Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2019-06
На страницу Пред.  1, 2, 3, ... 10, 11, 12  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июн 04, 2019 10:10 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019060403
Тема| Балет, Челябинский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Вера Арбузова
Автор| Светлана Симакова / Фото: Людмила Ковалева
Заголовок| Красное колесо: В Челябинске состоялась премьера балета «Анна Каренина»
Где опубликовано| © газета «Южноуральская панорама»
Дата публикации| 2019-06-03
Ссылка| https://up74.ru/articles/kultura/110844/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



«Анна Каренина» Льва Толстого давно не дает покоя балетмейстерам. Режиссеры считают, что реализм Толстого в этом романе отточен до символа, а это и есть область хореографии.

Все в этом романе привлекает создателей балетов: любовный треугольник, оскорбленный муж, общественное мнение, инстинкт материнства и, конечно же, трагический финал. Челябинск получил свою музыкальную и хореографическую версию этой истории. Публика в восторге.

Страсти и «фиксики»

Челябинский театр оперы и балета открыл ХI Международный фестиваль «В честь Екатерины Максимовой» собственной премьерой — спектаклем «Анна Каренина». Поставила балет актриса и хореограф «Ленинград-Центра», заслуженная артистка России Вера Арбузова. Она лауреат профессиональной балетной премии «Душа танца» и дважды лауреат высшей театральной премии Санкт-Петербурга «Золотой софит».

По словам Веры Арбузовой, «Анна Каренина» нашла ее сама:

— Это предложение от художественного руководителя челябинского балета Юрия Клевцова было для меня абсолютно неожиданным. Хотя, анализируя собственные переживания и какие-то события своей жизни, я понимаю, что к этому, вероятно, все и шло. Поэтому в спектакле, несомненно, много моих личных переживаний, в том числе от прочтения романа, от восприятия героини.

Анна Каренина Веры Арбузовой очень чувственна, переживания заглавной героини становятся не краеугольным камнем сюжета, как у Льва Толстого, а всем его фундаментом. Все действо закручивается вокруг Анны — жены, матери, яркой привлекательной женщины и жертвенной любовницы. Зрители не могли сдержать эмоций, аплодисментами сопровождались все дуэты Анны и Вронского, Анны и Каренина. Они не просто красивы, но действительно наполнены чувствами, понятными каждому человеку.

Исполнительница заглавной партии, балерина Екатерина Хомкина-Сафронова рассказала перед премьерой, что работа над балетом захватила ее всецело:

— Хореография сложная, это синтез классики и современной хореографии. Это интересно. И особенная сложность — драматичность самой истории Анны Карениной: все пронизано чувствами, переживаниями.

Чтобы полнее передать этот накал эмоций и страстей, хореограф придумала трех мистических персонажей, которые являются прототипами Анны, Вронского и Каренина. Это своеобразные Пьеро, Пьеретта и Арлекин.

— Они демонстрируют внутренние переживания главных героев, являются связующей нитью спектакля, — рассказала Вера Арбузова. — Во времена, которые описывает Лев Николаевич, люди были воспитаны по-другому, они более сдержанны и даже скрытны. Поэтому все, что Вронский не может сказать Анне в силу светских традиций, или переживания Каренина, которые он старается скрыть от общества, мы покажем зрителям через мистических персонажей. Участники балета называют их между собой «фиксиками». И мне нравится, как ребята, исполнители этих персонажей, работают. Они молоды, открыты новому, полны сил. Вся балетная труппа здесь такая.

Все красное

Вера Арбузова призналась, что до начала работы над спектаклем она специально не пересматривала ранее созданных балетов «Анна Каренина». Больше опиралась на художественные фильмы по этому роману. И очень долго шла к финалу спектакля:

— Мы работали над балетом полгода. Но более всего, как и любого постановщика, меня волновал финал. Новые его версии в голове моей рождались каждый день, хотелось его усилить. Спасибо артистам, что они очень быстро адаптировались, воплощая мои новые предложения.

Финал получился мощным и необычным: огромное красное колесо (сразу вспоминается роман Александра Солженицына) несется по сцене. И красные перчатки, которые дамы и джентльмены светского окружения Анны демонстративно сдирают с рук и бросают на рельсы, становятся частями красного платья героини, разметанными в стороны колесами страшного паровоза.

Кстати, как в фильме братьев Люмьер «Прибытие поезда», это железное чудовище движется прямо в зрительный зал, что является заслугой художников-постановщиков.

Видеокартины для спектакля создала лауреат всероссийского конкурса Екатерина Аронова (Санкт-Петербург). Эти мгновенно сменяющиеся полотна переносят нас то в Венецию, то на ипподром, то в танцевальные залы Москвы и Петербурга. Мало того, они также передают настроение героев спектакля. Великолепные костюмы для «Анны Карениной» создала актриса и балерина «Ленинград-Центра» Виолетта Жигалина.

Музыкальные нюансы

И особенно хочется отметить музыкальный выбор Веры Арбузовой для своего спектакля.

Если великая балерина Майя Плисецкая поставила свою «Анну Каренину» на музыку Родиона Щедрина, то умеющий удивлять европейский балетмейстер Джон Нормайер для своего спектакля по роману Льва Толстого выбрал музыку Чайковского и Шнитке. Чайковского предпочел и замечательный Борис Эйфман. А Вера Арбузова отстояла микс из музыки Монтеверди, Моцарта, Листа, Рахманинова, Респиги, Бриттена и Левашкевича, соединив, таким образом, страсти человечества от века шестнадцатого и до наших дней.

— Я ее отвоевывала, если можно так сказать, — улыбается постановщик. — Особенно музыку Бриттена. Были у нас разногласия с музыкальным руководителем вашего театра Евгением Волынским, который считает, что «Анну Каренину» нужно ставить на русской классике. Но я рада, что отстояла свое мнение. Боялась лишь, справится ли с этим многообразием оркестр, потому что музыканты раньше не играли этих произведений. Но получилось, на мой взгляд, гениально. И неслучайно я настаивала на большой увертюре, мне хотелось, чтобы зритель насладился прекрасной музыкой Бриттена перед началом спектакля.

За Бенджамина Бриттена и Леонида Левашкевича Вере Арбузовой отдельное спасибо. Произведения первого звучат у нас крайне редко, хотя он стал знаменит еще в первой половине ХХ века и не раз дирижировал своей музыкой в СССР. А петербургский композитор Леонид Левашкевич относительно новое лицо в мире музыке, но популярность его неизменно растет.

Напомним, что фестиваль «В честь Екатерины Максимовой» продлится в Челябинске до 9 июня. В его афише также балет театра из Уфы «Легенда о любви» в постановке Юрия Григоровича. А 8 и 9 июня на челябинской сцене балеты в современной хореографии исполнит испанский коллектив Titoyaya Dansa. Работы его основателя Густаво Рамиреса Сансано широко известны не только на родине, в Валенсии, но и в Европе и США. Зрители увидят спектакли «Социум», воплотивший строгость синхронных движений и эмоциональность сольных партий, и «Кармен», который критики назвали шедевром современной хореографии.

Фото: Людмила Ковалева
===========================================================================

ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июн 04, 2019 10:16 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019060404
Тема| Балет, Ростовский музыкальный театр, II Международный фестиваль балета им. Ольги Спесивцевой, Премьера, Персоналии,
Автор| Марина Каминская / Аркадий Будницкий
Заголовок| В Ростове – свой Нотр-Дам
Где опубликовано| © газета "Наше время" № 188
Дата публикации| 2019-06-04
Ссылка| https://www.nvgazeta.ru/news/12381/553621/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

II Международный фестиваль балета им. Ольги Спесивцевой открылся премьерой балета «Эсмеральда» в Ростовском музыкальном театре. Он создан по мотивам романа Гюго «Собор Парижской Богоматери».


В роли Эсмеральды – Мари ИТО.

Величественные декорации художника-постановщика Вячеслава Окунева, великолепные костюмы, таинственный свет – все это превращает происходящее на сцене в череду выразительных живых картин.

Есть зрители, которых всегда интересует, почему театр взялся за постановку данного произведения, а не какого-то другого. Если кто-то думает, что на этот выбор повлиял пожар в Нотр-Дам-де-Пари, который вновь привлек внимание всего мира к этому архитектурному чуду Средневековья, то сильно заблуждается. Работа над спектаклем началась в Ростове задолго до этого чрезвычайного события.

Ростовский музыкальный театр решил представить балет в той версии, которую в середине прошлого века балетмейстеры Владимир Бурмейстер и Василий Тихомиров создали для Московского музыкального театра им. К. С. Станиславского и В. И. Немировича-Данченко. Причем речь не только о музыкально-хореографических особенностях, но и о трактовке образов, выборе сюжетных доминант.

Вообще, у балета «Эсмеральда» на музыку Цезаря Пуни – интересная история. Итальянец Пуни написал его на либретто француза Перро, когда оба жили в Лондоне и работали по контракту.

Роман Виктора Гюго «Собор Парижской Богоматери» – это пронзающая драма, прихотливое переплетение сюжетных линий: у молодой француженки Гудулы цыгане похищают дочку, а ей подбрасывают какое-то маленькое чудище. Мать лишается от горя рассудка. Ее дочка Эсмеральда, выросшая у цыган, становится пленительной уличной танцовщицей, в которую трудно не влюбиться. И в нее влюб­ляются и уродливый звонарь Нотр-Дама Квазимодо – то самое чудище, от которого отпрянула когда-то Гудула, и воспитавший его архидьякон собора Фролло. Ею увлекается капитан королевских стрелков Феб. Эсмеральда готова отдать свое сердце Фебу. Фролло ревнует, от ревности идет на преступление, в котором обвиняют Эсмеральду и приговаривают к смерти. Квазимодо безуспешно пытается спасти безвинную девушку. Таков сюжет романа в очень-очень кратком изложении.

Но во Франции все Перро, наверно, сказочники… Вот и балетмейстер Жюль Перро придумал такое либретто, что зло было в этой истории наказано, а Эсмеральда соединялась с Фебом. Постановка имела в Лондоне большой успех.

Такую «Эсмеральду» впервые увидели и в Санкт-Петербурге, когда и Перро и Пуни приехали работать в Россию.

Однако со временем новые постановщики во всем мире стали вносить в этот балет изменения. К примеру, партию Эсмеральды танцевала уроженка Ростова, звезда русского балета Ольга Спесивцева. Считается, что образ Эсмеральды был большой удачей Спесивцевой. Но рисунок ее танца отличался и от первоначального, и от того, который можно увидеть сегодня на ростовской сцене.

На афише «Эсмеральды» в Ростовском музыкальном театре стоят имена трех композиторов. Это Цезарь Пуни, Рейнгольд Глиэр и Сергей Василенко. Объясняется данное обстоятельство тем, что Глиэр и Василенко, каждый в свое время, сделали существенные добавления в партитуру балета. Пуни ведь писал музыку почти что к сказке. Когда в либретто «Эсмеральды» стали возвращаться суровость и печаль романа Гюго, потребовалось и в партитуру добавить новые краски.

Ростовский музыкальный театр в изданном к премьере «Эсмеральды» буклете напоминает, как описывал Гюго главных героев «Собора Парижской Богоматери». И, надо сказать, что портреты, созданные артистами не только танцем, но и игрой драматической, во многом соответствуют замыслу писателя.

Поставили «Эсмеральду» в Ростове народная артистка СССР Маргарита Дроздова и народный артист России Михаил Крапивин (Москва).

Этим летом Ростовский музыкальный театр покажет свою «Эсмеральду» на исторической сцене Большого театра.


Фото: Аркадий Будницкий

=======================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июн 04, 2019 10:47 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019060405
Тема| Балет, «The Mother», Гастроли в Москве, Персоналии, Артур Пита, Наталья Осипова, Джонатан Годдар
Автор| Александр Фирер
Заголовок| Stabat mater Натальи Осиповой, или данс-макабр
Где опубликовано| © портал «МУЗЫКАЛЬНЫЕ СЕЗОНЫ»
Дата публикации| 2019-06-04
Ссылка| https://musicseasons.org/stabat-mater-natali-osipovoj-ili-dans-makabr/
Аннотация|



Знаменитая прима-балерина лондонского Королевского балета Наталья Осипова не перестает удивлять. Ныне она представляет собственный проект «The Mother» («Мать»), свежий опус, поставленный одним из самых популярных и востребованных современных хореографов португальцем из Лондона Артуром Питой, мастером сочетать символы, картины подсознания, парадоксальности, параллельные миры и мистику. В команде единомышленников также танцовщик Джонатан Годдар, художник и сценограф Янн Сеабра, композиторы и музыканты-мультиинструменталисты Фрэнк Мун и Дэйв Прайс, сценарист Анна Рулевская. Этот спектакль совсем недавно произвел фурор в Эдинбурге, а теперь добрался и до Москвы: три показа спектакля с большим успехом прошли на сцене МХАТа имени М. Горького.

В руки Артура Питы, «Дэвида Линча современного балета», попалось издание андерсеновской «Истории одной матери», проиллюстрированное итальянским художником AkaB. Это художественное впечатление и послужило творческим стимулом переложить на язык танца притчу о погоне матери за Смертью, забравшей ее ребенка. Фирменный язык психоаналитической символики, садистскую сентиментальность, фантазийную образность вселенной Андерсена Пита использовал как великолепный материал для режиссерской концепции драматического танцдейства. У автора мгновенно состоялся кастинг одного актера: только Наталья Осипова и могла воплотить задуманное. Ведь Пита поставил для нее уже три успешных спектакля – «Факаду» (2015), «Беги, Мэри, беги» (2016) и «Ветер» (2017), и у сотворцов сложился великолепный тандем.

На этот раз Артур Пита создал современный спектакль по мотивам сказки Андерсена о женщине, бросившейся в неравную схватку со Смертью за жизнь своего ребенка. Усыпив на мгновение сознание истерзанной болезнью младенца матери, Смерть уносит с собой дитя и, принимая непредсказуемые личины, испытывает мать на тернистом пути поиска исчезнувшего ребенка. За возможность найти свою малютку она платит дорогой нечеловеческой ценой: Смерть изуверски просит мать петь все колыбельные песни, прижать к себе терновый куст с шипами и согреть его теплом собственного тела, отдать свои глаза-жемчужины и прекрасные, черные волосы. Ослепшая героиня попадает в сад Смерти, где среди тысячи цветов по биению их сердец находит нежный голубой крокус своей крохи. Смерть показывает в зеркале колодца две доли, две судьбы – счастливую и горькую, которые возможны для вызволенного ребенка. Но мать приходит в ужас от тех бедствий, которые могут преследовать ее спасенное дитя. Тогда, имея надежду вернуть себе ребенка, она все-таки с мольбой обращается к Творцу не внимать ей, если просит о том, что несогласно с всеблагой волей. И мать отпускает своего младенца со Смертью в неведомую страну.

Пита, убирая религиозность первоисточника, не иллюстрируя частности, однако, довольно точно следует сказке Андерсена. При этом возникают новые персонажи, испытание пением заменено экспрессивным танцем, вместо сада цветов и деревьев – черные пластиковые куклы как умершие дети. А в финале появляется беременная женщина, разбирающая в спальне свои покупки для ребенка, трогательно рассматривающая и раскладывающая на кровати детское белье. Этот неожиданный финал, предложенный Артуром Питой, каждый волен трактовать по-своему. Если хореограф-постановщик использовал инверсию как драматургический прием, то конец спектакля со счастливой героиней, носящей ребенка под сердцем, есть на самом деле начало истории. А все, что зритель видит до того, – исход конфликта. Возможно, что за все перенесенные испытания и жертвы, за вверение младенца воле Творца Смерть все-таки возвращает матери ребенка, во второй раз даруя счастье материнства. Представить этот рассказ можно и как цепь событий, происходящих только в кошмарных снах, как плод воспаленного сознания или больного воображения в голове беременной женщины, терзаемой страхами о еще не родившемся ребенке. Или же это жуткая реальность потери младенца, представленная в фантасмагорическом мрачном свете.

Спектакль Питы «Мать» выходит за жанровые рамки современного танца или драматического театра, принимая форму захватывающего, в некотором смысле артхаусного танцтеатра. Хореограф-постановщик переносит действие в послевоенные годы прошлого века. Под песню «Вечер, как сажа…» на слова Есенина начинается первая картина спектакля «Девочку-крошку байкает мать». В обшарпанной квартире, установленной на поворотном круге сцены, сменяются движущиеся комнаты: спальня с колыбелью, железной кроватью, старым потускневшим зеркалом и телефоном, облупившаяся кафельная ванная, скромная столовая со столом, мойкой и старым радиоприемником, на всех диапазонах которого мать слышит крики своего младенца. Двери бесконечно то открываются, то закрываются. В них то врываются клубы пара, то снежный вихрь. Художник по свету Дэвид Платтер заполняет сцену тусклым таинственным светом, гамма которого меняется от грязно-зеленого, бутылочного до лилового, насыщенно фиолетового и гранатового. И только в начале и в финале спектакля комната наполняется ярким светом. По сценическому решению спальня неожиданно превращается в колючие заросли терновника, ванна с водой – в алчное озеро и глубокий колодец, а столовая – в сад Смерти. Мать, переходя из двери в дверь, из комнаты в комнату, проходит «семь кругов ада», встречая Смерть в семи ее обличиях: в виде доктора, прекрасной дамы в шляпе и на шпильках с секатором в руках (она обвивает мать «колючей проволокой» терновника), русской зловещей бабы, ведьмовской породы седовласого окровавленного двойника героини, лодочника (он вырывает героине глаза), обтянутого с головы до ног в черное садовника, молодого солдата-возлюбленного.

Тревожная, настораживающая партитура мультиинструменталистов Франка Муна и Дэйва Прайса держит зрителя в триллерном напряжении. Слышатся шумы, скрежет, зудящее бульканье воды, пугающие электронные звуки. Звучит колыбельная страшилка «Баю-баюшки-баю, не ложися на краю, придет серенький волчок и ухватит за бочок», и этот кусачий серенький волчок материализуется из песни, будто таящий в себе ужасы, угрозы и фобии. Элегическая мелодия появляется лишь в те моменты, когда героиня вспоминает о своем возлюбленном или он возникает в потустороннем мире в образе солдата в чреде макабрических персонажей. Видимо, это ее муж, отец ребенка, умерший или погибший. И, возможно, речь здесь идет о преходящем и неизменном.

Пластический текст едино и неотделимо вписан в драматическую игру и абсолютно наполнен внутренними переживаниями Натальи Осиповой в партии Матери, будь то динамичный русский пляс (начинающийся красиво и певуче, ускоряющийся и заканчивающийся исступленными судорожными движениями), неистовые монологи с вихрем вращений, с падениями камнем, перекатами по полу, резкими поворотами, прыжками ввысь, всплесками рук, высокими взбросами арабесков в небо или малейший поворот головы, взгляд, нервное дрожание рук и даже такие бытовые движения, когда она бросается в ванну, обессиленная, оседает на кровать, сворачивается на ней калачиком.

Наталья Осипова, современный танец для которой стал такой же родной стихией, как и классические па, абсолютно естественная, настоящая, не прикрашенная благообразными балетными штампами в своем сценическом существовании. Она без остатка отдается сцене, истощая себя психологически и ни на йоту не щадя свое тело: кисти ее рук в ссадинах, колени содраны в кровь. А лицо ее то лучится нежностью, то являет муку и бледнеет, увлажняются глаза, и ей реально становится плохо.

На сцене только двое – Наталья Осипова и Джонатан Годдард. И это требует большого напряжения от артистов, чтобы постоянно держать на себе внимание зала в течение 1 часа 20 минут. Но если исполнителю Смерти без лица, максимально помогают пластика (блистательный Джонатан Годдард щедро одарен выразительным телом) и смена костюмов, то Осипова более обнажена перед зрителем, и любое ее движение, внутренний импульс или выражение лица требуют немалого личностного актерского наполнения и экстравертности. Эта задача для балерины, не имеющей большого опыта драматической актрисы, архисложная. И под силу лишь единицам. Осипова с ее харизмой лицедействует на сцене виртуозно, на высокой скорости «переключения», блистательно справляясь со своей художественной миссией. Сегодня она предстает серьезной состоявшейся актрисой, глубоко трогающей и захватывающей своей пронзительной игрой.

В этом театральном сезоне Наталья Осипова уже выступила в премьерном моноспектакле «Two feet» Мэрил Тэнкард в Австралии на фестивале в Аделаиде о знаменитой русской балерине Ольге Спесивцевой. А за две недели до московских гастролей со спектаклем «Мать» станцевала заглавную партию в премьере балета «Медуза» Сиди Лярби Шеркауи в Лондоне в Королевском балете. Москва не поспевает угнаться за бешеным темпом творческой жизни Натальи Осиповой.

Фото предоставлены пресс-службой проекта

=============================================================================
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Июл 03, 2019 3:15 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июн 04, 2019 6:54 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019060406
Тема| Балет, Опера, ГАТОБ имени Абая, Фестиваль
Автор| Юрий Каштелюк
Заголовок| В традициях классики
ГАТОБ имени Абая представил ретроспективу оперных и балетных спектаклей из золотого фонда отечественного искусства

Где опубликовано| © газета"Вечерний Алматы"
Дата публикации| 2019-06-04
Ссылка| http://vecher.kz/how2rest/v-traditsiyakh-klassiki
Аннотация| Фестиваль

Традиционный фестиваль, который театр проводит ежегодно под занавес сезона, на этот раз организаторы посвятили 85-летию театра. Оперная и балетная труппы представили постановки, которые принимали и продолжают принимать овациями не только в Казахстане, но и за его пределами. В их числе «Абай» Ахмета Жубанова и Латифа Хамиди, «Кармен» Жоржа Бизе, «Ромео и Джульетта» Сергея Прокофьева, «Лебединое озеро» Петра Чайковского.



К слову, у алматинской постановки «Лебединого озера» также в этом сезоне юбилей. Именно с этого балета 80 лет назад началась балетная труппа театра. Тот первый спектакль был поставлен в сезоне-1938/39. Балетмейстером постановки был представитель московской школы Леонид Жуков, он же исполнил испанский танец. Партию Зигфрида танцевал питерец, ученик Агриппины Вагановой Александр Селезнев. Первой балериной, воплотившей образ главной героини спектакля – заколдованной злыми чарами девушки-лебедя Одетты и коварной Одиллии, стала прима-балерина театра Зоя Плужникова, приехавшая из Ленинграда. Декорации к балету создавал русский и советский художник, знаток истории костюма Всеволод Теляковский.

На нынешнем фестивале театр представил постановку 2016 года. Над этим спектаклем работали главный балетмейстер театра заслуженный деятель РК Гульжан Туткибаева, сценограф из Санкт-Петербурга заслуженный художник РФ и лауреат Государственной премии РК Вячеслав Окунев, дирижер Ерболат Ахмедьяров, другие профессионалы.
Также в числе брендов театра – балет «Ромео и Джульетта» Сергея Прокофьева. В 2010 году постановку этого спектакля на сцене ГАТОБ создал прославленный хореограф народный артист СССР Юрий Григорович.

Рассказывая о совместной работе с прославленным российским хореографом над постановкой «Ромео и Джульетты», Гульжан Туткибаева подчеркнула, что в спектаклях Юрия Григоровича все детально проработано и доведено до высочайшего профессионального уровня. Он необычайно требователен, но именно такой подход приводит к положительному результату.

– У него есть фраза: «В балете мелочей не бывает». Он работает исходя из этих соображений. Для него важна каждая деталь в сценографии, костюме, гриме, – отметила Гульжан Туткибаева.

В числе шедевров отечественного оперного искусства, представленных на фестивале, произведение Ахмета Жубанова и Латифа Хамиди по либретто Мухтара Ауэзова «Абай». Этот спектакль – символ театра, им начинается каждый сезон ГАТОБ.

Впервые спектакль был поставлен еще в годы ВОВ, в 1944 году, накануне 100-летия Абая. За 75-летнюю историю постановки в спектакле принимал и принимает участие весь цвет отечественного оперного искусства. Первый исполнитель роли Абая – народный артист СССР Ришат Абдуллин. Наряду с ним партию Абая в разные годы исполняли народный артист СССР Ермек Серкебаев, народный артист Казахстана Гафиз Есимов, другие звезды оперной сцены. Образ Ажар воплощали народная артистка СССР Куляш Байсеитова, народная артистка Казахской ССР Шабал Бейсекова, народная артистка СССР Роза Жаманова. Партию Айдара исполняли народный артист Казахской ССР Байгали Досымжанов, народный артист Казахской ССР Нариман Каражигитов, народный артист СССР Алибек Днишев. На фестивале в честь 85-летия театра в спектакле «Абай» партию Ажар исполнила народная артистка Казахстана и Татарстана Нуржамал Усембаева. Она подчеркнула, что здание ГАТОБ с его великолепной архитектурой, равно как и опера «Абай», – это символы отечественного оперного искусства, гордость казахстанской культуры.

Роль Абая в фестивальном спектакле исполнил заслуженный деятель РК Талгат Кузембаев. Роль Айдара – Нуржан Бажекенов. Дирижером выступил Ерболат Ахмедьяров.
Финальным аккордом сезона станет новая постановка оперы «Евгений Онегин». Премьерные спектакли состоятся 15 и 16 июня.

Спектакль поставила российский режиссер Ирина Лычагина. В постановке примут участие заслуженный деятель РК Андрей Трегубенко, заслуженный деятель РК Эльмира Шпекбаева, Оксана Давыденко, белорусская оперная певица Клавдия Потемкина, другие мастера оперной сцены.

Директор ГАТОБ заслуженный деятель РК Ая Калиева подчеркнула, что коллектив проводит политику «открытого театра», чтобы оперные и балетные спектакли заинтересовали молодое поколение. Так, театр возродил детский абонемент, в числе новых проектов – лектории, экскурсии по театру с посещением музейной экспозиции. Начавшиеся в этом году проекты продолжатся и в последующие сезоны.



Фото Кайрата КОНУСПАЕВА
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июн 04, 2019 7:37 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019060407
Тема| Балет, БТ, МГАХ, Выпускной концерт
Автор| Валерий Модестов
Заголовок| Состоялся отчетный концерт выпускников Московской академии хореографии
Где опубликовано| © газета"Вечерняя Москва"
Дата публикации| 2019-06-04
Ссылка| https://vm.ru/news/655093.html
Аннотация| Выпускной концерт

На сцене Большого театре состоялся необычный отчетный концерт выпускников Московской академии хореографии. Он стал своеобразным подношением будущих звезд балета своему ректору – народной артистке России профессору Марине Константиновне Леоновой к ее творческому юбилею.

Праздничной увертюрой к юбилейному вечеру стал небольшой, но содержательный документальный фильм о творческом пути Марины Леоновой – блестящей балерины Большого театра, талантливого педагога Московского хореографического училища, из класса которой вышли десятки звезд балета, украшающих ныне сцены ведущих театров мира, и наконец, ректора Московской академии хореографии.

Отчетный концерт выпускников Академии открывала знаменитая «Шопениана» – романтический балет, который завораживает зрителей то элегической мечтательностью, то восторженной радостью бытия, то возвышенной грустью, навеваемыми музыкой Шопена и воздушным танцем сильфид.

Новую редакцию бессмертного творения Михаила Фокина, стоявшего у истоков бессюжетной хореографии, осуществила профессор Леонова. Балет поставлен с расчетом на красоту, непосредственность и азарт именно юных исполнителей. Обычно в театрах «Шопениану» танцуют признанные звезды.

Вступлением стал полонез Ля мажор, на последних тактах которого медленно скользящий занавес открывал перед восхищенными взорами публики застывшую картину классического балета. С первыми аккордами волшебной музыки Шопена картина оживала: кордебалет начинал плести дивные пластические кружева, балерины мягко опускались в плие́, солист выходил на середину сцены. Элегическая мечтательность, сменяясь упоением радости, создавала навеянное музыкой представление из мира грез.

Солировали в обновленной «Шопениане» Анастасия Плотникова, Мария Позднякова, Анастасия Балуда, Арина Денисова, Ева Сергеенкова и неподражаемый Марк Чино.

Позже Плотникова замечательно выступила в Па-де-де из балета «Коппелия».

Второе отделение было тоже в основном классическим. Да и как иначе: классический танец – основа подготовки будущих артистов балета. Его открывало Па-де-труа Феи и двух Пьеро из балета Дриго «Фея кукол» в запоминающемся исполнении Анастасии Дедикиной, Артемия Сеялова и Алексея Казанцева. Когда-то это трио было любимым номером Матильды Кшесинской, Сергея Легата и Михаила Фокина.

Блестяще солировали в сюите из балета Дриго «Миллионы Арлекина» Стефания Гаштарска и Дмитрий Смилевски, демонстрируя виртуозную технику и высокий уровень пластической образности, которая составляет суть классического балета, его душу.

А еще были Сюита из балета Хачатуряна «Гаянэ» в темпераментном исполнении старшеклассников, Па-де-сис из балета «Эсмеральда» с талантливым Эдвардом Купером в роли Гренгуара, и хореографическая миниатюра на испанские сюжеты, поставленная Алессандро Каггеджи, недавним выпускником Академии, которые представили многогранную хореографическую подготовку будущих балетных артистов.

Заключали праздничные отчетный концерт, посвященный творческому юбилею ректора Марины Леоновой, знаменитое Фанданго (испанский народный танец) из «Дон Кихота», с чувством исполненное студентами выпускных и старших курсов Академии, и Большое классическое па из того же балета с Елизаветой Кокоревой (Китри) и артистичным виртуозом Денисом Захаровым (Базиль).

Но вот занавес опустился в последний раз, однако зрители благодарными аплодисментами еще долго не отпускали юных артистов со сцены.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июн 04, 2019 7:49 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019060408
Тема| Балет, фестиваль Paris de la danse, Персоналии, Лоран Илер
Автор| Мария Сидельникова
Заголовок| «Я не человек полумер»
Лоран Илер — о балетных школах, русских артистах и работе в Москве

Где опубликовано| © "Коммерсантъ"
Дата публикации| 2019-06-04
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3991512
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Фото: Анатолий Жданов / Коммерсантъ

Стартовал фестиваль Paris de la danse. Первым его мероприятием стала открытая репетиция дуэтов из балета Владимира Бурмейстера «Лебединое озеро». В Theatre de Paris, где среди публики выделялись артисты Парижской оперы, педагоги и балетмейстеры, этот публичный мастер-класс провел Лоран Илер. Художественный руководитель Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко, экс-этуаль Парижской оперы и ее бывший главный репетитор представил парижанам своих русских артистов Оксану Кардаш и Ивана Михалева, комментировал их работу и отвечал на вопросы заинтересованной публики. Первой, еще до начала выступления, с Лораном Илером поговорила Мария Сидельникова.

— Зачем везти в Париж премьеров Музтеатра Станиславского на открытую репетицию «Лебединого озера», да еще и в версии Бурмейстера?

— Мне важно показать качество работы, технику и русскую школу классического танца, повысить ее престиж. Благодаря этому мастер-классу парижская публика познакомится с артистами театра — Оксаной Кардаш и Иваном Михалевым. И оценит их — я в этом не сомневаюсь. И это тоже хорошо, учитывая, что впереди у московской труппы гастроли во Франции. Что касается версии Владимира Бурмейстера, то вы же помните, что в Opera de Paris до Нуреева «Лебединое озеро» танцевали в хореографии Бурмейстера.

Нуреев назначил меня этуалью именно после выступления в этом балете, и только потом сочинил свое «Лебединое».

Поэтому мне очень близка версия Бурмейстера. Он замечательный хореограф, знаковый для Музтеатра Станиславского.

— То есть вы полностью перешли на язык русской балетной школы? Сложно было?

— Танцовщиком я часто выступал в России, танцевал с русскими артистами, видел много русских балетов. Но, конечно, работа напрямую, постоянно, долгие месяцы — это совершенно другое дело. Ты понимаешь саму суть, преимущества и ценность школы.

Отправляясь в Москву, я вовсе не собирался устанавливать правила французской школы, ни в коем случае. Я хотел представить в лучшем свете то, чем богат Музтеатр. И поделиться моим собственным опытом с артистами.

Ведь исторически между французской и русской школой очень много связей, много общего. Взаимная подпитка обогащает, но каждая школа сохраняет свою уникальность.

— Принято сетовать на новое поколение артистов — мол, не такие работящие, не такие самоотверженные.

— Я очень доволен артистами Театра Станиславского. Они любопытны, готовы к экспериментам, хотят пробовать что-то новое, непривычное. И волевые в том, что касается своих физических возможностей и самоотдачи.

Мне нравится их в какой-то степени провоцировать, потому что я вижу потенциал и вижу, что они могут гораздо больше, чем им кажется.

В труппе есть цельность, сложилась своя атмосфера, правильная динамика и все это дает уверенность в работе. Результат мы видим на спектакле. Наблюдать, как труппа профессионально растет, с каким пиететом артисты ежедневно работают и над классическим репертуаром, и над современным, ощущать, что их работу ценит публика — для меня это большое вознаграждение.

— С какими чувствами вы возвращаетесь в Париж и как вам работается в Москве?

— Я большую часть времени провожу в Музтеатре, и мне там хорошо. Но Москва — приятный город для жизни, грех жаловаться. Едва ли когда-нибудь я мог подумать, что буду жить и работать в Москве. Однако и в Париж возвращаюсь с удовольствием.

— Пост худрука вам предложил генеральный директор Музтеатра Антон Гетьман. Его контракт истекает этим летом. Чем для вас чревата смена руководства?

— Слухов много, как всегда и везде. Мне привычнее судить по делам. Когда Гетьман предлагал мне этот пост, я знал, что это человек с репутацией, что он пользуется большим уважением коллег на международной сцене. Сейчас, помимо того, что мы с ним хорошо ладим, я ценю его профессионализм, кругозор, вижу, как широко и открыто он мыслит. Он смотрит в завтрашний день, это меня очень подкупило еще на стадии переговоров.

Когда у театра, благодаря взвешенной репертуарной политике — когда при сильном классическом репертуаре выходят новаторские современные премьеры — появляется собственное лицо, это очень ценно.

Мне сложно даже представить, что, учитывая его компетентность, он может лишиться своего поста.

— А если все же это произойдет?

—Тогда вопрос — останусь ли я в Москве. Для себя я ответ уже знаю. Я не человек полумер.

— В будущем сезоне в Театре Елисейских полей запланированы гастроли Музтеатра Станиславского с «тройчаткой» — «Вариации» Бурмейстера, «Пижамная вечеринка» Кайдановского и «Тюль» Экмана. Не рискованно ли? Ведь французы от русских всегда ждут классику.

— Я бы так не сказал. Мы в Канне в декабре покажем классическую «Жизель». А в Париже Музтеатр Станиславского не был с конца 1950-х, и эти три разных спектакля рассказывают историю труппы. Бурмейстер, как я уже говорил,— это классика труппы, ее корни.

Премьера Андрея Кайдановского — это танец сегодняшнего дня, то, как его видит русский хореограф.

И «Тюль» Экмана — первый спектакль, который я перенес на московскую сцену. Это балет в современной манере, но он очень умно, тонко, с юмором, уважением и благородством, говорит о классическом танце, его истории. Мир танца, как и весь мир вокруг, сегодня меняется. Благодаря социальным сетям все всё знают. Ты публикуешь фотографию со спектакля или репетиции в Instagram, и где-нибудь в Сан-Франциско уже видят, в каком направлении работает труппа, что она собой представляет. Сегодня уже нельзя не учитывать эти технологические возможности и не пользоваться ими.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июн 04, 2019 8:54 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019060409
Тема| Балет, театр "Астана Балет", Eurasian Dance Festival, Персоналии,
Автор| Екатерина Елисеева, Айдана Демесинова
Заголовок| Eurasian Dance Festival: Классические шедевры и народное творчество на сцене театра "Астана Балет"
Где опубликовано| © газета «Казахстанская правда»
Дата публикации| 2019-06-04
Ссылка| https://www.kazpravda.kz/news/kultura/eurasian-dance-festival-klassicheskie-shedevri-i-narodnoe-tvorchestvo-na-stsene-teatra-astana-balet
Аннотация| Фестиваль

В столице стартовал III Международный балетный фестиваль "Eurasian Dance Festival", в котором сойдутся мировые классические шедевры, народное творчество и последние премьеры самых актуальных хореографов современности. Об этом сообщил исполнительный директор "Eurasian Dance Festival" Жанибек Каир на открытии фестиваля в театре "Астана Балет", передает корреспондент Kazpravda.kz.

"В этом году это третий наш фестиваль. Мы надеемся, не последний. Как показала практика, людям он интересен. Ходят, смотрят, даже приезжают из-за рубежа. Мы немного поменяли формат нашего фестиваля. Предыдущих два по времени шли одну неделю, то есть это был каждодневный нон-стоп. В этом году мы сделали двухнедельный фестиваль, чтобы зритель мог после каждого выступления переварить, проанализировать и через день прийти уже на другое представление", – сообщил исполнительный директор фестиваля.

Как он отметил, планируется четыре полноценные постановки самых актуальных хореографов современности. Среди приглашенных гостей именитые театры и танцевальные коллективы Праги, Токио, Санкт-Петербурга и Киева.

Сегодня, 4 июня, фестиваль открыли самой громкой премьерой прошлого сезона театра "Астана Балет". Ее хореография и художественная концепция основываются на одноименной пьесе Оскара Уайльда.

"Это постановка "Саломея" театра "Астана балет". Это очень интересная инновационная постановка. Она ни на что не похожа. Это стоит и надо посмотреть. Премьера состоялась совсем недавно. Помимо "Саломеи" театр покажет свое последнее приобретение от очень известного немецкого хореографа Раймондо Ребека "Путешествие памяти", – рассказал Жанибек Каир.

Ведущая балерина театра "Астана Балет" Татьяна Тен отметила, что в этой постановке внимание акцентируется в основном на актерском мастерстве, так как чувства, эмоции переполняют всегда.

"Сюжет постановки "Путешествие в памяти" заключается в том, что главная героиня - одинокая девушка погружается в свою память. Она начинает вспоминать какие-то события, которые произошли в ее жизни: и хорошие, и плохие. Заглядывая в зеркало, она видит свое отражение и погружается в свою память, которая ведет ее по волнам прошлого. Казалось бы, у каждого человека бывает свое сокровенное, бывает так, что он как бы забыл о чем то, но что-то напоминает ему о прошлом: какая-нибудь музыка или похожая ситуация напоминает о тех забытых людях и моментах", – поделилась балерина.

Она также добавила, что хореографический стиль постановки является скорее всего классикой, но при этом, он не похож ни на один балет, который они представляют.

Eurasian Dance Festival будет проходит до 16 июня.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июн 05, 2019 4:59 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019060501
Тема| Балет, ГАТОБ имени Абая, Юбилей, Фестиваль, Персоналии,
Автор| Алма БЕЙСЕНАЛИЕВА
Заголовок| ГАТОБ имени Абая - 85!
Где опубликовано| © «Комсомольская Правда в Казахстане»
Дата публикации| 2019-06-05
Ссылка| http://www.kp.kz/17199-gatob-imeni-abaya-85
Аннотация| Фестиваль



Государственный театр оперы и балета им. Абая отмечает свой юбилей. В его честь на сцене ГАТОБ прошел фестиваль, в программу которого вошли легендарные спектакли, составляющие золотой фонд репертуара театра и пользующиеся неизменным интересом и любовью зрителей на протяжении многих десятилетий.

Гостям фестиваля была предоставлена уникальная возможность увидеть постановки, в которых сохранено лучшее из прошлого и смело используются новаторские художественные решения. Настоящим подарком друзьям театра стало участие отечественных и зарубежных звезд оперного и балетного искусства. Зрителей ждала встреча с музыкой величайших композиторов мировой классики. А приглашенные дирижеры Кристофер Окейзек и Дориан Уилсон из США помогли нашим музыкантам услышать новое прочтение казахских композиций.

По словам директора ГАТОБ им. Абая Аи Калиевой, одна из главных задач фестиваля в том, чтобы театр - стал родным домом для каждого алматинца.

- ГАТОБ - это храм алматинской культуры, а не закрытая дворцовая организация, куда изредка приходят на спектакль. Мы очень хотим, чтобы люди приходили на живое событие и испытали полное эмоциональное погружение, - подчеркивает директор. В связи с этим мы регулярно проводим закулисные экскурсии, чтобы зрители могли почувствовать сопричастность, увидеть «кухню», пообщаться с артистами и так далее. Также раз в месяц проводим лектории, где искусствовед рассказывает об истории спектаклей. Каждый спектакль - это живое восприятие, новый проект, некая творческая коллаборация и взаимообмен энергией. Например, приглашенные дирижеры репетировали с нашими музыкантами практически в режиме нонстоп. В итоге оживили партитуру, внесли новое дыхание в прочтение наших же постановок. Еще одна из задач, которую мы ставим перед собой, - это привлечение нового зрителя, особенно молодое поколение. Чтобы они не «отпугивались» от классической музыки и балета. А кто может дать такой толчок, как не наш театр с богатой историей? Если мы не зададим этот импульс, не поставим такую цель, то молодежь просто унесет в огромном потоке новых направлений. Культура должна быть частью человеческой личности. Это высшая точка нашего развития, к которой нужно идти всю жизнь.



Фестиваль проходит при поддержке Министерства культуры и спорта Республики Казахстан. И его главная цель - пропаганда и популяризация национальной и зарубежной оперной и балетной классики, сохранение и развитие музыкальных традиций народов Казахстана. Программа фестиваля специально подобрана таким образом, чтобы показать зрителям классические произведения (опера «Абай», балет «Лебединое озеро») и - современные постановки (опера «Кармен», балет «Ромео и Джульетта»). На фестиваль были приглашены ветераны театра, а их за 85-летнюю историю ГАТОБ немало. По словам народного артиста Казахстана Базаргали Жаманбаева, который отдал искусству более 60 лет жизни, его очень радует, что сейчас любимый театр переживает подъем, сюда приезжают артисты с мировым именем. При этом большой энтузиазм у него вызывает бережное отношение руководства к историческому наследию и желание сохранить традиции театра.

Народная артистка Казахстана, кавалер ордена «Курмет» Гульжан Туткибаева долгое время была ведущей балериной ГАТОБ им Абая. А с 2012 года - главный балетмейстер. Все эти годы она остается верна родному театру.

- Конечно, о нашей работе судят зрители. Но если бы я внутри чувствовала, что не вношу свой вклад в развитие театра, не видела результата, то давно бы ушла. Считаю, что ученики всегда должны быть лучше своих наставников. Со своей стороны стараюсь передать весь опыт и великолепную московскую школу, которую получила в свое время, будущему поколению артистов, чтобы балетное искусство развивалось по спирали вверх. И чтобы наши молодые артисты - шли в ногу со временем и современными тенденциями мирового балета.

- При этом вы сами сторонница классики и ГАТОБ олицетворяет собой классику?

- Да, у нас академический театр со своими традициями. В основе репертуара лежат классические спектакли. Но во всех крупных театрах наряду с этим ставятся спектакли в современной хореографии. И мы тоже используем ее в той или иной степени. Например, есть так называемый крутой модерн, к которому, я думаю, не готовы ни наш зритель, ни сами артисты. Поэтому мы ищем золотую середину. Возьмем, к примеру, новую постановку - «Открывая Баха». Это видение балетмейстера-постановщика из Австралии - Дэвида Джонатана. По моему мнению, тема спектакля интересна. Она об искусстве, о свободе, о желании полета, о постоянном развитии. Или одноактный балет на знаменитую музыку Мориса Равеля «Болеро». Это абсолютно новый спектакль на современном хореографическом языке.



- Насколько я знаю, один из проектов, о котором вы мечтаете, это спектакль о Сергее Калмыкове, который несколько лет проработал в ГАТОБ им. Абая художником.

- Да, есть такая давняя задумка. Спектакль о жизни и творчестве этого неординарного художника, который оставил свой след в истории нашего города и театра, думаю, будет очень интересен всем, а особенно алматинцам. Творческая группа, которая собирается поставить спектакль, уже есть. Это я, Павел Драгунов и Софья Тасмагамбетова, с которыми мы ранее уже сотрудничали. Спектакль будет на основе синтеза неоклассики и современной хореографии. Но пока говорить о точных сроках рано, так как нужен соответствующий интересный музыкальный материал. Могу сказать, что мы постепенно приближаемся к этому событию.

- Вы воспитали не одно поколение балерин. Какими качествами должна обладать балерина помимо «упертости»?

- Прежде всего, конечно, природными данными. Без этих данных и хорошего наставника больших высот невозможно добиться. Балерина - это бутон, который со временем раскроется. Но нужно семя и наставник, который как садовник будет за ним ухаживать, поливать, взращивать, оберегать и так далее. Нужен мастер, который мог бы передать весь свой опыт, вложить всю душу в ученика. Сейчас во всем мире очень популярны частные балетные школы, которые доступны практически для всех желающих. К этому я спокойно отношусь, потому что балет, классическая музыка развивают чувство прекрасного в человеке. Но не стоит путать с профессиональным балетом. Здесь нужны талант, мастер, хорошая академическая школа, трудолюбие, терпение, сильный характер, некий твердый внутренний стержень и лидерские качества.



- Вы много лет отдали театру. Какие чувствуете тенденции и изменения?

- Время не стоит на месте. В любой творческой организации не бывает застоя: есть либо подъем, либо падение. Это зависит от многих факторов: от руководства театра, от состава труппы, от репертуарной политики и, конечно же, от внимания государства к театру. Большое внимание в последние годы уделяется сценографии, костюмам. Идет обновление старых спектаклей, появляются и новые балеты. И это прекрасно. Лично я ощущаю творческий подъем. Конечно, хотелось бы притока высококвалифицированных специалистов с хорошей профессиональной подготовкой. С таким большим репертуаром каждый смог бы проявить себя в больших и малых ролях.

Дословно

Нуржамал УСЕМБАЕВА, оперная певица, народная артистка Казахстана, лауреат Государственной премии РК:


- ГАТОБ им. Абая - это мой любимый дом, где я «прожила» 35 лет. И каждый раз я выступаю здесь с особым трепетом и волнением, так как - это наш «кара шанырак». Юбилей театра - это большое событие в культурной жизни нашей страны. И спасибо театру за эти благоговейные чувства, которые я испытываю по отношению к нему. Хочу пожелать всем артистам успехов и несмолкаемых аплодисментов.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июн 05, 2019 6:17 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019060502
Тема| Балет, III Международный балетный фестиваль Eurasian Dance Festival, Фестиваль, Персоналии,
Автор| Татьяна Бек
Заголовок| Eurasian Dance Festival: на пуантах и без них
Где опубликовано| © газета «Казахстанская правда»
Дата публикации| 2019-06-05
Ссылка| https://www.kazpravda.kz/articles/view/eurasian-dance-festival-na-puantah-i-bez-nih
Аннотация| Фестиваль

В Нур-Султане начался III Международный балетный фестиваль Eurasian Dance Festival, объединивший творческие коллективы Казахстана, Германии, России, Чехии, Украины, Японии.



На сцене Театра Astana Ballet будут представлены мировая классика, народное творчество, работы современных хорео­графов. Фестиваль проходит с 4 по 16 июня при поддержке Министерства культуры и спорта РК. Организаторы отмечают: и консерваторы, и сторонники авангарда смогут удовлетворить свои взыскательные вкусы и найдут повод для дис­куссий. Ну а зрителей ждут незабывае­мые спектакли и яркие впечатления.

Открыл Eurasian Dance Festi­val балет «Саломея» в постановке Мукарам Авахри. Этот спектакль в репертуаре Astana Ballet зрители сразу выделили. Его оригинальная хореография и художественная концепция основаны на одноименной пьесе Оскара Уайльда, который, в свою очередь, переосмыслил библейскую легенду о юной царевне Саломее и пророке Иоанне. Артисты молодого сто­личного театра, владеющие­ разными танцевальными стилями, точно и органично вопло­щают идеи балетмейстера и «рассказывают» публике о при­роде человеческих страстей.

Гостем фестиваля 6 июня будет знаменитый Национальный ансамбль танца Украины им. П. Вирского, который знают во всем мире. В программе «Танец как судьба» собраны лучшие номера основателя ансамбля Павла Вирского и его преемника Мирослава Вантуха.

Японская международная балетная компания покажет свои балеты «Пери» и Zerobody 10 июня. Этот театр, которым руководит один из ярких танцовщиков современности Владимир Малахов, стремится обогатить классический и современный балет энергией и философией японской национальной традиции.

Не менее интересен будет проект премьеров Мариинского театра Данилы Корсунцева, Игоря Колба и Евгения Иванченко – Dance. Dance. Dance. 12 июня любители современного балета увидят три авторских одноактных спектакля: «Прерванный полет» (на музыку П. Чайковского), «Лифт» (И. Бах, А. Хачатурян, джазовые импровизации 60-х годов), а также Noname, или «С чистого листа», где, как обещают, с публикой будет говорить сама душа артиста.

14 июня с программой «Славянский темперамент» выступит Чешский национальный балет. Славянская культура и историческое наследие предстанут в интерпретации молодых художников-хореографов Катаржины Козельской, Андрея­ Кайдановского и Ондр­жея Винклата. Их творчество можно охарактеризовать как предельно эмоциональное, экспериментальное, концептуальное. И согласитесь, балет, где пуанты рассматриваются как «метафора баланса на грани между гармонией и хаосом», обещает быть по меньшей мере любопытным.

Театр Astana Opera 15 июня покажет на своей сцене премьеру балета «Жизель» А. Адана, впервые представленный пуб­лике в середине XIX столетия в парижской Grand Opеra. Определение «фантастический балет» говорит как о жанровом и сюжетном своеобразии (в основе – легенда о вилисах, беспощадных призраках девушек, обманутых своими возлюбленными), так и о необыкновенной популярности «Жизели», украшающей афиши всех известных театров.

Завершится Eurasian Dance Festival гала-концертом звезд мирового балета. В программе заявлены как отрывки из знаменитых классических постановок, так и новаторские работы. Среди приглашенных гостей – Леонид Сарафанов (Михайловский театр, Санкт-Петербург), Бахтияр Адамжан и Айгерим Бекетаева (Astana Opera), Алия Таныкпаева (Национальный балет Венгрии), Мариан Вальтер, Эвелина Годунова и Иоланда Корреа Фриас (Берлинский государственный балет), также выступят ведущие солисты театра Astana Ballet.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июн 06, 2019 2:44 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019060601
Тема| Балет, Ростовский государственный музыкальный театр, II Международный фестиваль балета имени Ольги Спесивцевой, Персоналии, Иван Кузнецов
Автор| Наталия Красильникова
Заголовок| ИВАН КУЗНЕЦОВ: «Я СТАРАЮСЬ ВСТРАИВАТЬСЯ В ОПРЕДЕЛЕННЫЕ ЖИЗНЕННЫЕ ПОТОКИ!»
Где опубликовано| © журнал "Качественный продукт" (Ростов-на-Дону)
Дата публикации| 2019-06-05
Ссылка| http://kprodukt.ru/sobytiya/ivan-kuznecov-ya-starayus-vstraivatsya-v-opredelennye-zhiznennye-potoki.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В ноябре 2017 балетную труппу Ростовского государственного музыкального театра возглавил 29-летний Иван КУЗНЕЦОВ – коренной москвич, к моменту приезда в Ростов имевший солидный послужной список: после окончания одного из лучших балетных вузов России – Московской академии хореографии (класс заслуженного артиста РФ Юрия Васюченко) Кузнецов работал в Венской опере, в Московском музыкальном театре им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко и 8 лет в Новосибирском театре оперы и балета.

Парадоксально, но факт: Иван никогда не грезил о карьере балетного артиста - увлекался автоспортом, мечтал быть спортивным журналистом, работал пресс-атташе в одной из спортивных команд и намерен был поступать на журфак МГУ.

Но в жизни каждого из нас рано или поздно встречается человек, которому суждено изменить нашу жизнь. Для Ивана Кузнецова таким человеком стал хореограф с мировым именем Дьюла Харангозо, который увидел его на выпускном экзамене в Академии хореографии и пригласил в труппу Венской оперы. После ухода Ивана и его супруги балерины Елены Лыткиной из Новосибирского оперного «в никуда» случай свёл Кузнецова с худруком Ростовского музыкального театра Вячеславом Кущёвым, который предложил молодому танцовщику возглавить балетную труппу РГМТ. Мы встретились с Иваном Кузнецовым накануне открытия II Международного фестиваля балета имени Ольги Спесивцевой.

- Иван, раз уж вы наш несостоявшийся коллега, позвольте узнать, что, по-вашему, есть общего в работе журналиста и балетного артиста?

- Различий, на мой взгляд, больше, чем общих черт. На сцене мы воплощаем образ того или иного героя, а журналист об этих героях рассказывает. Но журналист тоже может выступать в роли героя, когда ответственно готовится к каждому интервью, когда он задаёт Герою не какие-то общие вопросы, а ясно представляет, С КЕМ он говорит и О ЧЁМ. Занятия журналистикой очень помогли мне расширить кругозор и научиться коммуницировать, потому что балетные артисты - люди достаточно закрытые, привыкшие выражать себя посредством тела, а не слов.

- В одном из интервью вы сказали: «Людей, способных поставить классический балет, сейчас можно пересчитать по пальцам». Почему вы так считаете?

- Поставить классический балет С НУЛЯ, я уверен, могут действительно немногие. Классический не только в лексике, а в понимании сценографии, развития сюжета, формы. Я бы назвал Алексея Ратманского, Юрия Посохова, Юрия Смекалова, Алексея Мирошниченко. В Европе, конечно, Джона Ноймайера.

- При каких обстоятельствах вы попали в Ростов? Что повлияло на ваше решение?

- Осенью 2017 года ушел главный балетмейстер Ростовского музыкального театра Марк Владимирович Перетокин, и художественный руководитель РГМТ Вячеслав Митрофанович Кущёв активно искал ему замену. На тот момент у меня уже был небольшой багаж балетного менеджмента, и я не смог отказаться от предложения Вячеслава Митрофановича: Судьба давала мне невероятный шанс, который я упустить не мог. У меня были необычайно сильные предшественники на поприще худруков ростовского балета, и поначалу я был не очень уверен в своих силах. Но посмотрев «Щелкунчика» и «Лебединое озеро» в Ростове, я понял, что смогу быть полезным этой труппе.

- Как вы оценили состояние ростовской балетной труппы на момент вашего прихода в театр?

- Отвечу кратко: потолок еще не близко. И в ноябре 2017 года, и сейчас. (Улыбается). Когда я пришел сюда, балетная труппа находилась в несколько потерянном состоянии, оставшись без своего лидера. Первый год мы провели в плавающем состоянии, и только сейчас можно сказать, что мы начали узнавать друг друга и идти в одном направлении. Что касается вашего вопроса о состоянии балетной труппы и об ее уровне, скажу: для театра в статусе «Музыкальный» это лучший уровень балетной труппы, какой только возможен. Сегодня я считаю, что ростовская балетная труппа на втором месте в России – после труппы Музыкального театра им. Станиславского в Москве. Если говорить о театрах оперы и балета, там, конечно, своя «табель о рангах»: Большой театр; Мариинский и Михайловский театры в Петербурге; Новосибирск, Пермь, Казань, Екатеринбург, Приморская сцена Мариинского театра.

- Есть расхожее выражение, которое «пустили в народ» балетные артисты: «В балете невозможно солгать». Вы согласны?

- Если отвечать коротко, скажу НЕТ. Если шире, однозначно на этот вопрос ответить невозможно. Я знаю достаточно примеров, когда не очень, мягко скажем, благородные в жизни люди создавали на балетной сцене убедительные образы самых положительных героев. Есть другая сторона медали: артист выходит на сцену, у него в жизни произошло какое-то печальное событие, а на сцене предстоит веселиться. Или наоборот. Это будет ложью? Конечно, нет: это вопрос профессионализма, актерского мастерства, которое никоим образом не основано на лжи, - это умение существовать в предлагаемых обстоятельствах своей роли. Что считать ложью? Многое зависит и от того, КТО смотрит, то есть, от зрителя – от его представлений о добре и зле, говоря шире - от его системы ценностей.

- Какие сюрпризы ожидают ростовчан на предстоящем фестивале балета имени Ольги Спесивцевой?

- В этом году мы расширили формат фестиваля, добавив приглашенную труппу «Балет «Москва» и лекторий. Откроется фестиваль 31 мая премьерой балета Ц. Пуни «Эсмеральда». Балетмейстеры-постановщики – народная артистка СССР Маргарита Дроздова и народный артист России Михаил Крапивин (Москва). 1 июня в «Эсмеральде» главные партии исполнят приглашенные звезды – заслуженная артистка России Ирина Перрен и Марат Шемиунов. Педагог-репетитор балетной труппы Пражской национальной оперы Андрей Клемм даст открытый мастер-класс 2 июня. Готовится премьера «Вечер современной хореографии», где труппа «Балет «Москва» покажет одноактные спектакли «Эквус» и «Транскрипция цвета». Кроме того, я попросил Марата Шемиунова сделать выставку его картин (Марат не только артист балета, но и художник). Завершится фестиваль 7 июня грандиозным гала-концертом с участием приглашенных звезд и солистов нашей балетной труппы.

- Кто ваши ориентиры в балете – среди танцовщиков-мужчин?

- Список будет внушительным. Это артисты, в разное время танцевавшие в Большом театре, - Александр Годунов, Ирек Мухамедов, Николай Цискаридзе, Сергей Филин; американский танцор Фернандо Бухонес; представители петербургской балетной школы Константин Заклинский, Игорь Зеленский, Игорь Колб, Адриан Фадеев, Леонид Сарафанов. У артистов любого жанра я ценю прежде всего органику. Для меня органика – синоним естественности. Это изнутри рожденный жест – не вычурный, не заученный. Чтобы не было ни слащавости, ни мужланства, ни ложного пафоса.

- Несмотря на ваш молодой возраст, Судьба посылала вам немало испытаний – взять хотя бы серьезную травму колена, после которой вам пришлось оставить сцену в качестве солиста. Как вы относитесь к жизненным урокам? Считаете ли себя фаталистом?

- Моя мама, которую я считаю очень мудрым человеком, говорит: «Если что-то случилось, то это не зря: значит, жизнь тебе что-то подсказывает. Посмотри на ситуацию по-другому!» Мне нравится плыть по течению, но это вовсе не состояние бездействия, как многие привыкли считать. Я стараюсь встраиваться в определенные жизненные потоки. Как объяснить тот факт, что в юности я был полностью поглощен автоспортом, поступил в Академию хореографии больше по желанию родителей, а потом на выпуске появился Дьюла Харангозо, встреча с которым кардинально изменила мою жизнь? Из Новосибирского театра оперы и балета, где я проработал 8 лет, я ушел не из-за травмы колена. А потому, что внутренний голос подсказал: здесь мы исчерпали всё, надо уезжать! И мы с Еленой, моей супругой и прекрасной балериной, быстро собрались и уехали в мою родную Москву, не имея никакой работы. Раньше для меня были очень важны чужие мнения. Сейчас я к другим людям прислушиваюсь, но не слушаю их так, как прежде.

Моё кредо: «хорошо делать свою работу, не думая о заработке». Я уверен: удовлетворенность человека жизнью во многом зависит от того, насколько он умеет доверять себе. Иногда в голове как бы фоном мелькают разные мысли. Среди них бывает немало мусора. А бывают по-настоящему ценные идеи и подсказки Судьбы, которые потом помогают человеку пройти путь, предназначенный именно ему.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июн 06, 2019 8:39 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019060602
Тема| Балет, БТ, Персоналии, ИГОРЬ ЦВИРКО
Автор| Ирина Сорина
Заголовок| Интервью с Игорем Цвирко
Где опубликовано| © Журнал «Культурная Столица» (СПб)
Дата публикации| 2019-06-03
Ссылка| http://kstolica.ru/publ/intervju/igor_cvirko/4-1-0-1215
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


"Золушка". Фото Стаса Левшина

В этом сезоне в афише Михайловского театра можно увидеть фамилию Игоря Цвирко. Причем, если сначала было написано, что он - солист Национального театра оперы и балета Венгрии, то сейчас он опять значится солистом балета Большого театра. Вот совсем недавно он станцевал заглавную партию в балете «Спартак», недавней премьере Михайловского театра. Нам удалось расспросить о перипетиях его творческой судьбы самого Игоря.

- Начнем с детства. Как Вы попали в хореографическое училище. У Вас кто-то в семье занимался танцами?

И.Ц. - Это было решение родителей. Так как у меня семья была не особо обеспеченная, абсолютно среднего достатка, а меня нужно было чем-то занять, то меня сначала отправили в спортивную секцию города Одинцово, где мы жили. Там, увидев мои способности к танцу, предложили перейти в танцевальную секцию. Мне там очень понравилось. Мама рассказывала, что я всегда летел на занятия прямо как на крыльях. Так случилось, что в нашем доме девочка пыталась поступить в Московское хореографическое училище, и мама этой девочки рассказала, что в училище как раз объявляется набор моего года. И вот мы решили попробовать. И меня взяли. Целый год меня возили родители из Одинцово в Москву на Фрунзенскую набережную.

- Да, не близкий путь.

И.Ц.
-Благодаря им, их упорству, я отзанимался на курсах, после чего меня приняли в Академию хореографии, где я проучился положенные восемь лет, пройдя все ступени.

- Несколько слов о Ваших учителях. Вас преподаватели выделяли, как говорится, ставили в центре палки?

И.Ц.
- Не скажу, что прямо в центре палки. У нас никого особо не выделяли среди учащихся. Но я был одним из лучших. Понятно, что одним из первых был Артем Овчаренко.

Мне крупно повезло, у меня были замечательные учителя, к сожалению, их уже нет в живых. Я помню о них, не забываю, всегда отзываюсь о них с большой теплотой и благодарностью. В младших классах у нас была методист Надежда Вихарева. Она очень любила творчество Рудольфа Нуриева, переписывалась с ним. Она заложила во мне понимание танца, академическую базу, понятие дисциплины. Я навсегда запомнил ее слова, что нужно случать замечания, относящиеся и не к тебе, чтобы учесть их в работе. Это мне очень помогло в моем развитии. В старших классах мы перешли к Александру Ивановичу Бондаренко, одному из лучших педагогов нашего училища. Мы были его десятый юбилейный выпуск. Это был очень яркий класс. Это и Артем Овчаренко (ныне премьер Большого театра –прим.ред.), и Дима Загребин, поработавший и в Большом, и в Станиславского, и в Сан-Франциско, а сейчас в Швеции, Олег Рогачев, который сейчас премьер в театре Бордо.

- Широко известны в стране Вы стали после программы «Большой балет». А в Большом театре карьерный взлет произошел тоже после Вашего успеха в телепрограмме «Большой балет»?

И.Ц.
– насчет узнавания не знаю. А в Большом театре успех пришел после того, как Пьер Лакотт выбрал меня на роль Эспадо, а Сергей Юрьевич Филин, который в то время руководил балетом дал мне возможность выйти в этой партии. И, хотя Пьер Лакотт был за меня, все же решение принимает художественный руководитель, и спасибо Сергею Филину, что он выпустил меня, такого еще совсем молодого танцовщика, в столь сложной премьерской партии, которую доверил мне Пьер Лакотт.

- Как скоро после окончания училища и прихода в Большой Вы пришли к исполнению ведущих партий?

И.Ц.
- Сейчас это происходит гораздо быстрее. А в то время было совсем не так. Так, по-настоящему крупную партию я станцевал на шестой-седьмой год работы в Большом. Сейчас у молодых все происходит гораздо быстрее. Когда я пришел в театр, в меня верили только единицы. Я прошел все стадии, поработал в кордебалете, перетанцевал все. Но у меня были педагоги, которые верили в меня. Потом появился самый главный педагог, мой нынешний наставник Александр Николаевич Ветров, который внушал мне, что из меня может что-то получиться. И мы упорно шли к своей цели. Я не могу судить, правильно или нет, что сейчас молодым доверяют спектакли гораздо раньше. У меня такой путь, у них другой. Но когда ты долго о чем-то мечтаешь и упорно идешь к своей цели и, когда ты наконец приходишь к ней, то это всегда ощутимей и ярче, чем, когда ты это получаешь в 19-20 лет. Когда ты танцуешь в сегидильи или тореадора, то не можешь представить, что когда-то выйдешь Базилем («Дон Кихот» - прим. ред.), или ходишь с копьем или соколом и не можешь представить, что будешь графом Альбертом («Жизель» - прим. ред.), то ценность этого спектакля для меня возрастает многократно. Мне даже жалко молодых, которые получают большие партии сразу, что они не могут ощутить эту жажду спектакля.

- А не было боязни растерять технику, ходя с копьем?

И.Ц.
– Танцуя в основном народные танцы или гротесковые партии, я все равно ходил на классы, любил класс Михаила Лавровского, так что не забывал технику классического танца. Для меня было важно не потерять классическую основу. Мне хотелось «издеваться» над своим телом. Я не был никогда одаренным, талантливым от природы. Я всегда очень много работал. И работаю.

- Давайте вернемся к программе «Большой балет». Кроме славы, узнаваемости, что она вам еще что-то дала?

И.Ц.
– Проект дал мне чувство уверенности в себе. Подготовить семь программ за столь короткое время, причем разных по стилю, по духу – это настоящая проверка на прочность! Здесь и современный танец, и классический. Так что ничего невозможного нет. А когда ты танцуешь только на глазах четырех членов жюри, то это довольно тяжело, потому что мы уже привыкли к зрителю, к аплодисментам, а этого ничего не было. Это было очень непросто. И также непросто было после выступления стоять и выслушивать замечания членов жюри. Иногда ты был с ними совсем не согласен и еле сдерживал себя, чтобы не возразить глубоко уважаемым людям. Хотя ответить было что.

- Но проект интересен еще и тем, что он дает возможность знакомиться с новой хореографией, часто специально поставленной на участников. А что из исполненного тогда вам особенно запомнилось?

И.Ц.
- Нам выпал шанс исполнить как раз в последний съемочный день отрывок из балета THIN SKIN Марко Гекке.

- В Петербург этот балет привозил фестиваль DANCE OPEN в исполнении знаменитой труппы NDT в 17 году.

И.Ц.
- Это была моя первая работа этого хореографа. Я раньше не знал о нем. Когда я впервые увидел ее, то сказал себе: «Вау! Это здорово!» И до сих пор я с огромным наслаждением вспоминаю процесс наших репетиций ее. Это было классно! Когда ты танцуешь что-то новое,свежее, это колоссальное удовольствие! А потом еще и музыка, свет! Ради таких номеров, мне кажется, это все и затевается. И, конечно, номер Юры Посохова на музыку Рахманинова в исполнении Дениса Мацуева. Это сочетание Рахманинова, Мацуева и хореографии Посохова дало прекрасный результат. Мне очень нравится хореография Юрия Посохова. Она очень музыкальна, нежна и трепетна. Эти два номера мне хотелось бы исполнять и в дальнейшем.

- Последнее время в Большом театре Вы часто танцуете премьерные спектакли. Быть первым исполнителем партии очень почетно. Сложно участвовать в работе хореографа? И насколько при создании учитывались Ваши индивидуальные особенности? Или люди приходили в театр уже со сложившейся концепцией и просто подбирали исполнителей под нее?

И.Ц.
– Если мы говорим о премьерах и о балетах, поставленных именно на меня, то это балет Юрия Посохова «Герой нашего времени». Я первоначально был выписан на другую роль – Казбича, но так случилось, что балет уехал на гастроли в Бразилию, а я должен был остаться, чтобы помочь Юрию Михайловичу ставить. И так сложился наш дуэт с Олей Смирновой, которая танцевала Бэлу в первой новелле, что я стал танцевать Печорина. Это пока единственный балет, который поставлен конкретно на меня. Это, конечно, очень здорово, когда на тебя ставят, прислушиваются к тебе, и вы вместе создаете спектакль. И когда ты с хореографом на одной волне, то и работать тебе с ним очень комфортно. Именно такие отношения у нас сложились с Посоховым. Мне нравится, как он слышит музыку, как ставит. Если говорить о Жане-Кристофе Майо, то спектакль «Укрощение строптивой», мне кажется, удался. В Большом много ярких индивидуальностей, и Жану-Кристофу удалось нас всех собрать и объединить. В первом составе я станцевал Гортензио, потом, через несколько лет, и Петруччо.

- Но Вы все-таки покинули Большой театр и уехали работать в Будапешт в Венгерский государственный оперный театр.

И.Ц.
– На тот момент у меня возникло большое желание попробовать что-то другое, попробовать съездить в Европу, посмотреть, чего я стою. Но, сделав этот шаг, уехав, побыв там месяца 4-5, я понял, что мне все же хочется домой, что я скучаю по своему театру, в котором я провел одиннадцать замечательных лет. Да, были различные моменты, но я о нем всегда думаю с теплотой. И я вернулся. Я рад, что очень много людей подходили ко мне и говорили, что очень рады моему возвращению, что без меня театр что-то потерял. Это было неимоверно приятно. И у меня в творчестве возникла вторая волна, которую хочется реализовать.

- В Большом сейчас много ставится современной новой хореографии.

И.Ц.
– Это тоже была одна из причин моего возвращения. И я очень благодарен и Владимиру Георгиевичу Урину, и Махару Хасановичу Вазиеву, что они позволили мне вернуться и взяли меня в том же статусе. Хотя я прекрасно понимал, что, уходя, двери могут закрыться навсегда.

- А как Ваш сын, ездил с Вами? Как со школой?

И.Ц.
– Ему уже 9 лет, он оставался с бабушками. Конечно, его радости не было предела, когда мы вернулись.

- А Ваша супруга?

И.Ц.
- После возвращения она закончила балетную карьеру и сейчас ищет себя в другой области.

- Легко ли прошло ее расставание с балетом?

И.Ц.
– Ну нет, расставание с любым делом, которому посвятил жизнь, не может пройти легко. После 20 лет, отданных балету, не так-то легко взять и закончить. Потому что это и режим, и дисциплина, и ежедневный урок, и постоянная поддержка физической формы. Конечно, трудно вдруг без всего этого.

- И все же, почему Будапешт, что Вас привлекло в Будапеште?

И.Ц.
– Живя в Москве, ты начинаешь раздражаться обилием пробок, бешеным ритмом: все куда-то спешат, несутся. Я в определенный момент почувствовал усталость, истощение, захотелось приятной, комфортной, спокойной жизни: посидеть в кафе, выпить, потягивая, чашечку кофе, никуда не торопясь. Но через месяц-другой ты уже начинаешь видеть и иное: и город плохо убирается, и очень много бродяг, наркоманов и алкоголиков, которые спят, где попало. Многие здания, которые можно было бы отреставрировать, стоят, разрушаясь. Как будто бы II мировая война только что закончилась. Нет, конечно, центр города очень красивый. Но в какой-то момент ты понимаешь, что тебе чего-то не хватает. И, приехав в Москву через 3 месяца, я понял, как Москва красива. И даже пешеходные зоны, которые меня раньше жутко раздражали, теперь совсем не раздражают и тебе нравится по ним гулять. Да, парковок мало, и они неудобны и дороги, но что поделаешь, надо это понять и принять. И к пробкам стал относиться иначе, гораздо спокойнее. Может, со временем пришло внутреннее успокоение? Для меня Москва – лучший город земли. Европа, может быть, может похвастаться уважительным отношением к людям, толерантностью. Но в Москве уже тоже достаточно высокий уровень взаимопонимания, приятия людей. Все стали гораздо вежливее, я заново влюбился в Москву.

- А как Вам наш город? Это любимый вопрос петербуржцев.

И.Ц.
– Впервые я приехал в Петербург лет 12 назад. Не знаю, чтобы что-то сильно изменилось за 12 лет. Но, наверно, меняется. Правда, надо признаться, я не так много и вижу: приезжаю, сразу репетиции, выступление – и обратно. Пожалуй, надо как-то выбрать время, лучше летом, и провести здесь побольше времени. Что приятно, что после каждой поездки сюда у тебя завязываются новые знакомства. И люди все очень образованные, интеллектуальные . То, что называется знаменитой петербургской интеллигенцией. Они дают тебе богатую пищу для размышлений. Единственное, что расстраивает, что жители Петербурга часто нелестно отзываются о Москве и москвичах. Хотя москвичи очень хорошо относятся к петербуржцам. Меня, например, расстроило, что, зайдя в книжный магазин, я увидел чашку, на которой написано: «Петербург лучше Москвы». Не могу понять, в чем причина. У меня здесь больше вопросов, чем ответов. К чему это соревнование? Каждый город хорош по-своему.

- На мой взгляд, это все от комплекса неполноценности, от ощущения, что ты живешь в бывшей имперской столице, причем важно, что она именно «бывшая». Отсюда и термин «культурная столица», который на самом деле ничего не обозначает, разве что наличие действительно главных культурных заведений XIX века. Сейчас у Вас больше возможностей посмотреть наш город ведь в последнее время Ваше имя значится и в афише Михайловского театра.

И.Ц.
– Когда я ушел из Большого, мне поступило предложение от Кехмана станцевать что-то с труппой Михайловского театра. И я очень благодарен ему за такую возможность. А на тот момент это еще и возможность приезжать в Россию. Я, в принципе, давно хотел быть где-то приглашенным солистом. И спасибо Владимиру Абрамовичу за такой шанс. Первый мой выход был в партии принца из спектакля «Золушка». Хотя я стараюсь избегать роли принцев, считая, что это не мое, но этот спектакль, как мне кажется, мне подходит, потому что там есть драматический накал, он, как говорится, «лег на меня». И еще я исполняю Спартака в одноименном балете в постановке Ковтуна.

- Интересно сравнить со «Спартаком» Григоровича, который Вы танцуете в Большом.

И.Ц.
– Это нельзя сравнивать. Это абсолютно два разных художника. Для меня спектакль Юрия Николаевича (Григоровича - прим. ред.) – это вершина синтеза драматического и хореографического искусства. Ты в нем можешь выплеснуть массу эмоций. И показать свои способности – это и прыжки, и вращения, и дуэтный танец со сложнейшими поддержками. Этот спектакль вбирает в себя весь спектр возможностей балета, он вмещает все, что может балет передать зрителям. Мне кажется, что человек, который никогда не видел балет, после «Спартака» Григоровича влюбится в это искусство. Когда старшее поколение вспоминает наших легендарных артистов балета, и Владимира Васильева, и Мариса Лиепу, и Михаила Лавровского или Юрия Владимирова, говорят, что этот балет был как полет в космос. А спектакль Ковтуна стилистически другой, это спектакль ХХI века, своеобразный блокбастер, где и бои с металлическим мечом, что у тебя рука отваливается, и ты ощущаешь себя гладиатором как в кино. При этом есть и очень сложная хореография.

- Не надо забывать и о «Спартаке» Якобсона, безусловном шедевре хореографии. Хотя у Якобсона разве были не шедевры!

И.Ц.
– Мне его видеть не приходилось.

- У Григоровича я выше всего ставлю «Легенду о любви». Особенно на огромной сцене Большого театра.

И.Ц.
– Да, безусловно. Но «Легенду о любви» я увидел позже. А, когда я учился в училище и увидел «Спартак», то подумал, что это моя мечта – станцевать его. К этой мечте я шел очень долго, эту партию я готовил шесть лет. И, благодаря Махару Хасановичу, мечта стала реальностью.

- Тут Вас недавно видели в Барселоне.

И.Ц.
– Если руководство театра меня отпускает, я с удовольствием выступаю и в других театрах. В Барселоне на фестивале я танцевал «Дон Кихот».

- Я знаю, что Вазиев очень не любит отпускать артистов.

И.Ц.
– Скажем, с Махар Хасановичем можно договориться. Я считаю, что мне с ним повезло. И то, что он дает мне возможность уезжать.

Вы, наверно, являетесь лучшим исполнителем партии Филиппа в балете “Пламя Парижа”. А в Михайловском театре не хотите ее станцевать?

И.Ц.
- Это все обсуждается. И “Корсар”, и “Баядерка”. Очень бы хотелось станцевать в Михайловском театре “Лауренсию”. Но она, к сожалению, идет очень редко. Думаю, что до конца сезона меня еще можно будет в чем-то увидеть здесь.

Добавим: в Михайловском театре сообщили, что 6 июня Игорь Цвирко станцует на сцене театра главную партию в балете “Дон Кихот”. Хочется выразить надежду, что нас еще ждет неоднократное выступление Игоря Цвирко в Петербурге.

====================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июн 07, 2019 9:49 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019060701
Тема| Балет, Музыкальный театр Карелии, Персоналии, Кирилл Симонов
Автор|
Заголовок| Новый балет Кирилла Симонова откроет международный фестиваль Nord Dance
Где опубликовано| © Интернет-газета «СТОЛИЦА на Onego.ru»
Дата публикации| 2019-06-07
Ссылка| https://stolicaonego.ru/news/novyj-balet-kirilla-simonova-otkroet-mezhdunarodnyj-festival-nord-dance/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В Музыкальном театре Карелии идут финальные репетиции спектакля "Чайка. Искусство любить".

Балет "Чайка. Искусство любить" поставлена Кириллом Симоновым на музыку Родиона Щедрина и способна удивить даже самых последовательных поклонников хореографа. В этом спектакле ломаются многие стереотипы балетного театра, причем не только в переносном, но и в буквальном смысле: планшет сцены перестает быть привычно ровной плоскостью для танца. Для Симонова такое художественное решение - метафора внутреннего мира героев, в котором все сломано, перевернуто, непостоянно, где на глазах зрителей переворачивается их жизнь.

Центральные партии на премьерном показе исполнят солисты Московского театра имени Н. И. Сац Анна Маркова (Нина Заречная), Иван Титов (Константин Треплев) и Олег Фомин (Тригорин). Роль Аркадиной хореограф доверил актрисе театра "Ad LIBERUM" Елене Сапегиной. О своих героях в балете "Чайка. Искусство любить" артисты говорят единодушно: персонажи спектакля такие же, как у Чехова, больших отступлений от пьесы нет.

Тем не менее, "Чайка. Искусство любить" в версии руководителя карельского балета выступает, скорее, продолжением поиска смыслов, заложенных в пьесе Чехова, культовой для русского театра, и становится своеобразной исследовательской лабораторией, где предмет исследования – человеческая душа. Это эксперимент на стыке жанров, работа очень современная по стилистике и сценическому решению, но чеховская по духу.

"Чайка. Искусство любить" станет первым спектаклем афиши Международного фестиваля современной хореографии Nord Dance, который стартует 8 июня. Далее карельский балет уступит сцену танцорам из Норвегии, Финляндии, Екатеринбурга и Москвы. Всего в программе фестиваля шесть театральных вечеров, на которых зрителям будет представлено искусство современного танца во всем его творческом многообразии. В течение недели спектакли будут проходить на сценах Музыкального и Национального театров, Театра драмы "Творческая мастерская". В программе фестиваля есть также мастер-классы и лекции. Расписание событий фестиваля Nord Danc представлено на сайте музыкального театра Карелии.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июн 07, 2019 11:09 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019060702
Тема| Балет, Санкт-Петербургский театр балета, Персоналии, Борис Эйфман
Автор| Корр. ТАСС Наталья Славина
Заголовок| Эйфман признался, что часто чувствует себя Пигмалионом
Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2019-06-07
Ссылка| https://tass.ru/kultura/6521242
Аннотация|

Руководитель Санкт-Петербургского государственного академического театра балета подчеркнул, что многих артистов приводит к мировому успеху

НЬЮ-ЙОРК, 7 июня. /Корр. ТАСС Наталья Славина/. Руководитель Санкт-Петербургского государственного академического театра балета Борис Эйфман признался, что зачастую испытывает схожие с Пигмалионом чувства и эмоции - в частности, когда воспитывает новых артистов балета. Об этом хореограф рассказал в беседе с корреспондентом ТАСС в Нью-Йорке, где он в пятницу представит премьеру 2019 года - спектакль "Эффект Пигмалиона".

"Я тоже в какой-то степени Пигмалион, потому что ко мне приходят артисты, практически не умеющие ничего, кроме элементарного экзерсиса, - пояснил он. - Многих из них я привожу к мировому успеху, всевозможным премиям, потому что я работаю с ними, открывая в них то, что они сами в себе не предполагают. Это тоже такая пигмалионовская история - по созданию из, грубо говоря, полуфабриката шедевр".

"С другой стороны, эта тема Пигмалиона прекрасна еще и тем, что дает возможность художнику показать пластическую метаморфозу. Очень интересно показать в спектакле пластическое развитие, действие, не просто рассказать сюжет, а показать пластическую историю, - отметил Эйфман. - В спектакле, который весь пронизан комедийной хореографией, веселыми сценами, главное - показать метаморфозу, которая происходит с главной героиней, возможности современного театра в развитии, разные техники и пластику танца и, возможно, даже хореографию будущего".

Зритель нуждается в эмоциях

Труппа представит премьеру на сцене New York City Center в течение трех дней - 7,8 и 9 июня. С этим театром Борис Эйфман сотрудничает более 20 лет, именно здесь состоялся нью-йоркский дебют труппы в апреле 1998 года. "Эффект Пигмалиона" станет 17-й премьерой, которую Эйфман привозит в Нью-Йорк, она завершит северо-американские гастроли труппы этого года, в рамках которых постановку уже посмотрели зрители Чикаго (штат Иллинойс), Лос-Анджелеса и Сан-Франциско (Калифорния).

"Мы стараемся соответствовать любви американского зрителя, благодаря которой наш театр стал здесь таким востребованным и успешным, стараемся не разочаровывать и на протяжении 20 лет показывать каждый год новые успешные спектакли. Мы приезжаем в Нью-Йорк каждый год с новой программой - в этом привезли "Пигмалиона", в прошлом четыре аншлага собрали на "Анну Каренину", и любовь наша к Нью-Йорку и нью-йорской публики [к нам] - взаимная, - считает хореограф. - Если б не было признания, никто б нас не приглашал так часто".

"Наши спектакли - явление уникальное, так как, наверное, мы - единственный театр в мире, который дает такие сильные эмоциональные потрясения, мощную эмоциональную энергетику, в которой столь нуждаются люди. Сегодня ведь оторвать людей от телевизоров, компьютеров, заставить платить деньги, пойти на балет - очень сложная история, но люди, которые приходят к нам, знают, что получат то, что нигде не получат - ни в домашних условиях, ни у компьютеров, нигде. Это - взаимный обмен энергетикой, который подпитывает людей, проживающих непростую жизнь современности, - пояснил Эйфман. - Этот балет стал не просто эстетическим явлением, а жизненной необходимостью".

В следующем году Борис Эйфман намерен привезти в Нью-Йорк еще одну премьеру - спектакль "Русский Гамлет". Артисты труппы будут исполнять его вместе с оркестром Санкт-Петербургской филармонии. "Это будет очень яркое, важное событие", - пообещал руководитель театра.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июн 07, 2019 11:13 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019060703
Тема| Балет, Санкт-Петербургский театр балета, Персоналии, Борис Эйфман
Автор| Корр. ТАСС Наталья Славина
Заголовок| Борис Эйфман считает, что хореографическое образование и балет переживают кризис
Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2019-06-07
Ссылка| https://tass.ru/kultura/6521180
Аннотация|

Это касается "не только российского, но и мирового" балетного искусства, отметил руководитель Санкт-Петербургского государственного академического театра балета

Хореографическое образование и балет в целом переживают кризисные явления в России и мире. Об этом в беседе с корреспондентом ТАСС в четверг заявил руководитель Санкт-Петербургского государственного академического театра балета Борис Эйфман, который находится в Нью-Йорке с гастролями труппы.

"Сегодня есть кризис в хореографическом образовании - некому танцевать, сочинять хореографию, некому учить. Есть проблемы, - сказал он. - Да, есть яркие единицы, но это лишь единицы, исключение из правил. В целом, есть ощущение кризиса балетного искусства - не только российского, но и мирового".

"Наша балетная история не может себе позволить долго находиться в этом состоянии, - считает Эйфман. - Государство сейчас дает возможность создать уникальный центр балета, и мы надеемся, что оправдаем доверие, будем достойны вложений, дадим возможность появлению нового поколения универсальных, талантливых деятелей балета".

Хореограф рассказал, что в Петербурге в ближайшее время начнет действовать целый образовательный и культурный кластер для детей, занимающихся балетным искусством. "Рядом со школой танца, которая уже функционирует шесть лет, заканчивается строительство Детского театра танца - единственного такого театра в мире, - пояснил он. - А 1 сентября у нас откроется еще новая общеобразовательная школа (при Академии танца Бориса Эйфмана - прим. ТАСС) - просторная, удобная. Мы стараемся создать уникальные условия, чтоб появилось новое поколение деятелей балета, которых мы так ждем".

Потребность души - искусство

"Обычно все школы балета берут детей с пятого класса - это 11-летний ребенок, довольно сформированная личность, маленький взрослый человек. А мы берем детей с семилетнего возраста - в начальном периоде созревания. В этом возрасте мы хотим внушить ребенку, передать его душе любовь к балету, танцам, музыке, служение искусств, - рассказал хореограф. - Это очень важно, потому что жизнь балетных артистов сложная, травмоопасная, трудная в психологическом отношении, и они должны быть людьми, фанатично влюбленными в танец, теми, кто не может жить без балета. Чтобы у их души была потребность быть в искусстве".

"Поэтому, когда бы отбираем детей, смотрим на их физические данные, специальные параметры, которые говорят о том, может ли ребенок служить нашему искусству, то также смотрим и на многое другое - внешние данные, артистизм, желание жить в танце. Мы ищем "ребенка от бога", созданного природой для танца", - пояснил балетмейстер.

По его словам, с каждым годом в России все больше родителей хотят отдать своих детей учиться на артистов балета. "У нас, действительно, прекрасные условия для созревания творческой личности - дети лишены улицы, которая не всегда благоприятно влияет на их развитие, они находятся в центре внимания и заботы наших воспитателей, педагогов, и у них идет постоянное общение с музыкой, танцем, искусством, - подчеркнул Борис Эйфман. - Дети получают прекрасное общее образование - блестяще сдают ОГЭ, участвуют в олимпиадах по математике, истории, литературе, английскому языку. Это ведь уникальный случай, когда балетные дети участвуют и даже выигрывают в таких олимпиадах. Мы стараемся воспитать уникальное поколение не только универсальных артистов, но и образованных интеллигентных людей, которые должны представлять искусство в мире".
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июн 07, 2019 11:31 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019060704
Тема| Балет, Международный балетный фестиваль (Чебоксары)
Автор| Александр Максов
Заголовок| Фестивали расставляют акценты. Чувашия приглашает
Где опубликовано| © Портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2019-06-07
Ссылка| https://musicseasons.org/festivali-rasstavlyayut-akcenty-chuvashiya-priglashaet/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


Международный балетный фестиваль прошел в столице Чувашии в двадцать третий раз. Восьмидневная афиша праздника, посвященного Году театра в России и 550-летию Чебоксар, пригласила зрителей на спектакли самых разных жанров и авторов, впервые адресуясь не только взрослой аудитории, но и детям. Так проявляется взвешенность репертуарной политики фестиваля со стороны главного балетмейстера театра Данила Салимбаева. Вероятно, его можно считать и основным ньюсмейкером, поскольку именно творчество Салимбаева заняло в программе одно из самых значительных мест. Прежде всего, речь о премьере балета «Аттила. Рождение легенды», открывшей фестиваль. Спектакль в двух действиях возник с нуля, что по нынешним временам большая редкость! Постановка на историческую тему о прародителях современных чувашей стала возможной благодаря Гранту Главы Чувашской Республики. Здесь уместно сказать о том, что Михаил Васильевич Игнатьев проявляет неподдельный интерес к хореографическому искусству. Как он сам признается, балет все больше его увлекает, становится понятным. В дни фестиваля Глава не раз побывал в театре, общался с артистами после выступлений, каждый вечер от его имени девушки в национальных костюмах выносили на сцену роскошную корзину цветов.

Итак, театр заказал партитуру будущего балета композитору Андрею Галкину, Сам Салимбаев сочинил либретто и хореографию, художник-постановщик Валентин Федоров придумал сценографию и костюмы. Здесь и шаманские атрибуты, увенчанные коровьим черепом, и фрагменты оборонительной стены, усеянной стрелами, и астрономические символы, уводящие в космические дали.

Балет открывает пространная увертюра, длительности которой могли бы позавидовать Россини и Верди. Музыка начинает эпос и вводит зрителя в бурные события «старины глубокой». В сцене пролога, озаренной раскаленным диском солнца, противоборствуют четыре князя (Максим Семенов, Константин Дунаев, Булат Гатин и Фарход Камолов). Еще минута, и в их руках сверкнут мечи. Но величественный старец Тура (Андрей Субботин) с магическим посохом в руках предотвращает кровопролитие. Он ведет свой нравоучительный рассказ, призывая горячих воинов к разуму. По мысли этого былинного персонажа только вершители народных судеб, объединившие людей, останутся в памяти поколений, превратившись в мифы и легенды. Тут, конечно, можно и поспорить, ведь Аттила вошел в историю не столько как мудрый правитель, сколько жестокий разрушительный варвар. Но, право художника по-своему расставлять акценты, и Салимбаев переводит исторические реалии в области поэтические. В частности, придумывает Реку Времени – Атал (Анастасия Абрамова) в сопровождении десяти лирических девушек-волн в ниспадающих голубых одеждах – образ самого течения жизни.


Сцена из спектакля. Фото – Сергей Михайлов

Прием замечательный, так успешно опробированный Юрием Григоровичем хотя бы в собирательном образе воспаленных «мыслей-видений» Мехменэ Бану в «Легенде о любви». Впрочем, и в соперничестве полководца Флавия Аэция (Алексей Рюмин) с Аттилой (Дмитрий Поляков) проглядывает конфликт Красса со Спартаком все того же Григоровича. Приревновал ли Флавий к Атилле Галлу Плацидию (Анна Серегина), или прозорливо увидел в Аттиле врага Рима и своего личного, не совсем понятно. Путаницу усиливает и образ Принцессы Ильдики, в исполнении все той же Анны Серегиной. Замыслил ли э балетмейстер это двуединство, или производственная необходимость закрепила за одной артисткой обе партии? Как трудно все же написать внятное балетное либретто! Ничуть не легче, чем избегнув назидательности, осуществить режиссуру исчерпывающей театральной ясности. Быть может, стоило обратиться к одноименной опере Верди, умевшего, подобно Шекспиру, вычленить драму из множества жизненных сюжетов и широкого круга исторических персонажей. Что касается самих танцев, то в спектакле их много ярких, жанрово различных.

Пространство сцены охватывают темпераментные пляски римских легионеров и гуннов, прыжковые вариации Аттилы и Флавия, solo Галлы Плацидии, бесчинство амазонок с копьями в руках, томная хореография восточных дев (Юлия Рункина и Виктория Севоян). Конечно, изобретательные чувственные дуэты. Именно актерская самоотдача смикшировала изъяны постановки, которой театр гордится, а публика тепло приняла.

Любовью маленьких зрителей неизменно пользуются два балета – «Золушка» в постановке Салимбаева и «Конек-горбунок» в постановке Бориса Мягкова. Спектаклями дирижирует опытная Ольга Нестерова, и они – раздолье для танцовщиков-артистов. Скромная Золушка Ольги Васильевой не может не вызывать сочувствие ее злоключениям, а великолепный триумвират Юлии Рункиной (Мачеха), Ангелины Мишариной и Виктории Севоян (Сестры), напротив, – источник детского осуждения и неприятия.

Колоритные образы созданы исполнителями в «Коньке-горбунке» Ангелиной Мишариной (Царь-девица и Жар-птица), Викторией Севоян (Водяница). Игровые партии с блеском и юмором проводят Карим Мубаракшин и Булат Гатин (Гаврила и Данило), Андрей Субботин (Царь), Геннадий Виноградов (Конюшенный, спальник), Юрий Свинцов и Михаил Яковлев (Бояре). Ну а миниатюрную и в то же время успешно преодолевающую недюжинные трудности партии Татьяну Альпидовскую в образе Конька-горбунка просто не превзойти.

Участниками фестиваля стали три приглашенных коллектива. Пермский Театр «Балет Евгения Панфилова» показал работу участников Мастерской Владимира Васильева. Наставник задает молодым хореографам различные литературные темы. В Чебоксары привезли «Балет-сюиту Tolstoy», и можно только догадываться, почему же фамилию великого русского писателя решили писать латиницей? Свои работы представили Юлия Бачева («Дьявол»), Алексей Расторгуев («После бала»),

Выбор музыки Расторгуевым показался довольно спорным. Он презрел пропасть, разделяющую рассказ Толстого и музыку автобиографической Шестой симфонии Чайковского, слишком величественной в ее обобщающей исповедальной образности, безмерной в заключенных в ней страдании и скорби. Как реквием, глобально противопоставляющий жизнь и смерть. Возникли вопросы. Например, почему Иван Васильевич обут в лакированные туфли, тогда как Варенька босая? Балетмейстер увлекся метафорами, не все они разгадываются легко. Петр Владиславич появляется на сцене, опираясь на огромное белое крыло, как на костыль. Потом, белое крыло сменяется черным, превращая отца Вареньки в подобие падшего ангела. Замысловатая аллегория, не правда ли? По мере избиения татарина-дезертира, героиня поднимается по выстроенным в ряд кубам, исполняющим функцию передвижных декорационных конструкций. Так что Расторгуев стремится не просто иллюстрировать сюжет, а с помощью деталей реквизита и активных кордебалетных композиций (артисты несут образ военных, танцующих с дамами на балу, или исполняющих служебный казарменный долг) создать философскую аллюзию, и, тем самым – эмоциональное напряжение. Во всяком случае, он заставляет зрителя искать разгадку авторского замысла.

Константин Кейхель показал две наиболее запоминающиеся работы – «Анна Каренина» и пронзительную хореографическую новеллу «Однажды зимой» (по мотивам повести «Хозяин и работник»). В ряду удач «Молох» Павла Глухова, обратившегося к «Севастопольским рассказам» (муз. Н. Фрама, А. Пярта, аранжировка К. Чистякова), а также «Записки сумасшедшего» Александра Могилева (муз. Л. Яначека).

Второй приглашенной труппой стал Московский театр «Новый балет». Артисты представили двухактный балет «Опасные связи», поставленный по мотивам романа Шарло де Лакло балетмейстером Соной Овсепян. В спектакле немало достоинств. Прежде всего, великолепная музыка Эцио Боссо. Интересную, постоянно меняющуюся, хотя и довольно простую декорацию придумала Полина Бузанова. На арьере панно с изображением барочной дворцовой залы и строками интимных записок, Фрагмент будуара принадлежит поочередно разным героям и, разворачиваясь по оси, или перемещаясь по сцене, «действует» в разных сюжетных ситуациях. В хореографии спектакля кое-что придумано остроумно: пластичные дуэты героев, женский кордебалет, зажавший во рту бумажки, стал символом любовной переписки героев куртуазно-развращенного XVIII века.

Замысел балетмейстера вполне успешно доносят экспрессивная Светлана Макаренко (Маркиза де Мертей), Егор Маслов (Виконт де Вальмон), Евгения Бондарь (Мадам де Турвель), Мария Плахотина (Сесиль де Воланж), Андрей Остапенко (Шевалье Денсени). Но в результате невозможно избавиться от вопроса: что, в конце концов, случилось с Вальмоном?

В спектакле он как-то незаметно исчезает со сцены, избавленный от гибели в дуэли. Отсутствие морали? Не раскрыт до конца «идейный смысл произведения»? Все так. Но вряд ли это сознательная задача постановщика. Несомненно, и здесь проявилось вольное отношение к законам сценической режиссуры и балетной драматургии. А может и – увы – неумение их выстроить.

Триаду гостевых спектаклей завершила «Эсмеральда» Марийского театра оперы и балета им. Э. Сапаева. Балет на музыку Ч. Пуньи осуществил художественный руководитель театра Константин Иванов. Он же автор либретто, согласно которому балет начинается со сцены Клода Фролло (Кирилл Паршин), наблюдающего за танцем Эсмеральды (Екатерина Байбаева) с крыши Собора Парижской богоматери. Любовная коллизия Эсмеральды и Феба (Иван Мелехин) претерпевает этапы пылкой страсти, ревности и предательства. В конце концов, Феб отдает приказ схватить Эсмеральду, фактически обрекая ее на казнь. Иванов отчасти приближает балет к роману Гюго, вводя персонаж Татьяны Чистиковой (Гудула) – помешавшейся от горя матери Эсмеральды – он несколько рефлексирует одноименным спектаклем Владимира Бурмейстера. Сочиняя собственную хореографию, Иванов не удержался от включения в танцевальную ткань балета жемчужин Петипа (Pas de six Эсмрелаьды, Гренгуара (Артем Веденкин) и четырех подруг-цыганок), а также pas de deux Николая Березова, которые сам Иванов некогда великолепно и с любовью танцевал на сцене Большого театра.

Иванов, все делающий с истинным размахом привез в Чебоксары не только балет, но и целый оркестр своего театра во главе с главным дирижером Григорием Архиповым.

Два балетных дивертисмента приготовил Чувашский театр. «Petipa gala» вызвал повышенный интерес эксклюзивом театра – «Гранд-па звезд» из балета «Приказ короля». Сто тридцать лет назад балет поставил в Большом театре Петербурга Мариус Петипа, но теперь нотный материал пришел из Калифорнии благодаря петербургскому балетоведу Наталье Зозулиной.

Удачную инструментовку музыки Луи Альбера (Альберто) Визентини осуществил дирижер Леонид Привалов, который продирижировал собственным опусом. Хореография стала плодом творческой фантазии Данила Салимбаева, умело стилизовавшего танец под стилистику Петипа, с одной стороны, а с другой – насытившего ее вполне современными техническими идеями. На сцене царила Анна Серегина (Заря) и Алексей Рюмин (Ночь), который делает впечатляющие творческие успехи. На артиста выпала и ответственность исполнить партию Солора в картине «Тени».

Рюмин, пришедший в профессию в двадцать один год, гораздо позже, чем, например, Асаф Мессерер и Нуреев, и проучившись всего три года, танцевать любит и готов без устали. Повиснуть в воздухе в jete entrelace ему нипочем.

Салимбаев тоже оказался неутомимым. Тем же вечером, как еще один собственный homage Петипа, он представил хореографическую картину «Сон Авроры», на музыку музыкального антракта Чайковского к «Спящей красавице». Гармоничный дуэт здесь составили Ольга Васильева и Дмитрий Абрамов, и финал их лирического танца «зазвучал» особенно трогательно. В концерте приняли участие гости. Солисты Михайловского театра Сабина Яппарова и Эрнест Латыпов исполнили ведущие партии в Gand pas из балета «Пахита». Здесь уже заблистала подлинная хореография Мариуса Ивановича.

Гостевую эстафету петербуржцы передали иноземным артистам, участникам заключительного гала-концерта. Солист Кыргызского театра оперы и балета им. А. Малдыбаева – разрывающий своими темпераментными прыжками пространство Фарух Садыркулов прекрасно оттенял изящную чувашскую танцовщицу – милую Ульяну Альпидовскую в pas de deux из балета «Пламя Парижа».

Ксения Овсяник и Денис Виера (Государственный балет Берлина) исполнили хореографическую миниатюру «Mesh» Д. Уильямсона на музыку Д. Табакова. Трудно сказать, что ближе солистам театра «Кремлевский балет» Екатерине Первушиной и Егору Мотузову – Adagio из балета «Фигаро» Андрея Петрова на муз. Моцарта, или Pas de deux Медоры и Раба («Корсар»)? Пожалуй, самый громкий восторг публики вызвали Аманда Гомес и Вагнер Корвальо, преобразившиеся после окрашенного национальными мотивами дуэта Сюимбике и Былтыра («Шурале» Ф. Яруллина-Л. Якобсона). Бразильцы, работающие в Татарском театре оперы и балета им. М. Джалиля, буквально взорвали зал великолепием своего мастерства и яркостью хореографии талантливого Александра Могилева, который придумал для них хореографическую новеллу «Все ветер» на музыку Массне. В этом психологическом дуэте-драме встречаются «два одиночества». Странноватые персонажи, сочетающие в облике нечто клоунское, и печальное. Глубоко опустошенные душевно, они легко добиваются взаимопонимания, и теперь жизнь не воспринимается ими столь отчаянно безнадежной и бессмысленной. Ветер уносит все печали…
За дирижерский пульт заключительного концерта фестиваля встал тонкий музыкант Дмитрий Банаев, занявший должность художественного руководителя театра. В театре открылась новая творческая глава.

==========================================================================
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Июл 03, 2019 3:29 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, ... 10, 11, 12  След.
Страница 2 из 12

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика