Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2018-10
На страницу 1, 2, 3  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18645
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Окт 01, 2018 9:40 am    Заголовок сообщения: 2018-10 Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018100101
Тема| Балет, проект «Хрустальный дворец», Персоналии, Екатерина Миронова, Александр Сомов, Алексей Шор, Мария Аллаш, Мария Виноградова, Иван Васильев
Автор| Александр Максов
Заголовок| Триумф времени и бесчувствия
Совершить путешествие из XXI века в эпоху барокко предложили создатели спектакля «Хрустальный дворец»

Где опубликовано| © Портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2018-10-01
Ссылка| https://musicseasons.org/triumf-vremeni-i-beschuvstviya/
Аннотация|



Европейский Фонд поддержки культуры, Ассоциация поддержки культурных инициатив и Государственный Кремлевский дворец показали в Москве премьеру музыкального спектакля «Хрустальный дворец». Мировая премьера состоялась в 2017 году на Мальте и была приурочена к 50-летию установления дипломатических отношений между Российской Федерацией и Мальтой. Однако между этими двумя спектаклями большая разница. За прошедший период работа над ним не прекращалась.

Литературной первоосновой либретто послужил роман Ивана Лажечникова «Ледяной дом», опубликованный в 1835 году. Однако, как это часто бывает, балетный сценарий пошел своим путем. Сюжет сценического действа отыскался в российской истории. 1740 год. Императрица Анна Иоанновна соизволила поженить влюбленную пару своих шутов, а для брачной ночи определила полусказочный Ледяной дом, построенный для забавы по ее приказу на Неве. Не только стены, но и все предметы интерьера там были изо льда. Провести там январскую ночь и выжить было чудом…

Тема благодатная. История России XVIII века – эпоха правления женщин с их жаждой развлечений и безумствами. В семнадцать лет четвертая дочь царя Ивана V Алексеевича (брата Петра I) и царицы Прасковьи Федоровны была выдана замуж за герцога Курляндского Вильгельма Фридриха. В 1730 году она взошла на российский престол. Как императрица она знаменита прежде всего решительным жестом – разрывом собственноручно подписанных Кондиций, ограничивающих ее самодержавную власть. Как политик – тем, что передоверила правление фавориту Бирону. Как женщина вошла в историю создательницей в России школы танца под управлением Жана-Батиста Ланде – предтечи Академии Русского балета им. А.Я.Вагановой.

ДАЛЕЕ ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18645
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Окт 03, 2018 9:57 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018100301
Тема| Балет, Парижская опера, Премьера, Персоналии, Охад Наарин
Автор| Мария Сидельникова
Заголовок| Упадок балетных сил
«Декаданс» Охада Наарина в Париже

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №180, стр. 11
Дата публикации| 2018-10-03
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3758971
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото: Julien Benhamou / Opera national de Paris

Первой премьерой нового балетного сезона в Парижской опере стал «Декаданс» популярного израильского хореографа Охада Наарина — спектакль-компиляция из его же собственных постановок, созданных в разные годы для Batsheva Dance Company. Из Парижа — Мария Сидельникова.

Нынешний сезон у Парижской оперы юбилейный. В 2019 году исполнится 350 лет со дня основания Людовиком XIV Королевской академии музыки — старейшего театра в мире, где были и опера, и балет, и оркестр. Придворная школа танца появилась еще раньше, так что Франция по праву гордится своими традициями классического балета, образцовой выучкой, с оглядкой на которую преподают от Москвы до Нью-Йорка, и этуалями-небожителями, которые на протяжении нескольких поколений задавали планку всему балетному миру.

Но для открытия юбилейного сезона худрук балета Парижской оперы Орели Дюпон выбрала модный танцевально-оздоровительный язык gaga. Конферансье с могильной серьезностью зачитывает по бумажке просьбу выключить мобильные телефоны. В тишину врезается громкая музыка, и группа очень молодых людей начинает серию очень энергичных движений. Тянут косые мышцы живота, выворачивают руки, бросаются ногами, словно они им не принадлежат. С каждым повтором движения ускоряются, как при хорошей кардиотренировке. Пульс зашкаливает, пот ручьем — и вдруг новый эпизод и постепенное замедление. Потом опять коллективный экстаз, опять конферансье — юмористическая зарядка для зала («Встаньте, сядьте, кто не говорит по-французски, кто мастурбирует, кто зарабатывает столько-то» — нарядная публика веселилась, бывшая директор балетной школы Оперы Клод Бесси не сдвинулась с места), танцы со зрителями на сцене, дуэт, массовка, еще массовка, опять шутка, экстаз и финал. Впрочем, точку можно ставить в любой момент.

Новая версия «Декаданса» — это все то же старое эффектное шоу, которое 66-летний Охад Наарин наловчился собирать из своих же постановок и пускать по миру. Поэтому ощущение дежавю нужно расценивать как художественный прием, чтобы вдруг не закралась мысль, что хореограф исписался. Бывший руководитель главной израильской труппы Batsheva Dance Company и изобретатель танцевальной техники gaga сегодня все чаще выпускает не премьеры, а версии. Отличный маркетинговый ход, который освоили производители на всех фронтах — от техники до моды.

Первый эксперимент с «Декадансом» был проведен в 2000 году. К десятилетию руководства Batsheva Наарин собрал коллаж из своих лучших постановок. Оказалось, что это готовый гастрольный хит — за час с копейками весь Наарин, минимум реквизита, никаких декораций и музыка в записи (тут тоже коллаж — от израильского фольклора до Вивальди и The Beach Boys). Плюс универсальная структура, позволяющая выпускать столько версий, сколько пожелается, и опять же при минимальных творческих, технических и финансовых усилиях. Права на «Декаданс» получили многие мировые труппы. Теперь дошла очередь и до Парижа.

В парижской версии собраны девять спектаклей — от старейшего «Mabul» (1992) до «Sadeh21» (2011), и она многолюдна, в ней заняты 30 артистов труппы — сплошь молодежь, ни одной этуали. Охад Наарин уверен, что именно молодая кровь и темперамент должны оживить искусственно собранное тело спектакля и дать ему новое звучание. Энергия у французских танцоров действительно бьет через край: выговаривать гагу — это не крутить итальянское фуэте на пуантах, отрывайся по полной в удовольствие себе и телу. Балетные артисты такое любят. Но даже их юношеский максимализм не в силах удержать спектакль. Он трещит по швам и превращается в попурри, обесценивая первоисточник.

Знаменитый отрывок из «Анафазы» (1993), когда под еврейскую пасхальную песню, положенную на отбивной перкуссионный ритм, 28 артистов в строгих мужских костюмах постепенно раздеваются,— бесспорно, одно из лучших сочинений Охада Наарина. Повторение этой короткой танцевальной фразы, которая каждый раз кончается «коллективным расстрелом» («жертвы» по одному взлетают в прогибе над своим стулом, словно им в спину ударила пулеметная очередь), в свое время доводило до исступления даже депутатов-хасидов, которые проклинали Наарина за кощунство. В составе же «Декаданса» отрывок звучит как эффектный тизер, не более того. Не прижился и «Вирус Наарина». Хореограф сочинил его в 2001 году, в разгар израильско-палестинского кризиса, музыку заказал арабско-израильскому композитору, центральную партию отдал чернокожим артистам. Тогда получилась взрывоопасная смесь, сейчас — не было ни единой искры. Но, конечно, и такое обесценивание при желании можно расценивать как новомодный художественный прием.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18645
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Окт 03, 2018 10:38 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018100302
Тема| Балет, Фестиваль "Гаврош" , Персоналии,
Автор| АЛЕКСАНДР ФИРЕР
Заголовок| НЕМЕЦКИЕ СЕЗОНЫ «ГАВРОША»
НА XII МЕЖДУНАРОДНОМ ФЕСТИВАЛЕ СПЕКТАКЛЕЙ ДЛЯ ДЕТЕЙ «ГАВРОШ» БЫЛ ПОКАЗАН «МЕХАНИЧЕСКИЙ БАЛЕТ»
Где опубликовано| © журнал "Музыкальная жизнь"
Дата публикации| 2018-10-02
Ссылка| http://mz.kmpztr.ru/nemeckie-sezony-gavrosha/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Фестиваль «Гаврош», детище арт-директоров Терезы Дуровой и Марины Райкиной, проходит в «Театриуме на Серпуховке» уже в двенадцатый раз. Этот уникальный форум представляет Москве театральную палитру детских театров Европы в разных стилях и жанрах, ежегодно меняя географию. Монографический формат мероприятия определяет наличие в афише коллективов только одной страны. Чаще всего гостили французы (как-никак Франция – родина Гавроша), а немцы и итальянцы прибывают во второй раз.

Если у Виктора Гюго его отважный и добрый сорванец-парижанин Гаврош из «Отверженных» олицетворял Париж, а Париж в свою очередь – весь мир, то для организаторов фестиваля «Гаврош» тождественен любви к театру, которая приходит в детстве и навсегда. В нынешнем немецком сезоне форум обрел мощный патронажный тыл в лице Министерства культуры, Союза театральных деятелей, московских «культурных» чиновников, Гёте-института.

Фестиваль украшен и танцевальным блоком. Изюминкой этой составляющей форума в категории «6+» стал исторический спектакль 1920-х годов прошлого века «Механический балет», реконструированный в 1987 году Йоргом У.Лензингом и дюссельдорфским Театром звуков (Theater der Klänge). Абстрактный 15-минутный опус был создан в 1923 году в Веймаре студентами Баухауса (Высшей школы строительства и художественного конструирования), учениками Василия Кандинского во главе с Куртом Шмидтом и Георгом Телчером. В отличие от сохранившегося баухаусного «Белого города» в Тель-Авиве от спектакля «Механический балет» не осталось практически ничего, кроме нескольких архивных фото и эскизов костюмов Шмидта, Телчера, Боглера. Сутью студенческого эксперимента стала ожившая на сцене и сублимировавшая идеи Баухауса архитектоника супрематических композиций, представлявшая динамическую гармонию разноцветных геометрических фигур. Спектакль прошел лишь два раза и канул в лету, но успел оставить в театральном искусстве яркий след кометы. Для реконструкции Ханно Шпельсбергом заново написана музыка. Камерный ансамбль инструменталистов исполняет 40-минутную партитуру, а невидимые танцовщики, задрапированные в черное, на фоне черного задника появляются в виде плоских геометрических фигур.



Пять реконструированных персонажей именуются Танцор, Малыш, Ветряная мельница, Машиностроение, Локомотив. В лаконичных механистичных движенческих абстракциях кроется широчайший спектр человеческих страстей – от дружбы до любви, от ревности, измены до отчаяния. Взаимодействие и воздействие формы фигур и их цвета оживают занимательным сценическим диалогом. Завораживающая эстетика этих движущихся разноцветных форм не бессодержательна. Центробежные и центростремительные межцветовые притяжения-отталкивания, энергетические импульсы, рождаемые краской, геометрическая агрессия острых углов, меняющая восприятие колористически наполненная форма – постулаты «Динамической теории цветов» Василия Кандинского, когда-то сценически воплощенные его учениками, – спустя десятилетия перефразированы дюссельдорфским театром. Выбор основных цветов и их сопоставление не случайно: красный родственен безграничной теплоте с живой подвижной осмысленной силой, в отличие от желтого цвета, легкомысленного, разбрасывающегося во все стороны и охлаждающегося синим. А в слиянии эти цвета рождают оранжевый, зеленый, фиолетовый.

Интригующий абстрактный драматургический формо-цветовой конфликт, талантливо воплощенный сценической геометрией движения, рождает таинство театра, расширяющего границы восприятия и уж тем более узко обозначенные рамки сиюминутного впечатления.

ФОТО: ФОТО: ОЛИВЕР ЭЛТИНГЕР
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18645
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Окт 04, 2018 10:06 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018100401
Тема| Балет, Международный фестиваль классического балета имени Рудольфа Нуриева (Казань), Персоналии,
Автор| Файзулаева Маргарита
Заголовок| Парад сценических эмоций / Международный фестиваль классического балета имени Рудольфа Нуриева
Где опубликовано| © Журнал «Страстной бульвар,10» №2-212/2018
Дата публикации| 2018 октябрь
Ссылка| http://www.strast10.ru/node/4738
или http://www.strast10.ru/files/nuriev_fest.pdf
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Фестиваль в Казани, посвященный 80-летию выдающегося танцовщика ХХ столетия Рудольфа Нуриева, вступил в свое четвертое десятилетие.


«Баядерка». Гамзатти — А. Гомес, Никия — К. Андреева

Татарский балет - это особая труппа, по утверждению театрального критика Андрея Хрипина, и, прежде всего, театр - энциклопедия, где оживают лучшие образцы мировой классики. Это и театр-гастролер, проводящий в зарубежных турне до трех месяцев в году, и театр гастролеров, выступающих нередко даже в текущих спектаклях сезона, что стимулирует творческий и технический рост артистов. Художественное руководство находится в надежных руках Владимира Яковлева, заслуженного артиста России и Татарстана, лауреата приза «Душа танца», в прошлом лучшего исполнителя характерных ролей. Он сумел вывести балетную труппу на уровень сильнейших компаний классического балета в России после Большого и Мариинки.

Некоторые критики сетуют на отсутствие в афише Нуриевского фестиваля образцов современной хореографии. Это не совсем так. Зрителям полюбились эксклюзивные балеты композиторов Татарстана «Сказание о Йусуфе» Леонида Любовского, «Золотая орда» Резеды Ахияровой, поставленные российскими балетмейстерами Николаем Боярчиковым и Георгием Ковтуном отнюдь не на языке классического танца. Жанровая природа и музыкальная стилистика этих историко-легендарных балетов потребовала рождения особого синтетического языка на основе классической и современной хореографии. Результаты оказались превосходными: эти балеты стали репертуарными и особо посещаемыми. Если говорить о мэтрах современной хореографии И. Килиане, У. Форсайте, С. Лифаре, К. Макмиллен, У. Макгрегоре, то их творчество почти ежегодно транслируется на Нуриевском фестивале. В этом году зрители познакомились с тремя одноактными балетами «Сюита в белом» (Э. Лало - С. Лифарь), «Маленькая смерть» (В.А. Моцарт - И. Килиан), «Вторая деталь» (Т. Виллемс - У. Форсайт) в исполнении солистов Московского академического музыкального театра им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко.

Возможно, при отсутствии насыщенных длительных зарубежных гастролей казанский балет подошел бы вплотную к проблеме освоения стилистики современной хореографии, которая прежде присутствовала в репертуаре в порядке эксперимента. Вспоминается юмористический и одновременно философский балет А. Петрова «Сотворение мира» с хореографией Н. Касаткиной и В. Василёва (постановка 1981 года, балетмейстер Л. Исакова). Свою лепту в это благородное дело может внести молодая поросль казанского хореографического училища, отметившего 25-летний юбилей и продемонстрировавшего на концерте разноплановое искусство выпускников, выступающих в театрах России и мира.

Программа нынешнего фестиваля включала девять спектаклей с участием солистов ведущих российских и зарубежных театров и только что упомянутый юбилейный концерт. Концепция фестиваля обогатилась новым образовательным проектом «Ballet Talk» с участием балетных критиков, преподавателей Казанской государственной консерватории, призванных ознакомить заинтересованных зрителей перед спектаклями с историей возникновения балетных шедевров и их многочисленных хореографических редакций. Визуальный ряд балетного фестиваля разнообразили экспозиции выставок, подготовленных музеем театра: «Два гения» и «Нуриевский фестиваль: история в костюмах». Новый формат фестиваля также определил проект «Ballet feat cinema», прошедший с 15-го по 18-е мая в Доме актера им. М. Салимжанова, где зрители увидели фильмы «Рудольф Нуриев: визит» Б. Юсупова, «Прощание с Родиной» Ф. Давлетшина, «Танцующий в пустыне» Р. Рэймонда. Организаторами уникального проекта стали СТД Татарстана, ТАГТОБ им. М. Джалиля, АНО «Время кино».

Упоительные минуты испытали театралы от соприкосновения с волшебным миром прекрасных образов классических балетов «Баядерка», «Дон Кихот», «Лебединое озеро», прокофьевского шедевра «Ромео и Джульетты» и бессмертного образца национальной классики «Шурале». Блестящая премьера «Баядерки», посвященная 200-летию гениального балетмейстера Мариуса Петипа, открыла фестивальный марафон. Казанская труппа впервые освоила «Баядерку» более полувека тому назад (1962 год, балетмейстер Софья Тулубьева), в нем участвовали уникальные в то время солисты: Нинель Юлтыева, Ревдар Садыков, Галина Калашникова, Салих Хайруллин наряду с замечательным кордебалетом. В разное время жемчужина классического балета возобновлялась вновь и вновь. В 90-е годы на казанской сцене появилась «Баядерка» М. Петипа в редакции Мариинского театра, прочно вошедшая в репертуар казанской труппы. В 1998 и 2007 годы балет освежали новые декорации, костюмы. В последней версии художественной постановки В. Яковлева открыты отдельные хореографические купюры, и реализована сценографическая концепция спектакля (художник А. Злобин, художник по костюмам А. Ипатьева).

Хорошо известно, что «Баядерка» - знаковый балет для Рудольфа Нуриева с его блестящей партией Солора и авторской постановкой в Grand Opera незадолго до его кончины. Премьерная «Баядерка» затмила все остальные спектакли высококлассной работой балетной труппы, работой репетиторов и технических цехов. Критики назвали «Баядерку» триумфом молодости, красоты и страсти. Индийская сказка обрела черты подлинной трагедии, рассказанной языком танца. Роскошные исполнители ведущих партий: примы Кристина Андреева (Баядерка), Аманда Гомес (Гамзатти), премьеры Олег Ивенко (Солор), Нурлан Каметов (Брамин), первые солисты Коя Окава (Золотой Божок), Мидори Тэрада (танец с кувшином) и отменный по синхронности кордебалет выгодно отличали современную постановку от прежних. Яркая звезда казанского балета Кристина Андреева создала на сцене высочайшую драму жизни и смерти храмовой танцовщицы, исполнение было безупречным и соответствовало лучшим классическим канонам в балете. Достойно смотрелся ее партнер Олег Ивенко с характерной «реактивностью» движений, искрометной техникой и красотой линий. Ореол монументального балета создавали блестяще исполненные классические и характерные танцы - праздник поклонения огню, танцевальные сцены на свадьбе Солора и Гамзатти, потрясающий по красоте и грации белый балет - картина царства теней из финала третьего действия.

Художники Андрей Злобин и Анна Ипатьева - давние друзья Татарского театра, продвинувшие искусство сценографии в оперно-балетном жанре на новый уровень. Это их седьмая авторская работа. Глубокие знания древнеиндийской мифологии, религии, философии и индийской культуры в целом помогли мастерам возвести фактурные живописные декорации храмов, дворцов, воссоздать красочный колорит индийской природы, деталей быта и декоративно-прикладного творчества. От костюмов из натуральных тканей богатейшей раскраски, привезенных из Индии, невозможно оторвать глаз, настолько они к лицу молодым артистам. Оперно-балетные постановки казанского театра издавна славятся богатством и зрелищностью художественного оформления, но «Баядерка» 2018 года оформлена на уровне амбиций имперского театра. И все же, как нередко бывает, восприятие сценографической концепции было неоднозначным, на мой взгляд, нарушающим меру вкуса и пространство сцены, словно отодвигающей хореографическое действие на второй план, как это произошло в картине теней.

Выразительная и удивительно пластичная техника танца ощущалась у миниатюрной француженки Матильды Фрустье в партии Никии из балета Сан-Франциско во второй премьерный вечер. Это было совершенно иное прочтение образа - по-французски легкое, изысканное, без душевных мук и сантиментов. Достойную пару составил ей Игорь Серко (Солор) из Большого театра России, обладатель международной премии «Dance Оpen» в паре с Е. Крисановой в номинации «Лучший дуэт». Танцовщик очаровал публику высокой техникой танца, аристократическим апломбом и темпераментом молодости. Царственная, статная Анна Тихомирова (Большой театр) очень органично смотрелась в партии дочери Раджи - главы княжества. Все трое приглашенных солиста украсили премьерный показ индивидуальным отношением к судьбам своих героев индийского эпоса и сумели передать «парад ослепительных сценических эмоций».

На уровне мировых стандартов искусства балета смотрелся спектакль «Ромео и Джульетта». Он произвел сильное впечатление актерским мастерством солистов казанской труппы - вновь Кристины Андреевой (Джульетта), Михаила Тимаева (Ромео), Олега Ивенко (Меркуцио), Артема Белова (Тибальд), Алессандро Каггеджи (Бенволио). Поставленный в прошлом году спектакль достиг своего совершенства, а ведущий дуэт (К. Андреева - М. Тимаев) дал нам возможность почувствовать шекспировскую историю великой любви. Красивый и зрелищный динамичный балет с исключительной танцевальной харизмой солистов, отточенный во всех деталях, включая кордебалет редкой синхронности и образного единомыслия, - смотрелся апофеозом балетного фестиваля.

«Лебединое озеро» украсило приглашение гастролеров - ведущих солистов на титульные партии Лауретты Саммерсейл (Баварский балет из Мюнхена) и знакомого казанскому зрителю Иштвана Саймона из Дортмунд-балета. Становление Саммерсейл проходило в труппе Английского Национального балета, где она была возведена в ранг балерины, после чего в 2016 году вошла в труппу Национального балета Мюнхена, имея в своем активе партии Жизели, Медоры, Джульетты, Одетты и Одиллии, Сванильды и других. В ней ощущается «балеринская порода», отличающаяся сценической статью, точеным абрисом головы, красотой линий, классичностью форм и грацией движений. Солистка проявила дар пластического перевоплощения в антитезе образов Одетта-Одиллия, четко обозначив их развитие. Сказочный Лебедь в исполнении Саммерсейл покорил балетоманов благородством и выразительнейшей лебединой пластикой рук и танцевальных движений.

«Дон Кихот» представляла пара Адиарис Алмейда (Китри) и Йона Акоста (Базиль) из молодого Национального балета Кубы, которым руководит выдающаяся балерина и хореограф Алисия Алонсо, полная сил и энергии, несмотря на свои 93 года. Оба танцовщика получили путевку в жизнь под ее руководством. Наработав обширный репертуар, Алмейда постоянно гастролирует в Штатах, оставаясь в родной труппе. А исполнитель Базиля получил известность в Английском Национальном балете в паре с Тамарой Рохо и Алиной Кожокару, а год назад был принят в труппу театра Мюнхена. Национальное природное дарование, актерский темперамент, отличное чувство ритма, непревзойденная пластика танцевальных движений рождают впечатляющий результат импульсивности и искрометности классического танца этой экзотической пары.

Сложная миссия досталась музыкальному дирижеру Ренату Салаватову - стать музыкальным координатором балетных шедевров нуриевского фестиваля. Все спектакли прошли под руководством опытного первоклассного дирижера, одинаково свободно чувствующим себя в оперном, балетном и симфоническом формате. Он создает все условия для комфортного пребывания танцовщиков на сцене, контролируя метроритмические импульсы в музыке. В оркестре чувствуется тщательная репетиционная проработанность музыкальных партитур, важная роль динамических контрастов, выразительное звучание струнных и деревянно-духовых инструментов, блеск звучной меди и, в целом, слаженное, рельефно выстроенное оркестровое звучание. Это создается высоким классом инструменталистов и профессиональной отдачей всех музыкантов оркестра.

=====================================================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18645
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Окт 04, 2018 10:21 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018100402
Тема| Балет, "Жизель", Персоналии, Джон Ноймайер, Матс Эк, Раду Поклитару, Дэвид Доусон, Грэм Мёрфи, Акрам Хан, Дада Масило
Автор| Шкарпеткина Ольга
Заголовок| Привет, Жизель, как дела? / Новые трактовки известного балета на зарубежной сцене
Где опубликовано| © Журнал «Страстной бульвар,10» №2-212/2018, стр. 74-78
Дата публикации| 2018 октябрь
Ссылка| http://www.strast10.ru/node/4745
Аннотация|

Сюжет «Жизели» А. Адана настолько динамичен, прост и понятен, образы всех главных героев настолько многогранны, что современные балетмейстеры с совершеннейшим азартом включаются в семантическую и психологическую дешифровку поступков, помыслов персонажей, сюжетных коллизий. Поскольку все западные постановки жестко защищены авторским правом, посмотреть спектакли целиком не представляется возможным, доступны лишь фрагментарные видеозаписи, поэтому затруднительно во всей полноте анализировать большинство нижеперечисленных постановок, за исключением хорошо известной версии Матса Эка и полной записи спектакля Раду Поклитару. Мы ограничимся общей фабульной линией и художественными элементами, которые удалось уловить из представленных видеофрагментов и прессы.

Обращаясь к авторским постановкам «Жизели» конца XX-начала XXI вв., сегодня можно смело признать, что весьма популярная версия Матса Эка 1982 г. - не единственная радикальная редакция этого балета. В чем ее радикальность? Конечно, прежде всего, в хореографии контемпорари, в иной трактовке образов и смыслов хорошо знакомого классического произведения. Красавица и умница Жизель стала полусумасшедшей дурнушкой, которую единственно кто любит, так это Иларион (в русской классической редакции его имя Ганс). Второй акт - действие в сумасшедшем доме - напомнит знатокам редакцию Александра Горского, который еще на заре века двадцатого одел вилис в рубахи-«саваны». ХХ век, несентиментальный, жесткий, предложил и новые реалии для старого балета. Западный музыкальный театр, разумеется, был менее консервативен и нравствен, чем российско-советский, где любовь героев была возвышенна и во главу угла была поставлена православная идея искупления и прощения. Запад же интересовали детали, отвечающие современности, поэтому, например, такой момент, как невинность Жизели, подвергся сомнению: какая может быть любовь в ХХ (и далее - в ХХI) веке без физической близости? Вот почему у М. Эка Жизель катает по сцене огромные яйца, а Джон Ноймайер, автор постановки 1983 года (восстановлена и обновлена в 2000 г.), даже утверждает: Жизель похоронена в таком странном заброшенном месте, в лесу «за оградой», как самоубийца или падшая женщина, потому что была беременна (отсюда и смертельный шок от известия о женитьбе Альберта), а мотив качания ребенка, по мнению хореографа, присутствует и в оригинальной хореографии вилис. Феминистские вилисы Ноймайера носят нацистские черные повязки, а имя Мирты, по мнению хореографа, созвучно со словом Muerte («смерть») и напоминает постановщику мексиканские фигурки Санта-Муэрте. Интересная статья автора с говорящим именем Gisela посвящена премьере этого спектакля в Гамбургском балете.

Мысль о том, что действие «Жизели» происходит в Германии, а Германия ХХ века ассоциируется, прежде всего, с «черной чумой» нацизма, промелькнула у Ноймайера, но прочно обосновалась в либретто «Жизели» хореографа Майкла Пинка, поставившего в 1997 г. свою редакцию балета для Northern Ballet Theatre (Англия), которая была возобновлена в 2015 г. силами труппы Milwaukee Ballet (Висконсин, США). Действие спектакля происходит спустя ровно 100 лет после парижской премьеры оригинала, в 1941 году, во время Второй Мировой войны. Варшава, еврейское гетто, одна из обитательниц которого - Жизель, и куда под видом «своего» проникает нацист Альберт. Разумеется, отношения героев не меняются в лучшую сторону. После гибели Жизели восставшие из братской могилы призраки невинно убиенных узников мстят герою, которого опять спасает и прощает героиня.

А вот «Жизель» известного английского хореографа Дэвида Доусона, поставленная в 2008 г. для Дрезденского балета, - неоклассика без излишеств, отчасти сохранившая музыкальную драматургию. Вообще оригинал настолько совершенен по драматургии, что практически никто из постановщиков не решается так, как это сделал Мэтью Борн в своем «Лебедином озере» (кстати, странно, что признанный провокатор классического наследия до сих пор не поставил «Жизель»), внедриться в музыкальную драматургию: на музыку соло Альберта будет, как правило, соло Альберта, конфликта между Иларионом и Альбертом - столкновение Илариона и Альберта и т.д., лейтмотив танцев вилис также неизменен. Объясняется это очень просто: подобная опере, по мнению американского балетоведа Мэриан Смит, «Жизель» Адана имеет настолько продуманные музыкальные «партии», что практически невозможно разъединить эту гармонию. У Доусона вилисы, укутанные в тюль и одетые в лаконичные белые купальники, даже «вынуждены» имитировать знаменитую «расческу» второго акта (которая на балетном жаргоне носит еще название «селедки»). Критики отмечают английскую элегантность стиля Доусона, который не боится длительной, характерной для балетного театра XIX века, пантомимы.

Но вот кто настоящий пытливый психолог, так это австралийский хореограф Грэм Мёрфи, создавший в 2015 году свою версию «Жизели» для корейского балета Сеула. Элементы национальной культуры Кореи присутствуют в музыке, хореографии и костюмах. Среди интересных говорящих акцентов - муляж ребенка-куклы, которого баюкает на руках Жизель (все же Ноймайер не одинок в своих предположениях), а также эффектный пластический образ могилы, составленный из сжатых в кулаки рук вилис, замкнутых в круг и протянутых к героине, заключенной в центр. Вилисы выбелены гримом и костюмами, словно седые тени. «На самом деле, это столкновение двух культур, людей с противоположными ценностями, а не крестьян и дворян, - рассуждает Мёрфи. - И мне нравится тот факт, что во многих азиатских культурах присутствует месть духов, и они, как правило, женщины».

Джейн Альберт в рецензии на версию Мёрфи в газете «The Australian» приводит рассказ балетмейстера о замысле его постановки. «Многие люди говорят, что «Жизель» - это самый трогательный и красивый балет, но я все время задаю себе вопросы. Кто является отцом Жизели и где он? Почему эта королева вилис такая злюка? Какова ее предыстория? Танцовщики должны достаточно знать о своем персонаже». Аналитический ум постановщика создает для балета пролог, в котором рассказывается история матери Жизели, Берты, для того, чтобы объяснить зрителю и себе, почему же Мирта, королева вилис, настолько жестока и по своему характеру, и по отношению к новообращенной вилисе Жизели, что заставляет ее медленно и мучительно убивать своего возлюбленного. Итак, оказывается, как придумал Мёрфи, Берта и Мирта когда-то любили одного человека, но он выбрал Берту и стал отцом Жизели. Тогда Мирта покончила с собой, дав клятву не успокоиться, пока не отомстит. Ее первой жертвой и стал отсутствующий в спектакле отец Жизели, которого она убивает, как только пара празднует рождение их дочери-первенца. Действие первого акта балета начинается спустя 16 лет после событий, изложенных в прологе. Теперь все становится на свои места - и почему Мирта такая непримиримая и несчастная, и почему она мучает Жизель и всех близких ей мужчин, включая Илариона, и почему вдова Берта в длительной пантомиме, сохранившейся в зарубежных академических постановках, предостерегает Жизель от встречи с коварными вилисами.

Одна из последних, вызвавших резонанс, современных версий «Жизели» (2016) - постановка Акрама Хана для Английского национального балета. Главные партии исполнили замечательные, яркие балерины-актрисы Тамара Рохо и Алина Кожокару. Сюжет таков: Жизель - швея-мигрантка на фабрике, сотрудники которой лишились своих рабочих мест из-за закрытия завода. Далее все «по тексту», где Альберт - один из состоятельных владельцев предприятия, обрученный с Батильдой, Иларион - двуличный приспособленец, желающий работать на две стороны. Действие разворачивается на фоне глухой серой стены с мокрыми отпечатками ладоней уставших и отчаявшихся людей. В первом акте она символизирует барьер между средой эмигрантов и капиталистов. А во втором создает антураж заброшенной фабрики, где, по аналогии с лесным кладбищем, обитают духи умерших девушек - несчастных, не выдержавших тяжелой жизни. Только во втором акте танцовщицы обувают пуанты: это помогает создать эффект потусторонности, «надмирности». Драматургически Хан не принял наивности и робости Жизели, которая напоминала ему индийских женщин (известных нам по популярным индийским фильмам). «Сейчас Радха жевала бы жвачку и протягивала руку Кришне, чтобы он записал на ней номер своего телефона, - иронизирует Акрам Хан. - В «Жизели» я хотел создать образ реальной женщины, которая прожила жизнь и многое испытала». «Реальная женщина в катастрофической ситуации» - так резюмирует хореограф замысел своей адаптации в интервью Джудит Макрелл.

Хореографию своего спектакля Хан строит, опираясь на индийский классический танец, один из стилей которого - катхак. Важнейшим элементом катхака является дробное притопывание, становящееся ярким пластическим образом хореографии вилис, держащих в руках шесты. Здесь балетмейстер подчеркивает особую роль пальцевой техники, использованной во II акте: от макушки до кончиков пальцев танцовщицы уподобляются, по словам автора, острым ножам, длинные палки еще больше усиливают это впечатление, мощно живописуя образ неумолимого и страшного возмездия. В соответствии с тенденцией, активно проникающей в балетный театр, а именно - тенденцией кинематографизации театрального спектакля, то есть укрупнения жеста, деталей, нюансов - Хан вводит очень нежный жест в пантомиму героев: прикосновение ладонью к лицу. «Прикосновение к лицу ладонью - это очень интимно, у нас в Индии так не принято, это очень откровенный жест», - объясняет постановщик. Любовь, доверие, надежда сквозят в этом простом человеческом побуждении, когда Альберт и Жизель смотрят друг на друга.

И снова авторы призывают нас, зрителей, постоянно вспоминать оригинальную классическую версию! Помните, когда именитые гости посещают домик Берты и угощаются, Жизель старается незаметно прикоснуться к краю платья Батильды (по версиям - или будучи восхищена красивым одеянием гостьи, или стремясь заботливо поправить, расправить подол ее платья)? Хан дает в либретто свое объяснение этому поступку: «Жизель узнает в прекрасно сшитом платье Батильды продукт своего фабричного труда». Она же швея! И мысль о том, что Батильда не простая гостья, уже закрадывается в голову девушки, когда она щупает ткань.

Еще одна аллюзия на академическую версию: если там Батильда дарит Жизели ожерелье, которое она сначала с восхищением принимает, а потом с ненавистью срывает, то здесь уже бедняк Иларион получает дорогой подарок в свой гардероб - шляпу, которой он очень дорожит, мечтая вырваться из нищеты и приблизиться к миру состоятельных и успешных людей. Антитеза «свои - чужие» остается и развивается абсолютно во всех версиях «Жизели», и у Хана это - история человеческой дискриминации, противостояние угнетенного класса мигрантов и капиталистов. В музыке балета звучат индийские мотивы, близкие Хану (он родом из Бангладеша), и электронные музыкальные вариации.

В версии Раду Поклитару, которую представил «Киев Модерн Балет» в 2016 г., участь Жизели еще более беспощадна и несправедлива. Преданная Альбертом, современным парнем на мотоцикле, отвергнутая матерью и односельчанами, девочка из мегаполиса попадает в публичный дом, который содержит Мирта (эту партию исполняет танцовщик). В то, что «настоящий и хороший» Альберт не предаст, веришь даже во втором акте, куда на музыку антре Альберта приходит шатающейся походкой подвыпивший герой. В классической версии в этом моменте тоже присутствует скрытая ирония: байронически опечаленный Альберт в черном плаще на одно плечо и с букетом лилий медленно приближается к могиле Жизели, а затем описывает скорбный круг по сцене. Вот этот скорбный круг заплетающимся хореографическим «языком» плаксиво мямлит и Альберт в версии Р. Поклитару, роняя пьяные слезы. Встреча с Жизелью - казалось бы, все можно исправить, но... «герой» в кавычках вкладывает в руку девушки денежную купюру: «Ну ты, это... давай там, держись», - и исчезает, увлекаемый дружками-байкерами. Аналог? Сцена предательства первого акта при очной ставке с Батильдой в классической редакции. Полагаю, излишне объяснять, что окружение Альберта появляется не кавалькадой всадников на лошадях, как это было в постановке ХIX века, а заменив живого коня на «стального» - мотоцикл. Королева мотоциклетки, зажевывая жвачку, вполне смогла бы, вслед за Мишель Пфайффер из культового фильма «Бриолин-2», хриплым голосом пропеть: «Мне нужен дьявол в обтягивающей кожанке, и он будет диким, как ветер».

И Альберт, и Ганс предают Жизель не единожды, но даже в плачевной ее жизненной ситуации они остаются равнодушны к ее страданиям, используя девушку как вещь, неодушевленный предмет. Мне кажется, что, подобно толстовской «маленькой княгине» Лизе Болконской, Жизель современных версий могла бы так же вопросить на смертном одре своих мучителей: за что? Я никому не делала зла, за что вы так со мною?..

Что же объединяет все эти постановки, эти современные западные адаптации «Жизели» - и классическую, в том числе? Безусловно, образ девушки своего века, живой девушки, ставшей «мертвой невестой», жертвой бездуховного социума и деградации человеческой природы. В современном мире такая девушка обречена на умирание, считают авторы редакций, потому что со всеми своими ценностями она так и осталась в девятнадцатом веке. Процесс ее приспособления к нынешнему социуму завершается крахом идеалов. Героиня изменилась, увы: стала повзрослевшей и закалившейся в понесенных ею тяготах, менее сентиментальной, более жесткой, местами циничной. Сегодня балет «Жизель» превратился в своеобразную «энциклопедию современной жизни», связав «век нынешний и века минувшие». Спектакль из романтической плоскости перенесен в реалистическую, а где-то и в абсурдно-натуралистическую. Во всех версиях сохраняется антитеза «свои - чужие», невозможность единства между людьми, принадлежащими к разным сословиям, культурам, имеющими разные привычки, вкусы и - духовные ценности (вернее, вообще их не имеющие). Объединение невозможно - но возможно понимание, покаяние, скорбное сострадание и прощение. А еще принципиально поставлен вопрос о том, нужно ли то самое возмездие и, по сути, в чем оно заключается? Не в наказании потусторонними силами, замогильными девами, но в наказании самого себя через раскаяние и осознание своей вины и последствий совершенного поступка. Всем героям версий балета авторы предлагают это покаяние. Лишь предлагают. Примут ли они его или нет - вот уже почти два века каждый вечер по всему миру решают сами герои.

Авторские адаптации «Жизели» продолжают появляться с удивительной активностью. Из совсем «свежих» премьер можно отметить версию «Жизели» в прочтении южноафриканского хореографа Дады Масило, которую российские зрители увидят на Санкт-Петербургском фестивале «Дягилев. P.S.» под занавес года. «Стиль Масило, сочетающий фольклор с актуальным contemporary dance и иронически препарированными элементами классического танца, неповторим, - так характеризует спектакль пресс-релиз фестиваля. - Вилисы в прочтении Дады Масило предстают грозными и неумолимыми убийцами, а Жизель, в отличие от классического сюжета, не собирается прощать предавшего ее возлюбленного, но будет мстить ему». «Жизель не прощает, - пишет критик «Dance Tabs» Марина Харсс. - В версии Масило эта история полна горечи, история разбитого сердца, ярости и жажды отмщения».

Что видим? Базовая мысль всего произведения - всепрощение - заменилось «всемщением», то есть своей противоположностью. Сменились эпохи - сменился и вектор ценностного апломба, хотят убедить нас постановщики. Европейские, азиатские, африканские хореографы в любом формате и хронометраже, каждый со своими специфическими особенностями сценария и хореографии, не устают пересказывать старую историю о погубленной крестьянке, словно продолжают спрашивать и не находят ответы на бесконечные вопросы, словно что-то не дает им покоя, «словно ищут в потемках кого-то и не могут никак отыскать». «Может быть, пора угомониться», - да простятся мне песенные ассоциации, и не пытаться превращать журавля в синицу, заземляя до нашего искореженного веком сознания многие вещи? Практически во всех адаптациях для нас, зрителей, хотят «перезагрузить» главную героиню, представить ее в «обновленной версии». Но секрет в том, что девическая природа - она неизменна, «хотя и пророчества прекратятся, и языки умолкнут, и знание упразднится».

Ценно и то, что на всем этом фоне зарубежных «вариаций» российский театр продолжает нежно беречь целостность нашей, милой сердцу, привычной академической постановки. Русская «Жизель» - особая глава не только в истории мирового балета, но и своеобразный нравственный маяк для многих поколений восторженных зрителей.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18645
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Окт 04, 2018 11:59 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018100403
Тема| Балет, Азербайджанский государственный театр оперы и балета, Персоналии, Марк Перетокин (БТ)
Автор| Франгиз Агаларова
Заголовок| Народный артист России Марк Перетокин: «Мне доставляет удовольствие приходить в театр и работать с азербайджанской балетной труппой» - ИНТЕРВЬЮ - ФОТО
Где опубликовано| © Day.Az
Дата публикации| 2018-10-04
Ссылка| https://news.day.az/culture/1048521.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Народный артист России, лауреат всесоюзных и международных конкурсов артистов балета, педагог-репетитор Большого театра Марк Перетокин прибыл в Баку, чтобы провести мастер-классы в балетной труппе Азербайджанского государственного театра оперы и балета.

В течении месяца Перетокин помимо мастер-классов, будет работать с ведущими солистами балета, оттачивая их мастерство по исполнению ими партий в классических балетных спектаклях.

Марк Перетокин окончил Московское академическое хореографическое училище и был принят в балетную труппу Большого театра в 1983 году. Окончил балетмейстерский факультет Российской академии театрального искусства (Гиттис).

Его по праву называют носителем лучших традиций русского балета. Как премьер балета он исполнял на сцене Большого театра ведущие партии в таких спектаклях, как "Лебединое озеро", "Спящая красавица", "Жизель", "Раймонда", "Корсар", "Шопениана", "Дон Кихот", "Иван Грозный", "Ромео и Джульетта", "Спартак", "Кармен-сюита", "Золотой век", "Коппелия", "Анюта", "Тщетная предосторожность", "Последнее танго в Париже", "Русский Гамлет" и других.

Перетокин долгое время был художественным руководителем балета в Красноярском театре оперы и балета. Более 20 лет проводит мастер-классы по всему миру.

В беседе с Day.Az Марк Перетокин рассказал о важности подобных мастер-классов и поделился впечатлениями от нашего города.


Репетировать я начал лет 25-30 назад, потому что когда подходит возраст после 20 лет, танцовщик хочет передать какие-то свои навыки молодым артистам. Я начал организовывать свои поездки в довольно раннем возрасте и приглашал с собой молодежь. Естественно они ехали без педагогов, и мне приходилось заменять их. Так постепенно я входил в эту роль. Потом я окончил Гиттис по специальности педагог-балетмейстер и так и остался в этой профессии.


Я был художественным руководителем балета в Красноярском театре оперы и балета и занимался репетиторством, давал классы и ставил спектакли. Мною было поставлено 5 спектаклей в этом театре. Но признаюсь, у меня нет жажды проявить себя как хореографа, я скорее постановщик. Сегодня я педагог в Большом театре, и в данный момент занимаюсь только педагогикой.

Работа хореографа-балетмейстера отнимает много нервов и много сил, потому что ты постоянно с мыслями о спектакле, сочиняешь связки, переходы и думаешь, чтобы они были не такие, как у других хореографов. Мне это состояние не очень нравится, это выматывает. Мне нравится когда это подходит к концу и ты видишь результат. И очень здорово, когда этот результат тебя полностью устраивает. Я очень доволен двумя своими спектаклями - "Снегурочка", где либретто, подбор музыки, режиссура составлены мною и четырехтактный спектакль "Садко", где я был лишь хореографом. Были и другие балетные спектакли, которые меня удовлетворяют - "Штраус-гала", например, и "Минкус-гала", поставленный к 180-летию композитора.

В качестве премьера балета с гастролями я был почти во всех странах мира, а как репетитор проводил мастер-классы в ведущих балетных коллективах Японии, Южной Кореи, Китая, Чили, Испании, Греции, Англии, Португалии, Норвегии, Новой Зеландии, Украины и Эстонии.

Но на такой большой срок как в Баку я приезжаю впервые.

Иногда бывает, ты приезжаешь в какой-то коллектив и начинаешь им что-то передавать и пробовать что-то сделать с ними, видишь в глазах безразличие, выражение, которое словно говорит: "мы сами все знаем". А когда чувствуешь отдачу от молодых, когда видишь, что они очень внимательно слушают и хотят попробовать сделать что-то, это вдохновляет и меня. Здесь в Баку балетная труппа меня приняла очень тепло, они меня внимательно слушают, я вижу их глаза, которые пытаются впитать все, что я сделаю или скажу. Я вот дал класс и сам также вспотел как и они, потому что, когда видишь с каким вниманием они впитывают твои знания, начинаешь заниматься, крутиться, показывать на себе, и это очень приятно (улыбается).

У каждого педагога есть свои особенные нюансы в классе. Хотя здесь изначально поставлен порядок движений, у каждого педагога есть свои комбинации, свои элементы, которые он на себе отработал. А у меня за плечами более 35 лет творческой деятельности, и, конечно же, я что-то наработал, попробовал на себе и пропустил через себя. И это я пробую передать артистам балета, которые только начинают свой путь, потому что я всем телом знаю, какое движение или какой элемент лучше сделать, какие упражнения, растяжки лучше разогревают мышцы, подготавливают к репетиционному процессу спектакля и т.д.

Я видел балет "Семь красавиц" Гара Гараева, но это было давно и я не уверен, что сегодня на сцене показывают именно ту же версию, которую видел я. Поэтому сейчас я открываю для себя все заново. Я был на репетиции "Гойи" и меня порадовало, что танцовщики справляются с такой сложной для балета музыкой. Они слышат ее, а такое бывает не всегда. Очень редко также артисты балета хотят воплотить то, что задумал хореограф. Но в Баку ребята меня в этом плане порадовали, очень хорошая дисциплина, я не видел ни одного человека, который, скажем так, халтурил бы на сцене, и это знак "плюса" для балетной труппы. Здесь ребята увлечены своей профессией и это радует. У них есть заинтересованность, а когда такое видишь, всегда хочется отдать им больше.

Мне доставляет удовольствие приходить в театр и работать с бакинской труппой. Конечно, за месяц ничего фундаментального не сделаешь. Но я вижу, что сама труппа и руководство театра хотят, чтобы были небольшие дополнительные изменения, новые силы, новые ощущения, ну и для ребят интересно, когда новый человек приезжает. А у меня большой опыт в этом деле. Я танцевал в Большом, когда там были Плисецкая, Васильев, Владимиров, наши великие звезды балета и информация переходила от поколения к поколению. Я смотрел на них, учился у них, они сами что-то показывали, подсказывали. Эти знания, полученные от моих педагогов и выработанные в результате личного опыта я и передам азербайджанским танцовщикам.

Баку произвел на меня большое впечатление. Я в первый раз в Азербайджане и город меня, в хорошем смысле, шокировал. Я здесь уже третий день, и то, что я уже успел увидеть меня впечатлило. Начиная со здания Международного аэропорта Гейдар Алиев, который просто космический, меня поразило все. Мы в Москве избалованы всеми этими постройками, но у вас они производят неизгладимое впечатление. Город невероятно современный, фундаментальный, приятно ходить по этим широким улицам, площадям. Честно, не ожидал увидеть настолько красивый город и рад, что меня пригласили на большой срок, потому что успею поближе познакомиться с городом. Баку отличается от всех других городов, у него свое лицо.

==========================================================
Фотогалерея по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18645
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Окт 05, 2018 1:44 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018100501
Тема| Балет, Беларусь, Персоналии, Валентин Елизарьев
Автор| ДУБРОВСКАЯ Ольга
Заголовок| Валентин Елизарьев: любовь к искусству нужно воспитывать с детства
Где опубликовано| © ЗНАМЯ ЮНОСТИ
Дата публикации| 2018-10-04
Ссылка| https://www.sb.by/articles/valentin-elizarev-lyubov-k-iskusstvu-nuzhno-vospityvat-s-detstva.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Его имя знают на всех континентах, ему рукоплещут Токио, Каир, Париж, Нью-Йорк. Он отработал в Большом театре оперы и балета в Минске почти четыре десятка лет, а затем взял длительный тайм-аут. В Международный день балета Валентин Елизарьев, недавно назначенный художественным руководителем Большого, встретился с поклонниками в Национальном историческом музее и рассказал…

...О молодежи в зрительном зале

Для балета зреть не надо. Чем раньше придешь на постановку, тем лучше. Насколько человек будет увлечен искусством, зависит от его родителей. Если мама с папой знают дорогу в театр, ребенку тоже придутся по вкусу опера, драма, балет. Любовь к искусству – это чувство, которое можно и нужно воспитывать с самого детства. Если не уверены, что ребенок «осилит», например, «Сотворение мира», отведите его на детский спектакль. Но чаще всего классические постановки не имеют возрастных ограничений. Они рассчитаны на всех, кто способен чувствовать и сопереживать.

...О снах

Мне часто снятся хореографические сны. Например, однажды ночью я увидел первый акт «Щелкунчика». Едва успел его записать. Кстати, есть несколько систем записи танца. Понять конспект может только автор, так что передать запись другому хореографу не получится.

...О магии

Артист всегда чувствует публику: или она спящая, или напряженная. Когда в зале повисает звенящая тишина, понимаешь, что работаешь ради этих магических мгновений. Если постановка скучная, все старания напрасны. Зрителей не обманешь.

Я прожил долгую и очень ин­тересную жизнь. Надеюсь, мне еще удастся многое сделать для ис­кусства. Единственное, что я прошу у самого главного творца, – это время.

...О самой главной работе

Каждая постановка – это мой ребенок, в которого я вложил часть своей души. Выделить одну очень сложно. Вообще стараюсь смотреть не в прошлое, а в будущее. Те годы, которые отсутствовал в Большом, работал в портфель: записывал идеи, продумывал сценарии, искал темы. У меня грандиозные творческие задумки, но озвучить их пока не могу – еще не было худсовета. Было несколько ситуаций, когда то, что я озвучил преждевременно, сделать так и не удавалось.

...О малой родине

Я родился в Баку. Это мой любимый город, пропитанный ароматом востока. Он очень красивый: расположился амфитеатром на берегу Каспийского моря. Его морские пейзажи – это удивительное зрелище. Город сформировал во мне особое восприятие жизни.

Во дворе, где я рос, все мальчишки занимались художественной самодеятельностью. Многие ходили в детскую танцевальную школу. Я не стал исключением. Поступил в хореографическое училище в Баку, откуда перевелся в Ленинград. Этот город на девять лет стал моей творческой колыбелью. И, наконец, Минск, где прошла большая часть моей жизни и где я состоялся как художник. Это моя большая Родина.

...Об учениках

Эти девять лет вне Большого театра я не тратил времени зря. Сделал несколько постановок за границей, преподавал в Белорусской государственной академии музыки. У меня минимум студентов, я очень скрупулезно отбираю тех, с кем буду работать. Ко всем ребятам отношусь как к равным. К сожалению, обучение сократили с пяти до четырех лет. Пока выпускников, окончивших обучение по «сокращенке», еще нет, но мы уже видим, что времени явно не хватит. Знаете, хореограф – это целый океан, человек, обладающий уникальным образованием. Он должен знать драматургию, ориентироваться в мировом искусстве, живописи, дизайне, архитектуре… Я счастлив, когда вижу талант у студентов. Меня всегда радуют успехи учеников. Например, Сергей Микель проявил себя в Белорусском государственном академическом музыкальном театре – поставил «Вишневый сад» и «Титаник». Он не боится экспериментов, и это правильно, ведь, как известно, кто ищет, тот найдет.

...Об учителях

Мне повезло встретить на своем пути учителей с большой буквы. Когда я был совсем ребенком, со мной занимался наставник из театра оперы и балета в Баку. Экспрессивный армянин с очень хорошей школой научил меня не просто импульсивно двигаться, но и включать голову, которая в балете важна не меньше, чем остальные части тела. В Ленинграде я попал к Геннадию Наумовичу Селюцкому. Этот замечательный человек, настоящий носитель петербургских традиций в балете, вложил в меня любовь к танцу. Когда я получал высшее образование на балетмейстерском факультете в Ленинградской консерватории, моим учителем был Игорь Дмитриевич Бельский. Я очень хотел попасть к нему. Помню, на курс тогда приняли 14 человек, а закончили только четыре. Как хореографы состоялись двое: я и Генрих Майоров.

...О белорусских артистах

Если творческими планами поделиться пока не могу, то насчет кадров скажу: планирую принимать на работу больше талантливых белорусских артистов. Представляете, за последние девять лет в Большой не взяли ни одного хореографа и педагога – выпускника БГАМ. Они побеждают на международных конкурсах, проявляют себя и уезжают за границу. Все-таки создавать белорусское искусство должны именно наши артисты. Знаете, еще в XVIII веке в Беларуси было несколько балетных школ, сильные традиции заложены и в советское время. Конечно, звезды мировой величины рождаются очень редко. Хороший артист должен иметь потрясающую наследственность – это 50 про­центов успеха, еще 50 – в руках педагога.

=================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18645
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Окт 06, 2018 11:43 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018100601
Тема| Балет, XXI фестиваль EarlyMusic, «Барочный балет Анджолини», Персоналии,
Автор| Ольга Федорченко
Заголовок| Таблица уважения
Барочный балет на фестивале EarlyMusic

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №183
Дата публикации| 2018-10-06
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3763688
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ



XXI фестиваль EarlyMusic послал галантный поклон Мариусу Петипа, чье 200-летие отмечает хореографический мир весь 2018 год: на сцене Эрмитажного театра в рамках фестиваля состоялся вечер барочного балета. Рассказывает Ольга Федорченко.

«Барочный балет Анджолини», коллектив, подвизающийся на ниве аутентичного танца середины XVIII века, поддержанный ансамблем «Солисты Екатерины Великой» и руководителем фестиваля Андреем Решетиным, дерзнул выступить со своим приношением создателю академического балета. Вечер составили танцевальные новеллы «Царицы Севера», посвященные Анне Иоанновне и Елизавете Петровне, композиция «Людовик XIV — король-танцор» и премьера одноактного балета «Венецианский карнавал» на музыку Андре Кампра, все три — в постановке Клауса Абромайта. Приношение это оказалось не формальным жестом вежливости, но яркой художественной акцией, показавшей, что намеренная архаика может быть ультрасовременной и в то же время являться столпом академизма.

Мариус Петипа, не питавший никакого интереса к историческим реконструкциям в том виде, в каком современные балетмейстеры любовно воскрешают старые и старинные танцевальные партитуры, был хореографом предельно практичным: «древние» балеты надо пересочинить, а устаревшую технику — модернизировать. Тем не менее торжественное барокко и игривое рококо все же нашли себе приют в его балетах. Знаменитая танцевальная бунтарка XVIII века балерина Мария Камарго стала героиней балета «Камарго», эпоха Луи Дюпре отразилась в спектакле «Ученики Дюпре», золотой век Людовика XIV Петипа воспел в «Спящей красавице». Но его барокко и рококо — плоть от плоти академического балета, все менуэты, паспье, ригодоны, сарабанды и аллеманды Петипа обильно «обшивает» рюшами и кружевами своей безудержной хореографической фантазии. XVII век в танцевальной интерпретации Петипа чрезвычайно телесен и жарок, он фривольно рассыпает щедрые авансы и манит кажущейся неприступностью.

Для Абромайта барокко — это не возможность раскрыть жаркие объятия, продемонстрировать ладную ножку в шелковом чулке, «случайно» спустить бретельку с плеча и лукаво, с намеком, улыбнуться. Его театр о другом — о подчинении идеалу, о преданности, о служении. Служении истовом и практически целомудренном. Основа его хореографии — выверенное и «отфильтрованное» pas, пластическая фраза, произносимая с отчетливейшей артикуляцией, это танцевальная инверсия чеканных строф французских классицистских трагедий или бойких острот мольеровских комедий.

Сюита «Людовик XIV — король-танцор» стала своеобразным манифестом театра Абромайта. Открывающее ее «Антре Аполлона» вступает в заочный спор с баланчинской историей о боге Солнца. Танцевальная эпоха Людовика XIV сияет в строгой, «алгебраической» торжественности и приподнятости. Лаконичность диктуют черно-белая гамма костюмов Ларисы Погорельской, строгих и вместе с тем неожиданно ироничных. Намеренная ограниченность режиссера в выборе пластических средств (самым сложным pas является entrechat quatre) приводит к тому, что каждое движение преподносится как величайшая драгоценность. В «Возлюбленном победителе» куртуазная игра танцовщиков лишена чарующего флера костюмированных представлений, в сосредоточенном диалоге, чуть насмешливом и ироничном, главным призом является державный поцелуй, которым король милостиво одаривает партнершу.

Премьерный «Венецианский карнавал» на музыку Андре Кампра возвращается к истокам танцевальных празднеств. Четыре пары в томлении ищут свою половинку, нежно воркуют, ссорятся, испепеляют друг друга бушующими страстями. «Венецианский карнавал» кажется неожиданным приквелом прельжокажевского «Парка»: господин Абромайт воспитывает и взращивает чувственность через статические формулы барочного танца. Он пропускает своих героев сквозь соблазны легкой победы и яростного штурма добродетельного целомудрия, чтобы в финале щедро плеснуть в воображаемые кубки венецианского веселья и забыться в праздничной фарандоле.

Балеты Абромайта не поразят пришедших «на балет» и ожидающих от него великие милости в виде фуэте, пируэтов и больших прыжков. Может, даже покажутся скучными и нудными. Но в этой нудности — та таблица умножения, на основе которой Мариус Петипа через 150 лет выведет свои хореографические логарифмы.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18645
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Окт 08, 2018 2:07 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018100801
Тема| Балет, Kremlin Gala «Звезды балета XXI века», Персоналии,
Автор| Валерий Модестов
Заголовок| Звезды мирового балета вновь встречаются в Кремле
Где опубликовано| © Газета "Вечерняя Москва"
Дата публикации| 2018-10-08
Ссылка| https://vm.ru/news/543708.html
Аннотация|


Быстро летит время, и вот уже традиционный Kremlin Gala «Звезды балета XXI века» вновь собрал под своим крылом и представил москвичам работы знаменитых хореографов современности в исполнении артистов мирового балета. Шеститысячный зал Кремлевского дворца был полон.

Нынешний Kremlin Gala был посвящен 200-летию Мариуса Петипа, чей творческий путь в России продолжался более полувека. За это время он поставил свыше 60 балетов, создал свод правил балетного академизма и заложил основы хореографического симфонизма.

Отдавая должное великому хореографу, специально для нынешнего Kremlin Gala петербургский хореограф Василий Медведев поставил Pas d'action «Посвящение Петипа» по мотивам балета Минкуса «Ночь и День», который Петипа поставил в Москве в 1883 году в честь коронации Александра III. Работа эта, по отзывам современников, поражала роскошью оформления, обилием танцев в исполнении артистов Петербургской и Московской балетных трупп. Pas d'action Медведева — это сегодняшнее изящно стилизованное под Петипа видение старинного балета в исполнении солистов Большого театра Алены Ковалевой и Якопо Тисси.

Второй мировой премьерой стал балет Наталии Хоречной «Любовь в свободном полете» на музыку Баха в исполнении звезд Берлинского и Гамбургского балетов Элизы Карийо Кабрера, Михаила Канискина, Сильвии Аццони и Александра Рябко, которые в полных радости и светлой грусти дуэтах вдохновенно демонстрировали свое понимание истинной любви.

Среди российских премьер я особо отметил бы хореографическую сценку Марко Геке «Этот безумный длинный день» в азартном исполнении артистов Молодежного балета Берлина, а также еще две миниатюры в исполнении самих постановщиков. Это «Татум Буги-поул» в постановке и виртуозном исполнении Дэниела Ульбрихта ( премьер Нью-Йорк Сити Балета) и «Ami /Друг» в постановке и исполнении несравненного Марсело Гомеса в дуэте с солистом Американского театра балета Томасом Форстером. Поставленный на волшебную музыку Шопена, балет этот — о дружбе и соперничестве двух зрелых мужчин, а может, двух мужских начал, чтобы никогда не победить и никогда не стать побежденным.

Из пятнадцати остальных номеров программы я отметил бы прежде всего «Романс» Дмитрия Брянцева на музыку Георгия Свиридова. С первыми аккордами музыки на черном квадрате задника мы видим неподвижно сидящую на табурете женщину с потухшим взором и безвольно опущенными руками. О ее горьких думах можно только догадываться. Но вот из глубины воспоминаний появляется Он (Денис Савин). Минуты счастья равны минутам воспоминаний. Диалог на грани любовного помешательства.

Героиня Анастасии Винокур, танцовщицы стильной, драматически одаренной, смогла прочувствовать и передать образную суть современной постановки, построенной на пластике бытовых движений, обиходных жестов — при полном отсутствии внешнего изящества линий и поз. Ее танец жизнен, он воспевает не телесную красоту, а «младенческую грацию души», напоминающую огонь, «мерцающий в сосуде». А придуманное Брянцевым несовпадение замедленного ритма печальной мелодии ожидания и быстрого танца воспоминаний, который идет вразрез с музыкой, создает особый щемящий душу хореодиалог влюбленных.

Оксана Кардаш и Артем Овчаренко восхищали чистотой линий, изысканностью поз и виртуозной техникой в классическом Grand Pas Обера в постановке Виктора Гзовского, а Анастасия Лименько и Осиель Гюнео (премьер Баварского балета) — контрапунктом разнозарядной энергетики в Pas de deux из балета «Эсмеральда» (хореогр. Агриппины Вагановой).

Артисты Венского балета Масаю Кимото, Ричард Сабо и Джеро Вилик вдохновенно исполнили вечно юное «Соло» Ханса Ван Манена на музыку Баха, чье творчество постоянно привлекает внимание хореографов разных поколений.

Чудеса исполнительского мастерства продемонстрировали Мария Эйхвальд и Роберто Болле в изобретательной миниатюре Ицака Галили Mono Lisa.

Постоянная звезда Kremlin Gala Иван Васильев завораживал зал вихревыми вращениями, прыжками и прочими трюками.

Настоящим украшением программы стал отрывок из балета Бориса Эйфмана «Чайковский. Pro et Contra». По замыслу хореографа, многоликий Двойник Чайковского — его «Я», с которым он ведет бесконечные диалоги, — проглядывает то в злодее Ротбарте, то в Германе, продавшем душу дьяволу за три карты… Их дуэты изобретательны: изломанные линии и острые углы рук, распахнутые навстречу друг другу тела, искаженные душевными страданиями лица… Двойник — горе и отдохновение хозяина, тайный свидетель его творческих взлетов, порочных мыслей и сладких падений, он его «pro et contra». Солисты (Любовь Андреева, Алина Петровская, Олег Габышев и Сергей Волобуев) работают в спектакле виртуозно и актерски, и пластически. Хореограф создал яркий, образный спектакль, дающий обширный материал для пластического осмысления на основе психоанализа темы изгоя в обществе.

Будем надеяться, что международный проект Kremlin Gala следующего года будет не менее интересным — Москва была и остается одним из центров межкультурного диалога.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Окт 08, 2018 11:51 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18645
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Окт 08, 2018 11:50 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018100802
Тема| Балет, Башкирский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии,
Автор| Гульназ Данилова (Уфа)
Заголовок| Футбол на пуантах
В Уфе представили модернистский балет, в котором соединились спорт и искусство

Где опубликовано| © Российская газета - Федеральный выпуск №7688 (225)
Дата публикации| 2018-10-08
Ссылка| https://rg.ru/2018/10/08/reg-pfo/v-ufe-predstavili-obedinivshuiu-futbol-i-balet-postanovku.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Балет-матч "На футбол!", которым открылся 81-й сезон в Башкирском государственном театре оперы и балета, для театралов стал неожиданностью. В оригинальной постановке артисты перевоплощаются в спортсменов и болельщиков. Временами даже казалось, что сцена действительно превратилась в стадион, на котором разгорелись нешуточные страсти. Атмосфера матча усиливалась свистками, в которые, отложив свои инструменты, дули оркестранты.


Футбольных мячей в спектакле было в избытке, они присутствовали даже в балетных пачках. Фото: Александр Данилов

Но, несмотря на весь антураж действа, спектакль на самом деле про любовь. В центре сюжета Девушка и Парень, которые оказались фанатами разных команд и даже сразились друг с другом в матче болельщиков, по ходу действия они то ссорились, то мирились. В итоге сердечные чувства взяли верх над спортивными пристрастиями, и все закончилось хеппи-эндом.

Побывавшие на премьере зрители как один отмечают, что "На футбол!" - спектакль веселый, пронизанный юмором, а подчас и иронией. Для того, чтобы передать атмосферу состязания, азарта и напряжения, постановщик вывел на сцену стихии, придав им несколько нереальный вид, чтобы зрители не спутали их с "живыми" людьми. Стихии атаки, защиты, спортивной удачи, футбольных правил и даже спортивной злости и допинга овладевают игроками, а подчас буквально руководят их действиями, так что зрителям становятся видны все "тонкие срезы" матча, его "анатомия" и движущие силы. А для того, чтобы сидящие в зале зрители могли как можно лучше рассмотреть наиболее острые моменты, их показывают в "режиме замедленной съемки".

Балет получился невероятно зрелищным, московская художник-постановщик Ирина Дерябина дала волю фантазии. Костюмов сшит не один десяток. Но главным стал образ футбольного мяча. Помимо того, что по сцене гоняли несколько самых настоящих мячей, а один даже загнали в оркестровую яму, этот образ воплощался то в узоре на балетной пачке одной из стихий, то в надувных шарах, то в огромном мяче высотой в половину сцены, который неторопливо перекатился из одной кулисы в другую прямо посреди спектакля.

Некоторые критики предположили, что идея балета-матча родилась во время или после чемпионата мира по футболу, который стал грандиозным праздником не только для любителей спорта в нашей стране. Но, оказалось, это не так. Как рассказал хореограф-постановщик и почти тренер Алексей Ищук (Москва), идея поставить модернистский балет на футбольную тему пришла ему зимой, когда он писал либретто к другому балету. Ищук поделился ею с композитором Русланом Мурсякаевым, который тут же загорелся этой идеей и написал музыку, в которой сплелись классика, джаз, рок-н-ролл, латиноамериканские мотивы. Для оркестра, которым управлял дирижер-постановщик, заслуженный деятель искусств Башкортостана Герман Ким, исполнение такой необычной партитуры стало своего рода вызовом.

Свою задумку Алексей Ищук предложил воплотить на уфимской сцене. Выбор площадки определили два фактора: балетмейстер уже ставил здесь хореографию для оперы "Искатели жемчуга" и знал возможности труппы. Кроме того, Башкирский театр оперы и балета, будучи, по словам балетмейстера, "заповедником классики", оказался открыт новациям, а артисты - экспериментам.

Главный тренер футбольного клуба "Уфа" Сергей Томаров после прогона спектакля сказал, что все было по правилам

Без сомнения, спектакль стал звездным часом артистов кордебалета, которым выпал шанс показать все, на что они способны. Для них, как и для футболистов, важна командная работа. Главные партии исполнили ведущие солисты - заслуженные артисты Башкортостана Рустам Исхаков и Олег Шайбаков, их молодые коллеги - лауреат и дипломант Международных конкурсов Лилия Зайнигабдинова, лауреат всероссийских конкурсов Артем Доброхвалов, дипломант XV Открытого российского конкурса артистов балета Алиса Алексеева. Принцип отбора исполнителей был простой - кто сам изъявит желание участвовать в эксперименте. Артисты Башкирского государственного театра оперы и балета оригинальную идею приняли охотно. Впрочем, настолько ли новую?

- Футбол и балет многое объединяет - и общим духом и движениями. Не все знают, что, например, в Англии балерин даже приглашают на тренировки профессиональных футболистов, чтобы они подсказали им, какие движения выполнять для более эффективной игры, - говорит Алексей Ищук.

Главный тренер футбольного клуба "Уфа" Сергей Томаров, посмотрев прогон спектакля, увиденным остался чрезвычайно доволен - по его словам, артисты сыграли по всем правилам.

Кстати, артисты изучали не только приемы, применяемые футболистами. Для битвы между фанатами им пришлось осваивать элементы греко-римской и вольной борьбы.

Кстати, премьера балета "На футбол!", по версии портала balet24.ru, вошла в топ-5 лучших мировых балетных постановок о футболе.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18645
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Окт 09, 2018 10:17 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018100901
Тема| Балет, "Золотая Маска в Латвии", БТ, Персоналии,
Автор|
Заголовок| "Золотая Маска в Латвии" началась с оваций
Где опубликовано| © DELFI Showtime
Дата публикации| 2018-10-09
Ссылка| http://www.delfi.lv/showtime/news/culturepark/local/zolotaya-maska-v-latvii-nachalas-s-ovacij.d?id=50472121
Аннотация| Гастроли


Foto: Publicitātes foto/Иван Варшавский

Первым гостем фестиваля "Золотая Маска в Латвии" стал Большой театр. Его знаменитая на весь мир балетная труппа показала спектакль "Укрощение строптивой" и получила в ответ стоячие аплодисменты.

Для зрителей фестиваль открылся вечером 8 октября на сцене Латвийской национальной оперы, для студентов и преподавателей Академии культуры – утром того же дня, циклом лекций легендарного российского театрального менеджера Ирины Черномуровой, начальника отдела перспективного планирования и специальных проектов Большого театра. Образовательная программа "Золотой Маски в Латвии" всегда была важной составляющей частью фестиваля – занятия с будущими актерами, режиссерами, хореографами, танцовщиками, художниками постоянно проводят лучшие мастера российской сцены. Но услышать великолепный, живой, подробный рассказ о том, как строится репертуарная, гастрольная и фестивальная политика такого великого театра, как Большой, участникам мастер-классов довелось впервые.

Позже на пресс-конференции в честь открытия "Золотой Маски в Латвии" к Ирине Черномуровой присоединились генеральный директор Российской национальной театральной премии и фестиваля "Золотая Маска" Мария Ревякина, артисты Большого театра - прима-балерины Екатерина Крысанова и Ольга Смирнова, премьеры Владислав Лантратов и Семен Чудин, режиссер и видный деятель культуры Андрей Жагарс, руководитель Латвийского национального балета Айвар Лейманис, председатель Союза театральных деятелей Латвии Дайга Гайсминя-Шилиня, директор "Золотой Маски в Латвии" Юлия Лочмеле, представители Рижской думы и партнеров фестиваля.

Практически у каждого из гостей, даже самых молодых, нашлась история личных отношений с Латвией, и разговор получился совсем не формальным. Что не удивительно – ведь люди искусства находят общий язык гораздо лучше, чем политики, и когда результатом их общения становятся фестивали, гастроли и другие совместные проекты, это идет обществу только на пользу. С самого основания "Золотой Маски в Латвии" целью фестиваля было не только радовать публику, показывая ей самые интересные спектакли России, но и всеми силами способствовать укреплению культурных связей между нашими народами. Результаты этой работы видны каждому, кто следит за театральной жизнью. И совсем не случайно в программу нынешней "Золотой Маски в Латвии" включены знаменитые "Рассказы Шукшина", поставленные Алвисом Херманисом в Театре наций. По мнению Марии Ревякиной, это лучшее, что создано на российской драматической сцене за последнее десятилетие.

Еще один прекрасный пример творческого взаимодействия был продемонстрирован вечером, во время спектакля. Латвийский фестивальный оркестр, которым руководил профессор Московской консерватории, дирижер Игорь Дронов, практически идеально справился со сложнейшей партитурой "Укрощения строптивой", составленной из произведений Дмитрия Шостаковича. Мало сказать, что он ни разу не подвел солистов Большого театра. Он звучал просто превосходно! ("А завтра все будет еще лучше", - пообещал маэстро.)

Да, Большой театр проведет в Риге еще один день – 9 октября. Утром в Рижскую хореографическую школу отправятся с мастер-классом заслуженный артист России, балетмейстер-репетитор Виктор Барыкин и концертмейстер Роман Игнатов. Днем московские артисты, продолжая добрую традицию "Золотой Маски в Латвии", посадят в сквере возле Оперы дерево. А вечером выдут на сцену перед переполненным залом, чтобы еще раз показать блистательный балет Жана-Кристофа Майо "Укрощение строптивой", награжденный тремя "Золотыми Масками". Главные роли исполнят прима-балерина Анастасия Сташкевич, премьер Артем Овчаренко и ведущие солисты Большого театра Кристина Кретова и Денис Савин.

Фестиваль "Золотая Маска в Латвии" продлится до 17 октября.

Генеральными партнерами "Золотой Маски в Латвии" на протяжении 13 лет являются компания "Северсталь" и Rietumu Banka. Фестиваль проходит при поддержке Министерств культуры Латвийской Республики и Российской Федерации, Посольств Латвийской Республики и Российской Федерации, Государственного Фонда культурного капитала Латвии, Рижской думы, Лиепайской думы, Вентспилсской думы и Управления Рижского Свободного порта. Генеральный информационный партнер – Первый Балтийский канал. Информационный партнер – портал Delfi.

Организатор фестиваля "Золотая Маска в Латвии" - компания ART Forte. Билеты во всех театральных кассах и сети Biļešu Paradīze, bilesuparadize.lv. Дополнительная информация на сайтах goldenmask.lv и artforte.lv.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18645
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Окт 09, 2018 10:31 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018100902
Тема| Балет, Kremlin Gala «Звезды балета XXI века», Персоналии,
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Танцуют всем
«Звезды балета XXI века» в Кремлевском дворце

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №184, стр. 11
Дата публикации| 2018-10-09
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3764294
Аннотация|


Фото: Петр Кассин / Коммерсантъ

На сцене Кремлевского дворца прошел традиционный, девятый по счету международный Kremlin Gala, в изобильной программе которого популистская классика чередовалась со сдержанным авангардом. Рассказывает Татьяна Кузнецова.


Репертуар «Звезд балета XXI века» всегда пытался примирить массовость с элитарностью. Для заполнения зала в программу включали кассовые хиты и народных любимцев, для поддержания реноме искали нетривиальных хореографов и свежих исполнителей. Соединить мух с котлетами был призван и новый худрук гала Михаил Канискин, премьер Государственного балета Берлина. Он старался. Даже небезуспешно.

ДАЛЕЕ ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18645
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Окт 09, 2018 12:56 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018100903
Тема| Балет, Английский национальныйо балет, Персоналии, Екатерина Ханюкова
Автор| корр.
Заголовок| Балерина Екатерина Ханюкова: "На сцене напрягается тело, а не я"
Где опубликовано| © Liferead.Media
Дата публикации| 2018-10-01
Ссылка| https://liferead.media/culture/balerina-ekaterina-xanyukova-na-scene-napryagaetsya-telo-a-ne-ya.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Екатерина Ханюкова, известная украинская балерина, солистка Английского национального балета в Лондоне накануне своего выступления в Киеве (7 октября) рассказала «Сегодня» и Liferead.Media о своей жизни и работе за рубежом, любимых постановках и бойфренде-кубинце



«Чтобы выступить в Киеве, репетируем то в Париже, то в Лондоне каждые выходные»

— Екатерина, уже 7 октября вы представите в Киеве легендарные балеты «Шахерезада» и «Пахита». Расскажите, как проходят репетиции?

Екатерина Ханюкова: — Репетиции в самом разгаре, и проходят они достаточно напряженно. Дело в том, что мой партнер Франсуа Алю — солист Парижской оперы, а я — артистка Английского национального балета. Поэтому каждые выходные, чтобы провести репетицию, мы друг к другу мотаемся. То я к нему в Париж, то он ко мне в Лондон. Ранее с Франсуа мы уже работали в других постановках, и нам понравилось вместе танцевать. «Шахерезада» и «Пахита» — это репертуарные спектакли Национальной оперы Украины. Но партию Шахерезады, будучи еще в составе Национальной оперы, я никогда не танцевала, поэтому мне очень интересно ее исполнить. Обычно в балете любят раздавать амплуа и ставить артистов в определенные рамки. Я же люблю выходить за эти рамки и пробовать что-то новое. Ну и, конечно, выступать на родной сцене — это всегда удовольствие. Этот запах театра, кулис я помню с детства. И он манит до сих пор.


«Когда мы уходим со сцены, многие только начинают карьеру»

— Как руководство Английского национального балета отнеслось к вашему желанию выступить на родной сцене Национальной оперы?

Екатерина Ханюкова:
— Меня отпустили в Киев практически без проблем, но наше выступление состоится в воскресенье. В любой другой день вырваться с моего основного места работы, думаю, было бы намного сложнее (улыбается).

— Как часто вообще сейчас бываете в Киеве?

Екатерина Ханюкова:
— Меня все время тянет в родной город. Здесь живут мои родители, дедушка, любимая собака… Последний раз была в Киеве в августе, в отпуске. Я стараюсь хотя бы на один день, снова-таки в выходной от работы, приехать сюда. В среднем я бываю в Киеве раз в два-четыре месяца.


«В Британии основную часть бюджета театра составляют спонсоры и меценаты»

— Уже четыре года вы работаете в труппе Английского национального балета. Не думали остаться в Великобритании навсегда?

Екатерина Ханюкова:
— У меня бессрочный контракт, и вообще я не люблю загадывать. Карьера артиста балета короткая. И главная для меня цель — возможность реализовать себя по максимуму, и не только в плане балета. Но пока, слава богу, у меня настолько много работы, что нет времени думать об этом всем. Тем более мы заканчиваем свою профессиональную жизнь тогда, когда люди других профессий ее только начинают.

— Какие главные отличия репетиционных баз в Англии и Украине?

Екатерина Ханюкова:
— Невозможно даже сравнивать суммы, выделяемые на развитие балета в Великобритании, с теми, которые выделяются в Украине. Национальная опера Украины, как мне известно, полностью на попечении государства. В Великобритании же основную часть бюджета покрывают спонсоры и меценаты. Для них это своего рода арт-бизнес, и каждый здесь занимается своим делом. К примеру, я отвечаю за то, чтобы мой продукт, в данном случае танец, был наивысшего качества исполнения. Кроме того, здесь после премьеры всегда измеряют успех спектаклей, внимательно относятся к отзывам. Отклик от зрителей очень полезен. Ведь именно они главные потребители продукта, который все мы производим. В этом сезоне мы переезжаем в абсолютно новое здание, где у нас будет две репетиционных сцены. Комнаты физиотерапии, массажи, пилатес, йога, ледяная ванна… Это инвестиции со стороны театра, которые позволяют продлить жизнь профессиональным танцовщикам. Но я уверена, Украина тоже когда-нибудь к этому придет, тем более здесь столько талантливых ребят.

«За телом нужно постоянно следить»

— Что вам на данный момент ближе — классический танец или современный?

Екатерина Ханюкова:
— Я безумно люблю «Спящую красавицу», «Лебединое озеро», «Щелкунчик». Но я также обожаю современную хореографию, и это тоже часть моей профессиональной жизни. Чем более разноплановый артист, тем он менее уязвим. Это как с языками: чем больше человек их знает, тем более комфортно он себя чувствует. Люди думают, что модерн — это менее элитарное искусство, чем классика. Но это совершенно не так. Мы, артисты балета, продолжаем учиться на протяжении всей карьеры. Можно быть уже примой, но если не прислушиваться к замечаниям своего педагога или балетмейстера, можно очень скоро замереть в своем развитии. А остановка — это всегда регресс. Конечно, сложно, когда в течение дня свое тело нужно перебрасывать с одного стиля на другой. С классики на пуантах — к совершенно приземленному стилю с босыми ногами. Поэтому за телом нужно постоянно следить.

— И как вам это удается?

Екатерина Ханюкова:
— Легко, ведь это тело напрягается, а не я (смеется). Я всегда стараюсь сохранять спокойствие и без лишних причин не суетиться. Разумеется, в течение дня устаешь, но мне все равно нравится то, что я делаю. Когда я прихожу домой, то, как правило, я готовлю ужин и занимаюсь домашними хлопотами. А еще перед сном я люблю смотреть видео на YouTube, в том числе и танцевальные. На что Цезарь, мой бойфренд, говорит, что я сумасшедшая (смеется). А еще мы подсели на аудиокниги. После них снятся такие красивые сны! «Цезарь очень долго ухаживал за мной, а я все никак не отвечала ему взаимностью»

— Благодаря своей работе вы имеете возможность путешествовать по всему миру. Какая страна впечатлила больше всего?

Екатерина Ханюкова:
— Новая Зеландия. Там так красиво, что нельзя даже себе представить. Это очень красивая страна со своей особенной культурой. Они очень бережно относятся к природе, и это так подкупает. А вообще я люблю путешествовать. И я счастлива, что моя профессия дает мне эту возможность. Мне нравится знакомиться с людьми разных наций. Наблюдать за тем, как они себя ведут в той или иной ситуации.

— Нет амбиций попробовать себя совершенно в другом жанре, я имею в виду кино?

Екатерина Ханюкова:
— На сцене играть драму мне очень нравиться, в жизни — терпеть не могу! Если будут какие-то интересные предложения, конечно, я их рассмотрю. Но бросать балет ради кино я точно не буду.

— Расскажите, как вы познакомились со своим бойфрендом?

Екатерина Ханюкова:
— С Цезарем (Сесар Корралес. — Авт.) мы познакомились в Английском национальном балете, но сейчас он уже работает в труппе Королевского балета. Цезарь очень долго ухаживал за мной, а я все никак не отвечала ему взаимностью. Но он оказался настолько настойчивым, что его интерес ко мне таки подкупил. Он очень добрый, внимательный. Он кубинец, но вырос в Канаде. Иногда мы танцуем вместе в разных проектах. И во время репетиций страшно ругаемся (улыбается).

================================================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18645
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Окт 09, 2018 11:51 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018100903
Тема| Балет, Kremlin Gala «Звезды балета XXI века», Персоналии,
Автор| Анна Галайда
Заголовок| Kremlin Gala задал камертон всему сезону
Где опубликовано| © Российская газета - Федеральный выпуск №7689 (226)
Дата публикации| 2018-10-09
Ссылка| https://rg.ru/2018/10/09/zvezdy-mirovogo-baleta-vystupili-na-kremlin-gala.html
Аннотация|

Балетные менеджеры научились тому, чтобы банальные балетные концерты превратились в искусство: интересные программы, первостепенные звезды, юные дарования. По концертам Kremlin Gala можно сложить впечатления о тенденциях в международном балете и о котировках танцовщиков.


По Kremlin Gala можно сложить впечатления о тенденциях в международном балете. Фото: Предоставлено Kremlin Gala

Можно было предполагать, что нынешний Kremlin Gala будет особенно эффектным: этот год проходит под знаком 200-летия со дня рождения Мариуса Петипа. В России это событие стало поводом для проведения Года русского балета. Программа действительно впечатляла - чуть ли не у половины из двух десятков номеров стояла строчка "российская премьера". А открывался концерт и вовсе номером "Посвящение Мариусу Петипа", который специально для Kremlin Gala поставил как деликатное подражание классику Василий Медведев. Солировали в нем юные солисты Большого театра Алена Ковалева и Якопо Тисси, чьи бесчисленные дебюты в последнее время раскололи московских балетоманов. Пара предъявила все то, что стало предметом яростных обсуждений: огромный потенциал, сияние юности, очевидную индивидуальность с одной стороны, и недорепетированность, отсутствие отделки деталей и неумение бороться за каждый элемент на сцене.

ДАЛЕЕ ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18645
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Окт 10, 2018 12:02 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018101001
Тема| Балет, проект «Хрустальный дворец», Персоналии, Екатерина Миронова, Александр Сомов, Алексей Шор, Мария Аллаш, Мария Виноградова, Иван Васильев
Автор| Игорь Корябин
Заголовок| Ледяной дом обжигающей красоты…
Российская премьера балета «Хрустальный дворец»

Где опубликовано| © Belcanto.ru
Дата публикации| 2018-10-01
Ссылка| http://belcanto.ru/18100901.html
Аннотация|



По количеству новых балетов, ставящихся год от года в мире, несомненно, лидируют работы в эстетике танца модерн, созданные большей частью на написанную ранее музыку, изначально для них не предназначенную, в том числе и на электроакустическое либо иное звуковое сопровождение. Лишь в считанных случаях современная хореография рождается на основе оригинального музыкального материала, и, конечно же, год от года появляются новые перелицовки старых классических балетов, прочно зиждущихся на хореографии и музыке романтического XIX века, но эта история – совсем иная, театрально-музейная. В наш прагматично-жесткий, изломанный век ее эстетическая востребованность на контрасте с иррациональностью современного балета основана на мощном базисе истории балетного театра прошлого, так что классической хореографии кануть в Лету это не даст никогда!

Абсолютно новый балет Алексея Шора «Хрустальный дворец», поставленный в чистой эстетике классической феерии XIX века, как раз и являет собой образец оригинальной классической музыки в духе забытой романтической традиции, но, несмотря на явный дар мелодиста, композитор словно складывает партитуру из блоков-повторов, меняя темпы, динамику, штрихи, но практически не давая раздолья многокрасочности и изысканности оркестровки. Сочинять мелодии, когда развитие композиции сегодня идет в основном по линии модного усложнения формы в ущерб демократичности и «душевной осязаемости» содержания, считается теперь чуть ли не моветоном, но Алексей Шор – один из тех редких композиторов-мелодистов, который ставит это во главу угла своего творчества. И всё же, полновесно заявляя о себе как о самобытном созидателе, разработчиком-полифонистом яркой мелодической фактуры он выступает в значительно меньшей степени: «блочность» его партитуры отчасти взывает даже к приемам минимализма, хотя щедрая мелодическая линия, которая проводится композитором сквозь весь балет, минимализму явно не снилась!

В то же время глобальный мелодизм этой партитуры без сквозной вариативности и кардинально новых обретений по ходу сюжетного развития однообразен, а классическая, но заведомо «перепевная», вторичная хореография наивна и «усыпляюще» бесхитростна. Мировая премьера «Хрустального дворца» прошла на Мальте в июле 2017 года в рамках торжеств по случаю 50-летия установления дипотношений между Россией и Мальтой, но музыка балета, прозвучавшая 10 сентября этого года в Государственном Кремлевском дворце в Москве, – последняя (доработанная и, надо полагать, улучшенная) оркестровая версия. В нынешнем году до Москвы «Хрустальный дворец» был показан в Армении, и это закономерные, последовательные звенья одной организационно-творческой цепи.



Этот балет родился на Мальте, так как уроженец Киева Алексей Шор, ныне живущий в Нью-Йорке, – композитор-резидент Академии Мальтийского филармонического оркестра (Валлетта). Впрочем, и Государственного симфонического оркестра Армении – тоже. В 2017–2018 годах он – композитор-резидент ежегодного Мальтийского международного музыкального фестиваля (MIMF), а также проводившегося в этот период в масштабах Европы и Азии многоступенчатого Фортепианного конкурса, финальный этап которого прошел на Мальте в дни фестиваля. MIMF – самый значимый проект Европейского фонда поддержки культуры (EFSC), учрежденного и базирующегося на Мальте (президент – Константин Ишханов), а «Хрустальный дворец» Алексея Шора – один из оригинальных, эксклюзивных проектов фонда. Так что всё сходится на Мальте: благодаря EFSC, показы нового балета стали возможны и в Армении, и в России, а премьера в Москве прошла при участии Ассоциации поддержки культурных инициатив и, конечно же, при содействии Государственного Кремлевского дворца.

Но спешим сделать уточнение: «Хрустальный дворец» – это не просто балет, а балет с элементами драмы и оперы, и в его московском исполнении принял участие сводный симфонический оркестр из музыкантов московских оркестров. У истоков театральной жизни опуса еще на Мальте стоял замечательный маэстро Павел Клиничев, штатный дирижер Большого театра России, широко известный театральными работами не только в Москве, но также Екатеринбурге и Санкт-Петербурге. Несмотря на полную несовместность академической музыки с площадкой-монстром Кремлевского дворца, где естественной акустики попросту нет, а музыку приходится воспринимать посредством усиления через динамики, маэстро сумел добиться от оркестра такого оптимума звучания и благородной чувственности, что неординарно сильное впечатление опус Алексея Шора, в целом, произвел. Павел Клиничев – музыкант, чувствующий и понимающий специфику музыкального театра интеллектуально тонко и осмысленно глубоко, поэтому композиционная ткань спектакля, несмотря на оговорки в плане ее шероховатостей от «утолщенных нитей», смогла увлечь, с головой погрузить в океан застывшей мелодики.

Аллегория контраста царственного холода власть имущих и безыскусно простого тепла человеческих отношений, контраста леденящей бесчувственности и обжигающей красоты, в сюжете практически бессюжетного (или, точнее, абстрактно-сюжетного) балета, берущего из факта истории лишь внешнюю зацепку, лишь каркасную фабулу, и есть главное. В основе драматургически слабого, не мотивированного сквозным развитием либретто Екатерины Мироновой и Александра Сомова (в прошлом артистов Большого театра России), выступивших на сей раз балетмейстерами-постановщиками, лежит эпизод эпохи царствования императрицы Анны Иоанновны, восседавшей на российском престоле с 1730 по 1740 год. Преломленное отражение тех событий, в частности, фигурирует в известном историческом романе Ивана Лажечникова «Ледяной дом» (1835).



Хрустальный дворец в названии балета и есть ледяной дом, место для которого было выбрано на Неве между Адмиралтейством и Зимним дворцом (приблизительно на месте нынешнего Дворцового моста) и который был построен для свадьбы придворного шута, опального князя Михаила Алексеевича Голицына (Квасника), и шутихи-калмычки Авдотьи Ивановны Бужениновой, любимицы императрицы. Безумно расточительное, но помпезно обставленное мероприятие с многочисленной массовкой ряженых и музыкантов граничило с жестокостью, ведь супругов на «первую брачную ночь» заперли под охраной в ледяном доме, выпустив едва живыми лишь под утро. Реализации «царского проекта» в феврале 1740 года, в последний год жизни и правления Анны Иоанновны способствовали лютые холода, когда температура постоянно держалась ниже тридцати градусов мороза, а ледяной дом растаял лишь только в апреле…

Два акта нового балета – два полюса пышного многоцветья лета и «хрустального» холода зимы, а сцены спонтанно сменяют друг друга безо всякой логической мотивации. Первая – аллегория влюбленных Шута и Шутихи в райском саду, которых Ангел (почему не Амур?) ранит своей волшебной стрелой. Вторая – потрясающе зрелищная сцена царской охоты с настоящими скакунами: в ней впервые появляется Анна Иоанновна. Третья сцена застает императрицу в Зимнем дворце: в череде важных государственных дел она издает указ о создании «танцовальной» школы по запросу обосновавшегося в России француза Жана-Батиста Ланде, которому история уготовала роль основоположника русской хореографии (такая школа – ныне Академия русского балета имени Вагановой – была основана в 1738 году). Первый дивертисмент балета – сцена домашнего театра с воспитанницами школы. Четвертая сцена – большой дивертисмент, театрализованное представление с вереницей персонажей в дворцовом парке в присутствии императрицы, к которому подключаются влюбленные Шут с Шутихой. Умиляясь их отношениями, Анна Иоанновна объявляет о свадьбе, приказывая построить для этой пары ледяной дворец на Неве, а Оперная дива с высоты солнечного диска поет оду во славу императрицы.

Если первый (летний) акт воспринимается довольно реалистично, то две картины второго (зимнего) акта – «чистейшего льда» сказочная холодная абстракция. Первая – сад замерших цветов. Вначале в нём появляется Оперная дива в образе Белой дамы, чтобы спеть в балете свою законную оперную арию. Гостью встречает Фея замерзшего сада цветов, с участием которой начинается еще один дивертисмент – большой ансамблевый гран-па: искрясь своим завораживающим ледяным блеском, сад замерзших цветов оживает… Вторая картина – свадьба, на которой Фея замерзшего сада дарит невесте фату, а императрица – клетку с райскими птицами. Начинается веселье, и одну из райских птиц – настоящего голубя – императрица выпускает на свободу, но когда свадебный кортеж с императрицей уезжает, оставляя молодоженов одних в ледяном дворце, то, что начиналось «за здравие», увы, заканчивается «за упокой». Аллегория финальной сцены еще с одним голубем (или соколом) – на сей раз стеклянным, разбивающимся при попытке супругов также выпустить его на свободу – и пронзительно-чувственным реквиемом, поющимся «детским хором ангелов» заложникам царской забавы, развеивает романтические иллюзии, как дым. Хотя в либретто об этом – ни слова, не вызывает сомнений то, что балетная «потеха», коей она предстает практически на всём протяжении балета, перерастает в финале в самую настоящую трагедию. А стилизованный под эпоху барокко роскошный антураж спектакля – плод совместных усилий сценографа Сергея Тимонина, художника по костюмам Елены Нецветаевой-Долгалевой и художника по свету Антона Стихина.



Из трех вечных вопросов искусства эта постановка вполне эффектно и зрелищно отвечает на вопрос «что?», не менее эффектно благодаря исполнителям отвечает на вопрос «как?», но на главный философский вопрос «зачем?» ответа так и не дает… Трагический финал балета из его предшествующих сцен абсолютно никак не вытекает: он явно надуман, ведь исторические прототипы главных героев – Шута и Шутихи – после ледяного плена всё же выжили, и не только выжили, но еще и произвели на свет плоды такой необычной любви! Ярко барочное оформление спектакля в стилистике театра эпохи Анны Иоанновны, с которой история музыкального театра в России, собственно, и начинает свой временнóй отсчет, превосходно, изумительно, но с классикой романтической хореографии, на которой строится весь этот проект, невольно создает очень тонкий, едва уловимый диссонанс.

Однако камень преткновения, в конце концов, не в этом, а в том, что сама классическая хореография, раз уж сделана заявка на синкретическое действо с разговорными диалогами, отданными на откуп Анне Иоанновне, и вокалом, должна быть не просто дивертисментной, а драматургически действенной, танцевально говорящей, но ведь этого нет! Получается так: веселились-веселились, развлекались-развлекались, а в финале главные герои вдруг скоропостижно умирают. Отчего – физически понятно, но психологически весьма туманно. С другой стороны, подумалось и о том, что от всевозможных «концептуальностей» и в оперном, и в современном балетном искусстве мы сегодня так устали, что при генеральном императиве мелодики встреча с абстракцией чистой красоты, пусть даже и обжигающей холодным формализмом «разводной», лишь явно иллюстративной хореографии, – итог всё равно позитивный, тем более, что среди исполнителей немало известных имен.

«Конфетный» образ Анны Иоанновны, пленяющей русской речью с милым акцентом, довольно удачно удается звезде итальянского киноэкрана Орнелле Мути. Шут и Шутиха – звездная пара Иван Васильев (Михайловский театр) и Мария Виноградова (Большой театр). Фея замерзшего сада цветов – Мария Аллаш (Большой театр). Оперная дива и Белая дама – сопрано Анна Нечаева (Большой театр). В спектакле также заняты артисты музыкальных театров России, Школы классического танца под руководством Геннадия и Ларисы Ледях и Детского хора Большого театра. Оригинальную страницу в новейшую историю балета российская премьера «Хрустального дворца» всё же вписывает, но «хрустальный дворец человеческих отношений», лишь «пригрезившийся» в балете как наваждение, не растаяв, разбивается, как подброшенный в небо, но так и не вкусивший полета стеклянный сокол...

Фото Рустама Калимуллина
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу 1, 2, 3  След.
Страница 1 из 3

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика