Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2019-03
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4060

СообщениеДобавлено: Вт Мар 26, 2019 12:08 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032501
Тема| Музыка, Театр Алексея Рыбникова, Персоналии, Алексей Рыбников
Автор| m24
Заголовок| "Будем петь Толстого": ставит оперу по "Войне и миру"
Где опубликовано| © Москва 24
Дата публикации| 2019-03-20
Ссылка| https://www.m24.ru/articles/kultura/20032019/155066
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Осенью 2019 года Театр Алексея Рыбникова представит в Москве и Петербурге премьеру оперы Le Prince Andre ("Война и мир. Князь Андрей Болконский") по мотивам романа Льва Толстого. Потом спектакль покажут в 70 городах России и мира – это крупнейший гастрольный тур в истории российского театра. Его организует Корпорация PMI, с которой театр подписал контракт о сотрудничестве. Еще одна новость – у театра должна появиться собственная r сцена, ему обещают отдать один из московских домов культуры. Поговорили с Алексеем Рыбниковым о спектакле и творческих планах.

Что за новый формат спектакля вы собрались поставить?

Наш спектакль по мотивам произведения Льва Толстого "Война и мир" будет называться Le Prince Andre. Он посвящен художественному исследованию судьбы Андрея Болконского. Мы хотим использовать все существующие технические новинки, проведем большую работу по компьютерной графике. У нас уже есть актеры на главные роли из "Московской государственной творческой мастерской под руководством Алексея Рыбникова", тем не менее весной мы начинаем дополнительный кастинг. Хотим привлечь к проекту молодых актеров, которые только выпустятся из театральных вузов.

Будете подбирать актеров для второго состава?

У нас нет второго состава, но труппа иногда раздваивается и даже растраивается. Сейчас мы ездим со спектаклем "Юнона и Авось", где несколько актеров играют роли Рязанова. На будущий сезон мы параллельно запустим новый спектакль – только что подписали контракт на 150 спектаклей с компанией PMI. Он стал крупнейшим за всю историю сотрудничества частного бизнеса и государственных театров и позволит снизить цену на билет в регионах, а также избавиться от спекулянтов. И, конечно, доехать до самых отдаленных точек России.

Кто придумал идею и написал сценарий Le Prince Andre?

Тексты в основном Толстого. Еще есть выдержки из дневников Наполеона, православного молитвослова, тексты народных песен. Но никто, кроме Льва Николаевича, ничего не придумывал. Мы будем петь Толстого. А сценарий и драматургию сцен делал я – кроме композитора, в музыкальном спектакле этого никто сделать не может, это мое твердое убеждение. Я сейчас как режиссер снял три музыкальных фильма и никому не доверяю процесс написания сценария.

Есть желание сотрудничать с другими режиссерами?

Нет, в качестве режиссера над нашими спектаклями работали Александр Рыхлов и балетмейстер Жанна Шмакова. "Князь Андрей" – это жанр "опера-драма-балет", поэтому через балетные сцены там очень многое будет решаться.

В чем отличие этого жанра от мюзикла?

Это совершенно другая музыка и другой вокальный стиль. В мюзиклах есть мелодраматические сцены, когда люди просто говорят, которые связаны между собой музыкальными номерами. А у нас принцип оперы: без музыки ничего не происходит, и балетные номера переходят в оперные.

Считаете жанр мюзикла слишком массовым?

Нет. Просто он совсем не мой. Это продолжение жанра оперетты, который замечательно развивался в начале XX века. Для меня же важны, скажем, элементы рок-музыки. Даже если на сцене играет симфонический оркестр.

Над чем вы сейчас работаете, не считая этих спектаклей?

Я занимаюсь подготовкой проката своих фильмов, который тоже будет необычным. Их будут показывать не в кинотеатрах, а в театрах с живым музыкальным сопровождением и театрализацией. Это фильмы-оперы, философские истории, которые нельзя показывать в кинотеатрах при торговых центрах. "Хоакин Мурьета" вообще будет идти в сопровождении рок-группы. Зритель устал, ему нужно показать что-то интересное.

Как вы относитесь к техническим инновациям в театре? Не снижает ли это требование зрителя к актерской игре?

Очень сильно снижает. Зрители приходят, видят красивые картинки – и им уже не до актерского таланта. Пользоваться ими, конечно, нужно, но только для раскрытия образа. Очень аккуратно. Потому что, если живой человек своей игрой не будет увлекать аудиторию, это будет провал.

Вы неоднократно говорили в интервью, что изначально знали, – музыка к "Буратино" станет хитом. Все узнают фильм по первым нотам мелодии. В чем секрет?

Правильное место и правильное время. Сейчас такого нет почему-то, а раньше была традиция на Новый год снимать фильмы для взрослых – "Ирония судьбы", "Обыкновенное чудо". И в то же время была традиция делать детские новогодние фильмы. Все они мгновенно становились популярными. Их смотрела вся страна, поэтому ошибиться было очень страшно – ответственность была колоссальная. Я уверен, что, если бы сейчас возобновили эту традицию с хорошими актерами, которые играли бы хорошие истории, эти фильмы тоже стали бы очень популярны.

А кто ваш любимый герой из "Буратино"?

Буратино. Поэтому и театр свой я сделал в подвале. Он идет по жизни с одной великой целью – сделать свой театр.

=================
Фото – по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4060

СообщениеДобавлено: Вт Мар 26, 2019 12:10 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032502
Тема| Музыка, Национальный филармонический оркестр, Персоналии, Владимир Спиваков
Автор| Редакция портала «Русский мир»
Заголовок| Национальный филармонический оркестр Владимира Спивакова отправляется с гастролями в Европу
Где опубликовано| © портал «Русский мир»
Дата публикации| 2019-03-22
Ссылка| https://www.russkiymir.ru/news/254092/
Аннотация| ГАСТРОЛИ


Фото: официальный сайт Дома музыки

Национальный филармонический оркестр России под управлением Владимира Спивакова отправляется на гастроли по странам Европы, сообщает сайт Министерства культуры.

Уже в субботу, 23 марта, российских музыкантов ждут поклонники классической музыки во французской столице. Также творческий коллектив выступит перед публикой Брюсселя, Амстердама и Лондона. Оркестру предоставлены самые известные концертные площадки.

В гастрольную афишу вошли произведения российских композиторов, которые часто исполняют по всему миру. Прозвучит музыка Чайковского, Рахманинова, Шостаковича. Их дополнит произведение Константина Боярского. Молодой российский скрипач сейчас является солистом оркестра лондонского Ковент-Гардена. Он много выступает, а также пишет музыку. Среди его произведений два балета, опера «Пушкин» («Поэт и царь») и многие другие.

В этот раз филармонический оркестр будет исполнять Концертную сюиту для виолончели и голоса с оркестром. Автор посвятил его памяти своего отца, композитора, виолончелиста Александра Боярского.

Партию виолончели в сюите исполнит студентка Московской консерватории Дали Гуцериева. Именно для неё написано сочинение Боярского. Партию голоса приглашена исполнить всемирно известная певица Екатерина Лёхина.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4060

СообщениеДобавлено: Вт Мар 26, 2019 12:10 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032503
Тема| Музыка, musicAeterna, Персоналии, Теодор Курентзис
Автор| Дмитрий Буткевич
Заголовок| «В гастрольном графике — Париж, Вена, Женева, Экс-ан-Прованс, Афины»
Дмитрий Буткевич — о выступлениях коллектива musicAeterna

Где опубликовано| © "Коммерсантъ FM"
Дата публикации| 2019-03-25
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3923265
Аннотация| ГАСТРОЛИ


Фото: Антон Завьялов

Арт-обозреватель «Коммерсантъ FM» Дмитрий Буткевич рассказывает о том, где и с какой программой выступит хор и оркестр musicAeterna Теодора Курентзиса.

Тот, кто раз услышал и увидел, как исполняет классику Теодор Курентзис, несомненно, будет ждать повторных встреч с оркестром и хором musicAeterna под его управлением. 21-22 марта можно было слетать в Пермь, где Курентзис является руководителем Пермского театра оперы и балета и обычно показывает премьеры своих работ. Можно было попасть на концерт musicAeterna в Московской консерватории 24 марта, генеральным спонсором которого стал банк ВТБ, или ждать длительных европейских гастролей коллектива.
В гастрольном графике — Париж, Вена, Женева, Экс-ан-Прованс, Афины. В Кельне и Гамбурге концерт пройдет в рамках международного культурного проекта «Русские сезоны», далее фестиваль Klarafest — молодой, но влиятельный брюссельский музыкальный форум, и Пасхальная программа Международного фестиваля академической музыки в Люцерне, и, наконец, концерт в миланском соборе Святого Марка, где произведение впервые было исполнено под управлением автора.

«Реквием» — единственное, наверное, крупное произведение Джузеппе Верди, написанное не в оперном жанре. Верди писал его с 1868-го по 1874 годы, сначала на смерть композитора Россини, затем, отдавая дань памяти своему любимому писателю-патриоту Алессандро Мандзони.
С подачи немецкого дирижера фон Бюлова «Реквием» Верди вошел в историю как «опера в церковных одеждах»; сейчас оратория значительно чаще исполняется в концертных залах, нежели в церквях. Хотя по форме произведение полностью соответствует канонам.
Партию сопрано здесь исполняет солистка Пермской оперы Зарина Абаева. На остальные партии приглашены крупнейшие европейские певцы: Эрмине Мэй (меццо-сопрано), Рене Барбера (тенор) и Тарек Назми (бас). Иногда это произведение Верди исполняют огромные оркестры, до 500 человек. У Курентзиса на сцену выходят 80 артистов хора и 100 музыкантов оркестра. Они играют на аутентичных инструментах эпохи позднего романтизма — чимбассо, деревянных флейтах, ударных с особыми палочками.

========================
АУДИО – по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4060

СообщениеДобавлено: Вт Мар 26, 2019 12:49 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032504
Тема| Музыка, Опера, Персоналии, Ирина Богачева
Автор|
Заголовок| Юбилейный вечер звезды оперы народной артистки СССР Ирины Богачевой пройдет в Петербурге
На мероприятии будут присутствовать Юрий Башмет и Николай Цискаридзе

Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2019-03-25
Ссылка| https://tass.ru/kultura/6253364
Аннотация| ЮБИЛЕЙ

САНКТ-ПЕТЕРБУРГ, 25 марта. /ТАСС/. Торжественный вечер "Примадонна оперной сцены" в честь 80-летия народной артистки СССР, солистки Мариинского театра Ирины Богачевой пройдет в понедельник Большом зале Филармонии имени Дмитрия Шостаковича. Эта культурная акция организована в рамках XVII фестиваля "Почетные граждане Санкт-Петербурга".

"На этот вечер придут мои друзья и ученики. Хотелось бы, чтобы все прошло тепло и сердечно, в лучших традициях города, с которым связана вся моя судьба и вся творческая жизнь", - сказала ТАСС Богачева, добавив, что будет петь свои любимые арии и романсы.

В их числе - ария Екатерины из оперы Андрея Петрова "Петр I", где певица первой исполнила эту партию. Будут исполнены также арии из русских и мировых опер - "Паяцы" Руджеро Леонкавалло, "Травиата" и "Дон Карлос" Джузеппе Верди, "Севильский цирюльник" Джоаккино Россини, "Дон Жуан" Вольфганга Амадея Моцарта. Они прозвучат в исполнении самой Ирины Петровны, народного артиста Грузии Теймураза Гугушвили, заслуженной артистки России Альбины Шагимуратовой, ведущей молодой солистки Венской государственной оперы Маргариты Грицковой, народного артиста России Владимира Чернова. Аккомпанировать им будет международный симфонический оркестр "Таврический" под руководством народного артиста Республики Кабардино-Балкария Михаила Голикова.

Во втором отделении выступят артисты Большого театра (Москва), Большого театра оперы и балета Белоруссии (Минск), театра "Санктъ-Петербургъ Опера", Мариинского и Михайловского театров. Особыми гостями вечера станут Юрий Башмет и Николай Цискаридзе.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4060

СообщениеДобавлено: Вт Мар 26, 2019 12:50 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032505
Тема| Музыка, Опера, Национальная опера Украины, “Дон Карлос”, Персоналии, Оксана Крамарева, Сергей Пащук, Геннадий Ващенко, Анжелина Швачка, Сергей Ковнир, Дмитрий Иванченко, Владимир Тишков, Анатолий Соловьяненко, Николай Дядюра, Богдан Плиш, Мария Левитская
Автор| KV
Заголовок| На сцене Национальной оперы воплотят зрелое творение Джузеппе Верди “Дон Карлос”
Где опубликовано| © Киев Власть
Дата публикации| 2019-03-25
Ссылка| http://kievvlast.com.ua/style/na-stsene-natsionalnoj-opery-voplotyat-zreloe-tvorenie-dzhuzeppe-verdi-don-karlos
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Зрителей Национальной оперы Украины 31 марта поразят замечательным зрелым творением великого мастера Джузеппе Верди - оперой “Дон Карлос” (либретто Жозефа Мери и Камиля дю Локля по мотивам драмы Фридриха Шиллера). Ставится эта опера на сцене театра не часто. Одна из причин - она требует большого состава первоклассных исполнителей.

Об этом KV сообщили в Национальной опере Украины.

Впервые на суд украинского зрителя опера “Дон Карлос” была представлена более чем 20 лет назад, а в 2012 году в новом прочтении снова вернулась на сцену Национальной оперы и стала самой масштабной премьерой за всю историю независимости Украины. Во время работы над этим выдающимся произведением были использованы современные технологии и новейшее техническое оборудование. Для этой постановки разработаны чрезвычайные по своей красоте и сложности декорации и 420 костюмов.

В главных партиях: Оксана Крамарева (Елизавета Валуа), Сергей Пащук (Дон Карлос), Геннадий Ващенко (Родриго, маркиз ди Поза), Анжелина Швачка (принцесса Эболи), Сергей Ковнир (Филипп II, испанский король), Дмитрий Иванченко (Граф ди Лерма), Владимир Тишков (Великий инквизитор).

Постановочный состав: режиссер-постановщик - Анатолий Соловьяненко, дирижер-постановщик - Николай Дядюра, хормейстер-постановщик - Богдан Плиш, художник-постановщик - Мария Левитская.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4060

СообщениеДобавлено: Вт Мар 26, 2019 12:52 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032506
Тема| Музыка, Опера, БТ, Персоналии, Туган Сохиев
Автор| Ирина Муравьева (Париж)
Заголовок| Ивана Грозного желтым жилетом не испугаешь
Как прошли гастроли Большого театра во Франции

Где опубликовано| © Российская газета - Федеральный выпуск № 65(7823)
Дата публикации| 2019-03-25
Ссылка| https://rg.ru/2019/03/25/kak-proshli-gastroli-bolshogo-teatra-vo-francii.html
Аннотация| ГАСТРОЛИ


Возникал вопрос — отразится ли ситуация в городе на выступлениях Большого театра? Сможет ли публика добраться в 19-й округ на концерт? К удивлению, филармонический зал оказался переполнен: аншлаг. Фото: Предоставлено Парижской филармонией

Большой театр приехал на гастроли во Францию, которая переживает сложные времена. Страна сегодня, по сути, в революционной ситуации. Не прекращаются массовые манифестации желтых жилетов с погромами, поджогами. Десятки тысяч полицейских и спасателей на улицах.

В такой обстановке Большой театр пять дней выступал в крупнейших концертных залах в Тулузе и в Париже. На гастроли выехала оперная труппа, хор и оркестр под управлением Тугана Сохиева. На всех концертах - аншлаги, тысячи слушателей. На афишах - популярнейшая во Франции "Пиковая дама" Чайковского и практически неизвестная там "Псковитянка" Римского-Корсакова, сочинения Сергея Рахманинова, Александра Бородина, русская духовная музыка, песни советских лет.
Это не первый визит оперного коллектива Большого театра в Парижскую филармонию. Два года назад труппа открыла Парижу "Орлеанскую деву" Петра Чайковского, оперу, которую здесь не знали. Событие тогда вызвало настоящий фурор: в титуле партитуры Чайковского имя национальной героини Франции Жанны Д’Арк. По словам президента Парижской филармонии Лорана Байля, "восторг парижской публики был такой, что мы почувствовали себя обязанными продолжить наше сотрудничество". На этот раз Большой театр привез в Париж уже две программы русской музыки.

Франко-русские сезоны

Но прежде труппа выступила в Тулузе, в крупном городе на юге Франции, где Туган Сохиев уже более десяти лет руководит Национальным оркестром Капитолия Тулузы (фр. Orchestre national du Capitole de Toulouse). Когда-то этот французский коллектив, созданный при оперном театре почти 200 лет назад, работал в здании Капитолия (Ратуши), но с 1974 года резиденцией оркестра стал огромный зал Зернового рынка (La Halle aux Grains), расположенный в одном из интереснейших исторических зданий города. В этом зале на 2500 мест Большой театр выступил на первом фестивале "Франко-русские музыкальные сезоны" (Les Musicales franco-russes). Беспрецедентный для последних лет совместный культурный проект появился в Тулузе по инициативе Тугана Сохиева. Патроном фестиваля стал президент Франции Эмманюэль Макрон.

Туган Сохиев рассказывает:
- Многие годы я работаю в Тулузе и, конечно, стараюсь привнести в музыкальную жизнь города что-то русское. Оркестр Капитолия Тулузы славился тем, что играл и записывал много французской музыки со своим выдающимся маэстро Мишелем Плассоном. Но мы расширили репертуар и оказалось, что русская музыка замечательно получается у музыкантов: коллектив уже сегодня стал одним из лучших "русских" европейских оркестров. Сам я как дирижер нахожусь в уникальной ситуации: у меня есть симфонический оркестр во Франции и великий Большой театр с его огромным оперным репертуаром. Именно театральное великолепие Большого театра, его возможности осуществлять колоссальные творческие задачи, его талантливые артисты навели меня на мысль сделать что-то совместное в Тулузе. И я решил обратиться в комитет "Трианонского диалога", созданного, как известно, в 2017 году в Версале во время переговоров российского и французского президентов. В этом ведь и есть цель этого "Диалога” - помогать совместным проектам, от экономических и научных до культурных. Моя идея фестиваля в Тулузе была поддержана сразу, и президент Франции Эммануэль Макрон стал нашим патроном.

В этом году на открытии фестиваля выступил Национальный оркестр Капитолия, исполнивший "Осуждение Фауста" Гектора Берлиоза, а Большой театр завершил фестиваль. На всех его выступлениях в зале La Halle aux Grains - аншлаг.
Отдельный концерт спел хор театра, исполнивший фрагменты "Всенощного бдения" Рахманинова и "Литургии Иоанна Златоуста" Чайковского, сочинения Чеснокова, Архангельского, Гречанинова, хоры из музыки Свиридова к трагедии Алексея Толстого "Царь Федор Иоаннович", романсы, песни, украинскую рождественскую песню "Щедрик". Зал устроил хору стоячую овацию, не отпуская артистов со сцены и требуя "бисов".
На следующий день общенациональный музыкальный радиоканал France Musique записал "Пиковую даму" Чайковского в исполнении Большого театра, а в завершающий вечер транслировал "Псковитянку" Римского-Корсакова.

Туган Сохиев объясняет:
- Фестиваль в Тулузе подразумевает укрепление наших культурных связей, но они никогда и не прекращались. В России всегда был интерес ко всему французскому, а у французов - к русскому искусству. Французские оркестры исполняют много русской музыки, здесь хорошо знакомы с русской литературой, Тургенева вообще считают чуть ли не своим. Поэтому для Большого театра важно здесь не просто хорошо выступить и исполнить известные сочинения, а выполнить еще какую-то просветительскую миссию, открыть что-то новое французам. Именно поэтому мы в прошлый раз привезли "Орлеанскую деву" Чайковского. Великий Чайковский боготворил Жанну д’Арк, в юности даже посвящал ей стихи, на столе у него стояла статуэтка Жанны. Мы тогда открыли французам его оперу, а сейчас привезли малоизвестные здесь "Псковитянку" Римского-Корсакова и кантату Рахманинова "Весна".

Шаляпин был первым

Оперу Римского-Корсакова Большой театр исполнил дважды: сначала в Тулузе, а на следующий день в Париже. Эта музыка не звучала здесь 110 лет, с тех пор, как ее представил в театре Шатле Сергей Дягилев в "Русских сезонах". Партию Ивана Грозного тогда пел Федор Шаляпин. В оркестре играли французы и 44 музыканта из Большого театра. По факту, это были первые в истории гастроли оркестра Большого театра. Хор тоже приехал из Москвы (выдающийся коллектив под руководством Ульриха Авранека был постоянным участником "Русских сезонов"). И это символично, что именно Большой театр вновь представил в Париже забытую оперу Римского-Корсакова (здесь со времен Дягилева ее называют "Иван Грозный").
Нынешние гастроли проходили на сцене Парижской филармонии - в уникальном мультикомплексе, появившемся пять лет назад в 19-м округе, на окраине Парижа. Построить в одном из самых неблагополучных районов столицы большой концертный зал на 2400 мест было идеей Пьера Булеза - крупнейшего французского композитора-авангардиста и дирижера. Казалось, таким способом удастся быстро оживить культурную среду в социально убитом районе. Но… когда начиналось строительство этого зала в 2005 году, никто не предполагал, что окраинные районы Парижа через несколько лет окажутся населенными не французами, а мигрантами - выходцами из Африки и арабских стран, которых мало интересует афиша филармонии.
И все-таки идея нового зала не провалилась. Эта концертная площадка уже признана в музыкальном мире одной из самых лучших по акустике и архитектуре, позволяющей даже в самой дальней точке зала оставаться достаточно приближенным к сцене - благодаря текучей "плазменной" форме зрительного зала, который окружает сцену со всех сторон: оркестр и певцы звучат здесь как на ладони.

Президент Парижской филармонии Лоран Байль рассказал о том, как строится работа этого музыкального центра и чем он отличается от других парижских залов:
- Классическая музыка во Франции живет за счет госсредств, доходов от продажи билетов и меценатских вкладов. Проблема в том, что сегодня сложно оправдывать государственные вложения: публика, которую привлекают концерты классической музыки, становится все более пожилой и состоит в основном из людей обеспеченных. Такая проблема существует во всем мире, и сегодня идут серьезные дискуссии о том, какое будущее ждет классическую музыку, куда она придет, скажем, к 2050 году. Для меня единственный способ ответить на этот вопрос - это объединить поколения пожилых и молодых, все социальные группы, предложить детям из бедных районов какие-то оригинальные формы, чтобы они открыли для себя мир музыки. Парижская филармония создает разные программы, организует большие концерты, приглашает знаменитые оркестры мира. И к нам сюда, на окраину, приезжают даже люди из привилегированного класса, помогают нам финансово: с их помощью, например, создан детский оркестр. По выходным мы устраиваем специальные тематические программы. Тема нынешнего уикенда - Москва. В другой раз могут быть Индия, Япония, Африка, джаз или старинная музыка.

Париж в огне

Так совпало, что уикенд "Москва" проходил в Париже не в самой благоприятной для концертной жизни атмосфере. Суббота - день протестных выступлений "желтых жилетов", серьезно парализующих жизнь города. Станции метро в центральной части Парижа перекрываются уже с утра в районе Елисейских Полей, Тюильри, Оперы Гарнье - колонны фургонов и машин, плотные кордоны полицейских со щитами. Туристы на улицах легко могут стать жертвой агрессивной толпы. Сами парижане укрываются в квартирах с закрытыми ставнями. Привычная жизнь кипит только на окраинах и в районе Монмартра - Сент-Шапель, заполненных толпами мигрантов.
В день, когда Большой театр выступал в Париже, яростные протесты "жилетов" достигли апогея - манифестанты, продвигавшиеся многотысячной толпой по Елисейским Полям, громили витрины и грабили на своем пути дорогие бутики, газетные киоски, автомобили, подожгли ресторан "Фуке" (Fouquet’s). Улицы тонули в клубах дыма и слезоточивого газа.
Туган Сохиев, отель которого оказался в эпицентре событий, весь день не мог покинуть номер, спасаясь, как и все блокированные в отеле, мокрыми платками от дыма.
- Коллектив утром в субботу успел вовремя улететь из Тулузы, потому что там происходит то же самое и улицы перекрываются. "Желтые жилеты" - во всех крупных городах. Французы эмоциональны, иногда даже чересчур, поэтому громят все подряд. Это страшно.

По словам президента Парижской филармонии Лорана Байля, "желтые жилеты" отражают тот конфликт, который существует между двумя мирами: миром больших городов, центров культуры и цивилизации - и миром маленьких безвестных городков, находящихся на обочине мировой цивилизации.
- Главная проблема в том, что в этом движении большей частью люди, которые далеки от концертных залов: все то, что мы представляем, для них - чужой мир. В маленьких городах обустраивают больницы, иногда школы - высокая культура от них далеко. Это сказывается на характере движения "желтых жилетов". А ведь по всему миру движение растет на глазах. Мировые конфликты, мировая миграция, которые пугают часть общества, что не может не тревожить. Это серьезная угроза для будущего демократии.

Между тем возникал даже вопрос - отразится ли ситуация в городе на выступлениях Большого театра? Сможет ли публика добраться в 19-й округ на концерт? К удивлению, филармонический зал оказался переполнен: аншлаг. А опера о царе Иване Грозном прозвучала так захватывающе, что во время исполнения в зале от напряжения не раздалось ни единого хлопка. Возможно, сюжет из русской истории о выступлении псковской вольницы, которую подавляет царь, был в чем-то созвучен ситуации в современном Париже с его атмосферой напряжения и опасности.

Туган Сохиев уже дважды исполнял эту оперу на сцене Большого театра, и акценты его интерпретации известны: неспешное, эпическое раскручивание музыкальной драматургии с ее протяжной красотой русских тем и мрачной атмосферой эпохи Ивана Грозного. Оркестр Большого звучал впечатляюще: с красивой выделкой деталей, с волнующим, глубоким звуком струнных, с тревожным пульсом набата, словно "тлеющего" внутри оркестровой ткани.
Музыка этой оперы звучала приближенно к "Борису Годунову" Мусоргского. Чем-то близок царю Борису был и Иван Грозный в исполнении Станислава Трофимова: крупный по звуку, с резкими сменами настроения, ернический, умный, временами даже лирический. Динара Алиева в партии псковской Ольги окутывала красивым протяжным звуком, создавая образ кроткий и одновременно эмоциональный, завораживающий. На высоте были и другие солисты - взрывной, яростный Туча (Олег Долгов), хитрый мудрец князь Токмаков (Денис Макаров), неуравновешенный боярин Матута (Иван Максимейко) и другие. Хор Большого театра - в сто человек - звучал монолитно, как голос вольницы и государственной силы одновременно, мощно и сокровенно, а в финале на словах: "Люди русские, люди псковские, позабудемьте распрю старую" - просветленно, будто заповедь из глубины веков.

После этого исполнения президент филармонии Лоран Байль сказал:
- Большой театр привез произведение, абсолютно неизвестное в Париже и во Франции. И то, как зрители реагировали, как зал был эмоционально захвачен, как, затаив дыхание, слушал оперу в полнейшей тишине, а в конце взорвался аплодисментами, - говорит о потрясающей работе солистов, хора, оркестра и феноменальном дирижировании Тугана Сохиева. Без такой интерпретации не было бы и такой реакции зрителей. Ведь даже когда самые великие и известные произведения исполняются средне, всегда чувствуется определенная фрустрация в зале.

Для самого Сохиева в этой опере важны были и человеческая история, и параллели с "Борисом Годуновым", поскольку эти партитуры сочинялись одновременно, и композиторы играли их друг другу.
- Что касается восприятия, то, как мне кажется, французы тонко чувствуют, что в их жизни происходит что-то не то, и возможно смыслы, заложенные в этой опере, в ее тексте, когда Иван Грозный говорит: как мне управиться с государством, как оградить его броней закона? - перекликаются здесь с общим настроением. Но для меня на этих гастролях было важно также представить оркестр Большого театра как симфонический коллектив, выйти на сцену с масштабной программой. Мы выбрали для Парижа сочинения Рахманинова - его Вторую симфонию и кантату "Весна".

Русская весна в Париже

Концертом под названием "Русская весна" Большой театр завершал гастроли в Париже. Кроме Рахманинова оркестр исполнил эффектные "Половецкие пляски" из оперы "Князь Игорь". Любопытно, что у этой программы тоже обнаружились исторические связи с Парижем.
В частности, "Половецкие пляски" были впервые показаны в Париже в театре Шатле в тот же год, что и "Псковитянка" (1909) в "Русских сезонах" Дягилева. И тогда эти дикие варварские танцы в хореографии Михаила Фокина, вихрь прыжков и вращений лучников потрясли парижскую публику. То же самое было и на этот раз, пусть и в концертном исполнении - ритмический напор танцев, мощь хоровых "тутти", воздушные, вьющиеся соло деревянных. В рахманиновских шедеврах на первый план вышла пронзительная красота, широкое, просторное дыхание рахманиновского мелодизма, загадочно тонущего в зыбких оркестровых сфумато и гулах литавр. Сохиев не нагнетал драматизм, а словно гипнотизировал "невыносимой красотой бытия”, навеянной Рахманинову русской природой.
И еще одна обнаружившаяся параллель: в 1907 году сам Рахманинов дирижировал "Весной" в Париже в Гранд-опера в первом французском проекте Дягилева "Русские исторические концерты". С тех пор эта партитура здесь не звучала. Большой театр, по сути, представил ее новую премьеру.

Об этом говорит гендиректор Большого театра Владимир Урин:
- Наша главная задача - играть во время таких гастролей великую русскую музыку, особенно ту, которая звучит не часто. Вторая задача - исполнять именно то, что является нашей повседневной жизнью: "Орлеанскую деву", "Псковитянку" мы делали не для Парижа, а для Москвы, программа "Русская весна" у нас тоже звучала в Концертном зале имени Чайковского. Важно, что оркестр Большого театра делает все больше симфонических программ, серьезно продумывая их. И мы уже договорились о следующих гастролях во Францию: повезем "Мазепу" Чайковского и кантату Сергея Прокофьева "Александр Невский".

"Политика - это политика, - заметил Туган Сохиев. - Она делается людьми, но она должна прежде всего делаться для людей. Мы свой фестиваль делаем для людей и не хотим, чтобы понимание и дружеские связи между нашими народами были нарушены".

Кстати

Большой театр в сезоне 2020/2021 выступит на сцене Парижской филармонии и в Тулузе на втором фестивале "Франко-русские музыкальные сезоны". Уже в этом году фестиваль смог сформировать программу в мультиформате: к фестивалю подключился крупнейший во Франции кинофонд Тулузы, имеющий уникальную коллекцию российских фильмов.
В La Halle aux Grains показали шедевр советского авнгарда - фильм "Новый Вавилон” (1929) Григория Козинцева и Леонида Трауберга о Парижской Коммуне. Музыку Дмитрия Шостаковича, написанную к этому фильму, в живом режиме исполнял Национальный оркестр Капитолия Тулузы.
Все книжные магазины в Тулузе собрали для фестиваля стенды русской литературы (среди которых были даже книги Ленина и Бакунина), историки провели конференции, посвященные Петру Великому и династии Романовых, Большому театру и событиям русской оперы.

Что пишут о гастролях французы

Газета La Depeche:

"Активно присутствовавшей на "Les Musicales Franco-Russe" не хватает превосходных эпитетов, чтобы описать, каким получился первый фестиваль, задуманный Туганом Сохиевым, поддержанный Жан-Люком Муденком и очень дружной командой под руководством Тьерри Аргубе…"
"С Туганом Сохиевым я открыла для себя русскую музыку. Раньше я предпочитала итальянских музыкантов",- говорит Анн-Мари, обладатель абонемента программы "Великие исполнители". В четверг вечером в Зале Зернового рынка восторг публики вызвала опера Чайковского "Пиковая дама". На сцене певцы и музыканты Большого театра России…".

Газета Le Figaro:
"Только что прожитая нами насыщенная симфоническими концертами неделя обнажила четыре стороны дирижерского искусства. Музыкальный руководитель с гордостью демонстрирует, на что способные его войска: вот Туган Сохиев с оркестром и хором московского Большого театра, которым он возвращает блеск, утраченный в последние 25 лет к выгоде Мариинского театра в Санкт-Петербурге. В редко исполняемой кантате Рахманинова "Весна", как и в "Половецких плясках" из "Князя Игоря" Бородина, мы наслаждаемся плотным и щедрым звуком, вылепленным из оркестровой глины красноречием, очень русским по звуку, в отличие от слишком вестернизированных коллег из Санкт-Петербурга. Это более чем впечатляет".

Портал Culture 31:
"Эти три дня, проведенные под огнем Большого театра России, могут лишь поднять на высшую ступень того, кто с 2014 года является его музыкальным руководителем - Тугана Сохиева. В 2015 году он уже привозил сюда эту труппу с оперой Чайковского "Орлеанская дева". Нынешняя "трилогия" московского коллектива, к воплощению которой он стремился, обречена на успех! И требует обрамления в виде "Les Musicales Franco-Russe", так что - сезон II!"
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4060

СообщениеДобавлено: Вт Мар 26, 2019 8:00 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032601
Тема| Музыка, Персоналии, Вадим Глузман
Автор| Сергей Элькин
Заголовок| Вадим Глузман: “С классической музыкой все в полном порядке”
Где опубликовано| © The Reklama
Дата публикации| 2019-03-18
Ссылка| https://thereklama.com/vadim-gluzman-s-klassicheskoy-muzykoy-vse-v-polnom-poryadke/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Вадим Глузман и Анжела Йоффе. Фото из архива В.Глузмана

Скрипач Вадим Глузман живет в пригороде Чикаго, городке Норсбрук. Правда, дома он бывает редко. Его жизнь проходит, в основном, в дороге. Самолеты, перелеты, гастроли… 8 февраля, после трех с половиной недель в Европе, Вадим вернулся, по его словам, “посмотреть на семью“ и снова улетел на гастроли. Снова в Европу. В “большом“ Чикаго в этом сезоне мы услышим Вадима несколько раз. 21 и 23 марта в Симфоническом центре выдающийся музыкант современности солирует в Первом скрипичном концерте Макса Бруха. С 12 по 15 июня в Норсбруке состоится Девятый международный фестиваль камерной музыки (North Shore Chamber Music Festival, www.nscmf.org) с непременным участием нашего героя – художественного руководителя фестиваля. 2 и 3 августа он выступит на Международном музыкальном фестивале в парке “Миллениум“ (Grant Park Music Festival). Так что поводов для нового разговора с Вадимом накопилось немало. Обо всем по порядку…

“Абсолютное произведение искусства“

– Вадим, Первый соль минорный концерт Бруха занимает в вашем репертуаре особое место. В 2011 году вышла запись вашего исполнения Концерта с Бергенским симфоническим оркестром под управлением Эндрю Литтона. Диск получил много прекрасных рецензий, несколько международных премий, до сих пор хорошо продается… Чем вам интересен этот Концерт?


– Интересно, что мое последнее февральское выступление в Европе перед приездом домой было как раз с этим Концертом, этим оркестром и этим дирижером. Чистое совпадение!.. Первый скрипичный концерт Бруха – один из тех шедевров, которые можно назвать абсолютными произведениями искусства. От него нельзя ничего отнять и к нему нельзя ничего прибавить. Таких концертов в скрипичном репертуаре несколько: Бетховена, Брамса, Мендельсона, Берга. Концерт Бруха – в этом ряду.

– Я бы к вашему списку еще добавил Скрипичный концерт Сибелиуса…

– Какую версию – первую, которую Сибелиус сам же и запретил играть, или вторую? К Сибелиусу уже есть вопросы, а вот к этим концертам – нет. Они настолько закончены во всех смыслах, что каждый исполнитель, соприкасающийся с этой музыкой, находит в ней что-то абсолютно свое. Поэтому при таком колоссальном количестве записей эти концерты продолжают записывать и мы не устаем их слушать.

– Семь лет назад вы впервые исполнили Квинтет Бруха ля минор…

– Квинтет, записанный на том же диске, что и Концерт, тоже вызвал бурю всевозможных эмоций. Это действительно феноменальное произведение. Его нашли после Второй мировой войны в Берлинской библиотеке и даже после находки не обратили достаточного внимания. Брух сочинил Квинтет в 1918 году, будучи слепым. Он диктовал его своей невестке. Представьте, что случилось в музыке к 1918 году. Уже состоялась премьера “Весны священной”, уже в работе двенадцатитоновая система Берга, а Брух в Берлине пишет такую невероятно старомодную романтическую музыку. Как будто ничего рядом не происходит!

– Брух сочинил Квинтет за полтора года до смерти. Это было одно из его последних сочинений. Как вы считаете, Бруха можно назвать последним представителем великой романтической школы?

– Без сомнения. Он был абсолютно счастлив тем языком, которым пользовался, и ему не нужно было ничего нового.

– Почему он был недооценен современниками?

– История не всегда зла. История часто справедлива. Некоторые произведения Бруха более интересны, некоторые – менее. Скажем, для меня из трех его скрипичных концертов Первый, несомненно, самый интересный. Сам композитор был невероятно раздражен оглушительным успехом, который практически сразу получил Первый концерт. Было ощущение, что он ничего больше не написал! Ни одно из его других сочинений не получило такого же признания. У него есть совершенно изумительные Миниатюры, абсолютно выдающийся Романс для альта. Он его сам переложил для скрипки, и, кстати, я его записал на том же диске. Потрясающая музыка! У Бруха есть замечательные Симфонии, которые тоже, к сожалению, мало исполняются. Покойный Курт Мазур с Лейпцигским оркестром Гевандхауза записал все!

– Я читал, что он был немцем и послушным лютеранином, хотя нацисты полагали, что он был евреем, и запретили его музыку…

– Многие так полагают. Вопрос о его существующем или несуществующем еврействе открыт. Есть аргументы, что он был лютеранин. У меня только один вопрос: почему лютеранин написал “Коль нидрей” – пьесу для виолончели с оркестром на темы еврейских литургических мелодий? Кроме того, у меня еще есть один, совсем не научный аргумент: он очень похож на моего деда. Одно лицо. Я уже не говорю о том, что его фамилия имеет еврейские корни… А что касается недооцененности… Было время, когда Бруха исполняли чуть ли не в каждом концерте. Если приезжал скрипач, он играл Концерт Бруха. Это не только в Чикаго – так было повсеместно. В какой-то момент от Бруха устали. Сейчас он снова возвращается.

– Вы играете его Первый концерт уже, наверно, лет пятнадцать?

– Придется умножить, как минимум, на два. Я его выучил в детстве, так что играю больше тридцати лет.

– Ваша трактовка произведения меняется со временем?

– Конечно. Иногда – даже для меня незаметно. Я просто вдруг просыпаюсь с другим концертом, и потом происходит понимание того, что произошло. Иногда бывает просто сознательное решение. Это касается не только Концерта Бруха, но и любого произведения, которое играешь многие годы. Есть такое выражение: “заигранная пластинка”. В какой-то момент пластинку нужно приводить в порядок. Менять иглу в проигрывателе…

– Хотели бы вы сравнить вашу сегодняшнюю игру с тем, как вы делали это двадцать лет назад?

– Я бы не хотел сравнивать. Я думаю, двадцать лет назад все было неузнаваемо. А уж лучше или хуже – точно не мне судить. Надо пригласить моего первого педагога из Риги, с которым я разучивал этот Концерт, и спросить, какую версию он предпочитает.

– Концерт Бруха исполняли все великие скрипачи прошлого. Какое исполнение вы считаете эталонным?

– Много записей, которые я обожаю и к ним возвращаюсь. Наверно, я должен назвать Айзека Стерна. Его исполнение совершенно неподражаемо.

– В одном из наших прошлых интервью на вопрос о великих скрипачах прошлого вы сказали: “Первый в этом ряду – Давид Ойстрах. Ничего лучшего в искусстве скрипичной игры, на мой взгляд, не происходило”.

– Без сомнения. И сегодня я могу подтвердить эти слова.

– Вы испытываете влияние таких музыкантов, как Ойстрах, Стерн…?

– Естественно, и это нормально. Я вырос на их записях и возвращаюсь к ним до сих пор. Совершенно не для того, чтобы копировать. Если бы я мог, я бы с удовольствием, конечно… Это просто источник вдохновения, не более. В конце концов влияние существует для того, чтобы мы находили собственные голоса.

– От композитора – к дирижеру. На мартовских концертах Чикагским симфоническим оркестром дирижирует маэстро Осмо Вянскя. Хотелось бы услышать от вас несколько слов о нем.

– Это будет наша первая встреча на сцене. Мы знакомы много лет, приходили друг к другу на концерты, но никогда не музицировали вместе. На мой взгляд, Осмо Вянскя – совершенно уникальная фигура. Я регулярно играю с Симфоническим оркестром Миннесоты, где он долгие годы – главный дирижер. То, что он сделал с этим оркестром, – абсолютно выдающееся событие. Он вывел очень крепкий региональный коллектив на первые позиции в стране и высочайший международный уровень. На сегодняшний день, это однозначно один из лучших оркестров в Америке. Послушайте их запись Симфоний Малера. Это что-то феноменальное. Симфонии Сибелиуса они уже записали. Это у Осмо вторая версия. Первый раз он записал все Симфонии Сибелиуса в Финляндии с Симфоническим оркестром Лахти.

– В Чикаго вы музицировали исключительно с представителями Северной Европы: Нееме Ярве, Пааво Ярве, теперь с Осмо Вянскя. Это совпадение?

– Эстония и Финляндия дали миру много дирижеров. Там традиционно очень сильная дирижерская школа. Но в данном случае это абсолютная случайность. Я уверен, что никто не планирует, чтобы из года в год Глузман играл исключительно с дирижерами из северных стран. Я, честно говоря, сам не обратил внимания. Интересно… Еще одно совпадение…

– Вадим, есть какие-то отличительные особенности чикагского оркестра? Раньше говорили про особый чикагский звук. Он по-прежнему существует, или оркестры стали настолько унифицированы, что отличить звук уже практически невозможно?

– И да, и нет. Оркестры на сегодняшний день не столько унифицированы, сколько космополитичны и в Америке, и в Европе. Может быть, за исключением Азии, где большинство музыкантов – местные. Но при этом понятие традиции никто не отменял. Сознательно или несознательно, но определенные вещи в звукоизвлечении струнных, в атаке звука у медных духовых, в отношении слияния деревянных духовых передаются из поколения в поколение. Культивируются ли традиции – это уже вопрос к руководителю оркестра. Без сомнения, есть большая разница, скажем, между Кливлендским и Чикагским оркестрами. Это абсолютно разные оркестры с абсолютно разным отношением к музицированию. Я уже не говорю о том, насколько разные залы, в которых они играют. Бостонский симфонический оркестр – еще один абсолютно уникальный коллектив. Очень узнаваемый, на мой взгляд, особенно их струнный звук. Такое можно сказать о любом большом оркестре.

– Вам комфортно выступать с ЧСО?

– Естественно. Оркестр совершенно изумительный. Можно говорить о каких-то предпочтениях на уровне “мне нравятся помидоры или картошка”, но это один из ведущих оркестров в мире. Играть с ним – громадное удовольствие вне зависимости от репертуара.

“Главное – вопрос традиций“

– В этом и следующем сезонах у вас несколько интересных проектов с российскими оркестрами. Давайте о них поговорим…


– В принципе, я – редкий гость в России, но как-то так получилось, что в следующем сезоне играю с тремя прекрасными российскими оркестрами: “Виртуозами Москвы”, Симфоническим оркестром Большого театра и Симфоническим оркестром Санкт-Петербургской филармонии (в моей голове – по-прежнему Ленинградской). Так что следующий сезон у меня пройдет немного под русским знаменем. С “Виртуозами…” меня связывает долгая дружба. Мы долгие годы дружим и часто выступаем вместе с Владимиром Теодоровичем Спиваковым. Он как-то услышал, что я люблю играть в стиле “play lead” и предложил попробовать сделать это с “Виртуозами…”. Мы пытались с ним определить русский эквивалент этого слова и не нашли. Вернее всего это перевести словом “лидер”. Я либо в качестве солиста играю произведение для скрипки с оркестром, либо сажусь на место концертмейстера и веду оркестр. У меня давние отношения с оркестром Pro Musica в Колумбусе (штат Огайо). Мы с этим оркестром регулярно делаем такие “бездирижерные” проекты. И с “Виртуозами…” было уже несколько совместных выступлений. В следующий раз будут две разные программы. 14 сентября в Концертном зале Чайковского – Бах, Бетховен и замечательный латышский композитор Петерис Васкс; на следующий день в зале Филармония-2 – Чайковский, Вивальди. 22 декабря я играю Концерт Брамса с Симфоническим оркестром Большого театра и одним из моих самых любимых дирижеров Туганом Сохиевым. Мы с ним работаем вместе, наверно, уже лет пятнадцать… В апреле 2020 года в Малом зале Санкт-Петербургской филармонии я даю концерт с моим близким другом, пианистом Евгением Синайским. На следующий день играю Концерт Бетховена с Симфоническим оркестром Санкт-Петербургской филармонии под управлением отца Евгения – Василия Синайского.

– Есть какие-то особенности музицирования с российскими коллективами?

– Главное – вопрос традиций, которые в России очень сильны до сих пор, может быть, в большей степени, чем в других странах. Меня это очень привлекает. Даже если я не следую традиции, то я ее уважаю. С российскими оркестрами иногда мы должны найти немного большего компромисса в смысле интерпретации. Скорее всего, мой Бетховен будет разительно отличаться от того, к чему они привыкли. Хуже или лучще – не об этом речь. Это будет по-другому.

– Мы знаем вас, как активного популяризатора и исполнителя новой музыки. Что нового вы готовите в ближайшем будущем?

– Я многие годы занимаюсь современной музыкой, и премьеры новых сочинений – довольно регулярное для меня состояние. В апреле я играю американскую, а потом сразу мексиканскую премьеру произведения, которое для меня написала Лера Авербах. Совершенно потрясающее действо для скрипки, симфонического оркестра, хора и четырех солистов называется “Дитя-менестрель и его коллекция странных существ” (“The Infant Minstrel and His Peculiar Menagerie”). Музыка, слова и сценарий Леры. В мае 2020 года состоится мировая премьера нового концерта замечательного эстонского композитора Эрки-Свен Туура (Erkki-Sven Tüür). Он учился в Таллинской консерватории и стал рок-музыкантом. У него была одна из первых успешных рок-групп в бывшем Советском Союзе. Потом он разочаровался в роке и вернулся в классическую музыку. Туур писал музыку для лучших симфонических оркестров мира, сейчас пишет концерт для Берлинского филармонического. Абсолютно уникальный голос! Премьера нового концерта Туура пройдет во Франкфурте с Оркестром Франкфуртского радио. Дирижирует латышский маэстро, главный дирижер Латвийского Национального симфонического оркестра Андрис Пога. В свое время он был ассистентом Андриса Нельсонса в Бостонском симфоническом оркестре. После Франкфурта будут назначены даты в других городах и странах.

– Какие еще имена современных классических композиторов вы можете назвать?

– Из моего недавнего опыта – совершенно изумительный Тройной концерт Софии Губайдулиной для скрипки, виолончели и баяна. Швейцарская премьера сочинения прошла в Цюрихе с моим коллегой и другом, виолончелистом Йоханнесом Мозером и баянисткой Эльсбет Мозер. Они не родственники – однофамильцы. (Еще одно совпадение!) Для Эльсбет София Асгатовна написала много произведений, включая потрясающие “Семь слов на кресте”. С тем же Йоханнесом Мозером в Берлине мы сыграли премьеру Двойного концерта живущего в Лондоне русского композитора Елены Фирсовой, ученицы Губайдулиной.

“Музыкальный фейерверк“

– Чем будете удивлять летом на Девятом фестивале камерной музыки?


– К нам возвращается изумительный Струнный квартет Эшер. Со времени последней встречи в Квартете поменялся второй скрипач. Теперь это наша бывшая молодая артистка Данби Ум. Первый концерт фестиваля начнется с Одиннадцатого струнного квартета Бетховена. Во втором отделении мы “замахнулись” на Октет Шуберта – симфонию для восьми инструментов. Во втором концерте у нас будет, с одной стороны, почти попсовое сочинение Моцарта, с другой – мировая премьера. Мы исполним одну из Зальцбургских симфоний Моцарта в оригинальном составе для пяти человек. Этот струнный квинтет иногда называют Дивертисментом, его часто слышишь в самолетах компании Austrian Airlines. Моцартом популярные произведения заканчиваются. В концерте прозвучит Квинтет для кларнета и струнного квартета Антона Райха – жившего в Париже чешского композитора конца XVIII – начала XIX века. Завершится концерт мировой премьерой – Струнным трио “From Here to There” нашего любимого альтиста Атара Арада – и знаменитым Фортепианным трио Дворжака “Думки” с участием молодой артистки из Филадельфии Джанис Клариссы. Совсем недавно она дебютировала с Камерным оркестром “Орфей” в Нью-Йорке. Кроме прекрасных рецензий для меня было важно услышать отзывы коллег из оркестра. Они не могли остановиться в похвалах, говоря о чистоте и элегантности исполнения. Джанис – стипендиат Фонда имени Аркадия Фомина 2019 года.

Фонд имени Аркадия Фомина (Arkady Fomin Scholarship Fund) был основан в 2015 году базирующейся в Чикаго международной организацией “Music Makers” в память о замечательном музыканте, художественном руководителе Новой консерватории в Далласе (штат Техас) и консерватории в Дуранго (штат Колорадо), основателе проходящего в Колорадо Горного фестиваля (Mountains Festival), педагоге Вадима Глузмана. Вадим отзывается о Фомине с неизменными теплотой и уважением. Задача Фонда – поддержка молодых дарований. Вадим говорит: “Мы предоставляем юным музыкантам стипендии, они получают возможность поработать с опытными солистами”. С момента основания Фонд имени Фомина поддержал более двадцати молодых музыкантов из Австрии, Беларуси, Венесуэлы, Германии, Израиля, Индонезии, Китая, Латвии, России, США, Южной Кореи. В начале марта жена Вадима Глузмана, директор Международного фестиваля камерной музыки, пианистка Анжела Йоффе провела в Риге (городе, в котором она родилась и училась) презентацию Фонда и вручила стипендии талантливым молодым музыкантам.

– В третьем концерте мы вернемся к жанру октета и сыграем Октет Мендельсона. (В этом году у нас достаточно струнных инструментов, и мы решили не упустить такую возможность.) Закроется фестиваль третий год подряд парадом виртуозов, который мы называем “jam-session”. Каждый будет играть то, что захочет. В прошлые годы на сцене у нас и танцевали, и свистели, и пели… Это будет музыкальный фейерверк, который завершится новой обработкой Вальса Шостаковича из Джазовой сюиты.

– Прекрасное меню! Вы назвали произведения, которые редко услышишь в концертных залах.

– Это то, что мы стараемся делать каждый год, – исполнять музыкальные жемчужины – популярные и забытые. Я не знаю, где последний раз на Среднем Западе или даже в Америке исполнялся Квинтет Райха. Октеты Мендельсона и Бетховена – тоже большая редкость…

– Летом в Чикаго вы выступаете на Grant Park Music Festival…

– Я исполню одно из моих самых любимых произведений – Серенаду Леонарда Бернстайна.

– Говоря о Бернстайне, в основном, все подчеркивают его дирижерские качества, личную харизму, политические заявления. При этом его сочинения редко исполняют. В прошлом году прошло столетие со дня его рождения, и опять все о нем забыли. Что вас привлекает в музыке Бернстайна?

– Вы знаете, я бы не стал утверждать, что прошел год и все забыли. Такие события бесследно не проходят, и целый год исполнений музыки Бернстайна по всему миру несомненно сделает много для популяризации его произведений. Только мне удалось за этот год участвовать в празднествах в Лондоне, Сан-Франциско, Праге, Белграде, Гамбурге, Баден-Бадене и во многих других городах… В еврейской философской традиции считается, что талант – это не подарок, а наказание. К сожалению, в случае Бернстайна так и получилось. Его гений сиял настолько ярко во всех областях музыкальной жизни! Он и дирижер, и педагог, и пианист, и композитор. Ему равных не было. Естественно, и ему, и публике невозможно было сосредоточиться только на одном аспекте его творчества. Все хотели видеть его, дирижирующего симфониями Малера, и, конечно, кто не хотел попасть на его “Вестсайдскую историю”?! Конечно, тут просто не хватало внимания и, может быть, времени сосредоточиться на его “серьезных” произведениях. А среди них есть выдающиеся сочинения. Возьмем лишь симфонию “Век тревог” и несравненную Серенаду для скрипки. На мой взгляд, это – важнейшие произведения XX века. Музыка Бернстайна всегда мастерски написана для оркестра, красочность и яркость звучания возведена в высшую степень. Но для меня важнее всего его предельная искренность. В каждой ноте, каждом такте он – Леонард Бернстайн!

“Нет ничего нового под Луной”

– Все вокруг брюзжат по поводу будущего классической музыки, а после разговора с вами заражаешься энергией и оптимизмом. С классической музыкой все в порядке, правда?


– С классической музыкой все в полном порядке. Она живет и развивается. Без сомнения, есть проблемы, но они были во все времена. Нет ничего нового под Луной. Посмотрите на классическую сцену в Чикаго. Это ответит на все ваши вопросы. И диски классические по-прежнему выходят и по-прежнему продаются. У меня в скором времени на звукозаписывающей фирме BIS (с этой фирмой у Вадима Глузмана эксклюзивный контракт. – Прим. автора.) выйдут новые диски с записями Скрипичных концертов Бетховена и Шнитке, а также произведениями Петериса Васкса.

– Что вы ответите тем критикам, которые говорят, что на концерты ходит, в основном, пожилая публика?

– Я бы так хотел этим людям предоставить возможность путешествия во времени, чтобы они посмотрели на аудиторию тридцать-сорок-пятьдесят лет назад. Так было всегда, и я считаю это естественным. К классической музыке многие приходят позже. Это нормально. Так что не волнуйтесь, а приходите на концерты и получайте удовольствие!

– Расскажите, пожалуйста, о вашей дочке Орли. Она, кажется, тоже начинала со скрипки?

– Ей уже пятнадцать лет. Она учится в школе. Играла и на скрипке, и на флейте, но музыка никогда не была у нее на повестке дня. Она увлекается танцами, танцует в танцевальных командах школы с большой радостью и увлечением.

– Не хотите, чтобы она продолжила вашу музыкальную династию?

– Ни в коем случае. Династия – настолько искусственное понятие. У человека либо есть потребность заниматься музыкой, либо ее нет. Это касается не только музыки. В свое время Орли сама попросилась играть на скрипке и сама попросила закончить на ней играть. От генов не убежишь – слух у нее есть, но я считаю, что музыка – не профессия. Музыкой живут. Если у человека нет в этом потребности, на этом настаивать сегодня, по-моему, абсолютно не нужно. Что будет дальше? Время покажет.

– Вадим, в конце нашей беседы не могу не спросить вас о главной музыкальной новости последних недель – назначении Федора Рудина концертмейстером Венского филармонического оркестра. Парню всего двадцать шесть, а уже такой оркестр!

– Я только приветствую это назначение. Федор – прекрасный серьезный скрипач. Не вижу ничего странного в его возрасте. Двадцать шесть лет – это уже зрелый музыкант. Год назад Израильский филармонический оркестр объявил, что Зубин Мета уходит с поста руководителя, и через некоторое время был объявлен новый главный дирижер. Им стал тридцатилетний Лахав Шани. Тогда тоже стали говорить, что он такой молодой. Все забыли, что когда Зубин Мета возглавил Монреальский симфонический оркестр, ему было двадцать четыре года, а Лос-Анджелесским филармоническим он руководил с двадцати шести! Он не сразу был легендарным Зубином. Он СТАЛ им!.. Молодость – это болезнь, которая проходит очень быстро.

=======================
Все фото – по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4060

СообщениеДобавлено: Вт Мар 26, 2019 8:01 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032602
Тема| Музыка, Башкирский государственный театр оперы и балета, Второй международный фестиваль Ильдара Абдразакова, Персоналии, Ильдар Абдразаков, Мартина Грезия, Анна-Дорис Капителли, Василий Ладюк, Кира Парфеевец, Диляра Идрисова, Фабио Мастранджело, Валерия Лебедева, Оксана Секерина, Кирилл Белов
Автор| Владимир Дудин
Заголовок| Ильдар Абдразаков привез в Уфу частичку Италии
Оперный певец проводит свой второй фестиваль на родине

Где опубликовано| © Независимая газета
Дата публикации| 2019-03-21
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2019-03-21/8_7537_cult.html/
Аннотация| КОНЦЕРТ


Европейское оперное сообщество признало Ильдара Абдразакова лучшим басом мира.
Фото Антона Вельта


Второй международный фестиваль Ильдара Абдразакова открылся в Уфе в Башкирском государственном театре оперы и балета гала-концертом молодых российских и итальянских певцов.
Фестиваль певца на его родине - тема особая. В Уфе живут его мама Таскира Нагимзяновна и любимый педагог, 93-летняя Миляуша Галеевна Муртазина. Именем отца Амира Габдульманович Абдразакова была названа киностудия "Башкортостан". Ильдар решил привезти в Уфу не только свое искусство, но и немного боготворимой Италии, давшей ему школу и признание. По словам певца, в Ла Скала он спел 12 премьер, дал 3 сольных концерта и трижды открывал сезоны, включая и сезон этого года, когда исполнил заглавную партию в опере "Аттила" Верди под управлением Риккардо Шайи. Телевизионный конкурс "Вердиевские голоса" в Парме принес ему огромную известность в Италии, а в Академии Ла Скала Ильдар проводил мастер-класс. Вдумайтесь: русский бас дал мастер-класс в Италии! Шаляпину такое не снилось.
Впрочем, в Италии сегодня не удивишь русскими педагогами, передающими традиции бельканто. Так вот, на своем мастер-классе Ильдар заприметил сначала одно роскошное сопрано, а чуть позже, когда урок почти завершился, его попросили послушать еще одно очень хорошее меццо-сопрано, обещая, что он не пожалеет. Сопрано оказалась Мартина Грезия, а меццо-сопрано - Анна-Дорис Капителли, которых Ильдар Абдразаков и пригласил для выступлений в России. Об амбициях этого фестиваля, его экспансивности говорит то, что уже со второго года события его проходят не только в Уфе, а и в Москве, и в Казани, и даже в информационно незаезженном Альметьевске. Помня о национальном герое, борце за независимость Салавате Юлаеве, чей памятник гордо высится в Уфе, даже и не удивляешься, откуда у Ильдара такое стремление промчаться по стране свободным вихрем своей фестивальной компании.
На спонтанности и стремлении к простору и масштабу, сочетающихся со стабильностью вокальной школы, базируется и артистический феномен Ильдара. Однако самым главным на фестивале является, по словам его инициатора, "стремление помочь молодым певцам в их пути на оперный Олимп". Забавно было слышать на встречах певца с журналистами вопросы о том, не боится ли он конкуренции. Этот бас - вне конкуренции не только в пределах России. В мире певцов с такими вокальными возможностями - единицы, европейское оперное сообщество признало Ильдара Абдразакова лучшим басом мира. Когда начинаешь задумываться, а зачем и в самом деле ему нянчиться с молодыми, никому не известными певцами и певицами, понимаешь, что истоки - в многочисленных конкурсах, принесших ему успех. Только на фестивале уже нет конкурсной горячки - есть состояние меркурианской эйфории, вращения в кругу единомышленников.
Благодаря легкости и открытости Ильдара, на мастер-классе царила живая атмосфера интереса и вовлеченности. "Тройной конферанс" составили помимо него баритон Василий Ладюк и Кира Парфеевец (артистический координатор молодежной программы оперы Монте-Карло) за роялем. Невероятно увлекательно было наблюдать даже не столько за неоперившимися молодыми голосами (хотя и отобранными из почти полутысячи заявок), сколько за тем, как возгорается педагогическая страсть в каждом из троих, вовлекавших молодежь в свой звездный ансамбль. Ильдар был предельно деликатен, бережно ироничен, Василий - подчас брутально вспыльчив и нетерпим к плохой артикуляции итальянского языка. Кира оказалась самой заботливой по части смысла пропеваемых слов, фраз, предложений, проясняя каждый поворот взгляда, жеста, действия.
На гала-концерте заключительным номером стала многофигурная сцена из финала "Итальянки в Алжире". В отличие от первого фестиваля, где концерт открытия в Уфимской опере включал и академические, и неакадемические элементы, второй фестиваль настроил исключительно на классическую волну. Его программа удачно балансировала между популярной и не запетой оперной классикой. Так, вслед за увертюрой Абдразаков исполнил арию и кабалетту Оберто из одноименной оперы Верди, а уникальное башкирское лирико-колоратурное сопрано Диляра Идрисова представила абсолютную редкость - арию Маргариты из "Гугенотов" Мейербера и арию Аспазии из "Митридата" Моцарта. Харизма Фабио Мастранджело сыграла свою роль в том, что оркестр легко преодолел все сложности партитуры Мейербера, этого немецкого Россини.
Россини, Моцарт и Верди обрели в лице Ильдара идеального интерпретатора, наделяющего их героев не только полнокровными образами, но прежде всего - голосом редчайшей и тщательнейшей выделки и технических возможностей. В гала-концерте сопрано Валерия Лебедева, учащаяся Международной академии музыки Елены Образцовой, очень складно исполнила вальс Мюзетты. Потенциальное драматическое сопрано Оксана Секерина, которую пригласили к участию благодаря ее удачному выступлению на мастер-классе, взволновала слушателей сценой письма Татьяны из "Евгения Онегина" Чайковского. Лирический тенор Кирилл Белов со здоровым заразительным апломбом исполнил несколько теноровых хитов, среди которых песенка Герцога из "Риголетто" обрадовала наличием всех необходимых верхних нот. Любимец московской публики баритон Василий Ладюк радовал отменным итальянским в сцене смерти Родриго из "Дон Карлоса", и как граф ди Луна - в дуэте с Леонорой из "Трубадура", и как Фигаро - в его выходной арии из "Севильского цирюльника" Россини.
Певческие достоинства двух итальянок выдали себя с первых же звуков. Чувственный, плотный, мягкий и обволакивающий тембр 21-летней Мартины Грезии вкупе с ее пронзительным взглядом были весьма уместны в характеристике страдающих героинь Верди. Рядом с ее покорностью такой взрывоопасной смотрелась колоратурное меццо-сопрано Анна-Дорис Капителли с хабанерой из "Кармен" Бизе, с финальной арией Золушки из одноименной оперы Россини и особенно - в дуэте Изабеллы и Мустафы из "Итальянки в Алжире". Клокочущий гортанный, пунцовый, словно свежее вино тембр, помноженный на природный артистизм и сангвинический темперамент, превратили ее выступления в исполнительские шедевры. Ее с Ильдаром дуэт стал кульминацией концерта, в котором они оба показали идеальное партнерское, вокальное и драматическое существование на сцене, когда каждый по цепной реакции зажигается от другого, искрясь и перебрасывая искры в зрительный зал, рождая фантастическую драматургическую динамику - праздничный вихрь, способный привлечь слушателей в оперу.

Уфа–Санкт-Петербург
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4060

СообщениеДобавлено: Вт Мар 26, 2019 8:01 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032603
Тема| Музыка, Опера, БТ, Персоналии, Александр Молочников, Алексей Верещагин, Азамат Цалити, Тамара Касумова, Роман Шевчук, Александра Наношкина, Екатерина Большакова, Ольга Дейнека-Бостон, Аскар Нигамедзянов
Автор| Надежда Травина
Заголовок| Хотите вызвать дух – отправьте смс
В Большом театре поставили оперы о триумфе искусственного интеллекта над человеком

Где опубликовано| © Независимая газета
Дата публикации| 2019-03-24
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2019-03-24/7_7538_opera.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Герой оперы о власти новых технологий не случайно напоминает Стивена Хокинга.
Фото Владимира Майорова/Большой театр


На Камерной сцене имени Покровского, с недавнего времени ставшей одной из сцен Большого театра, вышла премьера двух опер Джанкарло Менотти «Телефон» и «Медиум» в постановке Александра Молочникова. Оперный диптих американского композитора итальянского происхождения предстал перед российской публикой после долгого забвения – о первой постановке 1978 года в Казани сейчас мало кто вспомнит.
В середине XX века Менотти был весьма популярен и на фоне новой волны авангарда сочинял один за другим музыкально-театральные сочинения, звучавшие на радио, телевидении и даже на Бродвее. Несколько старомодный для того времени музыкальный язык опер, балетов, мюзиклов композитора «компенсировался» актуальными и современными сюжетами его же либретто. Так, опера «Медиум», возникшая у Менотти после посещения спиритического сеанса, поднимает тему возмездия псевдопредсказателям и шарлатанам: хозяйка медиума мадам Флора постоянно одурачивает клиентов, при помощи технических трюков вызывая дух умерших, но в какой-то момент начинает верить своему обману. А в «Телефоне» впервые в истории оперы шутливо-иронически обыгрывается увлечение новым средством связи – девушка Люси не обращает внимания на своего жениха Бена, постоянно разговаривая по телефону, отчего тот решает сделать ей предложение таким же образом.
Как никогда актуальные на сегодня истории воплотил Александр Молочников – актер и еще недавно самый молодой режиссер МХТ им. Чехова. Год назад он успешно заявил о себе в рамках проекта «Кантаты. lab», где выпускники театральных мастерских ставили малоизвестные музыкально-сценические произведения, однако его полноценный дебют в музыкальном театре состоялся именно с операми Менотти. При жизни композитора и «Медиум», и «Телефон» всегда шли вместе (вторая опера была сочинена скорее не по смыслу, а для того, чтобы элементарно заполнить вечер). В своем спектакле Молочников отказался от этой идеи и попытался объединить две оперы в одну, придумав единый сюжет и сквозных персонажей. Действие изначально проходит в медиуме мадам Флоры, а Люси и Бен – это ее дочь Моника и влюбленный в нее воспитанник Тоби. Выстраивание драматургического единства позволило режиссеру вскрыть и продемонстрировать утверждение, о котором Менотти намекал еще в 1946 году, – люди находятся в плену у технических изобретений, живое стремительно вытесняется искусственным, интеллектуально созданным, которое замахивается даже на то, чтобы бросить вызов самой смерти.
По словам режиссера, зрителей он приглашает к участию в групповом сеансе общения с потусторонним миром. Сценическое пространство (оно же – «Храм надежды», как гласят таблички у дверей) представляет собой нечто вроде исследовательской лаборатории или инновационного центра с полупрозрачными экранами и куполом с дисплеем, на котором время от времени всплывают объявления вроде злободневного предложения вызвать дух Майкла Джексона и задать ему вопросы. Сочетание творческого тандема сценографов-архитекторов Сергея Чобана и Агнии Стерлиговой вместе с изобретательной световой партитурой Айвара Салихова погрузило сидящую напротив друг друга публику не то в атмосферу научно-фантастического фильма, не то в мир будущего, которое, казалось, уже наступило. Главный герой Тоби, внешне напоминающий Стивена Хокинга, – прикованный к коляске ученый, умело управляет системой центра-медиума при помощи планшета. Будучи немым, Тоби выражает свои мысли и чувства за счет бота по имени Бен и посредством которого пытается добиться внимания своей возлюбленной Люси (далее – Моника), отвлекающейся на общение по скайпу со зрителями из зала в режиме реального времени (текст либретто здесь подан в виде всплывающих диалогов из чата). Впрочем, Молочников завершает оперу «Телефон» (хотя ее уместнее было бы переименовать в «Планшет») счастливым финалом, а именно – свадьбой Люси, Тоби и… бота.
Опера «Медиум», начавшаяся без какого-либо антракта и пауз, в лучших традициях хоррора или артхаусного кино, держит в напряжении с первых тактов до последнего аккорда. В центре внимания – аферистка мадам Флора, полубезумная женщина средних лет в строгом костюме (художник – Мария Данилова), застрелившая сначала своих клиентов (чету Гобино и миссис Нолан), а затем и собственную дочь Монику, приняв ее за призрака. Программа, заложенная в центр-медиум, окончательно сводит ее с ума, а с уходом Тоби и вовсе отказывается ей подчиняться. Незаметная гибель Флоры на фоне системного сбоя супер-машин, посылающих ей сообщения на экран, словно говорит: увлечение и власть современных технологий может быть губительным, а искусственный интеллект способен вытеснить людей и стать новой формой жизни (как тут не вспомнить статью того же Хокинга?).
Возникает вопрос: а что же с музыкой Менотти в контексте убедительной режиссерской задумки? Партитура композитора не претендует на оригинальность и свежесть музыкального языка, являясь квинтэссенцией оперных стилей, форм, вокальных особенностей прошлых эпох. И если «Телефон» – типичная опера-буфф даже с соблюдением классицистского единства места, времени и действия, то «Медиум» – союз веризма, экспрессионизма и стилистики бродвейских мюзиклов.
Оркестр (или скорее ансамбль солистов) под управлением харизматичного дирижера Алексея Верещагина старался подчеркнуть элементы «потусторонности» (диссонансы, хроматизмы, секундовые интонации и т.д.), периодически растворяясь в электронно-шумовых призвуках и звуках видеозвонка в скайпе. Вокальный состав данной постановки достоин всяческих похвал. Пожалуй, труднее всего пришлось Азамату Цалити, сыгравшему роль бота, который, выполняя механистичные движения, прекрасно справлялся со своей полуэстрадной, опереточной партией в сценах любви с Люси/Моникой (Тамара Касумова). Супружеская пара Гобино и миссис Нолан (Роман Шевчук, Александра Наношкина и Екатерина Большакова) напоминали обманутых трагических героев оперы «Дон Жуан», в то время как образ мадам Флоры, блистательно воплощенный Ольгой Дейнека-Бостон, словно соединил в себе всех безумных героинь в истории оперы. Впрочем, наблюдая за работой перформера Аскара Нигамедзянова (Тоби) с сенсорной перчаткой на руке, становится ясно: будущее – за высокими технологиями. И за молодыми режиссерами, конечно.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4060

СообщениеДобавлено: Вт Мар 26, 2019 8:02 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032604
Тема| Музыка, Опера, Персоналии, Кирилл Серебренников, Серджо Морабито, Евгений Кулагин, Илья Шагалов, Татьяна Долматовская, Оксана Дыка, Жеральдин Шове, Довлет Нургельдыев, Димитри Платаниас, Абед Харсони, Ханна Алькурба, Александр Виноградов
Автор| Вадим Рутковский
Заголовок| Политическое убежище в опере. "Набукко" Кирилла Серебренникова
Где опубликовано| © Радио Свобода
Дата публикации| 2019-03-25
Ссылка| https://www.svoboda.org/a/29836432.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Кирилл Серебренников поставил в Гамбурге оперу "Набукко" – не покидая дом из-за ареста. Джузеппе Верди стал расширенным и дополненным.


Как у Серебренникова получается? Вопрос, возникающий у всякого, кто знает, что идёт процесс по делу "Седьмой студии", что Серебренникову предъявлены фантастические обвинения в хищении и он под домашним арестом – а спектакли продолжают выходить. И не только в "Гоголь-центре": в ноябре 2018-го была премьера оперы "Так поступают все женщины" в Цюрихе, в марте 2019-го – "Набукко" в Гамбурге. В 2017-м, всего через пару месяцев после ареста Кирилла, Штуттгартская опера не стала отменять премьеру "Гензель и Гретель" и выпустила незаконченный спектакль, где основой был заранее снятый Серебренниковым фильм. К тому решению был причастен руководитель литчасти театра Серджо Морабито (московские зрители могли видеть в "Новой опере" "Норму", поставленную им с Йосси Вилером). На вопрос, что двигало театром, ведь это же force majeur, можно было всё отменить, Морабито отвечал, что никакой это не force majeure, то есть "высшая сила", а просто force, сила, которая пытается сломать художника, не позволить ему работать. Тупой властной силе можно противостоять, что Кирилл и его команда замечательно демонстрируют: полтора года изоляции равны не простою, а четырем полноценным, законченным спектаклям (и двум фильмам, "Лето" и "После лета"). Как он это делает? С помощью адвокатов, передающих видеозаписи репетиций из театра – режиссёру, а комментарии режиссера – в театр (слава богу, в цифровом веке живём). За счёт тщательно продуманной концепции: кажется, Рене Клер говорил, что фильм готов в голове, остаётся только его снять. То же самое у Кирилла со спектаклем – он до последней детали существует в воображении; дальше – дело техники. Наконец, ключевое слово в ответе на вопрос "Как?" – команда: режиссер Евгений Кулагин, видеохудожник Илья Шагалов, художник по костюмам Татьяна Долматовская, тот же Серджо Морабито – в "Набукко" он драматург. Больше, чем единомышленники, помогающие сделать замысел реальностью. Вот так и выходят спектакли, автор которых отрезан от них сотнями километров. Это круто, но я не хочу, чтобы мы слишком радовались; нельзя забывать о трагизме и ненормальности ситуации. И наверняка непосредственное прикосновение режиссера сделало бы каждую работу только лучше, придало ей легкости. В "Набукко" с его восхитительным единением политики и поэзии, есть актерские неточности, которых Кирилл наверняка бы не допустил. Глобальная задача решена безупречно, в частностях (то есть буквально в частных отношениях героев) проскальзывает схематичность. Та сила, что стоит за судебным преследованием Кирилла, всегда стремится уничтожить лёгкость и навязать схему. (Про эту силу работа художника Славы Птрк "Make Russia Grey Again".) Но чёрт с нею: мелкие промахи не умаляют величия "Набукко", в котором режиссёр выступает как художник и как гражданин – в полном согласии с Верди.

Первая опера, принёсшая Верди успех (провал ранних опытов едва не заставил композитора бросить музыку вовсе), окружена почти революционной аурой. Верди использовал вроде бы лишенный злободневности библейский сюжет о языческом царе и полководце, ассирийце Набукко, поработившем народ Израиля, но обратившемся в истинную веру, пережив муку безумия. Однако спектакли часто превращались в митинги: Верди, сам будучи убежденным борцом за свободу Италии, сочинил оперу, зовущую на подвиг; в покорённом гордом народе итальянцы были готовы увидеть себя; звучащий в финале третьего акта хор пленённых израильтян "Va, pensiero..." стал чуть ли не национальным гимном. В спектакле Серебренникова воспевается другой героизм – изгнанничества; подлинным главным героем здесь становятся беженцы. Хотя орудуют на сцене политики.

Каждому герою придумана новая биография. Вавилонский царь, поклонявшийся идолу войны Ваалу, стал Набукко Доносо, 1960 г.р., чья партия "Ассирия превыше всего" победила на выборах 2018-го и превратила страну в однопартийную автократию. Лозунг Набукко: "Я исполняю волю народа". Программка сообщает: "Ассирийские войска в настоящее время активны во многих кризисных регионах, независимо от того, признаны они или нет".
Антагонист Набукко, духовный лидер израильтян Захария Бадави, стал политиком 1976 года рождения; его предвыборный слоган – "За мир без национальных идолов". Известно, что он возглавлял делегацию по связям с Панафриканским парламентом; занимался иностранными делами и правами человека; с 2015-го – полпред Земли Обетованной.
Приёмная дочь Набукко, и рабыня по крови, стала Абигайль Донозо (г.р. 1978-й), дочкой от первого брака (из программки можно узнать, что "слухи о насильственной смерти ее матери никогда не прекращались"). Абигайль – ещё более радикальный политик, крайне правая ястребица, уверенная, что "у судов нет жизнеспособного определения терроризма". Оксана Дыка играет Абигайль, не чураясь карикатуры, с оперной чрезмерностью. По контрасту с этим пережимом абсолютно гипнотически звучит её финальная мольба о прощении.

Сводная сестра Абигайль, Фенена, – напротив, политик-либерал; "будучи непостоянным членом Ассамблеи, проводит политику осторожного сближения с ЕС". Воин Измаил Седекиа и сестра Захарии Анна как его ближайшие представители "занимают два из трех мест для голосования Постоянного Представительства Земли Обетованной".
Как и в оригинальном либретто, Фенена и Абигайль влюблены в Измаила; с этим чувством связан единственный курьёзный момент спектакля. Во время трио Абигайль, Фенены и Измаила конференц-зал превращается в зал свиданий: решительность Абигайль (сразу – к пуговицам на рубашке и брюках Измаила) не помогает ей в соблазнении, и пока она в одиночестве горестно взмахивает руками, влюблённым Фенене и Измаилу (Жеральдин Шове и Довлет Нургельдыев) "аккомпанируют" две пары обнимающихся статистов. Немного (и непреднамеренно) смешно.

Вместо обычной, с оружием в руках, войны между ассирийцами и евреями, на сцене Гамбургской оперы либеральная фракция с Захарией во главе терпит поражение от ведомой Набукко партии войны, нетерпимой к беженцам. Жертвами же политических игр становятся мигранты из стран третьего мира, пытающиеся обрести хоть какой-то мир и дом. Реальные люди в вымышленном пространстве: они появляются на проецируемых репортажных фото Сергея Пономарёва и во плоти.

Декорация первого акта воссоздаёт зал Совета Безопасности ООН; новый контекст заставляет увидеть в панно Пера Крога и следы помпезного советского кича, и сюр Нео Рауха; место, где на долгих пленарных заседаниях вершатся судьбы мира (есть в спектакле загадочные персонажи – они, как и представители соперничающих партий, соблюдают строгий офисный стиль и носят бейджи, но никак не участвуют в прениях, наблюдая за происходящим сверху, из-за стекла: кто эти молчуны – политтехнологи, любующиеся материализацией своих стратегий? Даже если вдруг это просто случайные люди, массовка, получился интригующий нюанс).
До начала действия и во время увертюры в этом зале трудится обслуживающий персонал: техники тестируют микрофоны и телефоны, секьюрити проверяют, нет ли жучков и террористической угрозы, уборщицы вытирают пыль, въевшуюся в ковровые дорожки (которые что в Кремле, что в Евросоюзе из одного материала сшиты). А красные буквы бегущей электронной строки сообщают о том, что богатейшие люди мира в эту минуту стали ещё на два миллиарда долларов богаче.

Ох уж эта бегущая строка! Она бомбардирует информацией, перемешивая новости дня с политическими лозунгами. "Сталь прочнее бетона", "Стены спасают жизни", "Моральные ценности преданы в угоду толерантности", "Париж превратился в трущобы Магриба", "Глобальное потепление – величайший вызов, который человечеству бросает будущее". Когда зал заполняют политики, действие захватывает сразу несколько уровней: надо следить за артистами – раз, за видео на мониторах – два, за текстом бегущей строки – три. Читать субтитры уже не получается, на что, может, и был расчёт: текст либреттиста Солеры конфликтует с современным сюжетом.

"The people of Baal will be great again", – провозглашает бегущая строка, когда в финале первого действия (то есть второго акта Верди) Абигайль в красном брючном костюме дорывается до власти: вместо прописанной в либретто божьей молнии Набукко поражает сердечный приступ. Но эти посттрамповские шутки (как и открывающая второе действие интермедия с уборщицами, вторгающимися в репортаж BBC) мог позволить любой не обделённый юмором режиссёр. Набукко в исполнении Димитри Платаниаса, смачно изображающий путь от брутального неистовства к смирению, – отлично сыгранный персонаж, но он мог бы существовать и в "аутентичных" костюмах другой постановки. (В связи с помрачением сознания у правого политика не мог не вспомнить шутку из фильма Вуди Аллена: его герой вдруг начинал голосовать за республиканцев, потом выяснялось, что у парня опухоль мозга.)

Только Серебренников мог решиться на дополнение Верди. В середине первого действия (то есть в финале первого акта Верди) дают занавес, опускают киноэкран – на него будут проецироваться кадры с мигрантами, моря, погранзаставы, километровые очереди и стертые города; на сцену выходит музыкант с удом, сириец Абед Харсони, и поёт протяжную, тревожную и красивую песню об Отчизне. Это и элементарно, и невозможно описать: как перехватывает дыхание, когда обрывается Верди и под сводами зала летает тоскливая и волшебная песня из разрушенной страны. Всего четыре новых музыкальных главы привнесены в спектакль Серебренниковым: "Прибытие", "Дорога" (на ней к Харсони присоединяется певица Ханна Алькурба), "Война", "Пустой город". В четвёртой главе музыка Ближнего Востока плавно переходит в мелодию Верди: реальные мигранты вновь исполнят Va pensiero; не под возмущение, но под аплодисменты зала.

Лишний билет в Гамбурге начинают стрелять за два часа до начала спектакля; аншлаг на каждом представлении. А ведь пуристы могли бы оскорбиться: в партитуру Верди вторглись сирийские песни. К любым режиссерским выкрутасам консервативная оперная публика относится терпимее, чем к изменению музыкальной ткани. Эксперимент Серебренникова прошёл, кажется, удачно – судя по аншлагам и десятиминутной овации. Правда, в момент исполнения Va pensiero, когда на первый план, оттеснив артистов хора, вышли реальные беженцы, не актёры, из зала раздался крик "Viva Verdi!" – но его же можно принять и за похвалу (вот на "Троянцах", поставленных в Париже Дмитрием Черняковым, престарелый дракулообразный маньяк прокричал "Берлиоз достоин лучшего!" – там осуждение без вариантов).
Впрочем, не уверен, что залу есть дело до беженцев и того, что волнует Серебренникова. Средний возраст зрителей – около ста лет. То есть я привык, что в оперу ходит "возрастная публика", но тут в свои 44 ощутил себя дошкольником; самый пожилой гость "Гоголь-центра" сгодился бы гамбургцам в сыновья. Шампанское в антракте и дежурное сопереживание – как пел Цой, "в этом мотиве есть какая-то фальшь". Но фальши или эксплуатации горячей темы ни на грамм в самом спектакле. Серебренников без иллюзий относится к наделённым политическим влиянием героям: в одном из эпизодов прекраснодушный либерал Захария (лучшая роль этого спектакля – у Александра Виноградова) благословляет детей мигрантов на... низкооплачиваемый трудодень: ребятню ждут швейные машинки. И пригласив на сцену мигрантов, Серебренников в итоге даёт им роли: пересекая границу рампы, нельзя остаться неактёром.

"Набукко" – спектакль без иллюзий. Протесты и праздничные митинги сопровождают восхождение Абигайль, "реставратора утраченного величия". Визуальная примата – рамка металлоискателя – универсальный символ нового порядка; деталь, объединяющая все озабоченные "безопасностью" опасные режимы. Спектакль Серебренникова – реакция мыслящего человека, русского либерального интеллигента на правый поворот в мире (где отношение к мигрантам – как лакмус общечеловеческих ценностей). И идентификация себя с изгоями – вовсе не результат судебных преследований на родине. Просто иначе нельзя; неправильно; нечестно.

===============
Фотогалерея – по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4060

СообщениеДобавлено: Вт Мар 26, 2019 8:03 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032605
Тема| Музыка, Пермская опера, MusicAeterna, Персоналии, Теодор Курентзис, Зарина Абаева, Эрмине Мэй, Виталий Полонский, Рене Барбера, Тарек Назми
Автор| Юлия Баталина
Заголовок| Освобождение
Оркестр и хор MusicAeterna исполнили в Перми Реквием Верди

Где опубликовано| © Новый Компаньон
Дата публикации| 2019-03-26
Ссылка| https://www.newsko.ru/articles/nk-5157643.html
Аннотация| КОНЦЕРТ

Джузеппе Верди был, по воспоминаниям современников, совершенно чужд религиозности, однако смерть близких друзей — Джоаккино Россини и писателя Алессандро Мандзони — побудила композитора обратиться к духовной музыке. Создавая свой реквием — партитуру на канонический латинский текст, Верди в то же время оставался верен привычной оперной эстетике: в его сочинении сольный вокал — в центре событий, хор же выполняет, скорее, роль сопровождения.
Для интерпретаторов здесь важно соблюсти хрупкое равновесие всех элементов исполнения и выдержать идеальное сочетание ингредиентов: солирующих голосов, хора и оркестра, а также элементов содержательных — оперного начала и духовной музыки. Как это получилось у Теодора Курентзиса, можно было оценить 21 и 22 марта. За то, что концерт шёл в Перми с повтором, надо очень поблагодарить маэстро: за два вечера его действительно смогли посетить все желающие.
Музыканты и хористы вышли на сцену в длинных чёрных одеяниях, напоминающих рясы послушников, солисты тоже были в чёрном. Музыка началась почти незаметно, постепенно нарастая из очень-очень глубокого pianо и плавно, но стремительно достигая forte почти громогласного. Всё исполнение было построено на драматических контрастах — между громкими и тихими фрагментами, между солистами и хором. Как обычно, акценты и противопоставления Курентзису удались, и длинное произведение пролетело, как остросюжетный фильм. Напряжение в зале было физически ощутимо, и после окончания концерта зрители расходились не только счастливые, но и очень уставшие.
Речь в этот вечер шла о приключениях духа, о поисках покоя (requiem) и свободы (liberte); вечного света, вечного покоя. Слова lux aeterna и requiem aeterna постоянно повторяются в тексте, пусть каноническом, но несколько видоизменённом композитором, как это, собственно, и принято при написании реквиемов. В сюжете этого реквиема много тревоги, много боли — недаром Dies irae («День гнева») звучит в нём трижды, как рефрен, — это не столько религиозный Страшный суд, сколько леденящее осмысление неизбежности смерти, острое чувство, которое в повседневности человек гонит от себя, но которое неизбежно настигает его в дни горьких утрат.
Dies irae в начале канонической секвенции — самый эффектный фрагмент реквиема, где создаётся почти зримый образ Страшного суда благодаря мощным звукам фанфар во фрагменте Tuba mirum. Курентзис преподнёс его как жестокую мистерию: четвёрка трубачей расположилась на балконе, и музыка окружила и заполнила зал, а трубный глас донёсся до слушателей как будто с небес. Для того чтобы руководить трубачами, дирижёр повернулся к залу, и зрители смогли увидеть дирижирующего Теодора в лицо — возможность практически небывалая.
Мощный хор поразил публику прежде всего своими размерами. Главный хормейстер Виталий Полонский рискнул объединить хор MusicAeterna и «Большой» хор Пермской оперы, но подстраховался, пригласив 13 певцов со стороны. Получилось очень достойно. Ещё есть поле для работы — всё-таки 87 человек поют пока не так слаженно, как 20—30 лучших, но тонкое пиано, столь любимое и дирижёром, и его слушателями, они уже освоили.
Как уже было сказано, на солистов в этом реквиеме нагрузка огромная. Из четвёрки голосов, собранных из разных стран и даже континентов, сопрано было пермским — солистка оперной труппы Зарина Абаева в этой красивейшей партии и звучала, и выглядела как-то неземно. В финале — Libera me («Освободи меня») — она молитвенно сложила руки, и казалось, что на сцене кающаяся Магдалина с картины эпохи барокко. Libera me — страстный и проникновенный финал, в котором звучит острая, щемящая надежда на победу жизни над смертью. Несмотря на горечь и страх, столь мощно звучащие в этом реквиеме, финал его пусть сдержанно, но оптимистичный.
Кроме Зарины Абаевой некоторым пермякам знаком и бас Тарек Назми: его видели и слышали те, кто добрался прошлым летом до Зальцбурга, где он участвовал в исполнении Девятой симфонии Бетховена с MusicAeterna и Теодором Курентзисом. Бас низкий, глубокий, но и очень гибкий, певучий — редкое и ценное сочетание.
Менее других впечатлила меццо-сопрано Эрмине Мэй, хотя и упрекнуть её не в чем; голоса в целом были подобраны идеально ансамблево, и дуэты Мэй и Абаевой звучали сладостной гармонией. Зато тенор Рене Барбера просто потряс: это настоящий итальянский, вердиевский тенор, заливистый, рассыпчатый, в меру сладкий. Захотелось услышать его в опере.
Все полтора часа, пока продолжался Реквием Верди, в зале, казалось, не было ни вздоха, ни движения. Лишь поначалу капельдинеры пару раз неслышно, как тени, пробежали по проходам, напоминая о необходимости выключить экраны телефонов, и всё! Какие там телефоны! О них все забыли. На протяжении секвенции Курентзис не давал отдыха ни исполнителям, ни публике; первый небольшой перерыв был сделан перед Offertorium («Подношение»). Казалось, вот тут должны непременно прозвучать неловкие аплодисменты... Но нет! Судя по всему, Теодор Курентзис воспитал-таки в Перми достойную, понимающую публику.
Всё сложилось безупречно, и Реквием Верди прозвучал именно так, как хотелось, в самой подходящей для такого исполнения обстановке. Его противоречивые начала отлично ужились в этом исполнении: при всей оперной певучести и мелодическом разнообразии реквием прозвучал с истинным религиозным настроением, благоговейно и с острыми эмоциями страха, гнева, горечи — и надежды на вечный свет.
Вслед за первым пермским исполнением последуют многочисленные другие: начались большие европейские гастроли MusicAeterna, которые открылись 24 марта в Москве, а завершатся 12 апреля в церкви Святого Марка в Милане — именно там 22 мая 1874 года состоялась премьера Реквиема Верди, которым дирижировал автор.
Пермякам, которые по каким-то причинам не смогли побывать на концертах в Театре оперы и балета, наверняка удастся увидеть прямую трансляцию миланского исполнения на одном из самых популярных музыкальных телеканалов мира — французском Mezzo.

========================
фото – по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11618

СообщениеДобавлено: Ср Мар 27, 2019 5:49 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032701
Тема| Музыка, musicAeterna, Фестиваль Ильдара Абдразакова, Персоналии, Теодор Курентзис, И. Абдразаков
Автор| Петр Поспелов
Заголовок| Как Курентзис не встретился с Абдразаковым
Транзитом из Перми в Европу Теодор Курентзис проследовал через Москву с «Реквиемом» Верди. С ним разминулся Второй фестиваль Ильдара Абдразакова, двигавшийся встречным курсом
Где опубликовано| © "Ведомости»
Дата публикации| 2019-03-27
Ссылка| https://www.vedomosti.ru/lifestyle/articles/2019/03/26/797465-net
Аннотация|

По свежей версии Курентзиса «Реквием» Верди – не церковное произведение, а «опера в церковных одеждах» Антон Завьялов

Два «Реквиема»

Счастливые пермяки стали первыми: на сцене Пермского театра оперы и балета «Реквием» Верди под управлением Теодора Курентзиса прозвучал два раза подряд. Потом настал черед Москвы: напомнил о себе Большой зал консерватории, куда уж стал было забывать дорогу просвещенный московский меломан. На очереди – Европа: Париж, Вена, Экс-ан-Прованс, Женева.

Закончится турне в родных Курентзису Афинах. Там, где качалась колыбель будущего дирижера, прозвучит траурная месса – вторая в мире по популярности после «Реквиема» Моцарта. Разница между шедеврами в том, что если Моцарт писал «Реквием» не зная кому и, по романтической легенде, догадываясь, что самому себе – как оно и вышло, то Верди посвятил свой труд двум конкретным великим мужам, хотя и по очереди. Последняя часть, молитвенная Libera me, написана на смерть Джоаккино Россини как завершающая часть несостоявшегося коллективного произведения. Удивительно, что о музыке Россини в партитуре Верди не напоминает ровно ничего: творческий диалог с предшественником не входил в эстетическую систему композитора. Позже Верди дописал весь «Реквием» целиком, посвятив его памяти писателя и патриота Алессандро Мандзони. Премьеру дали в Милане в 1874 г., и с тех пор вердиевская заупокойная месса не сходит с концертной сцены. Европейские ценители знают ее назубок во множестве великолепных исполнений. Однако теперь хотят послушать и Курентзиса, зная, что его дар откроет им знакомую партитуру заново.

Мы-то «Реквием» Верди в исполнении Курентзиса уже слышали: это было в том же самом Большом зале консерватории в 2007 г. Тогда, 12 лет назад, Курентзис был еще не пермским, а новосибирским дирижером. Его оркестр назывался Musica Аeterna (теперь – MusicAeterna), а хор – New Siberian Singers. Партию сопрано пела Хибла Герзмава, и ее пение трудно забыть – но не только его.

Сибирский вариант 2007 г. был радикальнее, чем нынешний пермский. Он однозначно отвечал на вопрос, что есть «Реквием» Верди – церковное произведение или «опера в церковных одеждах», как назвал партитуру Верди Ханс фон Бюлов. В исполнении Курентзиса и сибиряков «Реквием» был именно церковным произведением, стилистически связанным не с итальянской оперной культурой XIX в., а с католической музыкальной традицией. Все, что можно по части штрихов и приемов, было приближено к старинной музыке: «Реквием» стал безвибратным, прозрачным, барочным. Но ему чуть-чуть не хватило качества исполнения.

Пермский вариант 2019 г. оказался куда более качественным. Хор и оркестр MusicAeterna за годы набрались опыта и окрепли настолько, что дают фору многим европейским коллективам. В оркестре заняты приглашенные из Европы музыканты, хотя в теперешнем составе их заметно меньше – возможно, по экономическим причинам, но также и потому, что наши стали играть не хуже. Партию сопрано уверенно спела «своя» певица – солистка Пермской оперы Зарина Абаева. Другим украшением вокального квартета стал бас немецкой школы Тарек Назми: его голос звучал широко, но вместе с тем ограненно, а строки латинских молитв словно изливались из большого человеческого сердца. Партию меццо-сопрано вместо Эрмине Мэй, певшей на пермских концертах, корректно исполнила Вардуи Абрахамян. Удивила история с солистом-тенором: на эту партию был выбран американец Рене Барбера – легкий лирический тенор, поющий соответствующие партии в операх Россини и Доницетти. Пел он прекрасно, звонко и округло, но с трудностями тесситуры справлялся слишком уж легко, не ведая положенного этой партии сопротивления материала.

Конечно, эффекты и нюансы, которых Теодор Курентзис добиваться мастер, были соблюдены. Струнные начали так тихо, что можно было засомневаться, звучит уже что-то или еще нет, а хор спел фразу Requiem aeternam dona eis, Domine («Вечный покой даруй им, Господи») так проникновенно, что небесный адресат наверняка тут же выполнил услышанное пожелание. В ужасающе огненном Dies irae хор и оркестр сотрясали зал, в чем им помог огромного размера барабан, взятый напрокат у Владимира Спивакова; тот же инструмент минутой позже издавал пугающе инфернальное пианиссимо. Знаменуя пришествие Судного дня, сверху грянули невидимые партеру трубы, на которых играли первачи главных московских оркестров. Кто-то из них досадно киксанул на первой же ноте – но такое случается с лучшими трубачами, главное, чтобы не последовало продолжения в том же духе. Курентзис с латинскими словами на устах обернулся дирижировать в зал, и его лик был страшен. Тем временем на басовом медном инструменте старался артист оркестра Иван Сватковский, кому было поручено переключаться с привычной тубы на аутентичный итальянский чимбассо.
«Реквием» закончился умиротворенным мажорным аккордом. По Большому залу консерватории словно распространился lux perpetua – нескончаемый свет. Музыка кончилась, Курентзис все не опускал рук. Молитвенная минута тишины отделила последний такт партитуры от громких оваций. И все же это был не храм, а театр. Современный пермский вариант «Реквиема» ответил на вопрос о произведении Верди иначе, чем 12-летней давности новосибирский. По свежей версии Курентзиса «Реквием» – та самая «опера в церковных одеждах». И это тоже прекрасный вариант ответа – потому что материал, на котором велось обсуждение, был дотошно, тщательно и сознательно проработан во время многих музыкальных репетиций.

Концерт для «Зарядья»

В те же дни московской публике доставил удовольствие другой российский артист, снискавший признание на требовательном Западе, – оперный бас Ильдар Абдразаков, поющий первые партии русского и европейского репертуара на главных сценах мира.

Абдразаков – не только талантливый и умелый артист, но и современный человек, скромный и обаятельный одновременно, привлекательный мужчина, добрый товарищ и, что для нас сегодня главное, наставник молодых талантов. В преддверии начала своего, уже второго, Международного музыкального фестиваля Ильдара Абдразакова он прослушивал начинающих певцов сначала в Милане, а потом и в Москве. Некоторые из них приняли участие в фестивальном гала-концерте, который прошел в новом московском зале «Зарядье».

Зал был набит битком, принимали артистов очень сердечно. А принимать было кого. С хозяином фестиваля сцену делил опытный американский тенор Лоуренс Браунли – обладатель высокого голоса, словно созданного для опер бельканто, и довольно специфической внешности: едва ли композиторы могли предназначить партию какого-нибудь рыцаря-любовника чернокожему артисту маленького роста. Однако Браунли спел в концерте арии любовников, и его артистический тип ничему не помешал – но когда он присоединился к финальному ансамблю «Итальянки в Алжире» Россини и выступил в комическом амплуа, зал наконец начал смеяться, и все встало на свои места.

Не вполне в своем амплуа выступила Диляра Идрисова: молодая башкирская певица, уже ставшая востребованной в Европе как певица барокко, тут спела номера не только из Моцарта и Россини, где техники и диапазона оказалось достаточно, но также романтические фрагменты из Гуно и Верди, браться за которые артистке как минимум рано.

Из приглашенной молодежи приятное впечатление произвели колоратурное меццо Анна-Дорис Капителли из Милана и колоратурное сопрано московская стажерка Надежда Мейер, а вот корейский бас-баритон Байонг Мин Гил показал откровенно ученический уровень.

Но если говорить не только о голосах, то единственным добротно исполненным номером гала-концерта осталась открывавшая его увертюра к «Свадьбе Фигаро» Моцарта. Дирижер Клаудио Ванделли выдержал темп, а оркестр «Новая Россия» – стиль. В дальнейшем все пошло наперекосяк, и обиднее всего, что тон задал сам хозяин концерта Абдразаков: арию Лепорелло «со списком» из «Дон Жуана» Моцарта он спел, произвольно меняя темп и доставляя дирижеру немалые проблемы с аккомпанементом. В остальных номерах, когда темп становился чуть побыстрее, ансамбль певцов с оркестром начинал страдать, и винить в этом одного лишь дирижера нельзя – скорее всего, программу никто толком не репетировал.

Успех концерта у слушателей – показатель того, насколько разными могут быть требования публики к качеству музыкального исполнения. Если в консерватории аплодировали Курентзису, чей результат был подготовлен с эталонной тщательностью, в «Зарядье» такие же овации достались концерту, сшитому на живую нитку. Фестиваль Ильдара Абдразакова, похоже, берет не лучший пример с Пасхального фестиваля, количество концертов которого обратно пропорционально количеству репетиций, но который хотя бы изредка разряжается сполохами гениальности Валерия Гергиева. Из Москвы Абдразаков и его партнеры взяли курс в обратном Курентзису направлении – на восток, в Казань. Хочется верить, цель путешествия не в том, чтобы привить российской публике заниженные стандарты музыкального качества.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11618

СообщениеДобавлено: Ср Мар 27, 2019 6:12 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032702
Тема| Музыка, Филармония, Оркестр Татарстана, Персоналии, А. Сладковский
Автор| Лейла Гучмазова
Заголовок| Как прошли концерты абонемента Государственного оркестра Татарстана
Где опубликовано| © "Российская газета»
Дата публикации| 2019-03-26
Ссылка| https://rg.ru/2019/03/26/reg-pfo/kak-proshli-koncerty-abonementa-gosudarstvennogo-orkestra-tatarstana.html
Аннотация|

Последний концерт абонемента Государственного оркестра Татарстана получился лучшим: что в начале сезона смотрелось как заявка на состоятельность, стало выглядеть подтверждением статуса. В лиге модных теперь не только ведущие оркестры обеих столиц и пермский Musica aeterna, но и казанский Госоркестр под водительством Александра Сладковского.

Нельзя сказать, что ничто не предвещало: восемь лет назад, едва получив в руки Государственный оркестр республики Татарстан, потомственный музыкант с образованием Москвы и Санкт-Петербурга и очень дисциплинированный человек Александр Сладковский негласно подал заявку в лигу оркестров высокого качества. И шаг за шагом стал вести оркестр в этот клуб. Пока "добряки" шептались о его безумной храбрости, Сладковский и сам трудился, и оркестру скучать не давал, так что когда в этом сезоне казанцы замахнулись на собственный абонемент в Московской филармонии, это выглядело не только рискованно, но и логично. И все же нельзя было прогнозировать, что "абонемент №17" из трех концертов с приглашенными мировыми звездами в качестве солистов сложится по нарастающей, а случилось именно так.
Для финального концерта приберегли непростую программу. После трех симфонических эскизов и образце музыкального импрессионизма "Море" Клода Дебюсси солировать в Концерте №5 Сен-Санса пригласили мировую звезду Жан-Ива Тибоде. Необязательно считать расположенность к мерцающим переливам краски, мысли и звука национальной французской чертой, но в случае с Тибоде ожидания оправдываются. На концерте он добавил к мерцанию чуточку сентиментальности и рационализма, а Сладковский удержал оркестр на необходимой дистанции по отношению к его соло, так что общая картина сложилась очень гармонично. Но она оказалось только прелюдией.
Поскольку вторым отделением шла "Фантастическая симфония" Гектора Берлиоза, тот самый опус, что собирает в комок все возможности оркестра, все его силы и способности. "Эпизод из жизни артиста, фантастическая симфония в пяти частях" - сочинение программное, и всякий старательный меломан мог отследить в музыкальном потоке названия-девизы частей: Мечтания, Страсти, Сцена в полях. Превзошедший себя оркестр то нежно певуче парил, то обрушивал на зал всю мощь неразделенной страсти, то мечтательно созерцал. В части "Бал" можно было не только слушать ставших вдруг блестяще легкомысленными струнников, но и смотреть на элегантные порт де бра Сладковского, отягощенного дирижерской палочкой - им мог бы позавидовать артист балета.

А потом настал "Сон в ночь шабаша" и оркестр скакнул из романтизма прямо в дьяволизм, и не пиксельно-компьютерный, а настоящий, истовый, с обернувшейся в ведьму любимой, тот самый дьяволизм, что превратил Берлиоза в достояние русской культуры не только как композитора, но как героя Булгакова. Оркестр заставил вспомнить, что недалеко от Концертного зала, на Патриарших, у этого Берлиоза была своя история, и кто бы предположил, что она нежданно-негаданно вспомнится благодаря отменному исполнению. Так Государственный оркестр Республики Татарстан с неутомимым Сладковским внятно закончил свое абонементное высказывание: любая амбиция тащит за собой ее носителя, провоцируя стать быстрее, выше, сильнее, да просто - лучше. Правда, это уже гораздо больше, чем музыкальная история.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11618

СообщениеДобавлено: Ср Мар 27, 2019 6:17 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032703
Тема| Музыка, Фестивали, Транссибирский Арт-Фестиваль, Персоналии, В. Репин,
Автор| Светлана Елина
Заголовок| В Новосибирске проходит VI Транссибирский Арт-Фестиваль
Где опубликовано| © "Российская газета»
Дата публикации| 2019-03-26
Ссылка| https://rg.ru/2019/03/26/reg-sibfo/v-novosibirske-prohodit-vi-transsibirskij-art-festival.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Это крупнейший музыкальный проект в Сибири, который уже в шестой раз проводит на своей родине выдающийся российский музыкант Вадим Репин. Транссибирский Арт-Фестиваль по традиции открылся 21 марта в Новосибирске, а затем развернет свою программу в других городах в России и за рубежом. Помимо яркой афиши, шестой фестиваль представит новый Молодежный фестивальный оркестр, проведет образовательную программу и театральные проекты. Корреспондент "РГ" побеседовал с худруком фестиваля Вадимом Репиным.

В этом году на фестивале предстоит дебют Транссибирского молодежного фестивального оркестра. Как возник этот проект?

Вадим Репин: Кто-то из артистов пошутил, что фестиваль становится фестивалем, когда у него есть свой фестивальный оркестр. И я подумал, почему бы не создать оркестр, который мог бы принести пользу всем молодым музыкантам? Основа оркестра - Новосибирская консерватория, где прошла моя музыкальная юность. Для меня это святые стены. Надеюсь, что консерваторию скоро отремонтируют, потому что половина здания сейчас в таком состоянии, что ходить страшно. Зато творческая жизнь здесь развивается бурно, и, надеюсь, наше сотрудничество будет благоприятствовать этому. У фестиваля и консерватории был период некоторого отчуждения, но сейчас идет сближение: мы уже делаем совместные проекты. В этом году мы хотим вывезти ребят с концертами, чтобы они выступили во Франции вместе с коллегами из Парижской консерватории. Мы также приглашаем молодых ребят из Екатеринбургского юношеского оркестра, чтобы все поиграли вместе. Постепенно создастся "костяк" оркестра, на основе которого можно будет развиваться. Мы планируем приглашать гостей, интересных личностей из хороших оркестров всего мира для работы с группами оркестрантов. Например, я только что встречался с моим старым другом из Новосибирска Антоном Бараховским, который занимается с группой скрипачей Молодежного оркестра в Филармонии-2 в Москве. У него огромный опыт: будучи концертмейстером Симфонического оркестра Баварского радио, он переиграл весь основной репертуар с лучшими дирижерами планеты. И сейчас он каждый день дает мастер-классы группе молодых исполнителей юношеского оркестра - это феноменально.

Фестиваль каждый год расширяет свои маршруты по России: меняется ли, на ваш взгляд, культурный облик регионов, в которых вы выступаете?


Вадим Репин: Всюду потрясающая энергетика у публики, а в городах происходят изменения в музыкальной жизни. Не без влияния нашего фестиваля в Бердске, например, был построен концертный зал, и выступать там теперь намного приятнее. Некоторые города купили специально для наших концертов рояли. Главное, конечно, это появление нового концертного зала имени Каца в Новосибирске. Но чтобы увидеть реальные изменения в культуре регионов, нужно хотя бы лет двадцать. Я только могу сказать: мы едем с открытым сердцем, и нас прекрасно принимают.

Вы учились в Новосибирске и стали музыкантом с мировым именем. Известно, что советская система музыкального образования была признана во всем мире лучшей. Как видится вам современная ситуация?

Вадим Репин: Советская система воспитывала столько музыкантов, потому что было, из кого выбирать. Кроме того, профессия музыканта была престижной. В те времена играть в оркестре Большого театра означало примерно то же, что сегодня состоять в совете Газпрома. Музыканты не вылезали из заграничных поездок, видели весь мир, привозили с собой видеомагнитофоны и на них могли купить квартиры! Это была другая жизнь. Имена Рихтера, Ойстраха были знаковыми, и их отношение к искусству было частью традиции русской музыкальной культуры. А сейчас так в Китае! Там двадцать пять миллионов пианистов, и хотя известны из них единицы (Юджа Ванг, например), общий профессиональный уровень очень высок. Такая же ситуация и у скрипачей: в Китае их шестнадцать миллионов. Но в России сейчас музыкальная профессия не так популярна. Хорошие российские музыканты разбросаны по всей планете (много талантливых музыкантов живут и учатся в Германии, в Англии, Америке и пока еще в России). Когда пройдет еще двадцать транссибирских фестивалей, музыкальное искусство вновь станет популярным делом и, надеюсь, у нас тоже будут миллионы, которые будут профессионально интересоваться музыкой.

В условиях сегодняшнего жесткого бюрократического гнета в музыкальных образовательных учреждениях России могут ли появиться такие педагоги, как Захар Брон в свое время?

Вадим Репин: В какой-то момент в Новосибирске появилось сразу несколько выдающихся личностей: Захар Брон, Матвей Либерман, Арнольд Кац - целых два поколения в одном городе. И какой результат: в Новосибирске феноменальный оркестр, потрясающая публика, люди, которые ценят и любят музыкальное искусство. Будем ждать, будем растить: да, возможно, кто-то захочет уехать, но кто-то и останется. Арнольд Кац, например, по своему таланту мог бы работать и с Госоркестром, и с Бостонским оркестром, но человек сделал свой выбор и остался в Новосибирске.

Какие мировые премьеры вы приготовили для публики в этом году?

Вадим Репин: Во-первых, мы уже проводим новосибирский конкурс композиторов в рамках проекта "Сделано в Сибири". В этом году его выиграл Борис Лисицын, и Новосибирский академический симфонический оркестр исполнит его произведение "Музыка моря". Прозвучит премьера Концерта для скрипки с оркестром Александра Раскатова, который посвящен мне, и это очень интересная музыка. Состоится мировая премьера произведения Энйотта Шнайдера "Дон Жуан и Лепорелло", написанного специально по заказу нашего фестиваля. Шнайдер уже был в Новосибирске, познакомился с нашими народниками и был ошеломлен их исполнительским мастерством. Вдохновленный, он написал концерт для контрабаса и контрабас-балалайки с оркестром, премьера которого состоится в Красноярске.

Справка "РГ"
VI Транссибирский Арт-Фестиваль состоится в Новосибирске, Красноярске, Томске, Тюмени, Тобольске, Самаре, Москве и Санкт-Петербурге, а также в городах Новосибирской области и Красноярского края. Зарубежная часть маршрута охватит Японию, Южную Корею, Германию, Австрию, Францию и США. Среди звездных солистов Фестиваля - Вадим Репин, Константин Лифшиц, Денис Кожухин, Александр Князев, Андрей Коробейников, Сергей Догадин и др.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11618

СообщениеДобавлено: Ср Мар 27, 2019 6:32 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032704
Тема| Музыка, Персоналии, В. Урюпин
Автор| Руслан Мельников (Ростов-на-Дону)
Заголовок| Скорая музыкальная помощь
Среди лауреатов президентской премии - ростовский дирижер Валентин Урюпин
Где опубликовано| © "Российская газета»
Дата публикации| 2019-03-26
Ссылка| https://rg.ru/2019/03/25/reg-ufo/rostovskij-dirizher-poluchil-prezidentskuiu-premiiu.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Худрук и главный дирижер Ростовского академического симфонического оркестра Валентин Урюпин стал лауреатом президентской премии для молодых деятелей культуры 2018 года. Премия ему присуждена за вклад в развитие отечественного музыкального искусства. Музыкант оказался настолько востребованным, что поговорить с ним удалось лишь по телефону, пока он ехал на такси на очередной концерт в Москве.

Валентин Тихонович, что значит для вас эта премия?

Валентин Урюпин: Мы, музыканты, работаем не ради наград, но я понимаю, люди какого уровня входят в президентский совет по культуре, и конечно, их признание окрыляет. При этом я отдаю себе отчет: нет достижений дирижера без достижений музыкантов и всего оркестра. Поэтому я должен разделить лавры с Ростовским симфоническим оркестром, без которого я бы не получил эту награду, с Пермским театром оперы и балета, который дал мне путевку в жизнь и с замечательным созвездием оркестров в России и за рубежом, с которыми я работаю.

Вы довольно молоды. Как вас приняли ростовские коллеги-музыканты за дирижерским пультом? Не ощущали ли вы творческих зависти, ревности, непонимания?

Валентин Урюпин: Нет, ничего этого не чувствовалось. Ведь к моменту появления за пультом ростовского оркестра, я работал в профессии около 10 лет. На самом деле ничего уникального в появлении молодого дирижера за пультом оркестра нет. Сейчас это нормальная мировая практика. А если в первое время и возникает ощущение недоверия, то профессионализм дирижера заключается и в том, чтобы его преодолеть. Сделать это можно только грамотно поставленными задачами и зрелой, без скидок на возраст, работой. А если дирижер до конца не понимает, зачем он находится за пультом, то ни возраст, ни седины ему не помогут.

Имеется ли отличие ростовской аудитории от московской?

Валентин Урюпин: Аудитория любого из московских симфонических залов с удовольствием пойдет, например, на программу из популярных сочинений Чайковского. А вот значительная часть ростовской - может проигнорировать программу, которую уже неоднократно слышала, даже если речь идет о золотой десятке классической музыки. А вот, например, большая, трудная, требующая серьезных исполнительских ресурсов симфония Малера, или опера в концертном исполнении, гарантировано вызывает энтузиазм у ростовчан.

Ваши коллеги рассказывали, что вы фанат классической музыки и стараетесь всячески ее продвигать. Вы даете концерты на улице и даже в заводском цеху. Каковы впечатления после таких выступлений?

Валентин Урюпин: Привычное произведение искусства в новом контексте становится другим и по-другому воспринимается. А выступления на открытом воздухе - это самый эффективный способ продвижения классической музыки. Во время таких концертов возникает особое ощущение общности тысяч человек, объединенных музыкальными шедеврами под самой лучшей крышей мира - под открытым небом. После такого чувства сопричастности к великому многие слушатели захотят испытать его еще раз и, возможно, придут уже в филармонический зал. Но при этом, как бы парадоксально это не прозвучало, мне кажется, что в современной России классическая музыка уже не нуждается в продвижении.

Откуда такой оптимизм?

Валентин Урюпин: У нас выросло новое поколение, которые с громадным интересом относится и к наследию прошлого, и живо реагирует на музыку, которая пишется сегодня. В Москве действует пять симфонических залов, включая Зарядье. И ни один из них не жалуется на недостаток аудитории. Я уже не говорю о театрах и другие залах. Такая же картина в Петербурге, в Ростове и в других крупных региональных городах. Конечно, за этим стоит труд огромной армии музыкантов, которые смогли заинтересовывать аудиторию. Например, у нас в Ростове есть специальный цикл программ о музыке.

В чем он заключается?

Валентин Урюпин: Мы подробно разбираем классическую музыку и приглашаем людей в оркестр, чтобы они услышали ее "изнутри". Но это не "манок", не красивая обертка, а, скорее, некий импульс, адресованный аудитории, которая уже пришла к нам, чтобы она посмотрела на знакомую музыку под необычным углом, узнала о ней что-то новое. Не секрет, что классическое искусство воспринимается на нескольких "этажах". Верхний эмоциональный "этаж" позволяет даже человеку, никогда не слушавшему классику, получать удовольствие. Но по мере того, как человек погружается в различные контексты и особенности произведения, он воспринимает музыку гораздо богаче и разносторонне, а значит получает большее эстетическое наслаждение. Наши программы как раз и направлены на подобное "углубление". Все-таки современный человек хочет понимать, как все устроено. И как устроена музыка - в том числе. Возможно, и поэтому тоже ощущается колоссальный приток слушателей в зал ростовской филармонии. Это и определенный слой бизнеса, и дети, и молодежь. Зачастую неформальная молодежь, которая идет не просто на абстрактные концерты, а сознательно выбирает интересные ей программы.

И что сейчас выбирает молодежь?

Валентин Урюпин: Среди молодой аудитории появился большой сегмент любителей музыки барокко. Причем это характерно не только для Ростова. У меня, например, есть похожий пермский опыт. В нашем барочном абонементе имеется также музыка ренессанса, которую тоже охотно воспринимает молодежь. Кроме того, мы хотим присоединить к барокко музыку средневековья. Хотя, казалось бы, весь этот временно отрезок находится от нас дальше, чем классицизм и романтизм. Да, многие молодые слушатели еще не пришли к Моцарту, Бетховену или Рахманинову, но путь к классической музыке через барокко - это хороший и проверенный способ.
Вы активно развиваете социальные проекты. Как вы оцениваете их перспективы?
Валентин Урюпин: У нас есть программа "Полетели вместе", которая несет музыку тем, кто по каким-то причинам не может прийти в концертный зал. Первые концерты этого проекта уже показали его высокую востребованность. Мы выступали в школах для детей, у которых есть проблемы со здоровьем, а теперь нас ждут в больницах, хосписах и колониях. Мы выступаем в качестве пасторов, посланников и парламентеров искусства, этакими спасателями, представителями первой культурной помощи, которая необходима всем. Пока проект работает процентов на 20, потому что на все не хватает сил, рук и времени, но мы планируем увеличить административный штат и найти специалиста, который займется развитием этой программы.

А как вы оцениваете аудиторию, перед которой выступаете в рамках проекта "Полетели вместе"? Это другой слушатель, к которому нужен особый подход?

Валентин Урюпин: Нет, мы играем для людей, не зависимо от того, кто они. В церковь может прийти кто угодно, и служба будет проходить для всех. Примерно то же самое происходит и в нашем проекте. Мы изначально не сегментируем аудиторию. Мы рады всем. Но, конечно, особенно тем, кто думал, что не любит классическую музыку или был лишен возможности к ней прикоснуться. Все-таки наблюдать за тем, как музыка очаровывает человека, который раньше не имел о ней представления, и как она его меняет - одна из самых больших радостей для музыканта.

Прямая речь

Оксана Яковлева, генеральный директор ростовской филармонии:
- Валентин Урюпин - самый любимый и востребованный дирижер в Ростовской области. Это видно по аншлагам на его концертах. В первый раз мы пригласили Валентина в качестве дирижера, чтобы оценить его умения и навыки. После этого оркестр единодушно сказал: "Вот бы нам такого!" Оркестр принял Валентина сразу и с распростертыми объятиями. Причем, музыканты уважают его не только как дирижера, но и как прекрасного кларнетитста. Оркестр под руководством Валентина значительно вырос и стал востребованным. Наших музыкантов теперь постоянно приглашают на гастроли по России и за рубеж. А поскольку у Валентина имеются личные контакты с дирижерами высочайшего уровня, то и они тоже стали приезжать к нам.
Валентин очень требовательный, но не только к музыкантам, но и к себе. Он работает на износ и того же требует от других. А сейчас Валентин активно экспериментирует с инновационными формами, зачастую выходя на пространства, не освоенные классической музыкой. Например, он дал концерт в цехе электровозостроительного завода.

Справка "РГ"

Валентин Урюпин окончил Московскую государственную консерваторию. Его педагогами были Геннадий Рождественский, Евгений Петров и Александр Бондурянский. С 2015 года Валентин Урюпин является художественным руководителем и главным дирижером Ростовского академического симфонического оркестра. Он стал победителем и обладателем всех специальных призов VIII Международного конкурса дирижеров им. Георга Шолти во Франкфурте, лауреатом пятого Международного конкурса дирижеров имени Густава Малера в Бамберге и победителем Всероссийского конкурса дирижеров в Москве.

Валентин Урюпин сотрудничает с Госоркестром, оркестром Мариинского и Михайловского театров, Бамбергским симфоническим оркестром, Оркестром Франкфуртского радио, MusicAeterna, Tapiola sinfonieta, мадридскиим TeatroReal, оркестром RTE Дублина, оркестром Московской филармонии, "Новая Россия", Национальным филармоническии оркестром России, оркестрами Пекина, Мюнхена, Женевы, Брюсселя, Сингапура, Остравы, Дурбана, Праги, Клужа, а также оркестрами и оперными театрами всех крупных городов России и СНГ.

Под руководством Валентина Урюпина в Ростове прошли благотворительные концерты в интернате для незрячих, слабовидящих детей и детей с ограниченными возможностями; в Донском государственном техническом университете для студентов-первокурсников, а также для работников завода НЭВЗ в Новочеркасске и предпринимателей в ростовском коворкинг-центре. Кроме того состоялись три симфонических концерта на открытом воздухе для жителей города и в
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
Страница 5 из 6

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика