Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2019-03
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Мар 28, 2019 3:08 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032801
Тема| Музыка, Опера, Персоналии, Ильдар Абдразаков
Автор| Юлия Чечикова
Заголовок| ИЛЬДАР АБДРАЗАКОВ:
ОДНИХ ЦАРЕЙ ПЕТЬ СКУЧНО! МНЕ НРАВИТСЯ БЫТЬ РАЗНЫМ

Где опубликовано| © Журнал Музыкальная жизнь, № 3
Дата публикации| 2019 март (на сайте журнала опубликовано 27.03.2019)
Ссылка| http://muzlifemagazine.ru/ildar-abdrazakov-odnikh-carey-pet-sk/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



В конце апреля Башкирский театр оперы и балета представит «сценический раритет» – ​«Аттилу» Верди. Дело не только в том, что ранний шедевр будущего «маэстро итальянской революции» – ​не частый гость на российской сцене. Ильдар Абдразаков (ИА), лучший исполнитель партии свирепого короля гуннов, выступает здесь впервые в качестве постановщика.

О том, как один из самых востребованных в мире басов решил попробовать себя на режиссерском поприще, попыталась узнать Юлия Чечикова (ЮЧ).

ЮЧ Ильдар, вы – настоящий рекордс­мен по количеству воплощений Аттилы на мировой оперной сцене. Впервые этот образ примерили в Перу в 2009 году. Затем были постановки в Нью-Йорке, Санкт-­Петербурге, Риме, Астане, Монте-Карло. Самая свежая – недавняя в Милане. Какие метаморфозы происходят с вашим правителем варварских племен?

ИА Образ становится ближе к коже. Знакомство с ним произошло десять лет назад, но каждый подход раскрывает новые черты его характера. Кроме того, со временем голос становится крупнее, больше, по-разному выстраиваешь драматургию роли в зависимости от контекста и режиссерской идеи. А вообще, когда я слушаю запись двадцатилетней давности с конкурса Марии Каллас – я выиграл его опять же с арией Аттилы, удивляюсь, как мне тогда дали премию. Разница ощутимая.

ЮЧ Для вас существенно, в какую эпоху режиссер помещает вашего героя?

ИА Аттила был великим полководцем, хотя взгляды исследователей на его личность диаметрально противоположны. В те времена завоевывали земли, боролись за идею или богатства. Играя варвара, неплохо знать хотя бы общий исторический контекст эпохи расцвета Гуннской империи. Портрет Аттилы обрастает новыми деталями, если обратиться к его изображениям в искусстве: например, в Ватикане есть барельеф XVII века работы Алессандро Альгарди и фреска Рафаэля в Станца д’Элиодоро (XVI век). Обе изобра­жают момент встречи Папы Римского Льва Великого с Аттилой. Даже по этим ориентирам можно составить представление о масштабах личности этого правителя, понять, какие события становились движущей силой истории того времени, и почему имя Аттилы звучало на весь мир. Говорили, что там, где прошел Аттила, даже трава не растет. А в средневековых трактатах его называли не иначе как «бич божий». Данте поместил его в своей «Божественной комедии» в седьмой круг ада.

У Верди же в одноименной опере Аттила – разнохарактерный: с одной стороны, грозный покоритель земель, с другой – человек, склонный к некоторой сентиментальности, расположенный к друзьям. Он наделен обаянием настолько, что в него может влюбиться женщина, и он сам хочет испытать это чувство. В версии Верди его гибель предопределена предательством. В этом – не человеческая слабость, но в каком-то отношении слепая доверчивость: нередко обладающий властью человек заблуждается, веря в собственное всесилие. На этом Аттила и погорел. Его сгубили чувства – не просто к женщине, но к женщине мужественной, способной дать отпор. Хотя реальный прототип вердиевского гунна погиб иначе – не на поле боя, как можно было предположить, но на брачном ложе, из-за последствий бурных возлияний по этому поводу.

Что же касается режиссерских решений, то признаюсь, что классические постановки ближе моему сердцу.

ЮЧ Под классическими постановками вы понимаете спектакли, соблюдающие «дресс-код» соответствующей эпохи?

ИА Да. Конечно, режиссер волен одеть Аттилу в деловой костюм и пропустить либретто Темистокле Солера и Франческо Пьяве сквозь призму универсальной идейно-политической борьбы, проецируя описываемые события на современное общество, – и препятствовать ему не будет никто. Но, на мой взгляд, это не прозвучит так мощно и богато, как постановка, действие которой окружено художественно воссозданной предметно-бытовой средой исходной эпохи – с шкурами животных, золотом, военными артефактами. Можно сказать, что я сам – из рода кочевников, и, вероятно, поэтому мне хочется вернуть моего Аттилу в его привычную обстановку. Генетическую память не сотрешь, и, следуя ей, мне хочется, чтобы было так, а не иначе. Если бы я жил в Штатах и происходил из какой-то состоятельной семьи, скажем, испанских эмигрантов, то представлял бы это все по-другому. Но так как я из Башкирии, из племен, которые продавали лошадей, представляете, какая кровь во мне течет?

ЮЧ Я смотрела «Аттилу» в версии Ла Скала, и она мне показалась убедительной, хотя там явно намек на времена Муссолини.

ИА Мы все же говорим о том, что мне близко. Когда директор Ла Скала Александр Перейра предложил мне открыть «Аттилой» новый сезон, я, конечно, согласился. «Мы берем это название, только если заглавную партию будешь петь ты. Готов?» – спросил он меня. С Ла Скала меня связывает многолетняя дружба. Я выступал там в одиннадцати или двенадцати постановках. Поэтому идея с «Аттилой» мне понравилась безоговорочно. Тем более что с этим шедевром Верди связана моя история любви с самим оперным жанром. Именно благодаря «Аттиле» я начал понимать, что такое опера, театр.

Постановка в Ла Скала была по-своему хороша. А у Мет, к примеру, получилась довольно странная версия «Аттилы», хотя ее вытянула отличная команда солистов и маэстро Риккардо Мути в оркестровой яме – все, кто был причастен к музыкальной составляющей. Римский «Аттила» балансировал на грани классики и модерна, такой красивый, аккуратный…

ЮЧ В ваших словах чувствуется некая ирония. Чего же хочется вам самому?

ИА Больше зрелищности, возможно, даже натурализма и кинематографичности в изображении красоты и жестокости, но не во вред действию, конечно. Хочется, чтобы события, происходящие на сцене, такие, как затмение во втором акте (в Ла Скала это получилось великолепно!), вызывали сильные эмоции, как при просмотре захватывающей кинокартины. Во многих современных больших театрах это можно реализовать.

ЮЧ Могу предположить, что именно эту задачу вы ставите перед собой как режиссер грядущей постановки «Аттилы» в Башкирском оперном театре?

ИА Благодаря художнику по костюмам и декорациям Ивану Складчикову, думаю, получится очень красивый спектакль. Все цеха работают на полную мощность, работа кипит!

ЮЧ Что вас подтолкнуло к тому, чтобы выступить в новом качестве?

ИА Во-первых, мне давно хотелось сделать на малой родине, в Уфе, что-то масштабное – в художественном отношении это город с огромным потенциалом. Здесь очень чуткая, внимательная публика, которую хочется развивать на лучших образцах того, что сейчас есть в мировой опере. Во-вторых, уже несколько лет, приезжая на ту или иную оперную продукцию, я ловлю себя на мысли, что во время репетиций складывается пристрастное отношение к будущему спектаклю – режиссер вроде очень аргументированно подает свои мысли, доходчиво разъясняя свое видение. Ты пропитываешься этим и смотришь на происходящее только изнутри. Начинается серия – и выясняется, что зрители в зале не принимают режиссерской трактовки. Мне нередко приходится слышать критические высказывания кого-то из публики в адрес именно постановочной группы. И каждый раз я пытаюсь проанализировать – почему же в итоге спектакль ругают? Какие свои идеи пытается вынести на сцену режиссер, и почему они не получают поддержки? В процессе этих размышлений я решил сам попробовать выступить как режиссер, опираясь на свой опыт работы в театре, – если не сейчас, то, наверное, никогда. И я благодарен директору Башкирского оперного – Ильмару Альмухаметову – за то, что моя мечта осуществилась.

КАЖДЫЙ РАЗ Я ПЫТАЮСЬ ПРОАНАЛИЗИРОВАТЬ – ПОЧЕМУ СПЕКТАКЛЬ РУГАЮТ? Я РЕШИЛ САМ ПОПРОБОВАТЬ ВЫСТУПИТЬ КАК РЕЖИССЕР. ЕСЛИ НЕ СЕЙЧАС, ТО, НАВЕРНОЕ, НИКОГДА

ЮЧ И ваш выбор пал на «Аттилу».

ИА Я уже говорил вам летом в Париже, что это произведение знаю досконально – от первого и до последнего такта, многократно работал над ним со многими выдающимися дирижерами. Что мне может помешать его поставить? У каждого спектакля, конечно, своя продолжительность жизни – и это тоже нужно учитывать. Есть такие постановки, которые остаются в репертуаре и по двадцать лет, а есть «проектные» – на пару сезонов. Мне бы очень хотелось, чтобы мой «Аттила» в Башкирском театре прожил подольше – в том числе и из-за участия в нем певцов с прекрасными голосами. Этот спектакль можно было бы показывать в других городах, или, наоборот, привлекать в него замечательных приглашенных солистов. Я и мой брат, Аскар Абдразаков, приезжая в Уфу, также с огромным удовольствием пели бы в этой постановке.

ЮЧ К «Аттиле» давно приклеился ярлык одной из наименее исполняемых опер Верди. Так ли это на самом деле?

ИА У нее действительно слишком много конкурентов внутри наследия самого Верди. «Аттила» исполняется не так часто, как популярные «Риголетто», «Травиата», «Аида», «Отелло». Интенданты театров не против «Аттилы», но есть такие, кто утверждает, что для этой оперы сложно найти подходящего режиссера – многим якобы ее ставить скучно. Не знаю, кого они имеют в виду, но мне всегда везло – работая над «Аттилой», я не видел ни одного режиссера, который бы не погружался в материал или относился к нему формально. И нас, певцов, это тоже стимулировало, разжигало интерес.

Кстати, существуют требования к составу солистов в «Аттиле» – он должен быть очень ровный. И это тоже, вероятно, одна из причин, почему эту оперу Верди ставят не так часто. На сегодняшний день, к примеру, большая проблема найти подходящую певицу для сопрановой партии Одабеллы. Помимо большого диапазона здесь нужна пластичность в голосе – плотно звучащие низы, пиано в высокой тесситуре. Сам типаж тоже играет не последнюю роль. Нужен сильный характер, женщина с внутренним стержнем. Партия баса – самого Аттилы – тоже не самая простая, хотя написана «на середине», но с верхами, и требует выносливости. Для Эцио, баритона, стоит задача правильно выстроить баланс между драматичными и лирическими моментами. Для партии Форесто нужен тенор такого склада, как Радамес в «Аиде».

ЮЧ Чем для вас интересен молодой Верди – с точки зрения музыки и драматургии?

ИА В свой ранний период Верди был ближе к Доницетти, к бельканто. На этой музыке очень хорошо расти, развивать голос. Она дает возможность выразить то, что хотел сказать композитор, дать контрастные эмоции, продемонстрировать свой диапазон. Есть ранние арии Верди, которые я пою для разминки в своей артистической прежде, чем выйти на сцену – например, ария Банко из «Макбета» или ария и кабалетта Дона Руи из «Эрнани». Дон Руи вначале поет о том, что его сердце превратилось в кусок льда, и надежда покинула его, но потом в кабалетте грусть отступает, просыпается решительность, сила. Такими разнополярными по эмоциям арии и кабалетте – от плача и до героических настроений – легко настроить свой инструмент.

ЮЧ Давиде Ливерморе, режиссер «Аттилы» в Ла Скала, в одном из интервью сказал: «Даже рэпер из Бронкса не так популярен, как Верди».

ИА Думаю, он имел в виду, что Верди остается очень популярным автором, несмотря на то, что принадлежит XIX веку, и в его произведениях запечатлены истории на все времена, поэтому они универсальны и понятны в любую эпоху. Если брать Италию, то в каждой деревне есть улица Верди. В Нью-Йорке, когда я сотрудничал с Мет, жил на Бродвее рядом со сквером Верди, где установлен бюст в его память.

ЮЧ Я заметила, что после партии Годунова в Парижской опере прошлым летом вы сразу переключились на буффонный персонаж Мустафы в «Итальянке в Алжире». Теперь после жестокого варвара спели Лепорелло в «Дон Жуане». Это совпадение, или же для вас действительно важна смена амплуа и масок?

ИА Петь одних царей на сцене – скучно. Мне нравится и подурачиться, быть смешным. Быть разным! Россиниевскую «Итальянку» я очень люблю, также как и «Севильского цирюльника». А Лепорелло – это сложная роль, с множеством речитативов, требующая от исполнителя постоянного движения, участия в ансамблях. Это образ не статичный, его нельзя по умолчанию включить в галерею буффонных образов: в финале именно Лепорелло становится выразителем чувства страха – чего же добился в итоге его хозяин.

ЮЧ Дон Жуана вы тоже пели. Каково это было – посмотреть на «родного» персонажа с позиции его слуги?

ИА Это был очень полезный опыт. Причем Дон Жуана я пел в той же самой постановке. А сейчас расклад поменялся: я – Лепорелло, а Дон Жуаном стал Лука Пизарони. Для него это дебютная партия. Он хороший парень, мы давно знакомы, уважаем друг друга, поэтому вместе работаем с большим удовольствием.

ЮЧ Кстати, заметила в ваших соцсетях, что этот спектакль посмотрел Брюс Уиллис. У вас опубликовано совместное фото с ним.

ИА Да, визит «крепкого орешка» за сцену встряхнул всю нашу артистическую команду. Я вырос на фильмах с его участием. А пришел он неслучайно – Рэйчел Уиллис-Соренсен, исполнительница партии Донны Анны, познакомилась с ним чуть ли не на улице Нью-Йорка, рассказала, что поет в Мет, и пригласила его в театр. Знаю, что среди голливудских звезд есть большие поклонники оперы – Мэрил Стрип, например.

ЮЧ В марте вы провели свой второй фестиваль. От чего отталкивались, составляя его программу?

ИА По большей части от приглашенных солистов, их голосов и репертуара, в котором они смотрятся наиболее выигрышно. В Уфу я позвал Василия Ладюка, двух певиц из Италии – одну из Академии театра Ла Скала – Анну-Дорис Капителли, меццо-сопрано, другую – Мартину Грезия, сопрано из Академии Санта-Чечилия в Риме. Еще я задействовал хорошего уфимского тенора Кирилла Белова – студента Академии молодых оперных певцов Мариинского театра, в минувшем году он стал лауреатом Международного конкурса имени Н. А. Римского-Корсакова. В Москве вместе с Лоуренсом Браунли выступила Диляра Идрисова, которая делает серьезные шаги в барочном репертуаре, хотя, на мой взгляд, ее голос подошел бы и для опер Беллини или Доницетти.

Для Казани и Альметьевска я оставил программы, полностью посвященные Верди. Также важной составляющей была образовательная часть с мастер-классами. По их итогам удалось отобрать ряд талантливых молодых певцов. Ко мне очень часто приходят за советом интенданты театров, режиссеры – и тем, и другим нужна молодая кровь, те люди, с которыми можно работать. Мастер-классы в этом отношении стали очень удобным инструментом – когда ко мне вновь обратятся за рекомендациями, я смогу назвать какие-то новые имена. Молодежь нужно взращивать и направлять в нужное русло, грамотно подбирать репертуар. Естественно, есть певцы, способные взять хороший старт и со сложными партиями, но все чаще я наблюдаю картину, когда начинающий оперный певец не выдерживает и пяти-семи лет испытаний творчеством и остается где-то за бортом.

ЮЧ А в уфимского «Аттилу» вы позвали новые кадры?

ИА Нет, в основных партиях я предпочел сделать ставку на опыт. И думаю, что это правильно. Привлекать молодых на такие непростые роли очень рискованно.

ЮЧ Кому доверили работу с оркестром?

ИА У нас есть Артем Макаров, прекрасный перспективный дирижер. В этом году он вошел в состав жюри «Золотой Маски». Если у него возникнут какие-то сложности, я всегда могу ему что-то подсказать.

ЮЧ То есть, помимо режиссерского кресла, заглавной партии, вы сможете еще и консультировать дирижера?

ИА В качестве примера приведу Риккардо Мути: перед каждым крупным проектом – будь то ряд симфонических партитур или опера, даже та, которую он уже дирижировал, – Мути отправляется на неделю к себе в местечко Мольфетта в Италии и каждый день занимается только этим произведением. Сейчас, к сожалению, повсеместна практика, что можно обойтись и без репетиций. Можно, но получается по-всякому – и далеко не всегда гениально. Поэтому, чтобы Верди не превратился в кабаре, нужно уделить очень много внимания работе с оркестром.

ЮЧ Но все же есть дирижеры, которые очень эффективно используют репети­ционное время и за меньшие сроки способны достичь внушительного результата.

ИА Конечно, но если речь о симфонии. За три часа отрепетировать оперу невозможно! Предложения дирижера должны быть обоюдными – у каждого из нас свои биоритмы, и певцам требуется время, чтобы понять голосом и душой, чего же добивается дирижер. К моему великому сожалению, уходят в прошлое репетиции в классах под рояль. Ведь одну и ту же фразу можно спеть по-разному, и все оттенки и нюансы возникают в процессе совместной работы с дирижером в классе.

ЮЧ В «Годунове», судя по фото с репетиций, было именно так.

ИА Да. Владимир Юровский – исключительный музыкант. И его тактика мне очень нравится – с ним мы обговаривали каждое слово, каждую запятую. Для него каждая фраза глубоко прочувствована и содержит свой энергетический заряд. Поэтому мне очень удобно с ним работать – он дышит со мной, а я дышу с ним. Это встречается крайне редко. Таких дирижеров, как Юровский, – меньше, чем пальцев на руке.

ЮЧ Вероятно, это была его инициатива – исполнить летом в Москве «Песни и пляски смерти» Мусоргского?

ИА Конечно. Предложение исходило от Володи. Это сумасшедшее произведение! Я пел его как-то в Мексике на фестивале в Гуанахуато. В зале сидели сплошные мексиканцы, посол России в Мексике и директор Русского музея Владимир Гусев. После концерта ко мне подходили люди из публики, делились восторгами. Если уж мексиканцы прониклись, мало знакомые с русской культурой, представляю, какое впечатление это произведет на нашего слушателя.

ФОТО: ANTON WELT И SAIOA HERNANDEZ
=========================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4138

СообщениеДобавлено: Пт Мар 29, 2019 12:36 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032802
Тема| Музыка, Опера, МТ, фестиваль "Римский-Корсаков - 175", "Моцарт и Сальери", "Кащей Бессмертный", Персоналии, Вячеслав Стародубцев
Автор|
Заголовок| Мариинский театр обратился к двум редко исполняемым операм Николая Римского-Корсакова
Оперы представят на сцене Концертного зала театра 28 марта

Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2019-03-28
Ссылка| https://tass.ru/kultura/6267148
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

САНКТ-ПЕТЕРБУРГ, 28 марта. /ТАСС/. Две редко исполняемые одноактные оперы Николая Римского-Корсакова - "Моцарт и Сальери" и "Кащей Бессмертный" - будут показаны в четверг на сцене Концертного зала Мариинского театра. Эти премьеры вошли в программу фестиваля "Римский-Корсаков - 175", где представлено все оперное наследие композитора.
Поставить эти произведения был приглашен главный режиссер Новосибирского государственного академического театра оперы и балета Вячеслав Стародубцев, автор более 30 спектаклей в музыкальных и драматических театрах Москвы, Санкт-Петербурга, Владивостока и Новосибирска.
"Моцарт и Сальери" и "Кащей Бессмертный" - это, конечно, выдающиеся драматические оперы, они не так просты, как кажутся на первый взгляд. Именно своей музыкальной драматургией они в разное время привлекали великих певцов. Нам хотелось сделать очень драматичную историю. Костюмы решены в некой фэшн-традиции: это яркие исторические костюмы, но стилизованные под сегодняшний день, чем мы немного приблизили к нам сюжет, сделали его более понятным современному зрителю", - рассказал режиссер-постановщик в беседе с журналистами.
Оперу "Моцарт и Сальери" (1897 год) композитор посвятил памяти Александра Даргомыжского, чья опера "Каменный гость" послужила Римскому-Корсакову ориентиром в подходе к литературной основе - с полным использованием пушкинского текста из "Маленьких трагедий". Здесь звучат также цитаты из моцартовских "Свадьбы Фигаро", "Дон Жуана" и Реквиема, исполняемого хором за сценой. Первые две постановки этой оперы в Мариинском были осуществлены с 1905 и 1919 годов, причем оба раза - при участии Федора Шаляпина.
"Осеннюю сказочку", как называл оперу "Кащей Бессмертный" (1902 год) сам композитор, биографы относят к экспериментальным сочинениям Римского-Корсакова, где смелость музыкального языка сочетается с необычной образной системой и драматургией. "Кащей", впервые показанный в 1902 году в Частной опере Мамонтова, был созвучен политическим настроениям того времени, и на большой сцене он появился только в 1917 году. В Мариинском опера ставилась в 1919 и 1993 годах, а два года назад ее представили в концертном исполнении солисты Академии молодых оперных певцов Мариинского театра.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4138

СообщениеДобавлено: Пт Мар 29, 2019 12:36 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032803
Тема| Музыка, Опера, Геликон-опера, "Орландо, Орландо", Персоналии, Георгий Исаакян, Кирилл Новохатько, Анна Гречишкина, Эндрю Лоуренс-Кинг, Хартмут Шоргхоффер, Габриэль Прокофьев
Автор| Евгений Верлин
Заголовок| В "Геликон-опере" состоялась премьера оперы "Орландо, Орландо"
Кирилл Новохатько и Анна Гречишкина исполнили главные партии

Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2019-03-27
Ссылка| https://tass.ru/kultura/6266987
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

МОСКВА, 27 марта. /Корр. ТАСС Евгений Верлин/. Московский театр "Геликон-опера" представил в среду оперу "Орландо, Орландо", ставшую одновременно премьерой нового жанра музыкального театра - техно-барокко. За основу режиссером Георгием Исаакяном была взята никогда не ставившаяся в столице опера Георга Фридриха Генделя "Орландо", передает корреспондент ТАСС.
На современную интерпретацию классического произведения Генделя режиссера подвигло известие о убийстве в ночном клубе американского города Орландо в июне 2016 года. Главные партии исполнили Кирилл Новохатько и заслуженная артистка РФ Анна Гречишкина.
Отвечая на вопрос ТАСС о том, насколько возможно соединить музыкальную традицию с модернистским подходом к постановке, сохраняя при этом замысел композитора, Исаакян сказал: "Во многом индульгенцию дает участие в проекте одного из самых передовых сегодняшних барочных музыкантов Эндрю Лоуренса-Кинга, который уже много лет ведет в возглавляемом мною Театре имени Натальи Сац Академию барочной оперы".
"Когда мы общаемся с нашей публикой, мы должны делать эту музыку соответствующей сегодняшнему уровню мышления, сегодняшней быстроте переключений, - пояснил режиссер. - Отсюда идея привлечь Габриэла Прокофьева к написанию вставок по мотивам Генделя, но абсолютно в современной стилистике, плюс соединение этих двух историй - сумасшествия Орландо и безумца, расстрелявшего в 2016 году ночной клуб в американском городе Орландо".

Бегущая строка

Спектакль не сопровождается субтитрами в традиционном понимании. Бегущая строка дает только общее понимание содержания сцен. Это является сознательным ходом постановочной группы. В ходе нескольких прогонов постановщики сошлись на том, что субтитры отвлекают от сценического действия и музыки.
"Мы часто сталкивались с тем, что зрители, следя за бегущей строкой, отвлекаются от того, что реально происходит на сцене. Тем более что текст либретто "Орландо" перегружен мифологическими образами. Когда мы запустили строку, мы поняли, что никто не смотрит на артистов, а это несправедливо", - сказал пояснил Исаакян.
В работе над постановкой участвовали специалист по барочной музыке Эндрю Лоуренс-Кинг и театральный художник из Австрии Хартмут Шоргхоффер. Музыкальную обработку оперы осуществил внук русского композитора Сергея Прокофьева, диджей Габриэль Прокофьев.

Опера Генделя

Опера "Орландо" написана Генделем на сюжет поэмы Лудовико Ариосто "Неистовый Роланд". Премьера состоялась в Лондоне в 1733 году в Королевской академии музыки.
В основе сюжета - история рыцаря Орландо (Роланда), которого мучает ревность. Он отвергнут принцессой Анжеликой, любящей Медоро. Рыцарь Карла Великого находит утешение в воинских подвигах.

Нападение в Орландо

12 июня 2016 года в Орландо (штат Флорида, США) в результате стрельбы в ночном клубе погибли 50 человек и еще 53 человека пострадали. По данным полиции, стрельбу вел преступник-одиночка, 29-летний американец Омар Матин, сын выходцев из Афганистана. Он был ликвидирован при штурме здания силами правопорядка.
Ответственность за нападение взяла на себя террористическая организация "Исламское государство" (ИГ, запрещена в РФ).
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4138

СообщениеДобавлено: Пт Мар 29, 2019 12:36 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032804
Тема| Музыка, Московская филармония, Государственный симфонический оркестр Республики Татарстан, Персоналии, Александр Сладковский, Жан-Ив Тибоде
Автор| Марина Гайкович
Заголовок| Александр Сладковский с триумфом завершил первый филармонический абонемент
Где опубликовано| © Независимая газета
Дата публикации| 2019-03-27
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2019-03-27/100_190327filarm.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото предоставлено пресс-службой оркестра

Государственный симфонический оркестр Республики Татарстан завершил свой первый персональный абонемент в Московской филармонии. Резюмируя, скажем, что вызов брошен: Александр Сладковский и его подопечные «застолбили», пожалуй, пустующее место регионального оркестра которому удалось и стремительно взлететь и не вызвать раздражения у местных коллег (по крайней мере такого, чтобы долетало до столиц), или как пермская MusicAEterna расколоть общественность на два воюющих лагеря. Хорошо, что Александр Сладковский не экспериментирует с гардеробом и не украшает ботинки красными шнурками, иначе снискал бы скандальную славу. А так – всеобщее уважение.
Впрочем, экстравагантная концертная одежда не всегда отвлекает внимание от главного. В концерте, о котором идет речь, принял участие французский пианист Жан-Ив Тибоде, в биографии которого специально подчеркиваются сценические костюмы авторства Вивьен Вествуд. В Москве он блеснул хрустальными пуговицами на черной рубашке и костюмом с красным узором на темном фоне. Но впечатление произвел все же не этим. Пятый концерт Сен-Санса, «Египетский», как его называют по мелодии, которую композитор записал в Африке и использовал в своем сочинении, по-настоящему впечатлил. Столько в нем было грации, простоты и в то же время изящества и гибкости – начиная от песенной мелодии темы первой части и заканчивая бурлеском финала! К слову, оркестру Татарстана выпала честь стать российским партнером в мировом гастрольном турне Тибоде: в этом сезоне Пятый концерт Сен-Санса в его исполнении прозвучал в Монреале, Мюнхене, Барселоне, Берлине и других городах.
Предыктом к исполнению концерта стала симфоническая поэма Дебюсси «Море», а грандиозным кадансом – Фантастическая симфония Берлиоза. Сладковский рискнул представить хиты из французского репертуара. С такими музыкантами, какие работают в этом оркестре (обозреватель «НГ» восхищается каждый раз), обе партитуры не страшны: многочисленные соло, какими Дебюсси и Берлиоз насытили свои сочинения, были безукоризненны. Да и работу групп нельзя не отметить. Но вот ощущения стихии - блаженства утреннего покоя или рева девятого вала – поэзии увы, не было.
Театральными эффектами, напротив, было полно исполнение симфонии Берлиоза – Фантастическая их предлагает и предполагает в избытке: путешествия возлюбленной с бала на казнь, поданные сквозь дымку наркотического опьянения автора, завершаются на шабаше ведьм, в исполнении симфонического оркестра Татарстана прозвучавшем со всей инфернальной мощью.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11646

СообщениеДобавлено: Пт Мар 29, 2019 1:08 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032901
Тема| Музыка, Опера, Большой театр, Камерная сцена, Премьера
Автор| Александр Матусевич
Заголовок| На Никольской зазвонил телефон
Где опубликовано| © "Культура"
Дата публикации| 2019-03-26
Ссылка| http://portal-kultura.ru/articles/opera/247227-na-nikolskoy-zazvonil-telefon/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Второй самостоятельной постановкой Камерной оперы Покровского в новом статусе филиала ГАБТа стала двойчатка классика американской оперы прошлого века Джанкарло Менотти «Телефон» и «Медиум». Тем самым, несмотря на смену формата институции, ее стратегическая линия на освоение современных партитур сохраняется. Предыдущей премьерой театра была опера Александра Чайковского «Один день Ивана Денисовича» — ​произведение, созданное уже в новом веке, в постсоветской России, а последней премьерой покровцев до присоединения к Большому — ​опера ныне живущего финского композитора Калеви Ахо «Фрида и Диего».

По сравнению с ними оперы Менотти — ​совсем не новинки. Особенно это касается «Телефона», который в силу его сверхкамерности (всего два действующих лица), ставится весьма часто. В середине 1940-х Менотти создал две оперы подряд, причем «Телефон» — ​как своего рода довесок к «Медиуму», главным образом руководствуясь соображениями хронометража (тогдашняя практика Бродвея требовала обязательно «загрузить» вечер полностью). Но по сути оперы абсолютно разные, ничем друг с другом не связанные. «Телефон» — ​легкий комический диалог, базирующийся на напевном итальянском мелосе, почти мини-оперетка, восходящая истоками к «Служанке-госпоже» Перголези. «Медиум» — ​остродраматическое экспрессионистское высказывание, в котором наличествуют все необходимые компоненты, характерные для опуса подобной стилистики, — ​пограничные состояния героев, душевные муки и убийство в финале, а самое главное — ​весьма жесткий музыкальный язык, по-своему развивающий идеи нововенской школы.

Тем не менее молодой режиссер Александр Молочников решил во что бы то ни стало оперы объединить — ​связать их какой-то общей идеей, поместить в одно пространство, выстроить некое драматургическое единство. Поэтому все двухчасовое действие разворачивается в «Храме надежды» — ​спиритическом салоне Мадам Флоры (главной героини «Медиума»), где та дурачит доверчивых клиентов, демонстрируя им всяческие чудеса. «Телефону» отводится роль пролога — ​дочка Флоры Моника, ассистирующая в обманных сеансах, оборачивается героиней другой оперы Люси и флиртует с немым инвалидом Тоби (мимический персонаж «Медиума»), который, вследствие своей убогости, не имея никаких шансов завоевать юную красавицу, «подсовывает» ей вместо себя эффектного робота Бена. Модельный киборг успешно справляется с задачей соблазнения, а во второй части спектакля уже присутствует в качестве немого персонажа, технически обслуживая бесперебойный процесс в «Храме надежды».

Заведение и вправду напоминает некое сакральное пространство (сценография архитекторов Агнии Стерлиговой и Сергея Чобана): публика рассажена в зале на двух восходящих крыльях-подиумах, а в центре зала — ​площадка, увенчанная сенями-куполом, под которым и разворачивается действо. На внешней поверхности мелькают видеопроекции (работа «Радуга-дизайн») — ​видеочаты знакомств, градом сыплются СМС, на тюлевых «стенах» храма в момент спиритического морока появляются голографические изображения, в которых клиенты Флоры узнают своих умерших детей. Обе оперы идут на языках оригинала (английском и частично французском), поэтому публике еще приходится следить и за текстом — ​переводами пропеваемого артистами. Такая визуальная полифоничность спектакля весьма утомляет, усиливая клиповое мельтешение: запрессингованный информационным шумом зритель приходит в театр за чем-то иным, нежели его онлайн-офлайновые будни, а на него с удовольствием обрушивают те же практики, в условиях сцены гипертрофируя их. Впрочем, постановщики именно этого и хотели — ​максимальной натуралистичности и приближенности к реалиям современности, ибо эпоха создания опер кажется им слишком далекой и наивной.

Но на поверку «драматургическое единство» обеих опер оказывается весьма искусственным, что объяснимо — ​ведь истории у Менотти разные и рассказаны совершенно разными средствами. Единственная тема, которая присутствует и там, и там, это проблема коммуникации. Потребность общения существует, но его невозможно осуществить. В первом случае (в исходнике у Менотти) влюбленным мешает постоянно звонящий телефон (у Молочникова он не появляется вовсе — ​заменен более изощренными техническими средствами дня сегодняшнего), во втором — ​шарлатаны имитируют для несчастных родителей подобие этой коммуникации, в итоге оборачивающейся фарсом.

У композитора тема в обоих опусах решается принципиально по-разному — ​как комедия с хеппи-эндом и как фрейдистское блуждание с финалом печальным. Интегрировать эти две истории — ​задача абсолютно непосильная ни в идейном плане, ни в музыкальном, с чем постановщики в итоге и не справляются, несмотря на многословие их высказывания и поначалу кажущуюся занимательность.

При этом музыкально спектакль сделан, решен весьма качественно. Камерный оркестр под управлением Алексея Верещагина точен и слажен, выразителен и чуток во взаимоотношениях с певцами. Последние — ​вышколены и вокально, и артистически, четко отрабатывают вмененные им задачи, выполняя непростые пластические решения ролей. Звонкое сопрано Тамары Касумовой хорошо в партиях Люси и Моники, сочное меццо Ольги Дейнеки-Бостон выразительно в экспрессивной партии Флоры, грациозный баритон Азамата Цалити органичен в партии Бена, прекрасную ансамблевую культуру демонстрируют Екатерина Большакова (миссис Нолан), Александра Наношкина и Роман Шевчук (чета Гобино). Непростую мимическую роль Тоби — ​важнейшего связующего звена обеих частей спектакля — ​убедительно отыгрывает Аскар Нигамедзянов.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11646

СообщениеДобавлено: Пт Мар 29, 2019 1:11 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032902
Тема| Музыка, Опера, Большой театр, Камерная сцена, Премьера
Автор| Евгения Кривицкая
Заголовок| Сладковский устроил шабаш в Московской филармонии
Где опубликовано| © "Культура"
Дата публикации| 2019-03-25
Ссылка|http://portal-kultura.ru/articles/music/247134-sladkovskiy-ustroil-shabash-v-moskovskoy-filarmonii/
Аннотация|

Госоркестр Татарстана дал заключительный концерт персонального абонемента в Концертном зале имени Чайковского. Накануне они выступали в Большом зале Консерватории с программой, включившей мощнейшие партитуры двух столпов немецкой музыки: Вагнера и Штрауса. Выдали такой саунд в увертюре к «Тангейзеру», такой накал чувств во фрагментах из «Тристана и Изольды», что становилось боязно, смогут ли они поддержать такой уровень два вечера подряд. Но опасения оказались напрасны — ​и на следующий день у них получается даже круче.

«Для меня это колоссальный вызов, — ​признается художественный руководитель ГСО Александр Сладковский. — ​Я ставлю почти невыполнимые задачи, но это невероятно развивает оркестр».

В третьей программе персонального абонемента маэстро побаловал публику французскими изысками, продемонстрировав, что коллектив выработал не только хороший вкус и ювелирное техническое мастерство, но и обладает «лица необщим выраженьем».

В «Море» Дебюсси стихия предстала в изменчивости красок — ​от прозрачной ряби водной глади до грозных девятых валов. Отличительная черта интерпретаций Сладковского — ​ясность формы; ценное качество, особенно когда мы вступаем на такую зыбкую почву, как музыкальный импрессионизм. Однако плеск волн не усыпил слушателей, а, напротив, превратил в восторженных свидетелей чудесных картин.
Камень преткновения для российских оркестров — ​это духовые, их прямолинейность убийственна для французской куртуазности. Но Сладковскому удалось воспитать в своих музыкантах вкрадчивость тона, графичную точность, так что валторнам и трубам — ​особый респект. Их вкрадчивые реплики создавали тот мистический колорит, который присущ музыке Дебюсси. Но Сладковский не был бы самим собой, если бы в конце не подпустил лихой удали, сыграв завершение так, что вспомнился главный хит оркестра — ​«Стан Тамерлана». Но так как у импрессионистов пряность, роскошь орнаментальных контрапунктов также имеет восточные корни, то вольность оказалась вполне уместной.
Украшением вечера стало участие знаменитого французского пианиста Жан-Ива Тибоде. Имя этого музыканта уже многие годы является гарантией качества. Как бы ни оценивать его темперамент или нюансы трактовок, но техника артиста безупречна. Вместе с ГСО Тибоде сыграл Пятый концерт Сен-Санса, отточенный за годы до автоматизма. Все сложные места — ​октавы, скачки, бурлящие пассажи — ​получались с дистиллированной чистотой. Концерт имеет подзаголовок «Египетский» (так как был создан композитором после поездки по Нилу на парусной барке) и в какой-то мере продолжает восточную линию, пунктирно намеченную в «Море». Вся первая часть представляла стремительно текучую звуковую стихию, как будто музыканты импровизировали здесь и сейчас. Во второй проскальзывали испано-мавританские интонации (особенно запомнилось роскошное соло гобоя) и томные восточные вздохи, напоминающие картины половецкого стана у Бородина. А в финале пианист «оторвался» по полной, играя почти джаз.
Двигаясь в обратном хронологическом порядке, Сладковский вернулся к истокам романтизма — ​к знаменитой «Фантастической симфонии» Берлиоза. И тут стало ясно, какие грандиозные метаморфозы и стремительный творческий рост переживает оркестр из Татарстана. «Фантастическая симфония» прозвучала не просто удачно и технически совершенно: каждый такт приносил открытия и персональные находки. Как известно, Берлиоз впервые перенес принципы прозаического романа, его фабульность на музыкальную почву. Возможно, в наше время замысел композитора вызвал бы общественное порицание: все-таки пропаганда наркотиков, раз главный герой — ​Артист, принявший дозу опиума. Но если серьезно, то перипетии этой истории дают возможность создать увлекательную интерпретацию, чем не преминул воспользоваться Сладковский.
В первой части робость и иллюзорность грез сменялись безудержным порывом. Дальше мы почти воочию видели кружащуюся под вздохи скрипок балетную пару и очаровались предчувствием будущих балетов Чайковского. Следующая за этим «Сцена в полях» провоцирует дирижеров на глубокомысленную эпичность, вгоняющую публику в неимоверную скуку. К счастью, худрук ГСО, лишенный стремления к ложному пафосу, выстроил эту часть как роман в романе. В начале, в диалоге с гобоем, меланхоличный голос английского рожка напомнил о том, как безнадежно умирающий Тристан ожидал свою Изольду в вагнеровской опере. А в конце грозные раскаты литавр подготовили зал к дальнейшим инфернальным событиям этого повествования. В «Шествии на казнь» Сладковский подчеркнул гротесковость ситуации, добавив в звучание оркестра некоторую долю разухабистости. Так и хотелось процитировать булгаковское: «Маэстро! Урежьте марш!» Вся часть предстала как пассакалия, тема которой — ​нисходящая мелодия в басах — ​вдалбливалась вновь и вновь с утрированной аффектированностью.
Апогеем стал «Сон в ночь шабаша». Тут уж оркестр было не удержать. Зал заполнился адскими шорохами, стуком костей оживших мертвецов (прием col legno у скрипок). Лик Возлюбленной, утратив свою поэтичность, кривился в гаденькой ухмылке — ​это кларнет-пикколо подпускал джазовые глиссандо, всячески ерничая над человеческими сантиментами. Туба утробно выводила тему католической секвенции «День гнева». Картину разгула нечисти дополнили всплески фанфар у медных духовых и «смех» деревяшек.

«Фантастическая симфония» показала, что ГСО отправился на поиск персонального стиля, обещающего интереснейшие художественные откровения. «Конечно, за этим — ​мой ежедневный труд, — ​признается Александр Сладковский. — ​Мне некогда почивать на лаврах. Я с утра до вечера думаю об оркестре, как распределить силы музыкантов, наш репертуар. Для того чтобы команда забивала голы, игроки должны точно знать свои места на поле, привыкнуть к обязанностям и получать удовольствие от взаимодействия».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11646

СообщениеДобавлено: Пт Мар 29, 2019 2:20 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032903
Тема| Музыка, Опера, Венская опера, Орлеанская дева, Премьера, Персоналии, Елена Белкина
Автор| Андрей Золотов - мл.
Заголовок| Меццо-сопрано Елена Белкина дебютировала в опере "Орлеанская дева"
Где опубликовано| © "Российская газета"
Дата публикации| 2019-03-28
Ссылка| https://rg.ru/2019/03/28/mecco-soprano-elena-belkina-debiutirovala-v-opere-orleanskaia-deva.html
Аннотация|

Венский Театр ан дер Вин любит удивлять своих зрителей и слушателей. Удивил он их и на сей раз, поставив редко исполняемую оперу Петра Ильича Чайковского "Орлеанская дева". Премьера на этой исторической сцене, построенной товарищем Моцарта Эмануэлем Шиканедером, некогда видевшей премьеру бетховенского "Фиделио" - международная, как и положено венскому театру.

Голландский режиссер Лотте де Бир, которая три года назад представила на этой сцене эффектных "Искателей жемчуга" Бизе в виде съемок телевизионного шоу на Шри-Ланке, устроила из высокой романтической драмы Чайковского фрейдистско-феминистическую драму "о наболевшем".

Иоанна здесь - современная девушка-тинейджер в толстовке с капюшоном, которая застает на кухне своего отца на столе с любовницей, хочет уйти из дома, но вместо этого ей представляется во сне, в фантастическо-сказочных тонах, история девы-воительницы и национальной героини Франции. Однако хор ангелов и херувимов, зовущий ее на подвиг посреди современной девичьей спальни с высокой икеевской кроватью, - это собрание женщин-лидеров. В хоре легко узнаваемые "маски" активных дам разных эпох: королевы Елизаветы I и суфражисток, Марлен Дитрих и певицы Мадонны, Маргарет Тэтчер, Симоны де Бовуар. А двор превращенного в комедийного персонажа короля Карла VII (все выпевающий тенор из Михайловского театра в Петербурге Дмитрий Головнин) - это ступенчатый пьедестал, составленный из кухонной мебели. Наконец, битва Иоанны и Лионеля (яркий молодой исландский баритон Кристьян Йоханнессон) происходит в постели, пока их дублеры-акробаты бьются на мечах, эстетично летая в воздухе. В финале и народ, и "феминистические иконы", как они названы в программке, побивают камнями дублера Иоанны, пока хор поет про сожжение, а сама Иоанна спасает свою alter ego.
Во всем этом действе много суеты и разных символов: почти все старшие мужчины, которые встречаются Иоанне - король, архиепископ и даже стражники - носят на себе элемент одежды в такую же красную клетку, из какой был пиджак отца в прологе. Читай: девушка отыгрывает на них свой конфликт с отцом.

Спектакль далеко не бессмысленный. Но, во-первых, несколько избыточный и по количеству антуража, и по объему передвижений по сцене, и по весомости смыслов, которые режиссер пытается в него вкладывать. А с другой стороны, слишком часто гротеск, изобилующий на сцене, входит в конфликт с высокой романтикой музыки Чайковского. Чего уж удивляться, когда и все христианские образы этой оперы превращены в пародию. С положительной стороны можно отметить изысканный цвет и свет (сценография Clement & Sanou, художник по свету Алессандро Карлетти).

Как часто бывает в Театре ан дер Вин, положение спасает хор имени Арнольда Шёнберга - коллектив, участвующий во всех постановках, требующих хора. Мало кто умеет лучше этих артистов одновременно петь и двигаться, составляя собою основную ткань постановки. В этом спектакле они еще и лучше всех пели по-русски - не считая тех солистов, для которых русский - родной.

В яме гремел - в данном случае это не комплимент - Венский симфонический оркестр. Нет, плотная партитура Чайковского звучала у симфоникеров, как их называют в австрийской столице, вполне благородно и богато. Одаренная миниатюрный украинский дирижер Оксана Лынив, которая с прошлого сезона занимает пост музыкального руководителя оперы и симфонического оркестра второго города Австрии Граца, вела оркестр уверенным и четким жестом. Однако умерить музыкантов, равно как и хорошенько выстроить ансамбли, у нее не получилось.

Прямая речь

Главным же событием этой постановки стала исполнительница партии Иоанны, меццо-сопрано Елена Белкина. Создатели спектакля искали певицу, которая могла бы играть девушку-тинейджера и одновременно петь эту сложнейшую партию, первоначально написанную для сопрано, затем "спущенную" до меццо-сопрано, но сохранившую много очень высоких нот и пассажей.

В этом сезоне Белкина - живущая в Вене крымчанка - спела на этой же сцене и совершенно другую партию: Тесея в барочной опере Георга Фридриха Генделя "Тесей". И вот теперь Иоанна - партия, которую можно назвать певческим подвигом. "Сегодня в Вене родилась новая оперная звезда", многозначительно заявил на приеме после премьеры директор Театра ан дер Вин Роланд Гайер.

Елена Белкина ответила на несколько вопросов "Российской газеты".

Вы первый раз поете эту партию?

Елена Белкина: Да, первый. Это счастье, что мне представилась такая возможность. Потому что сколько есть великих, выдающихся меццо-сопрано, которые ни разу не спели эту роль - эта опера крайне редко идет на сцене. Есть только одна запись - из Большого театра, 1993 года, с Ниной Раутио в главной партии в версии для сопрано. Как известно, Чайковский написал Иоанну сначала для сопрано, потом сам переписал для меццо, и первоначальная премьера была с меццо-сопрано.

У вас получился сезон премьер в Театре ан дер Вин. Две титульные роли за один сезон: одна партия - барочная, а другая - романтическая.

Елена Белкина: Да, это два разных космоса. Я стараюсь не зацикливаться на трех партиях для своего голоса. Мне обязательно надо хотя бы одну новую роль в сезон выучить. Самый насыщенный за всю карьеру был 2018 год - пять новых партий: Тезей в "Тезее" и Руджеро в "Альцине" Генделя - две барочные партии; "Дева озера" Россини в Лозаннской опере, "Сказки Гофмана" в Токио и Адальджиза в "Норме" в Киеве.

Передо мной сидит молодая девушка и уверенно говорит "за всю карьеру". Вся карьера - это сколько?

Елена Белкина: В этом году - десять лет. И за это время уже более 30 партий. Начала в 2009 году в Лейпцигской опере. Мне тогда был 21 год. Это были небольшие роли, но сразу на таком высоком уровне - например, я спела тогда Ольгу в "Евгении Онегине" в постановке Конвичного. Причем в Лейпцигской опере играет знаменитый Гевандхаусоркестр. Это музыканты высочайшего класса. И для девочки, выросшей в Джанкое, петь в 21 год на такой сцене с такими музыкантами было огромной удачей. Я там проработала три года. Потом два года в Венской опере. В этот же период произошло участие в телевизионном фильме-опере "Золушка".

Как это получилось, что вы попали в этот фильм?

Елена Белкина: Началось все с конкурса "Опералия" в Москве в 2011 году, где я в полуфинале спела арию Секста из "Милосердия Тита", и там в последней части есть колоратуры. Это услышал продюсер фильма Андре Андерман, друг Пласидо Доминго. А он как раз тогда искал Золушку, и самое главное условие для него было - молодость. Он мог бы себе позволить именитую певицу, но хотел для камеры совсем молодую Золушку. Мне было 23 года. Он подошел ко мне и спросил: ты знаешь последнюю арию Золушки? Я, конечно, на слух знала, но никогда не пела в концерте. Я сказала: конечно, знаю. И он сказал: приходи завтра на прослушивание в Театр имени Станиславского и Немировича-Данченко. Я звоню своему другу-пианисту: пожалуйста, найди ноты и позанимайся со мной. Он выучил со мной арию, что я по нотам могла ее спеть. А когда пришла на прослушивание, увидела, что там стоят камеры - они смотрели на меня с разных углов. Потом у меня было 16 спектаклей "Севильского цирюльника" в Дюссельдорфе. Андерман приехал, послушал и утвердил меня окончательно. Потом он пригласил меня в Рим на встречу с режиссером Карло Вердоне. Это выдающийся итальянский комик. Незабываемые моменты.

Кого вы считаете своими учителями?

Елена Белкина: Мой первый и главный учитель - это Николай Иванович Горбатов, который преподавал в училище имени Глиера в Киеве. Он крымчанин, который вернулся в Крым в 2014 году, сейчас работает в Симферопольском музыкальном училище. Он поверил в мой талант. Он замечательный педагог, который любит открывать таланты. Например, солист Большого театра Богдан Волков - тоже его ученик.

В Киевской консерватории я училась у Евгении Мирошниченко - это легенда советского театра. Рассказывают, что когда она пела Лючию или Виолетту, поклонники ее буквально выносили на руках. Я не видела ее на сцене. Но я увидела, что такое дива.
В 21 год я уехала в Лейпциг. Там моим педагогом в консерватории был Ролан Шубер, баритон. Но мне очень хотелось заниматься именно с меццо-сопрано, со своим типом голоса. И когда мне надо было уже готовиться к Золушке, то я нашла в Мюнхене очень хорошего педагога - каммерзэнгерин Баварской оперы Марго Шиммель.

Как случилось, что вас позвали сразу на две главные партии в Театр ан дер Вин в одном сезоне?

Елена Белкина: Это совпадение. Сначала, когда готовили "Тезея" Генделя, случился конфликт между режиссером и дирижером. Режиссер Моше Ляйзер, как приверженец правдоподобия на сцене, хотел на партию Тезея взять контратенора. Но поскольку эта партия высоковата для контратеноров, дирижер Рене Якобс настоял на том, чтобы была женщина, и у него была своя певица на эту партию. Но режиссеру она показалась скучноватой, и он ее отверг. И театру нужно было очень поспешно найти кого-то, кто вообще мог это выучить и был бы свободен в это время. У меня на это время была запланирована Кармен в Дрездене. Но я прослушалась у Якобса, он меня утвердил, и от Дрездена пришлось отказаться. И сразу после того, как Якобс меня утвердил, директор театра звонит моему агенту и говорит: я вижу, что на сайте у Лены указана в разделе "Репертуар" партия Иоанны из "Орлеанской девы" Чайковского. На самом деле я знала оттуда одну арию и надеялась когда-нибудь спеть эту партию. А им срочно нужна была Иоанна, потому что Оксана Волкова отменила свое участие. И я согласилась на прослушивание. Но потом открыла клавир, и у меня волосы дыбом встали. Я сказала, что мне нужно еще пару дней, чтобы выучить еще три арии, которые я не знала, и спеть их одним полотном, чтобы понять, смогу ли я в принципе это спеть. И когда я это сделала, они сразу прислали мне контракт и удивились, что я могу петь и барокко, и Чайковского.
Получилось, что мне помог мой репертуар belcanto, для которого нужна железная техника. Спасибо Россини и Беллини. Оказалось, что это связующее звено между барокко и романтизмом, от них можно перейти и к Генделю, и к Чайковскому.

В России вы пока не пели?

Елена Белкина: Я пела Полину в "Пиковой даме" в Михайловском театре в Санкт-Петербурге в последнем спектакле Елены Образцовой, в котором она пела Графиню. Это незабываемо - познакомиться и быть на одной сцене с великой певицей. Кроме того, участвовала в одном гала-концерте телевизионного проекта "Большая опера" в 2014 году и однажды заменила свою коллегу на концерте в Новосибирске. Но серьезных партий или концертов в России пока не было.

Вас называют "украинско-австрийская певица". А вы сами кем себя считаете?

Елена Белкина: Я не считаю себя принадлежащей какой-то одной стране и не разделяю людей по национальной принадлежности. Паспорт у меня украинский, скоро будет австрийский - я уже восемь лет живу в Вене, замужем за австрийцем. Но я выросла в русскоговорящей семье - мой отец из Барнаула, мама - крымская татарка. Она до сих пор живет в Джанкое. А я - человек мира. Но, конечно же, я крымчанка. Это мое детство, мои корни.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11646

СообщениеДобавлено: Пт Мар 29, 2019 3:08 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032904
Тема| Музыка, Опера, Мариинский театр, Премьера, «Млада», Персоналии
Автор| Владимир Дудин
Заголовок| Что случилось на горе Триглав
В Мариинском театре фестиваль Римского-Корсакова
Где опубликовано| © "Российская газета"
Дата публикации| 2019-03-26
Ссылка| https://rg.ru/2019/03/26/reg-szfo/v-peterburge-pokazali-mirovuiu-premeru-opery-cezaria-kiui.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Валерий Гергиев открыл фестиваль, посвященный 175-летию со дня рождения композитора Николая Андреевича Римского-Корсакова, концертным исполнением оперы-балета "Млада" и гала-концертом из его симфонических сочинений на сцене Мариинского театра-2.

Главная идея фестиваля - исполнить все пятнадцать опер композитора в концертных и сценических версиях. Также в программе - вечера романсов и камерной музыки, выступление лауреатов международного конкурса молодых оперных певцов имени Римского-Корсакова, который проводится в Тихвине, на родине композитора. Римский-Корсаков для Петербурга - фигура культовая. Его именем названы училище и консерватория. Прах композитора покоится в некрополе мастеров искусств Александро-Невской лавры.

В Мариинском театре уже были поставлены все важные оперы Римского-Корсакова, включая "Сказание о невидимом граде Китеже", "Золотой петушок", "Сказка о царе Салтане". Художественный руководитель Академии молодых певцов Лариса Гергиева любит говорить о типе "римскокорсаковских певцов" (по аналогии с вагнеровскими), по-особому чувствующих и способных интерпретировать его музыку. Эти певцы, как правило, русскоговорящие, потому что для зарубежных артистов русский язык арий его опер часто становится камнем преткновения. Даже в популярной "Царской невесте" используется старославянская лексика. Например, в исполнявшейся на фестивале опере-балете "Млада" упоминаются "рарашки вещие" - в сцене торга в "долине перед Ретрою на берегу Долинского озера". Огненного духа "рарашека", связанного с культом очага, славянский язычник должен был высиживать дома на печи девять дней и ночей.

В "Младе" Римский-Корсаков попробовал использовать опыт тетралогии Вагнера. В итоге у него получился причудливый гибридный жанр оперы-балета, где главная героиня умерла еще до начала действия: лишь у скрипки осталась ее музыкальная тема. Собрав в сюжете славянских героев: Войславу, Мстивоя, Яромира, богиню Морену, - эта опера оказалась не слишком драматичной и не имела успешной сценической судьбы.

В этой партитуре Римский-Корсаков показал себя и человеком мира, и смелым, даже отчаянным экспериментатором. Он попытался здесь ответить на последние вопросы бытия, борьбы высших сил за человеческую душу. Сила любви безмолвной тени Млады оказалась сильнее козней отравившей Младу Войславы и богини Морены, и тень ее увела в заоблачную даль возлюбленного Яромира, предвосхитив подобную ситуацию в "Сказании о невидимом граде Китеже". Сопрано Анастасия Щеголева восхитила в партии Войславы красотой и свежестью тембра голоса, а Анна Кикнадзе в партии няньки-оборотня Святохны - роскошью красок и интонаций.

Слушая вдохновенную интерпретацию Валерия Гергиева и его солистов, подумал, каким блокбастером могла бы выглядеть "Млада" сегодня, с ее картинами превращений, балетным явлением царицы Клеопатры, сценой на горе Триглав с разгулом нечисти в духе гоголевского "Вия", с финалом-катастрофой.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11646

СообщениеДобавлено: Пт Мар 29, 2019 7:04 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032905
Тема| Музыка, Государственная академическая хоровая капелла России имени Александра Юрлова, Персоналии, Г. Дмитряк
Автор| Владимир Дудин
Заголовок| Геннадий Дмитряк: «Ритмом жизни нельзя пренебрегать»
Где опубликовано| © "Культура"
Дата публикации| 2019-03-28
Ссылка| http://portal-kultura.ru/articles/person/247469-gennadiy-dmitryak-ritmom-zhizni-nelzya-prenebregat/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Государственная академическая хоровая капелла России имени Александра Юрлова — прославленный коллектив, первый государственный хор страны, ее гордость и национальное достояние — отмечает столетний юбилей. Торжественный вечер состоится 2 апреля в Концертном зале имени Чайковского. Художественный руководитель и главный дирижер, народный артист России Геннадий Дмитряк — не просто лидер, он — хранитель очага, продолжатель традиций. Возможности коллектива безграничны, в его репертуаре — сложнейшие произведения: духовная музыка и современные рок-оперы, русская классика и мировые шедевры, сложнейшие сочинения крупного ораториального жанра и народные песни, киношлягеры и мюзиклы.

Более 70 концертов в год, из них не менее 50 с симфоническими оркестрами, руководимыми Валерием Гергиевым и Владимиром Федосеевым, Юрием Башметом и Сергеем Скрипкой. Сейчас, когда запела вся страна и возродилось Всероссийское хоровое общество, Капелла — легенда русского искусства — яркий пример для подражания и образец профессионализма. Об открытости новому и верности заветам и о том, как церковный ансамбль превратился в первый советский хор — «Культура» побеседовала с маэстро Геннадием Дмитряком.

Дмитряк: Подготовка к юбилею позволила нам осознать грандиозный путь Капеллы длиною в век. Так принято считать, а на самом-то деле ей 120 лет.

культура: Что за путаница в датах?

Дмитряк: Все начиналось с подмосковного семейного ансамбля крестьянина-самородка Ивана Юхова. В первые годы XX столетия любители перебрались в столицу и стали известным церковным хором. С ним выступали не только выдающиеся регенты и протодьяконы, но и знаменитые певцы, среди них — Антонина Нежданова и Василий Петров. Живет легенда, похоже, правдивая, что Ленин услышал пение хора Юхова и обронил фразу, ставшую руководством к действию: мол, хотелось бы, чтобы рабочие так же вдохновенно пели революционные песни. И сто лет назад юховское детище получило статус первого государственного хора.

культура: Когда хор стал капеллой?

Дмитряк: Его преобразовали в республиканскую хоровую капеллу России в 1942-м, когда только отогнали фашистов от Москвы. Потом были разные периоды, в том числе и лишение госфинансирования, и годы художественного упадка. Самое блистательное время — эпоха Александра Юрлова. В конце 50-х он попросил Министерство культуры дать ему шанс спасти Капеллу и положил на это жизнь. В пору расцвета творчества Шостаковича именно Капелла первой исполнила Тринадцатую симфонию и поэму «Казнь Степана Разина». Юрлов представил премьеры сочинений Свиридова: «Весенней кантаты», «Патетической оратории», «Поэмы памяти Сергея Есенина», «Курских песен» и дал жизнь трагедии «Июльское воскресение. (Севастополь, год 1942)» Владимира Рубина, посвященной подвигу защитников Отечества. Эти произведения сейчас в нашем репертуаре. Юрлов, конечно, из тех, кого Гумилев называл пассионариями, — созидатель, просветитель, грандиозная личность. Если бы не его преждевременная трагическая смерть в возрасте 45 лет, он, конечно, стал бы крупным государственным деятелем. Великий пропагандист русского и советского хорового искусства, он организовывал первые тематические фестивали, гастролировал с Капеллой по всей стране.

культура: Вы были знакомы с Александром Александровичем?

Дмитряк: Да, и его личность оставила во мне глубокий след. Молодым парнем я приехал из Магнитогорска в Москву, поступил в институт Гнесиных, где Юрлов руководил не только кафедрой, но и студенческим хором, в котором я пел. Позже я учился у Юрлова в аспирантуре. Он не был номинальным начальником, каждый день приходил в институт, жил его интересами, воспитал потрясающих музыкантов и успел открыть новый факультет дирижеров народного хора.

культура: При Юрлове отмечалось 50-летие Капеллы?

Дмитряк: Да, и тоже в апреле, тогда я находился на галерке, среди зрителей. Память сохранила еще один концерт середины 60-х в Большом зале Консерватории, когда Капелла выступила с программой духовных сочинений. Сейчас многие музыканты присваивают себе право первопроходцев в исполнении духовной музыки. Ничего подобного. Она зазвучала на сцене под началом Юрлова.

культура: Как это могло случиться во времена тотального атеизма?

Дмитряк: Советский Союз пригласили участвовать в международном фестивале старинной музыки — делегировали Юрлова. Подготовленную программу, с которой началась история русской духовной музыки в концертном формате, показали в БЗК. Я, второкурсник, был поражен: по улице Герцена текла река церковнослужителей, они заполнили весь партер, вход в Консерваторию охраняла конная милиция. В годы «оттепели» многое позволялось. Тогда же Александр Свешников, учитель Юрлова, записал свою великую интерпретацию «Всенощного бдения» Рахманинова — пластинку достать было невозможно. В память того вечера, к его 40-летию, я подготовил концерт, где Капелла исполнила те же сочинения — в продолжение певческих традиций синодалов.

культура: В чем эти традиции?

Дмитряк: Во внимании к смыслу слов, в точности фразировок и, конечно, в настоящих, глубоких голосах. И еще — потрясающие русские акценты: контраст между наполненным глубоким вольным звуком и его внезапным затиханием производит сильнейшее эмоциональное впечатление.

культура: Вы с гордостью говорили, что открываете юбилейные торжества гастролями по российским городам. Туры состоялись?

Дмитряк: Празднования 100-летия стартовали с начала сезона, и первое событие — наш крымский фестиваль в Севастополе. Дали три концерта разных направлений, и с каждым днем интерес слушателей возрастал. В первом прозвучала русская музыка и русская народная песня, во втором — в Свято-Владимирском кафедральном соборе Херсонеса исполнили «Всенощное бдение» Рахманинова. Завершили фестиваль «Глорией» Вивальди и «Реквиемом» Моцарта, пели с Севастопольским симфоническим оркестром. Дальше повели нас пути на Урал и в Сибирь, недавно вернулись из турне по городам России: Уфа, Нефтекамск, Набережные Челны.

культура: Как и Юрлову, Вам досталась Капелла в печальном состоянии. Помню, один известный дирижер говорил мне в интервью, что ищет хор для концерта, но к Капелле обращаться не станет — фальшиво поют. Это так?

Дмитряк: Капелла находилась не в самой лучшей форме, и тому есть объективные причины — распалась держава, многие коллективы испытывали острый дефицит финансирования. Тогда страна только собирала силы для рывка. К 2004 году все молодые, кто мог, ушли в модные тогда камерные хоры: собирались человек по 20 и отправлялись на гастроли. Капелла давала 12 концертов в год, сейчас столько бывает за месяц. С нами никто не хотел сотрудничать, приходилось упрашивать и заинтересовывать дирижеров. Началась тяжелая кропотливая работа с теми артистами, кто остался, набрать новых певцов не мог — никто на наши нищенские зарплаты не шел.

культура: Когда почувствовали возрождение коллектива?

Дмитряк: Отсчет веду с 2 февраля 2005-го, когда в Большом зале Консерватории провели концерт, посвященный памяти Юрлова. Исполнили «Страстную седмицу» Гречанинова и «Реквием» Моцарта» и пели уже достаточно прилично. С этой программой поехали на первую зарубежную гастроль на Канарские острова. Потом поступили приглашения от Юрия Башмета, чуть позже он задействовал нас в московской премьере «Стикса» Гии Канчели, и с тех пор на это гениальное сочинение Юрий Абрамович привлекает только нас. Вскоре последовало сотрудничество с Павлом Коганом, участие в фестивалях — Капелла вновь появилась на афишах. Поддержка системой грантов положила начало светлому периоду — в коллектив потянулись певцы. Сейчас у нас 70 человек, мы — самый большой хоровой коллектив в Москве.

культура: Этого достаточно?

Дмитряк: Хотелось бы 80, как в советское время, — это минимум, необходимый для таких крупных ораторий, как «Колокола» Рахманинова, «Реквием» Верди, «20 лет Октября» Прокофьева, «Реквием» Берлиоза. Такой состав способен поддерживать накопленный репертуар, а он составляет более 300 сочинений.

культура: Голос — единственный критерий при отборе артистов?

Дмитряк: Голос, конечно, главное условие, но его недостаточно. Необходимы образование и внутренняя человеческая культура. Без них не влиться в ту атмосферу, что царит на репетициях и на создание которой я потратил годы. Хотя не отношусь к диктаторам, но без идеальной дисциплины не могу работать. Нужна особая сосредоточенность, когда все сидят на кончике стула, не шелохнувшись.
Команда, с которой мы работаем все 15 лет, — надежный тыл, я даже не могу представить, чтобы кто-то из них предал меня или наше общее дело. Без Капеллы моя жизнь потеряет всякий смысл. Мы все — единомышленники, и у нас нет текучки кадров. Артисты покидают коллектив, только если появились иные цели — решили заняться сольным вокалом или потянул театр.

культура: Ваше прошлое, связанное с симфоническим оркестром, помогает Вам как хормейстеру?

Дмитряк: Моя страсть к оркестру сформировала мышление симфониста — в понимании формы, подаче темпа, ритма, кульминаций. Потому всегда стремлюсь к инструментальной гибкости звучания голосов, их разнообразию и богатству. Избегаю мощных, сильных, драматических «раскачиваний» звука, что разрушает ансамбль. Форсирования и вибрации для меня — признак дурного вкуса. Именно симфонический инструментализм позволяет добиться «цузамен», той высокой слаженности, необходимой в оркестре. В хоре не менее сложно передать прозрачность звучания и ясность ритма. Я часто говорю артистам, что музыка — самое точное из всех видов искусств, в партитуре все сказано.

культура: Стало быть, слова — на периферии Вашего внимания?

Дмитряк: Огромное значение для меня имеет текст, от него отталкиваюсь в работе над образом. Но первые репетиции провожу без слов, поем на какой-то слог, то есть сначала выстраиваю симфоническое развитие тем и фраз. Только соединив голоса, подключаю слова. Это, может, утяжеляет процесс, но помогает добиться наиболее осмысленного и наполненного прочтения.

культура: Вы исполняете духовную музыку и народные песни, мюзиклы и рок-оперы. Зачем такая всеядность?

Дмитряк: Наш коллектив — один из самых молодых, средний возраст певцов 30 лет, костяк — от 25 до 40. Молодости любопытно все, и мы не пропускаем новой, хорошей, настоящей музыки — с ясной драматургией, психологизмом, мелодическим богатством. Да и неинтересно повторять одни и те же сочинения и программы. Поэтому поем не только кантаты и оратории, но и суперсовременные сочинения: музыку кино, рок-оперы, мюзиклы. Сейчас увлеченно готовим хор «Бесы», созданный специально для нас Юрием Потеенко по стихотворению Пушкина. Ритмом жизни нельзя пренебрегать.
Работа в разных жанрах — давняя традиция Капеллы — она проникновенно озвучивала многие советские фильмы, среди них «Цирк» и «Веселые ребята». Не забываем о нашей истории и потому на каждом концерте исполняем Свиридова — когда-то нелегкая дружба композитора и Юрлова дала колоссальные результаты, и мы об этом помним. Недавно выпустили два тома «Антологии хорового творчества Свиридова», куда вошли все хоры a cappella Георгия Васильевича. Вот такой пестрый репертуар, идем по пути абсолютно верному и единственно возможному. Мы всегда в потоке времени и способны сделать «своей» любую музыку — от детских мультфильмов до концептуальных образов Эдуарда Артемьева.

культура: Звучание духовной музыки в храме и в концертном зале — различны?

Дмитряк: Безусловно, поэтому мы так любим петь в соборах, даже организовали фестиваль «Кремли и храмы России», выступали под церковными сводами в Ярославле, Пскове, Великом Новгороде, Севастополе, перечень можно продолжить. Духовная музыка в храме — диалог с небом — облекается в иную форму звучания, наполняется каким-то вневременным интонированием, хотя мы современные люди и, конечно, привносим в интерпретацию наши мысли, чувства, эмоции. Флоренский замечательно писал о бытовании икон в храме и в музее. В сакральном пространстве уникальная атмосфера — рядом с иконой — горящая свеча, и падает на Образ узкая полоска света из маленького окошка. В музее он выглядит совершенно иначе, но не теряет своей силы, там появляется другой магнетизм воздействия. То же самое с духовной музыкой. В концертных залах, даже там, где акустика не всегда позволяет, мы поем Березовского, Бортнянского, но чаще всего рахманиновские «Литургию» и «Всенощное бдение» — лучше написать невозможно. И публика чувствует, что на сцене происходит что-то очень важное, подхватывает мысли о бренности и вечности, понимает, что мы говорим о судьбе — каждого в отдельности и всех вместе.

культура: Как Вы это чувствуете?

Дмитряк: Наступает магнетическая тишина, когда я ощущаю, что сотни человек замерли. Снимаю звучание хора, дальше — генеральная пауза, и ее зрители чтут, не прерывают ни единым звуком. Новое вступление даю в этом безмолвии. Тишина нас связывает и объединяет, и это для меня главный критерий хорошего исполнения. Когда такого не возникает, то концерт — не сложился. Кстати, схожую реакцию вызывает русская народная песня.

культура: Что прозвучит на юбилейном концерте в КЗЧ?

Дмитряк: Поиск программы продолжался долгие месяцы, и только сейчас она сложилась. В драматургию концерта, который назвали «Музыка столетия», вошла история Отечества, весь минувший век. Начинаем с русской народной песни и русской духовной музыки. Дальше «расскажем» о важных событиях нашей Родины: «9 января» Шостаковича — напоминание о революции 1905-го, «Улица волнуется» Давиденко — о Февральской 1917-го, далее — Гражданская война, когда родился наш хор; 30–40-е — музыка из фильмов «Мы из Кронштадта» и песни Дунаевского из «Волги-Волги» и «Цирка». Великая отечественная — «Священная война», «Я убит подо Ржевом», «К вам, павшие», «Соловьи», «Наша Родина — Россия». Вторая часть программы — современные сочинения — лучшие из нашего репертуара, ставшие хитами, в финале — вновь русская народная песня и, конечно, «Славься» Глинки.

культура: Вы нередко проводите концерты, в которых инициируете участие Сводного хора городов России. Что это такое?

Дмитряк: Тоже дань памяти Юрлова, продолжение его начинания. Часто, приезжая в какие-то города со своей Капеллой, он присоединял к ней самодеятельные и профессиональные местные хоры и с ними исполнял «Патетическую ораторию» или «Поэму памяти Сергея Есенина». Я люблю сводные хоры, в них — масштабность и соборность русского искусства. На мемориальном фестивале, посвященном Юрлову, на сцену БЗК вышел хор в 350 человек из шести российских городов.

культура: Как Вы их соединяете?

Дмитряк: За один день репетиций, когда все собираются вместе. Каждый коллектив готовит сочинение заранее, я выезжаю к ним, участвую в их работе. Есть у меня идея завершить вековой юбилей Капеллы глобальным русским хоровым собором — вывести на сцену сводный хор из 500 человек. Надеюсь, замысел осуществится.



Юрий Башмет:
— Хочу от всей души поздравить дорогую Капеллу имени Юрлова — замечательный коллектив, с которым я очень много сотрудничаю, — с прекрасным, значительным, невероятным юбилеем — со 100-летием! Огромное количество программ и проектов появились как результат совместного творчества, которое объединяет меня с отличным высококлассным хором. Всегда испытываю огромную радость, когда мы что-то делаем вместе. Отдельно хочется сказать теплые слова о руководителе Капеллы — Геннадии Дмитряке. Человеке, который бесконечно находится в созидательном поиске, беззаветно предан музыке, всегда стремится не только соответствовать, но и приумножать традиции, делает на репетициях и концертах больше, чем кажется возможно. Уверен, что нас впереди ждет еще много прекрасных моментов, которые мы вместе будем проживать и во время репетиций, и на сцене, во время совместных выступлений. Желаю Капелле дальнейшего процветания!


Александр Соколов:
— С большим удовольствием поздравляю артистов замечательной Капеллы Юрлова и ее руководителя Геннадия Дмитряка. Он — мой коллега по Консерватории, где работает на кафедре хорового дирижирования. Правда, он принадлежит сразу двум школам — консерваторской и Гнесинской, где тоже занимает ведущие позиции. В этом перекрестном влиянии — символ нашего времени, и оно заставляет более вдумчиво относиться к традициям. А в юрловском хоре они грандиозны. Капелла ведет отсчет своего возраста с даты предоставления государственного статуса Хору Юхова. Но есть любопытная деталь, которую, может, не все знают: в 1910-м, почти десятилетием раньше официального рождения, в Московской консерватории отмечался 10-летний юбилей коллектива Ивана Юхова — сына крестьянина, регента, выпускника Синодального училища церковного пения. Кстати, впоследствии оно было объединено с Московской консерваторией, вот такие пересечения музыкальных судеб.
Перелистывая страницы истории Капеллы, можно вспоминать многие славные имена, но хочу сказать о дне сегодняшнем. Геннадий Дмитряк — музыкант выдающийся, отмеченный многими наградами и званием народного артиста России. Но главное, конечно, — признание, а оно — со стороны публики и коллег — полное и безоговорочное. Под его руководством богатые традиции не только не утрачены, они приумножены и как раз в возрождении истоков — духовной музыки. С другой стороны, неизменен интерес коллектива к творчеству современных композиторов. Это соединение в репертуаре разных направлений определяет художественную программу Капеллы. Она — наша радость и гордость, и концерты, которые пройдут в БЗК, — лучшее подтверждение моих слов.


Юрий Потеенко, композитор
— Геннадия Дмитряка я знал еще в период докапелльного творчества. Он замечательный музыкант, трепетный человек и очень талантливый дирижер.

Предложение написать что-то специально для Капеллы, да еще к ее юбилею, было очень лестным. Долго думал, искал тему, пытаясь найти что-то неожиданное, современное, в сегодняшнем духе. Кажется, нашел — в стихотворении Александра Сергеевича Пушкина «Бесы» — и написал сочинение для хора, органа, рояля, двух гитар и двух барабанщиков. Такого состава никогда и нигде не было. Соединить русское академическое пение и неформатное инструментальное сопровождение — история непростая, дело сложное. Пианист и органист — солисты Геннадия Дмитряка, ударный рок обеспечивают солисты Оркестра кинематографии Сергея Скрипки. Надеюсь и верю, что получится хорошо. Капелла уж точно не подведет.

С ней я связан узами почти родственными — мой педагог по специальности в музыкальном училище Глеб Иванович Савельев служил хормейстером юрловской Капеллы. Поэтому я хорошо знаю историю коллектива, путь ее развития, успехи и поражения разных лет. С моей точки зрения, сегодня Капелла — лучший хоровой коллектив страны.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4138

СообщениеДобавлено: Вт Апр 02, 2019 12:36 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 20190323201
Тема| Музыка, Опера, "Санктъ-Петербургъ Опера", опера для детей Цезаря Кюи "Красная шапочка", Персоналии, Юрий Александров, Роберт Лютен
Автор| Ольга Штраус
Заголовок| В Петербурге показали мировую премьеру оперы Цезаря Кюи
Где опубликовано| © "Российская газета"
Дата публикации| 2019-03-26
Ссылка| https://rg.ru/2019/03/26/reg-szfo/v-peterburge-pokazali-mirovuiu-premeru-opery-cezaria-kiui.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Театр "Санктъ-Петербургъ Опера" и его художественный руководитель Юрий Александров не перестает удивлять меломанов. На этот раз - очередной мировой премьерой. Опера для детей Цезаря Кюи "Красная шапочка" впервые прозвучала на профессиональной сцене.

Даже удивительно, что это произведение, написанное более ста лет назад - в 1911 году и посвященное цесаревичу Алексею Романову - до сих пор не заинтересовало никого из профессиональных постановщиков. Ведь мелодичная, грациозная, можно сказать какая-то ненавязчивая музыка и известная всем сказка Шарля Перро как нельзя лучше подходят для того, чтобы именно этим произведением начиналось детское знакомство с таким сложным жанром как опера.

Режиссер Александров прекрасно уловил эту особенность произведения Кюи. "Красная шапочка" - уже вторая детская опера композитора, увидевшая свет на подмостках "Санктъ-Петербургъ Опера". Первым стал "Кот в сапогах". Очевидно, можно надеяться, что все четыре детские оперы, написанные Цезарем Кюи, войдут со временем в репертуар театра. И не зря. Маленькая публика весьма живо реагирует на приключения Красной шапочки, ее матери, бабушки и волка, а также всех тех бессловесных лесных персонажей, которые появляются на сцене. Они нужны постановщику, чтобы создать атмосферу опасности и таинственности окружающего мира. И эта атмосфера авторам спектакля удается вполне. Здесь нельзя не отметить прекрасную, изобретательную работу художника Василия Цырлина и художника по свету Азата Юлбарисова. Замысловатые, сложно сочиненные костюмы заставляют разглядывать их как отдельные произведения искусства. А остроумно решенный прием "пожирания" волком бабушки становится прямо-таки отдельным спектаклем в спектакле - и страшно по-настоящему, и неожиданно, и смешно. Словом, маленький зритель испытывает здесь всю гамму тех переживаний, за которыми, собственно, мы и идем в театр.
К слову сказать, вызволение бабушки и внучки, а также "перевоспитание" волка здесь тоже происходят вполне убедительно: детская психика, во всяком случае, после пережитых ужасов отнюдь не страдает.
Постановщик нарочито делает свой новый спектакль весьма интерактивным. Так что порой он начинает походить на новогодние интермедии с этими регулярными обращениями в зал, с неожиданными появлениями и исчезновениями артистов не за кулисами, а в зрительном зале. Но детская аудитория воспринимает эти игры весьма живо.
Дирижер-постановщик Роберт Лютен сделал все, чтобы музыкальная ткань спектакля не заслонила его драматическую составляющую. Оркестр под его управлением звучит весьма деликатно, а солисты так справляются со своими вокальными партиями, что даже ребенку, впервые оказавшемуся "на опере" несложно войти в ее мир.

=================================
Фотогалерея - по ссылке


Последний раз редактировалось: atv (Вт Апр 02, 2019 12:38 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4138

СообщениеДобавлено: Вт Апр 02, 2019 12:37 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 20190323202
Тема| Музыка, Опера, "Санктъ-Петербургъ Опера", Персоналии, Юрий Александров
Автор| Ольга Штраус
Заголовок| Театр "Санктъ-Петербургъ Опера" вновь отправится на гастроли
Где опубликовано| © "Российская газета"
Дата публикации| 2019-03-28
Ссылка| https://rg.ru/2019/03/28/reg-szfo/teatr-sankt-peterburg-opera-vnov-otpravitsia-na-gastroli.html
Аннотация| ГАСТРОЛИ


Фото: Марина Ерохина/РГ

На сцене Национальной оперы Эстонии 1 и 2 апреля пройдут два спектакля театра "Санктъ-Петербургъ Опера" - это "Паяцы" Леонкавалло и "Фауст" Гуно. Оба спектакля поставил художественный руководитель театра Юрий Александров.

А уже через месяц - 8-10 мая - спектакли "Санктъ-Петербургъ Оперы" сможет увидеть публика Белграда. Гастроли петербуржцев пройдут сразу в двух театрах города - Национальном театре Сербии и театре Madlenianum. В Сербию театр привезет "Фауста" и "Искателей жемчуга" - красивую оперу-сказку Жоржа Бизе также в постановке Юрия Александрова. Важно отметить, что гастроли петербуржцев приурочены к 150-лет Национального театра Сербии.
Примечательно, что и закрывать свой 32-й сезон театр будет 13 июля на гастролях: в городе Куопио (Финляндия) артисты театра в рамках оперного фестиваля представят гала-концерт, а также необычную постановку "Кармен-джаз". Это совместный проект вокалистов "Санктъ-Петербург Оперы", балета Мариинского театра и джазового коллектива из Эстонии.

А уже в сентябре артистов "Санктъ-Петербургъ Оперы" вновь ожидает иноземная публика: театр отправится в город-побратим Санкт-Петербурга Салоники (Греция) со спектаклем "Риголетто". Эта поездка состоится в рамках обменных гастролей с греческим театром.
- Такая высокая плотность гастрольного графика - закономерное продолжение текущего сезона, - рассказывает директор театра Евгений Малыгин. - В минувшем году наш театр 11 раз выезжал на гастроли, причем наши спектакли побывали как в городах России и постсоветского пространства, так и в дальнем зарубежье.
Среди стран, публика которых смогла увидеть спектакли "Санктъ- Петербургъ оперы", - Латвия и Франция, Финляндия и Эстония, Польша и Азербайджан.
Примечательно, что на сцене оперного театра Ниццы были представлены не только хорошо известные западной публике "Паяцы", но и опера Родиона Щедрина "Не только любовь", рассказывающая о жизни в послевоенной российской деревне. Автор использовал в ней многочисленные частушки, собранные им во время фольклорной практики.
- Эту очень русскую оперу, которую ее автор композитор Родион Щедрин посвятил своей жене, блистательной балерине Майе Плисецкой, главный режиссер театра Юрий Александров выбрал для гастрольного тура потому, что именно в Ницце состоялось первое выступление Плисецкой в балете "Кармен-сюита", - рассказывает Евгений Малыгин. - Таким образом театр хотел выстроить некий мост, подчеркнуть преемственность и неслучайность россиян на театральной сцене Ниццы.
Тесная дружба сложилась у "Санктъ-Петербургъ Оперы" с театрами Польши. Если минувший гастрольный год завершился большим гала-концертом в Ольштыне, то спектакль Юрия Александрова "Похищение из сераля" на музыку Моцарта существует сегодня в двух вариантах - польском и петербургском. Такое творческое содружество - важный вклад в укрепление культурных связей между народами. Не случайно на гастролях театра "Санктъ-Петербургъ Опера" в Латвии посол России в этой стране сказал:
- Вы своим искусством делаете больше для укрепления международных отношений, чем мы своими дипломатическими усилиями.


Последний раз редактировалось: atv (Вт Апр 02, 2019 12:38 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4138

СообщениеДобавлено: Вт Апр 02, 2019 12:38 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 20190323203
Тема| Музыка, VI Транссибирский арт-фестиваль, Персоналии, Арнольд Кац, Борис Лисицын
Автор|
Заголовок| В рамках VI Транссибирского арт-фестиваля состоялся концерт памяти Арнольда Каца
Где опубликовано| © "Новая Сибирь"
Дата публикации| 2019-03-31
Ссылка| https://newsib.net/kultura/v-ramkax-vi-transsibirskogo-art-festivalya-sostoyalsya-koncert-pamyati-arnolda-kaca.html
Аннотация| КОНЦЕРТ



В КОНЦЕРТНОМ зале имени Арнольда Каца в рамках VI Транссибирского арт-фестиваля состоялся концерт, посвященный памяти Арнольда Михайловича Каца, знаменитого дирижера и педагога.

Собравшиеся в зале зрители услышали мировую премьеру симфонической фантазии «Музыка моря» ученика Арнольда Мурова, члена Сибирской композиторской организации Бориса Лисицына. Симфоническая фантазия посвящена памяти Арнольда Михайловича, под руководством которого оркестр исполнял произведения тогда еще начинающего композитора.

Произведение исполнил академический симфонический оркестр Новосибирской филармонии (художественный руководитель и дирижер — Томас Зандерлинг). За дирижерским пультом стоял главный дирижер и музыкальный руководитель Большого театра России Туган Сохиев.
Вот что говорит о своем произведении его автор Борис Лисицын:
— Арнольд Кац сделал очень много для всех нас — и исполнителей, и композиторов, однако, по-моему, мы еще не написали произведения, достойного его памяти. «Музыка моря» — одна из попыток это сделать: в жизни Арнольда Михайловича было сочетание красоты и драмы, которое и вдохновило меня на создание произведения.
Одночастная симфоническая фантазия делится на два раздела, которые, по словам композитора, можно условно обозначить «До шторма» и «После шторма», и навеяна она встречей с холодным Тихим океаном в районе Владивостока.
Исполненное произведение было восторженно встречено зрителями и получило высокую оценку критиков, профессиональных дирижеров и музыкантов. А суть общей идеи Борис формулирует так: «Пьеса должна звучать красиво и драматично, как, в общем, и звучит жизнь каждого из нас».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 15, 2019 2:31 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 20190323204
Тема| Музыка, Опера, Персоналии, Венера Гимадиева, Андрей Жилиховский
Автор| Фотограф: Тимур Артамонов
Заголовок| Венера Гимадиева и Андрей Жилиховский: честно о жизни и искусстве
Где опубликовано| © Журнал Marie Claire
Дата публикации| 2019 март
Ссылка| http://www.marieclaire.ru/psychology/venera-gimadieva-i-andrey-jilihovskiy-chestno-ob-iskusstve/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Что определяет жизнь и творчество артиста и где заканчивается ремесло и начинается настоящее искусство? Об этом и многом другом – в дружеском и трогательном разговоре Венеры Гимадиевой и Андрея Жилиховского.



Они – звезды мировой оперы. Их выступления зарезервированы лучшими театрами на годы вперед. Она – сопрано. Он – баритон. Но сегодня в их фокусе не пение, а простой дружеский разговор – об искусстве, семье и главных ценностях.

Андрей Жилиховский: «Люблю момент, когда понимаешь, что публика сейчас полностью твоя»

Венера: Если бы ты не стал оперным певцом, то кем бы стал?


Андрей: Знаешь, наверное, это двигало меня всегда вперед, даже когда другие сдавались, и у меня не было второго варианта. Я всегда знал, что кроме музыки меня ничего не привлекает. C пятого по девятый класс школы я ходил пешком с одного края села до другого, примерно 5 км, а потом на попутке еще 23 км до районного центра, три раза в неделю, чтоб играть на скрипке. Почти всегда без денег. Нас много в семье (11 человек), и деньги в доме были редко. Так что наши отношения с музыкой родились еще тогда (улыбается).

Какое твое самое яркое воспоминание из детства (можно не только музыкальное)?

Один момент сложно назвать. Недавно мой старший сын попросил меня рассказать ему перед сном про мое детство. И у нас это почти стало традицией. Столько всего было… и корову доили, и зимой с горки катались, и пешком через грязь без дорог ходили. Озеро и лес – рядом с домом, летом это было нереально круто (улыбается). И так до шестнадцати лет. И еще много чего. Сейчас оглядываюсь назад, понимаю, что само детство и есть самый яркий момент из моей бурной жизни (улыбается).

Что тебя вдохновляет на творчество?

Меня вдохновляют абсолютно неброские вещи, мелкие нюансы. Слушать хорошую музыку после сложного спектакля на заднем сидении машины, смотреть в окно ночного города. Стучать в дверь, когда прихожу домой, и слышать, как мои сыновья кричат: «Папа пришел». Мир в моем доме и улыбка моей жены, или результат после сложного занятия.

Что для тебя твоя профессия – ремесло или искусство? Или и то, и другое?

Ты знаешь, до третьего курса консерватории, я даже не задавался вопросом, как можно зарабатывать, будучи певцом или артистом. Мне просто это нравилось всегда. Я этим жил. Потом начали деньги приходить. Для меня сейчас моя профессия – неотъемлемая часть моей жизни. Все вместе – и первая любовь, и кусок хлеба в моем доме и в домах моих близких.

Хотел бы ты жить во времена расцвета оперы? Во времена Паваротти и Каллас? По твоему мнению, какие плюсы и минусы того времени?

Это было бы потрясающе оказаться там, хотя бы на несколько дней. Сходить в La Scala, где вечером поют «Травиату» Каллас, Корелли и Бастианини. Но мне сегодня хорошо живется. Я бы не хотел ничего менять, меня все устраивает (улыбается). Я очень люблю время, в котором Бог меня поставил жить.

Каковы твои сценические фишки?

Я бы сказал, что одной фишкой не обойдешься. Нужно всегда быть на чеку (улыбается), отдаваться до последней капли. Наверное, это! Я люблю сцену и люблю творить на ней. Люблю момент, когда понимаешь, что публика сейчас полностью твоя.

Ты бы хотел, чтоб твои дети были музыкантами?

Я часто думаю о будущем своих пацанов. Честно, если они выберут другой путь, я никак не смогу им помочь, но благословлю их. Для меня очень важно, чтобы они были хорошими людьми, а уже потом все остальное! Но ты знаешь, быть музыкантом, как показывает жизнь, не так уж и плохо (улыбается).

Каково твое мнение о развитии культуры в мире?

Отвечу тебе так. В Библии рассказывается, что в древности жил самый мудрый царь, и звали его Соломон. Так вот, говорил он так: «Не говори, отчего прежние дни были лучше нынешних, потому что не от мудрости ты спрашиваешь об этом». Это говорил человек, который жил три тысячи лет назад. А нам-то кажется, что только мы со временем начинаем думать, что все кончается, все становится только хуже. Что раньше было лучше. Вот куда молодежь сейчас идет (улыбается)? Что за музыку слушает?

Но ты знаешь, я думаю, что пока будут люди, способные любить, способные на поступки, способные отличить черное от белого, и не жить в сером цвете, то и музыка не умрет! Мы временные тут, а она вечна! Я думаю, что нормально, что на протяжении истории она меняется. И я знаю, что наш век немножко сумасшедший, чересчур быстрый, еще не все сказал.

Венера Гимадиева: «До сих пор не понимаю, как так вышло, что я стала оперной певицей»

Андрей: В такой творческой семье как у вас с Пашей, с таким темпом, ритмом и занятостью, легко ли дается совместить роль жены и артистки?


Венера: Как сказал Достоевский, человек такое существо, которое ко всему привыкает. Вот и мы, наверное, с Пашей уже притёрлись, «обтесались» (улыбается). Конечно, не отрицаю, что это сложно, и сложнее тому, кто остается дома. Ждать всегда сложнее. Но теперь, когда мы оба свободные художники, у нас появилась возможность чаще ездить вместе. И то, что мы оба музыканты, нам всегда было на руку, мы понимаем специфику нашей профессии и можем поддержать друг друга или просто не беспокоить, когда нужен покой и возможность сосредоточиться.

У тебя много друзей, или все-таки предпочитаешь иметь одного или двух, но хороших?

Я люблю знакомиться с новыми людьми, обмениваться впечатлениями, эмоциями. Так что с каждой поездки, с гастролей у меня появляется новый человек, который чем-то близок. Это можно сравнить с ловцом жемчуга: с каждого погружения – новая жемчужина. Но самых близких и тех, кому можно рассказать все, немного. Их и не должно быть много, мне кажется.

Я знаю, что ты, как и я, окончила дирижирование, и основным предметом у тебя был хор. Когда перешла на сольную карьеру, сложно было «в одиночку»? Или ты всегда мечтала петь одна?

Мне очень нравилось петь в хоре и дирижировать! И поначалу было сложно свыкнуться, руки хотели снова дирижировать. Солировала в хоре я всегда и в детстве сольно побеждала в конкурсах, но это был стресс. Я очень любила слушать музыку, играть на фортепиано, но удовольствия от сольного пения на публике никогда не получала. Я любила петь, когда никто не оценивал и не нужно было «держать марку» школы или училища. До сих пор не понимаю, как так вышло, что я стала оперной певицей (улыбается). Но я ни дня не пожалела о выборе профессии.

Что для тебя искусство?

Искусство, на мой взгляд, несовершенное, и потому оно хрупкое. Если провести параллель с драгоценным камнем, то камень всегда имеет какой-то изъян. Как в хрустальном бокале есть точка, и если ее задеть, то он рассыпется в пыль. Это абсолютные две грани, которые сочетаются в искусстве, в мире, в украшениях. Когда несовершенство сочетается с долговечностью, c красотой ─ и это уже искусство. Сделать из несовершенного что-то красивое и достойное восхищения ─ искусство.

Как ты бережешь голос? Есть особые трюки? Нам ведь нельзя болеть. Или все просто, как у всех?

Мне кажется с организмом и с голосом главное договориться. Мол, сейчас мы работаем и не болеем, но зато после будем отдыхать целую неделю. Едим мороженое, грызем семечки и ни в чем себе не отказываем (улыбается). Но мы не роботы, и всякое случается. Поэтому уповаю на местного целителя-фониатора и на свою аптечку – скорую помощь, которую вожу везде и всегда с собой.

Как родители отнеслись к твоему выбору профессии? Они тоже артисты?

У нас в семье нет ни артистов, ни музыкантов. Хотя тяга к музыке у бабушки и дедушки была всегда. И дома было фортепиано, которое ждало своего часа 20 лет, пока однажды на нем не начала играть я.

Такая жизнь «на чемодане», как у нас, уже стала для тебя нормой или до сих пор привыкаешь?

Как я уже говорила, ко всему привыкаешь. И к этой жизни на чемодане, и к перелетам, и к смене погоды и часовых зон. Никак не привыкну разбирать чемодан. Это, наверное, самое нелюбимое занятие.

Чтобы ты хотела видеть в старости, оглядываясь назад на свою жизнь?

Обернувшись, хотела бы увидеть мою семью, надеюсь, когда-нибудь большую и дружную. А за спиной у семьи – большой загородный дом с частным бассейном (улыбается).
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6
Страница 6 из 6

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика