Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2019-02
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3967

СообщениеДобавлено: Ср Фев 27, 2019 12:24 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019022605
Тема| Музыка, "Солисты Москвы", "Рустави", "A filetta", "На крыльях ветра облетая весь мир...", Персоналии, Юрий Башмет, Кузьма Бодров, Бель Шу, Гектор Улисс Пассарела, Росс Миллер, Мохамед Абозекри, Хоче Мария Галлардо дель Рей, Екатерина Мочалова, Михаил Дзюдзе, Эмилова Айпери
Автор| Елена Алексеева
Заголовок| Экзотический этнический музыкальный узор на Сочинском фестивале искусств
Тематические концерты "Россия и карта мира", "Когда горы встречаются с морем" объединили в Сочи исполнителей со всей планеты.

Где опубликовано| © Ревизор.ru
Дата публикации| 2019-02-20
Ссылка| http://www.rewizor.ru/music/katalog-festivaley/zimniy-festival-iskusstv-v-sochi/stati/ekzoticheskiy-etnicheskiy-muzykalnyy-uzor-na-sochinskom-festivale-iskusstv/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Исполнителей из девяти стран мира представил XII Зимний международный фестиваль искусств в Сочи. Этнические инструменталисты — Бель Шу (пипа, Китай), Гектор Улисс Пассарела (бандонеон, Аргентина), Росс Миллер (волынка, Шотландия), Мохамед Абозекри (уд, Египет), Хоче Мария Галлардо дель Рей (гитара, Испания), Екатерина Мочалова (домра, Россия), Михаил Дзюдзе (бас-балалайка, Россия), Эмилова Айпери (чопо чоор, Киргизия) —демонстрировали народный инструментарий своих национальных культур.

Апофеозом идеи объединения этники и классики стала мировая премьера композиции "На крыльях ветра облетая весь мир..." Кузьмы Бодрова для всех инструментов в сопровождении Камерного ансамбля "Солисты Москвы", завершившая программу "Россия и карта мира". Вокальные традиции народно-этнических ансамблей "Рустави" (Грузия) и "A filetta" (Корсика, Франция) также позволили объединить горцев и средиземноморских островитян на сцене Зимнего театра Сочи в концерте под названием "Когда горы встречаются с морем".

Классика и этника — обязательная тема Сочинских фестивалей Юрия Башмета. Представители национальных традиций различных стран и народов всегда украшают афиши. Парад этнических культур - обычное дело в Сочи.
"Россия и карта мира" — такое название получила программа вечера, в калейдоскопе которого переливались драгоценные зерна древнейших мировых культур. Ведущий Артем Варгафтик извлекал глубокие корни происхождения тысячелетней китайской пипы и египетского уда, авторство которого едва не присвоили себе европейцы в качестве лютни. Красавец Росс Миллер в шотландском килте заполнил зал военными горными мотивами средневековых волынщиков. Аргентинец Пассарелла ностальгически солировал на бандонеоне в знаменитой на весь мир "Компарсите", правда поведав версию танго-оригинала.

Все исполнители не просто играли народные напевы или мелодии. Каждый солировал со струнным оркестром "Солисты Москвы", преподнося оригинальное сочетание своего инструмента с академическим звучанием. Трогательно и нежно просвистела на киргизском чопо-чооре Айпери Эмилова "Аве Марию" Шуберта в сопровождении оркестра. А Концерт для пипы и струнных современного китайского композитора Тан Дуна оказался ярким примером изобретательного использования народного тембра в контексте академического инструментария. Исполнение тоже было превосходным. Подумалось даже, вот ведь, какая свежая кровь, мощная энергетика у китайцев за последнее десятилетие и в экономике, и в музыке.

Хочется поразмышлять о том, что все концертные номера программы убеждали в огромном потенциале этнических и народных инструментов для жизни на большой академической эстраде. У всех есть будущее, включая русские народные инструменты. Известно, что Кузьма Бодров начал работу над новым концертом для домры с оркестром. Хочется, чтобы в России опять возродился интерес к нашим народным инструментам, ушедший с развалом СССР. Юрий Башмет и вся его фестивальная команда предпринимает многочисленные попытки в этом направлении, сотрудничая с композиторами, исполнителями. Второй год существует департамент народных инструментов образовательного проекта Сочинского фестиваля. Это хорошо. Не надо останавливаться.

Мировая премьера композиции "На крыльях ветра облетая весь мир..." Кузьмы Бодрова для альта, чопо-чоор, волынки, бандонеона, пипы, домры, гитары, уда, бас-балалайки, фортепиано и струнного оркестра очень впечатлила составом и эффектностью сценической картинки. Парад участников, разместившихся на авансцене перед струнным оркестром, пестрил экзотикой инструментов и костюмов. Подвести их всех к общему музыкальному знаменателю, т.е. заставить звучать вместе, чтоб никого не потерять, не затмить в общем потоке — занимательная композиторская задачка, выпавшая на долю Бодрова. Тем и интересна.

Два вокальных мужских коллектива из Грузии и Корсики имеют разную национальность, язык, но это им не помешало спеть несколько песен вместе. Многоголосие у обоих очень схоже по своей природе, да и слова, вероятно, были об одном и том же. А когда солист-корсиканец "A filetta" спел на чистом грузинском куплет "Сулико", все хоть и ожидали, но все равно были поражены. В целом концерт получился неким вокальным состязанием. Ансамбли выходили по очереди, с каждым разом выказывая все новые достоинства своего мастерства. Лучших не было, победителей тоже. Они точно знали, чем тронуть слушателя.

=======================
Фото – по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3967

СообщениеДобавлено: Ср Фев 27, 2019 12:25 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019022605
Тема| Музыка, Симфонический оркестр "Новая Россия", Персоналии, Юрий Башмет, Ксения Башмет, Татьяна Самуил, Валентина Борисова
Автор| Елена Алексеева
Заголовок| Сочинский фестиваль искусств: параллельные миры надежды и безвременья
Юрий Башмет, Русский музей, Театр Наций об истории отечественной культуры 1946-1956 годов.

Где опубликовано| © Ревизор.ru
Дата публикации| 2019-02-22
Ссылка| http://www.rewizor.ru/music/katalog-festivaley/zimniy-festival-iskusstv-v-sochi/stati/sochinskiy-festival-iskusstv-parallelnye-miry-nadejdy-i-bezvremenya/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

"Параллельные миры". Русское искусство, XX век — темы войны и послевоенного созидания в музыке, живописи, поэзии были представлены на премьере совместного проекта Юрия Башмета и Государственного Русского музея в рамках XII Зимнего международного фестиваля искусств. Концерт Симфонического оркестра "Новая Россия", под управлением Юрия Башмета, солисты Ксения Башмет (фортепиано), Татьяна Самуил (скрипка), Валентина Борисова (арфа), прошел в окружении репродукций картин из собрания Русского музея (Санкт-Петербург). Анна Ковальчук читала стихи советских поэтов. Театр Наций в рамках фестиваля "Территория. Сочи" показал музыкально-поэтический монолог "Ахматова. Свидетель" в исполнении автора-актера Дмитрия Сердюка и музыканта-композитора Федора Журавлева. Выставка "Искусство и литература надежды и безвременья: 1946-1956", проходящая в дни фестиваля в Зимнем театре Сочи, также посвящена сложному и противоречивому периоду истории отечественной культуры.

"Парадное" официальное и неофициальное, угодное и формалистическое искусство существовало в "Параллельных мирах" советской действительности. Послевоенное десятилетие было окрашено надеждой на лучшую мирную жизнь. Но для кого-то это было страшное "безвременье", когда постановлениями ЦК ВКП(б) 1946-1948 гг. лучшие из лучших были выброшены из "ленты времени" — поэты, писатели, композиторы, режиссеры, художники-формалисты. Ахматова, Пастернак, Шостакович, Прокофьев, Эйзенштейн, Таиров, весь цвет отечественной культуры переживали сложный период, пытаясь выжить и не сломаться.
Яркий пример такой судьбы от лица собирательного образа секретаря-помощника был показан актером Дмитрием Сердюком, автором литературной композиции "Ахматова. Свидетель". Постановка входит в цикл Театра Наций "Наше всё...", посвященный главным именам русской литературы. Монолог шел в сопровождении авторской музыки гитариста Дмитрия Журавлева. Как ни странно, почти Rock'вый стиль музыкальных импровизаций, с тяжелым битом, иногда напрямую распеваемый словами стихов Ахматовой, придавал страшный нерв происходящему, усугубляя трагический смысл поэзии. Известны примеры сочетания Ахматова-Шостакович в музыкально-поэтических композициях. Но "Реквием" Ахматовой и Rock — это сильно и вполне адекватно.
Программа этого фестивального дня была рассчитана на усиление впечатления и получения более широкого исторического среза послевоенного десятилетия. Покинув после спектакля Зал камерной и органной музыки, переполненный болью за темные страницы советской истории, зритель шел в Зимний театр на концерт "Параллельные миры". Русское искусство, XX век. В фойе была развернута выставка "Искусство и литература надежды и безвременья: 1946 — 1956", подготовленная Литературным музеем им. Даля, Бахрушинским музеем совместно с Зимним международным фестивалем искусств. Через всю экспозицию проходит "лента времени", обозначающая официальные события и факты общественной и культурной жизни. Афиши самых патриотических культовых фильмов, парадные портреты советских военачальников, прочих свинарок с пастухами и т.д. соседствуют с прозрачными витринами "разоблачений" неугодных инакомыслящих. 11 персоналий смотрели с непарадных портретов — Ахматова и Пастернак, Зощенко и Фадеев, Шостакович, Прокофьев, Хачатурян и Мурадели, Михоэлс, Эйзенштейн и Таиров. Нарядное фойе Зимнего театра украшено баннерами с жуткими постановлениями и приказами, коснувшимися многих деятелей культуры. Сталинская премия могла легко отбираться в одночасье у какого-нибудь "формалиста". "Царское" одобрение 7 Ленинградской Шостаковича переходило в жесткую критику его 8 симфонии "пессимистичной".
Симфония n 8, II часть оглушила "взрывами и свистом снарядов" зал Зимнего театра. Башмет открыл концерт своим любимым Шостаковичем. Герои выставки теперь оказались в программе концерта. На заднике сцены менялись полотна советских художников, соответствующей тематики. Название "Параллельные миры" получило дополнительный смысл в синтезе искусств. Звучала поэзия Пастернака, Твардовского, Симонова 1940 — 50-х годов. Симфония "Родина" композитора Гавриила Попова из когорты запрещенных авангардистов предваряла арфовый концерт Рейнгольда Глиэра. Татьяна Самуил и Ксения Башмет солировали в скрипичном концерте Дмитрия Кабалевского и фортепианном концерте дагестанского композитора Готфрида Гасанова, передавая настроения строительства новой жизни, мирного труда, весны и любви. Впереди уже маячила хрущевская "Оттепель".
Симфонию n 7, I часть Сергея Прокофьева оркестр "Новая Россия" исполнил с чувством большой отдачи. Видно было, что гениальная музыка "цепляла" музыкантов. А Хачатуряну оркестр отдал всю чувственность струнных в Адажио из балета "Спартак". "Время вперед" Свиридова завершило программу, как всегда информативно и познавательно выстроенную в таких проектах-синтезах на фестивалях Башмета.

==============================
Фото – по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3967

СообщениеДобавлено: Ср Фев 27, 2019 12:25 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019022606
Тема| Музыка, III Международный музыкальный фестиваль "Зимние грезы", Персоналии, Сергей Антонов, Валентин Урюпин, Гайк Казазян, Алевтина Иоффе, Ксения Гамарис, Михаил Ковальков, Павел Романенко, Екатерина Корнишина, Анатолий Левин, Павел Нерсесьян
Автор| Ирма Некрасова
Заголовок| Грёзы и явь: финал III Международного музыкального фестиваля "Зимние грезы"
Позади серия зимних московских фестивалей – рождественских, крещенских и иных, своим названием отсылающих к сезону студеных ветров.

Где опубликовано| © Ревизор.ru
Дата публикации| 2019-02-21
Ссылка| http://www.rewizor.ru/music/reviews/grezy-i-yav-final-iii-mejdunarodnogo-muzykalnogo-festivalya-zimnie-grezy/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ



Последней вершиной, за которой открываются уже новые, весенние, горизонты, стал III Международный музыкальный фестиваль "Зимние грезы".
Фестиваль ориентирован на поколение 30-40-летних музыкантов. К нему принадлежит сам основатель и арт-директор фестиваля виолончелист Сергей Антонов. Концепция "Зимних грёз" — устремлённость к театрализации музыкального высказывания и своеобразная структура, сложившаяся при рождении фестиваля в 2017 году.

Первый концерт организаторы неизменно называют "Творческими дуэлями". Это игра-поединок, в которой артисты меняются ролями, выступая то в качестве солиста-инструменталиста, то в качестве дирижера. Но, пожалуй, её главная суть заключается не в соперничестве друзей-музыкантов, а в соперничестве артиста с самим собой. "В какой из ипостасей я интереснее?", — на этот вопрос пытались ответить себе и участники "дуэлей" этого года: Валентин Урюпин, Сергей Антонов, Гайк Казазян и Алевтина Иоффе.
Во второй вечер устремлённость к театру ещё более заметна и выливается если не в перфоманс, то в его прообраз. Когда-то на фестивале прозвучала "Крейцерова соната" — Бетховена и Толстого. Потом был опыт вплетения камерных шедевров Чайковского и Шенберга в мультимедийную симфонию света. Теперь на авансцене оказались пушкинская "маленькая трагедия" о Моцарте и Сальери, прочитанная артистами драмы Натальей Рева-Рядинской и Григорием Данцигером, и музыка самого Моцарта. И то, и другое переплелось в сюжет, полунамёком отсылающий к библейской аксиоме "последние да будут первыми…". Тот, кто по версии Пушкина был жертвой, а по жизни – вовсе не героем своего времени, через столетие оказался на недосягаемой для былых соперников высоте. Эту высоту в концерте обозначили Струнный квартет № 20 "Хофмайстер" и Квинтет соль минор для двух скрипок, двух альтов и виолончели в исполнении Гайка Казазяна, Ксении Гамарис, Михаила Ковалькова, Павла Романенко и Сергея Антонова.

Не таков последний вечер фестиваля. Его герои по традиции выбирают для исполнения то, что пожелают сами, а в миксте из разных эпох, стран, музыкальных языков и художнических стилей выискать концептуальное зерно проблематично. Но нечто объединяющее — можно. Это нечто заключается в самом слове "желание". Музыкант, дай ему карт-бланш, всегда выберет то произведение, с которым его связывают особые отношения, и эти отношения (жаль, не озвученные для публики) способны сообщить исполнению дополнительное измерение.

Для заключительного концерта нынешнего фестиваля флейтистка Екатерина Корнишина выбрала никогда не звучавшие в России "Симфонические сказки" фламандца Питера Бенуа (который и сам по себе для публики фигура за семью печатями). Сергей Антонов выбрал Виолончельный концерт Шумана, маэстро Анатолий Левин – Увертюру к россиниевской "Семирамиде", а Павел Нерсесьян – Концерт для фортепиано с оркестром Грига. Волею судьбы картина сложилась почти целиком романтическая и даже со своей логикой.

Только что вылетевшая из консерваторского гнезда Екатерина Корнишина – из поколения next. Она красива, раскована и, похоже, открыта самым смелым экспериментам в музыке — что в некоторой мере и отобразил ее выбор. Но "Симфонические сказки" оказались крепким орешком. В дуэте с оркестром солирующая флейта практически не знает передышки, и это при том, что к финалу композитор "обрядит" партию в совсем уж виртуозные одежды. Здесь только смелости и хорошей школы недостаточно. Нужна нешуточная выносливость, которой хрупкой Корнишиной чуть не хватило.

Будто специально, чтобы оттенить эффектное творение Бенуа, Сергей Антонов выбрал Концерт с репутаций суперсложного, но малоэффектного произведения. Элегический виолончельный монолог здесь не требует особой виртуозности, зато требует красоты звука, почти вокальной кантилены, предельной выразительности. И публика это получила, погрузившись с исполнителем в глубины личностных переживаний стоящего уже в преддверии сумерек композитора.

А потом весьма кстати явился Россини, солнечный гурман, окропляющий "брызгами шампанского" все, на что ни бросит свой взгляд, – даже если это трагедия. Его увертюра к последней в истории опере-сериа, исполненная неизменным участником фестиваля — Концертным симфоническим оркестром Московской консерватории под руководством Анатолия Левина, стала для публики нужным глотком легкого итальянского воздуха. После которого вновь— в романтические глубины.

Именитый Павел Нерсесьян в Москве выступает нечасто. И уже одно это обстоятельство не могло не привлечь на заключительный фестивальный вечер армию меломанов. Пианист, выбравший для исполнения популярнейший Концерт Грига, выткал романтику сдержанную, как некую вещь в себе, готовую "взорваться" эмоциональным фейерверком, но до этой крайности никогда не доходящую. В его Григе читается порода, а в самом пианисте — режиссер, превращающий звук в историю. Или — в штрихи к собственному портрету? Ведь недаром же Нерсесьян вновь и вновь обращается к этому Концерту. Может быть, потому что он – своеобразное альтер эго самого исполнителя.

… Фестивальная картина вышла и многомерной и интересной. Но все кажется, будто ей чего-то не хватает для завершенности. Может быть, тех самых "Зимних грез", что родились у Чайковского, дали название фестивалю и на самом первом прозвучали красивой финальной точкой.

==================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 19764
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Фев 27, 2019 10:22 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019022701
Тема| Музыка, Опера, Персоналии, Альбина Шагимуратова
Автор| Сергей Элькин
Заголовок| Альбина Шагимуратова: ”Три месяца счастья”
Где опубликовано| © журнал The Reklama (Чикаго)
Дата публикации| 2019 февраль
Ссылка| https://thereklama.com/albina-shagimuratova-tri-mesyatsa-schastya/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Альбина Шагимуратова. Фото - Павел Ваан и Леонид Семенюк

В эти дни на сцене Лирик-оперы Чикаго кипят любовные страсти – в театре идет “Травиата” Джузеппе Верди. Либретто Франческо Марии Пьяве создано на основе романа Александра Дюма-сына “Дама с камелиями”. В роли Виолетты Валери – неподражаемая Альбина Шагимуратова. В эксклюзивном интервью вашему корреспонденту певица рассказывает об образе главной героини, партнерах по сцене, новом диске, недавних выступлениях.

“Виолетта – моя самая любимая партия”

— Рад снова встретиться с вами, Альбина! После Джильды (“Риголетто”, 2013 год), Лючии (“Лючия ди Ламмермур”, 2016 год), Эльвиры (“Пуритане”, 2018 год) пришло время увидеть вас в одной из лучших ролей мирового оперного репертуара: Виолетта в “Травиате”. В одном из интервью вы сказали, что опера в вашей жизни началась с записи “Травиаты” 1962 года, где Мария Каллас поет финальную сцену Виолетты. Чем вас убедила версия Каллас?


— Это была первая оперная пластинка, которую я услышала. Мне было двенадцать лет. Меня поразил голос Каллас, поразило то, как голосом можно выразить всю гамму чувств и эмоций. После этого я влюбилась в оперу и решила серьезно заниматься оперным искусством.

— В наших прошлых беседах вы интересно рассуждали о трансформациях образов Джильды и Лючии, говорили, как сложно выразить мгновенные изменения в поведении Эльвиры. Роль Виолетты тоже требует огромных актерских способностей. Вы как-то сказали, что “Виолетта – партия на актерскую выносливость”. С одной стороны, она куртизанка, с другой – женщина благородная…

— Не забывайте, она очень дорогая куртизанка с тончайшим вкусом. Дюма писал, что Маргарита Готье (прототип Виолетты) была изысканной, начитанной, умной и самой красивой женщиной в Париже. Лючия – девочка по сравнению с ней, Эльвира – девочка (шестнадцать лет, только-только влюбилась)… Виолетта – опытная женщина, она знает толк в мужчинах и жизни, умеет отличать настоящие чувства от фальши. Она из простой семьи и стала первой куртизанкой в Париже, потому что была непохожей на всех остальных. Она не была красоткой, но чем-то “цепляла” мужчин, да так, что все сходили по ней с ума. Она выбирала мужчин! Долгое время она была связана с бароном Дюфолем, но не любила его. Барон был богатым, он ее обеспечивал, и она этим пользовалась. Она рано потеряла мать, не ощутила материнской теплоты, осталась нежной, ранимой женщиной, не знающей, что такое любовь. Во всех мужчинах она искала теплоту, заботу, нежность… Такое отношение она нашла только в Альфреде. Она болела год. Барон к ней не приходил, и только Альфред все время справлялся о ее здоровье. В Альфреде она встретила не только любовь, но и настоящую заботу мужчины по отношению к женщине. Это ее тронуло и покорило.

— Вы согласны с трактовкой, что Виолетта приносит в жертву свои чувства ради любимого?

— Она жертвует собой ради Альфреда и его семьи. В том обществе огромное значение имело то, с кем ты породнишься. Она думала не о себе – только об Альфреде… Она всего три месяца была счастлива в своей жизни. Три месяца счастья…


Альбина Шагимуратова в опере “Травиата” Фото — Лирик-опера

— Вы как-то сказали: “Задача певицы – спеть “Травиату” так, чтобы зрители плакали”. Насколько для вас важна эмоциональная составляющая образа?

— Для меня важно быть убедительной, важно передать все краски моей героини. Образ Виолетты очень глубокий. Ее играть сложно и интересно.

— Играть сложно, а петь? С технической точки зрения партии Джильды, Лючии, Эльвиры сложнее, правда?

— Лючия и Эльвира – это партии бельканто. Партия Джильды тоже достаточно высокая. Виолетта – нечто другое. Это Верди во всей его красе. Певица в двадцать пять – тридцать лет не может по-настоящему спеть Виолетту. Я помню себя в двадцать пять. Я выпускалась из института со вторым актом “Травиаты”, и двадцатиминутная сцена (дуэт с папой) казалась мне очень тяжелой. К Виолетте надо подойти с вокальным и жизненным опытом.

— Я смотрел фрагменты вашего исполнения “Травиаты” на Youtube. Вашей Виолетте веришь. Вы вкладываете свои переживания, свой опыт в эту роль?

— Конечно. Вообще, все переживания в жизни у меня каким-то автоматическим образом переносятся на сцену. Виолетта – пожалуй, моя самая любимая партия. Отрывки на Youtube были давно. Сейчас я пою Виолетту совсем по-другому.

— Новое для Чикаго имя – дирижер Майкл Кристи. Я знаю, что он живет в Миннеаполисе и долгое время был музыкальным руководителем Оперы Миннесоты. Как у вас складываются взаимоотношения?

— Я тоже с ним встретилась впервые. Очень приятно работать с дирижером, который говорит: “Я пойду за тобой. Делай то, что тебе нужно”. Редко услышишь такое от дирижеров. Майкл понимает партитуру, разбирается в музыке Верди.

— Это оригинальная версия Верди или вариант с купюрами?

— В оригинальной версии очень много повторов. В предыдущей версии этой постановки вы видели полную версию. На взгляд режиссера и на мой взгляд без повторов лучше. Слишком знаменитая опера – зрителю тяжело слушать повторы. Постановка хорошая, традиционная. Можно сконцентрироваться на музыке.

— От дирижера и постановки – к партнерам. Начнем с Жермона – Желько Лучича. Он был вашим отцом в “Риголетто”. Чудесно отзывался о вас, когда я брал у него интервью…

— С Желько мы работали не раз. Очень приятно еще раз встретиться с ним в Чикаго. У него прекрасный голос, он очень хорош в общении. Наш такой весь. Домашний…

— В партии Альфреда в Чикаго дебютирует итальянский тенор Джорджио Беруджи. Вы нашли с ним общий язык?

— Очень хороший партнер. Мне легко с ним. Общение доброжелательное. Альфреда петь сложно и сложно правдиво сыграть влюбленного человека. Не нужно бояться быть искренним, трогательным… Знаете, мне грех жаловаться – у меня всегда были хорошие партнеры. Каждый партнер привносит в оперу что-то свое. Партнеры мне помогают понимать героиню. В сентябре я пела “Травиату” в Венской опере. Моими партнерами были тенор из Словакии Павел Бреслик и английский баритон Саймон Кинлисайд. Мне было так легко с ними! Павел импровизировал на сцене. Я ему верила, я могла его обнять, поцеловать… Он любил Виолетту. Что он творил на балу у Флоры?! Просто рубашку на себе рвал… Когда между партнерами вне сцены создаются теплые взаимоотношения, это помогает спектаклю. Зрители верят, что перед ними – двое влюбленных, а не просто театр. А если кто-то из героев холодный, зал это чувствует. Мы же у вас, зрителей, как на ладони. Вы сразу все видите. В Вене я чувствовала дыхание зала, а после спектакля зрители стоя аплодировали. Мне говорили артисты из ансамбля, что в Вене давно не было такой “Травиаты”, а в Венской опере “Травита” идет несколько раз в год с разными составами. Зрителям есть с чем сравнить. Каждый раз получается другой спектакль…

“Я давно хотела сыграть в комической опере”

— Финальной точкой на вашей гастрольной карте прошлого года была Москва. В Большом театре вы пели графиню де Фольвиль в “Путешествии в Реймс” Россини (дирижер – Туган Сохиев, режиссер – Дамиано Микьелетто). Критики писали, что получилась настоящая веселая комедия. Вы довольны, как все прошло?


— Мне все время российские СМИ задавали вопрос, как я себя чувствую. Это ведь ансамблевая опера, не примадонская. Я отвечала в том духе, что сколько можно петь примадонские оперы? Где-то нужно и отдохнуть, и просто получить удовольствие. Я давно хотела сыграть в комической опере. Графиня де Фольвиль – первая комедийная роль в моем репертуаре. Роль небольшая. У меня там одна ария – правда, сложная, двенадцатиминутная. Все как-то сошлось: год стопятидесятилетия со дня смерти Россини, знаменитая постановка, Большой театр. Спеть у себя дома, да чтобы родные пришли послушать-посмотреть – это же просто мечта! Дирижер Туган Сохиев – требовательный. Меня поразило его знание вокала. Он мне подсказывал какие-то вещи с вокальной точки зрения.

— Казалось бы, чем вас можно удивить после Мути и Ливайна? Вы с такими гигантами работали…

— Удивил. Не все дирижеры лезут в вокальную технику. А здесь он очень тонкие вещи подсказывал про голос, дыхание…

“Все только через голос”

— Ваш диск – опера Россини “Семирамида” – уже стал лауреатом International Classical Music Awards (ICMA) в категории “Лучшая оперная запись года”. Диск номинируется на престижную премию журнала BBC Music Magazine. До 19 февраля на сайте журнала открыто голосование. Я уже проголосовал за “Семирамиду” и советую всем последовать моему примеру (http://www.classical-music.com/article/bbc-music-magazine-awards-2019). Мне всегда было интересно узнать, как происходит процесс записи?


— Записывали мы в лондонской студии три недели по расписанию, составленному звукорежиссерами. Сегодня – такие-то номера, завтра – другие. Если, например, это ария Семирамиды, у меня есть возможность спеть ее раза четыре. После первого исполнения я себя слушаю, согласовываю со звукорежиссером, тот звонит дирижеру, дирижер говорит мне, что нужно исправить. Мы делаем второй дубль. Когда надо – третий. Четвертый бывает редко. Когда совсем плохо. Это трудно, голос ведь устает. Поешь целиком всю арию от начала до конца. Все только через голос. Надо показать все эмоции, чтобы слушатель тебе поверил… Я получила много восторженных отзывов. Говорят, что это – самая лучшая запись “Семирамиды”. Все предыдущие даже близко не подходят к тому, что написал Россини. То, что делали великие Сазерленд или Кабалье, – не то, что написано у Россини.

— Они меняли партитуру под свой голос?

— Да. Когда мне предложили записать “Семирамиду”, дирижер сэр Марк Элдер сказал: “Не слушай никакой записи”. Потом я поняла, почему. До сегодняшнего дня не существовало качественной хорошей записи “Семирамиды”. Я пою то, что хотел Россини. Абсолютно авторская версия. Мы каждую каденцию выверяли с дирижером, и это именно оставалось в традициях Россини. Звукозаписывающая компания ”Opera Rara” специализируется на записях редких опер. Компания отличается очень высоким качеством. Все по высшему разряду. Плюс дирижер очень понимающий. Грамотный. Знает свое дело. Я с ним буду записывать оперу Доницетти “Отверженные” (“Il paria”). С трудом нашла клавир. Это будет первая современная запись этого произведения.

— Что вы предпочитаете – слышать живое дыхание зала или работать в студии?

— По-своему интересно и то, и другое. Компакт-диски остаются в истории. Их надо записывать.

— В одном из интервью вы сказали, что любите выступать на больших площадках. Вы не боитесь потерять контакт со зрителями? Мне кажется, чем меньше зал, тем больше контакт. Разве не так?

— Это зависит от артиста, а не от величины зала. И в маленьком зале трудно завоевать внимание зрителей. Здесь требуется профессионализм, собранность, сконцентрированность. Надо петь с ощущением, что ты поешь для каждого. Это не все могут. Это приходит с многолетним опытом. Сложно, когда у тебя стадион. Там невозможно собрать внимание. А в зале на три-четыре тысячи возможно.

— В разные годы у вас были разные “визитные карточки”. Сначала – Царица ночи, потом – Лючия. А сегодня какая партия у вас знаковая?

— Семирамида.

— Я посмотрел список ваших опер и к своему удивлению не нашел “Лючию ди Ламмермур” и “Пуритан”. Почему вы их сегодня не поете?

— Лючию я пела в Лирик-опере и в Мариинке в новой постановке… Понимаете, в репертуарах оперных театров мало белькантовых опер. Мало кто ставит Доницетти, Россини, Беллини. В основном, идут оперы Верди, Пуччини, Вагнера. Тяжелый, драматический репертуар.

— Как вы чувствуете, что с одной партией пора прощаться, а другую – начинать петь?

— Голос и интуиция подсказывают. Какие-то партии становится тяжело петь…

— В настоящее время вы поете высокий колоратурный репертуар, Моцарта, итальянские оперы бельканто, Россини. Что еще?

— Я недавно начала петь партию Марфы в “Царской невесте” Римского-Корсакова. Мне очень нравится эта партия.

— Когда мы услышим Норму, Анну Болейн, королев Доницетти?

— Услышите, но попозже.

— Они в планах у вас?

— В моих планах – да.

— Теперь главное, чтобы ваши планы соответствовали планам руководителей театров.

— Вы знаете, я не тот человек, который кидается на амбразуру. Я лучше спою десять “Травиат” в десяти разных театрах, нежели все время буду стремиться к новому репертуару.

— Не хотите, как Пласидо Доминго, рекорды ставить…

— Это очень сложно. Рене Флеминг где-то в интервью сказала, что выучила десять партий за сезон. Это очень много! Две-три партии – не больше.

“Нет пророка в своем Отечестве”

— С декабря 2018 года вы официально стали солисткой Мариинского театра. Зачем, Альбина? Разве недостаточно приезжать в театр в качестве приглашенной солистки?


— Вы знаете, каждому певцу нужно иметь свой дом. Мариинский театр – один из сильнейших в России. Каждый день на трех сценах театра идут спектакли. Валерий Абисалович Гергиев – человек старой закалки. Он предпочитает иметь труппу. Петь в Мариинке – честь. Предложение стать членом труппы я получила от Валерия Абисаловича. Он сказал: “Для нас будет огромной честью, если вы станете солисткой Мариинского театра”. Как можно было отказаться после таких слов?

— Означает ли это, что в будущем у вас будет больше выступлений в Мариинке?

— Если будет позволять мой график. Сейчас другие взаимоотношения артиста с театром. Ты – свободный художник. Но если посмотреть на десять-двадцать лет вперед, так будет не всегда. Свобода когда-то заканчивается. Хотелось бы иметь тыл… Когда Валерий Абисалович мне это предложил, я подумала, почему бы нет? Я была в штате Казанского театра, где я вообще ничего не пела. Ни одного спектакля в год. Конечно, меня это расстраивало. А в Мариинке я пою очень часто. Труппа меня знает. Я уже давно для них своя. Мой новый статус ничего не меняет в моих взаимоотношениях с театром. Я с удовольствием приезжаю в Мариинку, меня всегда там гостеприимно встречают… Нет пророка в своем Отечестве. К сожалению, талант сначала не признают на родине. Ты вынужден зарекомендовать себя за границей. Только тогда о тебе начинают говорить и приглашать. Я – не единственный пример.

— Вы планируете переехать в Санкт-Петербург, или ваш дом по-прежнему останется в Москве?

— На данный момент – Москва, но все может измениться. Мне нравится Петербург. Чудесный, красивый город.

— В прошлый раз вы говорили о том, что у вас занимаются аспиранты после консерватории. Какова судьба ваших учеников Айгуль Хисматуллиной и Эльзы Исламовой?

— Айгуль на днях стала лауреатом Первой премии Международного конкурса вокалистов имени Франсиско Виньяса в Барселоне. Она – солистка Приморского театра оперы и балета, стипендиат Международного образовательного проекта Аткинс (Atkins Young Artists Program). Эльза Исламова работает в Казанском оперном театре. Еще один мой ученик – тенор Сергей Кузнецов из Ижевска. Сейчас он переехал в Москву, является солистом знаменитого Ансамбля песни и пляски имени Александрова…

— Запомним эти имена!

— Валерий Абисалович пригласил меня быть членом жюри Международного конкурса Чайковского этим летом. Я очень ему благодарна. Уверена, что конкурс откроет много новых имен.

“Семья страдает…”

— На одном вашем недавнем концерте хотелось бы остановиться отдельно. 31 декабря, когда все заняты тем, что готовят салат Оливье, вы пели в концертном зале “Зарядье” в компании с Михаилом Плетневым, Российским национальным оркестром и дирижером Джозефом Олиферовичем. Как все прошло?


— Замечательная компания была! Этот концерт возник почти в последний момент. Экспромт директора. Конец года у меня получился напряженным. 29 декабря я пела новую постановку “Лючии…” в Мариинском театре с Валерием Абисаловичем, а через день – в Зарядье. Впервые была на одной сцене с Михаилом Плетневым. Он играл очень красивую джазовую сюиту, а я пела с оркестром разные новогодние номера. Был полный зал, меня завалили цветами… Это был первый концерт, на котором присутствовала моя дочка Аделина. Ей четыре года. Мы с ней договорились, что она будет полтора часа тихо сидеть и слушать.

— Ну и как?

— Сидела и слушала, а после концерта поехали Новый год встречать.

— Как она относится к вашим выступлениям?

— Она понимает, что мама на работе. Отпускает на гастроли. Скучает, но отпускает.

— Как вы думаете, Аделина пойдет по вашим стопам?

— Еще рано что-то говорить. Музыку она чувствует, слух есть. Поет. Посмотрим…

— Вы бы хотели, чтобы она повторила вашу судьбу?

— Нет. Это адский труд. Когда ты востребованная певица, лучше не заводить семью.

— Вы сейчас так говорите, а сами сделали ровно наоборот…

— Трудно, очень трудно… Я всегда хотела семью. Я выросла в полной семье, мне повезло встретить замечательного человека… Но когда ты успешен в своей работе, когда ты хороший артист, ты не можешь быть хорошей матерью или хорошей женой. Ты все время на гастролях, тебя все время нет. Семья страдает… Вот и сейчас. Я в Чикаго, мои родные – в Москве…

— Все общение по Скайпу?

— Да, заряжаюсь от них энергией и иду петь.

==================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3967

СообщениеДобавлено: Чт Фев 28, 2019 12:53 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019022702
Тема| Музыка, Московская филармония, «Зарядье», РНМСО, «Персимфанс», Персоналии, Даниэль Райскин, Петр Айду, Евгений Бархатов, Ольга Демина, Ася Соршнева
Автор| Екатерина Бирюкова
Заголовок| Райх вам в помощь
НОВЫЕ ФОРМАТЫ РАЗГОВОРОВ О МУЗЫКЕ

Где опубликовано| © Colta.ru
Дата публикации| 2019-02-11
Ссылка| https://www.colta.ru/articles/music_classic/20440-rayh-vam-v-pomosch
Аннотация|


«Язык музыки»© Московская филармония

Лекционный бум затронул и музыку. Где только теперь не услышишь лекторов-музыковедов — живьем и в сети, до, после и отдельно от концерта. Концертные институции не отстают от частных инициатив. В этом общем, весьма симпатичном, движении к осознанному слушанию выделяется одно совсем уж прогрессивное начинание. Можно сказать, что уже второй год в Московской филармонии происходит тихая революция. В прошлом году тут в зале Чайковского стартовал проект «Мама, я меломан». Правила такие: концерт с участием симфонического оркестра начинается в 23:00, без антракта продолжается часа полтора; для самых сознательных — часовая лекция перед ним, для всех без исключения — максимально неформальные комментарии ведущего на сцене; билеты дешевые, программки бесплатные, социальные сети дружелюбно-зазывные, на выходе можно купить сувенирную майку с портретом композитора.
То есть в это время концертный зал — не храм и не место для посвященных. Публика собирается совершенно нефилармоническая, большей частью молодежь. Возможно, кто-то слез прямо с качелей на Триумфальной площади. Между частями никто не хлопает только потому, что нет такой возможности — из каждого сочинения, о ужас, только одну часть и играют. Начинался проект без аншлага, теперь набивается полный зал полуночников.
Только что там же стартовал младший брат «Меломана» — цикл для тинейджеров «Язык музыки». Рекламный слоган уточняет: «Классика для поколения “ВКонтакте”». Хотя пока публика предельно разновозрастная. Начало в 19:00, предварительной лекции нет, зато ведущих двое — отважные Мария Холкина и Ярослав Тимофеев, которые выводят старый добрый детско-музыкально-лекционный жанр на совершенно новые рубежи. Мария подкупает обаянием, Ярослав — идеально выверенным соотношением иронии, уважения к аудитории и любви к предмету разговора.
На сцене — недавно созданный и весь пышущий энтузиазмом Российский национальный молодежный симфонический оркестр, состоящий из людей, более-менее близких слушателям по возрасту. Над сценой — экран, на который очень профессионально выводятся крупные планы. Вот гобоист Паша весело отвечает на вопросы пробравшейся к нему Маши с микрофоном, а вот он же, посерьезнев, играет ответственное соло в Чайковском. Вот ударная группа по очереди демонстрирует тембры своих инструментов, а вот знаменитый своей антинародной авангардностью антракт из шостаковичевского «Носа» для одних ударных вызывает бурный восторг зала.
Вообще нетрудно заметить, что ХХ век идет особенно на ура. И, конечно, на совсем большое ура идет любая интерактивность. «Кто хочет подирижировать?» Лес рук. Выбранный счастливчик выскакивает на сцену, берет палочку у маэстро Даниэля Райскина, азартно втянувшегося в эту авантюру, и смело начинает размахивать руками. Что удивительно, оркестр его слушается и играет «Трепака» из «Щелкунчика» вкривь и вкось — то есть так, как ему показывают. «Кто хочет сыграть на большом барабане?» Опять лес рук. А в это время две принцессы детсадовского возраста уже карабкаются на сцену без приглашения. «Ярослав, кажется, у нас нет выбора», — охает Маша и ведет принцесс вглубь оркестра, к большому барабану. За ними следует камера. И тут наступает кульминация. Потому что оркестр играет «Поганый пляс» из «Жар-птицы» Стравинского, маэстро Райскин изо всех сил показывает вступления крошечным ударницам, которых он толком не видит за пультами и смычками, а умирающий от зависти зал глядит на экран, где те сосредоточенно лупят в барабан двумя палками и даже иногда совпадают с рукой дирижера.
Попутно с аттракционами публика услышит «Трепака» и «Поганый пляс» в более привычном виде, а также узнает, будто перескакивая по гиперссылкам, кучу разной информации. Например, что в основе Канона немецкого композитора XVII века Иоганна Пахельбеля, песни «Go West» британской группы Pet Shop Boys и Гимна Советского Союза лежит одна и та же гармоническая последовательность. Что герои оперы «Свадьба Фигаро» успешно борются с таким неприятным наследием феодального уклада, как право первой ночи. Что бывают немецкая и американская рассадки оркестра. А бывает, что композитор придумывает свою собственную, — и вот «молодежка» рассаживается в симметричную композицию для первого в России исполнения «Three Movements» Стива Райха.
При этом пересесть — наименьшая из проблем. Чтобы сыграть живого классика репетитивной техники, надо купить ноты, уладить дела с авторскими правами и выучить эту комфортную для слушателя и очень непростую для исполнителя музыку, в которой умение считать ценится выше, чем умение вкладывать душу. Прибавьте сюда работу оркестра и дирижера над всей программой, многочисленных операторов с камерами и режиссера. Про ведущих, демонстрирующих выверенную легкость импровизации, и говорить нечего. По сложности получается немножко такой Cirque du Soleil. Которым можно только восхищаться. Пожалуй, скажу страшное: слушатели здесь воспитываются лучше, чем в музыкальной школе.
А для уже воспитавшихся есть следующий уровень. Новенькое «Зарядье» сразу завело у себя в Камерном зале лекционную серию, в которой задействованы и музыковеды, и практики. Но монографическая программа из музыки все того же Стива Райха в исполнении пятерых музыкантов «Персимфанса» (который в данном случае никакой не оркестр без дирижера, а лейбл, набирающий все больший авторитет) — совершенно особый случай. Программа представляла в основном раннего Райха 70-х — строгого, бескомпромиссного, сияющего методологической и психоделической чистотой. Странное дело: если на вечерний «Язык музыки» вели детей, то на Райха в 12 дня в воскресенье довольно массово подтягивались взрослые (опять же — много молодежи).
Это не лекция и не концерт, а музыка и свободный разговор о том, как она сделана и что чувствует ее исполнитель. Вопросы из зала приветствуются. Петр Айду, с мастерством фокусника играющий двумя руками на двух роялях в разных темпах (на самом деле «Фортепианные фазы» предназначены для двух пианистов), отшучивается, что давно сделал себе какую-то хитрую операцию с правым и левым полушариями мозга. Евгений Бархатов, исполняющий «Нью-йоркский контрапункт» на кларнете в сопровождении девяти записей самого себя, загадочно объясняет, что если вместо этого поставить 10 живых кларнетистов, то получится баян. Ольга Демина звучала несколькими виолончелями, Ася Соршнева — несколькими скрипками. В финале все участники собрались в квинтет, неизменный метр в котором задавал перкуссионист Дмитрий Щелкин, и сыграли сначала на брусках дерева, потом на электроорганах 70-х — 80-х годов. Последнее, кстати, достать было не легче, чем ноты «Three Movements» для «Языка музыки».

===================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3967

СообщениеДобавлено: Чт Фев 28, 2019 12:54 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019022703
Тема| Музыка, Опера, VI Международный фестиваль вокальной музыки «Опера Априори», Персоналии, Алексей Курбатов, Василиса Бержанская, Петр Сафрошкин
Автор| Colta.ru
Заголовок| «Опера Априори» представит премьеру моно-оперы Курбатова «Возвращение»
Где опубликовано| © Colta.ru
Дата публикации| 2019-02-25
Ссылка| https://www.colta.ru/news/20560-opera-apriori-predstavit-premieru-mono-opery-kurbatova-vozvraschenie
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

16 марта в Англиканской церкви св. Андрея в Москве на втором камерном концерте VI Международного фестиваля вокальной музыки «Опера Априори» впервые прозвучит моно-опера «Возвращение» Алексея Курбатова.

Московский пианист, композитор, педагог и аранжировщик, лауреат премии «Хрустальная Турандот» Алексей Курбатов написал моно-оперу для меццо-сопрано и «страшного голоса» на слова поэмы Фаины Гримберг «Андрей Иванович возвращается домой» в 2018 году.

В первом исполнении «Возвращения» примут участие сам автор, выпускница Молодежной программы Большого театра, солистка Немецкой оперы в Берлине меццо-сопрано Василиса Бержанская и бас Петр Сафрошкин из вокального ансамбля Intrada, который выступит в роли чтеца.
Во втором отделении концерта прозвучат редко исполняемые в полном объеме Итальянские песни (1827–1832) Глинки.

Опера Алексея Курбатова уже звучала на фестивале «Опера Априори»: в 2014 году в Большом зале Московской консерватории состоялась мировая премьера его «Черного монаха» по повести Чехова с участием солистов Большого театра Дарьи Зыковой, Максима Пастера и Петра Мигунова, солиста Фламандской оперы Геворга Григоряна и Московского государственного академического симфонического оркестра Павла Когана под управлением Павла Сорокина. Концертное исполнение оперы было записано Радио «Орфей» и неоднократно звучало в эфире радиостанции.

«Опера Априори» представит в этом году еще три концерта (8 апреля, 7 мая и 14 июня), в фестивале примут участие cопрано Марина Ребека, Александра Кубас-Крук, Диляра Идрисова и Софи Юнкер, контратеноры Макс Эмануэль Ценчич, Юрий Миненко, Джейк Ардитти и Василий Хорошев, композитор Клаус Ланг, дирижеры Максим Емельянычев и Михаэль Балке, вокальный ансамбль Intrada, брасс-ансамбль Российского национального оркестра, Большой симфонический оркестр имени П.И. Чайковского и ансамбль аутентичных инструментов «Исторический оркестр» под управлением Мартины Пастушки.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3967

СообщениеДобавлено: Чт Фев 28, 2019 12:55 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019022704
Тема| Музыка, Санкт-Петербургская академическая филармония имени Д.Д. Шостаковича, Академический симфонический оркестр Санкт-Петербургской филармонии, Персоналии, Гия Канчели, Юлиан Милкис, Нино Катамадзе
Автор| Colta.ru
Заголовок| «Письма к друзьям» Канчели исполнят в Петербурге
Где опубликовано| © Colta.ru
Дата публикации| 2019-02-27
Ссылка| https://www.colta.ru/news/20587-pisma-k-druzyam-kancheli-ispolnyat-v-peterburge
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

10 марта в Санкт-Петербургской академической филармонии имени Д.Д. Шостаковича состоится мировая премьера сочинения Гии Канчели «Письма к друзьям» в версии для кларнета и симфонического оркестра.

На сцену Большого зала филармонии выйдут кларнетист Юлиан Милкис и Заслуженный коллектив России Академический симфонический оркестр Санкт-Петербургской филармонии под управлением Николоза Рачвели, почти два года назад осуществившего первое исполнение сочинения в Тбилиси.
Также в программе концерта 10 марта джазовые импровизации в исполнении Нино Катамадзе.

Версия сочинения «Письма к друзьям» для кларнета и симфонического оркестра была создана композитором специально для Юлиана Милкиса. Год назад в интервью COLTA.RU Гия Канчели рассказывал: «Каждое из писем посвящено личности, без общения с которой мое творчество было бы иным. И эти 25 тем связаны с музыкой, написанной мною для театральных постановок и кинофильмов».

Внутри цикла «Письма» объединены в четыре группы: «Музыканты», «Кинематограф», «Театр Руставели», «Близкие друзья». В числе их адресатов — Георгий Данелия, Вахтанг Кикабидзе, Нани Брегвадзе, Резо Габриадзе, Джансуг Кахидзе.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11421

СообщениеДобавлено: Чт Фев 28, 2019 6:27 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019022801
Тема| Музыка, Конкурс имени Чайковского
Автор| Кристина Рябкова
Заголовок| Каким будет Конкурс имени Чайковского в этом году
Где опубликовано| © Российская газета
Дата публикации| 2019-02-26
Ссылка| https://rg.ru/2019/02/26/kakim-budet-konkurs-imeni-chajkovskogo-v-etom-godu.html
Аннотация| КОНКУРС

В Мариинском театре рассказали обо всех нововведениях этого года.
Конкурс имени Чайковского - главный конкурс академических музыкантов, который проводится с 1958 года с периодичностью раз в 4 года. В июне этого года он пройдет уже в 16-й раз и станет важным культурным событием не только для России, но и для других стран.

Изначально конкурс проводился по двум специальностям: фортепиано и скрипка, позже были введены такие специальности, как виолончель и вокал. В этом году впервые дебютируют новые направления: деревянные духовые инструменты и медные духовые инструменты. Эти номинации имеют огромное значение в академическом искусстве. "Если мы хотим иметь хорошее исполнительское искусство, хорошие оркестры, пришло время посмотреть в сторону духовых инструментов. Мы ездили по России, и главным запросом был недостаток духовиков", - прокомментировала заместитель Председателя Правительства РФ Ольга Голодец.

В связи с введением новых направлений ожидается рекордное количество заявок от участников в 2019 году. "15 марта завершится срок подачи заявок на конкурс, но уже сейчас мы видим, что 16-й конкурс по объему заявок и аппликаций превышает все, что мы имели в предыдущие годы", - продолжила Ольга Голодец.

Также в этом году впервые на всех этапах прослушивания и отбора кандидатов члены жюри будут присутствовать лично. "Члены жюри конкурса Чайковского - выдающиеся исполнители, не только из России, но и со всего мира. То, что они выделили в своем графике время исключительно для конкурса - важнейшее признание российского исполнительского искусства и самого конкурса, - прокомментировал художественный руководитель Мариинского театра Валерий Гергиев. -
Благодаря уровню мастерства музыкантов в жюри конкурс Чайковского стал одним из ведущих мировых музыкальных конкурсов. С одной стороны, это конкурс традиционный, с другой стороны, он устремлен в будущее".

Конкурс по традиции начнется с возложения цветов к памятнику Чайковского, также в программе запланировано посещение дома-музея композитора в Клину. Закрытие пройдет на новой площадке - в Московском концертном зале "Зарядье".
Международный конкурс имени Чайковского дал немало звезд: это и Плетнев, и Мацуев, а также открыл новые имена, такие, как Даниил Трифонов. "Я не сомневаюсь, что и этот конкурс подарит миру имена-открытия", - заключил Валерий Гергиев.


Последний раз редактировалось: Наталия (Чт Фев 28, 2019 6:55 pm), всего редактировалось 2 раз(а)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11421

СообщениеДобавлено: Чт Фев 28, 2019 6:40 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019022802
Тема| Опера, Персоналии, А. Жагарс
Автор| Ирина Муравьева
Заголовок| Из воспоминаний Андрейса Жагарса: Мои амбиции были большие
Где опубликовано| © Российская газета
Дата публикации| 2019-02-26
Ссылка| https://rg.ru/2019/02/26/iz-vospominanij-andrejsa-zhagarsa-moi-ambicii-byli-bolshie.html
Аннотация|

Этот разговор состоялся несколько лет назад в Риге, когда Андрейс Жагарс был еще директором Латвийской Национальной оперы. Один из самых успешных оперных менеджеров в Европе, радикально изменивший жизнь ЛНО и создавший настоящую базу для оперных звезд, выходивших из Риги на мировые сцены.

Его собственные оперные постановки шли не только в Риге, но и на крупных российских и европейских сценах. Его личный шарм, безупречный вкус, элегантность, интеллект стали чертами его стиля в искусстве. Он возглавлял Рижскую оперу с 1996 по 2013 год. И эти годы стали для театра "эрой Жагарса". О том, каким был его путь в оперный мир, он вспоминал в этом разговоре, выдержки из которого публикуются впервые:

- Мои амбиции были большие: хотелось, чтобы моя страна заняла какое-то место в международном музыкальном мире своим музыкальным качеством и прогрессивными спектаклями. Я сразу понял, что в первую очередь в театре надо укреплять актерский ансамбль. В нашей маленькой стране мы всегда искали таланты из хора: и среди тех, кого уже выпустили из Академии, и среди тех, кто еще учился в музыкальном училище. Мы пробовали, давали молодым певцам возможность проявить себя. И неважно, как это называть: академия, студия, программа молодых певцов - мы все 20 лет постоянно учили молодых певцов. Наши педагоги Анита Гаранча и Маргарита Груздева воспитали очень много певцов. Так мы создали сильную труппу, и из нее уже выходили те, кто обладал еще большим талантом, работоспособностью, как скажем, Александр Антоненко, Кристине Ополайс, Майя Ковалевская, Марина Ребека, Элина Гаранча, которые выступают на ведущих сценах мира: в Мет, в Ковент Гарден, в Ла Скала, в берлинской Штатсопере, в Зальцбурге.

***

То, чем я раньше не интересовался, мне, как артистическому директору, приносит удовольствие - искать жемчужины, отгадать интуитивно, отобрать, отдать новые молодые таланты в профессиональные руки дирижерам и педагогам.

***
Вообще, сегодня очень испорчена система ценностей. Побеждает материальная сила. Даже образование не представляет ценность саму по себе, а имеет мотивацию: бизнес и зарабатывание денег. Я застал другую систему ценностей: когда важно было услышать игру Рихтера, увидеть спектакль Товстоногова, Эфроса. У меня свои точки отсчета.

***
Я занимался бизнесом перед тем, как стал директором ЛНО. Когда распался Советский Союз, в 90-е годы все латыши старались куда-то выехать, посмотреть, как живет западный мир. Ехали, в первую очередь, в Финляндию, Швецию, где есть большая латышская коммуна. Я тоже поехал посмотреть Скандинавию, ездил два-три раза в Америку. И чем больше ездил, тем больше рос внутренний патриотизм: да, это хорошо, но все-таки я могу сейчас в своей силе, бодрости тоже принять участие в строительстве новой Латвии. Я ничего не понимал, скажем, в нефти, финансах, цветных металлах. Я был актер, и у меня были контракты на фильмы в Украине, в России. В общем, в 1993-1994 году я создал свое первое кафе в Риге. Своих денег у меня было 3000 долларов, и я занял еще. Ресторанный бизнес меня очень увлек: я открыл и итальянский, и джазовый ресторан, и кафе, и винный магазин. Я начал постепенно развивать компанию, привлек людей, которые были не из общепита. Мои первые два менеджера были с философским образованием, а наш главный бармен - звукорежиссером кино, который учился в Петербурге.

***
В середине 90-х я начал ездить в Берлин, ходил в театры и вдруг понял, какая у нас все-таки оперная вампука в Риге, да и в Москве тоже. Я ведь рос на хорошем драматическом театре: Любимов, Товстоногов, Стуруа, Шапиро. Нас приезжали учить Кацман из Петербурга, Наталья Крымова. В театре были Вия Артмане, Ивар Калныньш. Когда в 80-е годы я учился на театральном факультете при консерватории, мы ходили уже на концерты, дружили с композиторами, с музыковедами. В студенческой общаге тогда все были одержимы, говорили об искусстве: очередь на Рихтера, Таллинский хор приезжает, какой-то оркестр, современный балет. Если бы тогда у меня был дом или квартира, я бы, наверное, сидел дома и занимался другими делами. Но в общаге по вечерам что делать? Так что все лучшее, что было в те годы в Риге, я смотрел и слушал.

***
Я играл на фортепиано с шестилетнего возраста, но у меня не было терпения: не мог усидеть. После 6 лет я ходил в один из лучших в Латвии хоров мальчиков. Когда подрос, попал в басы и в третьи голоса. Помню, как мне надо было надевать шорты, чтобы выступать, а у меня нога - сорок третьего размера. Мама отрезала от 37-го размера пальцы у носков, и я надевал их в туфли. Мы пели сложные программы: например, хор из "Набукко" Верди. Потом я четыре года учился в театральном департаменте при консерватории, и там мы все время с музыкантами были вместе.

***
Оперу я воспринимал сначала только через голос. Наш оперный театр мне всегда казался тяжеловатым, очень неживым, с неразработанными отношениями между героями на сцене. Меня как молодого актера это раздражало. Дело не в том даже - больше или меньше воображения, главное на сцене - не врать. С 9 класса я занимался в киноактерской студии, и там школа строилась на сценической органике. Я три года занимался в этой студии: каждую неделю ездил три раза из Цесиса, где мы жили, в Ригу. Мама моя работала тогда в автотранспортном предприятии экономистом и сделала мне за 1 рубль 50 копеек месячный билет, и я два часа ездил туда и обратно на занятия, возвращался домой в час ночи. Я был одержим, просто сумасшедший, потому что я еще учился в одной из лучших физ-мат школ. У меня хорошо работала голова, а я в актеры подался. И уже тогда меня раздражало все театральное: позы, замена настоящих эмоций показухой. Потом уже мне много дал актерский факультет Рижской консерватории.

Почему я все это говорю? Потому что, когда в 1994-95 годах я начал ездить в Берлин, в Стокгольм, я увидел прекрасных оперных режиссеров. В Стокгольме Матс Экк работал тогда не только как хореограф, но и как режиссер драматического театра. А в Берлине в то время были классикой постановки Гарри Купфера. Я увидел, какой живой, свежий, хороший может быть оперный театр. Я тогда по-настоящему увлекся оперой. Я возвращался в Ригу и рассказывал про "Бал-маскарад" Купфера, например. А актеру ведь надо показывать каждую сцену: как играли, как режиссер решил. В наше кафе ходила дама, я не знал тогда, что она советником премьер-министра работает. В общем, повели меня к премьер-министру Андрису Шкеле на переговоры, чтобы я возглавил Рижскую оперу, открывавшуюся тогда после ремонта. Я уже приготовил речь, чтобы отказаться, но мне не дали говорить.

Я начал: "мне это лестно… но.." А он: "Смелости нет? Боишься?" И это меня так обозлило! Я в Сибири родился (меня мама привезла в Латвию в возрасте одного года), у меня четыре ресторана, и я боюсь?! Так я начал, и меня это затянуло! Я понял, что в этой золотой, чудной, прекрасной музыкальной шкатулке нужно жить! Здесь такие традиции! В Риге бывал Вагнер, здесь дирижировали Бруно Вальтер, Лео Блех, ведущие музыканты. Мне надо было быстро все освоить: я боялся быть некомпетентным! Я понимал, что через месяц должен встать перед труппой и говорить, и я выучил весь буклет, всех композиторов, которых не знал, всю историю. Я читал и восхищался: какой бэкграунд у театра! Тысячи квадратных метров памятника истории! У меня была радость, что я могу что-то здесь сделать. Я начал ездить по всем семинарам, старался учиться, что-то получить, искал спонсоров. Надо было создавать менеджмент, менять труппу. Так началась новая жизнь ЛНО.

Справка "РГ"
Среди оперных работ Андрейса Жагарса: в ЛНО - "Пиковая дама", "Летучий голландец", "Кармен", "Леди Макбет Мценского уезда", "Травиата", а также - "Набукко" (Москва), "Бал-маскарад" (Петербург), "Тангейзер" (Москва), "Манон" (Москва), "Итальянка в Алжире" (Сан-Паулу), "Демон" (Савонлинна), "Пиковая дама" (Бордо, Орлеан)


Последний раз редактировалось: Наталия (Чт Фев 28, 2019 6:55 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11421

СообщениеДобавлено: Чт Фев 28, 2019 6:46 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019022803
Тема| Опера, Персоналии, А. Жагарс
Автор| Кристина Рябкова
Заголовок| Он улыбался миру
Ушелиз жизни артист и режиссер Андрейс Жагарс
Где опубликовано| © Российская газета
Дата публикации| 2019-02-26
Ссылка| https://rg.ru/2019/02/26/bertman-nazval-zhagarsa-nastoiashchim-evropejcem-i-chelovekom-prazdnikom.html
Аннотация|

Известный оперный режиссер и артист театра и кино, экс-директор Латвийской Национальной оперы, популярный телеведущий программ "Большая опера" и "Большой балет" на канале "Культура" Андрейс Жагарс скончался после продолжительной болезни в возрасте 6о лет.

О своем коллеге и друге вспоминает худрук театра "Геликон-опера" Дмитрий Бертман:

- Андрейс Жагарс был моим близким другом почти 17 лет, и мне очень тяжело говорить, что он "был". Андрейс - невероятно красивый человек, не только внешне, но и внутренне, настоящий европеец, красавец, человек-праздник, человек-солнце. Человек, который объединял вокруг себя людей. Талантливейший артист, которого в Советском Союзе знали как киноактера, он стал и великолепным директором Рижской оперы, сделав этот театр известным во всем мире. Он обожал Россию, и так совпало, что он умер в тот же день, что и три года назад Эри Класс, эстонский дирижер. Невозможно представить, что бы было положительного между нашими странами, если бы не эти люди! Они были уникальными послами и сделали для нас всех намного больше, чем политики: они соединяли наши страны.

Андрейс вообще умел соединять людей, дарить друзей друг другу. По его приглашению я ставил в Рижской опере "Тоску" и с тех пор у меня в Латвии появилось огромное количество друзей. Он ставил спектакли в Риге, во многих европейских театрах, в Петербурге, в Москве, работал в Красноярском театре, вывозил российские театры в Латвию и представлял Рижскую оперу на сцене Большого театра. Он был ведущим телеканала "Культура" и вообще - известнейшим российским деятелем культуры. От также ставил оперные спектакли во многих театрах Европы.

10 лет назад я предложил ему преподавать в ГИТИСе. Он возглавил курс оперной режиссуры и выпустил уже два курса учеников, в том числе, режиссера Илью Ильина, который работает у нас в Геликоне. Он подарил миру огромное количество певцов, которых вырастил на оперной сцене, потому что Андрейс был тем режиссером, который выращивал артистов. Среди его звезд - Александр Антоненко, Элина Гаранча, Кристине Ополайс, Мария Ребека, Лиене Кинча и другие, которые сейчас блистают по всему миру. Он пригласил в театр совсем молодого и неизвестного еще тогда дирижера Андриса Нелсонса - сегодня он один из лучших дирижеров мира. Это огромный вклад Андрейса Жагарса в мировую культуру.

Конечно, я знал, что он болен, но мы верили, что все будет хорошо. Сам Андрейс говорил, что у него улучшение: об этом ему говорили врачи. Еще неделю назад он приходил посмотреть генеральную репетицию "Паяцев" в Рижской опере, весной должен был принять участие в работе жюри конкурса молодых оперных режиссеров "Нано-опера".
Нам будет не хватать его улыбки, его иронии, его юмора. Он улыбался миру.


Последний раз редактировалось: Наталия (Чт Фев 28, 2019 6:55 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11421

СообщениеДобавлено: Чт Фев 28, 2019 6:51 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019022804
Тема| Опера, Персоналии, А. Жагарс
Автор| Юрий Сизов
Заголовок| Недописанные партитуры режиссера Андрейса Жагарса
Где опубликовано| © Российская газета
Дата публикации| 2019-02-26
Ссылка| https://rg.ru/2019/02/26/nedopisannye-partitury-rezhissera-andrejsa-zhagarsa.html
Аннотация|

Никогда не приводила судьба заглядывать во второй по величине город в Хакасии - Черногорск. Но почему-то сердце подсказывает, что сегодня и над ним могли сгуститься не только зимние тучи. Именно здесь, на сибирской земле, 60 лет назад родился Андрей Жагарс, сердце которого в этот день прекратило в Риге свой жизненный бег.
И хотя после рождения сына его семья вскоре вернулась на балтийскую землю, мелодии русской природы и духовного просветления до последней березки оставались для одаренного латвийского актера, театрального режиссера и да
же - увлеченного ресторатора, надежным камертоном жизненной философии.
Андрей Жагарс родился в России. Поэтому, судя по всему, вместо привычного латышского имени Андрис ребенка и окрестили на русский манер - Андрейсом. А годом позже Жагарсы вернулись из ссылки в латвийский городок Цесис.

Здесь же, в Латвии, но на четверть века позже маэстро Раймонда Паулса, который, кстати, очень высоко ценил режиссерский дар будущего директора национальной оперы, Жагарс и получил диплом об окончании Латвийской консерватории, правда, его актерского отделения.

Интеллект, как и во всем - интеллект. Дар перевоплощения и творческого мастерства проявился у Андрейса еще в семидесятые годы минувшего века. Режиссура - от характера. "На сцене и на съемочной площадке всегда смотрел на себя и партнеров немного со стороны и придумывал собственные версии - что делать и что играть", - пояснял Жагарс свое пристрастие к постановочному творчеству. До сих пор памятны и кадры с его участием в фильмах "Долгая дорога в дюнах", "Каменистый путь", "Жизнь Клима Самгина", "Следопыт", "Удачи вам, господа", "Похищение чародея".

Семнадцать не самых легких лет достались Жагарсу и на посту директора национальной оперы. "Латвия стала независимой, жизнь менялась, а наша опера, родившаяся на перекрестке двух великих музыкальных культур - немецкой и русской - не развивалась. Она жила не театральными, а музыкальными стандартами качества", - признавался в те годы режиссер.

Но за почти два десятилетия руководства театром он сделал оперу, по признанию мировых имен, брендом Латвии, вырастил певцов, востребованных в мире, создал фестиваль, провел ряд успешных гастролей, в том числе и на исторической сцене Большого театра. А еще совсем не так давно в рижской афише появились четыре оперы вагнеровского "Кольца нибелунга". Вагнер для Жагарса был, по его словам, "редким соединением философа и романтика", который говорит главное, заявляет яркие образы, накаленные страсти, дает точную кульминацию и предопределяет катарсис.

Нечто подобное, но уже в реальной биографии, успел прожить в этой краткой земной атмосфере и сам талантливый латвийский самородок.
Европа Латвия
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11421

СообщениеДобавлено: Чт Фев 28, 2019 6:57 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019022805
Тема| Музыка, Опера, Персоналии, К. Петренко
Автор| Алексей Мокроусов
Заголовок| Опера строгого режима
Кирилл Петренко продирижировал «Фиделио» Бетховена
Где опубликовано| © Коммерсант
Дата публикации| 2019-02-26
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3894850
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Знаменитый маэстро и музыкальный руководитель Баварской государственной оперы Кирилл Петренко впервые продирижировал «Фиделио» Бетховена. За историческим событием в Мюнхене наблюдал Алексей Мокроусов.



Говорят, Сальери с самого начала не очень верил, что из Бетховена получится оперный композитор. Но Шиканедер, директор венского Театра ан дер Вин и либреттист «Волшебной флейты» Моцарта, считал иначе. Предложенное им либретто Бетховен не оценил; едва Шиканедер покинул директорское кресло, композитор от идеи отказался, но ухватился за новый проект театра, пьесу «Леонора, или Супружеская любовь» Жана-Никола Буйи. Сюжет автору дала сама жизнь — в эпоху торжества гильотин он насмотрелся многого. Основой тираноборческого либретто стала история пары из Тура, где любящая жена, переодевшись мужчиной, спасла заточенного в тюрьме мужа. Собиравшийся в Париж Бетховен мечтал об оперном триумфе, но судьба распорядилась иначе. Первыми зрителями «Фиделио» и впрямь оказались французы — наполеоновские офицеры, взявшие Вену, заполонили театр. Им не понравилось, во многом из-за оркестра, возмущенного «неправильной» музыкой.

Сцена с переодеванием Леоноры запоминается и в постановке Каликсто Биейто в Баварской государственной опере. Облачаясь в мужское, певица Аня Кампе обматывает грудь туалетной бумагой — по-своему эффектная находка каталонского режиссера, решившегося оспорить свое реноме оперного бунтаря. Художник Ребекка Рингст, постоянный соавтор Биейто и частый гость в Мюнхене (летом здесь покажут генделевскую «Агриппину» в режиссуре Барри Коски и ее декорациях), выстроила неоново-металлическую конструкцию из клеток с площадками на разных уровнях. Певцы беспрерывно перемещаются по вертикали и горизонтали, и в их движении, как и в спускающихся из-под колосников акробатах, трудно найти логику. Сама тюремная камера, впрочем, находится на авансцене, так что все режиссерские придумки на виду: Флорестана пытаются облить бензином, противника бьют бутылкой по голове. Хорошо видно и музыкантов, исполняющих знаменитый квартет,— их спускают в огромных клетках сверху.
При всем том Биейто не хотел делать политагитку, связанную с Гуантанамо и другими актуалиями. Его, говорит он, интересует жанр поэтико-философского триллера. Задача сложная, и приходится признать, что ее решает все-таки в основном оркестр. Одной из ключевых опер немецкой музыкальной истории в постановке Биейто здесь прежде дирижировали Даниэле Гатти и Зубин Мета, но именно нынешнее возобновление с Кириллом Петренко за пультом — из эпохальных событий.

Из увертюр Петренко выбрал самую драматичную, третью; в очередной раз стало ясно, что премьера для него — результат тщательнейшей работы с нюансами, и многим кажется, будто дирижер всю жизнь занимался одним Бетховеном. Но Петренко, германофил с вагнерианским уклоном, прежде не играл «Фиделио». Тем внушительнее его успех с оркестром (особенно хороши духовые), хором и солистами. Молодые голоса — Ханна-Элизабет Мюллер как Марцелина и Дин Пауер как Жакино (ирландский тенор — редкий иностранец среди немецкоязычного ансамбля) — звучат свежо и сильно, под стать им и Гюнтер Гройсбок (надсмотрщик Рокко).

Аня Кампе в заглавной партии показывает максимум того, на что способна: Леонора для нее — певческая и драматическая задача одновременно, и решая ее, она оказывается на высоте не только в буквальном смысле слова. Переживавший последнее время кризис Йонас Кауфман обнаруживает в образе Флорестана возможности для обретения былой формы. Говорить об успехе, сравнимом с его прежним Флорестаном в Зальцбурге, рано, но это уже не бесцветный персонаж, каким выглядел его Отелло (“Ъ” писал о мюнхенской премьере 27 декабря 2018 года). Как бы то ни было, при петренковском понимании музыки начинаешь думать, что режиссерский театр не всегда обязателен, порой бетховенские равенство и братство манифестируют себя через звук. Жаль, свидетельств мало: Петренко не любит записей, его аудио- и DVD-диски пересчитаешь по пальцам — случай, когда призовешь хоть тирана, лишь бы покончить с таким безобразием.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11421

СообщениеДобавлено: Чт Фев 28, 2019 7:01 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019022806
Тема| Музыка, Симфонический оркестр Мариинского театра, Малер, 8-я симфония, Персоналии, В. Гергиев
Автор| Ирина Муравьева
Заголовок| Код сегодняшнего мира
Валерий Гергиев исполнил Восьмую симфонию Малера
Где опубликовано| © Российская газета
Дата публикации| 2019-02-27
Ссылка| https://rg.ru/2019/02/27/reg-szfo/valerij-gergiev-ispolnil-vosmuiu-simfoniiu-malera.html
Аннотация|

Для самого Валерия Гергиева исполнение этой исполинской малеровской партитуры, требующей сотен музыкантов на сцене, не является чем-то сверхординарным. Несмотря на то что в мировой концертной практике Восьмая симфония считается репертуарной редкостью, Гергиев ее исполняет почти каждый год в разных залах и в разных составах. В Любляне и Загребе, например, он дирижировал оркестром и сводным хором в 1100 человек (в 2011 году). В Концертном зале Мариинки Восьмая симфония прозвучала с участием Симфонического оркестра Мариинского театра, хоров и солистов Мариинского театра, Детского хора телевидения и радио Санкт-Петербурга.

Написанная, казалось бы, на несочетаемые в одном сочинении тексты, разделенные тысячелетием, - латинские слова гимна святому духу Veni, Creator Spiritus (Приди, Дух животворящий, IX век) и гетевский текст заключительной сцены "Фауста" с ее поэтическим озарением образа Вечной Женственности как символа мировой гармонии, эта малеровская партитура экстатически воспевает красоту, силу духа, искупительной любви и конечной гармонии человечества. Восьмая симфония подразумевает мессианский посыл, "музыку сфер", где "звезды и планеты движут солнце", где всеми голосами звучит сама Вселенная. Именно поэтому здесь гипертрофирован исполнительский состав: большой симфонический оркестр с дополнительным бэндом медных, хоры ангелов и блаженных младенцев, церковные песнопения, католический орган, арии Богоматери, Гретхен, Отца углубленного и Отца экстатического, Жены Самарянской, Марии Египетской и др.

Но Гергиев, как ни парадоксально, избегает в интерпретации Восьмой симфонии той монументальной звучности и массивной динамики, прямолинейных решений, к которым естественным образом подталкивают все ресурсы партитуры. Оркестр, конечно, набирает у него свои объемы в частях апофеозов, но в целом звучит умеренно по звучности, без экстремального накала. Симфония у него разворачивается как повествование, без экзальтированной риторики великого послания. Временами прозрачный звук скрипок и мягкие линии виолончелей, тихие хоры окутывают словно воздух высоких сфер. А в драматических тутти всего состава - оркестра, хоров, солистов - сохраняется четкость и ясность структуры: лаконичная игра светотенями, близкими и дальними планами звука, макро- и микрообъемами с пронзительными инструментальными соло.

Гергиев намеренно не рисует богатые на эффекты музыкальные ландшафты, "горные ущелья, лес, скалы, пустыню", где хору вторит "эхо", но строит строгие, почти аскетичные формы, подобные античным портикам храмов. Обе части симфонии венчаются мощными апофеозами всего исполнительского состава, и Гергиев точно простраивает здесь стереофонию звука: иерархию хоров, фанфары бэнда, раздающиеся с балкона концертного зала, голоса солистов.

Работа хора впечатляет и сложнейшей техникой, сочетающей разные штрихи и приемы, и четкой координацией групп - мужских, женских, детских голосов, начиная от первого монолитного призыва Veni, Creator Spiritus (Приди, Дух животворящий!) с мощным раскатом органного аккорда до расширяющегося, как свет, крещендо знаменитого финала "Все быстротечное есть только символ" и его хвалой Вечной Женственности. В этой малеровской симфонии в Мариинке звучит повествование и о сегодняшнем мире, уже переставшем ощущать свою целостность, феноменальность самой человеческой жизни, но все-таки в глубине подсознания, через весь опыт тысячелетий культуры понимающем, что мировая гармония есть и путь к ней открыт.

Кстати
26 февраля в Концертном зале Мариинки Гергиев исполнил в присутствии автора мировую премьеру нового сочинения Родиона Щедрина "Месса поминовения", где композитор также вкладывает в свое сочинение смысл "послания" (от латинского missio). Эта партитура посвящена памяти Майи Плисецкой, но слова, которые Щедрин использует в качестве текста сочинения, адресованы каждому ныне живущему человеку. А 28 февраля Валерий Гергиев исполнит в присутствии Родиона Щедрина его оперу "Очарованный странник" в московском концертном зале "Зарядье".
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11421

СообщениеДобавлено: Чт Фев 28, 2019 7:05 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019022807
Тема| Музыка, Уральская филармония, Персоналии, Б. Березовский
Автор| Марина Порошина
Заголовок| Пианист Березовский сыграл на Урале концерты с оркестром без дирижера
Где опубликовано| © Российская газета
Дата публикации| 2019-02-27
Ссылка| https://rg.ru/2019/02/27/reg-szfo/valerij-gergiev-ispolnil-vosmuiu-simfoniiu-malera.html
Аннотация|

Знаменитый пианист Борис Березовский накануне на сцене Свердловской филармонии представил екатеринбургским меломанам свой уникальный проект, исполнив Концерт № 1 Брамса, Концерт № 2 Шостаковича и Концерт № 2 Шопена.

Все они называются "концерты для фортепиано с оркестром", потому что разве могли вообразить авторы, что присутствие на сцене дирижера надо оговаривать отдельно? Разумеется, без дирижера играть сложнейшее симфоническое произведение нельзя - но только не Березовскому.

История этого творческого эксперимента такова: недавно пианист сделал поразившее всех причастных к музыке людей заявление о том, что роль дирижера в работе оркестра не так уж и велика. Слова доказал делом: стал время от времени выступать с оркестрами без участия руководителей. Зачем? Музыкальные критики сравнили проект Березовского с покорением Эвереста. А зачем покорять Эверест? Наверное, чтобы открыть что-то новое в себе и в окружающем мире и доказать, что невозможное возможно, во всяком случае, для профессионалов уровня Березовского и музыкантов симфонического оркестра Уральской государственной филармонии.

А накануне концерта Борис Березовский побывал в "Коляда-театре" на спектакле "12 стульев", где сам руководитель театра и драматург Николай Коляда играл Кису Воробьянинова.

"Никто не поверит в то, что я сейчас напишу. Я сам не верю. После спектакля он пришел ко мне в кабинет, и мы минут сорок разговаривали. Борис сказал, что хочет, чтобы я в своем театре поставил бы пьесу Льва Яковлева, написанную по записным книжкам Венедикта Ерофеева и что он готов прилетать в Екатеринбург раз в месяц и ... И! И играть в этом спектакле. То есть, он предложил (он, великий пианист!) свое участие в спектакле в качестве ... тапера", - написал Коляда в Facebook.

Так что, будем надеяться, нас ждет еще один потрясающий творческий эксперимент в исполнении маэстро Березовского, он как мы знаем, слово свое держит.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11421

СообщениеДобавлено: Чт Фев 28, 2019 7:09 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019022808
Тема| Музыка, Опера, МАМТ, Премьера, Влюбленный дьявол
Автор| Александр МАТУСЕВИЧ
Заголовок| Яркий, новый, «влюбленный»
Мировая премьера оперы Александра Вустина «Влюбленный дьявол» стала кульминацией юбилейного сезона театра на Большой Дмитровке.
Где опубликовано| © Культура
Дата публикации| 2019-02-25
Ссылка| http://portal-kultura.ru/articles/opera/235977-yarkiy-novyy-vlyublennyy/
Аннотация|

Музыкальный театр имени Станиславского и Немировича-Данченко, празднующий в этом сезоне столетие, в советские годы по праву слыл лабораторией современной оперы. Это негласное почетное звание он делил со своим ровесником — ленинградским МАЛЕГОТом: на обеих сценах состоялось внушительное число мировых премьер, многие зарубежные опусы также получали прописку в нашем Отечестве именно там. Однако с наступлением рыночных времен, когда касса стала определять репертуарную политику, оба театра прочно подсели на мейнстримный репертуар — Чайковский, Верди, Пуччини… Вступая в новый век своей истории, «Стасик» вновь озаботился репутацией первопроходца. Современным опусам отводилась пока лишь малая сцена — весьма своеобразное пространство с незначительным количеством зрителей. Большой юбилей сподвигнул коллектив на смелый шаг: впервые за тридцать лет опера ныне живущего композитора прописалась на основной сцене театра.

Театр осторожно предупреждает: премьера носит проектный характер — два показа в феврале, еще два в апреле, а дальше — будет видно. В первый вечер зал полон, но премьерная публика — особая, а будет ли опера нашего современника стабильно собирать залы, станет ли репертуарной? Не секрет, что завсегдатаи оперных спектаклей, это те, кто любит красивые мелодии и красивый вокал, те, кто в двадцатый раз приходит послушать письмо Татьяны, предсмертную арию Ленского или песенку Герцога, сравнить исполнителей, насладиться тембрами, поискать блох в колоратурах-фиоритурах. Новая опера, скорее, для тех, кто интересуется театром вообще, драматическим прежде всего, где музыка играет все большую роль, но не составляет драматическую суть действия, для тех, кто интересуется актуальным искусством — как музыкальным, так и сценическим. Много ли такой публики в Москве? Вопрос.

Впрочем, инициаторы постановки его, пожалуй, и не задавали. Для них важен сам факт премьеры. Для режиссера Александра Тителя, худрука театра, — возможность громко отметить большой юбилей институции и напомнить о ее авангардных претензиях. Для дирижера Владимира Юровского, приглашенного на этот проект, современная музыка всегда интересна, а в особенности музыка Вустина, которого несколько лет назад маэстро сделал композитором-резидентом возглавляемого им светлановского ГАСО. Для самого же Вустина это вообще подарок судьбы: мастер серийной техники, достигший почтенного возраста и всегда остававшийся в тени большой московской тройки авангардистов (Шнитке, Денисов, Губайдулина), и не чаял когда-то увидеть свою единственную оперу на сцене.

Она писалась четырнадцать лет, еще в пору его взросления, поиска собственного языка и освоения разных техник, а потом тридцать пролежала в столе. Начатая в 1975-м, опера одновременно и является и не является новой — за почти полвека композиторская мысль убежала далеко вперед, сегодня наблюдается некая попытка перекрещивания авангардных и традиционных подходов, эклектика и полистилистика стали не только хорошим тоном, но уже и трендом, мало кто творит в лабораторно чистых условиях экспериментаторства. Вустин же остается верен себе, он композитор еще той, более рафинированной и более честной эпохи. И, пожалуй, в этом его новизна и оригинальность. А для широкой публики его опус по-прежнему звучит пугающе ново и смело — но тут, как говорится, ничего не попишешь: все, что родилось из великого импульса нововенской школы, рядовыми ушами до сих пор воспринимается как невозможное оскорбление слуха. Да и будет ли когда-то иначе — большой вопрос. Возникает ощущение, что композиторы этого направления в своем творчестве сумели переступить некую черту дозволенности и естественности, границу не столько эстетическую, сколько экзистенциальную.

Либретто «Влюбленного дьявола» написано Владимиром Хачатуровым по одноименной готической повести Жака Казота, которая в очередной раз затрагивает тему искушения, контакта и контракта с потусторонними силами. Тема весьма популярная как в литературе, живописи, так и в музыке. Трудно даже подсчитать, сколько «фаустов» и «дон жуанов» всех мастей и вариаций имеется в распоряжении оперных домов. Тема яркая, благодатная и очень театральная — мистика, чудеса, маскарад, терпкий средиземноморский колорит — словом, раздолье для фантазии как композиторской, так и режиссерской, тем более, что дьявол в опере — женщина. Вустин, при всей неоперности своего музыкального языка, дает тем не менее весьма традиционный кастинговый расклад. Герой — классический высокий тенор (Антон Росицкий), дама — высокое сопрано (Дарья Терехова), слуга — комический бас (Максим Осокин), синтезирующий в себе черты Фигаро и Лепорелло, ревнивые соперницы героини — меццо (Наталья Зимина — оставленная любовница героя) и контральто (Александра Дурсенева — его мама, ревнующая сына ко всем женщинам вообще), сомнительные в своей искренности и роли друзья-подельники героя — басы-баритоны (Роман Улыбин и Феликс Кудрявцев). Изъясняется эта компания в основном двумя способами — либо просто разговаривает, либо поет в запредельно высокой тесситуре, своей взвинченностью подчеркивающей психологическую пограничность всего происходящего на сцене. И, конечно, не раз задействовано звукоусиление, все чаще становящееся общим местом уже даже и в классической опере.

По признанию команды постановщиков, многое из задуманного композитором пришлось сильно адаптировать для условий традиционного оперного стационара — иначе опус Вустина так и остался бы неисполненным. Спектакль Александра Тителя — Владимира Арефьева получился узнаваемым: раскачивающийся маятник, вращающийся круг, яркие видеопроекции в пустом пространстве, венецианские маски и нарочито громкая танцевальная испанщина (для нее пригласили хореографа фламенко Рикардо Кастро) — эти ниточки удерживают публику в привычных для нее рамках оперной традиции.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
Страница 5 из 6

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика