Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2019-01
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20007
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Янв 12, 2019 11:35 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019011206
Тема| Балет, балет Осло, Персоналии, Эрик Мурзагалиев
Автор| Евгения Бодрова
Заголовок| Эрик Мурзагалиев начинал карьеру танцора в Алматы, но 10 лет назад уехал в Европу. Мы с ним поговорили
Где опубликовано| © Informburo.kz
Дата публикации| 2019-01-11
Ссылка| https://informburo.kz/stati/erik-murzagaliev-nachinal-kareru-tancora-v-almaty-no-10-let-nazad-uehal-v-evropu-my-s-nim-pogovorili.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Эрик Мурзагалиев в постановке "Спартак" / Фото @Charles Tandy


Informburo.kz поговорил с казахстанским танцором, который живёт и работает в Европе, о том, как устроен европейский балет, о возвращении в Казахстан и закулисье

Сегодня Эрик Мурзагалиев работает в театре Осло, куда он переехал из Мюнхена. Но его карьера танцора началась в Алматы, где он окончил хореографическое училище. Эрик рассказал Informburo.kz о любимых ролях, о том, как за 8 лет пройти путь от танцора кордебалета до первого солиста, о закулисье театра, о причинах отъезда из Казахстана и о том, почему он вряд ли вернётся на родину.

Как всё начиналось

Когда я поступал в Алматинское хореографическое училище, внимание обращали в основном на физические данные. Мальчиков много, но берут не всех, мест не хватает. Я поступал в 2009 году, в то время это было единственное училище в стране с советских времён, туда съезжались со всего Казахстана. И вот меня привели в училище в возрасте 9 лет.

Основным инициатором была мама, она когда-то сама танцевала, училась на народном отделении того же хореографического училища. Я у тех же педагогов занимался. Я сильно не противился желанию мамы, в 9 лет особых стремлений не было, рано было решать, чего хочется, чего не хочется. До этого занимался спортивной гимнастикой, физическая подготовка уже была. Вообще любовь к танцам в нашей семье давно. Моя прабабушка – Жамиля Нурмагамбетовна Шашкина, народная артистка. В этом году будет 10 лет со дня её смерти.

Но чего я не ожидал, когда поступил в училище, так это той строгости, что есть в балете. Всё по расписанию, словно в армии. Балет – это такая штука, которую постоянно хочется бросить, потому что очень тяжело физически и психологически. Это травмы, это боли постоянные. Зачем это надо, кому это всё нужно?

Не раз возникало такое желание и у меня. Физическая усталость давит на психику. Когда всё болит, кажется, что это не нужно, и возникает иллюзия, что это не то, чего ты хочешь. Я благодарен родителям, что они на меня не давили: мол, ты должен закончить. Была у меня свобода выбора, и в итоге я решил остаться. К лучшему, наверно, всё-таки, и каких-то успехов мне удалось добиться.

Путь из Алматы к сценам Европы

В балете большой конкурс не только среди девушек, но и среди юношей. Не все могут найти работу даже после выпуска. На нашем курсе выпустилось 11 мальчиков, это не так много, но на самом деле и немало, девочек было в два раза больше. Каждый год по 10, по 15, по 20 человек добираются до выпуска и выпускаются готовыми артистами, всем найти работу непросто.

Конечно, это не сотни юристов, не тысячи экономистов, но всё равно искусство – это нишевый рынок. После выпуска меня распределили в наш Алматинский театр оперы и балета, но я там так и не поработал. Мне очень хотелось уехать, в Европе больше возможностей: постоянно что-то новое происходит, какие-то проекты, много театров, выбор огромнейший. В любом более-менее крупном городе есть хороший театр, есть возможности для роста.

У нас в Казахстане театр в Алматы переживает не лучшие времена в финансовом плане. В Астане открылись два театра. Но выбора всё равно меньше. Ну и Европа – центр мировой культуры, Казахстан пока немного на отшибе стоит. Мне хотелось посмотреть мир. Причём у меня это желание возникло очень рано, я в 13-14 лет уже знал, что уеду из страны.

Я окончил училище в июне 2009-го, и мы с мамой уехали на фестиваль в Испании, я выступил там. После выступления подошла женщина и спросила, есть ли у меня работа, не хотел бы я поработать с ними в Швейцарии. Я ещё не знал тогда, что это бесплатно, в качестве студента. Но у меня было два варианта: или я хоть как-то уезжаю в Европу, даже вот так, или я в Алматы остаюсь.

В итоге я решил: вот она возможность – езжай. Швейцария – в центре Европы, даже географически оттуда ездить на просмотры очень легко. Жил на отцовские деньги около года. Я не скажу, что у меня отец богатый: он работал и большую часть зарплаты отправлял мне, это было, наверное, непросто.

После Швейцарии устроился в театр Мюнхена – Баварскую оперу. Там был открытый конкурс, и я его прошёл. Сначала попал в молодёжку – можно сказать, что это подготовительная группа, туда набирали людей на переходный период, там уже мы получали какие-то символические деньги, работали не бесплатно. Год-два – и потом, собственно, попадаешь в труппу театра.

Я попал в основную компанию через год. Мне помогли мои физические данные, с моим ростом мне проще пробиться. В основной труппе меня повысили до танцора кордебалета, потом я стал вторым солистом и в итоге до первого солиста дотанцевался. Но это практически уже самый верх. Чтобы до него дойти мне понадобилось 8 лет.

Закулисье, интриги и очередной переезд

Мне сейчас 27. Это мой первый сезон в театре Осло, танцую ведущие партии. Сюда приехал со своей девушкой, она из Англии, мы вместе танцевали в Мюнхене.
Пару лет назад в Баварской опере сменилось руководство, изменился репертуар, атмосфера. Да и 8 лет работы в одном театре – достаточное время, пора было что-то менять. Что касается атмосферы, то речь не о кознях за кулисами. Я бывал во многих странах, в Германии знаю много театров, где занимался и танцевал. В балетном мире все друг друга знают, и насколько я вижу сам, в Европе закулисной грязи мало. В России ещё есть. В Мариинке в Питере, может быть, уже не до такой степени, когда лезвия подбрасывают в обувь, но всё-таки есть жёсткая конкуренция. Всё-таки там 200 человек в труппе, и своего момента ждать можно очень долго. Там ведущих солистов 20 человек! Пока твой спектакль наступит, нужно набраться терпения.

В Европе как-то мягче всё, труппы меньше: 50 человек, 60, 70. После смены руководства в Баварской опере к нам пришёл русский директор, в этом ничего плохого нет, но к нам пришла и русская в какой-то степени дисциплина, та жёсткость, от которой я отвык. Кроме того, современного балета в Баварской опере стало меньше. На взгляд нового директора, это не то, что зрителю нужно. А здесь у нас довольно смешанный репертуар. Я и современный балет, и классику люблю. Это то же самое, как спросить: что лучше, чай или кофе?

О зарплатах танцоров в Казахстане и Европе

В Казахстане есть нужда выступать на корпоративах, потому что зарплаты в театрах очень маленькие. Как-то сравнивал зарплаты, когда девальвация началась, это было в Мюнхене, я как первый солист получал столько, сколько человек 15 в театре в Алматы. 2500 евро в месяц – стандартная зарплата танцора уже после всех вычетов на руки. А в Алматы ребята получали по 100-150 евро.

О харрасменте в театрах балета

Лично я не видел и не сталкивался, но я слышал, что подобное случается. В Осло целые митинги проходят по этому поводу: как бороться с нежелательным вниманием. У нас на сайте театра регулярно проводят анонимное голосование, анонимные опросники: за, против, сталкивались ли вы с подобным. Постоянно эту ситуацию мониторят.

О возвращении на родину

Это сложный вопрос для меня. Я в Казахстане бываю очень редко. Живу почти 10 лет в Европе. Был период, когда я 5 лет не приезжал на родину, и в те редкие разы, когда я там бываю, мне сложно приспособиться. Первым делом бросается в глаза отношение к работе. Народ (не все, конечно, но в большинстве случаев) относится спустя рукава к любой работе, где бы то ни было: водитель в автобусе, продавец в магазине, врач, – кто угодно. Люди к работе относятся, как к чему-то необходимому, что нужно делать, но не хочется: вот я здесь нахожусь, платите деньги, и я уж как-нибудь поработаю. И такое на всех уровнях. Когда в сфере услуг с кем-то контактируешь, это сразу бросается в глаза. Понятно, что там быть с родственниками здорово и замечательно, но на улице чувствуется холодок между людьми. Ты не можешь любому встречному улыбнуться – другой образ мышления.

Смена гражданства была очень непростым моментом для меня. Я пытался найти способ оставить казахстанский паспорт, но, к сожалению, двойное гражданство у нас запрещено. Очень волнительно было, когда я подписывал все эти справки. Но мне пришлось это сделать, потому что с немецким паспортом проще. Я очень много езжу по гастролям независимо от театра, самостоятельно, и с европейским паспортом практически не задумываешься о визах. Сел и поехал и по Европе, и по всему миру.

О любимых партиях

Самая любимая – это Онегин в одноимённом балете Джона Кранко, в Европе очень котируется этот балет. Джон Кранко был видным хореографом и постановщиком, "Онегин" – один из самых серьёзных балетов, и я станцевал главную партию, это было здорово. Красса танцевал в "Спартаке" – наверное, одна из моих любимых ролей. Солор в "Баядерке" или Тибальт в кранковском "Ромео и Джульетте", – много хороших ролей, но я думаю, что Онегин и Красс – мои любимые.

О планах

Хочу посмотреть мир, в Японии потанцевать – у них публика своеобразная. В Штатах я бы потанцевал. Ролей много хороших, всё, что мне дадут, я станцую, пока есть силы и возможности. Чем больше – тем лучше.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20007
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Янв 13, 2019 9:17 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019011301
Тема| Балет, Детский музыкальный театр имени Сац, Премьера, Персоналии, Кирилл Симонов, Вячеслав Окунев
Автор| Анна Галайда
Заголовок| Сказка компромиссов
"Спящая красавица" в театре имени Сац

Где опубликовано| © Российская газета - Федеральный выпуск №7763 (5)
Дата публикации| 2019-01-13
Ссылка| https://rg.ru/2019/01/13/v-teatre-imeni-sac-postavili-spiashchuiu-krasavicu.html
Аннотация| Премьера

Под занавес Года Петипа свое приношение к его 200-летию сделал Детский музыкальный театр имени Сац.


Сегодня "Спящая красавица" появляется на самых неожиданных сценах. Фото: Пресс-служба театра Натальи Сац

Несколько десятилетий назад увидеть в Москве "Спящую красавицу" можно было только в Большом театре - этот балет символизирует всю роскошь имперского балета. В оригинальной постановке в одном Крестьянском вальсе было занято 64 танцовщика, на свадебном балу принцесса и принц были окружены сотней придворных.

Но сегодня "Спящая красавица" появляется на самых неожиданных сценах. Театр имени Сац - одна из них. И то, что выбор был беспроигрышным, показала премьерная серия: зал был полон и, казалось, рисковал лопнуть от желающих забить даже проходы.

Взявшись за постановку, театр явно отдавал себе отчет, насколько компромиссным будет существование прекрасной принцессы из мира Людовика XIV в сером советском бетоне, каким является его здание. Оформить балет был приглашен Вячеслав Окунев, в своих лучших спектаклях умеющий превратить даже топорную синтетику в парчу и шелка. Дирижер Алевтина Иоффе смогла добиться от оркестра того, чтобы Чайковский звучал пусть не полнокровно, но динамично и деликатно по отношению к хореографии.

Самая сложная задача досталась хореографу Кириллу Симонову. Он значительно сократил неспешно развертывающуюся сказку до масштабов поста в соцсетях - вместо четырех часов эта "Спящая" укладывается в два с половиной. Она почти не останавливается на отвлеченные танцы, и несется галопом, пересказывая сюжет, но пересказывая его настолько четко, что можно обойтись без чтения либретто. Симонов самостоятельно ставит драматургически ключевые Крестьянский вальс (он обходится всего 14 танцовщицами), дуэт-встречу принца Дезире и принцессы Авроры в сцене видений (используя музыкальный антракт) и пантомимную сцену Авроры после пробуждения. Хореографическая одаренность постановщика отличается от мощного гения Петипа, но Симонов демонстрирует понимание классического стиля. Его номера подчеркивают и достоинства ведущих исполнителей - Анны Марковой, проходящей путь от стилистической глухоты и борьбы с техническими проблемами первого акта к почти ликующей свободе третьего, и Ивана Титова, на которого партия села как влитая. Остается жалеть, что Симонов не решился на авторскую "Спящую красавицу". Тогда хореографии Петипа не пришлось бы строить гримасы исполнителям, а принцу и принцессе праздновать свадьбу в огромном дворце, лишенном придворных.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пт Фев 15, 2019 11:07 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20007
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Янв 15, 2019 12:06 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019011501
Тема| Балет, Ковент-Гарден, Персоналии, Наталья Осипова
Автор| Сергей Николаевич
Заголовок| Наталья Осипова: Мне нравится ощущать себя земной и реальной — этому учит современный танец
Где опубликовано| © журнал «Сноб»
Дата публикации| 2019-01-15
Ссылка| https://snob.ru/entry/170948
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Сегодня она входит в пятерку первых балерин мира. Высоковольтные вращения, немыслимый прыжок и беспримерная энергия танца возвели Наталью Осипову в ранг главного балетного чуда нашего времени, существующего поверх всех барьеров, границ и форматов. Накануне выступления в Москве со звездой пообщался главный редактор журнала «Сноб» Сергей Николаевич


Наталья Осипова
Фото: Rick Guest


Официально приписанная к королевской труппе Ковент-Гардена, Наталья Осипова остается самой свободной и одновременно самой занятой танцовщицей. Сегодня она репетирует в Мельбурне, завтра выступает на гала-концерте в Нью-Йорке, а еще через какое-то время ее ждут в Перми, где она числится приглашенной примой. Проследить траекторию ее разъездов, как и вычислить все ее приземления, — занятие для сильных духом. Такие нагрузки просто нельзя себе вообразить. Тем не менее в Театре им. Станиславского и Немировича-Данченко 28 января грядет большая сольная программа, в которой Наталья Осипова предстанет в амплуа танцовщицы contemporary dance и, кажется, впервые заставит забыть о существовании классической пачки и балетных пуантов.

Ɔ. Помню, как в каком-то давнем фильме Юрий Николаевич Григорович мстительно ворчал: «Когда не могут танцевать классику, переходят на модерн». Но вас-то заподозрить в этом нельзя. Вы продолжаете успешно танцевать самые сложные партии классического репертуара, но при этом все больше тяготеете к современному танцу. Почему? Что вам это дает как балерине? Откуда в вас вдруг страсть к новой хореографии?

Современный танец за последние два десятилетия радикально поменялся. Это раньше можно было предположить, что его танцевать легче, чем классику. Сегодня модерн требует не меньшей выносливости и гибкости. К тому же там много акробатических па, которых с наскока никак не сделаешь. Во всяком случае, у меня они не получались. Буквально до последнего времени я продолжала ощущать себя классической балериной, пытающейся танцевать contemporary dance. Даже мои лондонские приятели надо мной шутили: ну когда же ты перестанешь быть примой на пуантах. Давай, вставай уже на полную ступню! Формально, кажется, нет ничего проще, но, когда начинаешь вникать и примерять все это на себя, понимаешь, что это другой мир.


Ɔ. Тем не менее среди ваших коллег считается, что, если танцуешь с детских лет Петипа, нельзя безнаказанно переходить на Макгрегора или Форсайта. Тело тебе обязательно отомстит. Другой темпоритм, другая пластика…

А я и не пытаюсь совмещать. Например, если у меня запланирована серия выступлений в больших балетах, как «Лебединое» или «Баядерка», я не буду рисковать. Но, как только образуется какой-то перерыв, я сразу бросаюсь в новый танец, как в воду. Для меня в этом тоже есть момент расслабления, чистой радости от самого движения. Поразительно, что современный танец дает ощущение абсолютной свободы. Тут я остаюсь один на один только с тем, что у меня в этот момент под ногами — пол сцены или репетиционного зала, песок на пляже, газон в саду… Неважно! Это и есть мой главный партнер. Именно с ним я начинаю взаимодействовать, осязать его кожей, припадать в попытке почувствовать новую энергию. Если классика — для меня это всегда движение вверх, некое невидимое усилие приподняться, воспарить, взлететь, то модерн, наоборот, тянет вниз. Ты из всех сил отталкиваешься и хочешь взлететь, но снова падаешь, как подкошенный. Все самое интересное с тобой происходит не где-то там, в воздухе, а здесь, сейчас на этой грешной земле. Мне нравится ощущать себя земной и реальной. И этому тоже учит современный танец.

Ɔ. При этом ваша новая программа, которую вы привозите в Москву, называется The Light Breath — легкое дыхание. Нет ли тут противоречия?

По-моему, нет, сама программа состоит из нескольких очень разных и очень непохожих друг на друга балетов. Например, «Факаду» Артура Питы я танцевала раньше с Иваном Васильевым в программе «Соло для двоих». Но сейчас это совсем другой балет, где хореограф даже изменил кое-где танцевальный рисунок. К счастью, в contemporary dance это можно себе позволить: поменять акценты, изменить трактовку, даже саму логику движений. Разумеется, это должен делать сам хореограф. И я очень благодарна Артуру за его готовность к творческому диалогу.

Мне очень дорог и другой балет Qutb в постановке изумительного мыслителя, философа современного танца Сири Ларби Шеркубаи. Он единственный, кто способен делать то, что я для себя называю «бесшовной» хореографией. Три истории сплетаются в один беспрерывный танец. Три танцовщика — два парня и девушка — становятся одним целым. На самом деле жить вместе — огромное и непостижимое искусство. Люди учатся этому всю жизнь. И, как мы знаем, не всегда это получается успешно. Балет Qutb, конечно, не может служить пособием. Тем не менее его месседж очевиден и действует безотказно на самых разных зрителей: любовь — это отказ от своего эго, любовь — ось, на которой держится мир.

Будет еще и совсем новый балет, которого никто не видел. Но всех карт пока раскрывать не хочу. Могу только сказать, что моим партнером станет замечательный Джейсон Киттельбергер, один из лучших танцовщиков modern dance. Мы давно выступаем вместе, и мне хотелось показать наш дуэт в Москве, где меня знают преимущественно как классическую балерину. Наша программа «Легкое дыхание», конечно, про любовь, которая всегда вдох, глоток свежего воздуха, новые эмоции, сила, вдохновение. Первая ассоциация, которая приходит на ум, — рассказ Ивана Бунина с тем же названием. Там ведь тоже любовь, и убийство из-за нее. Так что ничего особенно легкого!


Ɔ. Считается, что для балерины важнее всего, чтобы партнер, выражаясь балетным сленгом, «хорошо держал». А что для вас является определяющим при выборе сценического партнера?

Это сложно объяснить. Техническая сторона вопроса, безусловно, важна. Хорошо, чтобы партнер страховал, поддерживал, чтобы у него были надежные, сильные руки, в которых чувствуешь себя в безопасности, чтобы не срывал поддержки, не заваливал пируэты… Но для меня все-таки это не главное. Когда вы на сцене вдвоем, должна возникнуть какая-то вибрация. Англичане говорят chemistry — химия. Когда начинаешь общаться глаза в глаза, забыв обо всех сложностях хореографии, о предыдущих репетициях. Все вдруг отступает. Тело само вспомнит движения, услышав музыку, а вот какой-то внутренний обмен энергией может и не состояться. И от чего это зависит? Бог весть! Поэтому я так дорожу мгновениями, когда мы оказываемся с партнером на одной волне. Так было когда-то в юности у нас с Иваном Васильевым, так случилось недавно с Володей Шкляровым, замечательным солистом Мариинки, с которым я танцевала осенью в Лондоне «Манон» и «Маргарит и Армана». Что касается Джейсона Киттельбергера, это совсем другая история. Это contemporary dance, где чувства всегда обнаженнее, а движения могут быть очень откровенными. Джейсон — очень чувственный танцовщик. В нем есть эта мужская притягательность и сексуальность, без которых невозможно исполнить тот же Qutb. Кстати, сам он несколько лет был ассистентом у Сири Ларби Шеркубаи и досконально изучил его пластический язык. Поэтому в дуэте с Джейсоном я поначалу чувствовала себя ведомой. Но, может быть, впервые смогла оценить, какое это наслаждение — подчиняться тому, кто опытнее тебя.

Ɔ. Я так понимаю, что с имиджем «классической балерины» вы сейчас упорно боретесь. Только в сентябре 2018 года прошла премьера «Айседоры» в постановке Владимира Варнавы. Какова судьба этого балета?

Я надеюсь, что «Айседору» ждет счастливая гастрольная судьба. Мы еще с ней поездим по миру. Что-то там получилось безусловно интересно, над чем-то надо еще поработать или даже придумать заново. Но «Айседора» не отпускает меня. Уверена, что наши пути с ней еще пересекутся.


Ɔ. А в юности у вас были балерины, которым вы хотели бы подражать и кто служил для вас своего рода эталоном счастливой балетной судьбы?

Чтобы подражать или кого-то повторять — нет, такого про себя не припомню. Но есть две танцовщицы, которые всегда казались мне какими-то космическими пришелицами, подражать которым бессмысленно. Это великая итальянка Алессандра Ферри. Я могла расплакаться просто от одного только зрелища, как она делала несколько шагов по сцене и замирала в арабеске. Так это было прекрасно, столько в ее движениях было женственности и какого-то внутреннего достоинства! Или француженка Сильви Гиллем — совсем другой женский типаж. Внутренне очень жесткая, абсолютно неприступная, но способная на сцене творить чудеса. После нее балет уже не может быть прежним.


Ɔ. Интересно, что по темпераменту и внешним данным вы никак не подходите для звезды Ковент-Гардена, который всегда культивировал в балете образ леди, балетной аристократки, вечной «Ундины» типа Марго Фонтейн. Как вам удалось сломать эту традицию?

А я ничего и не ломала. Да и зачем? С самого начала всем было ясно, что я никогда не стану англичанкой в балете. И это всех устраивает. Более того, мое иностранное происхождение позволяет мне достаточно вольно обращаться с классическими версиями английских балетов Аштона, Макмиллана, которые идут в Ковент-Гардене по 30–40 и даже более лет. То, что, наверное, англичане никогда бы не простили своей балерине, мне легко сходит с рук. Ну, она же русская, и этим все сказано! Мне прощают мой русский акцент и в балете, и в жизни. В этом смысле англичане очень воспитанные и толерантные люди. Уверена, что, останься я в Большом, у меня бы не было такой свободы. Там все-таки другая культура исполнения и отношение к балетным традициям.


Ɔ. Сейчас, пока мы разговариваем с вами по WhatsApp, вы добираетесь до пляжа где-то в Австралии. Потом вы возвращаетесь в Лондон, планируется Нью-Йорк, а там еще и Пермь… Где сегодня ваш дом?

Сейчас это Лондон. Здесь моя квартира, друзья, мой театр Ковент-Гарден. И конечно, Sadler Wells, где я репетирую свои новые программы. Но при этом есть Москва, куда я тоже всегда стремлюсь, где меня ждут родители и моя публика. Поэтому мне так хочется удивить и порадовать их чем-то новым, чего от меня никто не ждал. Мол, видите, что я еще умею, кроме Китри и Жизели.
Ɔ.
=======================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20007
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Янв 15, 2019 12:50 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019011502
Тема| Балет, Самарский академический театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Юрий Смекалов
Автор| Маргарита Петрова
Заголовок| Солист и балетмейстер-постановщик Мариинского театра Юрий Смекалов о спектакле «Три маски короля»
Где опубликовано| © «Самарская газета»
Дата публикации| 2019-01-15
Ссылка| http://sgpress.ru/news/111388
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В феврале в Самарском академическом театре оперы и балета состоится премьера уникального спектакля.



Балет с оригинальными либретто и музыкой впервые будет показан именно в нашем городе. Кроме того, это первый меценатский проект в самарском оперном. Солист и балетмейстер-постановщик Мариинского театра Юрий Смекалов рассказал «СГ» о спектакле «Три маски короля».

— Как возникла идея проекта?

— Руководитель петербургской строительной организации Вячеслав Заренков имеет театр «Килизэ» для реализации собственных творческих проектов. Пишет рассказы, романы, уже создал несколько либретто. Довольно давно он написал сказку «Три маски короля», а композитор Михаил Крылов — музыку к ней. Эта команда приглашала меня к сотрудничеству, но в силу занятости не получалось. И вот наконец все сошлось.

Моим условием было, что я смогу вносить правки в литературный и музыкальный материал. Либретто мы немного изменили. Сказка превратилась в философскую притчу. Это история и для взрослых, и для детей. Зрители разных возрастов смогут увидеть в ней свои смыслы. Музыку тоже меняем, усложняем, делаем более современной. В звучание оркестра вводим звуковые шумы и саунд-дизайн. Некоторыми номерами дирижер будет управлять под клик. Наушник с метрономом поможет ему точно в ритм давать команды оркестру, чтобы попадать в шумовые эффекты. Придуманный нашим саунд-дизайнером Владом Жуковым шум будет совмещен с партитурой. Мне кажется, это будет интересно самарскому зрителю.

— Расскажите о сюжете спектакля.

— Действие происходит в несуществующей стране придуманного мира. Это антиутопия, сочетающая признаки различных эпох. Король носит маску, как и все. Они понимают, что быть открытым и искренним важно, но продолжают скрывать лицо.

В суть этой истории я бы хотел вложить различные ассоциативные мысли и впечатления. Каждый может увидеть в ней свое. Есть и сюжет — любовный треугольник. Король влюбляется, мечтает освободиться от маски. Министр хочет забрать у него власть. Но по сути все это происходит в голове у одного человека. На сцене — олицетворение внутренней борьбы добра со злом, которые есть в каждом из нас. Мы все носим маски: профессии, характера, социального статуса и другие.

Жанр постановки — притча, поскольку в ней есть нравоучение: от масок необходимо избавляться. В конце герой узнает, к чему может привести полная открытость. Это философское рассуждение о сути человеческого поведения в придуманном мире.

Определить точно место и время действия невозможно. На сцене сочетаются признаки античности, средневековья, современности. Основная мысль: человек не меняется. Трансформируются только форма существования, внешний вид, уровень материального благополучия. Суть поведения и страстей остается неизменной на протяжении всего времени развития цивилизации.

— Как родилась идея сценографии?

— Мы летели на первую встречу с генеральным директором Самарского театра оперы и балета Натальей Глуховой, руководителем балетной труппы Юрием Бурлакой и дирижером-постановщиком Евгением Хохловым. Никаких эскизов у нас еще не было, только мое впечатление о том, как должен выглядеть спектакль. Пока самолет взлетал, я минут на 15 задремал и во сне увидел декорации. Как только мы прибыли на место, я рассказал о них художнику-постановщику Вячеславу Окуневу. Спросил, можно ли это воплотить, чтобы было интересно, зрелищно и удобно с точки зрения технологии. Он сказал, что подумает. Уже через месяц, на основе «сонного технического задания» Слава нарисовал мне первые эскизы, которые всех очень впечатлили. Сейчас продолжаем создавать образ спектакля, обсуждаем костюмы, декорации.

— А как они выглядят?

— Огромная античная маска-трансформер, которая может разъезжаться на части. Переворачиваясь, она будет формировать пространство дворца, спальню короля, кабинет министра. Глаза — это окна. У них есть станки как балконы, на которых можно останавливаться. Маска сделана таким образом, что на нее легко сделать видео-мэппинг. Таким образом она будет оживать: плакать, смеяться, принимать облик воина, троиться. В макете все это смотрится объемно и интересно с точки зрения сюжета.

— Как вам работается с самарской труппой?

— Мне очень нравится. С приходом Юрия Петровича Бурлаки многое изменилось в отношении к работе. Трудятся ребята по полной. Немногие столичные театры выпускают премьеру за премьерой. Артисты мотивированы, полны энтузиазма. С современной хореографией они не сталкивались. Я стараюсь рассказать им про основы контемпорари, партнеринга, в то же время мы используем и неоклассический стиль и пальцевую технику — успеваем проводить мастер-классы, ищем образность. Важно, что и самарский зритель познакомится с этим направлением балета. Здесь нужен баланс — спектакль не станет излишне концептуальным и слишком сложным. Публике должно быть интересно.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20007
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Янв 15, 2019 9:07 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019011503
Тема| Балет, Национальная опера "Эстония", Гастроли в Москве
Автор| Анна Галайда
Заголовок| Опера "Эстония" выступила на Исторической сцене Большого театра
Где опубликовано| © Российская газета
Дата публикации| 2019-01-15
Ссылка| https://rg.ru/2019/01/15/reg-cfo/opera-estoniia-vystupila-na-istoricheskoj-scene-bolshogo-teatra.html
Аннотация| ГАСТРОЛИ

В Москву эстонцы приехали практически всем театром - балетная труппа привезла "Белоснежку и 7 гномов" и "Модильяни, проклятого художника", оперу - "Тоску" и концертные номера, которые стали частью совместного гала с Большим театром. В постсоветское время так всесторонне показать себя в России не имел возможности ни один из театров бывших союзных республик.

Отдельные спектакли Национальная опера "Эстония" привозила два года назад. Тогда среди изобилия культурных событий выступления на сцене "Геликон-оперы" прошли почти незамеченными. Но эстонцы помнят тот триумф, который театр пережил двадцать восемь лет назад, когда труппа последний раз выступала на сцене Большого театра.

Помнят его и многие москвичи. Неудивительно, что зал Исторической сцены на нынешних гастролях тоже был полон, тем более что гости стратегически выстроили программу: "Тоска" идет только в одном московском театре, "Белоснежка" (ее показали даже дважды) помогает восполнить вечный дефицит детских спектаклей, а "Модильяни" привлекал и именем главного героя, и возможностью увидеть оригинальную эстонскую хореографию, ведь в советские времена театры "Эстония" и "Ванемуйне" были символом танцевального прогресса и смелых экспериментов, а хореограф Май Мурдмаа воспринималась нашим ответом Бежару.

"Тоска", хотя и была представлена в банальной режиссуре литовца Раймундаса Баниониса, не разрушила музыкальную репутацию эстонцев. Сложнее оказалось балетной труппе. "Белоснежку и 7 гномов" экспортировали в Таллин еще до прихода нынешнего худрука балета Тоомаса Эдура, занимающего этот пост десять лет. Ее постановщики - венгерская команда, в которую входили композитор Тибор Кочак, хореограф Дьюла Харангозо, сценограф Кентавр и художник по костюмам Рита Велих. Но все они буквально скрылись за создателями диснеевского мультфильма, стремясь сделать узнаваемой его музыку, драматургию, костюмы, даже не делая скидку на то, что мультфильм был снят в 1937 году, для бабушек и дедушек нынешних зрителей.

Эстонцы помнят тот триумф, который театр пережил двадцать восемь лет назад, когда труппа выступила на сцене Большого театра

Артисты жирно разрисованы гримом, горку в лесу устанавливают прямо на глазах публики, а волшебное зеркало не скрывает отсутствия стекла в раме. Соответствуют этой эстетике и танцы - при появлении Мачехи артисты так неистово изображают дрожь в коленях, что идут рябью рисованные декорации. Танцы в этой постановке так незамысловаты, будто рассчитаны на самодеятельных артистов, и описывать их удобнее как подскоки, кружения и приплясывания, а не арабески, шене и жете. Относительно развернутые танцевальные партии достались лишь гному Зазнайке (Сергей Упкин) и Егерю (Анатолий Архангельский). От Мачехи (Алена Шкатула) и Белоснежки (Лаура Мая) требуется лишь легкий прыжок да несколько пируэтов, которые не всегда удается обеспечить надежно - и много выразительной пластики. Хореограф Дьюла Харангозо не просто ставит неинтересную хореографию - он мыслит пантомимой, как это было принято в середине прошлого века.

Можно было предположить, что "Модильяни, проклятый художник" во всем будет контрастом "Белоснежке". Его поставил в 2012 году сам Тоомас Эдур, нынешний руководитель эстонского балета, сделавший хорошую европейскую карьеру как исполнитель, заслуживший репутацию танцовщика с аналитическим складом ума. А его многолетняя работа в Английском национальном балете позволяла надеяться, что от британских хореографов-классиков он научился мастерству постановки больших сюжетных балетов, требующих выразительной актерской игры. Каково же было разочарование, когда в первой же сцене Модильяни (Анатолий Архангельский) начал натужно кашлять, изображая туберкулез, а потом и вовсе посвятил огромную часть сценического времени, стоя перед мольбертом и водя по нему кистью.

Однако один из самых знаменитых представителей парижской богемы все же был выбран в главные герои не для этого. Главной темой балета стали отношения Модильяни с женщинами и его музой - Жанной Эбютерн (Алена Шкатула). Но дальше арабесков и тасканий балерины то по полу, то на плечах фантазия хореографа тоже не развилась. Тем не менее, он позволил заметить, что технические возможности труппы весьма ограничены, а эстетические пристрастия застыли в те времена, когда женская фигура в купальнике телесного цвета на бедре партнера казалась пределом революционности.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пт Фев 15, 2019 11:09 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20007
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Янв 16, 2019 11:35 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019011601
Тема| Балет, Приморская сцена Мариинского театра, Балетная труппа "Асами Маки Балет", Гастроли
Автор| Ирина Дробышева
Заголовок| Во Владивостоке впервые показали японский балет Asuka
Где опубликовано| © Российская газета
Дата публикации| 2019-01-16
Ссылка| https://rg.ru/2019/01/16/reg-dfo/vo-vladivostoke-vpervye-pokazali-iaponskij-balet-asuka.html
Аннотация| ГАСТРОЛИ

Балетная труппа из Токио "Асами Маки Балет" начала четырехдневные гастроли на Приморской сцене Мариинского театра с одного из самых известных балетов Страны восходящего солнца - "Легенды о боге Драконе (Asuka)".


Фото: Пресс-служба Приморской сцены Мариинского театра

Впервые он был показан в 1964 году в рамках культурной программы Олимпийских игр в Токио, а поставила его мать нынешнего руководителя труппы. Позднее Асами Маки адаптировала постановку под европейскую традицию. Теперь балет исполняется в сопровождении не японских инструментов, а симфонического оркестра.

В основе сюжета - драматичная история любви сына охотника Иватари и удочеренной его родителями девочки Сугару-Отомэ, которую выбрал себе в жены владыка драконов. В красочной и яркой постановке классика балета органично переплетается с национальными мотивами и колоритом, а видеоинсталляции вместо привычных декораций еще больше "погружают" в атмосферу.

- Мы взяли за основу классическую европейскую хореографию, но для нас также было важно показать национальный колорит, поэтому мы использовали элементы придворного танца бугаку и музыки гагаку. А история любви понятна и близка всем. Отмечу, что до 2016 года у этого балета был печальный конец, но мы решили его изменить, сделать более радостным для зрителей, чтобы девушка нашла свою любовь. Мы очень волнуемся, так как я и моя мама учились у балетных педагогов, выходцев из Мариинского театра. Мы уже выступали в Москве и Санкт-Петербурге, но этот спектакль впервые привезли в Россию, - рассказала на пресс-конференции руководитель труппы Асами Маки.

Первый спектакль прошел 15 января с аншлагом. "Очень красиво, ярко и эмоционально", - делились своими впечатлениями приморцы.

19 января состоится Гала-концерт. Откроет вечер Grand pas de Fiancees- исключенный Мариусом Петипа и Львом Ивановым из их редакции "Лебединого озера" отрывок будет представлен в хореографии Джека Картера. Также в программе концерта Grand pas из балета "Дон Кихот" (хореография Мариуса Петипа и Александра Горского), неоклассический балет "Констанция" (хореография Уильяма Доллара), "Вариация для четырёх" (хореографии художественного руководителя труппы "Асами Маки Балет" Кёдзо Митани). В завершение вечера артисты труппы представят "Болеро" в хореографии Петера Бройера.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20007
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Янв 16, 2019 11:45 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019011602
Тема| Балет, Самарский академический театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Карен Хачатурян, Генрих Майоров, Андрей Данилов, Дмитрий Чербаджи
Автор| Роман Володченков
Заголовок| Самарская премьера «Чиполлино» Генриха Майорова
Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2019-01-15
Ссылка| https://musicseasons.org/samarskaya-premera-chipollino-genrixa-majorova/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



В начале декабря на сцене Самарского академического театра оперы и балета состоялась премьера балета Карена Хачатуряна «Чиполлино» в постановке Генриха Майорова. Этот спектакль по сказке Джанни Родари известен не одному поколению зрителей. Впервые свет рампы он увидел еще в 1974 году. Тогда Майоров, воодушевленный предложением композитора, поставил балет специально для танцевальной труппы киевского Театра оперы и балета имени Т. Шевченко.

Время не властно над майоровским «Чиполлино»: динамичный, изобретательный по хореографии, увлекающий темпераментной и колоритной музыкой, он и сегодня поднимает настроение зрителей, обращает внимание на профессиональный тандем авторов-создателей. Казалось бы, современные постановщики могли бы взять за образец этот балет! И наверняка у них получилось бы не мало новых талантливых танцевальных спектаклей, но пока что дотянуться до высокого уровня «Чиполлино» Хачатуряна/Майорова никому не удавалось. Вот и выходит, что созданный почти 45 лет назад спектакль уже превратился в классику и, не зная конкуренции, снова и снова входит в репертуар очередного музыкального театра. Своим же появлением в Самарском театре оперы и балета он во многом обязан его генеральному директору Наталье Степановне Глуховой, которая, как и многие зрители, подпала под обаяние вечно молодого «Чиполлино» Майорова, и уже давно мечтала, чтобы он появился на местной сцене.

Своими впечатлениями о работе над «Чиполлино» в Самаре поделились дирижер и художник постановки, педагоги, подготовившие с артистами главные партии в балете.

Дирижер-постановщик, лауреат российской национальной театральной премии «Золотая маска» Андрей Данилов:

«Хореография “Чиполлино” Генриха Майорова отображает характер музыки, характер того или иного персонажа известной сказки. Здесь есть пластические характеристики, которые точно совпадают с музыкальными образами. В этом смысле Генрих Александрович очень тонко подошел к данной истории и нашел для каждого персонажа свой облик, сочетающийся с музыкальными акцентами. И, то, что я заметил на репетициях — Майоров настойчиво требовал, чтобы артисты исполняли свои элементы точно в музыку. Это ценное качество! В “Чиполлино” музыка и хореография должны идти параллельными курсами.

Разногласий у нас с Майоровым не было. Мы работали в одном ключе. А что до пожеланий хореографа, то это касалось скорее деталей, нежели целого. Майоров четко следовал указаниям партитуры и поэтому у меня не возникло никаких неожиданностей. Думаю, что, работая над первой постановкой ”Чиполлино”, композитор и хореограф уже все определили: темпы, образы и другие детали. Их тандем сложился. А нам оставалось только перенести это в нашу постановку. Но, естественно, что каждую краску современный исполнитель чувствует немного по-другому. И поэтому своей энергией, и живым восприятием он добавляет что-то новое.

В музыке Карена Хачатуряна чувствуются отголоски произведений его великого дяди — Арама Ильича Хачатуряна. И в тоже время слышится, что Карен Хачатурян был учеником Дмитрия Шостаковича и других великих советских композиторов. Но он нашел свое, особое сочетание серьезных драматических и шутливо-сатирических элементов. И он, безусловно, сочинял этот балет из расчета на детскую аудиторию. Такая полуэстрадная, ясная, простая манера у него сочетается с серьезной музыкой. Тут найдена грань, где музыка не становится легкой или банальной. Но, в тоже время, мелодика балета ложится на слух и доступно воспринимается. Яркая, насыщенная палитра ”Чиполлино” сочетает в себе драматические элементы, напоминающие ”Спартак” Арама Хачатуряна и веселые мотивы, использованные композитором в мультфильмах. Но одно с другим не входит в спор. Балет Карена Хачатуряна — это эклектичное, но художественно целостное произведение.

Меня восхищает сама хореография, насыщенная виртуозными классическими элементами. Она смотрится современно, свежо. Генрих Майоров — потрясающей жизненной энергии и большого юмора человек. То, как он работал с труппой, как он находил нужные слова в нужный момент: где-то подбодрить, где-то привести в чувства и расставить правильные акценты — это, конечно, не могло не восхитить. Это была прекрасная атмосфера, когда Майоров появлялся и всегда находил несколько слов, чтобы поприветствовать оркестр. С ним хотелось работать и с ним всегда существовала взаимосвязь — художественная и психологическая».

Художник-постановщик, художник по костюмам, академик Российской академии художеств Дмитрий Чербаджи:

«С Генрихом Майоровым мы познакомились в Уфе, где я работал вместе с Юрием Григоровичем над “Тщетной предосторожностью”. Он приехал туда на премьеру. Спустя время Майоров позвонил и предложил мне поработать над балетом ”Белоснежка и семь гномов” в Большом театре. Я с удовольствием откликнулся.

Майоров человек, как раньше говорили на Руси, просвещенный, с колоссальным знанием истории и мировой культуры. Он очень интересный, с большим чувством юмора человек. В работе Майоров легкий, энергичный, азартный. Он доверяет мне, и я ему предлагаю уже готовое решение спектакля. Естественно, иногда приходится что-то добавлять или менять.

Прежде чем придумать некое пространство спектакля мне необходимо изучить материал, услышать музыку: хореография, костюмы и декорации должны сочетаться с замыслом композитора. Необходимо, чтобы музыка зазвучала в спектакле, а у зрителей создалось впечатление фантастического сценического пространства.

Когда я работал над классическими балетами — ”Лебединым озером”, ”Дон Кихотом”, ”Баядеркой” или ”Эсмеральдой” — не пытался быть точным в деталях и передать узнаваемые дворцы или пейзажи. На сцене зрители должны увидеть то, что никогда не встречали в жизни. Так, к примеру, вы смогли нарисовать замечательный дворец, но зачем он нужен, если его можно увидеть в книге, и тогда зачем вы нужны как художник?! Момент же фантастического преобразования особенно интересен и зрителям, и художнику. Очень люблю детские спектакли, такие как ”Щелкунчик”, ”Чиполлино”, ”Белоснежка”. Они дают простор фантазии художника. Здесь можешь сочинять и придумывать все, что хочешь. В оформлении ”Чиполлино” я использовал чисто ассоциативные образы.

Когда человек учится, он должен брать лучшее от всех: педагогов, сокурсников, друзей, от тех, кто творил пятьдесят и сто лет назад, и это помогает ему вырасти в своей профессии. Мне очень нравится Леон Бакст. Это не значит, что я копирую его манеру. Учусь театральным, сценическим приемам. Многому научился у Симона Вирсаладзе. Он прекрасно решал сценическое балетное пространство. Художник должен помочь создать атмосферу, чтобы хореография, артисты, декорации смогли гармонично сосуществовать на сцене, не мешая друг другу. Вместе с тем важно создать ощущение, чтобы артисты сочетались на сцене как цветы в букете, что, как раз и присутствует у Бакста: это ощущение единого сценического пространства, созвучного с музыкальным произведением.

Я прошел очень хорошую школу. Начинал в Большом театре, где художники серьезно подходили к работе: начиная от эскизов и макетов они разрабатывали все досконально. Поэтому и я привык давать достаточно подробный материал.

А получилось это у меня или нет, решать зрителю».

Репетиторы

Заслуженная артистка России Ольга Бараховская:

«Этот спектакль нам нужен. ”Чиполлино” Генриха Майорова — очень хороший детский балет! Над ним мы работали с удовольствием. Настолько он музыкальный: ни одной нотки просто так в нем не звучит! И мы, репетируя с артистами, постарались, чтобы ничего не было пустого, чтобы все было на музыку: каждый жест, каждый взгляд. Технически ”Чиполлино” — сложный спектакль и для артистов, и для педагогов. ”Лебединое озеро” — сложно и ”Чиполлино”. Каждый балет по-своему».

Заслуженная артистка России Валентина Пономаренко:

«Считаю, что молодое поколение должно воспитываться на таких спектаклях, как ”Щелкунчик”, ”Спящая красавица” и ”Чиполлино”! Поскольку здесь задействована уникальная техника классического танца и звучит музыка выдающихся композиторов. Именно такие спектакли оперный театр должен держать не только для вечерних представлений, но и для утренников. Я не сторонница того, когда в академическом музыкальном театре идут дневные спектакли-мюзиклы или спектакли в стиле мюзикла. Это не в традициях нашего русского театра.

”Чиполлино” — непростое испытание для балетной труппы и оркестра. Сегодняшний наш спектакль – премьерный – отличается чистотой и качеством хореографии, поставленной Генрихом Майоровым. Артисты танцуют именно то, что поставлено. И это в традициях нашего театра. Мы берем то, с чем можем справиться!»



Фото Антона Сенько предоставлены пресс-службой

Самарского академического театра оперы и балета

========================================================================
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пт Фев 15, 2019 11:12 pm), всего редактировалось 2 раз(а)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20007
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Янв 16, 2019 5:06 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019011603
Тема| Балет, НОУ, Персоналии, Катерина Кухар
Автор| Марина Гонтарь
Заголовок| Катерина Кухар – о ритме жизни, любви к сцене и новых проектах
Где опубликовано| © Аргументы и Факты - Украина № 1-2 16/01/2019
Дата публикации| 2019-01-16
Ссылка| http://www.aif.ua/culture/person/katerina_kuhar_o_ritme_zhizni_lyubvi_k_scene_i_novyh_proektah
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В нашем интервью прима-балерина Катерина Кухар поделилась планами на свой день рождения и рассказала о любимых партиях в балете.


Катерина Кухар – о ритме жизни, любви к сцене и новых проектах © / Фейсбук

«В калейдоскопе бурных событий стараюсь все успевать. Ритм высокий, иногда без полноценных выходных», - рассказала «АиФ» прима-балерина Национальной оперы Украины им. Тараса Шевченко Катерина Кухар.

В темпе аллегро

Катерина, вы - неуловимы. Осенью вы были заняты подготовкой к премьере балета «Дети ночи» и в шоу «Танці з зірками», после улетели в США, вернулись на новогодние праздники и снова уезжаете.

- Да, даже команда Стояновки из «Лиги Смеха» поехали со мной на гастроли во всеукраинский тур «Дети ночи», чтоб познакомиться и прорепетировать наш номер, который мы готовили к финалу, мы репетировали просто в машине. Благодарна ребятам за их понимание и великолепное чувство юмора.

- Это был для вас новый опыт, вы переживали?

- Очень. К тому же, у меня перед выходом на сцену был небольшой стресс. Дело в том, что за много лет уже установился порядок подготовки к спектаклю: я одеваю свой крестик, в гримерке стоит икона и горит арома-свеча. А в тот вечер выступала в совершенно новом амплуа, в качестве комедийной актрисы, и перед выходом на сцену обнаружила, что забыла все дома. Пришлось брать себя в руки, чтоб предрассудки не помешали выступлению.

Все праздники – на сцене

- Мы встречаемся в преддверие вашего Дня рождения, расскажите, как планируете праздновать?


- Отпраздную, как обычно, на сцене. В этом году буду танцевать во Франции «Лебединое озеро». В прошлом году я также была в двухмесячном туре во Франции и танцевала Жизель. Однажды у нас с театром был ежегодный зимний тур и на 17 января пришелся спектакль «Спящая красавица», в канун моего Дня рождения... Задержался рейс и пришлось где-то минут на 40 позже начать спектакль, который и без того планировался на 8 вечера. В общем, свой День рождения я встретила на французской сцене ровно в 12:00 ночи... и была СЧАСТЛИВА. Дети из местной балетной школы выбежали на сцену с цветами и большим кроликом – балериной, было очень мило…

- Вам не хотелось бы в этот день сделать себе законный выходной?

- У артистов балета законный выходной в понедельник, хотя это не всегда получается. Например, мы с Александром Стояновым уже много лет танцуем в новогоднюю ночь, 31 декабря в 17:00, а в этом году Новый год пришелся на понедельник. Все зависит от настроя. Если дать себе установку, что это норма – твой мозг эту нагрузку воспринимает как должную.

Любимые роли

- Сейчас у вас столько партий – и Кармен, и Джульетта, и Жизель. Помните свой первый спектакль?


- Конечно. В 16 лет я вышла на сцену Bunka Kaikan в Японии в партии Машеньки из балета «Щелкунчик».

- А какая партия сейчас самая любимая?

- Я отождествляю себя со многими своими героинями. Мне нравится и Кармен за ее темперамент, и Аврора из «Спящей красавицы», и Сюзанна в балете «Свадьба Фигаро» за юмор и легкость, я люблю и Джульетту, и Жизель за то, что могу раскрыться не только как балерина, но и как драматическая актриса - сыграть доверчивую, открытую миру крестьянскую девушку. А уже когда Жизель понимает, что жених ее предал, она должна очень быстро повзрослеть и мне необходимо передать зрителю всю ту боль и горесть утраты, предательства, которые она переживает, сыграть сцену сумасшествия и смерти. Во время этой сцены у зрителя должны побежать мурашки по коже. Я люблю все партии, которые танцую.

«Дети ночи»

- Нет ли в планах поставить свой спектакль?


- Пока об этом не думала. Сейчас для нас создают постановки замечательные хореографы. В прошлом году Александр Абдукаримов для меня и Александра Стоянова создал постановку «Дети ночи», мы ее показали всей Украине. Премьера прошла в Киеве. В основе лежит греческая легенда об Андрогинах, мифических существах, которые обладали двумя парами рук и ног, двумя лицами. Они возгордились своей красотой и могуществом, возомнили себя равными Богу, за что Зевс их разделил на две части – мужскую и женскую. С тех пор каждая из этих частей вынуждена искать свою половинку.

- Расскажите, как вы нашли свою половинку?

- Саша пришел в театр, и мой педагог Элеонора Михайловна Стебляк поставила нас в пару. Поначалу я не обрадовалась, он был не совсем опытным партнером, мог даже прийти на репетицию неподготовленным. Меня, как перфекциониста, это раздражало.

Саша очень многое сделал, чтобы я на него обратила внимание. Он стал для меня не только идеальным партнером, но и другом. Я ему доверяла самое сокровенное, плакалась в плечо. Если бы могла тогда предвидеть, что он станет моим мужем, то не стала бы так много рассказывать (смеется). И вот однажды на гастролях в Марбелии мы пошли вечером на пляж искупаться. Импресарио не хотели нас отпускать, была уже осень, он боялся, что мы заболеем. Но вечер оказался волшебный – теплый, бархатный… Именно на том пляже мы поддались волшебству испанской ночи и поняли, что намного больше друг для друга, чем просто друзья и партнеры.

- Люди искусства – это вулкан эмоций. Вы с Александром часто ссоритесь?

- Если это происходит, то чаще всего из-за быстрой езды Александра и в вопросе воспитания детей.

- А на репетициях случаются размолвки?

- Сейчас очень редко. Саша может отказаться проходить со мной адажио – это дуэтный танец, в котором проявляются чувства партнеров, чаще всего страсть и любовь. Он говорит: «Ты мне сегодня испортила настроение, я с тобой репетировать не буду». У нас с ним разный подход к репетициям. Меня учили, что для того, чтобы на сцене получилось 100%, в зале нужно сделать 130%. А Саша экономит силы, не выкладывается и до конца, чтобы потом все выплеснуть на сцене. Он может позволить себе это, у него идеальные балетные данные. Но с ним мы настолько станцованы, что, выходя на сцену, я не задумываюсь о технике, а просто получаю удовольствия от танца.

Как стать примой

- Скажите, на что обратить внимание, если решили отдать ребенка в балетную школу или на гимнастику?


- Если родители видят хрупкое телосложение ребенка, мягкую мышцу, тонкую кость, пластичность, музыкальность, то стоит показать его профессионалу. Для начала это может быть художественная гимнастика, танцы. Позже можно поступить в хореографическое училище, но получится не у всех.

- Вас в училище называли «Дженнифер Лопес», за неформатную фигуру занижали вам оценки, но сейчас вы – как тростинка. Откройте ваш секрет?

- Я много трудилась, придерживалась диеты. С возрастом организм перестроился. А позже поняла, что балерины танцуют в пачках, и в них этот нюанс не бросается в глаза. Сейчас периодически придерживаюсь диеты. Например, летом во время отдыха или после родов. Стараюсь есть цитрусовые, мучные продукты ем только после спектакля. Маленькую коробочку шоколадных конфет ручной работы могу растягивать на 2-3 недели.

- Оглядываясь назад, как думаете – что помогло вам достичь успеха?

- Решающими качествами для артиста балета являются физические данные и характер, который формируется с первых дней занятий. С детства нас приучают к трудолюбию, терпению и жесткой дисциплине. Большую роль играют семья и педагоги. Со стороны семьи – это жертвенность, особенно когда хочется заняться личными вопросами, а пропускать практически ежедневные занятия нельзя.

Перед поступлением в хореографическое училище в течение года я занималась с Галиной Михайловной Панковой, мне было 8 лет. Почти на каждой тренировке я рыдала, когда меня растягивали с грузом. Меня сажали на 15-20 минут на поперечный шпагат с двух стульев. Одна нога на одном стуле, другая на другом, сверху груз в 5 килограмм, я бедрами должна была достать до пола. Пока я в этом положении сидела, педагог в соседней комнате пила чай с моей мамой.

- Ваша бабушка ради вашей карьеры и учебы пожертвовала собой, уйдя с должности начальника. Не жалеете о таком ее решении?

- Только сейчас я могу понять и оценить, какая это была жертва. Она ушла с хорошей должности без раздумий, чтобы быть рядом со своим комнатным цветочком, оберегать меня, забирать из училища, помогать и поддерживать. Безмерно ей благодарна.

- Вы смогли бы поступить также, если бы потребовалось?

- Я всегда боюсь и таких вопросов, мне кажется, что судьба может устроить проверку (улыбается). Каждая мама старается для своих детей, я не исключение.

Новые «танцы»

- А что было самым трудным в вашей карьере?


- Когда я только пришла в театр, отец забирал меня с репетиции, я была уставшая, забыла пристегнуться и когда машина попала в аварию, был удар в лобовое стекло, серьезно пострадала. В тот период я месяц должна была находиться в темной комнате, с зашторенными окнами, читать было нельзя, смотреть телевизор нельзя, о физической нагрузке вообще речь не шла. По состоянию здоровья не могла танцевать почти полгода. У меня было сотрясение и гематома на пол лица. Это был очень сложный период.

- У вас растут сын и дочь. Не хотели бы, чтобы дети пошли по вашим стопам?

- Мне кажется, Настенька у нас балериной родилась. У Тимы характер спортивный, он футболист. Балет не его стихия.

- С кем сдружились на «Танцах» больше всего?

- После проекта «Танці з зірками» у меня появилось невероятное количество знакомых в шоу-бизнесе, которые со мной здороваются и «расплываются» в улыбке. Со многими теплые отношения. Но мы вряд ли можем назвать друг друга лучшими друзьями, ведь дружба проверяется временем и испытаниями.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20007
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Янв 18, 2019 12:45 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019011801
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Артём Овчаренко
Автор| Алия Жанибек
Заголовок| Звёзды Большого театра выступят в Алматы
Балет «Спящая красавица» покажут в воскресенье, 27 января

Где опубликовано| © Forbes Казахстан
Дата публикации| 2019-01-18
Ссылка| https://forbes.kz/life/afisha/zvezdyi_bolshogo_teatra_vyistupyat_v_almatyi/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Звёзды Большого театра России премьер Артём Овчаренко и прима-балерина Анна Никулина выступят в Алматы на сцене Казахского государственного академического театра оперы и балета имени Абая 27 января. Алматинцам и гостям города по приглашению компании ArtClassic они представят один из самых популярных балетов в мире «Спящая красавица» на гениальную музыку Петра Чайковского и с изысканной хореографией Мариуса Петипа. Артём Овчаренко, который уже имел честь выступать перед казахстанской публикой во время II фестиваля Ballet Globe, накануне выступления рассказал о сложностях профессии артиста балета, философском подходе к жизни и судьбоносном спектакле.



Из всего вашего репертуара какое место в вашем личном рейтинге занимает балет «Спящая красавица» и почему?

- Я не делю балеты на важные и второстепенные и стараюсь целиком вкладываться в каждый свой спектакль. Балет «Спящая красавица» занимает важное место в моем репертуаре и я отношусь к нему с большим пиететом. Это классическое полотно, прошедшее испытание временем наследие, которое необходимо беречь и сохранять на высоком исполнительском уровне для последующих поколений.

Легко ли согласились станцевать с балетной труппой Театра оперы и балета имени Абая? Какое мнение существует о нашем городе и балетных традициях у коллег из балетного мира?

- Я уже приезжал к вам со спектаклем «Ромео и Джульетта», и у меня остались только приятные воспоминания. Понравилось и отношение к артистам, и как всё было организовано Ballet Globe Festival . Запомнились добросердечная атмосфера в театре и благодарный зритель.

Поэтому я с радостью принял очередное приглашение. С городом я познакомиться пока ещё не успел, но надеюсь восполнить этот пробел. Что касается балетных традиций, в Казахстане много талантливых, технически сильных коллег и работать с ними – сплошное удовольствие. Это моё впечатление подтверждается и репертуаром вашего театра, который может поддерживать только очень крепкая балетная труппа.

Есть ли спектакли, возможно современных хореографов, которые бы особенным образом откликались в вашей душе, учили бы жизни?

- Случается, что ты уезжаешь в путешествие одним человеком, а возвращаешься другим. Нечто подобное происходит и после того, как проживаешь некоторые спектакли – как классические, так и современные. Для меня освоение новой хореографии – это всегда путешествие к новым горизонтам собственных физических, психологических и даже мировоззренческих качеств. Это новые знания, смыслы, знакомства и друзья. Существуют балеты, особенно с глубокой драматической составляющей, из которых я выхожу внутренне обновленным и даже повзрослевшим.

Расскажите о подводных камнях профессии. Насколько стабильно положение артиста балета? Какие профессиональные риски существуют, чего вы опасаетесь?

- Ваш вопрос уже содержит элементы страхов, на которых артисту ни в коем случае нельзя зацикливаться. Подобные опасения только отвлекают от творческого процесса. Конечно, в профессии артиста балета нас постоянно подстерегают риски и опасности: физические травмы, профессиональные заболевания опорно-двигательного аппарата, заведомо укороченная по сравнению со средним человеком карьера, наконец, немилость зрителя или руководства. Но постоянное обмусоливание этих рисков в голове лишь притягивает неприятности. Например, артист, испытывающий страх перед падением или паникующий из-за реакции зрителя, скорее совершит ошибку и травмируется. Вы видели как танцует ребёнок? - без опаски, отдаваясь всей душой. И какой органичный танец получается! Строго говоря, разумное управление рисками уже включено в работу танцовщика балета – это ежедневный класс, правильный разогрев, разумное использование индивидуальной анатомии и физиологии при выполнении тех или иных па, отказ от вредных привычек (я не курю и не употребляю алкоголь, например). Ещё важно быть разносторонним и развивать у себя дополнительные навыки, которые помогли бы продолжить работу, так или иначе связанную с балетом или освоить совершенно другую сферу после окончания танцевальной карьеры.

Были ли у вас какие-то личные серьезные жертвы в жизни, чтобы достичь статуса премьера Большого театра?

- Я вообще не употребляю слово «жертва» применительно к своей жизни. У меня нет ощущения, что я чем-то жертвовал. Когда занимаешься любимым делом, самодисциплина и самоограничение не воспринимаются как лишение. Наоборот, - я вижу в этом отсеивание всего лишнего и через это приобретаю необходимую свободу. Иное понимание смысла.

Какое значение вы придаете светской стороне жизни артиста? Приемы, съемки в журналах и телепроектах – это для вас преимущество или недостаток профессии?

- Опять отвечу философски: если ты открыт миру, мир открывается для тебя. Для меня светские приемы, съемки для глянцевых журналов, телепроекты не являются самоцелью. Я просто стараюсь получить удовольствие от общения с творческими людьми из других сфер. Я не задаю себе вопрос, хорошо это или плохо. Пиар может помочь, а может и навредить. Мне кажется, что в любой среде надо просто оставаться собой, настоящим и честным, и тогда публичная сторона нашей профессии становится скорее преимуществом.

Вы думаете о хлебе насущном? Может ли звезда мирового балета позволить себе не думать о финансовой стороне жизни?

- Банально, но факт: чем выше заработки, тем больше потребности. Это бесконечная гонка. Я не играю в игры с демонстрацией социального статуса на уровне вещей: а чьи часы, машина, дом, яхта дороже? Я люблю то, чем занимаюсь, и, конечно же, рад, что за это счастье мне ещё и неплохо платят. При этом я стараюсь разумно тратить заработанное и задумаюсь о повышении своей финансовой грамотности, ведь у меня есть семья и растёт очаровательная дочка.

Вход в балетный мир осуществляется в детском возрасте, и такое решение принимают, как правило, родители. В вашей истории, было ли какое-то сопротивление этому выбору? Были ли желание бросить профессию в более зрелом возрасте?

- С раннего детства я рос очень энергичным ребенком. Мною были перепробованы разные спортивные секции, единоборства, цирковые и танцевальные кружки, и нигде я долго не задерживался, быстро терял интерес. Но однажды мама отвела меня в театр оперы и балета в моем родном Днепропетровске на спектакль «Дон Кихот», и этот поход стал для меня судьбоносным: я сразу понял, что это моё. Поэтому за меня решения никто не принимал. И в последующем у меня никогда не возникало сомнений в правильности моего выбора. Наверное, меня можно назвать счастливчиком.

Вы бы хотели, чтобы дети пошли по вашим стопам?

- Если дочь захочет пойти по нашим с Аней стопам, я, конечно, её поддержу и научу всему, что знаю. Но если предпочтёт иную профессию – я тоже не расстроюсь. Считаю, что нельзя навязывать детям собственные интересы и желания, ведь им предстоит прожить не нашу, а свою жизнь. Важно поддержать в ребенке его собственный выбор, основанный на его индивидуальных задатках и личных интересах.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20007
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Янв 18, 2019 1:35 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019011802
Тема| Балет, Бурятский театр оперы и балета, японский балет, «Самурай Нобунага»
Автор|
Заголовок| Фарух Рузиматов выступит на сцене Бурятского театра оперы и балета
Где опубликовано| © Baikal-daily
Дата публикации| 2019-01-18
Ссылка| https://www.baikal-daily.ru/news/16/351599/
Аннотация|

Улан-Удэ станет одним из трёх городов, где покажут хореографическую японскую драму «Самурай Нобунага»

Только два дня 20 и 21 января жители Бурятии смогут погрузиться в мир японского балета. Хореографическую спектакль-драму «Самурай Нобунага» уже показали в Санкт-Петербурге. По рассказам организаторов представления, зрители приняли работу на «ура». Как оказалось, Улан-Удэ стал одним из трёх городов России, где покажут уникальный спектакль. После гастролей в Улан-Удэ японский балет, «драма-экшн» уедет в Москву выступать на сцене Кремлёвского Дворца.

Премьера балета «Самурай Нобунага» состоялась в 2015 году в Токио, где имела большой успех.

- У меня была давняя мечта показать этот балет в России. И я очень рад, что сейчас появилась такая возможность. Хореографическая работа основана на реальных событиях. Самурай Нобунага – это самый известный самурай в Японии. Санкт-Петербургские зрители особо отметили, что спектакль очень стильный. И это действительно так, - рассказал на конференции худрук балета Бурятского театра оперы и балета Морихиро Ивата.

В балете особое внимание уделяется музыкальному сопровождению. Будет звучать традиционная японская музыка.

- Семь японских музыкантов воссоздадут необычайную традиционную музыку, - дополнил Морихиро Ивата.

Главную роль в балете «Самурай Нобунага» исполнит известный российский артист, ведущий солист балета «Мариинки» Фарух Рузиматов.

- Из-за погодных условий Фарух Рузиматов не смог сегодня прилететь. Завтра он уже будет в Бурятии. Нужно видеть, как он танцует, его пластика движений очаровывает, - восторженно отозвался об артисте Морихиро Ивата.

Морихиро Ивата исполнит роль полководца Тоётоми Хидэёси. А японский артист Ранко Фудзима предстанет в образе мятежника Акэти Мицухидэ.

Спектакль уникален тем, что в нём сочетаются русский классический балет и традиционное японское искусство.

- Спектакль «Самурай Нобунага» - это плод наших совместных усилий с Морохиро Ивата и Фарухом Рузиматовым. Я являюсь представителем японского традиционного танца «нихон-буё». А Фарух и Морихиро представители балета. Мы покажем, как взаимодействует эти два совершенно разных жанра в танце, - поделился японский артист Ранко Фудзима.

- Японская культура близка к природе и не терпит абсолютного совершенства. И вот если смотреть на спектакль, вы нигде не увидите абсолютной симметрии. Всегда во всех декорациях, во всех движениях артистов присутствует какая-то совершенно неуловимая не синхронность, что именно и является отражением японской культуры, - отметил Сергей Теплов, партнёр фестиваля японской культуры в России.

Отметим, что 2018 год был объявлен Годом Японии в России и, соответственно, Годом России в стране восходящего солнца.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20007
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Янв 18, 2019 3:41 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019011803
Тема| Балет, Самарский академический театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Юрий Смекалов
Автор| Борис Григорьев, фото автора
Заголовок| "Это будет балет-антиутопия": солист Мариинки ставит на самарской сцене экспериментальный спектакль
Где опубликовано| © CityTraffic — информационный портал Самарской области
Дата публикации| 2019-01-18
Ссылка| https://citytraffic.ru/news/full/43789
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



В Самарском академическом театре оперы и балета началась работа над спектаклем "Три маски короля". Вместе с труппой театра его ставит балетмейстер-постановщик и солист Мариинского театра, обладатель национальной премии "Золотая маска" Юрий Смекалов.

В пятницу он и другие участники спектакля провели пресс-завтрак в одном из самарских ресторанов и увлеченно рассказали, какой они видят постановку и почему она станет событием для театрального мира.

По словам задействованного в спектакле дирижера-постановщика, главного дирижера самарского театра Евгения Хохлова, постановка появилась в Самаре случайно.

- Изначально это была идея санкт-петербургского композитора Михаила Крылова. Мы с ним многократно обсуждали возможность совместного проекта. У спектакля уже был определен композитор и балетмейстер-постановщик. Мы решили, что это обязательно должен быть балет. Я убедил мецената, спонсора и соавтора либретто постановки Вячеслава Заренкова (основателя проекта "Созидающий мир", одноименного благотворительного фонда и театра "Килизэ", входит в рейтинг "200 богатейших бизнесменов России 2017" журнала Forbes. – "СитиТрафик") ставить его в Самаре. Вячеслав сказал, что самарский театр – подходящая площадка для постановки и выступил спонсором проекта. Дальше началась интересная работа, – рассказал дирижер.

Юрий Смекалов отметил, что эксперимент и риск в работе над спектаклем заключается в том, что этот материал ранее не ставился на большой сцене. По жанру постановка представляет собой балет-притчу, хотя изначально задумывалась как детская сказка. Также в ней есть черты антиутопии.

- Спектакль обещает быть интересным с точки зрения хореографии и сюжета. Я его изрядно переработал: это размышление на тему масок, которые мы надеваем ежедневно и существуем неразрывно от них. Маска – это вымышленный образ и прием. Но главный вопрос в спектакле ставится не про маски, а про то, что скрывается под ней. Может быть, это тоже маска?, – сообщил постановщик.

Образ маски положен и в основу сценографии постановки. На сцене используется огромная маска, которая в процессе спектакля трансформируется и позволяет героям перемещаться из древних эпох в современный мир.

В спектакле задействованы лучшие артисты самарского театра.

- На премьеру мы пригласили Владимира Шклярова (премьера Мариинского театра и Баварского государственного балета): как в исполнителе я в нем уверен. В этом есть и стратегический ход для самарского театра: глядя на то, как работает такой мастер, местным артистам, конечно, захочется подтянуться до его уровня, – рассуждает Юрий Смекалов.

Одну из главных ролей в постановке играет прима-балерина самарского театра Ксения Овчинникова.

- Осваивать хореографию в этой постановке мне очень сложно и не менее интересно. Потому что открывать в себе новые возможности – всегда здорово. Я надеюсь, что в работе над спектаклем мне это хоть чуть-чуть, но удается. Что же касается моей героини, в начале постановки она выходит на сцену одним человеком, но заканчивает ее совершенно противоположной личностью. В этом спектакле моя героиня носит минимум две маски. Но, возможно, на премьере я открою для себя новую грань своей героини и смогу развить этот образ, – призналась артистка.

Использованная в постановке хореография также стала новой для исполнителей самарского театра, говорит Юрий Смекалов.

- Что касается хореографического текста, он эклектичен. В нашей постановке есть и формы неоклассики – это касается музыкальной части. В этом же стиле работают и артисты. Работая над спектаклем, они осваивают современные направления хореографии, связанные с контемпорари: и партеринг, и флаинг лоу. Мы даже проводили мастер-классы для артистов, чтобы раскачать их, чтобы они полюбили новые направления, потому что знаем, что в самарском театре современного танца практически не было, – признался постановщик.

Авторы спектакля надеются, что он привлечет к самарскому театру внимание мирового театрального сообщества и заинтересует молодого зрителя, сделав балет более популярным искусством у широкой аудитории.

Постановка рассказывает о короле Юлии, который обнаруживает, что постоянно лицемерит. Пытаясь разобраться в себе, он влюбляется в девушку Эмму. Это замечает главный советник Конор, который устраивает государственный переворот. Сквозным образом спектакля становится маска, которую носят все герои постановки, от короля до горожан. Несмотря на то, что история заканчивается более менее благополучно, в финале спектакля ставится многоточие, и зрителю предстоит самому ответить на вопрос: смог ли герой избавиться от навязанной ему обществом маски. Разобраться в этом, а заодно и оценить, справилась ли самарская сцена с экспериментом, можно будет на премьерных показах 15 и 16 февраля этого года.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20007
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Янв 18, 2019 10:28 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019011804
Тема| Балет, Опера, Национальная опера "Эстония", Гастроли в Москве
Автор| Александр МАТУСЕВИЧ , Елена ФЕДОРЕНКО
Заголовок| Эстонцы наконец-то добрались до Москвы
Где опубликовано| © Газета «Культура»
Дата публикации| 2019-01-18
Ссылка| http://portal-kultura.ru/articles/balet-i-opera/228902-estontsy-nakonets-to-dobralis-do-moskvy/
Аннотация| ГАСТРОЛИ

Новый год Большой театр начал со встречи гостей: впервые с 1989 года на сцене ГАБТа выступала Национальная опера Эстонии, показав за время краткого пребывания (всего четыре вечера) сегодняшние возможности всех своих коллективов.


«Белоснежка и 7 гномов»
Фото: Харри Роспу/Национальный балет «Эстония»


Помимо собственно оперы гости из Таллина показали московским театралам два балета: «Белоснежку и семь гномов» 2004 года рождения — ​на радость детворе, и «Moдильяни — ​проклятый художник» — ​для любителей душещипательных и познавательных историй. «Белоснежку» с эстонскими артистами подготовила венгерская команда, причем хореография Дьюлы Харангозо создавалась одновременно с музыкой композитора Тибора Кочака. Получилась забавная сказка в диснеевском духе, где пластики и пантомимы гораздо больше, чем танцев. Сами художники называют свой спектакль «мюзиклом без слов». Малыши и школьники, оказавшиеся в зале, пришли в полный восторг от динамичного красочного зрелища.

Балет-байопик о Модильяни — ​эстонский эксклюзив — ​доступен пониманию даже человека, далекого от искусства. Сюжет закручен лихо: пьянство и драки, неизлечимая болезнь художника и вызывающе развязные девицы легкого поведения, оживающие картины и пластические страдания. Вдохновенно танцевали главные герои: Модильяни (Анатолий Архангельский) и его супруга (Алена Шкатула). Музыку Тауно Айнтса хореографически осмыслил художественный руководитель эстонского балета Тоомас Эдур. Он внимателен к подробностям, тяготеет к сентиментальной иллюстративности в стиле середины прошлого столетия и соблюдает любимый классическим балетом принцип двоемирия — ​несчастного живописца мучают духи и видения.

Оперный гала в двух отделениях объединил ведущих вокалистов Эстонской оперы и солистов Большого Светлану Шилову, Илью Селиванова и Дениса Макарова, подарив меломанам встречу со шлягерами оперы и оперетты, — ​к сожалению, не прозвучало ничего из эстонской музыки.

К сожалению, выбор оперного репертуара для гастролей в России едва ли можно признать удачным. Эстонцы привезли «Тоску» — ​название сверхпопулярное, идущее во многих российских театрах, произведение экспрессивное, требующее повышенного темперамента артистов, к тому же постановка 2005 года не отличается новизной. При этом в афише театра есть немало произведений, которые бы были по-настоящему интересны московским опероманам: из мировой классики это, например, «Девушка с Запада» или «Ринальдо», а из национальной — ​«Сирано де Бержерак», «Цвета облаков» или премьера 2018-го — ​«Эстонская история». Но, увы, было решено эксклюзивом москвичей не баловать.

К тому же для гастрольного показа была выбрана Историческая сцена, которая в разы больше родной сцены таллинцев. На ней явно потерялись скромные декорации Сергеюса Бокулло, да и солисты с трудом справлялись с непростой акустикой и циклопической кубатурой великолепного зала первой московской оперы. Не зря в былые годы гастроли эстонских коллег чаще всего проходили в Театре оперетты, а сегодня им гораздо в большей степени подошла бы Новая сцена Большого.

Декорационно эстонская «Тоска» решена минималистично: все три действия оперы разворачиваются в антураже строительных лесов. В первом акте яркими цветовыми пятнами являются живописные изображения евангельских сюжетов (действие происходит в церкви). В этих условиях особая роль у художника по свету Неэме Йыэ: лучи прожектора выхватывают главное и ставят нужные акценты. Второй главный визуальный императив — ​яркие и эстетичные костюмы героев, особенно женские (у Тоски два платья — ​белое в первом акте и кроваво-красное — ​в двух других). Постановка литовца Раймундаса Баниониса классична: она оставляет действие драмы в эпохе ампир, что придает спектаклю особое, почти утраченное ныне обаяние исторической достоверности. Сохранение аутентичной логики произведения позволило постановщику сосредоточиться на взаимоотношениях артистов, раскрыть характеры героев.

Музыкальные достижения эстонской «Тоски» скромнее. Оркестр под управлением маститого маэстро Юри Альпертена аккуратен, но не всегда точен, эмоционально несколько холоден. Безусловно, хорош хор (хормейстеры Эльмо Тийсвалд и Хирво Сурва), что не удивительно: эстонские хоровые традиции давние и по-прежнему безупречные. Из квартета солистов наиболее убедителен фактурный бас Прийт Вольмер, но, к сожалению, его партия (республиканца Анджелотти) погоды не делает. Хели Вескус (Тоска) радует уверенными верхними нотами, но разочаровывает неярким низом и в целом звуком рыхловатым, не всегда ровным. Рауно Эльпу (Скарпиа) не хватает масштабности и драматических красок, его высокомерный начальник полиции — ​скорее мелкий пакостник, чем олицетворение вселенского зла. Канадский тенор Люк Робяр (Каварадосси) обладает подходящим для партии спинтовым голосом, но его музыкальность и артистическая харизма оставляют желать лучшего.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пт Фев 15, 2019 11:14 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20007
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Янв 18, 2019 11:28 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019011805
Тема| Балет, Ташкентская Государственная Высшая Школа Национального Танца и Хореографии, Персоналии, Роза Рахмановна Искандарова
Автор| Камилла Хакимбекова
Заголовок| Балет – самый прекрасный вид искусства
Где опубликовано| © Новости Узбекистана
Дата публикации| 2019-01-18
Ссылка| https://nuz.uz/intervyu/38063-balet-samyy-prekrasnyy-vid-iskusstva.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Никто не скажет, что ей вот-вот стукнет 75. Спортивная, порывистая, с прямой осанкой – сказывается многолетняя танцевальная практика. В прошлом ведущая солистка балета Государственного Академического Большого Театра им. Алишера Навои Роза Рахмановна Искандарова сегодня преподает классический танец в Ташкентской Государственной Высшей Школе Национального Танца и Хореографии.


Мы сидим в одной из учебных комнат этого уникального учебного заведения Республики Узбекистан.

- Роза Рахмановна, хочу воспользоваться Вашим любезным согласием и задать вам несколько вопросов, интересующих, надеюсь, всех, кто любит балет, кто посвятил свою жизнь этому удивительному, прекрасному и трудному искусству. Более шестидесяти лет назад вы связали свою жизнь с музой танца – Терпсихорой. Когда появился этот интерес и почему вы решили стать именно балериной?

- Я совершенно случайно попала в балет, если можно так сказать. Родилась я и провела детство в городке Асака Андижанской области. Это сейчас моя «малая Родина» известна на всю страну и за ее пределами, а тогда она считалась захолустьем, где в послевоенное время жить было непросто. У нас был маленький кинотеатр и там однажды показывали фильм «Ромео и Джульетта» с Галиной Сергеевной Улановой в главной роли. Спектакль поразил меня не только своим потрясающим сюжетом, трагическим драматизмом, но и своей волшебной красотой искусства хореографии.

Конечно, тогда я и мечтать не могла о балете. Но мои детские впечатления оказались очень сильны, а восхищение от пленительного танца Улановой, видимо, глубоко врезалось в мою душу. Через некоторое время я переехала жить в Ташкент, к тете. Она знала о моей непреодолимой детской страсти и предложила мне пойти учиться в хореографическое училище, за что я ей бесконечно благодарна. Конечно же, я не раздумывая согласилась.

А в училище, как раз был недобор. Зинаида Николаевна Афанасьева - первый художественный руководитель хореографического училища - меня проверила и приняла на учёбу со словами: - Знаете, у нас первые два года считаются условными. Если девочка выдержит, значит останется.

Так получилось, что процесс моего вовлечения в учёбу шёл по нарастающей - чем больше я занималась, тем сильнее у меня проявлялся интерес к учебе. Так мои «два года условно» превратились в дело всей моей жизни. Вот так я попала в балет.

- Счастливый случай?

- Знаешь, у каждого в жизни бывают «счастливые случаи». Это уже от самого человека зависит, как он распорядится выпавшей ему удачей, какую дорогу выберет в жизни.

- Ваша дорога привела вас на сцену театра имени Навои. Именно здесь осуществились ваши творческие возможности. Интересно, а какие роли в вашем исполнении особенно запомнились?

- Первый раз я исполнила небольшую партию, она называлась «Дюймовочка» в балете «Золотой ключик» М.Вайнберга, Потом были Мария в «Бахчисарайском фонтане» Б.Асафьева, Царевна в сказке «Мертвая царевна» … Конечно, для меня принципиальное значение имел образ Нурхон в балете «Тановар», который поставил Николай Маркорянц. Эта партия была актерски очень интересна, но исполнять ее для меня было непросто, потому, что я ее танцевала после Бернары Кариевой – звезды узбекского балета, и мне надо было очень долго и упорно работать.

- Какой образ был вам близок больше всего?

- Я очень любила партию Чертовки в «Фаусте». Танцевала с удовольствием, потому что характер героини был очень близок к моему характеру.

- То есть, у вас в характере есть «чертовщинка» !?

- Я имею в виду, что Чертовка близка мне тем, что образ требует резковатой, даже гротескной манеры исполнения. Чертовка ведь, по определению, не героиня лирического плана. Например, та же Бернара Кариева - лирическая балерина, а у меня более резкая манера исполнения, поэтому мне ближе подходили технические партии.

- Означает ли это, что ваша исполнительская манера не так уж далека от современного танца? И, вообще, что вы думаете о современном танце?

- Я бы не стала делать такое сравнение. Современный танец очень интересный, но по сравнению с классикой это два совершенно разных, противоположных по своей технике и по своему смыслу танца. Сейчас танец модерн очень сложный. Исполнители этого танца выполняют виртуозные акробатические трюки, но ведь самое главное - это не только техника движений, но и осмысленность, и эстетика этих движений.

- Можете ли вы рассказать о своей семье?

- С мужем Саидахмедом мы прожили 45 лет. Познакомилась я с ним в театре. У нас три дочери. У меня очень большая семья, я их всех люблю. Старшая дочка Малика Искандарова – главный режиссер Ташкентского Театра юного зрителя, она популярная актриса кино и театра. Вторая дочь в совершенстве владеет французским и английским языками, живет во Франции. Младшая дочка Феруза преподает у нас в училище.

- Выходит, только ваша младшая дочь пошла по вашим стопам?

- Нет не только младшая дочь, но и старшая. Она преподавала хореографию и драматическое искусство, у нее тоже есть безусловные способности к преподаванию. У нас все в семье - педагоги.

- Нравится ли вам ваша профессия педагога?

- Я считаю, для того, чтобы быть педагогом нужно иметь особый талант, особенно в сфере искусства. Далеко не все творческие люди могут преподавать. Можно быть хорошим актером, художником, музыкантом, балетмейстером, танцовщиком, но при этом быть беспомощным в педагогике. Это очень непросто научить студентов всему, что знаешь сам, досконально объяснить каждое движение. Но зато какая, ни с чем не сравнимая радость – видеть успехи твоих учеников! Чтобы быть наставником, надо иметь великое терпение, не унижать, не оскорблять, а любить людей, своих студентов, и настойчиво объяснять. И самое главное, надо любить свою профессию!

- Что бы вы хотели изменить в сфере нашего образования?

- У нас много бумажной рутины, в потоке которой мы нередко забываем о специфике хореографического искусства, о практических целях и задачах педагогического процесса. Хотелось бы в какой-то степени сократить эту бумажную работу.

- Напоследок вопрос: что такое балет в вашем понимании?

- Балет – это самый прекрасный вид искусства. Это воздушность, которая достигается упорным каждодневным трудом. Балет – это восхищение и тяжелый труд!

КАМИЛЛА ХАКИМБЕКОВА, студентка Высшей Школы Национального Танца и Хореографии
Подготовил интервью к печати А. ХОДЖАЕВ


========================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20007
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Янв 19, 2019 10:46 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019011901
Тема| Балет, Опера, Финансирование
Автор| Илона Гуриева
Заголовок| Кто вам даст
КРАУДФАНДИНГ В «УРАЛ ОПЕРЕ» И МЫ

Где опубликовано| © COLTA.RU
Дата публикации| 2019-01-18
Ссылка| https://www.colta.ru/articles/theatre/20272-kto-vam-dast
Аннотация|

В конце 2018 года екатеринбургская «Урал Опера» начала сбор средств на декорации и костюмы новых балетов, предприняв подобный ход первым из федеральных музыкальных театров России. Кампания на Planeta.ru закончится 3 февраля. COLTA.RU размышляет о том, что она значит для отечественной культурной сцены.

1.
Чтобы федеральное бюджетное заведение — патриархальный оперный дом напрямую обратился к своей публике с просьбой помочь — это для российского художественного процесса нечто небывалое. Обычно краудфандинг — удел частных инициатив: именно так, например, из года в год живет столичный фестиваль «Возвращение». Музыкальный театр (пускай и местного, московского, подчинения) прибегал к подобной стратегии только единожды — на изготовление костюмов и реквизита «Соловья» Стравинского «Геликон-опера» тогда почти ничего не собрала.

Лоты, выставленные «Урал Оперой» на виртуальный аукцион, смотрелись более чем заманчиво: приглашение в святая святых — просмотр премьерных спектаклей из-за кулис, возможность приобрести именное кресло в партере. Между тем благородная затея пока не принесла и десяти процентов необходимой суммы. Свою роль здесь сыграло, прежде всего, неудачное время запуска — кампания пришлась аккурат на период новогодних трат и рождественского похмелья потенциальных донаторов; cказались неопытность устроителей и неожиданно малое количество рекламы. Возможно, для пробной акции оказалась слишком велика заявленная сумма: у публики, которая и без того оплачивает работу театра, театр попросил сразу почти миллион — 900 тысяч рублей, если быть точным.

Именно так ситуация видится извне, если судить о ней по редким комментариям в соцсетях: театр существует за счет бюджета, то есть денег налогоплательщиков, и за счет продажи билетов — и так ведь собираете полные залы, зачем, дескать, просить у зрителей денег сверх того. Тот самый народ, за годы советской власти крепко уверовавший в то, что искусство принадлежит именно ему, искренне недоумевает — не знает он понятия «болезнь издержек», связанного с принципиальной неокупаемостью работы любого (а особенно музыкального) театра, и не желает знать никакой другой модели функционирования театрального дела, кроме вертикальной: Министерство культуры дало театру денег — театр выполнил госзадание, я купил билет — театр меня обслужил. Для подавляющего большинства зрителей театр остается одним из видов социального обслуживания: разговор о том, как бюрократический русский язык описывает работу храмов Мельпомены («наименование услуги: опера “Бал-маскарад”»), становится вновь актуален.

2.
Держа в уме объективные недостатки екатеринбургской кампании, трудно избавиться от ощущения, что краудфандинг «Урал Оперы» воспринимается не как прецедент, значимый в масштабах российской культурной сцены, но как чужие досадные частности: кто-то где-то не выпустил еще пару спектаклей; «денег нет, но вы держитесь» — балетом больше, балетом меньше; «мы впереди планеты всей», от нас не убудет. Здесь, конечно, трудно избежать далеко идущих размышлений о том, какое место занимает балет в общенациональном бессознательном. Соседней опере достается не в пример больше внимания и интеллектуальных усилий публики: красноречивое тому свидетельство — зрительский успех и градус дискуссии о ключевых премьерах последних сезонов — «Сверлийцах», «Прозе», «Триумфе Времени и Бесчувствия», премьерах Пермской оперы. Балет на этом фоне смотрится каким-то атавизмом, пригодным лишь для того, чтобы становиться предметом для курьезных пересудов — скажем, о скандальных постах татуированного танцовщика Полунина в Instagram. Показательна интонация, с которой условно «массовые» издания небрежно и вскользь говорили о классическом балете, подводя итоги театрального 2018-го, — что, мол, возьмешь с его консервативности/помпезности/оторванности-от-реальности, то ли дело пресловутый современный танец, способный на «гораздо более радикальные новации в направлении дружбы между искусством и танцполом» (вопрос о том, зачем классическому балету дружить с танцполом и чем попытки подружиться иногда заканчиваются, политкорректности ради стыдливо замнем).

Какие балетные премьеры в последнее время «прозвучали» не в узкоцеховом сообществе, а в широком информационном поле? Только одна — «Нуреев» в Большом театре, и то лишь благодаря мрачному политическому контексту выпуска премьеры. Показательно, что собственно художественные достоинства или недостатки спектакля мало кого волновали: не будь «предлагаемых обстоятельств» дела «Седьмой студии», «Нуреев» собрал бы три-четыре публикации в еле дышащих отделах культуры деловых газет и еще столько же на маргинальных интернет-порталах — обошлось же без шумихи после выпуска «Героя нашего времени», поставленного тем же Серебренниковым. Сегодня театр, находящийся за полторы тыщи верст от Басманного суда, выпускает российскую премьеру Джорджа Баланчина и новую постановку на музыку французской «Шестерки», в России не исполнявшуюся, — но комментаторы краудфандинга скорее поставят «Урал Опере» на вид молчание по «театральному делу», чем отметят значение события, послужившего поводом для старта кампании. И это, как принято говорить в подобных случаях, многое объясняет.

Может ли культура в России существовать и развиваться путем горизонтальных связей?

3.
Между тем краудфандинговая кампания выглядит естественным продолжением стратегии «Урал Оперы», направленной не только на модернизацию конкретного театра, но и на смену имиджа государственного театра-стационара как такового: на эту мельницу льют воду и недавний ребрендинг, и обновление линейки печатной продукции, выпускаемой Екатеринбургским театром, и проведенный минувшей осенью пилотный выпуск междисциплинарного фестиваля. Суть этого процесса — в не слишком привычной в наших широтах системе взаимоотношений между оперно-балетным зрителем и театром: из ритуально-бюрократической институции, из высокой кафедры (виждь и внемли, се классика) театр превращается в центр актуальной культуры, развернутый лицом к времени и к обществу. Но этот процесс не может быть односторонним — для того чтобы чистая перемена состоялась, необходимы высокий уровень доверия к театру и, как следствие, встречное движение со стороны публики вроде участия в том же краудфандинге: только систематическая практика подобного рода может хотя бы мало-мальски наладить столь желанный диалог на равных между зрителем и культурной институцией.

4.
Система финансирования и контроля деятельности российских театров остается вопросом болезненным — даже без всякой привязки к делу «Седьмой студии». Приглашение к дальнейшему его обсуждению кажется наиболее целесообразным организовать по примеру, идеально соответствующему духу времени, — как серию вопросов, оставленных без ответа.

Каковы потенциальные источники финансирования регионального российского театра помимо государственного бюджета?

Велик ли шанс, что у такого театра найдется богатый и постоянный спонсор?

Много ли в реальности принесут российским театрам наконец-то принятые налоговые послабления для меценатов?

Какой срок уйдет на то, чтобы отечественный зритель воспринял функции оперно-балетного театра максимально широко — то есть осознал, зачем он вообще туда идет?

Должен ли театр сокращать количество премьер, если свои художественные амбиции он не в состоянии обеспечить финансово?

Велик ли риск, что успех одной краудфандинговой кампании сподвигнет государство, проводящее патерналистскую культурную политику, сократить дотации, сославшись на активность зрителей?

Сколько понадобится времени и сколько проведенных крупными театрами краудфандинговых кампаний уйдет на то, чтобы зритель осознал необходимость и выгоды такого общественного сотрудничества, а кнопка «Поддержать нас», которая в порядке вещей красуется на главных страницах сайтов почти всех крупных оперных театров Запада (при всех различиях систем финансирования каждого из них), перестала вызывать у покупателя билетов аллергическую реакцию?

Может ли культура в России существовать и развиваться путем горизонтальных связей?
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20007
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Янв 20, 2019 1:02 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019012001
Тема| Балет, Премьера, Персоналии, Мик Джаггер, Мелани Хемрик
Автор| Александр Алексеев
Заголовок| Лидер Rolling Stones выбрал для премьеры своего балета Петербург
Где опубликовано| © «Российская газета» Северо-Запад
Дата публикации| 2019-01-20
Ссылка| https://rg.ru/2019/01/20/lider-rolling-stones-vybral-dlia-premery-svoego-pervogo-baleta-sankt-peterburg.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Мик Джаггер - один из самых знаменитых в мире рок-музыкантов - никогда не увлекался классической музыкой. Его голос - брутальный, резкий и грубый, а в иных песнях - уже нежный и обволакивающий - идеально подходил для рок-н-ролла и жесткого блюза. Вокал Мика не спутать с чьим-то другим. Да и завораживающую пластику артиста на концертах - тоже. Со всеми этими его почти змеиными изгибами тела, стремительными пробежками по сцене, эффектными "па" и завораживающими страстью мизансценами, а порой с гротеском и кривляньем, но чаще - с неистовым драматизмом… И значит сочинение первого балета для культового рокера, продюсера и киноактера было лишь делом времени.

Очевидно, свою роль сыграло и знакомство Мика Джаггера с балериной Мелани Хемрик, которая два года назад, в декабре 2016 года родила ему сына Деверо Октавиана Бэзила. Вместе с новой возлюбленной лидер Rolling Stones и начал готовить свой первый балет. Партитура уже подготовлена, хореография выверена, режиссура продумана, а названия пока нет. Зато Мик Джаггер выбрал любимые концертные площадки и города, где покажет свой балет в первую очередь: Мариинский театр в Санкт-Петербурге и "Линкольн-Центр" в Нью-Йорке. Премьеры назначены на апрель, а сейчас полным ходом идут репетиции…

Очаровательной балерине Мелани Хемрик, ради которой Мик Джаггер и написал свой первый балет, собрав в нем инструментальные версии хитов Rolling Stones и специально сочиненные новые мелодии, в этом году исполняется 30 лет. Сын Деверо немного подрос (рок-артист не принимает участия в его воспитании и малышом занимается только она сама при помощи сестры), вот Мелани и решила вернуться на сцену. Она - одна из прим Американского балетного театра в Нью-Йорке, особенно ей удались роли в "Корсаре" и "Терпсихоре". Ведь главные козыри этой худенькой стройной брюнетки - высокие прыжки, отменная техника и завораживающая пластика. Порой Мелани парит над сценой опровергая, кажется, законы земного тяготения. Выступала она и в Метрополитен-Опере, и в мюзиклах на Бродвее (в частности, в "Кандиде" Бернстайна), и уже в том же Линкольн-Центре. Вот только в Санкт-Петербурге (хотя в Вашингтоне ее учили русские педагоги) никогда не бывала… Зато Джаггер бывал - во время гастролей Rolling Stones в 2007 году: накинув капюшон и сбежав от своей охраны, гулял ночью по городу, и даже, как уверяли, праздновал день рождения в Юсуповском дворце. А роман Михаила Булгакова "Мастер и Маргарита" - один из его любимых.

Вот поэтому Мик и выбрал для первых показов два города: Нью-Йорк (где живет Мелани) и Санкт-Петербург (который захочет ей показать). Либретто пока держится в секрете. Известно только, что в музыкальном действии прозвучат в новых симфонических версиях такие хиты Rolling Stones 60-х годов как Paint It Black, She’s a Rainbow и You Can’t Always Get What You Want. И прежде всего балет будет использовать несомненное исполнительское мастерство Мелани Хемрик: артистичной, неистовой, одаренной магическим драматическим даром, необычайно технически подготовленной, в частности, владеющей искусством не только горизонтального, но вертикального шпагата, являющегося самым сложным видом растяжки (постигать это искусство приходится долгие годы).

Ожидается, что на премьеру вместе с Мелани прилетит и сам 75-летний Мик Джаггер. Есть на свете люди, которым кажется, всегда везет…

Кстати

Премьера первого балета, основанного на рок-музыке, состоялась в немецком городе Шверин в 2014 году. Он состоял из симфонических переработок хитов групп Rammstein и Metallica. И всегда шел при полном аншлаге.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
Страница 2 из 6

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика