Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2013-06
На страницу 1, 2, 3 ... 9, 10, 11  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июн 02, 2013 10:05 am    Заголовок сообщения: 2013-06 Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013060201
Тема| БОЛЬШОЙ ТЕАТР
Автор| Мари Жего (Marie Jégo)
Заголовок| Большой политический театр
Где опубликовано| ИноСМИ - "Le Monde", Франция
Дата публикации| 2013-06-02
Ссылка| http://inosmi.ru/russia/20130602/209452516.html
Оригинал| http://www.lemonde.fr/europe/article/2013/05/24/le-bolchoi-theatre-politique_3416053_3214.html
Аннотация|

За кулисами крупнейшего театра Европы вновь воцарился покой. В начале апреля сезон открылся «Весной священной» Игоря Стравинского (ее не ставили в России уже 100 лет), как ни в чем не бывало. Тем не менее, всего за несколько месяцев до этого в Большом театре бушевал настоящий ураган. Произошедшее 17 января нападение на Сергея Филина привело в смятение работников и любителей театра.

Эта достойная «чернушных» романов история (знаменитый танцовщик, всемогущий художественный руководитель балета, кислота в лицо) облетела все мировые СМИ. Четыре месяца спустя руководство заявило: больше никаких интервью без его согласия. Ведущий солист Павел Дмитриченко, который сегодня находится за решеткой, раскаялся в содеянном прямо в телеэфире. «Я организовал данное нападение, но не в той мере, в которой оно произошло», — признал он. Тем не менее, 13 мая на предварительных слушаниях по делу в Таганском суде трое подозреваемых (предполагаемый заказчик, исполнитель и водитель) отказались от данных ранее показаний и заявили о своей невиновности. Значит, ответов до сих пор нет.

Без сомнения, причиной всему стали деньги. Художественный руководитель является настоящим царем и держит в руках бразды правления театром. За ним всегда остается последнее слово по поводу премий и назначений артистов. И раз базовая зарплата местной звезды не превышает 15 000 рублей, премии играют важнейшую роль. «Вокруг Большого театра вращаются колоссальные суммы», — отмечает критик Вадим Гаевский. За 12 лет его бюджет увеличился в десять раз и достиг отметки в 90 миллионов евро в 2012 году, хотя до сих пор заметно уступает 160 миллионам евро парижской Опера, которая, тем не менее, проводит представления сразу в четырех зданиях (Гарнье, Бастилия, Нантер, Бертье).

Как считает один из лучших знатоков Большого театра Вадим Гаевский, причиной кризиса, вероятно, стало отсутствие настоящего интереса к нему со стороны российских властей: «Когда руководство страны следило за тем, что творится внутри, конфликтов не было. Как только внимание ослабло, появились проблемы». Дело в том, что расположенный всего в нескольких шагах от Кремля и Государственной Думы театр всегда был тесно связан с государством. Он неизменно представлял собой отражение российской власти, от Екатерины Великой (она внесла вклад в его создание в 1776 году) до Владимира Путина (отдал распоряжение о его реконструкции в 2006 году). Белое здание с колоннами, на которых стоит четверка лошадей Аполлона, изображено на сторублевых банкнотах и занимает ни с чем не сравнимое место в сознании россиян.

В нынешние времена подъема антиамериканских настроений Большой театр льстит национальной гордости. «Его история длиннее, чем у Соединенных Штатов Америки», — напоминает административный работник и большая любительница театра Ольга Марцикевич. Его судьба так тесно переплелась с судьбой государства, что первый акт распада Советского Союза был связан со сценой. В самые жаркие часы путча консерваторов против Михаила Горбачева (с 19 по 21 августа 1991 года) государственное телевидение три дня подряд без перерыва транслировало в эфире запись балета «Лебединое озеро». Увидев это, миллионы телезрителей сразу же поняли, что в стране советов что-то пошло не так. Четыре месяца спустя СССР не стало. «Это была трогательная кончина, способ попрощаться с системой через балет», — считает композитор Владимир Мартынов.

После завершения реконструкции в 2011 году театр вернул себе имперскую символику. На смену серпу и молоту пришел двуглавый орел, а в фойе вновь появилась монограмма последнего из Романовых Николая II, которого убили большевики в 1918 году. Роскошная имперская ложа сама по себе переполнена историей. Именно там царь Александр II (его прозвали «освободителем» за отмену крепостного права) предстал перед дворянством сразу же после коронации в Успенском соборе московского Кремля в 1856 году. Та же самая церемония сопровождала восшествие на престол всех его потомков. От Кремля до Большого театра буквально рукой подать.

По случаю важных событий цари отправлялись туда вместе со свитой. Все остальное время сосредоточием светской и культурной жизни была столица империи Санкт-Петербург. Монархи ходили в Мариинский театр, а Большой театр, несмотря на свой имперский статус, считался чуть ли не «сибирским», как написал его директор Владимир Теляковский после назначения в 1901 году. Газеты писали о петербургских, а вовсе не московских звездах. В 1901 году балерина Матильда Кшесинская, которая одно время была фавориткой царя Николая II, добилась отставки князя Сергея Волконского с должности директора имперских театров. Друга-звезду Мариинского театра, танцовщика Вацлава Нижинского в 1911 году выставили за дверь из-за его постоянных прогулов и чересчур облегающих сценических костюмов.

После смены режима в 1918 году Москва отобрала у Санкт-Петербурга статус столицы. В имперской ложе Большого театра в скором времени собрались сливки большевистского общества: речь идет о первом съезде Советов, который принял постановление о формировании СССР 30 декабря 1922 года. В 1941 году фасад был поврежден немецким снарядом, а в 1943 году здесь пели об уже казавшейся близкой победе. 21 декабря 1949 года весь театр зарезервировали под празднование 70-летия Сталина. «Красный царь» был увлеченным театралом, но недолюбливал имперскую ложу, потому что считал ее слишком открытой. «Он боялся получить пулю», — уверен Вадим Гаевский. Сталин предпочитал сидеть в правительственной ложе, слева от сцены. Отгородившись от публики тяжелым занавесом, тиран любил полакомиться сваренными вкрутую яйцами и иногда вызывал к себе артистов, чтобы высказать им свое мнение об их выступлении.

В своих мемуарах знаменитая певица и вдова виолончелиста Мстислава Ростроповича Галина Вишневская (1926-2012) рассказывает о церемониале, который сопровождал появление «вождя»: «В этом первом моем сезоне 1952/53 года Сталин бывал несколько раз на оперных спектаклях, и я помню атмосферу страха и паники в дни его посещений. Известно это становилось всегда заранее. Всю ночь охрана осматривала каждый уголок театра, сантиметр за сантиметром; артисты, не занятые в спектакле, не могли войти в театр даже накануне, не говоря уже о дне спектакля. Участникам его выдавались специальные пропуска, и, кроме того, надо было иметь с собой паспорт. С уже объявленной афиши в этих случаях дирекция могла снять любого, самого знаменитого артиста и заменить его другим, в зависимости от вкуса Великого. Вслух, конечно, никто не обижался, принимали это как должное. И только каждый старался угодить на вкус советского монарха, попасть в любимчики, чтобы таким вот образом быть всенародно отмеченным за счет публичного унижения своего же товарища. Эти замашки крепостного театра сохранялись еще долго после смерти Сталина».

Сталина давно нет в живых, СССР развалился на части, но имперская ложа сохранила свой священный ореол. Вход туда закрыт за семью замками и недоступен для простых смертных. За исключением почетных кремлевских гостей доступа в украшенный кариатидами красно-золотой альков нет ни у кого, даже у директора театра. «Нам не разрешается заходить туда, ключи есть только у ФСО», — говорит Катерина Новикова. Ей, как пресс-секретарю Большого театра, прекрасно известны все закоулки этого московского храма классической культуры. Президент Владимир Путин и его премьер Дмитрий Медведев регулярно появляются на крупнейших богослужения в Храме Христа Спасителя, однако ни один, ни второй не считают нужным почтить своим присутствием театр.

Тон всему задал российский лидер сразу же по приходу к власти в 1999 году. 31 декабря Владимира Путина (Борис Ельцин в тот день назначил его своим преемником) с супругой Людмилой ждали в ложе для почетных гостей. Их кресла так и остались пустыми. Не сказав никому ни слова, супруги вылетели в Чечню, где российская армия приступила к обстрелу Грозного. Исполняющий обязанности президента в футболке с надписью «сделано в СССР» встретил Новый год вместе с солдатами, подарив им гравированные ножи от правительства. Телекамеры во всех подробностях засняли эту сцену.

«Наши лидеры не проявляют ни малейшего интереса к театру, — отмечает Вадим Гаевский. — Владимир Путин был там всего раз, а Дмитрий Медведев появился только на концерте по случаю повторного открытия театра в 2011 году... И все». На этом мероприятии бывший президент допустил запомнившуюся всем оплошность. «Большой — это как раз и есть один из наших самых великих национальных брендов», — заявил он. Аудиторию охватило смятение. Использование американского жаргонизма как определение священного для народа театра... это показалось настоящим кощунством. Слово шокировало собравшуюся в театре избранную аудиторию: олигархов с женами в мехах и драгоценностях, высокопоставленных чиновников, интеллигенцию, звезд шоу-бизнеса. Блогеры не стали скрывать возмущения, а в прессе посыпались насмешки. «Зачем нужно было использовать такое мерзкое слово? Можно подумать, русский язык недостаточно богат...», — говорит завсегдатай Большого театра Юлия Ярова.

Несмотря на все безразличие к балету и опере, Владимир Путин понимает, что Большое театр — это витрина России. Поэтому власть не поскупилась и выделила 622 миллиона евро (реконструкция миланской Ла Скала обошлась в 61 миллион евро), чтобы вернуть зданию былой блеск. Кремль неизменно тянется к величию и блеску, что стало особенно заметно на фоне притока нефтедолларов. Российская Федерация стремится вернуть себе атрибуты былой мощи, касается ли то резолюций в ООН, завоевания космоса, Зимней Олимпиады в Сочи, новых автоматов Калашникова или балета. В 2005 году, когда закрома Центробанка были переполнены золотом и иностранной валютой (третий по величине в мире резерв) Владимир Путин решил перевести бывший имперский театр XIX века в XXI век. Капитального ремонта в здании не было с 1856 года, и в работе возникло немало осложнений. Реконструкция продлилась шесть лет, а бюджет раздулся сверх всякой меры, не говоря уже о многочисленных случаях завышения сметы и расхищения средств, которые отмечали в Счетной палате. Целая армия рабочих и специалистов взялась за дело, засучив рукава.

Стройка, подобно размерам страны, оказалась поистине колоссальной. Настолько, что властям пришлось на время остановить движение поездов на проходящей поблизости линии метро. Рабочим было нужно укрепить просевший фундамент, вырыть новые подземные помещения и проходы, украсить золотом залы и фойе. Переделали также и напольные мозаики, которые несли на себе следы многих тысяч шпилек женских туфель. А сколько сил понадобилось, чтобы убрать из оркестровой ямы бетон, который залили туда не особенно заботившиеся об акустике советские архитекторы! Хрустальная люстра исторического зала весом в 2,5 тонны и высотой в 6,5 метров сама по себе может служить примером гигантских масштабов работ. Установлена она была в 1863 году: сначала на ней крепились свечи и масляные лампы, а затем газовые рожки (их, кстати, все еще можно увидеть сегодня).

Подобное освещение было сложно назвать безопасным: перегревшиеся газовые лапы время от времени взрывались во время представлений, осыпая зрителей осколками раскаленного стекла. Во время шестилетней реконструкции театра на люстру обратили особое внимание. Она оказалась слишком большой и тяжелой, чтобы ее можно было снять. Поэтому реставрацию пришлось проводить прямо на месте. Сотни специалистов придали ей новый облик, украсив ее 15 000 хрустальных «подвесок». После возрождения Большого театра в 2011 году его площадь удвоилась (80 000 м² вместо прежних 40 000 м²): новое пространство пошло на благоустройство 3 100 сотрудников и артистов, у которых теперь появились отдельные душевые (раньше в театре был только один душ на этаж), не считая залов для репетиций и высокотехнологичного оборудования для сцены высотой в шестиэтажный дом. Гигантские масштабы, достойные современной России. И текущих в ней денег...

В первые дни после открытия театра билеты шли на вес золота. За места на премьеру на черном рынке просили целых 47 000 евро! Сейчас цены заметно упали, но билеты все равно остаются в руках уличных и сетевых спекулянтов, которые обычно предлагают место в партере за 350-700 евро. Нужно сказать, что у части публики есть на то нужные средства: хотя Владимир Путин и Дмитрий Медведев равнодушны к балету, он привлекает любящие покрасоваться сливки российской олигархии.

Что касается прошлых завсегдатаев театра, таких как Вадим Гаевский, купить билет для них сейчас практически невозможно. Тем не менее, критику все же удалось побывать на «Весне священной», которую в апреле этого года впервые за последние 100 лет поставили на российской сцене. «Меня пригласили, потому что иначе я бы не мог себе этого позволить», — рассказывает он. Цена одного места в партере равна его месячной зарплате преподавателя Российского государственного гуманитарного университета. Москвичи предпочитают смеяться над астрономической стоимостью билетов. «Продай квартиру и сходи в Большой театр!» — подобные шутки нередко можно увидеть в сети. «Публика сильно изменилась, — вздыхает привыкшая с детства к старому театру Марина Радина. — Больше иностранцев и показушников, меньше настоящих ценителей...» Похоже, что Большой театр — это и правда зеркало России.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июн 03, 2013 10:54 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013060301
Тема| Балет, гала-концерт в Париже
Автор| ТАТЬЯНА КУЗНЕЦОВА
Заголовок| Моложе всех живых
"Нуреев и друзья" в парижском Дворце конгрессов

Где опубликовано| Газета "Коммерсантъ", №93/П (5124)
Дата публикации| 2013-06-03
Ссылка| http://www.kommersant.ru/doc/2203333
Аннотация|


Майя Махатели и Реми Вортмейер наполнили "Two Pieces for Het" Ханса ван Манена почти хичкоковским саспенсом
Фото: Андрей Успенский


Вся галерея

Двухчастным международным гала-концертом, организованным D&D Art Productions, в Париже отметили 75-летие Рудольфа Нуреева. ТАТЬЯНА КУЗНЕЦОВА оценила точно найденный баланс между мемориальностью и развлекательностью.

Гигантский зал Дворца конгрессов сократили почти вдвое (до 1800 мест) темным занавесом, однако пространству это не добавило интимности. Вечером для своих — в круг которых были приняты зрители, с ходу оценившие эту честь, гала сделали арт-директора: Шарль Жюд, этуаль Парижской оперы эпохи Нуреева, а ныне директор Балета Бордо, и экс-премьер Королевского балета "Ковент-Гарден" Давид Махатели. Назвав концерт так, как обычно называют свои вечера здравствующие звезды, и сформировав программу из любимых ролей героя вечера, они умудрились искоренить тоскливую интонацию поминок: оммаж получился статусным, но занимательным.

Ведущие солисты мировых трупп — Парижской оперы, Королевского балета "Ковент-Гарден", Национального балета Нидерландов, Берлинского балета, Большого и Мариинки — чередовали классику XIX века с классикой XX столетия. Камертоном концерта стал первый же номер: фрагмент из моцартовской "Маленькой смерти" Иржи Килиана, исполненный живым оркестром (за роялем — Ольга Жигунова) и солистами Балета Бордо, подчеркнувшими то мучительно-сладострастное напряжение, которое просвечивает за поэтической прелестью килиановского шедевра. Вот эта "химия", составлявшая основу колдовского обаяния самого Нуреева, что бы он ни танцевал (хоть Джеймса в "Сильфиде", хоть поставленный им самим монолог Манфреда), то и дело возникала в номерах гала.

Ожидаемо — в дуэте "Two Pieces for Het" Ханса ван Манена, хореографа, много работавшего с Нуреевым. Эту гендерную дуэль Майя Махатели и Реми Вортмейер наполнили почти хичкоковским саспенсом: любая невинная обводка в арабеск была чревата взрывом с неочевидным исходом.

Неожиданно — в "спальном" дуэте из "Манон" Макмиллана, который обычно трактуется в духе этакого безмятежного любовного слияния. Тамара Рохо и Федерико Бонелли превратили заезженное адажио в эротический триллер: этой Манон приходилось снова и снова обольщать де Грие, слишком озабоченного последствиями своей пагубной страсти.

Нуреевский темперамент вспыхивал даже в наиакадемичнейшей классике, когда поставленную им "Раймонду" танцевали этуали Парижской оперы Орели Дюпон и Маттиас Эйман, соблюдая все требования мэтра. За царственными манерами примы просвечивала торжествующая пожирательница сердец: своими высоченными releve она словно гипнотизировала зал, крестообразными "пятыми" подавляла всякое сопротивление, кружила головы бисерными па-де-бурре и выносила приговор смачными хлопками в ладоши. И хотя у этой 40-летней балерины нога не поднималась выше 90 градусов и стопа не выгибалась крутым подъемом, это не имело никакого значения: унаследованная ею фирменная нуреевская магия действовала безотказно.

Российские примы и премьеры исполняли классику, как принято на родине знаменитого беглеца: самым добродетельным образом. Зал принимал их приветливо, а единственное фуэте концерта, доставшееся Александре Тимофеевой из Кремлевского балета (в паре с Вадимом Мунтагировым из Английского национального балета она завершала концерт "Корсаром"), было встречено прямо-таки с восторгом. Который стал совсем бурным, когда из зала на сцену, вызванные Шарлем Жюдом, вышли те, кто дружил и работал с Нуреевым,— от Ханса ван Манена до Владимира Васильева, от Карлы Фраччи до Тьерри Фуке; два десятка людей, создававших историю балета ХХ века.

Среди постаревших коллег только сам Нуреев (дайджест его танцевальной биографии, показанный в начале второго отделения, Фонд Нуреева составил из малознакомых или вовсе незнакомых записей), неистовый и молодой, позволил себе быть несерьезным. Он бил чечетку во фраке и цилиндре, хохмил и трюкачил в по-бродвейски легкомысленном "Матлоте", а в древнем "Празднике цветов в Дженцано" после смачно провернутых рондов и настриженных антраша продемонстрировал такую забористую комбинацию, что и описать-то ее невозможно, не то что исполнить. И если бы герой вечера справлял свое 75-летие в этом зале, он явно остался бы доволен: никто из новейших звезд не смог его перетанцевать.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Сен 15, 2014 9:08 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июн 03, 2013 1:35 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013060302
Тема| Балет, Башкирский театр оперы и балета, Премьера "Спартак", Персоналии, Юрий Григорович
Автор| Елена ШАРОВА, Фото: Александр ДАНИЛОВ
Заголовок| Балет, который танцуют на разрыв аорты
Где опубликовано| Газета "Республика Башкортостан ", № 106
Дата публикации| 2013-06-01
Ссылка| http://www.resbash.ru/stat/2/4368
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Репертуар башкирского театра украсила одна из лучших постановок Юрия Григоровича


Умеет Юрий Григорович ввести зрителя в состояние «культурного шока».

Пожалуй, ни одну премьеру не ждали в Уфе с таким нетерпением — билеты в кассах были раскуплены уже в начале мая. Это, впрочем, неудивительно, ведь постановка такого балета, как «Спартак», — это серьезнейшая заявка на зрелость труппы, ее высокое исполнительское мастерство, дающее коллективу право встать в один ряд с лучшими театрами страны. В музыке же «Спартака», одного из лучших произведений Хачатуряна, как нигде, ярко проявились особенности его творческого гения: броские, запоминающиеся образы, пышные и блестящие массовые сцены, своеобразная мелодика, в которой европейские черты органично сочетаются с восточными интонациями.

И, пожалуй, именно этот спектакль стал достойным завершением юбилейного сезона Башкирского театра оперы и балета, настоящим праздником танца — танца, пронизанного кипящим пламенем эмоций, которые буквально прожигают душу насквозь. Недаром сам маэстро Григорович считает, что «этот спектакль нужно играть на разрыв аорты».


«Спартак» — шестая постановка Юрия Григоровича на сцене уфимского театра, в работе с башкирским балетом в очередной раз доказавшего, что он не утерял умения добиваться от актеров отточенности движений, слаженности в массовых сценах, выразительного артистизма — словом, всех тех слагаемых спектакля, которые делают его праздником для глаз, слуха и разума.



Однако дадим лучше слово профессионалу. «Спектаклю скоро пятьдесят лет, но время только доказало, что это совершенная, оригинальная, бесконечно красивая постановка, лучшее воплощение этой темы, самое мощное, самое неожиданное, — считает Ольга Розанова, балерина, педагог, хореограф, историк и критик (Санкт-Петербург). — Вообще, постановки Григоровича отличаются сильнейшим кордебалетом — это у него едва ли не главное действующее лицо. Большая удача для нашего — я уже именно так называю ваш театр, мне здесь очень нравится — заполучить Григоровича, пожалуй, последнего из великих хореографов XX века.


В репертуаре театра появился спектакль, который под силу только супертруппе: надо иметь четырех блистательных солистов, потрясающего актера на роль Спартака и мощный кордебалет. Здесь все это есть. Рустам Исхаков, танцующий сегодня — ему всего лишь двадцать лет, — это настоящий Спартак. И дело не только в том, что он технически совершенен, — в нем горит такой огонь, что сжигает и его, и публику.


Почему восстановлена сценография Симона Вирсаладзе? Ольга Ивановна недоуменно пожимает плечами: «Потому что другой сценографии быть не может. Вирсаладзе — это такой же гений театра, самый, быть может, балетный художник с удивительным чувством цвета, у которого свет никогда не бывает пустым. Все свои балеты Григорович до самой смерти Вирсаладзе делал только с ним. Получалась гармония, которую разорвать просто нельзя. По-моему, Юрий Николаевич доволен — иначе убежал бы с премьеры. Да и на репетициях покрикивал, но редко — ему нравится…»


Назовем же занятых в главных ролях Ильдара Маняпова, Ильнура Гайфуллина, Олега Шайбакова, Гульсину Мавлюкасову, Ирину Сапожникову, Валерию Исаеву, Гузель Сулейманову. Думается, это перечисление уместно и необходимо — это бесценное золото нашей культуры, которому мы обязаны таким вниманием к башкирскому балету.


С этим согласна и народная артистка РБ Людмила Шапкина, некогда блестящая исполнительница партии Эгины: «Оба состава вполне достойно исполняют свои партии. А секрет гения самого маэстро прост — требовательность, требовательность, требовательность — и обязательный драматический талант, чем и обладают наши ребята, взятые, кстати, просто на измор Олегом Рачковским, ассистентом Григоровича, который даже сегодня что-то еще поправлял в их работе».


Забудьте на время о том, что за окном грохочут автомобили, а не победоносные колесницы римских легионеров. Оставьте каждодневные хлопоты и суету — ведь на сцене правят бал нежная любовь и отчаянная мечта о счастье, страсть к роскоши и чувственным наслаждениям и мятежный дух фригийского раба, без оглядки, обреченно ринувшегося на непобедимую, грандиозную Римскую империю.


Кстати

Сотрудничество Башкирского театра оперы и балета с Юрием Григоровичем началось ровно 20 лет назад. В 1993-м, в год смерти Рудольфа Нуреева, со своей труппой «Григорович-балет» Юрий Николаевич гастролировал в Уфе. Тогда он и предложил считать эти гастроли первым фестивалем в честь Р. Нуреева.
Двадцать пять лет назад балетмейстер Николай Маркарьянц в башкирском театре поставил несколько сцен из балета. Тогда театру был доступен только усеченный вариант спектакля из-за малочисленности мужского кордебалета. В главных партиях блистали Алик Галичанин (Спартак), Леонора Куватова (Фригия), Людмила и Владимир Шапкины (Эгина и Красс).
В личном архиве редактора театральной газеты «Аксаковский дом» Нины Жиленко сохранилась уникальная программка. Еще студенткой Ленинградского университета Нина Александровна побывала в Кировском театре на якобсоновском «Спартаке». Партию Умирающего раба в нем исполнял известный башкирский танцовщик и хореограф Хашим Мустаев, а в роли Ретиария выступал сам Юрий Григорович.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июн 03, 2013 2:05 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013060303
Тема| Балет, Одесский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии,
Автор|
Заголовок| Языческие пляски и сказка в Одесском оперном театре (фото)
Где опубликовано| Культурометр Одессы
Дата публикации| 2013-06-03
Ссылка| http://culturemeter.od.ua/yazicheskie-plyaski-i-skazka-v-odesskom-opernom-teatre/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Премьерой открытия Одесского международного фестиваля искусств стали сразу два произведения на музыку Стравинского – сказка «Жар-птица» и достаточно эротичная «Весна священная». Уже за полчаса до начала билеты в кассах закончились, а толпа неуспевших тщетно просила места «постоять».

По стечению обстоятельств, именно балетам Игоря Стравинского судьба уготовила учесть первых на Международном Фестивале искусств в одесской опере в этом году.

Легкая сказочная музыка, повторяющий сам себя сюжет «Жар-птицы». Совершенно нестрашные, а весьма обаятельные «злыдни»: Кощей бессмертный, его понедельник, нечисть в исполнении кордебалета. Да и совершенно сказочный сюжет: встретил царевич прекрасную царевну, вкусила она золотого яблочка, услужливо подсунутого скелетами, и оказалась в царстве зла. Спасал ее царевич один, вместе с добрыми девицами да добрыми молодцами. Раз спасал, два, три, да и спас наконец. Сюжет, музыка, яркие, переливающиеся декорации, красочные, развевающиеся костюмы а-ля «русские народные» – все это наводит мысль о том, что дети воспримут балет «на ура». Да и взрослые нет-нет да и срывались в аплодисменты во время балета. Уж больно в красивых и оригинальных фигурах замирали артисты на сцене.



Голливудским хэппи-эндом и впечатляющим массовым поклоном закончилась первая постановка о борьбе добра и зла на сцене оперного. На полчаса объявили перерыв перед премьерой «Весны священной».

История свидетельствует, что на первой премьере «Весны» еще при жизни Стравинского зал сопровождал артистов улюлюканьем, а те танцевали со слезами на глазах. Оно и понятно, такого прямого посыла к эротике, да и еще и насилию, на сцене оперного нам видеть еще не приходилось. Единственная декорация – шар, символизирующий лесную чащу: то голый, то усыпанный цветами, то зеленью — время от времени опускался на сцену, скрывая героев. Выступал то защитой, то преградой. Занавес со знаками зодиака – вот, пожалуй, и все декорации. Но этот минимализм, синхронность оркестра и музыкантов, отрывистые, неклассические движения – все это настолько близко к современному балету, что смотрится на одном дыхании.



Извечная борьба добра и зла, трепетной любви и брутальных оргий, самопожертвования и урагана эмоций – все есть в «Весне священной». Критики пишут о языческих мотивах. Мы же можем только добавить, что костюмеры потрудились на славу. Костюмы не только дополняют образы артистов, но порой, кажется, живут своей, мистической жизнью. Например, четыре огромных черепа с развевающимися красными лентами в руках старцев-жрецов.

Интересно, что практически единодушно зрители решили: ««Весна» значительно сильнее «Жар-птицы». Впрочем, мы уверены: сравнивать эти постановки просто неуместно. В следующий раз «Весну священную» и «Жар-птицу» покажут 22 июня.


Посмотреть в отдельном окне



Посмотреть в отдельном окне


Другие фото по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июн 03, 2013 2:29 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013060304
Тема| Балет, Нидерландский театр танца (NDT), Персоналии, Ханс ван Манен
Автор| Екатерина Беляева
Заголовок| Звёзды балета: Ханс ван Манен
Где опубликовано| Belcanto.ru
Дата публикации| 2013-06-03
Ссылка| http://belcanto.ru/13060301.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



«У голландского балета не было своей традиции, а, значит, не было и врагов»

На XII Международный фестиваль балета Dance Open, который в апреле проходил в Санкт-Петербурге, в качестве члена жюри приезжал легендарный голландский хореограф Ханс ван Манен — один из пионеров нидерландского балета. Нам удалось побеседовать с 80-летним мэтром о временах его юности, когда в Голландии мало кто знал, что такое балет, а также о том, как Ханс ван Манен рассказывает истории сложных любовных отношений при помощи танца и взгляда, о вечной дискриминации балета и тех, кто им занимается — хореографов, артистов, критиков, о его кумире — Дж. Баланчине.

— Давайте вернемся на 70 лет назад, в те годы, когда вы начали заниматься балетом. Что представляла собой Голландия три четверти века назад? Благодатная почва для ребенка, влюбленного в танец? Где, вообще, тогда можно было получить балетное образование?

— До войны не было почти ничего — ни балета, ни традиций. После войны тоже ничего не было, кроме желания отдельных людей танцевать. Существовало несколько частных компаний и частных школ. У Голландии, конечно, был свой танцевальный стиль. И нам подражали в Германии и даже в Англии, где работала знаменитая компания Мари Рамбер. Но в основном речь идет о влиянии на нас. Мы начали все сначала. Открытые всему миру, всем стилям, всем школам, прежде всего американской и русской, так как Соня Гаскелл была из России, и она активно пропагандировала традиции русского балетного театра. Она же в свое время училась у Любови Егоровой. Но как бы там ни было, нет традиции — нет врагов. Это преимущество, конечно.



— То есть вы пошли учиться балету уже после войны?

— Да. Мне было восемнадцать… Смешно звучит. Я начал танцевать в труппе у Сони Гаскелл. Потом пошел в балетную труппу при Оперном театре, но уже как хореограф. В 1959 году был создан Нидерландский театр танца (NDT), и эта балетная компания совершенно изменила Голландию.

— А стиль танца, каким он был в начале 50-х? Вы, например, каким танцем хотели заниматься?

— В свои 18 лет я был невыносимо дерзким. Я мечтал танцевать в Кировском театре — классику и только классику. Проект моего переезда в Ленинград был такой феерической утопией, но я носился с ней, лелеял ее. У меня далеко не все движения хорошо получались, но вращение было замечательное. Вращение — мой конёк. И еще, если я видел балетный фрагмент по телевизору, я мог его с легкостью повторить. Думал, что это оценят в Ленинграде…



— Все-таки, почему в 18 лет вы начали учиться танцу, а не пошли, скажем, в университет или техникум?

— Мой отец умер очень рано, и я рос с матерью. И когда шел последний год войны, все школы в Голландии закрыли. Я не успел закончить школу, а без нее не мог пойти в университет. Вместо этого я устроился в Оперный театр гримером, чтобы быть ближе к танцовщикам. Я ходил на классы, танцевал, пока в 23 года не проявилась моя настоящая страсть — хореография. Школы уже снова открыли, можно было доучиться, но я горел новым увлечением.

— В вашем послужном списке значится работа в труппе Ролана Пети в Париже? Вы танцевали или ставили? И почему у Ролана?

— В 50-е я понял, что мне как танцовщику нужна международная карьера. Это хорошо для артиста всегда — куда-нибудь уехать ненадолго и потом вернуться назад. Я подумал и выбрал Париж. Мне было интересно посмотреть, какой в другой стране и другой компании подход к театру, к танцу. Оказавшись в Париже в 1959, я с ужасом обнаружил, что тамошний великий балет умер. Были традиции, история, имена, и все внезапно провалилось. Через год я вернулся в Голландию, и у нас все закрутилось c NDT. Я десять лет руководил вместе с коллегой этой отличной компанией, параллельно танцевал и ставил, пока не понял, что не хочу больше сочетать менеджмент с собственным творчеством.



— Ролан Пети никак не повлиял на вас? А кто повлиял?

— Театр Пети имел свое лицо, я с удовольствием учился у самого Ролана, но на мой хореографический стиль не могло повлиять ничего, кроме американцев. Мой бог — Баланчин. Я сразу хотел развивать и продолжать его направление. Меня интересовала линия, проведенная из Петербурга в Нью-Йорк: от Петипа к Баланчину. Я тоже умел изъясняться на языке модерна, использовал его элементы, но мой родной язык — классика. Это основа.

— Когда вы делали революцию в Гааге с NDT или немного позднее, в преобразованном Соней Гаскелл Национальном балете Нидерландов в Амстердаме начали работать люди, которых также как и вас называют пионерами голландского балета — хореографы Руди ван Данциг (1933—2012) и Тур ван Схайк (род. 1936). Они ставили длинные двухактные балеты — часто избыточно декоративные, так как Ван Схайк изначально был художником, и с немыслимо сложными авангардными сюжетами. Кто был большим революционером — вы или они, балеты которых базировались в основном на лексике модерна?

— Они шли своим путем, мы — NDT — своим. Мы уживались как-то, хотя Голландия — маленькая страна. Наша революция заключалась в том, что мы создали альтернативную национальному театру компанию — Нидерландский театр танца. Совсем другая идея, не державный балет, официально представляющий Голландию на мировом балетном рынке, а танцевальная компания, которая продуцирует балеты голландского происхождения, с голландским духом. «Сделано в Голландии» — это про нас, хотя хореографы и танцовщики слетались и слетаются в Гаагу со всего мира. Иржи Килиан — чех, Поль Лайтфут — англичанин, Соль Леон — испанка. Но они все делают голландскую продукцию.



— Возвращаясь к теме сюжетных балетов. Почему вы от них отказались раз и навсегда?

— Написанный сюжет мешает мне сосредоточиться на самом танце. Может, это немного концертный стиль, когда балет без сюжета и без декораций, но на самом деле я всегда рассказываю историю. Мой постоянный сюжет — танец и танцовщики. Я хочу видеть людей, меня волнует как партнеры встречаются в зале, как дотрагиваются друг до друга, куда направляются их взгляды. Мои артисты часто танцуют взглядом. Они смотрят вниз, в сторону, друг на друга и никогда — в зал, на зрителя. Партнер смотрит на свою даму и видит, может быть, в ее руке нож. Какой-то рассказ о человеческих взаимоотношениях в моих балетах всегда есть. И еще — к моим балетам никогда не применимо слово абстракция.

— Кого из современных хореографов вы выделяете?

— Алексея Ратманского. Он лучший, на мой взгляд. Опирается на классику, но создает совершенно уникальные современные балеты. Это было грандиозно, когда в прошлом году мы работали над одним проектом для Национального балета Нидерландов. Было очень обидно, что Голландия была и остается страной, где балет дискриминирован по отношению с другими видами искусства. Девять новых постановок было сделано по случаю празднования 50-летия Национального балета Нидерландов в феврале 2012 года. Среди них была и работа Алексея Ратманского, и моя.


Ульяна Лопаткина в балете Ханса ван Манена

В течение недели я ждал откликов в голландских СМИ об этом грандиозном событии. И что же — почти ничего не написали, кроме заметок внизу полосы. По-сути мы пришли сейчас к тому же, что было после войны, когда о балете писать было неприлично.

— Вас заботит вопрос наследия? Что будет с вашими балетами?

— Создан фонд Ханса ван Манена. Им занимается мой друг Хенк ван Дек. Есть вебсайт , где можно познакомиться со всеми моими балетами.

— Если какой-то театр хочет заполучить один или несколько из ваших балетов, куда он обращается?

— Сначала звонят лично мне, мы договариваемся, а потом дело переходит к ассистенту. Собирается необходимая команда, состоящая из обязательных персонажей — художника по свету, художника по костюмам, художника-постановщика, ассистента и меня самого. Только вот в Екатеринбург я не поехал, но это случайность. Обычно я сам тоже еду.


Ульяна Лопаткина в балете Ханса ван Манена

— Люди вашего опыта в профессии иногда говорят, что, мол, «нет нынче звезд, или есть, да не такие яркие, как раньше, и, вообще, все обмельчало». С вами случаются приступы подобной меланхолии и ностальгии по прошлому?

— Нет. Это не про меня. Я не ностальгирую. Звезд действительно мало, но их всегда было мало — тех, кто подходит под определение звезды балета. Чтобы техника сочеталась с актерскими качествами, харизмой, обаянием. Я обожаю Ульяну Лопаткину — она абсолютная звезда и идеальная балерина для исполнения моих балетов. Честно говоря, я и не знал раньше, что такая дива родится и встретится со мной. Или Лариса Лежнина и Саша Жембровский — они сейчас танцуют так прекрасно, зачем мне сожалеть о прошлом? Саша Жембровский обещает также стать хорошим репетитором моих балетов.

— Расскажите какую-нибудь яркую историю, которая приключилась с вами в России?

— Меня поразила одна фантастическая история, случившаяся в Мариинском театре, когда я приезжал подкорректировать с Ульяной Лопаткиной свой балет «Три гносьенны». Ее премьера должна была состояться в воскресенье, а я по договоренности с балериной приехал в пятницу, чтобы успеть лично с ней пройти порядок и обсудить нюансы. Происходит непредвиденное. Ульяна уезжает в Москву получать какую-то очень важную правительственную награду в Кремле. А в субботу у нее «Лебединое озеро».


Ульяна Лопаткина в балете Ханса ван Манена

Я прихожу на сцену перед спектаклем, чтобы с ней поздороваться, а она мне так серьезно — «Увидимся после спектакля». Я вернулся после спектакля. Там телевизионщики с камерами бегали, всякие фотографы, бабушки с поздравлениями. И вдруг Ульяна говорит, обращаясь ко всем — «Пожалуйста, очистите сцену», и потом ко мне — «Я вернусь через десять минут».

Она пришла в репетиционной одежде, и мы прозанимались с половины одиннадцатого до четверти первого. Это была блестящая репетиция. Я уже думал, что мы закончили и сейчас разойдемся, как вдруг Ульяна останавливает меня и говорит: «Еще раз». Уникальная балерина.

Фото Э. Олафа, В. Сидоренко, Е. Беляевой (сцены из спектаклей)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июн 03, 2013 6:49 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013060305
Тема| Балет, Музыкальный театр Республики Карелия, Премьера, Персоналии, Надежда Калинина
Автор| Наталья Гальцина
Заголовок| Стиль и фантазия
Где опубликовано| "Лицей" (Петрозаводск)
Дата публикации| 2013-06-03
Ссылка| http://gazeta-licey.ru/culture/theater/item/5596-stil-i-fantaziya
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Фото Ирины Ларионовой


Под занавес сезона Музыкальный театр представил нашим зрителям, взрослым и детям, новую постановку – балет Р. Щедрина «Конек-горбунок» в хореографии Надежды Калининой, руководителя балетной труппы театра.

Это первый балет композитора в ряду произведений балетного жанра, посвященных Майе Плисецкой, и каждое произведение имело разные посвящения. «Конек-горбунок» – «Майе Плисецкой», «Анна Каренина» – «Майе Плисецкой, неизменно», «Чайка» – «Майе Плисецкой. Всегда», «Дама с собачкой» – «Майе Плисецкой. Вечно». Жизнь и творчество этих великих людей поражает грандиозным масштабом сделанного ими в искусстве, и, конечно, является частью русской культуры на все времена.



Премьера «Конька-горбунка» состоялась в 1960 году на сцене Большого театра, причем, Царь-девицу танцевала не Плисецкая, а Римма Карельская. Какое счастье, что он был снят в кино именно с Плисецкой!



На нашей сцене этот балет ставится впервые, нонекоторые петрозаводчане помнят «Конька-горбунка» в исполнении самодеятельного хореографического коллектива при Онежском тракторном заводе (в советское время их было много), в постановке артиста Карельского балета Евгения Гражулиса. Главные партии Царя и Ивана исполняли наши артисты Геннадий Тимонин и Владимир Корнеев. Конечно, постановщик исходил из возможностей юных артистов, но, надо сказать, что девочки у него танцевали на пальцах! Получилось очень яркое и веселое зрелище.



Спектакль, поставленный Надеждой Калининой – хореографом нового поколения, будем надеяться, задержится в репертуаре театра надолго. Разнообразная, интересная хореография имеет свою манеру и стиль, фантазия балетмейстера дает возможность каждому персонажу иметь знаковые движения, которые просматриваются на протяжении всего действия. Гениальная музыка Щедрина воплощена пластически очень ярко, чувствуется, что Калинина владеет музыкальной драматургией.



Единственное сомнение вызывает перенасыщенность движениями каждого такта музыки, такое ощущение, что хореограф стремится показать все свои пластические идеи (а их хватило бы не на один балет) в одном спектакле. И точное распределение партий, во многом способствует успеху постановки. И, как ни странно, первым в этом ряду нужно назвать Царя – нетанцевальную, скорее пластически-игровую роль, в исполнении Василия Сидоренко. (Непонятно, зачем на премьеру, на эту роль приглашали из Мариинского театра!!! не самого лучшего артиста). Сидоренко был ярче, убедительнее и с большим юмором.



О юморе в спектакле хочется сказать отдельно. Его много, и его чувствует зритель (частые смешки в зале), а артисты, уже освоившие пластический материал своей партии, получают от игры явное удовольствие. В принципе, так и должно быть! Жаль, что у способного Овидиу Канциану – Конька-горбунка (таким воспитанным и красивым стопам позавидовала бы любая балерина) так мало танцевального материала, всего две вариации. Хотелось бы больше видеть его на сцене, ведь он главный герой.



Очень радует наличие в труппе очень хороших, профессионально одаренных балерин, каждая из которых имеет свою танцевальную манеру. Елена Головина – Царь-девица привлекает, прежде всего, своей необычайной пластичностью и обаянием (о технике можно не говорить – там все в порядке, по крайней мере в этом спектакле). Альбина Казарян запомнилась в Цыганском танце, казалось бы, вставном номере, и своим темпераментом, и техникой стилизованного народного танца. Мария Репетиева, танцевавшая небольшую партию Кобылицы, к сожалению, здесь не имела возможности показать все, на что способна. Будем надеяться, что эти балерины будут иметь в нашей труппе интересную творческую жизнь.

Из танцовщиков новое поколение представляет Нарек Мартиросян, уверенно исполнивший партию Ивана, он хорош был и в своих вариациях и в дуэтах с Е. Головиной.

В каждом спектакле бывают номера или сцены, которые особенно запомнились и нашли в душе отклик. Здесь таким номером был «Девичий хоровод». Все в нем было музыкально, цельно и гармонично, и костюмы, и настроение, с каким танцевали Мария Заболотная, Мария Репетиева и Антонина Волгина. Некоторые хореографические детали поражали свежестью и какой-то чистотой. Замечательный номер! И каким контрастом к их вдохновенному исполнению были стоящие по бокам и сзади артисты, изображающие немногочисленный народ. Если бы весь спектакль был в стиле «Девичьего хоровода»! Это была бы настоящая сказка.



О сценографии хочется сказать отдельно. Меняется быстротечное время, стили и веяния в искусстве, и XXI век приносит новые технологии, которыми с успехом пользуются в разных жанрах и видах искусства. И в нашем театре не остались в стороне от передовых идей театрального дела. Увертюра к балету сопровождается абстрактной проекцией, видимо, настраивающей зрителя на определенное восприятие. Это было завораживающе-красиво, но, кроме скачущих кобылиц, ничто не указывало на заявленный сюжет. Огромные ворота, вкривь и вкось сколоченные, показывали, насколько бедна и убога жизнь в этой деревне (хотя у старика целое поле пшеницы), а два немытых, лохматых брата в каких-то отрепьях, подтверждали это впечатление. Иван – третий брат в тинейджерской майке, хоть и почище, но тоже мало похож на героя.



Русской сказкой веет от увиденного в начале спектакля: звездное небо, скачущие кобылицы, порхающие жар-птицы, верный Конек-горбунок, и кажется, что сказка будет продолжаться. Но далее идет сцена на ярмарке, и мы попадаем в парк культуры и отдыха времен молодости наших бабушек и дедушек (причем бабушки все в разных платьях и шляпках, а дедушки в одинаковых штанах, рубахах и шляпах). Затем выезд царя на лимузине-диване, в сопровождении двух американских гангстеров и персонажа из фантастического фильма. Вылет жар-птиц с Царь-девицей снова возвращает нас в сказку и дает передышку нашему эстетическому чувству.



И так по всему спектаклю сценографы и аниматоры-постановщики, как на качелях «качают» зрителя из одного пространства в другое. А в финале можно было придумать не анимационно-иллюстративный вращающийся круг, в котором вертится Царь, а что-то более театральное. Конечно, законное право авторов показывать то, что они задумали и воплотили, ну а право зрителя оценивать их работу.



Огромную роль в восприятии любого театрального действия, особенно балета, играет звуковой ряд. Театральный оркестр, состоящий в основном из молодых музыкантов, показал, что является одним из сильнейших в Карелии. Несмотря на то что его состав по количеству не соответствует (огромному) заявленному композитором, оркестр звучит полнокровно, ярко и сочно, передавая все самые тонкие нюансы гениальной музыки Щедрина.



Спектакль зритель принял, и хорошо, что было много детей, крики «Браво!», «Молодцы!», конечно, радовали артистов. И это понятно – спектакль технически сложный, но они успешно справились со всеми трудностями.

В целом, современный Карельский балет выглядит очень достойно во всех отношениях, единственно, чего хотелось бы, это увеличения труппы. Некоторые артисты выходят по нескольку раз, переодеваясь в костюмы других персонажей. В истории нашего театра, как сейчас видится, эта проблема вечная. Комплектование труппы – большая, трудная задача, и, надо надеяться, она будет когда-нибудь решена.

И хочется пожелать больше новых спектаклей, ведь жизнь артиста балета на сцене ничтожно коротка, а хочется сделать так много!


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Сен 15, 2014 9:12 pm), всего редактировалось 2 раз(а)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июн 03, 2013 8:32 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013060306
Тема| Балет, Чеховский фестиваль, «Батшева Данс Компани», Персоналии,
Автор| Павел Ященков
Заголовок| Москве показали лучший балет из Израиля
Система гага на Чехов-фесте

Где опубликовано| "Московский комсомолец" № 26246
Дата публикации| 2013-06-04
Ссылка| http://www.mk.ru/culture/theatre/article/2013/06/03/863782-moskve-pokazali-luchshiy-balet-iz-izrailya.html
Аннотация|

Чеховский фестиваль за 20 лет своей деятельности привозил такое количество по-настоящему культовых хореографов и исполнителей и так привык баловать своих неизменных почитателей новинками, что удивлять, кажется, уже нечем. Ан нет, в своей «мировой серии», в балетной ее части, Чехов-фест все же нашел чем порадовать пресыщенного московского зрителя. Имя Охада Наарина и танцевальной труппы из Тель-Авива «Батшева Данс Компани» давно гремит по миру, но мало знакомо нам.



Чехов-фест организовал гастроли «Батшевы» к 65-летию Израильского государства и предоставил уникальную возможность познакомиться с творчеством хореографа с мировым именем воочию.

ИЗ ДОСЬЕ "МК"

Внук выходцев из России, Охад Наарин родился в кибуце Мизра и рос в семье преподавательницы танца и актера. Был приглашен Мартой Грэхем в ее нью-йоркскую труппу, танцевал в «Балете XX века» Бежара. И, прежде чем стать худруком израильской «Батшевы», основал в Нью-Йорке собственный коллектив, а в Европе сотрудничал с Нидерландским театром танца. Все те тенденции, с которыми он сталкивался в течение своей карьеры, сплавились у него в собственный стиль, получивший причудливое наименование «гага». Разработал целый комплекс упражнений на гибкость, скорость и выносливость, а от зеркал, необходимых любому танцовщику в классе, Наарин отказался.

Спектакль «Deca Dance» — своеобразный «путеводитель» по его творчеству — составлен из хитов балетмейстера, созданных в разное время. А начинается «Deca Dance» массовым стриптизом из его популярнейшего балета «Анафаза» 93-го года, как говорят, запрещенного в Израиле. Сценический стриптиз, как и другие провокации, — излюбленная тема израильского мастера. Телесные разоблачения он может устроить под религиозные песнопения, и депутаты-хасиды не единожды требовали в кнессете прекратить осквернение святынь. На Чехов-фесте святынь, разумеется, не оскорбляли, но эпизод из «Анафазы» под песню пасхального седера с припевом «Один Бог на земле и на небе» воспроизвели. Сидящие на стульях полукругом, совсем как в бежаровском «Болеро», 18 танцовщиков в конвульсивных движениях, изгибаясь, сползая со стульев, а потом вновь на них возвращаясь, сбрасывают с себя сначала только котелки. Но дальше в воздух летят все остальные элементы одеяния ортодоксального еврея (черные башмаки, пиджаки, брюки) — пока танцоры не остаются в одном нижнем белье. В «Deca Dance» имеется и однополый дуэт под музыку из индийских фильмов, и ритуальные танцы обнаженных по пояс мужчин, что на манер воинов вымазывают лицо и тело грязью.

«Ударный» эпизод «сборного спектакля»: 13 танцоров «Батшевы» спускаются в зал и вытаскивают зрителей на сцену, устраивая с ними сеанс массовой хореографической импровизации. С одними артисты вальсируют, других ведут в танго, третьи перебиваются клубными наработками. Публика в восторге! Прав Бежар, утверждавший: «Зрители немного нам завидуют — им хотелось бы и самим быть танцовщиками, но настанет день, когда танцевать будут все».

Апофеоз той самой системы гага, что является стилистической основой всех балетов «Батшевы», явлен во втором спектакле Наарина — Sadeh21 (на иврите — трава, поле). Составлен он из эпизодов, названия которых высвечиваются на заднике: Sadeh1, Sadeh2, Sadeh3 и т.д. Эпизоды довольно скучные, сначала без музыки, под шумы, которые пронзает неприятный звук, похожий на щелчок по микрофону. Зал всякий раз от неожиданности вздрагивал.

Беспорядочные, почти неорганизованные перемещения артистов напоминали не подчиняющееся никакому закону движение броуновских частиц, но все же иногда складывались в красивую картинку. Аккомпанементом танцу в этом спектакле была не только музыка, но и нечленораздельная речь, произносимая артистом со сцены, напоминающая мычание глухонемого или приглушенные женские вопли. Сама хореография больше напоминала импровизацию. Ее хореограф и сочинил, опираясь на свою систему.

В какой-то момент зрители поддались панике: времени прошло много, а спектакль «топтался» на 6-м эпизоде. Но когда высветилось «Sadeh7–18», терпение публики было вознаграждено. В финале захватило дух при виде танцовщиков, которые то по одному, то целыми группами кидались с высокой стены точно в бездну. Этот массовый прыжок то ли в вечность, то ли в пустоту в конечном счете оправдал все длинноты действия известного хореографа.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Сен 15, 2014 9:13 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июн 04, 2013 8:12 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013060401
Тема| Балет, Чеховский фестиваль, «Батшева Данс Компани», Персоналии,
Автор| ТАТЬЯНА КУЗНЕЦОВА
Заголовок| "Гага" собирает друзей
Batsheva Dance Company на Чеховском фестивале

Где опубликовано| Газета "Коммерсантъ", №94 (5125)
Дата публикации| 2013-06-04
Ссылка| http://www.kommersant.ru/doc/2203683
Аннотация|


Гастроли Batsheva Dance Company открылись зажигательным стриптизом всей труппы
Фото: Василий Шапошников / Коммерсантъ


В рамках Чеховского фестиваля, проходящего при поддержке "Первого канала", ВТБ 24 и Kia Quoris, на сцене Театра имени Моссовета старейшая и лучшая труппа Израиля Batsheva Dance Company показала две программы балетов своего руководителя Охада Наарина. ТАТЬЯНА КУЗНЕЦОВА сочла, что компания вполне подтвердила свою репутацию.

Batsheva Dance Company, основанная полвека назад двумя американками — миллионершей Вирсавией Ротшильд и родоначальницей модерна Мартой Грэм, навещает Россию по праздникам. Точнее, по юбилеям: в прошлый раз израильтяне приезжали в Москву на свое сорокалетие с тем же спектаклем, фрагмент которого открывал и нынешние гастроли,— неотразимым эпизодом из "Анафазы". В 1993 году он вызвал бурные волнения в Кнессете: ортодоксальные депутаты требовали запретить танцевальное кощунство. Под еврейскую пасхальную песню, положенную на жесткий перкуссионный ритм, 28 артистов в строгих черных костюмах, сидя на расставленных широким полукругом стульях, устраивают массовый стриптиз. Порядок движений строго регламентирован: всплеск рукой, взмах ногой, прогиб назад, удар кулаками в живот. Но амплитуда движений ширится, барабанный ритм ускоряется, сосредоточенность перерождается в экстаз, ритуал — в оргию, на середину сцены летят шляпы, рубашки, штаны, ботинки...

После такого захватывающего пролога зрителей можно брать голыми руками — что уже несколько десятков лет и проделывает один из лучших хореографов мира Охад Наарин, сын известного израильского психолога, завершивший свое танцевальное образование в Нью-Йорке конца 1970-х и там же, в Нью-Йорке, основавший свою первую собственную труппу.

Автор, бесперебойно ставящий больше 30 лет, вправе позволить себе время от времени составлять дайджесты из собственных работ, представляя их как самостоятельные спектакли. Так был устроен балет "Минус 2", показанный в Москве пару лет назад труппой из Познани, так сделан и "Deca Dance", скомпилированный в 2000 году и открывавший нынешние гастроли Batsheva Dance Company.



Кроме ударной части "Анафазы" в спектакль вошло еще восемь фрагментов, сцементированных скорее своей контрастностью и разноплановостью, чем единством темы. Охад Наарин — из тех редких хореографов, кто не замыкается в коконе выработанного стиля. Сам он говорит, что танец для него — способ думать о мире, и по "Deca Dance" отлично видно, что мир разнообразен и думы хореографа — тоже. Например, никогда не скажешь, что по-библейски мощный, напряженно-экстатический эпизод из "Черного молока", поставленный на буйно-размашистых движениях и прыжках, которыми пять обмазанных глиной мужчин рассекают пространство сцены, как ведомые Моисеем евреи Синайскую пустыню, сделан той же рукой, что и камерное трио, сочиненное на переработанную музыку равелевского "Болеро",— беспафосное, минималистски скупое, с дискретной, механистичной пластикой, отсутствием гендерных взаимоотношений и даже подобия финальной кульминации.

В отличие от "Deca Dance", запрограммированного на успех и напрямую работающего с публикой (хотя знаменитый эпизод с приглашением на танец зрительниц в этот раз прошел довольно вяло), второй спектакль гастролей менее доступен и очевиден. "Sadeh 21", поставленный в 2011 году, богат пластически, ритмически, композиционно. Артисты, каждый из которых настолько своеобразен, что может запросто выдержать сольное представление, танцуют совершенно замечательно. Однако этот метафоричный балет довольно-таки тягуч. С иврита его название переводится как "Поле"; и можно вдоволь фантазировать про магнитное поле, поле человеческой деятельности и всякие прочие поля, если не знать, как легкомысленно хореограф Наарин относится к именам своих спектаклей ("Анафазу", скажем, он назвал так просто потому, что ему понравилось само звучание слова).

"Sadeh 21" начинается с коротких соло, явно рожденных в ходе импровизаций,— уж очень выразительно они проявляют сильные стороны пластики и человеческие характеры танцовщиков. Основанные на конкретных реакциях, непредсказуемые в последовательности движений, с равной охотой использующие и партер, и воздух, эти мини-монологи, возможно, созданы в том особом нааринском стиле "гага", которым сегодня увлеклось все танцующее человечество — включая неофитов-любителей. "Возможно" потому, что теоретики описывают "гага" так всеобъемлюще и неконкретно ("танец, с одной стороны ставящий во главу угла чувственный аспект, с другой, направленный на расширение представлений о возможностях пластики тела"), что визуально его трудно представить. А тем временем два десятка монологов переходит в десяток диалогов — обрывистых, настороженно-агрессивных или вдумчиво-заторможенных; диалоги — в отлично сконструированные квинтеты и секстеты; по белой трехметровой стене, закрывающей задник, плывут номера эпизодов и, заметив минут через пятьдесят цифру 7, начинаешь опасливо подсчитывать, сколько же продлится спектакль, в названии которого фигурирует 21.

Как раз в это время блистательный психолог Наарин запускает титр "8-18", зритель с облегчением заостряет притупившееся было внимание, чтобы к финалу уже сидеть на краешке стула, жадно вглядываясь, как с белой стены артисты падают в закулисный мрак. Плашмя и наотмашь, как расстрелянные. Лицом вниз, поодиночке. А потом парами, взявшись за руки, кувыркаясь и занятно подпрыгивая. Хотите мораль? Получите прямо от хореографа: "Любую историю я могу начать, но не обязан ее заканчивать. Впрочем, и не заканчивать историю нужно всегда с абсолютной ясностью".



Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Сен 15, 2014 9:20 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июн 04, 2013 2:39 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013060402
Тема| Балет, МТ, фестиваль «Звезды белых ночей», Персоналии, Кэтрин Беннетс, Ноа Гелберт
Автор| Анна Максимова
Заголовок| Упоение точностью
Мариинка замахнулась на Уильяма, нашего, Форсайта

Где опубликовано| VTBRussia.ru
Дата публикации| 2013-06-04
Ссылка| http://vtbrussia.ru/culture/gamt/star/news/Upoenie-tochnostyu/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Уильям Форсайт – теоретик движения, один из самых крупных современных хореографов. Впервые балеты Форсайта на сцене Мариинки появились в 2004 году. Они воспринимались и труппой, и зрителями как революционный прорыв космической математики в область абсолютной симметрии Петипа. В 2013 году одноактные балеты Форсайта «Там, где висят золотые вишни» и «Головокружительное упоение точностью» вернулись на сцену Мариинского театра в рамках традиционного балетного фестиваля. Включены они и в программу фестиваля «Звезды белых ночей», генеральным спонсором которого является банк ВТБ. Над их возобновлением работал сам Уильям Форсайт и двое его помощников – Кэтрин Беннетс и Ноа Гелберт, которые любезно согласились ответить на вопросы корреспондента VTBRussia.ru.

– Вы уже не первый раз сотрудничаете с Мариинским театром. Как вы сейчас оцениваете состояние труппы? Как идет работа?

Ноа Гелберт:
Мариинский театр находится в постоянном развитии, я наблюдаю здесь непрерывное движение от одного поколения к другому, поэтому сюда всегда очень интересно возвращаться. Я второй раз ставлю здесь тот же самый балет. Возникают теплые, семейные чувства.

Кэтрин Беннетс: Я очень люблю приезжать в Мариинский, здесь шикарная танцевальная школа. Танцоры здесь, образно говоря, «голодные» и хотят танцевать. Они все умеют, и в основном мы работаем над деталями. И это дает отличные результаты.

– Чем отличается перенос уже готового балета от постановки нового?



Ноа Гелберт: Прежде всего, количеством времени на постановку. Перенос уже готовой вещи происходит в два раза быстрее, чем работа над новым балетом. Когда вы создаете движение, вы должны все время соотносить движения с музыкой, и вот это как раз и требует очень много времени.

– В чем специфика вашей работы с Форсайтом? Насколько вы свободны в принятии решений?

Кэтрин Беннетс:
Мы знакомы довольно давно. Мы даже танцевали вместе. Впервые я увидела постановку Форсайта в Штутгарте в 1975 году. Хореография меня поразила! Это было па-де-де для Уильяма и его жены. А во втором его балете я уже танцевала сама. В течение 15 лет я работала ассистентом Уильяма во Франкфурте. Форсайт мне доверяет. Я знаю, что он ищет. Чаще всего я знаю, что он скажет, еще до того, как он это произнесет вслух. Уильям обычно прислушивается к моим советам. Если я говорю, что предпочла бы сделать что-то так, а не иначе, он всегда это принимает во внимание. Он прекрасно понимает, что и для чего я делаю, а я знаю, чего добивается Уильям. В принципе, он дает свободу для творчества, если доверяет человеку. Но в его работе всегда существует определенная и конкретная система, которой нужно следовать.

Ноа Гелберт: На самом деле я не вхожу в состав труппы Форсайта. Я танцевал в его Франкфуртском балете, который был закрыт в 2003 году, но работал там в частном порядке, иногда как танцор, иногда как ассистент хореографа, иногда как балетмейстер. Работа с Форсайтом – это сотрудничество. Форсайт что-то предлагает, и если это нас трогает, мы начинаем работать. Это открытый процесс совместного творчества.

– Вы снова ставите в Мариинском театре те же балеты, что и в 2004 году. Сами балеты меняются с годами?

Ноа Гелберт:
Хореография та же, исполнители новые. А каждый танцор подходит к движению по-своему. Каждый художник пытается донести свою индивидуальность и свое чувство движения, и это полностью меняет восприятие, видение образа. Поэтому правильно даже будет сказать, что каждый вечер различные составы танцоров будут по-своему интерпретировать балеты. Можно сказать, что балет вырос и танцоры выросли. Эти исполнители видели балет вживую, на сцене Мариинки, и они создают его вновь. Балет – это ведь не музейный экспонат, находящийся за стеклом в витрине, который остается неизменным.

Кэтрин Беннетс: Я не присутствовала непосредственно при первой постановке «Золотых вишен» в Парижской опере в 1987 году. Я присоединилась, когда Уильям перенес этот балет во Франкфурт. Это было в том же 1987 году, но уже после премьеры в Париже. Это балет с определенным уровнем риска, невероятно взрывной. Таким он и остается.

– Господин Гелберт, вы ставили балеты в Перми, в Санкт-Петербурге, в Москве. У вас есть балет «Шинель» по Гоголю. Откуда такой интерес к России?

Ноа Гелберт:
Я люблю Россию и думаю, что все эти события произошли в моей жизни не случайно, а были запланированы свыше. Мои корни в России, мой дед был выходцем из России. Но, к сожалению, я его не видел. Он умер, когда моя мама была очень юной, задолго до моего рождения. Но я всегда отчетливо ощущал, что часть моей истории, возможно, потеряна. И всякий раз очень волнительно было получить приглашение из Мариинского театра, из Большого, из Пермского театров. Что касается «Шинели», это было предложение Махарбека Вазиева, бывшего директора балетной труппы Мариинского театра. Ему пришла в голову идея взять иностранца и русскую литературу, чтобы сделать иностранный русский балет. Конечно, я с восторгом ухватился за эту идею. За время работы над балетом я прочел много русской литературы и книг о России, и художественной, и исторической.



– Госпожа Беннетс, вы только что покинули пост худрука Королевского балета Фландрии, а до этого были свидетелем ухода Уильяма Форсайта из балета Франкфурта. Балет и строгое финансовое планирование несовместимы? Как найти компромисс между бухгалтерией и искусством?

Кэтрин Беннетс:
Вы задали абсолютно правильный вопрос, и вы первая, кто спрашивает меня об этом. Сейчас в мире искусства этим вопросом все заняты. Как правило, бизнес уничтожает искусство, если начинаешь думать только о прибыли. Конечно, с деньгами нужно обращаться должным образом, но наш приоритет все-таки искусство, а не деньги. Со времен моей молодости, мир, естественно, изменился. Сейчас политики и чиновники стараются сделать сферу искусства прагматичной. Но это искусство, а мы – артисты. Мы хотим, чтобы нам позволили оставаться артистами, а не превращали в бизнесменов.

Фото: Пресс-служба Мариинского театра, пресс-служба ВТБ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июн 04, 2013 10:04 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013060403
Тема| Балет, МГАХ, выпускной концерт, Персоналии,
Автор| Валерий Модестов
Заголовок| На стыке классики и современности вчерашние школьники танцевали любовь
Где опубликовано| Вечерняя Москва
Дата публикации| 2013-06-04
Ссылка| http://vmdaily.ru/news/2013/06/04/na-stike-klassiki-i-sovremennosti-vcherashnie-shkolniki-tantsevali-lyubov-199332.html
Аннотация| выпускной концерт


Молодые исполнители доказали — будущее у балета есть!
Фото: "Вечерняя Москва"


4 мая в переполненном зале филиала Большого театра состоялся последний выпускной концерт учащихся Московской академии хореографии — свое образный смотр будущих артистов балета.

Нынешний концерт был особенным: его программу украшала российская премьера балетной миниатюры Начо Дуато L’Amoroso («Влюбленный») в исполнении студентов выпускного курса.

Первое отделение по традиции было в основном классическим. Его открывал «Розовый вальс» из балета Чайковского «Щелкунчик» в исполнении студентов старших курсов. Солировали Анна Невзорова и Владислав Долгих, который позже отлично показался в «Испанских миниатюрах» и в балете Дуато. Шутливую сценку «Аллегро» на музыку Моцарта задорно исполнили Георги Смилевски и Шукур Бурханов.

Блестяще солировали в сюите из балета Дриго «Миллионы Арлекина» Эльвина Ибраимова и Артур Мкртчян, продемонстрировав завидную технику и высокий уровень пластической образности, которая составляет суть классического балета, его душу. А еще были «Фрески» из балета Пуни «Конек-горбунок», миниатюра «Бурлаки», «Пасодобль»… Заключало первое отделение Гран па из балета Минкуса «Дон Кихот», в котором лауреаты международных конкурсов Ксения Рыжкова и Александр Омельченко завораживали публику летящим стремительным танцем и искрящейся радостью.

Второе отделение было полностью отдано современному балету Начо Дуато. Ранние балеты испанского хореографа нежны, поэтичны и чувственны. L’Amoroso — не исключение. Решение Дуато доверить свое детище вчерашним школьникам — смелое и беспроигрышное: кому, как не им, танцевать любовь.

И спектакль получился, да еще какой. Можно смело сказать: так могут танцевать только те, для кого юношеская любовь реальность, а не воспоминание. Программа вечера показала, что академия держит высокий уровень подготовки учащихся, соблюдая баланс между классикой и современностью.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июн 04, 2013 10:21 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013060404
Тема| Балет, МТ, фестиваль «Звезды белых ночей», «Весна священная», Персоналии,
Автор| Анна Гордеева
Заголовок| Две весны за сто лет
Мариинка отпраздновала юбилей «Весны священной» Стравинского

Где опубликовано| VTBRussia.ru
Дата публикации| 2013-06-04
Ссылка| http://vtbrussia.ru/culture/gamt/star/news/Dve-vesny-za-sto-let/
Аннотация|


«Весна священная» в постановке Саши Вальц – еще одна из бесчисленных интерпретаций балета Стравинского. © Пресс-служба Мариинского театра


В 2013 году весь мир отмечает столетие со дня постановки балета Стравинского «Весна священная» в дягилевской антрепризе. Музыка – одна, трактовок – невероятное множество: в одной из ирландских трупп хореограф Майкл Долан, например, надел на героев маски кроликов (весна же, время любви), в Перми режиссер Ромео Кастеллуччи собирается устроить на сцене бурю, где главным действующим лицом будут спецэффекты. Мариинка поступила совершенно в духе Дягилева, который некогда претендовал на художественное руководство этим театром. В один вечер объединила две «Весны» – ту самую, «юбилейную», придуманную Вацлавом Нижинским, и новенькую, поставленную по заказу Мариинки Сашей Вальц. Их можно будет увидеть на новой сцене Мариинского театра в рамках фестиваля «Звезды белых ночей», генеральным спонсором которого является банк ВТБ. Совместный проект ВТБ и «Ленты.ру» «Неспящие в Мариинке» рассказывает об этих двух постановках.

Первая «Весна»


«Реконструкция» знаменитой постановки в хореографии Нижинского появилась на сцене Мариинского театра в 1987 году. © РИА Новости, Алексей Даничев

«Весна» Нижинского впервые появилась в Мариинке в 2003 году – американские исследователи Миллисент Ходсон и Кеннет Арчер, потратившие полжизни на реконструкцию давнего балета, перенесли в Петербург сделанный в 1987 году в Штатах спектакль. Труппа разучила его со всей тщательностью – и нынешним танцовщикам было так же непросто осваивать текст, как тем артистам императорских театров, что Дягилев вывозил в Париж. Потому что основы классической хореографии остались прежними: важна «выворотность» стопы, манера ставить пятки вместе – носки врозь, а Нижинский, сочиняя свой спектакль век назад, «завернул» ноги артистам, заставил их косолапить. Ему это было нужно, чтобы создать эффект разрыва времени: когда в классическом балете одинаково изящно двигаются фараоны и двор Людовика XVI-го – зритель автоматически относится к эпохе как к условности. Вот я в кресле – вот мои современники на сцене, играющие в принцев и принцесс. Нижинский выдернул зрителя из кресла и швырнул в дремучий лес, где все незнакомо и где человеческое жертвоприношение вовсе не похоже на картинные балетные смерти.

Нет, никакого натурализма, упаси бог – да, ноги завернуты, но декорации и костюмы сотворены Николаем Рерихом, и вместо естественно-грязной первобытной деревни вырастает величественный миф о ней. Стерты века галантных танцев; происходит возвращение к танцу ритуальному, когда в движении люди обращались к богам и тайным силам. Для Нижинского это было важно: речь вообще-то шла о том, что такое его профессия. Не позирование на сцене для дам и господ, но яростный диалог с Создателем, когда за равность интонации платишь жизнью. И о роли случайности-неслучайности в судьбе: вот вытолкнули тебя из круга ровесников в звезды (как выталкивают в спектакле девчонку, выбирая ее на роль жертвы, которую должна принести община Земле для обеспечения хорошего урожая) – и ты отчаянно прыгаешь, пока не свалишься замертво. Незамысловатый флирт, демонстрация нарядов, мудрая старость – все это для других жителей деревни, для тех, кому не так повезло. А ты прыгаешь в ужасе и экстазе – и падаешь. Нижинский в этой «Весне» поговорил о своем настоящем и предсказал будущее – до «спора с богом», ссоры с Дягилевым, после которой жизнь танцовщика и балетмейстера пошла вразнос, оставалось всего три месяца.


Костюмы к постановке Нижинского созданы Николаем Рерихом. Вместо первобытной деревни вырастает величественный миф о ней. © РИА Новости, Алексей Даничев

Немецкий взгляд

Саша Вальц, которую Валерий Гергиев пригласил поставить новую версию спектакля, решила поговорить на сцене не о себе лично, но о человечестве как таковом. Быть может, потому, что чудовищных сломов и поединков-споров со Всевышним в ее жизни не было. Было детство в Карлсруэ и занятия в школе современного танца, куда пятилетнюю еще беспокойную девчонку отдали благополучные родители – просто чтобы расходовала энергию, не разносила квартиру. Было пришедшее спустя десять лет понимание, что, пожалуй, танцем ей хочется заниматься профессионально – и более сосредоточенная учеба в Нидерландах, главной стране, производящей современных танцовщиков. Увлечение американским постмодерном и пара лет, проведенных в Штатах; создание собственной компании Sasha Waltz & Guests; пришедшее мировое признание и контракты на постановки во многих громких театрах (с Валерием Гергиевым она, в частности, встретилась в Парижской опере, когда ставила «Ромео и Джульетту» на музыку Берлиоза). Ей недавно исполнилось пятьдесят, а больше сорока не дашь; планы на будущий сезон утверждены, на несколько лет вперед продуманы. Никакого внутреннего раздрая и диалогов с бездной – она знает, что в некоторые споры лучше не вступать. На мир она смотрит взглядом хроникера – что не исключает сочувствия, но граница отчетливо существует.


Постановка Саши Вальц – это сумрачный мир, куча серого праха на сцене, неяркие платья актеров. © Пресс-служба Мариинского театра

За этой границей – сумрачный мир, возникший на сцене Мариинского театра. Куча серого праха посередине, неяркие платья актеров. С колосников свешивается какая-то острая штуковина – в начале спектакля она почти не видна, к финалу опускается до полу. Более всего это похоже на снятую с гигантским замедлением золотую молнию: вместо того чтобы рухнуть вниз и впиться в сцену, она опускается медленно и неизбежно. Торопивший жизнь Нижинский говорил о быстрой реакции богов; Вальц – о неотвратимой.

Спектакль Вальц, который никому не придет в голову назвать классическим, тем не менее апеллирует к классике. В застывающих на секунду позах – отсылки к древней скульптуре; другое дело, что позы эти мгновенно рушатся и человеческая толпа несется по сцене освобожденно и дико. И, собственно говоря, воссозданная Вальц история, которую мы можем лишь вообразить, поскольку у спектакля нет никакого либретто (с неловким жестом мужчины, что прикладывает ладонь к животу женщины, а защитить ее не сможет, с агрессией толпы, с финальным порывом Избранницы к «молнии»), – это история о конце века «Весны священной», о закрытии самого этого сюжета. Приходят другие времена, для артиста чувствовать себя Избранником нелепо и смешно, и лучший способ все закончить – вынудить бога тебя убить. А Саша Вальц посмотрит сочувственно и зафиксирует эту историю.

Две музыки


Спектакль Вальц никому не придет в голову назвать классическим. Екатерина Кондаурова в роли Избранницы. © Пресс-служба Мариинского театра

И недаром «Весна священная», которую играет один и тот же мариинский оркестр под управлением Валерия Гергиева, по-разному звучит во время двух спектаклей. Когда идет балет Нижинского – из оркестровой ямы громыхает весна, впечатляющая мощь природы, что существует и будет существовать вне зависимости от того, есть ли люди на планете. Когда же приходит очередь спектакля Вальц, музыка звучит осторожнее (насколько это возможно для маэстро Гергиева) и нежнее, иногда стихая совсем (хореограф сделала паузу – некоторое время танцы идут в тишине). Музыка тоже в первом случае соучастник, во втором – наблюдатель: Гергиев отлично чувствует разницу во взгляде хореографов на мир.

Потому, наверно, маэстро и собирает два балета в один вечер – хотя в момент премьеры версию Саши Вальц сопровождал баланчинский «Блудный сын». Впервые такой дуэт («Нижинский-Вальц») Гергиев показал 29 мая, когда на сцене парижского Театра Елисейских полей открывал гастроли Мариинского театра. Во второй раз это произойдет на фестивале 22 июня. Когда в третий – неизвестно, сложная, физически выматывающая артистов версия Нижинского до того появлялась в репертуаре раз в год. Поэтому пропускать нынешний показ не стоит. Конечно, вряд ли ожидание «Весны» затянется еще на сто лет, но до следующего года – вполне может.

Фото: РИА Новости, пресс-служба Мариинского театра
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июн 04, 2013 10:33 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013060405
Тема| Балет, МТ, «Лебединое озеро», 3D трансляция, Персоналии, Росс МакГибон
Автор| Арсеньева Зинаида; Фото: Оськин Борис
Заголовок| «Лебединое озеро» выплеснется за пределы Мариинки
Где опубликовано| Вечерний Петербург 98(24890)
Дата публикации| 2013-06-03
Ссылка| http://vppress.ru/stories/Lebedinoe-ozero-vyplesnetsya-za-predely-Mariinki-17718
Аннотация|

Корреспонденты «ВП» побывали на репетиции 3D трансляции балета

Зал Мариинского театра погружен в полумрак. Из оркестровой ямы, где уже потихоньку собираются музыканты, доносятся фрагменты знакомой с детства музыки Чайковского. Ковры застелены белым покрытием, везде змеятся провода, стоят камеры. Пухленькие розовые путти, порхающие в облаках на плафоне зала, кажется, с изумлением взирают на то взмывающий к ним, то ныряющий вниз огромный съемочный кран.


Семь камер из Мариинки-1 дадут 3D-картинку в Мариинку-2.

А между обитыми тисненым темно-голубым бархатом стульями носятся люди в шортах и футболках. Это часть команды компании «Кэмерон Пайс 3D», которая и будет осуществлять трансляцию.

Ровно в 12 к журналистам вышел режиссер трансляции Росс МакГибон и раскрыл некоторые секреты своего ремесла, с помощью которого искусство театра переводится на язык кино:

— Во время записи спектакля у нас будет задействовано семь камер и большой кран, ведь для формата 3D необычайно важно, чтобы камера находилась как можно ближе к сцене, танцовщикам. Но мы понимаем, что не должны мешать зрителям, которые придут смотреть балет. Мы постараемся доставить им минимум неудобств. Поэтому будем использовать только три движущиеся камеры, остальные будут стационарными.

— Мистер МакГибон, скажите, пожалуйста, возникали ли у вас и вашей команды какие-либо сложности при работе в здании Мариинского театра?

— Я отвечаю за художественную часть. Что касается технологии, то проблем нет. Мы привезли аппаратуру из Великобритании и Америки, все работает хорошо.

— Любите ли вы балет?

— (Смеется.) Я сам танцевал много лет в Королевском балете! Кроме того, этот спектакль я уже снимал для BBC. Я знаю, как снимать балет. Собираюсь использовать кран в некоторых сценах. Например, когда на сцене много лебедей, это эффектно будет выглядеть сверху.

— Но ведь, когда снимают сверху, искажаются пропорции, ноги кажутся короткими!

— Повторюсь: поскольку я сам танцовщик, я прекрасно все знаю насчет длины ног (смеется). Мы будем снимать так: сначала камера снимает сверху общий план, а потом плавно едет вниз. Кроме того, у всех танцовщиков Мариинки очень длинные ноги!

— Пришлось ли вам просить внести какие-то изменения в спектакль? Например, в освещение, в рисунок некоторых сцен?

— Освещение все было переделано под эту съемку. Можно сказать, что балет освещен по-новому. Но рисунок сцен я менять не просил, напротив, стараюсь подстраивать камеры под этот спектакль. Конечно, в некоторых вопросах приходилось искать компромиссы, учитывая разницу между театром и кино. К примеру, макияж балетных артистов мы будем делать специально для съемок, не такой, как театральный грим.


6 июня петербургская публика, которая придет в старое здание Мариинского театра, будет созерцать балет «Лебединое озеро» на сцене, а рядом, в Мариинке-2, зрители будут смотреть тот же самый балет на экране, причем им придется воспользоваться специальными очками, ведь трансляция будет вестись в модном формате 3D.

Мало этого. «Лебединое озеро» выплеснется и за пределы Мариинки: эту же трансляцию смогут увидеть зрители более чем 1200 кинотеатров России и 50 кинотеатров других стран мира.

Эксклюзивное интервью Росса Мак-Гибона — в ближайших номерах «ВП».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июн 04, 2013 10:43 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013060406
Тема| Балет, МТ, «Лебединое озеро», 3D трансляция, Персоналии, Росс МакГибон
Автор| Оськин Борис
Заголовок| Росс МакГибон: На Западе давно уже никто не ассоциирует «Лебединое озеро» с политикой. В России, я думаю, тоже
Где опубликовано| Вечерний Петербург 100(24892)
Дата публикации| 2013-06-05
Ссылка| http://vppress.ru/stories/Ross-MakGibon-Na-Zapade-davno-uzhe-nikto-ne-assotciiruet-Lebedinoe-ozero-s-politikoi-V-Rossii-ya-dumayu-tozhe-17760
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Завтра, 6 июня, состоится первая в мире трансляция балета вживую. К тому же в модном формате 3D

На большом экране в Мариинке-2 будут в реальном времени показывать балет «Лебединое озеро», идущий на сцене Мариинского театра. О работе над проектом корреспонденту «ВП» Борису ОСЬКИНУ рассказал режиссер Росс МакГибон.



— Мистер МакГибон, расскажите подробнее, как родилась идея 3D-трансляции «Лебединого озера» из Мариинского театра? Была ли это именно ваша идея — тем более, что вы выступали в этом балете, будучи танцовщиком в «Ковент Гарден», а в 2006 году уже снимали «Лебединое озеро» в Мариинском?

— Это была моя идея. Когда я впервые увидел демонстрацию фильмов в 3D-формате, я подумал: «Это же словно специально придумано для съемки балетов!». И, снимая в 2006-м в Мариинском театре «Лебединое озеро», я уже думал о 3D. После этого я консультировался с друзьями, с коллегами по всему миру — с множеством людей. И они укрепили меня в моем стремлении. До этого никто еще в прямом эфире балет в 3D не снимал и не показывал! И первым это сделает знаменитый балет великого Мариинского театра.

— А много ли времени потребовалось, чтобы убедить Валерия Гергиева в том, что это прекрасная идея — показать балет в 3D?

— Ну что вы! Маэстро Гергиев сразу же увлекся этой идеей, она ему очень понравилась и просто захватила. Чтобы идея была успешно воплощена в жизнь, он инвестировал в ее реализацию большое количество времени и денег.

В общем, на реализацию идеи ушло почти четыре года — я впервые предложил организовать трансляцию в 3D в 2009-м.

— Неужели так долго?

— А как вы думали? Ведь воплощение проекта в значительной степени нарушает нормальную жизнь театра: выносятся кресла из партера, устанавливается много камер, изменяется освещение…



— Почему вы выбрали именно «Лебединое озеро»?

— Это был один из моих любимых балетов, когда я был танцовщиком в Королевском балете на сцене «Ковент Гарден». Я выступал в «Лебедином озере» более ста раз.

— А кого танцевали — принца Зигфрида или, может быть, злого волшебника Ротбарта?

— Нет, я выходил там в Испанском танце. Я не был звездным танцовщиком, выступал в ролях второго плана. Для меня «Лебединое озеро» — самый интересный балет в мире. Этот балет, на мой взгляд, — настоящий вызов для танцовщиков, он дает им возможность в полной мере проявить свое мастерство. Особенно это верно насчет балерин.

И, если зрители воспримут в формате 3D великий балет Чайковского, мы сможем впоследствии приступить к показу и других балетов.

Я думаю, что есть балеты, которые будут смотреться просто невероятно красиво в 3D. Например, «Приключения Алисы в Стране чудес», поставленный Кристофером Уилдоном на музыку Джоби Талбота. В нем очень интересная, умная сценическая постановка, на первый взгляд кажущаяся весьма простой.

— «Лебединое озеро» на экране вызывает в России (по крайней мере, вызывало раньше) неожиданную ассоциацию. Вы, наверное, помните, что в 1991 году у нас была попытка государственного антигорбачевского переворота — и вот тогда по телевизору без конца крутили художественный фильм-балет «Лебединое озеро» 1968 года…

— Ну да, я слышал об этом от своих российских друзей — что «Лебединое озеро» крутили в режиме нон-стоп. Что ж, таким образом, великий балет стал частью политической истории (смеется). Хотя, конечно, на Западе никто уже «Лебединое озеро» ни с какой политикой не ассоциирует. Да и в России, думаю, тоже.



— Во время трансляции в зале Мариинского театра будут присутствовать зрители. Однако представление, которое они увидят, будет несколько отличаться от обычного. Другой, более яркий, свет, наоборот, менее яркий макияж. Наконец, камеры перед глазами, в том числе и движущаяся над головами на стреле крана. Не будет ли все это раздражать публику?

— К сожалению, небольшие изменения неизбежны. Что касается камер — да, может быть, но мы постараемся сделать так, чтобы они мешали в самой малой степени. Макияж танцовщиков вообще не слишком заметен из зала. Что же касается света, то, на мой взгляд, яркое освещение подчас для балета даже лучше (смеется).

И вообще, из моего опыта, я знаю, что зрителям обычно нравится присутствовать при трансляции спектакля. Может быть, еще и потому, что увидев потом запись этого спектакля, они могут снова пережить эмоции от своего посещения театра.

— После прямой трансляции 6 июня, которая пройдет на полторы тысячи кинотеатров в 50 странах мира, вы выпустите также 3D-фильм с записью балета…

— Его мы сделаем на основе генеральной репетиции, которая пройдет 5 июня. Обычно я редактирую фильм исключительно из соображений представления, танца. Если что-нибудь пойдет не так, будет «вихлять», то можно будет перезаписать отдельные номера и сцены. Для последующих телетрансляций в записи и DVD будет отредактированный вариант. Ну а 6 июня будет только прямая трансляция.

Подчеркиваю, это вообще первая в истории трансляция балета «вживую» в формате 3D.

— Выходит, вы и Валерий Гергиев — пионеры в этом направлении?

— Да! Но не следует забывать о том, что это еще и немалый риск. Техника еще не самая совершенная, все весьма сложно. У вас должна быть очень хорошая команда, с которой вы работаете. Значительная часть моей жизни отдана режиссуре трансляций балета, и я знаю, как это сложно и как важна твоя команда и взаимодействие с театром. Впрочем, у меня есть ощущение, что все будет очень хорошо. По крайней мере, мы уже убедились: вся наша сложная техника работает.

— Закончив выступать как танцовщик, работали ли вы хореографом? Если да, то насколько этот опыт вам помогает в съемке балета?

— Нет, у меня никогда не было амбиций быть хореографом. Слишком много желающих быть хореографом, а я успел оттанцевать в стольких балетах с ужасной хореографией (смеется)! Все мои амбиции были направлены на то, чтобы запечатлеть танец в фильмах, а также на фотографиях — я работал не только режиссером, но и фотографом для журналов и книжных издательств.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июн 05, 2013 9:47 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013060501
Тема| Балет, ABT, Премьера, Персоналии,
Автор| МИХАИЛ СМОНДЫРЕВ
Заголовок| Хореография в концертном исполнении
"Трилогия Шостаковича" Алексея Ратманского в Американском балетном театре

Где опубликовано| Газета "Коммерсантъ", №95 (5126)
Дата публикации| 2013-06-05
Ссылка| http://www.kommersant.ru/doc/2204540
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Солисты — мощный Иван Васильев и легконогая Наталья Осипова — вскружили головы зрителям
Фото: Gene Schiavone


Вся галерея

Поставленная в Американском балетном театре (АБТ) Алексеем Ратманским "Трилогия Шостаковича" — три новых одноактных балета с участием русских звезд мирового уровня — собрали в Метрополитен-опере толпу американских балетоманов и весь русский Нью-Йорк. Среди зрителей был МИХАИЛ СМОНДЫРЕВ.

"Трилогия Шостаковича" изначально считалась изюминкой весеннего сезона АБТ и его главной интригой. Балетоманы гадали, сумеет ли Ратманский объединить ее части общей идеей. И таковая нашлась: судьба творческой личности.

Первой в программе шла Девятая симфония. Сочиненная Шостаковичем в 1945 году, она вовсе не похожа на монументальную фреску, воспевающую Победу. Безмятежные мелодии сменяются танцевальными мотивчиками, за лирической частью — мрачная трагическая тема, неожиданно переходящая в фарс и гротеск. В центр композиции на эту загадочную музыку Ратманский поместил влюбленную пару, напоминающую булгаковских Мастера и Маргариту. Таинственный персонаж, похожий на Воланда, повелевает и кордебалетом, и главными героями. Он может остановить время ("стоп-кадр" с застывшими фигурами), умертвить любовников (пара медленно укладывается навзничь) и снова вернуть их к жизни. Он правит бал, вихрем его больших пируэтов заканчивается балет.

Главная тройка исполнителей танцевала превосходно: стильная Полина Семионова с ее удлиненными линиями и Марсело Гомес, записной мачо АБТ, составили красивую и трогательную пару. А темпераментный и верткий Эрман Корнехо был весьма убедителен в образе "той силы, что вечно хочет зла и вечно совершает благо".

Однако хореография оказалась не вполне адекватной музыке: так, танец проигнорировал то важное место симфонии, когда бодрый советский марш вдруг начинает напоминать жутковатую тему фашистского нашествия из Ленинградской симфонии. Драматургия Девятой вышла у Ратманского довольно мудреной, и попытки решать на ходу ребусы хореографа порой мешали слушать музыку и воспринимать танец.

Основным (и лучшим) балетом программы стала Камерная симфония — оркестровый вариант Восьмого квартета (1960). Он автобиографичен: Шостакович писал, что мог бы посвятить квартет собственной памяти и, сочиняя его, он "вылил столько слез, сколько выливается мочи после полудюжины пива". Лирический герой Камерной симфонии Ратманского — рефлексирующий интеллигент, впадающий в депрессию и отчаяние, но вновь и вновь находящий в себе силы подняться. На премьере Дэвиде Холберге роль сидит как влитая. В ансамблях и дуэтах героя с тремя партнершами (ведущие балерины АБТ Изабелла Бойлстон, Палома Эррера и Джули Кент) проглядывают робость и неуверенность самого Шостаковича в отношениях с женщинами.

Но Ратманский не выстраивал байопик. Его квартет напоминает также о баланчиновском Аполлоне и трех его музах (здесь весьма требовательных). А в сущности Ратманский рассказывает о себе: о становлении хореографа-творца, о муках творчества, об овладении ремеслом — не случайно с задника взирают суровые лики картины Павла Филонова "Ударники". В финале мастер создает из артистов кордебалета красивую композицию, а три музы наблюдают за ним, улегшись на авансцене,— вспоминается андерсеновский Кай, складывавший из льдинок слово "вечность".

На десерт был подан пикантный Первый концерт для фортепьяно, солирующей трубы и оркестра (1933). В этом раннем произведении Шостаковича лирические мелодии переплетены с плясовыми мотивами, цитаты из Бетховена — с одесским шлягером "Ужасно шумно в доме Шнеерсона". Такая музыка как нельзя лучше подходит постмодернистским играм, мастером которых издавна слывет Ратманский. Он сочинил веселый балет для двух пар солистов и кордебалета; и соревнование, устроенное им для двух звездных балерин — Дианы Вишневой и Натальи Осиповой, петербурженки и москвички,— получилось весьма занятным. Иногда их танец шел в унисон, иногда — в зеркальном отражении. Но все-таки чаще комбинации строились на индивидуальных особенностях артисток. И они оторвались на славу в своих коронных кунштюках. Женственная Диана Вишнева изящно обвивалась вокруг высокого, стройного и артистичного красавца Кори Стернса, мощный Иван Васильев крутил тройной тур в воздухе и раскидывал ноги в шпагатном прыжке, а легконогая Наталья Осипова кружила головы зрителям стремительными вращениями и полетом в диагонали больших прыжков. На эти артистизм и виртуозность зал отозвался восторженным ревом и овациями.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Сен 15, 2014 9:22 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июн 05, 2013 10:22 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013060502
Тема| Балет, ABT, Персоналии, Ирина Дворовенко
Автор| Виталий Орлов,
Заголовок| Ирина Дворовенко прощается и... остается!
Где опубликовано| Газета "Русская Реклама", (США)
Дата публикации| 2013-06-04
Ссылка| http://news.rusrek.com/ru/russkaya-obshina/sobytiya-russkaya-obshina/276969-irina-dvorovenko-proshhaetsya-i-ostaetsya.html
Аннотация|



Еще в январе этого года стало известно, что прима-балерина Американского Балетного театра Ирина Дворовенко покидает АВТ.

Два ее последних выступления с труппой прославленного театра состоялись 15 и 18 мая в новом спектакле этого сезона на сцене Метрополитен Опера – балете Джона Кранко «Онегин», в котором она исполнила партию Татьяны Лариной. Мне кажется, что любителям балета, да и самому АВТ будет какое-то время не хватать этой замечательной танцовщицы, которая словно родилась Джульеттой, Жизелью или Одеттой-Одиллией.

Когда 17 лет тому назад, после окончания Киевского хореографического училища и шестилетней работы в Киевском театре оперы и балета она поступила в кордебалет АВТ, ее мастерство и элегантность, ее каштановые волосы и лицо камеи сразу же обратили на себя внимание. Видавшие виды балетоманы Нью-Йорка восторженно приветствовали Ирину, когда она впервые появилась в главной роли в «Лебедином озере». То, что она так скоро стала солисткой, а в 2000 году – прима-балериной, никого не удивило.

Ирина снискала уважение хореографов своим глубоким пониманием балетных традиций, индивидуальным подходом к ролям, которые она изучала невероятно тщательно. В этом она нашла огромную поддержку мужа, блистательного, вдумчивого и эрудированного танцовщика Максима Белоцерковского, который чаще всего бывает и ее партнером. На вопрос о том, какие качества помогли им добиться успеха в Америке, Максим ответил, что это была труднейшая работа и упорная борьба. Начиная со знаковой роли Одетты/Одиллии героини Ирины Дворовенко всегда обладают кристально чистой линией танца, точностью хореографии и сердечным сопереживанием исполнительницы. В последние годы творчество Ирины Дворовенко вышло за пределы классического репертуара. Только что закончились ее триумфальные выступления в возобновленном классическом бродвейском мюзикле Роджерса и Харта «На пуантах», где у нее была роль русской балерины Веры Бароновой. А на сцене АВТ она стала неординарным интерпретатором таких ролей, как Маргарита в балете Джона Номайера «Дама с камелиями» и вот теперь Татьяна в «Онегине».

Мне удалось переговорить с Ириной вскоре после того, как она родила дочку Эмму и сидела с ней дома, а Максим вместе с театром уехал на гастроли в Японию. «В США пробиться сложно, особенно паре, - сказала она. - Но зато есть возможность помогать друг другу. А еще нам, видимо, помог артистизм. Даже самые сложные фуэте или пируэты со временем зрителю надоедают. Поэтому артистизм необходим. И потому у нас на спектаклях не то что женщины – мужчины плачут».

Я вспоминал эти слова Ирины во время первого в этом сезоне спектакля «Онегин». Мне кажется, если бы не артистизм Ирины Дворовенко, в особенности прекрасно проведенная ею мужественная и страстная финальная сцена, спектакль был бы обречен на неудачу: хореография Джона Кранко вялая, скупая, если не сказать – неадекватная, и артистам просто нечего танцевать. Ссора Онегина и Ленского, например, (как-никак дворяне!) похожа на дворовую драку пацанов и т.п. Какой-то чуть ли несовершеннолетнего вида Онегин до самого финального объяснения с Татьяной просто слоняется по сцене, а приклеенные ему в конце спектакля, видимо, для солидности, усики лишь делают его похожими на юного Чарли Чаплина.

Сейчас Ирина обдумывает варианты дальнейшего творчества: выступления в качестве гостьи в других театрах, в других жанрах, педагогическая деятельность. Но... «Мне будет не хватать АВТ, - сказала она. - Я буду скучать по труппе театра, по сцене Метрополитен Опера. И я буду скучать по тем лицам из публики, которые я видела на протяжении многих лет. Ничего подобного этому нет, а притворяться я не умею. Это был мой дом».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу 1, 2, 3 ... 9, 10, 11  След.
Страница 1 из 11

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика