Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2018-10
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Окт 30, 2018 10:27 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018103003
Тема| Балет, Самарский театр оперы и балета, XVIII фестиваль классического балета имени А. Шелест, Персоналии,
Автор| Татьяна ГРУЗИНЦЕВА / Фоторепортер: Антон СЕНЬКО
Заголовок| Дворцы Мариуса Петипа
В Самарском академическом театре оперы и балета завершился фестиваль классического балета

Где опубликовано| © Волжская Коммуна
Дата публикации| 2018-10-30
Ссылка| http://www.vkonline.ru/content/view/213083/dvorcy-mariusa-petipa
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Программу XVIII фестиваля классического балета имени А. Шелест составили два гала-концерта и три спектакля, объединенных общей темой «Эпоха Петипа. После Петипа».

Гости из Франции

Весь театральный мир отмечает в этом году 200-летие со дня рождения французского по происхождению, но все же очень русского солиста балета, балетмейстера, театрального деятеля Мариуса Петипа.

«Эпоха Петипа. После Петипа» - очень точное название для фестиваля классического балета в XXI веке.

«Мариус Петипа - великая личность не только для русского балета, но и для зарубежного. Он сохранил не только свои собственные спектакли, но и балеты предшественников. И благодаря ему репертуар современного театра пополняется разными редакциями «Жизели», «Эсмеральды», «Сельфиды» и многих других спектаклей, - рассказал главный балетмейстер самарского театра Юрий Бурлака. - Петипа привел классический балет к тому виду, который мы привыкли видеть, это большие многоактные спектакли с огромной иерархической лестницей: кордебалет, солисты, корифеи, балерины, премьеры. Это строение русского театра, это строение классических спектаклей Петипа.
И самая главная его заслуга - это русская классическая школа, которой пользуемся по сегодняшний день».

В подтверждение этих слов – афиша самарского театра оперы и балета, из двенадцати балетных спектаклей которого шесть - это спектакли в хореографии Мариуса Петипа.
В дни фестиваля были показаны балеты: «Баядерка» Минкуса, «Спящая красавица» Чайковского, «Эсмеральда» Цезаря Пуни. С участием солистов и премьеров Большого и Мариинского театров.

На завершающем гала-концерте публику с окончанием фестиваля поздравил глава областного министерства культуры Сергей Филиппов: «Фестиваль прошел при повышенном внимании публики, при полных залах. Классический балет составляет славу и гордость России во всем мире. Наш фестиваль – одна из ярких страниц в событиях балета и в России и за рубежом. В этом году фестиваль особенный – он посвящен Мариусу Петипа - величайшему русскому и французскому хореографу, фактически создавшему классический русский балет. Приятно, что в этом году наш фестиваль принимает у себя в гостях артистов из театра Капитолия города Тулузы и проходит одновременно с фестивалем «Французская осень» в Самаре».

В завершающем гала-концерте вместе с артистами и солистами самарского театра выступили премьер балета Мариинского театра Тимур Аскеров, солистка балета Мариинского театра Кристина Шапран и гости из Франции: этуаль театра Капитолия Тулузы Наталья де Фробервиль и этуаль этого же театра Давит Галстян.
Гала-концерт открылся самой визуально красивой сценой из балета «Корсар» - «Оживленный сад».


В самаре выступили солисты театра Капитолия Тулузы Наталья де Фробервиль и Давит Галстян

Встречи и лекции

Программу балетного фестиваля этого года составили не только спектакли и концерты, но и творческие встречи. Так 27 октября самарская публика имела возможность пообщаться с директором, художественным руководителем балетной труппы Театра Капитолия Тулузы Кадером Беларби. Отчасти Кадер Беларби также считает себя наследником Петипа, только через другого великого танцовщика и балетмейстера Рудольфа Нуриева, учеником которого ему посчастливилось быть.

На сегодняшний день Беларби является автором около 40 балетов: «Жизель, или Виллисы», «Зал потерянных шагов», «Семейство комедиантов» и многих др. Театр Капитолия он возглавляет с 2012 года, и репертуар его театра составляют как классические балеты, в том числе и в хореографии Петипа, так и современные.
Кроме того, в рамках фестиваля прошла лекция «Классический балет как типовое строительство», ее автор - помощник художественного руководителя Урал Балета в Екатеринбурге, автор балетных сценариев, критических статей и эссе о балете и академической музыке Богдан Королек.

Интереснейшим образом рассказанная история русского балета и история самого Петипа, к сожалению, собрала мало слушателей. Но огромное желание тех, кто там оказался, - сделать подобные встречи традицией фестиваля.

Из каких блоков Петипа строил свои балеты? Чем оправданы эти построения? Что эти структуры сообщали зрителям позапрошлого века и что сообщают нам сегодня? Этим вопросам была посвящена встреча.

Иерархии Петипа

Мариус Петипа поставил в России около 60 спектаклей, плюс осуществил редакции балетов своих современников. «Он их надстраивал, достраивал, очень деликатно, понимая суть каждого произведения. «Тщетную предосторожность» он ввел в современность совместно со Львом Ивановым», - рассказывал Богдан Королек.

Удивительно, но лучшие свои балеты Петипа поставил после 70 лет, и в 85 лет был еще полон идей и замыслов, им были написаны новые сценарии, которые позже были воплощены другими балетмейстерами. Например, балет «Щелкунчик» позже по сценарному плану Петипа поставил Лев Иванов.

«Петипа создал весь базовый репертуар, которым мы пользуемся сейчас, а все, что ему досталось от предшественников, он свел, упорядочил и ввел в ХХ век. Двадцатый век этой структурой распоряжался по-своему, - рассказывал Богдан Королек. - Петипа очень строго ранжировал пластические языки. Все начиналось с ходьбы, с марша, это важный элемент в иерархии хореографии Петипа. Второе - это историко-бытовой танец: менуэты, гавоты, все старинные бытовые, крестьянские жанры. Третий – танец-гротеск, это язык злодеев или комических персонажей. Следующая ступенька – танец характерный, национальный – венгерский, индийский, польский, цыганский. Балеты Петипа как бы готовили зрителя к глобализации веха ХХ. Также в балетах Петипа присутствует пантомимный язык, язык жестов, и, наконец, вершина иерархии – классический танец на пуантах. На этом языке изъясняются все положительные герои и балерина. Большое классическое па, Гран-па – кульминация всего балета Мариуса Петипа». Кстати, вершиной иерархии в структуре балетной труппы в XIX веке была балерина, одна-единственная. Может быть поэтому на Западе русская балерина - это нечто мифическое, как сказал Кадер Беларби: «Балерина - это миф, русский миф».

«Но главное в балетах Петипа - это соотношение характерного и классического, аллегро и адажио, соотношение сферы бытовой и сферы снов, соотношение разнохарактерных блоков, потому что каждый из балетов Петипа - это не только зрелище, это система жанровых сцепок и противовесов. Всегда одно уравновешено другим, цветное сменяется монохромным, быстрое - неторопливым. Все очень сбалансировано. В ХХ же веке это строение начали растаскивать, расшатывать, а точнее, типовой дворец Петипа сам начал разваливаться…»

В ХХ столетии характерные сюиты отделились и в несколько более экстравагантной форме зажили в форме ансамбля народного танца. Классические Гран-па - сны и видения, встречи с красотой превратились в одноактные, абстрактные танцевальные формы, в первую очередь эти формы связывают с именем Баланчина, человека, который воспитывался на балетах Петипа. Пантомима, естественно, сначала ушла в новорожденное кино...

Но, несмотря ни на что, и сейчас, спустя 200 лет после рождения Петипа, мы продолжаем жить его балетами. В настоящее время набирает силу реконструкторское движение, и самарскому театру очень повезло, его сейчас возглавляет Юрий Бурлака - уникальный реставратор старинных балетов.

А значит, самарскую публику ждут большие спектакли, соответствующие структуре Мариуса Петипа.

==============================================================
Фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Окт 30, 2018 12:22 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018103004
Тема| Балет, Театр оперы и балета им. Абая, Международный фестиваль творческой молодежи «ЖасSTAR», Персоналии, Семен Чудин, Нина Капцова
Автор| Светлана Шестернева
Заголовок| Кристально чистое «Озеро»
Где опубликовано| © Газета "Литер" (Казахстан)
Дата публикации| 2018-10-30
Ссылка| https://liter.kz/ru/articles/show/52337-kristalno_chistoe_ozero_
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ



Семен Чудин и Нина Капцова, 26 и 28 октября показали на сцене Казахского академического театра оперы и балета им. Абая «визитную карточку» русского балета – спектакль «Лебединое озеро»

– Семен, ты бы хотел приехать? – Конечно, Ерлан, с удовольствием! Такой телефонный диалог состоялся между Ерланом Андагуловым и Семеном Чудиным. Генеральный директор компании «ArtClassic» и премьер Большого театра России договорились о том, что звезды балетного искусства выступят на международном фестивале творческой молодежи «ЖасSTAR».

Король и королева главных театральных подмостков РФ, Семен Чудин и Нина Капцова, 26 и 28 октября показали на сцене Казахского академического театра оперы и балета им. Абая «визитную карточку» русского балета – спектакль «Лебединое озеро». Премьер Большого охарактеризовал эту постановку как самый культовый балет планеты и одно из самых совершенных творений мирового искусства.

– В нем совершенно все: божественная музыка, проникновенная история, гениальная драматургия, воздушные образы и настоящее искусство сценического оформления. И зрители, и артисты получают богатейшую палитру изысканных эмоций и чувств, способных вдохновлять на подвиги и возвышать над повседневной рутиной, – сказал на встрече с журналистами Чудин.

Знаменитому танцовщику из России на протяжении карьеры довелось работать в труппе Universal Ballet (Сеул, Южная Корея), гастролировать в ее составе в США и Японии. В Большом театре Семен начал выступать в 2011 году, и с тех пор он не раз приезжал в Казахстан.

– Я рад снова сотрудничать с Ерланом. Я счастлив, что буду танцевать с несравненной Ниной Капцовой, – поделился Чудин.

Вспоминая свое детство, он рассказывал о том, как впервые встал к балетному станку, как ему начали «выворачивать» стопы, ноги, и как ему все это «жутко понравилось».

– После второго класса мы ставили отчетный спектакль «Спящая красавица». Это было очень похоже на сказку, и я в тот момент отчетливо понял, что хочу быть внутри этой сказки, быть ее героем, а не наблюдателем, – отметил премьер Большого театра.

И ему это вполне удалось. Нежный и страстный, невероятно артистичный, темпераментный, он действительно жил внутри той сказки, о которой говорил. Воздушная, легкая как перышко лебедя, изящная и невероятно техничная прима-балерина Нина Кравцова была под стать своему партнеру. В создании легендарной балетной постановки участвовали более 130 казахстанских артистов и музыкантов. Дирижировал оркестром лауреат международных конкурсов Мухтар Калдаяков. Зал ГАТОБа содрогался от аплодисментов.

По словам Семена Чудина, он с большим уважением относится к современному балету, но для того, чтобы поддерживать идеальную форму, артисту просто необходимо время от времени танцевать классику.

– А ее надо танцевать или кристально чисто, или вообще не танцевать, – подчеркнул ведущий артист Большого театра.

Международный фестиваль творческой молодежи «ЖасSTAR» проходит в Алматы уже девятый раз. Культурное мероприятие организовано Фондом Первого Президента Республики Казахстан – Елбасы, и является одним из самых значимых событий в культурной жизни молодежи. Что касается звезд мирового балета, то они приезжают в Алматы восьмой год подряд.

– Каждый такой визит дает дополнительный виток развитию классического танца в Казахстане, потому что это не только праздные гастроли. Каждый раз это плодотворная коллаборация с артистами ГАТОБа им. Абая, а также посещение Алматинского хореографического училища, творческие встречи и мастер-классы для его учащихся, – подчеркнул генеральный директор компании ArtClassic Ерлан Андагулов.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Окт 30, 2018 9:19 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018103005
Тема| Балет, "Урал Опера Балет", Персоналии, Вячеслав Самодуров
Автор| Валерий Кичин
Заголовок| Код Славы
Вячеслав Самодуров: с такой труппой можно идти в разведку

Где опубликовано| © Российская газета - Федеральный выпуск №7707 (244)
Дата публикации| 2018-10-30
Ссылка| https://rg.ru/2018/10/30/reg-urfo/slava-samodurov-s-takoj-truppoj-mozhno-idti-v-razvedku.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Вячеслав Самодуров был приглашен возглавить екатеринбургский балет семь лет назад. Об энергии взлета, которую он сообщил доселе почти не известной труппе, теперь говорят и в России и за рубежом. Мы продолжаем разговор с худруком, начатый четыре года назад. Беседа состоялась в дни фестиваля к 200-летию Мариуса Петипа, организованного театром "Урал Опера Балет". Только что прошла премьера "Приказа короля" - балета по мотивам Петипа, своего рода путешествия сквозь эпохи, стили, жанры и виды искусства.


Слава Самодуров на репетиции. Фото: Татьяна Андреева

Семь лет назад вы сделали многих удививший выбор, после блестящей карьеры солиста крупнейших театров мира уехав на Урал и возглавив екатеринбургский балет. За эти годы вы не усомнились в правильности выбора?

Слава Самодуров:
Для меня все сложилось крайне удачно: это было на редкость плодотворное время, такое случается редко. Не все задуманное удалось сделать - это не удается никогда, но значительный процент того, чего хотелось добиться, в этом театре воплощен в жизнь. Мне кажется, это большой подарок судьбы.

Балетная труппа театра не просто изменилась - она стала принципиально иной и теперь готова к очень сложным вызовам - как, например, "Приказ короля". Она стала интернациональной: танцуют выпускники российских балетных школ, люди из Японии, Италии, Бразилии. Из Петербурга сюда приехал Антон Пимонов. Как все это удалось? В городе нет моря и трудный климат...

Слава Самодуров: Да, но здесь есть театр, который, мне кажется, стал магнитом для творческих людей, местом их интереса: здесь ставятся амбициозные задачи, и в российском театральном "меню" он предлагает что-то свое, вырабатывает собственный вкус и стиль, становится узнаваемым. Понимаете, для театров сегодня сложно создать собственную физиономию и не потеряться в общей массе. Иметь свой голос, свои художественные идеи и уметь их претворять в жизнь. Нам нужен был творческий человек с амбициями, который дал бы труппе что-то новое, и я сразу подумал об Антоне. И сработала репутация театра как места, где можно создавать, экспериментировать, где труппа не боится сложных задач, она мобильна и, как хороший пластилин, лепится согласно замыслу хореографа. И, конечно, Антона привлекла такая возможность быть востребованным. Здесь много работы: нужно следить за труппой, репетировать, не считая собственно постановок. Это целиком твое, и ты "подсаживаешься" на такой театр и такую труппу - хочется ее развивать и взращивать дальше.

Свою коллекционную труппу вы собирали отовсюду. Расскажите подробнее.

Слава Самодуров:
Каждый год ездим смотреть балетные школы, и это безостановочный процесс: люди взрослеют, кто-то уходит на пенсию, кто-то пробует судьбу в другом театре, кто-то переходит из одной категории в другую - освобождаются места. Большинство наших артистов - выпускники российских вузов. Томоха Терада - из Вашингтонской школы, Лири Вакабаяси - из Мюнхенской академии танца… Надеюсь, никто не жалеет: у них здесь много возможностей, они развиваются, у них интересная, плодотворная жизнь.

Меняя театр и труппу, вы неизбежно меняете зрителя - он оказался восприимчив к новому?

Слава Самодуров:
Народ активно смотрит наши спектакли, залы не пустые - мне кажется, публика принимает то, что мы делаем, с интересом, отзывы всегда позитивные, в зале появилось больше молодежи. Городу явно импонирует такой курс развития театра: на афише всегда можно найти и экспериментальный спектакль, и названия, адресованные традиционалистам.

Но ведь и классика у вас не слишком традиционна: и "Тщетная предосторожность" и "Пахита" радуют новизной и остроумием решений.

Слава Самодуров:
Не стоит делить все на классику и эксперимент - направлений развития нашего театра гораздо больше. Наряду со стереотипным решением классики у нас есть опыты переосмысления традиции. "Приказ короля" - это создание на основе классики принципиально нового продукта - и так далее. "Пахита" и "Тщетная предосторожность" - скорее исключение из правила, наше ноу-хау последних сезонов, движение, которое мы будем развивать, оно только началось. Продолжение будет, возможно, уже в следующем сезоне. Через эти спектакли мы почувствовали вкус новизны. Остальной классический репертуар вполне традиционен.

Мне показалось, что в какой-то мере эти принципы вы сформулировали в "Приказе короля", где сталкиваете пантомимический балет в духе фильмов Мельеса с современным танцем, с полетом хореографической фантазии. И все это оказывается единством, существующем в потоке меняющихся времен.

Слава Самодуров:
Каждый наш новый спектакль принципиально не похож на прежние. Вот мы выпустили большой экспериментальный проект "Приказ короля", а к концу сезона появится "Дон Кихот", который традиционен по сути: хотим восстановить сценографию Коровина, а хореограф Юрий Бурлака думает восстановить классическую структуру. Но я уверен: это будет сильный, свежий спектакль, где мы не пытаемся открыть новые двери, но, вспоминая старые смыслы, стараемся сделать их современными и яркими. То есть классическая платформа, на которую мы опираемся, обрастает новым опытом и становится крепче. Строя репертуар, стараемся не делать случайных телодвижений, событий "для галочки". В каждом проекте нужно найти какой-то магнит, который сделает его интересным, необходимым для нас, для артистов, для публики.

В этой вашей стратегической программе фестиваль памяти Мариуса Петипа, очевидно, тоже занимает свое место? Почему он вам кажется сегодня актуальным - с его театральными показами, симфоническими концертами, фильмами и лекциями?

Слава Самодуров:
В искусстве происходит много интересного, что мы не можем пригласить под крышу нашего театра. И получился мультидисциплинарный фестиваль - здесь очень разные виды и жанры искусства. Этим фестивалем мы отмечаем 200-летие Петипа, и, пересматривая фильмы Мельеса, мы видим, как влияли друг на друга его искусство и визуальные впечатления, которые он впитывал из кино. Эти, казалось бы, далекие друг от друга искусства не существовали изолированно. Нужно напоминать зрителю, что нет непроходимых границ между балетом и оперой, балетом и танцем. Сегодня театр активно трансформируется, наши спектакли изменились и по дизайну, и технологически. И важно понимать, что театр - не просто красивая коробка: в нем начинка важнее фасада. Конечно, мы стоим на фундаменте классики. Моя интеллектуальная профессиональная база - улица зодчего Росси в Петербурге и Мариинский театр. Но в процессе моих путешествий к этой базе было добавлено много важного, что меняет сам способ восприятия искусства.

У театров уровня Большого, Мариинского, Ковент-гарден, Мет есть всем очевидные преимущества. Есть какие-то преимущества у театров масштаба Екатеринбургского?

Слава Самодуров:
Безусловно - отсутствие снобизма, открытость. Свобода от ощущения своей "исторической миссии" - очень важный критерий. У этого театра тоже есть свое прошлое, здесь происходило очень много достойных и важных событий, но его историю все-таки нельзя сравнить с историей Мариинки, Гранд-опера или Ковент-гарден, где встают в памяти целые культурологические пласты. Иногда это ощущение своего великого прошлого и исторической миссии становится шлагбаумом.

Почему возникла идея сменить название театра на "Урал Опера Балет"?

Слава Самодуров:
Новое название подвело черту под прошлым - это уже театр XXI века. Он стал уже не просто екатеринбургским - стал в полной мере государственным: российским и мультикультурным. В принципе это территория "эмигрантов": почти все, кто здесь работают, приехали из других городов и стран. А если люди готовы покинуть свой город ради работы - стало быть, это место работы чего-то стоит. Вступило в права другое мышление - как менеджерское, так и культурологическое. Набирают права технологии: раньше "театр начинался в вешалки", теперь - с веб-сайта. И мы почувствовали, что название "Екатеринбургский театр оперы и балета" себя изжило - такие длинные имена больше не произносят. Новым названием легче играть, оно легко трансформируется, лучше визуализируется.

Почему в наше время развитых видеотехнологий нет качественных записей ваших спектаклей?

Слава Самодуров:
Мы снимаем на видео все премьеры - но это служебные записи. Есть проект с телеканалом Mezzo о съемках двух балетных спектаклей. Но вообще публика пусть приходит в театр: балет живое искусство. Или прилетает в Екатеринбург на спектакли. Для того мы и делаем фестиваль - хотим, чтобы люди сюда приезжали ради искусства, Екатеринбург этого достоин. И уже стали ездить к нам на премьеры. Во время футбольного чемпионата нашу кассу брали штурмом: иностранцы просто не ожидали встретить такие качественные спектакли в городе, название которого выговаривали с трудом.

На гастроли балет выезжает?

Слава Самодуров:
Периодически, когда позволяет время. Чаще всего - в Петербург, что приятно: петербургские фестивали хотят видеть спектакли именно нашего театра. Скоро будем там с "Пахитой". Мне даже интересно: что подумает петербургская публика, услышав, что будет "Пахита" из Екатеринбурга?


Раньше "театр начинался с вешалки", теперь - с веб-сайта


Но о ней уже столько написано, столько фото разлетелось по стране…

Слава Самодуров:
Интернет, конечно, - двигатель прогресса, но лишает людей сюрпризов. И я иногда скучаю по временам, когда приходишь в театр и не знаешь, чего ожидать, какие будут декорации, костюмы... Но тайны больше нет, и это жаль. Впрочем, с "Приказом короля", мне кажется, нам удалось обмануть людей.

Да уж - там сюрпризы летят, как вихрь и сбивают с ног. Увлекательно и очень здорово. Кого из крупных фигур в балете вы собираетесь пригласить для новых постановок?

Слава Самодуров:
Слушайте, в этом сезоне наша балетная труппа выдержала такой обстрел! Прошла премьера "Приказа короля". В начале марта Антон Пимонов выпустит свой балет "Новобрачные на Эйфелевой башне" - это будет часть вечера, в который войдет уже идущий балет "Наяда и рыбак" Юрия Бурлаки. Затем труппа будет впервые танцевать Баланчина - "Вальпургиевую ночь", поставленную им для Парижской оперы; в России этот вариант не шел. И, наконец, премьера "Дон Кихота" в версии Юрия Бурлаки. А прошлый сезон мы завершили Fashion Gala: попросили екатеринбургских дизайнеров одеть наших артистов, и те танцевали, что хотели - полная свобода выбора. Меня удивило, что, несмотря на тяжелый сезон, когда все устали, число заявок зашкаливало. В какой-то мере это было заменой Данс-платформе, на которую у нас не хватило времени. Когда в труппе есть такой мощный креативный потенциал, я только снимаю шляпу: с такой труппой можно идти в разведку. Это подтвердил и сложный, стрессовый выпуск "Приказа короля", когда все делалось в последнюю минуту. Но у нас труппа бойцов, на них можно положиться, и я им верю.

Может, Данс-платформа вывела театр на новый креативный уровень и, исполнив свою роль, исчерпала себя?

Слава Самодуров:
У нас появились новые хореографы. Один из первых ее участников - Игорь Булыцын. Мы ему дали поставить одноактный балет - он оказался не только талантливым танцовщиком, но и хореографом. Начали ставить и другие артисты труппы: Екатерина Кузнецова, Константин Хлебников… Люди хотят пробовать, и они всегда будут получать у нас приоритет. В театре уже много людей, способных ставить: есть худрук, есть его заместитель и есть молодые артисты-хореографы, которых мы не хотим потерять. Большая концентрация для одного театра!

Вас снова пригласили ставить в Большом. Вы могли бы рассказать, что это будет?

Слава Самодуров:
К сожалению, не могу. Мы сейчас выплыли из одной премьеры и начинаем готовить следующую, еще более основательно, поэтому сказать пока просто нечего.

Досье "РГ"
Вячеслав Самодуров окончил Академию русского балета имени Вагановой. Карьеру танцовщика начал в труппе Мариинского театра. С 2000 года стал премьером Национального балета Нидерландов, с 2003 года танцевал ведущие партии в Королевском балете Ковент-Гарден (Лондон). Как хореограф дебютировал в Большом театре в 2006 году. В 2011 году был приглашен в Екатеринбургский академический театр оперы и балета в качестве художественного руководителя балетной труппы. Здесь он поставил такие балетные спектакли, как Amore Buffo (на музыку "Любовного напитка" Доницетти), "Вариации Сальери", "Цветоделика", "Занавес", "Ромео и Джульетта", "Приказ короля". В 2016 году поставил балет "Ундина" в Большом театре. Дважды награжден Национальной премией "Золотая маска" как лучший хореограф. Автор идеи хореографической мастерской "Данс-платформа", ежегодно проходящей в столице Урала. В 2018 году основал в Екатеринбурге Международный фестиваль памяти Мариуса Петипа.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Окт 30, 2018 9:24 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018103006
Тема| Балет, МАМТ, Премьера, Персоналии, Джордж Баланчин, Иржи Килиан, Андрей Кайдановский
Автор| Павел Ященков
Заголовок| В театре Станиславского показали первую в юбилейном сезоне балетную премьеру
Супермен с подушкой

Где опубликовано| © "Московский комсомолец" №27823
Дата публикации| 2018-10-31
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2018/10/30/v-teatre-stanislavskogo-pokazali-pervuyu-v-yubileynom-sezone-baletnuyu-premeru.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В рамках своего юбилейного 100-го сезона Музыкальный театр имени Станиславского и Немировича-Данченко выпустил первую премьеру — вечер одноактных балетов «Кончерто барокко», «Восковые крылья», «Пижамная вечеринка». Помимо возвращенного в репертуар балета Килиана «Восковые крылья» в программу вошли балет классика и основателя американского балета Джорджа Баланчина «Кончерто барокко», а наряду с ним балет совсем молодого хореографа Андрея Кайдановского.



Выпуская очередную, уже четвертую по счету программу одноактовок в новом юбилейном сезоне, экс-этуаль Парижской оперы и нынешний худрук «Стасика» Лоран Илер продолжает свою излюбленную политику, пытаясь найти строгий баланс между классикой и современностью. Причем ставка на не слишком характерную для «Стасика» «бессюжетную» хореографию в выборе Илера явно преобладает.

За классику в новой программе отвечает балет Баланчина 1941 года рождения «Кончерто барокко», уже знакомый российской публике: балет ставился в Большом, а также в Пермском театре оперы и балета. После первого в истории обращения «Стасика» к творчеству Баланчина и его балету «Серенада» (премьера прошла в прошлом сезоне), это уже вторая попытка освоить наследие классика американской хореографии за время правления Илера. А вещь сложная: поставлено «Кончерто барокко» на музыку Концерта ре-минор для двух скрипок и струнного оркестра Баха, и тут Баланчин пытался найти хореографическое воплощение этой музыки, передать ее метафизический смысл. А для этого нужно строгое и чистое исполнение.

Однако труппа вполне адекватно, хотя и не без недочетов и помарок, справляется с этой сложнейшей хореографией. А неувядаемый Георги Смилевски-старший, единственный солист-мужчина в этом балете, вполне может начинать балетную карьеру по второму кругу — в такой великолепной форме находится этот танцовщик.

Другой премьерой, показанной в этот вечер в третьем отделении, был одноактный 24-минутный балет Андрея Кайдановского «Пижамная вечеринка». Правда, премьера эта уже мировая. Спектакль специально создан для музыкального театра и его артистов. Ведь Кайдановский — открытие этого театра: его лабораторный балет «Чай или кофе», поставленный два года назад, был номинирован на «Золотую маску». Разумеется, после балетов двух гениев XX века — Баланчина и Килиана — балет начинающего хореографа, и к тому же принципиально не танцевальный (творчество Кайдановского скорее может быть отнесено к танц-театру, нежели балету), смотрелся не слишком серьезно, но оригинально.

Для Кайдановского, о чем он заявляет в программке, люди делятся не по «цвету кожи, национальностям, вере», а по половой принадлежности: на мужчин и женщин. И вот различиям этих миров и посвящен балет. Мужчина в его представлении: это вечный ребенок, а женщина — его вечная мама. Вот только игры этого дитя с возрастом становятся «страшнее и разрушительнее». Например, война с применением подушек: участники, одетые в пижамы, лупцуют ими друг друга, пока не вернется «мама» (жена). Тут проблема глобальная: заигравшийся в войнушку пацан, представляющий себя суперменом с развивающимся плащом и в боевой раскраске, с искаженным от ярости лицом готов нажать на «запретную» красную «ядерную» кнопку. Но... возвращается из ванной жена с полотенцем на голове, и страшная кнопка оказывается всего лишь ночником. Одно нажатие — и по потолку и залу кружатся звезды, как на дискотеке.

Важным компонентом этого танц-спектакля становятся сценография и костюмы, придуманные Каролиной Хёгль, и свет вместе с видео (Александр Сиваев, Сергей Рылко): по сцене разбросаны матрасы, а с колосников летят подушки и перья. Самая гигантская подушка, накрывающая героев в конце, как и кнопка-ночник, оказывается не тем, чем кажется поначалу, а всего лишь уютным одеялом. Под ним герой продолжает видеть свои «сладкие» и «страшные» сны. Многое в этом танц-театре зависит и от актеров. Совершенно поразительная актерская работа Дениса Дмитриева, на которого этот спектакль, собственно, и ставился. Эта работа открывает в танцовщике новые грани.

Третий балет, показанный в рамках новой программы, стал возобновлением. В отличие от хореографии Баланчина, к хореографии Иржи Килиана «Стасик» обратился первым из российских театров: балет «Восковые крылья» в репертуар вошел еще 5 лет назад. Он добавился к другим шедеврам Килиана — «Маленькая смерть», «Шесть танцев», «Бессонница» (изначально поставлен был для Нидерландского театра танца (NDT) в 1997 году. Сейчас «Восковые крылья» возобновлены, и перед нами предстает один из самых сложных балетов этого чешского гения. Мы попадаем в «перевернутый мир» хореографа, в его «четвертое измерение», где музыка Бибера и Баха соединена с «Прелюдией к медитации для подготовленного фортепьяно» Кейджа и «Струнным квартетом» Гласса (ХХ век).

В названии «Восковые крылья» Килиан вспоминает древнегреческий миф об Икаре, в котором герой Эллады побеждает не каких-то абстрактных чудовищ из подсознания, а стихию воздуха. В принципе Килиан поставил абстракцию, хореография которой лишь навеяна древнегреческим мифом, а также картиной голландского живописца Питера Брейгеля (старшего) «Пейзаж с падением Икара» и комментирующими ее стихами Одена. И тут зрителю оставлено большое пространство для размышлений и фантазии. Однако ощущение парения, полета в воздухе — главное в неуловимом и богатом красками и оттенками импрессионистическом стиле этого балета. И тут давно знакомая с хореографическими тонкостями Килиана труппа подарила зрителю проникновенное и тонкое, а главное, осмысленное исполнение, которое намного превзошло то, которое мы видели в этом театре 5 лет назад. Собственно, это и стало главным событием премьерного вечера.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Ноя 15, 2018 10:59 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Окт 30, 2018 9:37 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018103007
Тема| Балет, МАМТ, Премьера, Персоналии, Джордж Баланчин, Иржи Килиан, Андрей Кайдановский
Автор| Майя Крылова
Заголовок| Бах, Икар и пижамная вечеринка
В Музыкальном театре имени Станиславского и Немировича-Данченко показали балеты Баланчина, Килиана и Кайдановского

Где опубликовано| © Ревизор.ру
Дата публикации| 2018-10-30
Ссылка| http://www.rewizor.ru/theatre/catalog/muzykalnyy-teatr-imeni-stanislavskogo-i-nemirovicha-danchenko/retsenzii/tri-baleta-v-muzykalnom-teatre/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Джордж Баланчин. "Кончерто барокко". Фото: пресс-служба Музыкального театра Станиславского и Немировича-Данченко

Три одноактных спектакля (две премьеры и одно возобновление) появились в афише Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко. Это "Кончерто барокко" Джорджа Баланчина, "Восковые крылья" Иржи Килиана и "Пижамная вечеринка" Андрея Кайдановского.

Первым был "Кончерто" – балет классика двадцатого века, поставленный Баланчиным в 1940 году. Вторым – опус "живого классика" Килиана, это театр уже ставил и теперь решил возобновить. В финале – новинка и мировая премьера: Андрею Кайдановскому, солисту балета Венской оперы и молодому хореографу, доверили постановку балета в компании с великими. Кроме почтения к "рангу" и хронологии, тут есть история стилей: неоакадемизм – модерн-данс – современный "всеядный" танец.

Бессюжетный "Кончерто барокко" на музыку Баха (концерт для двух скрипок с оркестром) не иллюстрирует темпы и ритмы музыки, хотя с формальным следованием партитуре все в порядке. Баланчин музыкален внутренне, глубинно. Ему нет нужды "отанцовывать" всё буквально, как и подражать конкретным па барочных танцев. А зрителям нет смысла говорить, что две ведущих балерины в "Кончерто барокко" суть две солирующих скрипки у Баха, а единственный партнер балерин, как и восемь танцовщиц свиты – нечто вроде старинных бассо континуо и оркестра. Избегая "бега по верхам", хореограф несомненно лепит образ музыки – каким он может быть у просвещенного меломана, занимающегося балетом. Хотя фигуры барокко просматриваются в деталях чуть вычурных коленопреклоненных поз. а поочередная асимметрия арабесков напоминает о баховской полифонии. Это женский балет, царство относительно спортивных и даже сексапильных (при подразумеваемой легкости) граций, когда балерины, двойками и четверками, обняв друг друга за талию или рассыпаясь в линии, грациозно топочут пуантами и синкопируют крепкими ногами, и то, и другое – со спокойной уверенностью.

Труппа Музыкального театра работает, как всегда, увлеченно. Возможно, солистам не всегда хватает отчетливости позиций ног, графичности поз и специфических баланчинских ракурсов. Но когда стильная Ксения Шевцова в медленной части зависает на руках партнера (Георгий Смилевски) с округло поднятыми руками и контрастно острым выставленным коленом – эффект очевиден. Оппозиции плавного и острого, опосредовано вторящие подобному в партитуре – главный принцип этой хореографии Так же, как в линии танцовщиц, когда каждая дева – с вытянутой в стрелку ногой и склоненной рукой, точно ива над водоемом.

Балет Килиана (по мотивам античного мифа об Икаре и соответствующей картины Брейгеля) создан в 1997 году. "Использована музыка четырех композиторов — двух старинных (Баха и Бибера) и двух авангардных (Кейджа и Гласса)". Никакого Икара и конкретного полета на сцене нет. А есть танец одиночек и пар под ветвями громадного дерева, перевернутого корнями вверх, фантасмагория движений в битве света и теней, под жарким софитом, медленно движущимся по кругу, словно солнце по небосводу в течение дня. Это, как довелось писать в момент премьеры, "седьмое небо, загадочное место, где персонажи так или иначе пытаются преодолеть законы земного тяготения".

ДАЛЕЕ ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Окт 30, 2018 10:42 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018103008
Тема| Балет, Образовательный центр «Сириус» (Сочи), Персоналии, Владимир Малахов
Автор| корр.
Заголовок| ХОРЕОГРАФ И ПЕДАГОГ ВЛАДИМИР МАЛАХОВ: «ТЕБЯ НИКТО НЕ ДОЛЖЕН ЗАСТАВЛЯТЬ ТАНЦЕВАТЬ: НИ РОДИТЕЛИ, НИ ШКОЛА»
Где опубликовано| © сайт центра "Сириус"
Дата публикации| 2018-10-30
Ссылка| https://sochisirius.ru/news/2256
Аннотация| Творческая встреча



В «Сириусе» с воспитанниками направления «Хореография» октябрьской образовательной программы встретился артист балета, хореограф, обладатель приза Международной ассоциации деятелей хореографии «Benois de la dance», призер и лауреат Международных конкурсов артистов балета Владимир Малахов.

На спектакли Владимира Малахова всегда было сложно достать билеты. Его карьера началась в Московском классическом балете Натальи Касаткиной и Владимира Василева, затем профессиональную биографию дополнили Венская опера, Национальный балет Канады и Американский балетный театр. С чего началась головокружительная карьера ведущего солиста – о творческом пути от учебы в Московской академии хореографии до лучших из ролей – всемирно известный артист балета, хореограф и педагог рассказал воспитанникам октябрьской образовательной программы.

«Интересно, что, когда ты работаешь с такими выдающимися хореографами, как, например, Марк Моррис или Твайла Тарп, ты вдруг начинаешь видеть совсем по-другому, находить в привычных вещах новые нюансы. И, конечно, мне очень повезло встретиться с такими профессионалами, как Уве Шольтс, Морис Бежар, Джон Ноймайер. Все они смогли дать мне что-то новое», – сказал молодым артистам балета Владимир Малахов.

Педагог поведал и об одной из самых знаменитых своих партий: однажды у него появилась возможность приехать в Берлин в качестве гостя, и там ему предложили станцевать «Спящую красавицу» в редакции Рудольфа Нуриева.

«От таких предложений не отказываются, но в ней были вариации сложнее, чем я танцевал раньше. Одна длилась целых 11 минут, это серьезно. Выхода не было. Рудольф делал эту балетную партию под себя. Мне пришлось соответствовать».

Каждое выступление Малахова было событием в мировой балетной жизни, поэтому на предложение посмотреть единственную сохранившуюся с премьеры той самой «Спящей красавицы» запись воспитанники ответили однозначно.

«Это самое тяжелое, что я танцевал в жизни. Все должно было быть выполнено филигранно. Было непросто, но это все, что Нуриев так любил. К слову, позже мне посчастливилось станцевать его редакцию «Лебединого озера». А за всю карьеру посчастливилось исполнить 24 различных редакции этого легендарного балета – поделился гость.

Неудивительно, что у молодых артистов балета возникли к балетмейстеру вопросы.

– А какая партия была самой любимой?

– У меня много любимых партий, наверное, самые – это Альберт в «Жизели», Ленский в «Онегине» и Солор в «Баядерке». Я люблю танцевать драматические балеты. Кстати, многие считают, что лирический танцовщик не может делать мелкую технику, но это совершенно не так.

– Есть такое понятие – «гений места». А с каким уголком земли больше всего связан ваш творческий путь?

– Когда я вернулся обратно в Европу, мне было тяжело работать в четырех труппах одновременно, но я все равно много ездил. Вообще, многое связано с Берлином: там была «Спящая красавица», премьера «Щелкунчика». Потом меня пригласили возглавить труппу самого главного берлинского театра, я согласился, но с условием, что буду танцующим директором, тогда ведь я был на пике карьеры.

– Насколько сложно было руководить труппой одного из ведущих театров Европы?

– Было много работы, было необходимо постоянно обновлять репертуар, привлекать новую публику, делать четыре премьеры в год и вывозить труппу на гастроли. У Берлинского театра своя история, своя специфика, это все важно учитывать. Чтобы удержать танцовщиков, я старался подготовить сбалансированный репертуар, где была и классика, и модерн, и Contemporary Dance, и другие направления современной хореографии. К нам приезжали именитые хореографы: Морис Бежар ставил «Кольцо Нибелунгов». На минуточку, это балет, который длится несколько часов. Представляете, какого масштаба было событие! «Золото Рейна», «Валькирия», «Зигфрид» и «Гибель богов» – все 93 танцовщика труппы были заняты в постановке. Интересный был опыт.

– Расскажите о том, как Вам было интересно работать над партией в «Послеполуденном отдыхе фавна».

– Как-то у меня состоялась очень интересная встреча с Джеромом Роббинсом, очень интересным хореографом, который больше философ. От него шла непередаваемая энергетика, он обладал неиссякаемым источником фантазии и умением сочетать пластику тела с глубоким пониманием музыки. Прежде всего он видел в героях своих постановок их уникальные характеры. Он предложил мне роль в одном из своих балетов «Other Dances» («Другие танцовщики»), на что я сказал: станцевать эти партии так, как их танцевали Макаров или Барышников, я не смогу, они это сделали настолько гениально, что лучше уже не будет. Он тогда удивился отказу от партии (так как исполнить ее мечтают все). Но я танцевал другой его балет – «Послеполуденного отдыха фавна», где за всеми событиями мы наблюдаем в отражении зеркала.

– Вы были членом жюри на конкурсе «Большой балет». Не стирают ли такие конкурсы грань между артистизмом и исключительно техническим исполнением?

– Это очень интересный вопрос. Я бы сказал, что наоборот, ведь благодаря конкурсу у молодых талантливых танцовщиков есть шанс показать себя. Они получают профессиональные консультации, общаются с ведущими балетными мастерами, им открываются возможности для карьеры. Я не знаю, как потом сложится судьба участников, но я уверен, что именно «Большой балет» помогает им идти дальше.

– Какими качествами должен обладать успешный танцовщик?

– В первую очередь желанием танцевать. Тебя никто не должен заставлять: ни родители, ни школа. Ты сам должен хотеть расти и доказывать это делом. Нужно быть музыкальным, больше читать, смотреть, формировать вкус и понимание балета. Помогут музеи, литература, опера, театры. Главное – развиваться не только в фокусе хореографии, а всесторонне.

======================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Окт 31, 2018 1:04 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018103101
Тема| Балет, проект «БОЛЬШОЙ БАЛЕТ», Персоналии, Светлана Захарова
Автор| Юлия Зиньковская
Заголовок| "Ты должна не только любить свою героиню, ты должна быть ею". Интервью со Светланой Захаровой
Где опубликовано| © Телеканал Культура
Дата публикации| 2018-10-31
Ссылка| https://tvkultura.ru/article/show/article_id/304125/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

10 ноября в эфире новый «БОЛЬШОЙ БАЛЕТ» - масштабный проект, аналогов которому нет на российском и зарубежном телевидении. Третий сезон полон приятных сюрпризов. Одним из них станет ведущая проекта Светлана Захарова - прима-балерина Большого театра, этуаль балетной труппы миланского Ла Скала, народная артистка России, одна из самых востребованных балерин мира. В преддверии старта нового сезона наш корреспондент Юлия Зиньковская взяла у Светланы Захаровой эксклюзивное интервью.



Ю.З. - Светлана, Вы, конечно, знаете, что третий сезон проекта «Большой балет» стартует в эфире 10 ноября. В 2016 году Вы являлись членом жюри программы. Теперь примерите роль ее ведущей. Какие дополнительные возможности у Вас появятся в новом для зрителей амплуа? Вы были строгой судьей, а какой телеведущей Вы хотели быть?

С.З. - В новом сезоне проекта «Большой балет» я выступаю в новой для себя роли. До этого мне ни разу не приходилось быть телеведущей. Это новый опыт, новые возможности и, конечно, большая школа. Очень интересная и захватывающая. Я предстану перед телезрителями в совершенно новом образе. И не в одном. Семь съёмочных дней и семь совершенно разных образов…

В прошлом сезоне я участвовала в качестве члена жюри в одной из передач. Честно говоря, я не была строгой к артистам. Я знаю эту профессию изнутри и знаю, какой это труд. Да и критиковать своих коллег мне всегда не по душе. Совсем другое дело - быть ведущей. Здесь мне надо будет выступать в роли как бы защиты, адвоката артистов. Члены жюри должны будут видеть и исправлять недостатки выступающих. А я по мере возможности и надобности буду их защищать.



Ю.З. - В составе жюри этого года легендарный Лоран Илер. В одном из интервью Вы вспоминали, как танцевали с ним Жизель в «Гранд-опера». Хотели бы снова встретиться в танцевальном дуэте?

С.З. - Лоран - потрясающий танцовщик и актер. Да, я люблю вспоминать тот спектакль, который мы вместе танцевали на сцене «Гранд-опера». Он один из тех немногих партнеров, который помог мне совершенно по-иному прочувствовать и пережить роль. К сожалению, Лоран закончил свою карьеру как танцовщик и сейчас занимает пост директора балета. Так что я даже не мечтаю о том, чтобы снова выйти с ним в дуэте.

Ю.З. - Значительная часть проекта отведена современной хореографии. Современный танец помогает раскрепоститься, выйти за рамки…Но не может ли чрезмерная свобода помешать молодым участникам проекта?

С.З. - Без сомнения, нет! Наоборот, для меня было большим открытием, когда я видела, как меняются ребята. Какая метаморфоза происходила на съёмочной площадке! Как они раскрепощались и раскрывались по-новому! Но, признаться честно, в современной хореографии лучшим показался тот, кому больше повезло с хореографом и его постановкой. От профессиональных, но строгих членов жюри ничего не скрыть. Так что порой доставалось не только исполнителям, но и самим хореографам.

Ю.З. - Вы танцевали «Лебединое озеро» более чем в десяти версиях на разных сценах мира, но тем не менее являетесь любительницей экспериментов, новинок современного танца. Когда, по Вашему мнению, молодой танцовщик имеет право начинать «отступать от классических канонов» и уходить в современность?

С.З. - Молодой танцовщик обязан сегодня уметь все: исполнять профессионально классические балеты и на том же уровне современную хореографию. Одно другому не мешает. Наоборот, обогащает. А когда нужно будет полностью переключиться на современный балет - это каждый решает сам. Зависит от формы, сил и физических возможностей. Не секрет, что ничего нет сложнее классического балета. И не каждый может долго удерживать себя в форме на должном уровне. Поэтому многие артисты, дабы продлить сценическую жизнь, переключаются на современный балет.

Ю.З. - Две ведущие сцены мира (Большой театр и Ла Скала), стали «домашними» для Вас. В чем разнятся выступления на российской и иностранной публике? Какой зритель Вам по душе?

С.З. - Тем зрителям, которые приходят на мои спектакли, не важно, где я выступаю. Для меня все по душе. Как может быть иначе, я же для них танцую! Я всегда благодарна моим зрителям за их внимание, поддержку. Меня захватывает стремление завоевывать новую публику. И каждый раз удивлять!

Ю.З. - Какие любимые балетные партии у Вас есть? Или за годы выступлений весь репертуар стал «любимым»?

С.З. - Скорее скажу так: за годы выступлений я отсекла не интересные для меня роли. И не танцую их больше. Я считаю, что невозможно себя обманывать, если я не чувствую роль и образ, то публике тоже будет неинтересно. Если ты выходишь на сцену, ты должна не только любить свою героиню, ты должна быть ею.



Ю.З. - Каков в Вашем представлении идеальный партнер? Вы танцевали с огромным количеством замечательных танцовщиков…

С.З. - Да, мне очень повезло с партнерами. С 17 лет я танцую главные партии в балетах и, конечно, не сразу все получалось. Я безмерно благодарна мои партнёрам за терпение, за то, что вызывали во мне большие эмоции и чувства во время репетиций и на спектаклях, за то, что научили меня быть собранной, за то, что они были всегда рядом, поддерживали и ловили…

Ю.З. - В проекте «Большой балет» парой станут танцовщики из разных театров и даже стран! Кто-то участвует со своим постоянным партнером, а кто-то - с приглашенным. У каких пар больше шансов на успех?

С.З. - Никогда не известно. Конечно, легче тем, кто постоянно вместе танцует. Особенно было трогательно видеть на проекте пары, которые не только на сцене, но и в жизни вместе. Парни в таких парах очень отличаются. Они как-то невольно больше переживают за свою партнёршу, стараются в дуэтах быть крайне внимательными, не выпячивают себя, а, как настоящие джентльмены, ставят свою даму вперед. Даже если бы они молчали о своих отношениях, мы бы все равно заметили такие пары.

Ю.З. - В этом году в программе появился новый раздел под названием «Балетная энциклопедия». Зрители смогут узнать, из чего складывается то или иное балетное па. Будете ли показывать «Энциклопедию» и выпуски программы своей маленькой дочери?

С.З. - Конечно! Анечка очень ждет, когда сможет увидеть проект.

Ю.З. - Расскажите, в каких еще проектах Вы заняты сейчас. Чем порадуете поклонников Вашего творчества в ближайшее время?

С.З. - В данный момент параллельно с выступлениями я начала подготовку к новому сольному проекту, премьеру которого планируем показать в Большом театре в конце июня. Это будут два одноактных балета, совершенно разных по стилю и тематике. У нас уже прошли первые репетиции балета на музыку Генделя, который поставил хореограф Мауро Бигонзетти. Второй балет будет ставить для меня Юрий Посохов.

Я сейчас не готова полностью раскрыть все подробности постановки. Так как пока идет работа над написанием либретто и музыки. Могу только сказать, что спектакль будет о моде, точнее, о великой женщине, которая изменила мир моды. Я с огромным нетерпением жду начала репетиций. И надеюсь, что все, что мы задумали, состоится.

Не пропустите! Новые выпуски проекта «Большой балет» в эфире 10 ноября в 16:55!

Автор фото: Вадим Шульц
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Окт 31, 2018 2:32 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018103102
Тема| Балет, НОУ, Персоналии, Александр Стоянов
Автор| Ирина Голиздра
Заголовок| Премьер балета Александр Стоянов: "И в нашем театре ты как артист можешь добиться признания на международном уровне"
Где опубликовано| © Українська правда
Дата публикации| 2018-10-17
Ссылка| https://life.pravda.com.ua/culture/2018/10/17/233641/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Звезду мирового балета Александра Стоянова за дерзкий характер и неподчинение общим правилам несколько раз пытались отчислить из хореографического училища.

Тогда его отстояли педагоги, а сейчас он востребован не только в Национальной опере, где он премьер, но и на мировых сценах.

Александр успевает исполнять не только уже классические ведущие партии, но и работает в других жанрах.

Его график выступлений уже расписан на годы вперед. Организация гастролей – еще одно поле его успешной деятельности.

От чего зависит признание украинских артистов за рубежом, о новой постановке "Дети ночи-2" и том, в чем балет можно сравнить с сексом, "Украинской правде. Жизнь" рассказал заслуженный артист Украины Александр Стоянов.



– Как произошло первое знакомство с балетом и каким оно было?

– До того, как я поступил в киевское хореографическое училище, я даже не представлял, что такое балет.

Я жил с родителями в солнечном городе на берегу моря, занимался таэквондо и бальными танцами.

Как-то на одном из конкурсов, где я участвовал, к моему отцу подошел мужчина и сказал: "Зачем вам бальные танцы? Я вижу, что у вашего сына хорошие данные для балета – у него может быть блестящее будущее".

Именно после этого отец рассказал, что балет – это красивое искусство, что я буду танцевать на сцене перед большим количеством людей, и предложил им заниматься.

Для этого нужно было переехать в Киев, а я не хотел уезжать из родного города и в глубине души надеялся, что меня в училище на обучение не возьмут.

Тогда мне было 10,5 лет. И родители пообещали, что если я поступлю в КГХУ, то мне купят горный велосипед. В то время – это была мечта!

– Если бы не велосипед, то вы бы не поехали?

– Возможно. Летом я поступил, и мне таки купили велосипед.

– Что в итоге помогло вам полюбить балет?

– Самое сильное впечатление у меня осталось от выступления Дениса Матвиенко в спектакле "Дон Кихот".

Если до этого я свое будущее не связывал с балетом, а к занятиям в балетном училище относился немного легкомысленно, то увидев Матвиенко на сцене, я пересмотрел свое отношение к этому искусству.

С тех пор я решил много и усердно работать, чтобы добиться хороших результатов.

– То есть Матвиенко послужил для вас мотиватором?

– Да. Но было два фактора.

Со второго курса я начал заниматься с Денисенко Владимиром Андреевичем. Это легендарный педагог, тонкий психолог, он воспитал немало мировых звезд, которые сейчас танцуют в лучших театрах по всему миру.

Даже когда на репетиции я работал в пол ноги, Владимир Андреевич находил нужные слова, я максимально выкладывался и уходил с репетиции уставший и счастливый.

Он всегда поддерживал и помогал моему творческому росту. Благодаря ему я полюбил балет.

До этого меня три раза пытались отчислить из училища за неподобающее поведение, но прощали из-за моих балетных данных.

– Что вы такого вытворяли?

– Ну, например, девчонкам ночью мешал спать, залезал через окна к ним на третий этаж в общежитии. Из-за чего часто вызывали моих родителей.

За меня всегда заступалась педагог по воспитательной работе – Татьяна Черняк. Возможно, если бы не она, я бы сейчас не танцевал.

– Какой же был третий фактор, который вас мотивировал остаться в балете?

– В училище на протяжении многих лет я занимался не в полную силу, как уже говорил, я не планировал в этом искусстве оставаться.

Помню, учитель однажды сказал другим ребятам в классе: "Саша может ничего не делать, но его данные позволят ему сдать экзамен лучше всех".

И это правда. Я все запоминал и мог потом с легкостью воспроизвести. Так продолжалось из года в год, пока я не поехал неподготовленный на конкурс, где моих балетных данных было мало, чтобы быть в призах.

Это сильно меня зацепило и мотивировало начать работать, а не отбывать номер в училище.

– После выпуска из училища не рассматривали ли вы возможность работы за рубежом?

– Меня тогда пригласили несколько театров. Из украинских – Львовский, Донецкий и Киевский.

Также были приглашения из Новосибирского и Мариинского театров. Еще – из Хорватии, Югославии.

В то время Владимир Денисенко посоветовал идти в Национальную оперу Украины.

Позже были предложения из Большого театра и Берлинской оперы, но к тому времени я уже состоялся как артист, и появилась семья.

Знаете, и в нашем театре, ты как артист можешь добиться признания на международном уровне. У нас с Катей (жена Александра Екатерина Кухар – прима-балерина Национального Академического театра Оперы и Балета Украины, – ред.) в принципе так и получилось – ездим на гала-концерты за рубеж, куда приглашают лучших артистов из разных театров.

В нашем театре очень мудрый директор – Петр Яковлевич Чуприна, он для артистов сознает максимально комфортные условия. Дает возможность премьерам и солистам ездить на личные гастроли за границу.

Это немаловажно, так поступают не все руководители. А наш театр позволяет и поддерживает нас в этом, ведь мы таким образом популяризируем Украину и украинскую культуру.

На гастролях у нас есть возможность учиться у других школ и лучшее привносить в нашу. Например, наша школа сильна в классике, а в Европе, в Америке преобладают другие танцевальные направления.

– С какими театрами сейчас работаете за рубежом?

– Мы не работаем с каким-то конкретным театром, а гастролируем. Есть контракты на несколько лет вперед, поэтому даже времени на отдых нет.

Если работать в качестве приглашенного артиста в каком-то театре, то чаще всего тебе нельзя танцевать параллельно на других сценах. За границей к артисту балета относятся как собственности.

– Некоторые артисты говорят, что гонорары за рубежом для украинцев намного ниже, чем из других стран. Насколько это правда?

– Конкретную сумму назвать сложно, здесь есть нюансы.

Во-первых, гонорар зависит от уровня артиста. Например, если мы выступаем на одной сцене с коллегами из Ковент-Гардена, Мариинского, Гранд-Опера, то мы получаем почти одинаковую сумму за счет своего мастерства.

Другой вопрос, что есть имидж театра. В мире есть театры, которые зарекомендовали себя – то есть, там государство вкладывает деньги в балетное искусство, из-за чего артист из Гранд-Опера может заработать больше, чем артист из Киева.

Но это исправимо – артист должен доказать, что танцует не хуже, а то и лучше, чем в другом именитом театре.

– То есть одна из проблем – в имидже театра. Какие болезни роста у Киевского театра оперы и балета?

– В балет не вкладывают достаточно средств, а это дорогое искусство. Постановка не может стоить, условно говоря, три копейки.

Например, в Англии выделяется 4 миллиона евро на постановку балета, а у нас могут выделить 20 тысяч гривен и делайте что хотите.

Национальной опере очень сложно конкурировать с такими гигантами, например, как Ла Скала, Большой, Гранд Опера – поскольку в эти страны приезжает ежедневно невероятное количество туристов – это одни из самых посещаемых городов в мире.

Эти театры могут себе позволить ставить высокую цену за билеты и делать новые дорогостоящие постановки. К тому же балет в этих странах поддерживается на государственном уровне в течении десятилетий.

Например, о Гранд Опера пишут книги, снимают кино, мультики – это тоже способствует увеличению интереса.

А у нас даже меценатство не развито. При этом в балетных кругах наш театр славится хорошей школой. Например, в прошлом сезоне в Киеве я танцевал с примой балериной Ла Скалла Петрой Конти, которая искренне радовалась, что ее пригласили на нашу сцену.

Но к сожалению, отечественный балет на сегодняшний день с трудом удерживает свою прежнюю позицию на мировой сцене. Для того, чтобы он и дальше находился среди лидеров, его необходимо поддерживать на государственном уровне.

– А какие сейчас заметны положительные изменения в украинском балете?

– Люди больше им интересуются. Даже артисты оперы нам немного завидуют.

Из позитивного – радует, что появляются новые постановки.

– Вы имеете в виду вашу премьеру "Дети ночи-2"?

– Не только. Например, в Украине плодотворно работает Раду Поклитару.

– А как возник балет "Дети ночи"? Насколько я понимаю, это же не вполне классический балет.

– Это неоклассика на основе классической хореографии. Можно сказать, что это попытка внедрения европейской хореографии в украинский театр, которая оказалась успешной.

В марте этого года состоялась премьера одноактного балета "Дети ночи", мы слышали очень много позитивных откликов и просьб со стороны зрителей сделать продолжение истории.

Кроме положительных отзывов от зрителей, постановку высоко оценили в том числе и в Минкультуры. Поэтому мы решили сделать продолжение.

19 и 20 октября состоится премьера второго акта балета "Дети ночи. Андрогин" и история получит свое долгожданное продолжение.

После премьеры в Киеве сразу делаем всеукраинский тур по другим городам Украины: Одессе, Харькове, Запорожье, Днепре и во многих других городах.

А после с этим спектаклем можно смело ехать в Европу и представлять Украину на достойном уровне. Ведь обычно украинский балет за границей презентует классику, а "Дети ночи" – это другой жанр. Уже кстати, есть договоренность про тур с этим спектаклем во Франции.

– Для тех, кто не видел первую часть, про что эта история?

– Это история об Андрогинах – мифических существах, которые когда-то обладали двумя парами рук и ног, двумя лицами на одной голове и которые возгордились своим могуществом, за что были наказаны Зевсом и разделены на две части – мужскую и женскую.

С тех пор каждая из этих частей вынуждена искать свою половинку. Фраза "Найти свою половинку" появилась благодаря этой легенде.

Андрогина танцуем мы с Екатериной Кухар. В спектакле нашу пару пытаются разделить Дети ночи – это соблазны, страхи, сомнения, которые приходят с наступлением ночи, эти партии танцуют солисты Национальной оперы Украины и которыми управляет Провидец. Он не хочет, чтобы половинки были вместе...

– Чем вы удивляете в спектакле?

Хореографией Александра Абдукаримова из Берлина, музыкой Антонио Вивальди, костюмами, которые выполнены с имитацией обнаженного тела, 3D-технологиями вместо декораций.

Это единственный спектакль, где я практически не ухожу со сцены в первом акте. Для меня это спектакль на выносливость, я постоянно нахожусь на сцене, то с кордебалетом, то в дуэте с Екатериной Кухар, то танцую сольно.

Кто-то из артистов нашего театра сказал хореографу, что мол, Стоянова можно "эксплуатировать" по полной, он все равно не устает. В итоге после первого дня впервые можно было увидеть меня лежавшим на полу сцены от усталости.

– А какие роли в вашем репертуаре вам особо дороги?

– Тореадор в "Кармен", "Дон Кихот", Конрад в "Корсаре" – они мне очень нравятся с точки зрения музыки, исполнения, харизмы.

"Ромео и Джульетта" и "Щелкунчик", потому что связаны с личными воспоминаниями. "Щелкунчик" – это первый наш совместный спектакль с Катей. А в "Ромео.." мы ничего не играли, потому что все чувства на сцене были неподдельными, искренними.

– В нескольких спектаклях вы исполняете роль принца – это такая сценическая карма?

– На самом деле роль принца не считается глубоко драматической, в отличии от роли Альберта в "Жизели" или того же Ромео. Не хочу показаться нескромным, но для роли принца важны хорошие физические балетные данные.

– Что вы конкретно имеете в виду?

– Нужно иметь правильные классические линии тела – за это спасибо моим родителям. Если таких природных данных нет, то даже безупречная техника исполнения не поможет.

– Принцев мало и на всех их не хватает… А конкуренция среди мужчин в балете есть?

– У мужчин в балете конкуренция намного меньше. И в этом проблема.

Когда рядом работают, к примеру, Денис Матвиенко или Леонид Сарафанов, Сергей Полунин (которые сейчас работают вне Украины – авт.), то был бы дух какого-то соперничества, азарта.

Думаю, что для начинающих артистов это было б определенным стимулом.

– Ваша жена в интервью говорила, что ее педагог Валерий Ковтун учил: "Чтобы не случилось в дуэтном танце, всегда виноват партнер". Насколько вы чувствуете ответственность за партнершу?

– Это 100%-ная правда. Например, во время танца в адажио зрители смотрят на балерину, но от партнера зависит четкость, слаженность ее движений. Да и в целом, красота и пластика танца.

На самом деле, я очень волнуюсь, когда танцую в дуэте, потому что полностью сконцентрирован на партнерше.

Дуэт – это отдельная наука, где учат как правильно делать поддержки, потому что значение имеют доли секунды.

– То есть мужчине легче танцевать сольные партии, чтобы не напрягаться?

– Не совсем. Когда ты молодой, полон сил и энергии, легче танцевать соло. А с возрастом, обычно уже прыжки даются труднее. Но чем старше артист, тем больше опыта и с каждым годом легче танцевать дуэтные партии.

Хотя бывают случаи, что в дуэте некоторые балерины не помогают – например, не отталкиваются от пола, и соответственно поднять ее над своей головой на вытянутые руки не так уж и просто.

– Они этого не делают из принципа или не умеют?

– В балете как и в сексе, если партнеры не чувствуют друг друга и у них нет диалога, то красивого и качественного дуэта, скорее всего, не получится.

– Танец – это большая физическая нагрузка. Есть ли какие-то профессиональные секреты от усталости?

– Главное – правильное дыхание. За счет него мышцы не забиваются и ты можешь распределить свои силы в танце.

С опытом ты уже знаешь в каких партиях и как можно распределить нагрузку: где поднапрячься, а где можно передохнуть. Дыхание – это очень важный фактор.

– Как и в опере.

– Да. Кстати, правильному дыханию научил меня мой друг-фаготист.

– Украинская оперная певица из Венской оперы Зоряня Кушплер в интервью говорила, что начать знакомство с оперой можно с раннего Верди- "Риголетто", "Травиаты".

А какой балет вы порекомендовали бы для новичков-зрителей?

– Чтоб рекомендовать важно понять какие у человека вкусы, но определенно всем, и детям и взрослым, нравится классическая постановка "Щелкунчик".

Еще в нашем театре есть интересная постановка Ярмоленко "Свадьба Фигаро" – это балет с юмором.

Тем кто идет впервые, также понравится яркая и красочная "Шехеразада".

Если хочется, более глубоко драматического, то – "Лісова пісня" или "Жизель" – это история о девушке, которая умерла узнав о измене любимого и после чего стала Виллисой. Вилисы выходят на землю из своих могил ночью и мстят мужчинам, одиноким путникам, за свое несостоявшееся женское счастье. С рассветом они снова исчезают.

– Легко ли быть мужем примы-балерины? Не чувствуете себя в тени?

– Не чувствую в тени, потому что в мире балета я признан как премьер. Порой смущает фраза, которую я сам запустил ради шутки год назад: "Муж Екатерины Кухар".

Долго уговаривал Катю взять мою фамилию, но пока есть сложности с документами. Хотя в балетных кругах ее называют Стоянова.

– Но официально вы не расписаны?

– Да. Мы только обвенчаны.

– Смотрите эфиры "Танцы со звездами" с Екатериной в качестве судьи?

– Конечно!

– В зале, рядом с женой, или дома?

– В прошлом году на первом эфире присутствовал непосредственно там и меня так трясло от волнения.

Так что в следующий раз остался дома смотреть. Уложил детей спать, а сам смотрю и еще больше нервничаю.

Третий раз – был в поездке, смотрел онлайн, но тоже было неспокойно.

Теперь решил, что если смотреть, то уже в самом павильоне, где проходит шоу. Также и на спектаклях – мы всегда стоим за кулисами и наблюдаем друг за другом, если кто-то из нас танцует на сцене с другим партнером. Это очень волнительно.

– Вы ревнивый?

– Да. Но Катя – более ревнивая.

– Как на ее поклонников реагируете?

– Хорошо. Я только рад, что она интересна людям. И это поклонники, которые восхищаются ее красотой, талантом и умом.

– А вас поклонницы атакуют?

– Я ж не медийная личность, чтобы прям атаковали. После спектаклей подходят и маленькие девочки, и женщины, просят автограф или селфи. Конечно, это приятно.

– В вашей семье кто занимает ведущую партию?

–У нас распределены обязанности. Например, все, что касается детей, то финальное слово за Катей.

Я разрешаю детям очень многое, но это не правильно. Хотя могу долго их баловать, а потом немного приструнить. Бывает по-разному.

Если мы на гастролях, то помогают родители жены и няня.

– Думали ли переехать жить в другую страну?

– Думали не об этом, а о том, где провести старость.

– Уже?!

– Стараюсь обо всем думать заранее. Наверное, когда, мы состаримся, хотелось бы иметь домик на берегу моря – в Италии, Испании или в Украине.

– Какой вы видите свою жизнь через 5-10 лет, чем хотите заниматься?

– Сейчас мне 31, а через 5 лет я уже, наверное, закончу танцевать. Балет это искусство молодых, поэтому им надо давать дорогу.

Мне интересна организация гастрольной деятельности, что собственно я и пытаюсь сейчас тоже делать. В перспективе хотелось бы иметь свою труппу, заниматься развитием театра, балета.

Ирина Голиздра, специально для УП.Жизнь

Все фото предоставлены пресс-службой артиста

===============================================
Фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Окт 31, 2018 7:37 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018103103
Тема| Балет, ЛНОБ, Премьера, Персоналии,
Автор| Александр Малнач
Заголовок| "Три мушкетера" Латвийской национальной оперы: один за всех и четверо на одного
Где опубликовано| © Sputnik Латвия
Дата публикации| 2018-10-31
Ссылка| https://sptnkne.ws/jUft
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Чешская франшиза на латвийской сцене: чего ожидать от новой постановки "Три мушкетера", пополнившей репертуар Латвийской Национальной оперы и балета


Foto: Andris Tone

Репертуар Латвийской Национальной оперы и балета (ЛНОБ) пополнился новой балетной постановкой — "Три мушкетера" на музыку чеха Яна Кучеры в хореографии и сценографии канадца Пола Чалмера. Качество спектакля, с одной стороны, позволяет надеяться на хорошие сборы, а с другой - желать смены курса, которым идет латвийский балет.

"Три мушкетера" - новинка только для латвийской сцены. Балет создавался по заказу Национального Моравскосилезского театра в Остраве, третьем по величине городе Чехии. Его премьера состоялась в марте 2017 года и... не ускользнула от внимания художественного руководителя латвийской балетной труппы Айвара Лейманиса. ЛНОБ приобрела права на этот спектакль.

Итак, "Три мушкетера" — чешская франшиза. Достоинства спектакля очевидны. Это полноценный балет, продолжительностью два часа двадцать минут с одним антрактом, позволяющий вывести на сцену большую часть труппы. Только сольных мужских партий в спектакле восемь и три главные женские партии, а ряд массовых сцен позволяет активно задействовать кордебалет. Короче говоря, есть что, где, кому и в чем показаться.

Балет отличается зрелищностью, на мой взгляд, даже чрезмерной. Афиша спектакля, изображающая великолепную полуобнаженную четверку в эффектном прыжке, вводит в заблуждение ценителей мужской наготы. На сцене все действующие лица одеты, насколько это позволяет театрально-балетная условность, по моде того времени, согласно социальному статусу и имущественному положению героев. От смены туалетов порою рябит в глазах.

Костюмы создала польская художница Анна Контек, основным местом работы которой является Национальная опера Финляндии. Между прочим, ткани для нарядов заказывались в Финляндии, Германии и Польше. Что ж, иностранные специалисты не забывают о поддержке иностранных же производителей.

"На сцене эпоха Людовика XIII, Франция с конкретными историческими персонажами. И я не понимаю, зачем решать такой роскошный материал в современном ключе. Я занималась стилизациями и совсем не против них, но, поверьте, делать достоверные костюмы интереснее и труднее", - заявила Контек в интервью Rus.lsm.lv.

Несомненно, и танцевать в таких костюмах труднее. Но что делать, эпоха барокко, которую авторы балета решили представить на современной сцене, была нелегким испытанием для тогдашних модников и модниц, особенно стоящих на верхних ступенях общественной лестницы. В этом плане балет "Три мушкетера" не лишен познавательной ценности для самой широкой аудитории.

Кстати, лестницы в спектакле — важный элемент сценографии. Они подобно лесам (Париж не сразу строился) обрамляют декорацию, на фоне которой происходит действие — что в столице Франции, что в столице Англии, что в покоях дворца, что снаружи.

Основная декорация представляет собой огромный средний занавес, изображающий фасад павильона короля на площади Вогезов, до революции именовавшейся Королевской. Именно здесь 24 ноября 1615 года простолюдины справляли свадьбу 14-летних Людовика XIII и Анны Австрийской, героев знаменитого романа Александра Дюма, по мотивам которого создавался балет "Три мушкетера".

Сценографию можно признать удачной. Правда, она довольно громоздка и забирает много места, что заметно стесняет танцовщиков. Но, с другой стороны, ограниченность сценического пространства создает иллюзию городской толчеи в уличных сценах и интимности домашних эпизодов.

Строительные леса и лестницы позволяют участникам спектакля быстро перемещаться, внезапно появляясь или исчезая, когда и где это нужно. Возникает ощущение множества входов и выходов, коридоров и закоулков, где может притаиться враг или спрятаться друг. Зритель невольно погружается в атмосферу придворных интриг и международных заговоров. А наличие в полупрозрачной декорации сквозного портала, благодаря меняющемуся освещению (художник по свету Евгений Виноградов), придает сценографии добавочную объемность и дополнительные возможности.

Спектакль начинается с увертюры, не обремененной сценическим действием. Когда же раскрывается большой занавес, зритель видит короля Людовика XIII и Ришелье, играющими в шахматы перед опущенным полупрозрачным передним занавесом, за которым один за другим появляются выхватываемые из мрака светом софитов главные герои балета — фигуры шахматной партии, затеянной кардиналом. Отличная идея эта, однако, никак не реализуется в дальнейшем, во всяком случае, в хореографии не обнаруживается ни малейших указаний на развитие шахматной темы. Все ограничивается намеком на роман между королевой и первым министром английского короля, герцогом Бекингемом.

На протяжении первого действия постановщику удается в целом идти по канве романа, хотя обычно удачливые любовники выпрашивают и получают в знак внимания батистовые платочки с инициалами своих возлюбленных, а не наоборот, как это мы видим в балете. Но это мелочь по сравнению с тем, что во второй части Миледи собственноручно закалывает Бекингема, осуществляя замысел Ришелье по похищению алмазных подвесок, подаренных Бекингему королевой Франции.

Но самым большой недостаток либретто балета — это отсутствие третьей части, в которой бы гибли от яда и меча палача героини-антагонистки — Констанция и Миледи. Оборвать историю на успешном для мушкетеров предприятии с подвесками, значило до крайности обеднить ее, сохранить фарс и выкинуть трагедию, без которой и любовь не любовь. Подозреваю, композитору и хореографу не достало таланта и вдохновения, чтобы от легкой игривости перейти к ненаигранному, подлинному страданию.

Музыка к балету, которую написал Кучера, вполне заурядная, с элементами стилизации под XVII век, местами не без приятности, но ни разу не берущая за душу. Под стать музыке и хореография — банальная, классическая в своей основе, местами с претензией на выразительность, но не более того.

И партитуре Кучеры, и хореографии Чалмера свойственна слабая прорисовка характеров. Даже мушкетеры — Атос, Портос и Арамис — лишены субъектности настолько, что их с трудом отличаешь одного от другого. Увы, женские образы также не блещут яркой индивидуальностью, партии королевы Анны, Констанции и Миледи, на мой взгляд, не отличаются острой характерностью. Они могли бы обменяться музыкой и движениями, а балет остался бы прежним. И вообще вы не найдете в нем тех остроумия и изысканности, которыми славятся постановки французских балетмейстеров.

К тому же и станцовано все было небезупречно. Верткому Карлису Цирулису в роли Д'Артаньяна не хватало устойчивости и твердости в приземлениях, как, впрочем, и его товарищам-мушкетерам (Аветик Карапетян, Герман Шевченко, Александр Осадчий). Раймонд Мартынов (Ришелье), напротив, был грузноват в танце и вместе с тем ему недоставало внушительности, психологической убедительности в пантомиме. Мне все время казалось, что Мартынов подражает Александру Трофимову, создавшему классический образ коварного кардинала в известном телефильме Юнгвальда-Хилькевича, но его потуги выглядели довольно легковесно, если не сказать комично.

Трактовка роли графа Рошфора (Рингольд Жигис), наоборот, кардинально отличается от привычной, но я бы не назвал ее удачной. Образ графа доведен почти до гротеска. Рошфор представлен закоренелым злодеем, чуть ли не бандитом с большой дороги на службе кардинала. Но ближе к финалу этот одноглазый бандит в черном оказывается храбрецом, в одиночку сражается с "героической" четверкой и, отвлеченный кем-то из мушкетеров, падает от предательского удара в спину, нанесенного д'Артаньяном, — один за всех и четверо на одного! Нелепый промах постановщика.

Гораздо увереннее коллег танцевал Артур Соколов (герцог Бекингем). Правда, я не мог отделаться от ощущения, что вижу на сцене Джона Сноу из "Игры престолов" (Арамис же подозрительно смахивал на Гарри Поттера), но образ героя-любовника Соколову скорее удался, чем нет. Хотя в роли герцога Бекингема он был несколько грубоват и простоват, особенно в сравнении с законным мужем Анны Австрийской. Вот исполненный достоинства и изящества Айден Вильям Конефри в партии Людовика XIII был совершенно на своем месте, и фактурно (один его нос с горбинкой чего стоит), и технически.

Кстати, Людовик был страстным любителем музыки, играл на лютне и клавесине, виртуозно владел охотничьим рожком и пел басом. Он с детства учился танцам и в 1610 году официально дебютировал в придворном "Балете Дофина". Король исполнял в придворных балетах благородные и гротескные роли, а в 1615 году в "Балете Мадам" выступил в роли Солнца. Автор куртуазных песен и многоголосных псалмов Людовик XIII написал музыку и для "Мерлезонского балета", для которого он же сочинил танцы, придумал костюмы и в котором сам исполнил несколько ролей. Так что сцены репетиции и бала-маскарада с участием короля и по замыслу, и по исполнению органично вписались в постановку.

Среди женских образов я отдал бы предпочтение Констанции, партию которой исполнила Юлия Брауэр. В ее танце было много грации и девичьей прелести. А вот триумф камеристки королевы в присутствии самой королевы в одной из сцен балета вызывает сомнения, а не забылась ли служанка, каким бы доверием госпожи она не пользовалась? Образы королевы и Миледи, на мой взгляд, выразительностью не отличались, но этот упрек, повторяю, следует отнести на счет хореографа, а не танцевавших эти партии Иевы Рацене и Аннии Копштале.

Технических погрешностей было досадно много, но я видел генеральную репетицию. Не сомневаюсь, труппа ЛНОБ подтянется, доработает синхронность движений, отполирует сложные элементы балета в ходе последующих представлений, ближайшее из которых состоится 9 ноября. Уже премьерные показы, я слышал, прошли с успехом. Публика была в восторге, и я от души желаю театру отбить вложенные в постановку средства.

Но в целом мне не кажется перспективным тот модус вивенди, который в течение года выработал худрук латвийского балета Айвар Лейманис. Если уж выписывать из-за рубежа готовые спектакли, то признанные шедевры, к числу которых "Три мушкетера" явно не относятся. Но еще лучше самим производить балетные спектакли мирового уровня (пусть у нас покупают), как приглашая иностранных хореографов, так и открывая настоящий простор для творчества домашним балетмейстерам.

Это, конечно, дороже, но иначе мы можем вообще остаться без балета. Насколько могу судить, проект "Возможно" пока не оправдывает возлагаемых на него надежд. А впрочем, у нас будет возможность проверить это: 12 апреля будущего года состоится вечер одноактных балетов, в первом части которого публике покажут "Гамлета" в хореографии Антона Фрейманиса, а во второй — "(Не) рассказывай мне сказки" в постановке Эльзы Леймане.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Окт 31, 2018 9:08 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018103104
Тема| Балет, Опера, Драма, "Золотая маска"
Автор| Татьяна Кузнецова, Ольга Федянина и Сергей Ходнев
Заголовок| Масковые взоры
Объявлены номинанты «Золотой маски»

Где опубликовано| © Коммерсантъ
Дата публикации| 2018-10-31
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3786661
Аннотация| "Золотая маска"

В Москве прошла пресс-конференция юбилейного, 25-го национального театрального фестиваля и премии «Золотая маска», на которой были объявлены номинанты — лучшие российские спектакли прошедшего сезона. О спорном, ожидаемом и очевидном в афише «Золотой маски» рассказывают Татьяна Кузнецова, Ольга Федянина и Сергей Ходнев.

Юбилейный год, да еще и в год театра, неизбежно означает пристальное внимание не только к афише «Золотой маски», но и к вопросу о месте самого фестиваля в нашей театральной топографии. Последняя тема недавно стала предметом дискуссии — после выхода Министерства культуры из состава организаторов «Маски» прозвучали опасения, не потеряет ли фестиваль значение и авторитет. Однако финансовая поддержка министерства у «Маски» остается, равно как и сотрудничество со Сбербанком, многолетним генеральным партнером фестиваля. Председатель Союза театральных деятелей Александр Калягин, отвечая на вопрос корреспондента “Ъ”, сказал, что считает решение министерства абсолютно правильным, своевременным и разумным, так как творческий процесс подразумевает независимость, а авторитет «Маски» определяется ее статусом профессионального всероссийского театрального смотра. Смотр в юбилейном году, действительно, получился внушительным — два экспертных совета посмотрели 1093 спектакля в более чем 100 городах, поставив, вероятно, мировой рекорд.

Драматический театр: в поисках нового репертуара

Драматический театр представлен в афише «Маски» 29 спектаклями, театр кукол — десятью. Больше половины драматических спектаклей (а именно 16 из 29) на этот раз приедут из регионов: «Маска» уже много лет последовательно поддерживает децентрализацию, которая театру и театралам во всех отношениях на пользу.

Самая заметная тенденция в режиссерской номинации — преобладание младшего и среднего поколения. Кирилл Серебренников (напомним, что он в этом году номинирован за спектакли, сделанные в условиях домашнего ареста), Константин Богомолов, Андрей Могучий, Михаил Бычков, Марат Гацалов, которых по инерции кто-то еще называет «спорными», на самом деле выглядят в этой номинации совершенно бесспорными, а Юрий Бутусов, Евгений Марчелли и Сергей Женовач просто уже находятся в статусе патриархов. Но большая часть номинантов — режиссеры, сделавшие свои заметные работы буквально за последние два-три года.

Из-за преобладания региональных театров сложно судить о том, насколько сильны актерские номинации. В качестве изящного парадокса обратим внимание на то, что за лучшую женскую роль в драме номинированы аж две исполнительницы мужских ролей — Дарья Мороз (Тузенбах в «Трех сестрах» МХТ) и Лаура Пицхелаури (Гамлет в спектакле Юрия Бутусова).

Самая интересная тенденция сезона, судя по афише, — репертуарная. Чехов и Шекспир присутствуют, но они явно не определяют характер юбилейной «Маски». Режиссеры все чаще выбирают современную и классическую прозу, документальную и художественную (в афише есть инсценировки Андрея Платонова, Кетиля Бьёрнстада, Гаяза Исхаки, Светланы Алексиевич, Гузели Яхиной), современных драматургов или сами создают текстовые коллажи для своих постановок.

Еще одна важная тенденция — рост конкуренции в номинации «Эксперимент», которая предназначена для неформатных театральных событий. Таких в современном театре становится все больше — как «эксперимент» в этом году номинированы 11 названий (в прошлом и позапрошлом годах их было соответственно 6 и 7). Правда, премию в результате получит кто-то один, и, может быть, уже пора подумать о том, чтобы в рамках «Маски» выделить неформату какой-то отдельный конкурс.

Балет и современный танец: узкая старина

Танцевальных номинантов тьма: 10 балетных и 9 современных спектаклей, 12 балетмейстеров (по традиции здесь суммируются все авторы, представившие оригинальный проект), дюжина номинантов-танцовщиков, 9 танцовщиц (балерина Музтеатра Станиславского Оксана Кардаш выдвинута за две роли). «Современность» корреспондент “Ъ” комментировать не берется, поскольку из всего списка видел всего три названия, но, возможно, как раз фаворитов. Это проверенный временем, огненно-темпераментный, с вкраплением непривычной для нас интерактивности «Минус 16» Охада Наарина в Музтеатре и свежую «Грозу» Ксении Михеевой из петербургского «Дома танца» Кэннон Данс — отличный образчик превращения литературной хрестоматии в оригинальный пластический спектакль.

Балеты-номинанты дают больше пищи для размышлений. Судьям придется выбирать между несопоставимыми спектаклями. Половину списка составляет старинная классика в новых редакциях, половину — хореографы XXI века, в том числе молодые знаменитости, впервые работавшие в России. Отличился Музтеатр Станиславского и его балетный худрук Лоран Илер, представивший в разных программах своих одноактных балетов «Тюль» шведа Александра Экмана и «Одинокого Джорджа» немца Марко Геке (это помимо попавшего в «современники» Охада Наарина) — спектакли, в мире уже признанные, но для России совсем непривычные. С оригинальным качественным балетом — постановкой Гойо Монтеро «Asunder», копродукцией с фестивалем «Context»,— выступила и Пермь. Но на репертуарный прорыв «Стасика» мог достойно ответить разве что Большой, показавший «Пьесу для него» — программу из четырех маленьких балетов, поставленных специально для солистов театра. Два из них исключительно удачны: редкий пример танцтеатра — «Любовная песня» Андрея Кайдановского, великолепно исполненная Екатериной Крысановой, Денисом Савиным и Игорем Цвирко, и замечательный «Послеполуденный отдых фавна» Сиди Ларби Шеркауи, в котором Вячеслав Лопатин встал вровень с лучшими мировыми исполнителями. Однако эксперты все скопом отправили в лонг-лист — из тех соображений, что «Пьеса для него» хотя и числится в репертуаре театра, но не значится в афише.

Что ж, печальный урок для Большого, пренебрегающего своими находками, и очевидная победа экспертов-консерваторов, поскольку старинные балеты доминируют на этой «Маске». Помимо явного фаворита — екатеринбургской «Пахиты», в редакции Вихарева—Самодурова превратившейся в балет действительно новаторской по способу реконструкции, в списке значатся «Дон Кихот» Йохана Кобборга (петербургский Театр балета имени Якобсона), пермский «Щелкунчик» в оригинальной, но вполне классической постановке Алексея Мирошниченко, «Ромео и Джульетта» Ратманского, пересаженные на сцену Большого, и два театра—дебютанта «Маски», воронежский и самарский, в которых Юрий Бурлака, наш главный специалист по старине, поставил «Корсар» и «Эсмеральду». При всем уважении к трудам провинциалов, едва ли эти спектакли, которые Бурлака в качестве соавтора уже ставил в Большом около десяти лет назад, выглядят сейчас лучше: не те кадры, финансы, постановочные возможности. И «осетрина второй свежести» едва ли добавит актуальности балетному театру.

Особняком в конкурсе стоит балет «Нуреев» — шлейф шумных скандалов, сопровождавший премьеру и арест автора, сценариста, режиссера и сценографа Кирилла Серебренникова, может помешать объективной оценке этого монументального сооружения. Следует отметить также отсутствие в музыкальном конкурсе петербургского Мариинского театра. Злого умысла экспертов тут нет, просто балет Мариинки, уже долгие годы прозябающий без репертуарной стратегии и серьезных хореографов, превратился в музей — прокатную площадку лучших экспонатов былых времен.

Опера: праздник непослушания

Из 28 номинаций, которыми в этом году отмечен Пермский театр оперы и балета, изрядная часть — оперные: выдвинуты «Жанна д`Арк на костре» Онеггера (в постановке Ромео Кастеллуччи драматическая оратория озаглавлена просто «Жанна на костре») и «Фаэтон» Люлли. Это соседство музыки ХХ века и барокко на самом деле для афиши предстоящего фестиваля, как выяснилось, крайне показательно. Среди восьми значащихся в перечне номинантов опер нет ни одного привычного широкой публике названия из классики XIX века («Сказание о невидимом граде Китеже» из Ижевска, а также целый выводок «Царских невест» упомянуты только в лонг-листе). Зато есть «Енуфа» Яначека в постановке Музтеатра Станиславского и помянутая «Жанна», а главное, сразу три новых оперных произведения. Точнее, совсем новых два: «Проза» Владимира Раннева (Электротеатр «Станиславский») и «Сны Иакова, или Страшно место» Александра Маноцкова (Фонд поддержки современного искусства «Живой город», Казань). Третье — это «Снегурочка» Александра Маноцкова, которая в постановке новосибирского театра «Старый дом» номинировалась на «Маску» в 2017-м (и таки победила в конкурсе «Эксперимент»), а теперь, словно какой-нибудь заправский репертуарный шлягер, возвращается в конкурс в новой, уже питерской постановке. Оба автора отмечены и в композиторской номинации, которая охватывает не только оперу, но и весь музыкальный театр и в которой нашлось место Юрию Красавину, выдвинутому за «свободную транскрипцию» музыки Дельдевеза и Минкуса к «Пахите», но вот партитуру «Нуреева» Ильи Демуцкого, тоже экспериментировавшего со старой балетной музыкой, отборщики прокатили на вороных.

Оперная старина у экспертов — благо сезон позволял — оказалась в фаворе самым наглядным образом. Что замечательно как жест и как принцип, но совершенно не снимает вопросов к вопиюще разному театральному качеству трех номинированных постановок: на одну доску поставлены «Альцина» в постановке Кейти Митчелл (Большой театр), нелепая режиссерская работа Бенжамена Лазара (пермский «Фаэтон») и сшитый на живую нитку гиньоль Константина Богомолова («Триумф времени и бесчувствия» в Музтеатре).

Зато в конечном результате за национальную театральную премию будут, получается, в числе прочих состязаться интернациональные звезды режиссуры Ромео Кастеллуччи и Кейти Митчелл, а также именитые дирижеры-барочники Андреа Маркон и Венсан Дюместр. Когда такое бывало? Впрочем, если говорить о частных номинациях, то занятнее всего выглядит список претендентов на лучшую мужскую роль в опере, где оказался весь вокальный состав «Триумфа времени и бесчувствия» без разбору, а также не поющий актер Дени Лаван (брат Доминик в «Жанне»): рассчитанное хулиганство, такое театральное, что его самого хоть в номинацию «Эксперимент» включай.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Ноя 15, 2018 11:00 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Окт 31, 2018 9:14 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018103105
Тема| Балет, Драма, "Золотая маска"
Автор| Светлана Хохрякова, Павел Ященков
Заголовок| Объявлены номинанты "Золотой маски": премии исполняется 25 лет
Александр Калягин поддержал инициативу Минкульта

Где опубликовано| © Московский Комсомолец
Дата публикации| 2018-10-31
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2018/10/31/obyavleny-nominanty-zolotoy-maski-premii-ispolnyaetsya-25-let.html
Аннотация| "Золотая маска"

25 лет исполняется фестивалю и премии «Золотая маска». Совсем недавно в Министерстве культуры РФ заявили о выходе из числа ее организаторов. Велика вероятность, что будет учреждена альтернативная театральная премия, как у нас любят.

Александр Калягин выступил программно и эмоционально: «Золотая маска» — дело актеров, критиков, художников, композиторов, постановщиков. Это наше дело. Что касается других премий, родные мои, я за то, чтобы было больше фестивалей. Мы пробили Год театра, в котором будут задействованы все регионы страны. Для нас важно, чтобы он проникал всюду. Есть Чеховский фестиваль, есть фестивали в регионах. Это прекрасно! Фестивальное движение умножается, и пусть это происходит. Скоро опубликуют программу Года театра, и вы увидите, какое масштабное фестивальное движение у нас существует. Все очень хорошо. Театр у нас сильно развивается».

Смотрим список номинантов. Режиссеры, еще недавно числившиеся в среднем поколении, перешли в старшую категорию. Самыми почтенными по возрасту оказались Сергей Женовач и Евгений Марчелли. 92‑летняя актриса Майя Ивашкевич, выходившая еще на сцену Камерного театра во времена Таирова, номинирована за роль второго плана в «Маленьких трагедиях» Кирилла Серебренникова в «Гоголь-центре». В лидерах оказалась режиссер кукольного театра Яна Тумина и художник Кира Камалидинова — они представлены сразу с тремя спектаклями. Самой скромной по числу фигурантов оказалась «Работа драматурга» — пять имен в четырех номинациях. Театры по-прежнему современному слову предпочитают проверенные временем тексты.

Откроют юбилейную «Маску» гастроли БДТ им. Г.А.Товстоногова, отмечающего 100‑летие. В Москву привезут пять его спектаклей. Готовится большая зарубежная программа, куда войдет спектакль Кристофа Марталлера «Знакомые лица, запутанные чувства» в берлинском «Фольксбюне». 27 марта в Большом театре наградят почетных лауреатов «Золотой маски», а 16 апреля на исторической сцене главного театра страны пройдет основная церемония. Первыми впечатлениями от списка номинантов в области балета «МК» уже готов поделиться.

Лидером по количеству номинантов в области балета, как это можно было предсказать заранее, был балет «Нуреев» Большого театра — девять номинантов в семи номинациях. Причины в этом отнюдь не политические, а выдающиеся художественные достоинства самого спектакля. Помимо основной номинации множество частных: лучшая работа хореографа — Юрий Посохов, дирижера — Антон Гришанин, художника спектакля — Кирилл Серебренников, художника по костюмам — Елена Зайцева, художника по свету — Александр Сиваев. И наконец, лучшие актерские работы: в женских ролях не отмечен никто (из балерин от Большого театра на «Маску» номинирована Екатерина Крысанова за партию Джульетты в балете Ратманского «Ромео и Джульетта»; отмечен и сам спектакль), зато у мужчин Большого целых три номинации — Владислав Лантратов за партию Нуреева, Денис Савин за партию Эрика Бруна и Вячеслав Лопатин за партию Ученика. Тут с уважаемым экспертным советом можно поспорить, потому что образ Нуреева у других артистов (Артема Овчаренко и Игоря Цвирко) получился убедительнее. Но показательно единодушие в оценке спектакля.

Вровень с «Нуреевым» по количеству номинантов и номинаций лишь спектакль «Пахита» Вячеслава Самодурова (выдвинуто девять номинантов по восьми номинациям). Как видно, любимец балетного экспертного совета «Золотой маски» хореограф Вячеслав Самодуров и его спектакль «Пахита» по количеству номинаций за счет выдвижения композитора (в редакции Вячеслава Самодурова и Сергея Вихарева у классической «Пахиты» помимо Эдуара Дельдевеза и Людвига Минкуса появился еще один композитор — Юрий Красавин) опередил даже «Нуреева»: у «Нуреева» номинаций только семь. Другой претендент на лидерство — «Щелкунчик» Алексея Мирошниченко (семь номинантов).

Отличилась в этом году и прима Музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко Оксана Кардаш — в номинации «Лучшая женская роль в балете» она выдвинута дважды: за партию в балете Марко Гекке «Одинокий Джордж» и за балет известнейшего шведского хореографа Александра Экмана «Тюль» (естественно, выдвинуты и сами эти спектакли). Вопросы у критиков возникли к решению экспертного совета не выдвигать в шорт-лист «Маски» сборной программы Большого театра «Пьеса для него»: спектакль под 28‑м номером попал лишь в лонг-лист «Маски». В этом спектакле как минимум четыре выдающиеся работы: балет Андрея Кайдановского «Любовная песня» («Love song») и роли в нем Дениса Савина и Игоря Цвирко, а также выдающаяся пластическая работа Вячеслава Лопатина в балете марокканца Сиди Ларби Шеркауи «Фавн».


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Ноя 15, 2018 11:01 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Ноя 01, 2018 1:53 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018103201
Тема| Балет, ГКД, IX МЕЖДУНАРОДНЫЙ KREMLIN GALA «ЗВЕЗДЫ БАЛЕТА XXI ВЕКА»
Автор| Александр Фирер
Заголовок| ТАНЦОВЩИКИ – В АВАНГАРДЕ
НА СЦЕНЕ ГОСУДАРСТВЕННОГО КРЕМЛЕВСКОГО ДВОРЦА ПРОШЕЛ IX МЕЖДУНАРОДНЫЙ KREMLIN GALA «ЗВЕЗДЫ БАЛЕТА XXI ВЕКА»

Где опубликовано| © Журнал "Музыкальная жизнь"
Дата публикации| 2018-10-30
Ссылка| http://mz.kmpztr.ru/tancovshhiki-v-avangarde/
Аннотация|



В программе нынешнего гала традиционно перемешана и сбалансирована популярная классика и современные номера, также были представлены пять российских и две мировые премьеры. Худрук проекта премьер Государственного балета Берлина Михаил Канискин лихо справился со своими обязанностями: концерт удовлетворял любым вкусам и запросам, была представлена талантливая молодежь и прославленные мастера. Среди приглашенных исполнителей профессиональной доблестью, артистической индивидуальностью и харизмой выделялись солисты-мужчины.

Экс-премьер Американского театра балета знаменитый Марсело Гомес, пробующий свои силы на ниве хореографии, показал два собственных сочинения. Номер «Паганини» он исполнил со скрипачом Никитой Борисоглебским. В пластически инструментальном диалоге обаятельный Гомес разыграл исповедальное творческое кредо. Монолог о жизни в танце сочетает иронию, мастерские приемы ремесла танцовщика, виртуозности и чуткое ансамблевое взаимодействие. На технические паганиниевские пассажи скрипача артист отвечал танцевальным брио или ловко и намеренно изворачивался. В дуэте «Друг» на музыку Шопена Гомес с Томасом Форстером сумели «распутать» весь противоречивый клубок взаимоотношений в мужской дружбе. Уникальные партнерские качества артиста придавали глубину и прочувствованное звучание всей драматургии номера.

Виртуозный премьер Нью-Йорк сити балета Даниэль Ульбрихт исполнил свой номер «Tatum Pole Boogie» с крейсерской скоростью и зажигательным драйвом буги-вуги. В «Тарантелле» Баланчина Ульбрихт был артистически неподражаем, а отшлифованный блеск его техники напомнил об эпохе записных баланчинистов.

Выдающийся итальянец Роберто Болле, представляющий балет театра Ла Скала и Американский балетный театр, в миниатюре «Проходя через свет» в хореографии Массимильяно Вольпини с видеопроекциями Дмитрия Симкина показал себя во всем эстетическом великолепии и совершенстве формы. Фактически он превратил номер в гимническую оду красоте человеческого тела. А в другом опусе «Моно Лиза» Ицика Галили, исполненном с Марией Эйхвальд, он блестяще подтвердил свое реноме надежного и сильного партнера, способного бесшовно соединить любые дуэтные каверзы на грани акробатического риска.

Любимец публики Иван Васильев из Михайловского театра демонстрировал браваду в бежаровском «Влюбленном солдате», Осиель Гунео из Баварского государственного балета апробированно трюкачил в «Диане и Актеоне» из «Эсмеральды», а Артем Овчаренко из Большого уравновешивал их своим невозмутимым спокойствием классика в оберовском Grand pas classique.

Александр Рябко из Гамбурского балета и Михаил Канискин из Берлина блистательно проявили себя в паре соответственно с Сильвией Аццони и Элизой Карийо Кабрерой. Они сумели за годы совместного творчества образовать дуэты, живущие как единый организм. В красивом номере Наталии Хоречной на музыку Баха «Любовь в свободном полете» эти пары участвовали вместе. Хореограф, ставя квартетную миниатюру на них, сумела разгадать не только уникальные ансамблевые исполнительские качества артистов, но и их характер, а танцовщики красиво донесли любовную трепетность отношений.

Знаменитая Люсия Лакарра образовала новый дуэт с испанцем Хосе Ульяте. Не устаешь поражаться ее способности создавать гармоничный ансамбль с любым партнером. В номере «Бурка» Эдуардо Лао на музыку Dead can dance «Праязык» и «Паданец» Лакарра оказывается ведущей: по-прежнему восхищает ее элегантность ловких перетеканий, а отчетливая и выразительная каллиграфия ног и стоп балерины красноречивее любых слов.

Артисты Большого театра Анастасия Винокур и Денис Савин актерски точно исполнили на миниатюру военную тему «Романс» Георгия Свиридова – Дмитрия Брянцева.

Приятным открытием стало выступление молодых артистов из Венского государственного балета в номере «Соло» Ханса ван Манена на музыку Баха, в котором они раскрывают объятия красоте сангвинического танца. А немецкие студенты балетной школы, объединившиеся в Молодежный балет Берлина, показали непростой номер «Этот безумный длинный день» Марко Гёке (музыка Нины Симон): пластической колкостью, бешеным темпом, юношеским драйвом они увлекли и покорили зал. Будущее современного танца выглядит радужно.

ФОТО: ПРЕДОСТАВЛЕНО ПРЕСС-СЛУЖБОЙ ФЕСТИВАЛЯ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Ноя 01, 2018 2:27 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018103202
Тема| Балет, ГКД, VII МЕЖДУНАРОДНЫЙ ФЕСТИВАЛЬ БАЛЕТА
Автор| Александр Фирер
Заголовок| ВАРИАЦИИ НА ТЕМУ КЛАССИКИ
Где опубликовано| © Журнал "Музыкальная жизнь"
Дата публикации| 2018-10-30
Ссылка| http://mz.kmpztr.ru/__trashed-2/
Аннотация|

НА СЦЕНЕ ГОСУДАРСТВЕННОГО КРЕМЛЕВСКОГО ДВОРЦА С АНШЛАГОМ ПРОШЕЛ VII МЕЖДУНАРОДНЫЙ ФЕСТИВАЛЬ БАЛЕТА



Фестиваль стал неотъемлемой частью кремлевской балетной осени. Его концепция предусматривает гастрольный ввод мировых звезд, тщательно выбираемых продюсером Айдаром Шайдуллиным. В программу фестиваля-2018 вошли пять классических спектаклей из репертуара труппы «Кремлевский балет» с участием приглашенных на главные партии прим и премьеров балета из Мариинского театра, Парижской национальной оперы, Американского балетного театра, Балета Дортмунда, Баварского балета, Государственного балета Берлина, Норвежского национального балета. А иерархическая верхушка Кремлевского балета достойно укрепила общий танцевальный уровень. Труппа, руководимая Андреем Петровым, сегодня пребывает в отличной профессиональной форме. Достаточно высок уровень солистов, отменно отрепетирован кордебалет.

Фестиваль открылся балетом «Эсмеральда». Прима из Мюнхена Лауретта Саммерскейлс в заглавной партии поразила глубиной интерпретации. Ее дебют в Москве прошел с огромным успехом. Она не только безупречно танцевала, но и актерски была очень органична и драматична.

«Лебединое озеро» с солистами из Берлина москвичкой Полиной Семионовой (Одетта-Одиллия) и кубинцем Алехандро Вирейесом (Принц Зигфрид) превратилось в поэму о любви. Высокая, эффектная красавица Семионова была неподражаемой Одиллией, чары которой покоряли не только Принца, но и всю аудиторию гигантского зала ГКД. Как истинной женщине ей ведомы все рычаги манипулирования мужчиной. Принц оказывался напрочь околдованным. А в образе Одетты Семионова сражала мягкой лиричностью и музыкальной чуткостью. Коньком же кубинца стала его природная сценическая органика: он с влюбленным трепетом подавал балерину и был чуток как партнер, а его мягкий элегантный танец подчеркивал благородное происхождение его героя.

Этуаль Доротэ Жильбер из Парижской Оперы и Иштван Симон, приглашенный солист Дортмундского балета, составили гармоничный дуэт в «Жизели». Танцовщики яркого артистического обаяния и эстетически прекрасно сложенные с психологической достоверностью прожили в этом спектакле. Жильбер не только безукоризненно исполнила каверзную вариацию Жизели в первом акте, но и внесла в роль свои танцевальные нюансы, французский шарм мелкой техники и изящество танцевальных связок. Иштван Симон прирожденный Граф Альберт: выигрышная внешность танцовщика, его благородство, манеры строгого художественного вкуса и чистый рисунок классического танца – все идеально работало на образ.

Москвичка Мария Кочеткова, прима-балерина из Осло, продемонстрировала безупречную виртуозную технику и обаяние своеволия в партии Китри в балете «Дон Кихот». Ее партнер Даниил Симкин, премьер Американского театра балета, – виртуоз «в квадрате». Мало танцовщиков в мире танца, кто сегодня владеет таким техническим арсеналом. Более того, любой трюк Симкина пронизан энергией, упоительным ликованием движения и выполнен с отточенной завершенностью. Кочеткова и Симкин – давние знакомые по сцене, чувствуют друг друга с полувзгляда, что позволяет им достичь полной артистической свободы. Опытные мастера подарили праздник своим «Дон Кихотом», ставшим настоящим танцевальным фейерверком.

В «Баядерке» солировали артисты Мариинского театра статные Екатерина Кондаурова и Тимур Аскеров. Обертона их индивидуальностей насытили спектакль особым драматическим содержанием и атмосферой исповедальности. Мужественный Солор Аскерова и ранимая Кондаурова не только красиво сочетались внешне, но и в танцевальном ансамбле актерски дополняли друг друга.

В эшелоне вторых ролей особенно запомнились солисты Кремлевского балета блистательная Ирина Аблицова, Екатерина Первушина, Олеся Дмитракова, Александра Криса, Алина Каичева, Даниил Росланов, Егор Мотузов, Михаил Евгенов, Никита Иванов.

Нынешний фестиваль был обрамлен детскими спектаклями «Аленький цветочек» в хореографии Андрея Петрова на музыку Владимира Купцова и «Чиполлино» Карена Хачатуряна в постановке Генриха Майорова. Балетный форум в Кремле успешно расширяет свою аудиторию.

ФОТО: ЛИДИЯ САМСОНЕНКО
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Ноя 02, 2018 4:54 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018103203
Тема| Балет, XVIII Фестиваль классического балета имени Аллы Шелест (Самара)
Автор| Валерий ИВАНОВ
Заголовок| Магия Мариуса Петипа
Где опубликовано| © «Свежая газета. Культура» №№ 15-16 (144-145)
Дата публикации| 2018-10-31
Ссылка| http://samcult.ru/episodes/16542
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


Сцена из балета «Баядерка» Л. Минкуса.
Никия (Элеонора Севенард),
Солор (Денис Родькин)


19 октября в Самарском академическом театре оперы и балета взял старт XVIII Фестиваль классического балета имени Аллы Шелест.


Фестиваль занимает достойное место в череде именных балетных фестивалей, проводящихся в нашей стране. Его биография началась в 1994 году, когда по инициативе театроведа заслуженного работника культуры России Светланы ХУМАРЬЯН в театре состоялся вечер «В честь Аллы Шелест», посвященный 75-летию выдающейся балерины, замечательного педагога и балетмейстера, возглавлявшей с 1970 по 1973 год куйбышевскую балетную труппу. Алла Яковлевна Шелест присутствовала на этом вечере, а также на фестивалях 1995 и 1997 годов. Спустя два года, в марте 1999-го, в Самаре состоялся вечер памяти Шелест, незадолго до этого ушедшей из жизни.

По сложившейся традиции на каждом из самарских фестивалей делается акцент на одной из граней творческой личности Шелест. Не стали исключением прошлогодний и нынешний фестивали, посвященные 200-летию со дня рождения великого русского балетмейстера Мариуса Петипа. Будучи воспитанницей Вагановой, Шелест в своем творчестве неукоснительно следовала традициям петербургской школы классического танца, которая сложилась и окончательно утвердилась в балетах этого мастера. Шелест являлась и непревзойденной исполнительницей хореографии Петипа.

Нужно сказать, что по масштабам празднования юбилея Петипа наш город в полном смысле слова «впереди планеты всей». Памятные акции в оперном театре начались задолго до 11 марта 2018 года – дня его рождения. Программу прошлогоднего фестиваля, наряду с репертуарными спектаклями театра в хореографии Петипа, составили реконструированные и представленные в новой хореографической редакции главным балетмейстером театра Юрием БУРЛАКОЙ фрагменты его балетов, не идущих на самарской сцене.

В двухактном балете-дивертисменте Grand pas Петипа, премьера которого состоялась в ноябре 2017 года, венок показанных на фестивале реконструкций Бурлаки пополнился новыми номерами. Главным событием юбилейного марафона стала осуществленная Бурлакой постановка выдающегося творения Петипа – балета Цезаря Пуни «Эсмеральда» (премьера 9 декабря 2017 года). Остается добавить, что нынешней осенью в одном из центральных скверов Самары в честь Петипа установили, – правда, скроенную из металлических лент – скульптурную композицию «Архитектура танца».

***

На шелестовском фестивале 2018 года вновь представлена ретроспектива реконструированных Бурлакой творений Петипа. Присутствуют репертуарные спектакли театра с хореографией мастера – на сей раз это «Баядерка», «Эсмеральда» и «Спящая красавица», а также работы ведущих отечественных балетмейстеров XX столетия, творчество которых символизирует эпоху «После Петипа».

Масштабный, разнообразный по жанрам и стилистике номеров вечер-дивертисмент «Шелест-гала», которым открылся фестиваль, начался с па-де-катра «Розарий» из балета «Пробуждение Флоры» – подернутой романтическим флером танцевальной сюиты с участием античных богов. Мягкая, элегичная музыка Риккардо Дриго и воплощающая высокую поэзию хореография Петипа погрузили зрителей в атмосферу безмятежного покоя и гармонии. Этому способствовало и очень достойное исполнение Вероники Земляковой – богиня цветов Флора, Дарьи Климовой – богиня рассвета Аврора, Анастасии Тетченко – богиня ночи Диана и Екатерины Панченко – богиня молодости Геба. Танцевальная пластика балерин, участвовавших в премьерном представлении этого номера, обрела еще больше свободы, непринужденности и выразительности в сочетании с четким соблюдением классических канонов.

Столь же успешной оказалась и исключительно яркая по оформлению и костюмам, насыщенная колоритными танцами и броскими мизансценами сюита из балета Дриго-Петипа «Арлекинада», представляющего собой фантазию на темы знаменитой итальянской комедии дель арте с ее традиционными персонажами Арлекином, Коломбиной, Пьеро, Пьереттой и их друзьями. Арлекин – значительная удача Сергея Гагена, соединившего в своем исполнении отточенную танцевальную технику и психологическую выразительность образа. Трогателен и гармоничен дуэт Гагена и Марины Накадзимы – Коломбины.

Менее удачным показалось па-де-де Раймонды и Жана де Бриена из балета Александра Глазунова-Петипа «Раймонда». Главной героине – Екатерине Панченко и особенно ее кавалеру – Дмитрию Пономареву на этот раз недоставало стилистической точности исполнения, изящества и изысканной утонченности танцевальной пластики, столь желанных в этом балете.

С особым интересом ожидалось знаменитое па-де-де Дианы и Актеона – вставной номер, который был сочинен Агриппиной Вагановой на музыку Цезаря Пуни и Риккардо Дриго для осуществленной ею в 1935 году постановки «Эсмеральды» в Ленинградском театре оперы и балета. В самарской «Эсмеральде», максимально приближенной Бурлакой к первоисточнику Петипа, этот номер, естественно, отсутствует. Дуэт требует от артистов недюжинной личностной харизмы, особого апломба и эмоциональной распахнутости. Вероника Землякова и недавно принятый в самарскую труппу выпускник Пермского хореографического училища, дипломант и обладатель специального приза пермского балетного конкурса «Арабеск» 2016 года «За верность традиции мужского классического танца» Парвиз Кумайдонов, исполнившие па-де-де в концерте, – на пути к преодолению его подводных камней.

Эти и другие реконструированные Бурлакой отличающиеся один от другого по форме и характеру номера с хореографией Петипа, которые пополнили репертуар театра, расширили представление самарских зрителей о наследии мастера, а артистам самарской балетной труппы дали возможность раскрыться по-новому, обогатить палитру своих выразительных средств.

Вот несколько номеров эпохи «После Петипа». Это исполненное Екатериной Панченко и Кириллом Софроновым адажио из репертуарного спектакля театра «Анюта» на музыку Валерия Гаврилина с хореографией Владимира Васильева, колоритное адажио из мало кому известного сегодня балета «Ледяная дева», сочиненного в 1927 году Федором Лопуховым на музыку Эдварда Грига, с технически сложной, содержащей элементы акробатики женской партией, в котором удачно показались Вероника Землякова и Кирилл Софронов. Номером «на вырост» остается пока что для Марины Накадзимы и особенно для Дмитрия Сагдеева дуэт Сюимбике и Али-Батыра из балета Фарида Яруллина – Леонида Якобсона «Шурале». Создалось впечатление, что способные артисты отнеслись к этому номеру без должного пиетета, не прониклись его национальным колоритом, духовной красотой, поэзией и искренностью чувств персонажей.

Планка шелестовского фестиваля высока. За прошедшие годы в его спектаклях и концертных программах приняли участие многие прославленные мастера и талантливые молодые артисты, занимающие сегодня ведущее положение на лучших театральных подмостках. Эта традиция сохраняется и на нынешнем фестивале.

***

Подлинный класс показали выступившие в программе «Шелест-гала» столичные гости. Солисты Мариинского театра Анастасия Колегова и Андрей Ермаков средствами балетной пластики сумели передать прихотливую, насыщенную экспрессией сказочную атмосферу сцены Жар-птицы и Ивана-царевича из балета Игоря Стравинского – Михаила Фокина «Жар-птица». Особенно успешным оказалось исполнение петербуржцами па-де-де из балета «Корсар».

Если Анастасия Колегова – дебютантка шелестовского фестиваля, то Андрей Ермаков запомнился своим великолепным выступлением на фестивале 2013 года, на котором с коллегой по труппе Оксаной Скорик с блеском и академическим шиком исполнил адажио из «Легенды о любви» Асафа Меликова – Юрия Григоровича и па-де-де из «Корсара». Ермакову в равной степени доступны лирико-драматические и героические партии. Его танец отличают особые выразительность, атлетизм и виртуозность. Не случайно он был постоянным партнером несравненной Ульяны Лопаткиной. Их выступление посчастливилось видеть в 2015 году в гала «Ave Майя» на сцене Большого театра в честь 90-летия со дня рождения великой Майи Плисецкой.

Программу «Шелест-гала» завершил самый, пожалуй, ударный концертный номер – знаменитое па-де-де из балета Минкуса «Дон Кихот», без которого не обходится ни одна концертная программа и ни один балетный конкурс. Его исполнили давний любимец самарской публики звездный премьер Большого театра Денис Родькин, для которого нынешнее участие в шелестовском фестивале уже четвертое по счету, и дебютантка фестиваля юная балерина Элеонора Севенард, принятая сразу по окончании в 2017 году санкт-петербургской Академии русского балета имени Вагановой в балетную труппу Большого театра.

Не выходя за рамки ставшего традиционным хореографического рисунка популярного номера и не пытаясь усложнить его головокружительными трюками, Денис Родькин тем не менее сумел добиться редкостного эффекта, продемонстрировав весь арсенал своего виртуозного мастерства, приправленного яркой эмоциональностью и исполнительским драйвом. Не подвела и его юная партнерша, снискавшая симпатии зрителей незаурядной техникой, задором и грацией.

И все же главным испытанием для Севенард стала фестивальная «Баядерка», в которой она с благословения своей наставницы в Большом театре Светланы Адырхаевой решилась впервые выйти в партии Никии – одной из сложнейших в мировом классическом репертуаре. У Севенард, успешно выступившей на нескольких конкурсах, ведущих партий не так много. Но, как говорится, смелость города берет. В своем премьерном спектакле Элеоноре многое удалось – в основном, в преодолении технических сложностей партии. Наиболее удачным для нее стал последний – «белый» акт, где правит бал чистый танец. Однако говорить о полноценном вживании Элеоноры Севенард в образ, о достоверной передаче ею всех драматических перипетий, связанных с главной ролью, пока что рано.

Это не могло не сказаться на общем эмоциональном тонусе спектакля, в котором в этот вечер была не одна удачная работа солистов, достойно поддержавших классичность постановки «Баядерки», воспроизведенной на самарской сцене Габриэлой Комлевой в 2012 году по канонам петербургской школы. В их числе Вероника Землякова – Гамзатти, Марина Накадзима, Екатерина Панченко и Анастасия Тетченко – трио теней. И, конечно же, Денис Родькин, стилистическая точность и не лишенная внутренней энергетики обволакивающая текучесть танцевальной манеры которого сочетаются с изяществом и благородством сценической фактуры. Родькин предстал идеальным воином Солором. Мужественность и нервная утонченность артиста добавили этому персонажу нечто особенное на фоне интерпретаций других исполнителей, делающих акцент на его восточном колорите. В общем, не случайно в 2017 году за партию Солора Родькин получил премию «Бенуа де ла данс».

В романтически просветленной сцене «Тени» достойно показался женский кордебалет, порадовав слаженностью и синхронностью движений в, кажется, не имеющем конца потоке арабесков. Созданию волнующей атмосферы на протяжении всего действия способствовал оркестр под управлением дирижера-постановщика спектакля эмоционального Андрея Данилова.

Вообще, «Баядерка» в программах шелестовского фестиваля – отдельная тема. По сравнению с другими балетами ее показ на нынешнем, восемнадцатом фестивале стал рекордным – десятым по счету. Это не случайно. Именно в «Баядерке», самом, пожалуй, петербургском по стилистике балете, ярчайшая представительница петербургской школы Шелест явила один из своих сценических шедевров – исполненный глубокого трагизма образ Никии.

Какие только звезды и незаурядные индивидуальности не принимали участия в фестивальных спектаклях «Баядерки»! Достаточно вспомнить непревзойденную Ульяну Лопаткину, которая по личному приглашению Аллы Яковлевны Шелест на ее третьем именном самарском фестивале 1997 года исполнила партию Никии в «Баядерке», поставленной в 1986 году Игорем Чернышевым.

Окончание – в следующем номере газеты.

Валерий ИВАНОВ

Музыкальный и театральный критик, член Союза журналистов России, Международного союза музыкальных деятелей, Союза театральных деятелей России.

Фото Антона СЕНЬКО предоставлены театром
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18953
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Ноя 06, 2018 12:41 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018103204
Тема| Балет, Академия русского балета им. А. Я. Вагановой, Персоналии, Николай Цискаридзе
Автор| Арина Абросимова
Заголовок| "Та жизнь закончилась — началась другая, но это только начало..."
Дети всегда понимают, кто вы и что можете, уверен Николай Цискаридзе

Где опубликовано| © журнал "Русский мир", стр. 14-21
Дата публикации| 2018 октябрь
Ссылка| https://rusmir.media/2018/10/05/ziskaridze
или https://rusmir.media/files/numbers/pdf/RM_10-2018.pdf#page=16
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Блестящая карьера в Большом балете и ее в чем-то парадоксальное, а в чем-то естественное продолжение в Академии русского балета им. А.Я. Вагановой для народного артиста России Николая Цискаридзе — длинная цепь крутых виражей. Он умеет держать удар, потому что его очень много раз "били" — и не только в "террариуме единомышленников". Сама жизнь испытывала его силы и терпение.

— Николай Максимович, в октябре исполняется пять лет, как вы возглавили Вагановскую академию. Это хоть и небольшой, но значимый для вас юбилей. И пять лет прошло с момента вашего расставания с Большим театром. Ваша жизнь сильно изменилась?

— Когда человек танцует — это одна профессия, когда не танцует — вообще другая профессия. Это просто две жизни, не связанные друг с другом. До академии я был педагогом Большого театра почти одиннадцать лет. И знаете, это очень большая разница: работать с артистами и работать с учениками. Вроде делаешь одно и то же, только здесь, в академии, ты учишь, а там — учатся только те, кто хочет. Специфика разная. А что касается меня, я все тот же. Слава богу, та жизнь закончилась — началась другая, но это только начало...

— И Большой театр сейчас другой?

— Понимаете, Большой театр никогда не бывает "другим". Балетный театр должен обновляться чаще, потому что карьера любого артиста гораздо короче... И Большой театр — тот же, репертуар — тот же, но отношение ко всему зависит от руководителя. К сожалению, основная масса имеет мало отношения к тому, как должно быть, когда ты приходишь в театр навсегда, чтобы прожить жизнь и умереть. Большой всегда был "театр-дом", и все, кто там служил, это понимали. А вот когда это — такая точка между гастролями, это не имеет отношения к великому Большому театру, вот и все.

— Вопрос отношения...

— Да. И это кризис не только Большого театра, но и МХТ, и БДТ, и многих театров, к сожалению! Все изменилось, нет того таинства, и новое поколение... Я, например, записывал все свои спектакли 21 сезон. Но последние два-три года работы, не выходя из театра, я мог посмотреть в Интернете, как станцевал вариацию, поскольку какие-то зрители постоянно снимали и сразу делились впечатлениями. Артист еще не вернулся со спектакля домой, а уже все выложено в Интернете! И страшный "полив" на каких-то сайтах начинается, а люди и в зале не были, смотрели все по ютьюбу!


Фото: Из архива АРБ имени А.Я.Вагановой
Поклоны воспитанников академии на сцене БКЗ "Октябрьский". Сюита из балета "Фея кукол" (музыка Й. Байера), хореография Николая и Сергея Легатов (1903), К.М. Сергеева (1989), возобновление и редакция Н.М. Цискаридзе (2015)


— О Мариинском театре в прессу мало просачивалось негативной информации...

— Сейчас я обладаю возможностью смотреть что-то в архивах — мы разбираем то, что у нас в школе называется музеем. И количество "открытых писем" за вторую половину XX века от солистов Мариинского театра — народных артистов СССР и так далее, — которое было пущено в прессу с потрясениями, с заявлениями о несостоятельном руководстве и тому подобное, оно гораздо больше, чем было в Большом! Историю не переписать... Это становилось скандалом в масштабах города, но никогда не выплескивалось на весь мир. А все происходящее в Большом, даже если кто-то чихнет, становится мировым событием. Большой театр был построен в 1856 году как самый большой в мире и по сей день таким остается — из старинных театров. В позиционировании двух площадок это — серьезная разница. Это главный театр страны, который находится на виду, и, кто бы что ни говорил, так и будет. Любое событие, с ним связанное, что положительное, что отрицательное, всегда освещается с наибольшим накалом. Конечно, хочется, чтобы там были только разговоры о творчестве...

— Но почему же — "точка между гастролями"?

— Просто поколение сменяется, а поколение надо воспитывать. Оно же и воспитывается отношением — тем, что они видят вокруг себя. Учась в школе, мы не знали, что происходит за стенами театра, но могли знать какие-то "слухи": кто-то кому-то рассказал. Не было шанса это прочитать, увидеть, и мы о театре так вот глобально ничего не знали. Я знал, что есть Уланова, есть Семенова, есть такой педагог Кондратьева, есть Акимов... Но как они выглядят — я видел только на фотографиях в книгах! Когда в "Огоньке" напечатали мемуары только что умершего Мариса Лиепы — это был скандал! Я проучился в московском училище пять лет и пять лет постоянно выступал с одноклассниками на сцене Большого театра. И никогда мы не были в репетиционном зале, даже не знали, где он находится! Практически никогда не были в служебном буфете — нам просто не разрешалось туда приходить. Все было очень строго.

Сейчас другое время: благодаря разным сайтам и аккаунтам дети осведомлены великолепно, что делается, кто хороший педагог, кто — не очень. Кто просто неважный педагог, но приближен к руководству, кто жена руководителя, кто вторая жена, кто восьмая жена, кто по выходным, кто по будням... Это все в открытом доступе, и, к сожалению, подчас накладывает сильный отпечаток: они распределены по классам, педагоги еще не пришли, а дети уже знают, с кем они хотят работать, с кем не хотят, и многих уже не уговорить пойти работать в Мариинский или Большой, они хотят идти в другой театр, у них есть договоренность... Они еще не пришли туда служить, но их мнение уже сформировано! Дети в Петербурге вырастают за кулисами, выступают такое количество раз в месяц, что им, если честно, уже приедается балет. Мы столько не танцевали! Здесь дети всегда танцевали больше, чем в Москве, — так был создан репертуар. Григорович не любил связываться со школой, и в основном детские роли исполняли танцовщицы маленького роста, а дети участвовали лишь в некоторых спектаклях...

Общаясь со своими выпускниками, я вижу, как они реагируют... Если раньше нам педагог рассказывал, как он танцевал, это была область мемуаров. Сейчас тебя распределяют, к примеру, к Иван Иванычу, нажимаешь кнопку в Интернете, смотришь, как Иван Иваныч танцевал, и тебе смешно. Потом приходишь к нему, и он по старой традиции рассказывает: "Я был лучший исполнитель, и вообще, когда я танцевал, стояли стоны и аплодисменты". А все уже посмотрели... Я знаю, как артисты смотрят на своих руководителей и покатываются от хохота в раздевалке, понимаете? А они им рассказывают, как надо делать карьеру...

Когда я в театре параллельно преподавал, то всегда за собой следил, стал танцевать еще аккуратнее, потому что мои ученики — постоянно вокруг меня. Но многие руководители не понимают, что являются посмешищем. Это, к сожалению, тенденция времени, к которой мы не готовились, не могли себе представить, что такое настанет! Если ты ребенку делаешь замечание, то должен учитывать, что он посмотрел тебя две минуты назад. Слава богу, мне не так стыдно за свои танцы, так как я очень "неплохо" танцевал, и мне не стыдно за все, что находится в открытом доступе.

— Вы и на одну сцену выходите вместе с учениками...

— Очень редко! Ближайшие спектакли "Бала сказок" — в БКЗ "Октябрьский" 14 и 15 декабря. И они танцуют финал первого отделения — сюиту из балета "Фея кукол", я — фрагмент из балета Фредерика Аштона "Тщетная предосторожность". Мне кажется, для тех, кто придет, увидеть разные произведения на одну тему, как в "Бале сказок", это своеобразный ликбез. Конечно, для учеников встретиться на одной сцене с разными звездами мирового балета — а в спектакле принимают участие и Иван Васильев, и Фарух Рузиматов, и Ирина Перрен, и другие — это хорошо. Но наши дети так избалованы участием в спектаклях Мариинского театра со звездами, что их ничем не удивить, можно только завидовать, что их детство проходит в таких стенах и с такими артистами! Но в "Бале сказок" также участвуют дети из других школ, для них, конечно, это большое событие.

— Сцена, как известно, всех уравнивает...

— Вы — артист, и дети всегда понимают, кто вы и что можете. У меня вообще никогда не возникало такого вопроса к себе. Господь Бог такие способности мне отвел, что по сей день могу так показать, что многим действующим артистам не очень удастся. Конечно, мне очень волнительно и смешно, когда дети видят меня на репетиции... Вот я в репетиционной форме быстро станцевал свой танец "Сабо" и ушел, а потом появляюсь уже в полном гриме — а это же танцует дама, — с накладным бюстом, накладным задом, в чепце и платье. Это, конечно, их очень веселит. Но, с другой стороны, это и есть момент профессии: пожалуйста, человек, который что-то от вас требует, тут же сам все может сделать.

И что еще важно... Дети очень хорошо понимают реакцию зала. За много лет работы на сцене я научился вызывать реакцию зала, и просто на мой выход зрители реагируют овацией, что для многих достижимо только после огромного количества прыжков и ужимок. Тут есть какой-то люфт, когда, с одной стороны, повезло, с другой — заслужил. Да, есть у человека судьба. Вот она — в этой профессии. Мне кажется, это как раз очень приличный и важный пример, и я все время до них пытаюсь донести: никогда не надо браться не за свое дело. Если бы я сейчас выходил в трико, изображая принца, полз бы по сцене, как многие сверстники мои это делают, которых дети обсуждают — и я слышу их рассказы! — все, конечно, было бы не так. Но они понимают, что я полностью вышел из своего амплуа, не думаю, что все так смогут сделать... Для них это — пример. Многие из них это запомнят, оценят, я надеюсь...

— Началась совсем другая жизнь?

— Да. У меня это было абсолютно сознательно. Я сказал: перелистываю страницу, больше не хочу. Как в калмыцкой сказке у Пушкина в "Капитанской дочке", а потом у Горького в "Песне о Соколе": если знаешь, что такое "кровь", никогда не будешь питаться падалью. А на сцене, что такое "кровь", знают пять-шесть человек в мире. Не то что к тебе пришли и похлопали дежурно — это же все чувствуют в зале, когда приглашенные люди отрабатывают заказ! Ценен только настоящий успех...

— Но какой-то грандиозный успех остался в прошлом...

— Очень сильно изменились взаимоотношения театра со зрителями, к сожалению. Веяние времени. Раньше в основном наполняли зал настоящие поклонники, их споры велись под колоннами Большого театра, доходило до войны между группировками, даже сами артисты им говорили: "Успокойтесь! Мы никогда друг с другом не ссорились, а вы воюете". А теперь поклонники в театр не ходят, не имеют возможности прийти — билеты очень дорогие, контрамарки практически не выдают. И публика очень изменилась.

Галина Вишневская писала в своей книге: выходя на сцену, мы играем, поем, танцуем для пяти-шести человек в зале. Это поклонники, которые слышали и первую ее "Тоску", и вторую, и двадцать пятую и могли сравнить с тем, как эту партию пели ее коллеги десять-двадцать лет назад... Совсем другой уровень! 2 с половиной тысячи — это зритель, а вот эти — настоящие ценители, преданно обожающие искусство. Сейчас есть зрители, пришедшие "зачекиниться" на фоне люстры, через двадцать минут они уходят. А люди, купившие билеты за 25–30 тысяч вообще считают, что не надо аплодировать.

— Искусство превратилось в бизнес, и культура посещения театра утрачена...

— Двадцать с лишним лет, как превратилось в бизнес. Еще по накатанной десять лет назад что-то происходило, а потом... Все идет от руководства театров, их больше волнует реализация билетов, а не зритель, наполняющий зал. "Убили" ту категорию людей, которой это было безумно интересно, их лишили возможности попасть в театр. Самый дорогой билет раньше стоил примерно 3 рубля! И в Кировском, и в Большом театре — государственная расценка. Я свою первую "Иоланту" слушал в Большом театре — утренний спектакль, пела великая Милашкина, билет в партер стоил рубль двадцать. Впервые меня привели на очень взрослые, серьезные произведения — "Травиату" и "Жизель" — в 3 с половиной года. И если бы это не произошло в том возрасте, никогда я не захотел бы стать артистом!

— Многие именно в детстве принимают столь ответственное решение — связать свою жизнь с балетом. Потом трудности и обстоятельства вызывают не только разочарования, но и болезненные впечатления. Вы признавались, что не раз хотели уйти из профессии...

— Абсолютно четко понимал, что мне равных по способностям нет, мне льстило, что я лучше всех. Очень быстро я понял закон того дела, куда попал, и что если я плачу и мне все это тяжело, то всем другим тяжелее в двести раз. А чего я буду проявлять слабость? У меня другие срабатывали позывы. У меня не было восторженности от происходящего. Моя мама — человек такой земной, и она все время мне объясняла, что любая уборщица приносит обществу больше пользы, нежели артист балета. Она видела, как мне это нравится, что стоит там 20 детей, а все смотрят на меня, потому что невозможно не обращать внимания на такие способности. Ей все кричали, что я чудо-ребенок — для классического балета. Но она с меня это сбивала.

— В одном интервью вы сказали: "Великая Галина Уланова научила меня быть непреклонным по отношению к высшему служению профессии. Люди, оказавшиеся на вершине, обязаны быть супербойцами". Как она вас научила?

— Просто показала пример, что если это надо для искусства, то нет вопросов — надо сделать, добиться, и все. У моих педагогов не было других критериев. Когда нам было тяжело, школьный педагог говорила: "Бог терпел и нам велел". Если в воскресенье мы отдыхаем, то у нас была двойная порция всего по субботам. И это было тяжело. Но педагог говорил: "Суббота — черная работа". Это были школьные установки, они формировали дисциплину, организационное отношение к работе. В театре добавлялись другие качества. Например, Уланова наставляла: "Обязательно, Колечка, вот у вас послезавтра спектакль — завтра уже не надо приходить в театр, надо отдохнуть, подумать, привести мысли и тело в порядок". Сейчас бы ее никто не понял, потому что театр живет по другим принципам: очень часто в день спектакля — генеральный прогон! Подставляют артиста, не дают ему восстановить силы, понимаете? Идет конвейер: раз-два, раз-два — так удобно всем: администрации, рабочим сцены и техническим службам. К искусству это не имеет отношения. А в те годы, если был такой прогон накануне спектакля, это считалось ЧП.

Вот я половину своей карьеры проработал в старом режиме, а другую половину — в новом. И могу сказать, что искусство вытеснялось очень активными методами и с колоссальной быстротой. Менеджеры, допущенные до власти в театре, выгнали из него творчество. И то же самое сто лет назад написал в мемуарах недолго руководивший Большим театром Шаляпин. А потом он бежал из Советского Союза с криком "Караул!". Сменился век, сменились ритмы, но в методе проб и ошибок не сменилось ничего, к сожалению...

— Вы боготворите Уланову, и здесь, в коридорах академии, в вашем кабинете, очень много ее фотографий...

— Я очень ее люблю. Галина Сергеевна — мой кумир, человек, который в моей жизни сыграл очень важную роль. Когда ее не стало, я узнал, какую роль, оказывается, сыграл в ее жизни я. Ее официальный биограф, который постоянно с ней общался, на следующее утро после ее кончины написал в некрологе, что я был ее последним учеником и что работа со мной — последнее, что придавало смысл ее жизни... Когда происходили наши репетиции, я не мог себе представить, что для этой "Джомолунгмы" я, маленькая сошка, могу что-то значить! Знаете, я не то что ее боготворю. Так случилось, что мне выпала честь прикоснуться к тому, что все считают легендой. А для меня она и легенда, и родной человек.

— На VI Петербургском культурном форуме вы возглавляете секцию балета... В прошлом году в Манеже была дискуссия "Балет и кино", вы представили спикеров и сразу ушли...

— Я ушел на совещание с Владимиром Владимировичем, как член Совета по культуре при президенте РФ, где я должен был сделать доклад в области образования. Планировали секцию за несколько месяцев и вдруг поменяли день совета, а все подстраиваются под график президента...

— Спикеры, близкие вам люди — американский критик Нина Аловерт и президент Фонда Галины Улановой, один из ее учеников, Владимир Васильев, говорят, что балетная эстетика 1950–1990-х устарела. И в этой связи Аловерт призвала сжечь все пленки с записями танца Улановой: все "ужасно и чудовищно", портит вкус молодежи, вполне достаточно фотографий. Подчеркну, о необходимости сожжения нашего национального достояния было сказано на международном культурном форуме в Петербурге, в родном городе Улановой... Васильев сказал: "Спасибо, Ниночка", и таким же образом высказался об "ужасном" Нурееве. Обе "ужасающие" мировые звезды — представители вагановской школы, всю жизнь прославлявшие классический русский балет. Если бы вы, Николай Максимович, присутствовали на той дискуссии, что бы вы сказали?

— Знаете, я считаю, что самым большим достижением Дягилева является то, что он уничтожил все кинопленки — они были! — с Нижинским. И, так скажем, он создал легенду уникального танцующего персонажа. Вот Дягилев как-то понял, что кино будет "убивать", и осталась легенда: Нижинский так прыгал, что зависал в воздухе, перелетал центр сцены. Я много раз говорил, что Нижинский никогда такого не мог сделать. Он же не прыгал в Большом театре! Он прыгал в театре Монте-Карло, который размером с эту комнату (кабинет ректора академии. — Прим. авт.). В Монако любой современный танцовщик перелетит из двери в дверь!

Анна Павлова развенчана тем, что при всех фантастических ее фотографиях и легенде есть еще кинохроника, где видно, что она не очень молода и не очень качественно танцует, а "Умирающий лебедь" выглядит смехотворно, так скажем. Но, с другой стороны, это артефакт времени, и для меня, как для человека, который очень любит историю, его отметать нельзя. Допустим, пятнадцать-двадцать лет назад делались передачи, где могли показать большой танцевальный кусок. При современном стиле производства фильмов более 20–30 секунд танца вам не покажут — начинает накладываться текст, раздваиваться картинка... Есть замечательные люди — Никита и Юлия Тихоновы, — они делают "Абсолютный слух", "Искусственный отбор" на "Культуре", множество фильмов про Ваганову, Уланову, Плисецкую... Все время им говорю: ну где-то вы должны показать фрагмент от начала до конца, потому что это — артефакт. Я не хочу слышать ничей голос. Я хочу видеть. И они придумали в "Абсолютном слухе" рубрику "Спасенный шедевр".

Когда в 1995 году восстанавливали балет "Ромео и Джульетта" Леонида Лавровского, где Уланова выступала первым составом, она была категорическим противником восстановления. С моей точки зрения, это самый великий спектакль на эту музыку, ни одна версия не может сравниться — это мое мнение. Но здесь я во многом поддерживаю Галину Сергеевну. Она считала, что этот балет невозможно отрепетировать в том виде, в каком он должен идти. Человек, который будет его делать, должен иметь художественный вкус. В этом балете — он так поставлен! — нельзя прыгать выше, как в спортивной гимнастике, нельзя задирать ноги, устраивая художественную гимнастику, нельзя делать кульбиты. И надо танцевать в определенном темпе. А то, в каком виде сейчас идет этот спектакль на разных сценах... Уланова не только была бы против, я просто себе представить не могу ее реакцию! Потому что потерян смысл — полностью!

И когда балет восстанавливали, Галина Сергеевна, как педагог-репетитор, отказала в работе абсолютно всем. Она тайно репетировала со мной Меркуцио и очень подробно все объясняла. Потому что относилась ко мне по-другому. Несмотря на то, что я делал абсолютно все, что она говорила и как велела, она считала, что все равно спектакль выглядит неважно... Понимаете, эстетика меняется, эстетика уходит.

И что касается видеозаписей, я вас расстрою: ни один современный ребенок, если ему не говоришь "посмотри Нуреева", "посмотри Васильева", "посмотри Мухамедова", — не смотрит этих танцовщиков! Они им уже неинтересны. Та эстетика давно ушла.

— Зачем ориентироваться на вкус ребенка? А взрослому интересно.

— Артисты не знают этого, и им не это нужно. Катастрофа в том, что на это смотрят с улыбкой. Я думаю, что в данной ситуации Нина Николаевна Аловерт говорила, скорее, о том, что это очень часто — развенчивание легенды. Понимаете, когда сейчас человек смотрит, допустим, на Константина Михайловича Сергеева — а он поставил многие классические вариации, которые исполняются по сей день, — это выглядит совсем не современно...

— Но не сжигать же!

— Ну, я не считаю, что нужно сжигать. Я люблю копаться во всем. У меня гигантская фильмотека, и я могу достать диск и показать любой состав. Я всегда любил посмотреть, кто, что, как делал, найти смысл. Таких немного. И не для всех моих учеников это интересно. Многие мне говорили: "Зачем мы будем так делать — это никому не нужно!" В искусстве сложность в чем? Вам нравится, а мне — нет. Об Улановой написаны тома во всем мире, а кто-то может сидеть и говорить: "да не нравится она мне". Ну это же искусство. Как можно здесь найти "общий знаменатель"?

— Но не в этом ли зерно утраты традиции и культуры?

— Да, это зерно утраты традиции. Рыба гниет с головы. Если я не буду следить за тем, как завязаны ленточки у девочек, в какой последовательности они выходят, как надеты на них короны, и не буду объяснять им, что в этом спектакле можно надеть серьги, а в том — нельзя, то никогда ничего не будет. На заводе, в телецентре, в газете все идет от руководства. Есть издания, которым уже не нужна заметка о премьере, тем более — искусствоведческий разбор, а нужна в достаточно хамской форме преподнесенная информация, высмеивающая это событие. Это диктует мода — и руководитель требует, издания зарабатывают себе на жизнь. И все везде гниет с головы. Если раньше, будучи артистом, я это знал гипотетически, сейчас, являясь руководителем, я это знаю на сто процентов.

— Недавно вы сказали: "Сейчас отсутствует понимание "должность главной звезды Отечества". Ее нельзя назначить". Вы хотите, чтобы каким-то указом определили на эту "должность" вас?

— Так я уже — все, извините! Мне не надо назначаться, я уже так давно на этой должности, что... Но сейчас огромное число людей пытаются назначиться на эту должность...

— Самоназначенцы?

— Конечно! Если раньше два канала и несколько газет о вас сообщили три раза — вас уже знала вся страна. Сейчас мы тонем в печатной и телепродукции. Есть страшное слово "рейтинг". Я, как человек телевизионный, хорошо знаю, что, когда и кого смотрят. Несчастные девочки и мальчики лезут в гламур, печатают в разных журналах фотосессии и думают, что они тем самым себя увековечили, сделавшись главной звездой, — нет. К сожалению, уже все. Когда Майю Плисецкую снял Ричард Аведон, это было мировое событие. А сейчас, чтобы состояться на сцене, нужно что-то большее... И потом, в России существует страшная для искусства вещь: когда хвалят в прессе, никого это не волнует, пока соседка по подъезду не скажет, что надо посмотреть. В России только сарафанное радио делает звезд. Это российский менталитет. В Америке, если дадут плохую критику в газете, то спектакль на следующий день закрывается.

— Хорошо, что у нас такой менталитет?

— Я считаю, что да. Потому у нас и столько настоящих артистов — не выдуманных, не пластмассовых. Сегодня никто уже не помнит, какие гадости обо мне писали, но мою фамилию выучили наизусть. Люди пишут, деньги платят, чтобы заработать такое паблисити. Я ничего подобного не делал, мне его делали без остановки много лет. Им, в принципе, надо сказать спасибо. Кто-то хотел прорекламировать себя, но их фамилий не помнят, а я — как занимался своим делом и не обращал на это внимания, так и живу, потому что те, кому надо, знают о моем существовании и воздают должное. А это ценно.

==============================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
Страница 7 из 8

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика