Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2018-09
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18931
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Сен 24, 2018 4:25 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018092402
Тема| Балет, VII Всероссийский музыкальный фестиваль имени Дмитрия Шостаковича, Персоналии, Андрей Меркурьев
Автор| Кристина Мыльникова, фото Анны Макаровой, служба информации телеканала "Область 45"
Заголовок| Артист Большого театра Андрей Меркурьев привёз курганским зрителям балетный микс и «Признание»
Где опубликовано| © Область 45
Дата публикации| 2018-09-24
Ссылка| https://oblast45.ru/publication/23263/
Аннотация|

Ведущий солист Андрей Меркурьев и артисты балета Большого театра сегодня, 24 сентября, откроют VII Всероссийский музыкальный фестиваль имени Дмитрия Шостаковича в Кургане. О проекте «Признание», современной хореографии и о связи души и с музыкой Шостаковича Андрей Меркурьев рассказал на пресс-конференции.



Авторский проект Андрея Меркурьева «Признание» - это балетный микс: шедевры классической сцены и современные танцы. В программе концерта: па де де из балетов «Жизель», «Сильфида», «Дон Кихот», «Пламя Парижа», номера современной хореографии и, конечно, фрагмент балета «Барышня и хулиган» на музыку Дмитрия Шостаковича.

- Шостакович - композитор на любителя. Не каждый может сразу понять эту музыку. Она сложная, но очень глубокая, в ней заложено много информации, и каждый найдёт что-то своё, - сказал Андрей Меркурьев.

В проект «Признание» солист Большого театра вложил собственную историю. Андрей Меркурьев рассказал, что его путь в профессии был непростым, он хочет этим поделиться со зрителем, признаться в сокровенном через танец. За время своей карьеры артист балета сменил несколько театров, в Большом служит 13 лет. В «Признании» он не только танцор, но и хореограф. Говорит, сначала ищет музыку, а уже потом рождается идея для постановки.

- Музыка реально говорит, я черпаю информацию оттуда. Чем мне близка музыка Шостаковича? В ней много переживаний, она поднимает проблемы жизни, проблемы людей. В адажио можно найти любые нотки – любовь, разлука и так далее, - поделился Меркурьев.

Как считает артист Большого театра, на сцене важно не только станцевать, но и сыграть балет:

- Я артист, а потом уже танцовщик. В дипломе у меня написано «Артист балета», нельзя об этом забывать. Многие танцовщики просто делают элементы на сцене, а актёрскую игру мало включают. Нужно не забывать про актёрское начало и вкладывать душу в работу.

На сцене Большого театра Андрей Меркурьев задействован в классических постановках «Жизель», «Дон Кихот», «Спартак», «Щелкунчик». Но принимает и современную хореографию. Говорит, она хороша тем, что в ней нет границ, можно импровизировать.

Размышлял Андрей Меркурьев также о накопленном опыте, своём балетном стаже:

- Чтобы хорошо танцевать - нужно много танцевать. Чтобы хорошо ставить – нужно много ставить. В нашей профессии есть такое поверье: пенсия пришла, и опыт пришёл. Это правда. Я подошёл к балетной пенсии, мне скоро 40 лет. И только сейчас я понимаю, как надо танцевать, а уже не могу (смеётся прим. автора). Жалею себя, чтобы не сломаться. Да, всё это можно передать молодёжи, но и у них своё мнение, они делают по-своему. И у меня было также, я прислушивался к себе больше.

После общения с журналистами Андрей Меркурьев и артисты Большого театра Сергей Захаров и Анастасия Страхова отправились в курганскую детскую балетную студию. Там они понаблюдали за занятиями, дали советы юным воспитанникам.

============================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18931
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Сен 24, 2018 6:59 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018092403
Тема| Балет, VII Санкт-Петербургский международный культурный форум, Персоналии, Борис Эйфман
Автор| корр.
Заголовок| Хореограф Б.Эйфман: "Балет - это мягкая сила и эффективное средство гуманитарной дипломатии"
Где опубликовано| © "Интерфакс"
Дата публикации| 2018-09-24
Ссылка| http://www.interfax-russia.ru/NorthWest/exclusives.asp?id=968576
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Хореограф Борис Эйфман традиционно возглавит секцию "Балет и танец" на VII Санкт-Петербургском международном культурном форуме. В интервью "Интерфаксу" он рассказал, какие темы будут обсуждаться на форуме в этом году, о предстоящем открытии Детского театра танца и работе Академии для одаренных детей со всей России.

- Борис Яковлевич, в рамках секции "Балет и танец" Петербургского культурного форума состоится круглый стол "Балет в эпоху холодной войны". Расскажите, о чем пойдет разговор и почему было решено провести круглый стол на данную тему.

- Эта дискуссия станет одним из центральных мероприятий секции. Мы планируем обсудить пути применения интеграционного потенциала балета – универсального искусства, способного объединять представителей различных государств, культур и религий. Вспомните: раньше в периоды резкого ухудшения отношений между СССР и Западом за океан немедленно направлялись советские танцовщики. Они покоряли местных зрителей, и лед в сердцах начинал таять. Что сегодня можно противопоставить геополитической напряженности и атмосфере недоверия? Разумеется – "мягкую силу" балета, являющегося эффективным средством гуманитарной дипломатии.

Свою готовность участвовать в круглом столе уже выразили генеральный директор Большого театра России Владимир Урин, специальный представитель президента РФ по международному культурному сотрудничеству Михаил Швыдкой, авторитетный американский критик и историк танца Роберт Джонсон, известная журналистка Джилл Догерти, ранее возглавлявшая московское бюро CNN, итальянский импресарио Роберто Джованарди, знаменитый хореограф и педагог Азарий Плисецкий, художественный руководитель ансамбля Игоря Моисеева Елена Щербакова и другие эксперты.

Не могу не упомянуть еще одно важное мероприятие, организуемое в рамках секции, – дискуссию о роли итальянского танца в формировании в нашей стране классической хореографической традиции. Столетия назад деятельность европейских балетмейстеров, артистов и педагогов оказала ключевое влияние на становление балета в России. А потом уже русское хореографическое наследие начало предопределять вектор развития западного искусства танца.

- Расскажите об экскурсии "Балетный Петербург", которая также фигурирует в программе вашей секции. По каким местам она пройдет?

- Программа экскурсии была впервые разработана в 2015 году для балетной секции IV Санкт-Петербургского международного культурного форума. Тогда мероприятие вызвало среди любителей танца настоящий ажиотаж, попасть на него, к сожалению, смогли не все желающие. Поэтому было решено возродить проект. Участники экскурсии услышат рассказ о том, как балетное искусство пришло в наш город и как развивалось здесь на протяжении трех столетий. В маршрут войдут адреса, связанные с жизнью и творчеством выдающихся деятелей танца разных эпох, начиная Петипа и заканчивая Барышниковым. Мы ходим по улицам центра Петербурга и даже не догадываемся, что видим дома, где проживали Вацлав Нижинский, Ольга Спесивцева, Сергей Дягилев. Так пусть история оживет и станет чем-то осязаемым, а не абстрактным.

- Академия танца работает уже 5 лет. Расскажите, как проявляют себя дети? Много ли приходит талантливых детей, которые могут стать звездами, или это всегда непредсказуемо?

- Ни один специалист в мире не способен, глядя на ребенка, безошибочно определить, станет он звездой балета или нет. Можно оценить физические и внешние данные, артистичность, музыкальность. Но разглядеть в первокласснике нового Нуреева нереально. Задача Академии танца – отобрать самых одаренных детей России и дать им не имеющее аналогов образование. Предсказыванием будущего мы не занимаемся.

О первых итогах работы школы говорю с осторожностью – все-таки у нас еще не было ни одного выпуска. Тем не менее, текущие результаты внушают оптимизм: наши воспитанники уже сегодня выступают на ведущих театральных сценах России, с успехом участвуют в престижных балетных конкурсах и научных конференциях, гастролируют за рубежом, побеждают на олимпиадах по различным дисциплинам. А главное – я вижу в их глазах неподдельное желание танцевать.

- 1 июня 2019 года откроется Детский театр танца, который станет частью комплекса Академии танца. На каком этапе сейчас строительство? Для каких целей будет использоваться площадка?

- К декабрю этого года завершатся основные строительные работы. Новый театр получит превосходное оснащение, которому позавидуют многие известные сцены. В нем будут созданы идеальные условия для творческого развития. Мы строим не просто учебную сцену при нашей Академии, а общегородской детский театр танца. Он сможет принимать профессиональные и любительские коллективы, фестивали, конкурсы. Сейчас я вместе с коллегами активно работаю над концертной программой для торжественного открытия. Хочется устроить настоящий праздник хореографического искусства.

- В новом сезоне состоится премьера нового спектакля вашего театра "Эффект Пигмалиона". Как задумывался этот балет? Почему вы решили сделать постановку именно на такую тематику?

- Я как-то сказал, что замыслы спектаклей находят меня сами. Так и есть. Предугадать, какая именно следующая идея вспыхнет в твоем сознании, нельзя. Хотя прежде, чем прийти к озарению, нужно проделать колоссальную подготовительную работу, накопить и переосмыслить огромное количество материала. Если бы все обстояло иначе и готовые идеи или художественные решения можно было получить одним нажатием кнопки, я бы не знал и сотой доли тех творческих мук, в которые погружен практически постоянно. В какой-то мере, конечно, закономерно, что именно сейчас мы готовим к выпуску комедийный спектакль. Все последние премьеры нашего театра имели ярко выраженное трагедийное начало. Элементы трагического будут присутствовать и в "Эффекте Пигмалиона", но в целом это по-настоящему веселый спектакль – пусть и заставляющий иной раз смеяться сквозь слезы. За свою творческую жизнь я поставил немало комединых балетов. И вот пришло время вновь обратиться к данному жанру. К тому же меня увлекла возможность взять всем известный мифологический сюжет о скульпторе, влюбившемся в статую девушки, и интерпретировать его на балетный лад, сделав главных героев исполнителями бальных танцев. Не стану раскрывать сюжетные подробности. В феврале зрители все увидят сами.

- В сезоне 2018-2019 гг. Театру предстоят масштабные гастроли в США, Канаде и – впервые после долгого перерыва – в Японии. Как принимает выступления труппы публика в этих странах? Как вы выбираете, какие балеты показать?

- В Северной Америке труппа регулярно гастролирует на протяжении уже многих лет. В прошлом сезоне, в апреле, серией спектаклей в знаменитом Линкольн-центре мы отметили 20-летие дебюта театра в Нью-Йорке. За это время в США и Канаде у нас появилась своя преданная аудитория, которая постоянно расширяется. В нее входят и русские, и американцы. Я вообще никогда не разделяю наших зрителей по национальному признаку. Такой подход противоречит самой сути балетного искусства.

В мае следующего года мы привезем в Канаду спектакль "Чайковский. PRO et CONTRA", а потом отправимся в тур по США с премьерой "Эффекта Пигмалиона". Зрители Японии увидят труппу в июле – впервые с осени 1998 года. Для без преувеличения исторического возвращения в эту страну, где всегда любили и ценили наше искусство, выбраны балеты "Анна Каренина" и "Роден, ее вечный идол". Обычно гастрольный репертуар есть среднее арифметическое между запросами импресарио и встречными предложениями театра. В случае с японским туром выбор названий очевиден: труппа покажет свои наиболее успешные спектакли, отражающие ее эстетическую идентичность.

- На протяжении последних лет ваш театр активно снимает фильмы-балеты. Какие релизы уже состоялись и какие экранные новинки ценителям вашего искусства следует ждать в ближайшее время?

- Все началось гораздо раньше. Свой первый фильм-балет – "Вариации на темы рококо" – я снял в 21 год. Тогда еще и никакого театра у меня не было. Я много работал на телевидении, в кино, это близкая мне сфера. В советское время существовала целая индустрия создания экранных версий балетных спектаклей. Затем все рухнуло, снимать стало финансово трудно. Однако наш театр продолжил эту работу. Сейчас мы выпускаем видеопродукцию очень высокого уровня: созданную в павильонных условиях, с привлечением самого современного оборудования и лучших кинематографистов. Единственное, что я никому не могу доверить (помимо собственно режиссуры) – монтаж. Даже профессионал голливудского уровня самостоятельно не смонтирует фильм-балет так, как нужно хореографу. За последние 8 лет мы подготовили киноверсии спектаклей "Анна Каренина", "Евгений Онегин", "Роден, ее вечный идол", "По ту сторону греха" и "Чайковский. PRO et CONTRA" (последний будет показан на Форуме – ИФ). В обозримом будущем надеемся снять фильм-балет "Русский Гамлет". Так что важнейшим из искусств – после танца – для нас действительно является кино. Оно позволяет не только сохранить репертуар театра для следующих поколений, но и сделать его доступным для максимально широкой зрительской аудитории. Во имя этих целей мы и осваиваем кинематограф.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18931
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Сен 24, 2018 7:09 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018092404
Тема| Балет, Премьера, "Айседора", Персоналии, Владимир Варнава, Наталья Осипова, Сергей Данилян
Автор| Дарья Горбацевич
Заголовок| О новом балете Владимира Варнавы и Натальи Осиповой «Айседора» (с цитатами из состоявшегося public-talk)
Где опубликовано| © La Personne
Дата публикации| 2018-09-21
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/osipova-isadora
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



«Если мое искусство символично, то символ этот только один: свобода женщины и эмансипация ее от закосневших условностей, которые лежат в основе пуританства»

Айседора Дункан

«Я против страдания!»

Айседора Дункан


21 и 22 сентября 2018 года Основная сцена Музыкального театра имени К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко станет пространством для новой хореографической истории, в которой язык тела выдающейся балерины современности Натальи Осиповой, символизм цвета и движения, и удивительно, но и партитура Сергея Прокофьева к балету «Золушка», материализуют ключевые концепции и философию пластического танца Айседоры Дункан.

Мировая премьера проекта «Isadora» успешно состоялась 10-12 августа в центре искусств Сегерстром, США.

У спектакля есть второе название — «Боги и машины».

В программе к балету «Айседора» драматургический текст к первому и второму актам прописан самим В. Варнавой и К. Федоровым, использованы материалы из дневников А. Дункан.

В преддверии российской премьеры в ЦУМе состоялся public talk, в рамках которого главные создатели спектакля – современный танцовщик и крайне интересный, изобретательного ума хореограф Владимир Варнава, выдающаяся балерина нашего времени, прима Королевского балета Великобритании Наталья Осипова и вдохновленный работой артистов режиссер и продюсер проекта Сергей Данилян, пообщались с критиками и зрителями, раскрыв несколько ключевых моментов предстоящего спектакля и работы над ним.

Как обычно, самые интересные мысли глубоко творческие люди высказывают в событии перформативном, здесь и сейчас, вдохновившись атмосферой предельного внимания и неприкрытого интереса. Развернувшийся разговор, модератором которого выступила Карина Добротворская (президент Condé Nast International и автор диссертационного исследования и многих статей, посвященных Доре Энджеле [Айседоре] Дункан), не стал исключением.

Как уже в сентябрьском интервью журналу VOGUE заметила сама Наталья Осипова, и подтвердил Сергей Данилян, станцевать балерина изначально хотела Золушку. Партитура С. Прокофьева всегда очень трогала артистку, а тело просило возможности высказать свое чувствование данной музыки. Предоставить такую возможность должен был разработанный Владимиром Варнавой и художником-сценографом Галей Солодовниковой проект, но не вышло. Однако сегодня музыка С. Прокофьева все же расскажет историю «тоскливой радости» (тонкий эпитет, которым описал музыку советского композитора Теодор Курентзис), но не сиротки-служанки, вознагражденной за безропотность и душевную чистоту взаимной любовью и ставшей принцессой, а сильной, творческой личности, давшей новый язык танцевальному искусству и столкнувшейся с множеством трагедий, не сломивших ее — Айседору.

Владимир Варнава увлеченно делился информацией, касающейся процесса выстраивания концепта его нового хореографического спектакля. Хореограф искал точки соприкосновения двух историй, сказочной и биографической. Его посещали мысли об Анти-Золушке, так как характер и судьба Айседоры Дункан диаметрально противоположны развитию истории жизни Золушки. Возникали и иные идеи… и в процессе внутреннего поиска, «брожения» среди ассоциаций, воспоминаний, вдруг само все сложилось в голове у молодого хореографа: «Принц в Золушке — это Сергей Есенин в жизни Айседоры Дункан. Айседора разулась, чтобы попасть на бал, а Золушка обувается. Бал же — это некое иное пространство, в которое попадает героиня, в любой из версий про Золушку. В нашем случае это Страна Советов (прим. — неофициальное наименование СССР). Новая страна, с такими свежими идеями, как у самой Дункан, с совершенно еще туманным и непонятным будущим. Та страна, в которой, возможно, будет все. Та страна, которая должна реализовать все ее надежды».

Карина Добротворская тут подмечает, что страницы мемуаров Айседоры Дункан, действительно, заканчиваются приездом танцовщицы в Советский Союз — «прощай старый мир, здравствуй мир новый…», — меж тем представленный балет обретает дыхание и силу, визуализируя уже именно жизнь в этом самом «новом мире».

В спектакле присутствует много лиц: члены семьи А. Дункан, мифические и мистические герои (Терпсихора, сатиры, нимфы и др.), политические фигуры того времени. Например, Алексей Любимов играет В. И. Ленина, который, с точки зрения Айседоры Дункан, «как лидирующий политик того времени, являлся символом, тем самым ангелом, создавшим вот это самое новое, райское государство, в котором она оказалась, и где она встретила свою любовь».

«А далее, — продолжает В. Варнава, — самое главное, что в музыке С. Прокофьева слышна трагедия (прим. — сочинение С. Прокофьевым музыкальной партитуры к «Золушке» сопровождалось рядом следовавших друг за другом печальных событий: началась Вторая мировая война, идеологическая травля, а жена композитора, Лина Кодина-Прокофьева, была отправлена на восемь лет в сталинские лагеря), но в самой истории о Золушке и, в частности, при переносе ее в формат балетного произведения, эта трагедия нивелируется за сказочностью и счастливым финалом». Владимир Варнава не хотел упустить этот скрывающийся трагизм, заложенный в основу музыки. Хореограф определил, что два самых трагичных музыкальных момента — в конце первого и второго актов. Именно данные части партитуры стали музыкальными воплощениями «черных моментов» жизни самой Айседоры Дункан — гибель детей танцовщицы в ходе автомобильной аварии и позже ее собственная смерть.

Надо отметить, что подобное переосмысление, новая трактовка музыки и поиск иной органичности ее фрагментов, действительно, один из важнейших и излюбленных элементов творчества В. Варнавы. Хореограф подчеркнул, что в ходе последней оркестровой репетиции, состоявшейся перед public talk, он вдруг заметил, что через новое пластическое прочтение музыкального текста С. Прокофьева «мы вытащили из музыки грув (англ. groove — ритм, ритмические «качелеобразные» ощущения)». Через новые телесные практики музыка С. Прокофьева как бы ре-актуализировалась, осовременилась, структурно оставаясь прежней.

Партитура не была подвержена никаким новым аранжировкам, только лишь во 2 и 3 актах В. Варнава отказался от некоторых частей музыкального произведения, просто убрав их.

Владимир Варнава также обращает внимание на одну немаловажную деталь, которая становится еще одним узелком-связкой биографии американской танцовщицы и музыкального текста С. Прокофьева: «У С. Прокофьева в партитуре есть фрагмент Pas de Châle. Там, как правило, Золушка в разных версиях спектакля танцует с половой тряпкой, либо с шалью, которую подарила ей мать, либо с платьем матери (в версии Жана-Кристофа Майо)… А у нас же как раз шаль есть…Символ смерти и радости одновременно…». Шаль действительно является символичным элементом женского одеяния, — метафора глубинных чувства, скрытых в душе человека. Данный атрибут и будет сопровождать Айседору в исполнении Натальи Осиповой, в ее Pas de Châle. Однако, как известно, именно красная шаль в жизни Айседоры Дункан оборвала жизнь «босоножки».

Еще одним «громким» атрибутивным элементом балета становится автомобиль, который заменил собой образ кареты из сказки о Золушке. «Карета — отмечает В. Варнава, — еще одна параллель с оригинальной «Золушкой».

Автомобиль в балете, между прочим, оригинальный Bugatti 1927 г., который, запыленным, нашли создатели проекта в штате Висконсин. Именно на такой гоночной машине и произошла трагедия с А. Дункан.

Карина Добротворская уместно обращает внимание на парадоксальность ситуации, которая заключается в том, что и дети Айседоры, и сама танцовщица погибли в обстоятельствах, в которых так или иначе фигурировал автомобиль, одно из «благ» цивилизации, с которой боролось все творческое естество Дункан. Айседора обратилась к греческим (античным) идеалам власти, искусства, архитектуры и философии, чтобы высвободить тело, как знак уважения к свободе человеческого духа; основу для композиций своих танцевальных постановок она черпала в греческой мифологии и трагедии, итальянском Возрождении или следовала близким ей по духу идеям Вагнера, Ницше, Шопенгауэра, Геккеля; освободив свое тело от корсета, она переосмыслила танцевальный шаг и изобрела его новый стиль, она включила в свой танец свободные перескакивания и прыжки и возвысила танец, подняв его из сферы популярного развлечения к священным «чертогам» искусства и природы. Именно от этой духовной и ментальной составляющей философии танца Дункан и отталкивается В. Варнава, предупреждая, что в его балете не стоит искать чистую лексику американской танцовщицы (у Дункан, в принципе, и не было определенной лексики движения), это не документальный спектакль.

Владимир Варнава: «Главный лейтмотив нашего балета — море. Ведь свой первый «опыт движения» А. Дункан, как описано в ее мемуарах, почерпнула из движения волн. Мы не старались вдохновляться непосредственно движениями и позировками Дункан. Мы не смотрели видео А. Дункан. Я пытался работать с принципами, с ощущениями. Вот она берет свой танец из движения волн, и мы пытались с Наташей брать наш танец из движения волн». Стоит действительно обратить внимание, что стихии пронизывают ткань балета «Айседора». Например, в кусочке СССР — соло огня, красный цвет. «Повторюсь, — дополняет В. Варнава, — не ждите биографию Айседоры Дункан. Это вольная интерпретация, это наша совместная фантазия всей творческой группой на тему ее судьбы. Наташа не танцует так, как танцевала американская танцовщица. Мы берем принципы Айседоры Дункан и их развиваем. И эти принципы присутствуют, например (может это и прозвучит как-то пафосно), и в подборе артистов, потому что артисты все по фактуре очень разные. Действительно, словно воплощение «людей с улиц», на которых нет отпечатка классического танца, в которых Дункан пыталась внедрить свою философию движения (прим. — среди исполнителей балета «Айседора» есть и артисты классической балетной школы, и танцовщики современных хореографических направлений). С этой фактурой, — многонациональной, разного опыта движения и опыта танца вообще, — я и работал. Мой самый главный источник вдохновения — это артист. Я отталкиваюсь от своих внутренних техник и от артиста в первую очередь. В данном моменте я совершенно близок принципам Дункан, они мне не противоречат».

Наталья Осипова, в свою очередь, отметила, что главной трудностью для неё и хореографа было найти для балерины правильный язык движения, чтобы в этой лексике она органично и естественно выглядела. «На это было потрачено немало времени», — отметила балерина. Полагаем, оно стоило того, ведь как иначе можно было бы прийти к раскрытию в себе философии танца Дункан — «максимальной выразительности при минимуме художественных средств», «духа свободы». В спектакле присутствуют и элементы импровизации, отметила Наталья Осипова. Владимир Варнава давал ей картинки с изображением Айседоры, и балерина озвучивала вещи, которые цепляют ее, глядя на изображение. Искала ассоциативные прилагательные и существительные, которые затем оба артиста пытались переложить на язык пластики. Импровизационные куски органично вписались в ткань балета, и каждый вечер исполнения данного произведения, в итоге, уникален и эмоционально, чувственно непредсказуем, как заметил В. Варнава. Такие «процессуальные метаморфозы» крайне важны для молодого артиста, они — сама суть работы хореографа.

Владимир Варнава: «Молодой хореограф в России ходит как по минному полю. Ошибка, и всё, тебя не позовут, ты уже никому не нужен как бы. И я чувствовал подобное напряжение в самом-самом начале, когда делал только первые работы. И я потихоньку, постепенно учусь обретать навык расслабляться и погружаться в процесс. Потому что процесс — это главное. Если ты будешь думать только про конечный результат, во-первых, ты просто сойдешь с ума, во-вторых, все потраченное на выстраивание произведения время будет пережито без удовольствия. Считаю, если тебе нравится то, что происходит сейчас в зале, — всё, это главное».

Отдельно стоит отметить, что сама трагическая судьба Айседоры Дункан безусловно очень зацепила Наталью Осипову. По природе своей американская танцовщица была очень светлым и энергичным человеком. В ее танце видели «дух свободы, радости и юности человечества». «При этом ее судьба — одна из самых несчастных женских судеб вообще в истории» — отмечает Карина Добротворская. Любви А. Дункан не нашла; ребенок от театрального режиссёра Гордона Крэга, ребенок от американского миллионера Париса Эжена Зингера — оба погибли; не была замужем ни за одним из отцов своих детей; роман с С. Есениным тоже окончился печально… А одна из доминирующих на данный момент актерских тем Натальи Осиповой — как раз «трагическая женская судьба», «трагическая женская любовь».

Наталья Осипова: «Да, танцевать и работать для меня гораздо интересней, когда материал более глубокий, трагический. Когда ты можешь раскрыться и как артистка, и как актриса. Этот оттенок спектакля был мне важен. Я предпочитаю более трагические роли…сейчас. …Это было очень тяжело (параллельная работа над данным проектом и завершением собственного проекта Натальи в Лондоне), но я очень счастлива! Это огромная радость, поработать с талантливыми людьми, создать вместе что-то новое, просто как бы влиться в этот процесс энергии художественной. Это очень здорово. Поработать с танцовщиками, с которыми я, может быть, никогда бы не поработала. Мне кажется, как артистка, я очень счастливый человек».

Также в рамках Public talk прозвучало несколько вопросов от зрителей, один из которых поднял проблематику частоты показов подобных проект-балетов. «Не создаете ли Вы воздух?», — печально заметил один из гостей, акцентировав внимание, что такого типа спектакли показывают в России пару раз в год премьеры, пару раз на следующий год (в лучшем случае), не делают записей для всеобщего доступа, и, в итоге, произведение уходит в прошлое (для массового зрителя) либо навсегда, либо до того момента, когда кто-то важный независимо решит, что можно было бы возобновить его показ. Ответ же на такое замечание немного отошел от заявленной проблемы, осветив в большей мере техническую архитектонику балета и в целом уровень сложности организации и реализации подобного межкультурного, многонационального театрального проекта.

Сергей Данилян: «Спектакль записывался Калифорнийской станцией BBC для внутреннего пользования. Нам важно было, чтобы у нас была качественная видеозапись «Айседоры». Но она не для распространения, скажем так. Мы все прекрасно понимаем, в какое время мы живем, что мир наш достаточно хрупкий. И не люди определяют температуру отношения, а все-таки политика. Создание такого спектакля о женщине, о художнице, которая родилась и выросла в Америке, в Калифорнии, и влюбилась в нашу ту страну… Когда в проекте участвуют испанец, немец, критянин, кореянка, гречанка, канадка и многие другие, когда в США необходимо вывезти целый оркестр Музыкального театра — это действительно сложно организовать… Костюмы делала Галя Солодовникова. Автором множества видеопроекций является Илья Старилов (прим. — в балете применяются пять проекторов с разных точек и впервые используется струнный занавес, который дает фантастический эффект ощущения присутствия). Художником же по свету был Константин Бинкин. Сама Наталья Осипова, которая, лишив себя отпуска, закрывая сезон и в Королевском балете, и параллельно воплощая несколько сторонних проектов, выделила время для «Айседоры». Все исполнители были в распоряжении Владимира Варнавы шесть дней в неделю, по 8 часов, никто не отвлекался на другие репетиции или спектакли. Это было очень важно, так как сделать двухактный балет за тот период времени, в течение которого Владимир работал с артистами, не так просто. Вот такой большой командой мы в итоге выпустили в августе этот спектакль в США, который был принят великолепно. А вам всем судить, что ж у нас получилось. Надо еще отметить, что мы планируем сыграть спектакль в июле и в Москве, и в Санкт-Петербурге, и в Нью-Йорке. И мы думаем о том, что покажем его и в Лондоне, и в Париже».


Фото: Даг Гиффорд, Sergei Misenko
===================================================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18931
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Сен 24, 2018 7:58 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018092405
Тема| Балет, Фестиваль "Зарни джиджъяс" (Коми), гала-концерт, Персоналии, Нина Капцова, Клим Ефимов, Марианна Рыжкина, Джой Анабель Уомак
Автор| Александр Геннадьев
Заголовок| Фестивальные ласточки Коми
Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2018-09-24
Ссылка| https://musicseasons.org/festivalnye-lastochki-komi/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ



Фестиваль балетного искусства финно-угорских государств и регионов Российской Федерации «Зарни джыджъяс» – «Золотые ласточки» – имеет давнюю историю и уже сложившиеся традиции. За 20 лет его существования кто только не посетил балетный форум и какие только спектакли сыктывкарцы и гости республики не видели. Правда, был период, когда фестиваль «брал самоотвод», не проводился, но уже несколько лет он вновь собирает своих друзей и почитателей хореографического искусства. Любой такой праздник – это прежде всего возможность показать себя, на других посмотреть и, конечно же, общение. В этом году на сцене Театра оперы и балета Республики Коми свое искусство демонстрировали Чувашский и Марийский театры оперы и балета, а также сами хозяева.

Чебоксарцы показались в один вечер двумя одноактовками. «Любовь-волшебница» Мануэля де Фальи в постановке Галины Никифоровой и Елены Лемешевской – балет уж очень аккуратный. Андалусия здесь этакая газонно-ухоженная, цыганские страсти набриолиненные и уложенные. Одним словом, сплошная целомудренность. Хореографическая картина «Кармина Бурана» Карла Орфа в постановке главного балетмейстера театра Данила Салимбаева, напротив, построена на смене настроений, что в общем-то и логично. Хореограф смог стилистически выстроить балет, где порой стремительность темпа, смена позировок, экспрессия буквально не дают опомниться.

И здесь на фоне гостей хозяева выглядели более степенными с их оригинальным балетом «Подари мне детство». Спектакль по повести-сказке Антуана де Сент-Экзюпери «Маленький принц» поставила московский хореограф Нина Мадан. Мы увидели скорее балет о самом Маленьком Принце, о его душевных терзаниях. Оттиск внутреннего монолога чувствуется в специально написанной для балета музыке Михаила Герцмана. Бесприютно нашему маленькому герою в этом мире, ему хорошо в других сферах, в своих мечтах. Спектакль получился очень грустным и печальным. Но таково видение постановщиков, его создателей.

Открывался же фестиваль балетом-праздником «Дон Кихот» Л.Минкуса в постановке Натальи Терентьевой. Несмотря на то, что труппа сыктывкарского театра пока не имеет возможностей, какие есть у столичных театров, балет получился жизнерадостным и искренним, где кроме солистов – Натальи Супрун и Романа Миронова выделялся в роли тореадора артистичный, темпераментный Ринат Бикмухаметов. А оркестр под управлением главного дирижера театра Азата Максутова, тонко чувствующего природу движения, отличался мягкостью, полнотой и стройностью звучания.

Театр также показал «Лебединое озеро» П.Чайковского в постановке Любови Сизовой, где главные партии исполнили солистка Большого театра Нина Капцова и артист Большого театра Клим Ефимов.

Марийский балет украсил торжественный парад «Золушкой» С.Прокофьева в постановке Константина Иванова. И завершил «Зарни джыджъяс» гала-концерт с участием звезд Большого театра, Кремлевского балета и Джой Уомак (США)

С одной стороны, фестивальная афиша – традиционная, а с другой, если учитывать культурный код Республики Коми, и что регион не самый столичный и не мегатеатральный, фестивальный репертуар достойный. Ведь не каждая область и край нашей страны могут похвастать подобными мероприятиями, тем более с такой историей, традициями и желанием работать. Радует, что руководство республики не только понимает, но и поддерживает балетный форум, который просто необходим и которым здесь по праву гордятся.

Интересно, что Сыктывкарский театр балета сегодня возглавила экс-прима Большого театра Марианна Рыжкина, которой наверняка придется проявить недюжинные организаторские способности, так как труппа требует, впрочем, как и любая другая, ежедневной, ежечасной кропотливой работы

Без сомнений, республика обладает творческим потенциалом, важно его сохранять и наращивать, так как север не юг и задерживаются здесь люди пришлые, со стороны лишь при возможности творчески реализоваться. Увы, есть и такая проблема. Но без проблем нигде не обходится, главное – уметь их вовремя и на пользу дела решать. Кстати, в Коми самый молодой министр культуры, думаю, не только в России… Сергею Емельянову 25 лет. Безусловно, факт неординарный и смелый, как и, впрочем, сам фестиваль.



Фото предоставлено пресс-службой Театра оперы и балета Республики Коми
======================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18931
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Сен 25, 2018 8:42 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018092501
Тема| Балет, Фестиваль "Гаврош" , Персоналии,
Автор| Павел Ященков, Марина Райкина
Заголовок| Фестиваль «Гаврош» открылся балетом 1923 года
Актриса Дроздова пришла на фестиваль с сыном Елисеем
Где опубликовано| © "Московский комсомолец" №27791
Дата публикации| 2018-09-24
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2018/09/23/festival-gavrosh-otkrylsya-baletom-1923-goda.html
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Открывшийся в минувшую пятницу фестиваль «Гаврош» — детский, но оказался в центре взрослых правительственных событий. Хотя вовсе к ним не стремился. Мистическим совпадениям и театральным прорывам удивлялись обозреватели «МК».



"Механический балет" (Дюссельдорф). Фото: teatrium.ru

«Гаврош», родившийся 12 лет назад, с усердием, но весело и азартно продолжает наводить культурные мосты с разными странами. Благодаря «Гаврошу», каждый год меняющему фокус своего внимания на ту или иную страну (Франция, Италия, Швеция, Дания, Польша, Израиль, далее везде), Москва узнала много чего интересного про новый европейский (и не только) театр для детей. На этот раз Гаврош объявил сезон немецкого детского театра.

Так вот, первым мероприятием для переназначенного министра культуры Москвы стал именно «Гаврош». Александр Кибовский выехал на открытие и пресс-конференцию этого детского форума в прямом смысле безработным (весь кабинет столичного градоначальника до этого дня в отставке), а приехал уже в статусе министра культуры. Мистика? Может, и она, но лишнее доказательство того, что такие проекты, как «Гаврош», имеют влияние на судьбоносные решения

«Гаврош-2018» открывали Александр Кибовский, Михаил Швыдкой, посол Германии в России Рюдигер фон Фрич, директор Института Гете в Москве Рюдигер Больц, Астрид Веге, возглавляющая восточный отдел института. Они говорят о важной не только культурной, но и дипломатической миссии «Гавроша» на непростом этапе современности. Здесь и ведущая актриса «Современника» Ольга Дроздова как представитель попечительского совета фестиваля. Она пришла с сыном Елисеем, симпатичным и хорошо воспитанным, который к тому же оказался ровесником «Гавроша». Можно сказать, что мальчик вырос на его спектаклях.

— Наши народы пережили две страшные войны, — закончил свой спич Михаил Швыдкой. — Я уверен, что у наших стран не только общее прошлое, но и общее будущее.

Про будущее сегодня загадывать очень сложно, а вот настоящее — это «Гаврош», который даст в Москве более 40 представлений на любой возраст и вкус — с желанием вкус этот у новой генерации воспитывать или исправлять. Начал круто — с Баухауса, авангардистского художественного объединения, возникшего в рамках Высшей школы строительства и художественного конструирования (Staatliches Bauhaus) в 20-е годы прошлого века. Это под ее влиянием сформировались идеи нового видения в фотографии, архитектуре, изобразительном искусстве, дизайне, а также танце. «Механический балет» — так называется спектакль, навеянный идеями Баухауса. Его на «Гавроше» представляет Театр звуков (Theater der Klaenge) из Дюссельдорфа.

Из досье «МК»: из-за того что школу Баухаус возглавлял берлинский архитектор Вальтер Гропиус, зачастую этот стиль ассоциируется со стилем в архитектуре. На самом деле это более широкое движение, захватывающее дизайн, мебель, краски, живопись, фотографию, мануфактуру и многое другое. Теоретические посылки направления часто сводятся к лозунгу «функционализм», то есть что утилитарно и удобно, то и красиво.

В общем, как вы понимаете, темы далеко не детские, однако для детей хорошо понятные, потому как дети очень хорошо чувствуют абстракцию и хорошо ее воспринимают. Что и показывает спектакль «Механический балет», показанный дюссельдорфцами.

— Спектакль наш, конечно, для взрослых, но мы заметили, что дети ярко на него реагируют, — говорит мне перед началом просмотра Йорг Удо Лензинг, директор Театра звуков из Дюссельдорфа. — В Москве мы первый раз играем полностью для детской публики.

Большинство танцоров и музыкантов Театра звуков — из школы Пины Бауш из Эссена. Поэтому принципы ее театра оказали свое влияние и на театр из Дюссельдорфа. Но направление его несколько иное. Пина Бауш никогда не работала с живой музыкой, а Театр звуков — театр с живым звуком и специально сочиненной для спектаклей (их в репертуаре более 20) музыкой.

На сцене располагается небольшой состав — фортепиано, ударная установка и тромбон. А Йорг Удо Лензинг, обращаясь к детям, рассказывает о том, что им предстоит увидеть.

— Практически 100 лет назад несколько русских художников приехали в Германию. Имя одного из них сейчас известно всему миру — Василий Кандинский, и он был преподавателем у студента Курта Шмидта. Кандинский был очень строгим художником, абстрактно рисовал только синими, красными и желтыми цветами. А Шмидту было тогда 23 года, и он хотел этими цветами поиграть и подумал, что если к ним добавить новые (оранжевый, зеленый), можно еще и потанцевать. Сконструировал необычные фигуры, глядя на которые думаешь о том, что это машины. Поэтому у фигур необычные имена — Ветряная Мельница, Дух Машины, у которой к тому же есть хороший друг — Локомотив. В компании имеются Танцор в бело-серо-черных тонах и Малыш — в бело-розовых. И все они почему-то хотят друг с другом играть и как-то взаимодействовать.

Но вот музыканты начинают играть композицию, специально написанную для «Механического балета» Ханно Шпельсбергом, а из-за кулис робко показываются фрагменты плоских абстрактных фигур, раскрашенных в красный, белый, зеленый и синий. Наконец и вся конструкция из плоских геометрических фигур: она передвигается на плоскостях-конечностях и даже танцует, а плоскости по центру напоминают крылья — это и есть Ветряная Мельница, похожая на раскрашенных роботов. Затем появляются другие фигуры, и все эти ходячие плоскости начинают забавно передвигаться и пританцовывать.

Правда, танцовщиков совсем не видно: одетые в черное на фоне черной коробки сцены, они прячутся за прикрепленные к их телам геометрические конструкции. Поэтому кажется, что оживленные геометрические существа пританцовывают сами по себе. Публика детская, да и взрослая тоже, в восторге.

«Механический балет» действительно похож на механику — такой своеобразный игрушечный завод. Перед нами чистая форма в движении. Примерно так он и выглядел в 1923 году на сцене Staatliches Bauhaus. Балет был показан всего два раза, и судить об этих представлениях мы можем только по оставшимся нам в наследство двум черно-белым фотографиям да цветным эскизам к балету. Фактически перед нами реконструкция балета 1923 года, хотя реконструированы здесь только фигуры. Хореография и музыка новые. Оригинальный балет шел только 15 минут, а его «потомок» вырос по времени в три раза.

История возрождения балета так же удивительна, как и он сам.

— Где-то в начале 80-х мы узнали, что этот студент Шмидт, который в 1923 году создал «Механический балет», живет в Восточной коммунистической Германии, — рассказывает Йорг Лензинг, — и мы тогда посетили его, что в то время было непросто. Он очень обрадовался, потому что никто не интересовался этим балетом 50 лет. Обрадовался он и тому, что у балета будет хореография и музыка. Он рассказал нам, что балета фактически больше нет, потому что он все забыл, а есть только фотографии. Мы реконструировали по фотографиям фигуры и потом с музыкой и с танцем все создали заново. И в 1989 году создатель увидел свой балет и был просто в восторге. С тех пор мы сыграли уже более двухсот представлений…

В развитие темы — на «Гавроше» сам «Театриум» в рамках спецпрограммы провел творческий урок «Бау-Kids». На нем вслед за мастерами Баухауса ребята учились преобразовывать сложные вещи, а в утилитарных формах искать скрытую образность.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Ноя 01, 2018 10:18 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18931
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Сен 25, 2018 9:10 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018092502
Тема| Балет, Премьера, "Айседора", Персоналии, Владимир Варнава, Наталья Осипова, Алексей Любимов, Владимир Дорохин, Сергей Данилян
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Ленин в сентябре
Наталья Осипова станцевала «Айседору»

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №174, стр. 11
Дата публикации| 2018-09-25
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3751285
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото: Кристина Кормилицына / Коммерсантъ

На сцене Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко продюсерская компания Ardani Artists при поддержке Романа Абрамовича представила российскую премьеру спектакля «Айседора» на музыку балета «Золушка» Сергея Прокофьева в постановке Владимира Варнавы с Натальей Осиповой в заглавной роли. Рассказывает Татьяна Кузнецова.

Двухактная «Айседора» — самый масштабный проект за 28 лет существования Ardani Artists: живой оркестр, международный состав из двух десятков исполнителей, изобильные костюмы Гали Солодовниковой, сюрреалистичная видеографика Ильи Старилова, молодой, но известный в мире хореограф Варнава, мировая звезда Наталья Осипова в главной партии и даже настоящий Bugatti 1927 года выпуска.

На предпремьерной встрече со зрителями хореограф Варнава аргументировал свою идею слияния сказки о Золушке с биографией американской поборницы свободного танца. По его словам, в обеих историях туфли имеют ключевое значение — только сказочная героиня обувается, а реальная — разувается. Одежда — в случае с Айседорой шарф, запутавшийся в колесе машины и удушивший «босоножку»,— тоже играет роковую роль, равно как и карета (то есть автомобиль, погубивший и детей танцовщицы, и ее саму). Бал — место торжества Золушки — хореограф сопоставил со Страной Советов: тоже «иным пространством», куда танцреволюционерка, полная упований, приехала по приглашению Луначарского (в спектакле наркома заменил Ленин). Принц, разумеется, Сергей Есенин. Наконец, сама музыка Прокофьева, далекая от сказочной безмятежности, дала хореографу веские основания для постановки трагического спектакля. Предупредив, что не собирается воспроизводить танец Айседоры, Владимир Варнава заверил, что и он, и Наталья Осипова вдохновлялись главными тезисами своей героини о естественном проявлении душевных и телесных движений.

В спектакле благие намерения были реализованы с помощью автобиографии Айседоры (цитаты из ее книги стали основой либретто) с обескураживающим простодушием. От примитивной иллюстративности не спасли ни мифологические персонажи вроде довольно зловещей Терпсихоры в греческом хитоне и сатиров в кюлотах из белых перьев, ни тем более политический гротеск в виде советских массовых сцен во главе с непременными чекистами (разумеется, в кроваво-красном). Советской вакханалией правит Ленин (Алексей Любимов в портретном гриме и с узнаваемым указующим жестом руки), который строит новое государство по тем же противоестественным законам, по каким живет классический балет (в сцене карикатурного балетного урока роль учителя исполняет тот же Алексей Любимов). Концепции немного мешает Прокофьев: дворцовая мазурка в эпизоде торжества победившего пролетариата или любовное адажио при встрече Айседоры с Лениным могут вызвать некоторый дискомфорт, но отрицать попадание движений в ритм было бы несправедливо.

Следует добавить, что гротесковые эпизоды у хореографа Варнавы получаются все равно убедительнее сцен романтических. Неслучайно одной из главных хореографических кульминаций спектакля оказался монолог Ленина-ангела со стрекозиными крыльями за спиной, переходящий в дуэт с Айседорой, в котором вождь воспроизводит поддержку чекиста из балета Бориса Эйфмана «Красная Жизель». Другим героем спектакля стал Есенин, великолепно станцованный Владимиром Дорохиным. И не его вина, что этот шаржированный персонаж смахивает на Бальзаминова из культовой комедии, а в минуты пьяного загула с полуголыми люмпенами кажется карикатурой с советского плаката. Хореограф не дал Есенину и минуты просветления: даже в момент финального объяснения с Айседорой он выглядит приживалом, висящим гирей на ее ногах в самом буквальном смысле (адажио построено на попытках героини выпутаться из рук мужа-прелюбодея, ползающего по полу, вцепившись в ее щиколотки).

Спектакль, безусловно, держит Наталья Осипова. Причем даже не танцем — хореографический текст Айседоры откровенно слаб. Хореограф, пытаясь сделать языком «босоножки» естественные движения Натальи, переложил собственные обязанности на балерину. В результате решительно невозможно понять, что за танцевальную революцию совершила эта девушка, задирая ногу выше головы, прыгая вполне классические сиссоны и па-де-ша распущенными ногами со стопами-утюжками, запуская волны корпусом и заламывая руки во всех направлениях. Ни одна балерина мира не могла бы взволновать мир такими примитивными па. Кроме Натальи Осиповой, которая любую наивность превращает в откровение своей невероятной погруженностью в роль и верой в значимость каждого сценического мгновения. От ее трогательной беспомощной Айседоры невозможно оторвать глаз, что бы ни делала эта девочка, запутавшаяся в мире политики и чистогана. Сцена же расставания с Есениным (даром, что хореографически она предсказуема до па) по психологической тонкости и диапазону чувств может быть причислена к лучшим мелодраматическим дуэтам балетной истории. А вот сам балет вместе с Лениным-ангелом если и останется в памяти, то разве что в виде необязательного курьеза.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Ноя 01, 2018 10:19 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18931
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Сен 25, 2018 9:28 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018092503
Тема| Балет, Новосибирский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Михаил Мессерер,
Автор| Евгения Буторина
Заголовок| Возвращение "Коппелии"
Первой премьерой сезона в Новосибирском театре оперы и балета стала "Коппелия"

Где опубликовано| © портал Ревизор.ru
Дата публикации| 2018-09-25
Ссылка| http://www.rewizor.ru/theatre/catalog/novosibirskiy-teatr-opery-i-baleta/retsenzii/vozvrashchenie-koppelii/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото: Виктор Дмитриев

Подробные живописные декорации, адекватное использование мультимедийных средств, яркие костюмы – история про прекрасную куклу, созданную мастером Коппелиусом, обрела новую жизнь.

Тихий европейский городок, в котором жители привычно встречаются на главной площади. Юные Франц и Сванильда, которые любят друг друга и готовы пожениться. Странный дом доктора Коппелиуса, на балконе которого сидит прекрасная девушка в белом. Все юноши городка немного влюблены в прекрасную незнакомку, не избегает этой участи и Франц (солист Михайловского театра Виктор Лебедев). Сванильда (актриса Михайловского театра Анастасия Соболева) сердится на возлюбленного, и когда доктор Коппелиус (заслуженный артист России Евгений Гращенко) теряет ключ, спешит знакомиться с соперницей. А в это время Франц тоже пытается проникнуть в дом доктора. Тут-то их и застает Коппелиус.

В Оригинальном либретто Шарля Нюиттера и Артюра Сен-Леона доктор опаивает юношу, подсовывает ему куклу…

В новосибирском спектакле доктор становится союзником прекрасной Сванильды, которая обижена и хочет посмеяться над влюбчивым Францем, притворившись куклой. И ей это удается.

По законам комедии влюбленные легко мирятся, а доктор еще и дарит им на свадьбу крохотную куклу.

– В классической балетной литературе существует всего несколько комедийных балетов, – рассказал балетмейстер-постановщик Михаил Мессерер, – и важнейший среди них – "Коппелия". Комедийные балеты – они доступны и располагают к тому, чтобы пригласить на просмотр детей, прийти всей семьей.

"Коппелия" уже шла на сцене этого театра. Чем отличается ваша версия?

Мы создали этот спектакль по мотивам классических версий, созданных разными хореографами в разные периоды. У нас использованы хореографические мотивы и фрагменты хореографии Артюра Сен-Леона, Мариуса Петипа, Энрико Чекетти, Александра Горского. Я видел отрывки из "Коппелии", которая шла на сцене Новосибирского театра. Очень интересный был спектакль. И, конечно, у нас есть схожие текстовые моменты, сложно обойтись без цитирования. Разница в том, что у меня, в отличие от других постановок это балета, сам Коппелиус — добрый. И то, что у нас получилось, мне очень нравится.

Я думаю, этот спектакль будет важен и для этой труппы. Мы ведь ставим эксклюзивный спектакль в городе, где очень любят классическую хореографию, и мне было важно вместе с труппой театра поработать над спектаклем, который явится в том числе хорошей школой для артистов.
Мне очень интересно работать в этом театре, здесь трупа на подъеме, она совершенно не провинциальная. Я несколько раз приезжал за последние несколько месяцев и вижу, как уровень артистов растет.

В мире есть много небольших коллективов, которые прекрасно танцуют современный балет. Но очень мало театров, которые имеют возможность поставить полномасштабный классический балет. И труппа новосибирского театра оперы и балета как раз относится к числу тех, которые могут.

===================================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18931
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Сен 25, 2018 11:02 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018092504
Тема| Балет, Новосибирский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Михаил Мессерер,
Автор| Екатерина Макаркина
Заголовок| «Коппелию» в 3D-декорациях показали в Оперном театре Новосибирска
Где опубликовано| © ИА «Новосибирск» Новосибирские новости
Дата публикации| 2018-09-25
Ссылка| http://nsknews.info/materials/koppeliyu-v-3d-dekoratsiyakh-pokazali-v-opernom-teatre-novosibirska/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Комедийный балет поставили в Новосибирске. «Коппелию» по мрачной новелле Гофмана превратили в лёгкую историю для детей и взрослых. А художники создали на сцене дополненную реальность с помощью мультимедийных декораций.


На сцене новосибирского Оперного — премьера для всех возрастов. Комедийные балеты — большая редкость, и «Коппелия» — один из ключевых в своём роде. Его поставила команда нашумевшей в прошлом сезоне «Золушки». Абсолютно авторскую историю создали по мотивам известнейших постановок «Коппелии» за всю историю существования этого балета.

«К сожалению, я должен констатировать, что сохранилось очень мало материала. Пришлось собирать, что можно, что-то додумывать, как это могло быть, и создать нашу версию — специально для новосибирского театра», — объяснил балетмейстер-постановщик балета «Коппелия» Михаил Мессерер.

Как и в «Золушке», на сцене снова дополненная реальность. Виртуальные декорации соседствуют с традиционными. Но постановщики настаивают: это лишь инструмент; театр остается театром.
«В императорских театрах тоже говорили: вот это слишком яркий задник, а это слишком яркий костюм. Нет, не затмевает, потому что и мастерство артистов, и прочтение хореографов, и то, что делает Мессерер, — оно тоже выходит на качественно другой уровень», — считает режиссёр мультимедиа, видео и светового дизайна балета «Коппелия» Глеб Фильштинский.

Современные технологии используют не только чтобы поразить зрителя. В этот раз такой подход к сценографии продиктован сюжетом. Юноша влюбляется в куклу, не замечая реальной жизни вокруг. И именно видеопроекция ставит чёткую границу между двумя мирами.

«Это авторская у нас работа, и она во многом от фантазий, которые сегодня возникли, потому что существует виртуальная реальность — это об этом „Коппелия“ — и существует реальность человеческих отношений», — рассказал художник балета «Коппелия» Вячеслав Окунев.

Яркая и динамичная, волшебная сказка о мире кукол и их загадочном мастере способна увлечь и детей, и взрослых.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18931
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Сен 26, 2018 9:19 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018092601
Тема| Балет, театр «Русский балет», Персоналии, Вячеслав Гордеев
Автор| Беседовала Наталья Анохина
Заголовок| Вячеслав Гордеев: «Лучшие годы жизни я провел в Большом театре»
Где опубликовано| © "Подмосковье"
Дата публикации| 2018-09-26
Ссылка| https://i-podmoskovie.ru/php/gorizonty-kultury/news/14762-vyacheslav-gordeev-luchshie-gody-zhizni-ya-provel-v-bolshom-teatre.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Легендарный танцовщик, балетмейстер, педагог, худрук Московского государственного театра «Русский балет», народный артист СССР Вячеслав Гордеев отметил не только 70-летие, но и 50 лет творческой жизни. По этому поводу 3 ноября в его честь в Большом театре, где он прослужил почти 25 лет, состоится балет «Баядерка», и Гордеев лично будет принимать поздравления.

Танцевал в паре с женой

- Вячеслав Михайлович, восхищаюсь вами. В немалые лета вы столько работаете, что впору спросить – откуда черпаете силы?

- Когда речь идет о любимой работе, она не может надоесть, она может только радовать и придавать сил.

- У танцоров век короткий. Вы долго танцевали?

- Долго. Последний раз на творческом вечере, посвященном 55-летию. Если говорить о Большом театре – 23 года. В целом моя жизнь делится на несколько этапов: первый – Большой театр, где выходил на сцену со своей первой женой Надеждой Павловой, потом жизнь без Большого театра и с другой женой...

- Вторая жена тоже танцовщица?

- Она пианистка, у меня все жены, кроме Павловой – пианистки. Еще этап – это «Русский балет», которым руковожу до сих пор, ставлю спектакли. Был период - с 1995 по 1997 годы, когда являлся худруком балетной труппы Большого театра.

- Какой из периодов был самым счастливым?

- Когда танцевал в Большом. Это были лучшие годы, ни о чем другом я не думал. Только творчество – репетиции, выступления, гастроли.

- Не просто так критики на заре карьеры называли вас «золотым мальчиком»...

- И последним романтическим принцем. Статья вышла в «New-York Times» после нашего выступления с Павловой в балете «Ромео и Джульетта». Тогда американцы написали: «Они пришли, мы их увидели, и они нас победили!». Мне повезло: в Большом театре я танцевал весь репертуар в один период с такими выдающимися танцовщиками, как Васильев, Лавровский, Владимиров. Они были старше меня, а сзади наступало другое поколение - Годунов, Богатырев, Кондратов, Цивин. И в этом оазисе меня заметили, отметили и вывели на передовые позиции.

- И это несмотря на то, что в балет вы пришли чуть позже своих сверстников?

- В хореографическое училище при Большом театре я пришел в 12 лет, хотя принимали 10-летних. Но в тот год набирали курс «для особо одаренных детей». Я шел по Пушечной улице с мамой, и мы увидели объявление о приеме в хореографическое училище. Конкурс - 600 человек на три места. Одно оказалось моим.

- Когда в 26 лет вы порвали ахиллово сухожилие, многие решили, что это конец карьеры. А вы через полгода вышли на сцену...

- Для этого пришлось невероятно много трудиться. Каждый день в больнице с костылями стоял у окна, как у станка, разрабатывал ногу. Когда вышел на работу, все элементы стал переделывать на другую ногу - вращения, прыжки и т.д. И через 5 месяцев с Большим театром поехал на гастроли, поддержки делал, хотя толком ходить не мог.

Майя ни в чем себе не отказывала

- Несмотря на возраст, вы до сих пор занимаетесь у станка...

- Движение для меня - потребность, хотя усилия приходится прилагать, выносливость уже не та. Но я работаю с молодежью, и распускаться нельзя. Поэтому ежедневно вместе с артистами «Русского балета» делаю класс у станка, как минимум, полтора часа. Даже во время отдыха в Турции занимался в тренажерном зале, ходил на «качалки», обязательно вставал к станку. В море проводил от 3 до 5 часов. Активно плаваю на дистанцию брасом и кролем.

- Диет не придерживаетесь?

- Когда танцевал, придерживался, хотя мужчине особо диета не нужна. Женщинам – может быть. Плисецкая, например, всегда говорила, что «режимит». При этом я видел, что она себя не истязала, как другие девочки, всегда хорошо ела. Она себе ни в чем не отказывала – ни в еде, ни в удовольствиях. И была очень естественной в общении. У нас были замечательные отношения. Я гостил у нее на даче в литовском Тракае, она брала меня в свои поездки. Майя меня выделяла, уважала как танцовщика. Я отвечал ей взаимностью.

- В самом начале разговора я призналась, что восхищаюсь вами. Вдвойне потому, что на собственные средства на своей загородной земле достраиваете школу искусств, где будете заниматься с детьми. Невероятно!

- Больше скажу: я сам делал проект будущего здания, ровно также, как делал проекты своей квартиры и дачи, активно участвовал в строительном процессе. И еще на начальном этапе проектирования школы искусств купил в Китае четыре бронзовые статуи «Времена года» и скульптуру «Три грации». Планирую сделать интерьер, воспевающий красоту человеческого тела. Чтобы дети, которые будут ходить в эту школу, видели хоть и копии, но образцы высокого искусства.

- Большой участок отвели под школу?

- Порядка пяти соток. Земли у меня хватает, но разрешение у родственников всё равно спрашивал. У меня большая семья, четверо детей.

- К слову, о детях. Мужчина должен вырастить сына, построить дом, посадить дерево. Первые два пункта вы выполнили. А последний?

- У меня приличная часть участка была занята лесом. Но короед его загубил. Пришлось спилить сто десять деревьев. На месте уничтоженного леса посадил ели, много яблонь, груш и смородину. Пересадил три дуба, которые росли на месте, где будет строиться школа. Я люблю дубы, в них есть необъяснимая сила, и листья у этого дерева чистые. Вот клен – вроде красивое дерево, но когда листья опадают, превращаются в кашу. А у дуба лист висит до морозов, и падает уже на снег. Я люблю природу, много гуляю, и для меня природный интерьер очень важен.

Фото из личного архива Вячеслава Гордеева
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18931
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Сен 26, 2018 9:35 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018092602
Тема| Балет, Современный танец, Фестиваль "Гаврош" , Персоналии,
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Супрематизм пустился в пляс
«Механический балет» на фестивале «Гаврош»

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №175, стр. 11
Дата публикации| 2018-09-26
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3751705
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ



В Москве при поддержке Министерства культуры, правительства Москвы, Гёте-института и Союза театральных деятелей проходит XII Международный фестиваль спектаклей для детей, организованный Театриумом на Серпуховке. На сей раз фестиваль посвящен немецкому театру. Одним из хитов программы, рассчитанной на зрителей от двух лет до старости, стал дюссельдорфский «Механический балет», реконструкция спектакля 1923 года. Рассказывает Татьяна Кузнецова.

«Гаврош» — главное событие сезона для юных москвичей и их продвинутых родителей, шанс увидеть мир, не выезжая из российской столицы: каждая фестивальная программа целиком отдана театру какой-нибудь европейской страны. Несколько раз у нас были французы, дважды — итальянцы, были сезоны шведский, израильский, голландский, датский, польский. Немцы приезжают во второй раз с обширным разножанровым репертуаром: от Брехта до Чехова, от нежных кукол для малолеток до буйных танцев под инди-рок-группу La Corneille для половозрелых подростков. Среди современных спектаклей для разных возрастных категорий выделяется историческая реконструкция — легендарный «Механический балет».

Он был сочинен и представлен в 1923 году студентами Баухауса, учениками Василия Кандинского Куртом Шмидтом и Георгом Телчером и их друзьями (в том числе маленьким сыном Шмидта) всего два раза и тем не менее вошел в историю как чистый образчик авангардного искусства. «Балет» в названии — для красного словца: спектакль был призван оживить архитектуру разноцветных плоскостей, составленных в супрематические композиции. Скромная, почти курсовая работа: в отличие от Малевича, Матюшкина и Кручёных, российских авторов революционной оперы «Победа над солнцем», немецкие студенты не имели претензий на переустройство современного искусства. От того «Механического балета» остались лишь фотографии и эскизы костюмов, по которым в 1987 году Йорг У. Лензинг и дюссельдорфский Theater der Klaenge создали новый спектакль, восстановив пять фигур и придумав, как они могли бы двигаться под живую музыку (рояль, ударные и тромбон) той эпохи. Их 40-минутный «Механический балет» живет и здравствует уже больше 30 лет в качестве детского спектакля — считается, что ожившие прямоугольники, круги, квадраты и прочая гуляющая геометрия шестилетнюю аудиторию и позабавит, и разовьет.

Возможно, так и было задумано первоначально, во всяком случае ходячие абстракции имеют вполне конкретные имена (Ветряная мельница, Машиностроение и его друг Локомотив, серо-бело-черный Танцор и его Малыш) и даже характеры. Церемонное Машиностроение, игривая Мельница, напористый Локомотив, жизнерадостный Танцор встречаются друг с другом, раскланиваются, пожимают параллелепипеды конечностей. Иногда ревнуют, как Машиностроение, застигшее Мельницу с Локомотивом в объятиях друг друга и обиженно отпятившееся в кулисы. Иногда даже подпрыгивают и взбрыкивают канканом, как Танцор — самая легкая из фигур. Но, несмотря на музыку — прелестные джазовые композиции, стилизованные под 1920-е,— детям смотреть на перемещения цветных деревяшек, пожалуй, скучновато. В отличие от взрослых, для которых оживший объемный супрематизм — отличное подспорье для понимания его живописного прототипа, законов составления композиций и логики движения отдельных элементов.

Одетых в черное артистов, к конечностям и телам которых прикреплены шарнирами плоскости локальных цветов, практически не видно: движутся они на черном фоне строго в профиль. Так что сложносочиненные конструкции выглядят совершенно самодостаточными. Особенно хороша Ветряная мельница с ее пятью разноцветными и разнокалиберными плоскостями, то уплотняющимися в яркий неправильный многоугольник, то расползающимися по вертикалям-горизонталям длинными острыми конечностями. Следить за тем, как уживаются или, наоборот, конфликтуют цветовые плоскости, как тот или иной цвет берет на себя главную смысловую нагрузку, подчиняя остальные своему движению, как трансформируется восприятие композиции в зависимости от изменения сочетания плоскостей,— занятие преувлекательное. Причем не по-детски.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Ноя 01, 2018 10:20 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18931
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Сен 26, 2018 3:37 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018092603
Тема| Балет, Новосибирский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Михаил Мессерер,
Автор| Евгения Буторина
Заголовок| «Коппелия» открыла балетный сезон
Где опубликовано| © Пенсионеры - online (Новосибирск)
Дата публикации| 2018-09-26
Ссылка| http://pensioner54.ru/mozaika-zhizni/dosug/moi-vpechatleniya/5645-koppeliya-otkryla-baletnyj-sezon
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Новосибирский театр оперы и балета открыл новый сезон балетом «Коппелия» в постановке Михаила Мессерера.

Творческая группа, известная новосибирским зрителям по постановке балета «Золушка», вновь вернулась в театр и порадовала любителей балета. Живописные декорации и классическая хореография сосуществуют с современным высокотехнологичным сценическим решением, предложенным художником Вячеславом Окуневым и режиссёром мультимедиа Глебом Фильштинским. Правда, в отличие от «Золушки», мультимедиа менее агрессивны.

- Технологии сегодня в театре оперы и балета значат то же самое, что и двести пятьдесят лет назад, - рассказал Глеб Фильштинский, - это инструменты, при помощи которых театр остаётся театром. Список инструментов всегда менялся и совершенствовался, это обычный прогресс. Холсты поменялись на видеопроекторы. Но главная суть осталась прежней - мы создаём иллюзии.

Иллюзии, помогающие создать сказку об иллюзии - ведь «Коппелия» - это рассказ о человеке, который чуть не поддался иллюзии и не ушел в иллюзорный мир. Чуть не поверил в реальность куклы.

Тихий европейский городок, в котором жители привычно встречаются на главной площади. Юные Франц и Сванильда, которые любят друг друга и готовы пожениться. Странный дом доктора Коппелиуса, на балконе которого сидит прекрасная девушка в белом. Все юноши городка немного влюблены в очаровательную незнакомку, не избегает этой участи и Франц (солист Михайловского театра Виктор Лебедев). Сванильда (актриса Михайловского театра Анастасия Соболева) сердится на возлюбленного, и когда доктор Коппелиус (заслуженный артист России Евгений Гращенко) теряет ключ, спешит знакомиться с соперницей. А в это время Франц тоже пытается проникнуть в дом доктора. Тут-то их и застает Коппелиус. В оригинальном либретто Шарля Нюиттера и Артюра Сен-Леона доктор опаивает юношу, подсовывает ему куклу… В новосибирском спектакле доктор становится союзником прекрасной Сванильды, которая обижена и хочет посмеяться над влюбчивым Францем, притворившись куклой. И ей это удается. По законам комедии влюбленные легко мирятся, а доктор еще и дарит им на свадьбу крохотную куклу.



- Мы создали этот спектакль по мотивам классических версий, созданных разными хореографами в разные периоды, - рассказал постановщик балетмейстер Михаил Мессерер. - У нас использованы хореографические мотивы и фрагменты хореографии Артюра Сен-Леона, Мариуса Петипа, Энрико Чекетти, Александра Горского. Я видел отрывки из «Коппелии», которая шла на сцене Новосибирского театра. Очень интересный был спектакль. И, конечно, у нас есть схожие текстовые моменты, сложно обойтись без цитирования. Разница в том, что у меня, в отличие от других постановок это балета, сам Коппелиус - добрый. И то, что у нас получилось, мне очень нравится.

Радует, что многочисленные обращения в адрес руководства театра услышаны, и на сцене Новосибирского театра оперы и балета идет спектакль, созданный специально для нашего театра. Спектакль красивый, созданный для семейного просмотра, удивительно добрый и яркий.



Немного обидно, что среди солистов театра не нашлось своих Франца и Сванильды, хотя молодая пара из Михайловского театра действительно очень интересные и многообещающие артисты. Но, увы, не наши. Тем более, это удивительно, что сам Михаил Мессерер очень высоко оценил работу новосибирских артистов.

- Я думаю, этот спектакль будет важен и для труппы, - говорит Михаил Мессерер, - мне очень интересно работать в этом театре, здесь трупа на подъеме, она совершенно не провинциальная. Мы ставим эксклюзивный спектакль в городе, где очень любят классическую хореографию, и мне было важно вместе с труппой театра поработать над спектаклем, который явится в том числе хорошей школой для артистов.

В мире есть много небольших коллективов, которые прекрасно танцуют современный балет. Но очень мало театров, которые имеют возможность поставить полномасштабный классический балет. И труппа новосибирского театра оперы и балета как раз относится к числу тех, которые могут.

Евгения Буторина

Фото автора
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18931
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Сен 26, 2018 4:17 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018092604
Тема| Балет, Новосибирский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Михаил Мессерер, Анастасия Соболева, Виктор Лебедев, Глеб Фильштинский
Автор| Лилия Вишневская
Заголовок| Глеб Фильштинский: «Спектакль о балетмейстере и о мире, который он создал»
Где опубликовано| © Бумеранг №36 (824)
Дата публикации| 2018-09-26
Ссылка| https://bumerang.nsk.ru/news/interview/Gleb_Filshtinskiy/?sphrase_id=13628
Аннотация| Премьера, Интервью

Новосибирский оперный театр представил новую работу известного российского хореографа Михаила Мессерера – балет «Коппелия». 22 и 23 сентября зрители, пришедшие на спектакль, насладились великолепным актерским исполнением, а также увидели всё самое любимое в балетной классике: изысканную хореографию, блистательных танцоров, великолепные костюмы, сказочные декорации и волшебную игру световых эффектов. Два вечера подряд на сцене НОВАТа танцевали звезды российского балета – солисты Михайловского театра Анастасия Соболева и Виктор Лебедев...



Трогательная история ожившей куклы

Балет французского композитора Лео Делиба «Коппелия» не теряет популярности с момента своего создания. Сюжет его восходит к новелле Гофмана «Песочный человек» – о юноше, влюбившемся в механическую куклу, созданную искусным мастером Коппелиусом. Балетмейстер Артур Сен-Леон и Шарль Нюитер при написании либретто переосмыслили мрачную гофмановскую историю и создали изящную комедию о ссоре и примирении влюбленных: в ней главная героиня – озорная Сванильда, находит остроумный способ проучить своего неверного жениха. Прошло почти 150 лет, но «Коппелия» по-прежнему остается одним из самых любимых классических балетов.

В Новосибирском оперном этот балет впервые был поставлен в 2001 году: хореограф Сергей Вихарев воссоздал постановку Мариинского театра от 1894 в хореографии Мариуса Петипа и Энрико Чеккетти, а художник-постановщик Вячеслав Окунев восстановил оригинальную сценографию. Новосибирской «Коппелии» аплодировали Испания, Португалия, Япония, Таиланд...

Прошло время, и «Коппелия» вернулась на сцену НОВАТа. Над спектаклем работала команда, в прошлом сезоне подарившая новосибирским зрителям волшебный балет «Золушка»: балетмейстер-хореограф Михаил Мессерер, художники Вячеслав Окунев и Глеб Фильштинский. В самой ожидаемой балетной премьере 74-го сезона классическая хореография сосуществует с современным высокотехнологичным сценическим решением. В «Коппелии» замечательная музыка Лео Делиба, яркие танцевальные номера, занимательная любовная история, добрый юмор и веселые игровые моменты, которые обязательно понравятся даже самым юным зрителям НОВАТа.

– Сегодня зрители во всем мире требуют классических балетных спектаклей со сложной пальцевой техникой у балерин и виртуозным мужским танцем – именно того, чем изобилует этот веселый, жизнерадостный балет. «Коппелия» – не только эталон чистой, классической хореографии, но и спектакль, на который можно пойти всей семьей. Такие балеты звучат актуально, современно. Они должны жить на сцене и радовать зрителя, – считает Михаил Мессерер.


«В классической балетной литературе существует всего несколько комедийных балетов, и важнейший среди них – «Коппелия. Когда я восстанавливал спектакль, редактируя сюжеты, мне думалось о том, как моя работа повлияет на развитие труппы. Труппа новосибирского театра находится сейчас на подъеме. И то, что меня пригласили поработать здесь, это большая честь для меня и большой интерес...».

Балетмейстер-постановщик Михаил Мессерер


Цветы для «Коппелии»

Постановщики новой «Коппелии» в НОВАТе решили вернуть ореол сказочной таинственности как истории, так и мастеру Коппелиусу. По их задумке, мир «Коппелии» и все персонажи балета созданы самим Мастером.

В этом спектакле, как и в полюбившейся новосибирцам «Золушке», наряду с традиционными живописными использованы мультимедийные декорации, присутствуют видеопроекция и выразительные световые эффекты.

Перед премьерным показом нового балета режиссер мультимедиа Глеб Фильштинский рассказал о техническом прогрессе и хореографии, а также о том, что следует соблюдать баланс между новыми технологиями и классическим танцем...

– Глеб Вениаминович, что, по-вашему, значат сегодня технологии в театре оперы и балета?

– Технологии в театре оперы и балета сегодня значат ровно то же, что и 250 лет назад. Это инструменты, при помощи которых театр остается театром. Когда-то изобрели веревку и палку, с помощью которых наносили на холст краски. Сегодня изобрели, как с помощью видеопроекторов и компьютеров добиваться иллюзий. Список этих инструментов менялся, начиная с древнегреческого театра. Это абсолютно неостановимая вещь, обычный прогресс. Но суть остается та же – театр показывает зрителям спектакли.

– Технологии не затмевают хореографию?

– И этому вопросу уже лет 250 (смеется). В театрах тех времен тоже говорили: этот задник слишком яркий, костюм слишком шикарный... Нет, не затмевают. Потому что и мастерство артистов, и прочтение хореографов, и то, что делает Михаил Мессерер – всё это тоже выходит на качественно другой уровень. Не должно затмевать, я думаю. Если вам кажется, что затмевает – это только наша ошибка. Надо всегда сохранять баланс...

– А на чье мнение вы опираетесь, чтобы сохранить этот баланс?

– Прежде всего на мнение Михаила Григорьевича Мессерера. На мнение Вячеслава Окунева и собственные ощущения. А еще на то, что вижу сейчас на предварительном показе. В зале и дети, и взрослые. Смотрю на их реакцию – как они воспринимают то, что происходит на сцене...

– Что касается пола: почему он такой скрипучий? Понятно, что по нему стучат сапогами, но ведь скрип раздается...

– Знаете, это тоже давняя проблема. Раньше стучали по деревянному полу, потом – по тряпичному. Теперь скрипят по линолеуму. Поймите, если это будет идеальный скользкий «лед», по которому танцоры будут двигаются бесшумно, они попросту не удержатся на сцене и будут скатываться в яму. Это такая закономерность. На флейте играют – клапанами стучат. Вы же не спрашиваете музыкантов – зачем стучат? Балерина танцует на пуантах, они стучат и скрипят. Это неизбежно. Хотя и стараются подбирать разные смазывающие составы: когда поменьше, когда побольше накладывают на пол. Но чтобы балет двигался абсолютно бесшумно – такого не бывает.

– Вам было интересно делать волшебную сказку для детей и для взрослых? И каков ваш вклад в создании этого чуда?

– «Коппелия» – уникальный балетный материал. Михаил Мессерер не только его переосмыслил – он нашел свою «Коппелию», он любит этих кукол-артистов. А дальше всё очень просто: я придумал этот кукольный мир – такой, каким он выглядит в мечтах его создателя.

– Говорят, что комедию делать труднее. Это правда?

– Думаю, да. Труднее (задумывается). Конечно труднее. Трагедия – дело такое: ножом в сердце – и уже жалко. А тут, поди добейся, чтобы было смешно.

– Довольны результатом своей работы?

– Сегодня только сдача, генеральная репетиция. Еще нет того дыхания премьеры, которое завораживает. Всё будет завтра. Завтра мы поймем – успех или провал, цветы или помидоры. Но на всякий случай несите цветы! (смеется).

«Коппелиус – главный герой, творец, который создал этот мир танцующих кукол, запустил этот механизм. Он одновременно и любит, и испытывает своих кукол-артистов. Это спектакль о балетмейстере и его Вселенной».

Режиссер мультимедиа Глеб Фильштинский


«Коппелия» в постановке Новосибирского оперного – восхищенная и благодарная дань столичному «императорскому» балету с его роскошными декорациями, замысловатой машинерией, яркими костюмами и виртуозными танцами. Новый балет дополнит репертуар НОВАТа, адресованный самым юным зрителям, и станет прекрасным поводом для семейного посещения театра.

=========================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18931
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Сен 27, 2018 10:08 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018092701
Тема| Балет, Премьера, "Айседора", Персоналии, Владимир Варнава, Наталья Осипова, Алексей Любимов, Владимир Дорохин, Сергей Данилян
Автор| Лейла Гучмазова
Заголовок| Совсем замоталась
Наталья Осипова станцевала Айседору Дункан в музыкальном театре Станиславского и Немировича-Данченко

Где опубликовано| © Российская газета - Федеральный выпуск №7678 (215)
Дата публикации| 2018-09-27
Ссылка| https://rg.ru/2018/09/26/reg-cfo/ardani-artists-vpervye-predstavila-bolshoj-dvuhaktnyj-balet.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Впервые за 28 лет существования продюсерская компания Ardani artists представила большой двухактный балет: в нем танцуют Айседора Дункан, Сергей Есенин и даже Ленин.


Главной героиней постановки стала Айседора - Наталья Осипова. Фото: Ardani artists

Поводом к спектаклю стала жизнь великой босоножки Айседоры Дункан, перевернувшей в начале прошлого века представления о танцевальном прекрасном. При всей благодатности темы в анналах осталась только сделанная для Майи Плисецкой простенькая "Айседора" Мориса Бежара, так что разбираться с ней надо было либо лихо, либо никак. И маститый продюсер Сергей Данилян, вдоволь навозившийся со звездами, рискнул, собрав для затеи только одну суперзвезду - приму Королевского балета Ковент-Гарден Наталью Осипову, команду молодых вместе с хореографом Владимиром Варнавой и партитуру "Золушки" Прокофьева.

Она-то со всей своей мощью и оголила, что называется, возможности участников.

С первой же картины наравне с Айседорой по сцене носится Смерть в облике тотемной богини с опереньем вождя, глупая и неотвратимая. Можно не знать, что она забрала сначала детей Айседоры в упавшей в воду машине, а потом и ее саму, удушив попавшим в автомобильный диск шарфом - подробностей в спектакле нет, но знакомому с историей они намерещатся. Как и неизбежные параллели с Золушкой Прокофьева: только сказочную героиню опекала Фея, а великую танцовщицу Смерть. Она и нашептала Айседоре ринуться в страну победившего равенства и нового искусства, чтобы оставить там разбитое сердце, верных учениц и множество иллюзий.

Нетрудно было ожидать, что в спектакле будет неудачная попытка Айседоры стать хорошей девочкой в балетном классе. А вот ее путь в реформаторы танца - от корсетов и пуантов к свободе древней пляски - не показан никак: мир предложил Айседоре цилиндр либо валенки с платком, она выбрала второе и очутилась в России. И вот тут началось.

Она очаровалась шеренгами рабочих, но, увы, хореографу авангардистские танцы машин и пирамиды синеблузников не пригодились. Она влюбилась в поэта, но никакого хамского шарма Москвы кабацкой в выходах анекдотичного кудряшки Есенина (Владимир Дорохин) не нашлось. То есть при всем танцевальном изобилии эпохи и при всех возможностях хореографа-постановщика главной радостью спектакля оказался не танец.

В этом большом двухактном балете танцуют все: Айседора Дункан, Сергей Есенин и даже Ленин

Что же тогда?

Талант Владимира Варнавы к стебу, который получается, и правда, веселым: как стрекозиные пикировки и крылья Ленина, приветствовавшего передовую американку до боли знакомым - "Верной дорогой идете, товарищ". Конечно, лавры первооткрывателя порхающего Ильича принадлежат не Варнаве (из известных мне этот четвертый), но он действительно уместен, раз уж принц-поэт оказался не героем. Забавен спугнувший Айседору пролетарий-афроамериканец, будто за много лет предваривший "Цирк" Григория Александрова. Другой разговор, что хотя маэстро Феликс Коробов и оркестр сделали невозможное, хореограф очень специфично слышит: гениальный вальс он отдал мелькнувшему эпизоду дороги, лирический дуэт - диалогу с Лениным, а тему любви совсем уж расточительно - ползущей удушить героиню алой ленте в видео. Положение спасли приглашенные продюсером молодые.

Видео Ильи Старилова с фантомом непостроенного Дворца Советов и отличный свет Константина Бинкина. Плюс сценография и костюмы Гали Солодовниковой, одевшей академический балет, как его видела Айседора, - в невыносимо розовое, а пролетариев - как их видели русские авангардисты. Она же, спасибо, не стала уныло цитировать хрестоматийные хитоны Дункан, но дала ей громадный алый шарф как символ прочувствованного Айседорой кровавого террора. Именно он, а не какой-то там парижский наряд притянул ее к собственной смерти.

И все же главной героиней стала Айседора - Наталья Осипова. Умная и артистически безупречная, именно она наполнила смыслом все условное, допустимое и даже бессмысленное в этом спектакле. И именно она показала кроме прочего гениальный бег, способный заменить знаменитый бег Улановой и давший в паре минут полное представление об Айседоре.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Ноя 01, 2018 10:22 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18931
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Сен 27, 2018 12:25 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018092702
Тема| Современный танец, Международный фестиваль современного танца в Монпелье (Montpellier Danse), Персоналии,
Автор| Наталья КОЛЕСОВА
Заголовок| Сны и явь Монпелье
Где опубликовано| © «Экран и сцена» № 18
Дата публикации| 2018-09-20
Ссылка| http://screenstage.ru/?p=9404
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


Сцена из спектакля “Партита для 8 танцовщиков”

Международный фестиваль современного танца в Монпелье (Montpellier Danse) на юге Франции ежегодно представляет спектакли именитых и начинающих хореографов в самых разных стилях и жанрах. В программе соседствуют модерн, контемпорари, хип-хоп, классика, концептуальные перформансы. На нынешнем 38-м фестивале события раз-ворачивались на площадках открытой сцены центра современного танца “Агора” под звездным небом, в парадном зале Le Corum театра Opera Berlioz, в малых залах, носящих имена Мориса Бежара и Доменика Багуэ, в старинном театре Opera Comedie, в университетском театре La Vignette, в небольшом современном зале Grammont. В этом году фестиваль был дополнен обширной выставкой-инсталляцией “Триша Браун. Американка в Монпелье”, посвященной творчеству выдающейся американской постановщицы, подруги и соавтора Михаила Барышникова и многих звезд мировой балетной сцены.

Программу открывали бесспорные лидеры Уильям Форсайт и Акрам Хан, затем эстафету приняли экспериментаторы Якопо Годани и Мурад Мерзуки, хорошо известные по предыдущим фестивалям, позже в марафон включились новые имена – Мишель Мюррей, Сильвен Юк, Паула Пи и другие.

Хореограф Мод ле Пладек, недавно возглавившая Национальный центр хореографии Орлеана, представила постановку “Двадцать семь перспектив” на музыку оригинально аранжированных Пете Харденом тем из Восьмой (Неоконченной) симфонии Франца Шуберта. Молодая и отлично тренированная труппа демонстрировала строгий, самоуглубленный танец без излишеств и украшательств. Мод ле Пладек поставила задачей “пропустить музыку через тело и пространство”. “Хореографическая симфония” – так определила постановщик жанр своего сочинения. Как добиться того, чтобы “видеть музыку и слышать танец”? Решая эту амбициозную задачу, Мод ле Пладек, безусловно, преуспела.

Произведение Пии Менар (компания Non Nova) оказалось одной из тех крайностей, которые допустимы в рамках фестиваля свободных и современных взглядов: чистого вида перформанс “Дом матери” мог бы вызвать восторг в аудитории центра современного искусства, подобного московскому “Гаражу”, “Гоголь-центру” или ММОМА. Это первая часть задуманного триптиха “Аморальные сказки”. Пию Менар тревожат глобальные катастрофы, случающиеся по вине бесчестных политиков. Этот благородный порыв движет ею в создании спектаклей свободной формы и неопределенного жанра. Сначала герой (или героиня) в костюме и гриме в стиле панк долго и методично строит с помощью скотча дом из огромных пластин гофрированного картона, потом бензопилой прорезает окна и двери. Движения персонажа размеренны, но порой необъяснимо агрессивны, как и взгляды, которые он бросает в зал. Затем под шум дождя и гром артиллерийской канонады на возведенный картонный дом льются потоки воды, от чего он, естественно, проседает и рушится. Все эти полчаса герой сидит и злобно, оценивающе рассматривает публику. Спектакль посвящен жертвам бомбардировки Нанта в 1943 году, среди которых был дед Пии Менар.

Иное дело – спектакль “Люди, которые танцуют” группы “Naif production” – остроумный и изящный разговор тела на языке стиля хип-хоп. Артисты Насим Батту, Клотар Фушеро, Жюльен Грос, Андре Лабарка и Люсьен Рен, перемежая свои импровизации юмористическими комментариями, демонстрируют не только легкость в интерпретации движений языка эффектного уличного танца, но и погружаются в своеобразную медитацию. И тогда ритм хип-хопа становится тягучим, обрастает отражениями какой-то новой, еще не оформившейся эстетики.

Но самые яркие впечатления директор фестиваля в Монпелье Жан-Поль Монтанари и его команда приготовили под финал. Звездная индивидуальность выдающегося бельгийского хореографа Анны Терезы де Кеерсмакер проявилась неожиданным образом. После погружавшего в транс “Дождя” на фестивале “Черешневый лес” в Москве было чрезвычайно любопытно увидеть в Монпелье спектакль “Когда в середине жизни мы” (“Mitten wir im Leben sind”) на музыку шести сюит для виолончели Иоганна Себастьяна Баха. Полноправным героем действия стал виолончелист-виртуоз Жан-Гиен Керас, в каждом эпизоде спектакля оказывавшийся смысловым, эмоциональным и динамическим центром происходящего. Сидя порой спиной, боком или анфас к зрителям, он завораживал исполнением старинной музыки на старинном инструменте. Перед каждой сценой артисты скотчем выклеивали на полу некие ломаные линии, они загадочным образом влияли на рисунок танца, диктуя особые пространственные взаимоотношения между танцовщиками и виолончелистом. Спектакль Кеерсмакер выглядел математически точным, словно выстроенным по законам стереометрии.

Музыкант в каждом эпизоде – новая “точка” на сцене, вокруг нее строится соло или дуэт танцовщиков. Иногда мужская брутальность и вызывающая резкость исполнителей приходят в противоречие с музыкальным текстом и возникает осязаемое напряжение. Лучшее соло спектакля – острый танец изящной и нервной женщины с мальчишеской стрижкой (Мари Гудо). Ее движения напоминают пластику порывистого подростка или дикого зверя, но смягчены изяществом жестов и легкостью полетов. Спектакль Анны Терезы де Кеерсмакер – зрелище изысканное и строгое, здесь танец и музыка существуют на равных, укрупняя значение друг друга.

Главный хит, однако, ожидал нас к финалу: прославленная труппа NDT (Нидерландского театра танца), периодически украшавшая афишу фестиваля на протяжении его тридцативосьмилетнего существования, и на этот раз снискала громкий успех во Франции. Постановка Соль Леон и Пола Лайтфута “Закрой глаза” напомнила ни с чем не сравнимое наслаждение, испытываемое в театре, когда над зрителем не довлеют опыт и знание, когда отсутствует пресыщение. Когда хочется, чтобы спектакль не заканчивался, а глаза открываются от изумления все шире. И это не игра слов, поскольку первая (и самая грандиозная часть) спектакля призывает к противоположному. В интерпретации выдающегося творческого тандема Соль Леон и Пола Лайтфута “закрыть глаза” означает совсем иное: состояние между сном и явью. Феноменальные по своей технике, пластичности и выразительности артисты непринужденно справляются с текучей, силовой и одновременно изощренной хореографией.

Спектакль сродни откровению. Тела артистов замирают на мгновение, потом словно магнитом притягиваются друг к другу. Поза фиксируется, затем движение продолжается – тягучее, непрерывное. Дуэт миниатюрной девушки азиатской внешности в черном трико и коротенькой пачке и атлетически сложенного юноши с обнаженным торсом – череда сложнейших связок, поддержек, рискованных и успешных попыток поймать ускользающее равновесие. Дуэт центральной пары постановки – танцовщицы в переливающемся “чешуйчатом” платье и ее строгого партнера – полон томления и борьбы. Эпиграфом к спектаклю хореографы взяли фразу Поля Гогена: “Я закрываю глаза, чтобы видеть”. Философ-ский и драматургический подтекст постановки всеобъемлющ: творчество способно раздвинуть границы возможного, придать свет мраку, позволить заглянуть за грань бытия, наполнить существование человека смыслом… По окончании каждой сцены исполнители медленно спускаются в оркестровую яму, двигаясь вперед спиной, как бы в обратной перспективе. Они исчезают из поля зрения зрителей, продолжая там, в подземном пространстве свою невидимую жизнь.

Две постановки молодых хореографов, в последние годы сотрудничающих с NDT, – Кристал Пайт и Марко Гёке, – безусловно, дали возможность труппе, и без того вызвавшей шквал аплодисментов, превратить заключительные спектакли фестиваля в праздник. В “Партите для 8 танцовщиков” (автор Кристал Пайт) и особенно в “Проснулся слепым” (постановка Марко Гёке) раскованность и свобода нарастали, на смену аскетизму первого акта пришли энергия, радость, красочность. Когда видишь, с каким подъемом выступает труппа, созданная в Гааге в 1959 году, а в 1975 возглавленная Иржи Килианом, не остается сомнений в ярком будущем современного танца. И фестиваль в Монпелье, собирающий всех под своими знаменами, – уверенное подтверждение этому.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18931
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Сен 27, 2018 12:29 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018092703
Тема| Балет, Премьера, "Айседора", Персоналии, Владимир Варнава, Наталья Осипова, Алексей Любимов, Владимир Дорохин, Сергей Данилян
Автор| Елена ФЕДОРЕНКО
Заголовок| Прекрасная Айседора
Где опубликовано| © Газета «Культура»
Дата публикации| 2018-09-26
Ссылка| http://portal-kultura.ru/articles/balet/218238-prekrasnaya-aysedora/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Москва увидела балет «Айседора» с мировой звездой Натальей Осиповой в титульной роли.


Фото: Doug Gifford

Этот двухактный спектакль, рожденный в Калифорнии международной командой во главе с продюсером Сергеем Даниляном (компания Ardani Artists), в России ждали с нетерпением. В начале года Наталья Осипова рассказывала читателям нашей газеты о новой версии прокофьевской «Золушки», задуманной совместно с хореографом Владимиром Варнавой. В процессе репетиций «Золушка» трансформировалась в «Айседору». Хореограф, отлично зарекомендовавший себя прежними работами, в истории о бедной бесприданнице услышал судьбу «босоногой предвестницы будущего». Молодой сочинитель нашел наивные и трогательные антирифмы. Не было бы вечной сказки, если бы фея не одарила замарашку туфельками и не превратила бы ее лохмотья в роскошное платье, не попала бы героиня на бал, не обернись тыква каретой, а грызуны — ​лихими скакунами. У Айседоры все с точностью до наоборот: она разулась принципиально, скинула чопорные платья, заменила их свободными хитонами (не только на сцене, но и в жизни), отвергла корсеты, а средство передвижения — ​автомобиль стал ее неумолимым фатумом: в нем погибли ее дети, а спустя годы — ​она сама.

Бездонная и всеобъемлющая «музыка мировых катастроф», написанная в годы войны, произволу переосмысления подчинилась. В грандиозном космосе Прокофьева — ​смятение и отчаяние, вера и надежда, тончайшая лирика и высокий трагизм, горькая быстротечность времени и насмешливый гротеск. Все краски отлично передал оркестр Музтеатра имени Станиславского и Немировича-Данченко под руководством маэстро Феликса Коробова.

Жанр балета-байопика до сих пор не имеет устойчивых берегов, но очевидно, что его главный герой уже должен превратиться в архетип. Судьба американской «босоножки» давно стала мифом. Ее программа — ​своеобразный революционный манифест — ​запустила необратимый процесс свободы пластических стилей. Раскрепостила тело — ​«средство выражения ума и духа», объявила «природу — ​источником танца», а музыку — ​основой художественного образа. Сюжет ее жизни пронзителен: безотцовщина, бедное детство, одержимость танцем, страстные любовные романы, гибель детей, брак с русоволосым русским поэтом и последние слова из машины — ​провожающим: «Прощайте, друзья, я отправляюсь к славе!» Через несколько минут шарф, попавший в ось колеса, удавкой впился в шею. Эти витальные моменты — ​в основе спектакля, либретто — ​цитаты из мемуаров самой Айседоры.

Хореограф глубоко погружен в материал, особого уважения заслуживают отсутствие самоповторов и музыкальность танцев: их не перетянул эпатаж личной жизни. Однако скудость движений и лексического языка не позволили фантазии развернуться в полном объеме. Благое намерение оказалось задачей трудновыполнимой. Пластические пасьянсы оказались бессильны передать танец Айседоры, что «столь же неуловим, сколь нематериален, как звук и цвет», его «красоту, простую, как сама природа».

Сценическая подлинность отдельных сцен притягательна, впечатляют костюмы Гали Солодовниковой и видеоинсталляции Ильи Старилова. Вот — ​задумчивая детская вольница: калифорнийский океан и застывшая перед величием стихии фигурка девочки. Не сумев укротить свои эмоции, она помчится вперед, и этот бег похож на полет птицы. Далее спектакль дрейфует в сторону конкретики и рассыпается на отдельные сцены-нарративы. Первый болезненный стресс — ​отец бросает семью на произвол судьбы — ​окрашен в бирюзовые тона: родители, братья, сестра и голубой чемодан, в который крепко вцепились детские пальцы. Он — ​символ скитаний и бездомности — ​появится в спектакле не раз, как и шарф — ​спутник танцев и смерти. То и дело рядом с протагонисткой возникает Терпсихора, величественная и невозмутимая. На фоне античных руин и храмов резвятся нимфы, вакханки, сатиры. Тема не случайна: дух Древней Эллады с гармонией соразмерности, культом ритуалов, экстазом мистерий будил воображение «босоножки». «Клан Дунканов», как называет свою семью Айседора, совершал долгое паломничество в Грецию, где она, 26-летняя, инициировала строительство храма для обучения детей.

Обаятельна зарисовка-пародия на классический балет, в ней хореограф проявил свой юмористический дар: серьезные лица, марионеточные подпрыгивания на пуанты, подчеркнуто бессмысленное мельтешение рук и ног. За всех возлюбленных мятежной артистки, а среди них отцы ее детей — ​режиссер и художник Гордон Крэг и наследник империи швейных машин Парис Зингер, «отвечает» один персонаж, быстро покидающий подмостки, в согласии с реальной фабулой: «Они, может быть, и любили меня, но всегда возвращались к своим женам». Трагические страницы танцевального дайджеста — ​смерть детей и гибель самой героини — ​иллюстрирует выезжающий раритетный Bugatti, образца 1927 года. К финалу первого акта повеяло развесистой клюквой — ​знаменитость собралась в Россию, навстречу новой жизни, на ней — ​пурпурная шубка, высокие валенки, теплый платок. Страну Советов адресовали той доверчивой публике, которая до сих пор верит, что по улицам российских городов бродят медведи. Березки и скворечники, кремлевские башни, Мавзолей и Дворец Советов — ​все красное, даже костюмы чекистов и полотнище, покрывающее подмостки. Звучит прокофьевский бал, американская гостья танцует с Лениным, у него портретный грим: бородка, лысина, прищур. Алексей Любимов создает сочный собирательный образ вождя — ​плакатного и пародийного. То и дело взлетает в указующем жесте его правая рука с отведенным большим пальцем, гостей он встречает поцелуями, как делал это чуть позже один из его адептов. На самом деле нет свидетельств о встречах вождя мирового пролетариата и американской гостьи (известно только, что в Большом театре после исполнения «Славянского марша» Чайковского он кричал «браво!»).

В России иностранке покровительствовали народные комиссары Луначарский, Подвойский, Красин. Айседора бывала в «стране снега и льда» и раньше, ее искусство приняли восторженно. Революционные идеи ее увлекли, в них она увидела надежду человечества, советская утопия ее тревожила. В отличие от создателей «сувенирного» сценического шаржа. На плечи Ленина набрасывают крылья, и получается бесшабашная и безбашенная карикатура — ​ангел, похожий на гигантского богомола или овода. Россия правит бал, где Айседора встречает принца, свою запоздавшую любовь — ​Сергея Есенина. Поэту в отличном исполнении Владимира Дорохина приходится «существовать» в пьяном кабацком угаре среди полуголых собутыльников и навязчивых девиц. Адажио расставания дебошира и его супруги артисты провели тонко и мягко, без яркой патетики. В психологических нюансах Айседоры — ​Натальи Осиповой — ​прощение и прощание, сила злого рока и робкая надежда на будущее. Балерина ювелирно прорисовывает роль, решает титаническую задачу — ​собрать эпизоды, в которых так много примитивного, в единое целое. Создает свою территорию чувств — ​«тот единственный мир, в котором стоит жить, мир воображаемый». Она совмещает слабость и стойкость, очаровательную трогательность и несгибаемую силу духа. Тонкая актерская игра с той редкой задушевностью, которую так ценил в актрисах Чехов, вызвала горячую ответную благодарность зрителей.

===========================================================================
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Ноя 01, 2018 10:23 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
Страница 4 из 6

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика