Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2018-10
На страницу Пред.  1, 2, 3  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11792

СообщениеДобавлено: Пн Окт 22, 2018 6:00 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018102203
Тема| Музыка, Опера, Концерты, Зал «Зарядье», «Иоланта», Персоналии, В. Полянский
Автор| Александр Матусевич
Заголовок| Оперный сезон "Зарядья" открыт
Где опубликовано| Независимая газета
Дата публикации| 2018-09-20
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2018-10-15/100_opera151018.html
Аннотация|

Афиша концертного зала “Зарядье” впечатляет разнообразием и одновременно очевидным наличием хорошего вкуса у ее составителей. Сочетать первое и второе – искусство особое, не всем подвластное. Хочется верить, что у команды нового зала хватит запала надолго – а, стало быть, у столичных меломанов будет много возможностей приобщиться к прекрасному.

Новое музыкальное пространство тестируется по самым разным направлениям и параметрам. Пробуют здесь и оперу, причем как в чисто концертном формате, так и в театрализованном. На открытии рахманиновского фестиваля в сентябре свою совсем свежую работу – юношескую оперу гения «Алеко» - показала «Геликон-опера», спектакль молодого режиссера Ростислава Протасова. А в октябре Валерий Полянский и его Государственная академическая симфоническая капелла России представили «Иоланту» Чайковского – и вышло даже весьма символично: ту самую оперу, которую Петр Ильич, восхищенный талантом молодого Рахманинова, прочил в пару его дебютному сочинению.

Последние лет двадцать выдающийся хоровой и симфонический дирижер Полянский всемерно продвигает оперу. Так, как он ее видит: с максимальным уважением к авторскому тексту и не допуская волюнтаристских фокусов современной режиссуры. За эти годы им исполнено три десятка театральных опусов – нередко не в строгом концертном варианте, а со значительными элементами театрализации. Солисты выходят в этих semi-спектаклях в костюмах, соответствующих эпохе, прописанной в либретто, на экране демонстрируется видеоряд, также сообразный сюжету – он в известной степени заменяет театральные декорации. Некоторые элементы реквизита присутствуют на сцене, еще более усиливая театральную атмосферу этих концертов, а артисты лицедействуют – режиссеры ставят им мизансцены, помогают прочертить рисунок ролей, сделать исполнение более убедительным, по-театральному эффектным.

«Концертная Опера Полянского» вполне состоялась и сегодня является альтернативой зачастую слишком смелым, если не сказать жестче, экспериментам оперных театров Москвы. Свои проекты маэстро не раз представлял в Большом зале консерватории и Концертном зале Чайковского, в Большом театре и Российском молодежном, в Театре армии, на других площадках. Теперь состоялся дебют на новой московской сцене: пожалуй, если сравнивать со всеми прежними проектами, «Иоланта» получилась наиболее яркой и именно по-театральному убедительной.

Режиссеру Игорю Яцко удалось создать на концертной эстраде настоящий, живой театр – с естественными, гармоничными мизансценами, удачно избежав всех натяжек, которые неизбежно возникают в подобном формате. Исключительно гармоничен оказался видеоряд: прекрасные готические замки и монастырские сады искренне радовали глаз публики. В целом хороши и костюмы, подчеркивающие романтическое видение средневековой эстетики, что сообразуется с восторженным отношением автора оперы к французской медиевистике, явленное еще ранее «Иоланты» в другой его опере – «Орлеанской деве» (художественное оформление – Вадим Андреев).
Но самое главное, конечно, это музыкальное прочтение. Глубина прочувствованности лирики и экстатики Чайковского, явленная Полянским, поражает и приносит полное удовлетворение. Щемящая грусть, сладчайшая нежность мелодий, острота восторженности, гимнические фанфары – эти ключевые для этой оперы музыкальные настроения подчеркнуты маэстро бескомпромиссно выпукло, зримо, а оттого производят не просто эффектное впечатление, но затрагивают душевные струны. Коллективы Госкапеллы не только радуют точностью, слаженностью, стройностью исполнения, но искренней выразительностью.

Состав солистов сочетал как традиционных для проектов Полянского певцов, так и новые имена (или тех, кто участвовал ранее в них лишь изредка, эпизодически). Творческой удачей можно счесть исполнение партии титульной героини Анастасией Привозновой – ее чистое и сильное сопрано с прекрасной дикцией убеждало в каждой фразе. Ответственную партию Водемона (хотя бы в силу того, что публика еще прекрасно помнит выдающихся исполнителей этой партии недавнего прошлого) в целом уверенно спел Евгений Либерман. Блеснул в самом главном хите оперы «Кто может сравниться с Матильдой моей» Андрей Бреус (Роберт), выпуклыми речитативами порадовал Валерий Гильманов (Рене), сочностью подлинного контральтового звучания – Евгения Сегенюк (Марта). Бас Руслан Розыев взялся за весьма непростую партию для драматического баритона – мавританского врача Эбн-Хакии – и сумел оказаться убедительным в сложнейшей медитативной арии «Два мира».

Удачный формат театрализованного концертного исполнения благожелательно был воспринят публикой. Его стоит развивать и впредь, тем более, что возможности нового зала-трансформера безграничны и здесь ещё не раз можно поэкспериментировать с театральными формами.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11792

СообщениеДобавлено: Пн Окт 22, 2018 6:03 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018102204
Тема| Музыка, Опера, Премия, Casta Diva, Персоналии
Автор| Надежда Травина
Заголовок| В Москве наградили лауреатов премии Casta Diva
Где опубликовано| Независимая газета
Дата публикации| 2018-10-16
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2018-10-16/7_7333_opera.html
Аннотация|

В театре «Новая опера» им. Евгения Колобова состоялись концерт и церемония награждения лауреатов премии, посвященной событиям и лицам оперного искусства в России. Вот уже более 20 лет эта награда присуждается за выдающиеся достижения в опере. В некотором роде ее характер напоминает мини-вариант «Золотой маски» – похожие номинации, отбор по итогам прошедшего года, профессиональное жюри: музыкальные критики Петр Поспелов, Екатерина Бирюкова, Юлия Бедерова, Нора Потапова, Елена Третьякова и председатель жюри, инициатор премии Михаил Мугинштейн. Счастливчики, которых выбирают судьи, получают бронзовую статуэтку (скульптор – Пата Мерабишвили), напоминающую «Оскар», правда, в женском обличии. Само же название премии – не что иное, как начальные слова каватины Нормы из одноименной оперы Беллини – любимой музыки вокалистов, которая является одновременно и хитом всех меломанов.

Как ни странно, именно их в зале оказалось больше, чем светских гостей. Вообще церемония прошла не пафосно, хотя список артистов говорил сам за себя. Начали с музыкального приношения недавно ушедшей из жизни Монсеррат Кабалье, включив фрагмент видеозаписи ее выступления с каватиной Нормы. Программу концерта составил роскошный букет из преимущественно знаменитых итальянских арий, чтобы никто не сомневался, что родина оперного искусства – Италия. На сцену выходили певцы-лауреаты и прошлого года, и нынешнего, в лучших традициях жанра срывая восторженные овации слушателей. Правда, двое лауреатов премию не посетили, а о том, что они победили, можно было узнать только в буклете. Не исключено, что «певица года – 2017» Аида Гарифуллина в это время блистала на очередной европейской сцене, а «Кавалер оперы – 2017» (не путать с «Кавалером розы») Валерий Гергиев продолжал завоевывать оперный мир.

«Певцом года – 2017» стал солист Мариинского театра Владислав Сулимский, которого наградили за партии в операх «Симон Бокканегра» и «Сицилийская вечерня» Верди, а также «Золото Рейна» Вагнера. На концерте своим поклонникам артист подарил другие вердиевские арии – Макбета («Pieta, rispetto, amore») и Риголетто (знаменитую «Cortigiani, vilrazzadannata»), а также на бис балладу Томского из «Пиковой дамы» Чайковского. Но и это еще не все – вместе с Ильдаром Абдразаковым Сулимский спел в дуэте Эцио и Атиллы из оперы Верди «Атилла», став «певцом вечера». Сам же Абдразаков легко и непринужденно исполнил Куплеты Мефистофеля из оперы «Фауст» Гуно, после чего поблагодарил жюри за высокое доверие к себе и коллегам: «Если нам вручают премии критики – значит, мы идем правильной дорогой».
Другие гости, прежние лауреаты премии Casta Diva, радовали великолепными номерами и отличной вокальной формой. Особенно – бас Дмитрий Ульянов, представший и в образе князя Галицкого, и в образе хана Кончака из оперы «Князь Игорь» Бородина. Изумительно четкая дикция и артистизм Ульянова приводили публику в восхищение не меньше, чем его эмоциональность (в начале арии Галицкого кольцо с его пальца взметнулось вверх, в сторону оркестра). Красиво и ярко выступила семейная пара – Агунда Кулаева и Алексей Татаринцев, признаваясь друг другу в любви в дуэте Кончаковны и Владимира Игоревича из того же «Князя». По отдельности певцы предстали в арии Леоноры из оперы «Фаворитка» и арии Эдгардо из «Лючииди Ламмермур» Доницетти. К сожалению, на их фоне затерялся номер Виктории Яровой – редкая на российских подмостках ария Фальеро из не менее редко исполняемой у нас оперы Россини «Biancae Falliero». Певица и оркестр не всегда совпадали в темпе, а в сложнейших фиоритурах солистке не хватало интонационной точности. Всю церемонию музыкантов сопровождал оркестр «Новой оперы» под управлением Андрея Лебедева.
«Спектаклем года – 2017» жюри выбрало «Альцину» Генделя в постановке Большого театра (копродукция с фестивалем в Экс-ан-Провансе). Исполнительница партии Морганы Анна Аглатова, забрав приз, призналась, что петь на сцене ей проще, чем говорить, – и доказала это с помощью арии Клеопатры из оперы «Юлий Цезарь» Генделя. «Событием года» назвали выступление хора musicAeterna в Перми и на Зальцбургском фестивале. Получать статуэтку из рук самого скульптора отправился не хормейстер Виталий Полонский и уж тем более не дирижер Теодор Курентзис, а директор театра Андрей Борисов, который произнес впечатляющую речь, рассуждая об уральских и греческих корнях. Пермскую эстафету подхватили новые звезды оперной труппы театра – Константин Сучков и Зарина Абаева. Сучков блистательно перевоплотился в образ доктора Малатесты (опера «Дон Паскуале» Доницетти), Абаева держала в напряжении зал, заставляя восхищаться тонкими переходами динамических оттенков (опера «Сила судьбы» Верди, ария Леоноры), а совместный дуэт Леоноры и графа ди Луны из вердиевского «Трубадура» стал поистине усладой для слуха.

В этом году на премии Casta Diva появилась новая номинация – «Мировая премьера». В ней победила опера «Проза» современного российского композитора Владимира Раннева, который здесь предстал еще и как режиссер. Опера Электротеатра Станиславский покорила критиков еще на премьере не только оригинальным способом воспроизведения текстов (один – поется, другой, одновременно, показан на экране в виде комиксов), но и в принципе новым подходом к оперному жанру. Вручая награду композитору Ранневу, художнику Марине Алексеевой и музыкальному руководителю постановки Арине Зверевой, шеф-редактор издательства «Композитор» Петр Поспелов и вовсе применил к «Прозе» знаменитый термин Gesamtkunstwerk (универсальное произведение искусства). Однако многочисленные бабушки в зале, по-видимому, остались не в восторге от такого решения жюри, явно не понимая, почему после Верди и пышных платьев на сцене появились эти люди.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11792

СообщениеДобавлено: Пн Окт 22, 2018 6:06 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018102204
Тема| Музыка, Опера, Премия, «Приз Биргит Нильссон», Персоналии, Нина Стемме
Автор| Владимир Дудин
Заголовок| В Москве наградили лауреатов премии Casta Diva
Где опубликовано| Независимая газета
Дата публикации| 2018-10-21
Ссылка|http://www.ng.ru/culture/2018-10-21/6_7336_nina.html
Аннотация|

«Приз Биргит Нильссон» получила в этом году выдающаяся шведская сопрано Нина Стемме. Эту премию размером в 9 миллионов шведских крон великая оперная дива ХХ века Биргит Нильссон учредила еще при жизни. Певица умерла в 2005-м, а первая церемония состоялась четыре года спустя, и первая награда досталась Пласидо Доминго, с которым Нильссон даже выступила несколько раз в «Тоске» и «Турандот» Пуччини в Метрополитен-опера и Арена ди Верона.

Пласидо Доминго, тенор, тогда уже перешедший в баритоны, и дирижер в одном лице получил изящную увесистую статуэтку в виде гордо стоящей Биргит Нильссон в тоге, с пышной шевелюрой и мгновенно узнаваемым орлиным профилем, выполненную Густавом и Уллой Крайц. В 2011 году премию получил маэстро Риккардо Мути, а в 2014-м – Венский филармонический оркестр. Имена получателей премии говорят сами за себя: это музыканты и коллективы, добившиеся феноменальных успехов в творчестве.
Именно этот – творческий, музыкантский и никакой другой критерий является определяющим в решении экспертов о ее присуждении. Высочайшую планку задала сама Биргит, чья карьера длилась почти 40 лет и отличалась редкой безоблачностью, стабильностью и безупречным художественно-техническим качеством. Природа наделила ее сильным и выносливым голосом – высшей пробы драматическим сопрано, которое она довела до немыслимого совершенства. Ее крепкие физические данные, маскулинность широких плеч, которые могли бы с неменьшим успехом сделать из нее спортсменку, позволили ей стать едва ли не главной вагнеровской и штраусовской дивой второй половины ХХ века – лучшей Брунгильдой, Электрой, Изольдой. Ее интерпретацию партии Турандот в одноименной опере Пуччини иначе как эталонной не назовешь.
Идеальное дыхание не ограничивало ее в держании высоких нот, с легкостью перекрывавших даже самый громкий оркестр. При этом слушать ее до сих пор можно без капли напряжения благодаря безупречной фокусировке и контролю над плотностью звука. Учитывая, что голос – это энергия в чистом виде, пение Нильссон можно расценивать как экологически безупречное «зарядное устройство», очищающее, проясняющее и настраивающее организм не хуже всякой гимнастики. Компания Sony Classical выпустила к 100-летию певицы грандиозный комплект записей из 31 диска, среди которых есть даже несколько версий одних и тех же опер Вагнера и Штрауса.
У обладательницы «Приза Биргит Нильссон» этого года – шведской сопрано Нины Стемме история звукозаписей не менее впечатляющая уже сейчас. Эта певица, фамилия которой со шведского и означает «голос», тоже родилась под счастливой звездой, коль скоро так удачно совпало ее награждение в год 100-летия ее великой соотечественницы. Биргит Нильссон прекрасно знала Нину, у них было немало встреч, а потому не будет ни малейшим преувеличением сказать, что Стемме – прямая продолжательница вокальной традиции Нильссон, как Нильссон в свое время подхватила эстафету у своей норвежской предшественницы – великой вагнеровской дивы Кирстен Флагстад. Так считает и Рутберт Райш, президент Фонда Биргит Нильссон, много лет друживший с певицей, и добавляет, что традиция эта каждый раз при ее перехватывании развивалась и шла вперед. Голос Нины Стемме более лиричен, намного темней, чем был у Биргит, но так же силен и одухотворен, а солидный репертуар в большинстве пунктов пересекается, но есть и партии, которых никогда не пела Нильссон. Одной из них стала партия Катерины Измайловой в «Леди Макбет Мценского уезда» Шостаковича, которую Нина исполнила год назад на Зальцбургском фестивале под управлением маэстро Мариса Янсонса. Выступала она и в России – в Концертном зале Мариинского театра в «Валькирии» Вагнера под управлением Валерия Гергиева, приняв участие в записи этой оперы, выпущенной на лейбле «Мариинский».

В своем приветственном слове на церемонии после того, как получила награду из рук короля Карла XVI Густава, она начала с того, что поблагодарила семью (у певицы трое дочерей) за любовь и поддержку и Биргит Нильссон, которая благословляет ее со своих «оперных небес». В концертной части церемонии, которую вела американская актриса и певица Мэри Бет Пейл, то и дело вспоминавшая свои встречи с Биргит Нильссон на оперных спектаклях и в концертах, приняла участие однофамилица – молодая сопрано Кристина Нильссон. В сопровождении Шведского королевского оркестра под управлением молодого американского дирижера Эвана Роджистера она исполнила две песни Сибелиуса и одну Рангстрёма, показав, как живет и крепнет традиция Биргит в XXI веке. Правда, акустически зал этой красивейшей, но с точки зрения акустики больше музейной Королевской оперы росту этой традиции явно уже не очень соответствовал. И совсем не случайно Нина Стемме на встрече с представительным международным сообществом журналистов заявила о том, что «Швеция нуждается в новой оперной сцене».

Событием церемонии стало выступление валлийца Брина Терфела, который не только выбранными монологами трех оперных героев, но и самим исполнением продемонстрировал, что такое быть настоящим артистом. Это, например, когда в присутствии короля с королевой не побоишься ради художественной правды, за которой все мы и ходим в оперу, снять собственный ботинок, чтобы ярче перевоплотиться в башмачника Ганса Сакса в его монологе из II акта «Нюрнбергских мейстерзингеров» Вагнера. Усевшись на авансцене нос к носу с первыми рядами зрителей, пришедших на церемонию в строгом black tie, Брин вел себя так, словно герой романа Достоевского явился в великосветское общество изобличить людские пороки, напоминая отчасти также и сцену скандала из прошлогоднего шведского фильма «Квадрат» Рубена Эстлунда.

А в монологе Фальстафа он и вовсе приблизился на, казалось бы, недопустимо близкое расстояние к королевской чете, чтобы с их соседом – президентом Рутбертом Райшем обыграть не самые безобидные слова. Он обжигал своим голосом, заглядывая прямо в душу, в ее самые потайные уголки, словно искушенный психолог, знающий все человеческие слабости. Обрамлявшие этот монолог Сакса манифест угрюмого, проклятого Летучего голландца из одноименной оперы Вагнера и финальное грустно-веселое философское резюме Фальстафа из оперы Верди словно бы обозначили две полярности в отношении к суете сует и тому, как проходит земная слава.

Стокгольм–Санкт-Петербург
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11792

СообщениеДобавлено: Пн Окт 22, 2018 6:10 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018102205
Тема| Музыка, Опера, Премия
Автор| Лариса Барыкина
Заголовок| Концерт как акция поддержки
В парижском Théâtre des Champs-Élysées выступили Денис Мацуев и Уральский молодежный симфонический оркестр
Где опубликовано| Независимая газета
Дата публикации| 2018-10-14
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2018-10-14/100_paris141018.html
Аннотация|
Концерт уральской «молодежки» во Франции подавался двояко, с одной стороны – презентация юного симфонического коллектива из Екатеринбурга в преддверии его европейских гастролей, с другой – акция в поддержку российской заявки на право проведения всемирной универсальной выставки ЭКСПО-2025.

Созданный более 10 лет назад второй симфонический коллектив филармонии Екатеринбурга довольно быстро перерос планку оркестра-академии, и стал не только играть роль «рассадника кадров», чьи выпускники пополняют ведущие российские оркестры, но и делать собственную карьеру под руководством своего художественного лидера Энхэ (Энхбаатр Баатаржав). Большую роль в этом сыграли регулярные встречи с именитыми музыкантами, с главным приглашенным дирижером оркестра Александром Рудиным, с Владимиром Федосеевым и Саулюсом Сондецкиом, Дмитрием Лиссом и Бруно Вайлем (Германия). Оркестр дает более 30 концертов в сезон, и эта практика имеет свои плоды. Год назад Международный молодежный Чайковский-оркестр, созданный на базе уральской «молодежки» в рамках ежегодной Летней оркестровой академии, произвел фурор на берлинском фестивале Young Euro Classic в знаменитом зале Концертхаус. С УМСО по собственному признанию любит выступать Денис Мацуев. Он легко принял приглашение участвовать в парижском концерте-презентации и, конечно, виртуозно справился с ролью звезды-наставника, выводящего юный оркестр в высший свет.

На концерт был зван если не «весь Париж», то, во всяком случае, культурная и дипломатическая общественность, в зале были замечены ректор парижской Русской консерватории им. Рахманинова граф Пётр Петрович Шереметев, известный педагог Рена Шерешевская со своими учениками и многие другие. А звучала русская классика, как она есть, причем программа была составлена в виде симфонического цикла с кульминацией в финале. Энергичной, искрометной экспозицией прозвучала Увертюра к «Руслану и Людмиле» Глинки. Роль лирического центра досталась Серенаде для струнного оркестра Чайковского, и, кстати, это был правильный выбор: качество звуковедения и градации оттенков у струнной группы УМСО – превосходны. Второй фортепианный Рахманинова в сокрушительно-мощной, а временами теплой и проникновенной трактовке Мацуева завершал концерт. Впрочем, были еще и бисы после шквала аплодисментов, публика долго не хотела отпускать своего кумира. А Мацуев благодарил оркестр и выводил маэстро Энхэ на поклоны.
В день перед концертом в штаб-квартире ЮНЕСКО прошла собственно презентация заявки уральской столицы на право проведения ЭКСПО-2025, а вечером все переместились в театральный зал на авеню Монтень. На сцену вышли посол России во Франции Алексей Мешков, губернатор Свердловской области Евгений Куйвашев и представитель президента российской Федерации по международному и культурному сотрудничеству Михаил Швыдкой. Говорили о сильных амбициях Екатеринбурга, который соревнуется с Осакой и Баку, приглашали собравшихся в зале гостей в уральскую столицу.

“Это удивительное место удивительной страны,– сказал Швыдкой – его надо посетить независимо от исхода ноябрьского голосования. Сам факт того, что мы практически находимся в полуфинале, о многом говорит. Чтобы узнать Россию, надо ехать не в столицы, надо ехать на Урал. Ощутить удивительный ритм Екатеринбурга, его энергию и вкус к жизни. Я очень болею за этот город – динамичный, яркий, обращенный в будущее, с замечательной молодежью, с очень интересным центром Бориса Николаевича Ельцина. Надо побывать в его театрах, филармонии и консерватории, надо прогуляться по его улицам, наконец отведать еды в его потрясающих ресторанах». На счет кулинарных изысков публике пришлось поверить спикеру на слово, а вот ощутить качество звучания молодежного оркестра, стиль которого как нельзя лучше соответствует активному уральскому городу, удалось вполне.
Париж
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11792

СообщениеДобавлено: Пн Окт 22, 2018 6:16 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018102206
Тема| Музыка, Опера, Концерт , Персоналии , Д. Хворостовский
Автор| Зоя Игумнова
Заголовок| Голос памяти: оперные звезды посвятили концерт Дмитрию Хворостовскому
Ильдар Абдразаков, Василий Ладюк, Ольга Гурякова и другие певцы исполнили любимые арии ушедшего друга
Где опубликовано| Известия
Дата публикации| 2018-10-17
Ссылка| https://iz.ru/801411/zoia-igumnova/golos-pamiati-opernye-zvezdy-posviatili-kontcert-dmitriiu-khvorostovskomu
Аннотация|

На сцене «Новой оперы» состоялся концерт памяти великого русского певца Дмитрия Хворостовского. 16 октября ему исполнилось бы 56 лет. В мероприятии приняли участие звезды мировой оперной сцены — Ильдар Абдразаков, Василий Ладюк, Агунда Кулаева, Ольга Гурякова, Алексей Татаринцев, Кристина Мхитарян, Сергей Скороходов, а также виолончелист Борислав Струлев и пианист Дмитрий Сибирцев. Оркестром театра управлял Константин Орбелян, ближайший друг Дмитрия, но, помимо него, за дирижерский пульт вставали и другие маэстро — Ян Латам-Кениг, Василий Валитов, Андрей Лебедев. А в зале присутствовали вдова Дмитрия Флоранс и его дети Нина и Максим.

Первоначально планировалось, что вечер памяти пройдет на сцене Государственного Кремлевского дворца, однако за две недели до события планы изменились. Место на замену было выбрано не случайно. В «Новой опере» Хворостовский впервые исполнил свою коронную партию Риголетто в одноименной опере Верди. Кроме того, певец был в числе артистов, выступавших на открытии нового здания театра в саду «Эрмитаж» в 1997 году.

Концерт начался с воспоминаний. Ведущий Юлиан Макаров рассказал об открытости звезды.
— Дмитрий никогда не запирался у себя в гримерке — он балагурил, общался с оркестрантами и певцами, был вместе со всеми, — поделился Макаров. — Он всем хотел подарить частичку своего тепла, со всеми поделиться талантом. Может быть, именно поэтому столько людей до сих пор помнят и любят его.

На экране, установленном за сценой, сменялись фотографии Хворостовского, а каждый участник начинал и заканчивал свое выступление с поклона певцу. Все цветы в этот вечер были только для Дмитрия Хворостовского. Не только букеты ему преподносили. Президент оперной премии Casta Diva Михаил Мугинштейн вручил Флоранс награду, которая была присуждена певцу год назад, в почетной номинации «Кавалер оперы». На тот момент уже тяжелобольной Дмитрий Хворостовский не смог ее получить, теперь же статуэтка будет храниться у его семьи.

В карьере Хворостовского это уже вторая Casta Diva. Первую он получил в 2000 году — за роль Риголетто. И показательно, что на вечере памяти так никто и не замахнулся на исполнение этой партии. Не было и русской музыки, военных песен, которые так любил Хворостовский, — по словам Константина Орбеляна, «так, как Дима, их уже никто не споет, поэтому и решили не включать в программу». Зато прозвучало много итальянских арий из его репертуара — фрагменты опер «Травиата», «Трубадур», «Дон Карлос», «Набукко» Верди, «Манон Леско», «Богема», «Турандот» Пуччини, «Фаворитка» Доницетти...

Под занавес концерта на цену вышли все участники концерта и исполнили песню Non Ti Scordar Di Me! («Не забывай меня!»), известную по концерту трех теноров. Зал плакал и аплодировал стоя.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11792

СообщениеДобавлено: Ср Окт 24, 2018 12:37 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018102401
Тема| Музыка, Опера, «Новая опера», Премьера, «Мадам «Батерфляй», Персоналии
Автор| Мария Бабалова
Заголовок| На три веселых буквы
"Мадам Баттерфляй" пополнила репертуар московского театра "Новая Опера"
Где опубликовано| Российская газета
Дата публикации| 2018-10-24
Ссылка| https://rg.ru/2018/10/23/reg-cfo/premera-madam-batterfliaj-proshla-v-teatre-novaia-opera.html
Аннотация| Премьера

Спектакль "Мадам Баттерфляй" поставил молодой режиссер Денис Азаров в содружестве со сценографом Алексеем Трегубовым и художником по костюмам Павлом Каплевичем, за дирижерским пультом место занял музыкальный руководитель театра Ян Латам-Кёниг.

Обратившись к одной из самых популярных в мире опер Пуччини, "Новая Опера" хотела пригласить Арно Бернара - французского режиссера, виртуозно умеющего ставить вполне традиционные спектакли, при этом без архивного "нафталина". Но у месье Бернара есть одна лукавая творческая привычка: например, переодев главную героиню из красного в зеленое платье, а главному герою вложив в руки вместо чемодана зонтик, выдать уже переживший пару лет назад спектакль за премьеру. Из-за чего потом между театрами в разных частях света частенько возникают конфликты из-за авторских прав. Оказавшись на пороге подобной истории, "Новая Опера" отозвала свое приглашение французскому гостю.

Денис Азаров сделал "антипуччиниевский" спектакль, заслонив фирменную композиторскую чувственность жестким социально-политическим концептом с элементами поп-арта: занавес к антракту - огромное полотнище звездно-полосатого американского флага, а к серой стене бункера, где разворачивается действие оперы, прислонены три громадных красных буквы с неоновыми огнями, сложенные в слово JOY ("радость"). На интермеццо между вторым и третьим актом режиссер показывает видеохронику конца Второй мировой войны, намекая, что действие оперы происходит в Нагасаки после ядерной бомбардировки.

На этом фоне история краткой трагической любви 15-летней гейши Чио-Чио-сан и заезжего американского военного моряка Пинкертона выглядит частностью, а данный антураж - избыточно "стёбным". Особенно когда в момент предчувствия фатальной развязки на сцене принц Ямадори появляется в сопровождении пьяных морячков и проституток, а Пинкертона "эскортирует" жена в красном латексном брючном костюме в стиле "садо-мазо".

Первый акт произвел сильное и цельное впечатление. В муарово-серой атмосфере доминировала Чио-Чио-сан в красивом свадебном наряде, стилизованном под кимоно. И казалось, простыми минималистскими средствами постановщики поведают о том большом, истинном человеческом чувстве, что является основой мирозданья. Но нет. Платье невесты быстро превратилось в растянутый спортивный костюм, а все любовные дуэты исполнялись не только без какого-либо намека на телесный контакт, но даже без случайного взгляда друг на друга. Казалось, что эта любовная история трактуется как плод больного воображения девушки, от горя лишившейся рассудка.

Оркестр звучал на редкость для пуччиниевских опер бесстрастно, но резко, то и дело заглушая солистов, которые с огромными вокальными убытками на не всегда узнаваемом итальянском языке исполняли свои роли. Хотя нельзя не заметить, что и сопрано Светлана Касьян (Чио-Чио-сан), и тенор Хачатур Бадалян (Пинкертон) очень хорошо подходят для вверенных им образов - и по характеристике своих голосов, и по личностному наполнению. Но и они, очевидно, не могли найти взаимопонимание, поддержку в оркестре, а также понять и "присвоить" режиссерскую концепцию, которая, как и дирижер, не связывалась с настоящими чувствами.

Но в финале спектакля, как во всех канонических постановках этой оперы, на сцену выбежал ребенок и, крепко его обняв, его юная мама деловито отправилась в секретную комнату делать харакири. И публика захлебывалась фирменной пуччиниевской слезой вопреки желанию постановщиков.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11792

СообщениеДобавлено: Ср Окт 24, 2018 12:43 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018102402
Тема| Музыка, Ансамбль «Студия новой музыки», Юбилей, Персоналии
Автор| Надежда Травина
Заголовок| А закончили опереттой Шостаковича…
Ансамблю "Студия новой музыки" – 25 лет
Где опубликовано| Независимая газета
Дата публикации| 2018-10-23
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2018-10-23/7_7338_shostakovitch.html
Аннотация|

Один из главных российских ансамблей современной музыки перешагнул рубеж в четверть века. За плечами музыкантов – целая история, достойная экранизации. «Студия новой музыки» родилась в эпоху, которую сейчас называют «лихими девяностыми»: создание и формирование коллектива энтузиастов, сплоченных просветительской миссией, фактически проходило под звуки перестрелок и зычных лозунгов с трибуны.
В тот период из страны уехали такие мэтры, как Шнитке, Денисов, Губайдулина, а за ними и ряд молодых композиторов. Запрещенный в советское время авангард готовился кануть в Лету, безропотно уступая место дешевой эстраде и музыке частных корпоративов. И в это, казалось бы, беспросветное время в Московской консерватории силами композитора Владимира Тарнопольского, музыковеда Александра Соколова и дирижера Игоря Дронова появился ансамбль, готовый идти наперекор времени и сделать все, чтобы современную музыку в России умели играть, понимать, изучать и даже любить.

Так и произошло. Ансамбль «Студия новой музыки», задуманный как базовый ансамбль центра и кафедры современной музыки консерватории, совершил перезагрузку музыки XX–XXI веков во всех направлениях и форматах, постепенно влившись в европейский музыкальный процесс. За 25 лет «Студия» осуществила более тысячи (!) российских и мировых премьер: неизвестные отрывки из оперы «Нос» Шостаковича, Камерную симфонию Рославца на его родине в Брянске, оперу «Лживый свет моих очей» Шаррино и многое другое – всего не перечислить. Благодаря ансамблю и деятельности сотрудников центра консерваторию в разное время охватывал настоящий звездопад ведущих зарубежных композиторов (Хельмут Лахенман, Фридрих Церха, Беат Фуррер, Петер Аблингер и т.д.) и коллег-коллективов (Recherche, Ensemble Modern, Alter Ego). Проводились мастер-классы, международные фестивали (например, «Московский форум»), тематические междисциплинарные циклы. «Студия новой музыки» может гордиться тем фактом, что именно их пригласили выступать на знаменитых Дармштадских летних курсах и Венецианской биеннале – «студийцы» также гастролировали и в США, и в Германии, и во Франции, представляя сложнейшие программы.

Но главным «домом» для них была, есть и будет Московская консерватория. Именно здесь происходили многие музыкальные откровения для публики, сидящей в проходах и на подоконниках Рахманиновского зала. Именно в этом учебном заведении «Студия» каждый год исполняет пьесы выпускников-композиторов на государственном экзамене по сочинению, словно вручая авторам путевку в жизнь. Именно консерватория, как никто другой, поддерживает инициативу и проекты ансамбля, центра и кафедры, о чем постоянно говорит худрук Владимир Тарнопольский (по сути, аналогий среди других музыкальных вузов страны нет). Несмотря на свой солидный возраст, «Студия» не боится экспериментировать и шагать в ногу со временем: музыканты то перевоплощаются в героев сказки «Красная Шапочка» в спектакле Жоржа Апергиса, то сотрудничают с модным светским проектом Sound Up, а сейчас и вовсе сыграют попсовую неоклассику на конкурсе молодых композиторов. Словом, за 25 лет своего существования ансамбль добился невероятных успехов и мирового признания, преодолевая различные трудности – возможно, еще и потому, что в его составе не просто профессиональные музыканты, а настоящая творческая семья, увлеченная единым делом.

Отметить юбилей решили в самом сердце Московской консерватории – Большом зале. По логике, должны были прозвучать выборочные сочинения, сыгранные ансамблем за эти годы (так сказать, с чего начали – к чему пришли), но не тут-то было. Программа концерта называлась «Суррогатные города»: семь российских и мировых премьер оказались посвящены конкретному городу (причем не во всех из них выступал ансамбль). Хотя юбилейная тематика и сложнофилософская концепция программы с трудом корреспондировали друг с другом.

Одна из премьер, «Центральный парк в темноте (Нью-Йорк)» Чарльза Айвза, практически сонорная пьеса с вкраплениями джаза и элементами урбанизма поражала свежестью звучания – трудно было поверить, что она датирована 1906 годом. «Атлантида» Мортона Фелдмана, еще одного американского композитора, погрузила зал в медитативное состояние, которое возникло благодаря вкрадчиво-деликатным притяжениям мотивов друг к другу: жаль, что графическая партитура Фелдмана, напоминающая нечто вроде судоку, была представлена небольшим фрагментом. Эта же участь постигла и пьесу «Стокгольм» из цикла «Карты несуществующих городов» Дмитрия Курляндского, хотя сам автор явно остался доволен исполнением. «Eastanbul» Владимира Тарнопольского и «Сцены из уличного театра» кореянки Ынсук Чин продемонстрировали звуковую картину жизни двух городов – Стамбула, где со всех сторон доносится пение муэдзинов, и Гонконга. Но что именно из него запечатлела в своей пьесе автор, из буклета понять было трудно: в нем страницы и перемешивались, и вовсе отсутствовали. «City Life. Check it out» Стива Райха с включением записанной речи, гудков, тормозов предстало бодро и живо, озвучивая презентацию фотографий команды «Студии новой музыки» на экране. А вокальный цикл Лучано Берио «Крики Лондона» исполнили студенты Камерного хора консерватории, достойно справившись с техническими трудностями.

Главной фишкой юбилейной программы стали произведения Хайнера Гёббельса – и не театральные, а музыкальные. Знаменитый режиссер, по мнению организаторов, еще и известнейший композитор. Первой значилась пьеса «Суррогат» из цикла «Суррогатные города» (вот откуда название концерта) на тексты Гамильтона, где музыка, сочетающая в себе смесь минимализма и ритмов песен Майкла Джексона, шла фоном к эпатажной мелодекламации певицы Каролины Мельцер в микрофон на проводе (как в лучших традициях 90-х). Электронная композиция «Гроза над Москвой» Гёббельса на мгновение превратила Большой зал в клуб: сидящая в темноте публика завороженно наблюдала, как портреты Баха, Моцарта и Чайковского на стенах расцвечивались дискотечными огнями. Обе пьесы в контексте программы выглядели претенциозно и весьма неоднозначно, хотя, возможно, этот «когнитивный диссонанс» и есть концептуальная задумка автора.

Но какой же праздник без песни? В конце вечера «Студия», игравшая стоя, как в оркестре Курентзиса, и Камерный хор заставили всех забыть и про тонкие материи Фелдмана, и про полифонию Берио. «Прогулка по Москве» из оперетты «Москва, Черемушки» Шостаковича в обработке Андрея Кулигина, исполненная дважды, врезалась в память слушателей настолько, что многие выходили из зала, напевая незамысловатый мотив про Волхонку, и Полянку, и, разумеется, Большую Никитскую улицу. Стоит только гадать, зачем из всего великого, что создал Шостакович, выбрали то, что он сам называл «бездарным позором» и что ни при каких обстоятельствах не подпадает под определение «современная музыка». И пусть там поется об одном суррогатном городе, и пусть это весело и празднично, но трудно себе представить, чтобы, например, Ensemble Intercontemporain закружился в ритмах Оффенбаха. Впрочем, не исключено, что это новый эксперимент «Студии новой музыки», в очередной раз доказавшей свою открытость.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11792

СообщениеДобавлено: Ср Окт 24, 2018 4:39 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018102403
Тема| Музыка, Фестиваль, Персоналии, Е. Светланов
Автор| Сергей Николаев
Заголовок| Безумный уик-энд с Евгением Светлановым
90-летие великого дирижера отметят в Москве фестивалем небывалого формата
Где опубликовано| Труд
Дата публикации| 2018-10-19
Ссылка| http://www.trud.ru/article/19-10-2018/1368194_bezumnyj_uik-end_s_evgeniem_svetlanovym.html
Аннотация| фестиваль в честь Е. Светланова

Два дня, 10 и 11 ноября, все четыре концертных зала Московской консерватории и даже фойе ее Большого зала будут отданы событиям фестиваля «Вселенная – Светланов! Безумный weekend». С утра и до поздней ночи здесь пройдут концерты, мастер-классы, выставки, встречи, видеопросмотры... Все это связано с искусством и жизнью великого дирижера, которому нынешней осенью исполнилось бы 90 лет.

Фестиваля такого формата в Москве еще не было. За два дня состоится 13 концертов, в которых примут участие более 350 музыкантов. Главная идея праздника – создать портрет великого артиста через музыку которую он любил и гениально исполнял, при содействии музыкантов, с которыми сотрудничал и дружил, непременно – с участием молодого поколения исполнителей, чей талант он бы оценил. Будут звучать и симфоническая музыка, и камерные сочинения, и даже джаз.

В фестивале принимают участие Государственный симфонический оркестр России им Е.Ф. Светланова, Камерный оркестр Московской консерватории, Уральский молодежный симфонический оркестр. За дирижерский пульт встанут лауреаты международного конкурса дирижеров имени Евгения Светланова.

На афише – имена пианистов Бориса Березовского, Андрея Коробейникова, Ярона Эрдмана, Джулии Чичильяно, Кристи Жюльен, Леонида Гуревича, скрипачей Вадима Репина, Дмитрия Махтина, альтистки Эллины Пак, виолончелистов Александра Князева, Александра Рудина, кларнетиста Андреа Фаллико, арфистки Оксаны Сидягиной, вокалистов Екатерины Морозовой (сопрано), Богдана Волкова (тенор), Петра Мигунова (бас). Добавим сюда и духовой квинтет Modus Vivendi, Квартет имени Бородина, Хоровую капелла России имени А.А. Юрлова. Все это – элита музыкально-исполнительских сил России и других стран.

Не стоит пугаться количества концертов – они небольшие по протяженности, поэтому гости фестиваля смогут посетить несколько программ в один день, посмотреть видеозаписи самого маэстро, посетить выставку, ему посвященную. Для удобства ориентации в фестивальном пространстве на сайте акции дана программа-карта https://svetlanovfest.ru/programme. Здесь каждый фестивальный концерт имеет не только название, но и номер, и свою историю. К примеру, концерт №13 (11 ноября, 21:00, Большой зал консерватории) называется «Несостоявшаяся встреча». Борис Березовский исполнит 1-й концерт Чайковского вместе с Госоркестром им. Светланова без дирижера. Дело в том, что первое совместное выступление на сцене Бориса и Евгения Федоровича должно было состояться 5 мая 2003 года, но 3 мая маэстро не стало...

Рассказывает основатель и арт-директор фестиваля Марина Бауэр:
«Идея фестиваля пришла мне спонтанно. Я подумала, что мы уже десять лет проводим с успехом Конкурс дирижеров имени Светланова, сначала в Люксембурге, потом во Франции. Не пора ли в год 90-летия Евгения Федоровича вернуть его домой, в Московскую консерваторию? А почему Вселенная? Светланов был безграничен, и память о нем безгранична. Ко мне в разных концах света до сих пор подходят музыканты и говорят: «А вы помните, как он сделал «Манфреда» Чайковского, как зрители рыдали и не хотели расходиться?» А ведь прошло уже 16 лет, как Светланова нет с нами. Мы старались составить программу фестиваля так, чтобы познакомить зрителей хотя бы с частью гигантской Вселенной по имени Светланов. Пригласили музыкантов, с которыми работал маэстро, и тех, кто, как нам кажется, близок ему по духу. Все откликнулись. Все дирижеры фестиваля – это лауреаты светлановского конкурса разных лет.: Лио Куокман (концерт N5 «Посвящение», 10 ноября. 19:00, БЗК), Роберто Форес Весес ( концерт №2 «Любимая Франция», 10 ноября, 13:30, Рахманиновский зал), Калле Куусава (концерт №7 «Кольца памяти», 11 ноября. 12:00, БЗК), Роберт Тревиньо (концерт №11, 11 ноября, 19:00. БЗК).

Мы представим на фестивале и Светланова-композитора. Этому будет посвящена отдельная программа (концерт №9, 11 ноября, 15:00, Рахманиновский зал). Светланов очень любил Францию, и, как вы уже поняли, в программе будет концерт, посвященный образам этой страны – как в творчестве Жоржа Бизе, так и самого Евгения Федоровича. Светланов всегда интересовался разной музыкой – и у нас в афише программа «Легкое дыхание Америки» (концерт №4, 10 ноября, 15:00, Малый зал) с произведениями Гершвина и Новачека. Евгений Федорович много сотрудничал с Квартетом им. Бородина, дружил с его легендарным виолончелистом Валентином Берлинским – и у нас на фестивале выступит этот коллектив (концерт №10 «Обещание», 11 ноября, 16:30, Малый зал). Там сейчас уже совсем иной состав, по сравнению со временами Светланова, но и эти музыканты сразу же откликнулись на наше приглашение.

Даже такое увлечение Евгения Федоровича, как рыбалка, мы постарались отразить, включив в программу квинтет «Форель» Шуберта (концерт N6 «Увлечения», 10 ноября, 21:30, Малый зал). В программе «Воспоминание» (концерт№3, 10 ноября, 15:00, Малый зал) в исполнении юрловцев прозвучит сочинение маэстро, посвященное им основателю коллектива Александру Юрлову, а также музыка одного из любимейших композиторов, друга маэстро Георгия Свиридова. Есть в фестивале и джазовый концерт замечательного израильского пианиста Ярона Эрмана – маэстро испытывал симпатию к этому роду музыки (концерт №12 «Человек-Вселенная», 11 ноября. 20:00, Рахманиновский зал)».
Открытие праздника – 10 ноября в 12:00 в Большом зале. Прозвучит трио Чайковского «Памяти великого художника» в исполнении Вадима Репина, Александра Князева и Андрея Коробейникова. Кстати, в таком составе знаменитые солисты выступят в столице впервые.

А завершится фестиваль 11 ноября концертом в 21:00. Элегическое трио №2 Рахманинова сыграют Борис Березовский, Дмитрий Махтин и Александр Князев.
Добавим, что организация такого насыщенного музыкального марафона была бы невозможна без сотрудничества многих энтузиастов. В него вложили свои усилия оргкомитет Международного конкурса дирижеров им. Е.Ф. Светланова, Радио Франс, Московская государственная консерватория, Фонд Евгения Светланова, Транссибирский арт-фестиваль, Музей Москвы, medici.tv, телеканал «Культура», радиостанция «Орфей», международного артистическое бюро Albert Sarfati и другие организаторы.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11792

СообщениеДобавлено: Ср Окт 24, 2018 4:45 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018102404
Тема| Музыка, Концертный зал «Зарядье», Фестиваль к 145-летию со дня рождения Сергея Рахманинова, Персоналии,
Автор| Александр МАТУСЕВИЧ
Заголовок| Заряженные Рахманиновым
Где опубликовано| Культура
Дата публикации| 2018-10-20
Ссылка| http://portal-kultura.ru/articles/music/219725-zaryazhennye-rakhmaninovym/
Аннотация| фестиваль

2 октября в Московском зале «Зарядье» Российский национальный оркестр подведет итог грандиозного марафона, посвященного 145-летию со дня рождения Сергея Рахманинова. Фестиваль был разделен на шесть частей: «Начало», «Небо», «Кризис и расцвет», «Земля», Dies irae, «Последний концерт». Каждая носила тематическое название, отражавшее веху творчества композитора. В результате получилась своеобразная антология под условным титулом «Весь Рахманинов».
В рамках фестиваля прозвучали выступления «Мастеров хорового пения» Льва Конторовича, Государственного симфонического оркестра Республики Татарстан, певцов Натальи Петрожицкой и Дмитрия Зуева, инструменталистов Алексея Гориболя и Рустама Комачкова, а также оркестра и хора Questa Musica.

Больше всего запомнились два концерта — «Начало» и «Кризис и расцвет».
Идея первого заключалась в том, чтобы исполнить студенческий опыт композитора, принесший ему первый успех и так восхитивший Чайковского — оперу «Алеко». Первый театральный опус юного гения столь много обещал — в мелодическом богатстве автора виделось славное будущее и продолжение русских оперных традиций. Но надежды не оправдались: став более серьезным и изощренным, изменив свой первоначальный восторженный, несколько эпигонский (конечно же, по отношению к Чайковскому) оперный стиль, Рахманинов потерпел фиаско с последующими своими опытами (непонятые и непринятые «Скупой рыцарь» и «Франческа да Римини»), бросил недописанной «Монну Ванну» и больше никогда к оперному творчеству не возвращался.
Идея второго — представить переломный момент в жизни гения: исполнить в одном концерте провалившуюся на премьере Первую симфонию и имевший бешеный успех Второй фортепианный концерт. Тем самым авторы решили показать, что дал мастеру кризис, а неудачу он переживал очень тяжко, как эволюционировал его стиль, да и попросту сравнить «до» и «после».

Исполнить «Алеко» позвали «Геликон-оперу». Этот опус только весной вошел в репертуар театра, став первой работой штатного режиссера Ростислава Протасова. Вроде бы сам Бог велел, однако не учли важной вещи: в «Геликоне» опера была поставлена на Малой сцене, в крошечном зале княгини Шаховской, где каждый солист и хорист как на ладони и действует совершенно иной звуковой баланс. В огромном «Зарядье» ювелирная работа Протасова откровенно потерялась. Волшебный свет, так чудно окрашивавший костюмы цыган и ставший в «Геликоне» отдельным действующим лицом, на сцене «Зарядья» был выставлен недостаточно продуманно (либо не имелось нужных технических возможностей), отчего весь спектакль прошел впотьмах, а важные акценты действа остались зрителю непонятны. Сложилось впечатление, что масштабы «Зарядья» напугали и солистов, и дирижера Валерия Кирьянова. Исполнители пели в утрированно надрывной манере. Маэстро не сумел выстроить гармоничный ансамбль между вокалистами и оркестром. Молодые и сильные голоса Ольги Толкмит (Земфира), Алексея Исаева (Алеко) и Ивана Гынгазова (Молодой цыган) не прозвучали так, как могли бы, и лишь мастера Александр Киселев (Старик) и Лариса Костюк (Старая цыганка) вышли из «переделки» с честью.

Для двух симфонических шедевров пригласили прославленный региональный коллектив — Государственный симфонический оркестр Татарстана под управлением Александра Сладковского и пианиста Алексея Володина. Сегодня, спустя сто двадцать лет, понять претензии Цезаря Кюи к молодому Рахманинову решительно невозможно: Первая симфония гениальна от первой до последней ноты. Ее несколько варварская, «скифская» музыка столь мощна и выразительна, столь образна и пряна, что не способна не взволновать. Справедливо считается, что неудача на премьере 1897 года связана с недостатками интерпретации. При вдумчивом, эмоциональном и тщательном подходе, что продемонстрировал Сладковский и его подопечные, эта музыка ошеломляет, завораживает и не отпускает ни на секунду. Прославленный казанский коллектив явил наивысший класс исполнительского мастерства — как по техническому блеску, так и по экспрессивной убедительности.

Несмотря на то, что во Втором концерте господствуют совсем другие настроения, пропасти между двумя опусами нет. Наипопулярнейшее и совершенно заигранное сочинение Рахманинова в исполнении Алексея Володина прозвучало свежо и поэтично. Оркестр Сладковского гениально выступил одновременно в двух ипостасях — чуткого, деликатного аккомпаниатора, умеющего где надо уйти в тень, и полноправного сотворца. При всем блеске это была совершенно иная по характеру игра, нежели явленное в симфонии, и тем это особенно ценно. Подтверждение нашлось в мощном бисе — демонический и сметающий все на своем пути «В стане Тамерлана» Александра Чайковского заставил зал зайтись от восторга.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11792

СообщениеДобавлено: Ср Окт 24, 2018 4:49 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018102405
Тема| Музыка, Премьеры, «Девять шагов к Преображению», Персоналии, Э. Артемьев
Автор| Денис Бочаров
Заголовок| Девять шагов между классикой и роком
Где опубликовано| Культура
Дата публикации| 2018-10-18
Ссылка| http://portal-kultura.ru/articles/music/219604-okonchennaya-messa-dlya-khora-s-orkestrom/
Аннотация|

В Концертном зале имени П.И. Чайковского состоялась премьера мессы Эдуарда Артемьева «Девять шагов к Преображению». Осуществить замысел композитора вызвались Московский камерный хор под руководством Владимира Минина, Государственный симфонический оркестр кинематографии Сергея Скрипки, певцы Вероника Джиоева и Андрей Лефлер.
Эдуард Артемьев:
— Когда в 80-е я познакомился с мессами Моцарта, Верди, Бриттена и некоторых других авторов, был в первую очередь поражен фонетикой латыни — она дает ощущение некой глубины, философичности, если угодно. Под впечатлением с ходу написал четыре фрагмента. Но потом был вынужден всю эту затею положить под сукно. Слишком много было работы — прежде всего, конечно, в кино. Однако никогда не оставлял мысль завершить сочинение.
Когда девять месяцев назад дирекция Московского камерного хора предложила мне создать произведение к 90-летию их главного дирижера Владимира Минина, сразу вспомнил о «Преображении». С энтузиазмом возобновил работу, хотелось придать опусу законченную форму. Другое дело, что моя месса написана не совсем по каноническим нормам музыкального языка. Правда примерно с конца XIX века она перестала быть элитарной формой искусства, незаметно став если не эстрадой, то уж точно неким светским действом. Не очень люблю слово «полистилистика», но возможность не ограничивать себя жесткими рамками одного жанра всегда меня привлекала. Свою роль сыграло и то, что некогда я был очарован прогрессивным роком. Genesis, Yes, Pink Floyd, King Crimson, Mahavishnu Orchestra совершили подлинную революцию в музыке, унаследовав славные традиции классики, от Бетховена до Шнитке. Постепенно я стал использовать в сочинениях инструменты из роковой «орбиты»: электрогитары, ударные установки, синтезаторы. Словом, одного симфонического оркестра мне оказалось мало. Был необходим саунд, придуманный рок-музыкантами: сияющий, мощный, могучий. Мощь, экспрессия, которой порой недостает в академическом оркестре. Мир звука, который нас окружает, поистине бесконечен, а значит, запирать себя в рамках одного стиля — непростительно. Реакция публики превзошла все мои ожидания.

Владимир Минин:
— Музыка Артемьева — своего рода осмысление современного мятущегося мира. Несущийся на всех парах навстречу прогрессу в области науки и техники, он порой не осознает своего глубокого морального и нравственного падения. Это не может не беспокоить каждого мыслящего человека. В «Преображении» Артемьев передал боль, слезы, отчаяние, иллюзии, но самое главное — дал людям надежду. Что касается сугубо технической стороны, то показать столкновение двух, на первый взгляд, несопоставимых сфер, — классики и рока — удалось просто блестяще.

Сергей Скрипка:
— Я исполнял практически все сочинения Артемьева, но могу с полной ответственностью заявить, что, возможно, «Девять шагов к Преображению» — самое грандиозное произведение из всех, что Эдуард Николаевич когда-либо создавал. Гениальные слова Пушкина «Я памятник себе воздвиг нерукотворный» подходят к «Преображению» как нельзя лучше. Уверен, к мессе «не зарастет народная тропа».

Вероника Джиоева:
— Для меня огромная честь исполнять произведение столь маститого автора, тем более что партия как нельзя лучше подходит моему голосу. Это грандиозное событие в музыкальной жизни страны. Никогда и помыслить не могла, что после месс Моцарта, Верди, Брамса, Дворжака услышу нечто сопоставимое по уровню и масштабности.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11792

СообщениеДобавлено: Ср Окт 24, 2018 4:50 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018102405
Тема| Музыка, Премьеры, «Девять шагов к Преображению», Персоналии, Э. Артемьев
Автор| Денис Бочаров
Заголовок| Девять шагов между классикой и роком
Где опубликовано| Культура
Дата публикации| 2018-10-18
Ссылка| http://portal-kultura.ru/articles/music/219604-okonchennaya-messa-dlya-khora-s-orkestrom/
Аннотация|

В Концертном зале имени П.И. Чайковского состоялась премьера мессы Эдуарда Артемьева «Девять шагов к Преображению». Осуществить замысел композитора вызвались Московский камерный хор под руководством Владимира Минина, Государственный симфонический оркестр кинематографии Сергея Скрипки, певцы Вероника Джиоева и Андрей Лефлер.
Эдуард Артемьев:
— Когда в 80-е я познакомился с мессами Моцарта, Верди, Бриттена и некоторых других авторов, был в первую очередь поражен фонетикой латыни — она дает ощущение некой глубины, философичности, если угодно. Под впечатлением с ходу написал четыре фрагмента. Но потом был вынужден всю эту затею положить под сукно. Слишком много было работы — прежде всего, конечно, в кино. Однако никогда не оставлял мысль завершить сочинение.
Когда девять месяцев назад дирекция Московского камерного хора предложила мне создать произведение к 90-летию их главного дирижера Владимира Минина, сразу вспомнил о «Преображении». С энтузиазмом возобновил работу, хотелось придать опусу законченную форму. Другое дело, что моя месса написана не совсем по каноническим нормам музыкального языка. Правда примерно с конца XIX века она перестала быть элитарной формой искусства, незаметно став если не эстрадой, то уж точно неким светским действом. Не очень люблю слово «полистилистика», но возможность не ограничивать себя жесткими рамками одного жанра всегда меня привлекала. Свою роль сыграло и то, что некогда я был очарован прогрессивным роком. Genesis, Yes, Pink Floyd, King Crimson, Mahavishnu Orchestra совершили подлинную революцию в музыке, унаследовав славные традиции классики, от Бетховена до Шнитке. Постепенно я стал использовать в сочинениях инструменты из роковой «орбиты»: электрогитары, ударные установки, синтезаторы. Словом, одного симфонического оркестра мне оказалось мало. Был необходим саунд, придуманный рок-музыкантами: сияющий, мощный, могучий. Мощь, экспрессия, которой порой недостает в академическом оркестре. Мир звука, который нас окружает, поистине бесконечен, а значит, запирать себя в рамках одного стиля — непростительно. Реакция публики превзошла все мои ожидания.

Владимир Минин:
— Музыка Артемьева — своего рода осмысление современного мятущегося мира. Несущийся на всех парах навстречу прогрессу в области науки и техники, он порой не осознает своего глубокого морального и нравственного падения. Это не может не беспокоить каждого мыслящего человека. В «Преображении» Артемьев передал боль, слезы, отчаяние, иллюзии, но самое главное — дал людям надежду. Что касается сугубо технической стороны, то показать столкновение двух, на первый взгляд, несопоставимых сфер, — классики и рока — удалось просто блестяще.

Сергей Скрипка:
— Я исполнял практически все сочинения Артемьева, но могу с полной ответственностью заявить, что, возможно, «Девять шагов к Преображению» — самое грандиозное произведение из всех, что Эдуард Николаевич когда-либо создавал. Гениальные слова Пушкина «Я памятник себе воздвиг нерукотворный» подходят к «Преображению» как нельзя лучше. Уверен, к мессе «не зарастет народная тропа».

Вероника Джиоева:
— Для меня огромная честь исполнять произведение столь маститого автора, тем более что партия как нельзя лучше подходит моему голосу. Это грандиозное событие в музыкальной жизни страны. Никогда и помыслить не могла, что после месс Моцарта, Верди, Брамса, Дворжака услышу нечто сопоставимое по уровню и масштабности.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11792

СообщениеДобавлено: Чт Окт 25, 2018 12:18 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018102501
Тема| Опера, Новая опера, Премьера, "Мадам Баттерфляй", Персоналии
Автор| Екатерина Кретова
Заголовок| В Новой Опере "Мадам Баттерфляй" снабдили атомной бомбой
Пуччини в спортивном костюме
Где опубликовано| © «Московский комсомолец»
Дата публикации| 2018-10-25
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2018/10/24/v-novoy-opere-madam-batterflyay-snabdili-atomnoy-bomboy.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В «Новой Опере» - премьера. Дирижер Ян Латам-Кениг, режиссер Денис Азаров, художники Алексей Трегубов и Павел Каплевич поставили «Мадам Баттерфляй» Пуччини. Спектакль получился чересчур «полифоничным». В том смысле, что каждый из участников творческой команды гнул свою линию, не слишком заботясь о достижении гармоничного целого.

Музыкальные драмы Пуччини крайне нелегко поддаются радикальной режиссерской интерпретации в отличие от опер Верди, которые то и дело попадаются в «режоперские» ловушки. Жесткий диктат композитора проявляется не только на уровне партитуры, насыщенной напряженным сквозным развитием, но и в либретто (текст «Баттерфляй» написали сценаристы Джакоза и Иллика, с которыми композитор работал самым тесным образом). У Пуччини не бывает повторов, нет куплетности, практически отсутствует репризность. Сам текст – вполне реалистичный, бытовой, конкретный – как в какой-нибудь жизненной драме. Не зря имя Пуччини произносят рядом с веристами. Все это сильно ограничивает стремление современного режиссера взорвать авторские смыслы и внедрить собственные – приращенные или актуализированные. Однако Денис Азаров, очевидно, взялся доказать иное: взрывать так взрывать, - решил молодой режиссер, музыкант по первой профессии, режиссуре учившийся не только в ГИТИСе на курсе своего мастера Иосифа Райхельгауза, но и у Кирилла Серебренникова, с которым работал в качестве ассистента. И взорвал самым буквальным образом, предложив в качестве смысловой кульминации атомную бомбардировку Хиросимы и Нагасаки. Решение столь же поверхностное и очевидное, сколь и бессмысленное, абсолютно далекое от образов и месседжа оперы. Документальная видеопроекция, сопровождающая знаменитую оркестрово-хоровую интермедию между вторым и третьим актами, довольно невнятно изображающая ядерный гриб и его сокрушительные последствия, оказалась единственным заметным мазком в режиссерском полотне Азарова. В остальном он был почти невидим, предоставив артистам петь свои партии в самых статичных мизансценах, которые только можно себе представить. Впрочем, к резким решениям режиссера надо отнести и выбор артиста на роль Пинкертона - Михаила Губского, - который играет крайне необаятельного и непривлекательного человека. Возможно, таким образом режиссер продемонстрировал свое осуждение легкомысленного американца, погубившего Чио Чио Сан, однако оставил публику недоумевать: что же юная гейша нашла в этом несимпатичном, суетливом парне?

Маэстро Латам-Кениг, тем временем, занимался своим делом, стараясь добиться от оркестра и певцов звучания яркого, эмоционального, выразительного. И все же ощущение пуччиниевского духа в полной мере не возникало. Возможно, этому мешала сценическая «картинка» оказывающая сильное давление на восприятие спектакля в целом.

Сценограф Алексей Трегубов, рифмуя и мотивируя чертову атомную бомбу, поместил действие в подвал бомбоубежища. Бетонные стены, мерцающий свет ламп дневного света, трубы. Трудно переоценить дискомфорт от лицезрения такого интерьера. Поэтому, когда Пинкертон спрашивает у Баттерфляй, нравится ли ей дом, в который он ее привел, хочется его убить. И это, видимо, именно тот эффект, которого создатели спектакля хотели добиться. Во втором акте подвал наполнится атрибутами «цивилизации». Здесь и звездно-полосатый флаг, и какой-то металлический кофр, из тех, в которых перевозят театральные костюмы, гигантская красная рекламная вывеска из трех букв с иллюминацией… Буквы, впрочем, составляют вполне невинное слово JOY, что значит «радость». Ключевой предмет – макет типичного американского сборно-щитового домика с гаражом, в котором горит свет и из которого Баттерфляй извлекает детские игрушки, деревянную лошадку и пучок наполненных гелием разноцветных воздушных шариков. Американская мечта, которой вскоре предстоит померкнуть от ядерной пыли – довольно крупной, надо сказать, - вихрем врывающейся на сцену в самом конце спектакля. Для совершения обряда харакири Баттерфляй – ее партию исполняет Елизавета Соина, вокально очень достойно – удаляется в открывшийся портал в глубине сцены. Она становится на колени, спиной к публике и портал начинает постепенно закрываться сверху. Какую часть тела героини при этом видит публика, нетрудно догадаться. Странно, что об этом не догадались авторы сей неловкой мизансцены.

Сценографическая концепция – далеко не все, что рулит в этом спектакле. Нельзя забывать о Павле Каплевиче, художнике по костюмам, который тоже сказал свое веское слово. Развернуться в «Мадам Баттерфляй» дизайнеру, как ни странно, сложно. Ну, можно, конечно, создать прекрасные японские кимоно, что Каплевич и сделал: в первом акте у Баттерфляй невероятно красивый костюм, в котором аутентичные элементы и оригинальная стилизация сочетаются с огромным вкусом и изяществом. Но хочется же чего-то еще. И вот тут начинаются удивительные дефиле. Сначала в спортивный костюмчик и белый парик переодевается сама Баттерфляй, затем появляется группа фривольных разноцветных девушек из эскорта Ямадори, после - некие бравые моряки в тельняшках и беретах с помпонами. Но кульминацией фэшн-шоу становится появление Кэт Пинкертон (Ирина Ромишевская). Затянутая в красный лаковый костюм, в красном парике и фуражке, она выглядит вульгарной танцовщицей из портового кабака. Представить себе, что Баттерфляй покорно отдаст своего сына такой лохудре – просто нереально. Вот зарезать ее – это да. Но постановщики, такими глупостями, как психологические мотивации героини, не озадачиваются. У них главное не лирика. У них главное – бомба.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11792

СообщениеДобавлено: Чт Окт 25, 2018 12:27 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018102502
Тема| Опера, Персоналии И. Демуцкий
Автор| Анастасия Силкина
Заголовок| Композитор балета "Нуреев": мне всегда интересно выходить за рамки
Где опубликовано| © «ТАСС»
Дата публикации| 2018-10-25
Ссылка| https://tass.ru/interviews/5713966
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Композитор, лауреат "Золотой маски" и Benois de la Danse Илья Демуцкий вписал свое имя в историю Большого театра двумя балетами: "Герой нашего времени" и "Нуреев" в постановке Кирилла Серебренникова. Сейчас маэстро работает над заказанной театром впервые за 15 лет оперой, а также готовится представить свое посвящение "Для Черного квадрата". В качестве главного гостя на премьеру 25 ноября в Новой Третьяковке композитор "пригласил" первый вариант знаменитой картины Казимира Малевича, созданный в 1915 году.

В интервью ТАСС Демуцкий рассказал, как адаптировать творчество футуристов начала XX века к сегодняшнему дню, о работе для Большого театра и новых проектах с Серебренниковым.

— За сто лет о "Черном квадрате" Малевича звучали самые разные мнения: от обвинений в шарлатанстве до признания гениальности манифеста. Илья, а что для вас эта картина?

— Меня как раз и привлекает то, что она вызывает такие дискуссии — пожалуй, как ни одно другое произведение живописи.
И я рассматриваю свою оперу именно как оммаж, приношение этой картине, которая меня восхищает тем, что о ней говорят, ее обсуждают, понимают и не понимают, трактуют.

— Как родилась идея написать оперу "Для Черного квадрата"?

— Наша опера вдохновлена футуристической оперой "Победа над Солнцем", которая была написана в 1913 году Матюшиным и Кручёных. В декорациях к той постановке у Малевича уже появляется идея "Черного квадрата". Только спустя два года он, может, как-то сложив в своей голове определенную философскую концепцию, создает свой известный холст.

Мы вдохновлены не музыкальной частью оперы, она почти не сохранилась, а либретто. Изначально мы планировали сделать адаптированный перевод с русского на английский и поставить этот проект в Штатах. Но в процессе работы поняли, что надо сделать сюжет более считываемым для современного слушателя, ввести какой-то элемент энтертейнмента. Мой музыкальный язык совершенно другой, а значит, надо было отойти от прежнего перформативного концепта. Ведь по сути это был перформанс, баловство художников: музыка исполнялась на каком-то расстроенном, разбитом пианино, актеры безобразничали, выкрикивали несуществующие слова Кручёных. Это не поддавалось переводу на английский язык, и пришлось переписать сюжет. Тем не менее в подзаголовке мы оставляем "вдохновленные "Победой над Солнцем", потому что в сюжете мы сохранили эту победу: переворачиваем мир наизнанку и помещаем героев со своими проблемами и какими-то поисками в какое-то новое пространство.

— Какое место в постановке отведено собственно "Квадрату"?

— "Черный квадрат" я рассматриваю не как героя или часть декораций, а как гостя нашего вечера, зрителя. Еще раз повторю: это оммаж. Пусть он посмотрит, осудит и, может быть, даже что-то нам скажет.

— Вы уже упомянули про язык либретто — английский. Почему так? Это не для нашего зрителя?

— Авторы либретто — американцы, выходцы из России Игорь Конюхов и Оля Маслова. И изначально мы писали на английском языке.

Я думал сделать адаптированный перевод конкретно для премьеры в России, но мы проконсультировались и решили, что этого не требуется — все считывается и так, через действие на сцене и через музыку. На всякий случай будет подстрочник, потому что текст тоже любопытный и тоже в чем-то абсурдный — мы также отталкивались от абсурдности оперы футуристов. Если меня попросят пересказать сюжет, я могу весь вечер говорить, что там происходит, и то какие-то аспекты не затрону.

— Расстроенное пианино тоже будет?

— Нет, будут два идеально настроенных фортепиано с прекрасными концертирующими пианистами Катей Сканави и Володей Ивановым-Ракиевским. Это будет музыка яркая, очень экспрессивная. Это не будет формат мюзикла, но что-то вы сможете даже напеть, выйдя из зала.

— Как долго работали над оперой? Было озарение или нечто долго вынашиваемое?

— Долгим был процесс приготовления. Прежде чем сесть писать музыку, надо иметь готовое либретто, от которого отталкиваться. И мы долго работали над ним — года три. В 2014 году мне написал Игорь, предложил эту тему. Интересно, как он на меня вышел: он, видимо, увидел на YouTube мою студенческую работу Black Square ("Черный квадрат") — маленькую электронную пьесу.

— Опера будет представлена в музее — в Новой Третьяковке на Крымском Валу. Как вы относитесь к такому "выходу" театрального искусства за пределы сцены?

— У нас в этом проекте все как-то "не очень нормально". Мне всегда интересно выходить за рамки. Это спонтанное решение пришло нам с продюсером Виталием Виленским, когда я уже дописывал оперу весной этого года.
Мы решили, почему бы не привлечь Третьяковскую галерею, почему бы не достать из запасников тот самый "Квадрат"?
Мы поговорили с Зельфирой Исмаиловной Трегуловой, она одобрила эту идею, активно включилась в творческий процесс. Как и редактор GQ Игорь Гаранин, который занимается в этом проекте подбором костюмов.
Понятно, что это не репертуарный спектакль, но мы видим для него прокатное будущее — это довольно мобильный проект, несмотря на большое количество участников: десять солистов, хор — около десяти человек, два рояля. И нам не нужны для этого прекрасные партеры, бельэтажи и красивые большие театральные сцены. В Москве это будет зал на 200–250 человек, так что есть смысл озаботиться покупкой билетов. Нам вполне достаточно интимного пространства — чтобы зритель сидел рядом с "Черным квадратом".

— И удастся повезти на гастроли сам "Черный квадрат"?

— Мы обсуждаем это, довольно сложная история. Безусловно, хотелось бы с ним гастролировать.

— Ваш балет "Нуреев" в прошлом году так же, как и когда-то "Черный квадрат", был в эпицентре немалых баталий. Следили ли вы за ними?

— Так как меня это коснулось, конечно, я за этим следил. Но мы видим результат: буквально на днях прошел очередной блок спектакля, с восторгом принятый. И будут еще показы. Главное, чтобы искусство продолжало себя отстаивать.

— Известно, что вы продолжаете сотрудничество с Большим театром. Впервые за 15 лет ГАБТ заказал оперу. Почему вы выбрали именно повесть Александра Грина "Блистающий мир"?

— Я изучил большой пласт литературы. Было два выхода: найти оригинального живущего сегодня автора, который напишет либретто, или оттолкнуться от уже написанного произведения. Я подумал, что раз речь о Большом театре, то необходимо произведение на русском языке. Французская классика или что-то другое было бы неправильным в этом случае, мне кажется. Я перелопатил огромное количество русской литературы. На "золотую" классику уже многое написано, и мне не хотелось как бы конкурировать с уже неживыми авторами.

Мое внимание на "Блистающий мир" Грина обратила моя мама

Как-то мы разговаривали, я сказал, что ищу сюжет и думаю, что бы еще почитать. Она предложила "Блистающий мир". До этого я знал у Грина "Алые паруса", которые не очень люблю. Я прочитал книгу и сразу "увидел" ее на сцене. Она идеальна для Большого театра по формату: по количеству солистов, по истории, как это все может быть показано, как это удобно сделать режиссеру, без привязки к конкретному городу и времени. Абсолютная свобода творчества!

При этом закладывается очень классная философская мысль — о человеке, который умеет летать, поражает своей способностью и ужасает своей способностью, реакция общества на это. Актуальная вещь, очень романтическая и красивая сказка с печальным концом. Вещь, которая предвосхитила "Мастера и Маргариту". Булгаков вдохновился в том числе этим произведением, создавая свой шедевр.

— Как идет работа над оперой?

— Автором либретто выступаю я, то есть я адаптировал текст и до сих пор "вычищаю" его. Мне как автору и либретто, и музыки проще это делать. Еще не самая активная стадия, но уже работаю.

— Какие сроки обозначены контрактом или вы сами себе выставляете?

— Театр анонсировал на сезон-2020/2021. Четких дат назвать пока не могу, это еще обсуждается. Сдать работу я должен, грубо говоря, через год.

— А постановщик уже определен?


— Есть несколько режиссеров, пока обсуждаем. Сейчас рано об этом говорить, потому что даже не написана музыка, произведения как такового нет.

— Прошлая опера по заказу Большого театра — "Дети Розенталя" — в 2005 году оказалась скандальной: некоторые посчитали недопустимым использование брани на сцене главного театра страны. Будете ли как-то оглядываться на опыт предшественников — Десятникова и Сорокина? Может, попытаетесь избежать такого резонанса?

— Когда я работаю над произведением, я об этом не думаю, потому что такие скандалы всегда очень неожиданные и часто на пустом месте. Если об этом задумываться, то можно просто опустить руки и перестать писать что-либо: и музыку, и тексты. И просто улыбаться перестать, потому что кого-то это может оскорбить. Главное — делать четко свое дело, вдохновляться им и вдохновлять других.

— Если уйти в историю, то в Большой театр вас привел Кирилл Серебренников — он предложил поменять композитора балета "Герой нашего времени", и работу поручили вам.

— Кирилл, как самобытная и очень сильная личность, настаивал на том, чтобы композитор активно взаимодействовал с режиссером. То есть воплотил концепцию, придуманную режиссером, написал музыку с нуля. А когда ему принесли уже готовое произведение… Это ни в коем случае не вина композитора, просто вот так получилось. И вот мы все втроем — он, хореограф и я — работали над "Героем нашего времени".

— Вы много работали вместе и над его фильмами, и другими работами в театре. Вспомнить тот же балет "Нуреев". Сейчас следите за судебным разбирательством?

— Конечно, слежу. Кирилл— мой друг, и все это болезненно воспринимается. Тем не менее мы не отменяем наших с ним творческих планов.

— Каких именно?

— И кино, и музыкальный театр. Я не могу назвать конкретные проекты, это все еще обсуждается. И ждем, как эта ситуация разрешится. Я не сомневаюсь, что разрешится в лучшую сторону.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4349

СообщениеДобавлено: Сб Окт 27, 2018 11:04 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018102701
Тема| Музыка, musicAeterna, Персоналии, Теодор Курентзис
Автор| Дмитрий Ренанский
Заголовок| Оркестр Теодора Курентзиса выпустил диск с Шестой симфонией Малера. Это важное событие для классической музыки — и не только в России
Где опубликовано| © Meduza
Дата публикации| 2018-10-27
Ссылка| https://meduza.io/feature/2018/10/27/orkestr-teodora-kurentzisa-vypustil-disk-s-shestoy-simfoniey-malera-eto-vazhnoe-sobytie-dlya-klassicheskoy-muzyki-i-ne-tolko-v-rossii
Аннотация| ПРЕМЬЕРА АЛЬБОМА

26 октября на лейбле Sony Classical вышел новый диск Теодора Курентзиса — с оркестром Пермской оперы musicAeterna греческий дирижер записал Шестую симфонию австрийского композитора Густава Малера. По просьбе «Медузы» музыкальный критик Дмитрий Ренанский объясняет, почему этот альбом станет самым обсуждаемым классическим релизом года.

Почему эта запись — прорыв (для Курентзиса и не только)?

По состоянию на 2018 год пермский musicAeterna под руководством Теодора Курентзиса остается единственным российским оркестром, который подписал эксклюзивный контракт с одним из лейблов «большой тройки» музыкальной индустрии. Таким положением не может похвастаться ни один из ближайших «конкурентов» Теодора Курентзиса. Худрук Мариинского театра Валерий Гергиев почти двадцать лет сотрудничал с Philips Classics, дочерней структурой Universal, но с 2009 года оркестр Мариинки издается под собственным независимым брендом Mariinsky. Российский национальный оркестр Михаила Плетнева, начинавший на Deutsche Grammophon (еще одной «дочке» Universal), в середине 2000-х ушел на небольшой голландский лейбл Pentatone.
На этом фоне десять альбомов, записанных Курентзисом для Sony, смотрятся особенно впечатляюще: все эти годы руководство лейбла доверяло musicAeterna проекты один амбициознее другого, и за каких-то четыре сезона резиденты Пермской оперы прошли путь от дебютантов западной музыкальной сцены к ее ньюсмейкерам.
Курентзис начал работу с Sony с трех ключевых опер Моцарта: вышедшие с 2014-го по 2016-й «Свадьба Фигаро», «Так поступают все женщины» и «Дон Жуан» стали визитной карточкой греческого дирижера, открыв ему и его подопечным двери самого престижного оперного фестиваля мира, который проходит на родине Моцарта в австрийском Зальцбурге. Затем пермяки выпустили Шестую симфонию Чайковского и «Весну священную» Стравинского, а летом 2018-го начали записывать цикл из всех девяти симфоний Бетховена.
Классицистские оперы и симфонии (Моцарт и Бетховен), самая знаковая русская оркестровая партитура XIX века (Чайковский) и икона музыкального модернизма (Стравинский) — в этом списке, составляющем основу каталога любой серьезной звукозаписывающей компании, до сих пор не хватало разве что зрелого европейского романтизма. Шестая симфония Малера — вершина этого стиля, так что запись имеет для Курентзиса исключительное значение: он подтверждает статус и самого дирижера, и musicAeterna как универсалов, одинаково уверенно чувствующих себя в музыке любых эпох и стилей.
Новый релиз Sony Classical стал событием в истории не только исполнительского искусства, но и звукозаписывающей индустрии. В эпоху, когда академические музыканты давно утратили вкус к работе в студии, когда львиная доля записей осуществляется «вживую», прямо во время концертов (так проще, дешевле и практичнее), Курентзис напоминает: в студии можно добиться такого акустического результата, который чисто физически недостижим на живых выступлениях.
Из больших дирижеров сейчас так не работает почти никто: сначала — неторопливая запись в студии, потом — кропотливый постпродакшн, когда звукоинженер (Дамьен Кюинтар) фактически становится соавтором интерпретации. В плане тщательности работы со звуком результат можно сравнить разве что с записями легендарного канадского пианиста Гленна Гульда — перфекциониста, отказавшегося от публичных выступлений ради затворничества в студии.

Что это за симфония?

Грандиозный цикл композитора Густава Малера из девяти симфоний, написанных между 1884 и 1909 годами, — это девять больших музыкальных романов о закате старой Европы, отражающих трагическое мироощущение человека, жившего на рубеже XIX и XX столетий. Уйдя из жизни за три года до начала Первой мировой войны, Малер предугадал грядущую катастрофу, воспел ее и оплакал — и стал главным филармоническим автором ХХ века. Его симфонии — та репертуарная вершина, без покорения которой о вхождении в клуб ведущих дирижеров планеты не может быть и речи.
Шестую симфонию Малер написал в 1904 году, а впервые исполнили ее в 1906-м под руководством автора. Современники композитора снабдили эту симфонию подзаголовком «Трагическая», сам же он никому ее содержания не объяснял. «Ничего не сто¬ит такая музыка, о которой слушателю нужно сперва сообщить, какие чувства в ней заключены, и, соответственно, что он сам обязан почувствовать», — писал он в одном из писем.

Кто ее исполнял в России и в мире?

В СССР музыка Малера почти не звучала — редкие исключения вроде ставшего легендой цикла дирижера Кирилла Кондрашина, исполнившего и записавшего в Москве начала 1960-х семь симфоний композитора, только подтверждают это правило. В отечественный концертный обиход Малера по-настоящему вернул Валерий Гергиев: на рубеже 1990-х и 2000-х он несколько раз дирижировал полным циклом в Мариинском театре, чтобы уже в 2010-е записать его с Лондонским симфоническим оркестром.
Курентзис и Пермская опера первыми в России смогли нарушить гергиевскую монополию на Малера — с начала 2010-х исполнение его симфоний ежегодно становится центральным событием местного Дягилевского фестиваля. Выход малеровского «сериала» в международный прокат бросает musicAeterna серьезный вызов: в России Шестая симфония даже в столичных залах звучит в лучшем случае раз в несколько лет, так что любое обращение к этой партитуре неизбежно выглядит просветительским подвигом, на фоне которого обсуждать нюансы интерпретации даже как-то неловко.
Между тем смыслы прочтения симфонии Курентзисом становятся особенно внятными именно в вековом контексте западной малеровской традиции. Новая запись Шестой примиряет самые полярные подходы к исполнению музыки композитора. Малер в пермской записи напоминает и о гиперромантических трактовках великих дирижеров середины ХХ века, и о модернистских, аналитически совершенных интерпретациях Пьера Булеза конца 1990-х, и об опыте музыкантов более молодого поколения — Ивана Фишера, Владимира Юровского и Пааво Ярви, в 2000-х игравших симфонии Малера на современных инструментах, но с учетом навыков «historically informed performance».

Как она звучит у Курентзиса?

Ничего подобного с симфониями Малера до сих пор не происходило. Шестая написана для гигантского состава оркестра, и у musicAeterna этот состав сохранен, только звучит он как камерный, гибко и ясно, словно партитура Моцарта или Бетховена, — и это при том, что никакой «облегченности» симфонической ткани у Курентзиса нет и в помине. Дирижер очевидно наслаждается роскошью оркестрового письма, в котором всего много и все отчетливо слышно. Привычный рельеф Шестой симфонии изменился до неузнаваемости: мрачная экспрессионистская фреска, 80-минутная симфония-катастрофа у Курентзиса сияет ровным классицистским светом: идеально выстроенный баланс, чистая и прозрачная фактура, подвижные темпы.

Где ее можно послушать?

Альбом уже доступен в iTunes, в Apple Music и Google Play. К выходу диска Курентзис и musicAeterna готовят большой тур, который начнется 24 ноября в Большом зале Московской консерватории и завершится 5 декабря в Берлинской филармонии. Правда, в программе прозвучит не Шестая, а Четвертая симфония Малера — самая камерная и лирическая из партитур композитора, впервые исполненная Курентзисом летом 2018-го. В ближайшее время Четвертую тоже запишут для Sony — так что концертное исполнение симфонии можно будет сравнить со студийной версией, а они у Курентзиса, как правило, радикально отличаются.


Посмотреть в отдельном окне
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4349

СообщениеДобавлено: Сб Окт 27, 2018 11:59 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018102702
Тема| Музыка, Опера, БТ, Персоналии, Илья Демуцкий
Автор| Надежда Травина
Заголовок| Илья Демуцкий: "Я не вижу кардинально нового развития музыки"
Композитор и дирижер рассказал "НГ" о первых электронных опытах и отсутствии авангарда сегодня

Где опубликовано| © «Независимая газета»
Дата публикации| 2018-10-25
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2018-10-25/7_7340_demutsky.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Илью Демуцкого интересуют параллели времен. Фото агентства «Москва»

25 ноября в Новой Третьяковке состоится премьера оперы Ильи Демуцкого «Для «Черного квадрата», написанной по мотивам оперы Михаила Матюшина и Алексея Крученых «Победа над солнцем». Специально для этого события Третьяковская галерея перенесет в зал, где будет проходить представление, первый вариант картины «Черный квадрат» Малевича, как известно, возникший в качестве декорации к футуристичной опере Матюшина. Режиссер пока неизвестен, fashion-директором проекта выступит Игорь Гаранин. Музыкальный критик Надежда ТРАВИНА поговорила с композитором Ильей ДЕМУЦКИМ о предстоящей премьере, заказах Большого театра и работе с Кириллом Серебренниковым.

– Оперу «Победа над солнцем» не раз восстанавливали многие театры, где композиторы делали аранжировку, ориентируясь на сохранившиеся музыкальные фрагменты. Вы тоже работали с эскизами Матюшина?

– Нет, я не работал с этими эскизами, поскольку целиком и полностью положился на то исследование материала, которое сделали мои соавторы-либреттисты – Игорь Конюхов (он же автор идеи) и Ольга Маслова. Изначально они планировали взять существующие тексты и перевести их на английский язык, представив оперу в чистом виде. Но потом задача полностью изменилась: либреттисты поняли, что им интереснее придумать новое произведение, в чем-то основываясь на «Победе над солнцем». Мы не ставили себе цель воссоздать оперу. Как известно, ее музыкальный материал почти не сохранился. Я не ориентировался ни на фрагменты Матюшина, ни на посыл, заданный оперой.

– Почему опера будет звучать на английском языке с русскими субтитрами? А как же «заумь» Хлебникова–Крученых?

– «Заумь» переведена на английский. Дело в том, что Игорь и Оля – слависты, живущие в США, и они прежде всего хотели осуществить наш проект именно в Америке. Но благодаря счастливому стечению обстоятельств мы ее покажем также и в Москве.

– Представление состоится в Новой Третьяковке непосредственно рядом с картиной Малевича «Черный квадрат», а также и с другими арт-объектами. Не кажется ли вам, что это напоминает скорее перформанс, чем традиционный оперный спектакль?

– Нет. Перформанс же подразумевает некоторую импровизацию – то есть этот жанр имеет конкретный шаблон, по которому действует, но при этом содержит в себе нечто непредсказуемое. У нас же абсолютно зафиксированный материал – особенно в музыке. Существует партитура, люди поют выученный текст, есть определенный четкий сюжет, сцены и мизансцены.

– А зрители каким-то образом примут в нем участие?

– Точно скажу, что иммерсивности не будет. Но мы рассматриваем некую возможность соучастия. Зрители не выступают в качестве перформеров, но у них обязательно должно возникнуть интимное взаимодействие – благодаря довольно тесному пространству зала. Благо директор Третьяковки Зельфира Трегулова предоставила нам такую возможность и стала нашим соратником в этом проекте.

– Чем вас как композитора привлекла эпоха раннего русского авангарда?

– Меня очень заинтересовала параллель воззрений того времени и сегодняшнего. Смелость, новые идеи, вызовы – все то, что характеризовало футуристов, созвучно и нашей действительности. Мы до сих пор обсуждаем «Черный квадрат», хотя, казалось бы, сколько можно – век прошел, пора поставить точку. Но она никак не ставится. Меня восхищает баловство художников того времени. В годы создания «Победы над солнцем» умы многих отличало настоящее предреволюционное состояние.

– А что насчет современного искусства, музыки? Вас нельзя назвать авангардным композитором…

– Конечно, поскольку я не понимаю, что сейчас можно обозначить авангардом. Я не могу для себя ответить на этот вопрос. Да, я вижу, что у меня и моих коллег есть различия в стилях и языке (и это очень одобряю!), но не могу назвать никого авангардистами в нашем мире. Я убежден, что композиторы, пишущие в экспериментальной эстетике, не делают чего-то нового по сравнению с тем, что создавалось 50–60 лет тому назад. Безусловно, их начинания можно как-то концептуально объяснить, но все это будет пустыми словами. Я не вижу кардинально нового развития музыки. Ничего не изменилось за много лет: ни идея, ни жанры, ни формы.

– У вас есть несколько электронных композиций, одна из которых, кстати, называется «Черный квадрат». Но все они написаны достаточно давно. Это был какой-то эксперимент?

– Можно сказать и так. На самом деле эта пьеса была студенческой работой. Мне и сейчас интересна электронная музыка, но уже в меньшей степени. Хотя я задействую электронику в драматических спектаклях и в фильмах, когда нужен интересный тембр.

– Недавно на экраны вышел кинофильм «Лето» с вашей музыкой...

– Увы, меня там нет. Изначально действительно я там был заявлен как композитор, но, прочитав сценарий, понял, что фильм и так музыкален. Там звучит музыка Виктора Цоя и вообще рок-музыка того времени в таком количестве, что музыка Демуцкого там особо не нужна. Режиссер предлагал мне выступить в качестве аранжировщика. Н я не аранжировщик, я – композитор.

– Есть шанс, что ваше сотрудничество с Кириллом Серебренниковым продолжится?

– Притом что никто не знает, что будет дальше, творческие планы у нас есть. Нам удается общаться через помощников, адвокатов и других людей. Это не интенсивная работа, но, к счастью, она есть. Я готов потерпеть столько, сколько нужно. Кирилл – это человек, с которым мне очень комфортно, мы с ним «на одной волне». Он – уникальный и доказывает это своей судьбой.

– В декабре вновь начнутся показы спектакля «Герой нашего времени». А что с «Нуреевым»? Увидим ли мы его еще когда-нибудь?

– Насколько я знаю, новые показы состоятся через полгода. Балет живет и развивается, это прекрасно! Можно сказать, что он идет с бешеным успехом, его очень любят и труппа, и театр.

– Вы планируете писать уже третье сочинение для Большого театра – на этот раз оперу, которая будет основана на сюжете «Блистающего мира» Александра Грина. В Интернете сейчас разгорается спор по этому поводу: мол, почему театр игнорирует других композиторов? Как можете прокомментировать?

– Все эти обсуждения возникают потому, что люди не очень понимают, как происходит система заказов в музыкальном театре. А все очень просто. Первым совместным проектом с Большим театром был «Герой нашего времени», куда меня как композитора пригласил Кирилл Серебренников. Но уже сразу после премьеры мне поступило еще одно предложение – теперь насчет оперы. Это показывает, насколько руководство театра устроило качество моей работы. В это же время после успеха «Героя» хореограф Юрий Посохов просит именно меня написать музыку к балету «Нуреев». Думаю, не очень хорошо ставить мне в вину то, что многим нравится со мной работать. Это все простое совпадение. Кстати, на очереди – четвертое сочинение для Большого, заказ конкретного артиста. Я пока не могу раскрыть всех секретов, но обещаю, что это будет весьма интересно.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3  След.
Страница 2 из 3

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика