Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2018-08
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Авг 29, 2018 12:14 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018082901
Тема| Балет, РАМТ, 18-е Летние балетные сезоны
Автор| Савватеева Наталья
Заголовок| Сотри случайные черты
Где опубликовано| © «Литературная газета» № 35 (6656)
Дата публикации| 2018-08-29
Ссылка| http://www.lgz.ru/article/-35-6656-29-08-2018/sotri-sluchaynye-cherty/
Аннотация|

Вчера в столице с огромным успехом завершились 18-е Летние балетные сезоны. На сцену РАМТа вышли три московских коллектива, которые обычно гастролируют в России и за рубежом, а нынче порадовали публику Москвы своими роскошными классическими балетами.



Сезоны по традиции открылись спектаклем «Лебединое озеро» в исполнении Национального классического балета под руководством Анны Нехлюдовой. Созданный в 2010 году, он впервые показал в Сезонах своё искусство. Шесть его постановок совпали в названиях с двумя другими коллективами, но был ещё и сюрприз – «Баядерка» Людвига Минкуса, которая первый раз прозвучала в проекте, поразив публику великолепными костюмами и декорациями вкупе с мастерством танцовщиков. «Это и ответственность, и возможность в родном городе показать себя, получить оценку родных и друзей, – признаётся Анна Нехлюдова. – И конечно, экзамен, который мы сдали. Хотя я всегда найду, к чему у себя придраться».

Театр балета Арт-Да, родившийся 13 лет назад, выступает в Сезонах второй раз. «Сцена РАМТа для меня уже родная, – говорит худрук театра Валентин Грищенко. – Ведь я начинал, приехав из Красноярска в Москву, у Смирнова-Голованова, и мы много здесь выступали. В плане хореографии, постановок, работы это, пожалуй, лучшее в моей жизни». Третий коллектив – Театр «Смирнов балет» под руководством Людмилы Нерубащенко – в этом году отмечает своё тридцатилетие. Создан он Виктором Смирновым-Головановым, выдающимся мастером сцены, солистом и балетмейстером Большого театра. Тот, кто хоть раз видел его спектакли, не может их забыть. В «Лебедином озере» как будто всё идёт, как поставил Петипа, – отточенные движения, классические па. Но вдруг Одиллия появляется на балу в чёрно-белой пачке, принц Зигфрид, осознав коварство Ротбарта, прощается с матерью, та падает без чувств, а герои бросаются в озеро, приняв смерть как избавление от зла. На сцене «Ромео и Джульетты» в эксклюзивной постановке Смирнова-
Голованова два клана – Монтекки и Капулетти, в центре – их юные отпрыски, но родители скрещивают мечи. И ты понимаешь, как это мощно и современно, вовсе не про принцев, а про нашу жизнь с её сегодняшними ритмами и страстями.

– К современной хореографии интерес не потерян, – уверена основатель и художественный руководитель проекта Алла Немодрук, – но люди всегда возвращаются к классике, потому что она нетленна. «Спящая красавица» при Людовике XIV – тягомотина на четыре часа, созданная для господ, чтобы им не было скучно за обедом. Если сравнить танец блистательной Улановой и сегодняшних прима-балерин, это два разных танца. Сейчас другая техника и эмоции, балеты сжаты и энергетически насыщенны. Так что классика идёт вперёд.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Авг 29, 2018 12:18 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018082902
Тема| Балет, Премия "Бенуа де ла Данс-Позитано"
Автор| корр.
Заголовок| Премию "Бенуа де ла Данс-Позитано" присудили Владиславу Лантратову из Большого театра
Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2018-08-28
Ссылка| http://tass.ru/kultura/5500152
Аннотация|

Также балериной года оргкомитет премии "Позитано" признал приму Большого театра Марию Александрову

Российско-итальянская балетная премия "Бенуа де ла Данс-Позитано" присуждена Владиславу Лантратову из Большого театра. Об этом, как передает портал Teatrionline, объявили во вторник организаторы премии "Позитано" имени Леонида Мясина (1896-1979), самой старой в мире награды в области танцевального искусства.

Премии "Позитано" и специальный приз "Позитано-Бенуа" будут вручены 1 сентября в одноименном городе на Амальфитанском побережье в южной итальянской области Кампания близ Неаполя. Совместный российско-итальянский приз вручается с 2015 года оргкомитетами премии "Позитано" и российской балетной премии "Бенуа де ла Данс".

Премия "Позитано" имени Леонида Мясина за жизнь в искусстве будет вручена в этом году французской балерине и хореографу Брижит Лефевр, которая в 1995-2014 годы была художественным руководителем балетной труппы Парижской национальной оперы. Та же награда за преподавание танца присуждена российско-швейцарскому балетному педагогу Азарию Плисецкому, брату прославленной примы Большого театра Майи Плисецкой (1925-2015).

Балериной года оргкомитет премии "Позитано" признал приму Большого театра Марию Александрову. Награду в категории "танцовщик года" получат два артиста - итальянец Федерико Бонелли, премьер балетной труппы лондонского Королевского театра Covent Garden, и аргентинец Эрман Корнехо из нью-йоркского Американского балетного театра.


Позитано - курортный город на побережье Тирренского моря, имеет тесную связь с русским балетом. Леонид Мясин, русский танцовщик и хореограф, прославившийся в "Русских сезонах" Сергея Дягилева (1872-1929), открыл в Позитано балетную студию. В этом городе бывали многие знаменитости из балетного сообщества, в числе которых Рудольф Нуреев (1938-1993) и Вацлав Нижинский (1889-1950).

Балетный приз "Позитано" имеет самую долгую историю среди существующих международных балетных наград - он был учрежден 2 августа 1969 года арт-критиком Альберто Теста (1927-2009), а в 1979 году после смерти Леонида Мясина приз стал носить его имя. Премия, присуждаемая за заслуги перед искусством, является одной из самых престижных наград в танцевальном мире.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3701

СообщениеДобавлено: Ср Авг 29, 2018 12:35 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018082903
Тема| Балет, Танец, фестиваль современного танца Open look, Персоналии, Ольга Пона, Анна Гарафеева, Ксения Михеева, Нурбек Батулла, Туфан Имамутдинов, Марсель Нуриев, Жером Мейер, Изабель Шаффо, Ан Сынсу, Ноа Вертхайм, Дариуш Новак, Дор Мамалии, Вадим Каспаров, Наталья Каспарова
Автор| Анна Гордеева
Заголовок| ВЗГЛЯД ОТКРЫТ, ВСЕ СИСТЕМЫ РАБОТАЮТ НОРМАЛЬНО
Международный фестиваль современного танца Open look прошел в Петербурге в двадцатый раз

Где опубликовано| © Петербурский театральный журнал
Дата публикации| 2018-08-26
Ссылка| http://ptj.spb.ru/blog/vzglyad-otkryt-vse-sistemy-rabotayut-normalno/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


«Камилла». Хореограф А. Гарафеева.
Фото — В. Луповской


Из привычного июля в отпускной август Open look вытолкал футбольный чемпионат; соревноваться с искусством ножного мяча за внимание горожан и властей было бы чистым безумием, причем безумием разорительным — припомните цены на гостиницы, взлетевшие как никогда (а приехавшие компании, понятное дело, надо где-то размещать). Но публика, верная современному танцу, спокойно пережила изменения в летних планах — залы на фестивале заполнялись под завязку. Разве что в масштабном ТЮЗе, где выступали корейские гастролеры, можно было найти свободную ступеньку, чтобы присесть, — Новая же сцена Александринского театра, ставшая центром фестиваля, набивалась народом, как электричка в час пик. Что естественно: Open look который год становится главным событием в современном танце Петербурга и одним из важнейших в стране.
Программа феста, как всегда, была собрана из лучших российских и зарубежных спектаклей. И начало и финал Open look были нетривиальными — первыми выступали юные брусникинцы со спектаклем «Лес» (их представление мог бесплатно увидеть любой желающий на площади перед ТЮЗом), последними — Инженерный театр АХЕ в Музее стрит-арта (также на открытом воздухе, сыграли «Заполнение пробелов»). Юные артисты из «Мастерской Дмитрия Брусникина» приехали как живое воплощение траура — за два дня до того неожиданно, от сердечного приступа умер их мэтр и основатель студии. От первой фразы-заплачки в спектакле, поставленном Дмитрием Мелкиным, вздрогнули все собравшиеся — так горько и определенно начала звучать старая русская песня «Закатилось красно солнце за темные леса». На бетонных плитах перед театром босые артисты в холщовых рубахах обращались к древности, старались сбросить с плеч прыгающий на них злобный век, обозначить в физическом действии единство человека с миром — с общиной. Трогательнейший спектакль, воможный лишь в студенческие времена, когда все еще вместе, и эта общность во всем не раздражает, а, наоборот, поддерживает. Когда все впервые — и кажется вечным: и объятия, и песни. «Лес» этот не имеет отношения к пьесе про Счастливцева и Несчастливцева, но некий дух Островского в нем все же витает: глядя на простейшие и искреннейшие дуэты персонажей, вспоминаешь берендеев из «Снегурочки», народ, у которого до времени не было соперничества. И петербургские зрители обнимали своим вниманием артистов, поддерживали каждым взглядом. И кто-то принес и развернул плакат «Питер с вами».

АХЕ, закрывавшие программу Open look, утащили публику на индустриальную окраину — в Музей стрит-арта. На большой площади перед зданием музея они поставили в два этажа шесть морских контейнеров. Герои спектакля обитали в этих «квартирах»: какой-то мечтательный джентльмен читал книжку, дама в изящном платье отрабатывала в воздухе боксерские удары, дружная парочка то и дело вдумчиво пересекала мелкий бассейн, установленный в их контейнере. В одной из комнат был явный сеновал, в другой — плескались в синем свете какие-то ленты, сильно напоминающие морские водоросли. Герои бились о стены, висели вниз головой и превращали бодрую песенку «Я люблю буги-вуги» в реквием своей молодости. Ближе к финалу стало понятно, зачем надо было показывать спектакль так далеко от человеческого жилья: на площадке был устроен большой костер, в котором к сену и деревяшкам, судя по запаху, добавились пластик и тряпки. Герои сжигали свое прошлое — а зрители пытались выжить в настоящем, стараясь найти кусочек воздуха в дыму. Занятное получилось смысловое кольцо фестиваля: от юношеского искреннего траура, не нуждающегося в трюковых подпорках, до мрачного трепа старшего поколения, в котором живое чувство заменено кунштюками.
Меж тем, никогда прежде фестиваль не обозначал конфликта поколений. Российский современный танец, которому около сорока лет (думаю, будет правильным отсчитывать его историю с работ Гедрюса Мацкявичюса), естественно, уже имеет своих ветеранов (и, увы, собственный поминальный список). Но работы «священных монстров» обычно мирно соседствуют на фесте с работами 20-летних — просто потому, что «монстрам» свойственно развиваться, меняться, впитывать новое время. Так происходит с Ольгой Пона, чья челябинская труппа привезла на фестиваль спектакль «Картон», — в ее сегодняшнем сочинении, сделанном вместе с артистами театра, бытовые картинки родной страны (всегда бывшие фирменным знаком Пона) сплавлены с опытом европейских техник современного танца и превращены в притчу, не привязанную к каким-либо точкам на карте.

Пожалуй, уже к «ветеранам» (но следующего поколения) можно отнести и москвичку Анну Гарафееву — она начинала в 90-е (в Ярославле, у Александра Гиршона). Все это время она последовательно работала, соединяя в своей практике полученное в институте психологическое образование и знания, приобретенные на практике танца буто у Мина Танаки в «Школе драматического искусства». Ее работа в казанском ТЮЗе «Из глубины» была в 2017 году номинирована на «Золотую Маску». Но «Камилла», сделанная ею в конце прошлого сезона (премьера была на пермском Дягилевском фестивале) стала совершенно определенно новым этапом работы Гарафеевой, новым ее взлетом.
Хотя говорить «взлет» про «Камиллу» — значит почти каламбурить. В спектакле нет никаких полетов — ни физических, ни душевных. Нам предъявлена Камилла Клодель в уже разрушающемся, трагически болезненном состоянии. В течение часа Гарафеева корчится в мелких барханах белого песка (возникшего из высыпанных на пол библиотеки имени Маяковского, где шел спектакль, многих килограммов манной крупы), вздрагивает, вздергивает себя вверх, бредет, снова падает. При этом каждая судорожная поза выразительна буквально до ужаса, так, что холод идет по спине. Понятно, что это не какая-либо конкретная «сцена из биографии», а путешествие Камиллы по ее душевному миру. Где валяются куски мрамора как следы бывшей работы, и где слышатся удары молотка по камню — где-то там, во внешнем мире, работает ее возлюбленный Огюст Роден. Композитор Алексей Ретинский, в сотрудничестве с которым была выстроена работа, создал мрачную звуковую среду — ему теперь надо предложить сотворить музыку для дантовского «Ада», он бы справился.
Камилла полуобнажена — и подразумевается, что она обнажена совсем, до того, что кожа сдернута. Абсолютная беззащитность, абсолютное страдание, при этом никак не заканчивающееся. У спектакля два ложных финала (когда героиня падает и, кажется, больше не встанет) — и они сперва воспринимаются как недоработки хореографа. А потом понимаешь, что так и задумано: ускользает облегчение от близости смерти, от конца страдания, и возникает необходимость снова брести и падать. Очень эффектен финал — Камилла медленно и упорно расчищает пол от манного песка вокруг себя, обозначает, утверждает свою территорию (в искусстве). Спектакль придуман так, что танцовщица должна продолжать работу до ухода последнего зрителя — а зрители не сразу это понимают и пытаются ждать финала с поклонами, которых не будет. Героиня уже в вечности, а в вечности кому нужны аплодисменты?
Наиболее яркими работами нового поколения хореографов на Open look можно назвать два сочинения Ксении Михеевой — «Гроза» и «В ожидании Годо», сделанные в петербургском «Каннон Данс», и «Зов начала», спектакль, поставленный Туфаном Имамутдиновым и Марселем Нуриевым в казанском объединении «Алиф».
И «Гроза», и «В ожидании Годо» в первый раз были показаны в прошлом декабре, на юбилее «Каннон Данс». «Гроза» сразу же ярко заявила о себе, а «Годо», видимо, нужно было созреть, настояться, как настаиваются вина и яды. «Гроза» — вариация на тему пьесы Островского, одновременно поэтическая и саркастически-жесткая. На сцене всего пять человек — три жителя города Калинова, Катерина и (вероятно) местный черт. Купцы важно прорезают маленькую сцену, выпячивая животы, вытесняя воздух из пространства. Катерина мечется, трепещет, заглядывает им в глаза (может, есть что живое?). И некое вертлявое существо, демон уездного значения без рогов и копыт, радостно скалится, подначивает и наблюдает с азартом провокатора. Михеевская «Гроза» утверждает возможность рассказывания в контемпорари любой истории — даже самой наиклассической, если хореограф чувствует дух текста.
Во второй одноактовке — моноспектакле, поставленном на Валерию Каспарову, «В ожидании Годо» — хореограф отправляется еще дальше по пути эксперимента с текстом. Во-первых, постановщицу, кажется, вдохновляли японские истории о призраках — кайдан: таким многоликим демоном предстает в спектакле танцовщица, произносящая подряд реплики разных персонажей и мгновенно меняющаяся вместе с ними. Во-вторых, на память приходит рассказ Брэдбери «Уснувший в Армагеддоне» (вряд ли знакомый Михеевой — Брэдбери, насколько мне известно, не входит в обычный круг чтения нового поколения). В любом случае, этот эффект изменения голоса, нашептывания, пугающей смены масок очевидно важен для хореографа — и тут «В ожидании Годо» перекликается с «Грозой», мы вспоминаем приволжского черта. Глобально Михееву интересуют природа и сила зла, при этом в ней нет ни капли болезненной увлеченности этим злом, она смотрит на мир твердо и трезво.

Если сочинениям Михеевой еще предстоит быть выдвинутыми или не выдвинутыми на «Золотую Маску» (когорта экспертного совета, как уже стало привычным, приезжала на Open look), то «Зов начала» свою «Золотую Маску» этой весной уже получил. В номинации «Лучшая мужская роль» был награжден танцовщик Нурбек Батулла. Он — главный двигатель представления, хотя моноспектаклем «Зов начала» не назовешь: рядом с танцовщиком на сцене музыканты и певцы, в этом «Зове» всегда живая музыка (композитор Эльмир Низамов). Спектакль посвящен одной из культурных трагедий татарского народа — запрету традиционной арабской письменности. В 1927 году язык был директивно переведен на латиницу, а в 1939-м — на кириллицу; уничтожались оттенки выражения звуков. В спектакле Имамутдинова и Нуриева танцовщик в танце возрождает арабскую вязь. Это не копирование букв, но пластический образ их — и глаз отмечает то совсем простенькие жесты (есть же буквы, элементарные в написании), то чрезвычайно насыщенные движениями комбинации. «Зов начала» — гимн родному языку, воплощенный отлично выученным танцовщиком.
Иностранные гости Open look также были весьма интересны и невероятно разнообразны. Обитающие в Нидерландах Жером Мейер и Изабель Шаффо в спектакле «Душа № 2. Исполнители» с трогательной наивностью разбирались с тем, трудно ли быть артистом — и артистом-блондинкой в особенности. Вопрос обсуждался в диалогах с комической серьезностью. В начале и в конце спектакля они приглашали на сцену всех желающих — вероятно, чтобы народ попробовал артистическую участь на опыте, — и спектакль плавно переходил в необязательную тусовку. А вот когда танцевали корейцы (Национальная компания современного танца из Сеула) и израильтяне (компания Vertigo), никому в голову не могло прийти сделать три шага и пересечь линию рампы. Настолько было явлено выверенное высокое мастерство — и в спектакле «Рассуждения о „Весне священной“. Образ розы», что поставил Ан Сынсу, и в «Рождении Феникса», что сотворила Ноа Вертхайм.
И пусть первая компания отчетливо выясняет отношения с классическим и с корейским национальным танцами, обозначая их единство и конфликт в каждом творческом человеке (ноги встают, как у «классиков», руки вьются и опадают), а вторая принадлежит к славной и самодостаточной израильской традиции контемпорари (в наборе — яростный темперамент, эффектные броски и удивительное чувство гармонии на сцене, несмотря на пламенный текст), — оба спектакля стали важными событиями современного танца. Те фанаты контемпорари, что в потоке фестиваля (15 спектаклей за пять дней!) не пропустили Teacher’s gala (выступления педагогов, во время фестиваля дававших мастер-классы), не забудут еще дуэт танцовщиков Дариуша Новака (из Польши) и Дора Мамалии (из Израиля) — их танцдиалог «Внутри меня, видишь» стал настоящим уроком не только качественного движения, но и выстраивания композиции и грамотного просчитывания реакции зрителей.
Под конец фестиваля весь танцующий народ побратался, директор Open look Вадим Каспаров и худрук феста Наталья Каспарова выглядели так, будто лично станцевали все спектакли (а до того смонтировали декорации и вымыли полы), а волонтеры, и работавшие на фесте, и смотревшие все постановки, ходили с отрешенно-счастливыми лицами. Невероятный интенсив закончился. До следующего — уже меньше года.

===========
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Авг 29, 2018 9:45 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018082904
Тема| Балет, Фестиваль российского искусства, (Канны), Московский академический детский музыкальный театр имени Наталии Сац, Персоналии, Андрис Лиепа, Кирилл Симонов
Автор| корр.
Заголовок| Фестиваль российского искусства в Каннах завершился балетом в честь "Русских сезонов"
Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2018-08-28
Ссылка| http://tass.ru/kultura/5496229
Аннотация|

На главной сцене Дворца фестивалей и конгрессов были показаны балеты "Шахерезада" , "Шопениана" и "Половецкие пляски"



КАННЫ /Франция/, 28 августа. /ТАСС/. Фестиваль российского искусства, который в 21-й раз проходил в Каннах, завершился в понедельник выступлением балетной труппы Московского академического детского музыкального театра имени Наталии Сац.

На главной сцене Дворца фестивалей и конгрессов были показаны восстановленные балеты из репертуара дягилевских "Русских сезонов" - "Шахерезада" на музыку Николая Римского-Корсакова, "Шопениана" на музыку Фредерика Шопена и "Половецкие пляски" на музыку Александра Бородина, передает корреспондент ТАСС.

"В качестве финального аккорда неслучайно были выбраны балеты из наследия дягилевских "Русских сезонов, прославившие русский балет за рубежом", - сказал ТАСС перед началом концерта режиссер возобновления спектаклей, народный артист РФ Андрис Лиепа. По его словам, он давно занимается пропагандой "Русских сезонов" и даже возглавил фонд под названием "Русские сезоны XXI века".

"Семь лет назад мы привозили в Канны большую программу, составленную из спектаклей "Русских сезонов", затем устраивали на Лазурном берегу "Дягилев-гала", - рассказал Лиепа. - Сейчас приехали с Театром Сац, привезли три балета в постановке Михаила Фокина, которые мы возобновили вместе с главным хореографом Театра Сац Кириллом Симоновым".

"Декорации и костюмы также восстановлены по первозданным эскизам Леона Бакста, Александра Бенуа и Николая Рериха", - отметил хореограф.

"Я рад и счастлив, что для представления дягилевского проекта предоставлен главный зал каннского Дворца фестивалей, вмещающий 2,5 тыс. зрителей. Это значит, что огромная аудитория жителей и гостей Лазурного побережья увидит эти бесспорные хореографические шедевры", - сказал Лиепа.

Церемония закрытия
Зал, рассчитанный на 2,5 тыс. мест, был полон. Однако прежде чем поднялся занавес, повторяющий тот, что использовался во времена "Русских сезонов", на сцену вышли организаторы фестиваля.

"В Каннах очень высоко ценят искусство, - сказал, обращаясь к заполненному залу, вице-мэр города Франк Шикли. "Фестиваль, продолжавшийся пять дней, завершается самым благородным искусством - балетом", - продолжил заместитель градоначальника.

Примечательным назвал он такой факт: именно с этих трех балетов - "Шахерезады", "Шопенианы" и "Половецких плясок" - началась в 1909 году деятельность "Русских сезонов" во Франции. "С этих постановок Михаила Фокина началось знакомство французов с русским балетом", - подчеркнул вице- мэр. Он отметил огромную роль Фестиваля российского искусства, проходящего в Каннах с 1998 года, в укреплении связей между Францией и Россией.

Затем выступила генеральный продюсер фестиваля Татьяна Шумова. "Я счастлива без меры, благодарна за ваше внимание, за любовь, за полные залы, - сказала она. - За 21 год существования фестиваля я стала моложе и энергичнее, хочется сделать такое, о чем вы даже не подозреваете и не можете мечтать. Поэтому наша команда уже готовит новый фестиваль, который пройдет в Каннах в 2019 году".

Аншлаг

Когда аплодисменты стихли, Татьяна Шумова в беседе с ТАСС подвела предварительные итоги нынешнего фестиваля и поделилась планами на следующий год.

"Мы очень довольны, - призналась генеральный продюсер. - Для проведения смотра нам были предоставлены залы Дворца фестивалей вместимостью от 500 до 2,5 тыс. зрителей. И на протяжении всех пяти фестивальных дней они были полны". "Нам сопутствовал тотальный аншлаг", - сказала Шумова.

Она напомнила, что открылся фестиваль 2018 года концертом Государственного ансамбля песни и танца Республики Татарстан. На следующий день состоялся традиционный гала-концерт "Русская ночь", в рамках которого прошла церемония награждения почетным знаком "За выдающийся вклад в укрепление культурных связей между Россией и Францией", его получила известная французская актриса, продюсер и писатель Маша Мериль (Мария Владимировна Гагарина).

Затем были кинопоказы новых российских фильмов. Завершился фестиваль двумя вечерами балета. Первый был посвящен 200-летию со дня рождения "самого русского из всех французских балетмейстеров" Мариуса Петипа. Программу второго балетного вечера составили спектакли из репертуара дягилевских "Русских сезонов".

Организаторами проекта 2018 года стали Министерство культуры РФ, МИД России, Центр кинофестивалей и международных программ, Республика Татарстан, а с французской стороны - мэрия города Канны и Дворец фестивалей и конгрессов.

Фестиваль 2019 года

"Мы идем вперед, готовим программу 2019 года, - сказала Шумова. - Попытаемся ввести новые формы музыкальных концертов, которые могут заинтересовать молодежную аудиторию, если конкретно, то попытаемся познакомить французскую молодежь с русским роком".

"Традиции, разумеется, тоже сохраним, - заверила Шумова. - Обязательно будет фольклорная программа, и балетный вечер тоже. В наших планах - воздать должное выдающемуся танцовщику Рудольфу Нурееву. Хотим представить спектакль Уфимского театра оперы и балета, носящего имя Нуреева"

Генеральный продюсер проинформировала о том, что фестиваль в Каннах "продолжит знакомить жителей и гостей Лазурного побережья Франции с искусством регионов России". "В этом году был Татарстан, в следующем году будет Ингушетия", - сообщила Шумова.

"И еще одна важная задумка, - добавила она, - планируем отметить 100-летие ВГИКа, которое как раз приходится на следующий год, покажем фильмы знаменитых выпускников этой киноакадемии, а также работы тех, кто только начинает свой путь в искусстве".

"Что касается сроков проведения фестиваля, то они остаются неизменными: 23-27 августа, так будет и в 2019 году", - заключила генпродюсер Фестиваля российского искусства в Каннах.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Авг 29, 2018 3:12 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018082905
Тема| Балет, Екатеринбургский театр оперы и балета, Персоналии, Вячеслав Самодуров
Автор| Богдан КОРОЛЕК
Заголовок| Вячеслав Самодуров: «Екатеринбургский балет — это атомный реактор»
Где опубликовано| © «МУЗЫКАЛЬНОЕ ОБОЗРЕНИЕ»
Дата публикации| 2018-08-27
Ссылка| http://muzobozrenie.ru/vyacheslav-samodurov-ekaterinburgskij-balet-e-to-atomny-j-reaktor/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Вячеслав Самодуров. Фото Елена Лехова / Урал Опера Балет

После долгого перерыва на страницах «МО» вновь появляется имя Вячеслава Самодурова, одного из ведущих российских академических хореографов и руководителя балетной труппы в Екатеринбурге. Какие премьеры труппа готовит в новом сезоне, для чего одному театру несколько действующих хореографов и зачем Екатеринбургскому оперному понадобилась смена фирменного стиля — в большом интервью Самодурова.

«Пытаясь всерьез пересказать сюжет, балет разменивается на мелочи».

Б. К. Екатеринбургский балет готовит в наступающем сезоне сразу четыре премьеры. Три премьерных названия для отечественной сцены в новинку. Чем продиктован такой выбор — какова миссия каждого из этих спектаклей?

В. С. Нужно описать ход генерального сражения до начала самого сражения? У всех спектаклей есть одна общая миссия: сделать театр интереснее для публики и для артистов, работающих в нем. Для меня репертуар театра подобен коллекции артефактов в галерее искусств. Мы уже несколько лет работаем над созданием такой коллекции для жителей Екатеринбурга и Урала.

В сезоне пройдут две мировые премьеры: «Приказ короля» ставлю я, название «Новобрачные на Эйфелевой башне» выбрал Антон Пимонов. «Вальпургиева ночь» — наш первый опыт соприкосновения с хореографией Джорджа Баланчина, повторение азов профессии, что будет очень полезно для труппы и приятно для зрителя: это очень красивый балет, и в России его еще не исполняли. «Дон Кихот» в постановке Юрия Бурлака с каноническим оформлением Головина и Коровина вернет нас к чистой классике, которая всегда актуальна.



Б. К. Из четырех спектаклей один создается с чистого листа — «Приказ короля». Вслед за недавней премьерой «Пахиты», премьера посвящена юбилею Мариуса Петипа. Однако «Пахита» опирается на оригинальные сценарий и музыку спектакля Петипа, а какое отношение к хореографу-юбиляру имеет новый балет?

В. С. Большая часть аудитории жаждет продолжительных зрелищ с фабулой — наподобие «Баядерки» или «Спящей красавицы» Петипа. И это стимулирует появление все новых сюжетных спектаклей, но в отличие от балетов XIX века, эти спектакли фокусируются на рассказывании истории. Меня не покидает ощущение, что балет обманывает сам себя, пытаясь всерьез пересказывать какой-нибудь роман. Такие балеты гораздо проще для восприятия, но они оттесняют сам танец и его возможности из центра зрительского внимания.

Все-таки цель феерий Петипа была иная — не рассказать историю, а развернуть танцевальную структуру, которая состоит из множества разных, но идеально уравновешенных компонентов. Мы поставили эксперимент: как сегодня могла бы выглядеть феерия в духе Петипа. Занялись сборкой блоков, из которых состояли большие спектакли конца XIX века, но исходя из современных представлений о балетном зрелище.

Б. К. Для «Приказа короля» была заказана новая партитура, ее написал петербургский композитор Анатолий Королёв. Не проще ли было сделать компиляцию из существующих произведений или обработать старинную музыку, как это сделано в екатеринбургской «Пахите»? Тем более, клавир «Приказа короля» 1886 года сохранился.

В. С. Во-первых, не хотелось слишком глубоко зарываться в культурный слой, а во-вторых, «Приказ короля» не помесь бульдога с лабрадором, а самостоятельный продукт. Балет «Пахита» был про цыганку по имени Пахита, «Приказ короля» — свободная фантазия по мотивам нескольких забытых либретто Петипа. И нам просто очень нравится заказывать композиторам новые балеты.

Б. К. В новом сезоне вам вновь предстоит работа с новой музыкой: для постановки в Большом вы заказали партитуру Юрию Красавину. В кулуарах уже пошли толки о нескромности: что означает название «Красавин — Самодуров» и останется ли оно на премьерной афише?

В. С. Пока не могу сказать.

«Артисты любят танцевать и ставить — значит, у нас настоящая балетная труппа»

Б. К.
С прошлой осени в театре работают два штатных хореографа — вы и ваш заместитель Антон Пимонов, перешедший в екатеринбургскую команду из Мариинского театра. Кроме того, внутри труппы появилось несколько хореографов. Не тесно ли вместе на такой маленькой территории?

В. С. Артист должен быть пластичен, и я не имею в виду тело, а говорю о способе мыслить. Такая концентрация хореографов в отдельно взятом театре плавит даже самые твердые субстанции и создает универсальных артистов — мобильных, инициативных, легко адаптирующихся к любым перепадам температур. Интенсивные перепады нужны и самим хореографам.

Для меня было счастьем и большим стимулом, когда Антон присоединился к нашей команде. Он отличный профессионал, в нем я нашел человека, с которым всегда могу держать совет, он привнес в театр новую энергию. В прошлом сезоне я предложил Антону поставить спектакль для мужского состава: после женской «Пахиты» требовался питательный материал для мужчин — хотя я знаю, что сделать работу для одних парней чудовищно сложно. Антон поставил удивительный балет «Любовные песни», который очень любят артисты, и мне очень интересно, что он придумает для «Новобрачных на Эйфелевой башне».

Кроме того, в труппе дебютировал Игорь Булыцын: он несколько раз пробовал силы на «Dance-платформе» (проект по поддержке молодых хореографов, реализуемый театром совместно с фондом «Евразия балет» с 2012 года — Б. К.), а в прошлом году поставил первый балет на музыку Сальери — и это был отличный дебют. Он тоже получит продолжение.

Б. К. Кстати, «Dance-платформа» не была заявлена среди планов на новый сезон. Проект имел успех. Будет ли он возобновлен?

В. С. Обязательно! Мы постараемся встроить проект в наш сумасшедший график. По факту, в недрах театра проект никогда и не останавливался. Иногда он, как магма, поднимается ближе к поверхности, иногда прячется на глубине. На «Dance-платформе» сформировалась одна из краеугольных идей, питающая эту труппу сегодня — создание нового.

Б. К. Нет ли ощущения, что в предыдущие годы человеческий ресурс уже был исчерпан, и новых имен вы попросту не откроете?

В. С. Откуда столько необоснованного пессимизма?

Б. К. В 2018 году функцию «Dance-платформы» взял на себя Fashion gala, которым вы закрыли предыдущий сезон: там выступили с премьерами сразу шесть хореографов театра. Гала почти не был освещен прессой. Что это за проект и повторится ли он в будущем?

В. С. Это было два вечера, когда артисты могли сами выбирать программу, будь то классика или постановки новых хореографов. И наоборот: хореографы труппы выбирали артистов. И всех исполнителей мы одели в костюмы молодых екатеринбургских дизайнеров — многие наряды были созданы специально для гала-концертов. То, что задумывалось как наши домашние радости, оказалось важным манифестом труппы по поводу самой себя.

Артисты любят танцевать и ставить — значит, у нас настоящая балетная труппа. Предыдущий сезон был кровавым: мы выпустили три премьеры, съездили на гастроли в Таиланд, затем на «Золотую маску» в Москву и фестиваль DANCE OPEN в Петербург. В конце сезона оказалось, что желание ребят танцевать и ставить превосходит усталость. Наградой были полные залы, что совсем не типично для июльского Екатеринбурга. Я еще раз убедился, что наша труппа — это атомный реактор.


Мария Михева и Михаил Хушутин. Fashion gala Урал Балета. 6 июля 2018. Фото Ольга Керелюк / Урал Опера Балет

«Вопрос в том, что мы понимаем под академизмом. Жаль, если наличие в театре позолоты»

Б. К.
Театр только что объявил о ребрендинге: теперь вы руководите не балетной труппой Екатеринбургского государственного академического театра оперы и балета, а Урал Балетом. Вы были одним из инициаторов этой перемены. Зачем театру понадобилось новое имя Урал Опера Балет — и что поменяется, кроме названия?

В. С. В нашем случае ребрендинг не причина, а следствие изменений, произошедших внутри театра. Думаю, те, кто регулярно ходит к нам и видит новые постановки, замечают, как в последние сезоны растет уровень труппы, как трансформируются наши идеи и выбор названий, отношение к сценическому дизайну, подход к интеллектуальному сопровождению премьер и так далее. Я рад, что под руководством Андрея Шишкина в театре сложилась команда, готовая пробовать новое.

Прежний логотип прослужил нам десять лет, и сейчас он перестал отражать процессы, что происходят в театре. Встречают по одежке, но никто не носит одно платье десять лет подряд.

Б. К. Вот главные претензии зрителей к новому фирменному стилю: у театра отняли звание «академический» и «от академизма скоро останется одна позолота»; театр потерял имперскую стать; название «Урал Опера Балет» нелепое и неверное — произносить неудобно, да и вы на Урале не одни. Судя по комментариям в соцсетях и на новостных сайтах, многих задели ваши слова о том, что театр есть завод; этот эффект усилил псевдоконструктивистский шрифт нового логотипа. Есть ли противоречие между академизмом и тем, что вы обозначили как «театр-завод»?

В. С. Вопрос в том, что мы понимаем под академизмом. Жаль, если наличие позолоты.

В России около сотни академических театров. Значит ли это, что у нас столько возделанных пространств чистого академизма? Они каждый год выпускают по несколько новых спектаклей — чем это отличается от промышленности? Когда я говорил о театре-заводе, имел в виду тот колоссальный объем труда, который ежедневно затрачивается большим количеством людей для создания художественного продукта, — а также то, что от зрителя в театре требуется встречное усилие и труд. Есть определенный сегмент публики, которая относится к театру и репертуару потребительски, видит в нем оказание развлекательных услуг. Такая публика часто радеет за сохранение первозданной классики и академизма, но чаще всего имеет о них довольно смутное представление.

Слово «академический» теряет ясность. Что это — гарантия образцовой работы в сохранении старого и создании нового? Кто такую гарантию может выдать? Театр может быть государственным, королевским, областным, но академическим… Это вообще специфически советское изобретение: звание «академический» когда-то придумали для шести конкретных театров в Москве и Петрограде, чтобы оградить их от нападок новой власти, а потом уже стали присваивать по инерции.

Б. К. Можно вспомнить, как Олег Табаков в 2004 году изъял слово «академический» из названия чеховского МХТ: «А по смыслу я и не понимаю, что значит академический театр. В смысле — мертвый? В смысле — неприкасаемый?»

В. С. Мы не изымали это слово из имени театра, во всех документах он останется Екатеринбургским, государственным и академическим. Но на афишах он будет именоваться более емко.

Под словом «академический» часто понимают пьедестал, на котором театр должен возвышаться над смертными и внушать им любовь к шедеврам и классике. Ушло время такой коммуникации, театр больше не может разговаривать со своим зрителем свысока, назидать и поучать. Если мы хотим осмысленных взглядов в зрительном зале и омоложения аудитории, с ней нужно общаться напрямую и на равных — делать открытые лекции и обсуждения, печатать написанные человеческим языком программки и буклеты, где не будут без конца повторяться слова «великий» и «шедевр», делать привлекательные и понятные современному глазу афиши.

Б. К. На афишах теперь не будет «имперского стиля»?

В. С. Вензеля и красный цвет на афише не есть признак имперского стиля. Для имперского стиля нужна империя. Дизайн наших прежних афиш и сайта когда-то был заимствован у Большого театра и он морально устарел. Всегда хочется быть Большим театром или Ла Скала, но мы живем в Екатеринбурге, а не в Москве и не в Милане. Здесь театр никогда не носил статус императорского и царской ложи в нем нет — его строили горожане за свой счет и для себя, хотя в городе в то время не было канализации. Это всегда была демократическая институция, которая не претендовала на столичную роскошь. И пресловутая позолота появилась в зрительном зале только в 1980-е. Хочется, чтобы зритель ходил к нам не только посмотреть на золоченые ложи и люстру.

Б. К. Откуда взялось новое название «Урал Опера Балет»?

В. С. Сайт театра уже десять лет называется uralopera.ru. Традиция, по которой слово «Урал» носят заведения именно в Свердловске-Екатеринбурге, существует гораздо дольше. Уральская консерватория находится здесь, хотя есть еще консерватория в Магнитогорске. Уральский федеральный университет, Уралмаш, Уралтрансмаш, можно продолжать.

Время уходит быстрее, чем произносится официальное название нашего театра. Люди стали мыслить окружающий мир как ленту новостей: есть две секунды, чтобы представиться и привлечь внимание, не успел — тебя пролистали. У театра нет устоявшегося в обиходе названия, поэтому в рецензиях нас называли то Екатеринбургской оперой, то Уральской оперой. «Екатеринбург» имеет разное написание латиницей и плохо произносится по-английски, на русском «Екатеринбургский театр оперы и балета» просто очень длинно. К старому названию сайта мы добавили слово «балет», чтобы зритель не подумал, что балетную труппу разогнали. Аббревиатура в этом случае не предусмотрена.

Б. К. Протестующие против смены имиджа грозятся начать ходить в театр без сменки и в рваных…

В. С. Вопрос, в чем ходить в наш театр после ребрендинга, рваных джинсах, вечерних платьях или скафандре, это вопрос этикета и воспитания каждого из зрителей, а не шрифта на логотипе. Хочется, чтобы в конечном счете люди смотрели не на вывеску, а на то, что скрывается за ней. Ребрендинг призван заострить слух и зрение и заставить думать о нашем искусстве.

Б. К. Сменив имя, театр открывает собственный музыкально-театральный фестиваль. Зачем это нужно, если театр выпускает по пять-шесть премьер в сезон?

В. С. Это наш выход к зрителю, поиск новых способов общения с публикой. И это тест, может ли театр стать лидером амбициозного культурного проекта в своем городе. Не инертных, случайно возникающих фестивалей, заполонивших пространство, а фестиваля сформатированного, упругого в своем высказывании.

Б. К. Чем новый фестиваль будет отличаться от многих других?

В. С. Тем, что он проходит в Екатеринбурге и тем, что каждый сезон будет вращаться вокруг определенного явления или фигуры. В этом году такой фигурой стал Мариус Петипа, а полную программу мы вот-вот объявим. Добро пожаловать с 14 по 21 октября!
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Авг 29, 2018 3:40 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018082906
Тема| Балет, МАМТ, Персоналии, Лоран Илер
Автор| АЛЕКСЕЙ ПАРИН
Заголовок| ЛОРАН ИЛЕР:
Я ЗНАЮ, ЧТО ДЕЛАТЬ ДАЛЬШЕ

Где опубликовано| © журнал "МУЗЫКАЛЬНАЯ ЖИЗНЬ" №7-8, 2018 (на сайте журнала опубликовано 29.08.2018
Дата публикации| 2018-08-29
Ссылка| http://mz.kmpztr.ru/loran-iler-ya-znayu-chto-delat-dalshe/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Многие помнят Лорана Илера (ЛИ) как «этуаль» балета Парижской оперы. Он танцевал «принцев» в «Лебедином озере» и «Спящей красавице», «Щелкунчике» и «Жизели», «Баядерке» и «Раймонде». Незабываемы его выступления в «Петрушке» и «Парке», «Аполлоне» и «Кармен» (если перечислять лишь немногое). Репертуар танцовщика Лорана Илера с его тонким чувством стиля и безупречностью линий был поистине необъятным. В беседе с Алексеем Париным (АП) он размышляет о французской и русской балетных школах, о своей карьере в Парижской опере, где после ухода со сцены он служил заместителем директора балета в 2008–2014 годах. А также делится впечатлениями и планами уже в ранге художественного руководителя балета Музыкального театра имени К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко, куда пришел в январе 2017-го.

АП До того, как заняться балетом, вы были гимнастом. Что у них общего и чем они разнятся: гимнастика и балет?

ЛИ Действительно, я начал с гимнастики и очень серьезно ей занимался. В какой-то момент наша семья переехала, и я оказался на занятиях танцем. Но гимнастика мне очень помогла потом, в балете. В гимнастике много физического напряжения, физической активности. Я почувствовал огромную пользу в больших прыжках – револьтадах, дубль-ассамбле. После гимнастики ты не боишься их делать. А когда умеешь делать прыжки и перевороты и вперед, и назад, то приземляешься на четыре лапы, как кошка, и тогда уже ничего не страшно.

АП Но балет – это ведь не только гимнастика и не столько гимнастика, сколько интерпретация. Когда же она начала появляться?

ЛИ Впервые очутившись на сцене, поступив в балетную школу, я участвовал в спектакле «Спящая красавица»: я нес шлейф за одной из танцовщиц, как маленький паж. И тогда я увидел всех звезд балета, которые так красиво танцевали на сцене! А я, мальчик очень закрытый, который не любил говорить много, я в тот миг действительно внутренне понял, что приобретаю невероятный, фантастический опыт. Тогда я решил, что буду не просто танцовщиком, но однажды стану этуалью. Конечно, я надеялся на хорошее, но был очень не уверен в себе.

АП Ваша карьера в балете Парижской оперы развивалась довольно быстро. Вы попали в кордебалет в 17 лет, а потом карьера сделала мощный скачок.

ЛИ Действительно, я был принят в труппу в 17 лет, а этуалью стал уже в 22 года. Мне очень повезло работать вместе с Рудольфом Нуреевым – это, конечно, был невероятный период в моей жизни. Благодаря его требовательности и дисциплине, его строгости и его любви к грамматике, к основным принципам, словарю хореографического танца, я стал быстро расти. Я стал получать очень скоро разные роли, как и некоторые другие танцовщики, а Нуреева нельзя было разочаровывать. Я научился главному у Рудольфа: с первого до последнего шага на сцене ты должен быть актером. Никогда не экономь силы, уважай хореографию. Рудольф всегда говорил нам: танцовщик даже не знает, на что он способен, нужно знать про эти возможности и пробовать, пытаться. Только таким образом вы будете идти вперед, развиваться и играть невероятно красивые спектакли. Вы правильно сказали, что балет не только физика, не только тело. Для меня в танце техника – это только возможность.

АП Нуреев советовал вам что-то в плане интерпретации?

ЛИ Рудольф никогда не давал мне никаких советов по интерпретации какой-то партии. Для него движение, хореография сама уже рассказывает что-то, создает основу для того, что хочет сказать танцовщик. Начинается личная работа каждого танцовщика – требуется собственное умение интерпретировать роль, формируется личная сценическая история. Те интерпретации ролей, которые я создавал, они рождались благодаря тому опыту, который у меня уже был, благодаря тому, что я видел сам в жизни и на сцене. Конечно же, работа с педагогами мне тоже помогала. Но многое я предлагал и сам.

АП А когда вы стали этуалью, вы успокоились?

ЛИ Когда я был назван этуалью, первый вопрос, который возник у меня в голове: кем теперь я хочу стать? Я – этуаль Опера де Пари. Каким артистом я хочу стать? Что я хочу сделать для самого себя? И я хотел стать самим собой. Конечно, в рамках того произведения, которое я играл. В рамках персонажа. Но в этих рамках у нас невероятный простор воображения. Сколько артистов, столько и разных интерпретаций Альберта или Жизели в балете «Жизель». Нужно предлагать и осмеливаться предлагать свою интерпретацию. Это то, над чем я работаю с артистами Театра Станиславского: предлагайте, осмеливайтесь предлагать. Потому что нужно устанавливать эту связь каждого артиста с самим собой. Кто ты такой? Что за роль ты играешь? Что за персонаж, которого ты представляешь? Нужно найти эту связь. Такая работа происходит ежедневно. Мы взрослеем, становимся более зрелыми, мы не можем исполнять партию Альберта одинаково в 20 и в 40 лет. Очень важно каждому артисту задавать себе вопрос: «Почему?» Почему хореограф выбирает это движение для того, чтобы выразить ту или другую эмоцию? Как я хочу выразить это, как я хочу такую сцену протанцевать?

АП Вы с молодости так же строго к себе относились?

ЛИ Возможно, я совершал ошибки, когда был молодым. Но мы самоконтролю учимся ежедневно. Я говорю артистам: «Вы имеете право на ошибку на сцене. Таким образом вы узнаете самих себя лучше. Благодаря этим ошибкам вы придете к новому ощущению: вы поймете, что да, вы проживаете эту роль, вы действительно ее понимаете». Мне кажется, надо уметь рисковать. Но, конечно, нужен контролируемый риск. Нам дается такой риск благодаря хореографии, благодаря артистам, которые вокруг вас. Нужно осмеливаться поступать по-своему, несмотря на то, что, возможно, люди вокруг вас и ваши педагоги считают по-другому, считают, что данную роль нужно танцевать и интерпретировать иначе. Не бойтесь, предлагайте свое. Для того, чтобы прийти к некоей своей правде. А публика будет решать.

АП Вы стали этуалью после того, как станцевали «Лебединое озеро» в постановке Владимира Бурмейстера. Может быть, роль была своего рода предвестием того, что вы станете художественным руководителем балета в его театре. Вы тогда позволили себе рискнуть, осмелиться на что-то, вы создали какой-то новый образ принца в этом спектакле?

ЛИ Действительно, Бурмейстер создал «Лебединое озеро» здесь, для этого театра, для Театра имени Станиславского, и его балет стал символом театра. А у меня как будто нечто закольцевалось. В то время я был очень молод, но по тому, что я помню, действительно я отдавался роли на 120 процентов. Может быть, не осознавая до конца то, что делаю. Но выкладывался я полностью. Конечно, если бы я танцевал «Лебединое озеро» сегодня, я станцевал бы его по-другому. Но я считаю, сейчас уже место новому поколению танцовщиков. И я приехал сюда, чтобы дать им путь, я постоянно повторяю это. Я здесь не для того, чтобы привезти сюда французскую школу. Я здесь, чтобы поделиться своим опытом, который я получил, будучи артистом. Я хотел бы поделиться с молодыми танцовщиками как можно полнее, хотел бы, чтобы они развивались как можно быстрее, идя вперед. Вот в чем мои амбиции.

АП Вы сами назвали это слово «школа». Стало быть, речь идет о французской школе и о русской школе. Есть достаточное число русских танцовщиков и танцовщиц, которые говорят, что эти школы существенно различаются, что французская школа гораздо более точная, строгая.

ЛИ У каждой школы есть свои особенности, свой стиль, свои положительные качества. С детства, когда я видел русских танцовщиков Наталью Макарову, Рудольфа Нуреева, Михаила Барышникова, а потом других танцовщиков, с кем я танцевал, со Светланой Захаровой, например, мне было всегда интересно смотреть на их работу. Особенно меня приводила в восторг работа верха тела: руки, шея. Конечно, помимо всего прочего в их танце. Мне всегда казалось, что они служат искусству, которое находится на каком-то более высоком уровне, чем они сами, они служат чему-то значительному. Я очень многому научился у них. Меня это вдохновляло. С другой стороны, французская школа, да, действительно, может быть, как вы говорите, более требовательна к работе низа ног, стоп. У каждой школы есть и преимущества, и недостатки, мне кажется, самое главное, можно учиться и у французской школы, и у русской тому, что выведет твой танец на другой уровень. Тело танцовщика – это как кисть каллиграфа. И чем больше движение становится читаемым, тем больше зрители будут ценить происходящее на сцене. Я нахожусь здесь не для того, чтобы поменять школу, а для того, чтобы повысить качество танца благодаря моему опыту и моей сценической истории.

АП Вы танцевали самых разных принцев в классическом балете. Что такое принцы? Это ведь не обязательно что-то царственное? Что такое принц в балете?

ЛИ Принц – он как некий локомотив, должен тянуть за собой всех остальных персонажей вверх. С одной стороны. Но быть принцем на сцене – это такое специальное состояние. Играть принца – это играть благородство, не столько благородство социального положения, сколько благородство чувств. При этом ты можешь иметь разные слабости, определенные недостатки. Например, в «Жизели» ты можешь быть действительно тронут настоящей любовью, мы увидим тогда настоящего человека. И зрители понимают: да, он принц, но при этом он такой же человек, как все остальные. И зрители видят себя в принце: он может и любить, и плакать, и страдать, и принести себя в жертву.

АП Ваше поколение этуалей в балете Парижской оперы называют поколением Нуреева или чадами Нуреева. Что значит фамилия в этих сочетаниях? Она означает страстное желание танцевать?

ЛИ Думаю, поколения танцовщиков можно сравнивать с винами разных лет. Есть разные годы, урожай бывает более удачный, менее удачный. В тот период, когда начал работать Рудольф в театре, в нем оказалось много танцовщиков, которые обладали талантом и имели возможность динамично реагировать на его пожелания. Рудольф обращался с нами очень жестко. Каждое утро Рудольф был в классе, и мы все работали до конца класса на сто процентов. Потом у нас было шесть часов репетиций, и мы работали нон-стоп. Впервые я исполнил партию принца, когда был еще в кордебалете. Например, в «Жизели» я сначала танцевал то крестьянский танец, то вставное па-де-де, а потом, в той же серии спектаклей, выходил как Альберт. И однажды я подошел к Рудольфу и очень, очень аккуратно спросил его: «Обязательно я должен танцевать крестьянский танец?» Он ответил: «Вы танцуете крестьянский танец и вставное па-де-де, а подарок для вас – это принц. Но, если вы хотите, чтобы я что-то у вас забрал, тогда пожалуйста – вы не будете танцевать партию принца». Таких вопросов я больше не задавал никогда.


Я ЗДЕСЬ НЕ ДЛЯ ТОГО, ЧТОБЫ ПРИВЕЗТИ СЮДА ФРАНЦУЗСКУЮ ШКОЛУ. Я ЗДЕСЬ, ЧТОБЫ ПОДЕЛИТЬСЯ СВОИМ ОПЫТОМ

АП Принц должен плакать «от чувств», должен быть благородным и закрытым? А молодые люди сегодня этому соответствуют?

ЛИ Мне кажется, молодые люди не изменились, такие человеческие качества еще существуют. Но танцовщики сегодняшнего дня боятся показать свою хрупкость. И, возможно, как интерпретаторы роли они боятся рисковать. Они стремятся к некоему идеальному образу, к завершенной работе. Тут мне есть чему научить артистов. Я говорю им, что у них есть возможность довести всё до ума, есть свобода. Надо научиться ею пользоваться. На сцене бывают такие моменты, когда, по истечении трех актов на сцене, ты истощен, у тебя буквально нет сил. Особенно это характерно для балетов Нуреева. К этому добавляется работа в балетных залах, которую ты провел до спектакля. Если у тебя есть храбрость, и ты готов биться до конца (я всегда настаиваю: нужна храбрость, чтобы стать танцовщиком и артистом!), то ты доходишь до момента, когда появляется второе дыхание. Такое состояние, которое позволяет забыть об усталости, о том, что ты истощен физически. Ты подходишь к важнейшему моменту, создается парадокс, и ты забываешь о том, что делаешь. При этом ты действительно ощущаешь и проживаешь настоящую правду – то, что происходит в данный момент на сцене. Ты не принадлежишь уже самому себе, ты служишь танцу. И проживаешь неповторимые моменты в своей жизни. Мне кажется, такое сразу же ощущается всеми зрителями.

АП Вы, наверное, были счастливы, когда танцевали Солора в хореографии Рудольфа Нуреева в «Баядерке»? Но Солор – это не только и не столько принц, это какая-то другая роль.

ЛИ Да, я участвовал в создании этого балета в 1992 году. Солор – это воин, благородный воин. Меня всегда беспокоило в больших классических балетах, «Жизель» или «Баядерка», что Солор и Альберт – это юноши, которые могут стать трусами. Но тут виной некие социальные условности, которые заставляют их действовать неподобающим образом. Конечно, возникает вопрос: Альберт действительно любит Жизель, или тут тоже особое стечение обстоятельств? Он жертва обстоятельств и не осознает в полной мере, что любит ее, он понимает свою влюбленность только со временем. И ему необходимо прощение Жизели. Изменение внутреннего состояния и объясняет его реакцию, как и в «Баядерке». Солору приходится делать выбор, он не может ничего изменить, потому что есть Раджа, есть выбранная для него невеста Гамзатти – а в его сердце бушует настоящая любовь к Никии. Оба предательства и в «Жизели», и в «Баядерке» стоят очень дорого – юноши теряют свою любовь.

АП У вас в театре есть оба спектакля, и «Лебединое озеро», и «Баядерка». Вы любите эти спектакли здесь? Вы работаете над ними как педагог?

ЛИ Над этими балетами в театре работают несколько педагогов, которые отвечают за «Лебединое озеро», среди них Маргарита Сергеевна Дроздова. Это наша общая работа, потому что я всецело доверяю педагогам, которые работают в театре. Но я при этом смотрю, конечно же, все спектакли. Конечно, я обсуждаю увиденное с Маргаритой Дроздовой и делюсь своими пожеланиями, что я хотел бы увидеть немного по-другому, что бы пошло на пользу спектаклю. И мне очень повезло – я танцевал также «Баядерку» в хореографии Натальи Макаровой. Кстати, должен сказать, что версии «Лебединого озера» Бурмейстера в Опера де Пари и в Театре Станиславского отличаются друг от друга. С некоторой точки зрения это действительно интересно. Я должен сказать, что педагогика в балете – работа командная. Я должен быть очень внимателен ко всему, что происходит в театре. И, конечно же, я предлагаю кое-что для улучшения.

АП Вы следите не только за первыми танцовщиками?

ЛИ Разумеется! Очень важна интерпретация даже небольших партий в большом балете. Для меня существенно в классических нарративных балетах, чтобы у любого персонажа в действиях была логика, развитие и, конечно, музыкальность. Я много работаю с русскими артистами над музыкальностью. Потому что я заметил, что есть некая определенная традиция в России. Мы недавно делали открытый класс для зрителя. И вот – концертмейстер следует за танцовщиком. Дирижеры идут за танцовщиками. Я переживаю ужас, когда слышу, что музыкальная фраза разваливается из-за того, что танец диктует ритм. Если дирижер следует за артистом, я прихожу в отчаяние, потому что и музыкальная фраза разваливается, и ритмическая «каша» не помогает танцовщику. Конечно, нужно найти баланс для того, чтобы было удобно танцовщику. Дирижер должен выработать удобный ритм. Но этот ритм не должен возникать из практических пожеланий танцовщика.

АП Но такое отношение к музыке возможно, наверное, разве что для балетов Делиба, Чайковского, но не Стравинского. Потому что у Стравинского нельзя поменять музыкальную фразу, иначе просто его музыка исчезнет.

ЛИ Действительно, адаптация невозможна в Стравинском. А музыка Чайковского может быть как-то «адаптирована». Но, с другой стороны, мы не имеем права так обращаться с музыкой Чайковского. Это плохо для зрителей, плохо для музыки, для танцовщиков, для хореографии. Я понял, что такая традиция есть в России, но я много делаю для ее преодоления.

АП Вы работаете много над современными балетами. Как правило, там используется современная музыка, в которой логика музыки другая – там ничего нельзя изменить. Наверное, это тоже существенный момент.

ЛИ Действительно, подход к музыке у современных хореографов другой.

АП Нельзя изменить музыкальную фразу у Малера.

ЛИ Возьмем в качестве примера хореографию Марка Гёке на музыку Шостаковича. Необходимо знать, что он сначала создал свой балет без музыки. И музыка базируется на том, что происходит на сцене, а не на хореографии. И я часто слышу: «Да, но танцовщики не совпадают с музыкой». Но таким было желание хореографа. Он действительно хотел сделать эти два слоя параллельными, музыку и хореографию. Тут особенный пример, потому что здесь восприятие музыки совсем не такое, как в больших классических балетах.

АП Есть же и оперные режиссеры, которые строят свое действие на сцене так, что оно является перпендикулярным к музыке.

ЛИ Я думаю, что все возможно, если это талантливо и есть серьезные причины для такого подхода. Мне кажется, зрителям важно увидеть что-то необычное, то, что они еще не видели. Мне кажется, для труппы мое предложение познакомиться с новой хореографией, с новыми идеями, новым стилем должно быть полезно, потому что они очень многому научатся, обогатятся и, я думаю, что обнаружат, что сделали прогресс: они выйдут на другой уровень. То же самое будет происходить со зрителями. Зрители имеют право сказать, нравится им или нет. Мне кажется естественным, что художественный руководитель берет на себя ответственность, он имеет право предлагать нечто традиционное, но при этом и настаивать на том, что представляет интерес в хореографии сегодняшнего дня. Я не люблю слово модерн, предпочитаю говорить «хореография сегодняшнего дня». Модерн – это слово сейчас ничего не значит. Хотел бы также отметить нечто важное: обогащаясь хореографией сегодняшнего дня, мы парадоксальным образом сохраняем традицию больших классических балетов. И также, мне кажется, мы несем ответственность за то, как эти большие классические балеты будут выглядеть через 5, 10, 15 лет. Общество очень быстро эволюционирует. Для молодого поколения зрителей, для нового зрителя очень важно сохранять в этих балетах нечто такое, чтобы молодые зрители могли увидеть себя, идентифицировать себя с персонажами этих балетов. Я уверен, что мы можем сохранить эти связи благодаря уважению к традиционным большим балетам.

АП Вы хотите в дальнейшем делать новые постановки больших классических балетов?

ЛИ Да, конечно. Я хотел бы использовать классический хореографический язык, чтобы в репертуаре театра появились названия, которых в нем пока еще нет.

АП Во Франции есть серьезная традиция восстановления барочного танца. Барочные балеты не танцуют в Парижской опере, но на сцене Версальского театра их показывают довольно часто. Хотите ли вы в дальнейшем обратиться к этой традиции?

ЛИ Работа по реставрации действительно превосходна, она меня очень интересует и всегда интересовала. У меня контракт на несколько лет, и, конечно, встает вопрос о том, в чем мои приоритеты. На данный момент для меня важно восстановить классические балеты, сформировать правильный репертуар, и при этом непременно ввести в него современных хореографов. То есть сейчас барочный танец для меня не приоритет, но, возможно, когда-нибудь состоится его приход в наш театр. Мне важно найти хороший балетный спектакль, хороший контекст для него; правильно выстроить целый вечер, чтобы отдельные одноактовки были связаны либо музыкально, либо какой-то темой, которая объединяет хореографов. Это могут быть балеты очень разные, но при этом составляющие в некоем смысле единое целое.

АП Когда вы прощались со сценой Парижской оперы, то танцевали «Аполлона» Стравинского и «Песни странствующего подмастерья» Бежара. Это был ваш личный выбор? Что он означал?

ЛИ Изначально я должен был танцевать только Аполлона. Аполлон – это молодой бог, который только еще привыкает к тому, что он бог, он должен почувствовать свою мощь и свои особые качества как бога. А во второй части, в «Песнях странствующего подмастерья», речь идет о человеке, который заканчивает путь и доходит до прощания с жизнью. Мне казалось, что соединение двух произведений в одном спектакле как раз показывает начало и конец. И для меня, конечно, было важно еще то, что хореографию и того, и другого балета я очень любил.

АП Вы делаете на сцене Театра Станиславского программы из современных балетов. И мы часто понимаем некую общую идею, которая является объединяющей, организующей. Вы всегда стремитесь к тому, чтобы спектакль имел общую идею?

ЛИ Бóльшая часть современных хореографов не ставит крупные, многоактные балеты. Но мне все равно хочется предложить зрителям новые балеты, одноактные, потому что это новые вселенные танца. Только надо добиться того, чтобы все «сошлось» в один вечер. Мы уже говорили с вами, я строю новые программы как целое. Например, первая программа состояла из «Сюиты в белом» Сержа Лифаря, после нее шла «Маленькая смерть» Иржи Килиана, а затем хореография Уильяма Форсайта. Это позволяло создать некий образ балета сегодняшнего дня. Я хочу дать зрителям некие ключики для того, чтобы они могли открывать для себя новое, неизвестное, а потом пойти на дальнейший поиск. И для меня большое удовольствие следить за тем, как зрители отвечают на мои предложения. Мне говорили, что русские зрители консервативны – нет-нет, это неправда. Я так никогда не думал! Доказательством служит то, что балеты Экмана и Гёке воспринимаются с большим энтузиазмом.

АП Еще один вечер включил в себя и хореографию балетмейстера, который возглавлял этот театр раньше, Дмитрия Брянцева…

ЛИ В один вечер с балетом Брянцева, поэтическим, лиричным, идет композиция Марко Гёке, а потом балет Охада Наарина. Я не беспокоился за вещь Наарина, потому что знал: зритель будет реагировать положительно – это такая отличная интерактивная вещь. А балет Марко Гёке? Но он очень самобытен! Я обожаю этого хореографа, у него есть свое лицо, как у всех хореографов, которых я сюда приглашаю. Я поставил его балет вторым по порядку, потому что он мог оказаться непростым для восприятия московского зрителя. Но успех оказался невероятным! Мне кажется: если мы показываем качественный балет, можно смело и в Москве рассчитывать на успех! Возможно, меня ждут ошибки в будущем, но сегодня я питаю большие надежды! Когда работа сделана качественно, когда артисты выложились на сто процентов, русский зритель так же, как зрители других стран, примет такой спектакль с восторгом. Я с самого начала отказывался верить в то, что русские зрители особенные, не такие, как во всем мире. Я уже какое-то время работаю в театре – и мое мнение не изменилось. Мы продолжаем. Я знаю, что делать дальше.

АП У вас большой успех в этом театре, и я вам и дальше желаю огромных свершений.

ФОТО: ПРЕДОСТАВЛЕНЫ ПРЕСС-СЛУЖБОЙ МАМТ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Авг 29, 2018 8:09 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018082907
Тема| Балет, БТ, Венгерский государственный оперный театр, Персоналии, Игорь Цвирко
Автор| Перанов Олег
Заголовок| Игорь Цвирко: Задачи танцевать Нуреева голым не было!
Где опубликовано| © «Собеседник» №33-2018
Дата публикации| 2018-08-29
Ссылка| https://sobesednik.ru/shou-biznes/20180829-igor-cvirko-zadachi-tancevat-nureeva-golym-ne-bylo
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ




В Большом театре снова перемены: ведущий артист балета, один из исполнителей главной роли в скандально известной постановке «Нуреев» Игорь Цвирко покидает театр. Уезжает жить и работать в Будапешт. «Собеседнику» артист рассказал, почему принял такое решение.

Хотим попробовать жить в Европе

– Время артиста балета короткое, – рассказывает Игорь. – Наступает момент, когда ты хочешь перемен, попробовать себя в новом статусе. Одиннадцать лет я работал в замечательном Большом театре, где начинал с участия в кордебалете, а потом мне уже доверили сольные партии. Были интересные периоды, когда играл прекрасные роли, например в балете «Жизель». Танцевал и получал огромное удовольствие. Но теперь хочется двигаться дальше и попробовать что-то новое.

– Ходят слухи, что у вас не сложились отношения с директором балетной труппы Махаром Вазиевым?

– Нет-нет, в целом у нас замечательные отношения. Когда он только вступил в эту должность, я восстанавливался после травмы. Поэтому волновался: все-таки новый руководитель, а я только вышел на сцену с вставленной пластиной. Но ощутил с его стороны большую поддержку. Благодаря ему я станцевал партию своей мечты – Спартака.

– Еще говорят, что уходите из Большого потому, что вашей жене – балерине Евгении Саварской – не дают танцевать сольные партии…

– Кто вообще такое придумывает?! Не читайте балетные форумы в интернете. Там много желчи и недостоверной информации. Один раз я открыл такой форум, столько о себе узнал и больше этого не читал. Относительно моей супруги… Она была солисткой в «Кремлевском балете», когда мы познакомились. Потом Евгения прошла смотр в труппу и поступила в Большой театр. Конечно, сольные роли в этом театре дают не сразу. Но ей за семь лет довелось танцевать много.

– Игорь, почему выбрали Венгерский государственный оперный театр? Предложили больше денег?

– Нет, мы не гонимся за большими деньгами. Во главе угла у нас творчество и интересная работа. Почему Будапешт?! Потому, что там оказались для нас с женой свободные контракты. Были мысли поработать в Америке, но на данном этапе это для нас далеко... Мы хотим попробовать пожить в Европе, выучить язык. А потом, этот театр с хорошим репертуаром. Мне уже предложили станцевать в балете «Майерлинг».

– Не страшно поменять страну, работу, начать все заново?

– Там жизнь другая, спокойнее. Нет ощущения, что ты выживаешь. Нет погони, крысиных бегов. Ты спокойно, размеренно живешь. Ну, мне так кажется. Вполне возможно, что, проживая там, я вдруг пойму, что меня и в России многие вещи устраивают. Но пока хочется перемен.



Театр Большой, поэтому столько скандалов и интриг

– Вы танцевали в двух балетах Кирилла Серебренникова: «Герой нашего времени» и «Нуреев». Как вам работалось с драматическим режиссером?

– Несмотря на то, что Кирилл Семенович – театральный режиссер, его пожелания, нюансы иногда были настолько точны! Если Серебренников чего-то не знал сегодня (все-таки балетная специфика), то назавтра он уже приходил подготовленным. Этот человек работал круглосуточно.

– Когда репетировали «Нуреева», понимали, что балет получится настолько скандальным, что его не сразу выпустят на сцену?

– Я понимал, что он будет необычным. Многие к этой идее отнеслись скептически, но я изначально был рад попасть в этот балет, потому что люблю все странное, непонятное, чтобы идти наперекор канонам. Роль Нуреева – интересная. За короткий промежуток времени проходит много лет жизни артиста.

– Правда, что вы единственный из трех исполнителей главной роли готовы были танцевать обнаженным, если потребует Серебренников?

– Это кто-то придумал. Может, у режиссера и была такая мысль, а потом он от нее отказался?! Не знаю. Я танцевал в бандаже телесного цвета, поэтому создалось ощущение, что обнаженный.

– Но вы, если потребуется, согласились бы выйти на сцену обнаженным? Не секрет, что такой прием Серебренников использует в «Гоголь-центре»…

– Я не мыслю категориями «если» и «кабы». Будет такая задача, тогда и буду говорить на эту тему. У нас же такой задачи не было.

– Игорь, что же все-таки случилось тогда с премьерой спектакля, которую отменили? Говорят, министр культуры Мединский предложил внести кое-какие купюры в спектакль…

– Я – артист, мое дело выходить на сцену и выполнять то, что от меня требует спектакль. А о том, что происходит в кабинетах, не знаю… В день моего утреннего прогона нам сказали, что спектакль отменяется. Причину назвали ту, которую озвучили в прессе: спектакль не был до конца готов. Но могу сказать, что потом зритель увидел спектакль, сделанный и отрепетированный Кириллом Серебренниковым и балетмейстером Юрием Посоховым.

– Когда начались суды над Кириллом, вы уже не виделись?

– Нет. На заседания не ходил потому, что в эти моменты был либо на гастролях, либо на репетициях.

– Ходят слухи, что скоро балетную труппу Большого театра возглавит Николай Цискаридзе и поэтому из театра уйдет еще один исполнитель роли Нуреева – Артем Овчаренко.

– Впервые слышу. Откуда вы эти слухи берете?! Если Артем примет решение уйти из труппы, думаю, он сам найдет способ сообщить прессе об этом.

– Игорь, как вы думаете, почему в Большом театре постоянно столько интриг, скандалов?

– Потому, что он Большой. Единица, величина, легендарный театр. Много людей работают вместе, разных людей. Много событий вокруг. Поэтому и разные ситуации случаются. Этот театр привлекает лучших мастеров своего дела, и поэтому всегда к нему будет повышенный интерес. И потом, журналистам интересно, когда происходит что-то выходящее из обычного хода вещей.

– Получается, мы вас больше не увидим в роли Нуреева?

– Буду надеяться, что осенью все-таки сыграю и не раз выйду на сцену Большого театра. А вообще хочу попробовать себя еще в драматическом театре или сняться в кино. Сыграть пусть даже эпизодическую роль.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Авг 30, 2018 1:44 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018083001
Тема| Балет, Кадры, Театра оперы и балета Коми, Персоналии, Марианна Рыжкина
Автор| корр.
Заголовок| Театр оперы и балета Коми обновил кадровый состав
Где опубликовано| © ИА БНК
Дата публикации| 2018-08-30
Ссылка| https://www.bnkomi.ru/data/news/83024/
Аннотация| Открытие сезона

В 61 сезоне Государственный театр оперы и балета Коми представит публике нового балетмейстера-постановщика, приму-балерину Большого театра Марианну Рыжкину и еще одного режиссера – выпускницу ГИТИСа Юлиану Буланенкову. О кадровых изменениях директор театра Дмитрий Степанов рассказал на пресс-конференции 30 августа.

Театральная труппа уже вышла из отпуска и готова к работе – ее пополнили много «талантливых и амбициозных молодых людей», заявил Дмитрий Степанов. Новые лица зрители увидят в балете, оркестре и хоре. Также в театре появилась еще одна солистка оперы – Дарья Гапонова.

Серьезные кадровые изменения коснулись художественного руководства театра. Имя Натальи Терентьевой, главного балетмейстера театра, на сайте больше не числится. В 61 сезоне будет новый балетмейстер-постановщик и руководитель балетной труппы – заслуженная артистка России, прима-балерина Большого театра Марианна Рыжкина.



- С коллективом я познакомилась, две недели уже работаем. Установилась гармония в отношениях – это не всегда бывает, когда приходишь в новый коллектив. Виден контакт, отдача и желание работать, - отметила на встрече с журналистами Марианна Рыжкина.

Художественно-постановочную часть пополнил очередной режиссер театра – Юлиана Буланенкова. Она закончила отделение музыкальных театров ГИТИСа, где обучалась в мастерской Дмитрия Бертмана. В театре Юлианна Буланенкова будет работать вместе с главным режиссером Ильей Можайским. Ее дебютным спектаклем станет «Дон Паскуале» - одна из премьер этого сезона.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Авг 30, 2018 1:50 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018083002
Тема| Балет, Планы на сезон, Театра оперы и балета Коми, Персоналии, Марианна Рыжкина
Автор| корр.
Заголовок| «Золотые ласточки» откроют новый сезон Театра оперы и балета Коми
Где опубликовано| © ИА БНК
Дата публикации| 2018-08-30
Ссылка| https://www.bnkomi.ru/data/news/83029/
Аннотация| Планы на сезон

Фестивалем балетного искусства финно-угорских государств и регионов России «Зарни Джыджъяс» («Золотые ласточки») откроется 61 сезон Театра оперы и балета Коми. С 12 по 23 сентября зрителям представят пять спектаклей, в том числе «Дон Кихота» и «Подари мне детство». Завершится фестиваль гала-концертом с масштабными премьерными номерами. О подготовке руководство театра рассказало на пресс-конференции.

Фестиваль ведет свою историю еще с 1997 года, вновь возрожден он был в 2014 году. «Золотые ласточки», по заявлению организаторов, – объединяющая площадка для балетных трупп финно-угорских государств и регионов. Участниками становятся как уже известные мастера, так и молодые танцовщики.

В этом году, по словам директора театра Дмитрия Степанова, зрителей ждут шесть вечеров балета. Откроет фестиваль 12 сентября «Дон Кихот» на музыку Людвига Минкуса: этот спектакль был поставлен в рамках «Ласточек» в 2016 году.



14 сентября на сцене театра будут выступать гости. Чувашский государственный театр оперы и балета устроит вечер одноактных балетов – сначала «Кармина Бурана» Карла Орфа, потом «Любовь-волшебница» Мануэля де Фалья.

Вошла в афишу фестиваля и премьера прошлого сезона «Подари мне детство» на музыку заслуженного деятеля искусств России, композитора Михаила Герцмана. Балет по мотивам «Маленького принца» Антуана де Сент-Экзюпери рассчитан на семейный просмотр. Увидеть на сцене новую трактовку знаменитой истории о дружбе можно будет 16 сентября.

Еще одним гостем «Золотых ласточек» станет Марийский государственный театр оперы и балета им. Э.Сапаева. 19 сентября они поставят «Золушку» Сергея Прокофьева.

Последним балетным спектаклем фестиваля станет классика – «Лебединое озеро» Петра Чайковского 21 сентября с приглашенным солистами. После «Ласточек» этот балет отправится на длительные гастроли в Германию.

Завершит фестиваль гала-концерт в двух отделениях 23 сентября. По заявлению нового балетмейстера-постановщика театра Марианны Рыжкиной, зрителей ожидают сложные премьерные для республики номера.

Марина Рыжкина подготовила собственный небольшой спектакль на музыку Чайковского – вариацию на тему рококо она делала в Москве с артистами Большого театра, а теперь с танцовщиками Коми. Готовится сценический сюрприз – приезжает виолончелист из Москвы Арсений Котляревский. Сама Марина Рыжкина тоже планирует выступить на сцене – это будет первый выход прима-балерины Большого театра на сцену республики.

Фрагменты из «Кармен», «Ромео и Джульетта» и редкое для театров классическое гранд-па на музыку Даниэля Обера дополнят программу. Присоединятся к концерту артисты театров финно-угорских регионов России.

Цены на билеты, по заверению Дмитрия Степанова, будут демократичными: спектакли обойдутся поклонникам балета в 300-500 рублей, а гала-концерт – 400-700 рублей.

Фестивальная программа этого года на «Золотых ласточках» не закончится. Зимой поклонников театра ждет традиционный «Новогодний лайт-фестиваль». Знаменитый «Сыктывкарса тулыс» же сменил график – по просьбам зрителей его перенесли с мая на апрель.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Авг 30, 2018 10:25 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018083002
Тема| Балет, Американский балетный театр, Нью-Йорк Сити Балет, Персоналии,
Автор| Майя Прицкер
Заголовок| Что покажут Сити-балет и АБТ
Осень на пуантах
Где опубликовано| © газета "В Новом Свете" (МК в США)
Дата публикации| 2018-08-30
Ссылка| https://www.vnovomsvete.com/culture/2018/08/30/chto-pokazhut-sitibalet-i-abt.html
Аннотация|

Стэйт-театр в Линкольн-центре, ныне носящий имя миллиардера-нефтепромышленника Дэвида Кока, строился для баланчинского Сити-балета и продолжает с 1964 года оставаться его домом.


Ратманский, "Буковинские песни". АБТ.

Здесь и откроется 18 сентября очередной осенний сезон труппы. Длиться он будет, как всегда, недолго – четыре недели, и начнется по традиции спектаклями Баланчина. Это будут трехактные «Драгоценности» на музыку Форе, Стравинского и Чайковского (18, 19, 20, 22 днем, 23 и 25 сентября) и три программы одноактных балетов (21, 22, 26 сентября). 27-го – традиционное «Fall Fashion Gala» с новыми композициями молодых хореографов с костюмами, созданными для них модными дизайнерами.

Несмотря на то, что Питер Мартинс давно уже «не у дел», труппа, которую он возглавлял почти 30 лет, покажет подготовленное им восстановление балета Бурнонвиля «Сильфида». Еще несколько программ составлено из балетов Кристофера Уилдона, Джерома Роббинса, Джастина Пека, Баланчина и Ратманского. Одна из них - «Короткие рассказы» - объединила «Блудного сына» Баланчина, «Без забот» Роббинса и его же Сюиту из «Вестсайдской истории».

А 11 октября, в день 70-летия первого выступления Нью-Йоркского Сити-балета на сцене Сити-центра и 100-летия Джерома Роббинса, пройдет вечер в честь Роббинса, где будут исполняться и его балеты («Послеполуденный отдых фавна», «Другие танцы» и «Движения») и не очень удачная компиляция из фрагментов бродвейских спектаклей Роббинса, созданная Уорреном Карлайлом и уже показанная весной. Всю программу повторят 12 и 13 октября. А 14 октября, в последний день сезона, Сити-балет попрощается с одним из лучших своих танцовщиков, испанским премьером Хоакином де Лузом, который провел в труппе 15 лет и теперь уходит если не на отдых, то на «вольные хлеба».

Осенний сезон Американского балетного театра еще короче: две недели, которые «выкраиваются» в расписании того же Театра Дэвида Кока, пока Сити-балет готовится к новогодней серии «Щелкунчиков». В этот период труппа АБТ исполняет короткие спектакли, чаще современные, оставляя полнометражную классику для весенне-летнего сезона на большой сцене Метрополитен-оперы.

Между 17 и 28 октября этого года АБТ покажет премьеры балетов Мишель Дорранс и Джессики Ланг (это будет уже третий ее спектакль для АБТ), популярный «Fancy Free» – в честь 100-летия обоих его авторов – Леонарда Бернстайна и Джерома Роббинса, в паре с «Другими танцами» Роббинса, созданными на музыку мазурок Шопена. Состоится возвращение в репертуар «Симфонии кончертанте» Баланчина, а также сравнительно недавно сочиненных (премьера была в октябре 2017 г.) «Буковинских песен» Алексея Ратманского на музыку Леонида Десятникова и “Afterrite” Уэйна МакГрегора. Последняя композиция, премьера которой состоялась в мае, переосмысливает «Весну священную» Стравинского, наделив прославленную партитуру новым либретто, дизайном и хореографией.

А начнется осенняя серия спектаклей АБТ 17 октября гала-вечером, который в этот раз будет полностью отдан балетам женщин-хореографов – Твайлы Тарп, Лорен Ловетт и Мишель Дорранс.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Авг 31, 2018 8:25 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018083101
Тема| Балет, Михайловский театр, Персоналии, Михаил Мессерер
Автор| Алексей Лепорк, обозреватель
Заголовок| От станка. Что потеряет Михайловский с уходом Мессерера
Где опубликовано| © газета "Деловой Петербург"
Дата публикации| 2018-08-30
Ссылка| https://www.dp.ru/a/2018/08/30/Ot_stanka
Аннотация|

Город у нас балетный, а крепких балетных руководителей все меньше. В конце прошлого сезона главный балетмейстер Михайловского Михаил Мессерер объявил о своем уходе. Театр пока это официально никак не комментировал. Но если это и вправду так, то потери неизбежны.

Достаточно посмотреть на Мариинку. Там художественного руководителя балета формально нет со времен ухода Олега Виноградова, а реально — с 2008 года, когда театр покинул Махар Вазиев. Результат вполне очевиден: полностью упасть не дает традиция, но ничего живого там скоро совсем не останется. Ясно и то, что руководить большой традиционной труппой может только классический балетный профессионал. Но у этого профессионала должно быть и чутье на новое. У Вазиева — во многом благодаря помощнику Павлу Гершензону — это было. У нынешнего и.о. завтруппой Мариинки, видимо, нет. Но и прав у него нет тоже.

Михайловский театр долго шел по оптимальному пути. За современность отвечал Начо Дуато. За классику 10 лет отвечает Мессерер. И результат очевиден. Балет — искусство странное и более других требует включенной дрессировки, постоянной и плотной. Мессерер и до прихода в Михайловский был знаменит своими уроками, провести класс его приглашали почти все главные труппы мира, он унаследовал методику своего дяди Асафа и мамы Суламифи. Казалось бы, в наше времяперенять можно все, но балет — старое ремесло, в нем нужны тонкости и гибкости, как у закройщиков или сапожников прежней школы, чтобы надеть канон на тело так, чтобы он с ним слился. Мессерер в этом и вправду мастер. В Михайловский идут выпускники Вагановки не первого ряда (попросту нет средств на самых лучших), спаять из них труппу — нелегкая задача, но получилось. И танцуют здесь — в отличие от нашей главной сцены — все еще с удовольствием.

У Мессерера оказался и тонкий нюх на выращивание своих звезд. Он увидел такое сверкание в Викторе Лебедеве, он нашел в Большом Настю Соболеву, в Михайловский пришла и Анжелина Воронцова. В стабильного классического танцовщика вырос Иван Зайцев. Несколько лет блистала Оксана Бондарева, затем ушла в Мариинку — и утонула в пучине труппы. Все они росли не просто на привычной классике, но и на новых ролях.

Именно в Михайловском обнаружилось, что у Мессерера уникальный дар возвращать к жизни, казалось, канувшие в Лету балеты. Начало было вполне ожиданным — он возродил старомосковское "Лебединое" Горского. И парадоксальным образом соединение танцевального строя с психологической выверенностью легло в русло петербургской традиции. Так покойный Никита Долгушин учил в Михайловском делать "Жизель" — балетно точно и актерски продуманно, со всеми детальками. И Мессерер это не просто продолжил, но по–настоящему взрастил. Дальше он вернул к жизни "Лауренсию", а потом и "Пламя Парижа". Эти балеты не шли десятки лет, лишь частично сохранились на пленке. Но память, исследование и интуиция привели к непостижимым результатам: балеты воссозданы так, что веришь им от начала до конца, веришь, что так и было. Третий акт "Пламени" позволяет перенестись в атмосферу праздничных заседаний Ленсовета и Моссовета к 15–летию Октября как ничто другое. И помогает понять время, а не только балет.

Не меньшим достижением стала филиграннейшая "Тщетная предосторожность" — просто ювелирной выделки английский шедевр Аштона. Такую сентиментально вышитую нежность не часто увидишь на сцене Ковент–Гарден, у нас — практически каждый раз.

Получился и "Корсар", вернувший к жизни ленинградскую редакцию Константина Сергеева. Ну а последним шедевром стала "Золушка" Ростислава Захарова 1945 года. Такой непосредственной чуткости, детскости и азарта представить себе было нельзя. Посмотрев спектакль, понимаешь слезы Бориса Пастернака и Святослава Рихтера.

Старые балеты вернулись, ожили, стали настоящими, и — повторюсь — труппа их с увлечением танцует. Театр небольшой — и это видно.

Мечтал о "Коппелии", а объявил об уходе. Хочется верить, что это все же не произойдет. Все эти годы было ожидание нового — того, что придет на сцену. А именно это и дает искусству пульс — когда зритель ждет. Об этом мы, к сожалению, стали забывать, а ведь это — лучшая интрига искусства. Сейчас речь, увы, о худшей. Но и в нашей стране здравый смысл не помешал бы.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Авг 31, 2018 9:24 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018083102
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Давид Мотта Соарес
Автор| ANNA GALAIDA (Анна Галайда)
Заголовок| “Quero voltar para o Rio”, diz bailarino brasileiro no Bolshoi de Moscou
Где опубликовано| © Russia Beyond the Headlines
Дата публикации| 2018-08-01
Ссылка Оригинал| https://br.rbth.com/cultura/80983-brasileiro-bale-bolshoi
Ссылка на русском| https://www.facebook.com/anna.galayda.1/posts/10217229453234804?__tn__=K-R
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



E.Fetisova

-------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
(Оригинал статьи - на португальском языке, русский текст взяла на страничке Анны Галайды в Фейсбуке - Елена С.)
--------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

Когда Давид Мотта Соарес приехал в Московскую академию хореографии, балет в театре он никогда не видел - только в интернете, не говорил ни по-русски, ни по-английски, чтобы оплатить его учебу, родные свершили маленький подвиг. Ему было 13 лет.
Поговорила с Давидом для rbth.com. Но оказалось, у него и в Москве уже много поклонников. Для них вешаю русскую версию. Но многое сразу не вошло из-за объема. Например, про то, как хореограф Посохов выбрал его в Нуреевы, и про то, что в Москве его держат репетиции Владимира Леонидовича Никонова.



«Родители еще не видели, как я танцую»

Бразилец Давид Мотта Соарес стал первым иностранцем, получившим приглашение в Большой театр после окончания Московской академии хореографии. Пока официально он числится в кордебалете, но среди балетоманов уже образовался круг его поклонников – Мотта Соарес воплощает редкий тип танцовщика-noble, принца голубых кровей. А его коллекции главных партий могут позавидовать иные премьеры – он ведет «Жизель», «Щелкунчик», «Коппелию», «Драгоценности», «Героя нашего времени» и другие спектакли.

- В обыденном представлении Бразилия – это не балет, а футбол. Почему вы выбрали искусство?

- Моя двоюродная сестра занималась в балетной студии. Однажды она мне предложила: «Пойдем со мной, мне там одной скучно». Я пошел, и пока она занималась в зале, я смотрел на нее через окно. А после урока ко мне подошла педагог и спросила: «Ты не хочешь учиться балету? Мне очень нужны мальчики» Я даже не знал, что такое балет, просто пришел к ней на занятие, а после класса она сказала: «У тебя очень хорошее тело, давай работать дальше». Так все началось. Через пару месяцев мы начали заниматься уже серьезно, а через год пошли на первый конкурс.

- Балет вам давался легко?

- Мне было 9 лет, мы занимались каждый день по 2-3 часа классом и потом репетировали. Педагог так увлекала нас, что раздумывать было некогда, только: «Надо сделать – будем делать».

- Как к вашим занятиям балетом отнеслись родители?

- Мама (она врач) сразу приняла мой интерес к балету. Папа (журналист) считал, что это не профессия, он говорил: «Можешь танцевать для себя, но нужно решить, что ты будешь делать в жизни». Я ему объяснял, что это и есть профессия, но он меня не слушал. Мы жили в маленьком городе Кабу-Фриу, у нас не было театра, не было настоящего балета. Я сам, пока не приехал в Москву, не видел балет вживую – в Бразилии смотрел его в Интернете, в записи.

- И, тем не менее, решили ехать учиться на другой конец света?

- Вот это было не мое решение, я даже не знал, что здесь окажусь. Мне было 12 лет, я участвовал в конкурсе Youth America Grand Prix и получил месячную стажировку в Америке. Там меня увидели московские педагоги и предложили моему педагогу, чтобы я продолжил обучение в Москве. Все это решалось очень быстро, я успел только вернуться домой за документами. Уезжая, я думал, что еду на еще одну короткую стажировку, а потом вернусь учиться в Бразилию. Но через месяц я получил письмо, в котором мои педагоги писали, что для меня как для танцовщика важно остаться в Москве и продолжить учебу в академии хореографии, и что мои родители на это согласны. Конечно, я был в шоке!

- Помните первые впечатления от Москвы?

- Я приехал со своим педагогом. Это было в ноябре. Была пасмурная погода. Помню, мы шли по Арбату к Кремлю, и начали падать первые снежинки. Я смотрел и думал: «Как это, падают с неба!» Было интересно и в то же время страшно, потому что я никогда не видел такого. Было жутко холодно, а все русские вокруг были без шапок, без перчаток. Я не знал, что меня тут ждет. И в то же время было очень интересно, потому что начинаешь фантазировать. Но, помню, я стоял на Красной площади и ничего не мог придумать, было просто страшно.

- Вы получили стипендию на обучение?

- Нет, мы платили за учебу. К моменту, когда я уехал, родители были уже в разводе. Но, несмотря на то, что папа был не очень доволен этим решением, он понял, что нельзя меня удерживать. И родители с помощью друзей, знакомых платили за мою учебу. А последние четыре года были оплачены благодаря помощи консула Бразилии.

- То есть ни у кого не было сомнений, что вас надо отпустить одного в Москву?

- Даже когда я возвращался летом на каникулы, папа говорил: «Зачем тебе куда-то уезжать, ты же можешь учиться здесь». Он понял, что у меня настоящая профессия, настоящая карьера, только когда меня взяли в Большой театр. У меня есть два старших брата. К искусству они отношения не имеют, но в Бразилии ходили на все мои маленькие выступления. Они не понимали, но были всегда рядом, и это продолжается даже сегодня. Я еще в Бразилии по-настоящему не танцевал, никто из родных не видел меня на сцене.

- Как к вам отнеслись одноклассники в Москве?

- Я попал в 4-й класс. Обычно в Московскую академию таких маленьких иностранцев не берут. И вначале одноклассники немножко не понимали, как и я сам, кто я, зачем я среди них оказался. Но они очень помогли: они брали меня за руку и водили из класса в класс. И им, и мне было тяжело, но примерно через год мы нашли общий язык, когда я немножечко стал понимать по-русски.

- Вы не знали русского?

- Ни русского, ни английского. Но в академии есть педагог для обучения иностранцев русскому. Она по-английски тоже не разговаривает. Помню, что-то пыталась объяснить нам по-французски. У нас были девочки из Америки, говорившие по-французски, им было проще, а я стоял и ничего не понимал. Но когда находишься в среде, выучить язык проще, у тебя просто нет выбора.

- У московской балетной школы есть традиции. Пришлось ли вам переучиваться?

- Не так много, потому что мои бразильские педагоги учились у русского педагога в Бразилии и в Москве на летней педагогической программе, поэтому база у меня была русской.

- В школе вас нацеливали на Большой театр?

- У нас в классе было довольно много иностранцев, но, несмотря на это, наш педагог Андрей Валентинович Смирнов всегда говорил, что нужно всегда стремиться к лучшему, нужно стремиться в Большой театр. Но я об этом не думал. После выпуска хотел уехать в Бразилию, посидеть дома, найти себя – узнать, куда идти, зачем. И уехал я с мыслями, что Москва для меня закончилась. Но через месяц – звонок от Галины Олеговны [Степаненко, директора балетной труппы Большого театра]: «Мы тебя ждем, все готово, приезжай». Опять все за меня было решено, опять – в Москву!

- А не было мысли вернуться с московским дипломом в Бразилию?

- Мысли вернуться домой со мной каждый день. Но когда я приехал туда после академии, у меня не было сил куда-то ехать просматриваться, думать о большой карьере – ничего не было в голове. Все пять лет учебы в Москве я думал: «Вот получу диплом и вернусь домой, к моей семье». Каждый год я ждал каникул, но этот месяц пролетал так быстро! И когда начал работать в Большом театре, в конце первого года у меня произошел кризис. Я взял отпуск за свой счет и уехал на месяц в Бразилию. Приехал в театр в Рио и сказал: «Я хочу работать здесь, больше не могу так далеко жить, мне тяжело». Я занимался с труппой неделю. Но там был очень тяжелый период: не было денег, и все спектакли были отменены, сотрудники театра искали работу за границей, потому что не получали зарплату несколько месяцев. К тому же, я сравнил, что такое театра в Рио и что такое Большой. Конечно, Рио – мой любимый город, это место, в которое всегда хочу вернуться, с большим удовольствием приезжал бы туда танцевать. Но я привык к тому, что моя жизнь вся проходит в театре, мы бегаем с одной репетиции на другую, танцуем каждый день. Это сумасшедший дом, но я не представляю, как жить по-другому.

==================================================
Все фото и видео по ссылке (оригинал)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3701

СообщениеДобавлено: Сб Сен 01, 2018 1:50 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018083103
Тема| Балет, Танец, фестиваль-школа современного искусства «Территория», филармония «Триумф», Персоналии, Илья Кухаренко, Анна Абалихина
Автор| Екатерина Оборина
Заголовок| В Перми появится театр оперы как балета
Где опубликовано| © портал «НеСекретно»
Дата публикации| 2018-08-28
Ссылка | http://nesekretno.ru/kultura/1164151303/v-permi-poyavitsya-teatr-opery-kak-baleta
Аннотация|

27 августа в Перми под руководством Ильи Кухаренко и Анны Абалихиной стартовала лаборатория «Театр оперы как балета». Тема обусловлена актуальной мировой тенденцией – работой хореографа над оперными спектаклями. Одна из задач проекта – преодоление жанровых границ и стереотипов через соединение камерно-вокального исполнительского искусства и танца. Лаборатория «Театр оперы как балета» – очередной этап творческого образовательного проекта «Арт-лаборатории», организованного Международным фестивалем-школой современного искусства «Территория» и компанией СИБУР.

Кураторы лаборатории – драматург и продюсер Илья Кухаренко и хореограф Анна Абалихина. Площадкой будущего спектакля станет пространство филармонии «Триумф». В лаборатории «Театр оперы как балета» примут участие звезды оперной труппы Пермского театра оперы и балета имени Чайковского – Наталья Кириллова, Наталья Буклага, Константин Сучков и др. Партия фортепиано – Кристина Басюл. Над видео и саунд-дизайном постановки работает медиахудожник и композитор, резидент фестиваля «Территория» Леонид Именных.

Лаборатория «Театр оперы как балета» состоит из трех этапов. Первый включает проведение мастер-классов от Анны Абалихиной и отбор участников проекта. Второй – репетиционный, будет проходить с 10 по 21 сентября и с 5 по 16 октября. Третий этап – выпуск спектакля, премьера которого намечена на 15 ноября в пространстве филармонии «Триумф».

Анна Абалихина, хореограф, руководитель лаборатории:
- Огромный корпус романтической и пост-романтической вокальной лирики – это прекрасная, но очень герметичная в своем музыкальном перфекционизме территория. Я с удовольствием слушаю эту музыку, но до нынешней лаборатории всегда немного опасалась на эту территорию заходить как хореограф. А потому, я очень рада возможности бросить некий пластический вызов этим шедеврам и попытаться найти для них адекватное и современное пластическое существование на сцене.
В этом году компания СИБУР и Международный фестиваль-школа современного искусства «Территория» запустили третий сезон проекта «Арт-лаборатории» – серию творческих образовательных мероприятий в регионах России под руководством ведущих практиков и теоретиков современного театра, которые знакомят молодых актеров, режиссеров, танцоров и художников из регионов с новейшими тенденциями и технологиями в театре.

Задача третьего сезона проекта – создание полноценных спектаклей, которые впоследствии войдут в репертуар театров Перми, Тобольска и Воронежа.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Сен 02, 2018 11:44 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018083201
Тема| Балет, Современный танец, Образовательный центр «Сириус» (Сочи), Персоналии, Нина Змиевец
Автор| корр.
Заголовок| ПРИМА-БАЛЕРИНА НИНА ЗМИЕВЕЦ: «ДЛЯ АРТИСТА БАЛЕТА ВАЖНА СВЯЗЬ ВНУТРЕННЕГО СОСТОЯНИЯ И ВНЕШНЕЙ ФОРМЫ…»
Где опубликовано| © сайт центра "Сириус"
Дата публикации| 2018-08-30
Ссылка | https://sochisirius.ru/news/2130
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



В августе серию мастер-классов по классическому и современному танцу воспитанникам направления «Хореография» проводила прима-балерина Санкт-Петербургского государственного Академического театра балета Бориса Эйфмана и художественный руководитель школы балета «Первая Позиция» Нина Змиевец. О том, каким должен быть современный артист балета и как с классического танца переключаться на современный – она рассказала в интервью.


– Нина Александровна, расскажите немного об образовательной программе – как у вас проходили уроки с воспитанниками?

– Я убеждена, что школа современного танца, которая находится в тесной связи с театральной практикой, базирующейся на знаменитой системе Вагановой и включающей традиции русской и европейской балетных школ, недостаточно. В воспитании современного артиста балета, надо понимать, что он должен быть мобильнее, подвижнее, растанцованней. И задача моего мастер-класса, не нарушая той методики, по которой в своих школах учатся августовские воспитанники, попытаться дать им больше свободы в классическом танце. Когда в рамках своей программы ты можешь не только совершенствуешься как танцовщик, но и делаешь из себя артиста – ощущаешь себя им, ведешь себя как он. Если мы говорим о современной хореографии, то здесь основная проблема – это неспособность расслаблять свое тело и контролировать его. Снять все внутренние зажимы ребят стало ключевой целью. Я опять же, хотела, чтобы они обрели свободу – просто бегали или ходили, смотрели друг другу в глаза, видели партнера, то есть нарабатывали технику и налаживали контакт. Настоящий артист балета сначала работает мозгом: понимая, что нужно делать, достаточно владеет телом, чтобы исполнить все безукоризненно.

– Вы практически одновременно вели мастер-классы и по современному танцу, и по классическому. Легко ли ребята переключались с одного на другой, или это сложнее, чем кажется?

– Сложнее. Иногда практикующему артисту нужны годы на то, чтобы понять – не существует только танцовщиков-классиков и только танцовщиков-современников, потому что при таком разделении последние страдают в форме, а первым не хватает свободы в управлении своим телом. И ребятам было трудно, и не только потому, что сложно переключиться: они, как я уже говорила, сильно зажаты, а это мешает выполнить даже простейшую комбинацию. Я вижу: есть способности, есть выучка, но не хватает понимания возможностей тела. А когда оно приходит, ты можешь без труда варьировать куда угодно: от гранд пируэта или фуэте в классическом танце до динамичных движений в современном.

– Во время образовательной программы вы многое вложили в воспитанников. Как им дальше следует развивать и приумножать эти знания – есть ли у вас для них рекомендации?

– Смотреть как можно больше и как можно чаще. При каждой удобной возможности попадать на мастер-классы, посещать фестивали современной и классической хореографии, ходить на балетные постановки – не упускать шанса узнать что-то новое. Если не получается попасть в театр, смотреть в записи. Надо постоянно набирать материал, с которым потом можно будет работать. И самое главное, это болеть тем, чем занимаешься. Тогда ты всегда найдешь возможность расти и добиваться большего.

– Насколько в работе с ребятами вам помогает то, что вы являетесь действующей балериной?

– Помогает и очень – я очень понимаю ребят. Когда устал, или, например, болит колено, провел несколько часов у станка, а тут очередное занятие и педагог заставляет делать еще больше. И я вдруг также поняла и своих педагогов-балетмейстеров, которые терпели мое «болит-не болит», «хочу-не хочу», «могу-не могу», когда я иногда приходила к ним уставшая, без желания дальше заниматься. Поэтому удалось выстроить занятие так, чтобы отдавая себя, получала обратную связь, в виде ответной энергии, в виде успехов, за которыми ты наблюдаешь в ходе урока.

– Совет для воспитанников августовской программы: как воспитать в себе правильный вкус в области современного танца?

– Я бы не стала выделять конкретных хореографов современного танца – во-первых, их, талантливых и профессиональных, очень много, во-вторых, каждому свое, и навязывать в пример работу какого-то мастера тоже нехорошо. Современная хореография – это синтез всего и отовсюду. Не очень люблю движение ради движения, когда нет смысла, а есть только форма. Хотя иногда бывает, что совершенно непонятно, что происходит на сцене – но танцовщики двигаются так, что тебе совершенно не важно, что написано в либретто и о чем танец. То есть сама пластика тела – феноменальна. Но на мой взгляд, для артиста балета все же важнее связь внутреннего состояния и внешней формы, когда понятно, о чем ты танцуешь, и каждое твое движение – целый смысл.

==================================================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Сен 03, 2018 10:02 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018083202
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Влада Захарова
Автор| корр. SNCMedia
Заголовок| Обратная сторона профессии: балерина
Где опубликовано| © SNCMedia
Дата публикации| 2018-08-21
Ссылка | http://www.sncmedia.ru/career/obratnaya-storona-professii-balerina/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

После завершения международного музыкального фестиваля «Опера в Херсонесе», на котором впервые была представлена балетная программа, мы решили разузнать все о тонкостях профессии балерины и пообщались с Владой Захаровой, балериной Большого Театра и восходящей звезды из семьи артистов театра.



Вы с детства мечтали стать балериной? Как вы пришли к этой профессии?

Я занимаюсь балетом с 3-х лет. Отвели меня в балетную школу родители, скорее для общего развития. Но, когда мне исполнилось 10 лет, мама предложила поступить в Московскую Государственную Академию хореографии. Был большой конкурс, и когда я увидела в списках поступивших свою фамилию, моим эмоциям не было предела. Именно с этого момента начался самый серьезный период в моей жизни.

Поддерживала ли семья ваше решение стать балериной?

Конечно, да. Мои родные и близкие целиком и полностью поддерживают и помогают мне во всех моих начинаниях, а особенно в профессии.



Кто ваш образец для подражания в профессии?

Есть такая хорошая пословица «Учись у всех – не подражай никому». Именно этого я и придерживаюсь. Но, конечно, есть такие балерины, которые являются для меня примером. И мне невероятно повезло, что одна из таких балерин – еще и мой педагог. Надежда Александровна Грачева – народная артистка России, звезда Большого театра. Именно Надежда Александровна научила меня видеть и брать все хорошее у других, но ни в коем случае не подражать, не терять своей индивидуальности.

Как строится ваш обычный день?

Мой рабочий день строится очень буднично и однообразно. Дом – театр. Театр – дом. Утро – класс, день – репетиции, вечер – спектакль. На первый взгляд, это тяжелая лямка, но приятная и сладкая.

С кем из известных танцоров вы хотели бы выступить в дуэте?

Когда танцуешь в дуэте, помимо технических навыков, очень важен контакт между партнерами, умение слушать и слышать друг друга. С партнерами, с которыми я танцую, этот контакт всегда есть. Я восхищаюсь многими танцовщиками, но интересно танцевать с теми, с которыми есть взаимопонимание.

Вы принимаете приглашения выступать на благотворительных площадках?

Принимаю. Уже 2 года подряд в онкологическом центре на Каширском шоссе наших выступлений с нетерпением ждут детки. И каждый раз мы очень тронуты, когда видим радость на их лицах.

Вспомните самый счастливый момент в вашей карьере?

Для меня каждый выход на сцену – особенный. Даже танцуя одну и ту же партию большое количество раз, испытываешь новые неповторимые эмоции. Каждый раз один и тот же эпизод чувствуешь и ощущаешь по-разному. Поэтому для меня каждый момент выхода на сцену счастливый. Но самый счастливый, надеюсь, впереди.

Что вам помогает расслабиться и отвлечься в перерывах между выступлениями?

В перерывах между выступлениями я не позволяю себе расслабиться или отвлечься. Напротив, я стараюсь быть внимательной и собранной, заранее готовясь к спектаклю. Другое дело – после спектакля. Я отдыхаю, как все обычные люди.

Считается, что мир балета крайне жесток, вы согласны с этим утверждением?

Мир балета непрост и требователен. С жестокостью я не сталкивалась, надеюсь, и не придется.



Есть ли у вас друзья в мире балета?

Да! И мне с ними несказанно повезло. Вот уже прошло 11 лет со школьной скамьи, как мы дружим и продолжаем помогать и поддерживать друг друга и в жизни, и на сцене. Это очень важно и ценно для меня.

Рассматриваете ли вы социальные сети как рабочий инструмент?

Скорее нет, чем да. Для меня социальные сети – это еще один из способов самовыражения. Люблю сохранять, а затем пересматривать лучшие моменты жизни.

Вы выступаете на сцене Большого театра – кажется, что все вершины в балете уже достигнуты. К чему вы сейчас стремитесь в карьере и о чем мечтаете?

Большой театр – это действительно вершина. Но очень сложно удержаться на этой вершине. Ты обязан исключить самоуспокоение. И каждый день показывать на сцене свое мастерство и профессионализм. Стремлюсь я всегда к одному – повышать свой профессиональный уровень.


Фото: архивы пресс-служб
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7  След.
Страница 6 из 7

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика