Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2019-06
На страницу Пред.  1, 2, 3 ... , 9, 10, 11  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июн 27, 2019 11:18 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019062704
Тема| Балет, Городской балет Кванджу, Премьера, Персоналии, Чхве Тхэ Чжи
Автор| Чон Сон Хён
Заголовок| Чхве Тхэ Чжи: Я буду продвигать корейский балет в России
Где опубликовано| © PrimaMedia Korea
Дата публикации| 2019-06-27
Ссылка| https://primamedia.ru/news/826640/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Худрук городского балета Кванджу - об истории сотрудничества с Россией, планах на год, и о том, как создавалась постановка "Сильфида"


Чхве Тхэ Чжи. Фото: предоставлено городской балетной труппой г. Кванджу

Девятый Корейский фестиваль балета (6+) проходит в Сеульском центре искусств. Всего в рамках фестиваля 14 постановок, среди которых нельзя не отметить балет "Сильфида" в исполнении Городского балета Кванджу. Над этой постановкой работали солист Большого театра Андрей Болотин и балерина Пэ Чжу Юн. На пресс-конференции фестиваля корреспондент PrimaMedia Korea встретился с художественным руководителем Городской балетной труппы Кванджу Чхве Тхэ Чжи, которая внесла большой вклад в популяризацию корейского балета на международном уровне. В интервью Чхве Тхэ Чжи рассказала об истории сотрудничества с Россией, планах на год, и о том, как создавалась постановка "Сильфида".

— Каковы планы Городской балетной труппы Кванджу во второй половине этого года?

— Городской балет Кванджу — единственная городская балетная труппа в Корее. С давних времен Кванджу славится своей культурной жизнью. Это захватывающий город, который непрерывно знакомит своих жителей с разными формами искусства. Соответствуя культурным особенностям города, Городской балет Кванджу стремится передавать просто и понятно чувства через балет каждому зрителю. Кроме того, как единственный городской балет, мы стремимся выходить за рамки — постоянно расширяем наш репертуар, показываем постановки и за пределами города, тем самым выполняем роль "идейных лидеров" корейского балета и общаемся с различными зрителями. Кстати, во время нашего последнего выступления, показа балета "Сильфида", мы сделали прямую трансляцию в YouTube, после чего получили массу положительных отзывов. Мы хотим донести идею того, что балет должен быть доступным. Мы готовы показывать постановки везде, где есть зрители — в любом месте, даже на открытых сценах, в школах и т. д., в любое время.

— Расскажите, как история Городского балета Кванджу связана с Россией?

— Как руководитель городской балетной труппы, я пыталась развивать культурный обмен с Россией с момента 20-летия установления дипломатических связей между нашими странами. В составе Национальной труппы Кореи мы давали совместные концерты с артистами Большого театра в Сеуле, Москве и Санкт-Петербурге. Также была работа над постановками хореографа Юрия Григоровича "Спартак" и Бориса Эйфмана "Чайковский". Меня приглашали для участия в составе жюри Международного конкурса артистов балета в Москве, а также Международного балетного фестиваля "Бенуа де ля Данс". Огромная честь была получить благодарственное письмо от министра культуры России за вклад в культурный обмен между Россией и Кореей и приз как педагогу-репетитору на конкурсе "Арабеск", который проходит в Перми, за подготовку участников конкурса.

В 2018 году мы сотрудничали с выдающимся российским балетмейстером Юрием Григоровичем, который поставил для нас хореографию балета "Лебединое озеро", и три месяца мы провели в России, оттачивая мастерство под руководством русских артистов балета.

А в этом году сотрудничество с Россией продолжается с работе над постановкой "Сильфида", над хореографией которой совместно работали главный хореограф Большого театра Андрей Болотин с его супругой, балериной Большого театра Пэ Чжу Юн.

— Предыстория выбора постановки "Сильфида"

"Сильфида" Городского балета Кванджу — это постановка, над которой работали супружеская пара — ведущий хореограф Большого театра Андрей Болотин и единственная балерина Большого театра родом из Азии Пэ Чжу Юн. Они переосмыслили классическую хореографию Бурнонвиля и создали новую версию балета "Сильфида", добавив легкость и современный взгляд.

Прежде всего, Пэ Чжу Юн — моя ученица. Смотря на нее, я всегда восхищалась ее кротким умом и страстью в обучении. Она была из таких учениц, на которую хочется поскорее взглянуть уже завтра, ведь каждый день она усердно старалась ради своей мечты. После того, как я отправила ее в Академию балета при Большом театре и она присоединилась к труппе Большого театра, статус корейского балета, несомненно, повысился. После этого Пэ Чжу Юн расширила сферу своей деятельности, и в качестве хореографа, и вместе с супругом, Андреем Болотиным, представила новую версию балета "Сильфида". Андрей больше 10 лет выступал с этой постановкой, и никто лучшего его, не сможет так тонко и глубоко прочувствовать эту работу. Супружеская пара Болотин-Пэ смогут идеально справиться с задачей представить зрителю современную версию символа романтического балета — "Сильфиды".

— Что вы хотите показать зрителю в рамках 9-го Корейского балетного фестиваля, который проходит в Сеуле с 18 по 30 июня?

— Как я уже упоминала ранее, Городской балет Кванджу является единственной городской балетной труппой в Корее. Мне всегда хотелось показать зрителям и поклонникам этого искусства насколько очарователен и красив балет с его разнообразным репертуаром. Балет "Сильфида" будет представлена в Корее впервые за 22 года. И пусть эта не та постановка, о которой многие слышали, билеты на нее раскупаются неохотно, и продвинуть такую постановку нелегко. Но несмотря на это мы с артистами Городского балета Кванджу хотим показать зрителям, что даже среди малоизвестного балетного репертуара, есть невероятно красивые постановки, которые имеют глубокий посыл.

Я хотела поделиться со зрителями главными эмоциями, которые только может передать такой балет как "Сильфида", который открыл эпоху романтического балета. Мне очень жаль, по некоторым обстоятельствам, мне не удалось получить разрешения для предпоказа постановки.

— Намерения и планы художественного директора Чхве Тхэ Чжи

— Независимо от того, насколько хороша работа, если постановка не взаимодействует со зрителем, очень сложно получать отдачу и энергию, чтобы творить дальше. Я думаю, что сегодня, в ХХI веке, зритель должен быть коллегой, напарником.

Я мечтаю поставить такой балет, которым сама всегда смогу наслаждаться вместе с жителями города Кванджу и поклонниками балетного искусства. Мы пытаемся возродить балет, в котором гармонично сочетаются классические, современные и креативные формы. С этой целью мы с артистами труппы стремимся расширять репертуар, который найдет признание публики, от классических до креативных постановок, от "Лебединого озера" до "Сильфиды".

— Как вы видите в дальнейшем культурное сотрудничество с Россией?

— Десять лет назад я приложила немало усилий для сотрудничества в культурной сфере прошедшую годовщину. Думаю, что сейчас, когда близится 30-летие с установления дипломатических отношений между Россией и Кореей, я как художественный руководитель Городского балета Кванджу, скромно обещаю, что буду продвигать корейский балет в России, организовывая гастроли нашей труппы, тем самым укрепляя культурные связи между нашими странами.

Специальный корреспондент PrimaMedia Korea Чон Сон Хён
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июн 27, 2019 5:47 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019062705
Тема| Балет, Большой театр Беларуси, Премьера, Персоналии, Ольга Костель
Автор| СВЕТЛАНА ШИДЛОВСКАЯ
Заголовок| В Большом театре Беларуси ставят на пуанты Анну Каренину
Где опубликовано| © «Минск-Новости»
Дата публикации| 2019-06-27
Ссылка| https://minsknews.by/v-bolshom-teatre-belarusi-stavyat-na-puantyi-annu-kareninu/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА, ИНТЕРВЬЮ

В середине ноября нынешнего года в репертуаре Большого театра Беларуси появится собственная хореографическая интерпретация романа Льва Толстого «Анна Каренина», сообщили корреспонденту агентства «Минск-Новости» в Большом театре Беларуси.



Оригинальный балет «Анна Каренина» в двух актах на музыку Петра Чайковского осуществляет молодой белорусский балетмейстер-постановщик Ольга Костель. Дирижер-постановщик — Андрей Галанов. Сценограф — главный художник театра Александр Костюченко. Костюмы от Нины Гурло.

Для того чтобы понять, какую задачу поставили перед собой авторы, совершим небольшой экскурс в историю постановок.

В ХХ веке балет «Анна Каренина» с музыкой композитора Родиона Щедрина, написанной для выдающейся балерины Майи Плисецкой (она была также одним из постановщиков спектакля), стал сенсацией. В 1972 году это вообще был первый полноценный балет по прозе Льва Толстого. В 1993-м в Мариинском театре (Санкт-Петербург) свою версию на музыку Петра Чайковского представил француз с русскими корнями Андре Проковски, однако она не имела особого успеха.

В ХХI веке интерес к героине не был утрачен, наоборот, он возрос. В 2004-м специально для Датского королевского балета «Анну Каренину» с музыкой Родиона Щедрина ставит Алексей Ратманский. А год спустя в Санкт-Петербурге «Анну Каренину» показывает Борис Эйфман, который сделал акцент на психологии героев и показал связь минувших и нынешних времен. По мнению критики, это весьма удачная пластическая интерпретация романа, возможно, лучшая на сегодняшний день. Эйфман обратился к музыке Петра Чайковского. А вот Джон Ноймайер, чья «Анна Каренина» идет сейчас в Большом театре России, Чайковскому в соавторы взял Альфреда Шнитке и Кэта Стивенса. Кроме названных есть и другие хореографические трактовки истории женщины, раздавленной то ли собственной страстью, то ли обществом, в котором она жила, — кто как видит.

…Мы пришли в репетиционный зал, чтобы с позволения театра понаблюдать за работой над балетом. Разминается материал финальных сцен первого акта. Пока это только приближение к образам. Идут поиски средств для выражения эмоций и поступков участников рокового треугольника. Так как партии готовят сразу несколько составов, видим трех Анн, трех Вронских, двух Карениных.

Репетируют ведущие мастера сцены, танцовщики с громкими именами и новые звезды. Сейчас они равны. Каждый старается понять мысль балетмейстера и показывает свой рисунок роли: Ирина Еромкина, Константин Кузнецов, Александра Чижик, Игорь Оношко, Юрий Ковалев, Анна Фокина, Олег Еромкин, Эвен Капитен. Полтора часа спустя становится понятно, что простого переложения великого романа на язык тела не будет, как не будет и хореографических иллюстраций к нему. На наших глазах рождается новое балетное произведение, в котором от романа Льва Николаевича остались лишь некоторые сюжетные ходы. Новое и первое в Беларуси.

Во время небольшого перерыва — несколько вопросов к Ольге Костель.

— Вы ставите историю любви? Или историю женщины, которая пытается вырваться из условностей своего времени?

— Я хочу показать на сцене диалог псевдонравственности и живого чувства. Конечно, чувство проигрывает.

— Из тех балетных постановок, которые были созданы до вас, какая вам ближе?

— Скорее, Бориса Эйфмана. Однако, в отличие от него, мне хочется показать, как разные люди, связанные с Анной, реагируют на столкновение с реальной жизнью. Жизнь иррациональна, несправедлива. И, кстати, мы сегодняшние живем так же сложно, как Анна. Как себя ведем? Как вообще в таких ситуациях надо себя вести?.. Вот о чем хочется размышлять.

— Как возник замысел этого балета?

— «Анна Каренина» давно жила в моем сердце… А что еще ставить в наше время, когда за последние двадцать лет произошла инфляция моральных ценностей! Вместо подлинников нам постоянно подсовывают эрзац и говорят: это и есть счастье. Всюду латекс и силикон. Гели для душа называют «Счастьем», кремы для рук — «Восторгом», шоколадные батончики — «Райским наслаждением»… Лев Николаевич Толстой возвращает все на круги своя. При этом он предельно искренен, честен — это сейчас не в моде.

— «Анну Каренину» последнее время часто экранизируют, и люди думают, что знают роман Толстого, хотя, на поверку, от корки до корки прочли его немногие…

— Знаете, я очень сожалею, что от самой читающей страны осталось только воспоминание. Молодежь вообще мало читает. Но когда приходит беда, люди ищут ответы на свои мучительные вопросы именно у Толстого и Достоевского. Читают и говорят: «Это же про меня!». И мой балет тоже про нас. Сначала все разрушилось в жизни Долли и все хорошо стало складываться в жизни Китти. А потом все разрушилось в жизни Китти и все начало складываться в жизни Анны…

— Ольга, а вы сами могли бы бросить сына ради мужчины?

— Не знаю, но Анну не осуждаю.

— Сегодня на репетиции мы увидели трех абсолютно разных героинь, и все они Анны. Вас это не смущает?

— Это только радует. После каникул, на которые театр уйдет 8 июля, я думаю, начнется большая работа в головах всех участников процесса. И к осени материал отлежится, осмыслится… Анна — вулкан, гроза… Мне как-то попалась на глаза цитата Стефана Цвейга. Ее суть: как можно человека, пораженного страстью, втиснуть в логические рамки?! Это все равно что предъявлять претензии стихии.

Ольга Костель окончила Белорусскую хореографическую гимназию-колледж. С 1999 по 2004 год работала в труппе балета Большого театра Беларуси. Лауреат международных конкурсов. Стажировалась в Высшей школе танца Грет Палукки в Дрездене (отделение хореографии, класс Михаила Дикампа). В 2008-м с отличием окончила балетмейстерское отделение Высшей школы драматических искусств Эрнста Буша в Берлине (класс Дитмара Зайферта). Преподавала в Швейцарии и Германии. В Большом театре Беларуси работает балетмейстером-постановщиком с 2011 года. Поставила здесь балеты «Любовь и Смерть», «Метаморфозы», создала хореографию для нескольких оперных постановок, выступает режиссером концертов. Также хореография Ольги Костель была представлена в Великобритании, Швейцарии, Германии, Болгарии, Польше, Эстонии, Финляндии и России.

Фото Сергея Пожоги
================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июн 27, 2019 7:18 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019062706
Тема| Балет, Театр «Астана Балет», Премьера, Персоналии, Юрий Григорович, Руслан Пронин,
Автор| пресс-служба театра
Заголовок| ПРИКОСНУТЬСЯ К ЛЕГЕНДЕ
Где опубликовано| © сайт театра
Дата публикации| 2019-06-24
Ссылка| https://astanaballet.com/ru/news/novosti-teatra/prikosnutsya-k-legende
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Впервые в Нур-Султане! Легендарный спектакль гениального хореографа современности Юрия Григоровича. В канун празднования дня столицы 3, 5 и 6 июля на сцене Театра «Астана Балет» пройдет премьера балета «Легенда о любви».



Человек – эпоха. Имя Григоровича уже давно вписано в летописи мирового хореографического искусства, и даже больше – оно стало брендом, отличительным знаком качества, если в репертуаре театра числится какая-либо из его постановок. О его требовательности к уровню профессионализма труппы слагают легенды, ну а он…создает свои.

«Легенда о любви» - балет, ставший культовым сразу после своего рождения. Он снискал своему создателю славу человека, опередившего время, а артистам, что исполняли главные партии – фантастическую любовь публики.

Но прежде чем зрители и гости столицы своими глазами увидят шедевр хореографического искусства, которому рукоплещет весь мир, артисты столичного театра проводят долгие часы в кропотливых репетициях под чутким руководством ассистентов хореографа-постановщика Юрия Григоровича – Руслана Пронина и Оксаны Цветницкой.

- Мы хотим, чтобы было лучше, чем в Большом. Иначе, зачем мы здесь работаем? Мы только такими категориями мыслим и делаем. И любая новая постановка дает возможность сделать шаг вперед с точки зрения осмысления этого произведения, поэтому мы делаем здесь то, как бы делал Юрий Николаевич, исходя из сегодняшних возможностей артистов. Пытаемся такие задачи ставить, потому что, если рассматривать человеческое тело, как инструмент хореографа, как у художника краски, например, то палитра этих красок и возможностей у сегодняшнего поколения гораздо больше, чем у тех артистов, на которых это делалось 50 лет назад – поделился размышлениями Руслан Пронин, ассистент хореографа Юрия Григоровича.

Сюжет, как и подобает восточному сказанию, изящен и прост. Царица Мехменэ Бану жертвует своей красотой ради выздоровления сестры – по велению бродячего колдуна она навсегда завесила лицо платком. Сестра Ширин выживает, но счастья это выздоровление не приносит: во дворце появляется юный и прекрасный Ферхад, пленивший сердца обеих сестер.

- Технически, конечно, здесь есть что поделать. А еще музыка Меликова - сложная, быстрая, со своим особым счетом. К этой музыке нужно привыкать и слушать, желательно, постоянно, чтобы она влилась и пошла по телу, как и хореография, – отметила ведущая солистка театра Татьяна Тен.

Артисты уже давно репетируют в залах, оттачивая каждую вариацию, каждое движение и эмоции своих героев. Заглавные партии готовят: Мехменэ Бану – Айжан Мукатова, Айнур Абильгазина, Дилара Шомаева и Риза Канаткызы; Ширин – Анар Дукиева, Дарина Кайрашева и Татьяна Тен; Ферхад – Илья Манаенков, Казбек Ахмедьяров и Фархад Буриев; Визирь – Амир Жексенбек и Бауржан Мекембаев.

- В первый приезд Руслана Пронина и Оксаны Цветницкой, мы учили порядок, отрабатывали технические моменты, партия в этом плане сама по себе очень сложная. Но когда ты находишься в образе, живешь в этом моменте на сцене, то это переносится легче. Эмоционально роль очень глубокая, серьезная и тяжелая, вы только представьте, что такое для женщины лишиться красоты. По либретто Мехменэ Бану уже расцвела, она полна жизни и только начинала ощущать свою женственность и красоту, – рассуждает о своей героине ведущая солистка театра Айжан Мукатова.

Когда балет только создавался, партию придворного художника Ферхада, Юрий Григорович ставил специально на Рудольфа Нуриева. Однако позже, оказавшись невозвращенцем, прославленный танцовщик так и не смог осуществить свою мечту.

К премьерному вечеру в Нур-Султане, воплотить образ Ферхада готовится ведущий солист театра «Астана Балет» - Фархад Буриев. Артист поделился воспоминаниями, как несколько лет назад ему уже доводилось танцевать в этом балете:

- Этот спектакль мне хорошо знаком, я уже танцевал партию Ферхада, и поэтому он мне дается намного легче, чем остальным артистам. Для меня есть лишь моменты с небольшими изменениями в каких-то нюансах, а в остальном мне все знакомо. Я рад, что этот спектакль ставится в нашем театре, потому что это очень красивый балет, – делится артист.

Чем обернется трагедия трех сердец, сошедшая со страниц древних персидских сказаний, жители и гости Нур-Султана смогут узнать 3, 5 и 6 июля на сцене Театра «Астана Балет».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июн 27, 2019 9:08 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019062707
Тема| Балет, Государственный Музыкальный театр (Нальчик), Персоналии, Наталья ГРИЦАЙ, Камила КУШХОВА
Автор| Ольга Калашникова, Фото Елены Елоевой
Заголовок| Балет, балет, балет…
Где опубликовано| © газета "Горянка" № 22 (1031)
Дата публикации| 2019-06-05
Ссылка| http://www.goryankakbr.ru/node/3903
Аннотация| Юбилей. Интервью



В Государственном Музыкальном театре состоялся праздничный концерт, посвященный 55-летию балета Кабардино-Балкарии. Сегодня в списке его основателей немало легендарных имен, а их традиции хранят и приумножают молодые исполнители, влюбленные в свою работу.

Они были первыми

Первый национальный балет «Лялюца» был поставлен в Нальчике в 1964 году, его премьера состоялась 29 апреля на сцене нынешнего Кабардинского государственного драматического театра им. А. Шогенцукова. В него вошла балетная труппа, созданная педагогом и балетмейстером Александром ПРОЦЕНКО. В последующем репертуар составили балеты «Бахчисарайский фонтан» (1965); «Даханаго» (1966), «Лебединое озеро» (1967). В январе 1968 года в культурной жизни Кабардино-Балкарии произошло большое событие - состоялось торжественное открытие Государственного Музыкального театра. С его открытием для жителей республики началось приобщение к мировому оперному и балетному искусству. В день открытия театра зрители увидели премьеру балета «Аминат» Л. КОГАНА. В зарождении и становлении балетного искусства республики велика заслуга первых исполнителей балетной труппы театра - заслуженной артистки КБACCР Р. ХАКУЛОВОЙ, Б. КАРДАНОВОЙ, X. АРХЕСТОВА, артистов X. АМШОКОВОЙ, Р. МОЛОВОЙ, Т. ЭНЕЕВА и др. В дальнейшем балетная труппа Музыкального театра пополнилась выпускниками различных балетных школ.

В разные годы балетную труппу возглавляли Булат ГУБЖОКОВ и Арсен АБИДОВ. Весомый вклад в профессиональное становление труппы внесла педагог-репетитор Валентина ПОХОДЕЕВА. За прошедшие десятилетия жители республики увидели на сцене Музыкального театра балеты «Эсмеральда», «Золушка», «Жизель», «Барышня и хулиган», «Тропою грома», «Легенда гор», «Легенда Чегемского водопада», «Дон Кихот», «Снежная королева», «Лейла и Меджнун», «Испанские миниатюры», «Медея», «Волшебная свирель Ашамаза», «Гимн восходящему солнцу» и многие другие. Исполнителями ведущих партий были солисты балета Ю. КУЗНЕЦОВ, С. ГЕНЖЕЕВА (ЗАХОХОВА), Г. ПАЗОВА, Г. ВЕЛИЧКО, А. ВЕЛИЧКО, Л. ГУКЕТЛЕВА, Ю. ЧУЯКО, Н. ШОШИНА (Грицай), Е. КАРДАНОВА, К. РАМАЗАНОВА, А. ЧЕМАЗОКОВ, X. БОДЖОКОВ, А. ИСУПОВ.

Сегодня в балетной труппе театра наряду с мастерами Юлианой ШАБАТУКОВОЙ, Залимом ГУЧАЕВЫМ, лауреатами международного конкурса исполнителей сольного танца им. М. Эсамбаева Асланом БАЛКАРОВЫМ и Камилой КУШХОВОЙ выступают молодые талантливые артисты Мурат ЭРКЕНОВ, Олеся КИМ, Астемир ХАВПАЧЕВ, лауреаты всероссийских конкурсов Адиса КАНДУРОВА и Тагир МУСТАФАЕВ, Тамерлан ХАЕВ, Олег ДРЯБРИН и др. Творческое руководство балетной труппой театра осуществляет главный балетмейстер - заслуженный деятель искусств КБР Рамед ПАЧЕВ, балетмейстер - засуженный артист КБР Юрий ЧУЯКО, репетитор по классу балета - заслуженная артистка КБР Наталья ГРИЦАЙ.

Судьба

Нередко на сцену артистов приводит судьба, именно так произошло с двумя героинями нашей публикации.

Наталья ГРИЦАЙ, репетитор по классу балета:

- Я жила в Нальчике в обычной, не театральной семье. Мама работала в столовой санатория, папа – на заводе. С первого класса занималась спортивной гимнастикой, собирала всех малышей, которые жили во дворе по соседству, и пыталась тренировать. Показывала им то, чему меня саму учили тренеры. Это из окна дома напротив заметила соседская старушка и посоветовала моим родителям прочитать в газете статью о том, что в Кабардино-Балкарию приехала московская комиссия по отбору детей в хореографическое училище, и отвести меня туда.

Комиссия вела просмотр в балетном зале Музыкального театра. Там было много детей с родителями. Нас в основном проверяли на гибкость, растяжку, то есть на спортивную подготовку. Мое имя оказалось в списке десяти прошедших первый этап. Затем нас на самолете в сопровождении родителей и работников Министерства культуры республики отправили в Москву для дальнейшего отбора. Там уже проверяли на музыкальность и здоровье. После этого отбора из нашей группы оставили троих человек – двоих девочек и мальчика.

В Московском академическом хореографическом училище, куда меня приняли, все было необычно. Строгий режим, как в военном лагере, и постоянные занятия: классика, народные и современные танцы, гимнастика, все это надо было совмещать с общеобразовательными предметами. Спустя несколько лет учебы был момент, когда хотела все бросить, но потом собралась и окончила училище. Мы еще были маленькими и не всегда понимали значимость звезд нашего балета, но я видела УЛАНОВУ, ЛИЕПУ, ВАСИЛЬЕВА, ПЛИСЕЦКУЮ.

В 17 лет вернулась в Нальчик, став артисткой балета в Музыкальном театре. Сейчас на сцену выхожу изредка, в основном работаю репетитором. Для этого пришлось кардинально перестраиваться, потому что еще с училища привыкла, что мной командовали, а я слушалась. Репетитору нужны жесткость и индивидуальный подход к каждому артисту, который должен понимать, что от него требуют.
Какое главное качество артиста балета? Это физически тяжелый труд, но если с душой не танцуешь, ничего не получится. Надо выходить на сцену и полностью ей отдаваться, чувствовать зрителей. Сейчас балетная труппа пополняется студентами колледжа СКГИИ, приезжает молодежь и из соседних республик. И это радует, значит, балет в республике будет развиваться.


Камила Кушхова

Камила КУШХОВА, солистка балета:

- Мне было пять с половиной лет, когда в Нарткале я увидела афишу, на которой была изображена красивая танцующая девушка, мне очень захотелось сходить на этот концерт. Это был детский конкурс «Алло, мы ищем таланты!» На нем дети танцевали, пели, читали стихи. Я очень завидовала девочкам, которые принимали в нем участие, и сказала маме, что тоже хочу выступать. За неделю выучила стихотворение, новый танец и песню и в итоге заняла второе место. Объективно это был хороший результат, меня все поздравляли, но было очень грустно, почему не первое, ведь я уже тогда была максималисткой, стремилась к лидерству. Так я попала в нарткалинский ансамбль «Вдохновение» к Жанне САРАЛЬПОВОЙ. С нее началась моя настоящая любовь к танцам. Она же посоветала мне поступать в колледж культуры и искусств в Нальчике, а потом продолжать учебу за пределами республики. Так и произошло. После колледжа я поступила в Московский государственный университет культуры и искусств на заочное отделение народного художественного творчества и параллельно с учебой выступала в Музыкальном театре.

Помню счастливые дни, когда встала у станка, я очень хотела быть похожей на старшее поколение артистов, они меня вдохновляли. Каждое их замечание впитывала с любовью, понимая: если мне делают его, значит, из меня что-то получится.

Балет - очень тяжелая профессия. В танце обязательно надо раскрыть свой внутренний мир - тело и душа должны работать в унисон. Для этого нужны изнуряющие нагрузки и постоянные репетиции, но мы от этого получаем удовольствие, наверное, немножко больны балетом, поэтому нам все нравится. Не всегда успеваем сказать слова благодарности тем, кто с нами постоянно занимается. К сожалению, нет времени на это, больше ногами «разговариваем». А сейчас, пользуясь случаем, хочу выразить безмерную благодарность нашим репетиторам Юрию Чуяко и Наталье Грицай. Низкий им поклон. Наталья Юрьевна – вообще моя Муза, человек со сверхспособностями, я вдохновляюсь ею. Когда она заходит в зал, кажется, прилетел ангел.

Мои любимые партии? Вариация Китри из балета «Дон Кихот» и па де скляв из балета «Корсар», я буду их исполнять на юбилейном вечере. У меня уже есть свои студенты. На новое поколение мы возлагаем большие надежды. Стремимся к тому, чтобы балет в Кабардино-Балкарии, несмотря на то, что его не все понимают и принимают, процветал.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июн 28, 2019 9:35 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019062801
Тема| Балет, Международный Чеховский фестиваль, Персоналии,
Автор| Елена ФЕДОРЕНКО
Заголовок| Взято не с потолка
Где опубликовано| © Газета «Культура»
Дата публикации| 2019-06-27
Ссылка| http://portal-kultura.ru/articles/balet/263509-vzyato-ne-s-potolka/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Международный Чеховский фестиваль продолжает программу. Зрелища экзотические и таинственные определили июньскую часть смотра: тайваньские мистерии и откровения, китайские интеллектуальные головоломки и боевые полеты, французский дебют «Ангелов на потолке».

Две труппы из Тайбэя — наши давние знакомые, их уже привозил Чеховфест. Обе — национальные достояния. Различные — по темам, эстетике, стилю — спектакли, имеют единое посвящение — своей стране, ее мифам и легендам. Постановки транслируют: актуальному искусству нельзя забывать корни, а потому фантазии авторов произрастают из веры в традиции, что вовсе не означает аутентичность в воспроизведении обрядовых истоков. Впрочем, будем честны, никто из зрителей, восторженно аплодировавших артистам, не в силах понять глубину смыслов — слишком различны наши фольклор, менталитет, история.


«Вечное движение жизни»
Фото: Владимир Вяткин/РИА Новости


Компания «Ледженд Лин Данс Тиэтр» показала «Вечное движение жизни» — спектакль своей основательницы Лин Ли-Чен. Он кажется продолжением уже виденной Москвой «Песни задумчивого созерцания», взглядом на ритуальную вселенную с иного ракурса. Название вполне подошло бы и нынешнему спектаклю. Умиротворяющие опусы, в которых созерцательность — основа основ, Лин сочиняет годами. На острове, живущем в сверхскоростном режиме, она неспешно работает над своими «сеансами гипноза» — так называют ее спектакли. Хореограф считает, что спектакли нужно выращивать долго — как цветы или деревья, и воспитывать внимательно — как любимых детей. Опусы можно пересчитать по пальцам одной руки, что не помешало каналу Arte включить Лин Ли-Чен в восьмерку выдающихся хореографов мира. Они нарасхват приглашаются в разные страны, везде — успех, неизменный и безоговорочный.

Невероятная визуальная радость: прозрачные и призрачные светлые полотнища, фарфоровая хрупкость дам, брутальная сила мужчин и стальная внутренняя концентрация. Безупречное качество и полный синхрон: медленно, в режиме рапида, двигаются фигуры — склоненные торсы, прямые спины, изгиб поясницы, согнутые ноги. Перемещаться так — как течет расплавленный воск — нормальному с нашей точки зрения человеку просто невозможно. Медитативное скольжение, когда на четыре шага не хватает минуты, — фирменный знак хореографа. Лин говорит, что артисты готовятся к выступлениям несколько часов.

Путь от рассвета жизни до заката развернут в пяти сценах. Вот — пробуждается белокожая обнаженная девушка: вращает головой, распуская волны тяжелых волос длиной до пят, они стелются по полу, кружатся волнами, взлетают ураганными вихрями. Завораживающий танец волос длится полчаса, и столько же немногословная Лин готова рассказывать о солистке, которая 10 лет растила роскошную шевелюру. Уют спектакля взорвет воинственный и колючий мужской танец, и вновь воцарится тихая неземная красота. В финале чудесная женщина — то ли Смерть, то ли Судьба — с живым огнем в руках тягуче «плывет» по белоснежной дороге к авансцене. Движение жизни вечно, и оно продолжается. Его символы — колоски риса и шелковистые метелки мискантуса, гибкие и стойкие — в руках артистов. Зал наполняют ароматы — согласно тайваньским традициям, благовония облагораживают помыслы и направляют чувства ввысь. .

Театр «Небесные врата» («Cloud Gate dance theatre») привез спектакль «Формоза» — им знаменитый хореограф Лин Хвай-Мин прощается с публикой. Имя коллектива — название самого древнего ритуального танца, родившегося более пяти тысячелетий назад. Лин Хвай-Мин — автор плодовитый, в его «послужном списке» 90 спектаклей; учился на Западе, и его труппа возникла на перекрестке восточных традиций и европейского модерна. Актеры владеют медитацией, боевыми искусствами, основами классического балета и техниками современного танца. Известный литератор, философ, эрудит — Лин Хвай-Мин считает фабулу излишней: «Мои спектакли — чтение между строк». Танец способен передавать иную, чувственную информацию. «Формоза» переводится как «красивый» — таково историческое название острова Тайвань. Ему и посвящена «лебединая песня». Она «льется» под звучащее поэтическое слово, к которому добавлены туземные напевы и современные мелодии. Оформление — проекция подвижных черно-белых иероглифов. Они взлетают и падают, увеличиваются — и тогда один циклопический знак не умещается на заднике, становятся крошечными и бегут по спирали, превращаясь в жуткую воронку. Спектакль — метафора мира и его прошлого: сходятся группы, возникают сообщества, крепнет дружба, рождается любовь. На экране — перевод текста стихотворений, на сцене — танцевальные ассоциации словесным образам. Ужас перед стихией, паника, которую сеют социальные расколы, наслаждение запахом жасмина, счастье в городке, окруженном апельсиновыми рощами. Танцовщики, сосредоточенные, бесстрашные, технически совершенные, то рассыпаются на асимметричные группы, то разбиваются на пары, из вихрей массовых плясок возникают пронзительные соло. В финале, когда иероглифы поглотило море, — проекция безбрежного пространства с завитками белых барашков волн предостерегает: берегите остров — свой дом, он хрупкий и нежный, беспомощен перед людскими распрями.

Две труппы пожаловали из Пекина и показали спектакли, которым действительно не нужны слова для пересказа фабулы. Намерения хореографов — в иной плоскости: там, где безграничные возможности тела берут полную власть над нарративом. «Театру танца Тао» всего 10 лет, его создал хореограф Тао Йе. Сегодня это крепкий коллектив, выпускающий аналитические спектакли. Названия опусов — цифры, по количеству участников. Мы увидели «4» и «8». Пифагорейская нумерология утверждала, что число — не только проявление, но сущность всех вещей. Тао Йе согласен, но пытается доказывать, что не только оно мера, управляет миром — тело: войдя в определенный ритм, оно «подключается» к космосу, впитывает высшее знание и способно изменить жизнь. В «4» — квартет исполнителей: двое мужчин и две женщины, но они не разделены на пары, лица скрывают черные маски, их фигуры расположены по углам небольшого четкого воображаемого ромба. Под ритмичное биение музыкального пульса танцует многорукое и многоногое «единое целое» — синхронно, не ломая выбранного построения в стремительном перемещении в пространстве. Лихорадочный напор и титаническая активность, волнение широких брюк и развевающиеся полы рубашек — ошарашивают каким-то безумным драйвом.

Эксперимент «8» предлагает ранее невиданное, находящееся за чертой зрительского опыта. Дерзкая восьмерка исполнителей танцует лежа, ни один из них ни на миг не принимает вертикального положения. Тела — рядом, параллельно, в одну линию, стопами — к зрителям. Ноги выстреливают малыми батманами, торсы изгибаются с опорой на лопатки, по телам проходят мелкие заряды дрожи — колдовская мощь напрочь лишает публику спокойствия и комфорта. Подобное будоражащее впечатление производили опыты Уильяма Форсайта над выносливостью бренной человеческой оболочки. 34-летнего Тао Йе сравнивают с легендарным хореографом-структуралистом и прочат ему большое будущее.

Еще один пекинский гость — труппа «Лон Юнь Кунг-Фу», основанная Джеки Чаном. В 2006-м звездный актер собрал способных подростков и юношей, обеспечил им универсальное образование. Теперь они выпускают программы, в которых соединяют философию, танец, боевое искусство у-шу, музыку, видео. Выбранный формат довели до совершенства, и «кунг-фу шоу» от «Лон Юнь» — знак высокого качества во всем мире. Однако в показанном спектакле «11 воинов» метафизики и антропологии стало заметно меньше, способы самосовершенствования и развития тела и духа уступают место глянцевому красочному зрелищу, которыми угощают гостей в Китае, и в качестве диковинного деликатеса привозят в европейские страны. Не будем лукавить, завязка у истории есть: монахи, видимо шаолиньские, в голубых, свободного кроя кашаях, проходят через зрительный зал на сцену. И пять эпизодов спектакля задуманы как маршрут путешествия по истории кунг-фу — от «образов животных» и «духа огня» через уроки Мастера и воспитание «стального сердца» к прозрению: ушу — не способ боя, а образ жизни. О пути к просветлению «рассказывает» эффектное видео, на сцене же — торжество виртуозной техники и демонстрация цирковых аттракционов. В ловких руках мелькают палки и зонтики, мечи, веера и ленты. Сильно действующим оказался долгий финал, где яркие спецэффекты и чудеса мультимедийных технологий не отвлекали от травмоопасных схваток, легчайших шпагатов, замирающих в воздухе прыжков. Умопомрачительные трюки передавали уникальное единство тела и духа, доказывая, что это мужское братство подчинило себе невероятное искусство левитации.

Французская компания «Ангелы на потолке» разбавила восточные мотивы. Известная и модная труппа марионеток привезла спектакль «R.A.G.E.», посвященный жизни и творчеству Ромена Гари. В названии зашифрована анаграмма фамилии знаменитого писателя, литературного мистификатора, кинопостановщика, дипломата. Сюжет — из его романов, во многом автобиографических, подписанных и своим именем, и вымышленным — Эмиль Ажар. Псевдоним наделал немало шума — благодаря ему Гари получил вторую Гонкуровскую премию, хотя по условиям эта престижная награда присуждается один раз в жизни.

Режиссер Камий Труве и специалист по магии Рафаэль Наварро умышленно обнажили тайны закулисья: бутафория, шумы, музыка, переодевания, звонкие распевки, подготовка трюков — все чудеса и превращения готовятся на глазах у зрителей. Авторы мультижанрового «R.A.G.E.» — с живым звуком, вокальными номерами, танцевальными сценами, театром теней — создают спектакль всеохватывающего размаха и пытаются, как шекспировский Просперо, трансформировать мир. Парижане легко обжили все пространство «Школы драматического искусства» — сцену, балкон, ложи. В любом месте и в любую секунду могли появиться персонажи в масках собак и птиц или куклы, ростовые, на колесиках; над головами публики летели полотнища и конверты. Крутой замес вымысла и реальности, фокусов и видео. Литературные герои выскакивали из рукописей и спорили с автором. Умирающая мать писала весточки сыну — «на будущее», чтобы он получал ее поддержку как можно дольше. Театр поэтических чудес и фантастических смещений удивляет трогательной сентиментальностью, желанием понравиться, переизбытком игрового темперамента и излишней чрезмерностью, забывая, что концентрация каскадных приемов способна поглощать смыслы, а удивление — отключать ассоциативное мышление.

====================================================================
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Июл 03, 2019 6:28 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июн 28, 2019 10:23 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019062802
Тема| Балет, Фестиваль «Балетное лето в Большом» (Минск), Персоналии, Раду Поклитару
Автор| Виктория Попова
Заголовок| Балетный бунтарь Раду Поклитару в ноябре привезет в Минск премьеру «Вий»
Уроки Раду Поклитару

Где опубликовано| © СБ-Беларусь сегодня
Дата публикации| 2019-06-28
Ссылка| https://www.sb.by/articles/uroki-radu-poklitaru.html
Аннотация| Фестиваль, Интервью

В Большом театре в Минске летний фестиваль балета подходит к своему завершению. Звезд Мариинки, блиставших на открытии форума, на сцене сменяли артисты «Киев Модерн-балета». Два вечера подряд хореография Раду Поклитару и спектакли киевской труппы приводили часть публики в экстаз, аплодировали стоя. К похвалам постановщик современного танца относится сдержанно, как и критике. Известно, что современный танец у нас для многих в диковинку. Далеко не все зрители, придя в академический театр, ожидают увидеть в классической «Спящей красавице» вместо добрых фей на сцене козлотуров, крабораков и других чудищ. Но таков уж Раду Поклитару — в классических либретто ему скучно.


Идеальным светом для своей человеческой красоты Раду Поклитару считает полную темноту.

Мы встретились с Раду во время очередной репетиции. В нашем театре он, слава богу, отлично ориентируется: все-таки 10 лет служил белорусскому балету. Мы попросили хореографа дать нам несколько уроков: как вчерашнему артисту кордебалета превратиться в успешного владельца собственного «заводика» — академического театра, быстро прославиться, подружиться с селебрити и, наконец, начать зарабатывать больше, чем тратишь.

Урок 1. Слушать себя

Я всегда хотел ставить балеты, выучился в белорусской академии музыки на хореографа, получил диплом, но работал в кордебалете. И вот однажды получаю предложение возглавить молдавский театр оперы и балета. До сих пор шучу на эту тему с Юрием Трояном, художественным руководителем белорусского балета, тогда он был директором труппы. Я пришел к нему советоваться, ехать мне в Кишинев или нет. На что Юрий Михайлович ответил: «Слушай, Раду, зачем куда‑то ехать, тебе до пенсии осталось 10 лет. Доработай спокойно, потом будешь ставить у нас». Теперь при встрече с ним я каждый раз спрашиваю: «Помните, как вы меня пытались еще на 10 лет заковать в «кандалы»?» Смеемся, конечно. Думаю, я сделал правильный выбор, рискнув в 29 лет возглавить театр в Молдове, и хоть через год меня уже оттуда «попросили» — имя прозвучало, и посыпались приглашения ставить спектакли в Москве, Риге, Перми и других городах. Я был очень востребован. Правда, до сих пор не знаю почему. Считаю, что свою работу делал максимально хорошо, честно и качественно, прислушивался только к себе. А дальше уже как карта ляжет, не от нас зависит.

Урок 2. Уметь удивляться

Никакой я не провозвестник современного танца, скорее, человек, который воспитан на классическом балете, и внутри моей хореографии — странной или не странной — все равно лежит классика. На ее скелет набрасываю мышцы придумок, и любитель этого не замечает, а профессионалу видно, что мой балет — это неоклассика, которую трудно назвать определенным стилем. В модных словах и течениях — контемпорари, модерн‑джаз и прочее — я до сих пор ничего не смыслю. Клянусь. Правда, отлично вижу, когда плохо танцуют или хорошо. Смотрю на работы своих коллег и чаще всего понимаю, как они это придумали, и мне становится скучно. То есть я знаю, как это сделано. И страшно люблю всегда то, что заставляет меня удивляться. В течение семи лет преподаю искусство балетмейстера в Киевском национальном университете культуры и искусств. И ребята, которые оканчивали у меня третий курс в этом году, сдавали экзамен. У них было сложное задание: поставить на стихи Бродского трио, в котором один человек не касается пола и все трое находятся в постоянном физическом контакте друг с другом. Так вот, у ребят были работы, которые меня приятно удивили, поймал себя на мысли, что у меня не хватило бы мозга так необычно придумать. Верим мы или нет, но следующее поколение обязательно будет, причем будет лучше нас.

Урок 3. Возраст не имеет значения

В ноябре я привезу в Минск премьеру «Вий». По части хореографии не самый сложный наш спектакль, но техническая часть — это ад. На сцену мы водрузили огромный куб — 4 на 4 метра — и на него постоянно давали видеопроекцию, которая создавала 3D‑эффект: действие происходило и внутри куба, и снаружи. Так вот, отладка видеоконтента с четырех проекторов в правильном масштабировании и яркости заняла у нас чудовищное количество времени, я дневал и ночевал во дворце, где мы должны были играть премьеру, и думал, что она никогда не состоится. Но зато, когда сыграли, публика была в восторге. Во время полета Хомы на Панночке зал взорвался овациями, а если бы мы убрали 3D‑проекцию вокруг танцовщиков, по хореографии это было бы страшно примитивно.

Так что техника сегодня здорово помогает, в искусстве в том числе, если ты умеешь ею пользоваться. И конечно, ее надо осваивать независимо от возраста. Грубо говоря, я люблю изучать свой смартфон, пользуюсь разными его функциями, а мой папа, когда ему было 78 лет, кидал его об стенку, говорил, что ничего в нем не понимает. И никто из нас не хуже. Просто один умеет пользоваться техникой, а другой — нет.

Или еще пример: я ставил танцы для фильма «Синдром Петрушки», в котором главные роли сыграли Чулпан Хаматова и Евгений Миронов. Несмотря на свой совсем не юный возраст, они оба репетировали по 7 часов сложнейшие танцы и поддержки, оба маньяки работы. Я Миронова предупреждал, что надо чуть помедленнее, мол, завтра не встанешь. В итоге на следующее утро мы все пришли на репетицию в Театр наций, а Женя не пришел — он был у остеопата, который пытался восстановить его из обломков после изнурительных занятий. А посмотрите, как они оба двигаются в этой картине, — фантастика, светлые и легкие люди, возраста которых не замечаешь.

КСТАТИ

Фестиваль «Балетное лето в Большом» завершится сегодня гала-концертом. На сцену выйдут примы и премьеры ведущих театров мира.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июн 28, 2019 10:32 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019062803
Тема| Балет, История, Наследие, Персоналии, Шарль Дидло
Автор| Валерия Огороднова
Заголовок| «Но и Дидло мне надоел». Как великий балетмейстер оказался в немилости
Где опубликовано| © Санкт-Петербургские ведомости
Дата публикации| 2019-06-28
Ссылка| https://spbvedomosti.ru/news/nasledie/no-i-didlo-mne-nadoel-kak-velikiy-baletmeyster-okazalsya-v-nemilosti/
Аннотация|

Евгений Онегин в первой главе романа произносит: «Балеты долго я терпел, но и Дидло мне надоел»... О вкусах спорить не станем, но действительно, блестящий танцор, хореограф и педагог, реформатор балета России Шарль Дидло в расцвете славы оказался в тягость не только ветреному герою романа Пушкина. Выдающийся музыкант, отдавший развитию балета России всю жизнь, все силы и талант, воспитавший плеяду русских танцовщиков и танцовщиц, в старости был отброшен, как надоевшая игрушка.


Фото: Public Domain

Карл Людовик Дидло, или Шарль Луи Фредерик Дидло, начал карьеру как танцовщик еще в детском возрасте. Учился он в Парижской школе театра Гранд-оперa, с большим успехом выступал во многих ролях, затем женился на балерине и вместе с ней создал несколько ярких постановок.

В 1801 году князь Николай Борисович Юсупов пригласил Шарля Дидло возглавить петербургскую балетную труппу Российских императорских театров. В сентябре Дидло с семьей прибыл в северную столицу и уже в апреле 1802 года дебютировал на сцене Большого Каменного театра с балетом «Аполлон и Дафна».

С 1804-го по 1811 год Шарль Дидло руководил Петербургской театральной школой, воспитав сотни учеников, которые затмили приглашаемых в Россию дорогостоящих иностранных танцоров. Он поставил огромное количество балетов, дивертисментов и танцев, выведших столичный балет на недосягаемую до тех пор высоту.

Однако, несмотря на долгую жизнь в Петербурге, Дидло плохо говорил по-русски. В обращении с учениками он был сух и педантичен, жестко отдавая команды на французском языке. Но главное, в чем неприятно проявил себя Дидло: он бил учеников.

Авдотья Панаева вспоминала, что мальчики и девочки, когда шли на репетицию или урок, молили бога, чтобы не испробовать палки Дидло на спине и носках. Нередко матери, навещавшие дочерей в школе, утешали бедолаг, показывавших им синяки на ногах и руках. Когда маленькие дети танцевали в спектаклях, Дидло грозил им из-за кулис и потом наказывал, если они путались в танце, составляя группы. Он набрасывался на них как коршун: дергал за волосы, теребил за уши, пинал ногами...

Доставалось от Дидло и взрослым артистам. И все же, как ни парадоксально, при всех этих деспотичных выходках, как учитель и балетмейстер, Дидло пользовался абсолютной и заслуженной любовью и славой.

В 1831 году пронесся слух, что Дидло выходит в отставку из-за ссоры с князем Сергеем Гагариным. По словам писателя и драматурга Александра Плещеева, произошло следующее: однажды антракт между действиями затянулся, и князь Гагарин (директор Императорских театров в 1829 - 1833 годах) приказал Дидло поторопить танцовщиц и начинать действие. Гагарин решил продемонстрировать, кто в театре хозяин: мол, никакие заслуги и таланты для него не существуют. Но Дидло не позволял никому вмешиваться в свою работу. Он проигнорировал указание князя, за что тот велел посадить его под арест. На другой день Дидло подал в отставку. Вот так и закончилась карьера великого балетмейстера.

Вскоре был объявлен прощальный бенефис Дидло. Должность директора Императорских театров в 1833 году перешла к Александру Гедеонову, который не мог не знать о произошедшей оскорбительной несправедливости по отношению к великому хореографу. Но, не проявив к тому никакого снисхождения, при составлении плана прощального бенефиса Гедеонов потребовал: когда публика будет вызывать Дидло, никто из участников спектакля не должен выходить на сцену вместе с ним.

Однако ученики, ученицы, кордебалет и солисты, которые прежде с нетерпением ждали счастливого момента прощания с неразлучной палкой Дидло, теперь, растроганные, как будто бы забыв свои обиды, с первыми же овациями и вызовами двинулись вместе с Дидло на авансцену. Из оркестра мэтру подали несколько венков, самый маленький из которых одна из солисток возложила на голову старика.

Все обнимали его, ученики целовали ему руки. Аплодисментам и вызовам не было конца, старые танцоры-пенсионеры поддерживали за плечи Дидло, взволнованного, ослабевшего и немного печального. А в те же минуты за сценой происходил другой «спектакль»: взбешенный самовольством подчиненных, Гедеонов кричал, что всех оштрафует за то, что посмели его ослушаться и организовали чествование Дидло. Волнение за кулисами было страшное.

После этого великий балетмейстер пожелал покинуть столицу. Шел ноябрь 1837 года. Направившись в Крым, где он хотел поселиться в старости, Дидло заболел в дороге и умер.


Материал опубликован в газете «Санкт-Петербургские ведомости» № 116 (6469) от 28.06.2019 под заголовком ««...но и Дидло мне надоел»».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июн 28, 2019 10:47 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019062804
Тема| Балет, 39-й Международный фестиваль современного танца (Монпелье)
Автор| Татьяна Кузнецова.
Заголовок| Танцы от ума
В Монпелье открылся 39-й Международный фестиваль современного танца

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №111 от 28.06.2019, стр. 11
Дата публикации| 2019-06-28
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/4013194
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


Спектакль Мерса Каннингема «Summerspace» (1958), как выяснилось, за 60 лет не растерял цельности и лучезарности"
Фото: Michel Cavalca


В этом году Montpellier Danse проходит под знаком Мерса Каннингема: фестиваль отмечает 100-летний юбилей великого американского хореографа. Из Монпелье — Татьяна Кузнецова.

Для Жан-Поля Монтанари, бессменного директора и куратора Montpellier Danse, Мерс Каннингем не фигура из хрестоматии — он был близко знаком с американским гуру, радушно принимал на фестивале его труппу. Так что столетие великого абстракциониста в Монпелье празднуют с семейной страстностью: программа неровно делится на Мерса и всех остальных.

Одним из хитов фестиваля планировался спектакль «Not a moment too soon», сделанный в духе незабвенного «Серебряного шара» Виталия Вульфа — как интимные воспоминания последнего любовника Каннингема, продюсера Карлсона. Правда, поначалу рассказчик изложил четыре постулата каннингемовского учения, которые не грех и повторить. Во-первых, мэтр провозгласил независимость танца от музыки, что на практике означает постановку хореографии в тишине, по хронометражу. Во-вторых, последовательность движений и их направления следует определять с помощью игральных костей, дабы избавиться от авторского субъективизма. В-третьих, видеокамера и ее возможности, которые следует использовать. Наконец, компьютер, на котором Каннингем и сочинял свои балеты после 1991 года, принося в зал уже готовую хореографию. И только после научной предыстории статный моложавый мемуарист перешел к главному: описал свое поступление в компанию Каннингема мальчиком на побегушках, свое знакомство с мэтром, зарождение взаимного чувства, общий танец на праздновании Нового года, кроткую кончину 90-летнего старца. Рассказ подтверждала любительская хроника с котом Каннингема, его закадровым голосом и им самим в инвалидной коляске.

Хореограф Ашли Шен, проработавший шесть лет в труппе Каннингема, оказался главным его французским адептом. В спектакле «Chance, Space & Time» он с соратником и соратницей честно исполнил заветы мэтра, дополнив его технику собственными открытиями вроде мелкого дрожания разных частей тела, конвульсивных выгибаний на полу и несколько попсового дерганья бедрами. Каждую из новаций воплощал один из исполнителей, прихотливо двигавшийся по собственной траектории; время от времени они пересекались для совместных поддержек и групп, не выходя при этом из состояния внутренней изоляции. Энтузиазм Ашли Шена спектаклем не исчерпался: с полусотней волонтеров он провел мастер-класс по системе Каннингема при 40-градусной жаре и большом стечении любопытствующей публики.

Пик торжеств пришелся на выступление балета Лионской оперы, представившего два спектакля юбиляра, пересаженных на французскую почву представителями Фонда Каннингема с помощью знаменитых каннингемовских «танцевальных капсул» — подробнейшую опись с оцифрованной записью каждого своего балета предусмотрительный хореограф организовал еще при жизни. В этот вечер гениальность Каннингема проявилась куда убедительнее и ярче, чем на лекциях, киносеансах и спектаклях, устроенных в его честь. «Summerspace» (1958) и «Exchange» (1978) оказались гораздо разнообразнее, увлекательнее и, страшно сказать, красивее, чем при анализе и описании. Возможно, дело в исполнителях — хотя и не образцовых, но все же «классиках», стройных и соразмерных, не умеющих косить подъем даже в невыворотных аттитюдах, дотягивающих колени в арабесках, высоко поднимающих ноги в адажио, эффектно замирающих на высоких полупальцах и скрывающих физические усилия даже при чудовищно трудных кабриолях с согнутой опорной ногой.

Принципиально исключавший из своих работ приятность и занимательность, считая хореографию пищей не для глаза и сердца, а для ума, хореограф Каннингем тем не менее много чего позаимствовал из классического танца, так что его бессюжетные, демонстративно фрагментарные, лишенные линейного развития композиции доставляют не только интеллектуальное, но и эстетическое наслаждение. Особенно когда за оформление отвечал Роберт Раушенберг, пуантилистски раскрасивший в «Summerspace» задник и леотарды артистов пятнышками всех цветов радуги с преобладанием солнечного желтого, а за музыку — Мортон Фельдман, устроивший на двух роялях такое птичье щебетание и переливы ручьев, что счастье летнего полдня перехлестывает через рампу. И хотя, согласно тезису о равенстве, все соавторы работали независимо друг от друга, объединив свои произведения чуть ли на премьере, «Summerspace» оказался одним из самых цельных и лучезарных спектаклей каннингемского наследия.

Гармония «чистого разума» завораживает и в таком программном произведении, как «Exchange» (музыка Дэвида Тюдора, сценография и костюмы Джаспера Джонса), где Мерс Каннингем передает одни и те же движения разным танцовщикам, меняя темп, расположение артистов в пространстве и контекст исполнения, чтобы доказать, как ежемоментно меняются танец и его восприятие. По правде говоря, движений и комбинаций хореограф напридумывал столько, что хватило бы на десяток спектаклей современных «каннингемцев»: и разнообразные вращения, и большие парящие прыжки, и мельтешение маленьких, вертких, и застывающие в шатком равновесии большие позы, и дивные поддержки — смотреть, как коленопреклоненную согбенную даму, не меняющую положения своего тела, партнер поднимает и поворачивает в воздухе, можно бесконечно.

Возможно, завещав распустить свою труппу через два года после кончины, Мерс Каннингем был прав. Как показывает опыт бежаровской компании и Танцтеатра Пины Бауш, новые поколения артистов, несмотря на строгий присмотр блюстителей наследия, сохраняют скорее форму, чем жизнь спектаклей. В случае же Каннингема сухое начетничество грозит скорее работам адептов и эпигонов. А его собственные балеты, выпархивая время от времени из «танцевальных капсул» в репертуар умных трупп, способны еще долгие десятилетия оплодотворять современный хореографический процесс.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Июл 03, 2019 6:29 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июн 28, 2019 9:21 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019062805
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Светлана Захарова
Автор| Павел Ященков
Заголовок| Прима-балерина Большого театра Светлана Захарова стала законодательницей моды
Часть новой программы была посвящена Коко Шанель

Где опубликовано| © Газета "Московский Комсомолец"
Дата публикации| 2019-06-28
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2019/06/28/primabalerina-bolshogo-teatra-svetlana-zakharova-stala-zakonodatelnicey-mody.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

На Исторической сцене Большого театра прошла премьера новой программы Светланы Захаровой MODANSE. В программу вошли два одноактных балета, один из которых — мировая премьера и посвящен легендарной французской законодательнице мод, вошедшей в историю под именем Коко Шанель.


Светлана Захарова в балете "Как дыхание". Фото: bolshoi.ru.

Творческие вечера звезды Большого и этуаль театра Ла Скала давно стали традицией, публика всегда их ждет с большим нетерпением, и, несмотря на высокие цены (в первые ряды партера на нынешний вечер цена доходила до 35 тысяч рублей), билеты на них раскупаются заранее. С момента последнего творческого вечера Светланы Захаровой под названием Amore прошло ровно три года, и, как и в прошлый раз, прима Большого представила публике совершенно новую программу, основной интерес в которой был сосредоточен вокруг балета, посвященного жизни «великой мадемуазель».

Итак, балет «Габриэль Шанель»… В кресле спиной к публике в широкополой шляпе сидит одинокая фигура, а на развешанных повсюду прямоугольных экранах (стильная сценография, составленная в основном из этих экранов и решенная в черно-белом цвете, — Мария Трегубова) мы видим проекции изображения Светланы, одетой в строгие и стильные костюмы Шанель.

Схожесть так велика, что поначалу думаешь, что на этих фото и изображена великая Коко Шанель во плоти. Интересно, что все костюмы для этого балета шились в мастерской Большого театра по эскизам, которые предоставил Дом CHANEL, и эти наряды подошли стилю, который всегда создает на сцене Захарова, как нельзя лучше. Красивейшие линии тела одной из самых совершенных балерин мира, ее уникальная стопа словно воплощают собой эпоху и стиль одной из самых незаурядных женщин XX века. А на сцене между тем разворачивается история ее жизни…

Первая сцена происходит в кабаре. Как известно, в 18 лет Габриэль устроилась продавщицей в магазин одежды, а в свободное время выступала с песнями в кабаре. Пользующиеся большой популярностью ее песенки «Ko Ko Ri Ko» и «Qui qu’a vu Coco» и дали ей прозвище — Коко. Во время одного из таких выступлений Габриэль заметил офицер Этьен Бальсан — она переехала жить к нему в Париж, но вскоре ушла к английскому промышленнику Артуру Кэйпелу, известному в кругу друзей по кличке Бой. Собственно, эту биографическую линию автор либретто и режиссер Алексей Франдетти и взял за основу.

Среди главных героев балета перед нами и Этьен Бальсан (Михаил Лобухин), и Артур Кэйпел (Якопо Тисси), а сцены балета, сопровождающиеся своеобразными эпиграфами — знаменитыми афоризмами самой Шанель, движутся одна за другой, как в кинематографе: вот сцена ипподрома, где Коко знакомится с Боем, вот сцена в ателье, в которой Шанель одевает первых посетителей, вот театр, балет — любовь к которому Шанель пронесет через всю жизнь, знакомство с Сергеем Дягилевым (который на сцене не появляется) и балетом начинающего тогда хореографа Георгия Баланчивадзе (Баланчин) «Аполлон Мусагет» с Сержем Лифарем (Вячеслав Лопатин) в главной роли. Затем война…

Коко Шанель являлась неоднозначной личностью, но задачу передать в спектакле всю эту сложность авторы явно перед собой не ставили. Разумеется, передать в одноактном балете все события жизни не получится, но на каких-то моментах, важных для ее биографии, все же надо было остановиться.

Например, известно, что за Шанель во время войны закрепился ярлык пособницы нацистов, и впоследствии она была обвинена в коллаборационизме и арестована. Однако этот эпизод создатели балета обходят стороной, сосредотачиваясь в основном на амурной линии своей героини и автокатастрофе, в которой погиб ее возлюбленный Артур Кэйпел. Создавший яркий образ этого героя Якопо Тисси на фоне кинопроекций мчащихся машин исполняет в этом месте свое соло, которое заканчивает падением на сцену, что на условном балетном языке должно означать смерть героя.

Не прошло мимо внимания постановщиков и создание «парфюмерного бестселлера XX века» духов «Шанель №5»: парфюмер, которого играет Денис Савин, танцует соло, окруженный колбами, пробирками и банками, а в итоге Светлана Захарова, как фокусник, держит в руках узнаваемый, но увеличенный до внушительных размеров флакон, воплощающий образ самых известных в мире духов.

Заканчивается балет роскошным дефиле, в котором манекенщицы фланируют по сцене в нарядах, «изменивших представление о красоте, элегантности и комфорте». А последние слова, которые мы слышим со сцены, опять же афоризм Шанель: «Легенда живет дольше, чем ее герой».

Наиболее удались хореографу Юрию Посохову в «Габриэль Шанель» сцены «балета в балете», придуманные для этого спектакля. Особенно показанный почему-то вслед за «Аполлоном» балет «Голубой экспресс», созданный на самом деле хореографом Брониславой Нижинской на четыре года раньше шедевра Баланчина. Для этого посвященного жизни «золотой молодежи» балета, созданного специально на «Красавчика» (так называлась главная в балете роль) англичанина Антона Долина, Коко Шанель создает потрясающие пляжные костюмы. Бывший в то время сердечным увлечением Дягилева Долин (настоящее имя Сидни Френсис Патрик Чиппендалл Хилли-Кэй; его образ на сцене талантливо воссоздал почему-то не обозначенный в программке Фуад Мамедов) ходил в этом балете на руках, становился на голову, делал сальто, и несколько измененные «спортивные» парафразы из этого спектакля оказались удачно включенными в новый балет. В реальном балете Брониславы Нижинской «Голубой экспресс» его участники все время смотрели вверх, показывая таким образом зрителю, что над ними периодически пролетают аэропланы: и армада самолетов на проекциях экрана в этой сцене уже в балете «Габриэль Шанель» действительно появляется: немцы бомбят Францию. Так, довольно образно в балете о Габриэль Шанель режиссер переходит к самому трагическому эпизоду в ее биографии.

Творческая команда балета, посвященного Коко Шанель, та же, что создавала балет «Нуреев»: образную музыку для этого балета написал Илья Демуцкий, хореографию ставил Юрий Посохов — балетмейстер, с которым Захарова не раз сотрудничала и создала для прошлой программы Amore очень удачный балет «Франческа да Римини». Не участвовал в этой постановке только режиссер балета «Нуреев» Кирилл Серебренников, и это неучастие для балета «Габриэль Шанель» оказалось фатальным. Начинающему и, несомненно, талантливому режиссеру Алексею Франдетти явно не хватило опыта и мастерства: он не смог привнести в спектакль логичные и образные режиссерские решения, отчего балет «Габриэль Шанель», несмотря на удачную музыку и хореографию, оказался не выстроенным и режиссерски не очень внятным.

Самым удачным балетом программы MODANSE стал показанный в первом отделении балет «Как дыхание». Перед нами, по сути, сюита из созданного два года назад для театра Ла Скала трехчастного балета Мауро Бигонцетти «Проект Гендель».

Выбирая для своего нового проекта балет модного итальянского хореографа, Захарова попала в точку. Балет прекрасно лег на артистов Большого и достоин украсить афишу главного театра страны, тем более что балетов одного из самых интересных на сегодня хореографов в репертуаре труппы уже давно нет.

Восемь лет назад в Большом танцевали балет Бигонцетти Cinque («Пять»), но он давно выпал из репертуара. В балете «Как дыхание» перед нами уже не милый ироничный пустячок, созданный когда-то на пять звездных балерин, одетых в пачки из кожи, как было в балете Cinque, а серьезная работа Мастера, посвященная эпохе барокко и одному из самых значительных композиторов XVIII века Георгу Фридриху Генделю.

Под стать эпохе барокко создала для этого балета необычные пачки с пышными барочными «завитушками» художник по костюмам Хелена де Медейрос. Тела партнеров она оголила по пояс, демонстрируя таким образом их великолепную пластичность. Насыщенные «головоломными» акробатическими поддержками дуэты, показанные в балете «Как дыхание» Брюной Кантанеде Гальянони и Вячеславом Лопатиным, а потом Аной Туразашвили и Михаилом Лобухиным, в прямом смысле слова потрясали воображение. В таком же акробатическом стиле был решен Бигонцетти и красивый мужской дуэт, прекрасно исполненный братьями-близнецами Алексеем и Антоном Гайнутдиновыми. Покоряя переливами мышц и пластической красотой поз, в их исполнении он смотрелся стильно и прочувствованно.

В балете «Как дыхание», сделанном Бигонцетти специально на одну из лучших балерин мира (нам, по сути, была представлена премьера новой редакции этого балета), сама Светлана Захарова вышла в новом потрясающем по красоте адажио со своим партнером Денисом Савиным и, растворяясь в барочной музыке Генделя, была в этом адажио неотразима и прекрасна.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Июл 03, 2019 6:30 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июн 28, 2019 9:58 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019062806
Тема| Балет, , Персоналии, Николай Цискаридзе
Автор| О. Ковшевацкая
Заголовок| Человек, который всё делает по-настоящему
Где опубликовано| © газета «Судакские вести»
Дата публикации| 2019-06-27
Ссылка| http://vesti-sudak.ru/2019/06/chelovek-kotoryj-vsyo-delaet-po-nastoyashhemu/
Аннотация| творческая встреча



В минувшую пятницу судакчанам (увы, только камерной аудитории) выпала уникальная возможность встретиться и пообщаться с артистом, которого по праву можно назвать легендой балета. Николай Цискаридзе, звезда мировой величины, народный артист России, ректор прославленного профессионального учебного заведения — Академии российского балета, побывал в Судаке благодаря форуму «Таврида 5.0», в одной из творческих смен которого он принял участие в качестве мэтра.

Появился звёздный гость в сопровождении прибывших с ним официальных лиц в зале городской музыкальной школы очень скромно, даже не все зрители сразу это поняли. Но вот глава администрации города Андрей Некрасов объявляет о таком знаменательном событии в культурной жизни Судака, и все взгляды устремляются на сцену. Правда, вначале принимающая сторона предлагает «маленький презент» в виде выступления трио участниц хореографического ансамбля «Звёздочки» ЦДЮТ.

Наконец, собственно встреча. Ведёт её заместитель директора ТАСС Андрей Соколов. Он напоминает присутствующим о том, что 2019-й объявлен в России Годом театра, и просит одного из ярких представителей театральной сцены рассказать о том, что такое балетное искусство не со стороны зала, зрителя, а изнутри, со стороны артиста, а также оценить перспективы русского балета на мировой сцене.

Рассказ Николая Цискаридзе увлекает тонким юмором и отсутствием какой-либо звёздной высокопарности, поэтому нельзя удержаться, чтобы не привести выдержки из его обстоятельных ответов от первого лица. Итак:

Почему именно балет, или «каторга в цветах»


-Я был ребёнок, хотелось в сказку. Моя семья была далека от театрального искусства, но все умели играть на музыкальных инструментах всевозможных, хотя никто никогда этому не учился. И все пели — естественно, Грузия, все очень музыкальные. А я единственный, который закончил музыкальную школу, все экзамены сдал на пятёрки, и единственный, который не играет вообще. А они делают всё от природы.

Моя мама очень долго считала, что у меня вывих бедра, что я как-то не так стою, не так сижу. А оказалось, что у меня для балета удивительно уникальные способности – я сейчас это могу вам сказать как человек, который занимается тем, что вынужден отсматривать огромное количество людей во время выступлений. Ну, в принципе таких детей не бывает, это редкость. Когда я приехал, педагоги с мамой общались, и они сказали такую смешную фразу: «Знаете, мы такого никогда не видели, мы возьмём для эксперимента». И дальше все вокруг восхищались. Ну ребёнку же нравится, когда им восхищаются, и, естественно, мне нравилось, что все на меня смотрят – потому балет.

Как это выглядит с изнанки? Это ужасно. И моя мама совершила самую главную ошибку: она меня отговаривала. А этого не надо было делать. Во-первых, у меня противный характер, я сделал наоборот, как все дети. А во-вторых, если бы она меня завела за кулисы и показала, что это не сказка, что это просто люди, которые не летают там, а это… производство. Может быть, у меня рухнул бы какой-то волшебный замок. А я всё думал, что там волшебство, и я-то к волшебству шёл. Когда меня приняли в хореографическое училище, 1-е сентября выпало на субботу, и надо было 3 сентября прийти уже на урок, педагог, который у нас вёл классический танец, сказал, что нужно обязательно принести большие полотенца (тогда не было этих ковриков резиновых). И я спросил маму: «Мы что, будем плавать?» Я ж не знал, что нас на пол положат, упражнения какие-то – я танцевать пришёл, понимаете?! Я не пришёл физкультурой заниматься. Ну и так, к сожалению, у меня как-то было разочарование, большое достаточно. Но оттого, что все восхищались и хвалили… Помните «Приходите завтра» фильм? «А что Вам там говорили? – Да восхищались!» Вот так было и со мной. Все восхищались, в итоге я и выбился в народные артисты.

И почему я сейчас говорю, что мне нравилось, что мной восхищаются? Я простой был ребёнок, из простой семьи, не театральный. Очень много стояло рядом театральных детей, но в итоге танцевал-то только я. У вас находили способности – у вас открывалась дорога! У вас был шанс. А сейчас, к сожалению, очень часто этого шанса не бывает. Мне очень повезло, у меня были фантастические педагоги. И я могу сказать, что любой большой артист, любой большой спортсмен, любой большой музыкант проходит очень жёсткую школу. Педагоги все очень жёсткие. И спасибо им…

Ну а изнанка некрасивая, лучше не видеть никогда. Никакой это не красивый мир, не прекрасный – кровь, пот, слёзы, много работы – очень много работы. И лучше, чем Раневская Фаина Георгиевна, никто не скажет: это каторга в цветах.

Да, цветов очень много, все знают, что я люблю цветы, засыпают, вечно дарят, но это настоящая каторга, поэтому никому этого не желаю. В день выпускного, когда нам дипломы вручали, это было 5 июня 1992 года, я своему педагогу пообещал (он мне сказал, что не надо танцевать больше, чем 21 год): «Честное слово». И вот ровно через 21 год, 5 июня 2013 года, я сказал: всё! Потому что принц должен быть молодым!


Честь мундира, когда ты лучший

В разговоре с судакской аудиторией Николай Максимович также был предельно честен и откровенен. Очень показательно, как он ответил на вопрос, что его мотивировало или вдохновляло в творчестве.


— Очень часто обо мне пишут: «нарцисс», «самовлюблённый» — я всё это знаю. Я был лучший. И, может быть, мало кто понимает, что я пытаюсь сказать. В каждой профессии есть нормы, которые обязательно делать. И я очень чётко понимал, что я не могу. Например, я никогда не брался не за свои роли, а если чувствовал, что я для этой роли постарел, я сразу отказывался. Я просто понимал: вот есть физические способности, и кому-то надо развить подъём, кому-то шаг, кому-то музыкальность – у меня есть всё, абсолютно всё, и при этом во мне никто это не развивал, это так дано природой. Я не знаю, как это произошло, в хореографическое училище меня никто не готовил. Потому я понимал: ну вот мне дал Господь Бог это всё – я обязан честно «оттрубить».

А мотивировало? Мотивировала «честь мундира». Мне самому молодому в стране вообще за историю звания дали заслуженного. Потом мне самому молодому дали народного… И вот чем больше этих званий было – а я всё получил самым-самым-самым молодым – то становилось очень страшно. Потому что я понимал: вот сейчас люди купили билеты (а билеты достать сложно), они пришли, они настроились на спектакль – а я летел 13 часов из Америки, у меня плохое настроение, я не выспался – кого это интересует? Люди же пришли в зал. И вот тут, конечно, если вы не вырабатываете в себе, что это профессия, что ты обязан соответствовать… Это очень сильная мотивация, что ты должен постоянно соответствовать своему положению.

Представляете, я каждый год 31 декабря танцевал «Щелкунчик», и 2 января. Если вы знаете, что 2-го января выйдете на сцену, вам надо 1-го января прийти в класс. И если вы думаете, что мне этого хотелось… нет, никогда – но я же шёл! Если к вам 2-го января придёт публика, она же хочет увидеть праздник. У них праздник – это у тебя не очень праздник, понимаете? Потому тут есть честь мундира – это самая большая мотивация, когда ты не хочешь сидеть в луже.


Почему ученики мешают заполнять бумаги

Ведущий встречи, проведя параллель с миром спорта, заметил, что в постсоветское время система подготовки там во многом разрушена, и поинтересовался, постигла ли балет та же участь, или развала удалось избежать. Ответ, что называется, нашёл понимание, потому что многие из присутствующих сталкиваются с похожим в своей работе.


-Наступаете на больное. Есть такой старый анекдот: кто такие доктора и пациенты? Пациенты – это те люди, которые мешают докторам заполнять бумаги. Вот, к сожалению, ученики стали во многом ненужные люди, которые нам, педагогам, мешают заполнять журналы. Сама система образования, если вы умеете преподавать, она, конечно, не просядет. Но то, как нас отвлекает государство от нашего дела – это огромное количество требований, которые нам вредят, которые нам не очень нужны, которые нам не очень хочется выполнять… Это очень сложно, и тем более, учебное заведение, где учатся несовершеннолетние дети. У меня 400 детей маленьких, и ещё очень много взрослых – больше 600 учащихся в академии. Это гигантские помещения, гигантские здания, квартал практически целый, и плюс ещё на другой стороне Фонтанки. Потому всё это непросто.

Но с другой стороны, могу вам сказать, что нигде в мире в том количестве, на том уровне, как в России, за государственные деньги никто не учится! Только в Китае, они полностью переняли нашу систему образования в музыке, в спорте, в балете, они всё учат, как мы когда-то в Советском Союзе.

Мы раньше учили 7 лет, теперь – 4 года. Разве это правильно? И вернуть это уже очень сложно. В хореографических училищах нельзя не учить фортепьяно, или, допустим, французский язык обязателен для балета – а мы его учим как приложение к английскому. Что касается балетных вещей, конечно, мы учимся по старинке. Для того, чтобы поставить руку скрипачу, пианисту, ноги балетным, голос ребенку – есть только один метод, другого не бывает и никогда не будет, потому что это человеческая природа, это не может измениться. А вот требования государства к отчётности, к сожалению, меняются, и это катастрофа. Когда нас пытаются приравнять к нормам слесаря – такое невозможно. Вот это губит образование. Мы губим то, что подарили миру. Как могу, я борюсь. Я много раз на разных совещаниях это объяснял.


«Человек, не обладающий профессией, не может руководить в этой отрасли»

Фраза, прозвучавшая из уст Николая Цискаридзе как лозунг. И это тоже наболевшее. Потому что всеобщая увлечённость «эффективными менеджерами» в конце 90-х – начале 2000-х привела, по мнению мэтра, к падению уровня российского балета по сравнению с советским.


-В Советском Союзе был очень серьёзный контроль. Никогда ни в одном театре, ни в одной школе не позволили бы работать непрофессиональным людям… Да, понятно, что хозяйством управляли, было стороннее лицо, но чтобы ему позволили влезть в творчество? – этого не было никогда. Сейчас, к сожалению, главные театры страны возглавляют люди «с улицы», просто ничего не понимающие. Моя самая большая боль – это мой родной Большой театр, потому что я не просто 21 год был какой-то там артист – я один из главных артистов на мировой сцене, представлявший нашу страну. И видеть, что к власти допущены люди с улицы… Они не имеют права этим заниматься.

И позиционирование в мире исчезло. Сейчас, чтобы Большой театр приехал в Японию на два месяца – такого не бывает. Спектакли продаются исключительно на Светлану Захарову (прима Большого – ред.) – всё! Потому что мы с ней последние люди закваски Советского Союза, всё остальное – ну, в нагрузку, в нагрузку.

Если мы не выгоним этих шарлатанов-менеджеров, мы потеряем всё!

Николай Цискаридзе имеет право так резко и требовательно говорить о профессионализме руководителя, поскольку он не только профессиональный артист балета, но и профессиональный педагог – окончил профильный вуз и досконально владеет методикой преподавания, и юрист – после юридической академии, в которой ему повезло учиться у самого «страшного» преподавателя, он профессионально разбирается в различных документах.


Зритель всегда меняется

Но нынешние изменения Николая Цискаридзе не радуют.


-Сейчас вы не увидите в театре публику – любителей балета. Сейчас основная публика – это те, кто пришел сделать селфи, к сожалению, сфотографироваться на фоне люстры. И когда сейчас я слышу, как директор Большого театра рассказывает, что у них всегда проданы билеты, мне так смешно. Потому что билеты были проданы всегда в этот театр. Тут надо смотреть, сколько осталось в зале после первого акта.

Это самое страшное, когда зритель уходит, когда ему неинтересно. Мы же не знаем, в каком настроении пришёл зритель – а у нас драма, нам надо рассказать историю Аркадиной, почему она влюблена, почему пренебрегает сыном, или заинтересовать сюжетом «Лебединого озера». Потому что какая-то часть ждёт 32 фуэте, а они не сразу.


Конфуз, которого никто не заметил

Балет, по словам Цискаридзе, это профессия, а не «кружок «Умелые ноги». Но не все родители, отдающие своё чадо учиться хореографии, это понимают. Наш гость поделился тем, насколько это сложно – объяснить, что если преподаватели поставили ребёнку двойку, и он отчислен или не принят – то они всё взвесили, и две предписанные инструкцией пересдачи не смогут изменить его способности.

Зрители попросили рассказать, были ли у Николая случаи форс-мажора на сцене и как артист из этого выходил.


-Один из самых страшных конфузов в моей жизни, который, удивительно, но он оказался никому не заметен, мог для меня закончиться фатально. Есть балет «Жизель», и там есть такой момент, когда граф Альберт бежит со шпагой на стоящего персонажа, желая его проткнуть, а шпаги почти настоящие. И его должен схватить и остановить оруженосец. И вот я бегу, а танцовщик, который должен меня остановить — видимо, я так хорошо бежал – подбородком попал мне в дыхало и вырубил, и сам упал, я его снёс. Я стою, не понимаю, где я нахожусь. Помню, я вот так смотрю: Света лежит, Кирилл лежит, этот на коленях стоит, Саша. Я вот так всё оглядываю. А на видео это выглядело так: такое горе, человек обескуражен. Музыка играет, и в какой-то момент я смотрю в зрительный зал – полон, и понимаю: Большой театр, идёт спектакль. Дальше я что-то вспомнил, что-то сделал, но вот эти секунды… секунд 40-50 я так простоял, по-настоящему меня вырубили. Было очень тяжело, — замечает Николай и улыбается.


Он рассказывает о своих балетных постановках, замечая при этом: «Мне неудобно писать, что я хореограф, я честно пишу: «Хореографическая редакция».

«Я человек очень обязательный» — наверное, это самая ёмкая самохарактеристика Николая Цискаридзе. В процессе встречи народный артист России раскрылся перед нами и как патриот (поэтому он не уехал работать за границу, хотя предложения были и есть), и как общественный деятель (приходится решать множество вопросов, с которыми к нему обращаются убежденные в его личном авторитете люди). И, безусловно, как человек огромного личного обаяния. Чувство такта, воспитанность и интеллигентность – эти качества нельзя было не заметить, когда он отвечал на вопросы судакчан.

Цветов в этот вечер было немного. Но хочется надеяться, что Николай Цискаридзе почувствовал позитивную энергетику зала, искреннюю заинтересованность, восхищение и признательность всех за эту встречу. Общую благодарность выразили и преподаватели музыкальной школы, исполнившие в качестве подарка отрывок из сюиты Рубинштейна, и глава администрации, пригласивший Николая Цискаридзе вновь приехать в наш город. «Хотелось бы в отпуск», — заметил он, откликнувшись на предложение общего фото. И вот кадр сделан, зал опустел, но в душе осталась радость от общения с человеком, который в любом деле привык выкладываться полностью, потому что «если не заниматься по-настоящему – ничего никогда не получится».

Фото А. КИРЬЯКОВА
============================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Июн 29, 2019 10:06 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019062901
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Морис Бежар, Джордж Баланчин
Автор| Александр Фирер
Заголовок| В Большом танцуют в новом формате 4Б
Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2019-06-28
Ссылка| https://musicseasons.org/v-bolshom-tancuyut-v-novom-formate-4b/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Премьерную балетную программу на Новой сцене Большого театра можно окрестить 4Б, или балеты Баланчина, Бежара в Большом. Тем более, что Балет и Большой – синонимы, а оба гения восхищались творчеством друг друга и обожали Россию.

Возобновлена «Симфония до мажор» Бизе-Баланчина и впервые на отечественной сцене поставлен балет «Парижское веселье» Бежара на музыку Оффенбаха.

Морис Бежар – фигура культовая. Он перевернул представления о танце XX века, невообразимо расширил горизонты пластических возможностей танцтеатра. Гении танца Майя Плисецкая, Владимир Васильев, Рудольф Нуреев, Сюзенн Фаррелл, Сильви Гиллем, Екатерина Максимова, Наталья Макарова, Марсия Хайде, Карла Фраччи и другие известные танцовщики не прошли мимо Бежара: мимо солнца – никак.


«Парижское веселье». Денис Родькин – Отец, мой герой

Бежару было скучно ставить обычные балеты. Он в уникальной гармонии объединил танец, пение, музыку, живую речь, драматическую игру, пантомиму и поэзию. Бежар брал жизнь и бросал ее на сцену. Он смешивал несмешиваемое. В балете «Наш Фауст», например, соседствовала музыка Баха, Пьера Анри, Людвига Минкуса, Гарри Уоррена и аргентинские танго. Спектакли показывались часто на стадионах. Это поистине театр, чуждый высокомерия. Сам Бежар думал не о славе, но о том, чтобы каждое утро пробуждаться с новой идеей.

Первый легендарный визит труппы Мориса Бежара в Москву в 1978 году можно сравнить лишь с сокрушительным ударом стихии. Если на первый спектакль «Девятая симфония» Бетховена можно было купить лишний билетик, то на второй – Кремлевский дворец брали штурмом: конная милиция едва сдерживала натиск перевозбужденного моря театралов, почувствовавших себя истинными колумбами-первооткрывателями. Кстати, гастрольная программа была тщательно выбрана самой Галиной Улановой. И в балете «Ромео и Юлия» выступила ее ученица замечательная Екатерина Максимова с уникальным танцовщиком Хорхе Донном, воистину транслятором идей Бежара (эпоха этого легендарного альянса Бежар-Донн – золотые годы бежаровской труппы).

Гастроли в Москве проходили триумфально. Во время спектакля «Весна священная» зрители, казалось, не дышали, замерев от восхищения и неожиданности, увидев «секс» на сцене – мужчина распластывался на теле женщины! Ну а таких полуобнаженных молодых красавцев-мужчин и в таком количестве на кремлевской сцене Москва никогда не видывала: это был эстетический шок для публики!

После же спектакля бежаровской труппы в Большом театре с участием Майи Плисецкой в «Айседоре» и Владимира Васильева в «Петрушке» на артистов обрушился с ярусов ливень цветов, засыпавших сцену так, что уборщицам пришлось орудовать швабрами при всем честном народе. Артисты-гастролеры массово выскакивали из-за кулис, чтобы сфотографировать это зрелище, ибо подобного успеха они еще не знали.

Невиданный доселе яркий синтетический танцтеатр, пластическая новизна, философичность, талантливая режиссура и авторский хореографический язык Бежара буквально «снесли крышу» у отечественной публики. Труппу «Балет XX века» в Москве тут же окрестили с легкой руки критика Елены Луцкой «Балетом XXI века», под таким заголовком отрецензировавшей гастроли в «Московском комсомольце».

И если французы принимали Бежара все-таки с оговоркой, снобистки называя его стиль китчем, то Москва полюбила его и приняла сразу и безоговорочно, возведя на Олимп искусства танца. Москвичей охватила эпидемия бежаромании. «Подпольно» попадавшие в СССР видеокассеты с балетами Бежара передавались из рук в руки и вдохновляли не только балетоманов, но и советских хореавторов, режиссеров и актеров драматического театра. И уже в следующий приезд труппы Бежара в Петербург (тогда еще Ленинград) и в Вильнюс вся балетная Москва устремилась по бежаровскому следу.

Бежар мечтал сочинить балет для Большого. Однако в Москве в Министерстве культуры считали, что французский хореограф может «отрицательно повлиять на традиции русского балета». И чиновники, дипломатично предложив Бежару постановку на главной сцене страны, с методичным постоянством неоднократно переносили сроки и отклоняли варианты названия балетов, которые хотел бы поставить хореограф. Ему фактически «не отказывая отказали». Так говорил сам Морис Бежар.

Обращение к сочинениям Бежара было весьма скудным в прошлом веке на отечественной сцене: лишь выступления Майи Плисецкой в своих творческих вечерах на сцене Большого с бежаровскими спектаклями-монологами «Айседора» и, по определению тогдашнего директора, «разнузданным, порнографическим» «Болеро» (о возможности показать его решали на уровне Брежнева) и отрывки из спектаклей Бежара, перенесенные в начале 80-х Азарием Плисецким, в «Вечере современной французской хореографии» труппы Московский классический балет.

Пришлось ждать более сорока лет, чтобы густонаселенный спектакль Бежара закрасовался на афише Большого театра, в первый раз в российском репертуаре. Да еще и в автобиографическом формате – Бежар о юном Бежаре.

Морис Бежар поставил одноактное «Парижское веселье» в Брюсселе в Королевском театре де ля Моннэ в 1978 году. А через семь лет его увидела Москва в гастрольном исполнении труппы Штутгартского балета на сцене Театра оперетты. И вот спустя еще треть века по-парижски завеселилась и Новая сцена Большого театра. В исповедальном и откровенном, без прикрас по отношению к самому себе опусе легендарный хореограф самобытно повествует о своем становлении через изнурительный труд и обиды, о пробуждении и процветании главного романа своей жизни – романа с танцем, под игристые мелодии Жака Оффенбаха. Коллаж из номеров оперетты «Парижская жизнь» и других его опусов скомпоновал в 1938 году Манюэль Розенталь для «Парижского веселья» Леонида Мясина. В этом популярном балете довелось танцевать самому Бежару в роли игрока на бильярде, когда Морис работал в составе труппы Интернационального балета Моны Инглесби. Отложив в сторону мясинские лекала, Бежар на ту же партитуру, добавив два вокальных номера Оффенбаха, дерзновенно создал оригинальное сочинение. Эта вдохновенная шутка гения с буффонадой и опереточностью с канканом по сути оказывается мудрым и очень искренним спектаклем, который и сегодня находит отклик у публики. Бежаровское «Парижское веселье» – это и оммаж культурной столице мира Парижу, который делает имя (или не делает), и ностальгический экскурс в пору столичных балетных университетов танцовщика и хореографа, и экспромт-фантазия пропущенных через себя исторических и балетных эпох как истоков танцевального мировоззрения автора. Это и приношение благодарной памяти, трепетные признания бывшему педагогу классического танца Мадам Рузанн (в балете Мадам – собирательный образ учителей Бежара, но все же в первую очередь – это Рузаннна Саркисян, у которой Бежар занимался в знаменитой парижской студии Wacker на улице Дуэ). Тут размышления и о бренности человеческой жизни, и о неувядающей молодости и бессмертии танца. Главный персонаж спектакля – альтер эго Бежара Бим (так Мориса звали в детстве). Он появляется сразу в «натуральную величину» из колыбели (пробуждение человека для жизни, для любви для выполнения своей миссии – доминирующая тема Бежара). И будто это колыбель балета: рождение Бима под музыку абсолютной тишины предваряет экзерсисное антре, классические вариации его друзей, секстета юношей-фей (остроумный реверанс в адрес «Спящей красавицы» Мариуса Петипа), одаривающих новорожденного сценическими талантами. Но появившаяся Мадам Рузанн в облике Феи Карабос ставит под сомнение танцевальный дар младенца, пророча: «Из тебя ничего не выйдет! Ты всегда будешь маленький!». Позже она добавит: «Ты родился нулем и нулем умрешь!».

Дальше в танцевальной суматохе в воображении Бима сменяются эпохи (Вторая империя во Франции Третьей республикой), Париж молодости Бежара смешивается с Парижем, сходящим с ума от премьер оперетт Оффенбаха, проносятся исторические личности: Наполеон III (по указу которого был построен Дворец Гарнье) и его супруга Евгения, законодательница моды для всей Европы; жеманный король Людвиг II Баварский, выплывающий подобно Лоэнгрину на ладье с лебедем; графиня де Сегюр (в девичестве Софья Ростопчина), сравниваемая с маркизом де Садом из-за обилия жестоких сцен в ее детских опусах; символ Французской республики героическая Марианна, олицетворение национального девиза «свобода, равенство, братство». Пробегает вприпрыжку милая резвунья с обручем. Появляется на коне и Отец в образе бравого военного-героя. Здесь же на празднике жизни окружена поклонниками манерная этуаль Парижской оперы с ее балетными штампами, случайно позволившая Биму прикоснуться головой к ее божественной ручке и шатко взвалить себя на его хрупкое плечо. Пляшет народ, гусары, игривый затейник Оффенбах, украшение любой эпохи. Друзья Бима вывозят на постаменте ожившую скульптуру Терпсихоры, исполняющей вживую куплеты Признания оффенбаховской Периколы. В них иронично дублируется репутация любимчика-ученика Бима: «ты некрасив и небогат, не блещешь силой и умом… Как шут гороховый смешон. Талант? Его, быть может, нет совсем, а меж тем… Обожаю, люблю, мой разбойник, тебя…» Эта находка с поющей Терпсихорой великолепна, ведь именно от муз происходит слово «музыка» – начало начал танца, источник вдохновения хореографа. И если Терпсихора дарует Биму лавры баловня судьбы, то Мадам Рузанн, спуская с него семь шкур, не дает никакой поблажки: «Любовь не для тебя!», «Работай!», «Не жалей своих ног! Плюнь на них!». Юнец же срывается с балетного экзерсиса с друзьями то к проявлениям танцевальной свободы, то к амурному зову природы, а то… впадает в отчаяние – и тогда Мадам трогательно ему скажет: «Я бы хотела танцевать с тобой, если бы была немного моложе, а ты чуть-чуть повыше».

И совсем неожиданно знаменитую оффенбаховскую баркаролу из «Сказок Гофмана» Бежар наполняет трагическим содержанием: умирает Мадам Рузанн, и в траурном шествии ее уносят на плечах ученики. Оставшись один, повзрослевший Бим садится в привычное, азбучное в классике и церемониальное гран плие по пятой позиции (в начале спектакля это делает один из его Друзей) лицом к зеркалу, к залитому огнями эффектному чреву Парижской оперы, как к высшему арбитру, позволяющему навеки войти во вселенную Танца.

Полный солнечной энергией балет щедро делится со зрителем радостью жизни. Это живой театр! И актеры в нем счастливы, их захлестывает человечность, доверительная тональность спектакля: они танцуют с отдачей, куражом, экстравертно и динамично. По технике спектакль не такой простой, как может показаться на первый взгляд: по признанию одного из артистов, ему легче станцевать Баланчина, нежели Бежара.

Самое драгоценное и редкое из чудес театра – вторжение индивидуальности артиста в ткань сочинения, когда происходит преображение танцовщика магией театра: в балете целая обойма интересных актерских работ. Для Георгия Гусева и Алексея Путинцева, исполняющих роль Бима в первом и во втором составах соответственно, представился королевский шанс заявить о себе в главной роли в балете, и они его не упустили. Перетанцевать Гусева, наверное, технически здесь невозможно, но Путинцев покорил обаянием молодости, увлеченностью и неподдельной искренностью. Выразительная Ирина Зиброва (Мадам Рузанн) получила бонусное продление сценической карьеры, выступив в драматической роли. Она не только впервые заговорила в балете, но что еще важнее – ее суровый и одновременно сердечный педагог влюбил в себя зрителя. Игорь Цвирко не сдерживал своего темперамента и, самозабвенно пребывая в образе Оффенбаха, куролесил на всю катушку, ну а Вячеслав Лопатин во втором составе сполна блеснул пластической неуемностью, темповым дансантным драйвом: для его отточенного мастерства не существует ничего невыполнимого, а танец его – «брызги шампанского».

Всех исполнителей Друзей Бима обоих составов невозможно не назвать поименно: Клим Ефимов, Петр Гусев, Марк Чино, Игорь Пугачев, Иван Алексеев, Давид Мотта Соарес, Антон Гайнутдинов, Дмитрий Дорохов, Эрик Сволкин. Каждый из молодых танцовщиков вносит свою краску в палитру ансамбля.

Наполеон III Артура Мкртчяна порывист и доблестен. Уморительный Геннадий Янин в партии Графини де Сегюр предстал матерой мастерицей порки. И если Денис Родькин в партии Отца успевал не только выполнять свой отцовский долг, но и пленять окружающих своей неотразимостью, то Руслан Скворцов с душевной теплотой фонтанировал проявлениями отцовских инстинктов и нежности к своему Биму.

Чувственную истому источал элегантный Фуад Мамедов в роли Людвига II Баварского. Роль невозмутимой парижской этуали идеально легла на данные и Алены Ковалевой, и Марфы Федоровой: высокорослые, с балеринской статью, с почитанием грации, к тому же старательные перфекционистки, они хорошо танцевали и производили необходимый комичный эффект. А Влюбленные Евгении Образцовой и Семена Чудина оживляли мечту, каким бы мог быть танец Бима с помолодевшей Мадам Рузанн.

Наследие Бежара необъятно и разнообразно, включая его шедевры на века. Остается надежда, что Большой не единожды обратится к сочинениям мэтра, так подходящим и для Новой сцены, и для Исторической.

Мажор «Парижского веселья» перекрыл зрительские впечатления от исполнения «Симфонии до мажор» Баланчина, которая должна была бы источать солнечное ликование и бравурность, но неожиданно лишилась драйва и энергии. Мертвый «Хрустальный дворец» на сей раз уступил живому театру Бежара.

«Симфония до мажор», снова возобновленная в Большом, была впервые перенесена на его сцену представителями Фонда Баланчина в 1999 году. Сейчас костюмы неудачно поменяли на новые с приглушенной цветной гаммой, получилось что-то среднее между цветным парижским «Хрустальным дворцом» и американской черно-белой «Симфонией до мажор». Да и нынешнее исполнение этого шедевра неоклассики труппой стало менее эффектным. Двадцать лет назад артисты Большого чувствовали себя первооткрывателями, танцевали со страстью и с блеском. Нынешние танцовщики пока не смогли присвоить себе эту хореографию. Нет личностей, солисты танцуют как старательные школяры. Но неэнергично и невиртуозно. Не всегда удается стилистически вывести танец из привычного русла классики: в неоклассике чуть-чуть да не так (порой слом вертикали, например), есть некие тонкости, придающие особые черты этому стилю. Недостает исполнителям музыкальности, темпа, синкоп, чистоты, резких рук и отчетливых крепких ног, нет и необходимой интенсивности работы корпуса. Вместо этого – ноги вареные, поющие, как в «Лебедином озере», руки, движения смягченные и слишком ровные. Ведь и завораживающая вторая часть не идиллическая лирика, но элегические метания.

Баланчин утверждал: «Балет – женщина. Она – королева. Тела женщин лучше подходят для техники, скорости и изящества. А юноши прыгают, поднимают и поддерживают девушек». В Большом мужской состав (в первую очередь Вячеслав Лопатин, Артем Овчаренко, Семен Чудин и Артемий Беляков) оказался в целом убедительнее женского. Трудно кого-нибудь особо выделить из солисток первого и второго составов (третий и четвертый пока совсем сырые), но все же глаз отдыхает на Екатерине Крысановой. Грубовато и неустойчиво на пальцах танцует Юлия Степанова. У Дарьи Хохловой недотянуты подъемы стоп, а руки ходят по немыслимым траекториям, не говоря уже о кистях…

Потенциал труппы Большого театра огромен. Хореография Мистера Би гениальна. Остается всего лишь соединить достойных танцовщиков и стиль Баланчина в желанную гармонию. Да еще и на Исторической сцене.


Фото Дамира Юсупова /Большой театр России
======================================================================
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Июл 03, 2019 6:35 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Июн 29, 2019 3:13 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019062902
Тема| Балет, II Международный фестиваль балета имени Ольги Спесивцевой (Ростов-на-Дону), Персоналии, Бахтияр Адамжан («Астана Опера»)
Автор| Беседовал Роман Володченков
Заголовок| Бахтияр Адамжан: «Театр у нас один из самых лучших в мире»
Где опубликовано| © портал "Балет 24"
Дата публикации| 2019-06-22
Ссылка| http://balet24.ru/?p=25664
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



С 31 мая по 7 июня в Ростове-на-Дону прошел II Международный фестиваль балета имени Ольги Спесивцевой. Его разнообразная программа была составлена так, что зрители смогли увидеть премьеру спектакля «Эсмеральда» в хореографии В. Бурмейстера, стать свидетелями Вечера современной хореографии, а также посетить открытый мастер-класс педагога-репетитора Парижской оперы Андрея Клемма. Помимо ростовских артистов в фестивальных спектаклях станцевали такие приглашенные солисты, как Ирина Перрен и Марат Шемиунов из Михайловского театра и Оксана Кардаш из Музыкального театра К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко. Незабываемым для ростовской публики стало выступление ведущего солиста «Астана Опера» Бахтияра Адамжана, исполнившего партию Базиля в балете «Дон Кихот» и принявшего участие в заключительном Гала-концерте Фестиваля. О балетных конкурсах, любимых партиях и ростовских выступлениях с Бахтияром поговорил наш корреспондент.

Запомнилось Ваше яркое выступление на Международном конкурсе артистов балета и хореографов в Москве 2017 году. Какую роль этот конкурс сыграл в вашей карьере?

В моей жизни это единственный конкурс, откуда я «вылетел» еще со второго тура. Это произошло в 2013 году. Но тогда я был не готов. У меня не было современного номера и второй тур абсолютно не собран. Приехал осмотреться, увидеть изнутри как все происходит. Но потом мне стало принципиально важно приехать на Московский конкурс и показать себя с самой лучшей стороны. Так в 2017 году я снова приехал в Москву и исправил ситуацию. Для меня конкурс сложился хорошо, и я стал лауреатом I премии. Сезон 2016–2017 годов вообще оказался сумасшедшим. У меня родился сын, и я успел поучаствовать аж в пяти конкурсах! А Московский стал завершающим, пятым. Среди артистов балета он считается самым сложным. Я его сравниваю с Олимпиадой. Он проходит раз в четыре года и в нем участвует множество танцовщиков мирового класса.

В 2017 году нам особенно повезло: прямые трансляции с Московского конкурса по интернету были доступны во всем мире. Сюда из разных стран приехали импресарио и директора театров, организаторы балетных фестивалей и гала. И после конкурса это все сыграло значительную роль в продвижении не только моей карьеры, но и других участников. Я считаю, что именно Московский конкурс хорошо стимулирует балетный мир, знакомит зрителей с новыми артистами. Лично для меня он сыграл большую роль в развитии. Здесь я встретился с Андрисом Марисовичем Лиепой, который теперь приглашает меня на разные выступления по всему миру. Меня поддержал и генеральный директор Международной Федерации балетных конкурсов Сергей Александрович Усанов.

То есть Андрис Лиепа вас заметил на Московском конкурсе?

Мы познакомились с Лиепой на балетном конкурсе Валентины Козловой в Нью-Йорке, где Андрис Марисович был председателем жюри. Тогда я выиграл Гран-при и получил приглашение участвовать в Гала-концерте в честь Рудольфа Нуреева в Кремле. Еще Лиепа пригласил меня станцевать партию Раба в «Шахерезаде».

В Москве на сцене Государственного Кремлёвского Дворца Вас видели в дуэте из балета Ролана Пети «Собор Парижской Богоматери». Расскажите об этой работе.

«Собор» Ролана Пети – для меня особенный спектакль. По началу я скептически к нему отнесся. Он был мне непонятен. Его планировали к постановке в «Астана Опера» с осени 2015 года, а в 2016 году его уже поставили. «Собор» к нам в театр приехал переносить маэстро Луиджи Бонино. Сейчас он, по-моему, единственный, кто переносит спектакли Пети и обладает на это законным правом.

Луиджи приехал посмотреть на нашу труппу и как раз попал на «Спартак» с моим участим. Он тогда за кулисами столько хороших слов произнес и был в восторге от спектакля Григоровича. Сказал, что меня видит в партии Квазимодо. А потом Бонино приехал и начал ставить. С этим спектаклем мы ездили на гастроли в Геную, танцевали на новой сцене Мариинского театра.

Таким образом после Кировского театра периода Олега Виноградова и Большого театра на постсоветском пространстве «Астана Опера» получила один из шедевров мирового балета – «Собор Парижской Богоматери» Ролана Пети.

Да! У художественного руководителя нашей балетной труппы – Алтынай Абдуахимовны Асылмуратовой есть такое высказывание: «Я вижу театр, как шкатулку, в которую я хочу собрать самые редкие драгоценные камни». Отсюда у нее и такое отношение: она хочет, чтобы в «Астана Опера» шли самые лучшие балетные спектакли со всего мира. И во многих из них она сама танцевала. Как худрук, Асылмуратова старается воспитывать нашу труппу на разных образцах хореографии. И сейчас многие известные хореографы стремятся поставить у нас свои спектакли. Потому что театр у нас один из самых лучших в мире. Сколько сегодня я не езжу, еще не видел такого современного театрального пространства. Я горжусь своим театром. Он классно спроектирован. Стоит такой колосс! Ты идешь и видишь, что это настоящий храм искусства!

В «Астана Опера» идет «Спартак» Юрия Григоровича. В нем Вы танцуете главную партию. Расскажите о том, как этот балет ставился, о творческих контактах с Григоровичем.

Этот спектакль появился в репертуаре при Турсынбеке Абдыбаевиче Нуркалиеве. Он сейчас директор балетной труппы. Так вот он всегда хотел, чтобы «Спартак» был у нас поставлен. И он сам танцевал в постановке «Спартака» Заурбека Райбаева. Когда в 2013 году в Астане открыли новый театр и набрали хороший состав исполнителей, Юрий Григорович согласился на постановку этого балета и приезжал его ставить со своими репетиторами. У него энергетика, конечно, колоссальная.

Перенесли «Спартак» очень хорошо! Григорович посмотрел и остался доволен результатом.

«Спартак» у нас публика обожает. И это мой самый любимый спектакль. Я его танцую всегда на особом подъеме. Всегда его жду. Вообще я самый молодой Спартак, который танцевал в Казахстане данную партию. Для меня это был один из волнительных моментов в жизни. Помню, когда премьеру танцевали, у меня легкие сжались. Первый акт закончился, занавес закрылся, а я не могу воздух набрать. А потом уже все стал нормально переносить. И, когда на гастролях в Новосибирске танцевал, там меня спрашивали, как я так бодренько перенес «Спартак».

В «Астана Опера» идет и «Манон» Кеннета МакМиллана.

В нем я танцую Леско. Это такой персонаж, от которого во многом зависит развитие сюжета балета. Мне нравится эта партия, поскольку Леско совсем не похож на привычные для меня героические роли. Мотивы поступков Леско, в отличии от других героев и персонажей балета, мне понятны.

В Вашем гастрольном графике Ростов-на-Дону занимает одно из главных мест. Сюда, на выступления в Ростовский музыкальный театр, Вы приезжаете не в первый раз. Расскажи о своих контактах с этим театром и его главным балетмейстером Иваном Кузнецовым.

Здесь сыграли свою роль социальные сети. Иван видел в интернете мои видео и именно через соцсети мы познакомились. Я видел записи танцующего Ивана Кузнецова, был в курсе его ухода со сцены и перехода в качестве главного балетмейстера в Ростов. У нас с ним возникла обоюдная симпатия, и он пригласил меня станцевать в Ростове «Дон Кихот», где моей Китри стала Рената Шакирова. Я в восторге от нее! Она такой профессионал! С Ренатой мы встретились в коридоре театра, познакомились. Для нас обоих версия «Дон Кихота» Мариинского театра – родная. На репетиции спокойно проверили все свои куски. А затем станцевали.

С Ренатой интересно. Мне понравилось с ней танцевать. Она такая бесстрашная. Легкая, удобная партнерша. Публика нас встретила очень хорошо! Здесь разбираются в балете. Потом мы получили такие теплые отзывы. И вот сейчас я приехал во второй раз.

Иван Кузнецов – большой профессионал. И я вижу, что балетная труппа под его руководством уже за один год выросла. Форма артистов и качество их исполнения стали лучше. Все как будто подтянулись. Если Иван будет и дальше здесь работать, то он, по крайней мере, подымет труппу на свой уровень. А его уровень танцовщика был на хорошей мировой позиции.

===================================================================
Фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Июн 29, 2019 9:40 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019062903
Тема| Балет, Большой театр Беларуси, Премьера, Персоналии, Константин Кузнецов
Автор| Подготовили Елена Балабанович, Светлана Шидловская
Заголовок| Народный артист Беларуси Константин Кузнецов — о балете, семье и новом спектакле «Анна Каренина»
Где опубликовано| © «Минск-Новости»
Дата публикации| 2019-06-29
Ссылка| https://minsknews.by/narodnyiy-artist-belarusi-konstantin-kuznetsov-o-balete-seme-i-novom-spektakle-anna-karenina/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА, ИНТЕРВЬЮ

Народный артист Беларуси, ведущий мастер сцены Большого театра Беларуси Константин Кузнецов рассказал корреспонденту агентства «Минск-Новости», как он пришел в балет, о работе хореографом и о том, что в его понимании значит успешный артист.



Его естественное состояние — танец. Ромео и Меркуцио в балете «Ромео и Джульетта», Базиль в балете «Дон Кихот», Адам в «Сотворении мира», Красс в «Спартаке», Фрондосо в «Лауренсии»… Последние семь лет Кузнецов еще и балетмейстер-постановщик, создатель одноактных балетов «Зал ожидания» и «Кто я?», автор хореографии оперных спектаклей «Кармен», «Макбет», «Травиата». Эти работы делал вместе с женой, заслуженной артисткой Республики Беларусь Юлией Дятко.

К. Кузнецов как балетмейстер-репетитор участвовал в постановке на сцене белорусского Большого балета Иржи Килиана «Шесть танцев». Невероятно целеустремленный, ненасытный в профессии, жаждущий творчества человек. Коллеги говорят про него: на таких людях держится театр.

— Как балет появился в вашей жизни?

— Когда меня в детстве спрашивали, кем хочу стать, отвечал: холостяком. А мои родители желали, чтобы я и мой старший брат танцевали. Так мы оказались в Народном театре балета города Смоленска. Мне предложили поехать в Минск поступать в хореографическое училище. Согласился только потому, что в столице никогда не был. Эти 8 лет — лучшие годы моего детства и отрочества. Тогда училище располагалось на улице Чичерина, и мы были в Большом театре каждый день, знали всех солистов в лицо. Нина Павлова, Инесса Душкевич, Владимир Комков, Владимир Иванов, Юзеф Раукуть, Виктор Саркисьян, Александр Мартынов… После выпуска мы с Юлей (Юлия Дятко, балетмейстер-репетитор Большого театра Беларуси. — Прим. авт.) ушли в Музыкальный театр. В тот год ее не взяли в Большой — не вписалась в ценз по росту. Пиетет перед площадкой Большого, конечно, существовал — это магическая, энергетически наполненная сцена. На базе Музыкального как раз создавали балетную труппу, куда нам и предложила прийти Нина Дьяченко, причем на положение ведущей пары. Забегая вперед, скажу: мы стали первыми танцовщиками из Музыкального театра, кого пригласили участвовать в спектаклях Большого. «Дон Кихот», «Жизель», «Ромео и Джульетта», «Щелкунчик» — набрали репертуар еще до того, как стали работать на главной балетной сцене страны.

— В какой момент танцовщик становится хореографом?

— Нельзя проснуться и понять: я хореограф! Главное — начать! В 2005-м мы с Юлей окончили Академию музыки, общались с разными постановщиками и наблюдали за их работой. Нам стали предлагать: ребята едут на конкурс, не поставите ли номер? Что-то получалось лучше, что-то хуже, что-то умерло сразу после выступления, что-то исполняется до сих пор. У Юли рождается идея — я думаю, как ее лучше воплотить на сцене и наоборот. Отличный семейный подряд! Большое влияние, безусловно, на нас оказал Раду Поклитару (этот хореограф поставил в Минске несколько спектаклей, создал театр «Киев модерн-балет». — Прим. авт.). Еще в Музыкальном я начал работать как педагог-репетитор. Репетиторство мне предложили и в Большом. Заходя в зал, все личное оставляю за дверью. Не терплю, когда артист сливает работу, начинает валять дурака. Никогда не буду наседать на человека, если он плохо себя чувствует. Но если вижу, что не хочет работать, мне становится скучно.

— Вас характеризуют как человека, сильного духом, а других в балете и не бывает. Где эту силу берете? В себе самом, семье, театре?

— Отвечу так: в возможности проживать каждый день насыщенно и ярко. Я не работаю в театре. Мое состояние можно охарактеризовать словом «интерес». Как только служение балету становится работой, превращается в рутину, пропадает магия высших сфер. И ты становишься как все…

— Кто в вашем понимании успешный артист?

— Скажем, ты танцуешь ведущую партию, а ребята из кордебалета, не занятые в этой сцене, стоят за кулисами и смотрят на тебя. Это высшая похвала. Успешный артист балета — это физические данные, везение и упрямство. Под упрямством я подразумеваю трудолюбие и фанатизм. Когда мы с Юлей как артисты Музыкального собирались на самый первый конкурс, в нас верили лишь балетмейстер Нина Дьяченко и педагог Марианна Подкина. Все остальные говорили: это не конкурсная пара, ничего не получится, вернутся ни с чем. А нас признали там лучшим дуэтом.

— Идет работа над новым проектом — в белорусском Большом осенью появится свой балет «Анна Каренина». Вы здесь и ассистент балетмейстера-постановщика, и исполнитель партии Каренина. Вас не коробит то, что надо танцевать… рогоносца?

— Не коробит. Каренин не просто муж, от которого жена ушла к другому. Каренин — аристократ, чиновник высокого ранга. Образ многослойный: не положительный и не отрицательный. Тем и интересен — можно порыться в психологии и много чего откопать. Это тот случай, когда именно от исполнителя зависит, кого на сцене увидит зритель. Каренин — из когорты ролей, которые становятся у артистов любимыми. Такими, кстати, являются партии Модеста Алексеевича и отца Анюты в балете «Анюта».

— Вопрос на засыпку: когда выходите на сцену, не забываете снять с левого уха сережки?

— Ну, о таких вещах не говорят… Однако вам скажу: снимаю все, кроме самой маленькой. Ее снять трудно, мы с ней одно целое.

Блиц

— Утро начинается…

— В 6 часов. Выпиваю стакан воды и иду гулять с собаками.

— Что напеваете в хорошем настроении?

— Я не умею петь (улыбается). Но это может быть все что угодно: от «Богемской рапсодии» Queen до произведений квартета Дейва Брубека.

— Что может обидеть?

— Меня обидеть может каждый. Не каждый может убежать (смеется). Как-то прочитал фразу, что оскорбить или обидеть может только равный. Пока не нашлось.

— Книга, которую сейчас читаете?

— «Американские боги» Нила Геймана.

— Ваш главный недостаток?

— Лень.

Справочно

У Кузнецова и Дятко две дочери. Старшая, Анна, учится в Белорусской хореографической гимназии-колледже. Младшей, Виктории, исполнилось 9 месяцев.

Фото из архива Большого театра Беларуси
======================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Июн 29, 2019 9:46 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019062904
Тема| Балет, Большой театр, Гастроли в Австралии, Персоналии,
Автор| Корр. ТАСС Ольга Свистунова
Заголовок| Балет Большого театра на гастролях в Австралии блеснул "Драгоценностями" Джорджа Баланчина
Гастроли завершатся 7 июля

Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2019-06-29
Ссылка| https://tass.ru/kultura/6611892
Аннотация| ГАСТРОЛИ

БРИСБЕН /Австралия/, 29 июня. /Корр. ТАСС Ольга Свистунова/. Балет Большого театра, продолжающий гастроли в крупнейшем австралийском городе Брисбене, в субботу впервые представил австралийским зрителям балет Джорджа Баланчина "Драгоценности". Выступления прославленной российской труппы с успехом проходят здесь с 26 июня, триумфально открывшись легендарным "Спартаком" в постановке Юрия Григоровича.

"Уже состоялось три показа "Спартака" с разным составом исполнителей, и все три спектакля нас принимали австралийцы фантастически", - поделился в беседе с ТАСС руководитель балетной труппы ГАБТ Махар Вазиев. Он добавил, что "Спартак" будет представлен еще пять раз до окончания гастролей, которые завершатся 7 июля.

"Было решено, что как раз в середине двухнедельного тура мы представим второй спектакль, включенный в гастрольную афишу, а конкретно - балет Джорджа Баланчина "Драгоценности", - продолжил Вазиев. Он напомнил, что этот балет Баланчин сочинил для своей труппы - Нью-Йорк Сити балета, премьера состоялась 13 апреля 1967 года. С тех пор он обошел многие сцены мира и неизменно пользовался громким успехом. В репертуаре ГАБТ "Драгоценности" значатся с 5 мая 2012 года, уточнил Вазиев.

Он отметил, что балет состоит из трех частей, обозначенных названиями драгоценностей. Считается, что каждый камень символизирует один из трех этапов жизненного и творческого пути балетмейстера Баланчина. Так, "Изумруды" на музыку Габриэля Форе отражали изысканность и элегантность Франции, присущие также французской балетной школе. "Рубины" на музыку Игоря Стравинского отдавали дань острым синкопированным ритмам Америки с ее Бродвеем, а "Бриллианты" на музыку Петра Чайковского стали ностальгическим воспоминанием о кристальной чистоте школы императорского петербургского балета.

Первый показ "Драгоценностей" в исполнении балета Большого театра, состоявшийся сегодня в зале Лирического театра Квинслендского центра искусств, вмещающем 2100 зрителей, собрал аншлаг. И как только раздвинулся занавес, зрители буквально ахнули от открывшейся их взору красоты. Сначала, затаив дыхание, любовались "Изумрудами", после антракта внимательно разглядывали "Рубины", а в финале пришли в восторг от великолепия "Бриллиантов".

"Исполнителями главных партий в сегодняшнем спектакле стали Ксения Жиганшина, Анастасия Денисова, Фуад Мамедов, Давид Мотта Соарес, Дарья Хохлова, Елизавета Крутелева, Денис Захаров, Екатерина Крысанова, Артем Овчаренко, Ольга Марченкова, Алена Ковалева и Якопо Тисси", - перечислил руководитель балета ГАБТ. Он сообщил, что за время австралийских гастролей "Драгоценности" покажут еще четыре раза.

Во имя дружбы России и Австралии

Как ранее заверил ТАСС директор Квинслендского центра искусств Джон Котзас, "аншлаг гарантирован всем гастрольным спектакля Большого балета, билеты на которые практически полностью раскуплены". По его словам, чтобы увидеть московских танцовщиков, в Брисбен приедут зрители из Сиднея, Мельбурна и многих других городов Австралии, а также соседних стран.

Собеседник агентства напомнил, что ровно шесть лет назад Большой балет впервые был на гастролях в Брисбене. "Тогда привезли два масштабных балета - "Корсар" и "Светлый ручей", успех которых был фантастический",- сказал Котзас, добавив, что "на этот раз будут показаны еще два великих балета - "Спартак" и Драгоценности".

По его подсчетам, в общей сложности за время гастролей Большого театра его спектакли посмотрят 22 тыс. зрителей. К тому же значительно увеличить аудиторию - примерно на 15 тысяч человек - поможет прямая трансляция "Спартака", которая состоится 6 июля в 9 культурных центрах штата Квинсленд. Примечательно, что вход на просмотр будет бесплатным.

Со своей стороны, посол РФ в Австралии Алексей Павловский сказал ТАСС, что "Большой театр в очередной раз производит сенсацию в Австралии и прекрасно представляет Россию". "Такие гастроли, как эти, вносят огромный вклад в сближение наших стран", - считает дипломат. Лично от себя он добавил, что очень любит Большой театр. "В студенческие времена мы стремились "стрельнуть" лишний билетик, и мне, например, повезло, потому что я видел на сцене великую Плисецкую, а сейчас, уже будучи послом, специально прилетел из Канберры (столица Австралии - прим. ТАСС) в Брисбен, чтобы увидеть Большой театр", - сказал он.

Гастроли Большого театра посетила также премьер-министр штата Квинсленд Анастасия Палащук. В воскресенье, 30 июня, губернатор штата Квинсленд Пол де Джерси дает прием в честь балета Большого театра.

Что касается дальнейших планов сотрудничества, то, как сообщил директор Квинслендского центра искусств, переговоры о новых гастролях уже ведутся. Предполагается, что в следующий раз Большой балет также привезет в Брисбен два знаковых спектакля своего репертуара.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июн 30, 2019 10:10 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019063001
Тема| Балет, международный фестиваль искусств Чайковского (Клин), Персоналии, Сергей Полунин, Алексей Любимов
Автор| Анастасия Лиходедова
Заголовок| Сергей Полунин выступил на фестивале искусств в Подмосковье
Где опубликовано| © МИР 24
Дата публикации| 2019-06-30
Ссылка| https://mir24.tv/news/16367204/sergei-polunin-vystupil-na-festivale-iskusstv-v-moskovskoi-oblasti
Аннотация|

ВИДЕОСЮЖЕТ - по ссылке

В Московской области прошел международный фестиваль искусств Чайковского. На сцену вышел и один из самых талантливых артистов современности – звезда мирового балета Сергей Полунин. За выступлением наблюдала корреспондент «МИР 24» Анастасия Лиходедова.

Балет Сергея Полунина на фестивале Чайковского – настоящая сенсация. Этого артиста западная пресса нарекла «плохим мальчиком» из-за сложного характера и множества татуировок на теле. Так что в России посмотреть на яркого и неординарного танцовщика Полунина приехали 1500 зрителей, в том числе из других городов. Не напугала даже погода.

Свои пируэты звезда мирового балета Сергей Полунин делает на холодной подмосковной сцене. Вместо теплого покрытия – специальный линолеум для танцоров. Никакого подогрева. На улице 9 градусов тепла. Но ни артистам, ни зрителям это не мешает.

«Ясен талант, когда человек какой-то свой навык, в данном случае это навык владения своим телом, пластикой, доводит до совершенства, на самом деле это восхищает. Я не пожалел о том, что пришел, но, конечно, погода немного подводит», – поделился впечатлениями гость фестиваля.

На сцене никаких декораций. Это моноспектакль. Абсолютный синтез танца и музыки. Ну и, конечно, эмоции, мимолетные взгляды, безупречная техника и стиль. Этот спектакль «Сакрэ» хореограф-японка Юко Ойши придумала специально для Полунина. Спектакль сделали на музыку Стравинского «Весна священная». А сам балет посвятили трагической судьбе известного танцовщика Вацлава Нижинского. Он сошел с ума после того, как стал знаменитым. Главное в этой постановке, по словам артиста, даже не сюжет, а переживания и чувства.

«У меня много эмоций всегда, когда я танцую, и я смотрю на зрителя, я смотрю на их эмоции, их ощущения. Для меня это очень важно. Сегодня я чувствовал благодарность», – рассказал артист балета Сергей Полунин.

Одиночное выступление Полунина сменяет спектакль «Парадокс». Тоже постановка японского хореографа. Это продолжение жизненной истории танцовщика Нижинского. Здесь на сцене его взаимоотношения с импресарио Дягилевым.

«История рассказывает нам, собственно, об этом. О том, как они встретились. Далее средняя часть, которую будет исполнять Сергей, это внутренний мир Вацлава Нижинского, и эпилог – зрители увидят все сами»,- пояснил артист балета Алексей Любимов.

В этой постановке звездному Полунину помогают российский и сербский танцоры. Ревность, предательство и прощение – все понятно без слов. Две постановки «Параджокс» и «Сакрэ», такие разные по настроению, но для артистов очень похожи в одном - для них это вызов и эксперимент.

С балетом Сергей Полунин приехал в Россию всего на несколько часов. Уже завтра он вместе со своей командой отправится на гастроли в Мюнхен.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3 ... , 9, 10, 11  След.
Страница 10 из 11

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика