Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2019-08
На страницу 1, 2, 3, 4  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20585
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Авг 01, 2019 12:35 pm    Заголовок сообщения: 2019-08 Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019080101
Тема| Балет, , Персоналии, Михаил Мессерер
Автор| Беседовала Рената Ильясова / ИА «Диалог»
Заголовок| Михаил Мессерер: «Российский балет должен знать, откуда он и куда движется»
Где опубликовано| © Интервью Агентство “Диалог”
Дата публикации| 2019-08-01
Ссылка| https://topdialog.ru/2019/08/01/mihail-messerer-rossijskij-balet-dolzhen-znat-otkuda-on-i-kuda-dvizhetsja/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Михаил Мессерер во время репетиции спектакля «Пламя Парижа». Фото из личного архива, автор Стас Левшин

Михаил Мессерер сам себя хореографом не считает — говорит, что, скорее, редактор, педагог и восстановитель русского балета. В прошлом году он покинул пост главного балетмейстера и художественного руководителя балетной труппы Михайловского театра. За 10 лет работы он добился признания международной критики и восстановил серию спектаклей – таких, как «Лебединое озеро», «Класс-концерт», «Пламя Парижа», «Золушка». «Диалог» узнал у Михаила Мессерера, почему так важно кропотливо воссоздавать классические шедевры, кто самый преданный зритель выступлений труппы, и чем отличается старомосковское «Лебединое озеро» от петербургского.

Вы десять лет проработали в Михайловском театре с его балетной труппой. Какие спектакли на этой сцене считаете неким итогом своей работы здесь?

Балетной компании необходимо единое «лёгкое дыхание», а классические спектакли должны смотреться свежо и современно. В первую очередь, я – педагог, и для меня важно то, что удалось поднять общий уровень труппы. Работа с каждым артистом, кордебалетом, средним звеном, солистами и ведущими танцовщиками – ежедневный кропотливый труд, который приносил мне все эти 10-11 лет большое удовольствие. Мне повезло репетировать с выдающимися исполнителями среди которых Екатерина Борченко, Ирина Перрен, Леонид Сарафанов и другие. Постановки — не самоцель, они служили мне подспорьем для работы над исполнительским мастерством артистов. Каждый спектакль на разных этапах был важен для танцовщиков и театра: «Лебединое озеро» — лицо любой серьёзной труппы, «Класс-концерт» — это экзамен по классической выучке, который танцовщики обязаны сдавать успешно. Такие спектакли, как «Пламя Парижа» и «Корсар», некогда незаслуженно забытые в Петербурге, требуют не только высокого уровня исполнения характерных и деми-классических танцев, но и зрелого актёрского мастерства.

Сейчас балет Михайловского театра стал известен в мире, при вас он получил звание «Лучшей зарубежной балетной компании» от Британского круга критиков (в 2013 году). А как человека выросшего в Москве, поначалу приняли после назначения в петербургский театр?

Были возгласы в Интернете, не более того. Наверное, люди имели на то право, ожидая с моей стороны неправильных действий. Кто-то считал, что всё, что исходит из Москвы — плохо. Я понимаю, почему они могли быть недовольны, а правы они или нет — другой вопрос.

Сегодня существует разделение на московскую и ленинградскую (петербургскую) школы балета? И чем вообще отличается подготовка российских танцовщиков от общемировой практики?

Сейчас нет, всё смешалось, танцовщики смотрят друг на друга по YouTube, телевизору. Во всех театрах мира работают иностранцы. Даже в России — в Мариинском, Большом, Михайловском. Кто-то из них учился в российских школах, кто-то заканчивал иностранные. Границы стёрлись, и теперь только очень опытный зритель может отличить танцовщика истинно русской школы — выдающейся и великой, которая впитала лучшие традиции 250-300 лет.

Восстанавливая забытые спектакли

Вы занимались в том числе и возвращением на сцену советских балетов. Для вас было важно восстановить эти постановки, вернуть их зрителю?


Считаю, что идти вперед следует уверенной поступью, а не рывками. Приятно, когда твои художественные взгляды разделяют коллеги. В России мне повезло было встретить Алексея Ратманского в Большом театре, Махара Вазиева в Мариинском, Владимира Кехмана в Михайловском. Это прогрессивно мыслящие люди. Они, как и я, находят, что не следует забывать своего прошлого, российский балет должен знать, откуда он идёт и, соответственно, чётче представлять, куда движется. А не помня истоков, тяжело выбрать собственный вектор. В других странах ценят своё прошлое, а в России, мне показалось, пока недостаточно. Несколько замечательных спектаклей были практически потеряны, например, «Золушка», «Лауренсия», пришлось их восстанавливать по крупицам. И теперь эти балеты опять имеют большой успех – не только в Петербурге, но и на зарубежных гастролях Михайловского театра.

Несколько месяцев назад вы поставили балет Чайковского в Новосибирском театре оперы и балета. Чем примечательна эта постановка, и почему она считается старомосковской?

Этот спектакль был некогда поставлен балетмейстерами Львом Ивановым и Мариусом Петипа. Предшествующие им версии до нас не дошли. В 1901 году выдающийся петербуржец балетмейстер Александр Горский был назначен на работу в Москву в Большой театр и в том же году он поставил там «Лебединое озеро». Горский сделал этот спектакль по-своему, многое изменил и его вариант десятилетиями шёл на сцене Большого. В 1937-м, а затем в 1956-м, балет отредактировал мой дядя Асаф Мессерер (советский, российский артист балета, балетмейстер, хореограф и педагог – ИА «Диалог»). В частности, он полностью переставил последнюю четвёртую картину. В 2010 году это «Лебединое озеро» я восстановил на сцене Михайловского театра, с тех пор мы показали его почти 150 раз. Именно этот спектакль я перенёс сейчас на сцену НОВАТа в Новосибирске. Интересно, что в начале августа мы привезём его на гастроли в Большой театр, где он и был создан. Так называемую старомосковскую хореографию от традиционной версии Иванова и Петипа отличает то, что здесь больше танцев лебедей, ансамбль активно задействован, а характерные танцы и номера сочинены по-иному и выстроены в ином порядке.

С помощью каких источников, записей или документов вам удаётся восстанавливать балетные редакции спектаклей?

У нас много источников. Например, некоторые спектакли я помню, так как видел их юношей, и тешу себя надеждой, что правильно запомнил не только букву, но смысл. В каких-то балетах сам участвовал, для каких-то сохранились видеоматериалы, фотографии, воспоминания современников изначальных постановок — всё это использую. Но что-то приходится и додумывать. В России «выплеснули» столько хороших спектаклей, поставленных за последние 70 лет. Их скопом объявили нетанцевальными, а теперь мы видим, что это вовсе не так.

Какие постановки в исполнении легендарных танцовщиков вы хорошо запомнили?

Знаете, я ходил в Большой с раннего детства, помню очень многих мастеров. Например, как раз недавно вспоминал громкие имена прошлого: в начале этого лета я переносил в Новосибирск балет «Класс-концерт» моего дяди Асафа Мессерера, который я сначала восстановил в Большом театре, затем и в Михайловском. Ребёнком танцевал в нём, когда учился в младших классах балетной школы, ведь там дети также заняты. Так вот, мне хорошо запомнилось как в «Класс-концерте» танцевали замечательные Николай Фадеечев, Майя Плисецкая, Владимир Васильев, Михаил Лавровский, Марис Лиепа, Нина Тимофеева, Елена Рябинкина, Нина Сорокина, Наталья Бессмертнова и многие другие.

Самый верный зритель – балетмейстер

Интересно, а балетмейстеры часто смотрят спектакли вместе со зрителями? Как часто посетители Михайловского, сами того не подозревая, наблюдали за танцовщиками вместе с вами?

Я смотрел каждый спектакль за редчайшим исключением — это обязанность
художественного руководителя. Иначе артисты не знают, что происходит — хорошо они станцевали или плохо, как не переигрывать, как преодолевать сложности? Кто-то должен следить, для того и имеется должность художественного руководителя или главного балетмейстера (или и того и другого в одном лице). Когда такой человек находится в зрительном зале, контролирует манеру исполнения – это очень важно. Иначе спектакли могут продолжать идти, зал какое-то время будет по инерции полон, но стиль труппа потеряет очень скоро.

Тяжело было говорить труппе, что вы уходите и покидаете их?

Когда работаешь, приходиться делать вещи, которые являются обязанностью. Я сообщил об уходе труппе – да, это было нелегко. Безусловно, к каждому артисту я отношусь как к одному из своих детей. Все мне очень дороги, всегда старался делать для каждого всё возможное.

Вы сейчас продолжаете сотрудничать с Михайловским?

Я приглашённый балетмейстер. Стал свободнее и не обязан смотреть все спектакли, а только в периоды, когда приезжаю в Петербург. Присутствовать на каждом спектакле и следить за качеством исполнения входит в обязанности нынешнего худрука балета, талантливого испанского хореографа Начо Дуато – с тем, чтобы классическая школа и тот стиль, который мы выпестовали в Михайловском, сохранялся.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20585
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Авг 02, 2019 10:12 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019080201
Тема| Балет, БТ, Гастроли в Лондоне
Автор| Корр. ТАСС Ольга Свистунова
Заголовок| Гастроли балета Большого театра проходят в Лондоне с тотальным аншлагом
Гастроли завершатся 17 августа

Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2019-08-02
Ссылка| https://tass.ru/kultura/6725632
Аннотация| Гастроли

ЛОНДОН, 2 августа. /Корр. ТАСС Ольга Свистунова/. Объявление из двух слов: "Sold out", что в переводе с английского означает: "Все билеты проданы", стало неопровержимым доказательством успеха гастролей балета Большого театра, которые с 29 июля проходят на сцене лондонского Королевского театра "Ковент-Гарден" с тотальным аншлагом. При полных залах уже состоялись четыре показа легендарного балета Юрия Григоровича "Спартак", а в пятницу в гастрольный марафон включится "Лебединое озеро" в постановке этого же хореографа, которому также гарантирован аншлаг, сообщил ТАСС генеральный директор Большого театра Владимир Урин.

"Билеты на все спектакли гастрольного тура, который завершится 17 августа, полностью раскуплены", - констатировал Урин. Он напомнил, что нынешние гастроли в Лондоне самые продолжительные по времени: они продлятся три недели и включат 21 показ четырех спектаклей. "В репертуаре - наши самые знаковые спектакли. Это "Лебединое озеро" (восемь показов), "Спартак" (семь показов), четыре раза будет исполнен "Дон Кихот" и дважды будет показан "Светлый ручей", - проинформировал руководитель ГАБТ.

Все перечисленные спектакли уже неоднократно бывали на гастролях в Лондоне в разные годы. "К примеру, открывший нынешний тур балет "Спартак" впервые был показан в британской столице полвека назад - в 1969 году, на следующий год после московской премьеры, состоявшейся в апреле 1968 года", - уточнил Урин.

"Но интерес к этой и другим постановкам, включенным в нынешнюю гастрольную программу, у британских зрителей не только не иссяк, а, возможно, даже усилился, что не может не радовать", - признался гендиректор ГАБТ.

Урин также обратил внимание на то, что английские критики заново оценивают привезенные спектакли, делая это по традиционной схеме - с помощью "звезд". "Самый высокий балл в этой шкале - 5 звезд", - напомнил Урин. "Так вот, открывший гастроли "Спартак" уже оценен рецензентами в британских СМИ, выставивших спектаклю от трех до пяти "звезд", - прокомментировал руководитель Большого театра.

"Звездный" рейтинг "Спартака"

Высшую оценку - пять "звезд" - выставил "Спартаку" специализированный музыкально-балетный портал "Bachtracks", опубликовавший рецензию Марка Пуллинджера. По мнению автора статьи, "Спартак" - "это идеальное выразительное средство для присущего Большому стиля "быстрее-выше-сильнее", которое является визитной карточкой труппы и, будучи великолепно исполнено, лучше всего подходит для открытия лондонских гастролей артистов в Королевской Опере". После такой преамбулы критик щедро раздает похвалы в адрес исполнителей главных партий - Дениса Родькина (Спартак), Артемия Белякова (Красс), Анастасии Денисовой (Фригия), Светланы Захаровой (Эгина).

Сразу четыре авторитетных британских издания - "The Times", "The Telegraph", "The Independent" и "Evening Standard" - выставили первому гастрольному спектаклю четыре "звезды". При этом авторы публикаций отнюдь не однозначны в своих высказываниях, и их рецензии меньше всего напоминают всеобщий хвалебный хор.

Так, балетный критик Эмма Берн ("Evening Standard") отмечает, что "Денис Родькин (Спартак), открывший трехнедельные летние гастроли Большого в Опере, наделен огромной харизмой". "Его дуэты с возлюбленной Фригией (невозмутимо элегантной Анастасией Денисовой) впечатляют, пусть им и недостает драматизма. Гораздо лучше его сцены с Артемием Беляковым, идеально подходящим на роль римского военачальника Красса", - отмечает рецензент и добавляет: "Тем временем, царственная прима Светлана Захарова явно наслаждается жизнью в роли ловкой злодейки Эгины".

Предельно откровенна в своей оценке Дебра Крейн ( "The Times"). "Я скажу это для артистов Большого балета, - заявляет критик. - Они ничего не делают наполовину. Даже имея дело с таким абсурдным балетом Григоровича, они все равно дают неземное представление".

"Более эмоционально заряженного открытия трехнедельных гастролей труппы в Лондоне, чем "Спартак", нельзя было и пожелать", - считает Дебра Крейн, которая далее дает характеристику участникам спектакля. "Денис Родькин в роли Спартака, неистового, харизматичного предводителя гладиаторов, великолепен, - пишет она. - Анастасия Денисова в роли возлюбленной Спартака, Фригии, равно нежна и красива и действительно безудержно горюет в конце. Артемий Беляков в партии восхитительно гнусного римского военачальника Красса без труда справляется и с яркой ролью, и с требующей огромной выносливости хореографией".

"Что можно сказать о роскошной Светлане Захаровой? В роли Эгины, коварной куртизанки, помогающей приблизить крушение Спартака, гибкая балерина была выразительна, соблазнительна и просто бесстыдно великолепна. Публика была в восторге", - отметила рецензент.

Браво, Большой!

Что касается публики, то она действительно рада приезду Большого. Каждый вечер зрители заполняют зал Королевского "Ковент-Гардена" в прямом смысле до самого потолка. Там расположен верхний ярус, рассчитанный только на стоячие места. И как довелось удостовериться корреспонденту ТАСС, даже там свободных мест не бывает.

Есть и еще одно важное наблюдение. Принято считать, что британцы чопорны и склонны сдерживать свои эмоции. Так вот, выяснилось, что на спектаклях Большого они ведут себя вопреки расхожему мнению. Отсмотрев трехактного "Спартака", они устраивают участникам спектакля оглушительную, долго не смолкающую овацию, при этом не стесняются кричать: "Браво, Большой!"

Спектакли идут с разным составом исполнителей главных партий. Кроме уже упомянутых Дениса Родькина (Спартак), Артемия Белякова (Красс), Светланы Захаровой (Эгина) и Анастасии Денисовой (Фригия), в четырех представлениях "Спартака" в заглавной роли выступили также Игорь Цвирко и Михаил Лобухин. В других партиях предстали Артем Овчаренко и Руслан Скворцов (Красс), Ольга Смирнова, Екатерина Шипулина и Юлия Степанова (Эгина), Мария Виноградова, Анна Никулина и Элеонора Севенард (Фригия). Еще в трех показах, которые впереди, появятся Екатерина Крысанова (Эгина) и Маргарита Шрайнер (Фригия).

В пятницу состоится первый показ "Лебединого озера". Согласно афише, в главных партиях объявлены Ольга Смирнова (Одетта-Одиллия), Семен Чудин (Принц Зигфрид), Михаил Лобухин (Злой Гений). В последующих семи показах состав исполнителей также будет меняться.

В дальнейшей программе гастролей значатся балеты "Светлый ручей" и "Дон Кихот". Выступления московской труппы в Лондоне продлятся до 17 августа.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20585
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Авг 02, 2019 2:34 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019080202
Тема| Балет, МТ, Персоналии, Диана Вишнева
Автор| Алина Малютина
Заголовок| Диана Вишнева: «Мой главный принцип воспитания сына — наблюдать и не стремиться реализовать собственные амбиции»
Где опубликовано| © Собака.ru
Дата публикации| 2019-08-01
Ссылка| http://www.sobaka.ru/city/city/94255
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Ей говорили: «Данных недостаточно», — а она стала балетной суперзвездой, говорили, что с рождением ребенка сцена заканчивается, а спустя год после рождения первенца Рудольфа Виктора она танцует в Петербурге российскую премьеру уникальной виртуальной постановки «Сны Спящей красавицы», над которой работали соавторы Бьорк и Леди Гаги. Каждое интервью с примой Мариинского театра Дианой Вишнёвой для директора отдела моды Ксении Гощицкой работает как лучший мотиватор на свете, а вы продолжайте платить миллионы за странные советы коучу Тони Роббинсу.

«До его появления я ничего не знала про любовь»

Главное событие в моей жизни — рождение Рудольфа Виктора. Этот ребенок творит чудеса. Он вселил в нас такую любовь и радость, что теперь присутствие в мире освещено новым солнцем. Я поняла, что до его появления ничего не знала про любовь. Как будто был классицизм, а настал импрессионизм. Появилось ощущение познания. Он еще больше сплотил нашу семью: Руди объединяет нас, как континенты, не делая для этого, по сути, ничего. Он, как и все в моей жизни, появился именно в тот момент, когда был особенно нужен. В какой-то момент я оказалась в некотором тупике, мне было самой с собой трудно: статус, ответственность — и вроде бы справляешься, но присутствует какая-то гнетущая тяжесть. У меня закончился этап в American Ballet Theatre, новый проект был в стадии подготовки, и было понятно, что это займет несколько лет. И сын выбрал идеальное время прихода в мир: мое восстановление после родов закончилось ровно к премьере. Этот малыш понимает все. Несмотря на то что он очень ко мне привязан, он не протестует, когда я ухожу на ежедневные репетиции или важные встречи. Руди действительно особенный, и я так говорю не только потому, что я мама. У него мудрая душа.

«Я понимаю, что кто-то может прыгнуть выше своей головы, как я, а кто-то нет. Тем не менее нужно пробовать»

Что с его рождением изменилось в моем репертуаре? Жизнь. Во всех ролях появилась жизнь. Вернуться в форму после беременности мне помогла техника гага Охада Нахарина, которая предполагает работу без зеркала: через чувствование тела, связок, мышц, материи на клеточном уровне. Более того, гага дает долголетие: ты сотрудничаешь с телом, а не укрощаешь его, как нас учили с детства в Академии Вагановой. Ты начинаешь с телом договариваться. Поиском практик я занималась давно, поэтому точно знала, что мне подойдет. Йога или силовые тренировки в моем случае неэффективны. Я подключила остеопатию и айкуне — любые изменения в голове начинаются через импульсы в теле — и терпеливо разрабатываю связки, суставы, пластику. Если я чувствую, что что-то дается мне сложно, тут же включается азарт. Мне в детстве часто говорили: «Невозможно по твоей природе тела», — и в этот момент загорался перфекционизм, я готова была себя истязать, изорвать в клочья, чтобы сделать это движение. Я всегда шагала дальше своих возможностей. На одном из моих мастер-классов у меня вылетела фраза: «Нельзя себя жалеть!» Но я понимаю, что кто-то может прыгнуть выше своей головы, как я, а кто-то нет. Тем не менее нужно пробовать. Я вижу, как много у людей страхов. И конечно, мне не всегда понятно, почему я, даже рискуя, не боюсь. А мои риски намного выше. И я этот шаг делаю, а другие — нет. И единственное, чего я бы пожелала своему сыну, — жить на максимуме. Не жалеть себя в хорошем смысле. Пробовать, чувствовать, уметь себя занять, чтобы не было скучно с самим собой.

«Мы встретились уже в зрелом возрасте, каждый со своими шрамами и ранами. Но случился союз души и сердца»

Я бы очень хотела, чтобы Рудольф унаследовал широту взглядов моего отца. Мне кажется, она формируется тогда, когда ты даешь ребенку широту возможностей. Папа всю жизнь был для меня примером поведения, честности, ответственности, отношения к людям — это такая высота, что мне долгое время было трудно найти спутника жизни. Я очень бы хотела, чтобы это природное благородство и настоящий внутренний стержень передались сыну. И муж у меня самый замечательный — балерине с таким графиком и ритмом непросто иметь семью. Костя меня оберегает. Я не ожидала, что он все возьмет на свои плечи. Мы встретились уже в зрелом возрасте, каждый со своими шрамами и ранами. Но он как-то сделал все так, что случился союз души и сердца. Это больше, чем просто отношения муж — жена, что позволяет нам двигаться вперед, переживать любые сложности, спотыкаться, но держаться вместе. Мы из настолько разных сфер, что все факты говорили о том, что мы не должны встретиться, — настолько он был далек от балета. Кажется, когда мы познакомились на Олимпиаде в Китае, он даже не знал, кто я. Но судьба, звезды и обстоятельства сложились именно так, поэтому я каждому желаю здоровья и судьбы.

«Балет — непростая история: столько поломанных судеб и немного тех, кто действительно смог чего-то добиться»

Меня часто спрашивают, в честь кого я назвала Рудольфа. Сразу вам скажу, это не то, о чем вы подумали! (Смеется.) До последних дней беременности имя было совсем другим. Я перебирала возможные комбинации все девять месяцев. Второе имя — Виктор — пришло почти сразу, в честь моего отца. К тому же у него очень красивое значение — «победоносный». Имя Рудольф мне всегда очень нравилось, но, конечно, я опасалась ассоциаций с Нуреевым, поэтому не воспринимала особенно всерьез. Но мой муж, Константин Селиневич, заметил: «Если не у тебя будет сын Рудольф, то у кого?» И, когда Руди появился на свет, все сомнения как-то разом отпали. Я придерживаюсь идеи, что в сочетании имени и отчества должна присутствовать буква «р». Она придает характеру твердость. Поэтому мне очень понравилось, как в этом имени звучит раскатистая «р» — эта буква будто дает силу, стержень, мужское начало. Тем более что в переводе имя Рудольф трактуют как «сильный вожак». Это красивое, довольно редкое имя. Помню, тогда я сказала Косте: «Если у нас будет второй сын, сразу предупреждаю, что не виновата: еще одно мое любимое имя — Вацлав!» (Смеется.) Другой популярный вопрос, будет ли он танцевать. Так вот, интуиция мне подсказывает, что нет. (Смеется.) Для мальчика, даже если у него уникальные данные, балетная профессия очень сложна. В сорок лет карьера заканчивается. Женщина может себя реализовать в семье, в материнстве, а у мужчины не так много возможностей — стать педагогом или художественным руководителем театра, но это тоже определенное призвание. На свете много непростых профессий, но балет — особенная история: столько поломанных судеб и немного тех, кто действительно смог чего-то добиться, стать счастливым и реализованным в профессии.

«Я в своей жизни часто ошибалась, влюбляясь в талант, а не в человека»

Мой главный принцип воспитания — наблюдать, прислушиваться к ребенку и не стремиться реализовать свои собственные амбиции. Самое важное, что могут дать родители, — это любовь и эмоциональная близость. Мы в ответе за своих детей тем, что наши слова и поступки отражаются на них. Твое поведение, воспитание, культура жизни формируют характер. В то же время в маленьком человеке нельзя растворяться и забывать про себя. Это обычно выходит боком, кто-то обязательно начнет винить другого. Я считаю, что чем больше дети включены во взрослую жизнь, тем лучше. Я, например, всегда ненавидела отдельные детские столы или специальные праздники, мне всегда хотелось проводить время на равных.

Ко мне часто подходят маленькие балеринки, и я их настраиваю: «Вы понимаете, что должны лучше? За вами прогресс, а не регресс. Я все сделала, что могла, в своем поколении, теперь слово за вами. Удивите меня!» Они, конечно, смотрят недоверчиво — как это? Ты же для них выше всех. Я ведь тоже опиралась на других звезд, но понимала, что должна привнести что-то другое. Я безумно счастлива, когда вижу талант, это для меня сравнимо с экстазом. Я в своей жизни часто ошибалась, влюбляясь в талант, а не в человека. Человеку-ремесленнику достаточно зоны комфорта, у него есть потолок. У таланта потолка не бывает. Но это узы: ты служишь своему таланту и, как только перестанешь, двери закроются. Раньше я не до конца понимала, насколько тяжелая работа — балет, так была увлечена процессом. Огромное количество ограничений! Хочется попробовать что-то другое, а все равно — к станку. И я иду дальше, пока есть силы. Я осознаю, что уже могу остановиться, что заслужила право на такой выбор, но ко мне все время слетаются новые возможности, которые я не могу не использовать. И чем больше я сделаю, тем прочнее будет платформа для жизни у моего сына. А дальше он сам решит, как ею распорядиться.

«Полностью виртуальный балет ,,Сны Спящей красавицы“ оформил соавтор Бьорк, а костюмы придумал дизайнер Леди Гаги»

Рождение Рудольфа никак не повлияло на мои проекты. Мы переименовали студию, которая быстро развивается, в Studio Context, чтобы не было путаницы с событиями фестиваля. Сам фестиваль с новой командой переходит с недельного формата на ряд событий в течение всего года. 22 августа на сцене во дворе здания «Бутылка» на Новой Голландии мы покажем специальную программу — постановки победителей конкурса молодых хореографов, а я танцую соло из балета Switch Жан-Кристофа Майо из моей третьей сольной программы «Грани». Затем последуют зимняя и летняя программы с гастролями зарубежных компаний, лекциями и паблик-токами, мастер-классами. В данный момент мы планируем расписание на 2022 год.

«Мы хотим расширить границы балета»

И конечно, я очень жду наше инновационное шоу «Сны Спящей красавицы». Мне очень важно, что российская премьера стартует в Петербурге — 14 и 15 сентября на Новой сцене Мариинского театра, дальше Москва и тур по российским городам. Цель этой постановки — расширить границы балета и привлечь новую аудиторию. Это история не только для тех, кто ходит в театры на мои спектакли или проекты, связанные с моим именем. Конечно, ее нельзя назвать массовой — это интеллектуальное представление, которое может быть серьезным впечатлением для насмотренных в области танца людей, но может и просто невероятно вдохновить зрителей красотой и необычностью действия на сцене: любители рейвов оценят электронную музыку, дети придут в восторг от того, что увидят виртуальную компьютерную игру монстров на гигантском экране. И это — впервые в балете! — полное погружение в виртуальность. Я не просто внедряю себя в нее, я управляю ею в системе координат с помощью вшитых в костюм сенсоров. На этот абсолютный эксперимент мы решились с командой лучших художников и артистов со всего мира, которых подбирали по принципу максимального синтеза жанров. Хореографу Эдварду Клюгу удалось собрать балет, перформанс и 3D-проекцию в одно эпическое полотно. Оформил спектакль Тобиас Греммлер, соавтор Бьорк, костюмы придумал Барт Хесс, известный по работе с Леди Гагой, а музыке Чайковского вторят треки электронного трио Noisia.

«Твой мир — придуманный или настоящий? Ты живешь картинками или не потерял себя?»

Было очень сложно осваивать виртуальное пространство. Во-первых, технически: обилие разных устройств — это бесконечное ожидание, пока одно зарядится, другое погаснет. Ты не отвечаешь только за себя и свое движение, координируешься не с живыми партнерами, а с аватарами. Во-вторых, было трудно выстраивать диалог с придуманными персонажами, чтобы он не казался плоским или непонятным. В-третьих, технологии — это огромные деньги, поэтому ты постоянно в стрессе: надо успеть. Только лишь подготовительный процесс занял два года, репетиции длились четыре месяца, а спектакль все еще доводится и совершенствуется. Самое интересное, что и для техников многое было в новинку — мы все время экспериментировали. Нас интересовало, что же снилось Спящей красавице долгие сто лет. Тема иллюзорности, смещения реальности, биполярности мне очень близка. Твой мир — придуманный или настоящий? Глобализация, Интернет, медийность: ты живешь картинками или не потерял себя? Посмотрите, дети не отлипают от планшетов и теряют социальные навыки. Что на самом деле сон, а что явь? В нашем перформансе мы не даем ответов, предлагая каждому решить это самостоятельно.

Благодарим курорт «Первая Линия. Health Care Resort», галерею дизайна / Bulthaup, магазин «Медтехника № 7» и Galerie 46 за помощь в организации съемки

фото: Катя Румянцева
стилист: Анна Бахарева
визаж: Елена Крыгина
прическа: Наталья Яковлева
продюсеры: Ксения Гощицкая, Ирэна Азаркевич
ассистент стилиста: Алиса Замыслова


=====================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20585
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Авг 02, 2019 10:40 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019080203
Тема| Балет, МАМТ, гала-концерт
Автор| Павел Ященков
Заголовок| "Стасик" закрыл сезон новой трактовкой Дианы Вишневой пушкинской Татьяны
100-й сезон в Музыкальном театре Станиславского и Немировича-Данченко завершился гала-концертом с участием звезд мирового балета

Где опубликовано| © Московский Комсомолец
Дата публикации| 2019-08-02
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2019/08/02/stasik-zakryl-sezon-novoy-traktovkoy-diany-vishnevoy-pushkinskoy-tatyany.html
Аннотация| гала-концерт

Музыкальный театр Станиславского и Немировича-Данченко завершил свой сотый сезон грандиозным гала-концертом. Такие гала вообще происходят в театре на Большой Дмитровке не часто, а этот так и вовсе выбивался из общего ряда московских гала-концертов своей продуманностью и неожиданным подходом. Помимо артистов труппы в нем приняли участие звезды мирового балета. Хотя, как ни странно, звезд парижской Оперы, альма-матер худрука балетной труппы этого театра Лорана Илера, в концерте занято не было.


Сцена из балета «Раймонда». Хореография Юрия Григоровича. Эрика Микиртичева и Денис Дмитриев. Фото предоставлено пресс-службой МАМТ

Неожиданный подход заключался в том, что Илер попросил ведущих артистов театра подумать над тем, чтобы они сами хотели подготовить. По их «заявкам», собственно, и составил программу двухактного гала-концерта, которая открылась тем не менее мировой премьерой. Балет «Bloom» на музыку Антонина Дворжака поставил артист кордебалета театра Максим Севагин, который в этом сезоне уже представлял свою работу — балет «Просвещение» на музыку Прокофьева — в рамках ежегодной лабораторной мастерской театра «Точка пересечения».

22-летний хореограф ставит балеты со школьной скамьи. Он выбирает для своих балетов преимущественно классическую музыку, а хореографию создает в стиле бессюжетной неоклассики, явно вдохновляясь сочинениями балетного гения XX века Джорджа Баланчина. На фоне бледно-розового задника девять пар, составленных из девочек, одетых в розовые платьица, и мальчиков с обнаженным торсом и в розовых брючках с высоким поясом, доходившим до груди, в дуэтах, трио, ансамблях плели замысловатые хореографические гирлянды, изумляя сложными и оригинальными поддержками, интересными комбинациями движений, связок, ансамблевых перестроений. Севагин показал в своем балете и чувство стиля, и музыкальность, и свободное, образное хореографическое мышление. Артисты, а в балете заняты такие яркие индивидуальности труппы, как Ирина Захарова, Наталья Клейменова, Анна Окунева, Елена Соломянко, Ольга Сизых, Леонид Леонтьев, Евгений Жуков, Марат Нафиков, Александр Селезнев, Иннокентий Юлдашев, станцевали с мастерством и настроением, большой заинтересованностью в новой работе своего коллеги. Эту заинтересованность и желание артистов работать можно понять, поскольку молодой хореограф ставит на них и для них, исходя из особенностей их дарования и возможностей их тел.

Вообще, многие солисты этой труппы в гала-концерте просто преобразились, а некоторые продемонстрировали не свойственный им ранее темперамент и актерскую отдачу. Так, звезда труппы Наталья Сомова просто расцвела и зажглась в объятиях своего партнера Мэтью Голдинга, экс-премьера английского Королевского балета. Самозабвенный дуэт этих артистов из 2-й картины первого акта балета «Манон» был наполнен страстью и чувственностью, темпераментом и огнем желания и продемонстрировал большую палитру актерских красок в арсенале этих исполнителей.

Па-де-де из балета «Раймонда» в исполнении звезд театра — супружеской пары Эрики Микиртичевой и ее красавца-мужа Дениса Дмитриева в который раз показало их незаурядный технический и актерский потенциал и присущее этой паре актерское взаимопонимание. В партии Раймонды Эрика по-королевски царила на сцене, а Денис смотрелся безупречным рыцарем-паладином своей энергичной и властной дамы сердца. Этот балет не входит в репертуар театра, а жаль, потому что исполнительские нюансы, которые акцентировали в своем танце артисты, говорили о понимании и соблюдении ими чувства стиля, который здесь важно почувствовать. Стиль этот шлифовали педагоги артистов Татьяна Чернобровкина и Георги Смилевски-старший. Явно чувствовалась в этой работе и мастерская рука заведующей балетной труппой Большого театра Галины Степаненко, незабываемой исполнительницы этой партии. Уж не знаю, помогала ли она Эрике в работе над «Раймондой», но манеры звезды Большого театра в танце Микиртичевой проскальзывали.

Изголодавшиеся по классике танцовщики театра в этот вечер явно оторвались. Фрагментов из классических балетов XIX века на гала было показано немало. Это и большое классическое па из балета «Пахита», с шиком станцованное Оксаной Кардаш и Дмитрием Соболевским в заключение вечера, и па-де-де Дианы и Актеона из «Эсмеральды» в хореографии Агриппины Вагановой и Мариуса Петипа, в котором поражал воображение своими незаурядными техническими наворотами и бешенной энергетикой темпераментный темнокожий премьер Вашингтонского балета Бруклин Мак, еще одна международная звезда, выступавшая в этот вечер.

Презентовали на гала-концерте и главную балетную премьеру Стасика следующего сезона — «Дон Кихота» в хореографии Рудольфа Нуреева. Предъявленное «Фанданго» из этого балета свидетельствовало о том, что нас ждет хореография ироничная, не слишком почтительная к первоисточникам, но оригинальная и занимательная.

Еще одним подарком гала-концерта стало возвращение на сцену этого театра балета Начо Дуато Na Floresta («В лесу»). Точнее, не самого балета, а трио из него, пластично и образно исполненного Валерией Мухановой, Денисом Дмитриевым и Сергеем Мануйловым.

Не оторвать глаз на вечере было и от красивейших длинных ног и стоп Ксении Шевцовой, облаченной в мини-купальник Антони Клаве, созданный на Зизи Жанмер, и вышедшей с сигаретой в зубах. Собственно, сравнения с прославленной французской балериной в дуэте из балета «Кармен», поставленном специально на неё в 1949 году Роланом Пети, было не избежать. Шевцова очень походила на легенду французского балета и внешне, и манерами, по тому, как истово соблазняла своего Хосе, в партии которого вышел итальянский танцовщик Микеле Сатриано. Дуэт достиг кульминации в заключительном эпизоде, показывающем момент соития, когда балерина улеглась на чресла своего партнера и в экстазе вытянула вверх ноги. Шевцова протанцевала свою партию, наполняя ее поразительной искренностью, словно живя в образе, впечатлила проработкой мельчайших психологических деталей и накалом чувств.

В отличие от балета «Пер Гюнт», показанного на недавних гастролях в Большом театре труппой из Марибора, которой руководит Эдвард Клюг, по-настоящему остро и современно прозвучала в гала-концерте хореография этого балетмейстера в дуэте из балета «Радио энд Джульетта». Сказочный по красоте дуэт из этого балета (хотя сам балет когда-то разочаровал), несомненно, лучшее творение хореографа. Оксана Кардаш и Иван Михалев исполнили его не только ни в чем не уступая предыдущим исполнителям Денису и Анастасии Матвиенко, заработавшим благодаря этому номеру Гран-при и «золото» на Московском международном конкурсе, но внося личное прочувствованное и почувствованное непосредственно этими артистами содержание. И публика это оценила: именно этот номер имел сумасшедший успех.

Личностное и сексуальное наполнение продемонстрировали в адажио из балета «Татьяна» Джона Ноймайера Диана Вишнева со своим партнером Дмитрием Соболевским. Отношения Татьяны и Онегина трактуются хореографом Джоном Ноймайером и артистами крайне оригинально. Присущий Диане темперамент и сексуальность не позволили этой балерине с мировым именем создать привычный пушкинский образ девичьей чистоты и целомудренности. Татьяна Вишневой глубоко индивидуальна, незаурядна и, конечно, далеко уходит от трактовки образа, предлагаемого другими балеринами. Новое прочтение пушкинского образа говорит о Диане не только как об ищущей балерине, но и выдающейся артистке, умеющей наделять своих героинь лица необщим выраженьем.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пт Сен 06, 2019 9:23 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20585
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Авг 03, 2019 10:07 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019080301
Тема| Балет, БГАТОиБ, Персоналии, Булыт Раднаев
Автор| Диляра Батудаева
Заголовок| Булыт Раднаев: «Если уничтожить культуру – уйдет душа общества»
Где опубликовано| © газета «Номер один»
Дата публикации| 2019-08-03
Ссылка| https://gazeta-n1.ru/news/culture/77308/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Бунтарь, драчун, лидер – о прошлом, настоящем и будущем бурятского балета и его месте в современных реалиях

Ведущий солист БГАТОиБ Булыт Раднаев сегодня один из тех, с кем ассоциируется бурятский балет. Авторитет внутри труппы, любимый зрителями, стройный, высокий и мужественный, он станцевал множество партий, воплотив на сцене образы из выдающихся балетных спектаклей. Но всего этого могло и не быть... О себе и о проблемах бурятского балета из уст новоиспеченного Народного артиста Республики Бурятия.



Как не забронзоветь

- Булыт, совсем недавно вы получили звание народного артиста Республики Бурятия. Интересно, что осенью прошлого года вы и Баир Жамбалов критиковали руководство театра за то, что артистам балета редко дают звания. И вот вы с ним стали народными артистами РБ, а Иннокентий Иванов - заслуженным артистом РБ. Стало быть, вас услышали…


- Это на самом деле проблема. Потому что балетный век короток. Люди танцуют, пока позволяют руки и ноги, и уходят на пенсию без званий. Надеюсь, я действительно заслужил это работой в театре, которому предан. Я никогда не хотел служить в другом театре, только в нашем. Теперь постараюсь не забронзоветь… (смеется).

- Параллельно случилось еще одно событие – театр покинул бывший худрук балета Морихиро Ивата. Теперь он продолжит работать в Нижегородском театре оперы и балета. Но, пока неизвестно, кто займет его место, у многих есть настороженность по этому поводу. Что ждет нас дальше? Ведь, как ни крути, ушел человек, которого многие ценили.

- Морихиро Ивата много сделал за эти шесть лет: поставил спектакли «Бахчисарайский фонтан», «Дон Кихот», «Баядерка», «Корсар», «Коппелия», обновил «Красавицу Ангару» и т.д. Он принес новое веяние, балет задышал по-новому, но, на мой взгляд, нужна постоянная ротация. Через два-три года нужно менять руководителей, иначе застой. Кто будет после Мори-сана, известно станет не раньше сентября. Свято место пусто не бывает. Мы все уйдем, а театр останется. И останется добрая память о тех людях, которые честно отработали свое. Нужно уметь отпускать и смотреть вперед.

Как не бояться желаний

- Всегда говорят, что у нас нет кадров, некого назначить…


- А мне кажется, хорошо не ищут. Тут большую роль играет работа учредителя – Министерства культуры Бурятии. На мой взгляд, достойные кандидатуры есть. Но называть не буду, не хочу брать ответственность. Да и есть ревностное отношение. Мы в театре признаем что-то только спустя годы.

Довольно откровенно. А вы могли бы быть худруком балета?

- Я бы не хотел быть худруком балета. Вот именно сейчас – нет. Тогда уж худруком театра. И танцевал бы еще. (смеется) На самом деле, никогда точно не знаешь, из кого именно получится хороший худрук.

Часто слышу, что профессионалы хотят, чтобы директором был человек, который не вмешивается в творческий процесс.

- Есть театры, где приоритет худрука, а есть – директора. У нас много лет нет художественного руководителя театра. А он, я считаю, нужен. Мне не нравится, когда театром руководят менеджеры. Почему они дают интервью на пресс-конференциях, в то время как артисты находятся в тени? Хотя, к своим артистам у нас всегда было такое отношение. Зато к приезжим отношение восторженное. Мне кажется, что проблемы начались тогда, когда театры стали автономными учреждениями культуры, призванными зарабатывать самостоятельно. Опера и балет элитарны, на них не пойдет кто попало. А строить репертуар, исходя из вкусов толпы ¬ - не лучший вариант. Тем не менее, теперь нужно постоянно оглядываться на то, будет это искусство продаваться или нет. Когда народный артист СССР Гомбо Цыдынжапов ходатайствовал об открытии Бурятского театра оперы и балета, некоторые роптали: «Почему бы с таким усердием не взяться за развитие бурятской драмы, ведь сам же актер?» Но он понимал, что опера и балет – это вершина, которая республике необходима. Потому, кто бы что не говорил, имя Гомбо Цыдынжапова присвоено театру совершенно справедливо. Это он – его первый директор, этот театр выходил и на него должны равняться все последующие директора.

- Булыт, а вы бы хотели быть директором театра?

- Какой солдат не хочет быть генералом? Я лет десять назад говорил, что буду директором.

- Не боитесь высказывать свои желания?

- А почему я должен бояться? Это мои желания. Хотя, конечно, за свои высказывания я наполучал по шапке и до сих пор получаю.

- Пока вы получили звание народного артиста…

- Надеюсь, я достоин. В театре в первую очередь нужно быть профессионалом, и тогда тебя все равно заметят. Но вы правы, чем больше говоришь правду, тем больше получаешь.

Как не пасовать перед преградами

- Расскажите о себе. Откуда вы и как пришли в балет?


- Улус Шибертуй, в котором я родился, – место красивое, в обрамлении гор, где пахнет ельником. Может, поэтому столько бурятских поэтов родом оттуда – Дондок Улзытуев, Ц. Дон, Цырен-Дондок Хамаев и другие. Мама была председателем сельпо, а отец – сварщиком. Фактически я рос с бабушкой, потому что отказался ходить в детский сад.

Я младший из троих детей. Мой дед по отцу был участником Первой декады бурят-монгольского искусства в Москве – он то ли пел, то ли танцевал партию Шамана. Более подробной информации я пока не нашел. Певец Григорий Багадаев – троюродный брат моей мамы. Его жена – балерина Лариса Протасова - как-то увидела меня. Я в это время был увлечен фильмами с Брюсом Ли, делал махи ногами, и она, заметив мою растяжку, предложила попробовать поступить в Хореографическое училище. Толком не зная русского языка, я приехал в Улан-Удэ. Комиссия тогда была строгая – Петр Тимофеевич Абашеев и Лариса Петровна Сахьянова. Меня приняли, хотя я был самым маленьким в классе – на год-два младше одноклассников и, соответственно, ниже.

Я так и окончил училище самым низеньким из всех. В принципе, можно было на этом основании и отчислить, но все же оставили. Правда, после окончания в 2002 году в театр меня не взяли. Я и сам понимал, что не должен обижаться. Потому уехал домой в Шибертуй.

- Теперь, когда видишь вас на сцене, и в голову не придет, что вам не хватало роста… Но горечь-то была?

- Конечно. Нет, я не думал, что жизнь кончена. Я собирался поступать в университет. Выпускники нашего училища могут стать кем угодно. Это я теперь так считаю. А тогда думал, что мы можем только танцевать. Я учился в то время, когда учащиеся постоянно находились в театре, участвовали в постановках. Помню, играя мальчика-поводыря в оперном спектакле, сидел за кулисами и вдруг почувствовал, что все – сцена, ее запах – это мое.

- И потеряв это, как снова оказались в театре?

- Дома за два месяца неожиданно вырос на 17 сантиметров. А в сентябре шел по площади Советов в Улан-Удэ и услышал, как меня окликнули. Директор театра Людмила Николаевна Намсараева и Екатерина Балдановна Самбуева, бывшая тогда художественным руководителем балета, улыбались мне. «Булат, ты вырос, что ли? Ну все, пиши заявление в театр!» - сказали они. А я к этому времени столько пережил, с расстройства прочитал Достоевского запоем! Очень мне понравилось «Преступление и наказание», видимо, терзания и сомнения Раскольникова были мне тогда близки (смеется). Года через два я стал танцевать главные партии…

Как постоять за себя

- Принято считать, что театр – это всегда конкуренция, битва за то, чтобы быть единственным, примой…


- У нас, что интересно, этого нет. Может, оттого, что мы выросли вместе в одном интернате, но у нас есть чувство плеча. В детстве играли в футбол с ребятами из 2-й и 3-й школ и всегда выигрывали. Нас называли «головарами», но «мальчиками в колготках» не считали, хотя поначалу было такое. А потом узнали в деле. К тому же мы были не из трусов и дрались.

- Вы и сейчас, как писали в СМИ, не из робкого десятка. Говорили, что вы тоже участвовали в тех нашумевших историях со скандалами между цехами оперных и балетных артистов.

- Не в той степени, как описано. Понимаете, мужчина должен уметь постоять за себя и свои принципы. Потому что бывают ситуации, которые нас всех портят. В последнее время слово «ситуация» для меня стало страшным. Потому что все люди изначально хорошие и добрые, но, оказавшись в определенной ситуации, начинают грызться. Признаю, я непростой человек, даже сложный. Всем нравиться не собираюсь – это хуже всего, да и невозможно. Но теперь я стал мудрее, хотя по-прежнему могу высказаться и даже… Но в любом случае считаю, нужно оставаться человеком.

- Вы всегда танцуете в паре. И у вас довольно интересная личная история…

- Первоначально мужчина в балете был как подставка для балерины. Это потом возник парный танец – па-де-де. У меня много партнерш - Баирма Цыбикова, Лия Балданова, Оюна Надмитова, другие. Но мой главный парный танец длится уже 13 лет – с моей женой Вероникой Мироновой. У нас двое детей, одна общая дочь. Ей уже 11 лет. Когда я только пришел в театр, Вероника уже была ведущей балериной и репетитором. Почти два года был безответно влюблен. Пробовал с ней поддержки и робел. Даже когда мы начали вместе жить, я полтора года не мог перейти на «ты». Но считаю, что мужчина должен добиваться женщины, если видит, что она – его женщина. Мне нравилось в ней абсолютно все – какая-то внутренняя самодостаточность, уверенность в том, что она добьется своего.

Как сохранить и приумножить

- В Улан-Удэ начался Байкальский танцевальный фестиваль Baikal Dance Festival, вы принимаете в нем участие?


- Нет. Мы вместе мечтали о нем, принимали участие в первом фестивале. А сейчас это уже больше московская история.

- Если честно, на сколько баллов вы бы оценили балет Бурятии по 10-балльной шкале?

- Не знаю. На 7-8 баллов, возможно, если быть честным и строгим. В балете нет потолка. Знаете, многие сейчас уезжают. Практически не осталось солисток с европейской внешностью. Но работавший у нас дирижер Большого театра Александр Сотников как-то сказал: «То, что вы все из одной школы, – очень красиво, это ваша изюминка». Да, многие ребята – выходцы из деревень. Для них, как и для меня в свое время, это грандиозный шаг в элитарное искусство. И у нас в деревнях очень много талантливых детей. Их родители еще не понимают этого. Надо в каждый район выезжать с мощнейшей группой профессионалов, чтобы искать таланты.

- На прошедшем Российско-японском конкурсе я видела совершенно замечательного дебютанта по имени Эрдэм Сандаков. Похоже, у нас новая яркая звезда балета.

- Это мой родной племянник. И репетировали с ним Вероника и Юрий Фролович Муруев, выпустивший его… Я часто слушаю всевозможные обсуждения проблем культуры по телевизору, и, знаете, что меня поражает? Есть только Москва и Питер. И больше будто бы нет ничего – ни других городов, ни театров. В конце 80-х по телевидению проводились круглые столы с участием деятелей культуры, критиков и журналистов. Вот бы это вернуть!

Недавно нашел журнал «Балет» за эти годы, где обсуждалось место современного и классического балета. В СССР сумели сохранить элитарное искусство Петипа и довести его до совершенства. До сих пор русский классический балет не имеет равных, несмотря на то, что многие позиции сданы. Нашу младшую дочь мы отдадим в балет. Теперь уже очевидно, что она этого хочет. Да, это тяжелый труд, тоталитарная система, армия, но иначе нельзя. Если уничтожить культуру – уйдет душа общества.

Фото из личного архива Б. Раднаева
====================================================================
ВСе фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20585
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Авг 04, 2019 11:41 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019080401
Тема| Балет, XXII Международный фестиваль балетного искусства (Уфа)
Автор| Лада ВОЛКОВА
Заголовок| В Год театра Нуреевский фестиваль в Уфе пройдет с особым размахом
Где опубликовано| © Собкор02 - Новости Уфы и Башкирии
Дата публикации| 2019-08-02
Ссылка| http://www.sobkor02.ru/news/art-object/13916/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

С 7 по 24 сентября Уфа вновь будет принимать участников XXII Международного фестиваля балетного искусства, носящего имя самого знаменитого танцовщика XX столетия. Спектакли и гала-концерты с участием российских и зарубежных звезд пройдут на сцене Башкирского театра оперы и балета, где артист начинал свою головокружительную карьеру.

Классика и раритеты

В Год театра традиционный фестиваль балетного искусства в башкирской столице проведут с особым размахом - одних гала-концертов будет аж три. В программе представлена и традиционная классика, и редкие постановки, которые представят артисты из Москвы, Екатеринбурга и Челябинска.

7 и 8 сентября фестиваль откроет вечер одноактных балетов Московского детского музыкального театра им. Натальи Сац - "Шахерезада", "Шопениана" и "Половецкие пляски" на музыку Римского-Корсакова, Шопена и Бородина. Театр Наталии Сац совместно с Фондом "Русские сезоны – ХХI век" познакомит уфимскую публику с хореографическими шедеврами отечественного балетмейстера Михаила Фокина. Столетие назад они были впервые показаны в рамках всемирно известных "Русских сезонов" Сергея Дягилева в Париже, в наши дни эти балеты восстановил хореограф Андрис Лиепа.

10 сентября в программе фестиваля концерт "Гала-Чайковский ", в котором будут представлены фрагменты из балетов Петра Чайковского, а также хореографические номера на его музыку. Среди участников заявлены артисты Мариинского театра, Большого театра, Баварской государственной оперы, а также хозяев праздника - Башкирского тетра оперы и балета. В первой части концерта покажут третий акт из балета "Спящая красавица", а во второй - хореографические миниатюры, в том числе номер, специально к фестивалю поставленный для башкирских артистов.

11 сентября зрители увидят "Лебединое озеро" Чайковский - постановку Башкирского театра оперы и балета, которую на уфимской сцене осуществил знаменитый отечественный хореограф Юрий Григорович, а в качестве художника-постановщика выступил не менее легендарный Симон Вирсаладзе. Главные партию исполнят солисты Большого театра: Одетты-Одиллии - Дарья Хохлова, Принца - Артемий Беляков.

13 сентября в программе еще одна башкирская постановка Григоровича и Вирсаладзе - "Легенда о любви". Прославленный балет Арифа Меликова более полувека назад принес мировую известность композитору, хореографу и художнику. И в наши дни этот спектакль продолжает пленять изящной красотой, эмоциональной пластикой и одухотворенностью движений. Одну из центральных партий - принцессы Ширин -исполнит солистка Большого театра Мария Виноградова.

15 сентября зрителей ждет еще один концерт звезд балетного искусства "Гала-Нуреев", в который будут включены хореографические номера, связанные с репертуаром Рудольфа Нуреева и посвященные его жизни и творчеству. На сцену в этот день выйдут Иван Васильев из Михайловского театра, Мария Виноградова из Большого, Ирина Сошникова артистка приморской сцены Мариинского театра, Артем Пыжов из Словацкого национального театра, танцовщик Татарского театр оперы и балета Олег Ивенко, а также уфимские танцовщики.

Синтез балета, вокала и музыки

17 сентября в программе очень интересная постановка - балет-кантата "Кармина Бурана". Ее представит Челябинский академический театр оперы и балета, который поставлен в сотрудничестве с французским Franceconcert. Сценическая кантата немецкого композитора Карла Орфа - синтез балета, вокала и музыки - несомненно, вызовет интерес публики. Основу либретто составляет "Божественная комедия" Данте. Согласно сюжету, главный герой посетит рай, ад, город грехов и чистилище, а его спутниками станут Ангел и Демоница. Музыка произведения уже сама по себе отличается мощным динамичным развитием, яркими контрастами, выразительным ритмом, а уж в сочетании с хореографическими номерами способна поразить даже искушенную публику. Номера, посвященные любви, исполняют солисты, а сатирически-пародийные номера и песни монахов - хор в сопровождении ярких по тембру оркестровых инструментов.

19 сентября гости из Челябинска покажут еще один необычный спектакль - балет "Анна Каренина", в котором использована музыка Монтеверди, Моцарта, Листа, Рахманинова, Респиги, Бриттена. Это современная трактовка сюжета знаменитого сочинения Льва Толстого, в котором появляются новые мистические персонажи, отсутствующие в литературном первоисточнике, но являющиеся необходимыми для понимания любовных перипетий главных героев. Мистика, трепетные чувства, искушение – все это находит изумительное пластическое решение на сцене. Постановка разворачивается на фоне музыки композиторов итальянского барокко, романтизма, XX века и современности.

21 сентября в программе фестиваля выступление артистов театра Ural Opera Ballet - так с недавнего времени называется Екатеринбургский театр оперы и балета, который с 2006 года возглавляет уфимец Андрей Шишкин. В один вечер балетоманы смогут познакомиться сразу с несколькими лучшими постановками театра последних лет. Откроет вечер сюита "Наяда и рыбак" на музыку Цезаря Пуни, премьера которой состоялась два года назад. Поставил сюиту знаток старинной хореографии Юрий Бурлака. Главная сюжетная линия постановки - любовные приключения простого сицилийского рыбака Маттео и фантастического существа Наяды - типична для балетов XIX века. Можно вспомнить, к примеру, такие популярные балеты, как "Сильфида" и "Жизель". История Наяды и рыбака когда-то тоже была полноценным балетом, но до наших дней сохранилась только сюита из трех картин. Тем не менее зрителей ждет настоящий праздник виртуозного классического танца.

Современные па по заветам Петипа

Еще один номер труппы из Екатеринбурга - одноактный балет "Вальпургиева ночь" на музыку из оперы "Фауст" Шарля Гуно, премьера которого состоялась весной этого года, предоставит редкую возможность познакомиться с творческим наследием Джорджа Баланчина. Американец с грузинскими корнями Баланчин - важнейшая фигура в хореографии XX века, который сформировал сегодняшние представления о классическом танце. Исполнение его балетов - настоящий вызов для любой балетной труппы, и танцовщики из Екатеринбурга с ним достойно справляются. Стоит отметить, что постановка была осуществлена в России впервые и получила высокую оценку экспертов из американского Фонда Баланчина, которому принадлежат все права на творческое наследие хореографа.

"Вальпургиеву ночь" - настоящий шедевр Джорджа Баланчина - театр поставил совместно с американцами: в качестве хореографа-постановщика выступила ученица самого мэтра, бывшая солистка труппы New York City Ballet Дайана Уайт. В "Вальпургиевой ночи" наиболее ярко отражается один из главных тезисов Баланчина: "Балет - это женщина".

Кроме того, артисты из Екатеринбурга покажут фрагменты из балета "Приказ короля" - постановку одного из самых талантливых современных российских хореограф Вячеслава Самодурова, ставшую вкладом Уральского театра в празднование 200-летнего юбилея со дня рождения Мариуса Петипа - создателя русского классического балета. Постановка получила высокую оценку завсегдатаев балетных театров, знакомых с классическим наследием и готовых взглянуть на него без груза стандартов. Этот малоизвестный современному зрителю балет ставился в XIX веке в Санкт-Петербурге, но постановщики переписали либретто, переосмыслив его на свой лад.

- У нас получился довольно сложный спектакль, состоящий из большого количества необычных компонентов, - рассказывает хореограф-постановщик Вячеслав Самодуров. - Мы хотели посмотреть, как может выглядеть в XXI веке имперские искусство, по которому все ностальгируют, и на что это может быть похоже

Сюжет балета, казалось бы, незамысловат: по приказу короля нужно найти принцессу, похищенную Черной королевой. Но герои отправляются на поиски пропавшей на дирижабле и путешествуют во времени. Так что постановка получилась оригинальной во всех отношениях: никакой балетной архаики, но в то же время она создана по заветам Петипа.

- Каждый следующий номер стилистически непредсказуем для зрителя. Он не должен догадаться о том, что будет дальше. То же самое происходит и с костюмами, декорациями и прочим, - рассказал композитор Александр Королев из Санкт-Петербурга, в течение полутора лет писавший музыку для спектакля.

Возможность увидеть своими глазами "Приказ короля", премьера которого состоялась всего год назад, станет настоящим подарком всем уфимских балетоманам. Кстати, во всех анонсированных постановках занят уроженец Уфы Игорь Булыцын. На сегодняшний день Булыцын - единственный выпускник Уфимского хореографического училища искусств им. Нуреева, ставший обладателем престижной театральной премии "Золотая маска", которую он получил за партию Меркуцио в балете Сергея Прокофьева "Ромео и Джульетта". Постановка была показана на родине Булыцына два года назад и стала одним из самых ярких балетных спектаклей, показанных в рамках нуреевского фестиваля.

Завершится фестиваль 24 сентября концертом "Гала-Григорович", посвященным бессменному почетному президенту фестиваля Юрию Григоровичу - его автору и инициатору проведения в Уфе.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20585
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Авг 05, 2019 10:45 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019080501
Тема| Балет, Персоналии, Михаил Мессерер
Автор| Алла Жидкова
Заголовок| Михаил Мессерер вернул старое «Лебединое озеро» в Большой
Балетмейстер рассказал об историческом событии в театре

Где опубликовано| © NEWS.ru
Дата публикации| 2019-08-05
Ссылка| https://news.ru/kultura/mmihail-messerer-vernul-staroe-lebedinoe-ozero-v-bolshoj/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Фото: Виталий Белоусов/РИА Новости

Одна из первых исторических постановок «Лебединого озера» хореографов Александра Горского и Асафа Мессерера вернулась на сцену Большого театра 3 августа. В Москве эта знаменитая постановка не шла 44 года. Ровно столько этот спектакль, с декорациями, созданными в 1956 году специально для Большого театра, отсутствовал на главной сцене страны. Историческое событие возвращения традиционной версии этого классического балета произошло на гастролях Новосибирского академического театра оперы и балета. Постановку осуществил Михаил Мессерер, сделав это в год своего 70-летия и в год ухода с поста главного балетмейстера Михайловского театра в Санкт-Петербурге.

Многие ценители классического балета впервые увидели декорации «Лебединого озера» в «родном» театре, для которого они были некогда созданы. Оказалось, что они органично продолжают основное роскошное убранство зала основной сцены Большого театра. Исполнительские качества новосибирской труппы отвечают запросам самой взыскательной публики. Исполнители главных партий Одетты и Зигфрида, глубоко проживающие драматургию создаваемых образов, заставляли публику и плакать, и радоваться: танцовщикам удалось совместить классический танец с убедительной актёрской игрой. Финал в этой версии сказки счастливый, никто, кроме злого волшебника, не погибает. Однако, возможно, многие зрители, заполнившие в этот вечер Большой театр, и не подозревали, что присутствуют на историческом событии.

Когда занавес пал и шквал аплодисментов стих, постановщик балета Михаил Мессерер поделился с News.ru подробностями.

— Это действительно та самая версия, которая шла в Большом театре до 1969 года, и вот она впервые за 50 лет сюда вернулась?

— В 69-м году была сделана постановка Юрия Григоровича, однако какое-то время в репертуаре сохранялись оба спектакля. «Старомосковская» версия, о которой мы говорим, шла до 1975 года. Я это помню, так как танцевал па-де-труа в одном из последних спектаклей.

— Костюмы, декорации этой версии — это практически точная копия того, что мы можем видеть на записи спектакля 1957 года. В Михайловском театре вы также сделали восстановленную версию, там точно такие же костюмы и получается два одинаковых спектакля?

— Правильно. Да.

— Почему важно восстанавливать старые версии? Можно ли считать, что без них классическое искусство умирает?

— Могу сказать, что оно находится в опасности. Наша традиционная версия «Лебединого» сделана для любителей классического балета, как жанра. Идея восстановить ее в Санкт-Петербурге родилась в то время, когда в Михайловском театре нужна была постановка «Лебединого озера» и руководство театра хотело иметь спектакль именно классический. Владимир Кехман решил, что лучше всего выбрать именно этот спектакль, исходя из всего того, что он видел на видео. Сейчас он также руководит Новосибирским театром, и когда встал вопрос, что повезти в Москву в Большой, то выбор сразу пал именно на этот спектакль. Премьера постановки в Новосибирске прошла в мае, и теперь, благодарня импресарио наших гастролей Игорю Соколову, спектакль привезен на ту сцену, где был рожден.

— Какова специфика новосибирской труппы?

— Денис Матвиенко руководит труппой, и она находится на очень высоком уровне. Выбран правильный вектор развития, и сегодня это одна из сильнейших трупп и в России. Если правильно продолжать с ней заниматься, она может стать вообще лучшей, так как руководство труппы тонко чувствует жанр классического танца, понимает, как нужно ставить и танцевать, чтобы спектакли, оставаясь безошибочно традиционными, выглядели современно и живо, а это сейчас редкость.

— В вашей версии нет русского танца. Почему от него отказались?

— В изначальной постановке его не было. Я согласен с великими классиками в том, что он туда не очень подходит. Хотя у Александра Горского на эту музыку есть прекрасная хореография, на основании которой Юрий Григорович сделал свой номер, однако у Горского она шла в другой балетной сказке.

— Зрелищно выглядит замок, который рушится в конце, в самый напряжённый момент...

— Да, замок злого гения... Эту версию 4-го действия Асаф Мессерер, мой дядя, построил в 1937 году. Декорации для спектакля в 1956 году создал Симон Вирсаладзе. Это выдающаяся его работа, вневременная. «Лебединое озеро», которое он сделал потом для Большого театра, мне кажется, сильно уступает тому, что Вирсаладзе создал в 1956 году.

— Когда вы уходили из Михайловского в январе 2019-го, вы говорили, что собираетесь проводить больше времени с семьёй. Удался ли этот план?

— Да, несмотря на то, что я иногда возвращаюсь в Михайловский театр, делаю какие-то вещи... Да и в другие театры езжу. В Новосибирском театре я поставил с тех пор «Лебединое озеро» и «Класс-концерт». Недавно подписал гостевой контракт с Ла Скала, делаю постановку в Будапештской национальной опере, да и вообще не теряю связей со старыми друзьями. Значительно больше провожу времени с семьёй. Сейчас вот я в Москве, но со мной сюда приехала и моя семья, так что мне приятно.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20585
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Авг 05, 2019 10:54 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019080502
Тема| Балет, Новосибирский театр оперы и балета, Гастроли в Москве, Персоналии, Михаил Мессерер
Автор| Анна Нехаева
Заголовок| "Лебединое озеро" со спецэффектами. Новосибирский балет в Большом театре
Где опубликовано| © РИА Новости
Дата публикации| 2019-08-05
Ссылка| https://ria.ru/20190805/1557152181.html
Аннотация| гастроли


© РИА Новости / Виталий Белоусов

Классические костюмы, спецэффекты и точность движений — Новосибирский театр оперы и балета (НОВАТ) показывает в Большом театре "Лебединое озеро". Сибирская труппа выступает на Исторической сцене впервые за почти 40 лет. Балетмейстер Михаил Мессерер восстановил спектакль Асафа Мессерера, основанный на постановке 1920 года Александра Горского.

Очарование классики

"Лебединое озеро", классический русский балет, переживший многочисленные постановки в советское время, — с одной стороны, синоним застоя, а с другой — перемен. Наверное, этот балет мог бы войти в Книгу рекордов Гиннесса по количеству показов на телевидении, ведь его транслировали в 1980-е, после череды смертей генсеков, и в 1991-м чуть не несколько дней подряд во время путча.

В Москву НОВАТ привез недавнюю, майскую, премьеру — балетмейстер Михаил Мессерер восстановил версию Асафа Мессерера, основанную на постановке 1920 года Александра Горского. Символично, что почти через сто лет этот прославленный спектакль вернулся на родную сцену.

"Мой дядя Асаф Мессерер поставил "Лебединое озеро" в Большом театре в 1937 году, — объяснил РИА Новости Михаил Мессерер. — Это было возобновлением постановки Александра Горского, которая мне показалась наиболее правильной. Спектакль был частично утерян, мне пришлось восстановить некоторые элементы. А декорации, оформление, костюмы мы взяли из версии 1956 года".

Работали с архивами, фотографиями тех времен, помог и фильм "Лебединое озеро" 1957 года с Майей Плисецкой и Николаем Фадеечевым.

"Это как пьесы Шекспира — всегда можно открывать новые смыслы. Они вечны", — рассуждает Мессерер.

Магия лунного света

"Мы старались не привносить ничего нового, сделать так, чтобы спектакль оставался полностью классическим, и в то же время был "читаем", принят и понят современным зрителем, — продолжает Мессерер. — Современность надо вносить в классический спектакль тонко, чтобы он остался классическим, но выглядел свежо и злободневно".

Постановка балета "Лебединое озеро" обогатилась проекциями на задней части сцены. Они имитируют лебедей в полете и на озере. Артисты Новосибирского театра оперы и балета во время репетиции спектакля в ГАБТе.

Постановщики решали непростую задачу, ведь спектакль должен, по словам балетмейстера, соответствовать современности, когда "зрители уже видели все на свете — и кино, и интернет".

Балет превратился в настоящее шоу со спецэффектами — за более чем 60 лет с премьеры 1956 года театр стал гораздо оснащеннее в техническом плане. Например, появились реалистичные проекции на заднике сцены, имитирующие лебедей в полете и на озере.

Есть и другие новшества. Активнее занят кордебалет, пачки балерин шире и длиннее (что смотрится очень зрелищно из зала), а танец маленьких лебедей исполняют не четыре, а шесть балерин.

Нас просили не раскрывать всех деталей, чтобы сохранить интригу для зрителей. Но не будет спойлером, если мы сообщим, что у спектакля happy end.

Злой гений, несмотря на всю свою выразительность и "темное" обаяние, и в этот раз остался ни с чем.

Что такое НОВАТ

Основанный незадолго до войны, Новосибирский театр оперы и балета открылся в 1945 году оперой "Иван Сусанин". На этой сцене ставили как классические, так и современные спектакли. У театра два десятка "Золотых масок".

В 2015 году НОВАТ возглавил Владимир Кехман. С тех пор выпущено 30 спектаклей. Среди недавних — "Ромео и Джульетта" (музыкальный руководитель — Дмитрий Юровский), "Золушка" (восстанавливал оригинальную хореографию Михаил Мессерер), "Севильский цирюльник" (режиссер — Дмитрий Белянушкин), "Летучая мышь" (режиссер — Вячеслав Стародубцев).

Гастроли НОВАТа на Исторической сцене Большого театра проходят с 29 июля по 10 августа. Московскую публику приглашают на "Спящую красавицу" в постановке Начо Дуато и "Лебединое озеро".
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20585
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Авг 06, 2019 4:47 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019080601
Тема| Балет, Чеховский фестиваль, Английский национальный балет, Персоналии, Акрам Хан
Автор| Алла Михалева
Заголовок| ЭХО ЖИЗЕЛИ
АКРАМ ХАН ПОКАЗАЛ МОСКВЕ СВОЙ ЛЕГЕНДАРНЫЙ БАЛЕТ

Где опубликовано| © Театрал
Дата публикации| 2019-08-06
Ссылка| http://www.teatral-online.ru/news/24887/
Аннотация| Чеховский фестиваль

И без того яркая танцевальная программа Международного фестиваля имени Чехова завершилась на высокой ноте – «Жизелью» Английского национального балета (Лондон) в постановке Акрам Хана – одного из самых знаменитых, ярких, своеобразных хореографов наших дней.



Родившийся в Британском королевстве, Акрам Хан, чья семья происходит из Бангладеш, не потерял связи со своими корнями. С семи лет занимался традиционным индийским танцем катхак, а в тринадцать начал свою профессиональную карьеру в легендарном спектакле Питера Брука «Махабхарата».

Сегодня в своих постановках Акрам Хан соединяет катхак с contemporary dance, создавая собственный уникальный танцевальный язык. С ним охотно работают знаменитости, например, актриса Жюльет Бинош и выдающаяся балерина Сильви Гиллем, включившая номера хореографа в прощальную программу (в Москве ее представлял Чеховский фестиваль), которой завершила танцевальную карьеру. Кстати, и сам Акрам Хан, решив закончить исполнительскую деятельность, в нынешнем году совершает мировое турне со своим соло «Xenos». Его показы прошли в Москве в конце июля в рамках фестиваля «Территория».

«New York Times», задающая тон в критике, назвала «Жизель» Акрам Хана лучшей работой хореографа. На поверку оказалось – это и в правду удивительный спектакль, обладающий безошибочной силой психологического воздействия. Без малого сорок лет назад шоковое впечатление произвела постмодернистская «Жизель» Матса Эка, открывшая дверь переосмыслению классического наследия.

В своей интерпретации Акрам Хан остается верен каноническому сюжету, не меняя характера взаимоотношений внутри любовного треугольника. Кардинальной трансформации подверглось только место действия. Из солнечной деревушки хореограф перенес его на задворки закрытой швейной фабрики, где прозябают оставшиеся без работы мигранты – «изгои», заменившие жизнерадостных пейзан из классической версии. Спектакль начинается с того, как они безуспешно пытаются сдвинуть отрезавшую их от остального мира стену, на которой как наскальные рисунки отпечатались ладони всех, пытавшихся ее прошибить.

Впрочем, при всей живописности быта селян в балетах Коралли, Перро, Петипа от мира аристократии их так же отделяет непреодолимая преграда (правда, сословная), не оставляющая надежд на возможность счастливого воссоединения девушки из народа – Жизели и графа Альберта (у Акрам Хана Альбрехта, принявшего облик изгоя, дабы быть рядом с возлюбленной).

Юный граф безгранично инфантилен и легкомыслен. Именно эти качества героя Акрам Хан обнажает с особой очевидностью. Его соперник, также влюбленный в Жизель Илларион, здесь – не лесник, а один из рабочих, уволенных с фабрики, но каким-то образом умудряющийся ладить со своими бывшими хозяевами. В своей готовности пойти на все, лишь бы девушка не досталось другому, этот персонаж тоже не так уж далеко ушел от своего классического прототипа. Да и «знать» (бывшие владельцы фабрики), приходящая, как в зверинец, посмотреть на экзотичных маргиналов, наследует аристократии из классического балета, с любопытной снисходительностью рассматривающей забавных пейзан.

У Акрам Хана сильные мира сего выходят на сцену в старинных костюмах с фижмами и кринолинами, словно подтверждая: за двести лет пропасть между богатыми и бедными меньше не стала. Изгои тут вообще – «никто», не люди, а их тени. Впрочем, и хозяева фабрики здесь инфернальные существа, вышедшие даже не из прошлого, а из какого-то потустороннего мира.

Населенный призраками балет Акрам Хана пронизан чувством тревоги. Она присутствует и в музыке Винченцо Ломанья, использовавшего из партитуры Адана только несколько тем, и в аскетичном оформлении (визуальный дизайн и костюмы Тима Йипа), и в, передающем все оттенки мрака, сумрачном свете Марка Хендерсона. Но, в первую очередь, беспокойную атмосферу создает отмеченная смятением и нервозностью образная пластика танцовщиков. Их движения не менее красноречивы, чем слова. Недаром первыми исполнителями катхака были храмовые сказители. Традиционные для классического индийского танца прогибы тела, откинутого назад со вскинутыми вверх руками, обретают здесь «трагедийную» выразительность.

В плясках кордебалета изгоев бурлят и рвутся наружу – лихость и безнадежность, гордость и униженность. Жизель Алины Кожахару (в других составах – руководитель труппы Тамара Рохо, Фернанда Оливейра, Эрина Такакаси) – одной из самых харизматичных балерин современности – отдельный сюжет. В руках Альбрехта она гнется как тонкая ветвь. Ее движения просты и свободны, но иногда ее танец напоминает беззвучный крик. В кульминационной сцене сумасшествия Жизель просто падает на землю и никак не может подняться. Ее плотным кольцом окружают изгои и, как на гребне волны, вскидывают вверх. Когда же людская масса отступает (как схлынувшая вода), на сцене остается безжизненное тело девушки и звучащий эхом то ли монотонный гул станков, то ли шум моря…

Во втором акте стена проворачивается вокруг оси и за ней открывается заброшенная фабрика, где обитают виллисы, здесь – умершие (от изнурительного труда) швеи.

У Акрам Хана, впервые работавшего с классической труппой, пуанты (неотъемлемый атрибут классического танца) обрели смысловое значение. На пальцы поднимаются те, кто ушел в мир иной. Мирта, в чьих руках, вместо положенной веточки розмарина, длинная, похожая на пику или стрелу, палка, напоминает надсмотрщицу в концлагере. Она ставит Жизель на пальцы, приобщая ее к потустороннему миру и обучая науке ненависти. Если в классических версиях мстительность виллис в своей отрешенной бесстрастности (и даже исступленности) – изысканно красива, то здесь – почти безобразна.

Хореограф снимает романтический флер с этих мифических существ, обнажая их недобрую сущность. Девушки в рваных одеждах, с распущенными волосами (вместо вуали), покрывающими их лица, напоминают ведьм, злобных фурий. Пуанты и арабески, призванные подчеркивать внеземную сущность виллис, здесь не подымают вверх, а напротив «приземляют». В отличие от классической версии, виллисы не затанцовывают Иллариона, а забивают палками, кои всегда держат наготове в зубах. Они не «взлетают» в арабеске, а злобно скачут через сцену, являя собой неприятное и грозное зрелище. И Жизели, обретшей апломб, предстоит в свою очередь «забить» Альбрехта. И тут проявляется подлинная сущность Жизели. Она спасает возлюбленного и уходит навсегда. Ее окончательному уходу в небытие предшествует удивительно нежное, для такого жесткого спектакля, адажио с Альбрехтом, остающимся в финале перед стеной между мирами – живых и мертвых, изгоев и знати. Но ни в одном из них ему уже нет места…

А зритель, покидая зал, еще долго испытывает чувство тревоги и душевного дискомфорта от понимания, что и в нашем реальном мире многое не так... и с этим ничего нельзя поделать.

ФОТО: АЛЕКСАНДР КУРОВ
=======================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20585
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Авг 07, 2019 12:51 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019080701
Тема| Балет, Театр Бориса Эйфмана. Гастроли в Москве,, Персоналии,
Автор| Горюнова Ирина
Заголовок| Эффект Эйфмана
Маэстро вновь покорил публику

Где опубликовано| © Литературная газета
Дата публикации| 2019-08-07
Ссылка| https://lgz.ru/article/-32-33-6701-07-08-2019/effekt-eyfmana/
Аннотация| Гастроли

Многие годы Открытый фестиваль искусств «Черешневый лес» одаривает поклонников Театра Бориса Эйфмана. И в этом году на сцене Большого театра России состоялось ключевое событие фестиваля – московская премьера постановки «Эффект Пигмалиона», которой уже рукоплескали петербургские и американские балетоманы.

Новая постановка, как очередная страница хореографической саги одного из мировых лидеров театрального искусства и его уникальной труппы, снова заставила заговорить об особом языке Мастера. О том, что он выработал и развил определённый жанр хореографического претворения литературной темы, ранее нашему искусству почти неведомый. Действительно, соавторами Эйфмана были: Шекспир и Толстой, Пушкин и Достоевский, Мольер и Фицджеральд, Куприн и Золя…

«Мой театр – это драма личности» – так определяет суть своего творчества Эйфман. На сей раз психологический термин «эффект Пигмалиона» (феномен влияния ожиданий на действительность) стал отправной точкой для автора спектакля. Сюжет известный, многократно вдохновивший писателей, композиторов, режиссёров и балетмейстеров. Однако метод Эйфмана состоит в том, что на сцену переносится не просто сюжет в его повествовательно-описательном течении, а «высвечивается» то, что писатель хотел сказать между строк, – главная мысль, ради которой было задумано произведение. В оригинальных решениях режиссёра-хореографа всегда присутствует желание сценически интерпретировать философию литературного первоисточника по отношению к современности и человеку своего времени, неизменное желание проникнуть в его душу.

В роли Пигмалиона в новом спектакле Эйфмана выступает чемпион по бальным танцам по имени Лион (Олег Габышев). А его «творением» стала Гала (Любовь Андреева), девушка из низов, с городской окраины, выросшая в мире бедности и грубости. Лион же принадлежит к миру роскоши и успеха. Дрессировка «деревянной», неуклюжей Галы для него – чистый эксперимент, в результате которого он хочет превратить её в первоклассную исполнительницу бальных танцев. И добивается этого. Помогает ему достичь цели, конечно же, любовь девушки к своему учителю. Однако успех лишает героиню привычной жизненной среды и вводит её в чуждый мир, где она не может стать своей и обрести счастье.

Музыкально-драматургическая конструкция новой постановки неожиданна. Искромётная музыка Иоганна Штрауса-сына, узнаваемая и захватывающая, подчёркивает обманчивую лёгкость спектакля. Тем не менее постановщику и исполнителям удалось найти в этой музыке свою уникальную драматургию, идеально соответствующую замыслу балета. За лёгкостью и прекрасной простотой запоминающихся мелодий кроются особая эмоциональная глубина и энергия. А за флёром беспечности – серьёзные вопросы: что такое сценическая слава и каким трудом она достигается, спасает ли успех от одиночества, можно ли расстаться со своим прошлым.

Мастерство эйфмановской труппы недосягаемо для многих коллег. За 42 года существования театра он воспитал несколько поколений уникальных артистов, которым подвластны все стили современного танца, непростой с точки зрения техники хореографический язык лидера. В «Эффекте Пигмалиона» главными героями и труппой освоен чуждый для классической балетной школы язык бальных танцев. «Никаких пуантов», – сказал Эйфман. В результате – пластическое преображение через неприятие и такой же, как у главной героини, трудный путь, который принёс блестящие результаты. Именно этими результатами наслаждается зритель как в искромётных дивертисментных сценах обитателей трущоб, так и в «мировых состязаниях по бальным танцам». Но особо хочется отметить солистку труппы Любовь Андрееву, которая встала в один ряд со своими великими предшественницами, такими как Одри Хёпберн (в фильме-мюзикле «Моя прекрасная леди») и Екатерина Максимова (в фильме-балете «Галатея»). Любовь Андреева – лауреат многих престижных премий, знакомая зрителям по таким разноплановым ролям, как Катерина Ивановна в «Карамазовых», Антонина в «Чайковский. PRO et CONTRA», Камилла в «Родене», Татьяна в «Евгении Онегине», Николь Уоррен в «Up & Down», создала образ Галы в пластическом и психологическом развитии. Комический, неуклюжий, вульгарный и практически бесполый персонаж, с акробатическими жестами сорванца и судьбой «маленького человека», чаплинской манерой существования на сцене, с течением сценического времени и событий превращается в блестящую танцовщицу – «королеву паркета». Заслуженный артист России Олег Габышев, не менее титулованный и известный зрителям по главным мужским ролям практически всех спектаклей Эйфмана, и на сей раз тонко интерпретирует характер главного героя, Лиона, подчёркивая его мощный темперамент, одержимость бальными танцами и немалое честолюбие. Его исполнение – гамма противоречивых чувств: негодования, отчаяния, порой жестокости и, наконец, любви, которую всё же побеждают чувства собственника. Он не готов делить созданную им Галу ни с кем, даже с её отцом, королём трущоб, хитрым пьяницей Холмсом, в роли которого выступает не менее известный артист театра Дмитрий Фишер. Но именно ему бросает Гала свою бриллиантовую корону победительницы, которая не принесла ей счастья. Засыпая на уличной скамейке, она лишь во сне соединяется со своим любимым учителем, и этот прекрасный любовный дуэт вершит действие, ставя грустное многоточие.


Michael-Khoury

Действие спектакля разворачивается в лаконичных, выразительных и ловко трансформирующихся декорациях Зиновия Марголина, а эйфмановская световая драматургия, исполненная Александром Сиваемым, как всегда, предмет особого восхищения и зависти коллег. Художник по костюмам Ольга Шаишмелашвили создала разнообразную палитру пёстрых нищих бродяг, стильных персонажей богатой публики и танцовщиков, состязающихся в бальных танцах.

В очередной раз Борис Эйфман смог покорить очень широкую зрительскую аудиторию уникальной хореографической полифонией. Ведь он относится к редкому разряду художников, которые сами создают свою аудиторию, «со-творяют» зрителя. Как Пигмалион – свою Галатею. В этом, собственно, и заключается Эффект Эйфмана.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20585
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Авг 08, 2019 6:53 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019080801
Тема| Балет, Международный фестиваль современной хореографии Nord Dance, Персоналии,
Автор| Вита Хлопова
Заголовок| Nord Dance
Где опубликовано| © NO FIXED POINTS
Дата публикации| 2019-08-06
Ссылка| http://nofixedpoints.com/norddance18
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

С 8 по 14 июня в Петрозаводске впервые прошел международный фестиваль современной хореографии Nord Dance. Кажется, любителям современного танца придется добавить еще одну точку на карте для танцевальных путешествий.



Сейчас модно поддерживать тренд, говоря о том, что современный танец в России переживает сложные времена. Но при этом как тогда объяснить активное рождение многочисленных фестивалей современной хореографии? Есть фестивали-старожилы, как, например, OpenLook, который движется к размену третьего десятка, есть Context.Diana Vishneva, который в своем юном возрасте уже успел привезти в Россию несколько культовых имен, но именно в этом году возникли два совершенно новых фестиваля современной хореографии, которые уже точно займут свою нишу среди старших товарищей. В Воронеже не так давно завершилась Re:Forma танца, где молодые известные хореографы создавали свои постановки на труппу воронежского театра Оперы и Балета, и вот в начале лета в Карелии, практически на берегу Онежского озера, целая неделя была посвящена российскому и танцу стран северной Европы.

Самое трудное для таких фестивалей — это найти свою собственную изюминку, то, чем он будет отличаться от других. Почти все ниши уже заняты, да и убеждать спонсоров дать именно этому фестивалю возможность привезти ту или иную труппу уже становится сложнее. Другая проблема — это неготовность зрителя воспринимать этот современный танец. И если в Москве/Санкт-Петербурге/и даже по понятным причинам Екатеринбурге публика уже с радостью ждет чего-то экспериментального, то в регионах заполнить полностью зал кажется невыполнимой задачей.

Тем не менее, Nord Dance с этой задачей справился: грамотно распределив программу между эксцентричными скандинавами и знакомыми российскими именами, фестиваль привлек таким образом много новой публики. Казалось, не нужна была и реклама, ведь после первого иностранного спектакля — «Вирус» компании Йо Стрёмгрена — зрители выкупили огромную часть билетов на продолжение фестивальной программы.
Задачей любого фестиваля является не только показ новых спектаклей, но так же и образование своего нового зрителя. Именно поэтому фестиваль провел несколько лекций и мастер-классов для всех желающих.

Я побывала на одном танцевальном мастер-классе и могу сказать, что вероятно для тех, кто занимается современным танцем в Петрозаводске, — именно он стал одним из самых ярких впечатлений фестиваля. Артисты норвежской компании Йо Стрёмгрена Даг Рюне Шёли и Ивар Сварриссун ворвались в балетный зал театра оперы и балета Карелии в непривычные для артистов 10 утра. И начали свой класс не с разогрева мышц тела, а с разогрева лица и освобождения голоса. Большинство на этом классе было из балетной труппы театра, и такой подход к танцу им был непривычен. Базовые движения, полагающие расслабить тело, давались им тяжело, и только к концу класса, когда стало понятно, что «настоящих» танцевальных связок им учить не придется, а придется пытаться взаимодействовать с окружающими артистами, чувствуя их импульсы и направления движений, они окончательно расслабились. Артистам академических театров такие мастер-классы довольно здорово помогают осознать, что мир танца не зацикливается только на одном хореографическом языке. Чем больше таких языков знает тело классического танцовщика, тем проще ему на самом деле возвращаться к балетному станку. Поэтому эти мастер-классы стали умной инвестицией фестиваля и в образование своего собственного артиста.

Лекции теоретического толка показали, насколько аудитории не хватало таких мероприятий, ведь после встреч с Олегом Петровым и автором этого текста была внезапно введена еще одна лекция про современный опыт создания кинотанца в России. Лекцию провел один из кураторов магистерской программы Академии им. А. Я. Вагановой «Художественные практики современного танца», известный современный хореограф Александр Любашин.

Спектакли фестиваля были разными: от детских и понятных до футуристически непростых или исполненных в стиле фламенко. Открывал Nord Dance спектакль главного балетмейстера Музыкального театра Карелии Кирилла Симонова «Чайка. Искусство любить». Чехов — не самый популярный автор для хореографов, хотя все же какие-то спектакли в истории балета и танца время от времени возникают. Браться за «Чайку» вдвойне рискованно, так как у нас долгое время в репертуаре театра Станиславского находится одноименный спектакль Джона Ноймайера. Но хореограф спектакля Кирилл Симонов по-другому взглянул на воплощение текста Чехова, добавив на сцену видеопроекции и речь. То, что у Чехова находится между строк — можно станцевать, а вести историю стареющей актрисы можно и репликами со сцены. Что лишний раз подтверждает, что современный танец сейчас становится все более и более междисциплинарным.

А вот норвежская компания Йо Стрёмгрена решила брать не известное литературное произведение, а рассказать свою собственную историю. Правда, на пресс-конференции артисты случайно проспойлерили весь финал, но даже это не испортило просмотр их «Вируса». На сцене четыре человека: один умник, два одинаковых из ларца и видно не особо блещущих умом, и появившийся просто как deux ex machina то ли робот, то ли спаситель всего человечества. Место действия: может, космический корабль, может, затонувшая подводная лодка, может, что-то еще. Время действия: вероятно, какое-то будущее. В этом запертом бункере есть какая-то машина, которая, по всей вероятности, заражает вирусом все человечество и только флоппи-диск, принесенный этим роботом-андроидом, сможет остановить этот процесс. Или запустить его еще сильнее? В спектакле много текста, но выдуманного, или как написано в программке — «бессмысленного исландского» (на самом деле, актер, произносящий этот текст, сам родом из Исландии, и для этой «тарабарщины» просто брал неупотребляемые слова из своего родного языка). Такого рода текст был введен для того, чтобы показать, что на самом деле совсем не важно понимать, что конкретно говорит артист, ведь по интонации и ситуации мы все равно все понимаем. Правда, все-таки ключевые слова, типа «мы все умрем», или «флоппи-диск», или «маленький шаг для человека, огромный — для человечества» были произнесены на понятном всем английском. Журналисты на пресс-конференции задавали вопрос, а является ли современным танцем такой спектакль, где артист разговаривает, мало танцует в привычном понимании, и кажется, для многих этот спектакль и стал ответом на такой вопрос.

Абсолютную феерию устроила компания Kaari & Roni Martin из Финляндии. Их спектакль «Убить Кармен» начинался при включенном свете и с выходом главных героев в зрительный зал. Кармен (Мариана Кольядо) и Тореро (Карлос Чаморро) кокетничали, что есть сил, со зрителями, выбрав в итоге себе одного и вытащив их на сцену, где судя по всему им были даны инструкции на дальнейший ход событий спектакля.

Многим постановка показалось излишне экспрессивной, слишком чувственной (уже даже начиная с костюма Кармен, которая выходит на сцену практически только в нижнем белье) и слишком уже натуралистической.

Но при этом и сама главная героиня новеллы Мериме не была романтической особой, ждущей любви и своего принца. Работница табачной фабрики, она привыкла добиваться всего сама: так и здесь, именно Кармен руководит своими мужчинами в своей жизни. Интернациональная труппа, состоящая наполовину из испанцев и наполовину из финнов, сумела убрать границы в этой работе. Понять, кто из артистов — носитель жгучей испанской крови, а кто — всего лишь обучился нужной хореографии — было невозможно. И если опять возвращаться к вопросу о том, что такое современный танец в наше время, то вот этот симбиоз театра, пения, народных танцев, присутствия живого камерного оркестра на сцене, иммерсионного начала можно вполне называть отличным примером качественного современного танца.

Другая финская труппа — Susanna Leinonen Company — представила работу «Касание гравитации». Эта компания была создана в 2001 году и на данный момент является одной из ведущих в Финляндии. Лейнонен работает не только в Финляндии, но ставит также и в других театрах, таких как Королевский Шведский балет и Датский театр танца. «Касание гравитации» закрывал фестиваль Nord dance, и кажется, что он не был показан так, как задумывался автором из-за невозможности правильно и полностью выстроить многочисленные конструкции на сцене. Здесь Лейнонен давала своим артистам возможность по-разному работать с гравитацией: то помещая их на затемненные наклонные поверхности, которых зрителям почти не было видно, то подвешивая их в воздух. Быстро сменяя темп своих выдумок, хореограф показывала зрителям, как возможно по-разному существовать в пространстве.

Фестиваль довольно искусно смешал российскую и иностранную программу, пригласив помимо главного хореографа музыкального театра Карелии, еще и интересные компании из других городов. Одной из таких трупп оказался знаменитый «Танцтеатр» из Екатеринбурга, которым руководит Олег Петров. Они показали один из последних своих хитов — спектакль-номинант последней «Золотой маски» «ПИЧ». Эта аббревиатура расшифровывается как имя главного нашего балетного композитора — Петра Ильича Чайковского.

«Танцтеатр» благодаря невероятным усилиям Олега Петрова уже многие годы приглашает к сотрудничеству многих европейских звездных хореографов, от Карин Сапорта до Пала Френака. На этот раз молодой французский хореограф Мартен Арьяг решил покуситься на святое для балета — на музыку Чайковского. Но это «покушение» оказалось весьма трепетным и уважительным, скорее даже, это было диалогом с творчеством великих Петипа и Чайковского. Ведь даже в этом юмористическом отношении к самому сакральному, что есть в балете, можно увидеть любовь и почтение к этому всему. Труппа «Танцтеатра» довольно крохотная по составу, но удивительно наблюдать за тем, как они прекрасно владеют сценой и пространством вокруг.

Спектакль «Шерлок Холмс» был привезен из Москвы и рассчитан на совершенно иную публику: хореограф Елена Богданович поставила свою работу для юного зрителя, что в современном танце невероятная редкость. Усилиями малого числа артистов и голоса за кадром Георгия Тараторкина был рассказан детективный сюжет Артура Конан Дойля, и это действительно хороший ход хореографа. Ведь если вдруг подростку неинтересна современная хореография, то вполне возможно, что до конца спектакля его удержит желание узнать развязку. Впрочем и взрослому зрителю было нескучно, так как хореограф Елена Богданович интересно и нетривиально работает с движением.

Если возвращаться к поиску своей идентичности, то для фестиваля, базирующегося в Петрозаводске, было логичным выбрать близость к скандинавским странам для приглашения различных компаний оттуда. А ввиду того, что современный танец в этих странах северной Европы всегда развивался независимо и стремительно, то изучать его и учиться у него для нашего зрителя и исполнителя, кажется, совсем неплохим вариантом.

Фотографии предоставлены фестивалем

========================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20585
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Авг 09, 2019 2:08 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019080901
Тема| Балет, фестиваль современного танца Open Look , Персоналии,
Автор| Ольга Комок
Заголовок| Не задирая нос. Странные и неожиданные гости фестиваля современного танца Open Look
Где опубликовано| © Деловой Петербург
Дата публикации| 2019-08-09
Ссылка| https://www.dp.ru/a/2019/08/08/Ne_zadiraja_nos
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Перевалить за крупный юбилей и не забронзоветь — редкое и достойное уважения умение. Им, судя по программе, в полной мере обладает постюбилейный, XXI фестиваль Open Look. В полном соответствии со своим названием он демонстрирует широкие взгляды на современный танец и на мир в целом. В Петербург с душой нараспашку зовет очень разных гостей — странных и нежданных. Почти все они выступают на Новой сцене Александринского театра. Редкие вылазки в "Севкабель" и Планетарий № 1 — не случайность, а симптом: современный танец покидает свою башню из слоновой кости и становится востребован клубным и прочим шоу–бизом. Оставим в стороне звездных педагогов и сотни их учеников, босоногих танцоров со всей России, они и сами про свои планы на Open Look все знают. Пробежимся по фестивальному расписанию, предназначенному для простых смертных.

13 и 14 августа невероятный финский рокер–шоумен, аккордеонист–виртуоз Киммо Похьонен играет спектакль "Дыхание" с танцовщиком Терро Саариненом. Причем играет не только на аккордеоне. Мужская экзистенция подана в эффектном свете (буквально, за свет отвечает художник Микки Кунтту) — тут и драки (судя по трейлеру, аккордеоном по зубам — лишь один из боевых приемов лихого дуэта), и высокие драмы, и гимн мужской дружбе, и море рокерского пафоса с миллионом электропримочек.

Увы, об удивительном VR–опусе японки Юи Кавагучи MatchAtria в жанре "сердечно–чайной церемонии" с дополненной реальностью в очках и силиконовым трепещущим сердцем в руках зрителей писать уже незачем: билетов ни на один показ 13 и 14 августа больше нет. Пока что можно попасть на ее же моноспектакль аndropolaroid 1.1 (16 августа). Битва девушки в белом с алой свитшоткой посреди поля белых лампочек и в нервном ритме стробоскопов — яркое, хоть и не вполне ясное зрелище.


Фото: Open Look

Самое популистское (в почтенном, а не политическом смысле слова) высказывание фестиваля — фильм–отчет с танцовщицей на авансцене, который демонстрирует энтузиаст уличного танца Фуфуа Димобилите (13 и 14 августа). Это легкое и ненавязчивое страноведение, рассказ о том, "как это было" в акциях Dancewalk в Америке, Европе, Африке и в Петербурге.

14 августа ближе к ночи в "Севкабеле" состоится показ работы петербургского хореографа Ксении Михеевой "Неуместный человек". Пластические этюды о телесном взаимодействии (и невозможности или неуместности оного) вдохновлены "Дядей Ваней". Но в клубно–индустриальном пространстве о Чехове, скорее всего, придется забыть: па и пароксизмы танцовщиков более напоминают о житье–бытье современных клабберов.

15 и 16 августа Талия Паз, танцовщица Охада Нахарина, Матса Экка, педагог Batsheva dance company, выкладывает из всего своего богатейшего хореографического опыта пазл Am I — остроумный, местами попросту смешной, но вообще–то страшноватый шизофренический этюд, в котором балериной как "голоса" командуют обрывки произнесенных ею слов, фрагменты музыки, даже собственное дезориентированное тело. Особенно восхищают резчайшие, филигранные переходы от техники к технике и блестящая актерская подача.

15, 16 и 17 августа на фестивале марафон трех трупп из Южной Кореи. Одноактовки компаний SIGA и BORA и полноформатный балет Sok–do компании Modern Table разрабатывают крайне необычную пластику (тайно или явно связанную с традиционным корейским театром), сшивают национальный музыкальный колорит (сшибающий с ног, как музыка пришельцев) с глобалистским хип–хопом и мюзиклом. Завораживающие спектакли особенно полезны тем, кто от современного танца как будто бы уже устал.

17 августа наступает час Ч для материнской компании фестиваля Kannon Dance: она покажет постановку, созданную во время фестиваля под руководством знатного голландского хореографа Лиата Вайсборта. Танцовщики театра Пины Бауш Фабьен Приовиль и его жена Азуса Сеяма исполнят очаровательное эссе time for us, в котором они словно отвергают все свои хореографические навыки ради ясного высказывания на общечеловеческую тему "я хочу быть с тобой". Швейцарцы Лоранс Яди и Николя Кантийон, напротив, будут сотрясаться в жестоких конвульсиях в постановке "Сегодня". А увенчается день и весь фестиваль 3D–шоу I Dance 360 в Планетарии № 1. Пьер Жинер отвечает за проекции танцующих человечков на купол планетария, DJ Vidal — за легкое клубное техно. Премьера мультимедийной инсталляции состоялась на фестивале моды в Йере, и правильно: главное в ней, пожалуй, забавные костюмы виртуальных танцоров от Кристиана Лакруа и Иссэй Миякэ. Хореография Кристиана Риццо на последнем месте, что означает лишь одно: можно пускаться в пляс самому, не особенно задирая нос.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4349

СообщениеДобавлено: Пн Авг 12, 2019 12:20 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019081101
Тема| Балет, Персоналии, Михаил Мартынюк
Автор| Наталия Гопаненко
Заголовок| Михаил Мартынюк: чтобы не терять педагога, я купил дачу рядом
Где опубликовано| © Э Вести
Дата публикации| 2019-08-11
Ссылка: http://www.e-vesti.ru/ru/mihail-martynyuk-chtoby-ne-teryat-pedagoga-ya-kupil-dachu-ryadom/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Михаил Мартынюк. Фото из личного архива артиста

Русский классический балет – это праздник души для зрителей всего мира и неисчерпаемая тема для исследования специалистов. Каждый раз на сцене мы видим волшебство, не достижимое для нетренированного человека и завораживающее его. И мы ловим каждый рассказ исследователей о волшебниках, порхающих по сцене и творящих это чудо.
Особенно же мы ценим прямую речь тех, кто непрестанными упражнениями души, ума и тела достигают совершенства в технике. Читая интервью этих небожителей, мы как будто проникаем за кулисы и прикасаемся к легенде русского балета.
“Э-Вести” посчастливилось предоставить для своих читателей такую возможность. Один из крупнейших всемирно признанных мастеров классического русского балета – Михаил Мартынюк – нашёл время для обширного интервью, поделился множеством интересных деталей своего ремесла и даже секретами своего успеха. Он оказался, кстати, на редкость глубоким и интересным собеседником. Читайте, наслаждайтесь, и успейте посетить его августовские выступления на Летних балетных сезонах.

ЭВ: Михаил, я смотрю за вашей активной творческой деятельностью, как Вы все это успеваете?! Скажите, пожалуйста, у вас сейчас сколько проектов?

Михаил Мартынюк: Я выступаю. После 14 лет работы перешел из театра «Кремлёвский балет», где не сложилось, в театр «Русский балет».
Помимо моих выступлений в балете у меня две действующие школы: в Химках и Мытищах. 28 августа откроется третья областная школа (на пять маленьких городов) в Челябинской области, откуда я родом. И вот, вроде бы всё.

ЭВ: Вы сейчас делаете определенный поворот в карьере и идете в другой театр, о котором вы, конечно, знаете, и, где знают вас. Я понимаю, что вас пригласили, но почему вы выбрали сотрудничество с «Русским балетом»?

Михаил Мартынюк: Всё очень просто. Дело в том, что все наши театры: Кремлевский балет, Большой театр, Театр Станиславского, к сожалению, предлагают такой режим работы, который не позволяет артисту заниматься другими делами, потому что от него требуют работы над текущим репертуаром. Если нужно ещё заниматься школами и своими личными отъездами – а на это при такой нагрузке просто нет времени – тебя мало кто отпустит. Нужно быть постоянно в театре, репетировать и т.п. Это занимает огромное количество времени.
Единственный государственный театр, который в плане режима посвободнее и потому удобнее для меня – это театр Русский балет. Режим работы позволяет перенести спектакль на какое-то другое число. Там огромное число артистов и они всегда взаимозаменяемы. В театре Русский балет спектаклей очень много, потому что они работают и на Москву, и на Московскую область – отсюда и составов у них очень много.

ЭВ: Скажите, как распределяются выступления и педагогика в Вашей жизни?

Михаил Мартынюк: Танцевальная деятельность – это 70%, в любом случае, педагогическая – 30%. Но она даже не столько педагогическая, сколько организационная. В моих школах есть педагоги, собственно я занимаюсь организацией всего этого процесса, спектаклей или концертов.
Для меня это очень легко и просто – я в балете очень давно и, соответственно, у меня много контактов артистов. Все доверяют тому авторитету, который у меня сложился за долгие годы.
И мне, конечно, больше нравится ставить спектакли. В своих школах я делал балет-сюиту «Щелкунчик» – ведь дети еще не профессионалы, они маленькие, еще только учатся. И для них я ставил второй акт «Коппелии» с переходом на третий акт, потому что там есть танцы.

ЭВ: Вы в своих балетных постановках ориентируетесь на классические образцы? Я понимаю, что вы вносите свою хореографию, какие-то элементы, но в целом ваш фокус – это классический русский балет или, может быть, вы привносите какие-то западные веяния?

Михаил Мартынюк: Классический русский балет — это однозначно основной вектор.
Но с этого года начал немного внедрять в концертное исполнение современную хореографию. Для того чтобы действие было интересное, я стал использовать специальные приспособления, экраны. Получается классический балет с медийной картинкой.
Причина проста – достать декорации по старинке почти невозможно. У меня их просто-напросто нет. Брать их в аренду – тоже спорно. А при помощи огромных экранов или видеопроекции та же самая «Коппелия» или «Щелкунчик» расцветают, живут, становятся интереснее.

ЭВ: Вы очень много гастролировали и участвовали в престижных фестивалях как на Западе, так и на Востоке. Вы и в Китае бывали, и по России ездили, и Вам есть, что сравнить: и подход организаторов, и зрительский отклик. Есть ли различия между нами, Западом и Востоком?

Михаил Мартынюк: Вы знаете, это два разных полушария – Запад и Восток, все азиатское направление. Китай, например, Филиппины.
С Филиппинами у меня с 2012 года и до сих пор контракт, и я там часто бываю. Они, конечно, все в большей степени заинтересованы в классическом репертуаре. У них много современной хореографии, но она какая-то своя, нам неизвестная и неудобная. В европейской части современный танец, модерн – он совершенно другой. Поэтому на восточных фестивалях, на которых я бывал, я показывал классику.
И по части приема это два разных уровня. Япония, Китай, Филиппины – это огромные овации. В зале стоит такой гул, что артисту с ума сойти можно. В Европе программы приема более обкатанные, все стандартно, даже нечего отметить – и все достаточно сдержанные. Единственное… Я вспоминаю фестиваль в Кракове, где меня почему-то постоянно просили танцевать «Дон Кихота», «прыгающую» классику. Но это вообще моя история по жизни.
Кстати, что касается Запада – я начал замечать, что европейцы очень мало «прыгают», фактически не «прыгают», когда они танцуют классику. И даже если они танцуют современные номера с «подпрыгиванием», то не так, как московские и вообще русские танцовщики. На Западе сегодня очень мало завязано на технике и, если честно, их представление менее зрелищно. Мне, например, немножко скучновато его смотреть, потому что, в моем понимании, техника должна быть у каждого артиста.

ЭВ: Каков Ваш подход при организации собственной школы, что побуждает Вас делиться мастерством? Правильно ли я понимаю, что Вы ощущаете не удовлетворённую потребность танцевать в детях – ту же, что и вас привела в танец. Не много сегодня балетных возможностей для детей…

Михаил Мартынюк: Это очень интересно. Два года назад я не собирался ничего открывать и вообще хотел переехать на Филиппины, работать там в театре. Но у меня попросту произошла банальная травма колена, не очень сложная. Оно то болело, то не болело, я то периодически мог танцевать, то не мог. У меня была легкая депрессия, и я встретился с одним человеком – моим другом, и мы с ним переговорили о том, что если я перестану танцевать, то что мне делать дальше?
Тогда и возник вопрос о школе. Мы сначала (случайно) открыли первую школу. Буквально через несколько месяцев меня это захватило, потому что все в моих руках. Здесь самая главная часть работы была творческая – нужно что-то ставить, делать, что-то новое объяснять и показывать детям, если они хотят двигаться в этом направлении.
Меня занимает по большей части информационная отдача, желание, чтобы тот, кто в этом заинтересован, получил какие-то знания. У меня этих знаний много. Даже не столько знаний, сколько опыта: как все это сделать, как быстро научиться танцевать, понимания, кем ты станешь через 8 лет, если будешь заниматься. Недавно, в мае-июне, я дал 80 мастер-классов детям, которые не имеют никакого отношения к балету – тем, которые даже не понимают, что такое танец. Их знания заканчиваются на том, что где-то когда-то они увидели одну балерину.
Что меня побуждает этим заниматься? Желание рассказывать о балете, показывать его, ставить спектакли.

ЭВ: Дети и их родители к Вам приходят, потому что Вы – Михаил Мартынюк, или просто потому, что они хотят научиться танцевать?

Михаил Мартынюк: Я думаю, что, конечно, они хотят научиться танцевать. Ну кто же в Химки поедет на мою фамилию (смеется)?!
В Челябинской области, наверное, в мою школу идут по большей части из-за фамилии. Я, хоть это и нескромно, там, в Челябинской области – знаменитость. Там находится тот маленький город, в котором я родился. Поэтому, конечно, на родине идут на моё имя и уверены, что за этим будет качество. И я им это могу дать, безусловно.

ЭВ: Когда Вы ещё учились, Вас сразу заметили и потом вели, у Вас были педагоги, которые, как я понимаю, Вас очень живо поддерживали, и до сих пор у вас есть педагог-репетитор. Роль педагога в вашей жизни она значительна, и готовы ли вы стать значительным педагогом для тех звёзд, которых вы откроете?

Михаил Мартынюк: Роль педагога у настоящего артиста, который хочет чего-то добиться, огромна. Он является мотиватором идти по карьерной лестнице и по жизни, поэтому постоянно должен «подстегивать» ученика.
Мой педагог Вадим Кременский в Кремлевском балете был постоянно со мной, я не мог без него репетировать. Мне всегда надо было, чтобы он пришел, посмотрел, что я достиг чего-то нового. Я бы без него не справился, за многие годы мы стали друзьями.
Чтобы не терять друга, я купил дачу рядом с ним. Мы до сих пор общаемся, у нас совпадают какие-то балетные интересы и нам просто очень интересно общаться. Мне есть с кем посоветоваться. Даже если я его не вижу, то могу его спросить, что и как мне сделать в том или ином спектакле, который я буду танцевать. И он всегда мне поможет.

ЭВ: Дети так же с Вами советуются?

Михаил Мартынюк: Дети пока только слушают «большого» педагога и впитывают. Они пока не советуются, потому что у них нет пока своего какого-то «я», они ещё маленькие. Но они впитывают как губки.

ЭВ: А когда у артиста появляется собственное «Я», по вашему опыту?

Михаил Мартынюк: Когда ему уже не стыдно за свою работу, которую он проделал и станцевал точно так, как надо, как минимум раза три. Тогда артист гордится своей работой и понимает, что он делает все правильно.
Если я готовлю, скажем, спектакль «Ромео и Джульетта», то как я готовлюсь к нему? Я должен как минимум прочитать книгу и посмотреть нескольких персонажей, например, фильм Франко Дзеффирелли, и понять, кто такой Ромео. Ведь сначала непонятно, кто такой Ромео. Я также посмотрел фильм с Леонардо Ди Каприо, увидел его Ромео.
Потом мы с Вадимом порепетировали и для себя определили, каким будет мой Ромео. И Ромео родился. Через некоторое время я с ним уже советовался в каких-то нюансах, он мне подсказывал детали.
Я уверен, что собственное «Я» у артиста появляется лет через пять после прихода в театр. До этого, если оно и появляется – это показуха. Потому что не может человек, который еще не богат таким опытом, кому-то чего-то советовать. Искусство — это очень сложно.

ЭВ: Кто Вас вдохновлял из старых великих имён балета?

Михаил Мартынюк: Мне безумно нравятся постановки Юрия Николаевича Григоровича, особенно «Ромео и Джульетта», «Корсар» и «Иван Грозный». Во всех я поучаствовал. Они отличаются простотой, понятностью, и в то же время технически очень сложным исполнением, в них очень много танцев. Они, если я не ошибаюсь, до сих пор идут в Кремлевском балете.
Первый балет, который я полноценно посмотрел в театре, за исключением балетов, увиденных во время учёбы в Пермском хореографическом училище (мы всегда ходили в Пермский театр оперы и балета) – это был «Ромео и Джульетта» в Кремлёвском дворце. И он сразу меня покорил той сценой, когда открывается занавес и идет бой. Это происходит с такой скоростью, дирижер берёт такой темп, что уже после этого боя ребята могли делать поклон и закрывать занавес?! Это было очень здорово.

ЭВ: Здорово, что вы помните Пермь, свои истоки. Очень часто уезжая в столицу, гастролируя по Европе, артисты забывают о своих истоках и корнях. Вас многое связывает с вашим городом, танцевальной средой?

Михаил Мартынюк: В Перми я часто бываю, теперь буду в октябре. Дело в том, что, во-первых, у меня там осталось очень много друзей, и друзей успешных. Вы знаете, каждый тянется к успешным людям – тем, которые работают в разных направлениях и не опускают рук.
Я постоянно на связи с педагогом Виктором Яковлевичем, который меня выпускал, поздравляю его и с Днем учителя, и с Днем рождения, и так далее. В разговоре он постоянно говорит, что гордится, потому что мой выпуск был его первым выпуском. Виктор Яковлевич освоил мессенджеры, я периодически отправляю ему какие-то видео, и он мне пишет, что да как.
В Перми на гастролях я был много раз. К этим гастролям я всегда готовлюсь тщательней, чем где-либо, потому что на этих концертах и спектаклях бывает половина хореографического училища. Это Пермь, там надо танцевать, должна быть чистота в исполнении.

ЭВ: Скажите, при разноплановой и трудоёмкой деятельности, хватает ли у Вас времени на семью и находите ли Вы в ней полную поддержку? Думаю, что да, иначе бы вы все это не сдюжили.

Михаил Мартынюк: Да, мне очень повезло с женой. Она тоже сейчас работает в театре Русский балет. С самого первого дня, как мы встретились, она была заинтересована в моей карьере, всячески ей помогала и не препятствовала.
Знаете, когда два ведущих артиста пытаются соединиться и организовать такое мероприятие как брак, то, как правило, каждый из них личность, возможна конкуренция, потому что каждый из них играет определенную роль в балете. Моя же жена полностью меня поддерживает: куда я, туда и она.
У нас двое детей. И они пойдут по нашим стопам: все данные у них есть, и музыкальность тоже. Детям успеха будет добиться проще, потому что папа и мама знают, как это делать. По крайней мере, пусть они начинают в балете, а там дальше посмотрим.
Где есть возможность, один или двое членов семьи постоянно летают со мной. Вот, я давал мастер-класс в Брюсселе, и мы туда полетели всей семьей. Так же было в Италии. Я пытаюсь всех с собой забрать, чтобы мы были вместе и нам не было скучно.

ЭВ: Последний маленький вопрос, поскольку вы участвуете в Летних балетных сезонах. Я обратила внимание, что вы танцуете в «Жизели» и «Баядерке». Почему эти два произведения, что в них такого особенного, может быть, технически интересного для вас?

Михаил Мартынюк: На самом деле, все чуть-чуть проще. Я их не выбирал.
В Летних балетных сезонах я участвовал один-единственный раз в 2007 году, когда Гедиминас Таранда меня позвал на «Щелкунчика». Но они тогда они ещё не были такими мощными, и на этом все закончилось. В прошлом году Элику Гельмановичу Меликову я помог с «Дон Кихотом», а в этом году всё сложилось случайно. Я не собирался ничего делать, меня просто пригласили в качестве гостя в Национальный классический балет под руководством Анны Неклюдовой на эти два спектакля: «Баядерка» и «Жизель». Время у меня до конца августа есть – пять моих спектаклей закончатся 25 августа.
Я эти спектакли танцевал. «Жизель» я готовил ещё с Екатериной Сергеевной Максимовой – через неё я и попал в «Жизель».
Одну «Баядерку» я уже станцевал, её поставил Андрес в 2015 году в Кремле. Знаете, мне кажется, это самая сложная «Баядерка» в мире, потому что чтобы танцевать в Кремлёвском дворце, надо иметь огромное количество сил, легких, вестибулярного аппарата – там сцена огромная и требует в два раза больше усилий. Но с этим балетом у меня сложилось – Андрес мне даже подарил головной убор на удачу. И мне в нем всегда везло. Поэтому за «Баядерку» Летних балетных сезонов я тоже взялся. К тому же, она у них немного изменена – Солор в их редакции в конце погибает, точнее, убивает себя. Я очень люблю драматические спектакли, мне было интересно, как пройдёт спектакль с таким финалом. И, по-моему, очень хорошо прошло.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4349

СообщениеДобавлено: Пн Авг 12, 2019 12:20 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019081102
Тема| Балет, Персоналии, Нино Самадашвили
Автор| Андрей Данило
Заголовок| “Люди предпочитают классику”. Балерина Нино Самадашвили — о Фестивале Биргитты и балете в Грузии
Где опубликовано| © DELFI
Дата публикации| 2019-08-11
Ссылка: https://bublik.delfi.ee/news/culture/lyudi-predpochitayut-klassiku-balerina-nino-samadashvili-o-festivale-birgitty-i-balete-v-gruzii
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В воскресенье Тбилисский государственный театр оперы и балета им. Палиашвили представит в Таллинне в рамках Фестиваля Биргитты балет “Дон Кихот”. Грузинская балерина Нино Самадашвили, исполняющая в балете ведущую партию, рассказала Delfi о постановке и балете в Грузии.

Нино уже не первый раз выступает в Эстонии — до этого она приезжала сюда пять лет назад на гастроли, но как говорит сама, “была еще маленькой”, поэтому разницу между грузинской и эстонской публикой не почувствовала.

“Сегодня вечером почувствую, какая будет разница”, — смеется она.
“Я не могу дождаться [начала репетиций], мне очень интересно, как это все выглядит внутри — сцена, зрительский зал…“ — говорит Нино о руинах монастыря Святой Биргитты, в которых проходит фестиваль.

- Помогает ли атмосфера древних руин восприятию произведения?

- Думаю, что да. Это будет очень интересно и не обычно, поможет по-другому его почувствовать. В Грузии много красивых и необычных мест, где тоже можно провести подобный фестиваль.

- Какова ситуация с балетом в Грузии — проявляют ли интерес люди, поддерживает ли его государство?

- Государство могло бы чуть-чуть еще лучше поддерживать. Людям ходят на постановки, все билеты обычно проданы, но им больше нравится классика, а более современное они до конца еще не приняли. Предпочитают “Лебединое озеро”, “Ромео и Джульетту”, “Дон Кихота” и т.д. Хотя интерес к современному усилился.

В “Дон Кихоте” Нино Самадашвили исполняет партию Китри. Согласно сюжету, вдохновленный рыцарскими подвигами Дон Кихот отправляется странствовать по миру, чтобы прославить свое имя и встречает Китри — дочь трактирщика, в которой он видит даму своего сердца Дульсинею.

“Когда я танцую эту партию, я получаю огромное удовольствие. Никогда не испытываю стресс, как, например, во время “Лебединого озера”. С Китри я очень свободно себя чувствую. Она игривая дама, у нее есть спесь — и эта смесь для меня очень приятна”, — рассказывает балерина.

Что касается самой постановки, авторства Нины Ананиашвили и Алексея Фадеечева, то она близка к оригиналу и в ней нет больших изменений, заверяет Нино.

Балет “Дон Кихот” на фестивале Биргитта будет показан уже сегодня вечером в 19:00.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4349

СообщениеДобавлено: Пн Авг 12, 2019 12:22 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019081103
Тема| Балет, фестиваль "Биргитта", Персоналии, Эри Клас, Тоомас Эдур, Алена Шкатула, Андреа Фаббри, Евгений Гриб, Наталья Огнева, Артем Хорошилов
Автор|
Заголовок| ФОТО: на фестивале "Биргитта" впервые прошел балетный гала-концерт
Где опубликовано| © ERR (Eesti Rahvusringhääling )
Дата публикации| 2019-08-11
Ссылка: https://rus.err.ee/969681/foto-na-festivale-birgitta-vpervye-proshel-baletnyj-gala-koncert
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


В субботу, 10 августа, в рамках музыкального фестиваля "Биргитта" состоялся балетный гала-концерт, художественным руководителем которого был Тоомас Эдур. На представлении был аншлаг, посмотреть на звезд балета из Германии, Финляндии, России, Швеции и Эстонии пришло более 1100 зрителей.

В этом году фестиваль посвящен 80-летней годовщине со дня рождения маэстро Эри Класа. Балет был большой страстью Класа, за время своей творческой деятельности он дирижировал немало балетных постановок во всем мире.

"Балет каждый год есть в программе фестиваля, но гала-концерт проходит в первый раз. Может, это новая традиция. Оперные гала-представления были здесь, а балетные - первый раз. Идея состояла в том, чтобы пригласить ведущие пары из самых больших театров, где работал Эри Клас. И, конечно, самое большое событие, что в Эстонии ранее никогда не танцевали хореографию Джона Ноймайера, с которым Клас работал, записывал и создавал балеты", - говорил ранее в интервью "Актуальной камере" художественный руководитель балетной труппы Национальной оперы Эстонии Тоомас Эдур.

В гала-концерте Эстонский национальный балет представляли Алена Шкатула, Андреа Фаббри и Евгений Гриб, а Государственный академический театр классического балета Н. Касаткиной и В. Василева (Москва) - Наталья Огнева и Артем Хорошилов.
Фестиваль продлится до 18 августа. С программой "Биргитты" можно ознакомиться здесь.


ФОТОГАЛЕРЕЯ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу 1, 2, 3, 4  След.
Страница 1 из 4

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика