Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2019-03
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Мар 27, 2019 1:00 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032705
Тема| Балет, Академия русского балета им. Вагановой, Персоналии, Николай Цискаридзе
Автор| Ольга Ципенюк
Заголовок| Николай Цискаридзе: «Никогда не буду бывшим премьером Большого театра»
Где опубликовано| © Мужской журнал Men's Health
Дата публикации| 2019-03-27
Ссылка| https://mhealth.ru/life/career/nikolaj-ciskaridze-nikogda-ne-budu-byvshim-premerom-bolshogo-teatra/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В своей авторской рубрике «Раздевалка» Ольга Ципенюк вызывает очередного героя MH — теплого и расслабленного — на откровенный разговор: сперва о физической подготовке, а дальше обо всем на свете. В этот раз ее визави — танцовщик, Народный артист России, ректор Академии русского балета им. Вагановой Николай Цискаридзе.



Почему нам не удалось встретиться в раздевалке спортивного зала?

Потому что я уже, слава Богу, давно оттуда вышел. Шесть лет назад, после тридцати лет физического труда, встал и закрыл за собой эту дверь.

Простите, но то, как вы выглядите, заставляет в этом усомниться.

Я просто не ем после четырех вечера.

Четыре — это не вечер, а день. Как же вы проводите остаток суток?

Мучаюсь. Пью чай, иногда ем сухарики.

А фуршеты, банкеты — вы же известная персона.

Я не медийный человек, практически нигде не бываю, если это не касается самых близких друзей. Да и тогда прихожу, прохожу мимо баннера, на фоне которого фотографируются, и спокойно иду домой. Ненавижу быть там, где танцуют, где темно и где громко играет музыка. Все, кто меня знает, подтвердят, что я либо в репетиционном зале на работе, либо дома.

То есть ваша ежедневная физическая нагрузка — это репетиционный зал?

Если в зале я кому-то что-то показал — это последняя мера воздействия, значит, меня довели. Приличные педагоги никогда сами не показывали — нельзя навязывать исполнителю свою манеру.

Система настоящего балетного искусства, особенно русского, подразумевает развитие вашей индивидуальности, а не навязывание своей.

Повторю вопрос: значит ли, что кроме режима питания вы не делаете для поддержания физической формы вообще ничего? Очень трудно, глядя на вас, в это поверить.

Поверьте. К сожалению, на сегодняшний день я очень толстый. Рост у меня 1 метр 85 сантиметров, а вес — не знаю. Категорически не люблю весы, расстраиваюсь, когда к ним подхожу. Но по размеру одежды понимаю: что-то сильно не то. И еще одна вещь меня очень раздражает, но из-за моей национальности ее невозможно избежать: рост живота.

Есть какой-то специальный грузинский живот?

У армян в основном низ начинает расширяться, а у грузин живот растет — это генетическая особенность.

Если вы говорите, что у вас грузинский тип фигуры, как это соотносится с вашими же словами в одном из интервью о том, что именно славянский тип мышц идеально предрасположен к балету?

Не только славянский, средиземноморский тоже. Украина, Белоруссия, Грузия, Италия, Франция — там идеальные пропорции, идеальные мышцы для этой профессии.

То есть все-таки южный тип?

Наверное. Там, где есть нужное сочетание пропорций и мышечного аппарата. Допустим, у скандинавов бывают очень красивые фигуры, но мышцы при этом абсолютно дубовые. Подвижные суставы присущи исключительно восточным народам. Эластичность мышц, связок — это все более южное. Но и чрезмерность эластичности в балете не нужна — нужна середина.

И вам она досталась от природы.

Да. До определенного момента я был уверен, что один такой. А когда умерла моя мама, на похороны приехало очень много родственников. Это был 1994 год, после абхазской войны мы жили в очень стесненных условиях: половина помещений не отапливалась, все скучились, все были на виду. И вдруг, увидев одновременно всех своих дядей, племянников, двоюродных братьев, я понял, что у всех одинаковое строение, абсолютно. Стало ясно, что в нашем генетическом типе таких много, просто на сцену пошел я один. С первой секунды каждый, кто хоть что-то понимал в хореографии, видел, что я уникальный ребенок для классического балета.

Тем не менее вы ведь пошли в Тбилисское училище далеко не с пеленок — в десять лет, что для балета не рано.

С пеленок я не мог пойти — мама была против. Я родился в семье, по тбилисским меркам, очень аристократической, среди порядочных и умных людей в основном двух профессий: либо юристы, либо физики-математики. Было несколько врачей — заведующие отделениями, главврачи, но к искусству никто отношения не имел, актерство не считалось профессией. Мама, даже понимая, что у меня одни пятерки, все время как-то причитала «да, учимся хорошо, но профессии нет».

Она пыталась влиять на ваш выбор?

Надо отдать ей должное: мама никогда не лезла в мою жизнь, хотя сейчас я понимаю, что контролировала так, что страшно себе представить. Очень жестко. Допустим, когда я выходил из школы, вахтерша ей звонила и говорила, что я вышел. И если через 45 секунд я не входил в квартиру, милиция была уже в курсе.

Но когда мама умерла, на прощание с ней в Москве пришли разные люди, в том числе мои одноклассники, с которыми я никогда не общался. Оказалось, что они дружили с моей мамой. Меня очень удивило то, что я об этом понятия не имел. Понимаете, я с ней очень мало прожил и знал ее не так, как сейчас бы мне, взрослому, хотелось. Мы практически никогда не общались, я все время учился, она работала, на отдыхе у меня была своя компания, у нее — своя. Она была мудрая, умная женщина, хотя если что-то от меня требовала, я делал всегда наоборот, договориться со мной она не могла никогда.

Но ведь в какой-то момент она поехала ради вас в Москву, смирилась с вашим выбором?

Не смирилась до последнего дня. Если она и приняла мою профессию, то только потому, что профессия была, скажем так, выездная. Мама хотела для меня другой, привилегированной жизни. Сама она была невыездная, их семьи коснулось раскулачивание, репрессии — все это я узнал после ее смерти. Я появился, когда ей было 43 года, как она жила до этого, мне неизвестно, только слухи. Она была физиком, окончила МГУ, прекрасно училась и получила, видимо, распределение в какое-то закрытое учреждение. У мамы в трудовой книжке за много лет не было никаких записей. Стаж идет, а записей нет. И про то, кем она была, ничего не говорилось: мама прошла 1937 год пятилетним ребенком, и, видимо, детский страх научил ее не вспоминать об этом времени. У меня нет никаких документов: когда умер дедушка, пришли люди и все забрали. Когда родился я, мама работала простым педагогом. Зарабатывала очень хорошо, имела много частных учеников: готовила в вузы детей часто безнадежных, за которых платили большие деньги. У нее была прекрасная репутация: считалось, что она даже дерево может научить. Систему государственную мама не очень любила, но никогда об этом не говорила, всегда отшучивалась. И когда я стал выезжать за границу — уже начался развал Советского Союза, — все время говорила: «Посмотри там все за меня».

Что вы привезли маме в подарок из первой зарубежной поездки?

Ой, столько всего! От нижнего белья до платьев, полностью ее одел. Это было, конечно, очень забавно. Мне с покупками девочки помогали: найти в Японии белье такого размера — мама была крупная женщина — оказалось непросто.

Какие физические нагрузки танцору балета даются тяжелее всего?

По-разному. У меня, как я сейчас понимаю, было, в отличие от всех, идеальное тело — его как будто создали для балета, именно классического. Пропорции удивительные, невероятная подвижность суставов, очень мягкие связки, мягкие мышцы, которые моментально восстанавливаются.

Кому-то нужно долго растягиваться, а мне — просто подойти, и я уже сижу на шпагате; кто-то после класса должен сделать массаж, а мне надо просто десять минут полежать; кому-то, чтобы восстановиться, нужно идти в баню, а мне — поспать две минуты, и я готов. Восстанавливаемость мышц редчайшая.

Плюс феноменальная координация, которой у детей в этом возрасте практически не бывает, и удивительный музыкальный слух, который нужен конкретно для танца.

Это какой?

Есть четыре вида слуха, за них отвечают разные участки мозга. Первый — когда вы слышите мелодию и можете со слуха ее записать, второй — когда вы слышите и можете сыграть, третий — когда вы слышите и можете спеть, это координация слуха и голосовых связок. А вот четвертое — координация слуха и движения. Вы видели, как танцуют наши великие музыканты, имеющие абсолютный слух? Можно умереть от хохота: они не попадают в ритм, не могут соотнести движения тела с мелодией. Три первых вида слуха природа мне не дала, а вот четвертый был с рождения.

И все-таки: что физически давалось труднее всего?

Выносливость. Вот почему я ненавижу спорт, ненавижу любую нагрузку, а когда вижу спортивные залы, меня просто передергивает: восстанавливаясь после травмы колена — разрыва крестообразной связки в 2003 году, — я провел там слишком много времени. Что касается выносливости, мне надо было пахать в десять раз больше, чем другим, чтобы ее наработать. Со мной учились дети, которые делали, допустим, в четыре раза меньше повторов и при этом выдерживали вариацию в полторы минуты. А со мной, чтобы полторы минуты наработать, три года мучились. Выносливость важна еще и потому, что самые сложные элементы, как правило, находятся в конце номера, в финале спектакля. Кстати, именно поэтому так глупо выглядят фильмы про блаженных в балете: «Черный лебедь» и тому подобное.

В балете блаженных не бывает — бывают те, кто надевает маску блаженного, когда это выгодно. Любая балерина, которая делает, допустим, в «Лебедином озере» 32 фуэте, должна обладать абсолютно стойкой психикой.

Если психика хотя бы чуть-чуть подвижна, человек никогда эти фуэте не скрутит, потому что нужна невероятная концентрация. Это работа организма в невыносимых условиях и в очень неудобный с точки зрения физической нагрузки момент.

Что значит неудобный?

Когда организм уже очень устал. У спортсменов — гимнастов, фигуристов — другая специфика: любое их выступление длится самое большее несколько минут, а у артистов балета это три-четыре часа под напряжением, особенно если большой спектакль — «Баядерка» или «Лебединое озеро». При этом, как я уже сказал, самые эффектные и, соответственно, самые сложные элементы требуется выполнять, когда ты уже набегался. В Большом театре работаешь на гигантской сцене — 550 квадратных метров, — и в той же «Баядерке», когда в третьем акте минимум декораций, ты на сцене один и тебе надо ее постоянно покрывать, это очень тяжело. Вот что всегда было для меня самой большой сложностью: физическая нагрузка.

Закисление мышц?

Нет, дыхание, только дыхание. Кроме дыхания, мне никогда ничего не мешало. Кто-то бывает то в форме, то не в форме, а я в форме был всегда, и когда у меня дыхания много, мне море по колено. Но в какой-то момент — ведь с возрастом любая машина изнашивается — я понял, что болеть не хочу и выглядеть как мои перешедшие грань возраста коллеги, которые ползают по сцене, тоже не хочу. Зная, что такое свободный полет, я понял, что смогу имитировать его еще в лучшем случае года два, и поставил себе дату ухода. Причем сказал всем заранее: «В такой-то день я закончу». Никто не поверил, но я это сделал.

То есть не как Алла Борисовна Пугачева — многократные роскошные уходы со сцены.

Понимаете, это другая профессия. У нас все иначе, если говорить о людях классики. Как только у известных артистов начинаются клятвы современному репертуару, это первое свидетельство того, что аппарат не работает: голоса нет, мышцы не тянут, и человек просто обманывает себя и публику, потому что станцевать «Лебединое», сыграть Первый концерт Чайковского или спеть Nessun Dorma он не уже может.

И что? Начинает танцевать Килиана или Начо Дуато?

Конечно, конечно. Но это просто способ продлить свою сценическую карьеру.

То есть танцующие Килиана — лузеры? Имитаторы?

Не имитаторы, а просто люди, которые хотят остаться в профессии, но переходят на другую ступеньку. Кто-то едет на своей известности, кто-то на связях. В моем случае все просто: я был сугубо классическим танцовщиком, который этому искусству очень преданно служил. В принципе найти человека, который к 40 годам исполнял мой репертуар на том уровне, на котором исполнял я, — нереально. Раньше рассказы артистов о мастерстве, которое с годами никуда не уходит, — это были мифы, люди верили на слово. А теперь вы открываете YouTube — и все ясно. Понимаете?

Я могу показать вам свой спектакль, «Щелкунчик» к примеру, когда мне был 21 год и когда мне было 39. Пожалуйста, сравнивайте. Один в один: те же движения, тот же темп, та же высота прыжка.

Естественно, я выгляжу по-другому: там юноша, а здесь взрослый человек. Но в том же костюме, с той же талией, с теми же размерами и, главное, с теми же техническими элементами роли — я никогда ничего не менял.

За счет чего артисты балета выдерживают гигантскую физическую нагрузку?

Сегодня? За счет качества исполнения. Когда вам рассказывают, что театр работает как завод и артист каждый вечер выходит на сцену в прекрасной физической форме, это вранье. Как в моде: есть одежда от-кутюр, а есть прет-а-порте. Работать на сцене каждый день — это прет-а-порте, поточное производство. Серьезный спектакль — встряска для организма, после которой надо прийти в себя, тогда и будет уровень от-кутюр. Но современный мир не хочет дать человеку восстановиться. Сегодня ты поешь или танцуешь в Москве, завтра — в Нью-Йорке… Раньше такое было невозможно. Когда я начинал работать в Большом театре, мы летели в Токио, Нью-Йорк или Лондон и первые три дня даже не репетировали — мы акклиматизировались. Сейчас такого не бывает: вам скажут, что это ваша прихоть, блажь и дурь. Сейчас в день спектакля у людей прогон, генеральная репетиция.

Никогда раньше в истории Большого театра не было такого, чтобы была генеральная репетиция, на следующий день — премьера, первый спектакль, на следующий — еще один. Посмотрите любые афиши прошлых лет: генеральная репетиция, через три-четыре дня премьера, через три-четыре дня — следующий спектакль. Неважно, что другой состав, — кордебалет-то должен отдохнуть.

Я никогда не служил этому штампованию, мне очень повезло: рано попал на телевидение, стал зарабатывать хорошие деньги благодаря участию в разных проектах и понял, что могу сохранить свое искусство, не переходя за грань, так скажем, ширпотреба. Мог отказываться от спектаклей, от так называемого чеса, на который артисты часто вынуждены идти, чтобы выжить материально. Я их не осуждаю — у каждого своя дорога, свой выбор. Но никого не волнует качество. И потому нет искусства в театре. В чем была прелесть Большого театра и русского искусства в целом? Уже в 60-е годы на Западе все встало на поток, на производство штамповок, а мы еще занимались творчеством, даже в 90-е годы.

Послушать вас, так сегодня этого искусства и у нас не осталось.

Осталось, просто тех, кто является его выдающимися представителями, совсем мало. Искусство пытаются сделать массовым: чуть ли не в каждом подъезде балетная студия, любой маленький коллектив берется за классический репертуар.

А это должно быть уделом избранных?

Не избранных, а чтобы им занимались избранные. В театр может ходить любой, но артистами должны становиться — это мое убеждение — только единицы. К нам в Академию Вагановой приходят сотни абитуриентов, а в итоге на вершину поднимаются единицы. Один человек раз в десять лет становится кем-то, ну двое-трое еще могут стать просто рядовыми солистами. Посмотрите сами: выдающиеся артисты давно не появляются. Обновление не происходило уже лет 15 и, похоже, еще долго не произойдет. Каждые два-три месяца в глянцевых журналах появляется новое имя, которое объявляется звездой и держится два, ну три года максимум. Ну кого вы можете назвать, кто сегодня абсолютно всем известен в балете?

Диана Вишнёва.

Она из моего поколения. Никогда не надо забывать, что Николай Цискаридзе стал известен всем, будучи уже народным артистом. Я попал на орбиту, уже являясь одним из самых известных в мире артистов нашей страны, а не просто какой-то дядя дал указание меня раскручивать, как это сейчас происходит в глянце. Понимаете?

Что, и Большой перестал быть театром звезд?

Его позиционирование стало другим. В детстве мы подходили к киоску «Союзпечати» и знали в лицо каждого человека на обложках журналов — это были представители Большого театра: артисты, дирижеры, художники. А сейчас все обесценилось.

Если бы в свое время, как вам того хотелось, вы возглавили бы Большой театр, ситуация сегодня выглядела бы иначе? Вам было бы под силу сделать его театром звезд?

Это мог бы сделать любой творческий человек, который владеет профессией, независимо от имени и фамилии. Но именно творческий. Раньше все театры, все великие учебные заведения нашей страны возглавляли удивительные специалисты — не менеджеры, а специалисты своего творческого дела. А если вас сейчас спросить про театры, вы не ответите, ни кто там главный дирижер, ни кто там худрук, — этих имен никто не знает.

Зато спросите у людей на улице: профессию Николая Цискаридзе знают все. Ведь что такое настоящая звезда в высшем значении этих слов? Это когда ничего не надо объяснять, не надо перечислять регалий, не надо говорить, из какого человек театра или жанра. Называете имя — и все становится понятно: Майя Плисецкая — балет, Елена Образцова — опера, Геннадий Рождественский — музыка…

И все-таки вернемся к моему вопросу. Возглавь вы Большой театр…

Я не хочу об этом говорить. Повторю только, что театр должна возглавлять творческая личность, только тогда будет толк. И эта творческая личность не должна быть поставлена туда по знакомству. Это должно быть имя, которое знают и уважают абсолютно все. Потому что в вашем и моем детстве было именно так.

То есть основная причина отсутствия звезд в том, что администрация и художественное руководство театров не являются профессионалами именно в искусстве?

Они, может быть, профессионалы, но не в искусстве.

Любой руководитель должен быть, прежде всего, хорошим менеджером, управленцем.

В театре — ни в коем случае, ни в коем случае. Вы неправильно используете слово «менеджер», точнее — функция менеджера в театре может быть только дополнением к художественной состоятельности человека. Этому есть великолепный пример: Валерий Гергиев, который, прежде всего, является выдающимся артистом. Сегодняшние руководители пришли в великий театр, безосновательно поставили свои имена на афишу и добились того, что мы теперь не можем приехать в Японию или Америку за три дня до спектакля, чтобы выйти на сцену в нормальном состоянии и показать свое искусство в том виде, на который мы способны. Нет, мы, к примеру, в Токио летим через Мюнхен, потому что так дешевле, — вот плод их менеджерской работы.

Давайте попробуем уравновесить чем-то негативные примеры.

А где здесь негатив? Просто ваш журнал не та площадка, где мы должны говорить об искусстве, я вам говорю о здоровье, которое является важнейшей частью нашей профессии.

И все-таки, чтобы закрыть эту тему, приведите позитивный пример руководства театром или творческим учебным заведением, которое сохраняет традиции профессионализма.

Пожалуйста, зачем далеко ходить — Академия Вагановой.

Которую вы возглавляете.

А что, последние пять лет работы академии не являются примером? Примером того, что человек понимает, чему надо учить, кого и в каких условиях? При мне все отремонтировали, привели в порядок то, что стояло заколоченным четверть века. При этом мы не прикрываемся современным репертуаром на выпускном только для того, чтобы сказать: «Мы учим современный танец». Понимаете? Потому что современный танец вам может исполнить любой человек.

Я не могу.

Да сможете, поверьте мне, сможете. А вот сделать то, что нужно по системе Вагановой, может мало кто.

Если мы будем говорить о здоровье не физическом, а эмоциональном: конфликт с Большим театром в свое время был для вас стрессом?

У меня не было конфликта с Большим театром.

Давайте назовем это ситуацией, которая возникла в Большом театре…

Ситуации никакой не возникло. Я знал правила игры, знал, куда и зачем пришел, знал, что будет так, а по-другому не будет. То, что произошло со мной, в этом театре происходило с каждым артистом, который достигал удивительно высокого уровня в профессии и максимального уровня популярности: Вишневская, Плисецкая, Покровский…

Критикуя реконструкцию Большого театра, вы осознавали, что эта критика не останется без последствий?

Я не критиковал, я сказал два слова.

Не два. Да, вы не обсуждали ни бюджет, ни выбор подрядчиков, но вы говорили о низких потолках в репетиционном зале, о кафеле, который не дает нормально разминаться, о скользких полах — говорили с точки зрения человека, который будет этим пользоваться в рамках своей ежедневной профессиональной деятельности. Вы понимали, что это приведет к вашему уходу из театра?

Конечно. Но к уходу из театра привело не это. Я знал, что уйду в день, который назначил сам. Этот день выбрал я, а никакая не ситуация.

Миллион раз уже, давая интервью, я объяснял: господа, когда-нибудь я буду бывшим ректором Академии Вагановой, но я никогда не буду бывшим премьером Большого театра, это — навсегда, это история, нравится она кому-то или нет. Я один из тех, кто и есть Большой театр.

За что вы больше всего благодарны своей профессии?

Я всю жизнь делал то, что доставляло мне удовольствие, в отличие от 99 процентов людей, которые меня окружали. Им я искренне сочувствовал. Когда у меня портилось настроение, были какие-то упадки сил, не хотелось заниматься, я надевал самый невыигрышный комбинезон, в котором хуже всего выглядел — не тот фасон, не тот цвет, — приходил на общий класс и через три минуты уходил с шикарным настроением.

Зачем нужен был невыигрышный комбинезон?

Чтобы понять, что ты, даже плохо выглядящий, выглядишь в миллиарды раз лучше, чем все вокруг. Потому что ты таким родился и не имеешь права раскисать. Это единственное, что мне давало такую уверенность. Люди корежатся, пытаются что-то сделать, а ты делаешь это легко, играючи, от природы. Вот поэтому я благодарен профессии — делал все с удовольствием.

А за что вы больше всего ее, эту профессию, не любите?

За физический труд. Я вообще не понимаю, как в нее попал, как себя уговорил этим заниматься. Клянусь, не понимаю.

Что же вами двигало все эти долгие 30 лет?

Мне нравилась игра, перевоплощение, спектакль.

Момент, когда стало ясно, что вы лучше других, тоже стал двигателем?

Конечно. Любой театральный человек тщеславен. Артист — самая тщеславная профессия. Когда вам кто-то из артистов говорит: «Абсолютно все равно, что обо мне думают другие», — это вранье. Наша профессия рождена, чтобы вызывать реакцию, пусть даже иногда скандальную, негативную. Ведь что самое ужасное в театре?

Равнодушие.

Да, равнодушие. Когда человек вызывает такие споры, такие баталии, какие вызывал я, когда он заставляет людей не одно десятилетие тратить время на то, чтобы писать гадости, — это нормально. Как говорила великая Плисецкая: «Не важно, что в рецензии, главное, чтобы правильно написали фамилию».

У Плисецкой был гениальный ответ на вопрос «Когда вы бывали счастливы?». Она говорила: «Дважды: когда танцевала сама и когда мои роли стали танцевать другие артистки».

На свой последний юбилейный концерт она сама расписала, какую роль кто должен танцевать, зная прекрасно, что всех станут сравнивать с ней и каждый сидящий в зале будет говорить: «Какой кошмар! Конечно, она — гений». В этом ее прелесть, и шарм, и гениальность, и юмор. Такое присуще только великим артистам.

Причисляете себя к ним?

Время расставит все по своим местам. Сами судите: вот вы в начале интервью сказали «спасибо» за то, что я согласился с вами встретиться. Я 29 лет на этой должности, и 29 лет за мной кто-то бегает, ловит меня, чтобы я рассказал о себе. Сам я ни разу в жизни ни к кому с этой просьбой не обратился. А большинство артистов нанимают пиар-агентов, тратят деньги, чтобы ими поинтересовались. К сожалению, я в свое время совершил ошибку, когда стал давать интервью.

Вы действительно считаете, что достигли бы уровня своей славы без публичности? Без интервью?

Нет. Без интервью можно было достичь, но не без публичности. Грета Гарбо тоже выходила к журналистам, но молчала. Каждый молчит по-своему. Кому-то нечего сказать, а у кого-то это просто поза. Конечно, счастье, когда тобой интересуются, большинству никогда этого не достичь.

Вы достигли всего, о чем мечтали?

Конечно, нет. Я оставил карьеру классического танцовщика, когда понял, что физический ресурс по-настоящему исчерпан. Меня часто спрашивают: «Вам не снится балет?» Нет. У меня нет никакой ломки, мне не снится, что я танцую, мне не хочется на сцену. Если честно, сам удивляюсь, не думал, что так будет.

Знаете, года через три после того, как я закончил балетную карьеру, я пришел в театр. И обнаружил, что забыл сменные кроссовки — в театре не ходят в уличной обуви. В сумке лежали балетные туфли, еще с тех времен. Я их надел. И ровно в этот момент у меня заболело все: спина, ноги, абсолютно все. Снял, и мне стало хорошо.

Так что усталость физическая была уже гигантская. А я никогда в жизни не исполнял ничего, в чем физически не был лучше остальных. Но цену я себе знаю, и знаю, кем являюсь в историческом контексте — и этого театра, и искусства в целом.

О чем вы больше всего жалеете? Сейчас, сегодня?

Что не повезло с хорошим временем в театре. Что творчество приходилось имитировать самому — и имитировать, и инициировать. Я сделал бы в десять раз больше при попутном ветре, если бы театром руководил кто-то грамотный. Но на самом деле, наверное, жалеть ни о чем не надо. Очень хорошо сказал мой ученик: «Николай Максимович, я тоже хочу так, как вы: репетировать 10 минут, а кланяться 45».

ФОТО ЮП / ТАСС
=================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Мар 28, 2019 9:36 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032801
Тема| Балет, конкурс «Золотая маска», Театр балета им. Якобсона, Персоналии, Йохан Кобборг
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Рыцарь веселого образа
Петербургский «Дон Кихот» на «Золотой маске»

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №54, стр. 11
Дата публикации| 2019-03-28
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3924703
Аннотация| «Золотая маска»


Петербургский «Дон Кихот» равно приятен глазу зрителя и ногам артистов (Китри — София Матюшенская, Базиль — Андрей Сорокин)
Фото: Юрий Мартьянов / Коммерсантъ


Балетный конкурс «Золотой маски» завершил «Дон Кихот», показанный в Музыкальном театре им. Станиславского и Немировича-Данченко петербургским Театром балета им. Якобсона, для которого этот спектакль поставил датчанин Йохан Кобборг. Рассказывает Татьяна Кузнецова.

Несмотря на обилие номинаций (у петербургского «Дон Кихота» их семь), последний конкурсный спектакль едва ли повлияет на итоговый расклад. Новых горизонтов в обращении с классикой он не открыл, новых трактовок не обнаружил, хореографических открытий не совершил. Йохан Кобборг, премьер сначала Датского, потом лондонского Королевского балетов, сам танцевавший Базиля на разных сценах мира, грамотно приспособил многолюдный «Дон Кихот» к возможностям немногочисленной труппы, постаравшись превратить его из непомерно разросшегося дивертисмента в связное повествование. Для этого ему потребовалось переставить местами несколько эпизодов, одни танцы добавить, другие (преимущественно характерные) убрать и ввести новый персонаж — самого Сервантеса. Под его пером и рождается все это действо, внутри которого осталось достаточно несуразностей, которые можно объяснить разве что разыгравшимся писательским воображением.

Художник Жером Каплан, номинированный дважды, тоже обошелся без сотрясения основ. Декорации и аванзанавес он выполнил в виде исполинских раскрашенных гравюр, что позволяет решить сразу три задачи: избежать вульгарности, обозначить любовную иронию по отношению к балетной старине и приспособить оформление для гастрольных нужд. Костюмы уютно вписываются в декорации, причем художник, микшируя их академизм, даже лесных дриад одел в рубашечки с фонариками — совсем как девушек с картин Брюллова.

Можно, конечно, перечислить потери, которые понес канонический «Дон Кихот». Пропала Мерседес (фрагменты ее танца освоили три цыганки, пляшущие в таверне). Исчез поставленный Голейзовским танец страдающей цыганки, хотя музыку Желобинского хореограф Кобборг сохранил: Китри и Базиль танцуют под нее дуэт, пока героиню не уволакивает настигший ее папаша. Купированы эпизод с мельницей и кукольное представление, строевой кордебалет дриад окончательно утратил прихотливость линий (чем, собственно, массовые сцены Горского отличались от строгой геометрии Петипа), а заодно и корифеек. «Болеро» третьего акта отдано классикам — на него что-то неубедительное танцуют Эспада с Уличной танцовщицей.

Но, похоже, пара десятков таких утрат огорчит разве что завзятых балетоманов. Для меня, например, куда огорчительнее видеть то же «Болеро» или танец Мерседес в Большом театре — формально сохранившиеся, но неузнаваемые — и по движениям, и по их беспомощному исполнению. Самое же обидное, что «Дон Кихот», никогда не исчезавший из московского репертуара, развалился не в каких-то далеких 1920-х, а относительно недавно, лет 30-35 назад. Причем халтурное возобновление балета, сделанное в 2016 году экс-премьером Большого Алексеем Фадеечевым, является скопищем всех отсебятин, штампов и неумений, накопившихся за годы распада старомосковского «Дон Кихота».

Так что, пожалуй, даже лучше, когда этот балет ставит иностранец, избавляясь от всего, что кажется его стороннему глазу отжившим и нелогичным, и отрабатывая с артистами каждую мизансцену и каждое па. Артисты платят постановщику воодушевлением, балет оживает — на «Маске» петербуржцы станцевали «Дон Кихот» вдохновенно и качественно. Можно, конечно, недоумевать, зачем номинант Тасман Дэвидс так акцентировал гомосексуальность своего Гамаша — ведь, согласно сюжету, его персонаж настойчиво домогается Китри. Зато необходимо отметить щегольской, по-западному отчетливый танец Китри (номинантка София Матюшенская) — особо запомнились превосходная диагональ рондов на пуантах во втором акте и невозмутимое, девяностоградусное фуэте в коде. В сражениях за лучшую мужскую роль достойное участие примет также Андрей Сорокин, совместивший в роли Базиля актерскую непосредственность, свойственную отечественной школе, и несоветскую легкость в исполнении трюковых сложностей — когда кажется, что чистейшим образом сделать в воздухе два двойных тура подряд дело немудрящее. Впрочем, за высокое качество мужского танца в числе прочих обязанностей наверняка отвечает Андриан Фадеев, руководитель Театра балета Якобсона, которым он управляет с той же элегантной виртуозностью, с какой в лучшие годы Мариинского театра премьерствовал в его репертуаре.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Апр 07, 2019 5:31 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Мар 28, 2019 11:05 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032802
Тема| Балет, Пермский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Алексей Мирошниченко
Автор| Ольга Богданова . Фото Андрея Чунтомова
Заголовок| Как в пермском балете создают новую версию «Шахерезады» и чем этот спектакль не похож на другие постановки Алексея Мирошниченко
Где опубликовано| © ежедневная пермская интернет-газета ТЕКСТ
Дата публикации| 2019-03-28
Ссылка| https://www.chitaitext.ru/novosti/kak-v-permskom-balete-sozdayut-novuyu-versiyu-shakherezady-i-chem-etot-spektakl-ne-pokhozh-na-drugie/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В первых числах апреля в Пермском театре оперы и балета зрители увидят новый спектакль Алексея Мирошниченко. Хореограф ставит одноактный балет на музыку симфонической сюиты «Шахерезада» Николая Римского-Корсакова.

Планы на эту постановку были озвучены ещё два года назад, и уже тогда стало известно, что главный балетмейстер театра хочет пригласить для участия в премьере Диану Вишнёву.

Что известно о новом балете пермского театра?

В основе либретто — реальная история последней императрицы Ирана

В 2016 году Алексей Мирошниченко уже ставил в Перми классический балет, для которого сам написал либретто— «Золушку», встроив в него истории любви и сценической карьеры, развернувшиеся в реалиях советского времени. Но если эта история была сочинена самим хореографом полностью, то в основу либретто для «Шахерезады» легла реальная биография императрицы Ирана Фарах Пехлеви.

«С самого начала мы понимали, что балет на эту музыку должен быть по мотивам биографии некоей выдающейся женщины, — говорит Алексей Мирошниченко. — Вместе с Татьяной Ногиновой и Альоной Пикаловой мы пересмотрели множество великих имён и остановили выбор на Фарах Пехлеви. Сейчас всё выглядит так, что мы просто не могли пройти мимо неё, потому что её жизнь похожа на сказку, и такого уже не будет».



Студентка парижской Специальной архитектурной школы была представлена шаху Мохаммеду Резе Пехлеви на одном из официальных приёмов, и уже через несколько месяцев стала его женой. Фарах родила шаху четверых детей и сыграла огромную роль в социальном и культурном развитии страны. Благодаря ей иранские женщины получили больше прав и свобод, она открывала больницы, школы и детсады, поддерживала музеи и современное искусство, внесла свой вклад в развитие моды в Иране.

В 1967 году шах принял решение короновать свою жену, и Фарах стала первой императрицей в современной истории страны. Прежде такой титул жена шаха получала только в VII веке.
Исламская революция 1979 года вынудила Фарах вместе с супругом и детьми покинуть страну, спустя год Мохаммед Реза Пехлеви скончался. В 2000-х ушли из жизни двое её детей. Сегодня Фарах живёт в США, воспитывает внуков и посвящает свободное время искусству.

Либретто, написанное Алексеем Мирошниченко для балета «Шахерезада», отражает характер этой удивительной женщины и рассказывает о её сложной судьбе. Это будет история о любви, стойкости, вере, надежде, самоотдаче.

Сама иранская императрица прочла и одобрила содержание либретто.

Премьера балета состоится с участием Дианы Вишнёвой и Марсело Гомеса

На появление нового спектакля пермского театра оказала влияние ещё одна известная личность: прима-балерина Мариинского театра Диана Вишнёва. В 2017 году она уже работала в Перми и исполнила заглавную партию в балете «Петрушка», который для Дягилевского фестиваля поставил хореограф Владимир Варнава. Чуть позже стало известно, что пермяки могут увидеть знаменитую балерину вновь, в роли Шахерезады — Алексей Мирошниченко озвучил свои планы на этот балет и рассказал, что планирует пригласить для работы над ним Диану Вишнёву.

3 и 4 апреля она выступит на сцене пермского театра со своим постоянным партнёром Марсело Гомесом. Вместе они много работали на сцене Американского балетного и других театров. Диана Вишнёва не раз называла его любимым партнёром, с которым они достигли полного взаимопонимания.

В пермской труппе главные партии готовят Полина Булдакова и Георгий Еналдиев. Есть также третий состав: Булган Рэнцеедорж и Габриэл Лопес.

Балет будут полностью танцевать без пуантов

Для Алексея Мирошниченко это будет первый балет, в котором он обходится без пуантного танца. Само по себе использование мягкой обуви для него не ново — хореограф часто применяет её в больших постановках. Но впервые на этой технике будут построены все танцы в спектакле.

Главная героиня будет танцевать босиком. «Эта деталь — характеристика её избранности и человеческой хрупкости… В этом балете нет традиционных арабских танцев, всё, что зрители увидят, сочинено по мотивам, в ассоциативном ключе, но, я надеюсь, получилось достаточно убедительно в художественных координатах спектакля», — говорит хореограф.

Первая «Шахерезада», поставленная Михаилом Фокиным в 1910 году, кстати, тоже исполнялась полностью без пуантов. Это было ключевым моментом: отказавшись от них, а также от условных жестов, Фокин предложил свежий взгляд на классический танец и создал новый пластический язык в восточном стиле.

Вместе с Алексеем Мирошниченко над визуальной стороной спектакля работают его постоянные соавторы: художник по костюмам Татьяна Ногинова, сценограф Альона Пикалова и художник по свету Алексей Хорошев. Это уже шестой спектакль, который они делают вместе.

Перед спектаклем в театре пройдут лекции о музыке Римского-Корсакова и современной истории Ирана

Чтобы перед премьерой погрузиться в историю балета «Шахерезада», можно посетить события цикл «Лаборатории современного зрителя». 1 апреля Марина Монахова, музыковед и редактор Санкт-Петербургской филармонии, прочитает лекцию о творчестве Николая Андреевича Римского-Корсакова. Константин Эггерт — публицист, обозреватель телеканала «Дождь» и радиостанции «Коммерсантъ FM», главный редактор московского бюро русской службы «Би-би-си» (2002—2009) — расскажет о новейшей истории Ирана и исламской революции 1979 года. Встреча с ним пройдёт 2 апреля.

Зарегистрироваться на события можно сайте театра.

Премьера балета «Шахерезада» в Перми состоится 3, 4 и 5 апреля. В следующий раз зрители смогут увидеть спектакль во время Дягилевского фестиваля 22 мая.

=========================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Мар 28, 2019 2:07 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032803
Тема| Балет, пражский Национальный театр, Премьера, Персоналии, Чайковский, Кранко, Нану, Четвериков
Автор| Александра Баранова
Заголовок| «ЛЕБЕДИНОЕ ОЗЕРО» ДЖОНА КРАНКО В ПРАГЕ
Где опубликовано| © Радио Прага
Дата публикации| 2019-03-28
Ссылка| https://www.radio.cz/ru/rubrika/bogema/-lebedinoe-ozero-dzhona-kranko-v-prage
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Неувядающая история любви белой Лебеди и Принца, которую сочинил Пётр Ильич Чайковский, пережила массу постановок. 28 марта 2019 года в пражском Национальном театре пройдёт очередная премьера балета «Лебединое озеро» – на этот раз по хореографии балетмейстера Джона Кранко. В главных ролях заняты солисты пражской труппы Национального театра Алина Нану и Никита Четвериков. Аккомпанировать танцорам будет оркестр Государственной оперы.



За всю свою историю Национальный театр представил 12 версий «Лебединого озера» – на очереди 13-я по счёту. Работа над ней заняла около двух месяцев, помогали артистам приезжие специалисты из коллектива Штутгартского балета: хореологист Биргит Дехарде (Birgit Deharde) и художественный консультант-хореограф Андриа Холл (Andria Hall), за процессом наблюдал также художественный руководитель Штутгартской балетной школы Райд Андерсон (Reid Anderson).

Несмотря на то, что сюжет балета хорошо известен, для танцоров, по словам исполнительницы роли Одетты-Одиллии, примы-балерины Алины Нану, это всегда непростой вызов.

Как станцевать птицу

«Я танцевала перед этим только одну редакцию Лебединого озера, это моя вторая редакция в копилке «Лебединых озёр», поэтому я не могу сильно сравнивать. Моё ощущение – с возрастом, если так можно выразиться, становится легче. Больше понимаешь роль, лучше понимаешь, на что надо обратить внимание, глубже погружаешься в процесс работы над ролью, над техникой».

Залогом успеха, считает Алина, является то, сколько души ты сможешь вложить в танец. Не менее важны взаимоотношения с партнёром и музыка.

«Тяжело это описать словами. Музыка очень ведёт, партнер очень ведёт. Отношения с партнером очень влияют – может разная химия возникать между вами. Другой день, другой настрой – и вот уже другой результат. Вдобавок по мере работы над спектаклем открываются все новые и новые аспекты. «Лебединое озеро» для балерины – это всегда, как по-английски говорят, «work in progress» – никогда не получится готового результата, всегда останутся возможности для доработки, для совершенствования, не только с точки зрения техники, но и самой роли. Играть такую грациозную птицу – это не совсем обычно, согласитесь».

Четыреста страниц па

Опытные преподаватели тоже считают «лебединую» партию нелёгкой задачей.

«Роль Одетты очень техническая в классическом балете. Когда вы танцуете белого лебедя, вы будто обнажены в этой белой пачке, она открывает вас целиком. Кроме того, вы должны быть в абсолютной гармонии с музыкой. Если речь о черном лебеде, то она должна возбуждать, завлекать, очаровывать – как публику, так и Принца. Самое сложное – это перерождение из белого лебедя в чёрного и обратно в течение одного вечера, потому что они абсолютно разные», – говорит хореограф Андриа Холл.

Над движениями тела артисты работают по заранее известной схеме – сюжет «Лебединого озера» подробно описан на четырёхстах страницах специальной партитуры. По мнению хореологиста Биргит Дехарде, такой подход к изучению балета позволяет избегать ненужных ошибок, тем более, что классический танец имеет свои рамки и правила. Положительную роль играет также опыт артистов: Андриа Холл полагает, что танцовщицы, которые уже исполняли какую-либо редакцию «Лебединого озера», быстрее впитывают информацию и точнее воспринимают замечания хореографа.

«Гораздо легче описывать классический балет, так как там можно некоторые вещи предполагать автоматически. Например, когда нога отрывается от земли, мы полагаем, что она натянута, а вот если мы говорим о современном балете, то она может быть согнута или полусогнута, могут быть и другие типы движений, которые необходимо уточнять».

Не забудьте про Принца!

Главная отличительная особенность нового прочтения знаменитого балета – в том, как его увидел и передал Джон Кранко. По словам художественного руководителя Штутгартского балета Райда Андерсона для его работ характерно равенство мужских и женских ролей – в своё время это стало настоящей инновацией в классике.

«Кранко очень реалистичен. Он придерживается того мнения, что принцы – тоже люди, поэтому, когда мужчины исполняют свои партии в балете, это в некоторой степени получается проще – там есть база «реальности». Если мы вспомним аристократов, то нам на ум придут определённые, изящные движения. Есть и другие – крестьяне, которые работают в поле. С помощью движения Кранко очень хорошо отображает разные слои общества и их взаимодействие. Принц у Кранко находится где-то между ними, он существует не только для того, чтобы белая лебедь выглядела хорошо на его фоне – это человек, с которым мы можем себя отождествить. Похожим образом Кранко работал и над другими своими балетами, акцентируя внимание не на том, что делается, а как именно это делается».

Танцорам этот акцент на эмоциональности как раз очень помогает: по словам Алины Нану, хореография Кранко настолько душевная и музыкальная, что исполнять её – одно удовольствие.

Если заглянуть в архивы, то выяснится: судьба Национального театра достаточно тесно связана с известным балетом. Первым хореографом «Лебединого озера», которое было поставлено в 1877 году в Москве, был чех Вацлав Рейзингер – впоследствии он некоторое время был Первым балетмейстером театра в Праге. Известно также, что одиннадцать лет спустя, в 1888 году, сам Петр Ильич Чайковский посетил Национальный театр. Историки рассказывают: после просмотра второго действия, которое поставил чешский балетмейстер Августин Бергер, Чайковский написал в своём дневнике, что прожил минуту абсолютного счастья.

Первая премьера «Лебединого озера» состоится на сцене Национального театра 28 марта 2019 года в 19 часов, вторая – 29 марта в 19 часов. Точное расписание представлений на сезон можно посмотреть на сайте театра www.narodni-divadlo.cz.

=======================================================================
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Мар 28, 2019 9:31 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Мар 28, 2019 9:23 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032804
Тема| Балет, конкурс «Русский балет», Персоналии,
Автор| Дворецков А.С.
Заголовок| Эксперты: юные артисты русского балета передают смысл исполняемого
Где опубликовано| © Э Вести
Дата публикации| 2019-03-28
Ссылка| http://www.e-vesti.ru/ru/eksperty-yunye-artisty-baleta-rf-peredayut-smysl-ispolnyaemogo/
Аннотация| КОНКУРС



26 марта 2019 года на Новой сцене Большого театра собрались юные артисты балета, которых высоко оценило профессиональное интернациональное жюри конкурса «Русский балет». Почти все призовые места достались представителям двух старейших балетных школ России: Академии русского балета им. Вагановой и Московской государственной академии хореографии. Компанию им составил Пермский хореографический колледж.

В кулуарах после вручения наград мы обратились к члену жюри конкурса Народному артисту СССР, знаменитому педагогу-репетитору Большого театра Михаилу Леонидовичу Лавровскому и попросили его поделиться с нашими читателями впечатлениями о молодёжи. «Мне кажется, что здесь проявилось то, что присуще русскому балету – смысл исполняемого. Особенно это было видно у Михаила [Баркиджиджа] из Ленинграда и девочки из Ленинграда, танцевавшей Лауренсию. Это уже настоящие артисты. Очень хорошо, что мы не откатываемся назад в формальное исполнение того или иного спектакля, а продвигаемся вперед», – сказал он и добавил: «Формальное исполнение я не люблю. Красивые мальчики и девочки могут быть, ну, минут десять, а оперный драматический или хореографический спектакль – это спектакль, в котором должен быть смысл исполняемого. Вот это у нас есть, и терять это мы не должны».

Француз – художественный руководитель балета Музыкального театра Станиславского и Немировича-Данченко Лоран Илер – как ни странно, солидаризировался с мнением представителя русской балетной школы. «В мире столько много разных школ, – рассказал он, – и в тоже время, при разных возможностях (одни более харизматичны, другие более техничны), ты должен добиться той же техники. Когда человек добивается техничности и художественной выразительности одновременно – это идеал.

о, что я увидел у молодых артистов балета – это качества и вкус во всем. Они очень хорошие танцоры, у них есть все необходимые качества. Индивидуальность и способность мыслить как танцор – вот качества, которые имеют решающее значение во всем мире. Это очень важно, это краеугольный камень. Здесь молодые артисты, и среди них сегодня мы видели очень много хороших танцоров и танцовщиц, это очень ценно».

Что присуще русской балетной школе и отличает её от французской?, – спросили мы Лорана Илера. «О, этот вопрос мне всегда задают, – сказал он смеясь. – Это нормально. Русскую школу отличает свой вид энергетики, душевной щедрости. Это не значит, что этого нет во французской школе, но я люблю русскую особенность, когда люди вовлечены в то, что они делают. Я вижу это в своем музыкальном театре Станиславского и Немировича-Данченко. Люди хотят быть на сцене и хотят танцевать. Я думаю, это является движущей силой во всех школах и везде. Первая вещь, которую я ожидаю от танцоров – это увлеченность. Просто танцуй, ничего не бойся, и включайся в танец, в представление.

Я много путешествовал и многое повидал, но, будучи французом, я не хочу французского стиля в театре Станиславского. Я хочу привнести сюда то, чему я научился с точки зрения бытия на сцене и бытия в танце, поделиться этим. Но это вопрос будущего. Русская школа, французская, датская, американская или любая другая сохранят идентичность. Мы, конечно, можем узнать и позаимствовать какие-то вещи друг у друга. Это как разные стили каллиграфии».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Мар 28, 2019 9:40 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032805
Тема| Балет, "Золотая маска", Театр балета им. Л.Якобсона, Персоналии, Йохан Кобборг
Автор| Арина Ильина
Заголовок| Йохан Кобборг
Где опубликовано| © сайт фестиваля
Дата публикации| 2019-03-28
Ссылка| http://maskbook.ru/johan-kobborg/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

"Дон Кихот", Театр балета им. Л.Якобсона, г. Санкт-Петербург



# Балет/современный танец
# Балетмейстер-хореограф
# Дон Кихот
# Конкурс

По-вашему, у каждой труппы в репертуаре должен быть свой «Дон Кихот»?

Да, мне кажется, каждая классическая труппа должна иметь в репертуаре «Дон Кихота», потому что это один из тех балетов, который бы хотел станцевать каждый артист. Это одновременно и вызов, и счастье, особенно для молодого артиста. Конечно, существует много версий, часть из них, на мой взгляд, не очень интересные и яркие. Они не могут автоматически стать шедеврами только за счёт интересной истории из либретто. Над каждой версией надо тщательно работать.

А в привычной версии «Дон Кихота» что было не так? Когда вы сами танцевали, чего вам не хватало?

Я танцевал много разных версий и часто не чувствовал себя частью общего действия. У меня были свои вариации и выходы, но к истории это будто не имело отношения. Словно я был пришельцем из другого мира. Именно поэтому в своей версии я постарался разнообразить образы персонажей. Санчо, Гамаш, даже Амур – все они сильнее вовлечены в действие, чем раньше (Йохан называет небольшие партии: две полукомические и скорее игровые, одну женскую партию из вставной сцены сна Дон Кихота — прим. ред.). И всё это одна группа, ансамбль, а не кордебалет и два солиста (то есть ведущая пара, Китри и Базиль — прим. ред.).

Когда вы работали над персонажами, к кому из них вы больше привязались? Есть любимый герой? Или же они все одинаково любимы?

Я бы сказал, что мне больше всех интересен, симпатичен Санчо Панса.

То есть даже не Базиль?

Нет. Я танцевал Базиля достаточно много раз, а сейчас бы я сам с удовольствием исполнил роль Санчо (роль Санчо — обычно не танцевальная, характерный персонаж; для датской школы традиционен переход танцовщиков от премьерских партий на деми- и характерные перед пенсией — прим. ред.). Что-то в нём есть.

Как вам удалось выбросить из испанских танцев устаревшие мизансцены и движения? Хореография выглядит очень гармонично.

Я старался взаимодействовать с музыкой, думать о ней, прислушиваться. Всё дело в энергии. И еще, в «Дон Кихотах» часто случается, что артисты начинают переигрывать и выглядеть карикатурно. Именно от этого я старался уйти.

Как вы выстроили работу с Жеромом Капланом (сценограф и художник по костюмам, также номинированный на «Золотую Маску» – прим. ред.)?

Я полностью доверился ему. Конечно, мы основательно всё обсуждали, чтобы вышел цельный спектакль. И я считаю, что это получилось. Он абсолютно уникален.

В одном интервью Жером Каплан даже сказал, что эта версия «Дон Кихота» — лучшая из всех существующих.

Серьёзно? Ну да, она абсолютно другая, не похожа на другие. И во многом благодаря труппе.

Что вам особенно понравилось в работе с труппой балета им. Леонида Якобсона?

Труппа очень молодая (имеется в виду средний возраст танцовщиков — прим. ред.), в ребятах много особой энергии. И важно, что артисты внимательно следовали всем моим просьбам и указаниям, ловили мои задумки и идеи. Только так можно создать что-то новое.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Мар 28, 2019 9:44 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032806
Тема| Балет, "Золотая маска", Театр балета им. Л.Якобсона, Персоналии, София Матюшенская
Автор| Арина Ильина
Заголовок| София Матюшенская
Где опубликовано| © сайт фестиваля
Дата публикации| 2019-03-28
Ссылка| http://maskbook.ru/sofiya-matyushenskaya/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

"Дон Кихот", Театр балета им. Л.Якобсона, г. Санкт-Петербург



# Балет/современный танец
# Дон Кихот
# Женская роль
# Конкурс

Жером Каплан (сценограф и художник по костюмам — прим. ред.) сказал, что этот «Дон Кихот» «лучше всех предыдущих». Какие чувства этот балет вызывает лично у вас?

Этот спектакль очень эмоциональный, очень чувствительный, с нотками цыганских мотивов. Он действительно отличается от других версий, в том числе более яркими и красивыми костюмами и декорациями. Знаете, он как летний день в Испании, солнечный, яркий, эмоциональный. Вот такую атмосферу передаёт этот балет.

Да, зритель, конечно, её чувствует. Вообще, это название любимо зрителями, каждая труппа пытается заполучить себе что-то подобное. Как вам кажется, «Дон Кихот» – вещь музейная или современная? Это любовь навсегда или может пройти?

Я думаю, не может она пройти. Есть оригинальный вариант «Дон Кихота», и есть редакция Йохана Кобборга. Она более современная, более запоминающаяся. Я думаю, что она точно не устареет.

У вас много классических партий в репертуаре. А что интересного вы нашли для себя в спектакле Йохана Кобборга?

Во втором акте он поставил цыганское адажио, это мой самый любимый номер. Оно показывает трепетную любовь Китри и Базиля. В этом балете их отношения очень чисты.

А по хореографии? Его часто называют вторым Бурнонвилем (Йохан Кобборг — датский танцовщик и хореограф, был премьером Датского Королевского балета; Август Бурнонвиль — балетмейстер французского происхождения, который стал основателем датской балетной традиции в XIX веке, человек, чей статус сравним с положением Мариуса Петипа в русском балете — прим. ред.). Вы почувствовали что-то особенное в его стиле танца?

Да, он любит мелкую технику (одна из характерных особенностей датской школы — прим. ред.), много нюансов, может добавить новые балетные па в необычных местах. Он очень талантлив со своим оригинальным видением.

Приятно было с ним работать?

Конечно. Даже после репетиций я полна сил и в отличном настроении, надеюсь, и зритель это чувствует.

Кстати, даже примерно зная сюжет, зритель может прийти с ожиданием какого-то конкретного образа Китри. Вы пытаетесь в этой партии показать что-то оригинальное или Китри во всех версиях одна и та же?

Йохан Кобборг просил от каждого артиста, чтобы её или его персонаж был натуральным, не наигранным, то есть таким, как ты чувствуешь. Как актёры в фильмах, они же не играют специально на публику, они проживают жизнь своего персонажа. Для меня в Китри нет никакой сложности, по темпераменту и характеру я чувствую эту партию, мне не приходится насильно ее играть, я ею с удовольствием живу.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Мар 28, 2019 9:50 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032807
Тема| Балет, "Золотая маска", Театр балета им. Л.Якобсона, Персоналии, Андрей Сорокин
Автор| Арина Ильина
Заголовок| Андрей Сорокин
Где опубликовано| © сайт фестиваля
Дата публикации| 2019-03-28
Ссылка| http://maskbook.ru/andrej-sorokin/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

"Дон Кихот", Театр балета им. Л.Якобсона, г. Санкт-Петербург



# Балет/современный танец
# Дон Кихот
# Конкурс
# Мужская роль

Первое, что видит зритель, когда открывается занавес, это декорации и костюмы Жерома Каплана, который как-то сказал, что этот «Дон Кихот» – лучший из всех предыдущих. Вам комфортно присутствовать на сцене среди его декораций, оформления?

Да, моё мнение совпадает с Жеромом Капланом. Сценография потрясающая. Она, с одной стороны, простая, но с другой, — очень атмосферная и даже натуральная. Это не вычурные декорации, которые воспринимаются именно как ненастоящие. Оформление Жерома за счёт своей простоты и немногоцветности создаёт необходимую атмосферу и эффект присутствия. Мне как зрителю и как танцовщику это нравится.

Как вам кажется, «Дон Кихот» когда-нибудь уйдёт из афиш?

Это вечная история с интересным сюжетом, которая не оставляет зрителя безучастным. В классическом балете зритель ищет эстетическое удовольствие, но не все балеты легко читаемы из-за специфических жестов, пантомимы, которые иногда понятны только тем, кто в теме. В «Дон Кихоте» же зритель легко понимает, о чем идет речь, именно поэтому, как мне кажется, «Дон Кихот» не уйдет в историю, а будет радовать на протяжении еще долгих лет. Он может видоизменяться, но сюжет и музыка — это наше наследие, которое надо сохранить. При этом я отношусь к искусству с той точки зрения, что традиции надо сохранять, но не жить прошлым, а создавать актуальные вещи.

То есть версия Йохана Кобборга актуальна? Что такое особенное он добавил в балет, что делает этот спектакль необычным?

Конечно, его версия во многом совпадает с классической, но Йохан вдохнул новую энергетику, новую жизнь, изменил многие танцы, которые теперь лучше воспринимаются зрителем. Когда смотришь «казённый» спектакль, волей-неволей видишь, как давно он был создан, по каким-то другим стандартам. А «Дон Кихот» Кобборга очень молодой.

Как артист что вы нашли для себя в хореографии Кобборга?

В предыдущих версиях было много штампов и наигранности. Сейчас существует тенденция на более естественные движения, приближенные к натуральным жестам. Йохан Кобборг обращал внимание именно на это. Для меня это очень интересно и полезно, поскольку этот приём можно использовать в каждом балете – конечно, если это не претит задумке хореографа. По-моему, сделать балет более понятным – это перспективное направление.

Вы быстро нашли взаимопонимание с Йоханом?

Да, работалось очень легко. Йохан Кобборг – звезда мировой величины, он состоялся и как артист, и как хореограф, тем не менее, он очень приятный в общении, очень культурный, относится ко всем с уважением. Он не создавал иерархию в зале. Ведь мы собрались, чтобы сделать что-то вместе, у нас были общие цели – сделать что-то новое лучше, чем было.

Он много от вас требовал конкретного или оставлял простор для творчества и собственных интерпретаций?

Я бы сказал, что он довольно требовательный, особенно в работе над образом. В технические элементы он особо не вмешивался, у нас есть педагоги, и мы должны всё это уметь по умолчанию. Он приехал не для того, чтобы учить нас хореографическим элементам, а чтобы создать спектакль. Главное его внимание было направлено на сюжет. Категоричных требований он не выдвигал, предоставлял свободу, но свой стиль определенно внёс.

Хорошо, тогда расскажите, ваш Базиль – он какой? Он проживает романтическую историю или приключение?

Конечно, он хулиган, но который с первых минут по-настоящему влюблен в Китри, поэтому все его проказы – это всего лишь способ привлечь её внимание. На мой взгляд, он очень романтичный герой. Но в его отношениях с Китри на протяжении спектакля происходит соревнование.

И кто же в нем побеждает? По-вашему, чья история рассказана в балете?

Это интересный вопрос, потому что Йохан добавил в «Дон Кихота» дополнительные сюжетные линии. Балет открывается прологом про Сервантеса, от которого ты отвлекаешься и думаешь, что в центре — история про Китри и Базиля или Гамаша и Дон Кихота. Но в конце ты вдруг понимаешь, что это история самого Сервантеса. В спектакле есть переворотный момент, когда всё сходится в одной точке. Еще всё зависит, куда зритель направит свой фокус. Есть много сюжетных линий, если заставить себя поверить, что история о других героях, всё тоже сойдется.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Мар 28, 2019 9:57 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032808
Тема| Балет, "Золотая маска", Театр балета им. Л.Якобсона, Персоналии, Тасман Дэвидс
Автор| Арина Ильина
Заголовок| Тасман Дэвидс
Где опубликовано| © сайт фестиваля
Дата публикации| 2019-03-28
Ссылка| http://maskbook.ru/tasman-devids/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

"Дон Кихот", Театр балета им. Л.Якобсона, г. Санкт-Петербург



# Балет/современный танец
# Дон Кихот
# Конкурс
# Мужская роль

Вы первый выпускник Вагановки, который приехал из Новой Зеландии. Как вы себя сейчас ощущаете? Уже русским или еще иностранцем?

Я живу в Санкт-Петербурге уже восемь лет, три года провел в Академии, дальше, сразу после выпуска, начал работать в театре Якобсона. Конечно, чувствую себя иностранцем, но сейчас Петербург – уже мой настоящий дом.

Вы предпочитаете игровые или танцевальные партии (на сегодня среди партий Дэвидса примерно поровну партий обоих типов; номинирован он за роль, которая считается скорее игровой — прим. ред.)?

Всё важно. Мне нравится, когда танец и игра сходятся в одной партии, для классического балета это особенно актуально. Принцы, Авроры, Альберты – это очень драматичные роли. Пока я ещё молодой, мне важно танцевать классические партии, но при этом играть – очень интересно. Ты узнаешь, насколько ты сам творческий, что можешь придумать.

Вы удивились, когда узнали о номинации на «Золотую Маску»?

Да, для меня это был большой сюрприз. Обычно никто не обращает внимание на тех, кто стоит за ведущими артистами. Ведущие партии такие яркие, на них всё внимание, а что сзади происходит, кажется второстепенным. Но Йохан Кобборг сделал так, что каждая партия интересна. В этом балете можно было номинировать много кого, у нас яркие не только Базиль и Китри, но и Гамаш, Санчо и даже Амур (сам Дэвидс танцует Гамаша; партию Санчо Пансы Йохан Кобборг сделал более танцевальной, чем в большинстве версий; Амур — сольная женская партия в эпизоде сна Дон Кихота во втором акте — прим. ред.).

Как вам работалось с Йоханом? Он много от вас требовал?

Он делал упор на том, что артист сам найдёт в своей роли то, что ему самому интересно, и поэтому это было удобно, и в то же самое время страшновато. Йохан Кобборг – великолепный хореограф, и работать с ним было даже весело.

А вы для себя нашли что-нибудь новое или интересное в его хореографии?

В работе с Кобборгом было много доверия, и чувствовалось, что мы справляемся. Мне кажется, и технически мы стали увереннее танцевать, но и актёрски много требуется. На сцене обязательно нужно быть в моменте, я думаю, мы все находились в этом ощущении.

Роль Гамаша опасна тем, что можно увлечься и переиграть. Как вы искали границу между тонкой и грубой игрой? Как вы нашли своего Гамаша?

Моя мама была актрисой, и она мне сказала, что все гениальные актеры всегда играют свою естественную сторону, они что-то берут от своего личного характера и приносят это на сцену. Для меня, конечно, эта роль стала вызовом, приходилось заставлять себя не переигрывать, потому что иногда хочется доставлять больше веселья и смеха, получить больше внимания. Я долго думал над этим сам. Оказалось, что нужно понять, в каком эпизоде Гамаш важен, а в каком нет. И когда играешь, надо, чтобы люди обращали на тебя внимание, но не чувствовали, что ты грубо бросаешься им в глаза. У всех свой взгляд на юмор, тонкость, и тяжело иногда найти верное решение, баланс.

Эта роль открыла что-то новое в вас как в актёре и как в танцовщике? Вы почувствовали рост после такого дебюта?

Да. Я в принципе не особо много исполняю большие партии, где я занят на сцене от пролога до конца третьего акта. После такого долгого балета я, наконец, физически почувствовал, что такое – выкладываться на сто процентов.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Мар 28, 2019 10:02 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032809
Тема| Балет, конкурс «Русский балет», Персоналии,
Автор| Павел Ященков
Заголовок| В Большом театре прошел конкурс «Русский балет» под патронажем Светланы Медведевой
Одного имени не досчитались среди победителей

Где опубликовано| © Московский Комсомолец
Дата публикации| 2019-03-28
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2019/03/28/v-bolshom-teatre-proshel-konkurs-russkiy-balet-pod-patronazhem-svetlany-medvedevoy.html
Аннотация| КОНКУРС

Всероссийский конкурс молодых исполнителей «Русский балет» прошел на Новой сцене Большого театра уже в четвертый раз. Задуманный и проведенный впервые супругой нынешнего премьера российского правительства Светланой Медведевой в 2013 году, он и сегодня представляет лучших учеников российских балетных школ и проходит при поддержке Министерства культуры и Фонда социально-культурных инициатив.


Победители конкурса "Русский балет" (2019) Майкл Баркиджиджа,Марко Юусела, Алексей и Данила Хамзины. Фотографии предоставлены Фондом социально-культурных инициатив. Автор фото Вадим Преслицкий

Конкурс этот отличается от других конкурсов балетных исполнителей, прежде всего тем, что представляет из себя по сути смотр хореографических школ России. Лучшие студенты выпускных курсов этих школ выступая на кануне выпуска на главной балетной сцене России показывают жюри под председательством Юрия Григоровича и состоящим из руководителей ведущих балетных театров России, свои умения и получают приглашения о трудоустройстве. Перед нами своеобразный балетный рынок труда.

А главным призом в этом конкурсе является право выбора места для годовой стажировки в одном из театров Москвы и Санкт-Петербурга. Первоначально это был естественно только Большой театр – казалось бы заветная мечта всех участников, но после того как первый же победитель этого конкурса в 2013 году Александр Омельченко таким предложением пренебрег в пользу Московского Музыкального театра (сейчас он работает вообще в Мюнхене), решили дать возможность выбора и добавили еще Московский музыкальный театре имени Станиславского и Немировича-Данченко, Мариинский или Михайловский театры.

На этот раз в конкурсе приняли участие 28 участников из 12 балетных школ России: Пермского, Новосибирского, Воронежского, Казанского хореографических училищ, Бурятского, Красноярского, Башкирского, Якутского хореографических колледжей и двух московских школ- училища им. М.Л. Лавровского и училища при театре танца «Гжель». Но в лидерах, как, впрочем, и всегда, оказались все те же две главные российские академии - Московская академия хореографии и Академия русского балета им. Вагановой. Им и достались практически все призовые места. Исключение было только одно – третье место и бронзовую медаль присудили представителю Пермского хореографического училища Алексею Хамзину, оставив таким образом за бортом лауреатов его брата близнеца Данилу Хамзина.

Такая ситуация создала на конкурсе скандальную ситуацию. Ведь Данила Хамзин - фантастически одаренный танцовщик, неоднократный призер различных международных конкурсов. Прекрасно он выступил и на этот раз. Уже после первого его высоченного прыжка, который он сделал, танцуя вариацию Раба из балета «Корсар» - по залу пронесся восхищенный ропот. Помимо необыкновенно высоких с зависанием прыжков, у этого танцовщика (как и у его брата) длинные и очень красивые линии тела, прекрасные вращения, в наличии и музыкальность исполнения. И вдруг такой облом!

Но прилюдно нам демонстрировалась благодушная картина. Секретарь жюри прямо в зрительном зале, по ходу конкурса собирает у членов жюри оценки, выставленные ими по 10-бальной системе, и уносит их на обработку. А остальное уже, дело техники. Подсчитанные результаты оглашаются на сцене, и никаких закулисных обсуждений для жюри, вроде как не предусмотрено. Члены жюри и сами выслушивают свой вердикт как новость, что не исключает, однако, предварительного сговора.

Причина того, что один из самых вероятных претендентов на победу, её всё-таки не завоевал и даже не вошел в состав лауреатов, скорее всего кроется в наличии большого количества конкурентов: двух своих учеников привез заседавший в жюри Николай Цискаридзе, и одного, явного фаворита конкурса, выставила московская академия. Они-то в конечном счете и получили Гран-при, а также золотую и серебряную медали.

При этом и несправедливым, такое решение можно назвать только в отношении одного ученика Цискаридзе: серебряного лауреата, симпатичного и обаятельного финского танцовщика Марко Юлиуса Пиетари Юусела. Он хоть и выступил вполне достойно, на серебро, тем не менее, не тянул, и в техническом отношении по всем параметрам уступал Даниле Хамзину. Но и у братьев-близнецов критичное к себе отношение:

- Конечно недовольство небольшое собой присутствует, когда ты можешь лучше, а делаешь не на свой максимум, не так как ты можешь. Естественно, когда мы выступаем, мы волнуемся друг за друга и желаем друг другу выступить на высшем уровне. Но не всегда это получается – говорят мне близнецы.

А вот другой ученик Цискаридзе, получивший золото американец Майкл Джордж Баркиджиджа – просто поразил воображение. Он из Чикаго, родился в Америке, хотя мама у него русская, из Иркутска. По его собственному признанию, он мечтает только о Большом. Баркиджиджа заканчивает третий курс Вагановской академии, второй год учится у Цискаридзе, а до этого учился в канадской школе и в Чикаго. Ученик взял у своего учителя все лучшее, что было в его танце. Великолепная фактура, позировки, музыкальность, впечатляющая манера танца, очень напоминающая манеру его учителя, но не переходящая в манерность. Я бы даже сказал, в чем-то копирующая, эту манеру, но без присущей Цискаридзе на сцене жеманности. Баркиджиджа с шиком станцевал вариацию Люсьена из «Пахиты» и Мазурку из балета Сержа Лифаря «Сюита в белом» и наблюдать за его танцем было сущим наслаждением.

Вообще балет Лифаря «Сюита в белом» стал каким-то счастливым талисманом «вагановцев» (или теперь уже «цискаридзевцев») на этом конкурсе, потому что с другой вариацией из этого балета, под названием «Сигарета», соблюдая стиль, изысканно и очень успешно выступила и другая выпускница Академии Вагановой Александра Хитеева, завоевавшая серебро.

Надо признать, что Цискаридзе умеет выбирать для своих питомцев такой репертуар, который бы подчеркнул все их достоинства и затемнил недостатки. Потому что выступить в па-де-де Китри и Базиля, так как выступила, например, на этом конкурсе выпускница московской академии Елизавета Кокорева, будущей выпускнице «Вагановки» вряд ли бы удалось. В итоге Кокаревой (недостатком этой танцовщицы является большая по балетным меркам голова и невысокий рост) и досталось первое место и золотая медаль. Надо так же отметить, что очень помог этой танцовщице завоевать победу её партнер Денис Захаров из Большого театра, обладатель Гран-при прошлого конкурса «Русский балет».

Ещё один из призеров предыдущего конкурса и тоже танцовщик Большого театра Марк Чино в па-де-де из балета «Щелкунчик» станцевал с представительницей училища при театре танца «Гжель» Екатериной Клявлиной. Танец этой исполнительницы отличается необыкновенной легкостью, напевностью и чистотой. А в танце её партнера чувствовались четкость, филигранность и законченность каждого жеста: это очень перспективный, молодой танцовщик, способный со временем занять в Большом театре ведущие позиции. Достойно на конкурсе, показались и три другие ученицы училища «Гжель», из которых особо отметим темпераментную Милину Фидан.

Обладателем главной награды, Гран-при этого конкурса, стал так же представитель московской академии Дмитрий Смилевски. Свои вариации «Голубой птицы» из балета «Спящая красавица» и Раба из «Корсара» он выполнил предельно чисто и на какие-то доли баллов обошел Баркиджиджу в конкурсном соперничестве. Смилевски и достался основной приз: стажировка в одном из четырех ведущих театров страны. Но окончательно сделать свой выбор в пользу Большого театра победитель пока не спешит: дело в том, что обладатель Гран-при этого года - потомственный танцовщик, и его родителями являются блестящие артисты, прима и премьер Московского Музыкального театра Станиславского и Немировича-Данченко Наталья Крапивина и Георги Смилевски. Дмитрий с детства рос за кулисами этого театра, поэтому и его выбор в пользу «Стасика» был бы столь же логичным, как и в пользу Большого…

- Впечатления какие-то нереальные, я не понимаю, что я сейчас чувствую… Радость? Или плакать хочется? До конца не верил, что я получу Гран-при. Хотя, конечно мечтал об этом – признается мне Дмитрий Смилевски по окончании конкурса.

- Вы согласны с коллективным решением жюри? Ваше личное мнение, как одного из тех, кто входил в его состав - интересуюсь я у члена жюри, руководителя балетной труппы Большого театра Махара Вазиева.

- Дело же не в том, что согласен я или не согласен. Уже принято решение, и оно уже озвучено. В целом, наверное, я согласен, но есть, у меня допустим какие-то вопросы. Но это личностное уже, скажем так. Мне казалось, что несколько человек тоже заслуживали быть отмеченными…

- Данила Хамзин, например…

- Не только он. Но говорить сейчас об этом, наверное, уже бессмысленно…

- Вы как руководитель балета Большого театра находитесь в таком положении, что можете понравившимся вам артистам предложить свою награду, присудить, свой, так сказать, личный приз- пригласить в труппу Большого театра. Вы уже решили кого вы позовете?

- Конечно.

- Вы готовы сейчас назвать эти имена?

- Нет.

- Но этих роскошных близнецов из Перми мы берем?

- Я пока промолчу…

- Ну тогда расскажите о ваших впечатлениях от этого конкурса?

- Это замечательный конкурс. Мне кажется, что это потрясающая возможность и для школ, и для педагогов, и для студентов, и конечно потрясающая возможность, для нас, руководителей, директоров театров, найти те кадры, которые уже в ближайшие полгода могут стать артистами балета или Большого театра, или других театров. Конечно я увидел очень много интересных танцовщиков. И в то же время, смотришь общий уровень: чего нам не достает, чего нам не хватает. В чем мы достигли действительно замечательного какого-то уровня… Этот конкурс нас обогащает. Я это без пафоса говорю. Это же конкурс студентов, а это самое главное… Это наше будущее! Поэтому у меня абсолютно замечательные впечатления.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Апр 07, 2019 5:35 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 29, 2019 7:17 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032901
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Кристофер Уилдон
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| «Оказалось, что это самая несобранная вещь Шекспира»
Кристофер Уилдон о своей «Зимней сказке» в Большом

Где опубликовано| © Журнал "Коммерсантъ Weekend" №10 от 29.03.2019, стр. 24
Дата публикации| 2019-03-29
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3917322
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Фото: Robbie Jack/Corbis via Getty Images

4 апреля в Большом театре состоится российская премьера английской «Зимней сказки» композитора Джоби Тэлбота. Трехактный балет по одноименной пьесе Шекспира в 2014 году поставил Кристофер Уилдон в лондонском Королевском балете Ковент-Гарден. Накануне московской премьеры Татьяна Кузнецова расспросила Кристофера Уилдона о том, что побудило его взяться за странную шекспировскую пьесу, в которой король сказочной Сицилии беспричинно сходит с ума от ревности и разрушает собственную семью и судьбы окружающих, какую роль сыграли пауки в постановке хореографии и почему с русскими артистами всегда приходится бороться за музыкальный счет


Кристофер Уилдон

«Зимняя сказка» — печальная и диковатая пьеса Шекспира. Почему вы решили поставить именно ее?

Мне посоветовал хороший друг, Николас Хайтнер, очень успешный шекспировский режиссер. Он сказал, что эта пьеса — серьезный вызов. Почти никто из постановщиков не может сделать ее единой, целостной. У одного получается сицилийский, «темный» акт с трагедией ревности, со смертями, изгнаниями. Другой отлично делает Богемское королевство, легкое, светлое, пасторальное. Мой друг был уверен, что в балете, где слов нет, двойственность «Зимней сказки» преодолеть легче. Потому что у нас текст становится танцем, а язык танца легко менять.

Но когда я начал штудировать пьесу, оказалось, что это самая... несобранная, что ли, вещь Шекспира. Тут кусочек «Лира», тут — «Отелло», характеры персонажей будто из разных пьес, жанровая, тематическая разноголосица. Ну это позднее произведение, может, не было свежей идеи, вот Шекспир и насобирал отовсюду...

Но мне очень понравилась идея противостояния темноты и света. И королевство Богемия бросило мне вызов. Потому что во многих постановках богемские сцены оборачиваются дурацким фестивалем благоденствия, этаким праздником детородия, я даже видел спектакль, где какие-то фаллосы надувались. В общем, надо было этого избежать и одновременно дать возможность потанцевать кордебалету, не повторив пасторальные сцены наших знаменитых балетов. Создать что-то очень радостное и открытое по контрасту с мучительным первым актом. А в третьем акте собрать два мира вместе, чтобы ясно прозвучала тема искупления. То есть сделать такой поэтический волшебный финал.

Но даже с помощью танца трудно объяснить дикую немотивированную ревность, которая внезапно охватывает главного героя, Леонта.

Вот это и интересно придумать. Любовь и смерть с помощью движения передавать легко. Ревность — более сложное состояние. Ключ мне дала одна фраза Леонта. У Шекспира он говорит: «I have drunk, and seen the spider». И вот я представил паука внутри этого человека, как он там ползает, опутывает паутиной все внутренности. И Леонт сам становится пауком, его рука — паучьей лапой... Словом, внутри шекспировского текста я искал визуальные образы, которые могли бы подсказать мне пластику персонажей.

В Лондоне роль Леонта танцевал Эдвард Уотсон, потрясающий артист. В Большом я не знаю такого трагического злодея.

Эдвард — действительно удивительный, гиперпластичный и реактивный танцовщик. Но эта роль интересна еще и потому, что каждый танцовщик привносит в нее собственные черты и физические качества. Она требует интеллекта, отваги — артист должен осмыслить движения, почему они так некрасивы, вывернуты, а потом присвоить их, сделать своими. В Москве эту роль репетирует Денис Савин, очень тонкий и чуткий артист, в нем уже виден Леонт, причем его собственный, ни на кого не похожий. И с Артемом интересно, он совсем другой.

Артем Овчаренко? Но он же jeune premier, типичный Флоризель!

Да, по амплуа он принц, но в его теле, очень способном, чувствуется сильный драматизм. И выявлять его — особое удовольствие. Вообще артисты работают особенно жадно, когда им дают возможность попробовать себя в непривычном амплуа. Например, моя Гермиона — Женя Образцова.

Как? Очаровательная инженю, а тут роль убитой горем жены и матери?

Она очень хороша. А еще у меня есть Кретова, очень умная балерина, она мне очень нравится, у нее даже две роли — Паулина и Гермиона. Кстати, для меня Паулина, наперсница Гермионы,— один из самых важных и сложных характеров в спектакле. Она манипулирует людьми, как кукловод марионетками. В общем, на каждую роль есть несколько составов. К сожалению, некоторые артисты, которых я выбрал, травмированы, другие слишком заняты. Но ничего, станцуют в ноябре, когда пойдет вторая серия спектаклей. А сейчас я доволен тем, как все в итоге сложилось. Танцовщики работают искренне, с отдачей. И они стали спокойнее, нормальнее: таких див, какие были 12 лет назад, уже нет.

12 лет назад, когда вы в Большом ставили «Misericordes», вы были в отчаянии: постановочных часов мало, на репетиции каждый раз приходят разные артисты, не удается собрать состав целиком. Сейчас по-другому?

Репетиций достаточно. Но и сейчас тоже все время репетируют разные танцовщики. А ведь очень важно создать ансамбль, атмосферу, чтобы они привыкли друг к другу, почувствовали друг друга. Но действительно — у них очень много другой работы. Чуть не ежедневно идут большие балеты, мои артисты танцуют главные партии, в день спектакля репетировать не могут...

В Ковент-Гардене не так?

Спектаклей там меньше. К тому же здесь все балеты масштабные, многолюдные, а в Лондоне много камерных, в которых занято 10–15 человек. И когда планируют составы, стараются в период постановочных репетиций не занимать тех артистов, которые попали в новую постановку. Но как раз на постановке «Зимней сказки» случился настоящий бедлам: и спектакли большие шли, и Уэйн Макгрегор параллельно ставил балет, причем забрал себе лучших артистов. Я ставил как попало, работал с теми, кто был свободен,— то с солистами, то с кордебалетом, и молился, чтобы пронесло. И пронесло — балет сразу имел успех.

«Зимнюю сказку» сделала ваша постоянная команда: художник Боб Краули, композитор Джоби Тэлбот.

Да, и мы долго ломали головы, какой должна быть шекспировская Богемия. Это Англия или это какая-то славянская страна? Переслушали массу музыки, весь балканский рок, чешский фольклор...

И получилась все-таки Англия.

Это вы про зеленое дерево во втором акте? Ну да, что-то английское в нем есть. Но мы имели в виду некое воображаемое место, решили сделать эту историю больше похожей на сказку. Вот и Сицилия у нас в каких-то облаках: земля закручивается наверх, как бы в небо, воздух циркулирует, плывет...

А с Джоби Тэлботом вы работаете как Петипа с Чайковским — указываете порядок и длительность номеров, их характер? Или даете ему свободу?

Скорее как Петипа с Чайковским. Мы вместе работаем. Я выстраиваю структуру спектакля, последовательность и длительность сцен. Говорю: «Здесь должна быть такая-то вариация, здесь мы должны представить характер героя, тут танец кордебалета, а тут нужна мизансцена». Джоби начинает сочинять, я корректирую — это длинно, давай покороче, а здесь, наоборот, нужно больше времени. Такой пазл получается.

Дирижировать российской премьерой будет англичанин?

Нет, дирижер Большого, довольно молодой. Антон Гришанин.

Репетируете под фортепиано или под запись?

Концертмейстер в зале есть, но чаще под запись. Артисты должны привыкнуть к звучанию оркестра. Музыка сложная, счет непростой, хореография насыщенная, все должно быть ритмически очень четко организовано. А они, как все русские, считать не хотят.

Хотят слушать музыку и танцевать душой?

Ну да, а слышат все по-разному, возникает разнобой. Во всем мире танцуют под счет, начиная со времен Стравинского. И у Баланчина все считали. Других вариантов нет. Сначала ты разучиваешь счет, затем он делается твоим внутренним ритмом, а уж потом, когда ты впустишь в тело эту музыку, можешь перестать считать и слушай ее, сколько хочешь. Артисты, конечно, сопротивляются. Но с русскими всегда так. В европейских труппах, с которыми я работал, много русских танцовщиков, и как только они входят в зал, я понимаю: опять будет борьба за счет. Но это ничего, потому что по опыту знаю: в конце всегда бывает хороший результат.

====================================================================
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Апр 07, 2019 5:39 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 29, 2019 9:09 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019032902
Тема| Балет, Михайловский театр, Персоналии, Екатерина Борченко
Автор| Ольга Угарова
Заголовок| Екатерина Борченко
Где опубликовано| © La Personne
Дата публикации| 2019-03-29
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/ekaterina-borchenko-mikhailovsky
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Звезда Михайловского театра, одна из лучших исполнительниц партии Одетты-Одиллии, муза Начо Дуато, который посвятил ей свой балет Nunc Dimittis, Екатерина Борченко не так давно стала мамой двойняшек, а сейчас уже выходит в своих любимых спектаклях. За такими достижениями и хрупкими плечами прима-балерины – большой путь, терпение, любовь к профессии и невероятное трудолюбие.



Вы все детство провели в недрах Мариинского театра: видели, как работают ваши родители, балетные артисты, их тяжелый труд и закулисье, которое было естественным миром для семьи. У вас не было чувства обыденности от происходящего?

Никогда! Мы с братом приходили домой из театра с ощущением волшебства (улыбается). Я всегда умоляла маму взять меня на работу, и они с папой водили нас на репетиции, а на выступлениях сажали в первую артистическую ложу над оркестром, и мы видели, как собираются музыканты, как готовятся артисты в кулисах, и чувствовали всю энергетику. Когда мне исполнилось десять лет, я сказала родителям, что хочу быть балериной, хотя до этого ничем подобным не занималась: ни танцами, ни гимнастикой.

Было сложно учиться? Ведь обстановка в Академии отличается от театральной среды, к которой вы привыкли.

Скорее, все было волнительно: экзамены, уроки, педагоги. Через четыре года после поступления у меня еще случилась травма – мне понадобился год, чтобы восстановиться. Но когда я пришла в себя, то сразу начала много танцевать, и в результате на выпуске у меня сложился огромный репертуар: кроме номеров из балета «Корсар», «Жизель», «Щелкунчик», я исполняла целиком гран-па из «Пахиты» и миниатюру «Павлова и Чекетти».

После травмы вы попали в класс Людмилы Валентиновны Ковалевой. Чему вас научил легендарный педагог?

«Балеринству». Людмила Валентиновна занималась не только нашей физической формой: она давала нам очень много исполнительских подсказок, чтобы мы танцевали партии не как ученицы, а как балерины. Сам класс даже выглядел, как представление: например, у нас всегда были очень красивые адажио и на середине, и у станка. Наш педагог нас не ломал, а раскрывал, как личностей, и помогал найти свою индивидуальность.

Ваш брат-двойняшка Петр тоже учился в Академии, а потом вы вместе уехали работать в театр им. Станиславского и Немировича-Данченко. Почему вы решили отправиться в Москву?

Мы очень хотели работать в одном театре и помогать друг другу, а в Петербурге на тот момент это было невозможно. В «Стасике» тоже было непросто, а нужно было набирать опыт. Мы самостоятельно начали готовить «Лебединое озеро» с Натальей Чеховской как с нанятым педагогом просто в никуда. Иногда на репетиции к нам приходил Андрис Лиепа, с которым мы до сих пор дружим, и давал нам наставления. Благодаря этим занятиям после конкурса в Новосибирске нас с братом пригласил к себе работать руководитель Большого театра Беларуси и балетмейстер Валентин Елизарьев, и мы уехали в Минск.

Было тяжело вдали от дома?

Я бы не сказала: мы очень много работали и в первый же сезон станцевали восемь больших трехактных премьер как ведущая пара. Мы постоянно пребывали в творчестве, уставали, и было не до мелочей. Но признаться, мама, которая к тому времени уже вышла на пенсию, часто приезжала к нам, приходила на репетиции и подсказывала какие-то моменты, папа гостил чуть реже, потому что еще работал в Мариинском театре.

Когда вся семья принадлежит балетному миру, груз ответственности еще больше. Как не потерять связь и теплые отношения с родителями несмотря ни на что?

Нам с братом очень повезло в этом смысле. Наша мама, например, очень легкий человек. Если она видела, что я не справляюсь, то не давила еще сильней, а помогала, давала советы, или просто возила на массаж. Так было не только, когда мы работали в Минске, но еще и во время учебы в Академии. Если у меня что-то не получалось, она всегда говорила: «Все будет хорошо, ты самая лучшая и красивая» (улыбается). Мне кажется, это правильно: иначе ребенок, а иногда и начинающая балерина может сломаться.

В Минске у вас с братом был звездный старт: вы все время танцевали не только в титульных классических балетах, но и в постановках самого Елизарьева. Почему решили вернуться?

Там мы набрали очень много опыта и, безусловно, выросли как артисты. Все верно: кроме традиционных спектаклей, в нашем репертуаре были даже балеты Николая Валентиновича (Елизарьева — прим. ред.) с невероятными верховыми поддержками и всевозможными трюками. Хотелось идти дальше, и, когда в 2007 году нас пригласил в Михайловский театр Фарух Рузиматов, мы были счастливы вернуться домой!

Вы чувствуете здесь особое вдохновение?

Да. Это мой любимый город. Таким он, кстати, стал после моего возвращения из Минска. До этого я практически не замечала ни атмосферу, ни архитектуру, ни дух города. Все изменилось особенно после того, как моим местом работы стала Площадь искусств, где находится Михайловский театр — здесь особая энергетика.

Через вашу балетную жизнь красной нитью проходит «Лебединое озеро»: вы готовили его в Москве, после чего вас пригласил в Минск Елизарьев, потом в Михайловском театре Михаил Мессерер с вами готовил свою редакцию. Какие они – ваши Одетты-Одиллии?

В каждом спектакле разные. Одинаково станцевать не получается, всегда находишь что-то особенное. Иногда прямо на сцене вдруг случается совершенно новая атмосфера, и сразу открываются неожиданные нюансы, как подарок вселенной.

Вам ближе Белый или Черный лебедь?

Интригующий и коварный Черный — большое раздолье для артистизма и для того, чтобы раскрыться на сцене. Но Белый — тоже интересный, ведь это больше птица, а не девушка. А если выбирать между печальным или счастливым концом, то мне нравится последний, ведь сам балет про прощение, как и «Баядерка», где я люблю обеих: и шикарную Гамзатти, и Никию, партию, которую можно назвать олицетворением мечты каждой балерины.

Вы уже давно танцуете главные партии. Вам все еще свойственно эмоциональное опустошение после спектакля?

Да, бывает, что надо восстанавливаться несколько дней. Часто такое случается, когда в зале происходит невероятный обмен со зрителем и увлеченная публика замирает, а ты танцуешь в звенящей тишине. После таких вечеров нужно заново набрать силы.

Что вам помогает?

Моя семья и дети.

Фото Ира Яковлева

=====================================================================
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Апр 07, 2019 5:43 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Мар 30, 2019 11:49 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019033001
Тема| Балет, , Персоналии, Владимир Варнава
Автор| Татьяна Паласова
Заголовок| Владимир Варнава: «Хочу поставить спектакль в церкви на хип-хоп-биты из 90-х»
Где опубликовано| © InStyle Russia
Дата публикации| 2019-03-30
Ссылка| https://instyle.ru/lifestyle/culture/video-dnya-pervyy-tizer-seriala-eyforiya-s-zendaey/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Лауреат двух «Золотых масок», хореограф Владимир Варнава предпочитает холодной красоте имперского балета открытую эмоциональность современного танца, каждую секунду которого надо проживать — причем непременно с удовольствием. А еще он слушает рэп и рок-н-ролл и собирается поставить спектакль в церкви.

Буквально за пару лет хореограф Владимир Варнава, переехавший в Петербург в 2012 году, стал известен на весь мир. Его постановка «Ткани» на музыку Red Hot Chili Peppers гастролирует по России и вот-вот отправится в Калифорнию, балет в трех актах «Ярославна. Затмение» идет в Мариинском театре, а в марте Лондон увидит премьеру спектакля, поставленного вместе с израильским хореографом Дором Мамалией при поддержке фестиваля Context. Diana Vishneva. Конечно, его тут же начнут ждать в Москве, как дождались из Америки «Айседору» с Натальей Осиповой в заглавной партии.


Очки, майка, рубашка, все — Dior Men

На съемку для InStyle Варнава прилетел из Рима — там он второй год ведет мастер-классы в образовательном центре DAF (Dance Arts Faculty), где занимаются современными формами танца. Почему зовут? Сегодня он — свободный художник, избавляющий балет от жестких рамок классического канона, а еще, как выяснилось, немного философ.

Так сложилось, что балетных принято считать какими-то танцевальными маньяками. Интересно, почему?

Балет часто сравнивают со спортом: большое значение имеет физическое совершенство, сила, гибкость, выносливость. Рецепт этого в ежедневном, и часто монотонном повторении упражнений — думаю, это и вызывает у людей ощущение маниакальности. Еще у артиста должны быть красивые линии, харизма... Классический балет — танец, стремящийся к эстетическому идеалу, только он вообще не про природу человека.

Про что же тогда?

Я замечаю, что процессы, происходящие в театре, часто отражают форму государственного устройства. В советское время балет стал официальной танцевальной «религией» государства, возможности альтернативного подхода уничтожались. А еще этот танец подразумевал вертикаль, и в движении артистов, и в организации рабочего процесса: есть передовики — примы, и есть остальные, индивидуальность не приветствуется и культивируется точечно. В выборе главного хореографа страны фокус был на Григоровиче, хотя в стране работали и другие отличные мастера — Голейзовский, Якобсон, но кто о них знает сейчас, кроме узкого круга ценителей?

А кто ваш герой из великих фигур в балете?

Я люблю «Русские сезоны» и «дягилевский» период. Нижинский мне близок своей хрупкостью и эмоциональностью, Фокин нравится как хореограф. В книге Нижинского «Чувства» и мемуарах Фокина «Против течения» я нашел множество ответов на свои вопросы в профессии.

В чем главная особенность вашего подхода к работе как хореографа?
Моя философия проста: все, что происходит в танце, — проекция жизненных процессов. Я говорю про баланс, доверие, поддержку, инерцию, контакт. Для меня важно быть в моменте, осознавать, сколько метров между тобой и зрителем, ощущать тепло софитов, позволить зрителю увидеть мурашки на коже, работу мышц и позвоночника. Не размахивать конечностями, а проживать танец и, конечно, получать удовольствие. Танцу можно отдать очень много, но без удовольствия это бессмысленно.

Вы ставите балеты на самую разную музыку — от Стравинского и Прокофьева до Red Hot Chili Peppers. С каким еще материалом было бы интересно поработать?

Сейчас в плейлисте много исполнителей — Flying Lotus, Мозес Самни, Смоки Мо, ATL, Джон Фрушанте, Морис Равель. С детства люблю рок-н-ролл и хип-хоп, помню, слушал еще первые альбомы «Касты». К лету есть план поставить спектакль в церкви на хип-хоп-биты из 90-х. Не уверен насчет текста, но музыка качать будет. По сюжету это практически библейская история.

С Максимом Диденко вы сотрудничаете уже семь лет. Насколько для вас важно работать с единомышленниками?

У меня вообще нет ощущения, что я работаю, — мы просто классно проводим время вместе. Я люблю нашу большую семью, питерскую арт-тусовку. Еще хотел бы сделать что-то совместное с Саном (Андрей «Сан» Запорожец, солист группы 5'nizza — прим. InStyle). Мы познакомились лет 7-8 назад, сейчас дружим, ходим друг к другу на концерты и спектакли. Для меня факт того, что Сан, на музыке которого я рос, посмотрел мой балет «Ткани», гораздо важнее, чем мнения «экспертов», дипломы и премии. Я не за «медальки» рублюсь, а за эмоции, которые делают меня счастливым, живым.

Вы ставите, что нравится, под музыку, которая нравится, и показываете свои спектакли, где хотите. А если бы предложили работать только в одном театре, согласились бы?

Если мне дадут карт-бланш, это возможно. Я ведь искал работу в театрах, когда только переехал в Петербург. Позже стали поступать предложения, но я понял, что уже не хочу встраиваться в существующую систему координат, интереснее создавать свою. Мне нравится распоряжаться своим временем и отвечать за свои решения и поступки.

Фотограф: Дима Черный
===================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Мар 30, 2019 12:19 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019033002
Тема| Балет, Одесский национальный театр оперы и балета, Персоналии, Елена Добрянская
Автор| Виолетта СКЛЯР
Заголовок| ОТ ОДЕТТЫ ДО БАРОНЕССЫ ШТРАЛЬ
Где опубликовано| © Одесская газета «Порто-Франко» Номер 11 (1451)
Дата публикации| 2019-03-28
Ссылка| http://porto-fr.odessa.ua/index.php?art_num=art016&year=2019&nnumb=11
Аннотация|

Не секрет, что на балет "Спящая красавица" в Одесском национальном театре оперы и балета часть зрителей идет именно в те дни, когда Аврору танцует заслуженная артистка Украины Елена Добрянская.

В арсенале балерины - партии Одетты-Одилии, Маши ("Лебединое озеро", "Щелкунчик"), Китри ("Дон Кихот"), соло в балетах "Баядерка" и "Пахита" Людвига Минкуса, "Шопениана" и балете-гала "Нуриев forever...". В обновленном "Маскараде" Добрянская исполняет партию баронессы Штраль - страстной светской дамы, вынужденной скрывать свои истинные чувства под маской благовоспитанности, но все же истинная натура прорывается... Только что закончились феерические гастроли балетной труппы ОНАТОБ по Соединенным Штатам и Канаде со "Спящей красавицей", "Лебединым озером" и "Щелкунчиком", но, верится, настанет день, и "Маскарад" удастся вывезти за рубеж, тогда балетоманы мира узнают не только Добрянскую-Одетту, но и Добрянскую-Штраль.




Однажды Кира Муратова метко заметила, что ум балерины не обязательно должен проявляться в словесах, ибо "балерина умна своим телом". Елена Добрянская обладает, помимо "умного тела", яркой сценической красотой, огромными глазами, способными "простреливать" и сердца балетных принцев, и залы, полные публики. Из-за тонких, изящных ног в детстве девочку дразнили "худорбой" и "зубочисткой", а маленькая Алена в это время настойчиво готовилась к выступлениям на школьных праздниках, на фестивалях "Таланты твои, Украина".

Вообще-то балериной мечтала быть мама Елены, но бабушка остудила ее пыл уже на том этапе, когда пришло время поступать в хореографическое училище. Эта профессия казалась бабушке несерьезной и ненадежной.

- Что интересно, против моего выбора бабушка уже не возражала, - улыбается Елена. - Время поменялось. Когда я родилась и меня привезли домой из роддома, развернули, все поразились: поднялась выгнутая, как в "Лебедином озере", одна рука, потом другая, губки бантиком, ножки подъем тянут... Общее мнение домочадцев было таким: "Это балерина!". Видимо, мама передала мне все свое желание заниматься балетом и весь свой талант. Бабушка на этот раз была совершенно не против, радовалась каждому мероприятию, на котором я танцевала. Ходила в детстве на фигурное катание с сестрой, но это не мое, а вот когда увидела по телевизору передачу о нашей балетной школе, маленьких девочек, изучающих классический и народный танец... Да еще и после передачи показали балет "Лебединое озеро". Я два с половиной часа не отрывалась от телевизора и призналась маме, что хочу танцевать, "как эта тетя". Мама, конечно, просила меня подумать и предупреждала, что по этому пути идти очень тяжело. Ей хотелось воспитать меня как личность со стержнем внутри, а мой первый педагог, заслуженная артистка Украины Светлана Антипова воспитала во мне силу воли, несгибаемый дух, передала свое мастерство. Мне очень повезло, ведь это талантливая балерина, человек несгибаемого духа, большой силы воли и упорства. Передавая нам свое сценические мастерство, она смогла вложить в нас и все свои личностные качества.

Потом был класс народной артистки Елены Барановской в училище искусств и культуры имени Константина Данькевича. Перетанцевавшая весь балетный репертуар и сумевшая заразить своим азартом, невероятными образами, которые она создавала на сцене, Елена Барановская верила в меня, и это сыграло большую роль в моем становлении как балерины. Уже в театре со мной много работала народная артистка Наталья Здиславовна Барышева. Она обладает большим чувством меры, вкуса, изысканности - всем тем, что оттачивает балерину и придает новые грани ее мастерству. Наталья Здиславовна дала мне фундамент профессии, а последние годы я благодарна еще и своему новому педагогу Яне Киселевой, которая помогает мне внедрять новые техники, не отходя от канонов классического танца, исходя из моих индивидуальных особенностей. Мы с ней сейчас говорим на одном языке. И все эти преподаватели, безусловно, нужны балетным артистам, если у каждой балерины страны будут такие наставники, такая блестящая преемственность поколений, за будущее балета можно не волноваться.

Елена завоевала бронзовую медаль и звание лауреата III Международного конкурcа имени Юрия Григоровича "Молодой балет мира" в Сочи в 2010 году, получила Почетную грамоту председателя Одесской областной государственной администрации, две премии имени Лии Буговой Одесского областного отделения Союза театральных деятелей Украины за исполнение партии Одетты-Одилии в 2009-м и Китри в 2012-м. Считает себя "совершенно не конкурсной балериной", предпочитает выходить на сцену в спектакле с желанием создать образ, поведать его историю, станцевать от души. Постоянный тренаж позволяет сохранять умопомрачительную фигуру, а что касается личных секретов красоты, то Добрянская не приветствует агрессивные косметические процедуры без особой надобности, в угоду моде.

- Использую сезонные фрукты, маски из вишни, клубники. Для тела придумала для себя такое кофейное обёртывание: кофейная гуща, натертый свежий корень имбиря, корица, оливковое масло, мед - всего побольше, чтобы хватило на все тело. Сверху замотаться пищевой пленкой, через полчаса смываем теплой водой.

Чтобы обеспечить семью свежими овощами, выращенными без нитратов, Елена устроила возле дома так называемый французский огород, не требующий большого каждодневного ухода. Маленькая дочка Сашенька с удовольствием лакомится мамиными помидорами и малиной. Не нахвалится кулинарными талантами жены муж Елены - Евгений Воронецкий, бывший участник дуэта "Сделано руками" Comedy-club, человек творческий и яркий.

Конечно, высшая форма хореографического искусства - классический балет, кто же спорит. Но придет когда-нибудь момент, когда от него придется отказаться, и тогда, считает Елена, можно будет продлить сценическую жизнь можно, обратившись к современному балету, а заодно помочь многим молодым талантам раскрыться в новых постановках, альтернативных спектаклях.

- Мечтаю организовать фестиваль модерна по образцу европейских, в Берлине, к примеру, существует множество танцевальных клубов, где можно увидеть артхаусные постановки, хочу, чтобы такое существовало и в нашем городе. В рамках фестиваля могут проходить тренинги для артистов балета, которым хотелось бы привить вкус к модерну, контемпу. А зритель к таким стилям готов. Он с восторгом принимает гастролеров, показывающих то, чем Европа уже передышала! А у нас такого опыта нет, нам это надо развивать. Как было бы здорово увидеть на нашей сцене французских артистов балета, итальянских! Международный фестиваль балета наряду с кинофестивалем мог бы стать визитной карточкой Одессы.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Мар 30, 2019 12:47 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Мар 30, 2019 12:44 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019033003
Тема| Балет, «Вечер балета», Северная Осетия, Персоналии, Аслан Каргинов
Автор| Азамат Плиев
Заголовок| Па-де-де
Или большое возвращение Аслана Каргинова

Где опубликовано| © Портал гражданской журналистики “Gradus.Pro”
Дата публикации| 2019-03-28
Ссылка| http://gradus.pro/pa-de-de/
Аннотация|



«Вечер балета» впервые прошел в Северной Осетии. Постановку и организацию взял на себя выпускник Академии русского балета имени А.Я. Вагановой и по совместительству наш земляк Аслан Каргинов.

Приехал он не один, а с друзьями – коллегами, большими звездами русского балета. Среди них Яна Черкашина, Александр Савельев, Виталий Амелишко, Ника Цхвитария, Арина Варенцова.

— Все артисты никак не связаны с Осетией. По сути, это не труппа, а мои друзья, солисты разных театров, некоторые из них большие звезды. Они просто решили помочь мне реализоваться, — рассказал Аслан.

Артисты из Москвы и Санкт-Петербурга исполнили фрагменты из нескольких популярных мировых балетов, среди которых «Лебединое озеро», «Щелкунчик», «Дон Кихот», «Корсар», «Пламя Парижа».

Любое культурное событие практически всегда начинается с пролога. Как признается Аслан, предтеча «Вечера балета» — просьба матери.

Впрочем, не последнюю роль в этом желании смог сыграть и недавний приезд Аслана, с целью проведения мастер – класса для учеников Владикавказского колледжа культуры.

Намедни, состоялась пресс-конференция с участниками балета. Каргинов и ко поведали журналистам о страхах и переживаниях, ближайших планах и будущем балета в Осетии.

— Несомненно, встречается в твоей жизни опыт – когда ты в стрессе и уже, что называется, не можешь. Как бы это трудно не было, но нужно всегда стараться преодолеть психологические барьеры. На самом деле балет – это сложная профессия, — делиться мнением Александр Савельев.

Каргинов отметил, что выступление в родной Осетии приводит в некоторое волнение.

— Безусловно, выступать на родине волнительно. Во-первых, на выступление приходит половина зала твоих родственников, и не хочется их разочаровать. И будут те, кто знал тебя еще совсем маленьким, — иронизирует Каргинов.

Другие регионы Северного Кавказа в тур не попали. Владикавказ вообще стал первым городом, где балетная труппа представила свою насыщенную программу.

Следующим городом-счастливчиком станет Цхинвал, для которого приезд звезд балета будет едва ли не первым.

На вопрос о нынешнем состоянии балета в Северной Осетии Каргинов уверенно ответил, что виден прогресс, но, безусловно, нам есть куда стремиться.

— Меня не могло радовать, что во время моего мастер-класса в Лицее искусств, детишки схватывали все налету, в отличие от западных школ. Я старался преподать им урок от лица не преподавателя, а непосредственного участника действия. Это, как мне кажется, несколько отличные друг от друга методы преподавания.

Закрывал вечер сам постановщик. Каргинов исполнил отрывок из балета «Дон Кихот». Артист обещал вернуться и намерен добиться четко обозначенной цели — сделать Северную Осетию культурной столицей Северного Кавказа.

Хотя есть мнение, что это звание давно республикой завоевано.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9  След.
Страница 7 из 9

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика