Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2019-05
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6 ... 9, 10, 11  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 17, 2019 12:45 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019051705
Тема| Балет, фестиваль Бенуа де ла Данс, Международного приз Бенуа де ла Данс
Автор| Алла МИХАЛЕВА
Заголовок| ​ Сюрпризы Бенуа
Где опубликовано| © «Экран и сцена»
Дата публикации| 2019-05-16
Ссылка| http://screenstage.ru/?p=10897
Аннотация|

Приближается одно из главных событий балетного сезона – двухдневный фестиваль Бенуа де ла Данс и вручение Международного приза с тем же названием.

21 мая на Исторической сцене Большого театра назовут и наградят лауреатов, после чего состоится концерт номинантов и тех, кому в этот вечер посчастливится стать обладателями приза. Второй день – 22 мая – будет отдан масштабному гала с участием лауреатов прошлых лет. А это сплошь цвет международной балетной сцены. Если начать перечислять артистов, ставших за 26 лет существования приза его обладателями, то выйдет золотой список мирового балета.

Высокий уровень Бенуа не в последнюю очередь обеспечивается составом интернационального жюри, в котором – руководители лучших танцевальных трупп, знаменитые и выдающиеся хореографы и танцовщики, чье присутствие само по себе создает особую атмосферу. В этом году в «судейскую коллегию» вошли Тед Брандсен – директор Национального Балета Нидерландов; Анна Лагуна – международная звезда, балетмейстер-педагог, соратница и муза выдающегося хореографа современности Матса Эка; Аньес Летестю – этуаль Парижской оперы, одна из лучших балерин рубежа веков, «королева Аньес», как ее называют французы; Владимир Малахов – педагог и хореограф; американка Рейчел Мур – президент и генеральный директор Музыкального центра в Лос-Анджелесе. Впервые членом жюри стал представитель африканского континента Дёрк Баденхорст – генеральный директор Южно-Африканского международного конкурса балета, директор Балета Мзанси и школы КуДанЮА. В этой связи у фестиваля появился новый графический символ (пока неизвестно, станет ли он эмблемой Бенуа) – пять разноцветных фигурок приза, олицетворяющие пять континентов. Возглавляют жюри его бессменный председатель Юрий Григорович и российская прима-балерина Светлана Захарова – со-председатель.

Самый почетный приз – «За жизнь в искусстве» – присужден дважды лауреату Бенуа Иржи Килиану. Правда, рассчитывать на приезд маэстро не приходится, выдающийся хореограф давно отказался от дальних путешествий. Среди номинантов – ярчайшие деятели балетной сцены, знакомые российскому зрителю, и те, с чьим творчеством только предстоит встретиться. Это хореографы Хуанхо Аркес, выдвинутый за постановку балета «Пламя» Кэйт Уитли в Бирмингемском Королевском Балете, Септиме Вебре за «Волшебника из страны Оз» Мэттью Пирса (Балет Канзас-Сити) Манюэль Легри за «Сильвию» Лео Делиба (Венский государственный балет), Фредерик Бенке Ридман за «Дуэт с индустриальным роботом» Йохана Лилге Дала и Карла Йохана Расмуссона (Стокгольмский государственный театр), Кристиан Шпук за «Зимний путь» Ханса Зендера / Франца Шуберта (Цюрихский балет) и Джастин Пек за «Торопись, мы мечтаем» М83 (Энтони Гонзалес, Ян Гонзалес, Брэдли Лэйнер, Джастин Мэндал-Джонсон; Балет Сан-Франциско).

Примечательно, что почти все названные балеты будут представлены в гала. К сожалению, не получится увидеть балет «Робот», так как заглавный персонаж весит тонну. Поэтому постановщик – шведский хореограф Фредерик Ридман – специально для концерта ставит миниатюру.

В рамках Бенуа-2019 состоится еще несколько московских и мировых премьер, эксклюзивно подготовленных по случаю гала.

Среди танцовщиков-номинантов – солисты Парижской оперы, Нью-Йорк Сити балета, Берлинского государственного балета, Национального Балета Нидерландов, Балета Сан-Франциско, Шведского королевского балета, Королевского балета Великобритании и других знаменитых трупп. Большой театр представлен Анастасией Сташкевич, номинированной за партию Долли в балете «Анна Каренина» Джона Ноймайера, и Вячеславом Лопатиным – за заглавную партию в балете «Фавн» Сиди Ларби Шеркауи.

В гала-концерте лауреатов прошлых лет обещают много современных номеров и неоклассики. Почти ни один Бенуа не обходится без хореографии Джона Ноймайера. 22 мая будет показана комбинация двух его дуэтов Орфея и Эвридики, перетекающих один в другой, в исполнении первых солистов Гамбургского балета Сильвии Аццони и Александра Рябко и премьеров Американского балета Джоффри Виктории Джайяни и Темура Сулуашвили. В гала примет участие еще одна пара танцовщиков знаменитой гамбургской труппы – Анна Лаудере (удостоенная в этом году российско-итальянского приза «Бенуа–Мясин») и Эдвин Ревазов. Они исполнят фрагменты балетов мэтра «Проект Бетховен» и «Адажиетто» из Пятой Симфонии Малера. Неожиданный современный номер «Дегунино» покажет российско-американская балерина, выпускница Московской академии хореографии Мария Кочеткова, также обладательница приза «Бенуа–Мясин».

Одним словом, зрителей ожидает много сюрпризов. Один из них – участие в гала-концерте артистов Театра имени Евг. Вахтангова, давно «практикующих» в области танца. Они примут участие в сценах из спектаклей Анжелики Холиной «Пиковая дама», «Отелло» и «Анна Каренина». Как будут выглядеть вахтанговцы, прекрасно справляющиеся со своими ролями на драматической сцене, рядом со звездами мирового балета – одна из интриг вечера. Впрочем, в хореографии Холиной выступит и прима-балерина Большого театра Ольга Смирнова. Она и ее партнер покажут мировую премьеру – сцены из «Кармен».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 17, 2019 1:05 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019051706
Тема| Балет, Международный фестиваль им А. П. Чехова, Шанхайский балет, Персоналии, Патрик де Бана
Автор| Анна Сердцева
Заголовок| ​ «ЭХО ВЕЧНОСТИ»: ВОСТОЧНОЕ ЛЮБОВАНИЕ УГАСАНИЕМ
Где опубликовано| © «ВашДосуг.RU/VashDosug.RU»
Дата публикации| 2019-05-16
Ссылка| https://www.vashdosug.ru/msk/theatre/article/2538707/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Впервые в Москве в рамках Международного фестиваля им А. П. Чехова состоялся показ нового балета знаменитого хореографа Патрика де Бана, специально сочиненного им для труппы Шанхайского балета. Пронзительный сюжет древнекитайской классической литературы он соединил с неоклассической хореографией и величественным саундтреком, составленным из произведений Армана Амара, Филиппа Гласса и древних японских ритмов. О премьере специально для «Вашего досуга» рассказывает Анна Сердцева.


Источник: пресс-служба Чеховского фестиваля

Босиком на полутёмной сцене практически без декораций и без оркестра — так в исполнении Шанхайского балета разворачивается древняя китайская легенда о роковой страсти императора Китая к своей наложнице. Плотный, вязкий, как неизбывная вечная печаль, и пронзительно нежный — таков «Эхо вечности», новый балет Патрика де Бана — одного из самых востребованных европейских хореографов двух последних десятилетий. А также человека с одной из самых экзотических родословных, которые только можно себе вообразить: мать – немка, отец – родом из Нигерии, бабушка и дедушка — эмигранты из Венгрии и Польши.

Видимо, чувство эклектики культур у хореографа в крови: балет получился безупречно восточным по своему духу и безупречно европейским по своей структуре. Здесь есть и минимализм в оформлении сцены, и завораживающая статичность поз, и европейская номерная структура соло, па-де-де, групповых танцев, и энергетика ритмов японских барабанов Кондо.

В результате, перед зрителем разворачивается чувственная, мистически завораживающая история, при этом, настолько доступно и наглядно поданная, что она легко воспринимается даже без предварительного знания сюжета. Сочетание простоты, экономии, отточенной выразительности средств с драматичной сюжетной канвой о самой высокой из жертв, которую можно принести во имя любви, — это лучшее и самое сильное решение спектакля.

Никакого света верхней рампы, никаких софитов — императора и его возлюбленную Ян Гуйфэй освещает один единственный луч прожектора. В самых выразительных моментах сцена практически пустует, и это ощущение пространства и воздуха становится бесплотной, но прочной тканью спектакля, шёлковой, струящейся, окутывающей зрителя с ног до головы. Даже во время активных массовых эпизодов это ощущение не покидает, с ним свыкаешься совершенно, и начинает казаться, на сцене лишь два героя — постоянно, и никого кроме них. Что бы ни происходило вокруг: сцены битвы или внезапная наступающая тишина (на этом месте зал буквально перестаёт дышать: всё пропало, музыку отключили!) — император и его наложница, замерев, существуют в своём измерении и всегда на первом плане. Вечность со всеми её отголосками принадлежит им.

На обладание вечностью посягает ещё один персонаж, и этот образ, пожалуй, самое страшное и завораживающее, что есть в спектакле. Эффект, который вызывает внезапное переключение от лебединой пластики адажио к судорогам паукообразного существа из хоррор-фильмов, нужно испытать самому — пытаться описать его бесполезно.

Де Бана не боится играть с музыкальным временем. И время ему послушно повинуется: то замирает на полутакте, то запускается вновь. Звук идёт не из оркестровой ямы, а из колонок, обволакивая всё пространство зала — то тягучей стилизацией под этнику в духе циммеровского «Гладиатора», то кантиленой оперного бельканто, то грохотом японских барабанов.

«Эхо вечности» — это по-настоящему трогающий балет: живой, трепетный, беспуантный — и от этого особенно и беспомощно прекрасный. Восточное любование угасанием, тихое, обращённое в себя отчаяние — и шаги босых ног на чёрной глади сцены, «последней нежностью» выстилающие уходящий в вечность след.

==============================================================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 17, 2019 1:27 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019051707
Тема| Балет, Персоналии, Патрик де Бана
Автор| корр.
Заголовок| ​ ПАТРИК ДЕ БАНА: «ЕСЛИ ТВОЕ ТЕЛО СОПРОТИВЛЯЕТСЯ, ЗНАЧИТ ТВОЯ ДУША ЭТОГО НЕ ХОЧЕТ»
Где опубликовано| © «ВашДосуг.RU/VashDosug.RU»
Дата публикации| 2019-05-16
Ссылка| https://www.vashdosug.ru/msk/theatre/article/2538694/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

InnerVIEW — первая масштабная попытка взглянуть на современное искусство изнутри. В формате интервью-бесед ведущие театральные режиссеры, продюсеры, композиторы, менеджеры, кураторы, исполнители, музыканты, художники, драматурги и писатели делятся с шеф-редактором «Вашего Досуга» Inner Emigrant своими взглядами на профессию и размышлениями о происходящих тенденциях. Гостями уже были Максим Диденко, Кристоф Рок, Всеволод Лисовский, Ильдар Абдразаков, Томас Остермайер, Максим Виторган и Анатолий Васильев.

Восьмым героем стал хореограф, востребованный и известный во всем мире. У него африканская кровь, но родился он в Гамбурге. Был солистом в «Балете Лозанны» Мориса Бежара, в 1992 году перешел в Компанию Национального танца Испании под руководством Начо Дуато, где оставался премьером свыше десяти лет и танцевал в постановках Дуато, Килиана, Наарина, Форсайта, Эка и других. Сегодня же он много времени проводит в России. Его спектакль «Эхо вечности» в исполнении Шанхайского балета привез Чеховский фестиваль. Он выступал в вечере Андриса Лиепы «Вацлав Нижинский. Бог танца», а сейчас работает над новой постановкой в Московском театре им. Н. И. Сац.

Патрик де Бана (ПБ) рассказывает Inner Emigrant (IE) о своем восприятии русского балета, о своих кумирах и идолах, своих корнях и принципах работы, а также делится впечатлениями о России, русской истории и русских людях.


Источник: пресс-служба Патрика де Бана

О русском балете, Большом театре и Григоровиче

IE
Патрик, мы находимся недалеко от Большого театра. Большой театр — когда-то сердце русского балета. Как вам кажется, что такого особенного в русском балете? Почему он стал национальным брендом?

ПБ Я думаю, что самая важная вещь, которая есть у русских людей – это душа. А русская душа очень творческая и артистичная. Иногда она может быть очень драматичной, иногда очень печальной или радостной. И именно она оказывает мощный эффект. Российская история очень обширная. Мне она нравится, потому что в ней было много разного: Иван Грозный, потом Романовы, «Русские Сезоны», Дягилев, Нижинский. Затем Марис Лиепа, Екатерина Максимова, Людмила Семеняка. У вас самые потрясающие артисты. Такое сочетание создает бренд. Мне кажется, что русские люди – артисты и творцы.

IE Но как тогда объяснить, что сегодня билеты в Большой продаются на Ноймайера лучше, чем на Григоровича? Григорович остается случайным туристам.

ПБ Нет, я думаю, что Григорович – это не только для туристов. Григорович — настоящий русский хореограф. И Григорович принадлежит Большому театру. Сложно представить Большой без Григоровича, это невозможно. А туристы приходят в Большой театр, потому что его отреставрировали, им нравится. Туристы, которые останавливаются в Москве на уикенд, у них в путешествии заложен вечер в Большом, вы наверняка про это слышали. А Григорович – это легенда. «Спартак», «Иван Грозный» – это история Большого театра. Мне как раз нравится, что Большой одновременно приглашает современных хореографов, при этом оставляя в репертуаре классические постановки. Получается сочетание прошлого и настоящего. Я думаю, что Большой театр очень современен, но при этом с уважением относится к классике.

IE А не кажется ли вам, что русский балет – это уже почти как театр Кабуки? Такая музейная вещь, принадлежащая истории, которую мы пытаемся законсервировать.

ПБ Во-первых, я очень люблю театр Кабуки. Самого известного артиста Оннагаты зовут Бандо Тамасабуро. Я встретился с ним буквально две недели назад, в его гримерке. Я обожаю этого человека, я им восхищен, он лучший. Японский Императорский дом провозгласил его национальным достоянием. Я понимаю, что вы имеете в виду, говоря, что Большой театр напоминает музей. Но мне так не кажется. Это очень важно — быть современным, создавать что-то новое. Но также важно сохранять и поддерживать прошлое. Люди забывают очень быстро. И мне кажется, что это очень важно и для русской публики, и для туристов иногда посмотреть в прошлое. В случае с Большим театром – это классический балет. Сейчас у публики Большого есть выбор: у них есть «Щелкунчик», есть «Спящая Красавица», есть «Спартак», есть «Иван Грозный». А еще у них есть Ноймайер и другие современные хореографы.

О знакомстве с Россией, Светлане Захаровой, Андрисе и Илзе Лиепа

IE
Вы — востребованный хореограф, танцовщик. Как вы впервые оказались в Москве? Почему Россия?

ПБ Oх, тот самый первый раз... Есть люди, которых я очень хотел бы поблагодарить. Действительно, они подарили мне то, что я никогда не забуду. Первым человек — это Андрис Лиепа. Андрис был первым, кто позвал меня работать в России. Он связался со мной и попросил поставить что-нибудь для своей сестры Илзе Лиепа. С этого началась моя история в России. После работы с Андрисом и Илзе я встретился с царицей русского балета – Светланой Захаровой. Мы встретились в Токио и работали вместе 5 дней. Над чем-то другим, мы даже и не думали о совместной работе в России. Она работала над дуэтом, который я раньше танцевал для Начо Дуато, поэтому я предложил ей свою помощь. Она тут же согласилась. После 5 дней она сказала: «Я хочу, чтобы ты вернулся, я хочу работать с тобой. Хочу, чтобы ты что-то поставил для меня». Тогда я спросил, чего именно бы ей хотелось — соло, дуэт или что-то еще и для какого танцовщика? Я ожидал, что она назовет кого-то из Большого театра, но она посмотрела на меня и сказала: «Я хочу танцевать с тобой сама». Я могу вам поклясться, что почти упал в обморок. Почти умер. Такое предложение для меня... Не знаю как передать... Это как будто кто-то божественный предлагает вам стать частью их жизни. Мы работали вместе и сделали па-де-де, которое называется «Digital Love». После того, как прошел премьерный показ в Шанхае, в тот момент, когда опустился занавес, она повернулась и сказала: «Патрик, мне хочется большего». Я спросил, что именно она имеет в виду. И она сказала, что хочет чего-то масштабного. И мы работали вместе еще два раза. Вторая работа называется «Rain Before It Falls». Мы танцевали дважды в Большом театре, было большое турне: Япония, Франция, Италия и другие страны. Так что я многим обязан Светлане Захаровой. К тому же, именно через нее мне посчастливилось познакомиться с Людмилой Семеняка. Она помогала нам, когда мы репетировали. Так что мне очень повезло. А если вернуться далеко в прошлое, когда я был в балетной школе, мой учитель Труман Фенни пригласил Суламифь Мессерер. Так что моей самой первой встречей с кем-либо из России была встреча с Суламифь Мессерер. После нее, с Ириной Якобсон. Дальше – Мариинский театр. И потом, Андрис Лиепа, Илзе Лиепа, Светлана Захарова. Я ставил для Ольги Смирновой, у нас как раз была премьера несколько недель назад в Японии. Поэтому мои связи с Россией становятся все плотнее и плотнее. Сейчас я работаю для театра Сац, ставлю «Свадебку» Стравинского.

IE Сегодня все чаще танцовщики становятся независимыми. Андрису и Илзе Лиепа уже не нужно быть солистами Большого театра, чтобы танцевать, собирать залы, иметь успех. Не кажется ли вам, что за этим форматом будущее?

ПБ Нет, мне кажется, что нам всем нужен дом. Всем людям нужен дом. Мы можем путешествовать по всему миру, год, два, три, четыре, пять. Но иногда наступает момент, когда что-то внутри тебя говорит: «Я хочу домой». Вы понимаете, о чем я? Для танцоров важно иметь такое место, оно для них основное. Из такого места они могут пробовать разные форматы. Андрис, Илзе, Светлана, они и так это делают, но каждому человеку важно иметь возможность отправиться домой. И миру тоже нужны такие места. Ведь крупных театров, как Большой, теперь не так много, как раньше, во времена, когда все было чуть более имперским. Поэтому важно держать открытыми двери таких театров, как Большой, Мариинский, Ковент-Гарден, Ла Скала или Опера Гарнье. Эти пять компаний, они как храмы, как огромные дома.

Об идолах и кумирах

IE
Вы признавались, что Вацлав Нижинский – ваш кумир…

ПБ Да...

IE Первый и единственный. Вы говорили, что хотели бы встретиться с ним…

ПБ Да. Да!

IE Программа «Вацлав Нижинский. Бог танца», которую вы вместе с Андрисом представили в Москве – это попытка диалога с кумиром?

ПБ Да. Конечно. Андрис попросил меня станцевать «Послеполуденный отдых фавна», оригинальную хореографию Нижинского, вместе с Илзе. И я начал изучать эту хореографию. Но потом что-то в моем теле подало сигнал – вообще, у меня очень беззаботное тело – это был первый раз, когда тело не хотело танцевать. Я чувствовал сопротивление внутри себя. Я много размышлял и в итоге подумал так: «Патрик, если твое тело сопротивляется, значит возможно твоя душа этого не хочет». В моих глазах, Нижинский – первый и единственный. Первый, кто открыл двери нам всем, танцовщикам. Первый, кто нарушал правила. Первый, кто танцевал «Петрушку» — безумный по своим временам балет. И Вацлав творил безумные вещи. Он – ментор, мастер, легенда. Поэтому возможно мое тело сказало: «Патрик, не стоит пытаться подражать легенде». И я начал думать, как мне быть. Сперва поменял название. Получилась новая постановка, внутри которой короткое появление Илзе Лиепа напоминает зрителям об оригинальной атмосфере. В общем, то, что я сделал и пытаюсь делать – это выразить свое признание легенде.

О «Нурееве» и Кирилле Серебренникове

IE
Касательно нарушения правил... Вы наверняка слышали об истории с балетом «Нуреев» в Большом театре. Из постановки вырезали некоторые части, ее отменяли и восстанавливали без режиссера. Что вы об этом думаете?

ПБ Чтобы говорить об этом, мне нужно видеть постановку. Я должен видеть балет, а я его, к сожалению, не видел, поэтому не могу сказать ничего конкретного . Я слышал разные истории и факты, но у меня нет своего личного мнения, пока я не увижу балет.

IE Но как по-вашему, допустимо ли показывать обнаженного человека на Исторической сцене Большого театра? Это была одна из официальных причин «отмены/переноса» премьеры.

ПБ Да, я знаю, про эту причину. Это довольно сложный вопрос, потому что я не могу ответить за режиссера, который решил использовать обнаженный образ на сцене. Я не знаю ни причин, по которым он это сделал, ни того, насколько это художественно оправдано. Я скажу еще одну вещь. Нуриев должен решать, можно ли ставить его обнаженное тело на сцене. Вы понимаете, про какую фотографию я говорю?

IE Да-да, безусловно.

ПБ Но, к сожалению, Нуриев уже не с нами. Поэтому он не может сказать, согласен он или нет с тем, чтобы публика видела его обнаженным. В общем, я думаю, что если режиссеру нужна была фотография обнаженного тела, то ему следовало взять кого-то, кто мог бы подтвердить свое согласие на это.

IE А слышали ли вы что-то о режиссере «Нуреева» Кирилле Серебренникове? Он пробыл под домашним арестом почти 2 года.

ПБ Да, это очень странная ситуация. Конечно я слышал. В Европе почти все слышали. Но арестовали же его не из-за «Нуреева»?

IE Нет, официальная версия, что причины экономические, а не художественные. Но все это дело и из России выглядит странным.

ПБ Да, я слышал, что причина как-то связана с финансированием. Но, как и в случае с балетом «Нуреев», я не могу ничего сказать поэтому поводу, потому что не следил за ситуацией. Я думаю, что, если это возможно, то стоит разделять искусство и политику. Я не говорю, что политикам не стоит заниматься искусством. Это касается нас, артистов… Это сложно сформулировать… Я не знаю, что было именно в этом случае, но со своей стороны, я работаю над тем, чтобы моя публика мечтала, чтобы она радовалась или плакала. Это моя миссия. Поэтому я не хочу говорить о политических вопросах со своей аудиторией. Но это лично я и моя миссия, поэтому я не знаю, как ответить.

IE Тогда задам последний вопрос на эту тему. Не напоминает ли вам ситуация с Нуриевым во времена СССР, когда руководство страны жестко регулировало и «карало» людей искусства, то, что происходит сейчас с Кириллом Серебренниковым?

ПБ Никто из нас не знает, кроме артистов, режиссера и политиков, которые вовлечены в это, о чем именно они говорили. Мы не знаем настоящих причин, почему они запретили какие-то вещи в балете, не знаем причин происходящего процесса. Поэтому я не могу ничего сказать.

Об основах и работе с Начо Дуато

IE
Долгое время вы работали вместе с Начо Дуато. Три года он работал в России, в Михайловском театре, и это был золотой век для этого театра. Каким главным вещам вы у него научились?

ПБ Я 11 лет был главным танцовщиком у Начо. Мы до сих пор общаемся и остаемся друзьями. Он научил меня очень многому: понимать красоту, принимать красоту, ценить ее и искать ее. И он научил меня музыкальности: он научил меня слышать музыку, которая не написана на бумаге, музыку между строк. 11 лет – это довольно много для сотрудничества, и мы с Начо сделали очень много красивого вместе. Он навсегда в моем сердце.

IE С одной стороны, вы – классический танцовщик. С другой, ставите и танцуете современную хореографию, которая сильно отличается от классики. Как вам удается совмещать эти роли?

ПБ Смотрите, у меня в фундаменте две главных основы. Первая – это классическая школа, как в академии Вагановой, в Большом театре, и в какой-то степени в США, потому что мой учитель был из Нью-Йорка, чистая классика. Вторая – это Африка, потому что я наполовину африканец. И у меня есть эта древняя, племенная душа. Из этого сочетания рождается то, что я делаю. И есть одна вещь, которая мне не нравится в искусстве – штампы, которые ставят на артистов. Потому что штампы могут быть полезными в повседневной жизни, но не в искусстве. Артисты часто говорят: «я – классический танцовщик», «я танцую контемп», а мне хочется ответить «Ребята, успокойтесь, вы – танцовщики. Вы танцовщики, а мы находимся в 2019 году, поэтому просто откройте глаза». Например, Светлана Захарова – абсолютно классическая балерина, но она работала со мной.

IE И эта дикая энергия, которую вы находите в классическом балете, это в том числе из-за африканской души, верно?

ПБ Да, конечно.

О «Свадебке», ритуалах и жертвоприношении

IE
Сейчас в театре Сац вы готовите «Свадебку» на музыку Стравинского? Почему именно такой выбор? Из-за ритуальной природы?

ПБ Да-да, конечно. И вы знаете, первый раз, когда я услышал эту музыку – я чуть не сошел с ума. Я слушал музыку Стравинского и думал, что это не гений, не искусный мастер, а Вселенная, огромная Вселенная. Когда слышишь голоса из «Свадебки», ты слышишь древнюю Сибирь, древний Китай, древнюю Африку, ты слышишь древние времена. Это потрясающе. Эта музыка звала меня, говорила: «Приходи, приходи, поработай со мной». И когда я решил делать «Свадебку» в театре Сац, я сказал им: «Ребята, я хочу сделать что-то мощное».

IE Что на ваш взгляд в мастерстве танцовщике важнее — легкость и драйв или техническая безупречность?

ПБ И то, и другое. Обязательно должно быть и то, и другое.

IE Может ли в каких-то случаях танцовщик пренебречь техникой для более сильного драматического эффекта?

ПБ С техникой все обстоит немного иначе: когда ты танцуешь, ты не думаешь о технике, ты ее используешь. Техника для танцовщика – это как текст для драматического актера. В драматическом театре есть текст, а у нас его нет, поэтому танцовщик должен владеть техникой, в балете она и есть текст.

IE Мне всегда казалось, что балет – самое жестокое искусство. Это напоминает истории из Китая, когда маленьким девочкам плотно перевязывали бинтами ступни, чтобы, когда они выросли, их ступни оставались маленькими. Подобная жестокость в балете ближе к стереотипу или к правде?

ПБ Я думаю, что, если ты что-то любишь, то ты вынужден приносить какие-то жертвы. Даже в обычной жизни, в любви, мы вынуждены чем-то жертвовать. Если ты хочешь что-то получить, тебе придется что-то отдать. Ничего не дается просто так. Для меня балет – это самый яркий и красивый способ передать эмоции, ведь танец лишен слов. Музыка и танец – самые чудесные подарки нам от бога. Нет способа красивее заставить людей радоваться и плакать.

IE Да, но одно дело отдать что-то, а другое – отдать всё. Как в «Весне Священной», где солистка добровольно затанцовывает себя до смерти, призывая приход весны для всех.

ПБ Я понимаю. Но моя душа – из Африки, я наполовину нигериец, а в Африке очень силен шаманизм, магия. И Нигерия является центром и белой, и черной магии. Жертвоприношение – это очень древний обряд, в том числе и человеческое. Как у Ацтеков или Майя в Южной Америке, как в Индии, где раньше, если умирал муж, то жену сжигали заживо, чтобы они вместе отправились в загробный мир. Я привык к такому, привык слышать о таком. Конечно, это зависит от человека, и то, что кажется большой жертвой вам, может оказаться маленькой жертвой для меня.

IE А бодишейминг в балете вас не смущает? Может ли сегодня танцовщик обладать телом далеким от идеальной формы?

ПБ Нет, к сожалению не может. Понимаете, для меня тело танцовщика – это его паспорт, и конечно танцовщику лучше быть в хорошей форме. Я имею в виду, что есть крупные люди, есть маленькие, кто-то высокий, а у кого-то большие ноги – это все естественно. Но каким бы не было твое тело, старайся выжать из него по максимуму.

О музыкальности, синхронности и инстаграме

IE
Балет принято считать созерцательным искусством. Вы же выбираете очень яркие музыкальные произведения для своих постановок. Откуда у вас такой музыкальный вкус?

ПБ Вы знаете, даже до того, как я начал заниматься хореографией, музыка была для меня самой важной составляющей. Когда я путешествую куда-то, в новом месте я всегда иду в музыкальный магазин. Могу проводить в них часы, слушая разную музыку. У меня дома музыка абсолютно повсюду, музыка со всего мира. Для меня слушать музыку – это все равно что дышать.

IE Сейчас будет довольно глупый вопрос, но волнует многим. Почему в балетных спектаклях кордебалет так редко танцует синхронно? Какой-нибудь эстрадный шоу-балет может попадать в такт, а в балете, где и слух тоньше и дисциплина жестче постоянно что-то идет не так.

PB Потому что… Я даже не знаю... Мне кажется, это зависит от концентрации, от концентрации танцовщиков и танцовщиц. Это личный вклад каждого участника труппы, и это их ответственность – стараться сделать каждый раз как можно лучше. И потом, сейчас так много отвлекающих вещей: фейсбук, инстаграм, гонка за подписчиками и лайками. Люди очень легко отвлекаются, и им сложно глубоко сосредоточиться. Сейчас важнее быть популярным в интернете, иметь 5 миллионов подписчиков в инстраграме, чем танцевать синхронно в кордебалете.

IE А как вы реагируете, когда после спектакля публика вместо того, чтобы аплодировать, достает телефоны и начинает снимать?

ПБ О, меня это очень бесит. Знаете, почему меня это так бесит? Это, как если бы у нас разговор заканчивался через 2 минуты, но я бы встал и ушел прямо сейчас. Ведь даже для публики важно быть с артистами до конца, понимаете, о чем я? А потом уже можно сделать фотографию. Я впервые столкнулся с этим в Китае, но теперь это безумие по всему миру. Мне это совсем не нравится.

О мастер-классах

IE
Вопрос, который меня многие артисты просили вам задать. Есть ли у вас какая-то школа или может быть, вы даете мастер-классы?

ПБ Ахаха, да, конечно, я даю мастер-классы. В прошлом году был в Турции, в Стамбуле. В этом будет в Токио. Вы наверняка удивитесь, но я должен вас предупредить: когда я даю мастер-класс, я учу абсолютно классическому балету. Такие у меня мастер-классы: только классическая школа. А потом, если студентов интересует что-то из моих работ, то мы вместе можем сделать небольшую постановку, минут на 10. С нуля и до законченной работы. Где-то неделю мы работаем над ней, и в процессе я показываю то, как я работаю, почему делаю так или иначе. Потому что у меня нет какой-то своей особой техники, особой школы, как у Марты Грэм, например. Поэтому я учу классической технике, а потом показываю свой рабочий процесс.

О впечатлениях от России, русской истории и русских людей

IE
Вы говорили, что русские люди очень артистичные и творческие по своей природе. А что для вас значит этот артистизм? Какие у него внутренние качества в основе: любовь, печаль, драма?

ПБ Это очень сильно зависит от ситуации. Думаю, для того, чтобы быть артистом или художником, нужно быть чувствительным. Это означает, что даже самая незначительная вещь может вызвать бурю эмоций. Но это хорошо, потому что ты освобождаешь эмоции. А когда они освобождены, ты можешь расти, пробовать разное, ты можешь отдавать. Я не очень люблю драматичных людей, у которых каждый день драма. Мне нравится, и мне кажется, это очень важно для артиста, оставаться какое-то время обычным, простым человеком. Быть артистом или художником – это не значит быть каким-то особенным. Большие артисты, дивы – это не мои люди. Для меня очень важно быть обычным человеком, как мы сейчас с вами сидеть и разговаривать. У меня может быть какая угодно слава, но я все равно буду просто сидеть и разговаривать с вами. Мне не нужен личный телохранитель, и все эти безумные вещи – я думаю, что это очень глупо.

IE В последние годы вы все чаще посещаете Россию. Можете вспомнить, что поразило вас больше всего? Какое-то место, или люди?

ПБ О, очень много таких вещей, который впечатлили. Наверное, первая вещь – это было не самое лучшее, но это случилось на паспортном контроле в аэропорту.

IE Да? Расскажите, что случилось.

ПБ Знаете, люди бывают не очень дружелюбны. Если вам не повезет, то вы рискуете попасть к не самому дружелюбному сотруднику. Вот, такое было первое впечатление. И я подумал: «здесь мне придется быть сильным». Больше всего я люблю Санкт-Петербург. Потому что Санкт-Петербург связан с императорской Россией, мне очень нравится этот период, Романовы и так далее. Люблю музеи в Петербурге. Мне кажется, что у России очень блистательное прошлое. Сейчас в России есть такие люди, как Андрис Лиепа, Людмила Семеняка или, например, Надежда Павлова. Я встретился с ней в Большом и чуть не расплакался. Когда я был еще мальчиком, она была моим кумиром. Я думаю, что в России очень много красивых людей. А вчера со мной случилась удивительная история: я прикоснулся к пуантам Нижинского, в музее. Один из самых сильнейших моментов в моей жизни. Настоящие пуанты Нижинского, которые он использовал. Для меня это как быть в Большом театре в студии №6 вместе со Светланой Захаровой и Людмилой Семеняка, которые учат меня. Мой мозг в какой-то момент перестал верить: «Патрик, где ты находишься, что происходит?». Были вот такие моменты.

IE Во всей истории российского искусства какой период вам ближе всего: средневековые иконы, авангард, советский период?

ПБ Барокко

IE Русское барокко? Тот самый императорский период ближе всего?

ПБ Да, однозначно императорский период. Я обожаю время Екатерины Великой, время барокко в России. Более поздний императорский период — Дягилев, «Русские сезоны». Это те времена, мечтая о которых, я вдохновляюсь. Я бы многое отдал за то, чтобы на месяц оказаться во времена Дягилева и просто увидеть Анну Павлову. Для меня это время и время Екатерины было абсолютно фантастическим.

IE Вы наверняка заметили, что в России люди на улицах довольно суровы и замкнуты. Они редко улыбаются и выражают эмоции телесно. Как вам кажется, почему? Может, у вас есть совет, как стать более открытыми и мягкими?

ПБ Вы знаете, я очень удивился, когда впервые оказался в российском метро, в Москве. Это было нечто. Вчера тоже поехал на метро, на улицах были пробки, поэтому я предложил ребятам из театрального музея поехать на метро. И меня удивили люди в московском метро. Они не улыбаются и напоминают суровые машины. Немного агрессивная атмосфера. Я думаю, что это от того, что жизнь не бывает простой. Даже в таких странах, как США, которые говорят, что они – лучшие. Даже там жизнь непростая. А в России не стоит забывать про зимний период, который очень долгий и трудный. Многие месяцы очень темно и холодно. Такой климат придает людям особое тело и характер. Я живу в Мадриде, в Испании, и там у людей совершенно другое тело, другая физиология. Все люди на улицах сидят в кафе после 2 часов дня из-за жары. И большинство людей улыбается, хотя неприятных людей везде можно найти, но в целом там климат легче перенести, поэтому люди беззаботнее. Так что природа и климат повлияли на людей и их поведение.

IE А ваш совет, как скинуть с себя суровость и отпустить эмоции?

ПБ Очень сложно давать советы, но, мне кажется, что любовь – это ответ на очень многие вопросы. Очень многие. Вы наверняка заметили, что в мире происходит новый подъем расизма. И я думаю, что человеческой расе следует переосмыслить вопрос о том, что такое любовь. И это важно не только для искусства, это важно для всех нас, чтобы выжить. Бережнее относиться к природе. Недавно я наткнулся на видео в твиттере, где охотники нашли медвежью берлогу зимой. И там была медведица с двумя медвежатами, они спали. И эти глупые люди застрелили сначала медведицу, а потом медвежат. Это чудовищно. Мне кажется, у нас нет права так поступать. Из-за таких вещей мы становимся менее человечными, и любовь уходит.

О критике и похвале

IE
Вы сказали, что вы пользуетесь твиттером и фейсбуком. Читаете ли вы, что пишет публика о ваших спектаклях?

ПБ Нет, никогда.

IE А критики? Балетные эксперты?

ПБ Нет, при всем моем уважении к балетным критикам, я не хочу становиться слишком радостным, и я не хочу грустить. Танец – это вся моя жизнь, это не хобби, и хочу, чтобы моя жизнь была более спокойной. Поэтому не читаю критику. Все, что я хочу, моя миссия – это дать людям возможность радоваться и плакать, говорить со зрителем на языке эмоций. При всем уважении к критикам, блогерам в интернете и их битвам. Иногда это выглядит безумным: люди говорят об искусстве, а ведут себя как на поле боя, оскорбляют друг друга, и это становится слишком личной историей. Я не хочу про это знать.

========================================================================
Все фото по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 17, 2019 6:32 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019051708
Тема| Балет, театр оперы и балета имени Мусы Джалиля, XXXII Международный фестиваль классического балета имени Рудольфа Нуриева, «Шурале», Персоналии, Сабина Яппарова
Автор| Оксана Романова
Заголовок| ​Питерская балерина «спасла» постановку «Шурале» XXXII Нуриевского фестиваля за три дня до показа
Где опубликовано| © «Татар-информ»
Дата публикации| 2019-05-17
Ссылка| https://www.tatar-inform.ru/news/2019/05/17/651252/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

В ставший национальной классикой балет Олег Ивенко, исполнивший партию главного персонажа, привнес частицу комичности и озорства.

Накануне в Казани в Татарском театре оперы и балета имени Мусы Джалиля состоялся четвертый спектакль XXXII Нуриевского фестиваля. Для постановки национальной классики, балета «Шурале», буквально за три дня до показа срочно пришлось подыскивать замену исполнительнице одной из главных партий – девушки-птицы Сююмбике.

«Должна была танцевать другая балерина – Рената Шакирова из Мариинского театра. Но что-то случилось, произошла срочная замена. Я была приглашена буквально за три дня. И так сложилось, что именно в эти дни у меня свободное время, а уже завтра, например, спектакль “Спартак” в своем, Михайловском театре», – рассказала ИА «Татар-информ» солистка Санкт-Петербургского театра оперы и балета имени Мусоргского – Михайловского театра Сабина Яппарова.

Однако в отличие от Ренаты Шакировой, победительницы телепроекта «Большой балет» канала «Культура» 2016 года, которая исполняет партию Сююмбике в постановке «Шурале» в Мариинском театре, Сабина Яппарова не была прежде знакома с этой ролью. Более того, по признанию балерины, даже никогда ее не смотрела в исполнении других танцовщиц. Своеобразную хореографию, значительно отличающуюся от классических постановок, пришлось осваивать за считанные дни.

«Очень тяжело, да еще с нуля. В обычном режиме на это потребовалось бы около месяца. “Шурале” хореографически, действительно, насыщенный и нестандартный балет. Сегодня только про себя думала: “Да, тут "Спартак", пожалуй, еще ничего” (ранее премьеры казанской балетной труппы Михаил Тимаев и Кристина Андреева назвали спектакль «Спартак» самым сложным в программе фестиваля – прим. Т-и). Но я довольна собой, и здесь хороший коллектив, все помогали – очень много положительных эмоций», – поделилась впечатлениями от участия в Нуриевском фестивале Яппарова.

Ее партнер и коллега по Михайловскому театру Эрнест Латыпов предстал перед казанской публикой в роли смелого Былтыра. Партия танцовщику знакома: будучи ранее в труппе Мариинского театра, около четырех лет назад он уже исполнял ее. К Нуриевскому фестивалю в Казани потребовалось лишь обновить навыки.

«Есть небольшая разница в постановке. В Мариинке все-таки этот балет по-другому идет. Есть свои хореографические нюансы. Тем более даже когда костюм надеваешь, движение уже по-другому чувствуешь. Сейчас на мне местный костюм, он отличается от мариинского», – сказал Эрнест Латыпов, показавший зрителям фестиваля удалого и бесстрашного батыра.

К слову, танцовщик уже становился участником Нуриевского фестиваля, но был задействован не в спектаклях, а в гала-концерте – в 2012 году исполнял па-де-де из балета «Талисман». Сабина Яппарова солировала в «Жизели» годом ранее.

Звезда труппы Татарского театра Олег Ивенко, сыгравший в недавно прогремевшем фильме Рейва Файнса «Нуриев. Белый ворон» «летающего татарина» Рудольфа Нуриева, вышел на сцену в этот вечер в роли Шурале. Коварный, злобный персонаж в его исполнении стал игривым проказником и не раз заставил зал смеяться над своими комичными выходками. В премьере Нуриевского фестиваля, балете «Корсар», Ивенко исполнил партию раба Али – верного слуги предводителея пиратов.

«Переключаться с одной партии на другую помогает опыт, наверное. В каждой партии что тебя сподвигает танцевать еще и еще? Надо находить новое и новое – и это самое интересное. Сегодня, я думаю, я нашел много нового, раз ко мне подходили люди и сами говорили об этом. Прежде я танцевал иначе, много репетировал, а сегодня добавил больше драматизма и, думаю, это многие заметили», – рассказал о механизме столь удачного актерского перевоплощения Ивенко.

Во время оваций зала, которыми публика поблагодарила исполнителей трехактного спектакля-сказки, прославленный Олег Ивенко сдержанно оставался позади приглашенных участников, акцентируя участие питерских солистов Сабины Яппаровой и Эрнеста Латыпова.

Начавшись 13 мая, Нуриевский фестиваль в этом году завершится 30-го числа. Следующий спектакль, балет «Спартак», состоится 18 мая. Режиссером гала-концерта XXXII Международного фестиваля классического балета имени Рудольфа Нуриева станет Андрис Лиепа, сын знаменитого танцовщика Мариса Лиепы и в прошлом сам солист балета Большого театра. В 2017 году он уже ставил гала-концерты фестиваля имени Нуриева в Казани.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 17, 2019 6:46 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019051709
Тема| Балет, Кино, Персоналии, Анастасия Меськова
Автор| Анна Немолякина
Заголовок| ​Солистка Большого театра, актриса Анастасия Меськова: Азербайджан дарит миру искусство мирового значения (фото)
Где опубликовано| © "Москва-Баку"
Дата публикации| 2019-05-17
Ссылка| https://moscow-baku.ru/news/culture/solistka_bolshogo_teatra_aktrisa_anastasiya_meskova_baku_darit_miru_iskusstvo_/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Солистка Большого театра, актриса кино и популярных сериалов Анастасия Меськова сыграла у знаменитого британца Рэйфа Файнса в фильме «Нуреев. Белый ворон». В интервью «Москва-Баку» Анастасия рассказала о трогательных отношениях с Файнсом на съемках, незабываемом подарке для сына от режиссера и гастролях Большого театра в Азербайджан.

- Анастасия, расскажите, как вы познакомились с Рэйфом Файнсом и попали в его проект о легендарном танцовщике Рудольфе Нурееве?

- Мы познакомились с Рэйфом на пробах два года назад. На меня он произвел неизгладимое впечатление, таких внимательных и ясных глаз, направленных на артиста я не видела давно. Это большая редкость. Он окружил меня заботой, вниманием, мы начали обсуждать роль, мои мысли по поводу героини. Мы провели часа два за разговорами на пробах, я вышла невероятно наполненная внутренне и с мечтой, что меня утвердят! Рэйф подписал на русском языке для моего сына книжку о «Гарри Поттере», как настоящий Волан-де-Морт! (Файнс сыграл злодея Волан-де-Морта в серии фильмов о "Гарри Поттере" - прим. ред.) Рэйф написал: «Вася, читай книги, мой друг».

- Вы описываете Файнса чуть ли не как идеального человека...

- Рэйф очень спокойный, никогда не кричал на съемках, не топал ногами. Если даже сердился, то не грубил артистам.

- У вашей героини есть прототип – балерина Алла Осипенко, одна из последних учениц знаменитой основоположницы теории русского классического балета Агриппины Вагановой. Сейчас Осипенко 86 лет. Не страшно было браться за ее образ?

- Меня уговаривали поехать и пообщаться с Аллой Евгеньевной. Просто изначально героиня задумывалась как прототип Осипенко, но потом ее имя в титрах убрали, потому что она сама не захотела. Для меня честь и радость прикоснуться к такой личности, но я не стала разрушать все то, что «сочинила» для образа, а это скорее всего потребовалось бы, если бы мы точь-в-точь повторяли жизнь Аллы Евгеньевны. Я решила доверять своей интуиции. Надеюсь, что мы все-таки познакомимся с Аллой Евгеньевной.

- В фильме «Нуреев» уникальные костюмы. Художники долго работали с актерами?

- Команда на проекте собралась потрясающая, наши художники по костюмам работали над фильмом «Джекки» (фильм «Джекки» повествует о дне убийства Джона Кеннеди и жизни его жены Джекки Кеннеди после его смерти – прим. ред.) и получили несколько серьезных наград. Костюмы были сделаны специально для фильма, в эстетике 60-х годов, потому что сейчас даже балетные пачки шьют по-другому. Все платья моей героини были сшиты специально по моим меркам и по модным эскизам 60-х. В память о фильме у меня остались серьги. Среди моих киноработ такого исторического времени еще не было и это подарок судьбы, я с удовольствием "примерила" это время на себя!

- Рудольфа Нуреева в фильме сыграл премьер казанского балета Олег Ивенко. На ваш взгляд ему удалось передать нерв Нуреева, его восточную экспрессивность и безусловный талант.

- Я горжусь Олегом и его работой над собой. Вместе с Рэйфом они проделали огромный путь, чтобы зрители увидели Нуреева. До начала съемок Олег взял много уроков по речи, классы актерского мастерства. В жизни Олег спокойный и деликатный человек, ему трудно было поймать вспыльчивость и заносчивость Рудольфа. В этом состоит главная задача артиста и Олегу повезло сыграть героя не похожего на себя, а еще это большой шанс побыть гениальным и противоречивым Рудольфом на экране, прикоснуться к его жизни. Бывало, что Олег проявлял характер на площадке и мы шутили, что в него вселился Нуреев. (Улыбается.)

- Вы солистка Большого театра России. В прошлом году появилась новость о том, что театр готовится приехать с гастролями в Азербайджан…

- Я мечтаю посетить Баку с театром! Огромное количество друзей и знакомых уже там побывали, в том числе солисты Большого театра. В карте моих путешествий Баку стоит на одном из главных мест. Надеюсь в ближайшее время, с гастролями или в качестве туриста, я уже приеду в Баку с детьми и мужем. Меня Азербайджан привлекает. Это страна с большой историей, огромным культурным наследием, я рада, что столица развивается, строит новые креативные объекты и дарит миру искусство мирового значения. Если поездка будет сопряжена с гастролями и творческими планами, то мне будет вдвойне приятно!

======================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 17, 2019 9:02 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019051709
Тема| Балет, Большой театр Беларуси, Персоналии, Ирина Еромкина
Автор| корр.
Заголовок| ​Изнанка профессии: балерина, которая прощает спящих зрителей
Где опубликовано| © Sputnik Беларусь
Дата публикации| 2019-05-17
Ссылка| https://sptnkne.ws/m2ym
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


© Sputnik / Виктор Толочко

Читать дальше: https://sputnik.by/society/20190517/1041201779/Iznanka-professii-balerina-kotoraya-proschaet-spyaschikh-zriteley.html

Сколько пуантов "станцовывает" за спектакль балерина, почему выбор между черным и белым лебедем никогда не бывает однозначным и зачем она должна весить не больше 51 килограмма: правдивый рассказ о невидимой стороне профессии от солистки Большого.

Самое интересное в Большом театре происходит не на сцене, а за кулисами. За лишний вес, к примеру, балерину могут оставить без премии. К тому же артисты – суеверные люди. Столько примет, как у них в редкой профессии найдешь.

О невидимой из зрительного кресла стороне профессии рассказала ведущая солистка Большого театра оперы и балета Ирина Еромкина.

Ирина - прима-балерина Большого и мама троих детей. Даже на одного ребенка многие артистки балета решаются с трудом, а стать мамой троих и остаться примой – уникальный в балетном мире случай.

Проект Sputnik "Изнанка профессии" – о той стороне простой и сложной работы, которую не увидеть обывателю. И пусть профессионалы сами рассказывают о невидимой стороне своей работы. Без наших комментариев.

Банальная невоспитанность

Я не представляю, каким образом можно подсыпать стекло в пуанты. Неужели можно это не заметить? Думаю, это скорее мифы. У нас такого не принято.

Да, у нас есть конкуренция, и доказывается она только в работе. Ролями занимается начальство. Единственное, что я могу сделать, если мне нравится какая-то роль - это выучить ее, позвать своего руководителя и показать. А он уже как начальник разрешит ее танцевать на сцене или нет. От нас зависит только наша трудоспособность.

Обиды среди балерин, конечно, встречаются. Но такое же бывает в других коллективах. Мы проводим очень много времени в театре. Конечно, трения бывают – все мы люди.

Чаще всего – из-за костюмов. Когда один костюм подходит нескольким балеринам, и они могут повздорить из-за того, кто его оденет. Но мне кажется, что это больше проблема молодежи. Потому что балерины моего возраста, имея опыт и свое положение, между собой уже ничего не делят. У нас уже все разграничено.

Многое зависит от воспитания. Каждый человек приходит в коллектив со своим внутренним наполнением. Кто-то считает нормой пройти и не поздороваться. Но балет тут не при чем.

Смыть все наработанное

В творческой среде люди особенно верят в суеверия. Я знаю артистов, которые целуют сцену, надевают определенную одежду. Некоторые не моются перед выступлением.

Я перед спектаклем принимаю душ, чем однажды вызвала неподдельное удивление коллеги: "Ты же смываешь с себя все наработанное!".

Наверное, с опытом я поняла, что это действительно суеверие. На тебя действует то, во что ты веришь. Я верю в Бога. Мне достаточно молитвы.

Серьезных травм у меня не было. Но падения были и не одно. Часто на каких-то элементарных движениях.

Например, в одном спектакле у меня шла борьба с партнером. Он отрицательный персонаж. И вот он меня держит, а я должна от него вырваться. Я вырывалась, вырывалась, толкнулась от него и мне показалось, что он меня еще придержит, а он резко отпустил руки. Ноги у меня еще не пошли, и я упала на бок.

Был еще случай. Партнер меня крутил на руках, причем на оттяжке, то есть держал меня за подмышки. Он меня крутил, крутил, и у него что-то произошло с ногами – может, оступился. Он уронил меня во время вращения и упал сверху. Самое смешное, что нам нужно было как-то выйти из этого. А у партнера запутались ноги, он встал на колени, я быстро подскочила и стала подыгрывать: "Ну вставай, вставай".

Мне самой иногда смешно от своих падений…

Конечно, в балете бывает всякое – ребята и ноги выворачивают и уносят их со сцены во время спектакля, и связки рвут, и мышцы. Один солист травмировался – танцевать дальше не мог, так он на одной ноге, а второй чуть касаясь пола носком, потихоньку уходил со сцены, держа образ.

А однажды на моих глазах у артиста полностью вывернуло стопу. Это страшно. Он очень долго приходил в форму. И после такой травмы вернулся, это наш ведущий артист. С каким уважением я на него посмотрела!

Белый или черный лебедь?

"Лебединое озеро" мечта каждой балерины. Эталон всех ролей. Две грани - добро и зло, черный и белый лебедь, Одетта и Одиллия. Белый лебедь – это все такое мягкое и пластичное. А черный, он более колкий, там совершенно другие руки, другие взгляды, другие позы. И, конечно, каждая балерина мечтает на себя это примерить, это ощутить.

Есть спектакли сложные, есть тяжелые. Сложные спектакли – это те, где много техники. В тяжелых много прыжков, ты просто физически устаешь. Я не могу сказать, что "Лебединое озеро" – тяжелый спектакль. Фактически его можно станцевать без единого прыжка. Но он сложный технически.

"Белый" акт сложный тем, что в нем есть длинное адажио, и его надо танцевать, когда у тебя руки – крылья. Ими же надо не просто махать. Как лебедь, отводить назад. В этой позе даже минут 15 промахать руками – заболит все. А после этого в "черном" акте столько вращений, фуэте…

Я пыталась понять, какой из образов мне ближе. Белый лебедь или черный? Но не смогла их разделить. Я хочу и то, и другое. Для меня это одно целое. Как две половинки. Один не существует без другого. Ты не поймешь, что такое отрицательное, если не прочувствуешь положительного.

Такие тяжелые 50 кило

Естественно, балет подразумевает изящество. Балерины должны быть тоненькие, хрупкие. Я считаю, что, если ты пошел в эту профессию, ты должен понимать, что балет обязывает. Поэтому обидно, когда балерины выходят на сцену, можно даже так сказать, толстые. Ощущение, что это… неправильно.

У нас есть ограничения по весу, и нас периодически взвешивают. Это правда. В правилах оговорено, что балерина должна весить не больше 51 килограмма вне зависимости от роста. Потому что мужчина, артист балета, не должен поднимать больший вес.

Конечно, есть очень высокие балерины. Если визуально она красиво выглядит, если есть партнер, который с ней справляется, то от нее не будут требовать доводить себя. Но норма у нас есть, и за это гоняют. Даже премию снимают.

В театре есть процедура взвешивания. У руководства стоят напольные весы. На них абсолютно правильный вес вплоть до грамма. Кабинет находится за стенкой балетного зала, поэтому можно забежать взвеситься. В остальных случаях нас предупреждают, что будет взвешивание. Обычно дают некоторое время, чтобы привести себя в порядок и, например, отказать себе в ужине несколько дней.

Когда мне было 14-16 лет, я сидела на диетах. А потом благодаря, наверное, желанию быть стройной пришла привычка уже мало есть. Можно есть все, но поменьше. Можно же съесть 100 грамм шоколадки, а можно 20 в удовольствие. Конечно, я могу на праздник позволить себе довольно много съесть. Правда, на фоне обычного рациона это все равно будет мало.

Из балета - в бизнес

Я, наверное, по жизни человек непривередливый. Мне хватает зарплаты. Но у нас есть люди, которые хотят получать больше. Их не стоит осуждать. Это их, личное. Есть девочки, которые балетные школы открыли. Ребята вообще в разные сферы уходят – в ресторанную деятельность, запчастями занимаются.

Но те артисты, которые прочувствовали сцену и ведущие роли, редко уходят, только если из-за травм. Были артисты, которые через какое-то время понимали, что ведущими они уже не станут, а желание было огромное, им чего-то не хватало, они уходили, уезжали в другое страны.

Если говорить о цифрах, то кордебалет среднюю зарплату по стране (около 500 долларов) не получает. У солистов, думаю, она есть. У ведущих зарплата будет больше. Вообще у артистов никогда не было высоких зарплат.

Еще есть премиальные, которые зависят от количества спектаклей в месяц. У нас бальная система. Чем важнее партия, тем больше баллов и соответственно вознаграждение. Поэтому зарплаты могут быть очень разными.

Китайские башмачки

В советские годы все балерины были мученицами, на мой взгляд. Пуанты тогда делались из мешковины. Ткань вырезалась в форме основания носка. Каждый слой промазывался клеем, который застывал.

И таких слоев делали 5-10. Эти пуанты, когда застывали, были твердые-твердые. Чтобы придать им какую-то мягкость, мы по ним стучали молотком.

Стелька практически была сделала из картона, который через какое-то время от влажности стопы размокал, и ты стоял уже на своей ноге. Если посмотреть на старые фото, то у пуантов пяточек узенький-узенький. Там пальцы сильно сжимались. С годами начинали расти куда-то в бок.

Сейчас новые материалы, все куда удобнее. Но профессия все равно накладывает свой отпечаток. У балетных девочек нередко начинает расти косточка большого пальца, ведь на нее идет большая нагрузка. Она начинает деформироваться.

Больно ли стоять на пуантах? Нет, не больно. Наши ноги я иногда сравниваю с китайскими башмачками. Слышали о таких? Когда знатным китаянкам с детства бинтовали ноги, чтобы ножка навсегда оставалась маленькой.

В детстве, пока мы привыкаем, у нас и мозоли, и пальцы болят, и подъемы. Но когда ты к этому привыкнешь, к пуантам уже относишься как к части своей жизни.

Сейчас пуанты уже можно подобрать по своему размеру - по своим пальцам, по объему стопы, по высоте пятке. В них действительно очень комфортно. Внутри мягенько-мягенько. Все поролончиком обложено. И вкладыши на пальчики силиконовые.

В театре мы все танцуем в американских пуантах. Они сделаны из пластика. Пластик мягкий, но крепкий. В таких пуантах я выдерживаю трехактный спектакль – каждый акт по 40-50 минут. И потом не чувствую усталости именно от них.

Выступать для одного зрителя

Я как зритель часто прихожу в зрительный зал. Сажусь и смотрю спектакль в исполнении коллег. Ни один раз я видела зрителей, которые просто спят. Я понимаю, что это люди, которые, скорее всего, случайно попали на спектакль, их привели, а балет надо понимать.

Я никак не обижаюсь и могу их понять. Я тоже не всесторонне развитый человек: есть вещи, которые от меня далеки. И если бы меня так же посадили и сказали слушать, я бы маялась и, возможно, уснула.

Артисту нужны аплодисменты. Потому что все, что мы делаем, делаем не для себя. Когда звучат аплодисменты, значит зрителю нравится, значит я делаю все правильно. Если артист делает трюк, он хочет показать это людям, чтобы их это как-то восхитило.

У нас воспитание такое: даже если зритель в зале один, мы все равно будем танцевать с полной отдачей. Даже если он один будет хлопать и выражать свою радость. Мы ради этого готовы творить.

Многодетная балерина

У меня трое детей. В нашем театре таких мам-балерин больше нет. В мире подобных артистов - единицы. Даже человек любой другой профессии не всегда решится родить троих, а у артиста балета век короткий: у нас стаж 20 лет.

А на беременность нужно время, потом – на восстановление. И если нет кому помочь, не на кого ребенка оставить во время вечерних репетиций, надо все время водить с собой.

Я не могу всех призвать: давайте все рожайте. Я очень люблю детей и ни на грамм не жалею, что у меня их трое. У меня даже нет мысли: все, больше детей не хочу. Если так сложится, я бы и четвертого с удовольствием родила.

Как я справлялась? С каждым ребенком все было по-разному. Старший сын (ему 20) часто был со мной в театре. Я его из садика забирала, приводила. Мама моя потом уже больше им занималась, помогала. Когда стал школьником, так совсем стал самостоятельным. Он очень ответственный парнишка. На него всегда можно было рассчитывать и дома одного оставлять. Я не боялась за такие вещи – закрыли ли дверь, выключили ли утюг.

Вторая дочка – вообще театральный ребенок. Даже сейчас, ей скоро будет 8 лет, она постоянно просится: "Возьми меня с собой". Я ей говорю: "Тебе дома интересней с подружками, оставайся". А ей нравится даже просто прийти в гримерку, где есть эта атмосфера. Она прямо болеет этим.

У младшей тоже есть желание в театр пойти. Но она совершенно другого характера. Она очень любит мою маму и всегда просится быть с ней. Ей четыре годика, она в театре была считанные разы. Вроде бы трое детей мои, а все разные и у каждого по-разному идет жизненный путь.

Я не против, если кто-то продолжит династию и пойдет в балет. В нем много сложностей, но и много прекрасного. Для девочки это осанка, походка, фигура. Попадая в театр, можно попутешествовать. Много гастролей в разные страны. Это такой большой плюс, по крайней мере, для меня. Я объездила почти весь мир, при этом еще зарабатывала. С другой стороны, балет – это такая профессия, которую надо любить. Сцена, зрители, костюмы, роли. Мне нравится и репетировать, и какие-то междусобойчики в гримерках. Я это очень люблю. А в балете по-другому нельзя.

=======================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 17, 2019 11:00 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019051710
Тема| Балет, Международный фестиваль им А. П. Чехова, Персоналии, Валерий Шадрин
Автор| Мария Ганиянц Forbes
Заголовок| ​ 5 лучших спектаклей Чеховского театрального фестиваля
Где опубликовано| © Forbes Life
Дата публикации| 2019-05-14
Ссылка| https://www.forbes.ru/forbeslife/375991-5-luchshih-spektakley-chehovskogo-teatralnogo-festivalya
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ, ИНТЕРВЬЮ

Генеральный директор Чеховского фестиваля Валерий Шадрин о том, во сколько обойдется одно из главных театральных событий года и на какие спектакли точно стоит сходить

Бессменный директор Международного театрального фестиваля имени А. П. Чехова, президент Международной конфедерации театральных союзов Валерий Шадрин рассказал Forbes Life, как формируется бюджет фестиваля, почему в этом году такой пристальный интерес к китайскому искусству, какие спектакли оказались самыми дорогими, а какие — самыми интересными.

Как мы знаем, много лет бюджет Чеховского фестиваля складывается из трех составляющих: собственные средства фестиваля, деньги Минкульта и Москвы. 2019 год в России объявили годом театра, это как-то отразилось на финансировании важнейшего для страны международного театрального фестиваля?

Если вас интересует, дали ли Чеховскому фестивалю больше денег в связи с Годом театра, то нет, не дали. Год театра финансируется отдельной строкой, и нашего фестиваля там нет. Живем в обычном режиме самофинансирования, на зарплату себе зарабатываем сами. Но для всех нас важен тот факт, что проводится такой год, театр заметили и к нему есть особое внимание.

Что до непосредственного проведения Международного театрального фестиваля им. А. П. Чехова (аренды залов, оплаты приезда артистов и спектаклей), то он финансируется в штатном режиме. Минкульт выделил 90 млн рублей, Москва, которая поддерживает фестиваль с 1996 года, дала 100 млн рублей, и еще 100 млн рублей — наши собственные средства. Бюджет фестиваля в последние годы держится на уровне 300 млн рублей, меняется лишь его валютный эквивалент, в этом году он составит порядка $4,5 млн. Что, безусловно, крайне мало для театрального проекта такого уровня, но мы не жалуемся.


Cпектакль «Жизель» / DR

Какие самые дорогие спектакли фестиваля?

Значительную часть бюджета «съели» спектакль «Жизель» в хореографии Акрама Хана, который он поставил на сцене Английского национального балета Лондона, а у нас его зрители смогут увидеть на сцене Большого театра, и новый проект Робера Лепажа.

А что привезет Робер Лепаж? Кстати, ведь именно Чеховский фестиваль в 2007 году привез его спектакль «Обратная сторона Луны», познакомив Москву с канадским гением.

Да, помню, я давно хотел его привезти на фестиваль, но как-то все не складывалось, но когда получилось, то спектакли Лепажа стали традицией фестиваля. В этом году он покажет масштабный семичасовой проект — «Семь притоков реки Ота», рассказывающий о том, как человечество в ХХ веке пыталось истребить само себя, включая Хиросиму и холокост. Впервые Лепаж поставил этот спектакль в 1994 году, и на фестиваль он привезет восстановленный вариант, который будет, естественно, отличаться от ранней работы.

Почему большая часть афиши этого года посвящена китайским спектаклям?

Мы долго планировали показать в России все многообразие театра Китая — и классические китайские постановки, и современные аутентичные, сделанные на национальном материале, и в этом году нам это в значительной степени удалось. Помогло и то, что Министерство культуры и Министерство финансов Китая были заинтересованы в масштабных гастролях своих театров, что взяли на себя часть расходов. Например, частично оплатили проезд артистов.

Фестиваль откроют два классических спектакля по хрестоматийным сюжетам Древнего Китая, балет «Эхо вечности» в постановке хореографа Де Бана (15 и 16 мая в Музыкальном театре Станиславского) и опера «Пионовая беседка», музыку для которой написал Тань Дунь, автор саундтрека к фильму «Крадущийся тигр, затаившийся дракон» (14 и 15 мая в «Аптекарском огороде»). Китайская программа многогранна: будет и зрелищное шоу труппы, созданной Джеки Чаном, танцевальный спектакль «11 воинов» (25-29 июня в Театре им. Моссовета), и невероятный эксперимент с человеческим телом в постановке хореографа Тао Йе 4&8= Пекинского Театра танца ТАО (18, 19, 20 июня в театре «Мастерская Петра Фоменко»), и, наконец, классическая музыкальная постановка «Принц Лань Лин» Национального театра в Пекине (26, 27 июня в Театре Наций).

Если зрителям понравится, а я в этом уверен, постараемся сделать эту историю регулярной.

Назовите, пожалуйста, топ-5 самых интересных спектаклей, на ваш взгляд?

Наверное, самый любимый — «Донка. Послание Чехову». Это копродукция фестиваля, которую мы делали почти десять лет назад, к 150-летию Антона Павловича Чехова вместе с потрясающим клоуном Даниэле Финци Паска. Это невероятно нежный, светлый, прекрасный, немного грустный и очень чеховский спектакль. (26 –31 мая в Театре имени Моссовета)

Обязательно надо посмотреть «Жизель» Акрама Хана. Это действительно хит, технически очень сложный и невероятно красивый спектакль, на который приедет почти вся лондонская труппа. Кстати, именно на этот спектакль у нас самые дорогие билеты, есть места по 10 000 рублей. Но это вынужденная мера, так как иначе мы не смогли бы привезти другие постановки. (11, 12, 13 и 14 июля на Новой сцене Большого театра)

Робер Лепаж и его «Семь притоков реки Ота», конечно же, стоит того, чтобы посвятить этой постановке семь часов своего времени. В Москве в «Геликон-опере» 19, 20 и 21 июля состоится мировая премьера.

Веселая музыкальная постановка «Медведь» — это не только еще один спектакль по Чехову и еще одна наша копродукция, но и вторая мировая премьера фестиваля. «Медведь» поставил для нас режиссер Владимир Панков, а в главных ролях — замечательные артисты Елена Яковлева и Александр Феклистов. (24, 25, 26 июня в Центре драматургии и режиссуры)

И, наконец, лично я хотел бы, чтобы зрители увидели великолепный спектакль «Буря» гамбургского Талия-театр. Это оригинальная интерпретация шекспировской пьесы в постановке молодой и талантливой Йетте Штекель, где роль Просперо исполняет звезда немецкого театра 75-летняя Барбара Нюссе. (Театр имени Моссовета, 20, 21, 23, 24 мая)

Практически у всех крупных российских фестивалей есть главные спонсоры, которые покрывают значительную часть расходов, а что у Чеховского фестиваля?

Как-то раз, когда Михаил Задорнов возглавлял банк ВТБ24, он дал нам 20 млн рублей на гастроли по России. За что ему большое спасибо. Но в целом со спонсорами как-то не складывалось: билетами они хотят брать больше, чем дают финансово. Может, в будущем повезет.

============================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Май 18, 2019 11:43 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019051801
Тема| Балет, театр оперы и балета имени Мусы Джалиля, XXXII Международный фестиваль классического балета имени Рудольфа Нуриева, «Шурале», Персоналии,
Автор| Улькяр Алиева
Заголовок| ​Душа татарского балета на Нуриевском фестивале
В спектакле «Шурале» встретились гении Яруллина и Якобсона

Где опубликовано| © Реальное время
Дата публикации| 2019-05-18
Ссылка| https://realnoevremya.ru/articles/139456-nash-prokaznik-shurale
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


Фото: Максим Платонов

Только упорхнула в мир несбывшихся грез душа изящной Жизели, как на следующий же вечер — в спектакле «Шурале» Фарида Яруллина — прилетела дивная пери Сюимбике, чтобы рассказать свою и, в отличие от французской героини, счастливую историю любви. Самому известному татарскому балету посвящен выпуск Дневника фестиваля.

Принцип «двоемирия»

В концепции этих двух балетов заложен принцип «двоемирия» — неразрывное «переплетение» фантастики и реальности: сочные крестьянские сценки, бытовые зарисовки — и зачарованный, фантастический лес. В принципе «двоемирия», заложенного в основе драматургии французского балета, ключевой стала тема всепрощающей любви. В первом татарском национальном балете — символико-аллегорическая трактовка любви жертвенной. В «Шурале» это мечта героини вновь обрести свои крылья (читайте — свободу), и в то же время она жертвует своими крыльями ради любви.

В этой волшебной балетной сказке есть целая «россыпь» очаровательных сцен — от «поганого лесного пляса» до колоритных бытовых сценок комического плана. Выявлению того активного пульса, каким наполнен сюжет, способствует удивительно образно-рельефная музыка балета. Это и злые «колючие» попевки медных, словно замыкающие дорогу любого путника, попадающего в мир темного леса. Это и романтическая светлая «окрашенность» яруллинских лирических напевов. Это и близкие к народным истокам юмористические музыкальные картины, также ярко отражающие душу татарского народа, как и поэзия Габдуллы Тукая. А не менее великолепная и запоминающаяся (и в плане драматургического построения, и в плане хореографического текста) режиссерская концепция великолепного мэтра балета — Леонида Якобсона — по-волшебному очаровывает.

Несмотря на номерную мозаичную составляющую, каждая сцена балета — настоящий мини-шедевр, гармонично вплетающийся в причудливый орнамент всего балетного спектакля. И каждый персонаж наделен индивидуальной якобсоновской «говорящей» пластикой, где любой аккорд, музыкальная попевка, «изгиб» органично соединяются с хореографическими движениями, раскрывающими характерные черты всех персонажей, задействованных в балетном спектакле.


Для зрителей это балет-праздник, который до сих пор покоряет своей удивительной изобретательностью в обрисовке фантастических образов

Вечная классика

Балет поставлен почти 75 лет тому назад, но постановка до сих пор современна (классика — на то и классика, что всегда созвучна и актуальна). Не устаешь удивляться гению великого хореографа, который предвидел оригинальные поддержки, в том числе горизонтальные и перекидные, использовал полотно (роскошный платок) в танце невесты как атрибут сценографии — атрибут, который так любят использовать современные хореографы. Вспомним хотя бы использование шелкового полотна в килиановских постановках. Применил элемент кукольного театра в шутливом эпизоде противоборства Былтыра и джигитов, он используется сейчас в постановках новомодных хореографов (вспомним К.Пайт и ее композицию «Dark Matters»), огромные маски-костюмы в сцене зачарованного леса (подобные сценические атрибуты есть в композициях современных американских хореографов и постановке шемякинского «Щелкунчика»), использовал партерную технику, которая позже станет известной как flying low (движение на полу сцены).

В балете «Шурале» уже проявляются и «фирменные» черты якобсоновской хореографии — оригинальные пластические решения, в том числе комического плана, использованные хореографом позже в своих постановках — «Клопе» и «Свадебном кортеже», оригинальная скульптурная пластика в его последующих композициях на роденовскую тематику, барельефные построения, которые он развернет в полной мере в «Спартаке».

И все же самым знаковым спектаклем в его балетмейстерской карьере стал спектакль «Шурале» — единственный балет, к которому он обращался не раз, постоянно усовершенствуя общий хореографический план. А для зрителей это балет-праздник, который до сих пор покоряет своей удивительной изобретательностью в обрисовке фантастических образов, поэтичностью в лирических моментах, колоритными жанровыми сценами, требующими от исполнителей партий сочетания выразительной актерской игры и технической виртуозности.

Исполнительское обаяние

Партия Шурале — настоящий мини-шедевр, в котором важно все, каждая деталь — вальяжная походка (он ведь повелитель леса), выразительная жестовая пластика, застывшие на мгновения эффектные позы в духе эстетики немого кино, постоянные пальцевые движения, «встряски» и даже взгляд. Олег Ивенко в партии чертовски обаятельного титульного героя буквально священнодействовал, властно подчиняя движениями рук свое «поганое царство». Ему подчинились и обитатели леса: и Шайтан — Алессандро Каггеджи в великолепном и неистовом танце, и Огненная ведьма — Ольга Алексеева.

Премьер татарского театра застывал в угловатых позах, имитирующих деревянную корягу, неспешной походкой огибал свою «жертву», «милостиво» отпускал героиню (мол, уходи) и при этом саркастически ухмылялся над ее попыткой прорваться сквозь чащу леса (и почему не поиграть со своей обреченной жертвой?). Он яростно неистовствовал в гневе (и какой богатырь осмелился покуситься на его добычу?), потешался над простодушными жителями деревни.


Сабина Яппарова — пери легко парила в jete в окружении женского кордебалета птиц

Солистка Михайловского театра Сабина Яппарова — пери легко парила в jete в окружении женского кордебалета птиц, а в образе невесты покоряла и жителей балетной деревни, и публику мягкостью и вполне земной теплотой, аккуратно «вплетаясь» в хороводную «вязь» танца деревенских подруг. А в финале-апофеозе Сюимбике — Яппарова восторженно замирала в таких крепких и надежных руках своего коллеги по михайловской сцене с внешностью настоящего балетного батыра и первого парня на селе — Эрнеста Латыпова.

В свою очередь, Латыпов — Былтыр демонстрировал свою удаль в прыжковых вариациях, играючи справлялся со своими соперниками по шуточной борьбе. Рядом с таким, пусть и балетным героем, можно летать на крыльях любви, не сожалея об утраченных в огне других крыльях.

Отдельное браво Дарье Беловой в партии Свахи и Фаязу Велиахметову в партии страдающего одышкой любвеобильного Свата с шаловливыми руками (настоящий артист в редком комедийном амплуа). В целом всем исполнителям второго плана — свахам-сплетницам (Г.Ворошилова, З.Ибрагимова, Я.Островская, О.Сапоговская) и сватам «подшофе» (Р.Зиганшин, О.Рощупкин, Д.Строителев, С.Сырадоев) — удалось разбередить актерскую жилку, пробудить и подлинный кураж. Создавалось ощущение, что все артисты не без удовольствия воспользовались возможностью «похулиганить» на сцене (благо сценическое действие позволяет), создавая полные лукавства портреты деревенских жителей, вызывая добрую улыбку у зрителей на протяжении всего второго акта.

А каким роскошным был оркестр под руководством Рената Салаватова! Было ощутимо, что сами оркестранты получают эстетическое удовольствие от исполнения яруллинской партитуры — такую тембральную насыщенность и кристально чистое соло не часто приходится слышать. Не случайно зал буквально взорвался аплодисментами, когда на сцену вышел Ренат Салаватов. Таким образом благодарная публика отдала дань таланту и высокому профессионализму дирижера и оркестра.

Улькяр Алиева, доктор искусствоведения, профессор,
фото Максима Платонова


=====================================================================
Фотогалерея (31) по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Май 18, 2019 12:06 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019051802
Тема| Балет, Бурятия, Персоналии, Эржен Чернова
Автор| Диляра Батудаева
Заголовок| ​Цунами на пуантах
или Почему культура Бурятии теряет профессионалов

Где опубликовано| © «Номер один»
Дата публикации| 2019-05-18
Ссылка| https://gazeta-n1.ru/news/culture/74847/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Один из самых талантливых педагогов балета Эржен Чернова уехала преподавать в Тайбэй. В Национальном тайваньском университете искусств опытного специалиста из Бурятии встретили с уважением, в то время как несколько лет назад заслуженного работника культуры Бурятии Чернову уволили из хореографического колледжа, в котором она воспитала не одно поколение ведущих артистов балета.

Первого сентября 2016 года она пришла на работу, когда вдруг выяснилось, что учить детей в учреждении, где она проработала многие годы, ей больше нельзя – слишком старая, вечно задающая неудобные вопросы. А то, что Черновой в Бурятии нет равных как педагогу и постановщику народно-сценического танца, этого почему-то никто не учел.

За год до этого, к 65-летию своего педагога, артисты балета и ведущих хореографических коллективов республики самостоятельно организовали в ее честь большой юбилейный концерт. Это была дань уважения педагогу, методику народно-сценического танца которого Академия русского балета им. А. Вагановой опубликовала в своем вестнике как пособие для преподавателей.

Балетный плен

Эржен Чернова родилась в семье основоположников бурятского театрального искусства - Найдан Гендуновой и Антропа Ильина. Это с ее мамы и Гомбо Цыдынжапова, первых в Бурятии получивших звание народных артистов РСФСР и СССР, художник Александр Тимин создал скульптуры всадников, по сей день восседающих на фронтоне Бурятского театра оперы и балета. Это было в 1954 году, когда театр только открыл свои двери, словно сказочный дворец посреди песчаного старого города. В этом храме предстояло вершиться новой истории невиданного до сих пор искусства.

- Мне было пять лет, когда отец повел меня на «Спящую красавицу». После этого я и начала грезить балетом, – вспоминает Эржен Антроповна.

Восьмой ребенок в семье, Эржен росла бойкой. Крутилась в тапочках в коридоре коммуналки на проспекте Победы, танцевала в садике, а в первом классе уже поставила свой первый танец с одноклассниками.

В 1961 году специально для того, чтобы готовить кадры для театра оперы и балета, открылось Бурятское хореографическое училище. Она решила поступать в него, когда ей было уже 11.

- Меня не взяли, была очень маленького роста. Потому весь год ела только морковь, растягивалась и мечтала подрасти. На следующий год мне было уже 12 – серьезный возраст для балета. Ничего не сказав родителям, я зашила майку так, чтобы из нее получился купальник, и помчалась проходить отбор в училище, - рассказывает Эржен Чернова.

И ее приняли. Несмотря на возраст, девочка была гибкой, хорошо растянутой, с «легкими» ногами, очень музыкальной. Ее педагогами стали Ишпуля Олзоева и знаменитая Лариса Сахьянова, для которой курс Черновой стал вторым выпуском.

- Лариса Петровна была художественным руководителем училища и непререкаемым авторитетом. Честно признаюсь, я была любимой ученицей и даже жила у них дома. Считалось, что для похудения, - улыбается Эржен Антроповна.

Престиж профессии был тогда высок.

- Я хотела только танцевать, а Лариса Петровна настаивала, что мне нужно продолжить учебу в Ленинграде. Она видела во мне задатки педагога.

В итоге с благословения учителя Эржен Чернова получила квалификацию «педагог балета» в Ленинградском хореографическом училище им. Вагановой (ныне Академия русского балета им. А.Я. Вагановой). Начиная с 1973 года, стала преподавать в Бурятском хореографическом училище, а позднее в должности доцента в Восточно-Сибирской государственной академии культуры и искусств.

В 90-е годы престиж профессии резко упал.

- Все пошли учиться на бухгалтеров и юристов. Никто не хотел отдавать детей в балет, потому что не видели финансовой перспективы в профессии. Потому мы ездили по деревням набирать тех, кого манил город.

Год на год не приходился. Иной раз не брали способных детей из-за переизбытка поступающих, а в другой - не из кого было выбирать.

- Мой педагогический талант открылся именно на таких детях, неспособных, от которых отказались другие. Как на овощной базе, я рылась в «каше», выискивая тот самый «огурчик», и находила, - вспоминает педагог.

Дискриминация по возрасту?

Возраст – основная официальная причина, по которой не стало места многим специалистам балета: известной балерине и бывшему художественному руководителю БРХК Екатерине Самбуевой, педагогам Эржэн Черновой, Евгении Волковой. Недавно пост художественного руководителя колледжа неожиданно покинула Людмила Пермякова.

- В той же Академии им. Вагановой в Санкт-Петербурге к старым педагогам относятся с уважением. Вспомните Марину Тимофеевну Семенову, легендарную балерину и педагога, воспитавшую многие поколения прославленных артистов, которая работала практически до самой смерти, а умерла она в 103 года. Для балетного педагога опыт драгоценнее всего, – говорит Эржен Антроповна. - Ты еще полон сил и любви к детям, а уже кто-то решает, что пора тебя заменить. И ладно бы этот кто-то сам был профессионален! Но нет, он просто в ущерб работе подбирает удобных себе людей.

Как говорят люди, хорошо знающие Эржен Чернову, если что-то наболело в коллективе, единственным человеком, способным сказать открыто и прямо, была именно она. От колледжа ее даже отправляли выступать в Хурал, после чего она нажила себе немало недоброжелателей. Но к этому времени Чернова была признанным специалистом – на ее мастер-классы стремились попасть хореографы не только из Бурятии, но и из Якутии, Читы, Иркутска.

- Деньги, заработанные на этом, шли в бюджет колледжа. Однажды после гастролей выяснилось, что на мастер-классах было заработано больше, чем на выступлениях, - продолжает Эржен Антроповна.

Потому, когда на 66-м году жизни ей постепенно перестали платить, Чернова не выдержала: «Я пошла к начальству и спросила: как можно платить специалисту 5 тысяч рублей в месяц? Дело было в 2016 году. После этого положила на стол заявление об увольнении и только тогда узнала, что давно уволена».

Об унижении

- Первый раз я оказалась в Китае в 2005 году. Только там поняла, как мы привыкли к тому, что нас постоянно унижают, шпыняют. Что у нас за нравы такие? Мне даже неудобно было от того, с каким почтением относятся ко мне студенты и коллеги, - говорит Эржен Антроповна.

О китайских студентах педагог высокого мнения.

- Они трудолюбивые и целеустремленные, талантливые и самостоятельные ребята, на критику не обижаются. Ведь балет не для слабых, это армия на пуантах. Каждый балетный ребенок знает, что плохо не тогда, когда ругают, а тогда, когда равнодушно относятся. Сама она утверждает, что обид не помнит. Даже недругов своих старается оправдать. Но кое-кого, говорит, все равно понять пока не удается.

- У нас не любят прямых и требовательных. А профессионалы часто бывают такими. И потому при них все работает. Но им не дают работать те, кому нечем похвастаться в профессиональном плане. Скажите, где и когда вы видели на руководящей должности по-настоящему интеллигентного человека? – задается вопросом Чернова.

О положении дел в балете

- Все, что происходит сегодня в балете, меня не радует. Из-за амбиций директоров потеряна связь между театром и колледжем, - продолжает Эржен Чернова. - Колледж всегда участвовал в постановках театра, а теперь этого нет. Ирина Хунданова – выпускница народного отделения, проработала педагогом детского самодеятельного коллектива около 17 лет, но у нас все-таки классический балет, а это другое. Раньше художественными руководителями колледжа были только заслуженные, именитые люди, корифеи балетного искусства: Лариса Сахьянова, Ольга Короткова, Екатерина Самбуева, Лариса Протасова. Каждый год в колледже менялись бухгалтера, а старые преподаватели не перечили бывшей ученице – только бы им не перекрыли последний финансовый кислород.

На сегодня сложилась странная ситуация: колледж содержит республика, он задуман как кузница для театра оперы и балета, но лучшие выпускники уезжают, не задерживаясь. Никто из них не стремится остаться в театре. Я возлагала большие надежды на Морихиро Ивата, но не вижу с его стороны каких-то креативных идей. Все идеи, которые реализовал Морихиро в последние годы, – создание балетной школы, фонда Морихиро Иваты и российско-японского евразийского конкурса артистов балета, я ранее слышала от моего ученика - известного педагога и продюсера Доржо Дугаржапова. Я знаю, что идею конкурса тот вынашивал еще три года назад. Это он пригласил к нам Ивату на государственные экзамены в академию культуры, а также в жюри международного фестиваля-конкурса «Венок Дружбы». Сейчас Доржо Дугаржапов тоже работает в Китае, у него всегда море идей, он мог бы быть полезен на родине, но, увы. Сейчас мало индивидуальности. Хорошо, профессионально и требовательно работала и в театре, и в колледже известная балерина и педагог Екатерина Самбуева. А теперь ей, настоящему профессионалу своего дела, нет места ни в театре, не в колледже. А ведь при ней выправился кордебалет – все были, как на подбор. Люди не любят правду. Но не всякий обладает истиной, чтобы ее выразить, понять и принять. Я не люблю «серединку», лицемерие и угодливость – не мое.

Списывают со счетов

На следующий год педагогу Эржен Черновой будет 70 лет. Бывшие ученики отзываются о ней как о мудром человеке.

- Я не всегда была такой. Моя жизнь временами была похожа на цунами, но сегодня чувствую себя молодой. Мой педагог - Ишпуля Олзоева, на которую, говорят, похожа, в 90 лет танцует и заражает всех оптимизмом. Когда осознаешь, что душа вечна, ты всегда остаешься молодым – со взрослыми делами, но с сердцем ребенка. Другое дело, что общество уже списывает тебя со счетов, хотя ты еще полон энергии. Мне проще, я востребованный человек. А как же другим? Недавно китайские студенты и коллеги поздравили меня с днем рождения. Почему-то у них принято проявлять к своим учителям уважение. У нас с этим все гораздо сложнее.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Май 18, 2019 2:02 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019051803
Тема| Балет, фестиваль “Орлеу”, Персоналии,
Автор| Ксения ЕВДОКИМЕНКО
Заголовок| ​Россыпь талантов
Где опубликовано| © газета "Время" (Казахстан)
Дата публикации| 2019-05-14
Ссылка| https://time.kz/articles/grim/2019/05/14/rossyp-talantov
Аннотация|

Балетный фестиваль “Орлеу” приурочен к юбилею Алматинского хореографического училища им. Селезнева. На этот раз он собрал девять балетных школ из пяти стран.



Стоит сделать некоторое разъяснение для тех, кто не следит за балетной жизнью: “Орлеу” - это и фестиваль, и конкурс под одним названием, и они просто чередуются между собой, чтобы дать возможность выбирать лучших, встречаться и обмениваться опытом. Но в этом году встреча особенная, потому что посвящена восьмидесятипятилетию хореографического училища. Его выпускники - это более четырехсот лауреатов и призеров международных танцевальных конкурсов, это артисты, работающие на самых престижных мировых площадках и, конечно, у нас в стране.

В рамках фестиваля прошли мастер-классы, рабочие встречи, выступления. Профессионалы обсуждали пути дальнейшего развития - насколько можно уступать давлению новомодных тенденций и сдавать позиции классического русского балета. А 13 мая фестиваль собрал всех на заключительном вечере. После награждения лучших преподавателей училища публика увидела самые яркие номера учащихся и оригинальный одноактный балет на авторские композиции ансамбля “Туран”.

- Учитывая заслуги Алматинского хореографического училища, которое уже много десятилетий поставляет учеников на все конкурсы, хочу пожелать этому учебному заведению дальнейшего процветания, - сказал генеральный директор международной федерации балетных конкурсов Сергей УСАНОВ и подтвердил, что фестиваль “Орлеу” теперь официально входит в федерацию.

Отвечая на наш вопрос, Сергей Усанов дал оценку казахстанским танцовщикам:

- Конечно, как и любая национальная школа, вы привнесли свой колорит в танец. Могу сказать, что у вас традиционно очень сильный мужской танец. Девочки послабее, а вот мальчики - это просто россыпь замечательных танцоров, они блещут на всех конкурсах. Единственная их проблема в невысоком росте, что осложняет многим участие в дуэтном танце, и не всегда есть достаточный артистизм, а без этого очень сложно работать именно в театре. Но, как солисты, ваши танцоры великолепны. И в этом большая заслуга вашей школы танца.

В рамках фестиваля балетных школ в училище им. Селезнева была развернута экспозиция сценических костюмов, прошли выставки фотографий и художественных работ, посвященных танцу.

Ксения ЕВДОКИМЕНКО, фото Романа ЕГОРОВА, Алматы

=====================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Май 19, 2019 9:17 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019051901
Тема| Балет, Пермский театр оперы и балета им. Чайковского, Премьера, Персоналии,
Автор| Павел Ященков
Заголовок| ​В Пермском театре прошла премьера балета "Баядерка"
Танцы со слоном

Где опубликовано| © газета "Московский комсомолец" №27975
Дата публикации| 2019-05-20
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2019/05/19/v-permskom-teatre-proshla-premera-baleta-bayaderka.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В преддверии международного Дягилевского фестиваля в Пермском театре оперы и балета им. Чайковского показали премьеру балета «Баядерка». Из Перми балетный обозреватель «МК» делится своими впечатлениями об увиденном…


фото: Антон Завьялов
Слон — одна из главных достопримечательностей пермской «Баядерки».


Классической версии «Баядерки» в Пермском театре никогда не было. В 1958 году в ДК им. Солдатова, куда на время реконструкции театр переехал, шел балет под таким названием, поставленный по мотивам сценария Мариуса Петипа и Сергея Худекова, с использованием традиционной индийской музыки и аутентичных танцев, постановку осуществила тогдашний главный балетмейстер Тамара Рамонова, а позднее, уже в самом Пермском театре, шел акт «Тени» — но балета в его полном виде в Перми никогда не было. И это не случайно.

Такой балет хотя и является непременной частью репертуара всех уважающих себя балетных компаний, далеко не каждой труппе по зубам. Чего стоят одни шествия!

Так (согласно скрупулезным подсчетам самого Мариуса Петипа), в шествии третьей картины тут должно быть занято около 200 человек! А из реально танцующих только в сложнейшей картине третьего акта «Тени» театр должен выставить 32 отлично выученные балерины (на премьере у Петипа их было вообще 64 (!), что сегодня не потянет ни одна балетная труппа мира). Именно они идеально, такт в такт, словно мантру, и повторяют, спускаясь с небесных отрогов, один и тот же известный теперь каждому балетоману классический текст: арабеск, пор-де-бра, шаг, арабеск, пор-де-бра, шаг... — завораживая и гипнотизируя зрительный зал этой чудной «молитвой».

Естественно, таким количеством артистов Пермский театр не располагал, поэтому главному балетмейстеру театра и постановщику спектакля пришлось развести количество участников. Так, в сцене «Тени» у Мирошниченко (как, например, и в театре Ла Скала) заняты 24 вышколенные танцовщицы пермского кордебалета, «пропевшие» танцем свою «мантру» с синхронностью и изяществом. Ну а для того, чтобы набрать нужное число статистов, столь важных, для того чтобы осуществить такую масштабную постановку, Мирошниченко вообще придумал нечто оригинальное. Он не просто взял их со стороны… В качестве статистов в пермском балете задействованы самые настоящие индусы!


Полина Булдакова (Никия) и Габриэл Лопес (Солор).
фото: Антон Завьялов


Спектакль «Баядерка» настолько популярен, что существует множество его редакций. Но все они (даже реконструкции) так или иначе основаны на редакции Владимира Пономарева и Вахтанга Чабукиани с отдельными танцами Константина Сергеева и Николая Зубковского, что и по сей день наряду с реконструкцией Вихарева идет в Мариинском театре. Вот эту-то знаменитую советскую версию балета «Баядерка», поставленную в 1941 году, Алексей Мирошниченко и взял за основу.

Тем не менее и для классической редакции Мирошниченко со своими постоянными соавторами, художником-постановщиком Альоной Пикаловой и художником по костюмам Татьяной Ногиновой, как всегда, придумал нечто необычное. Сцена в Пермском театре крохотная (всего 12 на 12 метров), чтоб визуально увеличить пространство и в полной мере воссоздать на сцене мир Древнего Востока, главной отправной точкой в декорациях и в первом, и в третьем акте стала индийская обсерватория Джантар-Мантар — памятник индийской архитектуры и науки, построенный в 1727–1734 гг. раджпутским махараджей Саваем Джаем Сингхом. Среди ее сооружений самые большие в мире солнечные часы Самрат-Янтра, показывающие время с точностью до 2 секунд. Их силуэт и создает головокружительную перспективу к акту «Тени»: танцовщицы движутся на фоне ярких звезд ночного неба и как будто уходящей в вечность гигантской многоступенчатой лестницы, увенчанной на своей вершине храмом.

Костюмы в индийском стиле, созданные Татьяной Ногиновой, под стать декорациям — настоящие шедевры, достойные отдельной музейной выставки. Каждый раз на спектаклях, костюмы к которым создает этот художник, удивляешься неистощимости ее воображения.

К восторгу зрительного зала, в этом спектакле Солор прибывает на собственную свадьбу, восседая на золоченом сиденье со львами, установленном на спине гигантского слона. И именно этого персонажа пермский зритель ждал с особым нетерпением.

По задумке Петипа, слон сопровождает выход главного героя в Мариинском театре аж с 1900 года, когда спектакль восстанавливали для царской фаворитки Матильды Кшесинской (согласно сохранившимся записям самого хореографа, на премьере 1877 года слона еще не было). В наличии гигантский муляж слона на колесиках сейчас и в Парижской опере — Рудольф Нуреев, перед смертью воссоздавший спектакль для этого театра, без слона его себе просто не представлял. Теперь слон есть и в Перми, и как его удалось «вписать» в малюсенькое пространство пермской сцены, Мирошниченко, похоже, и сам еще до конца не понимает.

Если в первых спектаклях пермской премьеры приезжали танцевать такие известные балетные артисты, как Мария Александрова и Владислав Лантратов, а в партии баядерки Никии выходила международная балетная звезда Наталия Осипова, то сейчас в этом спектакле танцуют те, на кого он, собственно, и задумывался изначально, то есть примы и премьеры балетной труппы самого Пермского театра.

Не думаю, что пермские артисты, вышедшие в двух составах, которые мне удалось увидеть, сильно уступают московским. Танцевавшая Никию в первом составе Полина Булдакова, обладательница красивых рук и точеных ножек, провела свою партию, внутренне всем сердцем понимая свою героиню. Хороша была и Дарья Тихонова во втором составе, проявив излишний темперамент разве что в танце с корзиночкой — ее Никия так сильно размахивала этой самой корзиночкой во второй части своего соло, быстром канканирующем галопе, — что было удивительно, как при такой тряске потревоженная ею змея не укусила баядерку раньше, чем кончился ее танец, или вообще преждевременно не вывалилась из корзины.

Темпераменту было не занимать и единственной в обоих составах Гамзатти — Альбине Рангуловой. Ее героиня была настолько бескомпромиссна и решительна, что у зрителя не оставалось никаких сомнений, что именно по ее приказу баядерке в корзину подложили змею (хотя из либретто это совсем не очевидно, и кто все-таки является главным виновником смерти Никии: Гамзатти или ее отец-раджа, — зависит от акцентов актерской игры).

На обоих Солоров, которых мне удалось увидеть, — Габриэла Лопеса и Кирилла Макурина, я обратил внимание еще год назад на пермском конкурсе «Арабеск», с которого их настоящая карьера в Пермском театре, собственно, и началась. Макурин тогда завоевал «золото», а Лопес стал дипломантом и вошел в ту знаменитую пятерку бразильцев, что сразу после конкурса Мирошниченко пригласил в пермскую труппу.

Кирилл Макурин танцевал Солора в свое удовольствие: хорошо подготовленный технически и убедительный актерски, он превосходил Лопеса выучкой, точностью своих па и станцевал партию Солора чище, нежели бразилец. Зато второй выигрывал темпераментом и экзотичностью своего облика, явно наводя трепет на женские сердца в зрительном зале.

Особой любовью у зрителей традиционно пользуется партия Золотого божка, которую так удачно воплотил на сцене еще один запомнившийся артист Пермского театра — Тарас Товстюк.

Интересна история этого персонажа. У самого Петипа третья картина являла собой, как известно, не сцену свадьбы, как это показано в пермской «Баядерке» и как повелось только с 1941 года, когда балет отредактировали Вахтанг Чабукиани и Владимир Пономарев. Раньше картина была приурочена к празднику в честь идола Бадрината, и этого самого шестирукого идола тогда, как и слона, на сцену выносили в виде муляжа. В 1948 году идол затанцевал: чтобы украсить свадьбу Солора, виртуознейшую вариацию идола, которого переименовали к тому времени в Золотого божка, поставил ее первый исполнитель Николай Зубковский.

Товстюк провел свою партию с легкостью и снайперской точностью, удачно расставляя в ней нужные акценты. Никаким гримом не замажешь и присущую этому артисту харизму, которая исходила от него и из-под наложенной на его тело золотой краски. Есть у Мирошниченко в театре своя плеяда выращенных им танцовщиков, которые могут лучше других воплотить на сцене задумки этого хореографа, и Товстюк как раз относится к их числу.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Июн 05, 2019 7:44 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Май 19, 2019 10:20 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019051902
Тема| Балет, Мерлезонский балет
Автор| Павел Ященков
Заголовок| ​Мерлезонский балет: занимательная подоплека крылатой фразы из «Мушкетеров»
В романе Дюма ее нет

Где опубликовано| © газета "Московский комсомолец"
Дата публикации| 2019-05-19
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2019/05/19/merlezonskiy-balet-zanimatelnaya-podopleka-krylatoy-frazy-iz-mushketerov.html
Аннотация|

В русском языке фраза «Мерлезонский балет» (через «е», а не «а»), означающая неожиданное развитие событий, их резкий поворот, после выхода на экраны культового фильма «Д’Артаньян и три мушкетёра» мгновенно стала крылатой. После того как распорядитель бала церемониально объявляет: «Вторая часть Мерлезонского балета!», в зал врывается д'Артаньян (Михаил Боярский) и сбивает бедолагу с ног…


Портрет Людовика XIII.

Примечательно, что сама эта сцена, так живо изображенная в фильме Георгия Юнгвальд-Хилькевича, (1978 год, Одесская киностудия), отсутствует в романе, и добавлена в фильм для усиления комического эффекта. У Александра Дюма в «Трех мушкетёрах» «любимый балет короля» описан как арена развязки в интриге с алмазными подвесками королевы Анны Австрийской, супруги короля Людовика XIII, которая подарила их своему любовнику герцогу Бекингему (часть первая, глава XXII). Но о самом бале, на котором и будет исполнен «Мерлезонский балет» впервые упоминается лишь в главе XVI. Там кардинал Ришельё предлагает Людовику назначить бал на 3 октября и изъявить желание: мол пусть королева явится на нем в алмазных подвесках. Но существовал ли на самом деле этот балет или для закручивания интриги был просто выдуман Дюма? Разберемся.

«История, это гвоздь, на который я вешаю свои картины»

«История, это гвоздь, на который я вешаю свои картины» - любил повторять писатель о своих приключенческих романах, сюжет которых, как известно, зачастую не очень считался с исторической действительностью. Тем не менее, история у Дюма все же «гвоздь», а значит и реальная основа в его романах все же присутствует.

Так, сам д'Артаньян в тех же «Трех мушкетерах» как известно - реальное историческое лицо (собственно Шарль де Батс де Кастельмор, граф д'Артаньян). Его образ, как впрочем и образы других героев романа, писатель просто позаимствовал из «Мемуаров господина д'Артаньяна, капитан-лейтенанта первой роты королевских мушкетеров» - беллетризованного, но не полностью вымышленного сочинения писателя Гасьена де Куртиля де Сандры. Исторические прообразы имели и другие герои романа взятые у де Куртиля «напрокат»: Атос (Арман де Силлег д'Атос и д'Отвьей), Партос (Исаак де Порто) и Арамис (Анри д'Арамиц). Прототип имеет даже Миледи (графиня Люси Карлайл). Ну а слух о романе могущественного любовника английского короля Иакова I герцога Бэкингема, и жены короля французского Людовика XIII Анны Австрийской, тоже был довольно устойчивым. Да и сама история с алмазными подвесками не «высосана писателем из пальца» полностью: её в своих «Мемуарах» рассказал Франсуа де Ларошфуко.

Но даже такие детали как «Мерлезонский балет» (часто пишется и произносится как «Марлезонский») у Дюма тоже никакой не вымысел. Балет существовал на самом деле, назывался он «Балетом Мерлезона», от французского Le ballet de la Merlaison, и 15 марта 1635 года был исполнен в замке Шантильи, а через два дня в аббатстве Ройомон. Придуман он был лично королем Людовиком XIII, который не только поставил здесь все па, но сочинил к нему музыку, фасоны костюмов и вышел в нем в качестве танцовщика. При этом, балет стал настолько знаменитым, что может помериться своей славой даже с «Лебединым озером» или «Щелкунчиком»… Так, в 1967 году была выпущена пластинка с музыкой к одиннадцати актам этого балета продолжительностью 12 мин. 39 сек. в исполнении Парижского ансамбля старинных инструментов. И кроме «Мерлезонского балета», на ней были представлены ещё несколько музыкальных произведений Людовика XIII! Мало того, совсем недавно, в 2011-м году, «Мерлезонский балет» был даже реконструирован хореографом Кристином Бейльем и записан на DVD.

«Танцуют все!» или маскарады на масленицу

Появившись при дворе Генриха III (любил церемониалы и обогатил придворную жизнь обращением к королю «Ваше величество»), традиция проведения балетов пышным цветом расцвела при дворе уже следующего французского короля Генриха IV, отца Людовика XIII. В хрониках царствования этого монарха, о балетах упоминается так же часто, как об интригах, военных походах и публичных казнях. «За двадцатилетие его царствования было поставлено примерно 97 балетов, не считая роскошных балов и маскарадов, которые он обожал и в которых от души веселился в кругу своих придворных».

Их называли балетами-маскарадами, и они наряду с драматическими балетами и балетами с выходами, стали особенно популярны в правление Людовика XIII. В ту эпоху по сложившейся еще со времен Возрождения традиции танец в этих представлениях чередовался с пением, декламацией стихов и мало чем напоминал современный балет. Давали их в Лувре, традиционно на масленицу.

Если в балетах при дворе Генриха III, вместе с «танцующими королевами» (жена и мать Генриха III), сам король на сцену еще не выходил, то в балетах-маскарадах на сцену Лувра Людовик XIII вышел 12 раз. Но и этого было достаточно, чтобы сделать балеты самым популярным развлечением того времени. Честь участвовать в них придворные оспаривали друг у друга посредством интриг и подсиживания. Ведь когда артистом балета становится король – «танцуют все»: министры, важные сановники, да и вообще весь цвет французской аристократии.

Жизнь королевского двора жестко регламентировалась и почти каждое важное событие заканчивалось балетным спектаклем. Так едва венчавшись молодожены Анна Австрийская и Людовик XIII исполнили друг для друга обязательные балеты: 15 февраля 1616 года перед супругой танцевал 14-летний король, а 21 февраля 14-летняя королева ответила ему балетом со своими фрейлинами.

Еще один Король-Солнце

Надо сказать, что Людовик XIII знал толк еще и в театральном оформлении и сценической машинерии, и стал даже своеобразным реформатором театра. Потому что именно при его правлении впервые появились сценические подмостки. Ведь в «Комедийном балете королевы» (первом балете в истории) сцена ещё не возвышалась. Теперь же она поднялась над залом, а ступени позволяли актерам спускаться вниз для заключительного танца, который назывался Гран-балетом.

Еще одно новшество царствования Людовика XIII: на балетной сцене в больших количествах стали появляться «наемные прыгуны», то есть профессиональные артисты, которые совсем скоро вытеснят со сцены своих титулованных коллег. В балете появляются элементы, идущие совсем от другой, не «аристократической» линии развития балетного искусства – бродячих актеров и лицедеев. Теперь эти линии пересекаются и с тех пор в балетах становятся модными всевозможные прыжки, вращения, кабриоли, с которыми соседствуют даже чисто акробатические элементы. Например, в балете «Вдовствующая герцогиня Бильбао», прошедшем в городской ратуше, помимо прыжков танцовщики стоя на плечах друг у друга выстраивались в пирамиду, а другие, переодетые обезьянами, прыгали на плечах лакеев и ходили по проволоке. С закатом царствования Людовика XIII такие трюки заканчиваются. При дворе его сына Людовика XIV на балетной сцене возобладает академизм.

Действительно, век Людовика XIV, стал золотым веком балетного искусства. Многие знают, что само название целой эпохи в истории Франции - эпоха «Короля-Солнце» - обязано роли короля в «Королевском балете ночи», где 15-летний монарх танцевал партию лучезарного Аполлона. Но не многим известно, что роль Аполлона перешла ему по наследству: в 1621 году Людовик XIII вышел в «Балете Аполлона» на музыку Боессе. «Балет Аполлона» действия не содержал: в своих номерах мифологические персонажи (Музы, Сирены, Мнемозина и др.) просто поочередно славили Аполлона, то есть самого короля.

Женщин танцуют мужчины

Каких балетов только не показывали при дворе Людовика XIII. В 1633 году в «Балете Моды» было представлено настоящее дефиле одежды «от кутюр», где участники, демонстрируя свои наряды, «двигались в стиле и под мелодии реконструированных старинных танцев, начиная со времен Карла VII», то есть ещё эпохи столетней войны. Кроме «Балета Моды», шел тогда и «Балет помешанных на моде»…

Дамы к тому времени в балетах уже не выступали, и все женские роли исполнялись мужчинами. Большинство вельмож предпочитало танцевать такие же гротескные и характерные партии, которые танцевал сам король. А тот «рядился женщиной, музыкантом кошачьего концерта, голландским шкипером, гротескным солдатом», обожал выходить на сцену в образах пьяниц, воров и жуликов. Соответствующие роли выбирали для себя и остальные участники балетов-маскарадов, выступая в костюмах прачек, трактирщиков, цирюльников, докторов.

В заключающих же балет Гран-балетах, в отличии от пестрых костюмов гротескных сцен, костюмы для всех были унифицированы - черные или золотые маски, головных уборах в перьях=, и пышной юбочки, не доходящие до колен, а также высокие башмаки. На рисунках той поры король отличается от других исполнителей лишь повязкой на руке. Причем структура этих Гран-балетов уже содержала принцип синхронности и единообразия сегодняшних кордебалетных ансамблей с фигурой солистов в центре. Только в те времена солистом был не какой-нибудь премьер Большого театра, а сам король.

Интересно, что именно Людовик XIII впервые сделал балет публичным мероприятием: помимо придворных, которые и созерцали балеты ранее, он допустил на них и простолюдинов, которые толпами рвались в Большой зал Лувра, чтоб хоть одним глазком взглянуть на роскошное зрелище. Давка была такой, что в дверях и коридорах дворца образовывались пробки. В 1615 году на «Балет аргонавтов» публики собралось столько, что королева-мать Мария Медичи «прибыв туда, не могла проложить себе путь и в гневе удалилась».

Балет внедряется в сферу политики

29 января 1617 в Лувре был дан знаменитый балет «Освобождение Рено»( автор сценария Жиль Дюран, музыку написали несколько композиторов), который смог начаться только в 2 часа ночи, когда кое-как разместились все зрители. Молодой король должен был рядом со своим фаворитом герцогом де Люинь (исполнявшим роль Рено), станцевать несколько антре в партии Демона огня. Когда он вышел из своих апартаментов в маске с языками пламени, своевременно прибыть на сцену у него всё же не получилось: все проходы были забиты любопытствующей толпой. А когда никем не узнанный король все же сумел протиснуться к Большому залу, его за штанину ухватила какая-то девица и с воплем «Раз вы идете, то и я за вами» пробралась-таки на представление.

Кстати, это был тот самый балет, что до сих пор, как вставной номер, исполняется на сцене Большого театра в балете советской поры «Пламя Парижа»: перед захватом дворца революционными массами, его показывают королю Людовику XVI и королеве Марии Антуанетте.

Самое интересное, что балеты в начале XVII века находились в эпицентре политики и при их создании, а также при исполнении в них балетных фигур плелись целые сети политических интриг и заговоров. «Освобождение Рено» исключением не стал, и, как и прочие придворные балеты, был балетом со смыслом: 16-летний король в нем прозрачно намекал, что хотел бы освободиться из-под власти своей матери Марии Медичи и ее фаворита Кончино Кончини (маршала Д`Анкра), которые управляли страной от его имени, пока он не достиг совершеннолетия, но продолжали оставаться полновластными хозяевами Франции и по достижении оного. «Освобождение Рено» стал своеобразным спусковым крючком.

Не пройдет и трех месяцев со дня премьеры балета, как в результате заговора маршала убьют, а королеву-мать отправят в ссылку в замок Блуа. Д`Анкра настолько ненавидел народ, что на следующий же день после погребения, его тело вытащили из-под могильной плиты, проволокли по улицам Парижа, подвесили за ноги на одной из виселиц, которыми по приказу маршала «нашпиговали» Париж, отрезали «уши, нос и срамные части», вскрыли грудь и вырвали сердце. Затем останки сожгли и развеяли пепел по ветру. Значительно позже эти события легли в основу известного и популярного приключенческого французского фильма «Капитан» с Жаном Маре в главной роли.

Король-заика продает зеленый горошек

Но вернемся к Людовику XIII и его «Мерлезонскому балету». Этого короля спокойно можно внести в Книгу рекордов Гиннесса по числу воплощений его образа на киноэкране. Ни одного короля в мире (естественно, кроме его сына Людовика XIV), столько не снимали… Конечно благодаря Дюма и его роману «Три мушкетёра». Но как же отличаются все эти киношные короли от портрета реального человека!

Природа сделала его набожным, меланхоличным, застенчивым и сильно подверженным чужому влиянию. Болезненный от рождения (он и умрет, не достигнув 42-лет), в моменты волнения Людовик XIII ещё и заикался. Монарх любил ручной труд: сам чеканил медали и монеты, плел корзины, шил, разводил в парнике зеленый горошек и посылал продавать его на рынок. Он умел готовить и обожал придумывать модные фасоны бородок. Считается, что именно он изобрел особую маленькую «королевскую» бородку клинышком, которую мы видим на портретах у многих аристократов «эпохи мушкетеров». Ему же принадлежала и мода на длинные локоны у мужчин.

Но еще он был талантливым рисовальщиком и одаренным музыкантом. В 11 лет умел хорошо играть на лютне и клавесине, петь, а в последствии любил сочинять всевозможную музыку и стихи. Однако настоящей страстью короля была охота. А самой любимой охотой была охота на дроздов. Этой то своей страсти Людовик ХIII и посвятил свой «Мерлезонский балет». Ведь буквальный перевод «Балет Мерлезона» - «балет дроздования». Кстати, слова «merlaison» во французском языке нет - это своеобразный неологизм, придуманный королем, который попросту говоря, означает, что перед нами «Балет об охоте на дроздов». На нем то и настало время остановиться подробно.

Версия «Мерлезонского балета», описанная Дюма, является, скорее, балом (кавалеры танцуют с дамами), чем театрализованным представлением. При этом события происходят не в Шантильи или Ройомоне, где был поставлен балет на самом деле, а в парижской ратуше, где в то время шли и другие балеты. «Мерлезонский» же целиком и полностью был придуман самим Людовиком XIII. Королю не захотелось прибегать к помощи соавторов – в «Мерлезонском балете» он все делает сам. Сам придумывает название и разрабатывает сюжет, создает костюмы, ставит танцы, и наконец, сам пишет музыку для этого единственного в своем роде произведения, «в котором проявил себя довольно даровитым музыкантом, усвоившим каноны барокко». Главной особенностью этой музыки были свистульки, которые подражали голосам птиц.

Поставлен «Мерлезонский балет» был с небывалой даже для тех времен роскошью. Обычно скупой, в этом случае король с расходами не считался. Прошел «Балет Мерлезона», как и все королевские балеты, при огромном стечении публики. «Это спектакль совершенно нового жанра – своеобразное объяснение в любви главному увлечению своей жизни – охоте на дроздов, воспроизведенной в шестнадцати явлениях». Хотя появлялся на подмостках во время представления король всего два раза: сначала по своему обыкновению в роли торговки приманками, а затем в роли крестьянина. Примечательно, что роль Короля, была отдана другому исполнителю. А роль Дрозда, ловко обходящего все расставленные для него охотниками ловушки, играл самый знаменитый танцовщик того времени, а кроме того певец, музыкант и актер - Марэ.

Целомудренный король и осквернители могил

Кардинала Ришельё также любил балеты, хотя в фильме «Три мушкетера» это не отражено. По примеру короля кардинал ставил балеты и в них танцевал, относясь к этому делу не менее серьезно, чем к решению важных государственных проблем. Существует даже изображение Ришельё, танцующего в присутствии «дамы своего сердца» - Анны Австрийской…

Впрочем, историки опровергают и этот слух, как и точку зрения Дюма, что Людовик XIII был лишь послушной марионеткой в руках своего первого министра. Сам Ришельё признавался, что ему было легче «выиграть несколько сражений, чем отвоевать приемную королевского кабинета». Будучи человеком очень осторожным, кардинал предпринимал все свои самые важные шаги только с одобрения короля.

Каким этот король остался в истории Франции и мира? У нас в стране его помнят, конечно, в основном по роману Дюма и телевизионному фильму, про тот самый «Мерлезонский балет», в котором роль короля незабываемо сыграл Олег Табаков, а Анны Австрийской - Алиса Фрейндлих.

В разные времена в самой Франции к нему относились по-разному. При жизни его называли «Людовик Справедливый» или «Людовик целомудренный» и поставили ему памятник. Во времена французской революции прах целомудренного короля был осквернен. Исследователь Екатерина Глаголева в биографии Людовика рисует жуткую картину: «Их тела были выброшены из усыпальницы в Сен-Дени. Тело его отца Генриха IV и двух его жен были эксгумированы 13 октября 1793 года; мумия короля настолько хорошо сохранилась, что её несколько дней демонстрировали, поставив у ворот Сен-Дени. На следующий день из могил извлекли Людовика XIII, Анну Австрийскую, Людовика XIV, Генриетту Французскую и Марию-Терезию – все останки потом сбросили в общую яму пересыпав известью. Над могилой Ришелье надругались 5 декабря. Статую Людовика Справедливого расплавили, чтобы отлить пушки; памятники его отцу и сыну тоже были снесены и разбиты».

Сегодня в Париже существует сквер Людовика XIII на площади Вогезов (бывшей Королевской площади). В центральной части площади на своем прежнем месте можно полюбоваться конной статуей короля, которую уже из белого мрамора изваял Жан Пьер Корто по образу Шарля Дюпати. Людовик здесь изображен в виде римского императора, в панцире под мантией, с мечем у левого бедра и увенчан лавровым венком. А «Мерлезонский балет», войдя в поговорку, остался свидетельством памяти о короле. Таким своеобразным нерукотворным памятником его величества самому себе.

======================================================================
Все иллюстрации - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Июн 05, 2019 7:48 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Май 19, 2019 11:53 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019051903
Тема| Балет, Современный балет, фестиваль Dance Open
Автор| Вита Хлопова / Фотографии — Ирина Туминене
Заголовок| Dance Open 2019
Где опубликовано| © NO FIXED POINTS
Дата публикации| 2019-05-16
Ссылка| http://nofixedpoints.com/danceopen2019
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ



Последние две недели апреля в Петербурге прошли под знаком современного балета: фестиваль Dance Open, отмечающий в этом году свое совершеннолетие, собрал интересную программу, о которой мы постараемся подробно рассказать в нашей статье.

Фестиваль Dance Open, ежегодно занимающий добрую половину апреля, в этом году достиг своего совершеннолетия. За это время балетоманы могли изучить репертуарные жемчужины многих европейских балетных трупп. Важно, что фестиваль не ставит перед собой задачу привезти самые топовые имена, на которые российский зритель обязательно купит билет, но познакомить нас с той прослойкой современного балета, о которой у нас не всегда знают. Привезти и распродать под sold-out Парижскую Оперу не так сложно, а вот заполнить зал на премьеру балетной труппы из Цюриха — это уже задача для смелых. Но надо сказать, Dance Open всегда достойно с этим справлялся: публика неизменно скупает билеты в первые часы продаж, а ухватить удачу, чтобы попасть на финальный гала-сюрприз, где до последнего не объявляют состав исполнителей, невозможно минут через 15 после старта продаж.

Из всех фестивалей Dance Open является одним из самых продолжительных (не считая, конечно, «Золотой маски», растягивающейся на несколько месяцев): если обычно программа любого фестиваля укладывается в рабочую неделю, то здесь у нас насыщенные полмесяца, где помимо спектаклей можно еще и нырнуть в богатую off-программу. Лекции, выставки, мастер-классы, встречи с хореографами — все это тоже проходит с неизменной приставкой «извините, регистрация окончена».

Еще одна особенность в том, что Dance Open не зацикливается только лишь на международной программе и привозит из года в год свежие премьеры ведущих театров России: Пермского Балета, Большого театра или Урал Оперы Балета. Для многих петербургских (да и московских) балетоманов — это редкий шанс увидеть то, чем гордится русский балет за пределами главных театров страны.

Открылся фестиваль новым спектаклем немецкого хореографа Кристиана Шпука «Зимний путь» в исполнении труппы Балета Цюриха. Этот хореограф достаточно хорошо известен российскому зрителю: в 2016 году МАМТ им. К. С. Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко показывал его версию «Анны Карениной». После этой Анны у многих не было больших ожиданий насчет хореографической фантазии Шпука, но, видимо, любопытство взяло свое: в зале Александринского театра не было ни одного свободного места.

Шпук взял в качестве музыкальной основы, название которой и вынес в заголовок, знаменитый вокальный цикл Шуберта «Зимний путь» в композиторской интерпретации Ханса Цендера. Перевод текстов 24 песен транслировался на экранах, расположенных сверху сцены, что, конечно, немного отвлекало от изучения того, что происходило на сцене. А там было много любопытного: Шпук, не сумев выстроить цельную драматургию на полтора часа, очень изящно «разбросал» по всему балету множество занимательных решений и композиций, которые хотелось рассматривать и разгадывать. В «стерильном», обрамленном бетонными стенами пространстве возникали странные, порой, инфернальные фигуры, а дуэты плавно перетекали в трио, квартеты и массовые номера, не задаваясь целью рассказать какую-то связную историю.

Интересно было, как хореограф вдруг впускал по заднему периметру сцены какого-то персонажа, который пока длился номер, очень медленно шел. С одной стороны, смысловой нагрузки он мог и не нести, с другой — не переносить на него свое внимание с танцующих впереди людей было невозможно. Потом, словно 25-м кадром между этими красивыми номерами, из которых была соткана постановка, он включал какую-то сюрреалистическую сцену, где, к примеру, шел человек с рюкзаком из чучела оленя в то время, как другие артисты несли на голове гнезда из прутьев. Некоторые из массовых композиций были частично исполнены на утопающих под сцену платформах, создавая, таким образом, танец на несколько уровней.
При том, что визуально работа Шпука была невероятно красива, целиком ее воспринять без утомления было довольно сложно. То ли цикл Шуберта под фонограмму, то ли бессюжетные перетекания из одного дуэта в другой не способствовали концентрации внимания. Но чем Балет Цюриха удивил, так это своим невероятным качеством: артисты труппы в потрясающей форме, что даже не получается отдельно отметить кого-то одного. Конечно, и Шпук знает достоинства своей труппы, опираясь в сочиненных фрагментах только на самые сильные стороны того или иного артиста. И было особенно радостно видеть, как гармонично вписалась в труппу бывшая солистка Пермского балета Инна Билаш. И кажется, рано мы списали Шпука в разряд «средних европейских хореографов»: после этого спектакля хочется изучить и другие, ведь хореографически он очень интересно мыслит.

Второй вечер фестивальной программы принадлежал Пермской балетной труппе и работе Алексея Мирошниченко «Щелкунчик». Мирошниченко любит пересматривать старые балетные сюжеты и выстраивать их немного под другим углом: так, многие помнят, что его «Золушка» перенеслась в советское время, здесь же сюжет развивается в 1892 году в Петербурге (именно в этом году в Мариинском театре состоялась реальная премьера «Щелкунчика»). Здесь вся история с Щелкунчиком происходит во сне Мари, причем сне чуть приболевшего ребенка: именно поэтому мыши в балете такого «болезненного» зеленоватого цвета.
Хореограф Мирошниченко в этой работе, кажется, все силы отдал на финальный сложнейший дуэт Мари и Принца, где труднейшие верхние поддержки перемежаются с быстрыми и замысловатыми вращениями. При этом хореографическая фантазия в других номерах ограничивалась стандартными «связками» из балетного утреннего класса, причем часто повторяющимися по всем правилам балетного урока, с двух «ног».

«Вальс цветов», к примеру, был странно выстроен композиционно: все средние прыжки солирующих артистов не были видны за обрамляющими их по кругу артистками. Получалось, что даже если и там было что-то сложное для исполнения, то в общей свалке артистов зрители просто не смогли разглядеть этого. С другой стороны, прекрасно был оформлен момент с куклами во сне Мари и танцующими артистами на площади в самом финале. Их схематичные костюмы с четкими линиями и яркими цветами превратились в реальной жизни в обыкновенные, нетеатральные, приглушенные наряды. Как будто сознание Мари просто преобразовало увиденное в реальности в более очерченное и прорисованное.
Такой ход не нов: к примеру, у Йохана Ингера в балете «Петрушка» было уже такое «превращение», но здесь он был очень уместен и, главное, тонко размещен. Другой отличный ход, хоть и робко не доведенный до конца, это оформить «Вальс снежинок» в стиле Басби Беркли, у которого каскады одинаковых белоснежных костюмов передвигались обычно в разных плоскостях. Конечно, вероятно, у Мирошниченко и не было такого замысла, но намек на Беркли был очевиден, и ужасно хотелось, чтобы эту идею (красивую и визуально очень привлекательную) довели до ума.

Полина Булдакова — главная прима театра — очень органично смотрелась в главной партии, технически справляясь со всеми хореографическим сложностями и прекрасно существующая актерски в этом образе. Но если рассматривать многих других сольных исполнителей различных партий (в частности, дивертисмент кукол), то сделать такой же комплимент по исполнению, к сожалению, было невозможно.

В итоге, целиком концепцию нового «Щелкунчика» можно, несомненно, считать удачей театра, но, вероятно, на «родной» сцене и с оркестром вся балетная труппа исполняет эту постановку более уверенно.

«Алиса» в исполнении Балета Дортмунда стала, наверное, самым запоминающимся спектаклем фестиваля: столько диаметрально противоположных мнений не было озвучено ни про какой другой спектакль. Хореограф Мауро Бигонцетти взял сложносочиненный сюжет Льюиса Кэрролла, но кажется, не понял, как разбираться со всеми этими героями, просто вывалив их всех вместе на сцену. История разделена для двух разных по возрасту Алис, которые по-разному воспринимают происходящее вокруг. Для незнающих историю — понять ее по спектаклю будет невозможно. Но если честно, и для знающих — разобраться в быстром темпе повествования было сложно. Хореография Бигонцетти была откровенно халтурна: казалось, он собирал танцевальные связки в очень поспешном темпе.

Но главным открытием и достоинством спектакля стали вовсе не танцовщики дортмунского балета, а музыканты из итальянской фолкгруппы Assurd, присутствовавшие на сцене с самого начала постановки. Казалось, мы присутствовали на невероятном музыкальном шоу, где артисты балета играют второстепенную роль. К слову, это был единственный спектакль всего фестиваля с живым музыкальным сопровождением, что, конечно, сразу придает постановке совсем другое настроение. Но понять, почему на фестивале, который длится две недели и плотно забит спектаклями, нет привозного оркестра от каждой труппы, очень просто: тогда бы фестиваль автоматически сокращался в два или три раза.

Хедлайнером фестиваля выступил балет «Коппелия», который привез нам Венский государственный балет. Этот знаменитый балет авторства Артура Сен-Леона возобновлял известный балетный реставратор Пьер Лакотт, и еще более это было интересно потому, что в Большом театре идет другая восстановленная версия авторства Сергея Вихарева. Конечно, вопрос о подлинной реставрации достаточно деликатен и до сих пор ведутся споры о том, возможно ли полностью восстановить тот или иной старинный спектакль. Как бы то ни было, спектакль, привезенный командой Манюэля Легри, был очарователен. Постановка буквально испещрена мелкой техникой (которой во времена Сен-Леона и быть не могло, конечно) и сложнейшими балетными элементами (поставить балерину с développé в профиль в позицию à la seconde — это, конечно, можно только при полной уверенности в этой балерине, а к слову Наташа Маир, что исполняла партию Сванильды в первом составе, стала открытием фестиваля).

При этом, если сольные партии технически были феноменально трудны (мучением для артистом являются пируэты с четкой остановкой с открытием ноги в à la seconde, например) для исполнения, то многочисленным народно-сценическим номерам не хватало размаха. Казалось даже, что родная сцена венской оперы может быть шире, а тут артистом приходиться ютиться, что влечет за собой более «куцые» движения, но оказалось, что сцена Александринки ничем не меньше, а значит «куцой» вышла хореография. А сравнивая две версии — Лакотта и Вихарева, — можно наглядно заметить, как одно и то же описание сцены способно трансформироваться в совершенно разные визуальные образы.

Знаменитая голландская труппа Introdans нередко приезжает в Россию, показывая нам лучшие работы известных голландских мастеров, но на этот раз программа, подготовленная для фестиваля, была абсолютно уникальна для нашего зрителя. «Пение» Нильса Кристе, «Польские пьесы» Ханса ван Манена и Conrazoncorazon Каэтано Сото были впервые показаны в Санкт-Петербурге.

«Пение» Нильса Кристе на музыку Арво Пярта показало состояние всей труппы: 30-минутная бессюжетная работа, исполненная как будто бы без остановки, переливаясь из кулисы в кулису, иногда удивляла композиционно. Кристе брал красивый ход, который в Introdans довольно часто используют: одна пара заканчивает дуэт определенными движения, уходя в левую, к примеру, кулису, а в это же время следующее трио выбегает на сцену теми же движениями, но из правой кулисы, таким образом, как будто продолжая бесконечный рассказ хореографа. В финале белая шелковая материя поглотила всех, не оставив на сцене никого, поэтому если вдруг вы думали, что этот спектакль о мимолетности жизни от рождения до смерти, оно вполне могло так и быть.

Яркие и динамичные «Польские пьесы» уже приезжали в Россию в исполнении, правда, другой труппы — Alvin Ailey dance company, но и здесь резаная комбинация, исполненная, словно на повторе, несколько раз подряд, с фотографичными tendu в effacé, произвела должный эффект. Тот же эффект произвел и финал постановки: внезапный, как будто бы купированный в половине музыкальной и хореографической связки.
Работа с непереводимым на русский язык называнием Conrazoncorazon Каэтано Сото предворялась 3-минутным веселым клипом, снятым по мотивам его хореографии.

В этом шутливом номере слились на одной сцене эстетики Охада Наарина, Боба Фосса, бродвея и все того же Басби Беркли. Цельной идеи здесь никакой не было, скорее, каскад характеров, танцев и костюмов. Для завершения фестивальной программы — вполне себе живой пример того, что танец может быть веселым.

Но DanceOpen не может пройти без своего знаменитого гала-концерта, куда уже многие годы съезжаются лучшие мировые балетные звезды и друзья фестиваля. Участников гала узнают зрители, купив программку, но никогда особо разочарований не было. Увидеть в России за один вечер российских, европейских и американских звезд балета практически нереально, именно поэтому и мест свободных в зале не было. Программа гала была собрана интересно: из известных падеде были только «Дон Кихот» и «Пламя Парижа», а вот остальное было если не новым, то, может, и малоизвестным широкой публике. Не обошлось и без фламенко (Farruca a tres), и даже без латиноамериканских зажигательных танцев (Proud Mary в исполнении Антонины Скобины и Дениса Дроздюка). Самый известный европейский хореограф этого года — Марко Геке — представил работу «Венгерские танцы» и показалось, что это чуть ли не единственное его произведение, увиденное в этом году, которое не раздражало своим фирменным трясущимся стилем. В итоге, он стал одним из лучших номеров гала-концерта. Танцевальный театр Оснабрюка развлекал зрителей своими танцевальными гэгами и карнавальным юмором, а вот поставленный специально для фестиваля номер «Токката» польского хореографа Кшиштофа Пастора очень удивил: вроде бы и узнаваемая неоклассическая лексика, но при этом номер вышел каким-то цельным и аккуратным.

Но героями вечера были безусловно Даниил Симкин и Татьяна Мельник, вышедшие в Гран Па из балета «Дон Кихот». Симкин так грандиозно и легко отпрыгал все свои вариации, что, казалось, он абсолютно не устал. Быть его партнершей в этом Гран Па было опасно: вполне за его прыжками, заполонившими всю сцену, можно было и не заметить, кто с ним танцевал. Но каждый раз выходя на сцену, Татьяна Мельник, прима Национального балета Венгрии, своим апломбом, сценической уверенностью и прекрасной техникой отнимала у Даниила долю внимания.

Дефиле артистов, принимавших участие в программе гала-концерта, завершил фестиваль, а вот награждения хрустальной туфелькой нас ждет только в следующем сезоне.


Хочется лишь пожелать всей команде, работавшей над этим фестивалем, сил и вдохновения для следующего года. Ведь с таким обилием гастролей и фестивалей современного балета российского зрителя становится все сложнее и сложнее удивить. Но пока DanceOpen с этим прекрасно справляется.

Фотографии — Ирина Туминене

======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Май 20, 2019 11:31 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019052001
Тема| Балет, театр оперы и балета имени Мусы Джалиля, XXXII Международный фестиваль классического балета имени Рудольфа Нуриева, Персоналии,
Автор| Улькяр Алиева / фото Максима Платонова
Заголовок| ​Римские игры на казанской сцене
«Спартак» — это спектакль о любви, ненависти и ревности

Где опубликовано| © Реальное время
Дата публикации| 2019-05-20
Ссылка| https://realnoevremya.ru/articles/139564-rem-i-romul-v-fantaziyah-horeografa
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ



Cherchez la femme — «Ищите женщину», утверждают французы, объясняя мотивацию поступков и всех бедствий мужчин. Утверждение несколько спорное (все же власть и деньги можно причислить к более действенным мотиваторам поступков мужчин), но к новой постановке Георгия Ковтуна, точнее, его версии балета «Спартак» Арама Хачатуряна, это выражение подходит по всем параметрам. Подробности — в дневнике Нуриевского фестиваля.

Библейский подтекст

Сам Георгий Ковтун принадлежит к художникам, предпочитающим стиль colossal, и при этом хорошо чувствует зрительский интерес. Это отражается в его постановках, балансирующих между авторским замыслом и зрелищностью, которая приветствуется зрителями. В балете «Спартак» хореограф увидел не привычный «гимн свободе», а драму с притчевым подтекстом — античным, даже библейским — о вражде двух братьев за сердце красавицы Клавдии. И если в знаменитых постановках Леонида Якобсона и Юрия Григоровича — это Рим накануне заката, то у Ковтуна — Римская империя в начале и даже в расцвете своей славы.

Для расширения формата постановки и усиления ее смысловой концепции Ковтун вводит в балетный спектакль новшества в виде монументально-хоровых сцен. Весь состав хора театра не просто выпевал изречения античных авторов, но и сам активно участвовал в сценическом действии, изображая патрициев и римских матрон. Это позволяет рассматривать всю структуру спектакля как оперу-балет — позабытый, но весьма функциональный (в плане постановочного потенциала) и вновь набирающий популярность музыкально-театральный жанр.


Если в знаменитых постановках Леонида Якобсона и Юрия Григоровича — это Рим накануне заката, то у Ковтуна – Римская империя в начале и даже в расцвете своей славы

Новое содержание и его воплощение

Сюжетная канва балетного спектакля претерпела кардинальные преобразования, представив римского патриция Красса и фригийского раба-гладиатора Спартака в виде братьев (ссылка на Ромула и Рема), выкормленных капитолийской волчицей. Любовь к Клавдии заставляет братьев стать кровными врагами, несмотря на все усилия матери-волчицы по их примирению. Интересная трактовка хрестоматийного балета, правда, вызывает вопрос: почему осталось в названии постановки имя одного главного героя, когда на сцене их двое?

Новое содержание спектакля потребовало и новизны в плане драматургического построения, сценографических приемов, которые более характерны для кинодраматургии. Это и прием монтажности, когда одна сцена, после «вырубки», калейдоскопично сменяется другой. Это и «стоп кадр», подчеркивающий драматические «узлы» балета — отдельные яркие эпизоды, словно изъятые из потока сценического действия. Например, любовные адажио Спартака и Клавдии, сцены с участием матери-волчицы. Это и использование «лупы времени» (zeit-lupe) в сцене последнего боя — нарочито медленное движение кордебалета воинов (slow motion), рождающее ассоциации с замедленными «кадрами» фильма. А в финале спектакля туман времени поглощает всех и все, утрамбовывая участников в каменный склеп памяти, даря вечность, но не забвение.

И хореография, решенная в едином «ключе» с сюжетом, достигает в балете большой выразительности, особенно батальные сцены (центурионов, гладиаторов) и сцены противоборства двух главных героев, весьма зрелищные в плане визуального восприятия. Оригинально выглядели женские гладиаторские бои. Здесь есть сомнение насчет исторической достоверности, но они вполне вписываются в новомодные современные «бои без правил». Тем более и римская публика встречала победы гладиаторов весьма знакомой спортивной «волной», когда публика попеременно встает, вскидывая руки вверх.


Новое содержание спектакля потребовало и новизны в плане драматургического построения, сценографических приемов

Также логично и даже символично, когда женский кордебалет в сцене вакханалии преобразуется в соблазнительных гетер, ради которых римские патриции преклоняют колени, а гладиаторы и вовсе забывают о своем воинском долге. Что же, «A la guerre comme à la guerre» — в войне и любви все средства хороши, и кто сказал, что арена Колизея отличается от поля сражения за любовь?

В балетный спектакль Ковтун вносит и свои «фирменные» постановочные штрихи. Это введение лейтобраза (основного образа) матери-волчицы, «цементирующей» конструкцию постановки, появление повозки, уносящей на колесах истории (читайте, в вечность) тела братьев. Это и барельефные построения со щитами легионеров, и «живой» трон на вытянутых руках кордебалета, возвышающий героев постановки. Весьма эффектно выглядит сольная фресковая картина — застывшая в беззвучном «крике» мать, потерявшая своих сыновей. Прием, заимствованный из известного балетного спектакля «Фальшивая улыбка» Росса Фредди Рея, но в данной сцене весьма оправданный и в полной мере выражающий горе волчицы-матери.

В целом, хореография хотя и построена по канонам классического балета, все же значительная часть спектакля выстроена на трюках, разнообразных акробатических поддержках, включая классический «стульчик», знаменитую скандально-эротическую (по советским меркам) поддержку Григоровича, когда голова партнерши оказывается внизу, а ноги наверху раскрывались в шпагате. А также сложнейшую поддержку Ролана Пети, когда партнер, приседая, удерживает партнершу в горизонтальном положении «на весу», без помощи рук.


Хореография хотя и построена по канонам классического балета, все же значительная часть спектакля выстроена на трюках, разнообразных акробатических поддержках
Среди «слабых звеньев» хореографического прочтения балетной партитуры — танец гладиаторов, который по стилистике удивительно близок к родным хореографу украинским народным танцам «Аркан» и «Гопак» с неизменными элементами tour de reins, «разножками» (шпагат в прыжке, когда ноги и руки разносятся в разные стороны), вращением «мельница».

«Нужно иметь силы»

Хореографическое прочтение новой версии балета — чрезвычайно интересно не только для зрителей, но и для танцоров балетной труппы татарского театра. Отметим гибкость и смелость смуглой красавицы Аманды Гомес (Клавдия), грациозную, как античная танагрская статуэтка, Кристину Андрееву (Ливия), пластику Алины Штейнберг (Мать-волчица) и Олеси Пичугиной (Гадитанская дева).

Искренне восхищает сила и выдержка исполнителей мужских партий в сложных поддержках, которыми насыщена хореографическая партитура спектакля. Ну а если вспомнить скандально-известные слова Николая Цискаридзе: «Вы думаете, мы женщину поднимаем? Мы груз поднимаем! А после этого еще прыгаем! Нужно же иметь силы на это», — начинаешь особо ценить столь нелегкий труд танцовщиков, исполнителей главных партий — Михаила Тимаева (Спартак), Антона Полодюка (Красс). А также Максима Поцелуйко, Алессандро Кагеджи, виртуозный танец Шута в исполнении Фаяза Валиахметова.


Искренне восхищает сила и выдержка исполнителей мужских партий в сложных поддержках, которыми насыщена хореографическая партитура спектакля

Отдельной строкой хотелось бы отметить Адажио влюбленных, когда близость партнеров — рук, тел — так физически ощутима. И драматический артистизм Кристины Андреевой в «переломной» сцене, когда в ногах у Спартака и Красса ее героиня выпрашивает прощение и любовь и мгновенно выхватывает нож, чтобы расправиться со своей соперницей.

Маэстро Карен Дургарян дирижировал партитурой с вниманием, находя гармонию между богатством инструментального письма и звучанием солистов оркестра, правда, порой увлекаясь громкостной динамикой. В целом, в спектакле, при всей его многослойности, был единый порыв, пронесенный всеми участниками постановки, благодаря чему получилась цельная хореографическая и звуковая картина о любви, ненависти, ревности и столь интригующих «тайнах римского двора».

Улькяр Алиева, доктор искусствоведения, профессор,
фото Максима Платонова

================================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Май 20, 2019 3:33 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019052002
Тема| Балет, Фестиваль «RE:Форма танца», Персоналии, Константин Матулевский, Софья Гайдукова
Автор| корр.
Заголовок| ​На закрытии «RE:Формы танца» в Воронеже показали балет об образе женщины
Где опубликовано| © Аиф-Воронеж
Дата публикации| 2019-05-20
Ссылка| http://www.vrn.aif.ru/culture/events/na_zakrytii_re_formy_tanca_v_voronezhe_pokazali_balet_ob_obraze_zhenshchiny
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Также зрители увидели спектакли о любви и поиске собственного пути



18 мая в финале фестиваля современной хореографии «RE:Форма танца» свои работы представили танцовщики и хореографы Константин Матулевский и Софья Гайдукова.

Сегодня они одни из тех, кто определяет тренды развития современного балета в России. Кстати, воронежцы уже могли видеть их совместную работу в Камерном театре. Это хореографический спектакль «Apples&Pies. Ностальгия».

В программу фестиваля в театре оперы и балета включили три постановки: Aheym Константина Матулевского, «Арлекинада. New» Софьи Гайдуковой и их совместную работу Anima.

Как отметил главный балетмейстер воронежского театра Александр Литягин, у Матулевского и Гайдуковой сложная хореографическая лексика, но танцовщики активно включились в работу, задавали много вопросов. Результат – три новые постановки в кратчайшие сроки.

В Aheym действие разворачивается под музыку Брайса Деснера, чьи близкие, будучи эмигрантами, искали новый дом. Константин Матулевский расширяет эту историю. В его постановке речь идет не только о поиске дома, но и поиске своего пути.

«Арлекинада. New» Софьи Гайдуковой – новое прочтение уже поставленного ранее на музыку Алексея Айги сюжета. На сцене всего две пары артистов. История резко переходит от комедии к драме и обратно. Танцовщикам удалось создать точные психологические портреты своих героев. Хорошо считываемый сюжет с посылом, что каждый должен найти свою половину, вызвал живой отклик у зрителей.

Финал вечера – балет Anima. Хореографы представили фантастическую ситуацию: что было бы, если бы женщины вдохнули жизнь в мужчин. Под музыку Филипа Гласса они размышляют об архетипе женщины.

Работы Константина Матулевского и Софьи Гайдуковой – это своего рода современное прочтение классики. В их спектаклях присутствуют классические элементы, но меняется их подача, появляются элементы, относящиеся к современному танцу. И этот синтез определяет их язык.

Планируется, что показанные на фестивале работы войдут в репертуар театра оперы и балета. Таким образом, по итогам «RE:Формы танца» он может пополниться восемью новыми постановками.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6 ... 9, 10, 11  След.
Страница 5 из 11

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика