роль играет момент, когда к тебе в руки попадает эта книжка.

Обычно в нужный. Оно само так получается.

Если не возражаешь, давай вернёмся к Достоевскому. Насколько я понимаю, это твой любимый писатель. Расскажешь почему?

Потому что он прошёл через очень многое — ему было, что сказать людям. Сейчас, когда изучают его работы, видят: написано так, как будто он писал без остановки, не исправляя даже, всё шло само от его переживаний. Наверное, это чувствуется. Я, по крайней мере, это очень чувствую.

Скажи, ты хотела бы однажды станцевать в спектакле по какому-то из произведений Достоевского? И что тебе хотелось бы донести до людей? Может, это вдохновило бы их на прочтение первоисточника, заставило бы задуматься о чём-то.

Сначала лучше прочитать. Наверное, «Братьев Карамазовых» — это гениальное произведение.

Возможно раскрыть всю глубину и многогранность этой книги в театральной постановке?

Мне кажется, это возможно. Если ты берёшься за такое, ты должен любить этого автора, должен знать о нём многое и пройти тоже через многое, чтобы что-то хорошее создать. К тому же человек берёт на себя огромную ответственность. Нужно иметь смелость, чтобы взяться за это. Но я только за: у балета сейчас такие возможности, благодаря которым можно создать действительно уникальные, великие вещи. Они будут духовно возвышать зрителей, расширять их кругозор, открывать им что-то новое.

Эти возможности даёт только современный танец? Или классика тоже?

Классика — это что-то совершенное, что-то вечное, зато у современного танца в наши дни больше возможностей. Классика близка к идеалу, а современный танец пока находится в поиске себя. Гораздо позднее мы поймём, что из современных постановок было действительно великим.

Ты могла бы отказаться от классики в пользу контемпорари?

Как можно от неё отказаться! Она же гениальна. И её образ для меня постоянно меняется: когда училась, смотрела одними глазами, сейчас смотрю на классику совершенно другими глазами.

Мы обсуждали в основном сюжетные балеты. Можно сказать, что ты отдаёшь им предпочтение? А бессюжетные спектакли тебя как профессионала привлекают?

Смотря какие. Есть те, которые очень даже привлекают, а есть те, которые совершенно нет. Если прослеживается мысль хореографа, это мне интересно. Если же человек слишком много объясняет для того, чтобы его поняли, не знаю. Тут опять надо исходить из внутреннего состояния: если я смотрю бессюжетный балет, и он мне открывается, если пластика, хореография выражают то, что я не могу выразить словами, мне хочется это танцевать. Во всём должна быть жизнь.

Я правильно понимаю, что тебе не нужно придумывать для себя историю или образ своего персонажа, чтобы станцевать в абстрактной постановке, что достаточно уловить идею и чувства?

Да, если играет музыка, и она трогает мою душу, я начинаю танцевать. Движения исходят из души. Иногда музыка будит какие-то воспоминания, и, хотя в твоём танце не будет никакого сюжета, все будут понимать, что ты хочешь сказать, и через твой танец каждый увидит что-то своё.

Тебе нравятся сложные произведения, многогранные, в которых есть что подумать и прожить, да? Для балерины важна внутренняя работа над собой в процессе?

Да, это очень важно.

Можно сказать, что артист балета растёт после каждой новой роли?

Да, мне кажется, так и должно быть: если человек берётся за работу, он должен гореть ею, выжимать из себя по максимуму. Только тогда получится то, к чему он стремится.

Давай вернёмся к книгам. Скажи, зарубежная литература в твоих руках оказывается? А то мы всё про отечественную.

Как русский человек, я её чувствую на глубинном уровне. Мне близка, например, именно русская поэзия. Шекспира я, наверное, никогда не смогу понять так, как англичане.

К вопросу о поэзии. В фотографиях, которые выйдут вместе с этой статьёй, мне померещилось что-то ахматовское: может быть, твой профиль, может быть, «руки под тёмной вуалью», может быть, общее ощущение сильной женственности и какая-то скорбность. Ты вкладывала в образ что-то подобное, или это просто мозг филолога играет в литературные ассоциации?

Это было откровение. И Алиса [Асланова – фотограф; прим. автора] за 15 минут до съёмки отправила мне такую музыку: “The Cold Song” в исполнении Клауса Номи!.. Я, как только её услышала, сразу поняла, что мне нужно делать, а то, что мне нужно было делать, оказалось во мне: это были мои переживания. Сейчас много сложных, волнующих ситуаций.

Музыка разрешила тебе выплеснуть то, что накопилось?

Да, именно.

У тебя достаточно богатый опыт фотосессий. Мне очень интересно: ты на них играешь какого-то персонажа, выбираешь образ и настроение, или это всегда ты сама?

Я никогда не пытаюсь кого-то играть.

Кажется, этот момент очень важен для тебя: быть всегда искренней.

Да, я хочу, чтобы всё было искренне, чтобы человек, когда смотрит мои работы, чувствовал: это настоящее.

В материале упоминаются следующие книги:

— Ф.М. Достоевский «Братья Карамазовы»;

— Л.Н. Толстой «Анна Каренина»;

— Поэзия Анны Ахматовой.


Фото: Алиса Асланова

=======================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20551
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Сен 24, 2019 6:36 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019092402
Тема| Балет, Международный фестиваль балетного искусства имени Рудольфа Нуреева (Уфа), Персоналии, Луиджи Пиньотти
Автор| Гульчачак Ханнанова
Заголовок| Луиджи ПИНЬОТТИ: Здравствуй, Руди
В Уфе побывал человек, почти три десятилетия работавший с легендой балета

Где опубликовано| © газета «Республика Башкортостан» №111
Дата публикации| 2019-09-24
Ссылка| https://resbash.ru/stat_m/2/21461
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Я спросил у Руди: «Можно, я попробую себя в роли менеджера?». Он удивился, но ответил: «Давай» (из архива любезно предоставлено Луиджи Пиньотти. Публикуется в России впервые.)

Международный фестиваль балетного искусства имени Рудольфа Нуреева в Уфе ознаменовался необычным визитом. Впервые на родину легенды мирового балета прилетел человек, который проработал с ним более 26 лет и был среди тех, кто провожал его в последний путь. Президент фонда Rudolf Nureyev Луиджи ПИНЬОТТИ из Милана решил своими глазами увидеть места, где прославленный артист вырос и впервые окунулся в мир танца.

Синьор Пиньотти организовывал гастроли Нуреева в Италии, Франции, Англии, США, Испании. Сейчас он импресарио, занимается театральными гастрольными турами и танцевальными шоу.

Работает с молодыми талантами и, будучи обладателем одной из самых больших коллекций личных вещей Нуреева, проводит выставки.

В Уфу синьор Пиньотти прибыл по приглашению театра оперы и балета и оргкомитета международного проекта «Нуреевские сезоны», в рамках которого в разных странах мира проходит фестиваль фильмов о выдающемся танцовщике. В будущем году форум пройдет, возможно, и в Италии, готовятся съемки новой документальной ленты «Рудольф Нуреев. Покорение Италии». Одним из рассказчиков в ней станет Луиджи Пиньотти. Наш разговор с ним состоялся в Милане.

Из массажистов — в менеджеры

— Правда ли, что вы начинали работать с Рудольфом Нуреевым как физиотерапевт, массажист и лишь потом стали его личным менеджером?


— Прежде всего я считаю, что был его лучшим другом. Он был мне как старший брат, ведь нередко мы не расставались сутками. И это на протяжении многих лет.

Началось все случайно. Я был очень молод и слыл хорошим массажистом. Так получилось, что в Милане я лечил одного высокопоставленного индийского деятеля. По его совету Нуреев, остановившийся в одном из отелей во время проб в «Ла Скала», пригласил меня сделать ему массаж после спектакля, расслабить ноги. Надо сказать, мышцы у него были просто железные, и расслабить их было непросто. Мой сеанс, видимо, возымел действие, потому что во время него он… заснул. Мне заплатили очень хорошо: если обычно я зарабатывал 50 евро в день, то тут получил 25 евро в час.

Я уехал, сказав только, что меня зовут Луиджи, но уже чуть ли не на другой день каким-то невероятным образом, не зная фамилии, меня разыскали, и Нуреев спросил: «Еду на гастроли, будешь работать со мной?». Я немедленно согласился: к тому времени он был уже звездой, работать с ним было честью. Позже, когда мы переехали в Лондон, умер пожилой организатор его концертов, и я спросил у Руди: «Можно, я попробую себя в роли менеджера?». Он удивился, но ответил: «Давай». И я занялся организацией его выступлений. Без ложной скромности скажу — весьма удачно, мы собирали огромные залы.

— Как складывалась его жизнь в Италии?

— Рудольф страдал иммунодефицитом. Это диагноз, при котором любая простуда или инфекция была для него противопоказана. И он искал место, где было бы тепло.

После возвращения из Японии мы поехали на остров Ли Галли. Он влюбился в него с первого взгляда. Я знал, что у хозяина острова, тоже русского танцовщика Леонида Мясина, финансовые проблемы. Мы связались с ним: пришлось даже отправить ему 100 тысяч лир, чтобы Мясин мог приехать к нам обсудить сделку. Так Руди приобрел этот остров. В центре острова находилась вилла, еще одна была на берегу. Мы ее реконструировали.

Руди очень нравилась античная архитектура. На вилле оборудовали зал для репетиций, установили специальные фильтры, которые из морской воды делали питьевую, провели трубопровод для отопления, электричество и соорудили площадку для вертолета. После его смерти остров был продан.

За десять лет до смерти

— Вы знали о его болезни задолго до кончины?


— Он мне сказал об этом лет за десять до смерти. Мы были в Венеции с труппой Парижской оперы. Рудольф танцевал один спектакль там, другой в Вене. После выступления в Венеции на поезде сразу мчался в Вену, и я чуть ли не каждый вечер отвозил его на вокзал. В один из дней, когда я сопровождал его, он показался мне очень измученным и произнес: «Я болен». Я понял, что это было сказано не просто так. Рудольф всегда говорил обдуманно, просчитав все фразы наперед.

Он сказал мне, что у него инфекция, но не сказал, какая именно. Я долго думал, что же это может быть? Рак? Потом диагноз стал ясен. Я никогда никому не говорил об этом, даже своей жене и дочери. Моя дочь узнала о смерти Нуреева из телевизионной передачи. Я думал, что если расскажу хоть кому-то о его болезни, для него будут закрыты многие пути: например, в Америку, ведь в то время проблема с этим заболеванием во всем мире стала глобальной и активно обсуждалась.

— Он искал лекарства, чтобы вылечиться?

— У него были дорогие препараты, серьезное лечение, лучшие доктора Парижа. Возможно, именно поэтому он прожил столько лет с этим недугом.

— Было трудно работать с таким сложным человеком?

— Он не был сложным. Возможно, так казалось людям, которые с ним виделись реже, но я знал, что он был… застенчивым. Был честным, но мог высказаться в грубой, даже агрессивной форме.

Мы всегда были вместе. Помню моменты, когда я даже подписывал автографы за Нуреева. На закате жизни он не хотел ни с кем контактировать. А люди думали, что это я такой вредный и не пускаю к нему никого.

Неправда жизни

— Какая роль Нуреева в кино, на ваш взгляд, была самой значительной?


— Конечно, «Valentino»! Этот фильм долгое время оставался недоступным для российских зрителей. Его снял Кен Рассел в 1970-х годах в Великобритании и Испании, хотя главный герой ленты — итальянец. Фильм стал в свое время настоящей сенсацией.

— Его последнее возвращение в Россию само по себе кинематографический сюжет... Вы же, наверное, помните, как он много раз писал властям письма с просьбой пустить его в Россию или выпустить его мать на Запад?

— Не то, чтобы он сам их писал. Всегда были люди, которые делали это за него. Сам он, кроме своего автографа, ничего не писал. Но много говорил об этой своей проблеме.

— И никогда не получал ответа?

— Нет, насколько помню, ответов не было. Только Горбачев, придя к власти, позволил ему приехать в СССР. Рудольф говорил, что Горбачев — это посланник Бога, который открыл вашу страну миру.

В канун смерти мамы Рудольфа Нуреева мы вместе были в Санкт-Петербурге, откуда он улетел в Уфу с последним визитом.

— Разное пишут о его связях с мужчинами, женщинами, о том, что он тосковал без семьи...

— Пишут вообще много неправды. Настоящая жизнь Нуреева — то, что могу рассказать я. Минута за минутой, все 26 лет. Ему приписывают много того, чего не было. У него были отношения с Эриком Бруном (знаменитый датский танцор и хореограф — авт.), которые тянулись лет шесть-семь, с Уоллесом Поттсом... В Санкт-Петербурге была вроде бы женщина, которая якобы являлась его девушкой. Но официальных отношений он ни с кем не завязывал.

— Он мечтал о детях?

— У него не было желания обзавестись семьей. Он понимал, что с его ритмом жизни это невозможно. Те звезды, которые умудрялись строить семьи, не могли уделять женам, детям достаточно внимания и заботы.

Достояние мира

— Вы можете рассказать о том, как он уходил?

— Когда я в последний раз пришел к нему в больницу в Париже, у меня было всего лишь полчаса, чтобы побыть с ним рядом. Он к тому моменту уже не двигался, полтора месяца все время лежал в постели. Совершенно не было энергии и сил. Я запомнил на всю жизнь, как он взял мою руку и очень-очень сильно ее сжал.


— Вы были на похоронах в Париже?

— Да. Прощание с Рудольфом Нуреевым прошло невероятно! Столько артистов балета приехало! Когда мы с семьей подъехали к оперному театру в Париже, я увидел балерин из «Ла Скала», их было около 70, и они все в голос кричали: «Луиджи!». Выяснилось, что их не пропускали. Я открыл ворота, дал им войти, и ни один полицейский не смог меня остановить. Я считал, что Нуреев — достояние всего мира, а не только Франции.

— Люди приходили прощаться с ним весь день?

— Нет, только утром, потом мы отвезли его на русское кладбище.

— Позже вы организовали представление памяти Рудольфа Нуреева…

— Да, после его безвременного ухода мы провели такие представления в Италии, Испании, назывались они «Спасибо, Руди!». Они воспринимались как благодарность ему от всего мира искусства. Я бы хотел это повторить сейчас, годы спустя. Планирую в миланском театре Арчимбольди, одном из самых значительных в городе, провести вечер «Час с Нуреевым. Вход свободный».

— Вы располагаете большой коллекцией личных вещей Нуреева...

— Это то, что он оставил мне. У меня много его личных вещей. Кроме того, «Ла Скала» одалживает мне уникальные экспонаты для выставок. Я устраивал в его честь выставки в Милане. И мог бы сделать такую экспозицию в России, она стала бы сенсацией. Но нужны организатор, принимающий музей, спонсор, страховка экспонатов. Цена вопроса около 20 — 25 тысяч евро. Тот, кто будет организовывать выставку, должен понимать, какой след в истории культуры оставил Нуреев.

— В Милане есть мини-отель «Ciao, Rudi»...

— Им управляет моя дочь. Она сейчас занимается его реконструкцией и воссозданием той атмосферы, которая напоминала бы о Рудольфе Нурееве. Кстати, туда недавно приезжали туристы из Уфы, специально там поселились.

— А вы знали о существовании города Уфа?

— Конечно. Руди очень часто рассказывал о своей жизни в этом городе. И, кажется, испытывал ностальгию, но всегда стремился при этом идти дальше, выйти за рамки одного города и страны. А в 2009 — 2010 годах я как-то даже привозил балетную труппу из Уфы в Европу. Тур был по всей Италии. Сам я в Уфу не приезжал и рад случаю в ней побывать. Надеюсь, сумею прочувствовать тот воздух, которым когда-то дышал Руди.

К слову

Во время визита в Уфу Луиджи Пиньотти посетил спектакли, проходящие в рамках балетного фестиваля имени Нуреева, хореографический колледж, музей Нуреева. Была достигнута договоренность о выступлении балетной труппы Башкирского театра оперы и балета в Милане, а также возникла идея обратиться к властям Милана с просьбой назвать одну из улиц именем Рудольфа Нуреева и найти в Италии площадку для установки памятника великому танцовщику. Пока на эту идею откликнулась мэрия города Позитано, рядом с которым расположен принадлежавший Нурееву остров Ли Галли. С ней ведут переговоры организаторы кинофестиваля «Нуреевские сезоны».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20551
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Сен 24, 2019 9:17 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019092403
Тема| Балет, Шоу, «Сны Спящей красавицы», Персоналии, Диана Вишнёва
Автор| Евгения Стогова
Заголовок| Диана Вишнева: Моя задача — не отставать от молодых талантов и идти за ними
Где опубликовано| © Вечерняя Москва
Дата публикации| 2019-09-24
Ссылка| https://vm.ru/interview/752543-diana-vishneva-moya-zadacha-ne-otstavat-ot-molodyh-talantov-i-idti-za-nimi
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Балерина Диана Вишнева призналась, что мало спит — она поменяла отдых на работу
Наталья Феоктистова, "Вечерняя Москва"


Прима Мариинского театра Диана Вишнева представила в Москве новое шоу «Сны Спящей красавицы». В интервью «Вечерке» она рассказала, как взаимодействует классическое искусство с технологиями и почему для самой танцовщицы сон — настоящее сокровище.

— Диана, вы ведь и раньше танцевали в постановках по мотивам «Спящей красавицы». По какой причине согласились прочесть этот образ по-новому?

— То были классические редакции. А в этот раз мы берем легендарную историю лишь за основу, заостряя внимание именно на том моменте, где героиня спит сто лет. Это отражение ее внутреннего мира. Никто раньше не затрагивал это белое пятно, никто не задавался вопросом, а что происходило с ней за эти годы?

— У вас ведь сейчас маленький сын. Не тяжело так много гастролировать?

— Нам повезло, я могу себе позволить брать его с собой! Так что мы разъезжаем целой командой.

— В физическую форму после рождения ребенка вы легко вернулись?

— У меня была сильнейшая мотивация, я очень хотела скорее вернуться на сцену. В карьере как раз планировался новый опыт, революционный прогресс технологий, новые решения в творчестве. Не хотелось отрываться от всего этого. А вообще сейчас так много работы, нет времени ни на что другое, даже на еду!

— Сколько вы спите?

— Сон — это единственный период, когда можно отдохнуть. Идеально, конечно, чтобы восемь часов, но чаще всего не получается. Стараюсь восполнять сон разгрузочными днями. А вот перед спектаклем обязательно высыпаюсь днем, чтобы к вечеру быть наполненной силами и энергией.

— Даже на светских мероприятиях многие деятели культуры говорят, что хотели бы с вами познакомиться, да негде. Легко ли просто так встретить Диану Вишневу на улице?

— Нет. Я практически всегда в тренировочном зале, а по улицам перемещаюсь на автомобиле. Но вот если вы придете в театр, можно встретиться!

— На ваш взгляд, остается ли балет элитарным искусством?

— Смотря где. Я много выступаю на Западе, могу сравнить с их обычаями. У нас куда больше молодой аудитории в театре, чем там. Но балет трансформируется, технологии становятся его неотъемлемой частью. Любое искусство делает все, чтобы привлекать новую аудиторию.

— То есть будущее балета за технологиями?

— Я бы лучше вела речь о некоем симбиозе танца, современной музыки, жанров, креативных художников и целых команд специалистов.

— Вы танцевали классический балет, теперь вот шоу с использованием мультимедиа. Что больше нравится публике?

— Новое и необычное. Стараюсь продвигаться и своим именем давать развитие новым решениям. Нам нужен новый формат спектакля. И, конечно, благодаря этому люди, которые раньше откликались только на классический балет, теперь расширяют свое мировоззрение.

— Как уже опытная балерина, что можете сказать о начинающих танцовщицах?

— Талантов много никогда не бывает. Но тем, в ком я это вижу, я готова помогать, готова передавать свой фундамент, накопленный опыт. Кроме того, моя задача — не отставать и идти за ними.

СПРАВКА

Диана Вишнева — российская артистка балета, с 1996 года является примой-балериной Мариинского театра. До 2017 года также выступала как прима Американского театра балета. Лауреат премий «Золотой софит», «Золотая маска» и многих других.

ИНТЕРЕСНЫЙ ФАКТ

Диана Вишнева стала мамой в 41 год и после короткого перерыва вернулась в театральный строй. Она развивается сама и занимается развитием молодых дарований. К сравнениям с Майей Плисецкой, которая танцевала и в 75, Диана относится с осторожностью.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20551
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Сен 25, 2019 9:25 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019092501
Тема| Балет, Фестиваль Dance Inversion, Персоналии,
Автор| Майя Крылова
Заголовок| Фестивалю Dance Inversion исполнилось 20 лет
Где опубликовано| © ClassicalMusicNews
Дата публикации| 2019-09-25
Ссылка| https://www.classicalmusicnews.ru/reports/dance-inversion-20/
Аннотация| Фестиваль


«Дорранс дэнс». Фото – Matthew Murphy


Международный фестиваль современного танца DANCE INVERSION – один из долгожителей постсоветского культурного пространства. За 20 лет главная заслуга московского проекта – формирование нового зрителя. Такого, который не хочет почивать на лаврах зрительских привычек, воспевать лишь балетную классику. любоваться прошлым, не зная настоящего и будущего.

Организатор, художественный руководитель и продюсер DANCE INVERSION Ирина Черномурова с гордостью вспоминает: за эти годы приезжали компании с 5 континентов и островов Новой Зеландии, Ирландии и Кубы, задействованы 30 стран, 78 компаний и почти 90 хореографов. Это, в сущности, глобальный учебник танцевальной эстетики в ее разных проявлениях. И пособие по эстетической эволюции: ведь за 20 лет в современном танце поменялось многое, что, разумеется, отразилось в показанных спектаклях.

Мы стали свидетелями новейшей истории танца, доставленной на дом, в ее удачах и в ее поисках. Мы учились и не на шедеврах: такой опыт не менее ценен, чем противоположный.

И мы вникали в панораму имен, среди которых – лучшие из лучших.

Прельжокажа, Жозефа Монтальво, Яна Фабра, Вима Вандекейбуса, Эдуарда Лока, Начо Дуато, Триши Браун, Дага Варона, Жозефа Наджа, Пола Лайтфута и Соль Леон, Эмио Греко, Леми Понифазио, Шен Вея, Акрама Хана, Сиди Ларби Шеркауи, Дада Масило, представлял национальные легенды: компанию Элвина Эйли, NDT и Иржи Килиана, Жан-Кристофа Майо, Каролин Карлсон, Сашу Вальц, Мауро Бигонцетти, Охада Нахарина»,

– говорит Черномурова.

Нынешний юбилейный фестиваль начался с гастролей китайской труппы «Павлин». Она показала балет «Весна священная», составленный из двух музык – Стравинского и современной китайской, двух манер танца – китайской и западной, двух пластических стилей – «эстрадного» и «философического» и двух типов движения – пантомимы и танца.

Многосоставное зрелище оставило странное впечатление: в какие-то моменты оно напоминало открытие Олимпийских игр в дальневосточной стране, с обилием неизбежной экзотической «показухи», а иногда тяготело к шоу, но всегда претендовало на многозначительность высказывания. Хореограф Ян Липин рвется объединять культуры и цивилизации, что само по себе не хорошо и не плохо, а есть исходный пункт построения художества. Итогом его стали девы, декоративно распускающие «павлиньи» хвосты. А до этого средствами танца нам пытались показать взгляд тибетского буддизма на вопросы нирваны и сансары.

Собственно, весна священная – это монах в красном, весь спектакль раскладывающий пластиковые мантры – иероглифы на полу. Целеустремленно и старательно. Между этими кругами из возгласов («Ом мани падме хум») движется стайка красивых девиц в экзотических одеждах и с огромными зелеными ногтями на шевелящихся пальцах. Зеленое сверкает в темноте и в дыму, как листья неведомого растения. Девушки весьма энергичны и не знают устали в невероятных трясущихся телодвижениях, в гибкости прогнутых спин. Позы лотоса и красота длинных распущенных волос прилагаются.

Есть еще огромный лев-маска (демон и смерть), щелкающий клыками, и молодой человек, ловко прыгающий и не менее ловко обнимающий партнерш в сугубо эротических позах (камасутра или тантризм, шептались в зале). В итоге одна из красавиц отдает себя в жертву (то есть демон ее съедает) и после кончины перерождается в чистую душу.

Мы за нее рады. Как и тому, что восточные телесные практики на сцене всегда не подведут. Чуть-чуть их дашь – вот и готова иллюстрация принципа ин-янь. Но грань откровенной коммерции и не менее откровенного желания приобщить Запад к духовному Востоку так неуловима, что не знаешь, как к этому отнестись. С улыбкой, наверное.

Американская компания «Дорранс дэнс» (так пишется название на сайте фестиваля) специализируется на степе. Но не на простой концертной чечетке. Создан художественный мир, в котором ботинки для степа играют формообразующую роль, подобно пуантам в классике.

Три мини-балета программы (Блюз джунглей, Три к одному, Миелинизация) поставлены хореографом Мишель Дорранс. Причем под «живую» и специально написанную музыку: в глубине сцены находится банда, наигрывающая легкий джаз. Постановки соединены одной идеей, и это мысль о глубинной импровизации движения как импровизации жизни. Мудреное название третьего опуса, подсказанное хореографу прочитанной книгой о функциях мозга, не заслоняет главного- животворящую энергию, бьющую из- под ног танцовщиков. Будь то монолог одиночки в квадрате света на темной сцене или коллективный «выброс». А также диалог степиста с перкуссией, напоминающее разговор флейты и Лючии ди Ламмермур в одноименной опере.

Синкопы и унисоны с музыкой, лихорадка скорости и нарочитые замедления, замирания и падения, скольжения на носках и пятках. Броское соревнование виртуозов и тихое размышление, два брейк-танцовщика, разнообразящих пластическую картинку. Уместно введенные приемы современного танца и гимнастики, асимметрия положений, даже житейские костюмы, от строгого костюма офисного клерка до развязного уличного прикида – все работает на общий смысл. Танец объединяет людей, это правда. И простых, и интеллектуальных. Особенно если танцевать так, как американские артисты – легко и свободно.

Балет Лионской оперы показал спектакль «Улица Ванденбранден, 31» – мрачный анализ человеческих контактов, придуманный Габриэлой Каррисо и Франком Шартье. Для этого на сцене поставлены два видавших виды трейлера, пол густо засыпан снегом, а небо вечно меркнет в сизых тучах, и вообще, по мысли авторов, место действия – затерянное альпийское плато, где, если и ступала нога человека, так это мимо проходящие лыжники. Когда их нет – в затерянном мире живет кучка то ли фриков, то ли бомжей, то ли слабоумных.

Воют ветер и музыка Хуан Карлоса Толоса и Гленна Вервлье, создающая надлежащее настроение жути с сантиментами. Но, может, это не фрики живут, а нормальные люди, просто их подсознание шутит с ними странные шутки. Или вообще символы «одиночества в толпе». Зритель решает это сам.


“Балет Лионской оперы показал спектакль «Улица Ванденбранден, 31» – мрачный анализ человеческих контактов, придуманный Габриэлой Каррисо и Франком Шартье”. Фото – Michel Cavalca

Конфликт начинается с прибытия на плато двух странных путников – на ПМЖ. Один приживается, другой в финале умирает, истекая кровью. От несчастной любви. Но до этого будет семейный мордобой, нелепые ухаживания, драки и игра в снежки, ария «Casta diva», спетая седой отшельницей, прогулки по крыше, шпильки, увязающие в сугробе, хождение сквозь стены. Истерики за освещенными окнами, походы в гости, скука с ритуальным чаепитием, бесконечное смещение центра тяжести в контактах искривленных танцем тел, мгновенные падения и вскакивания. Стрельба из ружья (материализация нашего гневного «убил бы»), спотыкания и барахтанья, ночные двойники под тусклым фонарем и перманентное ощущение зыбкости происходящего. Не то кошмарный сон, не то фрейдистская явь.

Танцовщики из Лиона работают прекрасно: им по силам любая пластическая задача, а здесь их множество. Сжать тело до маленьких размеров униженного и оскорбленного, «раздаться» в гордыне, поиграть мускулами, послать миру импульсы желания, забиться в агонии, стать агрессивным или тревожным – все персонажи спектакля проходят эти стадии и десятки других. Благодаря исполнителям спектакль не превращается ни в лабиринт заумных условностей, ни в абстрактную притчу, оставаясь живым и страдальческим. Хотя и очень грустным.

===============================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Сен 25, 2019 9:42 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20551
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Сен 25, 2019 9:41 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019092502
Тема| Балет, Шоу, «Сны Спящей красавицы», Персоналии, Диана Вишнёва
Автор| Беседовал Петр Каменченко
Заголовок| «Это постоянная боль, боль и дисциплина»
Балерина Диана Вишнева о языке тела, стертых ногах и толковании сновидений

Где опубликовано| © Lenta
Дата публикации| 2019-09-25
Ссылка| https://lenta.ru/articles/2019/09/25/sleepigbeauty/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В середине сентября на сцене Мариинского театра в Санкт-Петербурге, а затем и в московском «Крокус Сити Холле», прошла российская премьера «Снов спящей красавицы» — шоу столь яркого и необычного, что определить его жанр в общепринятых терминах представляется практически невозможным. Звезда классического балета Диана Вишнева танцевала в костюме, на котором были укреплены 17 сенсоров, реагирующих на движение, изображение передавалось на огромный 3D дисплей в виде фантастических аватаров, музыку к шоу написали известные голландские электронщики Nosia, постановку танца осуществил знаменитый словенский хореограф Эдвард Клюг, а всю техническую поддержку — мощная международная команда передовиков продвинутых цифровых технологий. Корреспондент «Ленты.ру» встретился с Дианой Вишневой и расспросил ее о сенсорах, снах, аватарах, современном танце и языке тела.

Мы последние из могикан

«Лента.ру»: Давайте начнем с самого очевидного вопроса. Что заставило вас — признанную звезду классического балета принять участие в столь необычном и рискованном проекте?


Диана Вишнева: Наблюдая за тем, что происходит сегодня в мире танца, я постоянно задавалась вопросом, каким будет спектакль будущего, куда все это будет двигаться дальше. У нас молодые пока еще ходят в театр, а заграницей, особенно в Америке, я вижу в основном, пожилую аудиторию. Молодому поколению интереснее посидеть в компьютере. Из телефонов их не выгнать. Понятно, на рок концерт идут все, а вот на серьезное и правильное искусство не особенно. Мне захотелось найти такой формат, который бы смог затрагивать людей одновременно эмоционально и интеллектуально, говоря с ними на привычном им языке, через приемы сегодняшнего дня.

А насколько современны «Сны спящей красавицы»? Как они связаны с сегодняшней реальной жизнью?

Прогресс постоянно идет вперед, развиваются технологии. Театр должен быть отражением современного мира. Одним из его отражений. Мы же современные люди, живем сегодняшним днем, пользуются соцсетями, знаем, что такое виртуальные миры. Я человек очень современный, но я впитала в себя опыт разных поколений — и систему работы, и школу, и традицию, и историю. Для меня быть современным, это не значит стать таким тинэйджером, который только про компьютеры. Я из того века человек, где не было интернета. Мы последние из могикан. Потому, что после меня люди уже родились в мире с интернетом. С технологиями ход времени абсолютно поменялся. Поменялось отношение ко времени. И вот здесь мы хотели показать, что спектакль будущего — он совершенно другой. Говорят, театр застыл, театр умер… Это не так, потому что технологии тем или иным способом внутри театрального пространства все равно присутствуют. Пусть даже декоративно. А мы попытались сделать это не декоративно, а интерактивно.


«Сны Спящей красавицы». Танцуют Диана Вишнева, Марайн Радемакер и аватар
Фото: Григорий Сысоев / РИА Новости


Есть вероятность, что классический балет постепенно отомрет?

Ну мы же любуемся сегодня картинами Рембранта... Что-то обязательно сохранятся, но спектакль не должен пылился, он обязан быть живым за счет жизни, которую руководитель или прима-танцовщик привносят в него. Сейчас все главные театры имеют две сцены, что прекрасно. Можно продолжать ставить классику и одновременно работать с современным материалом. Иначе новое поколение и классику не будет хорошо танцевать, потому что классику тоже надо сегодня танцевать по-другому. Идет прогресс и каждое поколение привносит свои нюансы. Но творчеству обязательно нужны личности и таланты.

Ревность какая-то существует у классического балета к современному танцу?

В Советском союзе уделяли мало внимания современному танцу, поэтому мы сильно отстали. Хорошо, хоть классический танец сохранили, могли и его как имперскую забаву угробить. Но получилось наоборот, балет стал частью идеологии. А вот на современный балет, только последние лет десять начали обращать внимание с появлением новых людей. Я тоже своими силами, своим именем, брендом стараюсь это делать. Мне как танцовщице этот процесс интересен. Интересно быть не только классической, но и универсальной балериной.

Балет — это короткий, спринтерский бег

Классический балет, contemporary dance и технологический современный танец, который мы сейчас наблюдаем, достаточно разные по технике. Вы как-то меняете в связи с этим свои занятия?


Я занимаюсь одинаково одним и тем же классическим уроком, но вкладываю в классический урок все, что я уже знаю из современного танца. Это разная гравитация.

И нагрузка на разные группы мышц?

Мышцы тоже, но самое главное гравитация. Весь классический балет направлен вверх, contemporary направлен вниз, независимо от того, что именно ты танцуешь. А гравитация требует очень высокой интеллектуальной координации. Это как язык, ты думаешь на русском языке, а говоришь на английском, французском, итальянском. Также и здесь, я занимаюсь классическим уроком, но этим я подготавливаю себя к тому или иному языку танца, к разным стилям. Я понимаю, какие нужны ключи и как адаптировать свое тело, чтобы не травмировать его. И чтобы не выглядеть по-идиотски. Не быть такой классической балериной, которая танцует карикатурный contemporary. Надо себя менять, и я меняю себя через мышление и через работу мышц. Но это не значит, что ты какую-то мышцу сильнее или легче напрягаешь, работая ты меняешь формулу использования своего тела. Эта тебя обогащает. У меня одно из лучших классических балетных образований, но я так же работала с Морисом Бежаром, а теперь работаю с Эдвардом Клюгом. Это дополнительное образование, это делает богаче и умнее прежде всего мое тело, дает ему новые возможности движения, передачи эмоции, силы и индивидуальности.

Вы очень долго танцевали классический балет «Спящая красавица» на музыку Чайковского. Есть ли хоть что-нибудь, что из того балета вы сюда перенесли?

Я была классической Спящей красавицей, но ничего общего…

То есть это совсем другая история?

Я ничего не использую, но у меня есть данность. Это глубоко во мне. Есть мой шейп, мое классическое тело, есть опыт. И это меня обогащает. То есть хореографу со мной интереснее. Не каждый готов к экспериментам, когда нужно забыть все, что было с тобой до. Это определенная ломка, но ты должен через это пройти… Человек, который танцует этот спектакль, не станцевав классическую «Спящую красавицу», выглядит по–другому.

Но школа есть школа, и классическую школу никуда не спрячешь …

Мы все вышли из одной школы. Одна из ста стала тем, кем стала. А дальше? Насколько ты вообще готов идти дальше? Насколько ты готов себя ломать, насколько готов укрощать? Если ты дошел до выпуска — тебя уже можно записать в герои. Но если ты уже решился идти дальше, ты должен готов быть аскетом, терпеть, держать себя в узде и идти. Это же боль, это же бесконечная боль.

Если вы не получили травму, вы просто танцуете, у вас потом болят мышцы?

Всегда, если не болят, значит что-то не то. Если ты двигаешься на максимуме и делаешь больше того, что ты способен делать, естественно все болит, естественно все стирается. Не просто же так балерины выходят на пенсию в 36 лет. Кто-нибудь просто так у нас пенсию даст? Не даст! Стерто все, болит все. Балет — это очень короткий, спринтерский бег. Дистанция короткая, а жизнь длинная. И это очень сложно.

Тем, как вы двигаетесь, я сейчас два часа любовался. Это же фантастика! Так перекладывать свой вес, даже кошки так не умеют.

Это очень просто, наблюдаешь за тем, как животные это делают и пробуешь повторить. Вообще много всего берешь из жизни. Обожаю вдохновение, талантливых людей, будь то беседа, будь то работа … У меня очень хорошие глаза, внутреннее видение. Все это легло на то, что я стала балериной. Если бы не стала, нашла бы что-то другое.

Как не стать рабом своего аватара

Давайте вернемся к «Снам спящей красавицы». Расскажите о своих взаимоотношениях с аватаром. Когда вы танцуете, то, что вы ощущаете, и то, что видите на экране, насколько отличается одно от другого?


Мы специально изучали, как все это ложится на экран. Материал подбирался по аватарам и исходил из их эмоциональных характеристик и возможности повтора ими тех или иных движений. Но мы не хотели становиться рабами аватара, заложниками технологии. Важно было понять, что первично: ты должен подстраиваться под него или ты должен заставить его танцевать, образовать его, заставить развиваться... Это трудно, бесконечный такой барьер, но в итоге мы не стали рабами аватаров, потому что иначе это было бы очень банально, очень плоско для хореографа и для танцовщицы. Мы нашли компромисс: где-то pro-recording, то есть используем материал, который был записан заранее, где-то live-recording, где-то абсолютная трансляция в real time. И такой баланс, все время нужно поддерживать, чтобы не пропадала линия концепции и не было скучно. Потому что, если все делать только в реальном времени, сначала это тебя потрясает, а затем становится скучно, словно ты в мультик попал.

То, что вы видите, когда перед зеркалом танцуете, и то, что делает на экране аватар, сильно различается? Насколько это разные вещи?

Это как тело живое и тело-изображение. Тело мыслящее, тело с определенным интеллектом и картинка без интеллекта.

Есть такие движения, которые аватар совершенно не способен повторить?

Гибкости, пластики ему не хватает. И техники ног. Аватары без ног, только сама принцесса с ногами. Но она не может танцевать так, как танцую я на сцене. Поэтому мы даем ей какие-то достаточно простые движения, упрощенный вариант меня. А потом я дотанцовываю, или аватар делает зум, и мы видим только его руки или голову. Но аватар не может танцевать.

Вы смотрите на экран, когда танцуете?

На первом шоу у меня даже был свой специальный экран, чтобы постоянно видеть, что происходит с аватаром.

Но должна же быть еще и некоторая задержка реакции, между тем, что вы делаете и тем, что аватар за вами повторяет…

На полсекунды примерно. Сейчас я уже освоила этот темп, но все равно, часто поворачиваюсь лицом к нему. Я уже знаю с какой скоростью он движется, но все равно не отключаюсь, контролирую и себя, и его. И себя и того парня... И думаешь за него, и работаешь, и подтягиваешь его на себя, а иногда даже становишься им.

Когда вы на сцене в темном зале один на один с огромным жутким аватаром, он вас не пугает?

Экран очень большой, конечно. А воображение уводит тебя, уносит в этот мир виртуальный, и в какой-то момент приходит мысль — а вдруг я там потеряюсь, я же такая маленькая… Я чувствую, как меня затягивает туда, но потом меня как будто увеличивает зум, и я сама внедряюсь в этот экран. Я себя больше проецирую в экране, чем в зеркале. Есть такое ощущение.

Толкование сновидений

Сны спящей красавицы — это имеет какое-то отношение к вашему внутреннему миру. Или это просто хореография?


Это просто subject, сюжет. Появилась хорошая идея. Принцесса спала сто лет, но что ей в это время снилось. Никто это черное пятно раньше не трогал. Неизвестно, что она переживала все это время.

У вас был шанс как-то преломить это через себя. Это могла бы быть личная история?

Сценарий был написан…

И совсем ничего личного?

Во-первых, это конечно сценарий. То есть, не я его писала, не я креативный продюсер этого всего. Нет. Была написана история и соответствующий этой истории сценарий. Под эту историю создавались аватары… Но, конечно, ты как-то все равно через себя это пропускаешь, определенные свои страхи…

А как вы вообще к снам относитесь?

Стараюсь относиться серьезно. Я, конечно, не веду никакие записи, но сны мне важны, стараюсь их разгадать. Вот, допустим, ты человека долго не вспоминал, а он тебе вдруг приснился, и ты понимаешь, что он приснился не просто так. Понимаешь, что есть какая-то связь с космосом и это что-то значит.

В вещие сны верите?

В вещие сны не особенно верю. Со мной не бывало такого, что приснилась картинка — и потом она дублируется на жизнь, а вот в интерпретацию снов верю. Если перед спектаклем какой-то сон мне приснится, то я его могу немножко интерпретировать. Представить, что будет со мной на спектакле. Иногда это происходит из-за того, что мозг перегружен, нервное состояние и сложно расслабиться. Вот сегодня мне вдруг приснилось «Жизель». Именно вот по тактам приснилась. И почему-то до начала спектакля я разбиваю балетную туфлю, и она становится мягкой. Мне надо выходить, а у меня вместо пуантов мягкая туфля и других балетных туфель нет. Это настоящий кошмар, в котором нужно найти смысл, как-то его интерпретировать.

Иногда сны — это видения, иногда кошмары, иногда предвкушение, иногда они ведут тебя куда-то… Я знаю, какие сны мне снятся перед болезнью или перед смертью знакомого человека. Есть какие-то повторяющиеся сны.

Как вытанцевать горе

Как очень опытный человек, большая часть жизни которого связана с танцем, скажите, а можно решить какие-то свои внутренние проблемы именно посредством танца? Может танец быть терапией?


Конечно. Танец, даже подготовка к танцу, это медитация. Медитация создает определенную гармонию движений, движения — это вибрация тела. А вибрация тела, которая откликается на какую-то эмоцию — это вибрация души. А дальше ты себя дисциплинируешь, контролируешь и твоя мозговая, физическая и эмоциональная составляющие входят в гармонию. Балет — это определенные правила и феноменальная дисциплина. Ты каждый день идешь к станку, совершенствуешь свое тело, а через тело — мозг, мышление, эмоции. Это как долг, как жертвоприношение.

А можно танцем вылечить какую-то внутреннюю травму? Травма — это же потенциальная энергия, следствие какого-то психологического удара, чтобы от нее избавится, надо перевести ее кинетическую энергию ответа. Отдать, освободиться. Можно взять и вытанцевать травму? Вот когда в деревне умирал кто-то приходили плакальщицы, и они могли выплакать горе. А вытанцевать горе можно?

Да, но это технически непростая задача. Если ты пришел на дискотеку потанцевать, ну да, ты можешь снять какой-то стресс. Но чтобы вытанцевать свою проблему — должна быть особая техника. Нужно психологически работать, работать через танец. Я уверена, что люди, которые приходит в студию заниматься танцем, а таких много людей, непрофессионалов, именно за этим и приходят. Чтобы через движение гармонизировать свои внутренние вибрации. Когда есть гармония вибраций, то очень много шансов, что ты токсины свои душевные отпускаешь. Не зря же говорят, что движение — это жизнь.

Но, в то же время, есть и профессиональная история. Балет — это стресс на стрессе. Выйти на сцену оголенной, когда десять тысяч человек на тебя смотрят, а ты там что-то делаешь. Это невыносимо. Это груз и стресс. За всем этим стоит целый Эверест. Ты вроде поднялся на Эверест, раз — и второй вырос. И вот так всю жизнь. Чем выше ты поднимаешься, тем тяжелей, воздуха меньше… дышать тяжелее.

Отвалился сенсор, и нога подвисала

Хочу спросить вас о костюме с датчиками, насколько сложно было привыкнуть к ним?


Было очень неудобно для привыкания. Датчики то выпадали, то отключались, то не работали, то калибровка куда-то девалась — ты постоянно двигаешься, сенсор смещается и теряется правильное изображение. Только настроишься на работу — стоп.

Это только на репетициях, или на спектаклях тоже происходило?

На спектаклях тоже бывало. Отвалился сенсор, и нога у аватара на экране подвисала. Естественно, это не удобно. Потому что в современной танце, много партерной техники, движений на полу. А в этом костюме ты не чувствуешь свое тело как раньше — кожу, и мышцы. Потому что на тебе появилось что-то инородное. Нужно было привыкать к этому.

Привыкли?

Привыкаю от спектакля к спектаклю. Потому что одно дело сенсоры на репетиционной сцене, другое дело во время спектакля. Но ты живешь, набираешь опыт, адаптируешься от спектакля к спектаклю.

Хочу спросить о музыке. Вы все-таки были воспитаны на классике. Мусоргский, Чайковский…, а здесь электронная музыка.

Когда в спектакле симфоническая музыка, там многое зависит от человеческого фактора, очень важно кто дирижер, какой оркестр. Иногда исполнение дает тебе дополнительное вдохновение. Здесь же, ты привыкаешь к определенному темпу и объемному звуку. Это совсем другое. Людям, привыкшим к симфонической музыке, это может не понравится. Но мы не затачиваемся на какую-то ограниченную аудиторию, мы хотим охватить максимум.

Танцевать современный танец под электронику проще?

Если бы я на эту музыку стала делать классические движения, меня бы выворачивало, это невозможно. Хореограф, приступая к работе, слушает музыку и, если она ему нравится и соответствует сценарию, он ставит соответствующий танец. Электронная музыка вполне соответствует происходящему на сцене.

Есть хореография, сценарий, а какие-то элементы импровизации в танце возможны?

Не импровизация, а интерпретация. Она позволительна, когда ты уже все точно заучила и хореограф сказал: все, все на мази! Дальше можно включать свое видение того, что ты делаешь. Потому что сначала ты заучиваешь, повторяешь, повторяешь, и только когда это становится твоей органикой, ты можешь вкладывать в нее артистическое наполнение. В каждое движение. И это движение начинает протекать по-другому, оно уже не становится таким выученным. Оно становится твоим.

Язык твоего тела

Существует концепция языка тела. О том, что язык тела гораздо более честный, чем язык слов. Когда человек врет, тело его выдает. Вы профессиональная танцовщица, вы можете контролировать язык своего тела?


Нет. Я могу его полностью контролировать только физически, но на психологическом уровне я оголена.

Вас выдадут какие-то движения?

Да. Человек, который выходит на сцену, не может ничего соврать. Он оказывается в таком мистическом месте, где это всегда видно…

А в обычной жизни? Насколько вы можете контролировать свои движения?

Могу, конечно, когда задаюсь такой целью. Другое дело, хочу ли я. Скажем, если я персона Диана Вишнева — то я это делаю. Но когда я в своей частной жизни, зачем мне это? Мне не нужна ложь, я искренна во всем. Моя репутация, мое воспитание, моя семья не предполагают этого. Я — воин, боец во всем, поэтому мне не нужно за что-то прятаться, где-то вилять, что-то скрывать. В моей истории этого нет. У меня так сложилась жизнь, что не было серьезных жизненных травм, которые мне нужно было бы скрывать.

Вы осторожный человек?

Я — осторожный. Всегда сначала осмотрюсь, прежде чем нырну и сделаю свой выбор. Я нырну со своими условиями, понимаете. Не буду подстраиваться под систему, а буду стараться, чтобы система не травмировала меня и не меняла мой путь. Поэтому я очень скрупулезно отношусь и к выбору проекта, и с каким человеком мне работать… или не работать. Я делаю выбор, чтобы иметь возможность оставаться свободной и искренней. И я очень дорожу свободой и оберегаю ее. Поэтому я очень свободна.

=======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20551
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Сен 25, 2019 9:57 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019092503
Тема| Балет, ГКД, VIII Международный фестиваль балета, Персоналии,
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Солисты разных широт
Иностранцы в спектаклях Кремлевского балета

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №174, стр. 11
Дата публикации| 2019-09-25
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/4103022
Аннотация| Фестиваль


Денис Виейра сумел разобраться в хитросплетениях «Щелкунчика»
Фото: Дмитрий Лекай / Коммерсантъ


На сцене Кремлевского дворца проходит VIII Международный фестиваль балета: в репертуарной классике Кремлевского балета главные партии танцуют солисты мировых театров. Рассказывает Татьяна Кузнецова.

Сентябрьский фестиваль — лучший проект Кремлевского балета: в «мертвое» начало сезона публика охотно смотрит старые спектакли, оживленные иностранцами. В этом году зрителей даже больше обычного, несмотря на внезапные замены гастролеров.

В «Щелкунчике», например, с Лаурреттой Саммерскалес вместо ее травмированного мужа Йоны Акосты выступил коллега по Баварскому балету Денис Виейра. Пара тем не менее выглядела станцованной и раскрепощенной. Что удивительно, поскольку «Щелкунчик» Кремлевского балета идет в авторской редакции его худрука Андрея Петрова, которую приезжим пришлось выучить во всех подробностях — аналогов ее в мире нет, а всяческих затей предостаточно. Так, Дроссельмейер в спектакле не чудаковатый старик, а его пригожий племянник, недвусмысленно влюбленный в девочку Мари. Мари, впрочем, тоже влюблена не по-детски, хотя то и дело переносит свою нежность на Щелкунчика, тем более что кукла и принц-Дроссельмейер все время подменяют друг друга, поочередно выскакивая из подарочной коробки. Кульминация наступает в свадебном адажио, когда с небес спускается золоченая клетка, из которой выскакивает зубастый уродец, заменив исчезнувшего было жениха. Драматизм музыки Чайковского увеличивает разочарование героини до смятения, но в итоге влюбленные соединяются.

В сюжетных хитросплетениях, а также в хореографических наворотах, смешавших классические штампы с координационно алогичными комбинациями, гости сориентировались с подкупающей естественностью. Лаурретта Саммерскалес, не впервые танцующая с кремлевской труппой, выглядела как ее постоянный лидер. В мизансценах действовала органично — активно, но без «пережима»; в адажио была грациозна, вращения любых видов и в любых ракурсах откручивала легко, пуантную «мелочевку» отделывала четко и со смаком. Денис Виейра оказался предупредительным партнером — балерину не «притирал», верхние поддержки брал без видимых усилий. Однако к геройствам советско-российского полета танцовщик, вероятно, не слишком привычен, да и к исполинским размерам сцены тоже: его jete en tournant вышли довольно скромными по амплитуде, а двойным содебаскам не хватало чистоты. Что, впрочем, не портило общего благообразия, тем более что главный дирижер радио «Орфей» Сергей Кондрашёв управлял своим оркестром вдохновенно, но с пониманием особенностей нелегкого балетного труда.

В отличие от его коллеги Дениса Кирпанёва, который днем раньше в «Дон Кихоте» тщился переделать Минкуса в Чайковского, мечтательно затягивая темпы в резвящихся эпизодах и нервически взвинчивая как раз на больших прыжках. Дирижер и попортил московский дебют кубинца Луиса Валле, обладателя великолепной разножки и стойкого вращения, типичного для представителей кубинской школы. «Загнав» вариацию Базиля в па-де-де, Денис Кирпанёв заставил артиста нервничать, сокращать амплитуду прыжков, торопиться с пируэтами — в результате бедный танцовщик, то и дело растерянно поднимавший бровки домиком, так и не смог показать себя с лучшей стороны. А вот балерине Янеле Пиньере, променявшей Остров свободы на место примы в австралийском Квинсленде, удалось продемонстрировать свои достоинства сполна: и фирменный кубинский апломб, то есть умение балерины стоять на одном пуанте без поддержки, и несколько загадочное вращение. Фуэте эта Китри вертела с двойными и даже тройными оборотами, широко и основательно открывая ногу в сторону и почти не помогая себе руками,— ее своеобразная манера выглядела впечатляюще. Оценить же ее апломб рецензенту “Ъ” помешало праведное негодование. Кубинцы развалили каноническое адажио Александра Горского (от постановки которого в многострадальном «Дон Кихоте» и без того остались скорее рожки, чем ножки) четырьмя зияющими дырами, чтобы Пиньера могла продемонстрировать свою трюкаческую стойкость.

Подобные вольности на различных интернациональных гала постоянно допускают все кубинцы. Однако внутри российского спектакля, пусть разболтанного и искалеченного нехваткой кадров (отчего кордебалетных дриад во «Сне Дон Кихота» оказалось всего 16, а цыганский табор лишился своей прекрасной половины), такие отсебятины выглядят вызывающе. Кремлевскому балету стоило бы добиться от приглашенных гостей, чтобы те соблюдали устав «чужого монастыря».


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вт Окт 01, 2019 9:42 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20551
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Сен 26, 2019 9:03 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019092601
Тема| Балет, Омский музыкальный театр, Персоналии, Нина Маляренко
Автор| Ангелина Рунова
Заголовок| Кровь в пуантах, «испанский сапог» и популярность среди мужчин: откровенное интервью с балериной
Омская прима Нина Маляренко развенчала несколько популярных мифов о балете

Где опубликовано| © NGS55.RU-Новости Омска
Дата публикации| 2019-09-26
Ссылка| https://ngs55.ru/news/more/66247183/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Нина Маляренко рассказала о трудностях современного балета
Фото: Евгений Софийчук


Балет — это вид сценического искусства, спектакль, сюжет которого доносится до зрителей посредством целого ряда музыкально-хореографических образов. Эти театральные представления поражают публику своей изящностью и красотой, однако мало кто догадывается о том, каким трудом артисты добиваются такого эффектного результата. NGS55.RU пообщался с известной омской примой Ниной Маляренко. Девушка развенчала несколько устоявшихся мифов о балете и рассказала, что на самом деле представляет собой жизнь артистов.

— Нина, балет — это комбинация спорта и актёрской игры?

— Балет — это не спорт. Это вид искусства, который действительно взаимосвязан с танцем, с музыкой и с актёрским мастерством. Это всё одно целое.

— Если у артиста балета нет актёрского таланта, ему не видать ярких ролей?

— Ну почему. Просто в таком случае педагоги ищут, где артист больше себя раскроет. У кого-то драма идёт лучше, у кого-то техника исполнения — прыжки, фуэте, вращения. Если ты не силён в актёрском мастерстве, ты можешь исполнять классические танцы. В них не так важна драматургия, потому что основной акцент идёт на качество самого танца, а не на выражение эмоций.

— В каком направлении вам больше нравится работать?

— Однозначно — в направлении драматической актрисы. Хотя я качественно танцую классику и очень люблю её исполнять, драма привлекает меня сильнее. Для меня интереснее, когда я начинаю играть роль, проживать её.

— Как долго длится век балерины?

— Давайте по порядку. Начать заниматься балетом можно с шести-семи лет. И до момента поступления в профессиональное балетное училище брать уроки хореографии. В балетное училище берут с девяти-десяти. В театр артисты балета входят в 18 лет. И наш театральный век, век артистов балета — двадцать лет. Двадцать лет ты должен отслужить театру. То есть, с 18 до 38 ты танцуешь. Потом, если ты в хорошей физической форме, можешь продолжать танцевать. Если у тебя есть силы, и художественный руководитель это видит, а зритель это ценит, то тебя никто никуда не списывает.

— То есть при хорошем раскладе и крепком здоровье можно быть балериной и в 45 лет?

— Если такая балерина смотрибельна. Но, как правило, 43 года — это классический предел. Хотя, конечно, всё индивидуально. Кто-то в 38 уже еле-еле ходит, а кто-то может и в 45 как птичка порхать.

— Существуют ли жёсткие критерии отбора для будущих артистов балета?

— Нет. Само собой, на природные данные, на таланты смотрят. Смотрят, чтобы ты совсем не был деревяшкой. Но в восьмилетнем возрасте, когда детей отбирают в училище, тело — мышцы, ткани — ещё пластичное, поэтому трудностей с этим, как правило, не возникает. Например, я приходила с очень средними данными. Когда мы поступали, у меня оценка за данные была очень низкая, чуть ли не три минуса. А выпускалась я с отличием. Просто если у тебя есть какие-то недостатки, например, кривые ноги, то ты больше работаешь, чтобы эти недостатки скрыть. У всех есть свои дефекты, но репетиторы, хореографы помогают. Подскажут, как лучше к зрителю встать, чтобы скрыть свой недостаток. Главное — усердно работать над собой, и можно привести себя в отличную форму.

— Балерин подбирают с одинаковой внешностью?

— Раньше, в восьмидесятые, например, было так, что все балерины должны были быть миниатюрными и с маленьким весом. В наши дни ограничения по весу сохраняются, потому что в балете есть дуэты, поддержки, и молодые парни могут нас просто не поднять. Они же в студенческое время ещё не сформированные, мышцы у них не такие сильные. Поэтому мы должны подстраиваться под них и худеть. А они подстраиваются под нас и качаются. К тому же, большой вес в балете — это стресс для организма. Это нагрузка на сердце, на кости, на суставы. Поэтому в училищах есть правило: отнимаем 121 сантиметр от своего роста. Это должен быть твой вес. Мой рост 171 сантиметр. 171 — 121 = 50 килограммов. Сейчас у меня вес 48 килограммов, я подхожу в эту категорию. А насчёт лица: сейчас в некоторых труппах (а раньше это было частое явление) девушки как на подбор — похожие друг на друга, почти что одинаковые. А в наше время ограничений нет. Труппы разноплановые. В балетную труппу берут и иностранцев, и людей с восточной внешностью, и со славянской. Рост сейчас тоже может варьироваться. Каждый найдёт своё место.

— Часто ли балерины становятся педагогами?

— Да. Но для этого, конечно, нужно образование. Если после 40 ты не хочешь расставаться с театром и хочешь стать педагогом, нужно учиться, например, на хореографа или педагога-постановщика.

— Но как вам удаётся совмещать учёбу и тренировки?

— Все артисты балета учатся заочно. А как иначе? Если ты очник, ты должен посещать занятия. А у нас с этим возникают проблемы. Поэтому, если ты хочешь связать свою жизнь с балетом, будь готов к тому, что ты заочник, потому что полноценно совмещать и то, и другое не получится. Со временем привыкаешь к такому режиму и трудностей не чувствуешь. Я уже второй университет заканчиваю. Мне осталось три месяца до защиты диплома. Я и преподаю, и учусь, и танцую, и ребёнка воспитываю, и семья у меня есть (смеётся).

— Как выглядит рабочий график артистов балета?

— Во всех театрах график одинаковый. Понедельник — это выходной день. Начиная со вторника мы работаем. Общий класс (разминка) — с 10:00 и до 11:00. С 11:00 до 14:00 у нас репетиции. С 14:00 до 17:30–18:00 — перерыв. С 18:00 до 21:00 — снова рабочий график: либо репетиции, либо спектакли. И так каждый день. Даже в субботу и воскресенье.

— И когда жить?

— В понедельник (смеётся)!

— Почему нельзя сделать выходные выходными?

— Потому что вы же ходите смотреть на нас по выходным дням, в вечера пятницы, субботы и воскресенья. Поэтому в понедельник мы отдыхаем. И занимаемся всеми своими делами тоже в понедельник. В этот день мы можем сходить в банк, в университет или ещё куда-то.

— Можете назвать профессиональные травмы артистов балета?

— Болит всё тело. Болит всё, что ниже пояса, болит спина, шея. Прежде всего, страдают колени (часто возникают проблемы с мениском), щиколотки и стопы.

— Часто ли балет покидают из-за травм?

— Нет, не очень часто. Даже если у тебя была серьёзная травма и операция, ты всё равно можешь восстановиться. Тебе не скажут: «Ты перенёс операцию на колене, поэтому теперь тебе не доверят исполнять главные роли. Вдруг травма даст о себе знать, и ты не справишься». Нет. Если ты делаешь — ты делаешь. У меня тоже была травма. Была премьера спектакля. За день до премьеры я делала прыжок и в тот момент столкнулась с девушкой. Было падение. «Полетело» колено. Пришлось делать операцию. Но я восстановилась, вернулась и продолжаю танцевать.

— Если балерина плохо чувствует себя перед спектаклем, её заменят?

— Раньше были замены. Если у тебя настал «день икс» (критические дни), то тебя заменяли. Сейчас такого нет. Сейчас ты идёшь и мучаешься. Заменить тебя могут, только если ты заболел и слёг.

— Медики утверждают, что к 35 годам тело балерины изнашивается настолько, насколько тело человека, не связанного с балетом, изнашивается к пятидесяти. Это правда?

— Да, это правда. Но я бы сказала, что это происходит даже раньше. Не к 35, а уже к тридцати. Появляются артриты, артрозы, тромбозы.

Мы привыкаем, поэтому сами можем этого не ощущать. Но по диагнозам врачей, по результатам медкомиссий видно — у нас старый изношенный организм.

Может внезапно, как у пенсионеров, спину или шею переклинить. И это не травмы, это общее состояние организма. Колени болят, суставы иногда ломит. Бывает, утром встанешь, думаешь: «Блин, снова не могу шею повернуть». У нас часто можно услышать: «Блин! Меня снова заклинило!» Поэтому у нас есть массажист. Он довольно востребован среди артистов балета.

— Для артистов балета огромное значение имеют ступни. Как вы их растягиваете?

— Под батарею, под диван засовываешь и сидишь. Резинкой специальной для растяжки мышц ног мышцы стопы закачиваем. Ещё есть ортопедические валики, мячи, шарики. Сейчас, например, знаю, появились новые приспособления — они напоминают испанский сапожок — тоже для профессиональной растяжки стопы. Честно, я сама ни разу не пробовала, но знаю одну девочку с балета — она купила, принесла, пробует.

— Может ли в балет попасть человек с плоскостопием?

— Может. Во-первых, потому, что со временем из-за интенсивных тренировок какие-то дефекты могут исправиться или даже вовсе исчезнуть. А во-вторых, потому что сегодня можно купить себе современные американские пуанты, а у них очень большой выбор, так что каждая балерина может подобрать такие, в которых её стопе будет удобно. Кому-то нужно, чтобы как можно большую часть стопы закрывало, кому-то, чтобы они были широкие, кому-то узкие. Есть пятки высокие, есть короткие. Стелька есть очень жёсткая, жёсткая, средняя, мягкая. Сегодня это не такая проблема, как раньше.

— На счёт пуантов: расскажите, как они влияют на стопу?

— Многие удивляются, как мы вообще можем их носить. Но перед тем, как их надеть, мы растягиваем стопу, закачиваем мышцы — готовимся, в общем. Когда первое время поднимаешься на пуанты — ходишь, как оленёнок. Раз, покачнулся, упал, — смеётся. — А вообще влияние на стопу, конечно, огромное. Первое время ступням очень тяжело адаптироваться к такой специфической обуви. Тем более, если надеваешь советские пуанты (там же внутри деревяшка). Деформация взъёма идёт — кость сверху словно наращивается. Стопа своего рода ломается, поэтому не всю обувь можно носить.

— И как справляетесь?

— Подбираем такую обувь, чтобы стопе в ней было удобно, и чтобы модель по максимуму все дефекты скрывала. Например, у меня очень большие косточки на ступнях. Мне это от бабушек передалось, а балет это дело усугубил. Поэтому теперь я, как и все остальные, ограничена в выборе обуви. У меня есть определённые марки, бренды, которые я ношу. Только у них могу что-то подобрать. ECCO, например. А на лето — только Crocs.

— Какие ещё деформации возникают? Что ещё выдаёт артистов балета?

— Спины у нас у всех становятся шире, чем у тех, кто не занимается балетом, потому что мы постоянно вращаемся, потому что очень большой акцент идёт на осанку. Плечи, руки, икры раскачиваются. Ногти на ногах отлетают.

— Почему это происходит?

— У нас же пальцы внутри пуант сминаются, ногти находятся в неудобном положении. А частые удары (когда прыгаем, например) усугубляют. Поэтому ногти часто отлетают. Они синеют, синеют, потом чернеют и отлетают. Бывает, что не целиком пластина слетает, а трескается и частями ломается, крошится. Поэтому в большинстве случаев педикюр — это не для нас. Некоторым удаётся немного отрастить. Но мне, например, нужно, чтобы ногти были максимально коротко и аккуратно подстрижены. Никаких гель-лаков. Это бессмысленно — всё равно всё отлетит. Звучит жутко, но мы к этому привыкаем и так остро не реагируем. Кожа на ногах со временем огрубевает, и всё.

— Как вы это терпите?

Мы, артисты балета, вообще немного мазохисты.

Я так считаю. Если у нас что-то болит — мы укол поставили и пошли. А если у тебя мозоли — бывает так, что и до мяса можно ногу разодрать, кровь из пальцев может пойти — замотал бинтами и пошёл на сцену! Поэтому у каждого из нас есть своя индивидуальная аптечка. В ней обязательно лежат бинты, лейкопластыри, «Банеоцин» и так далее. Без этого никуда.

— Как вообще вспоминаете свой путь в балете? Много слёз было пролито? Много боли?

— Боли — да. Боли за все эти годы занятия балетом было много. А слёз — слёз у меня было немного. А для чего слёзы? Они не помогут. Я никогда не плакала. Если я чувствовала, что мне очень больно во время той же растяжки, то я не доводила себя до истерики. Я лучше по чуть-чуть, по чуть-чуть, тихим сапом буду себе добавлять нагрузку. И результат будет такой же. И детей я так же воспитываю. Я не истязаю их, потому что иначе пропадёт интерес.

— Часто ли уходят из балета?

— Бывает, что уходят. Не выдерживают нагрузок. Но больше людей остаётся.

— Балет для артистов — дорогое удовольствие?

— Ну, нас обеспечивает театр: покупает пачки, костюмы, трико, пуанты. Но, опять же, театр выдаёт гришковские, советские пуанты. Некоторым удобнее в американских. Вот американские мы заказываем себе сами.

— Правда ли, что артисты балета сидят на очень жёсткой диете?

— Нет. Такого вообще нет. Лично я ем всё подряд: и сладкое, и мучное, и острое. Всё. Можно даже мороженое и McDonald’s.

— То есть, табу в еде вообще нет?

— Ну, в училище немного построже. Там есть диетолог, который составляет правильно питание для растущего организма. Мясо два раза в день, рыба, каша, бутерброды с сыром и с маслом. Но вообще запретов как таковых нет. Причём в училище кормят как: завтрак, обед, ужин, полдник. Есть даже второй завтрак. То есть, как видите, едят много, потому что нагрузки большие.

— Как вам удаётся держать себя в спортивной форме?

— Именно за счёт нагрузок. Когда занимаешься, нагрузки очень много, поэтому ты сбрасываешь всё, что наел. Ты потеешь, и из тебя всё это выходит, всё сжигается. На диеты садятся только те, кто не может похудеть за счёт тренировок.

— Балерины выглядят очень хрупко. Не возникают комплексы из-за фигуры?

— Нет. Мне нравится моя фигура. У меня, наоборот, гордость за то, что я такая. У меня, как и у всех балерин, с самого детства была цель — стать профессиональной артисткой балета. И у меня всегда был идеал себя, к которому я стремилась. Я его достигла, и мне он нравится.

Если девочка понимает, что она хочет пышную фигуру, большую грудь и большую попу — с балетом ей не по пути.

У балерин таких мыслей нет.

— Не переживаете насчёт популярности у мужчин?

— Нет. Моего супруга абсолютно всё устраивает! — смеётся.

— В фильме «Чёрный лебедь» показана серьёзная конкуренция между двумя героинями. Действительно ли артисты балета готовы пойти на подлость ради получения главной роли?

— Сейчас уже такого нет, сто процентов. А если где-то и есть единичные случаи, то они связаны с людьми, у которых психика не в порядке. Раньше, по слухам, во времена Майи Плисецкой или Анны Павловой, такое было — и битые стёкла, и иголки в одежду и в пуанты друг другу подбрасывали, какие-то пакости делали друг другу. Но сейчас нет. Моё мнение — конкуренция должна быть свободной. Если ты реально видишь, что у тебя стоящий соперник, то у него стоит даже чему-то поучиться, а не наговаривать: «Вот она такая, она не умеет». Я считаю, доказывать своё превосходство нужно работой и результатом.

— Ради чего артисты балета терпят все страдания? К чему стремятся? Выступать на сцене Большого театра?

— Сейчас я танцую в Омском музыкальном театре. Танцевала на больших сценах Новосибирска. Во время гастролей была на сценах Большого и Михайловского театров. Много где. Не знаю, как для остальных, но для меня это не главное. Для меня главное — передать суть балета, спектакля. Передать чувства и эмоции публике — вот ради чего всё это. Вдохновлять и впечатлять людей, показать, насколько глубоко я чувствую эту роль, как я её проживаю. Чтобы зритель сказал: «Я верю». А не так, что сходил на балет — и забыл. Моя цель — добиться того, чтобы зритель пришёл домой и как минимум сутки думал об этом. Для меня важно мнение публики.

====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20551
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Сен 27, 2019 9:53 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019092701
Тема| Балет, Ростовский музыкальный театр, Премьера, Персоналии, Надежда КАЛИНИНА
Автор| Марина Каминская
Заголовок| Ида стала еще роскошнее
Где опубликовано| © Наше время (г. Ростов-на-Дону) №309
Дата публикации| 2019-09-27
Ссылка| https://www.nvgazeta.ru/news/12381/566432/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В Ростовском музыкальном театре – балет «Болеро. Любовь и страсть…», посвященный Иде Рубинштейн

Танцовщица Ида Рубинштейн – одна из легенд ХХ века. Она была законодательницей мод на сцене и в жизни. Экстравагантные костюмы, в которых танцевала, великолепный особняк во Франции с павлинами и настоящей пантерой, романы со знаменитостями своего времени – все это живо обсуждалось в светских салонах и прессе.

А еще Ида Рубинштейн вошла в историю искусств заказом музыки для хореографической композиции в испанском стиле, сделанным французскому композитору. Ведь этим композитором был Морис Равель, а музыкой – «Болеро».

Есть удивительная статистика: если суммировать все исполнения «Болеро», то получится, что эта завораживающая мелодия звучит на планете Земля каждые десять минут!

Ида Рубинштейн родилась в Харькове, детство и юность провела в Петербурге. В 1910 году в возрасте 26 лет вместе с труппой Дягилева приехала во Францию, и эта страна стала ее второй родиной.

Идея спектакля о «Болеро» и Иде Рубинштейн тоже возникла во Франции. Но осуществить ее предложили молодому российскому хореографу Надежде Калининой. Причем предстояло не только сочинить историю, которую можно эффектно станцевать, не только придумать эти танцы, но и подобрать к ним подходящую музыку.



Балет «Болеро. Любовь и страсть…» – это более двадцати танцевальных номеров. Музыка преимущественно французских композиторов – Гуно и Массне, Сен-Санса и других, одного испанского (Альбенис) и одного русского (Римский-Корсаков).

– В этой истории два главных героя: это Ида и «Болеро», – говорит Надежда КАЛИНИНА.

Первыми в 2016 году историю про Иду и «Болеро» увидели зрители Челябинского театра оперы и балета им. М. Глинки, где она и была создана. Затем спектакль повезли в Париж.

Челябинская постановка называется «Ида. Любовь и страсть». В названии ростовской версии балета на первом месте другой главный его герой – «Болеро». Но это не значит, что образ легендарной танцовщицы здесь несколько приглушен. Как раз наоборот.

Костюмы и сценографию спектакля к мировой премьере придумали Ольга и Антон Сластниковы. За два часа кордебалет меняет наряды раз десять, Ида не появляется на сцене дважды в одном и том же костюме. Словом – зрелище!

Однако художник-модельер Ростовского музыкального театра Наталья Земалиндинова решила, что экстравагантную и очень состоятельную даму Иду Рубинштейн можно сделать еще роскошнее. Правообладатель спектакля – France Concert – согласился на некоторые переделки. Но при условии, что их количество не превысит десяти процентов.

…Наверно, не счесть сердец, разбитых Идой Рубинштейн, но в этой истории главная страдательная фигура – это она сама. Одинокая, как и каждый большой художник, несмотря на многочисленных поклонников. Потому что у нее есть бог, во имя которого Ида готова забыть о земных страстях. Этот бог – Танец.

– Не надо пытаться угадать в персонажах нашей истории конкретных людей. Вальтер, возлюбленный Иды, – это образ собирательный. Как и сама Ида, – поясняет Надежда Калинина. – Об Иде Рубинштейн рассказывали разные небылицы. Да ей и самой нравилось творить о себе мифы. Мы тоже сочинили миф об Иде. Возможно, она увидит этот балет с небес и улыбнется, скажет, что неплохо вы, ребята, придумали.

В этом году балетной труппе Ростовского музыкального театра исполнилось 18 лет. «Болеро. Любовь и страсть…» – это ее 26-й спектакль. И – первый опыт современной хореографии.

Кстати, этим летом у артистов балета был ответственнейший экзамен. Во время гастролей в Москве они дважды выступали на Исторической сцене Большого театра. Показывали свой новый спектакль – «Эсмеральда». И в зале на две с половиной тысячи мест оба вечера был аншлаг.

К роли Иды в «Болеро» готовились несколько актрис. Среди них – Екатерина Кужнурова. На предпремьерную пресс-конференцию она пришла в черном платье с длинной низкой крупного жемчуга, как Ида Рубинштейн на одном из своих портретов. Сказала, что, несмотря на мифологичность этой балетной истории, биографию знаменитой танцовщицы изучала досконально.

На пресс-показе «Болеро» Иду танцевала первая исполнительница этой роли – солистка Национального театра оперы и балета Армении Соня Варданян. Вероятно, ее сотрудничество с ростовской труппой продолжится.

По договору с France Concert спектакль «Болеро. Любовь и страсть…» может входить в репертуар Ростовского музыкального театра в течение шести лет.

В нынешнем году этот спектакль покажут всего пять раз. В ноябре ростовская версия балета о легендарной Иде отправится на гастроли в Западную Европу. Будет много выступлений во Франции. На ростовскую сцену Ида Рубинштейн вернется не раньше февраля.

Фото: Аркадий Будницкий

========================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20551
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Сен 27, 2019 10:40 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019092702
Тема| Балет, Всероссийский конкурс артистов балета и хореографов, Персоналии,
Автор| Александр Максов
Заголовок| Не только FOUETTE
Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2019-09-27
Ссылка| https://musicseasons.org/ne-tolko-fouette/
Аннотация| КОНКУРС

На самом деле искусство отражает не жизнь, а зрителя.
Оскар Уайльд


Всероссийский конкурс артистов балета и хореографов впервые проведен за пределами Москвы. Обычно он базировался на сцене Детского музыкального театра имени Н. Сац, но на сей раз переехал в Ярославль. Так началась новая глава в истории конкурса, реализующая давнее намерение организаторов приблизить творческое соревнование к регионам страны.

Почин оказался успешным. Вероятно, город выбрали не случайно. Провести конкурс в Российский Год театра в колыбели первого профессионального русского театра вполне закономерно. Ярославль оказался «местом силы». Уже первая пресс-конференция, собравшая невиданное количество заинтересованных людей, явно продемонстрировала интерес к конкурсу. Представители «культурных ведомств» Ярославской области и города, а также Дирекция Концертно-зрелищного центра «Миллениум», неформально подошли к приему участников и гостей балетного форума. А милые сотрудницы главного организатора – Росконцерта – сделали все, чтобы создать по-деловому четкую, творческую и доброжелательную атмосферу на протяжении всех конкурсных дней. Это было не просто, учитывая насыщенную шестидневную программу. Помимо самого конкурса, в нее вошли открытие выставки балетной фотографии Александра Панкова («Танец – близко и высоко»), гастроли театра «Балет Москва» с вечером одноактных спектаклей «Транскрипция цвета» (хореограф Хуанхо Аркес, драматург – Фабьен Вегт, композитор – Джон Адамс), «Эквус» (хореографы Анастасия Кадрулева и Артем Игнатьев, композитор Алексей Айги) и балетной труппы Театра им. Н.Сац, показавших «Шехеразаду», «Шопениану», «Половецкие пляски» Фокина и балет «Письма с фронта» (хореограф-постановщик Нина Мадан, режиссер-постановщик Дмитрий Жаров, композитор Валерий Гаврилин). В конкурсный календарь включили лекции и мастер-классы Екатерины Стегний («Метод групповой резонансной композиции»), Эльвиры Первовой («Contemporary dance»), Кати Ганюшиной («Практика концептуального мышления»), Сергея Смирнова («Композиция: теория и практика»), Екатерины Васениной («Типология российских спектаклей»), Александра Пепеляева («Интерактивное видео в танцевальном спектакле»), Павла Глухова («Техника современной хореографии»). Специалисты и любители хореографического искусства посмотрели документальный фильм «Империя балета», в котором участники московских конкурсов делились своими сокровенными мыслями об избранной профессии, а художественные киноленты «Большой» и «После тебя» приоткрыли кулисы балетного мира, попытались глубже проникнуть в психологию служителей Терпсихоры. В гала-концерте современного танца выступили артисты Большого театра и солисты МАМТ им. К.С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко. Наконец, в Ярославль на свою ассамблею съехались члены Международной федерации балетных конкурсов из Европы, Азии и США. Теоретическую часть завершил «Круглый стол» с повесткой дня «Другой театр».


Кристина Михайлова и Роман Стариков. «Зима».
Хореография Игоря Маркова.


Конкурсный раздел весьма расширил географию участников. Ими стали «юниоры» и «сеньоры» из Белорецка, Великого Новгорода, Вологды, Йошкар-Олы, Красноярска, Москвы, Нефтеюганска, Нижнего Тагила, Перми, Ростова-на-Дону, Самары, Санкт-Петербурга, Севастополя, Тольятти, Улан-Удэ, Чебоксар, Челябинска, Череповца, Якутска, Ярославля. Оценить их творческих достижений пригласили авторитетное жюри, причем при его формировании учли кандидатуры от академических направлений (педагог-репетитор Большого театра Юрий Васюченко, художественный руководитель Марийского театра оперы и балета им. Э. Сапаева Константин Иванов, художественный руководитель и главный балетмейстер театра «Кремлевский балет» Андрей Петров, заведующий кафедрой «Режиссура балета» Санкт-Петербургской консерватории им. Н.А. Римского-Корсакова, Александр Полубенцев, художественный руководитель и главный балетмейстер Астраханского театра оперы и балета Константин Уральский), а также различных жанров «современной хореографии» (Ирина Афонина, Александр Пепеляев, Эльвир Первова, Сергей Смирнов). Секретарь жюри – абсолютный знаток конкурсной кухни Сергей Усанов.

Перед арбитрами стояла чрезвычайно сложная задача, попытаться соединить две противоположные идеологические и эстетические системы. Хотя, снижению конфликтности в какой-то мере способствовало ограничение конкурной концепции, сформулированной, как «Современный танец в музыкальном театре». Это сразу вывело за рамки просмотров, к примеру, урбанистические направления танца типа уличного hip-hop dance, acrobatic break dance, или afro dance…

Проведя первый отборочный тур предварительно «на местах», приступили к просмотрам II тура. Первый же участник внушил надежду на то, что конкурсные показы будут интересными. Петербуржец Николай Горбунов (младшая группа) вместе с внеконкурсной партнершей Таисией Гладышевой исполнил миниатюру Ирины Сергеевой «Мотылек» на музыку Адама Харста.(Adam Hurst). Кстати тут же возник вопрос, почему ведущий не объявляет имена композиторов. Они – что же – в мире современного танца не столь важны? Видимо, так. С удивлением, к примеру, узнал, что сомнительным для меня достоинством «contemporary dance», считается отсутствие мелодичной музыки (апологеты утверждают, что скрип и скрежет тоже музыка), и даже хорошо, если произведение не имеет «сюжетной программы», более того – названия. Оно, видите ли, может, направить зрительское восприятие в какое-то русло. Полная свобода танцовщика и полная свобода зрителей в понимании увиденного возводятся здесь в главные эстетические категории. Увы, невежество тоже может дать полную свободу. Этот «манок» привлек в contemporary и modern людей профессионально безграмотных. В отличие от академического искусства здесь не важна физическая форма танцовщиков, Отсутствие грации легко заменяется тяжеловесной избыточностью телесной массы, а красота линий нарочитой корявостью стоп, непременно босых. Слишком разное понимание целей, задач и способов их достижения. Но порой кажется, что декларации «современников» лишь оправдывают отсутствие знаний и навыков, а еще убогость мыслей. И как тут вести диалог?

Баланчин советовал: если не нравится хореография, закройте глаза и слушайте музыку. Увы, в данном случае совет не работает. Утверждается, что звуки несут информацию. Если это биение сердца, или шум прибора – да. Они могут быть важной краской создания художественного образа. Однако бессмысленное для обычного человеческого уха скрежетание, царапание ножом по сковороде, или бездумное (при всем ложном глубокомыслии) нажатие клавиш электронных приборов, конечно же, не способны создать атмосферу гармонии. Примечательно, что именно представитель базового классического образования – главный балетмейстер Воронежского театра оперы и балета Александр Литягин – заговорил о духовности хореографических произведений. А ведь мы еще мечтаем об этом свойстве искусства, которое призвано утешать, облагораживать, поднимать над реальностью.

Именно знатокам классики оказались присущи понимание формы произведения, стремление к осмысленности, желание лексикой передать образ и сюжет. Все это за пределами понимания апологетов пресловутого contemporary dance. Как не вспомнить здесь слова Плисецкой: «Если не понятно, о чем, то зачем?»

Радикальные представители современных жанров уверяют, что отражают новые возможности познания мира. «Это потрясающее чувство, когда не думаешь ни о времени, ни о пространстве, а «по-тихому» сходишь с ума от счастья – от того, что происходит на сцене, не понимая, не подозревая, что будет дальше…» Услышишь такое из уст одного из видных руководителей коллектива «современной хореографии» – «другого театра», и впору бежать к психиатру, или пригласить к нему на прием автора цитаты. Благо, что II Всероссийский конкурс исполнителей современной хореографии в музыкальном театре все-таки остался в рамках сценической культуры. Подобной какофонии не случилось. А вот излишне грубое отношение к великой музыке пару раз проявилось. Для своей «Элегии» Екатерина Тайшина выбрала II часть 23-го концерта Моцарта, но почему-то решила купировать эту волшебную музыку. Тайшина уже прежде проявила себя как вдумчивый и достаточно музыкальный автор. На сей раз ее хореография тоже выглядела привлекательной и была с пониманием исполнена якутянами Аэлитой Павловой и Иваном Матвеевым. Трудно поверить, что балетмейстеру не хватило творческой фантазии на весь музыкальный материал.

Конечно, же «Болеро» Равеля не подошло бы для конкурсного показа, ограниченного во времени, но столь жесткое обхождение с партитурой, как это проделала балетмейстер и исполнительница Диана Максимова в специально поставленном для конкурса монологе «Кем быть» нельзя считать правомерным. Впрочем, опять приходится рассуждать с академической точки зрения. Возможно, для «современной хореографии» и тут закон не писан. Или просто здесь действуют другие правила. В то же время, декларации об абсолютной свободе, главенстве энергетики и неуправляемых эмоций вряд ли поддаются разумным ограничениям. Как бы то ни было, рассуждения о «пластических знаках чувства», «ритмопластическом жесте», «неосознанной экспрессии тела в символическом пространстве сцены» и «философии телесности» кажутся чрезмерно надуманными. Все это пришло к нам из Европы, и вряд ли станет органичным на нашей почве. Как не вспомнить здесь творчество Якобсона, или Голейзовского, нашедших свой новаторский путь, свою лексику, свою форму танца, но не изменивших высоким гуманистическим идеалам искусства танца.

Множество конкурсных номеров имело трудно расшифровываемые пластикой названия. Для классиков – ущербность, для «современников» – не беда и даже положительное генетическое качество. «Ловец сновидений». Алексея Расторгуева, «Вымирающий вид» Ильи Козичева, «Распад иммунитета» Бернары Хасановой и Ольги Петровой. А что такое «Утопия чучело»?… На фоне этих произведений, внятно зазвучал дуэт «Марс и Венера» Алдара Кынзыбеева (музыка Michael Dana). Вместе с хореографом исполнители Анна Петрушинова и Валерий Видманкин ( Улан-Удэ) представили любопытный взгляд на образы двух героев древнегреческих мифов, пофилософствовали о конфликте богов, олицетворяющих воинственное разрушение и любовное созидание. В этом же ряду «Нарисс» (музыка Жака Лусье), «Петрушка» (музыка – Ибрахим Маалуф) и «Жеман» (музыка – Брэд Дин), поставленные и блистательно исполненные Ильдаром Тагировым (Йошкар-Ола), «Горгона» Ирины Сергеевой (музыка С. Прокофьева) в исполнении Анастасии Волковой (Москва) и Максима Масленникова (Великий Новгород). Драматизмом наполнен и дуэт «Андрогин» Виктории Арчая (музыка – Маркофф). Две половинки целого расщепились на одинокие части, но индивидуумы оказались несчастны, каждый ощутил внутреннее одиночество. Она смотрит в сторону отдалившегося Его, а Он с отчаяньем вглядывается в пустоту своих рук.

Похоже, под впечатлением американских фильмов про «Мумию», Сергей Тасенко сочинил свой увлекательный «Артефакт» на музыку Sol Mortuus. Герой миниатюры Максим Масленников, по-видимому, археолог, отыскал некий пугающий артефакт. Находка оказалась опасной, и вскоре сам ученый, лишившись жизни, превратился в предмет будущей экспозиции.

Похвально обращение балетмейстеров к музыке классической. На конкурсе звучали Гендель, Паганини, Лядов, Шостакович… Анастасия Масленникова поставила и исполнила поэтическую миниатюру «Жаворонок» на музыку М.Глинки.

Несколько интересных номеров, в том числе и поставленных специально для конкурса, показал Денис Фейзов, имя которого было для меня приятным открытием. У Дениса хороший вкус, касающийся и выбора музыки. Он сумел выгодно представить йошкар-олинцев: Елену Раськину и Сергея Давыдова (младшая группа) в трогательном дуэте «Когда цветет сирень» (на музыку С. Рахманинова), Данилу Малова (младшая группа) и Полину Разумову в акварельно-прозрачной миниатюре «Белый ветер» (на музыку Sean Bay) и экспрессивной новелле «Обними меня» (на музыку И.С. Баха), где взаимоотношения героев, правда, были столь запутанны, что хореографическое решение заставило поломать голову над финальной точкой истории.

Запомнились и другие йошкар-олинцы – Кристина Михайлова и Роман Стариков. Они умело переключали настроения своего танца: от романтической баллады «Зима» Игоря Маркова-Антонио Вивальди до согретого авторским теплом «В лучах солнца» (музыка – Ундиа Диновербе) и гротескного «Прощай, Джек» (музыка – Ж. Массне) в постановке Павла Глухова.

Жюри подвело итоги

Премий удостоены 13 исполнителей современного танца в музыкальном театре.

Лауреаты в младшей возрастной категории среди девушек:

1 премия — Мазуркевич Елизавета (Нижний Тагил), Максимова Диана (Кострома),

2 премия — Лазарева Алеся (Москва), Ахметова Арина (Нефтеюганск),

3 премия — не присуждена.

Дипломанты: Полушина Елена (Йошкар-Ола), Алексеева Алина (Челябинск), Алексеева Анна (Челябинск).



Лауреаты в младшей группе среди юношей:

1 премия — не присуждена.

2 премия — Давыдов Сергей (Йошкар-Ола),

3 премия — не присуждена.

Дипломанты: Матвеев Иван (Якутск), Малов Данил (Йошкар-Ола) и Горбунов Николай (Санкт Петербург).


Победители старшей категории:

Женская группа:

1 премия — Алдонина Олеся (Красноярск) и Арчая Виктория (Москва),

2 премия — Михайлова Кристина (Йошкар-Ола),

3 премия — Чернова Елизавета (Пермь) и Опарина Анна (Ярославль).

Дипломанты:

Котовская Елена (Самара) и Маслинкова Анастасия (Москва).



Победители старшей категории:

Мужчины:

1 премия — Тагиров Ильдар (Йошкар-Ола),

2 премия — Мустафин Роман (Белорецк),

3 премия — Стариков Роман (Йошкар-Ола).

Дипломанты: Масленников Максим (Великий Новгород), Козичев Илья (Череповец).

Грамоты за участие в финале получили: Видманкин Валерий (Улан-Удэ) и Сандаков Эрдэм (Улан-Удэ).



Специальных премий в младшей группе удостоены:

педагог Ольга Герасимова «за успешную подготовку участников конкурса»,

хореографы Юлия Репицина (номер «Инифинитив») и Диана Максимова (номер «Кем быть?») «за лучшую хореографию номеров, специально поставленных для конкурса».

В старшей группе специальными призами отмечены:

педагоги Ольга Полторак Евгений Шевцов,

хореографы Олеся Алдонина (номер «Повесть») и Тасенко Сергей (номер «Артефакт»).

Фото предоставлено пресс-службой конкурса

===================================================================
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вт Окт 01, 2019 9:45 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
Страница 4 из 6

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика