Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2019-05
На страницу Пред.  1, 2, 3 ... , 9, 10, 11  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20280
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 30, 2019 7:28 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019053008
Тема| Балет, Ростовский музыкальный театр, Премьера, Персоналии,
Автор| Анна Волкова
Заголовок| ​Балет "Эсмеральда" представил Ростовский музыкальный театр
Премьера сорвала заслуженные зрительские овации

Где опубликовано| © РИА Панорама
Дата публикации| 2019-05-30
Ссылка| http://www.panram.ru/news/culture/balet-esmeralda-predstavil-rostovskiy-muzykalnyy-teatr/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



В минувшую среду в Ростовском музыкальном театре состоялась премьера балета "Эсмеральда" по мотивам бессмертного произведения Виктора Гюго "Собор Парижской Богоматери".

К этому событию постановщики и труппа театра шли несколько месяцев. Результат публику не разочаровал: На премьере зрители дружно кричали «браво» и аплодировали стоя.

Секрет успеха постановки - в единстве художественной формы и ее креативного воплощения.

Декорации, созданные Вячеславом Окуневым, представили главное место действия - Собор Парижской Богоматери - во всем его величии. Они дают почувствовать дыхание времени, когда происходили представленные в спектакле события.

Хореография восходит к лучшим традициям балетного искусства. Еще в 50-х годах прошлого века знаменитый балетмейстер Владимир Бурмейстер, обобщив поиски лучших мировых мастеров постановки, насытил хореографическую ткань спектакля виртуозными танцами солистов и эффектными массовыми сценами. Именно к этой версии и обратился Ростовский музтеатр. Хореограф и постановщики балета - народная артистка СССР Маргарита Дроздова и народный артист России Михаил Крапивин, сумели показать совершенную красоту классического танца, оттеняя его острым гротеском.

Невероятно понравилась зрителю главная героиня Эсмеральда. Она смогла передать языком тела пламенную страсть и романтичную душу, изящество и нежность, трагизм судьбы.

Костюмы заслуживают отдельного упоминания.Разработанные Натальей Земалиндиновой, они поражают красотой и продуманностью, заставляя погрузиться в ту или иную сцену

Есть уверенность , что «Эсмеральду» ждет большой успех, ее полюбят ростовчане и гости города. Это грустная, трогательная история, которая не оставит равнодушной никого и подарит невероятные эмоции. Однозначно вы не пожалеете, что пришли на этот спектакль. Кстати, все билеты на июнь уже проданы....

Источник фото: Ростовский музыкальный театр
====================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20280
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 30, 2019 10:14 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019053009
Тема| Балет, БТ, Benois de la danse, Персоналии,
Автор| Екатерина БЕЛЯЕВА
Заголовок| ​ Премия Бенуа прирастает континентами
Где опубликовано| © «Музыкальное обозрение»
Дата публикации| 2019-05-28
Ссылка| https://muzobozrenie.ru/premiya-benua-prirastaet-kontinentami/
Аннотация| Benois de la danse


Фото Михаил Логвинов

Все труднее искать новое и конкурентоспособное в мире хореографии, но фестиваль «Бенуа де ля данс» попытался это сделать – в 27 раз. В жюри премии как обычно вошли звезды мирового балета, хореографы и директора компаний. Члены жюри выдвигают своих кандидатов для участия в конкурсе на звание лучшего танцовщика и танцовщицы за конкретные роли, станцованные в прошлом году (2018).

Эта часть смотра не самая интересная, потому что артисты чаще всего танцуют в концерте не фрагменты из новых спектаклей, в которых они принимали участие в своих театрах, а в хорошо известных па де де и дуэтах из балетов Джона Ноймайера (абсолютный лидер – «Дама с камелиями»), Юрия Григоровича, Рудольфа Нуреева, Ролана Пети, за которые их и выдвинули. В этом смысле выигрышно выделялся латиноамериканец Абель Рохо, который учился в знаменитой Школе кубинского национального балета, но свою карьеру построил на территории современного танца – овладел разными техниками modern и contemporary dance от Мерса Каннингема до Ицика Галили и Охада Наарина. В концерте он исполнял красивый в своей монотонности номер «Моя сцена всегда со мной» на музыку Trois Gnossiennes Эрика Сати в собственной хореографии. Артист раскладывал перед собой, как мусульманин коврик, несколько белых квадратиков, и показывал разные емкие пластические этюды, боясь задеть пространство за пределами этой импровизированной сцены, словно оно было ограждено колючей проволокой. Хотя Рохо воспитывался на Кубе и сейчас работает в кубинской компании танца «Мальпасо», его осторожные движения выдавали человека из Африки, чьи предки, возможно, знали что такое сегрегация и апартеид (не зря артиста выдвинул Дёрк Баденхорст, балетный подвижник из ЮАР, член жюри Бенуа-2019).

За статуэтку работы Игоря Устинова боролись шесть хореографов, пятеро из которых и сами приехали в Москву на церемонию, и фрагменты из спектаклей-номинантов были представлены в концерте. Безусловный лидер среди именно балетов – «Сильвия» Делиба в новой хореографии Манюэля Легри, худрука Венского балета. Оказалось, что Легри умеет сочинять развернутые па де де с труднейшими вариациями для солистов, рассчитанные на хорошее знание французской техники балета.



Многие так называемые хореографы делают свои обработки классических балетов, и почти у всех на первый план выходит то, что у них, бывших танцовщиков, находится в «анамнезе», а именно драмбалетные поддержки, спортивные подкрутки, героические полеты и прыжки. А Легри, который танцевал в авторской «Сильвии» Ноймайера в Парижской опере, проторенным путем плагиата не пошел, так как смог сочинить новые танцы сам. Смешной фрагмент из балета «Волшебник страны Оз» в хореографии номинанта Бенуа-2019 Септима Вебра показали солисты Балета Канзас-сити. Забавно наряженные артисты прогулялись по сцене, держа на поводке обаятельную кукольную собачку и вращая в руках нелепую балерину. Дуэт из спектакля «Пламя» Хуанхо Аркеса, известного также постановкой в Балете Москва (балет «Минос»), точно и тонко исполнили солисты Национального балета Нидерландов, однако хореография выглядела слишком конвенционально, походила на любую другую, созданную в условном европейском театре, где почитают, но уже с трудом соблюдают пятые позиции.

Лауреатами премии Бенуа де ля данс за лучшую хореографию стали лидер Цюрихского балета Кристиан Шпук и хореограф-перформер из Стокгольмского городского театра Фредрик «Бенке» Ридман. Бенке выдвигался за танцевальный спектакль «Дуэт с индустриальным роботом», который он поставил на музыку «Весны священной» Стравинского, но в концерте показали оригинальный номер «Процедура». У Ридмана есть целая серия спектаклей под грифом «перезагрузка» (его авторские версии балетов Чайковского). Номер, который показали в Большом, хореограф сочинил специально для данного концерта на музыку Гросфатера из «Щелкунчика». На сцену вышли франт в шелковом пиджачке и непричесанная девочка-замарашка, которые оказались кем-то вроде Дроссельмейра-манипулятора и механической куклы. Чтобы «завести» куклу, оживить ее и заставить танцевать, артист проделал с гуттаперчевой игрушкой всякие манипуляции на процедурном столе.

Шпука номинировали за балет «Зимний путь», который он поставил в Цюрихе на музыку Ханса Цендера. Фрагмент, показанный в Москве («Зимний путь» демонстрировался целиком на прошедшем в апреле в Санкт-Петербурге фестивале «Dance Open»), был мастерски исполнен солистами Цюрихского балета во главе с прекрасной Еленой Востротиной, выпускницей АРБ, но прелесть новизны материала – хореографического и музыкального – почувствовать было трудно. После невероятно насыщенного смыслами и содержанием балета Джона Ноймайера, поставленного в Гамбурге в 2001 году после катастрофы в Нью-Йорке 11 сентября. У Ноймайера речь шла о глубине трагедии лирического героя и трагедии человека, переживающего общую катастрофу, а Шпук слишком дословно анализировал песенный материал, «поджал» лирику и внес в спектакль много гротеска и здорового юмора, не забывая что когда-то на заре хореографической юности он прославился с комедийным па де де «Увертюра» на музыку Россини.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4240

СообщениеДобавлено: Чт Май 30, 2019 10:32 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019053010
Тема| Балет, Танец, Балет Евгения Панфилова, Персоналии, Алексей Колбин
Автор| Мария Трокай
Заголовок| Алексей Колбин: Любовь к театру — это на всю жизнь
Ведущий солист «Балета Евгения Панфилова» — о своём творческом пути

Где опубликовано| © «Новый компаньон»
Дата публикации| 2019-05-28
Ссылка| https://www.newsko.ru/articles/nk-5244429.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В апреле в ДК им. Солдатова с аншлагом прошёл редкий концерт — бенефис в честь 25-летия творческой деятельности Алексея Колбина. Танцевать четверть века, оставаться преданным одному театру — такой выбор делает далеко не каждый артист. Слом стереотипа можно наблюдать и в том, что Колбин — танцующий педагог Пермского хореографического училища, где он преподаёт современный и классический танец. Три года назад была создана авторская «Школа эстетического развития». Ещё один проект артиста — «Лики танца» — объединяет хореографов, преподавателей и всех, кто неравнодушен к танцевальному искусству.

— Алексей, когда произошла ваша первая встреча с танцем?

— Мы с родителями жили в Свердловске, где моя мама работала врачом при железнодорожной поликлинике. При Дворце культуры железнодорожников был организован детский творческий коллектив. Родители заметили мой артистизм. Мама привела меня на занятия танцами в ДКЖ. Так с трёх лет началось моё постепенное движение к хореографии. Благодаря безгранично любящей маме я научился эмоциям, которые испытывает артист на сцене, раньше, чем узнал, как делается пируэт.
Позже по совету одного из педагогов я пришёл в ансамбль «Улыбка» и с головой погрузился в танец. В 10 лет поступил в Ленинградское хореографическое училище им. А. Я. Вагановой. Но жизнь в интернате без семьи оказалась не для меня. Вернулся в родной город и родную уже «Улыбку»: началась настоящая артистическая жизнь с гастролями, репетициями, костюмами. Мы ездили выступать в Москву, Брюссель, Берлин и другие города. В 1989 году я оказался на творческом конкурсе в Пермском музыкальном училище. Коллектив хоровой школы, где я в тот момент занимался, исполнял рок-н-ролл, а я в дуэте с моей партнёршей из ансамбля танцевал. Педагоги конкурсного жюри обратили внимание на наше выступление и посоветовали мне попробовать свои силы в Пермском хореографическом училище. В тот же день в перерыве между концертами я зашёл в училище и сказал, что хочу поговорить с директором. Директора не оказалось, пригласили завуча и педагогов. Они слегка удивились тому, что пришёл с улицы 14-летний мальчик с рюкзаком за плечами и просит посмотреть его хореографические данные. Мне организовали просмотр. Пока педагоги совещались, я оставил свои контакты кому-то из сотрудников училища и ушёл. А через месяц моим родителям позвонила директор училища и спросила, почему я не посещаю занятия, — меня приняли. Так я оказался в Перми.

— В анонсе к вашему бенефису вы сказали, что 25 лет творческой жизни для вас — это не торжество, а скорее отчёт. Перед кем?

— Прежде всего перед самим собой, моими родителями, которых давно нет рядом, перед товарищами по сцене и моим учителем Евгением Алексеевичем Панфиловым. Из 25 лет вместе с Панфиловым мне удалось пройти всего треть пути — с 1994 по 2002 год. Может быть, скажу шаблонно, но это был золотой период и для меня лично, и для театра «Балет Евгения Панфилова», и для Евгения Алексеевича. Для юбилейного концерта выбрали только три работы в хореографии Панфилова: «Клетка для попугаев», «Фигляр» и фрагмент из трёхактного балета «Ромео и Джульетта». Последний примечателен тем, что это была первая масштабная постановка, в которой задействовано около десятка солистов. Это стало возможным после того, как в труппу театра при¬шли выпускники хореографического училища, в том числе и я. До этого спектакли были локальными и по форме, и по количеству исполнителей.

— В какой степени работа с Панфиловым определила ваш дальнейший творческий выбор?

— Каждый театральный сезон, который начинался с Евгением Алексеевичем, в чём-то кардинально менял вектор нашего творческого движения, тематику и стиль постановок, при этом сохранялась вся накопленная предыдущими работами энергия. Принцип, на котором рос зритель при Панфилове, — постепенное развитие по спирали от простого к сложному, от развлекательных шоу к серьёзным философским темам.
Артисты в хореографии Евгения Алексеевича — это не копии Панфилова. В каждом он видел то, что умеет выразить только этот танцовщик. Работая с яркими индивидуальностями, он создал театр — от частного к общему. Как ему это удавалось, я не знаю. Безусловно, любой другой хореограф, когда приходит на постановку, начинает исправлять: «Тут не так вы сделали, надо так, а здесь — вот так», — и причёсывает, причёсывает...
У Панфилова работа строилась противоположным образом: приходил юный артист, пока ещё не сформировавшийся как профессионал, и ему давали раскрыться за счёт его техники, пластики, ощущения танца. Евгений Алексеевич умел это. Он включал нас в своё энергетическое поле для создания спектакля абсолютно на равных. Это было сотворчество. Он так организовывал жизнь коллектива театра, что в общении, в дискуссиях мы анализировали свои выступ¬ления и таким образом развивались.

— Благодаря подходу Панфилова, получается, вы выбрали нетривиальный путь. Не выстраивали карьеру в традиционном понимании, выходя на сцены престижных театров, делая себе имя, не уехали из Перми, как многие...

— Наверное, здесь можно снова вернуться к очень простому пониманию. Евгений Алексеевич был для нас не просто руководителем и хореографом. Он был нам вторым отцом. Мы так его и называли — папа Женя. Поездив вместе с ним на международные фестивали, поработав с другими театральными коллективами, начинаешь понимать, насколько созданная им ситуация уникальна. Этот «парник», в котором мы созревали, очень не хотелось покидать. Когда мастера не стало, появилось желание, чтобы созданное Панфиловым сохранилось. Хореография — явление хрупкое, зыбкое. Лишь недавно по¬явилась возможность её записывать, а до этого же всё было в памяти. Поначалу, наверное, очень сильно работала харизма Панфилова, его энергетика крепко держала нас друг с другом в одной связке. А дальше ситуация разворачивалась так, что к нам в театр стали приезжать приглашённые хореографы, среди первых — знаменитый Ицик Галили, который поставил в нашем театре спектакль «То, что я никому не сказал». Появилась возможность профессионального роста внутри «Балета Панфилова». Достаточно много постановок создавали наши хореографы Сергей Райник, Алексей Расторгуев.
Затем я поступил в театральный институт, чтобы получить высшее образование. Там у меня тоже была возможность сотрудничать с другими хореографами. Потом я начал преподавать современный танец в Пермском хореографическом училище. Оставаясь артистом театра, я мог рассказывать ребятам о том, что, где и когда видел сам, то есть давать им какие-то комбинации, уроки не из истории модерна, а из актуальнейшего современного танца, который сейчас можно увидеть на сценах Москвы, Екатеринбурга, Питера. Параллельно сотрудничал с другими театрами: «ТанцТеатром» Олега Петрова (Екатеринбург), Театром-Театром, где по приглашению бывшего главного балетмейстера Ирины Ткаченко занимался с балетной труппой классическим танцем.
Поэтому получалось, что у меня никогда не было потребности и необходимости выйти за рамки «Балета Евгения Панфилова». Тем более когда выходишь на сцену с одними и теми же людьми в течение 25 лет — это уже почти семья.

— Ещё один немного нестандартный подход — в том, что вы преподаёте хореографию, продолжая быть исполнителем.

— Играющий тренер, да. Когда говорят о том, что артист балета идёт преподавать после окончания карьеры танцовщика, имеют в виду академическую систему. В преподавании современного танца юмористической кажется история, когда человек, исполнявший на сцене современный танец, скажем, в эпоху Бежара, сегодня обучает этому направлению. Тогда уж нужно историю модерна преподавать, а не сам модерн. Танцующий педагог современного танца, мне кажется, как раз и может быть ключом к тому, что дети станут лучше чувствовать и понимать танец (я не разделяю сейчас на классический, современный или какой-либо ещё).
Именно модерн может показать, насколько танец разрушается, когда он загнан в рамки, стереотипы, углы мышления. Помню, на прошлом Дягилевском фестивале я целиком был захвачен спектаклем Алена Плателя Nicht schlafen. Меня как зрителя постоянно заставляли думать, чувствовать, сопротивляться, агрессировать или радоваться, смеяться или возмущаться.

— Для вас это критерий хорошего спектакля?

— Критерий живого искусства, живого танца.

— Сложно ли преподавать и классическую, и современную хореографию одновременно?

— Эти два направления противоположные. С одной стороны, классический танец должен учить форме, академизму — куда голова, куда носочек. А через 20 минут по расписанию — урок модерна, на котором, условно, я должен детям сказать: «А теперь давайте…»

— …забудем о том, что вы слышали только что, так?

— Мне кажется, ещё никто параллельно не преподавал диаметрально противоположные дисциплины. Но, на мой взгляд, за универсализмом будущее. Мне хочется показать, что люди должны готовиться к этому уже сегодня, приобретать новые навыки, провести ревизию своих компетенций и системы ценностей в профессии.

— При такой нагрузке вы создали «Школу эстетического развития», где тоже преподаёте. Как давно она существует?

— Третий год. Был очень длительный период подготовки. Сначала планировали, что «Школа эстетического развития» станет площадкой для раннего профессио¬нального ориентирования. С педагогами хореографического училища мы неоднократно говорили о том, что к 10 годам, когда ребёнок приходит к нам учиться, он уже сформировавшаяся личность. Чтобы в этот момент его убедить, что теперь балет станет для него единственным в жизни светом в окошке, нужно постараться. Поэтому в нашу школу мы пригласили детей семи-восьми лет. Трёх лет вполне достаточно, чтобы ребёнок увлёкся театром, полюбил танец и классическую музыку. У нас не было цели сделать школу подготовительным отделением хореографического училища, потому что не все дети свяжут свою жизнь с балетом. Но если ребёнок в этом возрасте получил яркое впечатление от спектакля, он обязательно вернётся в театр. Любовь к театру — это на всю жизнь. На второй год мы объявили набор с пяти лет, а в этом году к нам пришли четырёхлетки.

— То есть это просветительский проект, направленный на погружение ребёнка в театральную среду?

— Кто-то пойдёт по стопам звёзд балета, а кто-то станет хорошим зрителем или будет осваивать другие театральные профессии. Но вы не представляете, как сложно найти родителей, которые поверят в нашу идею. Большинству непонятно, почему в нашей школе танцы и пение проводятся в рамках одного занятия. А ещё дети рисуют, обсуждают сказки, ставят спектакли. Есть гуманная педагогика, а есть авторитарная, более привычная для многих. Многие родители хотят, чтобы на их детей вешали медали. Особенность нашей школы в том, что мы не проводим конкурсы, не стремимся превратить воспитанников в «достигаторов». Я на своём опыте знаю, что значит слишком рано начать участвовать в творческих конкурсах. Мы ничего не изменим в системе воспитания, пока будем ориентировать детей на то, чтобы коллекционировать медали и их количеством измерять успех. Но у нас пока не очень много единомышленников.

— Всё чаще появляются научные исследования о влиянии движения на развитие мозга и сознания. Вы следите за научной мыслью? Как новые знания отражаются на вашей педагогической практике?

— Да, я регулярно слушаю лекции Татьяны Черниговской и других по¬пуляризаторов нейролингвистики и нейрофизиологии. Возможность переставлять ноги — это, по большому счёту, тайна. Чем чаще мы это делаем, тем крепче, смелее и активнее становимся. Однажды на международном фестивале в Биаррице я видел выступление танцевальной компании Batsheva под руководством израильского хореографа Охада Наарина, создателя техники осознавания тела gaga. Мягкая, текучая пластика производила такое впечатление, будто у танцовщиков нет суставов, они работали без углов. На мой взгляд, будущее танца скорее за этой техникой, естественной и гармоничной, нежели за тем танцем, который понятен и не требует от танцовщика или зрителя никакого усилия, чтобы получить и отдать обратно эмоцию, энергию.

— Ваш бенефис проходил в рамках проекта «Лики танца». Что это за проект, чему он посвящён?

— Изначально он был создан как площадка для творческих встреч со зрителями. Теперь это лишь часть проекта. Появляются идеи, как объединить молодых хореографов, предоставить им возможность обмениваться опытом, практическими навыками, работать с хореографическими коллективами, проводить кастинги. В рамках проекта мы с коллегами организуем концерты, в которых педагоги «Школы эстетического развития» и их друзья-артисты выходят на сцену, а ученики сидят в зрительном зале. Я считаю, что это важная часть воспитательного процесса, прямая передача театральной культуры. Личный пример учителя всегда отзывается в душе ребёнка сильнее любых слов.
Всё, что у меня есть, пришло благодаря Евгению Алексеевичу Панфилову. Желание поделиться этим, наверное, будет со мной всегда. Из чувства благодарности, отдавая полученное, можно бесконечно создавать что-то новое. Это и есть творчество.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20280
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 31, 2019 9:01 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019053101
Тема| Балет, Современный танец, Опера, Драма
Автор| Ольга Федянина, Татьяна Кузнецова
Заголовок| 20 спектаклей на все лето
Что смотреть на летних европейских театральных фестивалях

Где опубликовано| © Журнал "Коммерсантъ Weekend" №17 от 31.05.2019, стр. 10
Дата публикации| 2019-05-31
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3976751
Аннотация| ЛЕТНИЕ ФЕСТИВАЛИ

Летняя фестивальная программа этого года богата и новыми постановками, и многообещающими возобновлениями практически во всех театральных жанрах и видах. Фестивали продюсируют все самое рискованное и яркое, что может заинтересовать поклонников радикальной современности, и все самое помпезное и дорогостоящее, что способно удовлетворить запросы респектабельных консерваторов. Само это разделение, кстати, постепенно уходит в прошлое — конечно, за традиционной духовной пищей публика по-прежнему отправляется в Зальцбург, а за экспериментальными «пробами и ошибками» в Бохум, но вообще-то сегодня уже есть шанс встретить и то и другое по любому из привычных фестивальных адресов. Ольга Федянина и Татьяна Кузнецова составили список главных театральных хитов этого лета

современный танец 31, улица Ванденбранден

режиссерыГабриэла Карризо, Франк Шартье

Фестиваль танца в Монпелье

24 июня


Совместный проект Лионской оперы и режиссерско-хореографического дуэта Peeping Tom минувшей осенью стал сенсацией танцевальной биеннале в Лионе. Давнишний легендарный спектакль аргентинки Габриэлы Карризо и француза Франка Шартье, рассчитанный вообще-то на танцовщиков-экстремалов, людей с абсолютно не балетными данными, поставили в новой редакции с 15 танцовщиками балетной труппы Лионской оперы, и замечательный спектакль оказался еще актуальнее, чем при своем рождении. Его герои — эмигранты, лузеры, «отбросы общества», обитающие в автофургончиках, снятых с колес. Ветреная снежная площадка под открытым небом — основное место действия, но сквозь большие окна фургонов видно все, что творится за закрытыми дверями. Музыка, текст, пантомима, танец, пение, шумы, тонко подмеченные бытовые детали объединяет гиперреалистическая режиссура, в которой господствуют телесность и черный юмор, переходящий в сюрреалистический абсурд. Но речь в этом гомерически смешном, фантастически изобретательном и невероятно трогательном спектакле идет о том, что самая нелепая жизнь бесценна и достойна любви.


опера Саломея

режиссер Кшиштоф Варликовский

Мюнхенский оперный фестиваль

27 июня, 2, 6, 10 июля


Опера Рихарда Штрауса оказывалась в центре скандалов несколько реже, чем ее литературный первоисточник — пьеса Оскара Уайльда, но и в ее сценической судьбе было немало превратностей. В начале XXI века «Саломею» уже поставили едва ли не большее количество раз, чем за весь XX: трагедия чувственности и религиозного фанатизма приобретает в наши дни отнюдь не ветхозаветную актуальность (в летней фестивальной программе, кстати, «Саломей» две, вторая — возобновление спектакля Ромео Кастеллуччи в Зальцбурге). Кшиштофа Варликовского тоже интересует пророческая тематика — в том смысле, в котором Уайльд и Штраус в «Саломее» оказались пророками трагедий Нового времени. Вообще Варликовскому, большому любителю экзотической орнаментальности и сказочных мест действия, этот сюжет действительно подходит чрезвычайно. Кроме того, это своего рода «прощальный поклон» музыкального руководителя Баварской оперы, выдающегося дирижера Кирилла Петренко: уже в середине августа он приступает к своим новым обязанностям в качестве главного дирижера легендарного Берлинского филармонического оркестра. А это значит, что времени на оперные постановки у него, скорее всего, станет гораздо меньше. Так что стоит поспешить.


балет Зимний путь

хореограф Анжелен Прельжокаж

Фестиваль танца в Монпелье

1, 2, 3 июля


У Анжелена Прельжокажа в Монпелье две премьеры. Первая соединяет художественные и социальные цели — в этом году хореограф еженедельно на протяжении четырех месяцев репетировал с женщинами — заключенными марсельской тюрьмы «Бометт» (23–25 июня состоятся фестивальные показы этой «лабораторной работы»). Главная же премьера Прельжокажа в Монпелье — совместный проект фестиваля и миланского театра Ла Скала: хореографическая композиция, в основе которой лежит вокальный цикл Шуберта. Интересно, что в этом году в Европе уже была одна премьера «Зимнего пути» как балета — и его даже могли видеть российские зрители: совсем новую цюрихскую постановку Кристиана Шпука привозили на фестиваль Dance Open в Петербург, а в мае в Большом театре хореографа наградили за нее международным призом Benois de la danse в номинации «лучший спектакль года». Правда, у Шпука Шуберт звучал в знаменитой обработке Ханса Цендера, проникнутой не просто драматизмом, но прямо-таки апокалиптическими мотивами (эту же обработку для своей версии «Зимнего пути» почти 20 лет назад выбрал и Джон Ноймайер). Прельжокаж, что, в общем-то, понятно, выбрал аутентичный вариант, более лирический, хотя, возможно, и не менее мрачный — «путешествие души в зиму» представят 12 танцовщиков в сопровождении фортепиано (Джеймс Воган) и вокала (бас-баритон Томас Тацль). В новом сезоне этот «Зимний путь» вернется в Ла Скала, но цены на билеты в Монпелье куда как более демократичные, так что лучше все же успеть посмотреть его именно здесь.


музыкальный спектакль Реквием

режиссер Ромео Кастеллуччи

Фестиваль в Экс-ан-Провансе

3, 5, 8, 10, 13, 16, 18, 19 июля


Кастеллуччи большую часть своих предыдущих режиссерских экспериментов посвятил синтезу театра и ритуала — и среди сакральных тем и сюжетов царство мертвых интересует его едва ли не больше всех остальных. Он уже предпринимал театральные путешествия не только в дантовское Инферно и в Аид, но и в подземное царство Осириса, и в вагнеровскую Валгаллу. Теперь настало время «Реквиема» Моцарта. Постановочная группа, в которую, помимо самого Кастеллуччи, входят драматург Пьерсандра Ди Маттео и дирижер Рафаэль Пишон, анонсировала «театральную медитацию, дополненную малоизвестными вокальными номерами», и пообещала, что речь будет идти не только о трагической власти смерти, но и о всепобеждающей силе жизни. Так как в списке действующих лиц есть только четыре вокалиста, хор и оркестр, можно предположить, что медитация будет довольно минималистичная. Если, разумеется, Кастеллуччи не выведет на сцену разных ритуальных животных и столь любимую им театральную машинерию — как он это уже делал неоднократно, например в недавних «Страстях по Матфею» Баха или в «Моисее и Аароне» Шёнберга.


танцевальный перформанс infini

хореограф Борис Шармац

Фестиваль танца в Монпелье

4, 5 июля


Шестеро танцовщиков — и среди них сам хореограф — исследуют взаимосвязь между движением и счетом, телом и математикой. Счет соединяет человеческую пластику с музыкой, но он напоминает и об исторических датах, и о школьных отметках, и о днях рождения, и о безнадежных долгах, и об исходе спортивного матча, и о возрасте — всю человеческую жизнь при желании можно переложить в цифры. Число, значение которого всплывает в памяти, влечет за собой новое движение, новый ритм — и так без конца, отсюда и название перформанса, которое можно перевести с французского как «бесконечное» или «неоконченное».


опера Возвышение и падение города Махагони

режиссер Иво ван Хове

Фестиваль в Экс-ан-Провансе

6, 9, 11, 15 июля


Кажется, в гигантском списке постановок Иво ван Хове это вообще первый Брехт — и это довольно неожиданная встреча, возможно, самая непредсказуемая премьера нынешнего фестивального лета. Ван Хове — специалист по сложным психологическим рисункам, режиссер, у которого любая социальная коллизия растворяется в личной человеческой судьбе, абсолютно узнаваемой, но и не менее индивидуальной. «Махагони» Брехта—Вайля, единственная настоящая брехтовская опера,— это парафраз библейского Содома, схема капиталистического города, сжирающего любую индивидуальность. Чем и как собирается наполнить эту схему режиссер, пока можно только предположить. В постановках ван Хове всегда очень важна тема власти одного человека над другим, механизм взаимного насилия — и здесь он вполне может встретиться с «социологией» Брехта. Кроме того, как и Брехта, ван Хове очень интересует технологическая среда, окружающая человеческую повседневность; возможно, как раз из этого интереса он и вырастит на сцене тот «счастливый город» сегодняшнего дня, в котором каждый может делать что хочет и быть сам по себе — но проваливаться в тартарары приходится в результате всем вместе.


опера Карл Пятый

режиссер Карлуш Падрисса

Мюнхенский оперный фестиваль

14 июля


Даже если вы не очень любите монументально-публицистический постановочный стиль Падриссы и его группы La Fura dels Baus, этого «Карла Пятого» все равно не стоит пропускать, хотя бы потому, что это первая полнометражная додекафоническая опера в истории — и ставят ее достаточно редко. Композитор Эрнст Кшенек закончил ее в 1933 году по заказу Венской оперы — но премьера так и не состоялась, поскольку композитора причислили к представителям «дегенеративной музыки» (кстати, вовсе не из-за додекафонии, а из-за крайне популярной джаз-оперы «Джонни наигрывает»). С тех пор число постановок «Карла Пятого» едва достигло полутора десятков, и большая их часть приходится на 1970–1980-е годы. Помимо музыкальной сложности дело, очевидно, еще и в довольно громоздком историческом сюжете: император Карл перед смертью вспоминает главные события своей жизни, чтобы понять, выполнил ли он свою заветную миссию — объединить весь христианский мир в одну империю. Список действующих лиц у Кшенека, который был и автором либретто, по-вагнеровски монументальный и не по-оперному добросовестный — все персонажи действительно являются историческими фигурами. В постановке Падриссы партию Карла Пятого исполняет Бо Сковус, не только выдающийся певец, но и замечательный актер — и одно это уже повод посетить спектакль.


спектакль Outside

режиссер Кирилл Серебренников

Авиньонский фестиваль

16, 17, 19, 20, 21, 22, 23 июля


Спектакль, в котором заняты актеры «Гоголь-центра», создан по заказу Авиньонского фестиваля при поддержке M.ART Foundation и посвящен китайскому поэту и фотографу Жэнь Хану, который прожил всего 29 лет и покончил с собой в 2017 году. Его эротические фотографии публиковались в глянцевых журналах, несколько десятков выставок состоялось во всем мире. Жэнь Хан настаивал на том, что его работы далеки от политики, но обнаженное тело оставалось в Китае объектом политических нападок, а сам фотограф — объектом преследований и государственной цензуры. Те, кто помнит хотя бы спектакль Кирилла Серебренникова «Машина Мюллер», знают, что тема свободы и несвободы человеческого тела, физической свободы его интересует давно и очень всерьез. Последние полтора года Серебренникова под домашним арестом должны были этот интерес только обострить. Сегодня режиссер все еще остается под подпиской о невыезде — по-прежнему хочется надеяться на то, что он сам сможет присутствовать на авиньонской премьере, но темпы российского судопроизводства таковы, что «Outside» может стать, кажется, шестой «заочной» премьерой Серебренникова за два года.

современный танец Обмануть дьявола

хореограф Акрам Хан

Авиньонский фестиваль

17, 18, 19, 20, 21 июля


Хореография как искусство очень располагает к философствованию — с ее помощью так естественно исследовать абстрактные понятия, воплощать нематериальные сущности и путешествовать в мир идей. Акрам Хан часто ставит себе такие философско-пластические задачи, вот на этот раз шесть его танцовщиков, принадлежащих к разным поколениям, рассказывают историю о том, что значит «обмануть дьявола» — почему такая попытка всегда остается для любого человека огромным искушением и почему он всегда в результате терпит поражение. Ответ Акрама Хана: дьявол прячется не в деталях, а в других людях — в каждом по отдельности и во всех вместе, «дьявольская природа» — это и есть человеческая природа. А это значит, что человек всегда останется в проигрыше — даже если он победит весь остальной мир, самого себя ему победить уже не удастся.


документальный спектакль Гранма. Тромбоны Гаваны

режиссер Штефан Кэги

Авиньонский фестиваль

18, 19, 20, 22, 23 июля


Еще один проект группы «Римини-протокол» в жанре театра «нон-фикшен», в котором вместо актеров на сцену выходят так называемые «свидетели повседневности» — реальные люди с историями из реальной жизни. В отличие от многолюдных городских историй — одну из них, «100% Воронеж», мы видели совсем недавно,— в «Тромбонах Гаваны» всего четверо участников, младшему из них 25 лет, старшему — 35. Даниэль, Милагро, Кристиан и Диана живут в Гаване, они занимаются музыкой, программированием, иностранными языками, историей, и у каждого из них, помимо вполне современных привычек и интересов, есть длинная семейная история, которая не превращается в прошлое, потому что все поколения по-прежнему живут вместе, в общем пространстве, в родовом сообществе. Кому-то эта «связь времен» кажется недостижимым идеалом, островом здорового сохранения традиции, кому-то — анахронизмом и формой несвободы. Европейскому зрителю история жизни кубинских «кланов» уже мало что напоминает, а вот российскому, скорее всего, в этой истории «Римини-протокола» многое покажется знакомым.


опера Агриппина

режиссер Барри Коски

Мюнхенский оперный фестиваль

23 июля


Австралиец Барри Коски — один из самых успешных оперных режиссеров в современном немецком театре, с 2012 года он возглавляет берлинский театр Komische Oper (и в 2022-м собирается его покинуть). Название театра часто вводит в заблуждение — на самом деле Коски режиссер вполне серьезный, хотя его режиссерские решения всегда содержат здоровую долю эксцентрики, чрезвычайно остроумной и очень современной. «Агриппину» Генделя, историю возвышения императора Нерона, Коски взялся ставить, вероятно, из-за своей привязанности к римским сюжетам — одним из самых больших его успехов прошлых лет была «Коронация Поппеи» Монтеверди, также посвященная Нерону. Сам режиссер говорит про «Агриппину», что ее отличает то, что «присуще лучшим операм: сочетание эротики и власти», и обещает оперную версию «Карточного домика». Нужно заметить, что оперу отличает также и едва ли не рекордное количество автоцитат: Гендель написал для «Агриппины» всего пять оригинальных арий, а 49 вокальных номеров так или иначе заимствовал из своих собственных более ранних сочинений.


опера Идоменей

режиссер Питер Селларс

Зальцбургский фестиваль

27 июля, 2, 6, 9, 12, 15, 19 августа


Маркус Хинтерхойзер, только что продливший свой контракт на руководство Зальцбургским фестивалем до 2026 года, явно стремится создать в рамках этой сложной и капризной институции что-то вроде своей собственной линии или традиции. В частности, открытие фестиваля в этом году — это буквальное повторение открытия года позапрошлого. В 2017-м фестиваль начался с «Милосердия Тита» Моцарта в постановке Питера Селларса, дирижировал Теодор Курентзис, сценографом был Георгий Цыпин. «Идоменея» представит та же самая постановочная группа, к которой еще присоединился известный хореограф Леми Понифазио. Присутствие Понифазио объясняется тем, что для «Идоменея», своей первой «серьезной оперы», Моцарт специально написал массу роскошной балетной музыки (которую позже часто безжалостно сокращали). Как и в случае с «Милосердием», история Троянской войны интересует Селларса как возможность взглянуть на политические конфликты в современном мире — он вообще известен своим талантом находить сегодняшние «адреса» и аналогии для классических сюжетов. Кстати, собственно музыкальную версию Курентзиса российская публика только что имела возможность услышать вживую на Дягилевском фестивале в Перми — здесь он вместе с оркестром и хором MusicAeterna исполнил концертную версию, явно для «разминки» перед Зальцбургом.


спектакль Юность без бога

режиссер Томас Остермайер

Зальцбургский фестиваль

28, 30 июля, 1, 4, 7, 9, 10, 11 августа


Пророческий пессимизм Эдена фон Хорвата сегодня вновь кажется главному режиссеру берлинского театра «Шаубюне» Томасу Остермайеру актуальным. Роман «Юность без бога» рассказывает историю почти мгновенного возникновения и распространения военной истерии, превращающейся в своего рода эпидемию. Несколько юношей отправляются на военизированный слет на лоне природы, но один из них довольно быстро гибнет при невыясненных обстоятельствах. Действие романа Эдена фон Хорвата происходит в условной стране, где «по улицам маршировали девушки в поисках пропавших летчиков, юноши, желающие всем неграм смерти, и родители, верящие вранью на транспарантах. А те, кто не верит, тоже идут в ногу со всеми, в одном строю». Взаимосвязь исторического времени и личных трагедий и неврозов — одна из любимых тем Томаса Остермайера, и недаром он совсем недавно поставил еще один текст Хорвата, «Итальянскую ночь»: как и «Юность без бога», эта ранняя пьеса посвящена психологии фашизма и проникнута довольно мрачными предчувствиями, касающимися судьбы Европы. Остермайера российская публика очень хорошо знает и любит, и у тех, кто не успеет в Зальцбург, будет возможность увидеть премьеру чуть позже — уже осенью она переедет в Берлин.


опера Медея

режиссер Саймон Стоун

Зальцбургский фестиваль

30 июля, 4, 7, 10, 16, 19 августа


Так получилось, что нынешний сезон для российской театральной публики стал сезоном знакомства с Саймоном Стоуном, одним из самых известных и «модных» режиссеров поколения 30+. Его уже несколько лет любят, кажется, все главные мировые фестивали, а сам режиссер как-то умудряется сочетать поразительный перфекционизм с не менее поразительной продуктивностью — он ставит не только драматические спектакли, но и оперы, а еще снимает фильмы и сериалы. В Москву в этом году его постановки привезли впервые, зато сразу три: только что с очень большим успехом прошли базельские «Три сестры» и венский «Боркман», а осенью фестиваль «Территория» покажет еще и «Медею» по Еврипиду. В Зальцбурге можно увидеть еще одну «Медею» Стоуна — оперу Керубини. Да, Саймон Стоун очень любит семейные истории — во всех жанрах. Правда, в драме он знаменит тем, что радикально переписывает первоисточник от первого до последнего слова, «присваивая» и переселяя героев из античной Греции, буржуазного европейского XIX века или из чеховской России в наши дни. Очень интересно посмотреть на то, как он обратится с либретто XVIII века (правда, Стоун предусмотрительно выбрал более «драматургичную» версию, где вместо речитативов – диалоги).


опера Ринальдо

режиссер Роберт Карсен

Глайндборнский фестиваль

8, 10, 13, 15, 18, 20, 23, 25 августа


Это уже второе возобновление легендарной постановки Роберта Карсена 2011 года — и она как-то удивительно не теряет актуальности. Первая «лондонская» опера Генделя посвящена крестовым походам, временам рыцарей и волшебников. Карсен перенес все действие в современный колледж, а похищение невесты, рыцарские поединки и колдовские козни превратились в эротические и героические фантазии пубертирующих подростков. Спустя восемь лет после премьеры и крестовые походы как своего рода смертельно опасный пубертат христианской цивилизации, и новые подростковые проблемы с равенством полов, буллингом и всеми прочими социально-этическими новациями складываются в абсолютно убедительную историю, по-прежнему пронзительную и ироничную одновременно. В обновленном «Ринальдо» появится своя «российская фракция»: за дирижерским пультом замечательный молодой дирижер Максим Емельянычев, партию Армиды исполняет одна из самых известных и обаятельных выпускниц молодежной программы Большого театра Кристина Мхитарян.


оперетта Орфей в аду

режиссер Барри Коски

Зальцбургский фестиваль

14, 17, 21, 23, 26, 30 августа


Еще один спектакль Барри Коски в летней фестивальной программе — на этот раз, безусловно, из раздела «комическая опера». И, судя по всему, это будут самые развлекательные вечера всего зальцбургского сезона. Оффенбаховский «Орфей» и сам по себе едва ли не самое смешное либретто в мире. История певца, чье пение и чья беззаветная любовь всем окружающим уже давно осточертели, что на земле, что под землей, написана в жанре «ничего святого». Оффенбаховские боги собачатся между собой, как соседи в одесской коммуналке, а «простые» люди с убежденностью и со вкусом отрекаются от всех буржуазных добродетелей. Всех объединяет «адский канкан», в котором Коски пообещал «сконцентрировать всю дионисийскую энергию пьесы», добавив, что специальным спонсором канкана является Swarowski, так что, видимо, там будет не только дионисийство, но и много блеска. Также обещаны любимые Коски трюки из арсенала немого кинематографа, переписанные под современность диалоги (петь будут по-французски, говорить по-немецки, для нуждающихся есть английские титры) и бешеный темп, за который отвечает дирижер Энрике Маццола.


опера Симон Бокканегра

режиссер Андреас Кригенбург

Зальцбургский фестиваль

15, 18, 20, 24, 27, 29 августа


Времена, когда Андреас Кригенбург считался радикальным экспериментатором в области визуальной режиссуры, давно прошли, сегодня это уже называется не визуальной режиссурой, а просто эффектной современной сценографией. А сам режиссер перешел в категорию признанных, почти академичных авторов и достоин составить компанию маэстро Гергиеву, который в этой постановке отвечает за музыкальную часть. А вот как раз появление Валерия Гергиева за дирижерским пультом является своего рода сенсацией — он время от времени выступал в Зальцбурге с концертами, но в качестве оперного дирижера фестиваль не приглашал его последние 11 лет. В мариинском репертуаре Гергиева «Симон Бокканегра» есть с 2016 года — в очень конвенциональной постановке итальянского режиссера Андреа Де Розы, и каким бы умеренным ни было экспериментаторство Кригенбурга, оно все же создаст для прекрасного международного каста солистов более выигрышный фон.


спектакль Лилиом

режиссер Корнель Мундруцо

Зальцбургский фестиваль

17, 19, 21, 23, 24, 26, 27 августа


Это, вероятно, самое известное драматическое сочинение, написанное на венгерском языке (если не считать некоторых опереточных либретто),— «Лилиом» Ференца Мольнара, пьеса 1909 года, первые четыре года аккуратно проваливалась на всех сценах, на которых ее пытались поставить, а потом внезапно сделалась мировым шлягером больше чем на столетие. Пуччини хотел сделать из нее оперу, но самолюбивый Мольнар не разрешил, сказав: «Тогда все будут говорить только о Пуччини». Оперу позже все же написали, а еще сняли несколько фильмов и поставили на Бродвее мюзикл (из него, кстати, происходит шлягер «You‘ll Never Walk Alone»). История бедного парня, который зарабатывает на жизнь работая зазывалой в парке, а потом влюбляется, разоряется, ввязывается в грабеж, нарывается на полицейскую пулю, но получает шанс вернуться на один день с того света, чтобы исправить собственные глупости и ошибки, проникнута трогательной сентиментальностью и каким-то совсем не сегодняшним состраданием к «маленькому человеку». Мундруцо, режиссер, который как раз и известен своим интересом к «самым обычным людям» и умеет дотошно воспроизводить человеческий быт, концентрируя его до гротеска,— идеальный постановщик для этой истории.


музыкальный перформанс После последних дней. Поздний вечер

режиссер Кристоф Марталер

Рурская триеннале

21, 22, 24, 25, 28, 29, 30, 31 августа, 1 сентября


«Последние дни человечества» — так называлась великая и неисполнимая пьеса австрийского публициста Карла Крауса, посвященная Первой мировой войне и предупреждавшая это самое человечество о неминуемой гибели. Она занимает около 1000 страниц и состоит исключительно из газетных цитат — своего рода Театр.doc образца 1914–1918 годов. Кристоф Марталер и команда Рурской триеннале сегодня переживают, очевидно, уже постапокалиптические настроения и, цитируя Крауса, показывают свою версию заката Европы. Как несложно догадаться, у Марталера все тоже строится на цитатах, только на музыкальных. В основе его композиции — сочинения композиторов, чья музыка была объявлена «дегенеративной», а сами они были высланы или уничтожены в концлагерях — Павела Хааса, Виктора Ульмана, Йозефа Коффлера, Эрвина Шульхофа. Некоторые из музыкальных сочинений, которые прозвучат в этом спектакле, были написаны в Терезиенштадте и Освенциме. Место действия — воображаемый всемирный парламент, время действия — наши дни и весь ХХ век. Если кто-то думает, что Марталер — прежде всего эксцентрик-юморист, самое время в этом разубедиться.


музыкальный спектакль Все, что случилось и еще случится

режиссер Хайнер Гёббельс

Рурская триеннале

23, 24, 25, 26 августа


Первая мировая война и последовавший за ней «короткий ХХ век» — центральная тема Рурской триеннале этого года. Кроме Марталера, к ней обратится еще один выдающийся режиссер и автор Хайнер Гёббельс. Получился своего рода «диалог старейшин» — Гёббельс был одним из предшественников Марталера на посту художественного руководителя триеннале. Хайнер Гёббельс — не только режиссер, но и композитор, автор многочисленных радиопьес, педагог (из его семинара вышли участники группы «Римини-протокол»), его всегда интересуют только проекты, в которых театральный зал становится местом синтеза всех искусств. Его композиция основана на художественных и документальных текстах, соединенных с музыкальной партитурой и с феерической декорацией Клауса Грюнберга. И только Гёббельсу может прийти в голову поставить балетный перформанс под фонограмму, состоящую из новостей канала «Евроньюс»,— и это будет не только очень актуальное, но и завораживающе красивое зрелище.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Июн 05, 2019 9:09 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20280
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 31, 2019 9:04 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019053102
Тема| Балет, ВДНХ, Фестиваль "Мировые балетные каникулы"
Автор| корр.
Заголовок| Фестиваль "Мировые балетные каникулы" открывается на ВДНХ
В рамках мероприятия 1 июня пройдет мастер-класс от Николая Цискаридзе
Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2019-05-31
Ссылка| https://tass.ru/moskva/6492408
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Фестиваль "Мировые балетные каникулы", который впервые пройдет с 31 мая по 2 июня, откроется в пятницу в Москве на ВДНХ. Гости мероприятия смогут принять участие в танцевальных мастер-классах и увидеть выступления звезд мирового балета, сообщила ТАСС представитель оргкомитета фестиваля.

"Идея фестиваля - популяризировать балет, подчеркнуть в мировом сообществе значимость Москвы как культурной и балетной столицы, напомнить всем, что такое школа русского балета", - отметила она.

В рамках фестиваля 1 июня пройдет мастер-класс от народного артиста РФ Николая Цискаридзе, который стал инициатором проекта. "Николай Максимович будет стоять на сцене и давать урок балета любителям этого танцевального направления, более тысячи человек будут стоять у станка длиной 1,3 км рядом с фонтаном "Дружба народов", - рассказала собеседница агентства.

Она добавила, что мастер-класс рассчитан на людей, имеющих определенную физическую подготовку, представляющих, как нужно стоять у станка. "Мы поставили для участников условие: минимум год занятия хореографией", - подчеркнула представитель оргкомитета.

Помимо мастер-класса от Цискаридзе состоятся уроки по различным танцевальным направлениям, в которых смогут принять участие все желающие. Гости смогут научиться классическим танцам, танцам народов мира, а также современным, в том числе хип-хопу и брейк-дансу. Среди преподавателей будут профессиональные танцоры, в частности участники государственного академического хореографического ансамбля "Березка" им. Надеждиной.

Представитель оргкомитета отметила, что в рамках фестиваля на ВДНХ будет работать детская площадка. "На ней будут проводиться мастер-классы на танцевальную тематику, также дети смогут научиться рукоделию, визажу, будет организована фотозона с балеринами для девочек", - пояснила она.

Гала-концерты

В каждый из дней фестиваля состоятся гала-концерты на главной сцене, установленной на фасаде павильона № 1 ВДНХ. 31 мая пройдет взрослый гала-концерт с участием российских и зарубежных балетных трупп - Ивана Васильева, Дениса Родькина, Марии Виноградовой и Элеоноры Севенард, Мизуки Уэно (The Tokyo Ballet), Михаила Канискина (Berlin State Ballet), Марии Эйхвальд (Stuttgart Ballet). Первого и второго мая пройдут гала-концерты от детских ансамблей и балетных школ. В них примут участие хореографический ансамбль "Калинка" им. А. Н. Филиппова, балетная школа "Армида", эстрадно-цирковая студия "Водолеи", международная сеть школ балета для детей "Балет с 2 лет" и студия классического балета "Молодой балет Москвы".
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20280
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 31, 2019 9:10 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019053103
Тема| Балет, «Астана Опера», Премьера, Персоналии, Рикардо Амаранте
Автор| корр.
Заголовок| Премьеру балета «Жизель» представит «Астана Опера»
Где опубликовано| © Новостной Канал Хабар 24
Дата публикации| 2019-05-31
Ссылка| https://24.kz/ru/news/culture/item/318622-premeru-baleta-zhizel-predstavit-astana-opera
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В июне этого года состоится премьера балета «Жизель» на музыку А.Адана в постановке приглашенного хореографа театра Рикардо Амаранте.

Фантастический мир сольется с реальным: кружащие в хороводе девушки-призраки очаруют изящным танцем публику, в котором будут бороться коварная месть и чистая любовь. Что спасет главного героя от гибели, зрители узнают на премьере балета Адана «Жизель» 14, 15 и 19 июня. Спектакль пройдет при поддержке Министерства культуры и спорта РК в постановке прославленных деятелей высокого искусства: балетмейстера-постановщика, народной артистки России Алтынай Асылмуратовой, выдающегося сценографа современности Эцио Фриджерио, обладательницы премии «Оскар», художника по костюмам Франки Скуарчапино. Дирижер-постановщик - Арман Уразгалиев.

«Жизель» – это один из самых любимых мною балетов, считаю его гениальным. В нем все ясно, лаконично и логично. Очень хочется, чтобы спектакль получился органичным, это касается и декораций, и костюмов, и бутафории. Мы отталкивались от традиционной хореографической версии Петипа, благодаря его таланту этот балет вот уже почти два столетия живет на мировой сцене и является самым репертуарным спектаклем. Я всегда снимаю шляпу перед гениальными людьми, это касается и Петипа, его хореография проверена временем, поэтому особых изменений мы вносить в нее не стали, однако усилили определенные фрагменты. Хочется в полной мере передать всю прелесть романтики этого балета», - рассказала Алтынай Асылмуратова.

Ассистенты балетмейстера-постановщика – заслуженный артист России Константин Заклинский, Елена Шерстнева, художник по свету – Винченцо Рапони. Главные партии готовят: Жизель – заслуженные деятели Казахстана Айгерим Бекетаева, этуаль Венгерского государственного оперного театра Алия Таныкпаева и Анастасия Заклинская. Альберт – заслуженный деятель Казахстана Бахтияр Адамжан, Еркин Рахматуллаев, Олжас Тарланов. Мирта – Асель Шайкенова, Елена Семенова, Еркежан Жунусова.

В основе сюжета «Жизель» – легенда о виллисах. Это девушки-призраки, погибшие от несчастной любви, которые теперь мстят молодым мужчинам. Одетые в подвенечные платья, они кружат их в хороводе танца до тех пор, пока жертвы не упадут замертво. Французский литератор Теофиль Готье познакомился с ней в пересказе немецкого романтика Генриха Гейне. Вместе со сценаристом Жюлем Сен-Жоржем они в считаные дни придумали сюжет «Жизели». Адольф Адан за три недели написал партитуру. В качестве хореографов выступили маститый Жан Коралли и молодой Жюль Перро и Мариус Петипа.

«Мы постараемся, чтобы первый акт получился теплым и красивым, а второй загадочным и романтичным. Для балерины этот балет просто кладезь, в нем можно продемонстрировать все свое мастерство, драматические таланты, проявить свою индивидуальность. Первый акт – самый трудный для артистов, именно в нем становится понятно – Жизель ты или нет, то же касается исполнителя партии Альберта. Сохранить этот стиль и не переусердствовать с украшательством бывает сложно, так как есть риск потери всей прелести этого шедевра», - заключила балетмейстер-постановщик Алтынай Асылмуратова.

Сразу после премьеры в парижской Гранд-опера 28 июня 1841 года «Жизель» была признана выдающимся достижением балетного театра. Первой исполнительницей партии Жизели была Карлотта Гризи. По мнению театрального критика Нины Аловерт, Алтынай Асылмуратова – одна из лучших исполнительниц этой партии. «Алтынай танцевала роль Жизели божественно!» - писала в своей статье «Вариации на тему» № 4 (510) Нина Аловерт. Хореографическая красота этого балета пленяет зрителя навсегда. Меняются вкусы, мода и время, но успех «Жизели» остается неизменным. Начало спектаклей: 14 и 19 июня в 19.00, 15 июня в 18.00.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20280
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 31, 2019 10:09 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019053104
Тема| Балет, Ростовский музыкальный театр, II Международный фестиваль «Лето балета», Персоналии, Иван ­КУЗНЕЦОВ
Автор| Марина Каминская
Заголовок| Звезды, премьеры и юмор на сцене
Сегодня в Ростове стартует II Международный фестиваль «Лето балета»

Где опубликовано| © газета «Наше время» №183
Дата публикации| 2019-05-31
Ссылка| https://www.nvgazeta.ru/news/12381/553351/
Аннотация| Фестиваль, Интервью

О том, какими сюрпризами порадует нынешнее «Лето балета», рассказывает инициатор этого фестиваля, главный балетмейстер Ростовского музыкального театра Иван ­КУЗНЕЦОВ

– Иван Леонидович, сначала – небольшой экскурс в совсем недавнее прошлое. Сегодня почти у всех профессиональных театров Ростовской области есть свой фестиваль. Как минимум областного масштаба. Идея «Лета балета» выросла из убежденности, что у интересного, шагающего в ногу со временем театра должен быть фестиваль?

– Эта идея родилась из желания красивого и яркого события. Такого, которое не просто разно­образит афишу, а расширит зрительскую аудиторию, привлекая больше молодежи. А кроме того, открывает новые горизонты и для самих артистов.

– Наверно, для артистов благотворна работа в одном спектакле со звездами балета. (На этот раз таким опытом для них станет «Дон Кихот».) Легко ли получить согласие звезд на такое сотрудничество, участие в фестивальном гала-концерте?

– Очень помогает имя такого уважаемого в балетных кругах человека, как Алексей Николаевич Фадеечев, который в качестве главного балетмейстера Ростовского музыкального театра проделал здесь огромную работу, оставил большой и светлый след.

– Большинство приглашенных на фестиваль звезд – это россияне, работающие в зарубежных театрах. Акцент на соотечественниках не случаен?

– Есть возможность приглашать на фестиваль и иностранных артистов, но мне представляется интересным знакомить зрителей с творчеством наших соотечественников, которые танцуют на известнейших сценах мира. Или – соотечественников-педагогов, которых высоко ценят за рубежом. 2 июня в программе «Лета балета» – вновь открытый урок. На этот раз в присутствии зрителей его проведет на большой сцене Ростовского музыкального театра педагог-репетитор балетной труппы Парижской оперы Андрей Клемм.

– На I фестивале «Лето балета» Ростовский музыкальный театр показал сразу две премьеры: масштабный спектакль «Баядерка» и созданный вами мини-балет «Цвет» на музыку Жоржа Бизе. Премьерная линия фестиваля продолжится?

– Фестиваль откроется премьерой балета «Эсмеральда», а потом зрителей еще ждет сюрприз на вечере современной хореографии. Этот вечер будет включать две одноактные постановки гостя нашего фестиваля – балета «Москва» и две ростовские премьеры. Над этими мини-балетами работают наши молодые хореографы Елена Лыткина и Юлия Гайворонская.

– Участником нынешнего фестиваля «Лето балета» также станет столичный искусствовед Роман Володченков. Одна из его бесед будет посвящена балерине Ольге Спесивцевой, что вполне понятно. Уроженка Ростова Ольга Спесивцева – это легенда ХХ века. Ее имя носит ваш фестиваль. А вот темой второй беседы станет юмор в балете. Это потому, что публика южного города лучше откликается на юмор?

– Поверьте, это очень интересная тема вне гео­графических привязок. Роман, в частности, расскажет о знаменитом юмористическом балете Джерома Роббинса на музыку Шопена «Концерт». Это создание Роббинса просто великолепно! Беседа будет сопровождаться фото- и видеоиллюстрациями.

– Ростовскому балету исполняется 18 лет. Красивая дата… Но долго ли еще до того, чтобы заговорили о ростовской школе балета?

– Работа, которая проделана за эти годы Ростовским музыкальным театром по воспитанию труппы, освоению репертуара, дорогого стоит. Другое дело, что нужно еще время для того, чтобы в Ростове сформировалась и окрепла культура классической хореографии.

Огромную ношу взвалили на свои плечи артисты Ростовского музыкального театра Альберт Загретдинов и Елизавета Мислер, когда, оставив сцену, возглавили хореографическое отделение Ростовского колледжа искусств. Условия, в которых они работают, пока еще далеки от идеальных. Но ребята очень стараются, и мы их поддерживаем.

Чтобы заговорили о ростовской школе балета, должны сложиться определенные традиции и по­явиться несколько сильных выпускников, которые сделают ей имя.

– Иван Леонидович, ваш фестиваль называется «Лето балета». Истолковать его можно по-разному. Для артистов балета лето – это легкая пора?

– Для кого как. Для меня еще с тех пор, когда сам танцевал, лето – это работа, работа, работа.

В этом году лето для нашей балетной труппы станет экзаменом: предстоит показ балета «Эсмеральда» на исторической сцене Большого театра.



Календарь фестиваля

31 мая, 1, 2 июня

Премьера!

Ц. Пуни, Р. Глиэр, С. Василенко

«ЭСМЕРАЛЬДА»

Балет в 3 актах

1 июня главные партии исполнят заслуженная артистка России Ирина Перрен и Марат Шемиунов (Михайловский театр).


1 июня, 16.00 (театральная гостиная)

ТВОРЧЕСКАЯ ВСТРЕЧА «ОЛЬГА СПЕСИВЦЕВА: ПЕРВАЯ БАЛЕТНАЯ ЗВЕЗДА ДОНА».

Ведущий – Роман ВОЛОДЧЕНКОВ (кандидат искусствоведения, балетный критик, Москва).


2 июня, 11.00

ОТКРЫТЫЙ МАСТЕР-КЛАСС АНДРЕЯ КЛЕММА, педагога-репетитора балетной труппы Парижской национальной оперы.

С участием ведущих артистов театра.

Концертмейстер – Дмитрий ПРЕСМАН (Московский академический музыкальный театр им. К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко).


2 июня, 16.00 (театральная гостиная)

ТВОРЧЕСКАЯ ВСТРЕЧА «СОВРЕМЕННАЯ ХОРЕОГРАФИЯ», «ЮМОР В БАЛЕТЕ».

Ведущий – Роман ВОЛОДЧЕНКОВ (кандидат искусствоведения, балетный критик, Москва).


5 июня, 19.00

Л. Минкус

«ДОН КИХОТ»

Балет в 3 актах

Главные партии исполнят Бахтияр АДАМЖАН («Астана-опера») и Наталья КУШ (Австралийский балет).


6 июня, 19.00

ВЕЧЕР СОВРЕМЕННОЙ ХОРЕОГРАФИИ

В 3 отделениях

Балет «Москва» представляет одноактные балеты «Эквус», «Транскрипция цвета».


7 июня, 19.00

Закрытие фестиваля

Гала-концерт

Гости вечера – Марина Кудряшова и Олег Рогачёв (Национальный балет Бордо), Наталья Куш (Австралийский балет), Бахтияр Адамжан («Астана-опера»).

Сольный концерт молодого скрипача, лауреата международных конкурсов Нестора Никитина.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20280
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 31, 2019 11:45 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019053105
Тема| Балет, Омский музтеатр, Премьера, Персоналии, Надежда Калинина
Автор| Фото: А. Катаев
Заголовок| ​Надежда Калинина и ее хулиганские «штучки» в премьерном показе «Золушки»
Где опубликовано| © Сетевое издание БК55
Дата публикации| 2019-05-31
Ссылка| https://bk55.ru/news/article/151441/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА, ИНТЕРВЬЮ

Сегодня в Музыкальном театре состоится премьерный показ «Золушки» с Ниной Маляренко.

В прошлую пятницу в Музыкальном театре прошла премьера спектакля «Золушка». Заглавную роль в первых премьерных показах исполнила Екатерина Жигалова. Сегодня в роли Золушки на сцене появится еще одна звезда Музыкального театра — Нина Маляренко. Постановка «Золушка» — первое обращение труппы к этому шедевру отечественной балетной классики. Авторы балета полностью сохранили замысел и персонажей, но привнесли в постановку свои новые идеи. Балетмейстер Надежда Калинина рассказала, когда у нее зародилась мысль поставить такой балет в Омске и из-за чего вместо крестной феи появился загадочный волшебник.

— Как вам пришла идея поставить «Золушку» в Омске?

— «Золушка» — это сотворчество с художником нашего театра Сергеем Новиковым. 10 лет назад я пришла в Музыкальный вместе с ним — тогда мы поставили «Шинель». А сейчас родилась огромная махина, авторская. Идея «Золушки» пришла нам с Сергеем, когда мы были в Париже. Версий было очень много, начиная с бала вампиров. Мы гуляли по Парижу весь день и сошлись во мнениях: делать спектакль в стиле стимпанк — одного из направлений в научной фантастике, эдакого признания механичности природы с отображением в стиле ретро. Поэтому все шурупчики, гаечки — все работает как один механизм, все это есть и в костюмах, и в декорациях. Много конструкций железных, зеркал, все будет двигаться, опускаться, подниматься. Карета, станок, огромный стол, часовой механизм — все зрелищно. Мы делаем вообще такую фантастическую сказку, красочную, зрелищную, для семейного просмотра. «Золушка» вполне может быть семейным спектаклем, который будет интересен как взрослым, так и детям. Хотя музыка Сергея Прокофьева серьезная и сложная, но она просто гениальная, где-то даже космическая, полетная. Пыталась везде провести тему времени, часовых механизмов, чтобы в пластике это проходило через весь спектакль, чтобы зритель понимал, что все связано.


Надежда Калинина во время репетиции «Золушки».

— А куда делась фея, которая помогала Золушке? Почему вместо нее Волшебник?

— Это моя фантазия. Он будет персонажем, который несет мистический характер. Волшебник — очень фантастический, полуптица, полузмей. Я так решила, я услышала это в музыке. У него будет огромная свита, которая будет сопровождать его весь спектакль. Он будет менять обличье: на балу превратится в церемониймейстера. Он управляет временем и дает возможность Золушке побывать на балу. То есть не совсем добренькая фея у меня, а достаточно мистический искуситель.

— Еще какие-нибудь герои изменились или добавились?

— Есть у нас Коппелиус — изобретатель. К нему будет обращаться мачеха, чтобы он предоставил кавалеров для сестер Золушки. Но свою работу он делает халтурно и получаются такие куклы, машины-мужчины, которые, когда нужно, улыбаются, поднимают, танцуют, и после того, как с ними обращаются и мачеха, и сестры, они ломаются. Такие хулиганские штучки присутствуют во всей постановке.

— Были ли сложности у актеров при репетициях?

— Около ста костюмов за весь спектакль они должны показать. Это нестандартная одежда со множеством шляпок. За один спектакль им нужно будет сменить десяток головных уборов, но потом как-то освоились. Такого спектакля еще не было.

— В Омске зрители любят балет?

— Могу сказать, что искусство, особенно Музыкальный театр, сейчас в моде. Так и должно быть. Надо понимать, что это статусно, престижно — взять билеты по достойной цене и пойти на балет» «Золушка» всей семьей. Ирония судьбы, когда в Омске начали готовить «Золушку», я получила еще один заказ на «Золушку» из Астаны. Так что в этом году у меня две постановки о ней. Только в Астане спектакль будет совершенно в другом стиле и на другую музыку. Для меня это знаковый балет, тем более что две «Золушки» за один сезон — это точно запомнится.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20280
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 31, 2019 12:15 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019053106
Тема| Балет, Омский музтеатр, Персоналии, Елена Шихова
Автор| Светлана Казанцева
Заголовок| ​ Уметь танцевать душой. Прима-балерина о любви к сцене
Где опубликовано| © АиФ в Омске Еженедельник "Аргументы и Факты" № 22 29/05/2019
Дата публикации| 2019-05-31
Ссылка| http://www.omsk.aif.ru/culture/prima-balerina_elena_shihova_45_let_posvyatila_omskomu_muzykalnomu_teatru
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Балет - один из самых красивых видов искусства, а о русских балеринах в мире ходят легенды.


Балетный номер в оперетте «Прекрасная Елена», 1980 г. © / Омский государственный музыкальный театр

Елена Шихова - ученица именитого преподавателя и выпускница «звёздного» курса. Возможно, не родилось бы балерины Шиховой, а мы бы знали художественную гимнастку с этим именем, если бы не цепь случайных обстоятельств.

Елена Сергеевна поделилась с корреспондентом «АиФ в Омске» историей своей жизни.

Осознанный выбор

Светлана Казанцева, АиФ в Омске: Елена Сергеевна, однажды вы сказали, что влюбились в балет в детстве. Как произо-шла ваша встреча с этим видом искусства?


Елена Шихова: Мой отец работал звукорежиссёром на пермском телевидении и одновременно был концертмейстером в школе художественной гимнастики. Он меня часто брал с собой на соревнования. Мне очень нравились выступления с лентами, красивая музыка. Однажды он взял меня с собой на балет, так как, опять же, подрабатывал концертмейстером в хореографическом училище. Спектакль поразил меня до глубины души.

- Вам пришлось делать выбор между спортом и балетом?

- Если бы рядом с домом была школа художественной гимнастики, я пошла бы туда - мне очень хотелось получить собственную ленточку, да и в спорт­школе меня знали - и ждали, когда подрасту, чтобы начать заниматься. Но она находилась далеко, возить меня на занятия было некому. А балетное училище было в нескольких остановках от дома… Не последнюю роль сыграло то, что папа часто играл на рояле, а я любила сидеть под инструментом, слушала музыку или пыталась танцевать. А ещё у моей старшей сестры были пуанты - она занималась балетом, я их надевала и бегала по квартире.

- Родители были не против ­увлечения балетом? Ведь это прежде всего тяжёлый труд…

- Когда мне исполнилось 10 лет, мама начала заводить разговоры о балетном училище. Папа ворчал, сомневался, но всё-таки уступил. Я поступила в балетную школу и взялась за учёбу со всей серьёзностью, потому что понимала, что без труда ничего не добьюсь. Попала к великолепному педагогу - народной артистке РСФСР Людмиле Сахаровой. У нас в классе было 10 девушек, из них две сейчас имеют звание народных, три - заслуженных артистов; одна владелица балетной школы в Мексике, другая преподаёт в Пермском музыкальном театре. Что говорить, класс был звёздным.

- Какие трудности нужно преодолеть, чтобы стать примой-балериной? По сколько часов в день приходится стоять у станка?

- Чтобы стать балериной, нужно желание. Если его нет, то часы, проведённые у балетного станка, не помогут.

- Какие качества личности ценятся в балете?

- Нужно обладать харизмой, упорством, трудолюбием, терпением - это очень важно в нашей профессии. О таланте не говорим - его наличие очевидно.

Работа по душе

- Вы сразу после балетного училища приехали в Омск?


- В Омск я попала по распределению. К нам в училище приехала из Омска знаменитая балетмейстер, заслуженный деятель искусств Валентина Тулупова и сделала заявку на артистов балета, так как в Омске планировалось открытие музыкального театра. Выбор пал на меня, хотя изначально я собиралась в Нижний Новгород. Я, конечно, расстроилась, но не из-за того, что еду в Омск, а потому, что еду одна. Остальных девочек распределили группами, половина из них осталась в Перми.

- Каким было первое впечатление от Омска?

- Город мне понравился - он был очень зелёным. Тогда ещё на проспекте Маркса по центру дороги были огромные цветочные клумбы - с Пермью не сравнить. Прогулялась по центру Омска - на месте музыкального театра был котлован, самое начало стройки. Расстраивалась недолго, поскольку с Валентиной Яковлевной было очень интересно работать - в каждой её опереточной постановке ­были танцы, причём полноценные номера, мини-спектакли. Кстати, новый театр открыли на шестом году моего пребывания в Омске. Открыли мы его оперой «В бурю» и балетом «Тщетная предосторожность».

- Ваш супруг служил в этом же театре?

- Да, Борис Шевченко поступил в театр на два года раньше меня. Долгое время был ведущим солистом, затем окончил режиссёрские курсы в ГИТИСе и ставил на омской сцене спектакли. К сожалению, 12 лет назад он ушёл из жизни.

- Сколько партий вы исполнили за свою карьеру балерины? Есть ли среди них самые любимые?

- Они не то что любимые - самые дорогие для меня. Такой стала партия из балета «Тщетная предосторожность», потому что это был мой первый выход на большую сцену. Так же дорог для меня балет «Юнона» и «Авось», в котором я исполняла партию Кончиты. Кстати, этот балет я станцевала больше 200 раз. Ещё один спектакль очень люблю - «Анюта».

- Век балерины недолог. Какие перспективы после окончания карьеры?

- Век балерины на сцене - 20 лет. Такой срок определён не случайно. В нашей профессии всё-таки есть большой риск потерять здоровье - тело испытывает постоянные перегрузки. Перспективы же зависят от самого человека. Можно, получив дополнительное образование, стать балетмейстером, педагогом-репетитором, преподавателем балетной школы.

- Есть понятие «русская школа балета». Эта школа смогла сохранить свою идентичность или видоизменилась под давлением глобализации?

- Конечно, русская школа балета существует, её позиции в мире сильны. В этом плане Западу повезло - зарубежные танцоры могут беспрепятственно перенимать наш опыт: особенную пластику движений, умение танцевать душой.

- Современный балет не то же самое, что было 50 лет назад… что предпочитает смотреть омский зритель?

- Да, балет можно поставить современно, интересно. Омичи, как оказалось, являются любителями этого вида искусства, хотя отдают предпочтение всё же классическому балету.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20280
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 31, 2019 12:42 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019053107
Тема| Балет, Ростовский музыкальный театр, II Международный фестиваль «Лето балета» имени Ольги Спесивцевой, Персоналии, ­
Автор| Роман Володченков
Заголовок| Почему балерина Спесивцева — это круто
ИСТОРИЯ ЖИЗНИ УРОЖЕНКИ РОСТОВА — ЛУЧШЕЙ ЖИЗЕЛИ XX ВЕКА.

Где опубликовано| © журнал «НАЦИЯ» (Ростов-на-Дону)
Дата публикации| 2019-05-29
Ссылка| https://nationmagazine.ru/people/pochemu-balerina-spesivtseva-eto-kruto/?sphrase_id=12754
Аннотация|

С 31 мая по 7 июня в Ростовском музыкальном театре пройдет Международный фестиваль балета имени Ольги Спесивцевой (с программой можно познакомиться здесь).

Ростов — родной город великой русской балерины. О лучшей Жизели XX века рассказывает балетный критик из Москвы Роман Володченков.




В биографии Спесивцевой (1895-1991) много белых пятен и противоречивых сведений. Доподлинно известно следующее: отец Ольги, Александр Романович Спесивцев, перебрался в Ростов из города Короча Курской губернии. Здесь он познакомился с будущей женой. По свидетельствам современников, Устинья Марковна Галинская была одной из красивейших женщин Ростова.

Ольга родилась в 1895 году и была третьим ребенком в многодетной семье. Всего их было 8 братьев и сестер (трое умерли в раннем возрасте).

По некоторым данным, в родной Короче Спесивцев занимался изготовлением скрипок. В Ростове же он начал петь в церковном хоре, участвовал в богослужениях.
Отец умер от туберкулеза (по другой версии, от воспаления легких), когда Оле было 6 лет. Мать осталась одна с пятью детьми. Младших забрала в Корочу родня, а трое старших переехали с мамой в Санкт-Петербург. Там их приняли в «Приют для детей неимущих актеров». Позже все трое — Ольга, Анатолий и Зинаида — поступили в Мариинский театр и служили артистами балета.

Оля Спесивцева была определена в Мариинку на содержание танцовщицы кордебалета. Но никогда там не стояла, сразу начав танцевать сольные партии. В 1916 году переведена в первые танцовщицы, а затем совершенно заслуженно заняла место примы Мариинского театра.

С отречением Николая II императорские театры стали государственными. Опера и балет были признаны пережитками, развлечением царской семьи и аристократии. Владимир Ленин поставил вопрос жестко: либо вообще ликвидировать театр, либо поставить его на службу пролетарскому искусству.
Но вступился Анатолий Луначарский, нарком просвещения: он способствовал тому, чтобы театры сохранили хотя бы часть старого репертуара. Ведь очень много балета было сокращено, многие артисты уехали из страны.

…Анна Павлова, Тамара Карсавина, Ольга Спесивцева — три грации. Если Павлова тяготела к импрессионизму, то в Спесивцевой критики разглядели экспрессионистский талант. На ее фотографиях мы видим почти современный тип балерины: стройная пропорциональная фигура, утонченные линии ног, высокий подъем. Она стремилась соединить в своем искусстве технику и актерскую игру. По танцу Спесивцевой можно проследить новый этап развития балета после Павловой.

Сергей Дягилев (организатор «Русских сезонов» в Париже и труппы «Русский балет Дягилева») любил повторять слова великого итальянского балетмейстера Энрико Чеккетти: «В мире родилось яблоко, его разрезали надвое, одна половина стала Анной Павловой, другая — Ольгой Спесивцевой». При этом от себя он добавлял: «Для меня Спесивцева — та сторона яблока, которая обращена к солнцу». Таким образом, я думаю, Дягилев, опытнейший антрепренер, хотел поддержать свою артистку, показать ее значимость. Дягилев как никто умел работать с прессой и общественным мнением. Если вспомнить американские гастроли Спесивцевой — там СМИ сразу взяли ее в оборот, начали делать из нее superstar.

Это были ее первые гастроли за рубежом: в США в 1916-17-х годах в составе дягилевской труппы она танцевала вместе с Вацлавом Нижинским. Вторым был Лондон — успешные гастроли, на которых она исполнила партию Авроры в «Спящей красавице» (1921-22 годы).

В третий раз, в 1924 году, она отправилась в Италию, чтобы поправить здоровье. Здесь Ольга вступила в переписку с соратником Дягилева, художником Львом Бакстом, устроившим ей встречу с директором Парижской оперы. Начались заграничные выступления.

В Россию она больше не вернулась. Но, так или иначе, на родине Спесивцева состоялась. Карьера артиста балета сегодня официально длится 20 лет. Половину этого срока, с 1913-го по 1924 год, она оттанцевала в Мариинке.

В Парижской опере Спесивцеву не мог устроить ограниченный классический репертуар. В какой-то момент Дягилеву удалось соблазнить ее в свою антрепризу. Ольга уезжала на гастроли — потом возвращалась в Париж. Это уже была жизнь похожая на метания. Великая артистка не находила себе места.

И, к сожалению, в ее жизнь вторглась тяжелая болезнь. Психическое заболевание. Возможно, сыграла роль наследственность, изначально слабое здоровье, тонкая душевная организация. К тому же трагических события не оставляли ее: ранняя смерть отца, приют, гибель младшего брата Александра (его, 18-летнего, по ошибке застрелили поздним вечером в Петербурге). И все это происходило на фоне крушения империи.

Да и быть артистом балета — это очень тяжелый труд, большие нагрузки, постоянная усталость. Во время первых, американских, гастролей Ольга дала чуть ли не полторы сотни выступлений!

Вот еще любопытный факт: когда Спесивцева, еще в Петрограде, готовилась к партии Жизели (главная героиня одноименного балета, по сюжету сходит с ума и умирает после предательства возлюбленного), то вместе со своим гражданским мужем Борисом Каплуном (большим чиновником Петроградского губисполкома) она посещала психиатрическую больницу, чтобы воочию увидеть сумасшествие.
Мы не знаем, как наша психика отзовется на отрицательный опыт. Зачастую отклик приходит не сразу, а спустя годы. Думаю, она могла вложить в свою Жизель то, что увидела в больнице. Она ведь не играла, а жила на сцене. А любому актеру лучше использовать опыт, но не погружаться в состояние.


Ольга Спесивцева в роли Жизели.

Впервые явные признаки помутнения рассудка проявились на гастролях в Австралии, организованных Виктором Дандре в 1934 году. Спесивцева забывала текст на сцене (последовательность танцевальных движений), внезапно исчезала, ее приходилось искать по всему городу.
На гастролях в Аргентине вела себя тоже странно. Боялась дружелюбно настроенных к ней людей, обвиняла их в злых умыслах.
Она приходила в себя, но затем вновь случались обострения.

В этот период ее всюду сопровождал богатый американец Леонард Браун. Он был очень внимателен к Ольге, но в 1941 Браун внезапно умирает от разрыва сердца, и балерина лишается какой-либо близкой поддержки. На долгие годы Спесивцева оказывается в психиатрической больнице.

Вот уж действительно мания. Мания Жизели. Я не стал поклонником этого фильма («Мания Жизели» — фильм о Спесивцевой 1995 года режиссера Алексея Учителя). Его точно не надо расценивать как биографию балерины. Как и балет Бориса Эйфмана «Красная Жизель». Но художник вправе отразить свое видение событий. И есть много вещей, которые Учителю удались в этом фильме. Так, он нашел интересный способ рассказать об отрицательном влиянии модернизма на балерину.

Спесивцева провела в психиатрической клинике долгих 20 лет. Она выздоровела и провела оставшиеся ей 28 лет жизни на ферме нью-йоркского фонда, созданного младшей дочерью Льва Толстого Александрой. А до этого чаявшая вернуться в Россию Спесивцева получила сухой и официальной ответ из посольства СССР, в котором ей отказали во въезде на Родину.

«Дорогая Зинуша, вчера меня перевезли сюда из клиники. Ферма большая, выстроена на пожертвования. Тут есть очаровательная церковь, и я могу молиться и быть близкой Богу. Конечно, трудно возвращаться к жизни после двадцати лет пребывания в госпитале, прическа моя устарела, волосы побелели, забыла, как наводить красоту, румянец, пудриться. Ах, Зюка, старость не радость», — писала она в Ленинград своей старшей сестре Зинаиде.

Ольга Александровна Спесивцева умерла в Нью-Йорке в 1991 году. Ей было 96.

=======================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20280
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 31, 2019 1:12 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019053108
Тема| Балет, Воронежский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, ­ Юрий Бурлака
Автор| Екатерина БЕЛЯЕВА
Заголовок| Проснулась в Воронеже
Где опубликовано| © «Экран и сцена» № 10
Дата публикации| 2019-05-31
Ссылка| http://screenstage.ru/?p=10908
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото А.САМОРОДОВА

Провинциальных балетных театров, где происходит что-то интересное и заслуживающее внимания, на карте России крайне мало. До последнего времени новыми постановками, которые доезжали до столичных фестивалей, могли похвастаться только Екатеринбург и Пермь. В прошлом году ситуация изменилась, когда два балета-реконструкции в разных театрах поставил балетмейстер-архивист Юрий Бурлака: “Эсмеральду” в Самаре, где служит главным балетмейстером, и “Корсара” в Воронеже. Понятно, что эти премьеры выпускались в год празднования 200-летия со дня рождения Мариуса Петипа, и казалось, что приуроченных к юбилею мэтра хореографии спектаклей будет много и получится знатное соревнование, но в итоге театральных подношений Петипа оказалось до обидного мало. И они всем списком попали в номинанты премии “Золотая Маска”. Напомню, что этими спектаклями, кроме уже упомянутых, стали “Пахита” из Урал Оперы Балета и “Дон Кихот” из Театра балета имени Л.Якобсона.

Для Воронежского театра “Корсар” Юрия Бурлаки оказался не просто датским спектаклем и пропуском на столичный смотр, но и целым движением, направленным на совершенствование уровня мастерства труппы, на укрепление классического репертуара компании. “Корсар” ставился как масштабный сюжетный спектакль, где есть все – утонченная белая классика, характерные танцы, множество сольных вариаций, пантомимные эпизоды и даже старинные спецэффекты – например, буря на море. Далеко не все получилось реализовать с качеством и размахом Большого театра, где Юрий Бурлака и Алексей Ратманский показали грандиозную реконструкцию “Корсара” в 2007 году, но канва этого феерического спектакля, именно в его архаическом варианте – без так называемых конкурсных па де де, но с энергичными танцами пиратов во главе с Бирбанто, настолько крепкая, что даже в более скромном формате балет производит колоссальное впечатление и вдохновляет артистов.

После “Корсара”, обнаружившего в труппе новых лидеров среди самых юных исполнителей, главный балетмейстер Воронежского балета Александр Литягин заказал Юрию Бурлаке новую постановку – балет “Спящая красавица”. Впервые “Спящая” была поставлена в Воронеже в 1967 году, в ту пору, когда во все театры страны переносился примерно один и тот же список названий, обязательно включающий три балета Чайковского. Постановку осуществил танцовщик, впоследствии ставший хореографом, Константин Муллер, известный также тем, что успел поучиться в Ленинградской школе русского балета, руководимой Акимом Волынским. В Воронеже он работал несколько лет, серьезно пополнив репертуар новыми постановками. В 1983 году появилась вторая “Спящая” в редакции Ксении Тер-Степановой, артистки Кировского балета, после окончания карьеры танцовщицы занявшейся постановочной работой в нескольких театрах бывшего СССР и Восточной Европы. Верная академическим традициям северной столицы, она ставила балеты, максимально приближенные к тем, что шли в тогдашнем Кировском театре. В основном это были адаптированные под возможности труппы редакции Константина Сергеева. Спектакль Тер-Степановой продержался в репертуаре до начала нулевых.

На самом деле, “Спящую красавицу” и мировые, и российские театры ставят очень редко. За последние 20 лет на память приходят легендарная уже “Спящая” Сергея Вихарева в Мариинском театре (1999), положившая начало эпохе реконструкций балетов Петипа по гарвардским записям, версия Начо Дуато в Михайловском театре, обнов-ленная (с итальянскими декорациями и костюмами) постановка Юрия Григоровича к открытию исторической сцены Большого театра (обе – 2011), недавнее возобновление “Спящей красавицы” в Королевском балете “Ковент Гардена” с изумительной красоты декорациями дизайнера Оливера Месселя, выполненными по его эскизам 1946 года, и спорная (в плане интерпретации расшифрованных записей Николая Сергеева), но одновременно и убедительная, если судить по случайно показанным в концертах па де де, постановка Алексея Ратманского в Американском театре балета (2015).

Юрий Бурлака давно хотел создать собственную версию “Спящей красавицы”. Первоначально он планировал поставить спектакль в МАМТе, с хореографом велись переговоры, которые, однако, ни к чему не привели; потом речь шла о спектакле в Баварской опере, но тоже не сложилось. Поэтому предложение сделать “Спящую красавицу” в стиле “made in Voronezh”, то есть в такой версии, которая будет идти только в одном театре, показалось ему заманчивым. Условно говоря, идея Бурлаки заключалась в том, чтобы воссоздать так называемый “досергеевский вариант”, то есть не использовать хореографию Константина Сергеева 1950-х годов прошлого века. В основу редакции Бурлаки положена хореография Мариуса Петипа и Александра Горского, который переносил петербургский спектакль в Москву. Также Бурлака использовал находки Федора Лопухова, восстанавливавшего “Спящую” в Петрограде в 1923 году, а ряд композиций сочинил сам специально для Воронежа.

Прежде всего, речь идет о полностью восстановленной историко-бытовой сюите в сцене “Охота принца”. Когда-то сюита старинных танцев была изъята как неуместная архаика, а отдельные музыкальные номера из нее балетмейстеры советского времени использовали для вставных вариаций – в основном, чтобы укрупнить танцевальную линию принца, чья функция в спектакле Петипа сводилась к умению ассистировать балерине. Для этой сцены, предшествующей чудесному свиданию принца с Авророй, хореограф сочинил новое соло Принца Дезире в трех частях на музыку сарабанды. В воронежской труппе есть два замечательных виртуоза – Михаил Ветров и Иван Негробов, которые в состоянии исполнить самые сложные пируэты и антраша вариации принца и Голубой птицы (они их и танцуют в очередь). В историко-бытовую сюиту вошли также галантный менуэт – его ведет Дезире с придворными дамами, жига, энергичный галоп для двух пар, игриво-помпезный “танец графинь”, превращенный в общий танец придворных, и финальная крестьянская кода, выполненная в форме ритмичной барочной фарандолы. Нигде, кроме Воронежа, сюита историко-бытовых танцев не идет. И надо сказать, что она хорошо отрепетирована постановщиками (Бурлаке ассистировали Юлиана Малхасянц и Александр Литягин).

Бурлака не стремился к стилистическому единству спектакля, напротив, он хотел показать, как балет с четко продуманной музыкально-танцевальной структурой умеет жить во времени и развиваться вместе с ним, вбирая в себя и потом отталкивая какие-то атрибуты и приметы актуального искусства. Так, он сохраняет неспешную дворцовую церемонию крестин новорожденной принцессы Авроры – выход каждой из пяти фей в сопровождении пажа, несущего на подушечке подарок, танцевальные подношения в виде вариаций, во время исполнения которых пожелания фей материализуются. А Фея Карабос – в отличном исполнении Олега Рудометкина – заходит на этот праздник жизни как персонаж из детской киносказки. Получилась эпическая старуха, не признающая правил дворцового этикета. Она же королева сварливого жеста, местами напоминающая милляровскую Бабу Ягу.

“Спящую красавицу” Бурлаки неуместно называть адаптированным под возможности компании балетом. Это скорее спектакль-смотр, спектакль-трамплин. Если он будет регулярно идти, не только труппа окажется в тонусе, но и связь с местным балетным училищем станет теснее – сколько балетных воспитанников в Петербурге выросло на крестьянском вальсе из “Спящей”! В воронежском спектакле занято 24 ученика (12 пар), танцующих вместе с 12-ю парами взрослых артистов. Не сократил Бурлака и число персонажей, поэтому солистам, включая исполнителей главных партий, кроме Авроры (ее на премьере очень живо и точно танцевала юная Елизавета Корнеева), приходится по несколько раз переодеваться. Запомнился Максим Данилов, в первом акте вышедший галантным принцем Шери, а во втором танцевавший драчливого друга Белой кошечки – Кота в сапогах.

Непривычно выглядело свадебное па де де. Бурлака вернулся к хореографии Петипа, восстановив зафиксированный Николаем Сергеевым вариант из гарвардской рукописи. Показал, как элегантно и прихотливо танцевали на своей сказочной свадьбе Аврора и Дезире до залпов совсем не сказочной Авроры. Добиваться чистоты па и совершенства жеста в этом волшебном па де де – отличная новая задача для лидеров воронежской труппы.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20280
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 31, 2019 1:18 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 201905319
Тема| Балет, Международный театральный фестиваль имени А.П.Чехова, Шанхайский балет, Персоналии, ­ Патрик де Бана
Автор| Алла МИХАЛЁВА
Заголовок| Происки Лунной феи
Где опубликовано| © «Экран и сцена» № 10
Дата публикации| 2019-05-31
Ссылка| http://screenstage.ru/?p=10917
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


Фото А.КУРОВА / МТФ им. А.П.Чехова

В афише Международного театрального фестиваля имени А.П.Чехова традиционно много спектаклей, балансирующих на стыке драмы, оперы, балета и даже цирка. Но особым вниманием пользуется танцевальное искусство. Именно Чехфест познакомил отечественного зрителя с постановками Мэтью Боурна, открыл россиянам потрясающую тайваньскую танцевальную компанию Cloud Gate, включал в программу спектакли Пины Бауш, Жозефа Наджа, Мерса Каннингема, Охада Нахарина, Сиди Ларби Шеркауи, работы Рассела Малифанта с великой Сильви Гиллем и даже драматическую постановку выдающегося хореографа Матса Эка “Игра снов”.

Одним словом, поклонники балета обязаны Чеховскому фестивалю и расширением кругозора, и яркими художественными впечатлениями. Афиша-2019 снова полна танцевальными спектаклями. Впереди – “Тихий вечер танца” лондонского театра “Сэдлерс Уэллс” (программа, объединяющая прежние и новые работы Уильяма Форсайта), “Жизель” Английского национального театра балета в постановке одного из самых знаменитых хореографов нового поколения Акрама Хана (в его трактовке заглавная героиня предстает отверженной девушкой-мигранткой), японская “Кармен” Компании “Ноизм” (Ниигита) в хореографии Дзё Канамори.

В год 70-летия установления дипотношений между СССР и КНР фестиваль предлагает панораму театрального искусства из Поднебесной. На открытии была показана “Пионовая беседка” Шанхайского центра оперы Куньцюй. Следующей страницей фестиваля и китайской программы стало выступление Шанхайского балета, показавшего “Эхо вечности” – переведенную на язык танца поэму, основанную на китайской легенде VIII века.

Постановку этой сугубо национальной истории осуществила команда во главе с хореографом Патриком де Бана, уроженцем Гамбурга, работающим по всему миру. Оформил спектакль индонезийский сценограф Джайя Ибрахим, одела артистов Аньес Летестю – этуаль Парижской оперы, выступающая здесь как художник по костюмам. Музыкальное оформление спектакля составили произведения пяти композиторов, из которых наиболее известные – минималисты американец Филип Гласс и поляк Генрик Гурецкий.

Результатом усилий интернациональной постановочной группы стал спектакль, завораживающий плавностью движений, изысканными красками костюмов, лаконичным выразительным оформлением и атмосферой таинственности. В его центре – повесть любви Императора (У Хушен) к прекрасной наложнице Леди Ян (Ци Бинсюэ), заставившей правителя забыть о монаршем долге, что стало причиной гибели девушки. Помимо пары главных героев, а также воинов, царедворцев, императорских наложниц, есть еще один важный персонаж – Лунная фея (Хэ Линьи), отвечающая за мистику и переживания Леди Ян.

Китайские артисты обладают особой статью. Прямые спины, строгие движения – даже в энергичных плясках воинов, контрастирующих с общей легатной интонацией. Пластику главных героев – даже в самые патетические моменты – отличает сдержанность и достоинство. Их эластичные тела сливаются в живописных и, в общем-то, похожих адажио. Но даже на пике развития их отношений любовники остаются корректно сдержанными. Перехлесту и взрыву тут нет места. За эмоции отвечает фея Луны, она транслирует боль, крик и отчаяние Леди Ян. Одетую в белую шопеновскую юбку, ее можно принять за призрак, вилису, тень или альтер эго главной героини. Но кем бы она ни оказалась, фея “проживает” эмоциональную составляющую партии, зеркально отражая чувства Леди Ян. Удивительная гибкость стана и струящихся рук исполнительницы Хэ Линьи делает ее загадочного персонажа почти бесплотным. Женские персонажи здесь вообще необычайно изящны. Кордебалет наложниц скользит по сцене, как по водной поверхности, почти не отрываясь от пола, семеня на полупальцах, на манер походки китайских женщин. Пожалуй, это единственное “специфически национальное”, что есть в спектакле. Да еще танцы воинов императорской гвардии, насыщенные прыжками и ассоциирующиеся с восточными единоборствами.

Сложные дворцовые интриги, о которых непосвященному (по причине отсутствия либретто) остается только догадываться, приводят к тому, что возлюбленная Императора кончает с собой. В спектакле эта сцена подана предельно эстетски. Лунная дева, почти с нежностью, подает Леди Ян белый прозрачный шарф, который та, исполненным грации движением, затягивает вокруг шеи и как бы повисает в воздухе. Утонченно-печальный финал, как и все действие, носит созерцательный характер и впечатляет в основном визуально, не нагружая зрителя сложными переживаниями.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20280
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 31, 2019 3:42 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019053110
Тема| Балет, Омский музыкальный театр, Персоналии, Нина Маляренко
Автор| Кристина Абрамян
Заголовок| ​ Омская балерина Нина Маляренко: «Сдаваться – это не в стиле балерин»
Где опубликовано| © Современный портал Омска Om1.ru
Дата публикации| 2019-05-31
Ссылка| https://www.om1.ru/afisha/news/167680-omskaja_balerina_nina_maljarenko_sdavatsja__ehto_ne_v_stile_balerin/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Прима-балерина Омского музыкального театра рассказала нам, приятно ли играть Золушку, востребованы ли в балете мужчины и верит ли она в театральные приметы.
Артистка поделилась с нам о том, что происходит в закулисной жизни и как ей удается совмещать две больших и важных роли — артистки и мамы.

О том, как начала заниматься балетом

«Я занимаюсь хореографией с 5 лет. Сначала это были русские народные танцы. Потом ансамбль закрылся и я попала в музыкальный театр балета. Позанималась там пару месяцев, и преподаватель отправила меня в Новосибирск на просмотр. Из 98 человек поступили трое, и я в их числе. После выпуска пару лет я работала в Новосибирске в Театре оперы и балета. Затем попала в Омск».

О переломных моментах и желании все бросить

«Сдаваться — это вообще не в стиле балерин. Не должно быть таких мыслей. Бывало, в училище что-то не получалось, были травмы, после которых долго восстанавливалась. В какой-то момент хотела все бросить и уехать домой, в Омск. Мама (она мне как сестра и подруга) говорит: «Если хочешь, давай прекратим, приедешь, будешь как обычные люди заниматься другими вещами». Но я переборола себя и училась дальше».

О зрителях

«В Омске очень теплые и восприимчивые зрители. Мне много теплых слов пишут после каждого спектакля, это очень приятно».

О самой любимой партии и о самой желанной роли

«Самая любимая роль — это «Идиот». Роль, в которой я живу. (там Нина исполнила роль Настасьи Филипповны — прим. ред). Балерина должна танцевать все, и классику, и нео. Нет какой-то конкретно желаемой роли, я хочу все».

О тоске после расставания с персонажами

Пропускать через себя героя начинаешь заранее. Где-то за неделю я начинаю думать о роли даже во сне. Даже сегодня ночью я проснулась с мыслью: «Надо мне в «Золушке» в одном монологе сделать вот так». Пришла в зал, показала коллегам и режиссеру — им все понравилось. После спектакля отхожу не быстро, например, в «Бухгольце» у меня была роль восточной женщины, хитрой и воинственной. Долго была под впечатлением. А, например, «Юнона и Авось» — такой легкий романтичный спектакль, станцевал и переключаешься на другое».

О самой главной роли в жизни — роли мамы.

«Я достаточно быстро вышла на работу, моей дочке было 2,5 месяца. Много нянь помогают, справляемся».

О мужчинах на сцене

«Хотелось бы, чтобы их было больше. Мужчины на весь золота, и в жизни, и на сцене. В театр у нас требуются артисты балета, мы их ждем с нетерпением».

О поверьях в балете

«Если честно, я вообще несуеверная. Например, когда на тебе зашивают костюм, нужно прикусить язык или нитку в рот засунуть, чтобы ничего не забыть на сцене. Но я этого не понимаю, не верю. Всегда болтаю, если на мне зашивают. Не знаю, с какой ноги нужно наступить в гримерку. Фотографироваться нельзя перед спектаклем. Но этому я тоже не верю — все здесь, в голове».

О Золушке

«Она очень многогранная. Есть монологи, где героиня радуется жизни. Потом она осознает, что все-таки несчастна. Она встречает маму в своем сознании и испытывает тоску. Забитый отец. Дальше у нее происходит психоз — она ничего не может исправить. И вот появляется волшебник, спасает ее жизнь, она влюбляется в красавца-принца. Роль Золушки — очень приятная роль».

О вере в сказку

«Мне кажется, в жизни любого человека может произойти чудо. Главное, верить».


Надежда Калинина, главный балетмейстер Омского музыкального театра, о Нине Маляренко в роли Золушки: «Нина всегда эмоциональная, яркая, интересная, понятная. Это та Золушка, которой я ее вижу».

Фото: Юлия Куржумова
=====================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20280
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 31, 2019 4:15 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019053111
Тема| Балет, БТ, Персоналии, СВЕТЛАНА ЗАХАРОВА
Автор| Богдан Королёк
Заголовок| ​ СВЕТЛАНА ЗАХАРОВА:
ВСЕ ПРОСТО – ​ЛИБО ЗРИТЕЛЬ ХОЧЕТ УВИДЕТЬ СПЕКТАКЛЬ ЕЩЕ РАЗ, ЛИБО НЕТ

Где опубликовано| © Журнал Музыкальная жизнь № 5
Дата публикации| 2019-05-31
Ссылка| http://muzlifemagazine.ru/svetlana-zakharova-vse-prosto%E2%80%AF-%E2%80%8Blib/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В июне на Историческую сцену Большого театра выходит новый проект балерины Светланы Захаровой MODANSE, продюсером которого является компания MuzArts. В первой части вечера состоится мировая премьера балета «Габриэль Шанель». Во второй части запланирована российская премьера: мы увидим балет «Как дыхание».

О новом проекте, а также о перспективах, личных Светланы Захаровой (СЗ) и классического танца как вида искусства, с балериной поговорил Богдан Королёк (БК).

БК Новый балет посвящен женщине, кардинально изменившей мировую моду. Над ним работают авторы «Героя нашего времени» и «Нуреева»: хореографию сочиняет Юрий Посохов, а музыку специально написал Илья Демуцкий.

СЗ Да, публику ждет мировая премьера, все сделано с чистого листа. С Юрием Посоховым мы уже давно знакомы и работали вместе над многими его балетами. Он знает мои возможности и умеет найти подход ко мне, поэтому мы предложили поставить спектакль о Шанель именно ему. И сейчас могу сказать, что мы не ошиблись.

Второй балет программы сочинил Мауро Бигонцетти, он называется «Как дыхание». Я уже исполняла его в Ла Скала под названием «Progetto Händel» и очень хотела, чтобы спектакль продолжил жизнь и был исполнен в России. Это бессюжетный одноактный балет с прекрасной музыкой Генделя, которую Мауро почувствовал очень тонко.


Светлана Захарова встала в ряд славных имен русского балета, ознаменовав своим приходом нечто новое, присущее современности.
Юрий Григорович


БК В ваших сольных проектах неизменно мощная музыкальная составляющая. Вы влияете на выбор музыки или оставляете это право за хореографами?

СЗ Как исполнитель я всегда зависима от нее. Для меня спектакль существует только как единое произведение: не бывает гениальной хореографии на плохую музыку.

БК В балетах XIX века есть примеры гениальной хореографии на музыку отнюдь не высшей пробы, например, в «Баядерке»: Людвиг Минкус был отличный профессионал, но все же не Чайковский и не Моцарт.

СЗ Минкус – замечательный композитор! По сравнению с Чайковским его музыка, конечно, проще. Но она дансантная, мелодичная и эмоционально яркая. И если сегодня в балете «Баядерка» вас не впечатляет исполнение артистов на сцене, можно сидеть и с большим удовольствием слушать музыку. Минкус не так уж прост: например, в той же «Баядерке» есть два знаменитых скрипичных соло в третьем акте, в адажио и в вариации с шарфом, – и, выходя на сцену, я всегда слышу, какой техникой обладает концертмейстер оркестра.

БК Вернемся к предстоящей премьере. Для нее была заказана новая партитура.

СЗ С Ильей Демуцким мне посчастливилось поработать в «Герое нашего времени» и «Нурееве», меня вдохновляют сольные фрагменты, которые я исполняю в этих балетах, – монолог княжны Мэри и «Письмо Дивы» из «Нуреева». Илья буквально ворвался в балетный мир: он прекрасный мелодист и хорошо чувствует танец, он понимает эпоху и настроение спектакля. Приступая к работе над «Шанель», я много общалась с Ильей о том, как представляю образ Коко в балете. От первых демозаписей я испытала легкое недоумение, но когда услышала музыку в исполнении настоящего оркестра, то поняла: это гениально!

БК Будет ли среди ваших сценических нарядов маленькое черное платье?

СЗ Костюмы, которые мы увидим в балете, были созданы студией Дома Chanel под креативным руководством Виржини Виар специально для постановки балета «Шанель». Не буду рассказывать всех подробностей, чтобы оставить загадку.

БК Для вас это не первая роль, связанная с биографией великой женщины. В «Нурееве» прототипами Дивы стали Наталия Макарова и Алла Осипенко – ныне здравствующие балерины.

СЗ Сделаю отступление. В монологе Дивы актер на сцене читает два письма, Макаровой и Осипенко, причем письма идут не одно за другим: реплики перемешаны, не всегда можно понять, кому принадлежат строки в данную секунду. В одном монологе нельзя было сыграть обеих балерин сразу, и когда шла постановка, я выбрала для себя образ Наталии Макаровой. С ней я знакома лично, была у нее дома в Лондоне и репетировала под ее руководством – мне удалось станцевать в ее версиях «Баядерки» и «Лебединого озера». Алла Евгеньевна для меня – балерина-загадка, я не чувствовала ее и несколько спектаклей станцевала в образе Макаровой. Но на одном из показов «Нуреева» вышла на сцену, Игорь Верник начал читать письма, и я по-новому услышала письмо Осипенко – как бы перенеслась в эпоху, о которой она рассказала. После спектакля мой педагог, Людмила Ивановна Семеняка, сказала: «Ты сегодня была Осипенко». – «Вы это заметили?!» Обычно я репетирую под музыку без текста, и на спектакле все может измениться.

Мне довелось сыграть многих героинь: Анна Каренина, Маргарита Готье, Джульетта, Жизель. Роли ныне живущих людей исполнять, конечно, гораздо сложнее: нельзя предсказать их реакцию, если вдруг они увидят тебя. Когда мы готовили «Нуреева», поначалу я испытала сильное волнение, но потом получила огромное удовольствие от перевоплощения.

БК Есть ли в этом ряду желанная партия, которая еще не исполнена?

СЗ Два года назад я бы сказала, что это Анна Каренина, но с тех пор в Большом театре появился прекрасный балет Джона Ноймайера. Это вообще особый хореограф в моей жизни, и он всегда очень разный. Взять «Даму с камелиями», поставленную Джоном давным-давно, и сравнить с «Анной Карениной» – как будто два разных хореографа.


Работать со Светланой Захаровой – это больше, чем удовольствие. Это настоящее счастье. Такой уровень таланта, мастерства, профессионализма редко можно встретить. Образы, которые рождает Светлана на сцене, притягивают, как магнит, будоражат сознание и дарят невероятный спектр эмоций. Хочется возвращаться к ним вновь и вновь.
Юрий Баранов, Продюсер


БК Вы много работаете вне сцены. Только что под вашим патронатом в Лужниках прошел фестиваль детского танца – в пятый раз.

СЗ Благотворительный фестиваль, который называется «Светлана», – наша с мамой давняя мечта. Началось с того, что я открыла собственный фонд, и мы стали устраивать рождественские или предновогодние обеды для ветеранов сцены Большого театра, учредили стипендии – каждый месяц их получают больше двадцати студентов хореографических училищ разных городов. И все время мы с мамой думали: кроме стипендий нужно устроить для детей что-то особенное. Не конкурс, а именно фестиваль, где нет побежденных и победителей. И у нас получилось: сегодня в мире танца аналогов нашему фестивалю нет. За пять лет у нас побывало двадцать тысяч зрителей, и больше полутора тысяч детей приняли участие. На фестивале можно увидеть не только классический балет, но и современный, и народный танец. Большое счастье знать, что в стране хореография существует на таком высоком уровне. Низкий поклон за это руководителям коллективов, педагогам и родителям.

БК В предыдущем сезоне вы дебютировали в качестве телеведущей – в проекте «Большой балет»…

СЗ Конечно, телеканал «Культура» собрал блестящую команду профессионалов, с которыми чувствуешь себя надежно. Когда я приняла предложение, даже не представляла, как устроена эта профессия: совсем другой мир и другая реальность. И очень обрадовалась, когда узнала, что моим партнером в кадре будет Андрейс Жагарс – большой профессионал, джентльмен, красавец. Он ведь был единственным бессменным ведущим за все время, что проект существует. Его недавний уход стал для меня большим потрясением. Тогда я не знала, что он борется с болезнью: съемки длились с утра до позднего вечера, и он ничем не давал понять, что ему трудно.

Было любопытно увидеть молодое поколение артистов – многих я совершенно не знала, ни их фамилий, ни их уровня навыков. Знакомилась с ними на сцене и всегда старалась поддержать.

БК Сценическая карьера однажды подойдет к завершению. Вы успели примерить много нетеатральных профессий – стало ли ясно, по какому пути можно пойти дальше?

СЗ Еще нет. Впереди премьера проекта MODANSE, сегодня над ним работает большая команда во главе с моим продюсером Юрием Барановым. Вместе мы осуществили много проектов, и планы на будущее в исполнительской сфере у нас велики. Помимо сольных проектов я продолжаю танцевать и классический репертуар в Большом, Ла Скала и других театрах. Может быть, странно прозвучит, но классика – то, что заставляет ощущать себя настоящей балериной. Классические балеты держат в хорошей форме: это самое сложное, что мне приходилось исполнять. Большое испытание – и всегда нечто волнующее.

БК Выведу разговор о классике в глобальное измерение – возможно, у вас не будет ответа на мой вопрос. Часты споры о том, что станет с классическим балетом в XXI веке, не случилось ли так, что его возможности исчерпаны? В ход идут аргументы об этичности искусства, основанного на жестких и жестоких методах телесного воспитания. Звучат реплики, что балет должен уступить современному танцу, дэнс-перформансу, театру без людей etc. Вы увидели молодое поколение танцовщиков на съемках «Большого балета», регулярно инициируете новые постановки и продолжаете танцевать в главной балетной труппе России. Есть ли у вас ощущение, что в классическом балете действительно наступают последние времена?

СЗ Вопрос очень ответственный, брать на себя такую ответственность я не очень люблю (смеется). Грубое, может быть, сравнение: классическая мебель никогда не перестанет радовать глаз. Классические наряды – как, например, созданные Мадемуазель Шанель – всегда будут впечатлять. Так и классический балет никогда не исчезнет. Новые поколения ищут чего-то нового, это естественно. Самые неординарные личности рано или поздно обращаются назад, к тому, что впечатляло прежние поколения. В конце концов, чтобы что-то отрицать, это нужно хорошо знать. Классика будет храниться вечно; современная хореография – модное, новое, необходимое повседневности. Без новой хореографии двигаться вперед невозможно, но пока мы не знаем, как надолго она останется с нами.


Светлана Захарова – балерина исключительной одаренности, она завораживает публику льющимися линиями танца, феноменальной виртуозностью и аристократизмом танцевальных манер.
The Financial Times


БК Есть ли сегодня, на ваш взгляд, такие балеты и такие хореографы, которые могут остаться с нами надолго?

СЗ Вот хореограф, чье искусство совсем недавно считалось новым и современным, – Джордж Баланчин. Сегодня он классик, и каждый театр считает за честь исполнять его балеты. Назвать другие имена я, пожалуй, не готова. Нужно прожить жизнь и увидеть множество работ одного хореографа, и много времени спустя мы что-то поймем. Композитор пишет музыку, хореограф ставит спектакль, писатель сочиняет роман, иногда для души, иногда на заказ, – но всегда подразумевают, что их произведения дойдут до публики. Она и будет решать, что станет классикой. Тут все просто: либо зрителям захочется увидеть один и тот же спектакль в разных исполнениях, либо нет.

ФОТО: ВЛАДИМИР ФРИДКЕС
==========================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20280
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Июн 01, 2019 12:51 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019053201
Тема| Балет, Академия русского балета имени А.Я.Вагановой, Персоналии, НИКОЛАЙ ЦИСКАРИДЗЕ
Автор| Лейла Султанзаде
Заголовок| ​ НИКОЛАЙ ЦИСКАРИДЗЕ. ПЕРВАЯ ЗВЕЗДА
Где опубликовано| © Журнал NARGIS (Азербайджан)
Дата публикации| 2019-05-29
Ссылка| http://www.nargismagazine.az/69207
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Он взлетает прямо к куполу, кроваво-алый шлейф струится за ним под направленным потоком воздуха. Глядя, как легко, будто играючи, он держится там, на высоте, под светом софитов, как грациозно позирует, без возражений поднимаясь в воздух вновь и вновь, невзирая на адскую боль от стягивающих все тело лент, понимаешь: вот он – артист от Бога! Удивительно, но свое призвание он осознал совсем юным, в первом классе, когда на просьбу учительницы изобразить свою будущую профессию нарисовал балерину и подписал: «Болет». Наверное, от слова «боль», – шутила его мама. Феноменальные природные данные, помноженные на силу характера, – залог счастливой артистической судьбы. И не только артистической: Цискаридзе вот уже шесть лет возглавляет Академию русского балета имени А.Я.Вагановой, возрождая дух легендарного заведения.



Entrée

Каждый большой артист – внутри ребенок, играющий в предлагаемые обстоятельства, как девочка играет с куклой в дочки-матери или в доктора. Наивысшее владение профессией, которая с одной стороны – талант, с другой – гений, а с третьей – манипулирование чувствами, – удивительно. Артист – личность со множеством комплексов, пытающаяся эти комплексы подавить. Как правило, это люди с оголенной кожей; на публике они иные, нежели в жизни. У Моэма в «Театре» главная героиня Джулия объясняет сыну, что настоящее горе безобразно и, чтобы сыграть его на сцене, не нужно его испытывать – нужно уметь его изобразить. Есть вокалисты, просто красиво поющие, а есть такие, кто создает в каждой песне театр. Как однажды сказала Лариса Долина: «Это я певица, а Пугачева – это актриса, которая поет». Вот поэтому каждая песня Пугачевой – это событие, мини-спектакль. Возможно, с вокальной точки зрения кто-то делает это гораздо лучше, но никто никогда не задевал за живое так сильно, как она. То же самое с артистами: если ты не понимаешь, что театр – это храм, и если в нем лишь работаешь, а не служишь, то превращаешься в обыкновенного человека. Потому что в театре невозможно работать, в театре можно только служить. Вот почему обыкновенный человек на сцену выйти не может: его горе будет безобразным, ему не будут сопереживать. Я сам очень не люблю двигаться, не люблю заниматься спортом. Для меня лежать на диване и ничего не делать – самое комфортное состояние. Балетом я занялся только по одной простой причине: понимал, что у меня уникальные данные, таких способностей на ближайшие несколько миллионов человек нет, и если я ими не воспользуюсь, то совершу ошибку. Потому что Господь Бог подарил это все мне, как и гениальных педагогов на моем пути, и я просто не имею права этим даром не воспользоваться. Ведь столько людей мечтало быть на моем месте, но ничего у них не получалось: спихивая меня, они падали сами. У них ничего не выходило, а у меня все выходило. Поэтому, если ты не служишь, то у тебя ничего не выйдет.

Battlements

У каждого есть какие-то приметы, и у артистов тоже – театральный люд очень суеверен. Отчасти театральный мир и есть бесовщина. Хотя многие и утверждают, что не верят, но на «ни пуха ни пера» обязательно отвечают, поскольку знают по опыту, как бывает, если не ответить!.. Другое дело, что в Большом театре бытует мнение, будто путь на сцену не должен быть легким, что обязательно надо отравить человеку жизнь. Когда я помогал кому-нибудь из молодых артистов, мне напоминали, что не надо никому помогать. Но я уверен: каждый ест тот пуд соли, что ему на роду написан, и добавлять не надо.

Relevé

Невозможно не испытывать физическую боль, если ты занимаешься серьезными видами спорта или серьезным искусством. Каждая профессия имеет свои сопутствующие нюансы, в том числе и боль. А она бывает разная: физическая, моральная, духовная... Для формирования движения нужно время, и очень часто не хочется это время пережидать, но понимаешь: иначе нельзя. Боли сопутствует физическая усталость, и это тоже надо перетерпеть. Есть даже такое мнение, что, рассказывая об изнанке профессии, можно отвратить от нее. Вот недавно я общался с сыном моей подруги. Родители устроили его в американскую клинику помогать больным, хотя учится он вовсе не в медицинском. Просто для жизненного опыта. И вот он так хорошо себя проявил, что однажды врач пригласил его ассистировать в операционной. На ребенка это произвело колоссальное впечатление, и он написал очень большое эссе о том, что такое человеческая жизнь. Ведь, с одной стороны, это очень красивая история про то, как человеку спасают жизнь. А с другой – очень некрасивая история: кровь, физиологические манипуляции, вскрываются внутренности... Кто-то, увидев увядший цветок, скажет: «Вот так уходит жизнь», а другой скажет: «Ой, смотри, сорняк!». Так что все зависит от глаз смотрящего...

Pasdedeux

Оперный или балетный акт длится минимум 50 минут. Современный зритель уже не в состоянии столько высидеть – минут через 45 надо все прекращать. Если это зависит от меня, то я сокращаю, вырезаю что-то из постановки. Надо понимать, что мы все живем уже в мире гаджетов, этого не изменить. И цифры возрастного ценза, что сейчас ставят на афишах, – абсолютная ерунда, потому что сегодня у каждого ребенка в руках телефон, а значит, все плохое, что есть в мире, он непременно найдет и посмотрит. И в этих условиях возрастной ценз на театральные постановки – просто фарисейство. Если вы не приучили ребенка высидеть симфонический концерт, хотя бы один акт оперы или балета, то потом это будет трудно. Сегодня такие театры, как Большой, Ла Скала, КовентГарден, стоят особняком, потому что 99% зрителей приходит туда сделать селфи и зачекиниться. И это катастрофа! К руководству театрами допущены люди, которые просто на них зарабатывают, и это повсюду в мире. В Большом театре убили поколение поклонников тем, что лишили их возможности ходить каждый день на представления: не могут они себе позволить покупать дорогущие билеты! Раньше была система пропусков – эти люди сидели на каких-то неудобных местах, кто-то даже стоял, но они этим жили! А сегодня ты как артист лишен настоящего зрителя. Более того, один из самых серьезных балетных критиков в мире – Клемент Крисп – уже не пишет в газете Financial Times: там перестали выходить рецензии. Они перешли на систему оценки баллами, звездочками, и он заявил, что не хочет этим заниматься. А ведь раньше это издание влияло на всю мировую театральную палитру! Все это значит, что система сама себя съела. У каждой эпохи есть переломный момент, когда все должно начаться по-новому, и мы сейчас проживаем этот момент перелома. Галина Вишневская в своей книге очень подробно пишет, что «мы поем для двухтрех человек в зале, которые были на прошлом спектакле, и на позапрошлом, и будут через месяц, которые сравнивают меня саму со мной». Не знаю, что ждет ближайшее поколение, потому что сегодня в потоке информации стать действительно интересным, стать звездой практически невозможно. Сейчас в каждой квартире минимум 150 каналов, а если еще и «тарелка» стоит, то тысяча, и можно постоянно перескакивать с канала на канал. Но самое страшное, что появилось, – это рейтинг. Поэтому я много раз говорил, что не хотел бы сейчас быть артистом. Я успел зайти в последнюю дверь последнего вагона поезда, уходящего в вечность, и стал последней звездой Большого театра в национальном масштабе.


Emboiter

Сейчас на вступительном экзамене дети делают то, что раньше делали в выпускных классах. Иногда к нам приходят нереально одаренные дети, но удержать их внимание просто невозможно. Очень инфантильные, мальчики эмоционально отстают в развитии года на четыре, хотя физическими данными очень часто превосходят нас самих в том же возрасте. Мои ученики сейчас в 15 лет делают то, что я делал в 19, 20, но эмоциональное (не умственное) развитие у них – на уровне 12 лет. И поразительно, что со многими вещами они знакомы благодаря физиологии: у них, к примеру, есть опыт физической любви, опыт далеко не первых отношений, а опыт влюбленности еще не пришел. Я этому очень удивляюсь, потому что у них все по-другому. Както я пытался объяснить девочкам, что Джульетта сначала вышла замуж, а потом лишилась невинности. А они никак не могли понять, в чем здесь интрига, зачем она, несчастная, так мучилась!

Потому что понимание этого в современном мире утеряно, ничего сакрального в этом нет. Психология поменялась, и многое уже невозможно никак объяснить. К примеру, почему Ромео не доставили вовремя сообщение: «А что, – спрашивают они, – смску нельзя было послать?»

Fermé

Основные литературные произведения, которые cчитаются мировой классикой, сочинили авторы-христиане. И своих героев они часто наказывали сообразно законам Библии. Мы не можем этого не учитывать, особенно сегодня, когда переписывают сюжеты старых спектаклей, снимают фильмы, разрушают концепции... Я с этим столкнулся, когда Ролан Пети ставил «Пиковую даму». Он очень сопротивлялся тому, чтобы сделать концовку точно по Пушкину. А я ему пытался объяснить: вы католик, а Пушкин – православный, если в католической вере самое тяжкое наказание – это смерть, то у православных самое тяжкое наказание – не смерть, а лишение разума. И Пушкин не убивает Германа, он его заключает в психбольницу. Поэтому я каждый раз пытаюсь заставить детей думать, в чем смысл произведения.

Особенно в романтическом балете, где вообще каждая деталь – со смыслом. Сильфида прилетает из определенного места, она не случайно заходит именно из правого угла, у нее на крылышках павлиний глаз – каждая мелочь с миллионом подтекстов, и зрителям XIX века их не надо было пояснять. Зрителю ХХ века уже приходится объяснять, что в «Жизели», к примеру, граф Альберт явился в свою собственную деревню поразвлечься с девушкой, которая его частная собственность, но для того, чтобы провернуть это, переоделся крестьянином. «Жизель» вообще занимает в истории балета особое место, потому что в ней появился второй акт – раскаяние графа. По законам романтического балета отрицательный герой не имел права на классический танец: классический танец мог танцевать только положительный герой! Вот почему весь первый акт Альберт в характерной обуви и только во втором акте, получая прощение и искупление, обретает право на классическую вариацию. Хотя по сей день огромное количество людей уверено, что это любовное произведение, а не социальная драма. Я каждому ребенку задаю вопрос: «Почему ломается миртовая ветка? Любовь? Да никакой любви! У него на груди крест и сзади крест, он окружен христианством, а она – из потустороннего мира». Жаль, что понимание таких тонкостей теряется и произведения искусства утрачивают свою ценность...

Конечно, Россия огромна и там выбирают из огромного количества детей, но Азербайджан гораздо меньше, и здесь выбирают из гораздо меньшего количества. Если мы принимаем в школу около шестидесяти детей, то понимаем, что в лучшем случае десять – ничего, а остальные так себе, и, к сожалению, так было всегда. Балетные данные – самые редкие, потому что в балете нужна очень хорошая фигура и хорошая координация, а это редко встречается в последнее время, потому что многие рождаются через кесарево сечение. Конечно, такая родовая травма не идет на пользу мозгу, а координация – это мозг прежде всего. И еще музыкальность – это самое сложное. Есть четыре вида слуха: слух, когда вы слышите и можете записать; слух, когда вы можете играть на музыкальном инструменте; слух, когда вы можете петь, – координация слуха и голоса; и слух, когда вы можете двигаться, – это самый редкий вид слуха. Я не сторонник мастер-классов вообще, хотя я и провел пару занятий в Бакинской академии хореографии и в Азербайджанской федерации гимнастики. Это может быть интересно для педагогов, но можно говорить о результате, только если дали детей на какой-то период на обучение. А так – просто известный человек к ним зашел, провел урок, может быть, было интересно, может быть, тяжело, но говорить о результате нельзя.

Фото: Халид Зейналов

Редакция NARGIS благодарит администрацию Бакинского Государственного цирка и руководство Бакинской академии хореографии за помощь в организации съемки

==============================================================================

Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Июн 05, 2019 9:10 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3 ... , 9, 10, 11  След.
Страница 10 из 11

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика