Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2018-11
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Ноя 25, 2018 8:00 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018112503
Тема| Балет, БТ, Премьера Персоналии, Уильям Форсайт, Эдвард Клюг
Автор| Екатерина Борновицкая
Заголовок| ​​ Геометрия цвета под лоскутным одеялом звука
Премьера одноактных балетов «Артефакт-сюита» и «Петрушка» в Большом

Где опубликовано| © La Personne
Дата публикации| 2018-11-25
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/geometriya-cveta-pod-loskutnym-odeyalo
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



В самой глубине острова Сан-Микеле в Венеции, словно в некоем отчуждении, находится простая и довольно заброшенная могила – плиту покрыл серо-зеленоватый налет, цветов практически нет, на плите всего два слова – IGOR STRAVINSKY. Последнее пристанище русского композитора настолько же скромное, насколько нескромной является его музыка. Один из величайших новаторов в искусстве, он разрезал классическую музыкальную материю на великое множество мелких частей, а потом вновь собирал их в каком-то своем новом хаотичном порядке, творя восхитительную «гармонию без гармонии». Я не хореограф, но, мне кажется, ставить на Стравинского – с одной стороны, большое удовольствие, а с другой… определенный вызов. Каждая музыкальная фраза будто просит, чтобы в нее вложили пластику и дали ей движение, но музыка сама же и диктует текст, сама прорисовывает героев, выстраивает сценографию – и права на шаг вправо практически не остается, как и права на шаг влево… и приходится только следовать за композитором, подчинившись его воле.

«Петрушка», вышедший поздней осенью на сцену Большого театра, — это, безусловно, что-то новое и необычное, явление, несколько оторванное от русского фольклорного начала, на который опирались создатели либретто – Стравинский и Бенуа. Но настолько тесно переплетенное с музыкой, что ты начинаешь чувствовать эту созвучность балалаечных наигрышей и костюмов, напоминающих об эстетике поздних 60-хх; импровизированных мелодий гармошки и красочных цветовых решений в духе Эмира Кустурицы. Абсолютно не вызывают диссонанса матрешки с лицами представителей монголоидной расы и даже маска на лице Арапа, превращающая его в злодея из комиксов MARVEL.

Пластические решения Эдварда Клюга точны и многословны. Драматургию они в себе немного поглощают, но не поглощают русскую самобытность, продиктованную музыкой. И движения, характерные для русских народных танцев, изящно вплетаются в современный хореографический язык. Сюжет как бы отходит на второй план – ты смотришь на движения артистов, на перемещение матрешек-исполинов в пространстве сцены, на игру цвета в плиссированных юбках молодых купчих, на то, как словно звездочками или снежинками мерцает пачка Балерины, на деревянных кукол, повторяющих движения танцовщиков, на абсолютно «человеческую» пластику главного «игрушечного» героя…

Есть в этом какая-то магия, есть интрига, что-то таинственное и трансильванское – то, что Клюг, вероятно, впитал еще при рождении на своей исторической родине и перенес на московскую сцену. Трогательное уступает мистическому, лейтмотив одиночества растворяется в ярких красках, Петрушка снова умирает, и никого кроме Фокусника не удивляет, что появляется его призрак – потому что к этому моменту мы, зрители, уже забыли, что он был просто игрушкой.

Экспресс-очерк/Артефакт-сюита

То, что премьера обоих балетов состоялась именно в позднем ноябре, придает им еще большую атмосферность. Безусловно, и «Петрушка» Эдварда Клюга и «Артефакт-сюита» Уильяма Форсайта – произведения больше под осенне-зимний сезон – горячий глинтвейн до спектакля, меховая накидка, оставленная в гардеробе и легкий снег, провожающий тебя после. «Артефакт-сюита» особенно похожа на ноябрь – сначала все замирает, застывает в каком-то тревожном предвкушении, ожидании чего-то, и вдруг из этого начинает рождаться действие, оно идет по нарастающей, вводит тебя в состояние подобное трансу.

Хореография Форсайта всегда идеально ложится на тела балетных танцовщиков, подчеркивая красоту их выстроенной физиологии. Она словно выходит из музыки, и делается громче последней – и уже неважно, что играет на заднем плане – Бах или современные биты, потому что ты полностью растворяешься в пластике – в ее динамичной монотонности, когда движения повторяются, повторяются, повторяются, но это не скучно, потому что градус растет.

«Артефакт-сюита» в Большом – это поразительная станцованность с первых спектаклей – артисты не просто чувствуют и слышат хореографию и друг друга, но превращаются на сцене в некий единый организм. Его дыхание преодолевает оркестровую яму и разливается по залу – в первой части теплым желто-янтарным светом, во второй – холодным изумрудно-зеленым. Это современная хореография, построенная на чистоте классических линий с характерным, узнаваемым изломом, прекрасно исполненная… Эмоциональная отрешенность и некая бесполость танцовщиков смещает акценты восприятия непосредственно к пластике и к танцу, которые и становятся главными героями истории, возможно не всем и всегда понятной, но, без сомнения, не оставляющей равнодушных. И, может, оно и надо к чему-то придраться, за что-то зацепиться, да только едва выходит.

Фото © Фото Дамира Юсупова/ Большой театр
================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Ноя 25, 2018 8:11 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018112504
Тема| Балет, МТ, Персоналии, Виктория Терешкина
Автор| Алексей Кононов
Заголовок| ​​ Виктория Терешкина: Когда мне предложили станцевать «Лебединое», у меня был шок: уж что-что, а в школе мне не пророчили такие партии».
Где опубликовано| © La Personne
Дата публикации| 2018-11-17
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/victoria-tereshkina-public-talk
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

На встречу, посвященную балету «Лебединое озеро», куратор проекта «Context Pro Театр» Алексей Кононов пригласил в студию Дианы Вишневой прима-балерину Мариинского театра Викторию Терешкину.



О «Лебедином озере»

Алексей Кононов:
Уже прошел не один год после твоего первого выступления в партии Одетты-Одиллии. Ты станцевала около ста лебединых спектаклей. Что для тебя этот балет?

Виктория Терешкина: Буду говорить именно про то, как я чувствую этот балет, ведь каждая балерина имеет право на свою трактовку. «Лебединое озеро» – настоящая классика классик. Как каждый альпинист мечтает покорить Эверест, так танцовщица мечтает исполнить «Лебединое». Мне повезло: я станцевала главную партию в этом спектакле довольно рано. Сначала стояла в кордебалете, в тех самых «32 лебедях». Это было настоящим испытанием, но именно в такие моменты укрепляется характер и ноги. Но когда я впервые услышала, что буду на гастролях Одеттой-Одиллией, мое сердце опустилось в пятки, ведь это случилось буквально на второй год работы в театре. У меня был шок: уж что-что, а в школе мне не пророчили такие партии, и тем не менее руководство в меня поверило. В самом спектакле для меня огромное значение имеет музыка: бывает сливаешься с ней, и все в этот день сходится.


О Белом лебеде

А.К.: Мы все очень самокритичны. Перед нашей встречей я посмотрел твой ранний спектакль. Ты сама видишь разницу между первыми выходами и сегодняшними?

В.Т.: Конечно! В первую очередь там, где дело касается построения образа, и как я себя чувствую в Белом лебеде, который стал моим Эверестом. Создавать Одетту было для меня трудным испытанием, потому что это лирическая партия. Мое природное начало скорее горделивое, что внушали и в школе. Мне было трудно научиться танцевать медленно, как исповедь. Принц, который пришел на озеро, – это надежда Одетты, ее рассказ. Она не может до конца расслабиться, постоянно думает о Ротбарте, о несбыточном счастье, а Зигфрид при этом все-таки становится ее надеждой на спасение. Здесь есть место грусти, трогательности. Белый лебедь — это несчастная королева, которая ищет защиты.


О Черном лебеде

А.К.:
Помимо того, что Черный лебедь технически сложный и характерный, еще и актерски достаточно насыщенный. Твоя Одиллия – это мистика или все-таки что-то земное?

В.Т.: Больше земное, плотское. Коварные женщины почему-то даются мне гораздо быстрее, чем хорошие и благородные, хотя в жизни я совершенно другая. Может быть, это проявление какой-то внутренней сущности, того, что никогда не выйдет наружу. Я не чувствую страстной борьбы внутри, но такие сценические образы мне кажутся очень интересными. Возможно, из-за того, что в жизни ты другой, примерить на себя эту маску проще, да и отрицательных героев всегда легче почувствовать, потому что они ярче, чем лирические. Одиллия – образ, в котором ты можешь купаться: быть коварной, обаятельной, улыбчивой и наоборот. Есть куда развернуться. Но вместе с тем акт очень тяжелый: знаменитые 32 фуэте весь зал очень ждет, а силы уже на исходе, и ты просишь каждый раз у бога сил, ведь нельзя показать усталость.


О кордебалете

А.К.:
В кордебалете стоять все-таки легче, хотя они все думают, что проще тебе?

В.Т.: Когда я стояла в «32 лебедях», мне было очень тяжело. Как иногда хотелось, чтобы солистка скорее уже станцевала свою вариацию, и можно было бы поменять ногу! Да, даже такие мысли меня посещали. Конечно, став балериной, я по-другому начала смотреть на многое. Но наш кордебалет в Мариинском театре понимающий, он поддерживающий. Хотя, знаете, бывало, танцуешь Черного лебедя, сидят невесты, и когда ты проходишь мимо них во время вариации, вдруг кто-то из них говорит: «держись!». И я думаю: неужели все так плохо? Сейчас, правда, это ушло.


Об индивидуальности

А.К.:
Мне Алла Евгеньевна Осипенко говорила, что их ругали, когда в «Лебедином озере» нога шла выше 90 градусов. А поскольку у нее ноги были её козырем, то она обрезала себе пачку и показывала их, за что получала от руководства. На такую смелость ее спровоцировала Агриппина Ваганова, которая сказала ей однажды: «У вас красивые ноги, продавайте их задорого».

В.Т.: У меня была похожая история с самой Аллой Евгеньевной. Как-то она встретила меня после концерта и стала убеждать, что фамилию надо менять, и успеха мне с такими инициалами не стоит ждать. Я так расстроилась! Меня это очень задело, и я решила, что никогда ее не поменяю. А если без шуток, думаю, что каждая балерина должна показывать свою индивидуальность, и это надо позволять. Что касается Белого лебедя, у меня все-таки существует один идеал – это Ульяна Лопаткина. Однажды на гастролях в Штатах я увидела ее выход в белой картине. И знаете, дело даже не в ее потрясающе длинной шее и руках, что-то было в ее взгляде. Это был взгляд животного, при этом никаких «бровей домиком» – все шло изнутри. Энергетика должна быть.

Текст Ольга Угарова

Фото Саша Гуляев
=============================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Ноя 25, 2018 8:32 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018112505
Тема| Балет, Национальный театр оперы и балета им. Спендиарова, Премьера, Персоналии, Генрих Майоров
Автор| Елена Галоян
Заголовок| ​​ "ЧИПОЛЛИНО" НА СЦЕНЕ ЕРЕВАНСКОЙ ОПЕРЫ
Где опубликовано| © газета "Голос Армении"
Дата публикации| 2018-11-12
Ссылка| http://www.golosarmenii.am/article/72986/chipollino-na-scene-erevanskoj-opery
Аннотация| Премьера, Интервью



В Национальном театре оперы и балета им. Спендиарова царила необычная обстановка. Зрительный зал был заполнен детьми и подростками, многие из которых, держась за руки родителей, бабушек и дедушек, впервые пришли на балет. И, пока не поднялся занавес и не началось красочное сценическое действие, ребячий гвалт не прекращался ни на минуту.

НО ВОТ ЗАИГРАЛА МУЗЫКА - И НАСТУПИЛА ТИШИНА. НАЧАЛАСЬ МУЗЫКАЛЬНАЯ СКАЗКА... Сказка, которую любят все независимо от возраста, знакомая по забавной книжке итальянского писателя-журналиста Джанни Родари и одноименному знаменитому мультфильму "Чиполлино", где все персонажи - фрукты или овощи: Вишенка, Земляничка, Редиска, Виноградинка... А главный герой Чиполлино - мальчик-луковка, борющийся с несправедливостью, защищающий обиженных богачами - синьором Помидором и принцем Лимоном.

Красочная, колоритная, динамичная постановка с красивыми декорациями и яркими, выразительными костюмами героев (привезенными из Большого театра) сразу произвела завораживающее впечатление, а легкая красивая музыка Карена Хачатуряна ублажала слух на протяжении всего спектакля.

"Чиполлино" является одним из самых любимых детских балетов, идущих на сценах многих театров в постановке известного хореографа, заслуженного деятеля искусств России и Бурятии Генриха Майорова. Не случайно, что и в нашем Театре оперы и балета Генрих Александрович взялся за постановку "Чиполлино" с армянскими танцовщиками. Это произошло прежде всего благодаря художественному руководителю театра Константину Орбеляну, который давно задумал внести в репертуар театра детский спектакль и пригласил Майорова в Ереван.

- Я очень рад и горд, - сказал Константин Орбелян на пресс-конференции, - что Генрих Майоров приехал к нам в Армению и именно он занимается столь потрясающей постановкой на музыку Карена Хачатуряна. Очень красивый музыкальный спектакль, который идет в Большом театре, в других городах России. После долгих лет "Чиполлино" - первый детский балет на сцене нашего театра. Еще задолго до непосредственной работы над спектаклем Генрих Александрович приезжал в Ереван, чтобы подобрать танцовщиков для спектакля, проведя кастинг среди них, для чего был устроен урок классики балетной труппы театра. И был приятно удивлен творческими возможностями наших артистов. Еще тогда он отметил, что труппа в прекрасном состоянии - молодая, яркая. "Какие трюки делают ребята, какие сложности, вращения, прыжки. Какие яркие индивидуальности!.. Думаю, какой там Большой театр, когда есть своя великолепная труппа, своя школа, - говорил он. - У вас танцуют одни армяне, девушки красивые, юноши техничные, и это дает уверенность, что труппа вытянет такой виртуозный по сложности спектакль, как "Чиполлино". Мне не только хочется сделать у вас очередной спектакль, но и чтобы это было очередное чудо!"



- У ВАС ОЧЕНЬ ХОРОШАЯ БАЛЕТНАЯ ШКОЛА, - говорит хореограф Майоров. - Говоря это, я опираюсь на увиденное. А видел я два ваших замечательных спектакля: "Гаянэ" и "Жизель". Пришел в восторг от умения делать работу и точно выполнять задания. В "Гаянэ" это было блестяще. В этом балете очень много сложной хореографической техники с национальным колоритом. Это очень музыкальный спектакль, и в музыке есть свои сложности, но все делается чисто. Когда смотришь эту постановку, получаешь настоящее наслаждение. В этом и заключается роль театра. А "Жизель" - очень строгий экзамен для труппы, потому что это балет классического наследия.

Я очень счастлив, что увидел настоящий балет столичного уровня. Когда я начал работать с труппой, у меня было много трудностей. Есть доминирующие сильные участники, но были и определенные нюансы, которые тоже поставлены на музыку. И мы долго занимались, чтобы труппа поняла, что это все - единое сплетение качества. У меня много таких вещей, поставленных на музыку, выражающую смысл. И вот тут мы немного поработали.

- Это ваш единственный детский спектакль?

- Я ставил "Алые паруса", "Щелкунчик", "Спящую красавицу", "Белоснежку и семь гномов".

- А как начиналось ваше сотрудничество с Кареном Хачатуряном, который написал замечательную музыку прежде всего к мультфильму "Чиполлино", а уж затем к балету?

- О Карене Суреновиче - отдельный разговор. Предыстория такова: мультфильм "Чиполлино" знают все. Когда он в 1971 году дошел до солиста балета Геннадия Рыхлова, тот написал на его основе либретто. Композитору понравилось, он доработал музыку, используя фрагменты своих мелодий, написанных для других мультфильмов, но встал вопрос: кто будет балетмейстером? Майя Плисецкая порекомендовала меня или Эйфмана. И вот я нахожусь в Москве, и вдруг в гостиничном номере раздается телефонный звонок. Это был Карен - племянник Арама Хачатуряна. "Я написал музыку для балета, - сказал он, - приезжай послушай". А я был очень занят: по четыре репетиции в день, но из уважения к фамилии я поехал. Карен блестяще играл на рояле. Я уловил в его музыке, сколько иронических, комических, сатирических вещей заложено в партитуре. Это было в 1974 году в марте, а уже в ноябре состоялась премьера "Чиполлино" в Киеве. А потом уже с Кареном Суреновичем мы ездили по всей России. Его всегда очень любит оркестр, потому что в его музыке всегда есть что делать. А еще через два года мы неожиданно получили Государственную премию СССР. "Чиполлино" ставили в Ашхабаде, Минске, Уфе, Челябинске, Улан-Удэ, Вильнюсе, Краснодаре... Я более 40 лет ждал, чтобы меня пригласили в Ереван. (Смеется.) Тем более что именно столько лет назад я побывал в вашем замечательном городе...

- А кто сделал такие замечательные сказочные декорации, яркие, красочные костюмы к спектаклю?

- Валерий Яковлевич Левенталь - главный художник Большого театра, очень талантливый. Он взялся за детский спектакль и такую красоту сделал. И что важно: декорации полностью соответствуют музыкальной партитуре.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Ноя 25, 2018 9:50 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018112506
Тема| Балет, Большой театр оперы и балета республики Беларусь, Премьера, Персоналии,
Автор| Ирена КОТЕЛОВИЧ / Фото Андрея САЗОНОВА
Заголовок| ​​ Беларусь XVI века на сцене Большого театра
Где опубликовано| © Газета "Звязда"
Дата публикации| 2018-11-05
Ссылка| http://zviazda.by/be/node/145994
Аннотация| Премьера

Как интерпретировать прошлое, чтобы рассказать романтическую историю.


Мы ждали от театра оперы и балета чисто белорусской постановки и дождались «Анастасии» — страшно красивого двухактового балета про Анастасию Слуцкую, татарские нападения и любовь. Музыка Вячеслава Кузнецова, либретто Анатолия Делендика (автора сценария кинофильма «Анастасия Слуцкая»), хореография Юрия Трояна и эпизод из белорусской истории, который мы мало знаем, поэтому можем по-разному обыгрывать, воплотились в новой постановке Большого.



Театр, бывает, упрекают в том, что отечественного продукта в нем не сыщешь днем ​​с огнем. Пока на его сцене поет Кармен и танцует Жизель, к белорусскому это имеет отношение только творческим составом команды, которая работает над постановками. Балет «Анастасия», что обращается к XVI веку в нашей истории и жизни вынужденной быть сильной, чтобы защитить своих детей и город, женщины, каким-то образом заполняет пробел в репертуаре. Во-первых, через историю белорусской земли, во-вторых, через материал белорусских авторов.

Изящными движениями под достойную отдельного внимания музыку Вячеслава Кузнецова артисты балета рассказывают историю главной героини: Анастасия имеет определенные чувства к князю Михаилу Глинскому, то ли во сне, то ли на самом деле, но выходит замуж за выбранного отцом Семена Олельковича. Союз подкрепляется настоящей любовью и оборачивается семейной идиллией с двумя детками, но жизнь князя Семена должна прерваться из-за внезапного нападения Хана Ахмата и его дочери Заиры. Последняя хитрым и несправедливым ударом ножом в спину убивает князя, а Анастасия в сетке оказывается подарком Михаилу Глинскому. Второй акт отдан их отношениям: Анастасия прогоняет Михаила, а он спасает ее во время очередного нападения татар.

В случаях работы с такими малоизвестными периодами остается много пространства для авторских вариаций и соблазна их романтизации. Что стало и с историей про Анастасию Слуцкую: исторический фон является лишь контекстом, что толкает сентиментальный сюжет и проявляет героев. Белорусская православная земля страдает от вероломства иноверцев, но главное здесь все же любовный треугольник — прекрасный союз Анастасии с Семеном, чтобы о его смерти больше переживали, твердость духа главной героини, которая не принимает Михаила Глинского, и поступок последнего, от романтичности которого сердце может остановиться, когда он несмотря ни на что спасает Анастасию и ее город от злодеев-татар.

Второй раз подряд — мы помним постановку «Саломея», премьера которой переносилось якобы из-за жалобы верующих — Большой театр рассказывает зрителям о жизни решительной, сильной, смелой женщины, которая преданно любит, заворачивает мир вокруг себя и движет историю. Причем рассказывает с минималистскими, но многогранными декорациями, легкими платьями и соболями на плечах, энергичным Ханом Ахматом, хитрым выгибанием Заиры, настойчивым сбором армии Анастасией.



Наверное, есть в постановке реверанс в сторону православия, которое подразумевается в декорациях и пламенных обращениях Анастасии к Богу в тяжелую минуту. Ну и ничего, если б не абсолютные преступники без принципов татары, хотя в целом балет избежал упрощенных абсолютов, мол, если любовь, то навсегда, если ты сильная, то всех победишь. Есть здесь даже с обращением к истории одновременное ее отрицание, потому что она служит лишь поводом рассказать о любви, в которую можно как можно больше добавить от себя.

Но музыка, язык тела (все же балетное искусство — великое) и независимый лоскуток белорусской земли — в премьерной постановке театра оперы и балета. Точно (если не искать повторений и нестыковок) новый белорусский проект Большого, который перенес наш XVI век на сцену, показывает, что обращение к истории может дать бездну возможностей для создания зрелищного балета.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Ноя 26, 2018 6:39 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018112601
Тема| Балет, Staatsballett, Премьера, Персоналии, Алексей Ратманский
Автор| Ольга Гердт
Заголовок| ​​ Что сделал с «Баядеркой» Мариуса Петипа Алексей Ратманский
В Берлине самый востребованный на Западе российский хореограф очистил балетную классику от советских наслоений

Где опубликовано| © Газета "Ведомости"
Дата публикации| 2018-11-26
Ссылка| https://www.vedomosti.ru/lifestyle/articles/2018/11/25/787430-bayaderkoi-aleksei-ratmanskii
Аннотация| Премьера, ИНТЕРВЬЮ


Алексей Ратманский – самый западный из российских хореографов и самый современный из классических
Валентин Барановский / ТАСС


У берлинского Staatsballett теперь два интенданта – с 2018 г. компанию возглавил бывший руководитель Шведского королевского балета Йоханнес Ойман, в 2019-м к нему присоединится хореограф contemporary dance Саша Вальц. Поскольку строить репертуар эти «две головы» намерены как мост между классическим и современным танцем, открытие сезона обновленной компании тоже стало двойным. Сначала появился сенсационный одноактный балет Half Life израильтянки Шарон Эйал с потеющим и содрогающимся в синхронной ритуальной агонии кордебалетом. Следом трехчасовая «Баядерка» Мариуса Петипа – результат научно-поэтических расшифровок хореографом Алексеем Ратманским записей постановки 1900 г. Постановка, в которой при всей масштабности и весомости не оказалось ни грамма традиционной тяжести. Смотрится легко, переваривается быстро и оставляет приятное впечатление, ничем особенно не зацепив.

Мелодраматический сюжет с поножовщиной, предательством и смертью от укуса ядовитой змеи, переодетый художником Жеромом Капланом в бронзовое и золотое и упакованный в декорацию как в подарочную конфетную упаковку, проносится перед глазами как немая фильма с пантомимой вместо титров. На хорошей ровной скорости, гипнотизируя не столько смыслом, сколько ритмом. Дело даже не в том, что Ратманский и его команда что-то этой «Баядерке» добавили, что-то отрезали, что-то вернули на место в соответствии с доставшимся им источником. Не в редакторских радостях и аутентичности дело. Дело не в расшифрованном даже, а скорее угаданном рецепте магии Петипа, делавшей его балеты предтечей самого массового из всех искусств. Пресловутый большой стиль Петипа со всеми его бесчисленными танцами, бутафорскими слонами, тиграми и спускающимися откуда-то с облака 32 тенями – самой завораживающей картиной загробного мира, какая только есть в балете вообще, – в постановке Ратманского не становится синонимом имперской жирности.


YAN REVAZOV
На сцене Staatsballett только 32 тени, у Петипа в 1900 г. их было 48, а в 1877-м и вовсе 64

Все компоненты этого зрелища выстроены и сбалансированы так, что от привычной гигантомании не остается следа. Как и от десятилетий негласного балетного «матриархата», ассоциирующегося с классикой. Даже абсолютный берлинский культ, танцевавшая премьеру прима Полина Семионова – не центр этой неожиданно антииерархичной конструкции, совершенно иначе открывающей космос Петипа. Скорее, как говорит где-то в комментариях Ратманский, вишенка на торте. Сбросившая вес вместе с амбициями, допотопной тяжестью и звериной серьезностью, эта «Баядерка» выглядит вполне fit, чтобы перемахнуть из XIX в. в XX в. Как минимум, в берлинский. Стоячая овация на премьере тому доказательство.

«Ведомости» поговорили с Алексеем Ратманским о Петипа, которого мы не знаем, балетных нотациях и закрытых архивах Мариинского театра.

– Давайте расставим точки над i: ваша постановка – это что?

– Ни в коем случае не реконструкция спектакля. Это реконструкция нотации, которая относится к 1900 г., к «Баядерке», которую Петипа восстановил в Мариинском театре для бенефиса Павла Гердта с Матильдой Кшесинской в главной роли. Эта нотация одна из лучших, с какими я работал, – все записано очень точно и педантично. Мы полагаем, это рука балетмейстера Александра Горского – можно сравнить с его же записью пантомимы, или мимики, как ее называли, «Баядерки», которую мы нашли в музее Большого театра. Этой нашей находкой я особенно горжусь.

– И что вы увидели? Балет сильно отредактировали в советское время?

– Балет, поставленный в 1877 г., не мог не измениться, не вопрос. Но в то же время видно, как целенаправленно уничтожалась пантомима. Жесты, объявленные отжившими, вымарывались и заменялись чем-то другим – надо же было как-то объяснить сюжет. Подходили «творчески»: перекраивали действие, меняли порядок выходов, изобретали новые сценические положения. К примеру, вместо пантомимы «Там есть одна красавица баядерка, он обещал на ней жениться» появлялся какой-нибудь символический жест – вроде свадебной фаты в руке.

– А что касается хореографии?

– Вроде бы все то же самое – но другое. Представьте хореографическую фразу, в ней восемь тактов. Так вот, в каждой такой фразе есть изменения. В каждой!

«Зритель Большого театра достаточно консервативен»

– Что Петипа не то, чем кажется, выяснилось после исторических реконструкций Сергея Вихарева – прежде всего «Спящей красавицы» и той же «Баядерки». Он первым начал работать с танцевальными нотациями. Вышел большой скандал, потому что открытый им альтернативный путь сохранения наследия многих «редакторов» оставлял без хлеба. Тема нотаций до сих пор мистифицируется – читать их якобы очень сложно.

– Не сложнее, чем учить иностранный язык. Есть же учебники. Садишься и учишь – и чем больше занимаешься, тем лучше получается. С тех пор как лет пять назад я этому выучился, от любой возможности реконструкции не отказываюсь.

– Да, глаз у вас горит!

– Потому что это очень увлекательно. Ведь до сих пор по текстам классических балетов у нас ничего не сделано. Кто, что, когда поменял? Нет исследований! Ну, пару слов у балетмейстера Федора Лопухова, и то в «нужном» ключе. Винить те поколения нельзя, они сохранили, что могли, несмотря на обстоятельства. Но ведь и растеряли много, и меняли намеренно, а потом говорили: «Вот теперь все как было, не трогайте уже ничего!» Сегодня я готов ответить на любой текстологический вопрос по «Баядерке» – ничего скрывать не стану. Почему, зачем, как можно менять? Есть ответы на эти вопросы.

– Постановка в Staatsballett потребовала каких-то компромиссов?

– В каждом театре есть обстоятельства, с которыми приходится считаться. Известно, например, что у Петипа теней в третьем акте в 1900 г. было 48. А до этого, в постановке 1877 г., аж 64, включая мальчиков – воспитанников училища. Даже не знаю, что они там делали среди девушек. Но в Staatsballett нет столько людей – мы на традиционные 32 едва сговорились! И то пришлось добирать из учениц школы. У Петипа был аналитичный, галльский склад ума – он часами мог выстраивать композицию, добиваясь абсолютной гармонии. За всем стоит точный математический расчет. Количество людей на сцене должно было делиться на 2, 4 или 8. Теней в одной линии стояло 12. Можно поставить 8, но меньше уже никак нельзя – сразу пропадает вся архитектура.

Почему современный танец не стареет

– После реконструкций Вихарева наше представление о балетах большого стиля перекосило в другую сторону: Петипа показался меньше балетмейстером и больше шоуменом.

– У Петипа, это видно из нотаций, было идеальное чувство баланса. Ингредиенты – марш, пантомиму, чистый танец, действенный, характерный, – он дозировал, как гомеопат, миллиграммами. Конечно, он делал шоу для царского двора, hot top, как сегодня сказали бы: та же «Баядерка» поставлена на волне интереса к событию, которое отразили все иллюстрированные издания мира, – визиту принца Уэльского в Индию. Петипа знал, чего от него хотят, но оставался при этом серьезным художником. Не просто бежал за модой.

– Хореографу Алексею Ратманскому приходилось додумывать за Петипа?

– Для меня его хореография абсолютно самоценна. Я считаю, все, что нотировано, – а это 13 больших номеров, приблизительно 60–65% балета, – мы должны были сделать так, как нотировано. Но там, где материала не нашлось, вольны были поступать как сочтем нужным. Не удалось, например, получить музыкальные материалы из архивов Мариинского театра – они закрыты. Поэтому аутентичный порядок номеров и звучание собирали на слух и опираясь на доступные источники – в частности, клавир репетитора Анны Павловой с пометками, который нашли в «Конвент-Гардене».

– А почему архивы Мариинского закрыты?

– Не знаю. Это вопрос, который надо задавать.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Дек 02, 2018 8:12 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Ноя 26, 2018 10:24 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018112602
Тема| Балет, Балетный фестиваль «Дягилев. P. S.», японская балетная труппа Noism, Персоналии,
Автор| Игорь Ступников
Заголовок| Как фестиваль искусств «Дягилев. P. S.» двух гениев помирил
Где опубликовано| © Санкт-Петербургские ведомости
Дата публикации| 2018-11-26
Ссылка| https://spbvedomosti.ru/news/culture/kak_festival_dvukh_geniev_pomiril/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Как уже знают читатели, в девятый раз в нашем городе проходит международный фестиваль искусств «Дягилев. P. S.»: премьеры балетных спектаклей, научные конференции, выставки, кинопоказы. Как и весь балетный мир, хозяин фестиваля - Музей театрального и музыкального искусства - обратился к 200-летию со дня рождения Мариуса Петипа, великого создателя русского балета.

Отношения Дягилева и Петипа были, мягко говоря, сложными, каждый отстаивал свое понимание искусства хореографии и дальнейших путей его развития. Основатель и арт-директор фестиваля Наталья Метелица примирила двух гениев. Формируя балетный репертуар проекта, она показала, как на основе версий балетов Петипа современные хореографы разных стран с дягилевской смелостью сочиняют свои интерпретации знакомых сюжетов.
Балетное дефиле открылось спектаклем «Баядерка. Пространство иллюзии», представленным на сцене Александринского театра японской труппой Noism, возглавляемой хореографом Йо Канамори. Уже название коллектива во многом определяет его творческую направленность: no-ism - никаких «измов», никакой натужной и насильственной новизны во что бы то ни стало. Для хореографа было важным создать серьезный драматический балет, где в разной степени равноценны хореография, игра актеров, сценография и костюмы. У Йо Канамори богатый творческий опыт. Он обучался искусству танца в труппе Мориса Бежара, дебютировал как хореограф в Нидерландском театре танца, а в 2004-м организовал свою собственную труппу.

Музыка спектакля основана на оригинальной партитуре Людвига Минкуса с добавлением музыкального материала, созданного японским композитором Ясухиро Кадамтасу. Действие «Баядерки» разворачивается среди равнин вымышленной империи Мараншу. Сценарист Ориза Хирата сохранил в целом либретто Мариуса Петипа, но «заземлил» его на иной исторической почве - событиях японской истории первой половины ХХ века, когда в стране сталкивались интересы Китая, Кореи, Монголии, Маньчжурии, а народ был невольным участником религиозных, кастовых и национальных распрей. Сохранился традиционный любовный треугольник: баядерка Миран, ее возлюбленный, воин Батор, и дочь императора Фуи-Шенг. Сценарист вводит в традиционное либретто новый персонаж - провидицу Пойан (отличная работа Юко Ишихара), которая, словно греческая Кассандра, может предупреждать, но, увы, ничего не может изменить.

В этом спектакле традиции японского театрального искусства с его подчеркнутой декламацией и значимыми паузами соединяются с выразительной хореографией. Балетмейстер великолепно сочиняет массовые сцены, каждой национальной группе придана своя пластика: буйный, безудержный пляс - монголам, грациозная пластика - баядеркам, резкий, полный прыжков танец - воинам. Художник по костюмам Йосюки Миямаэ тонко следует замыслу балетмейстера: каждый костюм имеет свое колористическое «звучание», точно определяя принадлежность персонажей к тому или иному слою общества.

В партии баядерки Миран Савако Исеки, танцовщица, обладающая воздушной, легкой техникой и чистотой пластических интонаций, сыграла и покорность в дуэтах с Батором, и несгибаемую волю в диалоге с принцессой-соперницей. В ее вариации на свадьбе Батора и Фуи-Шенг звучала тема безутешности, в сцене «Тени» - горделивый покой и печаль. Танец Сатоши Никагава в партии Батора был исполнен открытых эмоций. Своеобразно решена сцена «Тени»: появление одетых в белоснежные покровы баядерок не сулило Батору желанного забытья и покоя, взвинченность их пассажей, напряженность фразировок отрицали умиротворенную парадность ансамблей XIX века.

Заканчивается спектакль, во мгле исчезает пространство иллюзий, увиденное старцем по имени Мураками сквозь магический кристалл. В центре сцены - молодой Мураками, вонзающий острие ятагана в планшет подмостков. Перед ним - новая жизнь, где пространство иллюзий лишь воспоминание о бурной истории страны.


Материал опубликован в газете «Санкт-Петербургские ведомости» № 220 (6329) от 26.11.2018 под заголовком «Как фестиваль двух гениев помирил».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Ноя 26, 2018 2:15 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018112603
Тема| Балет, театр «Русский балет», Персоналии, Вячеслав Гордеев
Автор| Наталия Веркашанцева
Заголовок| Художественный руководитель театра «Русский балет» Вячеслав Гордеев: — Быть ближе к небесам
Где опубликовано| © «Оренбургская неделя»
Дата публикации| 2018-11-26
Ссылка| http://orenweek.ru/39932/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Большой театр России поздравил народного артиста СССР, художественного руководителя театра «Русский балет» Вячеслава Гордеева, посвятившего более четверти века главной сцене страны, с юбилеем. В честь знаменитого танцовщика звезды Большого исполнили «Баядерку» – один из его любимых балетов. На торжественной церемонии в Большом театре юбиляру вручили Почетную грамоту Президента Российской Федерации.



Перед спектаклем зрители увидели на большом экране исторической сцены отрывки из знаменитых балетов, где блистал выдающийся артист. «Оренбургская неделя» присоединяется к поздравлениям. И публикует интервью с Вячеславом Гордеевым, данное журналисту «ОН» по случаю 35-летия возглавляемого им Московского государственного театра «Русский балет».

— Вячеслав Михайлович, как получилось, что вы — премьер Большого театра, танцевавший практически все ведущие партии репертуара, блистательно представляя русский балет на самых престижных сценах мира, на пике карьеры сделали невероятный пируэт — неожиданно для всех возглавили ансамбль «Классический балет» при Московской областной филармонии?

— Это действительно произошло неожиданно. Я уже был народным артистом СССР. Женился на Надежде Павловой. Мы были очень востребованы. Колесили по всему миру. Наш дуэт называли «надеждой и славой русского балета». И тут мне предлагают возглавить ансамбль Ирины Викторовны Тихомирновой, которая тяжело заболела. Долго сомневался. Но, в конце концов, согласился: предложение возглавить творческий коллектив давало большую возможность для художественного самовыражения. Стал увеличивать труппу, в которой было всего 16 человек, расширять репертуар. Когда на нашей афише появился спектакль «Лебединое озеро», мы стали именоваться Московским областным театром «Русский балет». Все эти годы театр удерживает заявленные позиции: на нашей сцене — практически весь русский репертуар. Если не полностью спектакль, то хотя бы фрагменты.

— Ваша афиша свидетельствует о том, что театр принял за основу классическую концепцию…

— Действительно, в нашем репертуаре — «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Коппелия», «Щелкунчик», «Жизель», «Дон Кихот» и другие жемчужины классического наследия. Однако, насыщая афишу «Русского балета» классическими спектаклями, позволяем себе дерзость экспериментов, поиск современных хореографических форм.

— Ваш театр, имеющий подмосковную прописку, получил широкое международное признание. Гастроли в ФРГ, США, Италии, Испании, Франции, Великобритании, Португалии, Австрии, Ирландии, Швейцарии, Бельгии и других странах можно назвать триумфальными.

— Самим себя хвалить не с руки, но наш театр назван журналом «Джорнэл» витриной балетных талантов, а Ассоциация западноевропейских импресарио удостоила нас звания «Лучший балетный коллектив Европы». Несколько городов Франции, США и Мексики избрали артистов «Русского балета» своими почетными гражданами. К наградам прибавился немецкий приз «За самую грандиозную постановку «Спящей красавицы». На данном этапе у нас действительно очень сильная труппа. Мы конкурируем с Большим и Мариинским театрами. А в Китае вообще считаемся первой труппой России.

— В последнее время международная политическая ситуация изменилась. Вы почувствовали перемену в отношении западных зрителей к вашему театру?

– Нисколько! В Германии, например, вот уже три десятилетия нас встречают как старых друзей. Как и в прошлые годы – аншлаг и овации, несмотря ни на какие санкции.

– В вашем театре встал на крыло японский танцовщик Морихиро Ивата, снискавший славу «летающего японца», на вашей сцене дебютировал американец Джулиан Маккей. А ведь театр называется «Русский балет»…

— Мы называемся «Русский балет», потому что привержены нашей великой классике, традициям, бережно сохраняем шедевры русского хореографического наследия, но двери театра открыты для всех талантливых исполнителей. Поэтому в нашей труппе вы можете увидеть артистов из Японии, Италии, Кореи, Монголии, Америки, Австралии.

— «Блистательна, полувоздушна, смычку волшебному послушна», — писал поэт о балерине Истоминой. Искусство балета действительно полётно, как «пух из уст Эола». Но стремясь ввысь, артист балета всё же падает на землю.

— Магия танца приходит на сцену рука об руку с тяжелым трудом. Балет жесток изнанкой. Он требует огромных жертвоприношений – невероятной трудоспособности, творческой дисциплины, преданности искусству. Вот сейчас мои артисты придут на класс, и мы начнём заниматься – несколько часов, до седьмого пота. Одежду можно будет буквально выжимать.

— И всё-таки люди влюбляются в балет, посвящая ему жизнь, как это сделали вы. Как начался ваш роман с балетом?

— Однажды посмотрел по телевизору «Ромео и Джульетту» с Галиной Улановой. И попросил маму записать меня в секцию хореографии Тушинского Дворца культуры. Хотя был обычным мальчиком и любил бегать с друзьями во дворе. После четвёртого класса собрался поступать в суворовское училище. Документы были готовы. Меня по-военному коротко подстригли. Мы с мамой шли по Пушечной улице из «Детского мира», куда заглянули за покупками, и увидели объявление хореографического училища о дополнительном наборе в группу для особо одарённых детей. Я уговорил маму пойти туда. Мы сдали документы и стали ждать своей очереди. Желающих было 600 человек. А взяли троих. Так я попал в хореографическое училище. Ну а дальше всё уже зависело от моей природы и меня самого. С детства я был упёртым и занимался практически всеми видами спорта. Был готов к любым нагрузкам. Оставался после занятий и до 9 вечера занимался балетной подготовкой. Кто-то из педагогов сказал, что от водяного массажа худеют ноги. И я начал себя «сушить». По часу массировал каждую ногу в душевой. Или, например, прыгал со стула на стул. Норма – 1000 прыжков. Я измерял всё сотнями и тысячами. Это сейчас сократился до десятков. Когда с мамой ездил в Евпаторию, ставил перед собой задачу проплыть два-три километра. И в течение дня эту дистанцию преодолевал. Для того чтобы подрасти, а я думал, что от моркови растут, поставил перед собой задачу — каждый день съедать по два килограмма моркови. И ел — до боли в челюстях. Вроде бы глупость, но на самом деле – невероятная целеустремлённость. Хотел победить.

— Наш балет всегда был впереди планеты всей. На каком месте он находится сейчас?

— Вчера я встречался с Еленой Анатольевной Чайковской, которая воспитывает чемпионов по фигурному катанию. Она тоже преподаёт в ГИТИСе, где я заведую кафедрой хореографии. Мы разговаривали о том, что утратили свои позиции в спорте, в фигурном катании в частности, где тоже были впереди планеты всей. Всё потому, что не было поддержки на государственном уровне. В итоге нас стали оттеснять. Такая же ситуация сейчас в балете. Государство выделяет деньги практически только Большому и Мариинскому театрам. Ну, может, ещё Новосибирскому и Екатеринбургскому. Господдержка крупных театров — это хорошо. Но не они делают балет в нашей стране. Да, они хорошие. Но не они создают общую картину! Русский балет на свои вершины поднимался с низов — от народа. Раньше ездили по городам и собирали самых талантливых людей. И сейчас нужно собирать. Либо это будут дети, которых надо учить балету, либо балетмейстеры, которых надо учить ставить балеты. Правильно говорят: талантам надо помогать. У кого-то больше жизненных сил, они сумеют добиться цели. А некоторые талантливые люди так и будут прозябать где-то, и мы их никогда не увидим. И это ужасно. Из-за недостатка внимания к балету многие уехали за сладкой жизнью на Запад. В ведущих театрах Европы художественные руководители в основном — наши соотечественники. Многие возглавляют балетные школы в Германии, Австрии, Великобритании.

— И всё-таки в классике мы по-прежнему лучшие…

— Лучшие. Но нас ругают за то, что современный балет у нас не так продвинут, как на Западе. Искусство балета, я напомню тем, кто не знает или забыл, – это прекрасное искусство. Это красота человеческого тела. Вообще, красота. Недаром артистов балета подняли на пальцы. Чтобы они приближались к небесам. Современный балет, в основном, — на коленях или лёжа на полу. Наше классическое искусство – светлое. Мы шли от сказки, чтобы сделать жизнь красивой. Современные западные балетмейстеры на сцену выносят быт, вплоть до унитазов. Я не против, пусть они высказываются в этом направлении. Но величие нашего балета не в современном танце, а в классике.

— Вы очень много делаете для продвижения и популяризации балета. Создали благотворительный фонд, приобщающий детей к искусству балета, на своём участке земли в Подмосковье начали строить школу балетного танца.

— Я всегда мечтал открыть свою балетную школу. Ведь накоплен огромный сценический и жизненный опыт. И именно теперь, понимая, что особой помощи ждать неоткуда, приступил к строительству. Думаю, что школа станет не просто образовательным учебным заведением, а духовным и культурным центром региона.

============================================================
Фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Ноя 26, 2018 2:36 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018112604
Тема| Балет, театр "Астана Опера", Персоналии, Алтынай Асылмуратова, Андрис Липеа
Автор| корр.
Заголовок| В Астане состоятся премьеры балетов "Шопениана" и "Шехеразада"
Балеты, выдержавшие проверку временем, несомненно, придутся по вкусу столичной публике.

Где опубликовано| © "Zakon.kz"
Дата публикации| 2018-11-26
Ссылка| https://www.zakon.kz/4947492-v-astane-sostoyatsya-premery-baletov.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


© Фото : пресс-служба

Роскошная сказка о любви "Шехеразада" с колоритом персидских танцев и романтичная "Шопениана" с волнующими вальсами и мазурками будут впервые представлены 30 ноября и 1 декабря на сцене Большого зала "Астана Опера", передает Zakon.kz со ссылкой на пресс-служба театра.

Премьера одноактных балетов пройдет в рамках празднования 20-летия Астаны, под эгидой Министерства культуры и спорта РК.

Романтические грезы

Прежде, чем пуанты балерин коснутся сцены и артисты создадут магию волшебства, погружая зрителей в совершенно новые ощущения, всем службам театра предстоит немало потрудиться. Но в первую очередь, огромная ответственность за постановку лежит на художественном руководителе балетной труппы "Астана Опера" Народной артистке России Алтынай Асылмуратовой.

"Как я говорила ранее, мне бы хотелось собрать в этом театре все самое лучшее. Много балетов мы посвящаем традиционной классике, в том числе великому мэтру хореографии – Мариусу Петипа, а также делаем поклон западным балетмейстерам: К. Макмиллану, Р. Пети, но в XX веке одним из самых выдающихся постановщиков был еще и М. Фокин, спектакли которого должны идти в репертуаре столичного театра, наряду с другими мировыми сценами. Имея колоссальный опыт, основанный на традиции классической школы, М. Фокин развивал балет в разных стилях. "Шопениана" и "Шехеразада" - яркий тому пример, стилистически они абсолютно разные. "Шопениана" - балет с оглядкой на прошлый век. "Шехеразада" - это неоклассика на гениальную музыку, с восточной темой. Для реконструкции этого спектакля я пригласила Народного артиста России Андриса Лиепу, с которым мы давно знакомы, определенное время работали вместе. Именно по его инициативе легендарные балеты М. Фокина стали восстанавливать, и он был одним из первых, кто взялся за это дело", - рассказала Алтынай Асылмуратова.

Кузница невесомости

Сама Алтынай Абдуахимовна выступила балетмейстером-постановщиком спектакля "Шопениана", в котором задействовано 24 артиста. Художественный руководитель балетной труппы поясняет, что в 1908 году Михаил Фокин сочинил зарисовку, как сам говорил, "в стиле того давно забытого времени, когда в балетном искусстве господствовала поэзия, когда танцовщица поднималась на пуанты не для того, чтобы продемонстрировать стальной носок, а для того, чтобы, едва касаясь земли, создать своим танцем впечатление лёгкости, чего-то неземного, фантастического".

Вся сюита, сотканная хореографом из мимолетных видений, созвучных музыке Шопена, пленяла зрителя задумчивой красотой.

Постановочной группе предстоит воплотить идею М. Фокина, поэтизировав костюмы, декорации и многие другие детали. Во главе с А. Асылмуратовой над спектаклем трудятся: дирижер-постановщик – Арман Уразгалиев, ассистенты балетмейстера-постановщика – Заслуженный артист России Константин Заклинский и Елена Шерстнева. Декорации создавались на основе эскизов Александра Бенуа, Ореста Аллегри. Сценография – Виктор Караре, художник по костюмам – Арасель Досмуратова, художник по свету – Винченцо Рапони.

Артисты уже давно репетируют в зале. Партию Юноши готовят Еркин Рахматуллаев, Олжас Тарланов, Жананур Жанабеков. Яркий, виртуозный Седьмой вальс будут исполнять Заслуженные деятели Казахстана Мадина Басбаева, Айгерим Бекетаева и артистка балета Шугыла Адепхан. Одиннадцатый вальс предстоит воплотить Аделине Тулеповой, Асель Шайкеновой и Молдир Шакимовой. Прелюд – Бакытгуль Испанова, Анастасия Заклинская, Марико Китамура.

Айгерим Бекетаева вспоминает, что балет "Шопениана" знала ранее, потому что исполняла Мазурку из Седьмого вальса на выпускном экзамене в хореографическом училище.

"На сегодняшний день я практически заново знакомлюсь с этим балетом, потому что работаю с самой Алтынай Абдуахимовной. Он очень светлый, и я бы даже сказала, волшебный. Все в нем неземное, воздушное, завораживающее взгляды публики. Плюс ко всему, музыка Шопена создает особую атмосферу на сцене. Что касается костюмов, то длинная юбка "шопенка" и крылышки на спине делают этот образ загадочным и передают состояние невесомости. Казалось бы, балет бессюжетный, но в нем есть что-то необыкновенное, и мне интересен его стиль, потому что второй балет "Шехерезада" – полная противоположность", - говорит Айгерим Бекетаева.

Ее коллега Мадина Басбаева рассказывает, что ранее исполняла Мазурку в театре имени Куляш Байсеитовой, где работала над ней с балетмейстером Сергеем Геннадьевичем Вихаревым.

Моя героиня подобна Вилисе, ее почти не видно, она легка как воздух. Когда Мазурку танцует юноша-поэт, то я для него – муза. Партия очень технична, выстроена на прыжках. Основная задача – сохранить стиль балета начала ХХ века. Соответственно, нужна хорошая "подача корпуса". Этот образ отличается от Джульетты или Китри, в нем не нужно показывать накал страстей, напротив, мы должны передать спокойное, сдержанное внутреннее состояние. В этом и есть определённая сложность.

Сценографы-постановщики придерживались классического варианта балета, однако сумели привнести и свой колорит. По словам руководителя художественно-производственного комплекса Виктора Караре, над эскизами была проведена трудоемкая, кропотливая работа.

"Мы чтим историю, но без современных веяний никак не смогли обойтись: немного освежили художественную часть, также будет вестись работа со светом, его станет больше, потому что размеры нашей сцены отходят от реальности 1908 года. В этом спектакле преобладают мягкие декорации. Для их изготовления мы обратились к нашим итальянским партнерам. Высокопрофессиональные художники расписали вручную задний фоновый занавес, работы велись достаточно долго, потому что один живописный задник создается в течение месяца, это связано со слоями краски, которые поочередно должны высыхать. Отмечу, что эти мастера передают свои традиции из рук в руки несколько сот лет подряд и отлично знают историческое ремесленничество. Совместная работа с Алтынай Абдуахимовной стала для нас очень продуктивной, она говорила, что хочет видеть в сценографии, мы воплощали это в жизнь, при этом изучили много новой информации об А. Бенуа, О. Аллегри, и М. Фокине и смогли глубже понять все тонкости эпохи начала ХХ века", - рассказал Виктор Караре.

В пошивочном цехе "Астана Опера" изготавливают костюмы для трех составов. "Шопениана" - балет, в котором задействованы девушки и всего один артист балета. Для него шьют бархатный жилет, балетное трико и рубашку. Остальные женские костюмы белоснежного цвета состоят из юбки и корсета, рукава выполнены в форме фонариков.

"Сам балет построен на основе романтического образа, поэтому девы-Сильфиды будут в воздушных костюмах – "шопенках", сделанных из нескольких слоёв сетки и театрального газа, украшенного цветами, также созданными вручную из лёгкой ленты из органзы. Хотелось показать невесомый образ Сильфиды... Единственный юноша также будет в классическом образе, его костюм выполнен в черно-белых тонах. Необходимо было сохранить в нем также легкость и воздушность, добавив немного своего почерка, нюансов, подобранных под наших артистов. В качестве художника по костюмам в театре "Астана Опера" я выступаю уже не в первый раз. Летом, прошла премьера двух одноактных балетов, где я также была художником по костюмам. Участие в качестве художника по костюмам романтического балета для меня станет первым опытом", - поделилась Арасель Досмуратова.

Восток – дело тонкое

Балет "Шехеразада" полностью отличается от "Шопенианы", но вместе с тем у зрителя не возникнет ощущения жанровой разобщенности. В рамках одного вечера эти два одноактных балета часто идут на многих сценах мировых театров и неизменно имеют большой успех.

Одноактная хореографическая драма на музыку Н. Римского-Корсакова "Шехеразада" была поставлена хореографом Михаилом Фокиным в 1910 году. Сценографию создал Л. Бакст, который является одним из ярчайших театральных художников. Он много работал в Санкт-Петербурге и Париже и был законодателем европейской моды на экзотику и ориентализм в начале XX века. Реконструкцию осуществляет Народный артист России Андрис Лиепа. Декорации и костюмы Анны Нежной и Анатолия Нежного на основе эскизов Льва Бакста. Ассистент хореографа-постановщика – Светлана Романова. Дирижер-постановщик – Арман Уразгалиев. Художник-постановщик – Анатолий Нежный. Художник по костюмам – Елена Нецветаева-Долгалева. Художник по свету – Виталий Давыдкин.

Восточная тема в "Шехеразаде" читается буквально во всем. Яркие декорации, сделанные в театре "Астана Опера", удивляют тонкой ручной работой, с оригинальным стилем росписи. Но еще более эффектным будет красный балетный пол, такого интересного решения по работе с цветом еще не было ни в одном спектакле столичного театра. Да и в целом, здесь потрясающее сочетание красок - зеленого, красного, желтого, фиолетового, лилового – визуально они создают насыщенную картину.

Вот сверкают блеском фарфора изготовленные кувшины, бокалы и чаши необычных форм. К слову, изогнутые линии создать совсем нелегко, хотя техника осталась прежней: папье-маше. А копья, клинки, ножи и другое декорированное оружие сделаны с применением новой технологии – работы с непростым материалом – ворблой, в основе которого лежит сочетание древесных опилок с полимером. Реквизит дает имитацию настоящих деталей, но все они облегчены и удобны для исполнителей, которым то и дело приходится доставать сабли из ножен, играть на инструментах. К примеру, струнный, сделан в виде павлина. Однако, звуки барабана, бубенцов и др. могли бы помешать во время спектакля, поэтому, применив специальный метод, их устранили.

Сцену украсят пуфики с оборками, зеркало, найдется и орнаментированная шкатулка, наполненная ожерельями. Впервые мастера изготавливают люстру весом в несколько десятков килограммов для дворца султанов.

Мастерицы швейного цеха приготовили 78 костюмов, ткани к ним подбирались таким образом, чтобы максимально приблизиться к оригиналу и сохранить исторический дух. Всего использовали 70 наименований, не все из них стало возможно купить в Казахстане, что-то пришлось заказывать в других странах. Каждый костюм, словно из гардероба восточной царицы, украшен россыпью камней и бисера. Пожалуй, балерины будут выглядеть в них роскошно.

Назад к истокам

Согласно либретто, скучающего султана Шахриара развлекают одалиски и любимая жена Зобеида. Младший брат султана Шахезман, убежденный в женской неверности, советует ему уехать на охоту. В отсутствии султанов в гареме начинается "веселье", в разгар которого неожиданно возвращается султан. Он велит всех казнить, Зобеида закалывает себя кинжалом. Шахриар рыдает над телом неверной, но любимой женщины.

Народный артист России Андрис Лиепа рассказывает, что в уникальной постановке 1910 года на музыку Н. Римского-Корсакова танцевали блистательные артисты – Ида Рубинштейн и Вацлав Нижинский.

"Это, наверное, один из самых лучших балетов М. Фокина – органичных, красивых и необычных. Когда открывается занавес, люди видят сцену и уже начинают аплодировать, настолько красивы декорации Л. Бакста. Музыка не была написана специально для этого балета, это Симфоническая сюита Н. Римского-Корсакова и называется она "Шехеразада", в которой есть часть Синдбадов корабль, я представляю ее, как путешествие Синдбада-морехода. В музыке много прекрасного "водного" пространства, именно эта морская тема подошла для танцев, и М. Фокин сумел ее "оживить". Музыка, помимо звука, давала наглядное впечатление. Хореограф изменил конфигурацию всей Симфонической поэмы: убрал один отрывок и еще два поменял местами, чем вызвал недовольство родственников композитора. Они были не уверены в правильности решения до тех пор, пока не прошла премьера, и спектакль не стал хитом сезона. А потом его исполняли на протяжении ста лет, практически ничего не изменяя", - говорит Андрис Лиепа.

Я нашел оригинальные записи М. Фокина, они находятся в Санкт-Петербурге в библиотеке им. А.В. Луначарского. В 1957 году Виталий Фокин – сын Михаила Михайловича – прислал два огромных чемодана с документами М. Фокина, там я увидел все танцевальные движения для кордебалета, очень интересные нюансы, связанные с позами. Кроме того, хореограф был киноманом, и много снимал. В Фонде Фокина, которым сейчас руководит его внучка Изабель Фокина, хранится 16 часов документальных фильмов, снятых М. Фокиным и его сыном. Там есть репетиции "Шехеразады", поэтому движения я брал из оригинальных записей. Впервые спектакль был восстановлен в 1993 году, премьера состоялась на сцене Мариинского театра.

"Шехеразаду" станцевали все лучшие балерины конца ХХ – начала ХХI века: А. Асылмуратова, Ю. Махалина, В. Терешкина, У. Лопаткина, Д. Вишнева, А. Сомова и многие другие. Через реставраторские руки Андриса Лиепы прошло множество балерин, которые раскрылись в этом драматически наполненном спектакле.

- Илзе Лиепа – моя сестра – танцевала в первом спектакле, который мы восстановили. Она задала определенный тон, потому что визуально похожа на Иду Рубинштейн. В этом есть какой-то шарм, она не была балериной, но была очень талантливой пантомимисткой, хорошей актрисой. Смогла наполнить "Шехеразаду" актерски, то, что ей не удалось станцевать, компенсировала игрой. Позже М. Фокин сделал вариант для балерины. Именно его мы и будем использовать здесь, в Астане.

Балетмейстер-постановщик рассказывает, что в "Астана Опера" артисты балета очень хорошо технически оснащены, но в этом спектакле, в первую очередь, важен стиль, характеризующийся определенными позициями рук и движениями корпуса.

"Когда по стилю балет выполнен неправильно, сразу видно, что это фальшь. Мне, как реставратору, нужно сделать этот спектакль таким, каким он приводил в восторг публику сто лет назад. Он был лучше, чем фильм Дж. Камерона "Аватар". Тогда французский зритель, также как сегодняшний зритель, приходя в кино, получал огромное удовольствие, фантастические эмоции от игры, от ярких красок, а уходил, как будто бы в его жизни произошло крупнейшее событие. Я уже провел ряд репетиций, могу сказать, что с некоторыми ребятами работал ранее. Например, Анастасия Заклинская танцевала номер из "Шехеразады" в Санкт-Петербурге на выпускном экзамене, а Бахтияр участвовал в двух спектаклях в моих антрепризах. Алтынай Асылмуратова, конечно, трудится с артистами замечательно, проводит большую, серьезную работу", - заключил балетмейстер-постановщик Андрис Лиепа.

В балете "Шехеразада" роли исполнят: Шахриар – Жанибек Иманкулов, Рахметулла Науанов, Зобеида – Анастасия Заклинская, Заслуженный деятель Казахстана Гаухар Усина, Анель Рустемова. Шахезман – Ильдар Шакирзянов, Ерлан Жамбулаев, Золотой раб – Бахтияр Адамжан, Арман Уразов, Серик Накыспеков. Главный евнух – Олжас Маханбеталиев, Рахметулла Науанов. Одалиски – Молдир Шакимова, Аделина Тулепова, Еркежан Жунусова, Марико Китамура, Сэйка Тоносаки, Назира Заетова.

В перерыве между репетициями артисты делятся впечатлениями от работы с хореографом, рассказывают, как погружаются в образ.

"Партию Зобеиды танцуют все прима-балерины. И мне доводилась честь исполнить ее на гала-концерте. Роль этой героини очень интересная. Это яркая, красивая, страстная и любимейшая жена Шахриара, которая купалась в его любви и ласках. Партия не насыщена техническими сложностями - пируэтами, фуэте, прыжками. Очень сложна именно хореографическая лексика, посредством которой я исполняю эту роль. Партия требует показать максимум грации, такой "змеевидной" пластики, шаг "кошки" от бедра, но при этом не "посаженный" верх. Конечно, работы много, но роль захватывающая! Бесподобная, чувственная музыка, под которую так и хочется танцевать ярко, страстно и красиво", - рассказывает Гаухар Усина.

Солистка Анастасия Заклинская имеет концертный опыт исполнения адажио из этой партии. Она не раз танцевала его на сцене "Астана Опера" и Мариинского театра.

"Зобеида – ключевая героиня, мудрая, властная, красивейшая из жен, она царственная и желанная. Новаторский балет "Шехеразада" Фокина отличается от классических балетов иной техникой исполнения, здесь характерная, "мягкая" пластика, которую достаточно нелегко исполнять. Балету более ста лет, но он не сходит с мировых сцен. Сейчас у нас проходят репетиции, в процессе которых мы получаем много новых интересных знаний, раскрываем характеры своих героев с разных сторон. Это многогранная партия и, думаю, мне еще предстоит много работы, чтобы она получилась такой, какой ее видел хореограф-постановщик", - поделилась Анастасия Заклинская.

Роль любимого Зобеидой Золотого раба готовят сразу три солиста. Бахтияр Адамжан исполнял эту партию в двух разных редакциях.

Мне уже довелось поработать с Андрисом Марисовичем, я был приглашенным солистом для исполнения этой партии в Киеве, а также танцевал ее в Турции и в Беларуси. Это одна из первых ролей, с которой я начал выезжать за границу в качестве танцора, а не конкурсанта. Когда исполнял Золотого раба в Беларуси и на Украине, все отмечали, что эта партия очень мне подходит, потому что отличался своей восточной внешностью, даже, когда мне делали грим, то специалисты говорили, что я в нем не нуждаюсь. Соответственно, в нашей труппе такого восточного колорита становится ровно во столько раз больше, сколько наших исполнителей. Думаю, этот спектакль заиграет новыми красками и будет кардинально отличаться от всех, где бы они ни шли.

Золотой раб – как дорогая игрушка того времени, как аксессуар, который держат в клетке.

"Мне очень нравится шикарная музыка, замечательные костюмы. Я исполняю очень длинное адажио, но оно невероятно красивое, зрители не устают смотреть его. Наоборот, интерес только растет. И в конце есть фееричные моменты, всплески эмоций. Эта партия многогранна как для актера, так и для танцора. Технически она очень сложная: помимо прыжков, есть своя специфическая пластика, отличающаяся от классического танца тем, что он совмещен с народным. Основная тема, которую мне предстоит раскрыть, – тему страсти, необузданного желания чего-то нового. Моего героя выпускают из клетки, и он попадает на пир. Мне предстоит показать повадки раба, он знает, что если он совершит лишнее движение, то его убьют. Золотой раб не может проявить свое "я", он просто игрушка. Несмотря на то, что я уже танцевал уже эту партию, уверен, что открою для себя что-то новое. Всегда стремлюсь показать нашему зрителю высокое качество, и хочу, чтобы подрастающее поколение научилось разбираться в балете", - отметил Бахтияр Адамжан.

Музыка, про которую так много говорят и артисты, и постановщики, действительно восхищает своей красотой. В "Шопениане" и "Шехеразаде" дирижером-постановщиком выступил Арман Уразгалиев.

"Творчество такого гениального композитора, как Шопен не могло не привлечь внимания М. Фокина, который решил создать романтический балет в новом стиле. Его музыка романтическая, воздушная, тонкая и одновременно глубокая, наверное, нет ни одного человека, который бы не нашел бы в ней что-нибудь для себя. Безусловно, обращение к этому балету – это большой рост для нашей труппы. Что касается спектакля "Шехеразада", то Н. Римский-Корсаков написал Симфоническую сюиту "Шехеразада" по мотивам сказок "Тысяча и одна ночь", и сделал это меньше, чем за месяц. Даже дал название каждой из четырех частей, которые не были между собой объединены общей темой. На мой взгляд, композитор обладал колоссальным талантом инструментовщика и оркестровщика, то есть он мог не только написать красивую мелодию, но и оркестровать ее. В этой музыке слышатся волшебные, безумные краски, раскаты волн, бури. Кроме того, он гениально сумел показать в ней восток. Очень гармоничная музыка сразу же пришлась по вкусу балетмейстеру М. Фокину. Сюита вошла целиком в балет, без купюр. Громадное значение здесь имеет солирующая скрипка, так как на нее ложится немалая нагрузка: сложная игра, требующая большого мастерства", - пояснил маэстро Арман Уразгалиев.

Сольную партию для скрипки в балете "Шехеразада" в разные дни исполнят Каламкас Жумабаева и Заслуженный деятель Казахстана, концертмейстер Симфонического оркестра "Астана Опера" Багдат Абильханов.

Балеты, выдержавшие проверку временем, несомненно, придутся по вкусу столичной публике, которая, к слову, раскупила уже все билеты. На оба дня ожидаются аншлаги.

=====================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Ноя 26, 2018 7:19 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018112605
Тема| Балет, Балетный фестиваль «Дягилев. P. S.», Персоналии,
Автор| Лейла Гучмазова
Заголовок| Тени на пуантах
В Санкт-Петербурге проходит Международный фестиваль искусств "Дягилев. P.S."

Где опубликовано| © Российская газета - Федеральный выпуск №7729 (266)
Дата публикации| 2018-11-26
Ссылка| https://rg.ru/2018/11/26/reg-szfo/v-peterburge-startoval-mezhdunarodnyj-festival-iskusstv-diagilev-ps.html
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Международный фестиваль искусств "Дягилев. P.S." смог удивить на фоне множества культурных событий осеннего Санкт-Петербурга и года 200-летия отца русского балета Мариуса Петипа. В честь мэтра приготовили нестандартный гала-концерт: несколько российских и пару мировых премьер.


В честь 200-летия Мариуса Петипа приготовили нестандартный гала-концерт: несколько российских и пару мировых премьер. Фото: www.diaghilev.ps.ru

Прелюдией к фестивалю была Международная научная конференция "Мариус Петипа на мировой балетной сцене", где теоретики от Сан-Франциско до Токио удивляли друг друга на разный лад - то разбирая костюмы к редакциям балетов Петипа, то призывая вернуть на родину оцифрованные записи его балетов. Особо запомнились Анн Кристенсен Мидделбоэ, с дотошным весельем сравнившая датскую и русскую традиции, и Эмико Хирано, рассказавшая о корнях крепкой японской любви к балету.

Иллюстрацией ее заметок стал первый же вечер, где компания Noizm (провозгласившая в названии нелюбовь ко всякого рода "-измам") из японского города Ниигата показала "Баядерку. Пространство иллюзии" по мотивам шедевра Петипа. Ее художественный руководитель Йо Канамори, считающий себя учеником Мориса Бежара, с бежаровской свободой и японской многомудростью смешал пафос театра но, боевые искусства, медитативные темпы танца буто и нежную любовь к классическому балету. Баядерка с короткой подиумной стрижкой ворожит невероятными руками, а Тени в воздушном тюле встают на пуанты. Избыточность средств уравновесила минималистичная сценография Тсуоши Танэ и Масаки Кондо и стильные костюмы Иссие Мийяке, так что оммаж Петипа получился очень необычным.


Компания Noizm (провозгласившая нелюбовь ко всякого рода "-измам") из японского города Ниигата показала "Баядерка. Пространство иллюзии" по мотивам шедевра Петипа


"Дягилев. PS" второй раз участвует в копродукциях - сейчас он рискнул вместе с театром "Провинциальные танцы" из Екатеринбурга, самой известной российской компанией современного танца. Ее всегда презиравшая сантименты хореограф Татьяна Баганова свой венок Петипа представила в самом жестком виде. Миленькая балетная "Коппелия" великого старца превратилась в "Девушку с деревянными глазами", объединив и служившую для Петипа отдаленным поводом новеллу Гофмана, и современный взгляд на мир. С первой сцены на ней царит театр абсурда: главная героиня с чудным кукишем на голове жарит блинчики, читая гофмановские заметки о злобной человеческой натуре. Главный злодей Коппелиус выглядит заурядным уральским шахтером в каске с фонариком, а в качестве добытой им руды из кулис выпадает живая скульптура повиснувших друг на друге человеческих тел, никаких мужчин и никаких женщин. Прозрений от любви (как положено по либретто) да и вообще любви у них быть не может, Баганова никогда не верит мужчинам и решает все соответствующе - горемыкам не дано укротить куколок в кринолинах, даже упакованных в пластиковые корсеты. Они могут разве что напасть вдвоем на одну, устроив праздник насилия на развеселом батуте. Впрочем, хороши и дамы, извивающиеся по сцене под текст газетных объявлений о знакомствах: "в доме чисто, готовлю вкусно", "смотрю на мир твоими глазами". Терпкое одиночество человеческой личинки цепляет эмоции гораздо больнее милой балетной гофманианы с ее механической куклой и одиноким от ума Коппелиусом.

Совсем другие мысли навеял Петипа Национальному балету Норвегии. Норвежцы отмечали его юбилей проектом с хорошим названием "Неспящая красавица", дав молодым хореографам карт-бланш на выбор сюжетов и тем, и "Дягилев.PS" привез лучшую из его четырех частей - 20-минутный балет Мелиссы Хоу Epic short. Эпически краткий балет на музыку Первого фортепианного концерта Чайковского с его знакомыми до слез раскатами душевности обозначил нечужой для оригинала сюжет, где вполне земная "женщина с бедром" Спящая Красавица противостоит Фее Карабос, а толпа обрамляет поединок. Хореограф как экс-балерина нигде и ни разу не пережимает, но телом чует всю гамму вызываемых ныне классическим балетом эмоций: его "язык глухонемых", его потный трепет, преувеличенные страсти и состязание тел на поле высокой духовности. Потому так естественно героиня выпархивает из блиндажа и катится чучелком вниз по горке, кордебалет мечется из кулисы в кулису, а зал понимает, что нет ничего смешнее пафоса, взобравшегося на пуанты.

"Дягилев.PS" показал в БДТ балетную сенсацию прошлого российского сезона, "Пахиту" Екатеринбургского театра. Билеты на нее разлетелись в пять минут, и будь у фестиваля возможность - он показал бы ее еще раз, настолько хорошо танцевали уральцы, и настолько тепло их встречала публика. Впереди еще африканская "Жизель" Дады Мазило и гала с множеством соотносимых с Петипа номеров от Мэттью Боурна до Алексея Ратманского. Но уже понятно, что главное российское событие "года Петипа" произошло хоть и не в его театре, но в его Санкт-Петербурге.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Дек 03, 2018 3:58 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Ноя 26, 2018 7:39 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018112606
Тема| Балет, Михайловский театр, Персоналии, Юлия Лукьяненко
Автор| Ольга Угарова
Заголовок| Юлия Лукьяненко – Михайловский театр
Где опубликовано| © La Personne
Дата публикации| 2018-11-26
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/yuliya-lukyanenko-mihailovskii-teatr
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Выпускница Киевского хореографического училища Юлия Лукьяненко уже на экзаменах знала, что будет танцевать на сцене Михайловского театра, а в конце второго сезона работы в Петербурге Михаил Григорьевич Мессерер начал готовить с ней партию Одетты-Одиллии — премьера прошла этой осенью.



Вам было страшно выходить в главной балетной партии всех сцен мира?

Я была очень сконцентрирована, выходила «на мозгах». Честно говоря, даже не получилось поплакать после финальных сцен (cмеется). Все время думала о комбинациях, позах, поворотах головы и о том, что надо все доделать. Когда дебютировали другие девочки, я за них больше волновалась, чем за себя в премьерном спектакле. Наверное, уже опытные балерины могут позволить себе эмоции, мне же нужно было в первую очередь собраться.

Как выстраивали свою роль?

Мне очень хотелось, чтобы зритель увидел разницу между Одеттой и Одиллией. Все время повторяла про себя: «Одетта лучше, Одетта лучше», ведь надо было создать образ, которому аудитория сопереживала бы. Одиллия казалась очень далекой и не подходящей по характеру, хотя многие одобрили эту мою сторону героини. Может быть, просто потому, что черное па-де-де немного легче танцевать, а вот белый акт – это, конечно, настоящая проверка на «балеринство».

В первом акте очень важно взаимодействие с партнером. Виктор Лебедев поддерживал?

Гораздо проще танцевать, когда есть плечо партнера. Мне повезло, потому что Виктор во всем очень помогал. Может быть, в какие-то моменты ему было не так важно, как выглядит он сам. Виктор чуткий и внимательный — все девушки мечтают с ним поработать. Кстати, он тоже ученик Михаила Григорьевича Мессерера.

Приехав в Петербург, вы сразу начали работать с Михаилом Григорьевичем?

Еще когда я училась в Киевском училище, наш руководитель Нобухиро Терада, показал ему мои записи, и Михаил Григорьевич пригласил в Михайловский театр. В конце прошлого сезона мы начали рассматривать партию Одетты-Одиллии, но потом он уехал на лето. И вот в сентябре опять началась подготовка: после отпуска очень тяжело входить в форму, а тут такое! Да и в первый раз! Было непросто: я даже не представляла, как репетируют с балеринами, а ведь все процессы устроены по-другому, не как в кордебалете, начиная с того, что ты приходишь в зал и проходишь весь спектакль от начала до конца.

Чему вас научил за это время Михайловский театр?

Сразу все схватывать на лету и много работать. С первых дней новичков в нашем театре ставят во все спектакли и в любые сцены — мы занимаемся нон-стоп. Но атмосфера в Михайловском театре очень гостеприимная и доброжелательная – это помогает. Если говорить про балетную технику, то хочется снова вспомнить про Михаила Григорьевича: он сразу приучил весь класс делать на пуантах, включая середину и вращения, поэтому на сцене ты лучше чувствуешь стопу, баланс и тело.

Вы скучаете по дому?

Конечно, и по Севастополю, откуда я родом, и по Киеву, где училась. Всегда жду друзей в гости. Но Петербург, несмотря на свою противоречивость и климат, тоже стал родным. Здесь вдохновляют люди и буквально каждая улица. Я думаю, нам нравится жить там, где мы любимы и можем развиваться — вот что делает погоду, а дожди и слякоть пройдут.

Фото Ира Яковлева

===============================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3703

СообщениеДобавлено: Вт Ноя 27, 2018 12:03 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018112701
Тема| Балет, МТ, Латвийская Национальная опера, Персоналии, Кристина Кретова, Константин Зверев, Надежда Батоева, Ирина Кошелева, Андрей Яхнюк, Александра Иосифиди, Татьяна Мильцева, Дмитрий Пыхачов
Автор|
Заголовок| Звезды русского балета выступят в Риге с посвящением Майе Плисецкой
Где опубликовано| © DELFI
Дата публикации| 2018-11-21
Ссылка| https://www.delfi.lv/showtime/news/whatson/family/zvezdy-russkogo-baleta-vystupyat-v-rige-s-posvyascheniem-maje-pliseckoj.d
Аннотация| ГАСТРОЛИ

17 декабря звезды русского балета покажут в Риге гала-представление "Солисты Мариинского театра. Посвящение Майе Плисецкой".

Этим проектом блистательные танцовщики Мариинского, Большого и Михайловского театров отдают дань одной из величайших балерин XX века. В программе гала-представления – легендарная "Кармен-сюита" и лучшие номера из классического репертуара Майи Плисецкой.

Майя Плисецкая (1925-2015) была неотразима во всех своих ролях, от Одетты-Одиллии в "Лебедином озере" и Китри в "Дон-Кихоте" до Эгины в "Спартаке" и Анны Карениной. Но главным балетом ее жизни стала "Кармен-сюита". Шедевр рождался непросто: Плисецкая не могла найти в СССР хореографа, способного перенести на сцену новеллу Мериме, и композитора, готового посоперничать с Жоржем Бизе - автором оперы "Кармен".

Балерине исполнилось сорок, когда ее мечта наконец сбылась. Во время гастролей в Москве Кубинского национального балета Плисецкая поняла, кто создаст для нее "Кармен": Альберто Алонсо. "С первого же движения танцоров меня словно ужалила змея. До перерыва я досиживала на раскаленном стуле. Это язык Кармен. Это ее пластика. Ее мир", - вспоминала Майя Михайловна. С музыкой тоже все решилось самым естественным образом. Плисецкая обратилась за помощью к своему супругу Родиону Щедрину, и тот, поначалу настроенный скептически, с головой ушел в работу, за каких-то три недели сотворив гениальное переложение оперной партитуры для нового, необычного состава: струнные и 47 ударных.

В 1967 году Кармен-Плисецкая впервые шагнула на подмостки Большого театра. И хотя премьера вызвала возмущение министра культуры СССР Фурцевой и простых граждан, не поленившихся написать 2 000 гневных писем в вышестоящие инстанции, "Кармен-сюита" с первых показов стала культовой. Ничего ярче и эротичней (а ведь многие эффектные сцены еще и пострадали от цензуры) советская балетная публика в жизни не видала.

Роль и исполнительница настолько срослись в зрительском сознании, что танцевать "Кармен-сюиту" после Плисецкой мало кто решался. В другой хореографии – да, в других частях света – пожалуйста. И лишь когда в 2005 году в Большом отмечали 80-летие Майи Михайловны, главный балетмейстер Алексей Ратманский с ее благословения вернул "Кармен-сюиту" на главную сцену России. В 2010-м "Кармен-сюита" появилась и в Мариинском театре. Плисецкая была счастлива. Когда-то, в ссоре с Фурцевой, она бросила - "Кармен будет жить, пока жива я". Теперь же судьба дала ей повод сказать иначе: "Я умру. Кармен останется".

В проекте "Солисты Мариинского театра. Посвящение Майе Плисецкой" партию Кармен исполняет ведущая солистка Большого театра Кристина Кретова. В спектакле и гала-представлении также заняты премьер Мариинского театра Игорь Колб (Хосе), ведущий солист Мариинского театра Константин Зверев (Тореро), ведущая солистка Мариинского театра Надежда Батоева, ведущие солисты Михайловского театра Ирина Кошелева и Андрей Яхнюк, солистка Мариинского театра Александра Иосифиди, солистка Михайловского театра Татьяна Мильцева и корифей Мариинского театра Дмитрий Пыхачов.

Проект звезд русского балета "Солисты Мариинского театра. Посвящение Майе Плисецкой" будет показан на сцене Латвийской Национальной оперы 17 декабря.

Программа
1 отделение: Одноактный балет "Кармен-сюита"
2 отделение: П. Чайковский. "Русский танец" из балета "Лебединое озеро".
А. Меликов. Монолог Мехменэ Бану из балета "Легенда о любви".
П. Чайковский. "Белое" адажио из балета "Лебединое озеро".
Ц. Пуни. Па-де-де "Венецианский карнавал" из балета "Сатанилла".
К. Сен-Санс "Лебедь".
П. Чайковский. "Черное" па-де-де из балета "Лебединое озеро".

Организатор гастролей – компания ART Forte. Генеральный партнер проекта – BlueOrange Bank. Информационный партнер проекта – портал Delfi.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3703

СообщениеДобавлено: Вт Ноя 27, 2018 1:45 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018112702
Тема| Балет, Музыка, Персоналии, Илья Демуцкий
Автор| ЕКАТЕРИНА ЕРЕМЕЕВА / ФОТО: ЕВГЕНИЙ СМИРНОВ, АЛЕКСЕЙ АНТОНЕНКО
Заголовок| Илья Демуцкий о таинственной опере в Третьяковке, грядущей работе с Серебренниковым и силе искусства
Где опубликовано| © Hello!
Дата публикации| 2018-11-26
Ссылка| https://ru.hellomagazine.com/zvezdy/intervyu-i-video/28865-ilya-demutckiy-o-tainstvennoy-opere-v-tretyakovke-gryadushcey-rabote-s-serebrennikovym-i-sile-iskusstva.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Уже завтра, 27 ноября, автор музыки к балету "Нуреев" представит свою оперу "Для Черного квадрата" в стенах Новой Третьяковки. В 21 час будет открыта главная интрига последних дней - станет известно имя режиссера, написавшего оперу. А пока один из лучших композиторов современности рассуждает об истории, которая пишется прямо сейчас.

Парадоксально, что Илья - постоянный герой как культурной, так и скандальной хроники последних лет восьми. Сообщения о череде премий ("Золотая маска" за балет "Герой нашего времени", награда "Лучший композитор Европы 2016" за работу над фильмом "Ученик") сменяются сообщениями об очередном срыве его премьеры или об угрозах в его адрес со стороны каких-либо активистов. Недовольство вызвали симфоническая поэма Демуцкого "Последнее слово подсудимой" - аранжировка к речи участницы Pussy Riot - и опера "Новый Иерусалим".
Удивительно и то, что при такой ротации его имени в прессе он сам совершенно не является героем светской хроники. Илья Демуцкий мог бы стать почетным гражданином любой страны - лучшие театры и концертные залы заказывают ему музыку, но композитор предпочитает оставаться в родном Петербурге и вести затворнический образ жизни. "Работа требует от меня полного сосредоточения. К концу дня я настолько истощен, что просто не в состоянии выбраться на какое-то мероприятие", - говорит он.
В Москву его привела подготовка к премьере оперы "Для Черного квадрата". Новое произведение снова станет очень необычным, хотя на этот раз, совершенно точно, обойдется без скандала. "Здесь не будет обнаженных людей, политической подоплеки и ссылок на актуальные события. Чистое искусство. Повод провести время с удовольствием самому широкому кругу зрителей", - говорит Илья. Попасть на премьеру, к сожалению, уже невозможно – все 200 билетов проданы (именно такое количество мест предполагает музейный зал). Но "Для Черного квардата" будет идти еще три дня - 27, 28 и 29 ноября с 22 часов.

Илья, почему "Черный квадрат"?

Я довольно спокойно относился к супрематизму до того, как со мной связался американский промоутер Игорь Конюхов. В 2014 году он написал мне через Facebook: "Илья, не хотите ли сделать проект? Я хочу воссоздать "Победу над Солнцем" - ту самую оперу, предшествующую появлению картины "Черный квадрат". Я начал наводить справки, погрузился в изучение материала, и за четыре года мы полностью отказались от идеи воссоздания оперы Михаила Матюшина, решив сделать абсолютно новую. Был написан текст на английском с минимальными отсылками к оригиналу авторства поэта-футуриста Алексея Крученых. В апреле я закончил работу, с тех пор мы ведем постановочный процесс.

Чем вас зацепила идея?

Я уже писал "Черный квадрат" - у меня есть маленькая электронная пьеса, это было одно из заданий в студенческие годы. Игорь Конюхов сказал, что увидел мое имя в череде новостей, начал "шерстить" интернет и встретил это произведение - чем не знак судьбы? Ну и потом сама картина - спорная, своей неоднозначностью меня восхищающая. Спустя 100 лет мы все еще о ней говорим, любим ее, ненавидим. Первую версию, которая спрятана в запасниках Третьяковки, давно не видели. Для нашей оперы его достанут. Это должно быть очень необычное мероприятие. Мы не используем картины как декорации, но существуем в этом пространстве. Плюс оригинальные костюмы из Высокой моды, подобранные главным редактором GQ Игорем Гараниным. И текстовый материал интересный - Ольга Маслова написала либретто.

Черный квадрат был придуман как противопоставление желтому кругу - солнцу. Творческий человек побеждает природную данность.

Вообще, идея черного квадрата зародилась в опере "Победа над Солнцем". Квадрат - это щит, закрывающий светило. Черный квадрат как символ нового мира. Каждое поколение по-своему переживает столкновение нового со старым. В данный момент мы переживаем, что технологии замещают натуральные вещи. Мы сидим в смартфонах, общение вытесняется виртуальным. Тогда это тоже была победа новых технологий над природой. Но природа так и не была побеждена, так же как и сейчас. В этом есть конфликт и прелесть.

Настало время, когда синтез искусств - не эксперимент, а необходимость. Например, в "Нурееве" на одной сцене и опера, и балет, и драма работают на общее впечатление.

Это философский вопрос - куда дальше двигаться искусству. Дальнейшее развитие мне тоже видится в синтезе. Когда мы начинаем смешивать жанры, помещать оперу в пространство галереи, привлекать fashion в постановку, происходит взаимопроникновение смежных сфер, и это прекрасно. Потому что это привлекает разного зрителя. Любители музыки пойдут на замечательных оперных певцов, те, кто не особенно любит оперу, но интересуется модой, пойдут смотреть на костюмы, любители литературы пойдут на текст. Ценители изобразительного искусства посмотрят оперу и продолжат вечер в музее. А кто-то пойдет из чистого любопытства посмотреть на формат: что за странная вещь - опера в галерее.

Какова дальнейшая судьба оперы?

Мы рассчитываем на некоторую гастрольную деятельность. Это мобильный проект, его можно помещать в разные пространства, в музеи. И может, его можно было бы повозить по России.

Вы предполагаете, что несмотря на английский язык, опера будет понятна не только в Москве?

Язык никого не должен смущать. Чем хорош жанр оперы – вы можете понять, что происходит, лишь благодаря музыке или визуальной составляющей. К тому же, конечно, будут титры. Поэтической составляющей тоже можно насладиться сполна.

Илья, вы человек довольно закрытый, не любите рассказывать о себе?

Я живу в Петербурге, и когда работаю, люблю, чтобы меня никто не отвлекал. Не хожу ни на какие мероприятия, только к друзьям на спектакли. Написание музыки отнимает очень много времени. Я все-таки уверен, что не вдохновение приводит к хорошему результату, а упорный кропотливый труд. Я предпочитаю весь день проводить в работе. В Москву я приезжаю заниматься новой постановкой и некими административными делами – я выступаю как дирижер, совмещаю работу руками с работой с головой (Илья является художественным руководителем вокального ансамбля Cyrillique – ред.). А вообще я люблю затворничество.

Как же вы понимаете, что происходит в сфере искусства?

Стараюсь держать руку на пульсе. Хотя мне мало что удается посмотреть, я стараюсь мониторить все через социальные сети. Фильмы, записи спектаклей смотрю в интернете. По этой причине в прошлом году я решил поучаствовать в жюри "Золотой маски", ведь это возможность увидеть около 50 спектаклей. Безусловно, иначе я бы не выделил время в своем расписании. Эти два месяца я смотрел, впитывал новое, оценивал.

Сейчас вы можете выделить что-то особенно удачное? Спектакль или фильм, которые вас потрясли?

Я не слишком восторженный человек, я больше реагирую на собственный продукт. Когда я смотрю, как под мою музыку балетные артисты двигаются на сцене, - этот момент чуда. Меня это может потрясти.

Есть ли в ваших планах дальнейшее сотрудничество с Кириллом Серебренниковым?

Планы есть. И они были еще до всех этих событий прошлого лета. Новые вводные ни в коем случае ничего не отменяют. С Кириллом некоторое минимальное общение через адвокатов существует. Мы видим, что он во всю работает, делает новые проекты, постановки. Могу сказать, что у нас будет совместный художественный фильм. Кирилл Серебренников - тот человек, с которым мне очень интересно экспериментировать. Его манера работы оптимальна для меня - это сотворчество, деликатное сотрудничество. Диктатуру я не перевариваю. Обслуживать художника – не мое.

Вы присутствуете на кастинге, ходите на репетиции? Как было с "Нуреевым"?

Да, я всегда участвую в репетициях. Хореограф Юрий Посохов при мне лепил хореографию. У него полное понимание музыкальных фраз. Но я никак не мог предугадать, как все будет выглядеть в финале. Я счастлив, что этот спектакль возник в моей жизни. Хореография совершенно совпадает с музыкой. Если выключить музыку, то по движениям артиста я могу понять, что за фрагмент сейчас звучит.

На какой музыке вы были воспитаны?

С 5-6 лет я начал писать музыку сам. Потом я учился в хоровом училище им. Глинки, потом поступил в Санкт-Петербургскую консерваторию на специальность хоровое дирижирование. С детства мы слушали классику. Чайковского, Рахманинова... Но одновременно меня интересовало, что там слушает современная молодежь. В начале 90-х вовсю существовали кассеты. На свою стипендию я покупал сборники аудиокассет The Greatest Hits, Two Unlimited, Ace of Base. Сегодня я могу сходить на концерты каких-то больших артистов вроде Мадонны или Джанет Джексон, чтобы посмотреть на очень высокого уровня шоу.

В юном возрасте вас направляли родители или сразу было понятно, что родился гений?

Я из многодетной семьи. У мамы не было времени нами особенно заниматься и уж тем более мной лично. У нее была задача обеспечить семью всем необходимым. Поэтому она не сидела надо мной с плеткой, не занималась моим образованием. И ей даже не очень нравилось, когда на фортепиано я занимался более чем нужно. Просто каждый занимался сам собой. Я спокойный, усидчивый и очень ответственный. Был эдаким мальчиком-паинькой, который сам вставал, все вовремя делал и ничего не пропускал.

Вам не странно, что человек с такими данными, живущий творчеством, так много связан с судебными историями?

Сам этому удивляюсь. В жизни я человек довольно спокойный, но в музыке очень эмоциональный. Все эмоции, в том числе возмущение какими-то общественными вещами, я могу выражать через музыку. Если мои музыкальные произведения запрещают, значит, меня слышат. Если искусство способно вызывать такую реакцию, то какова же его сила? Сила искусства недооценена.

Вы в таком молодом возрасте получили все возможные награды. О каких достижениях еще мечтаете?

Мне нравится сам процесс написания музыки. Каждая работа - некий трамплин, который я должен "взять". Я работаю над пятым балетом, и каждый раз хочется делать что-то новое. Не для истории музыки, а для себя. Освоить новую сцену, поработать с интересным человеком, в новом жанре. Все эти премии – это прекрасно и приятно. Но об этом не надо думать, это приходит само. По крайней мере, так происходит со мной (Смеется).
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Ноя 27, 2018 8:07 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018112703
Тема| Балет, МАМТ, Премьера, Персоналии, Джон Ноймайер
Автор| Анастасия Попова
Заголовок| Возобновленный полет «Чайки»: МАМТ вернул на сцену балет Ноймайера
Хореографическая постановка на музыку Шостаковича, Чайковского, Скрябина и Гленни повествует о трагической судьбе художника

Где опубликовано| © Известия
Дата публикации| 2018-11-27
Ссылка| https://iz.ru/815792/anastasiia-popova/vozobnovlennyi-polet-chaiki-mamt-vernul-na-stcenu-balet-noimaiera
Аннотация| Премьера


Фото: stanmus.ru/Карина Житкова

В юбилейный сезон Музыкальный театр на Большой Дмитровке возобновил балет «Чайка». Спектакль предназначен для ценителей русской литературы и поклонников тотальных авторских постановок. Единоличный творец балета — либреттист, хореограф, сценограф, автор костюмов и световой партитуры Джон Ноймайер — разделил авторство лишь с Антоном Чеховым.

«Чайка», созданная хореографом в 2002 году на музыку Дмитрия Шостаковича, Петра Чайковского, Александра Скрябина и Эвелин Гленни, положила начало его балетному триптиху на русские сюжеты. Следом возникли «Татьяна» и «Анна Каренина», уже утвердившиеся на московских сценах (один спектакль вошел в репертуар МАМТа, другой — значится в афише Большого театра). Успех трилогии определил особый подход Ноймайера к литературным источникам: уже в «Чайке» он обнаружил глубинное понимание русской драматургии, проникнув в самую суть чеховской пьесы.

И неважно, что в постановке Константин Треплев и Борис Тригорин превратились в хореографов, а Ирина Аркадина и Нина Заречная стали балеринами. Ноймайера волнует тема искусства вообще, в том числе театрального. Сам спектакль, по словам автора, и есть театр. Мысль создателя подтверждает монументальная декорация в виде эстрадных подмостков. В первом акте это — импровизированная площадка в имении Сорина, на которой дебютируют Нина и Константин. Во втором — роскошная сцена императорского балета, где ставят перформанс уже прославленного Треплева.

В центре спектакля судьба Константина, одинокого творца, мятущегося, как мировая душа Чайки. Трагический исход его жизни предопределен Ноймайером с первых минут балета. Безумный взгляд, экзальтированные прыжки, изломанные взмахи рук Евгения Жукова, напоминающие полет раненой птицы, красноречиво доказывают это. Как и сопровождающий героя лейтмотив рока в оркестре, заимствованный Шостаковичем из вагнеровской тетралогии «Кольцо нибелунга».


Фото: stanmus.ru/Карина Житкова

Главный вопрос, который ставит Ноймайер перед героем, — для чего ему жить? Ради ветреной кокетки Нины, которая, не задумываясь, меняет его на Тригорина? Ради бездушной матери, увлеченной блеском славы и молодым любовником? Ради Маши, искренне любящей Треплева, но не способной понять стремления его души? Или ради искусства, которое исцелит от ран и подарит надежду? Ответ во всех случаях неутешительный: в финале герой губит свое творение, подписывая смертный приговор и себе.

Основная часть сюжета разворачивается под музыку Шостаковича. Напряженная образная атмосфера Пятнадцатой симфонии, драматические прорывы Второго фортепианного трио, подчеркнутые оркестром под управлением Феликса Коробова, придают постановке налет мрачной обреченности. А в конце приводят к кульминации: завершается балет скорбным звучанием Восьмого квартета, на фоне которого происходит объяснение Константина и Нины и следующее за ним самоубийство героя.

Перенос действия в музыкально-театральную среду дал Ноймайеру простор для балетмейстерской фантазии. Родная для хореографа неоклассика в спектакле соседствует с элементами классики (Тригорин обучает Нину премудростям танца), contemporary dance (премьера авангардного балета Треплева «Душа Чайки»), джаз-танца и опереточного канкана (искрометное ревю в кабаре на музыку оперетты Шостаковича «Москва, Черемушки»). И, наконец, с особым жизненным жестом, поясняющим без слов всё, что происходит на сцене.

Другая сквозная линия «Чайки» — нелюбовь. На первый план выходят пронзительные дуэты героев, развивающиеся параллельно. В тон сюжетным переплетениям чеховской пьесы, Ноймайер использует многоплановые пластические контрапункты. На сцене одновременно страдают Маша и Медведенко (Мария Бек и Артем Лепков), расстаются Аркадина и Тригорин (Наталья Сомова и Георги Смилевски), выясняют отношения Полина и Дорн (Полина Заярная и Александр Селезнев), мечется между Треплевым и Тригориным Нина (Валерия Муханова)...

По-чеховски решен Ноймайером финал балета, являющий собой еще одну параллельно выстроенную сцену. Рядом с бездыханным телом Константина безмятежно проводят досуг Сорин, Тригорин, Аркадина и Маша. Вывод хореографа совпадает с центральными строками пьесы. Живет на свете свободная душа художника. «Но случайно пришел человек, увидел и от нечего делать погубил ее, как вот эту чайку».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Ноя 27, 2018 9:43 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018112704
Тема| Балет, Балетный фестиваль «Дягилев. P. S.», «Урал Опера Балет», «Провинциальные танцы», Персоналии,
Автор| Игорь Ступников
Заголовок| Приключения «Пахиты». Уральские гастроли на фестивале «Дягилев. P. S.» в Петербурге
Где опубликовано| © Санкт-Петербургские ведомости
Дата публикации| 2018-11-27
Ссылка| https://spbvedomosti.ru/news/culture/priklyucheniya_pakhity/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Екатеринбуржцы показали на фестивале «Дягилев. P. S.», который завершается сегодня, не только труппу «Провинциальные танцы» Татьяны Багановой, но и работу труппы «Урал Опера Балет» - трехактную постановку «Пахита» на музыку Эдуара Дельдевеза и Людвига Минкуса.

История этого балета уходит к середине XIX века, когда в апреле 1846 года французский хореограф Жозеф Мазилье представил публике на сцене Парижской оперы свой новый двухактный опус, назвав его именем главной героини. Уже через полтора года, в сентябре 1847-го, «Пахита» появилась в Петербурге на сцене Большого Каменного театра в постановке Мариуса Петипа, который выступил в партии главного героя - французского офицера Люсьена. Это была первая постановка Петипа в России. Позднее он расширил хореографию балета, сделав его трехактным. «Пахита» с успехом шла на сцене Мариинского театра до 1926 года, а затем исчезла из репертуара. К счастью, сохранился ее последний акт - свадьба Пахиты, великолепное гран-па, блистательный парад классического танца, демонстрирующий как виртуозность солистов, так и мастерство кордебалета.
Над возобновлением версии Петипа 1881 года работал танцовщик-балетмейстер Мариинского театра Сергей Вихарев, используя хореографическую нотацию, хранящуюся в коллекции Гарвардского университета. После внезапной смерти Вихарева работу продолжил художественный руководитель труппы Вячеслав Самодуров. В результате получился трехактный эклектичный спектакль, где каждый акт несет свою смысловую и психологическую нагрузку. Первый акт и финал последнего принадлежат изысканиям и находкам Вихарева, второй и третий - попытка Самодурова взглянуть на хореографию прошлого сквозь призму мирового культурного опыта ХХ столетия.

Основные коллизии старинного либретто сохранены. В окрестности Сарагосы, где остановился цыганский табор, прибывает граф д,Эрвильи. В этих местах жил его брат, убитый вместе с женой и дочерью. В таборе живет красавица Пахита, сирота, происхождение которой покрыто тайной. Губернатор провинции стремится выдать свою дочь за сына графа, французского офицера Люсьена, а Иниго - глава цыганского табора - плетет интриги, желая добиться любви Пахиты. Между Люсьеном и Пахитой вспыхивают нежные чувства, что приводит в ярость и губернатора, и Иниго. Задуманный им план отравить Люсьена срывает Пахита. В результате многочисленных сюжетных перипетий злодеи наказаны, а Пахита и Люсьен празднуют свадьбу.

Изложение либретто необходимо, дабы читатель смог понять все метаморфозы, происходящие с персонажами во втором и третьем актах, где зрителей ждет немало неожиданностей. Действие второго происходит в притоне, куда с помощью Пахиты, женщины-приманки, заманивают богатых господ, а затем грабят их и убивают. Сцена решена в стиле черно-белого немого кино. Одетые в современные костюмы, персонажи объясняются с помощью жестов и пантомимы, а на черном экране высвечиваются реплики диалогов. Иниго теперь - профессиональный убийца и покровитель Пахиты, а губернатор провинции - знатный господин Н. М., жертва воровской банды. О хореографии здесь нет и помину.

События третьего акта приводят зрителя в закулисье современного театра, где артисты могут расслабиться: посмотреть по телевизору футбольный матч, выпить кофе, повторить трудные па предстоящего спектакля. Пахита обретает статус прима-балерины, ее возлюбленный Люсьен - положение первого танцовщика, господин Н. М. - мецената труппы.

Но вот наступает время спектакля, и тут наконец в свои права снова вступает Мариус Петипа: танцовщики исполняют знаменитое гран-па из его балета «Пахита». Открывается занавес, и на белоснежной стене декорации на английском языке красуется цитата из монолога шекспировского «Макбета»: «...это повесть, которую пересказал дурак: в ней много слов и страсти, нет лишь смысла». Как понять суть этого эпиграфа: как самокритику Вячеслава Самодурова или извинение перед публикой?

Роль Пахиты во всех ее ипостасях исполняет Елена Воробьева. Не всякой балерине под силу вынести трудности трехактного балета, где помимо сложной хореографии необходимо оправдать нередко алогичные повороты либретто. Танцовщица обладает отличной уверенной техникой, актерским мастерством. Мир Петипа для нее - родная стихия, где балерина утверждает красоту классического танца.

Из Екатеринбурга прибыла к нам также и труппа «Провинциальные танцы» со спектаклем «Девушка с фарфоровыми глазами». Художественный руководитель труппы Татьяна Баганова создала эту одноактную постановку специально к фестивалю «Дягилев P. S.» и при его поддержке. Премьера в Екатеринбурге состоялась за неделю до петербургского показа.

«Девушка с фарфоровыми глазами» – второе название балета «Коппелия» по мотивам новеллы Гофмана «Песочный человек». Спектакль был впервые поставлен Артюром Сен-Леоном в Париже в 1870 году, а четырнадцать лет спустя появился в Петербурге в интерпретации Мариуса Петипа. Завязка старинного балета проста: кукольный мастер старик Коппелиус, втайне мечтающий оживить свои создания, каждый день сажает на балкон своего дома куклу Коппелию, которую жители городка принимают за прекрасную девушку и борются за её внимание.

Баганова усаживает на авансцену свою Коппелию: перед закрытым занавесом, за небольшим столиком молодая женщина доведёнными до автоматизма движениями помешивает в миске тесто и печёт настоящие оладьи, с аппетитом их поглощая. Скоро выясняется, что этот «живой автомат» – Клара, невеста Натаниэля из оригинальной гофмановской истории. Цитата одного из её писем к возлюбленному становится мрачным эпиграфом к спектаклю: «Ежели существует тёмная сила, она должна принять наш собственный образ, стать нашим „я“».

Такая враждебная сила, по Багановой, – механическая жизнь, подражающая настоящей. Живая Клара оборачивается Олимпией, «автоматом», созданным профессором Спаланцани, множится, превращается в «девушек с фарфоровыми глазами» и пластиковыми телами и сердцами. Эти куклы с накладными ресницами напоминают стюардесс и манекенщиц – идеальных ролевых моделей многих женщин. Они делают селфи, одинаково улыбаются и машут потенциальным женихам, выдавая набившие оскомину фразы из газетных объявлений: «Одинокая пышечка желает познакомиться с интеллигентным мужчиной».

Потенциальные спутники жизни вышли из той же лаборатории кукольника, правда, в их пластмассовых головах заложена другая программа. Малейшее неповиновение красивой марионетки вызывает приступ яростного домашнего насилия: куклу швыряют в угол, заламывают руки и ноги, чтобы она вновь улыбалась и, вероятно, жарила оладьи…

На фоне минималистичной и элегантной сценографии Ольги Паутовой спектакль на музыку Артёма Кима выглядел слегка затянувшимся страшным сном, в котором бушевали далеко не кукольные страсти.

Материал опубликован в газете «Санкт-Петербургские ведомости» № 221 (6330) от 27.11.2018 под заголовком «Приключения Пахиты».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Ноя 27, 2018 9:58 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018112705
Тема| Балет, Большой театр Беларуси, Персоналии, Татьяна Ершова, Игоь Артамонов
Автор| Светлана Шидловская
Заголовок| Балетное закулисье: о дедовщине на пуантах, молодых пенсионерах и других тайнах кордебалета
Где опубликовано| © «Минск-Новости»
Дата публикации| 2018-11-27
Ссылка| https://minsknews.by/baletnoe-zakulise-o-dedovshhine-na-puantah-molodyih-pensionerah-i-drugih-taynah-kordebaleta/
Аннотация|

Каково это: всю жизнь стоять в кордебалете, быть десятой спицей в балетной колеснице, выясняла корреспондент агентства «Минск-Новости».

Для понимания общей картины: кордебалет — самая многочисленная часть балетной труппы Большого театра Беларуси. Это добрая сотня балерин и танцовщиков, которые участвуют в массовых сценах. Не ищите их имен в театральных программках.

Тем не менее кордебалет — очень важные и нужные люди в конструкции хореографической постановки. В последнее время многие современные хореографы стирают границы между солистами и рядовыми, это можно увидеть и в белорусском Большом, в частности в балете «Шесть танцев».

Французское corps переводится как «тело». Кордебалет, сorps de ballet, дословно — «танцующие тела». Своим кордебалетом Большой театр Беларуси может гордиться: «тела» танцуют с полной отдачей, умеют передавать оттенки и интонировать темы главных героев. Артистам кордебалета принято давать небольшие сольные партии. Об этом рассказала народная артистка Беларуси Татьяна Ершова, которая начала заниматься педагогикой, еще будучи ведущей солисткой балета. Ее стаж педагога-репетитора насчитывает почти три десятка лет.



…Мы встретились перед спектаклем, дождались, пока Татьяна Михайловна провела последнюю репетицию. В этот вечер давали романтический балет Цезаря Пуни «Эсмеральда». Спектакль-долгожитель поставлен 19 лет назад народным артистом СССР Никитой Долгушиным. Именно кордебалет должен воссоздать здесь атмосферу Парижа конца XV века с его колоритными бродягами и ворами, цыганками-плясуньями на площадях…

— У нас большая труппа в основном за счет кордебалета, потому что спектакли идут одновременно и на выезде, и на базе, — говорит Татьяна Ершова в перерыве между репетициями. — Труппа формируется из выпускников столичной хореографической гимназии-колледжа. Абсолютно все проходят через кордебалет, и это грамотная традиция. Редчайший случай, когда из училища — и сразу в солисты. Развитие идет постепенно: хорошо танцуешь в кордебалете — попадешь в четверку в «Лебедином озере», дадут вариацию, а там, глядишь, уже и сольная партия… Но так бывает не всегда. Многие балерины всю свою творческую жизнь работают только в кордебалете. Не знаю, как теперь, а раньше в Кировском театре даже присваивали звание «заслуженный артист кордебалета». У нас — увы. Я очень хорошо отношусь к артистам кордебалета, есть в их рядах просто выдающиеся личности, незаменимые люди. Навскидку назову только одно имя — Мария Филимонова, она сейчас у нас работает костюмером… У кордебалета бывают свои минуты славы и звездные часы. Например, когда балерины в третьем действии «Баядерки» выходят в образах теней. Минимум приемов, движений и максимум выразительности. Я когда вижу танец теней, прихожу в такое волнение… Да, не всех из кордебалета переводят в солисты. Потому что природа-матушка так распорядилась: одному дала божий дар, а другому нет, у кого-то пропорции тела идеальные, есть сила, здоровье, а у кого-то с этим похуже. Даже толщина связок и подъем стопы у всех разные. Но разве из-за этого нужно расстраиваться?! Или уходить из профессии, которую любишь?! Профессия сама делает отбор. Профессия прекрасная и жесткая.

Рабочий день артиста кордебалета начинается в 10 утра с разминки, разогрева мышц. Затем идут уроки, прогоны. Конечно, предусмотрены перерывы на отдых. Но после обеда снова работа, а вечером — спектакль, который заканчивается ближе к 10 вечера. И так изо дня в день. Из года в год. Выходной день — понедельник.

Эта профессия требует многого, но и многое дает. Большой минус: она очень короткая. На пенсию здесь выходят, набрав 20 лет стажа, а это значит — в 38 лет. Молодые пенсионеры! Поговорив с артистами, мы узнали, что о своем будущем многие задумываются именно теперь. Люди организованные, они работают в театре и одновременно получают второе образование, причем нередко далекое от творчества. Так что бывшую балерину можно встретить где угодно: и в бухгалтерии, и в торговом центре…

Пока мы изучали закулисье и разговаривали с артистами, они гримировались, разминались, облачались в костюмы… Чем ближе к 19:00, тем многолюднее становилась сцена, спрятанная за занавесом от глаз зрителя. На сцене педагоги и артисты использовали буквально каждую секунду для еще одного урока, еще одного прогона.

Настал момент, когда нас попросили покинуть закулисные пределы.

Спектакль начался.

И это дало возможность поговорить с Игорем Артамоновым, народным артистом Беларуси, ведущим мастером сцены, который так же, как и Татьяна Ершова, работает педагогом-репетитором и репетиции в этот вечер уже завершил.

— А вы стояли в кордебалете?

— Пять лет. При этом исполнял сольные и ведущие партии. Пока не получил соответствующую категорию, считался артистом кордебалета.

— Обидно не было?

— Было тревожно, хотелось идти дальше. Но опыт работы в массовых сценах дорогого стоит. Лучше чувствуешь спектакль.

— А теперь скажите как педагог: кого труднее воспитать – солиста или кордебалет?

— Кордебалет. Люди обязаны научиться делать одно па все вместе и в едином рисунке, а это очень сложно. Мы добиваемся, чтобы вчерашние выпускники колледжа были настоящими артистами, создавали настроение спектакля. Если кордебалет плохо отыграет мизансцену, солист ее не спасет. Короля делает окружение.

— Приветствуется ли в кордебалете индивидуальность?

— Конечно. К примеру, в «Корсаре» действует не серая толпа разбойников, а пираты-личности, каждый со своим характером, пластикой. Зрителю на это смотреть интереснее, чем на 24 клона одного персонажа. И ребятам нравится играть, у каждого есть мини-соло. Тут кроется главная опасность: твоя индивидуальность должна грамотно сопрягаться с другими. Кордебалет — это одно целое. Да, ты умеешь прыгать выше других, но если это разваливает спектакль, умерь свой пыл. Ты умеешь танцевать лучше других? Замечательно. Вот репетиционный зал — докажи.

— Ротация в кордебалете большая?

— Приличная. Бывает, что поработает человек и… уходит из профессии. Балет — каторжный труд. С 10 до 11 утра ты уже весь мокрый, надо надевать новый комплект одежды. А впереди еще репетиции и вечерний спектакль. Заставлять себя работать каждый день на пределе своих сил могут единицы. Одни уходят, а из колледжа приходят другие…

— «Деды» держат «новобранцев» в черном теле? Как-никак почти 100 человек. Маленькая армия.

— В кордебалете есть костяк артистов, на который я опираюсь. Как педагог-репетитор, могу заставлять кордебалет повторять прием или мизансцену до бесконечности, чтобы станцевали так, как мне нужно. Но ведь у нас не один спектакль на неделе, а три, плюс выездные, плюс репетиции — напряженка. Поэтому ребята постарше могут сказать кое-кому: «Хватит дурака валять. Если мы из-за тебя сделаем еще пару повторов, поговорим уже по-другому». Так было всегда. Помню, давным-давно на репетиции «Спартака» один парень присел: вроде нога заболела. После репетиции к нему подошли «старички»… Он выздоровел сразу и навсегда.

…Сколько бы человек ни было на сцене — каждый на виду. Такой театральный закон. Если танцовщик десятый с краю в последнем ряду схалтурит, зритель может запомнить именно это, а не 32 фуэте, которые показала прима-балерина. Сцена — большое увеличительное стекло. Поэтому нет здесь главных и неглавных героев…

Фото Сергея Пожоги
====================================================================
Все фото (много) - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9  След.
Страница 7 из 9

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика