Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2018-07
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3625

СообщениеДобавлено: Вс Июл 29, 2018 11:52 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072912
Тема| Балет, БТ, Национальный Академический театр оперы и балета им. А. Спендиаряна, Персоналии, Арам Хачатурян, Нина Анисимова, Василий Вайнонен, Борис Эйфман, Вилен Галстян, Сюзанна Пирумян, Рубен Мурадян, Ваагн Маргарян, Размик Марукян
Автор| Павел Ященков
Заголовок| " Солиста балета Армении хотят забрить в солдаты
В Большом театре прошли гастроли Национальный Академический театр оперы и балета им. А. Спендиаряна

Где опубликовано| © Газета «Московский комсомолец»
Дата публикации| 2018-07-27
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2018/07/27/solista-baleta-armenii-khotyat-zabrit-v-soldaty.html
Аннотация| ГАСТРОЛИ


Размик Марукян. Фото: facebook.com/razmik.marukyan

На Исторической сцене Большого театра с однодневными гастролями выступил Национальный Академический театр оперы и балета им. А. Спендиаряна. Гости из Еревана привезли в Москву легендарный балет на музыку Арама Хачатуряна «Гаянэ», а сами гастроли оказались приурочены сразу к трем знаменательным датам: 115-летию композитора, 100-летию Первой Армянской Республики и 2800-летию столице Армении Еревану. Последний раз этот коллектив гастролировал в Москве 43 года назад, и тогда (в 1975 году) театр тоже показывал на сцене Кремлевского дворца балет «Гаянэ», такую же визитную карточку коллектива, как, например, «Лебединое озеро» для Большого театра.

Но Армянский балет когда-то начинался с «Лебединого озера». Именно этот балет в постановке Ю. Рейнеке в 1934 году стал дебютом труппы, сформированной в основном из артистов одесского театра. А сам Национальный театр оперы и балета Армении, моложе балетной труппы ровно на год и существует с 1933-го.

Из досье «МК»: Сейчас знаменитого балета Чайковского в репертуаре театра нет, как нет «Спящей красавицы», «Щелкунчика». «Лебединого» . Сейчас из классики на сцене театра представлены - «Жизель», «Шопениана», «Дон Кихот». «Кармен-сюита» Альберто Алонсо, «Лоркиана». Основу репертуара составляют три балета Арама Хачатуряна («Гаянэ», «Спартак». «Маскарад») В планах - «Чиполлино» в постановке Генриха Майорова на музыку Карена Хачатуряна.

В республике хорошо функционирует балетное училище и с мальчиками, по словам руководителей, у них проблем нет. Но балетных мальчиков в республике на 2 года призывают в армию, что для артистов равносильно потере квалификации. И сейчас такая беда грозит исполнителю одной из главных партий в этом балете (Гико), лучшему танцовщику труппы, лауреату многочисленных международных конкурсов Размику Марукяну, которому весной исполнилось 18. И это ужасно, одна надежда на супруга премьер-министра Армении Анну Акопян и министра культуры Армении Лилит Макунц, которые смотрели гастрольный спектакль из царской ложи.

Ну а балет «Гаянэ», что показали в Большом действительн легендарный. Последний раз на сцене Большого 4-й акт этого спектакля в хореографии Нины Анисимовой ставился аж в 1961 году. Больше всех этот балет известен широкой публике конечно своим знакомым всем и каждому «Танцем с саблями». И именно этот зажигательный танец в Большом смотрел знаменитый герой романа Войновича Иван Чонкин (в последней части «Перемещенное лицо»), правда, по ошибке писателя почему-то в балете «Спартак», а не в «Гаянэ».

Балет некогда гремел по всей стране и имел многочисленные редакции: самая знаменитая из них - Василия Вайнонена, поставленная для Большого в 1957 году. Премьеру танцевали Раиса Стручкова и Юрий Кондратов. К этому времени балет Хачатуряна имел 15-летнюю сценическую судьбу. А поставила его еще во время войны в 1942 году балетмейстер Нина Анисимова - в эвакуации на сцене Пермского театра оперы и балета.
Однако немногим известно, что непосредственным предшественником балета «Гаянэ» был балет «Счастье», написанный Хачатуряном по «личному» заказу Анастаса Микояна и показанный в 1939 году в Москве . Он являлся как бы эскизом к «Гаянэ», и лучшие номера из «Счастья» (в том числе и «Танец с саблями») Хачатурян впоследствии ввел в новый балет. А его композитору заказала дирекция Кировского, а нынче Мариинского театра.
С либретто «Гаяне» не повезло с самого начала, и оно менялось в соответствии с линией партии и в зависимости от текущего политического момента. Собственно, недостатки первого либретто и побудили композитора переписать большую часть музыки. Написанное Константином Державиным в 1940 году, либретто, что называется, навеяно временем: в центре была история молодой колхозницы Гаянэ из армянской деревушки, вступившей в войну с диверсантом, выкравшем у геологов секретные образцы горной породы.

Когда в победном 1945 году балет переносили на сцену Кировского, либретто про происки вредителей и врагов народа шло в ногу со временем. Состав первых исполнителей для такого важного в воспитании трудящихся спектакля был звездный: Наталья Дудинская (Гаянэ), Константин Сергеев (Армен), Татьяна Вечеслова (Нунэ), Николай Зубковский (Карен). А за свою гениальную (и к ,сожалению, не востребованную сейчас в российском балете) музыку, композитор получил Сталинскую премию I степени - самую престижную награду того времени. Он внёс в фонд Вооруженных Сил СССР.

В эпоху хрущевской «оттепели», в новом либретто Бориса Плетнёва, о врагах народа уже не было ни слова. В центре был рассказ о предательстве: герой, ослепший из-за предательства друга, прозревает в финале и изгоняет предателя из родного аула. Было в либретто и про дела амурные, но не на первом месте: какой-то невнятный и запутанный любовный квадрат. Но это либретто не отражало характер гениальной музыки, хотя и писалось в сотрудничестве с композитором. Возникли проблемы с либретто и у Вилена Галстяна, знаменитого армянского танцовщика, поставившего этот балет в Национальном Академическом театре им. Спендиаряна и тоже сотрудничавшего с Хачатуряном. В центр своего незатейливого сюжета он поставил именно любовные перипетии.

И вот 2018 год. На гастролях в Большом театре вместо заявленной ранее Соны Варданян партию Гаяне танцевала Сюзанна Пирумян),а Рубен Мурадян — партию Армена. Здесь — торжество любви, и в заключительном третьем действии 3-х актного балета у них на свадьбе, наряду с другими национальными танцами, исполняется тот самый знаменитый - с саблями.

Но избавившись от врагов, вредителей и предателей, драматургически балет не выиграл - действие спектакль топчется на месте. И тут вспоминается другая постановка «Гаяне» - 1972 года, в МАЛИГОТе (сейчас Михайловский театр) тогда мало кому известного студента четвертого курса балетмейстерского отделения Ленинградской консерватории Борис Эйфман. Но между этими двумя постановками зияет не только временная, но и эстетическая пропасть. Динамично развивающийся балет Эйфмана современно смотрится до сих пор (существует запись «Гаянэ» 1980 года в исполнении артистов латвийского балета), спектакль же Галстяна остался в 70-х. Не «вытягивают» его даже прекрасные декорации выдающегося художника Минаса Аветисяна, трагически погибшего через год после премьеры в возрасте 46 лет. Сделанные в голубых и красно-рыжых красках, они хорошо раскрывают национальную специфику музыки гениального композитора.
Самое отрадное впечатление в балете произвел мужской состав. Исполнитель партии Карена - Ваагн Маргарян, прекрасно и энергично солировал в танце с саблями, исполнив вместе с кордебалетом и рослым премьером Рубеном Мурадяном этот номер на бис после поклонов и во второй раз. Но особенно запомнился в спектакле своей игрой и танцем уже упомянутый Размик Марукян. За артистом, поставленным на партию «злодея» Гико, интересно наблюдать каждую минуту. Легкий и стремительный прыжок, потрясающе раскрывающиеся в нем ноги, изящные стопы, вьющаяся шевелюра волос – танец его героя скорее вызывал непредусмотренное по либретто сочувствие и восхищение, чем отрицательные эмоции. Пляски «похитителя» на свадьбе естественно либретто не включало, поэтому Размик, к сожалению, не выступал в финальном третьем отделении, о чем очень пожалели в зрительном зале.

- Сделали бы так, чтоб этот герой стал положительным и выступил бы еще и в финале- вздыхала сидящая рядом со мной зрительница.

Размик Марукян невероятно талантлив. Московским зрителям он запомнился своими выступлениями на престижнейшем конкурсе артистов балета, что прошел в Большом театре прошлым летом.А после московского конкурса получил ещё приз жюри на международном конкурсе в Джексоне (США), и сейчас, остается только надеяться, что предстоящая служба в армии не сможет прервать столь блестяще складывающуюся карьеру артиста.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3625

СообщениеДобавлено: Вт Июл 31, 2018 11:05 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073101
Тема| Балет, Музыкальный театр Карелии, Персоналии, Павол Юраш, Кирилл Симонов
Автор| Анна Гриневич
Заголовок| «Искорка» Павол Юраш
Где опубликовано| © Информационное агентство «Республика»
Дата публикации| 2018-07-26
Ссылка| http://rk.karelia.ru/special-projects/persona/iskorka-pavol-yurash/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Он никогда не жил в «хрущевке», но может построить ее на сцене. Не был пионером, зато был «искоркой». Он считает балет актуальным искусством и любит, когда спектакль вызывает споры. Новый герой «Персоны» — художник Павол Юраш.

«Овощи» по-словацки – «фрукты», а «черствый» – «свежий». Разговаривать с Паволом Юрашем очень интересно. Помимо родного языка, он свободно говорит на нескольких языках Евросоюза. Мы беседуем на русском — акцент Павола открывает в привычных словах иные смыслы.


Павол Юраш: «Музыка обещает счастливый сон, который мы не увидим».
Фото: ИА «Республика» / Михаил Никитин


Павол Юраш
Художник, режиссер и театральный обозреватель. Имеет два академических образования, свободно разговаривает на нескольких языках. Автор пьесы о Вацлаве Нижинском. Работает по всему миру.


Сейчас Павол Юраш представляет себя как театрального художника. Не исключено, что в будущем он еще не раз поменяет профессию, как делал это прежде. Наблюдение за таким свободным человеком дает дополнительные бонусы в общении.
Поводом для знакомства с Паволом Юрашем стала премьера балета «Коппелия» в Музыкальном театре. Постановщик Кирилл Симонов полностью изменил сюжет классического балета, перенес действие в СССР, провел параллель с событиями в сказке Гофмана и историей нашей страны. Драматург Ольга Погодина-Кузьмина написала оригинальное либретто к балету, а художник из Словакии Павол Юраш придумал построить на сцене театра настоящий блочный хрущевский двор.
Балет «Коппелия» откроет новый театральный сезон Музыкального театра 29 сентября.

— Ваш балет называется «Коппелия», но история здесь совсем другая. Человек, который будет ожидать классического исполнения комического балета Делиба, может подумать, что это провокация!

— Нет, я не думаю, что это провокация, просто Кирилл Симонов взял для постановки другое либретто. Первоначально в основе балета была сказка германского автора Гофмана «Песочный человек» про черного человека, который делал страшные механические куклы. Кирилл Алексеевич придумал перенести эту историю в ХХ век. Кому-то эта идея понравится, кому-то – нет. Зрители смогут почувствовать себя как в драматическом театре.

— Балет – это актуальное искусство?

— Мне нравится работать с Кириллом Алексеевичем, который думает как современный хореограф. Он не хочет надевать на балерин пачки и выстраивать на сцене старинные красивые декорации, как у Петипа и Всеволожского. Он ищет новый подход, включающий в себя и новое актерское искусство, и художественное оформление, и драматургию. В Петрозаводске это делать удобно: здесь маленькая сцена, небольшая труппа и активный театр, подходящий для того, чтобы актеры показывали сложную и интересную хореографию.

— Вы уже делали «Коппелию» в другом варианте с другим режиссером?

— Да, я работал с Василием Медведевым из Петербурга для театра в Панаме. Там очень красивое здание в стиле исторического итальянского театра, там танцевали Анна Павлова и Марго Фонтейн. В Панаме мы ставили классический спектакль.

— Пролог в нашем балете «Коппелия» отсылает к 1937 году. Кто придумал эту идею?

— Идея Кирилла Алексеевича. Главный герой, Натанаэль, еще маленький. Однажды к ним в дом приходят чекисты, забирают отца и отправляют его в лагерь. Больше мальчик отца не увидит. Кирилл Алексеевич придумал образ черного человека в очках. В сказке – это кукольный мастер Коппелиус, который ассоциируется с Берией, для которого люди были как куклы. Музыка Лео Делиба яркая и счастливая, но в спектакле есть много мест, где становится страшно. Я начал рисовать эту историю, а Кирилл Симонов говорил мне, что ему нравится, а что нет, где-то добавлял цвета, а в другом месте убирал. Мы работали в тандеме.

— Вы строите на сцене двор с «хрущевками». Откуда вы знаете, что это?

— Да, у нас в Чехии и Словакии тоже есть «хрущевки». Правда, у вас эти дворы выглядят лучше – больше места, есть, где ставить машину и гулять с ребенком. У нас в Праге или Братиславе в таких дворах гораздо теснее — квадраты, квадраты, квадраты. Архитектура немного комическая. А у вас есть искусство в этом архитектурном стиле. В нашем спектакле «хрущевки» получились трехэтажные, потому что сцена небольшая. И так вышло очень эффектно: открывается занавес, а там — двор.

— Но вы сами никогда не жили в таком доме, да?

— Слава богу, нет. Для меня там тесно. Зато я был в Петрозаводске в одной из хрущевок. Однажды в театр позвонила женщина и сказала: «Пожалуйста, придите ко мне в квартиру, у меня красивые костюмы того времени, которое вас интересует». Мы со Светланой, директором пошивочного цеха, пошли в гости. Приходим – там симпатичная бабушка, у которой в чемоданах лежат наряды 60-х годов.

— И это все пригодилось для спектакля?

– Да, просто в балете костюм должен быть специальным, позволяющим актеру свободно танцевать. Мы придумали стилизацию. Действие происходит летом, поэтому наши актеры одеты в купальные и спортивные костюмы. Яркие орнаменты, отсылающие к искусству 30-х годов, были специально напечатаны на ткани для спектакля. Вообще в 1930-е годы в СССР было фантастическое искусство – художники, дизайнеры. Было много яркого цвета. В нашем варианте это выглядит немного как сон, который наши матери никогда не видели.

— На сцене есть даже пионеры. Вы сами были пионером?

— Я уже не успел, в 1989 году все развалилось. Зато я был «искоркой» — это период до пионеров.

— А галстук пионерский можете завязать?

— Нет, «искорок» этому не учили. Но моя сестра может.

— Есть у вас личное переживание темы Большого террора?

— Да, к нам в страну террор пришел после Второй мировой войны. Были сделаны списки врагов народа, людей, посещающих церковь, уважающих демократию. Этих людей арестовывали и судили. Это продолжалось около 10 лет. В 1960-х годах наступила оттепель – Пражская весна. Это время окончилось в 1968 году с приходом советских танков. Началась вторая волна террора. Люди могли быть соседями, но если одному понравилась квартира другого, он мог настучать, например, что тот слушает европейское радио. Приходили люди, забирали человека по доносу, а сосед получал новую квартиру. Люди сами организовывали этот террор.

— Вы сразу после окончания школы решили, что будете связаны с искусством?

— Да, я был убежден, что хочу заниматься искусством. Я играл на фортепьяно и рисовал. Потом стал учиться на режиссера оперы в очень известной Академии музыкальных искусств имени Леоша Яначека в Брно. Мне это очень нравилось, потому что опера – фантастическое искусство, много людей на сцене – хор, солистки, танцовщики, оркестр. Через 5 лет я стал профессиональным постановщиком оперных спектаклей. Но счастливым от этого не стал. Опера, конечно, фантастическое искусство, но столько здесь проблем! Примадонна не хочет быть просто актрисой, а хочет стоять на просцениуме и петь свою арию, солистов не заставишь заниматься актерской жизнью на сцене и тому подробное.

— И вы бросили оперу?

— Я поступил в другую академию, в Гамбурге, и стал учиться на режиссера драмы. Драматическое искусство мне понравилось даже больше, потому что артисты здесь более активные. И в то же время мне хотелось заниматься и художественным оформлением спектаклей. Я познакомился с самыми талантливыми мастерами в области сценографии и стал ходить к ним в мастерские за уроками. Со временем я не только ставил свои спектакли, но и оформлял их.

— Почему вы сейчас не режиссер?

— Я много работал много, ставил стационарные спектакли и перформансы. Больше всего мне нравилось устраивать представления на вокзалах, в галереях, в музеях или на площадях. В европейском театре сейчас популярны такие спектакли. Много работал для детей. Дети смотрят на сцену другими глазами, не так, как взрослые. Потом я понял, что режиссура и в драматическом театре – штука очень сложная, потому что в театре всегда много проблем. Так я решил стать художником.

— Понравилось ли вам работать в Петрозаводске?

— Здесь в театре каждый человек мне говорит «здравствуйте», «добрый день», «как дела». Люди спрашивают, хорошо ли я устроился в гостинице, комфортно ли я себя чувствую. Когда я работаю в Европе, у меня контракт, я зарабатываю деньги. Никто не интересуется, какое у меня самочувствие, как я живу и чем питаюсь. Я заканчиваю работу в 4 часа вечера в театре — и все. Вопроса «а успеем ли мы до премьеры все сделать?» просто не существует.
Здесь все иначе. Люди работают и до 6 часов вечера, и позже. Перед премьерой мы работали без выходных. Здесь люди просто любят свой театр, свою работу. Это просто их жизнь. Мне это очень нравится. У нас в Европейском союзе такого стиля в театральной работе нет.

— Что вам приносит счастье?

— Я думаю, что я счастлив, когда здоров. И когда можно приходить в хороший театр, где на самом первом месте – искусство. В Европе много театров искусством не занимается. Они думают только о том, сколько получить денег за билеты. Мне нравится Петрозаводск, здесь я счастлив. Здесь вкусная еда, хорошая рыба и красивое озеро.

— Какая карельская еда вас впечатлила?

— Мне все нравится. Суп лохикейтто фантастичен и солянка. Брусника тоже. Калитки с картошкой очень симпатичные.

— Вы готовы к тому, что не всем людям понравится спектакль?

— Да, конечно. Мне нравятся скандалы. Театр занимается жизнью человека, показывает, как в зеркале, какой может быть эта жизнь. Мне не нравится, когда человек идет в театр отдыхать — надевает красивое пальто, берет семью, приходит, смотрит, аплодирует 30 секунд и уходит, а потом не может вспомнить, что смотрел: «Аиду», «Турандот» или «Лебединое озеро»? Мне нравится искусство, которое человека цепляет, нравится, чтобы через месяц или год вы вдруг вспомнили, какой был красивый образ в спектакле или еще что-нибудь.

ФОТОГАЛЕРЕЯ на сайте
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3625

СообщениеДобавлено: Вт Июл 31, 2018 11:16 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073102
Тема| Балет, Михайловский театр, Персоналии, Михаил Мессерер
Автор| Софья Козич
Заголовок| Главный балетмейстер Михайловского театра Михаил Мессерер заявил об уходе
Где опубликовано| © «Фонтанка.ру»
Дата публикации| 2018-07-27
Ссылка| https://calendar.fontanka.ru/articles/6896/
Аннотация| ПЛАНЫ



Главный балетмейстер Михаийловского театра Михаил Мессерер заявил об уходе после десяти лет работы. Информацию, появившуюся в театральных кругах, «Фонтанке» подтвердил сам Мессерер.

Причина отставки — в том, что «нелегко жить на две страны», пояснил он:

— Моя жена и дети в Лондоне, я хочу проводить с ними больше времени. Когда в декабре 2017 года мой четвертый по счету контракт с Михайловским заканчивался, и я не стал его продлевать, то театр попросил меня поработать до конца текущего сезона. Я счел эту просьбу справедливой и обещал обеспечить завершение сезона. Сейчас сезон заканчивается, и я ухожу. Я очень признателен петербургским зрителям, моим дорогим коллегам по Михайловскому театру, всем, с кем судьба свела меня в этом прекрасном городе за десять незабываемых сезонов работы.

По словам Мессерера, его заявление подписано 24 июля. Однако, по сведениям «Фонтанки», в Михайловский театр документ не поступал.

Михаил Мессерер — представитель балетной династии. Родился в 1948 году, в 1980-м эмигрировал в Великобританию, где на протяжении двадцати семи лет был педагогом Королевского балета Ковент-Гарден. С участием Мессерера труппа выступала на основных площадках мира. В качестве педагога-балетмейстера сотрудничал с ведущими мировыми балетными труппами: Американским театром балета, Парижской оперой, Венской оперой, Английским национальным балетом, театром Ла-Скала, Королевским датским балетом, Королевским шведским балетом, балетами Берлина, Штутгарта, Мюнхена, Рима, Будапешта, Буэнос-Айреса, Мельбурна, Токио и многими другими.

В 2009 году по приглашению Владимира Кехмана Михаил Мессерер возглавил балетную труппу Михайловского театра. Среди постановок, осуществленных здесь, — «Лебединое озеро», «Дон Кихот», «Золушка», «Пламя Парижа», «Лауренсия», «Класс-концерт».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3625

СообщениеДобавлено: Вт Июл 31, 2018 11:18 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073103
Тема| Балет, Парижская национальная опера, Персоналии, Летиция Пюжоль, Сэ Ын Пак, Франсуа Алю, Марк Моро, Пабло Легаса, Аксель Маглиано, Камиль Бон, Томас Докир, Амели Жоанидес, Наис Дюбоск, Исаак Лопес Гомес, Марион Готье, Виктуар Анкетиль, Адель Белем, Жозеф Омер, Джек Газтоут
Автор|
Заголовок| С успехом прошло первое выступление Gala de Paris на сцене "Астана Опера"
Где опубликовано| © Tengrinews.kz
Дата публикации| 2018-07-28
Ссылка| https://tengrinews.kz/picture_art/uspehom-proshlo-pervoe-vyistuplenie-Gala-de-Paris-stsene-350298/
Аннотация| ГАСТРОЛИ



На сцене "Астана Опера" воцарилась атмосфера Парижа, грации и красоты. Звезды балета Парижского национального оперного театра под художественным руководством хореографа и талантливого танцовщика Себастиана Берто 27 июля открыли гастроли в Астане. На радость столичным ценителям высокого искусства яркие номера из концертной программы исполнили французские танцовщики, в числе которых две лучшие балерины парижской труппы – Летиция Пюжоль и Сэ Ын Пак, которую также называют "будущим французского балета". Никто не остался равнодушным к таланту таких виртуозных солистов, как Франсуа Алю, Марк Моро, Пабло Легаса, Аксель Маглиано, Камиль Бон, Томас Докир, Амели Жоанидес, Наис Дюбоск, Исаак Лопес Гомес, Марион Готье, Виктуар Анкетиль, Адель Белем, Жозеф Омер, Джек Газтоут.

Артисты продемонстрировали высокий уровень владения классическим стилем исполнения, в особенности мужской состав, который уделил огромное внимание позициям рук, все движения были выполнены безукоризненно. Солисты невероятно музыкальные, каждый из них не только слышит, но и чувствует музыку, от чего танец получался гармоничным и, что немаловажно, синхронным. Необходимо отметить красоту костюмов, являющихся настоящим произведением искусства. Казалось, что отдельные из них созданы не для сцены, а для подиума. И это становится понятным, когда узнаешь, что их автор Оливье Рустен – креативный директор французского дома высокой моды Balmain.

Программу открыл балет "Раймонда", в котором публику удивили эксклюзивными костюмами от Кристиана Лакруа. Остальные же балеты были представлены в оригинальных и исторических костюмах Парижской национальной оперы. В целом убранство сцены, за которое отвечали художники Анна Садовска (Париж) и Ахсар Муриев (Рим), и костюмы из самой столицы моды, оправдали все ожидания зрительской аудитории.

За дирижерским пультом Симфонического оркестра "Астана Опера" весь вечер блистал маэстро Владимир Ланде. Он сумел продемонстрировать мастерство как прекрасный балетный дирижер, а также деликатно вел оркестр в сольных номерах. Так, ими были исполнены: антракт ко второй картине из первого действия балета "Раймонда" Глазунова, па-де-де из балета "Щелкунчик" Чайковского, скерцо из концертной увертюры "Сон в летнюю ночь" ор. 21 Мендельсона, первая сцена из сюиты к балету "Лебединое озеро" ор. 20 Чайковского.

По словам дирижера Владимира Ланде, качество Симфонического оркестра "Астана Опера" оказалось еще лучше, чем он о нем слышал, а его очень хвалят в мире. "Блестящие музыканты, хорошо наученные, не много оркестров осталось в мире, которые работают с такой полной самоотдачей. У него высокий международный уровень", - сказал маэстро. В программу вошли произведения разных эпох, рассказанные живым хореографическим языком. Одним из самых ярких стал балет "Ренессанс" Себастиана Берто на скрипичный концерт Мендельсона. К слову, в "Астана Опера" состоялась международная премьера недавнего творения талантливого балетмейстера, впервые представленного на сцене Гранд-Опера в прошлом году. Важно подчеркнуть, что соло на скрипке виртуозно исполнил концертмейстер Симфонического оркестра, Заслуженный деятель Казахстана Багдат Абильханов.

Интересным завершением вечера стал финал с участием всех артистов на музыку Карла Черни "Этюд". Танцовщики искусно поочередно кланялись зрителям, срывая шквал аплодисментов. Сегодня был аншлаг! Крики "браво" доносились из всех уголков зала. Известно, что вечера Gala de Paris планируют посетить более четырех тысяч зрителей.

Напомним, что 28, 29, 30 июля пройдут заключительные представления труппы Парижского национального оперного театра. Вечера Gala de Paris проходят при поддержке Министерства культуры и спорта РК в рамках празднования 20-летия Астаны. Это яркое культурное событие также совпало с 350-летием Парижской национальной оперы. Проект реализуется совместно с "Қазақ әуендері".

ФОТГАЛЕРЕЯ на сайте
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3625

СообщениеДобавлено: Вт Июл 31, 2018 11:20 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073104
Тема| Балет, Большой театр Беларуси, Персоналии, Вячеслав Кузнецов
Автор| СВЕТЛАНА ШИДЛОВСКАЯ, Фото Сергея Лукашова и из личного архива В. Кузнецова
Заголовок| Композитор Вячеслав Кузнецов: «Партитуры не горят»
Где опубликовано| © Агентство «Минск-Новости»
Дата публикации| 2018-07-29
Ссылка| https://minsknews.by/kompozitor-vyacheslav-kuznetsov-partituryi-ne-goryat/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Есть такая профессия — музыку сочинять. Вячеслав Кузнецов считает: это не профессия, это жизнь. О малой родине, первом музыкальном инструменте и новом балете беседовала корреспондент агентства «Минск-Новости».

Сравнивать современную культуру с эталоном — классиками XIX века — некорректно. Общество поменялось кардинальным образом: заметны не книги, фильмы, спектакли, а только скандалы вокруг них. Нет скандала — вроде бы нет и творца, будь он хоть семидесяти семи пядей во лбу. Кого публика знает из нынешних белорусских композиторов, работающих в серьезных музыкальных формах? Она даже эстрадников не знает! Вот и получается: классики среди нас люди-невидимки. Один за другим ушли Сергей Кортес и Дмитрий Смольский. Дай бог здоровья 80-летнему Андрею Мдивани. Прекрасную, волнующую, перебирающую все струны души музыку пишет плеяда — Вячеслав Кузнецов, Галина Горелова, Владимир Конд¬русевич, Виктор Войтик, Владимир Курьян, Виктор Копытько, Олег Ходоско… Имя композитора Вячеслава Кузнецова в последнее время попало в ротацию СМИ в связи с тем, что Национальный академический Большой театр оперы и балета Республики Беларусь ставит его новый балет «Анастасия». Как и предыдущий кузнецовский балет «Витовт», он создан на отечественном материале. «Анастасия» станет третьим национальным балетом в репертуаре Большого. Премьера 30 октября.

Родом из Вены

— Вячеслав Владимирович, заглянув в справочник, мы узнали, что ваша малая родина — столица вальсов и тортов Вена. Это как?
— Белорусский композитор с русской фамилией родом из Австрии — да, так получилось (смеется). Отец прошел войну и остался в венском гарнизоне. Но вскоре после моего рождения советские войска были выведены из Австрии. Так что первые детские воспоминания исключительно про город Барановичи. Я себя чувствую белорусом. Мне очень близок именно белорусский фольклор. Есть ощущение, что корни предков уходят в Великое княжество Литовское. Кстати, девичья фамилия матери Зарецкая.

— Ваш первый музыкальный инструмент?

— Фортепиано. Как и все мальчишки, я очень любил футбол, но… Моя мама, видимо, что-то почувствовала, раз взяла за руку и отвела в музыкальную школу. По первой профессии я пианист.

— В каком возрасте приехали в Минск?

— Призывником: служил в Уручье. Приезжал прослушиваться в консерваторию. На композиторское поприще меня благословил сам Анатолий Васильевич (Анатолий Богатырев — основатель белорусской национальной композиторской школы. — Прим. авт.). Очень тепло принял, выслушал. С этого момента Минск стал моим городом. Знаю его наизусть.

Музыка вместо сумбура

— Вы пишете музыку почти полвека. Пишете на заказ? Или повинуетесь некой внутренней потребности?


— Балеты и оперы сочиняются не в один месяц и даже не в один год. Это надо понимать… У меня восемь балетов, и все заказные. Кроме первого — «Двенадцать стульев». Я сочинил его еще студентом консерватории (Вячеслав Кузнецов изучал композицию под руководством народного артиста СССР композитора Евгения Глебова. — Прим. авт.). Судьбы у них разные. Балеты «Двенадцать стульев», «Суламифь» и «Клеопатра» до сцены не добрались. «Полонез» был поставлен нашим хореографическим училищем, показан в Минске в филармонии и на театральной сцене. Балет «Клеофас» в концертном исполнении звучал в Вильнюсе, Варшаве, Париже. Все хорошо сложилось у «Макбета», который поставила Наталья Фурман, — десять сезонов шел в Большом театре Беларуси.
Когда театр заинтересован в том, чтобы на его сцене появилось значимое произведение, он собирает команду единомышленников. Так произошло с балетом «Витовт». В конце нулевых сложилась крепкая творческая группа: Алексей Дударев, Владимир Рылатко, Юрий Троян, Вячеслав Волич, Эрнст Гейдебрехт. Пригласили меня. Работа шла несколько лет. Я приносил в театр написанные фрагменты, выяснял творческие позиции, ведь чем дальше заходит процесс создания спектакля, тем труднее потом переделывать музыку, особенно партитуру. «Витовта» я писал с удовольствием, как будто вынимал из души то, что накапливалось всю жизнь. Постановку возили в Москву и Вильнюс, везде были аншлаги (в 2015 г. коллектив Большого театра Беларуси впервые был удостоен премии Президента Республики Беларусь «За духовное возрождение» за воплощение национально-исторической тематики в спектаклях театра и постановку национального балета «Витовт». На третьем республиканском конкурсе театрального искусства «Национальная театральная премия» «Витовт» победил в четырех номинациях. — Прим. авт.).
Опер у меня четыре: «Записки сумасшедшего», «Приглашение на казнь», «Гумберт Гумберт» и «Голова профессора Доуэля». Большой театр Беларуси поставил только «Записки сумасшедшего». Сейчас она уже не идет.

— То есть немало проектов находится в режиме ожидания. В таком случае вопрос: горят ли партитуры?

— Партитуры, как и рукописи, не горят. Настоящая музыка самодостаточна и ничему не подвластна. А хранятся партитуры в библиотеке Белорусского союза композиторов.

Где живет мелодия

— Благодаря современной технике наступили времена дилетантов. Даже человек, не знающий нотной грамоты, может сообразить мотивчик. Ушла сакральность, и музыка стала едва ли не вещью из супермаркета. Согласны?


— Да, происходит снижение профессиональной планки, и это заметно даже по тому, что не появляются мелодии, которые знало бы все общество. Когда люди собираются в тесном кругу, они поют старые советские песни, поют Блантера, Богословского, Лученка… Профессионализм и самодеятельность — разные формы творчества. В советское время самодеятельные авторы и исполнители были весьма уважаемы. И они находились на своем месте.

— Родион Щедрин сказал: чтобы сочинять музыку, композитору требуются стол, партитурная бумага и тишина. А вот Дмитрий Шостакович мог работать даже в гремящем поезде. А вы?

— Ощущение, что никого рядом нет, очень важно. А писать можно везде. Помню, во время концертного турне по Австрии, пока мы ехали из Зальцбурга в Вену, я сочинил пьесу прямо в автобусе.

— Вы выбираете в качестве литературной основы Гоголя, Хармса, Набокова… Много читаете?

— Люблю шелест страниц. И читаю, видимо, не так, как другие. Для меня текст либо музыкален, либо нет. Музыка слов — это не метафора. Кантату «Тихие песни» я писал на стихи Максима Богдановича. Богданович зазвучал во мне сразу. В литературе он стоит особняком, его ни с кем не сравнишь, это уникум. Нечто похожее произошло с Яном Чечотом. В своих «Песнях о древних литвинах» Чечот зарифмовал историю ВКЛ. На основе «Песен…» я написал кантату для мужского хора и ударных инструментов. А идею мне подал Виктор Скоробогатов, руководитель «Белорусской капеллы».

— На чтение время есть. А на остальное? Ходите ли в театры?

— Хожу, причем особую привязанность испытываю к Купаловскому. Был случай: лет шесть назад меня включили в комиссию по театральным премиям, и я с большим удовольствием обошел минские сцены, все посмотрел. Особый трепет вызвал Белорусский государственный театр кукол. В студенчестве я заведовал там музыкальной частью. Уже 30 лет идет «Красная Шапочка» с моей музыкой.

Анастасия — не кукла

— Удача с «Витовтом» подтолкнула Большой на создание еще одного национального балета. Это вновь эпоха Великого княжества Литовского.


— Только веком позже, ближе к нам, и история другая. Долго думали и остановились на княгине Анастасии Слуцкой, которая после смерти мужа возглавила борьбу с нашествием татар. Женщина яркая, волевая, отважная. Такой личности в нашем балете еще не было. Мы покажем ее в движении — девочка, девушка, замужняя дама, вдова, воительница, пленная… Она для нас абсолютно живой человек. Это не кукла.

— Пятнадцать лет назад на студии «Беларусьфильм» был снят фильм «Анастасия Слуцкая», в котором главную роль исполнила Светлана Зеленковская. А недавно я была в репетиционном зале Большого театра, где сразу семь балерин, одна лучше другой, показывали балетмейстеру свой рисунок этой роли.

— В труппе Большого сейчас работают артисты очень высокого класса. Мне импонирует их установка на достижение лучшего результата. Они по-хорошему амбициозны. Думаю, что ближе к премьере Юрий Троян разрешит интригу, кто же станцует белорусскую Жанну д’Арк. Хотя сделать это ему будет непросто.

— Чем завершается у вас история Анастасии?

— Многоточием. Никакого пафосного финала — только легкая грусть от расставания с героиней. Мы стремимся к тому, чтобы у зрителя проснулась генетическая память, чтобы он почувствовал ностальгию по тем временам.

— Вячеслав Владимирович, а какие музыкальные средства, инструменты вы выбираете, чтобы создать историчность и национальный колорит?

— Конечно, самое простое — поставить цимбалы, найти дударя, сделать видеопроекцию с летящим аистом. Это чисто внешний эффект, лобовое решение. Я к ним не прибегаю. В симфоническом оркестре играет добрая сотня превосходных музыкантов. Богатейшая звуковая палитра! Мастерство композитора как раз в том и состоит, чтобы использовать эти возможности. Чтобы у зрителя возникла иллюзия присутствия в Слуцке XVI века.

— Иллюзия?

— Кто абсолютно точно знает, что было 500 лет назад? Что ели, как одевались в жизни, а не для парадного портрета? А вот чувства, эмоции, духовные потребности представить и передать можно, потому что человек по своей сути мало изменился. Если у него появился смартфон, это не значит, что он умнее своего далекого предка. Наоборот, предок умнее хотя бы потому, что у него было больше времени для обдумывания жизненных процессов.

— Есть ли опасность получить дубль «Витовта»?

— Скажу так: тень опасности витает. Но «Анастасия» будет другим спектаклем. Во-первых, у нашей творческой группы сложилось очень нежное, трепетное отношение к героине, и это создаст иное настроение, чем в «Витовте». Во-вторых, в «Анастасии» должна мощно прозвучать восточная тема: стук копыт татарской конницы, полет стрел… Сойдутся Запад и Восток, столкнутся мужская и женская стихии. Так задумано.

— Что ж, будем ждать новый крупный культурный продукт. Надеемся, что услышим живописную музыку, увидим рельефно обрисованные характеры.

P. S. Сочинитель симфоний, концертов, опер и балетов — марафонец. Годами он создает произведение и корпит над партитурой, прописывая каждую ноту для каждого инструмента. А это тысячи и тысячи знаков… Таланту должны сопутствовать выносливость и оптимизм, готовность идти к цели, несмотря ни на что. Может, поэтому из десятков выпускников академии музыки в профессии остаются единицы. В ответ на вопрос о новом композиторском поколении Вячеслав Владимирович назвал Ольгу Подгайскую, Константина Яськова, Екатерину Шиманович: «У них в музыке собственный взгляд». И добавил: «Слушаю и вспоминаю, каким в их годы был сам…»

ФОТО по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3625

СообщениеДобавлено: Ср Авг 01, 2018 12:30 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073105
Тема| Балет, Театр "Русский балет", Персоналии, Вячеслав Гордеев, Артем Кудряшов, Юлия Звягина
Автор|
Заголовок| На берегу Ангары показали балет "Лебединое озеро"
Где опубликовано| © ГТРК "Иркутск"
Дата публикации| 2018-07-30
Ссылка| https://www.vesti.ru/doc.html?id=3043767&cid=17#
Аннотация| ГАСТРОЛИ



Завораживающий балет на берегу Ангары. И не какой-нибудь, а знаменитое "Лебединое озеро" Петра Чайковского. Впервые жители Иркутска смогли увидеть его не на сцене, а под открытым небом. Выступление проходило в архитектурно-этнографическом музее "Тальцы". Театр "Русский балет" под руководством маэстро Вячеслава Гордеева приехал с большой труппой — почти 70 человек. Билеты, кстати, были по вполне демократичным ценам — от шестисот до восьмисот рублей. Правда, их разобрали за неделю.

Принц Зигфрид веселится с друзьями. Так начинается классическая постановка, а вот антураж необычный. Балет Петра Чайковского "Лебединое озеро" показали на берегу Ангары. На сцене — артисты московского театра "Русский балет". Работать при свете солнца для них не совсем привычно.

— Так, как нет затемнения света, то есть просто солнце, эффектов таких не будет. Появления Ротбарта, например, когда закрывается занавес, открывается, и я сижу в дыму, придется как-то выкручиваться, — говорит солист Московского областного государственного балета "Русский балет" Артем Кудряшов.

Изменений в партитуру танца не сносили. Гости из Москвы показали каноничную хореографию. Ее создал балетмейстер Мариус Петипа еще в конце 19 века.
Перед выступлением у артистов Русского балета была всего одна репетиция на новой сцене. По их словам, покрытие пола почти не отличается от театрального, только для вращения нужно немного больше усилий

Балетный линолеум, его уложили на сцене, амортизирует и спасает при падении от травм. Вот только воду не впитывает.

— Появилась влажность на сцене, и это будет проблема, видите, девочка упала, потому что скользко становится, — говорит художественный руководитель Московского областного государственного балета "Русский балет" Вячеслав Гордеев.

Когда дует ветер, равновесие, особенно стоя на пальцах, удержать гораздо сложнее. При порыве пачка превращается в парус.

— Ощущение слишком большого пространства. Это немного иногда влияет на координацию, потому что ветер, не то освещение, к которому мы привыкли, но эти сложности в принципе преодолимы, мы можем работать в этих условиях, это не первый наш такой опыт, — говорит солистка Московского областного государственного балета "Русский балет" Юлия Звягина.

Год назад труппа Русского балета представила эту постановку в Липецкой области на берегу озера. Тогда артистам пришлось танцевать под дождем. В это раз с погодой повезло.

Балет под открытым воздухом впервые показывают в Иркутской области. Эксперимент решили провести в Тальцах. На очереди опера "Царская невеста". На берегу Ангары ее можно будет услышать 18 августа.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3625

СообщениеДобавлено: Ср Авг 01, 2018 12:30 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073106
Тема| Балет, Челябинский Государственный Академический театр оперы и балета, Персоналии, Анна Никулина, Владислав Лантратов, Юрий Клевцов
Автор|
Заголовок| Полная версия «Баядерки» — впервые в Израиле!
Где опубликовано| © сursorinfo.co.il
Дата публикации| 2018-07-31
Ссылка| https://cursorinfo.co.il/all-news/polnaya-versiya-bayaderki-vpervye-v-izraile/
Аннотация| ГАСТРОЛИ

Что общего у Гёте и древнеиндийского поэта Калидасы? Удивительно, но факт – на основе произведений этих столь разных авторов создано либретто одного из самых популярных русских балетов, который с неизменным успехом ставят, начиная с 1877 года. Речь идет о знаменитой «Баядерке» Минкуса, в основу либретто которой легли древнеиндийская драма под названием «Шакунтала» и баллада Гёте «Бог и баядерка». В результате получилась впечатляющая история о любви, коварстве, ревности и предательстве, где фигурируют две ослепительные красавицы, нерешительный воин, влюбленный брамин и жестокий раджа. Восточные страсти кипят на сцене, приводя к трагическому финалу. Чарующую музыку к этой непростой истории написал придворный композитор при дирекции Императорских театров Людвиг Минкус, создав свое лучшее и прославившее его произведение, а первую классическую постановку совершил знаменитый балетмейстер императорской труппы Мариус Петипа, 200 лет со дня рождения которого отмечается в этом году

Забавно, что перед премьерой Петипа беспокоился, что зал будет пуст из-за слишком дорогих билетов, на которые руководство петербургского Большого театра накануне сильно подняло цены. Но опасения были напрасны, премьера прошла при полном аншлаге с ошеломляющим успехом. После спектакля зрители еще полчаса стоя аплодировали авторам и исполнителям. В России «Баядерка» практически сразу стала признанной балетной классикой, однако европейская публика долго не могла увидеть балет целиком – на гастролях обычно показывали лишь часть, «балет в балете», а именно танец «Тени», который неизменно вызывал и вызывает восторг у публики. Говоря об этом танце, современные критики отмечают, что в своей хореографии Петипа предвосхитил творчество Джорджа Баланчина и его современников, которые создали бессюжетный «белый балет». Но целиком западный зритель увидел «Баядерку» лишь в 1980 году, когда полная версия спектакля была поставлена в Американском театре балета в Нью-Йорке.
И вот, наконец-то и в Израиле, «Баядерка» будет впервые представлена в полной сценической постановке — при участии солистов Большого театра примы-балерины Анны Никулиной и премьера Владислава Лантратова, а также сорока пяти танцовщиков Челябинского Государственного Академического театра Оперы и Балета имени Глинки.
Сложная хореография «Баядерки» требует от исполнителей высочайшего технического и художественного мастерства, поэтому не случайно главные партии исполняют звезды Большого театра. Анна Никулина – талантливая танцовщица, с отличием окончившая Московскую государственную академию хореографии и сразу поступившая в труппу лучшего театра России. Уже в 19 лет Анна впервые станцевала партию Одетты-Одиллии. Сейчас на ее счету уже множество главных партий в самых знаменитых и сложных спектаклях, она принимала участие в проекте Большого театра «Мастерская новой хореографии». Среди ее учителей, под руководством которых она репетировала – Екатерина Максимова, Нина Семизорова, Людмила Семеняка.
Ее партнер — заслуженный артист России Владислав Лантратов. За исполнение партии Солора в «Баядерке», а также Принца в «Щелкунчике» и Онегина в одноименном балете он еще в 2014 году был назван танцовщиком года по версии итальянского журнала DANZA & DANZA .В следующем году он стал лучшим танцовщиком уже по версии немецкого журнала Tanz. А в этом – 2018 году – он получил престижнейший приз «Бенуа де ла данс» за исполнение партии Рудольфа Нуреева в нашумевшем балете «Нуреев». И это далеко не полный список наград этого выдающегося танцовщика.
Впрочем, звездный состав «Баядерки» не случаен – за более чем столетнюю историю балета его танцевали многие легендарные русские исполнители. Так, например, Анна Павлова танцевала главную партию в «Баядерке», начиная с 1902 года. Говорят, что именно эта роль и открыла великую балерину миру.
И конечно нельзя не сказать о Челябинском Государственном Академическом театре Оперы и Балета. Не только израильтяне, но и многие россияне ничего не знают об этом театре, между тем он активно развивается и сотрудничает со многими мировыми звездами, и это не случайно. Художественный руководитель Челябинского театра, народный артист России Юрий Викторович Клевцов с 1988 по 2009 год был премьером Большого театра России, гастролировал и танцевал во многих странах мира и на всех известных площадках. Там же в Большом он начинал и карьеру балетмейстера. С его приходом в Челябинский театр Оперы и Балета наладилось постоянное сотрудничество с Большим театром России. И в результате израильтяне получат возможность увидеть знаменитый русский балет в исполнении профессионалов самого высокого уровня: в Израиль прилетят 45 танцовщиков этого театра.
Увлекательный сюжет, прекрасная музыка, чудесные декорации, гениальная разработка хореографа и звездный состав исполнителей – что еще нужно для счастья? Осталось только купить билет…

ФОТО по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3625

СообщениеДобавлено: Ср Авг 01, 2018 12:31 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073107
Тема| Балет, Театр "Русский балет", Персоналии, Вячеслав Гордеев
Автор| Алексей Бондарев
Заголовок| В Иркутской области исполнили "Лебединое озеро" у истока Ангары
Где опубликовано| © «Российская газета»
Дата публикации| 2018-07-30
Ссылка| https://rg.ru/2018/07/30/reg-sibfo/v-irkutskoj-oblasti-ispolnili-lebedinoe-ozero-u-istoka-angary.html
Аннотация| ГАСТРОЛИ

В Прибайкалье артисты Московского театра "Русский балет" дали выступление под открытым небом в архитектурно-этнографическом музее "Тальцы", который расположен в районе истока реки Ангара.
Столичные артисты исполнили "Лебединое озеро", сообщает пресс-службе правительства региона. "Байкал и Ангара - очень подходящая площадка для балета "Лебединое озеро". Атмосфера очень хорошая, место историческое", - заявил губернатор Иркутской области Сергей Левченко.
Иркутская область стала вторым регионом, где труппа театра "Русский балет" исполнила "Лебединое озеро" под открытым небом. До этого выступление состоялось в Липецкой области на озере вблизи города Лебедянь.
"Очень хорошая сцена, очень хорошая атмосфера. И та панорама, которая открывается за сценой, - все работает на одну картинку. Энергетика этого места располагает к размышлениям и созерцанию прекрасного. Бесконечное небо, вода, леса дремучие, как в сказке, - потрясающая атмосфера. Я думаю, это опыт, у которого будут последователи. Мы не меняем хореографию, мы показываем спектакль в новых условиях. Это привносит новизну и свежесть", - считает руководитель государственного театра "Русский Балет" Вячеслав Гордеев.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3625

СообщениеДобавлено: Ср Авг 01, 2018 12:32 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073108
Тема| Балет, телепроект "Большой балет", Персоналии, Владимир Малахов
Автор| Татьяна Соловьева
Заголовок| Знаменитый танцовщик Владимир Малахов вошел в жюри телепроекта "Большой балет"
Где опубликовано| © «Российская газета»
Дата публикации| 2018-07-31
Ссылка| https://rg.ru/2018/07/31/znamenityj-tancor-vladimir-malahov-voshel-v-zhiuri-teleproekta-bolshoj-balet.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Телеканал "Россия К" приступил к съемкам третьего сезона проекта "Большой балет". "РГ" побывала на съемочной площадке.

Сцена телепроекта отличается от театральной, конкурсанты выступают без зрителей - перед камерами и жюри. Ведущими "Большого балета" стали прима-балерина Большого театра России, Этуаль театра Ла Скала Светлана Захарова и актер, театральный режиссер, экс-директор Латвийской Национальной оперы Андрейс Жагарс.

В проекте участвуют 13 танцовщиков из России, Чехии и США, их мастерство в номинациях "Лучший дуэт", "Лучшая балерина" и "Лучший танцовщик" оценивает профессиональное жюри, в составе которого звезды мирового балета: художественный руководитель балетной труппы Национальной оперы Эстонии Тоомас Эдур, художественный руководитель балетной труппы Музыкального театра имени К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко Лоран Илер, балетмейстер и танцовщик Владимир Малахов, народная артистка СССР Людмила Семеняка, хореограф и педагог Азарий Плисецкий.

О своих впечатлениях от проекта "Большой балет" корреспонденту "РГ" рассказал член жюри Владимир Малахов:

Вы были в составе жюри первого сезона, сейчас записывается третий. Проект как-то изменился за это время?

Владимир Малахов: Я не участвовал во втором сезоне, но первым я был очень доволен. Тогда жюри сидело полукругом, нам было удобней общаться. Сейчас сцена изменилась, мы сидим иначе, и с этой точки зрения стало труднее. Кроме того, мне очень жаль, что нет публики. Но с другой стороны, сцена стала больше, она сложнее организована. И в целом по сравнению с первым сезоном сценография стала гораздо интереснее, объемнее. Я сижу в кресле жюри и сам фотографирую без остановки - настолько это красиво.

Чем Вам интересен этот проект?

Владимир Малахов: Проект важен потому, что его смотрят миллионы зрителей. И для молодых артистов это большой шаг вперед, в будущее. Да, они уже профессионалы, танцующие на лучших сценах страны и за ее пределами: у нас есть пара из Чехии - Радка Приходова и Адам Звонар, - но этот проект помогает привлечь гораздо больше внимания публики, заинтересовать новых людей, вызвать у них желание пойти в театр.

Многие десятилетия говорят о скорой гибели классического искусства, в том числе балета, но интерес к мировым балетным постановкам и этому проекту пока свидетельствуют о том, что всё не так пессимистично?

Владимир Малахов: Балет не погибнет. Есть люди, которые будут сражаться за него до самого конца. И я один из тех, кто будет стоять, как Жизель, охраняя его. А если серьезно, конечно, меня беспокоит будущее балета - и как балетмейстера, и как танцовщика - я знаю, что сегодня народ на наши постановки придет, но придет ли он завтра?

На этом проекте у вас были какие-то личные открытия?

Владимир Малахов: Конечно, были. Я думаю, у каждого члена жюри есть свой фаворит, у меня их несколько. В каждом мне нравится какое-то свое качество, участников трудно сравнивать, и это разнообразие прекрасно.

Вы строгий судья?

Владимир Малахов: Я могу и похвалить, и поругать - это нормально. Артисту очень важно научиться выслушивать негатив. Когда ты научишься принимать критику, считай, что первый этап уже преодолен. Очень тяжело говорить людям об их недостатках и промахах. Но это необходимо. Гораздо хуже, когда в глаза говорят хорошее, а за глаза - плохое. Лучше правильно настроиться сразу, чем пребывать в плену иллюзий до тех пор, пока не придут большие профессионалы и не скажут, что ты ни на что не способен. Тогда это действительно будет крушением.

Театральная балетная постановка - это забег на длинную дистанцию, когда зрителям рассказывается история с завязкой, кульминацией и развязкой, а в рамках проекта участникам приходится укладываться в сжатые сроки коротких номеров. Это сложнее?

Владимир Малахов:Конечно, сложнее, и в этом отношении очень выручают вспомогательные элементы: декорации, свет, смена кадров. Когда ты ведешь линию с самого начала спектакля до его конца, ты постепенно наращиваешь напряжение, раскрываешься, и в финале приходишь к эйфории. В рамках короткого номера можно передать только стиль, красоту и лишь немножко образ, который ты исполняешь. Но в коротком, сжатом выступлении ты должен выложиться по полной и сделать всё идеально.
Можно ли судить по отрывкам о балете Дмитрия Брянцева "Призрачный бал" на музыку Шопена? Да, можно взять отдельный законченный фрагмент, он никогда не даст представления о целой постановке, но мы поймем, о чем рассказывает артист своим телом, своей душой, своими эмоциями, своими ногами. А иногда бывает классическое па де де, которое просто должно быть эффектным и красивым.

В "Большом балете" сильнее зрелищное или конкурсное начало?

Владимир Малахов: Это же телевидение. Поэтому зрелищное начало безусловно сильно. Балет воспринимается совершенно по-разному, когда ты смотришь его живьем и по телевизору. Телевидение способно создать такие эффекты, которых невозможно добиться в театре.
В театре на тебя смотрят множество людей, оркестр, свет, декорации, танцовщики, которые рядом с тобой, - и эта атмосфера сжирает тебя, ты должен выкладываться даже не на сто, а на двести процентов. В телевизионном проекте ты нервничаешь сам за себя, камера становится посредником между тобой и публикой. В театре ты постоянно чувствуешь зал, темпы дирижера, взаимосвязь множества элементов создает эту химию. Здесь же ты один, и ты должен создавать эту химию в одиночку.

Досье
Цель проекта "Большой балет" - открыть широкой публике новые имена в балетном искусстве, дать возможность молодым артистам проявить себя в классическом танце и современной хореографии. В программах выступлений на проекте "Большой проект" заявлено все многообразие хореографического искусства от классических образцов и неоклассики до современного танца - многие номера поставлены специально для проекта балетмейстерами из Европы. Конкурсантам предстоит подготовить множество номеров для конкурсной программы и еще пять - для завершающего гала-концерта. Участники проекта выступают без зрителей - перед камерами и жюри.
"Работая перед камерой, я постоянно помню о том, что здесь совсем другая картинка, другие нюансы по свету, гриму, даже музыке. В театре иначе организована сцена, очень ощущается присутствие зрителей, их энергия. Я работаю в театре уже много лет, там всё привычно и знакомо, а "Большой балет" - это принципиально новый и интересный опыт для меня, особенно в том, что касается крупных планов и возможности потом детально рассмотреть свою работу" - говорит участник проекта Дмитрий Соболевский.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3625

СообщениеДобавлено: Ср Авг 01, 2018 12:33 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073109
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Махарбек Вазиев
Автор| Лейла Гучмазова
Заголовок| Загнал я вас?
Махарбек Вазиев о гастролях в Милане и счастье

Где опубликовано| © «Российская газета» №7628 (165)
Дата публикации| 2018-07-30
Ссылка| https://rg.ru/2018/07/30/maharbek-vaziev-ia-absoliutno-schastlivyj-chelovek.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Махарбек Вазиев: За семь лет работы балет Ла Скала стал мне родным, но я не жалею об уходе в Большой ни секунды. Фото: РИА Новости

Мысль забавная, но не лишенная смысла: если бы все предприятия работали как балет Большого театра, дела в российской экономике шли бы гораздо лучше. О двух сезонах на посту директора балетной труппы Большого театра в эксклюзивном интервью "РГ" рассказывает Махарбек Вазиев.

В прошлый раз мы встречались для интервью через 100 дней спустя после вашего вступления в должность. Прошло два года и четыре месяца, изменилось впечатление от театра?

Махарбек Вазиев: Изменилось, точнее, сейчас уже не до впечатлений. Я тогда только начал ходить в классы, знакомиться, понимать, как идти вместе дальше, а сейчас процесс начался. Не знаю, какой еще труппе по силам такой сезон: открыли его "Забытой землей" Иржи Килиана, потом показали балет Алексея Ратманского "Ромео и Джульетта", выпустили, наконец, "Нуреева", пережили новогодний марафон "Щелкунчиков", весной показали трехактную "Анну Каренину" Джона Ноймайера. Возобновили "Коппелию" Сергея Вихарева, устроили мини-премьеры "Пьеса для него", провели полмесяца на гастролях в Китае и Корее, а по возвращении вернули к жизни громадную "Дочь фараона" Пьера Лакотта. И ведь мы еще все это время показывали текущий репертуар.

Пока пишу рецензии - что-то нравится, что-то нет, но объем работы и правда невероятный.

Махарбек Вазиев: Очень благодарен педагогам, на чьих плечах находился громадный груз: Светлане Адырхаевой, Марине Кондратьевой, Людмиле Семеняке, Юрию Ветрову, Владимиру Никонову. В этом смысле я даже больше доволен прошедшим сезоном, чем предыдущим: у нас появились новые наставники, и они себя уже проявили. И конечно, благодарен актерам. Я не любитель хвалиться, но в данный момент доволен и хвалю компанию: мы провели огромную работу в разных стилях и на высоком уровне.

Труппа не стонет от ударного труда?

Махарбек Вазиев: Вчера после финального спектакля сезона собрались отдохнуть, спрашиваю: "Загнал я вас?" Понятно, что в глаза мне никто резкости не скажет, но прозвучало откровенно: "Сначала - да, потом втянулись, а сейчас даже обидно - все ради "Дочери фараона" в хорошей форме, а уже пора в отпуск уходить".

При громадье планов опять ходят слухи о скорой смене генерального директора Большого театра. Они были и раньше, но фоном, а сейчас - традиционное летнее обострение. Что вы об этом думаете, ведь у нас часто участники событий узнают о новостях последними?

Махарбек Вазиев: Разговоры ведутся и будут вестись, это наша ментальность. Может показаться неправдоподобным, но я об этом не думаю. Где бы я ни занимался своей профессией - в Мариинском, в Ла Скала, здесь, в Большом, я не пытаюсь сохранить свое кресло. Мне дан шанс работать, и я на всю катушку стараюсь помочь компании: занимаюсь качеством работы, ростом актеров, хореографами, творческими проектами. Я не ставлю перед собой отдельную задачу сделать звезду или новое поколение - это государственный театр с великой историей, целая империя, и все происходит в комплексе, а у меня есть возможность помочь процессу. И молодых учу: если что-то любишь, старайся делать, добейся того, чего еще не добивался. А думать о том, кто, когда, кого и почему заменит, - только работе вредить.

Ну, а если согласно слухам гендиректором все-таки станет Николай Цискаридзе?

Махарбек Вазиев: Скорее всего, я не буду здесь сидеть. Меня пригласил гендиректор Урин, и, насколько я знаю, президент продлил контракт Владимира Георгиевича до 2022 года. Если у него возникнут проблемы, тогда и буду решать. Что касается Цискаридзе, я его всегда поддерживал, приглашал в свое время в Мариинский, у нас хорошие отношения. Другое дело, что у Коли есть некая одержимость, что он станет панацеей от всех бед в кресле гендиректора Большого театра. Но все могут желать что угодно, и, если человек хочет, почему мы должны его за желание осуждать? Смешно.

И вам не жалко будет потраченных усилий?

Махарбек Вазиев: Я найду, что делать. Кричать и устраивать трагедию точно не буду. Я абсолютно счастливый человек, тьфу-тьфу-тьфу. Мне выпало счастье работать в трех великих театрах - Мариинском, Ла Скала, Большом. Когда у человека есть запас прочности, он, естественно, хочет себя реализовать. Энергию и силу в себе чувствую, но даже если бы я сегодня прекратил работать, точно не говорил бы: "Во-о-от, я бы смог еще, а мне не дали". Нет, я счастлив.

Прошлым летом умер хореограф Сергей Вихарев, с которым вас связывали общая работа, дружба и множество планов. Есть ощущение, что его место так и осталось пустым.

Махарбек Вазиев: Утрата страшная. Он был выдающийся профессионал и замечательный человек. Сколько буду работать, столько его будет не хватать в критике, в советах, в делах.

Почему постановок Алексея Ратманского в репертуаре меньше, чем ожидалось?

Махарбек Вазиев: Его не мало - "Пламя Парижа", "Светлый ручей", "Ромео и Джульетта" постоянно в репертуаре, на следующий год планируем "Ручей" на гастроли. В ближайших планах - "Артефакт" Уильяма Форсайта и новый "Петрушка", от хореографа Королевского балета Кристофера Уилдона я хотел получить премьеру, но он рассчитывает только на 2022 год, так что перенос из Ковент Гарден его "Зимней сказки" - компромисс.

Застарелый вопрос - для артистов балета до сих пор не отменена воинская повинность.

Махарбек Вазиев: Ну, я же и сам отслужил свои два года! Вопрос не в том, что артисты балета непатриотичны, но зачем, скажите, восемь лет человека учить, если после года службы он должен начинать с нуля? Если думать о государственных интересах, давайте помогать балету, а не топить его.

Следующий сезон труппа начинает гастролями в Ла Скала, и для вас лично они - дело чести?

Махарбек Вазиев: Да, возвращаемся к работе 27 августа, так что форму сохраним. В Милане Большой балет ждут с нетерпением.

Вас ведь не хотели из Милана отпускать?

Махарбек Вазиев: За семь лет работы балет Ла Скала стал мне родным, но я не жалею об уходе в Большой ни секунды. Мне безумно нравится здесь работать. Сегодня Большой балет - та самая компания, которая мне дорога и мной любима.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18668
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Авг 12, 2018 7:53 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073201
Тема| Балет, Государственный театр «Астана Опера», Премьеры, Персоналии, Раймондо Ребек, Ксения Зверева
Автор| Флюра Мусина, балетный критик
Заголовок| ​Диалог со временем языком балета
Где опубликовано| © Республиканская газета «Казахстанская правда»
Дата публикации| 2018-07-30
Ссылка| https://www.kazpravda.kz/fresh/view/dialog-so-vremenem-yazikom-baleta
Аннотация| ПРЕМЬЕРЫ

Государственный театр «Астана Опера», на протяжении всего года радовавший жителей и гостей столицы громкими премьерами, под занавес театрального сезона устроил любителям танцевального искусства настоящий сюрприз – представил в один вечер две премьеры одноактных современных спектаклей.



Столичный театр, к своему пятилетнему юбилею собравший в репертуарной афише самые лучшие постановки классических опер и балетов, к современной хореографии обращался и ранее, причем это были самые лучшие образцы современной хореографии XX века, спектакли мэтров современного танца Ролана Пети, Кеннета Макмиллана, Бориса Эйф­мана, проверенные временем и зрительским вниманием.

Особенностью же новых постановок стали их новизна и уникальность, они были поставлены специально на труппу театра «Астана Опера», первый – известным немецким хореографом Раймондо Ребеком, второй – молодым талант­ливым российским хорео­графом Ксенией Зверевой. Столичная сцена, конечно же, не место для эксперимен­тов, поэтому выбор хореографов проводился тщательно, исходя из высокого статуса в балетном мире художест­венного руководителя балета Алтынай Асылмуратовой, безупречный вкус и профессиональная требовательность которой уже стали легендой. Новаторский проект состоялся при поддержке Министерства культуры и спорта РК и АО «Қазақ Әуендері» к 20-летию столицы.

Случайно или нет, но обе постановки так или иначе исследовали тему времени, при этом интровертный философский спектакль Раймондо Ребека погружал нас в пучину памяти, где стрелки внут­ренних часов бегут по самым сокровенным воспоминаниям жизни, а экстраверт Ксения Зверева смело путешествовала во времени и прост­ранстве, меняя эпохи и реаль­ности, совмещая предания далекой старины с современностью. Каждый по-своему приоткрыл для нас таинственную завесу Времени.

How long is Now?

Выпускник балетной школы Берлинской национальной оперы Рауль Раймондо Ребек как артист имеет опыт работы со многими известными хореографами. Он танцевал в постановках Ролана Пети, Мориса Бежара, Ханса ван Манена, Рудольфа Нуреева, Стефана Тосса, Иржи Килиана и многих других. Блестящий танцовщик, создавший множество запоминающихся образов, с 2008 года работает и как хореограф, ставит оригинальные хореографические опусы по всему миру. С 2012 года Ребек является штатным хореографом Дортмундского балета, а с 2014-го возглавляет NRW Joniorballet Dortmund. В прошлом году на Евразийском фестивале современного танца, проходившем в Астане, его одноактный спектакль «Белый сон», поставленный на южнокорейскую труппу Universal Ballet, вызвал бурную реакцию зрителей, а также прив­лек внимание художест­венного руководителя балетной труппы столичного театра.

Алтынай Асылмуратова прекрас­но знает Раймондо как блестящего танцовщика и партнера по сцене, они вместе танцевали во Франции в постановках Ролана Пети. Предложение поставить спектакль на труппу теат­ра «Астана Опера» не застало хореографа врас­плох. Он решил воплотить замысел, над которым работал на протяжении последнего года – исследовать время так, как оно живет в нашей памяти. Сколько длится «сейчас», этот настоящий момент, который через секунду уже станет нашим прошлым? Почему одни события бесследно исчезают из нашей памяти, тогда как другие остаются с нами навсегда? Что есть наша жизнь, мгновение или вечность?

Как и многие современные хореографы, Ребек ставит свои пос­тановки о том, что волнует его лично, отвечая на воп­росы, неизбежно возникающие у человека в определенные периоды жизни. В некоторых своих предыдущих постановках Раймондо Ребек задавался вопросом: как чувствует мир человек, страдающий полным отсутствием слуха? А как его видит незрячий? Что есть сон, эта тонкая субстанция, в которую мы погружаемся раз за разом, каждую ночь и которая подобна маленькой смерти? В какой из этих реальнос­тей мы живем по-настоящему? Большие мастера имеют счастливую возможность ответить на эти вопросы магичес­кими средствами своего искусства. В случае с хорео­графами – это искусство, которое может сказать гораздо больше, чем можно выразить словами, так как имеет дело с пластикой, а, как известно, по меткому выражению великой Марты Грэм, «тело никогда не лжет».



«В танце главное для меня – эмоции, – отмечает Раймондо Ребек. – Но раньше, когда я танцевал сам, я мог использовать свои эмоции, а теперь же вынужден пользоваться эмоциями танцовщиков. Поэтому для меня был важен выбор артис­тов, я выбирал по эмоциональной отдаче, по внешней фактуре, по тому, как откликаются они на мои мысли, которые зрели в моей голове целый год. И сейчас я очень доволен тем, как артисты театра «Астана Опера» интерпретировали мои мысли и донесли их до зрителя. Это во многом наша совместная работа, у нас шел взаимообмен. Я давал им импульс своими вопросами, они возвращали мне свое отношение, свои мысли. За 5 недель интенсивной работы мы поставили спектакль и последнюю неделю «чистили» и уточняли детали. Я получил огромное удовольст­вие от работы с этой молодой и очень профессиональной труппой, наде­юсь, им тоже понравилось». О том, понравилась ли работа самим артис­там, можно догадываться по тому упоению, с каким они танцевали новый спектакль.

Эскизы сценографии и костюмов также принадлежат хореографу, тогда как в постановочной части театра «Астана Опера» их блестяще реализовали Виктор Караре и художник по костюмам Арасель Дос­муратова. Музыкальная партитура, состоящая из ряда произ­ведений современных композиторов, составлена и блестяще аранжирована самим Раймондо Ребеком, поэтому неудивительна цельность замысла и музыки, которые ощущаются как единая композиция. Освещение играет важную пластическую роль в спектакле, и этот важный учас­ток был отдан профессионалу Карло Черри, который слышит идеи хореографа и воплощает их в свете.

В поисках утраченного времени

Музыка, свет, точные детали сценичес­кого оформ­ления и невероя­тно изобретательная хорео­графия создают глубокую философскую притчу. Которая, как и положено притче, начинает­ся с пустоты и первоэлементов: Время (гигантские песочные часы на пус­той сцене, в которых с первых минут действия начинает струить­ся песок; есть и современный аналог – белый циферблат, стоящий в глубине сцены); Природа (6 остовов деревьев, свисающих сверху, которые не пощадило время, и лишь одно золотится пышными листьями); Пространст­во (серебристый шелковый задник, плас­тичный и приходящий в волно­образное движение с каждым волнующим эпизодом действия, словно сворачивающаяся воронка гиперпрост­ранства); Жизнь (Он и Она, три пары артистов в трех разных временных отрезках жизни – Юность, Молодость и Зрелость). Время тоже персонифицировано – танцовщик в белом костюме с низко надвинутым на лицо капюшоном активно участвует в действии, ведь это он дирижер оркестра над названием Жизнь. И еще кордебалет, роль которого трансформируется так же, как и пластика, олицетворяя в разные моменты: пластичное время – то тягучее и вязкое, то стремительное, как убегающие в вечность секунды; эмоции и чувст­ва; серую череду одинаковых будней, в бессмысленности и зацикленности движений которых мы узнаем вдруг себя.

«Тик-так, тик-так» – слышится с первыми звуками музыки, струит­ся песок, и от прикосновения Времени начинает разворачиваться лента жизненной драмы. Три танцовщицы как единое целое, возникающие из темноты партнеры. Время, касание которого объединяет и разъединяет пары. Время нелинейно в спектакле Раймондо Ребека – три дуэта – Юность, Молодость и Зрелость – не следуют друг за другом в хронологической последовательности. Первый, самый нежный и трепетный, принадлежит Молодости (Айгерм Бекетаева – Олжас Тарланов, Мадина Басбаева – Арман Уразов). Роскошная вязь и кантилена движений, квинтэссенция чувств, тонкая нить ощущений, нежных касаний, скольжения, бесконечные переплетения рук, странным образом перекликающие­ся с оголенным силуэтом мертвых деревьев. Удивительно, как линия, прочерченная в воздухе телом танцовщицы, может рождать столько чувств и ассоциаций…

Стремительно высвечивается в памяти Юность (Назира Заетова – Айбар Токтар, Назира Заетова – Жананур Жанабеков) – бесстрашная и трепетная, несущаяся по головам и спинам. Следующая сцена, исполненная женским кордебалетом под потрясающую композицию группы Les Tambours du Bronx, заставила завороженных ритмом и красотой движений зрителей сначала застыть в изумлении, а затем взорваться неис­товыми аплодисментами. Даже простой проход Времени по сцене с половинкой циферблата читается в этом наполненном разными смыслами спектакле как емкий образ текущего времени. Есть у Времени и целый пластический монолог, который совсем по-разному исполняют солисты Арман Уразов и Бахтияр Адамжан, каждый вносит в этот образ частицу своей личности.

«Тук-тук, тук-тук» – слышится в партитуре звук усталого сердца. Дуэт Зрелости (Асель Шайкенова – Рустем Сейтбеков, Марико Китамура – Таир Гатауов) начинает и завершает историю, он наполнен страстью и болью утрат, с каждым взмахом-вскриком безумных поддержек осыпается золото листвы, падают сверху и кружатся в последнем полете желтые листья, кружатся в пос­леднем танце прильнувшие друг к другу три пары – Юность, Молодость и Зрелость. Время отнимает любимого, заставляет бежать по кругу в безумстве бессмысленных действий. Несмот­ря на образную структуру и абстрактность, спектакль все же имеет сюжетную канву – это воспоминания старой женщины, теряющей память и любимого человека, женщины, чье время заканчивается, как и песок в гигантских часах, последние песчинки которого, словно тающие секунды, истекают вместе с пос­ледними звуками музыки – тик-так, тик-так…

Секунды, которые длятся целую вечность, и вечность, которая длится секунду. Впрочем, хореограф не хочет углубляться в философские рассуждения, пос­тавив этот спектакль, он закрыл для себя тему памяти.

Конструктор пространства и времени Раймондо Ребек вскрыл в эмоциональной памяти каждого зрителя тайники, в которых были захоронены эмоции и чувст­ва, казалось бы, забытые, но вспыхнувшие с новой силой при просмотре этого удивительного спектакля. Овации зрителей, вызванные восторгом от красоты хореографии и мастерства исполнения, подкреплялись еще и тем, что к каждому из сидящих в зале автор как будто обратился лично, а этот спектакль стал порталом в его собственную память.

Игры со временем

Свои мысли о времени и прост­ранстве представила зрителям Ксения Зверева в спектакле Sounds of time, поставленном на музыку Актоты Раимкуловой по мотивам либретто Адама Капанова «Воздушное кочевье».

Либретто к балету-сказке, рассказывающее о прекрасных пери, воздушных кочевницах, спускаю­щихся на землю раз в тысячелетие, чтобы соединить свою судьбу с представителями рода человечес­кого, было кардинально переработано российским хореографом. «У меня была цель – максимально осовременить традиционный сюжет, перенес­ти историю древней легенды в настоящий момент, но в то же время показать ее через призму веков», – рассказывает Ксения. По замыслу автора, спектакль открывали и завершали сказители – легендарная группа «Туран» в роскошных этнических костюмах сразу задала тон повест­вованию не только в переносном, но и в буквальном смысле: низкие частоты горлового пения, звуки кобыза, саз-сырная и ряда других древних инструментов погрузили зрителей в «предания давно забытых дней». Видеопроек­ция италь­янского сценографа Риккардо Массирони лаконично пересказала легенду-пролог, на этом пересечение с либретто «Воздушного кочевья» и закончилось, с поднятием суперзанавеса действие стремительно перенеслось в наши дни. Яркая, жизнеутверждающая живопись Ерболата Толепбая вспыхнула на порталах и заднике сцены, и началась совсем другая история.

Sounds of time

Выпускница Санкт-Петербургской академии им. Вагановой Ксения Зверева имеет солидное образование в области современного танца: она основательно обу­чалась модерну в Швеции, прошла стажировку в Нидерландах в знаменитом NTD, участвовала во многих зарубежных проектах как хореограф-постановщик. Послужной список молодого хореографа поражает, как и ее мобильность и трудоспособность, умение работать в самых разных временных и географических условиях. Прео­долевая нарративность сюжета, хореограф переносит действие из одного пространства в другое, из легенды в реальность, из аула в город, из правды в вымысел. Не успели Нурия (Анель Рустемова) и Ансар (Олжас Тарланов) повстречаться, и только лишь робко зародились первые чувства (трогательно выраженные хорео­графом в технике contemporary), не успели юные влюбленные обменяться талисманами (тумар), как следующая сцена переносит нас в город. Звучит блюз, и прекрас­ные дивы в вечерних платьях на фоне вечернего города танцуют танго. Взгляд зрителей невольно притягивает девушка в красном – Алоис (Анастасия Заклинская). Очарованы не только зрители, но и Ансар, который волею судьбы оказывается в городе. Незамысло­ватый любовный треугольник служит поводом для драматичес­кой развязки, а в хореографии – для отчаян­ного монолога Нурии, прекрасно исполненного Анесь Рустемовой, а также для пластического трио героев – Нурии, Алоис и Ансара. Есть в этом рассказе и темные силы – «мажоры» под предводительством циничного Гунара (Жанибек Иманкулов). Любовь, измена, предательство и смерть – обладательница волшебной магии воздушных кочевниц Нурия убивает преследующего ее Гунара, и это пугает и отвращает от нее сверстников. Финал остается открытым, и в этом его сила. Самая емкая сцена в спектакле, когда Нурия, от которой отвернулись и друзья, и любимый, останавливает рукой огромный тумар – древний астрономический инструмент кочевников, который помогал ориентироваться по звездам и отсчитывал время. Время остановилось, пространство свернулось, не обретя земного счастья, Нурия вернулась в воздушное кочевье…

Удивительно, как в столь короткий срок композитору Актоты Раимкуловой удалось написать практически новую партитуру балета, в которой органично сочетаются современность формы и глубокая традиция казахской музыки. По сути композитор написала совершенно новый балет, иной и по форме, и по содержанию.

Проблема современных нацио­нальных спектаклей – одна из самых животрепещущих в отечест­венном хореографическом искусстве. Театр «Астана Опера» внес свой вклад в ее решение, пос­тавив на столичной сцене новый по форме современный спектакль на симфоническую музыку одного из сильнейших композиторов Казахстана.

Полный зал, нескончаемые овации и живое обсуж­дение увиденного зрителями после спектак­ля – все это показатель того, что столичный театр по-прежнему высоко держит планку профессио­нального искусства, оста­ваясь открытым всему новому, не боит­ся вести диалог со временем.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Авг 25, 2018 8:00 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18668
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Авг 12, 2018 10:26 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073202
Тема| Балет, театр "Русский балет", Юбилей, Персоналии, Вячеслав Гордеев
Автор| Анатолий Журин, Николай Тарасенко
Заголовок| «Балет жесток и прекрасен…»
Простые истины Вячеслава Гордеева

Где опубликовано| © «Литературная газета» № 31-32 (6654) (31-07-2018)
Дата публикации| 2018-07-31
Ссылка| http://lgz.ru/article/-31-32-6654-31-07-2018/balet-zhestok-i-prekrasen-/
Аннотация| Юбилей, Интервью

3 августа народному артисту СССР, профессору ГИТИСа, художественному руководителю Московского областного государственноготеатра «Русский балет» В.М. Гордееву исполняется 70. Пусть это и звучит банально, но, глядя на его статную, подтянутую фигуру, очень хочется заглянуть в паспорт маэстро: неужели?
…И это несмотря на многолетнее совсем не простое служение любимому искусству танца.



Славой русского балета его называли ещё в прошлом веке

Золотой мальчик

– «Балет жесток и прекрасен одновременно, – говорил он в одном из интервью. – Наше искусство – моментальное, оно требует практически мгновенной отдачи огромных физических, эмоциональных сил. Но это меня не смущает. Я же, наверное, по натуре мазохист: если утром просыпаюсь и ничего не болит – значит, думаю, надо прибавить нагрузку…»

Предстояли операция и длительная творческая пауза почти на полгода. Не привыкший сидеть сложа руки неусидчивый Гордеев решил передать бразды правления созданным им «Русским балетом» своему коллеге и ученику Юрию Бурлаке. Сам же согласился на предложение баллотироваться в депутаты областной Думы.

– В общем, все компоненты как бы удачно сложились, – это Вячеслав Михайлович уже рассказывает нам. – Моя хромота, могущая помешать полноценной работе в родном коллективе, зато обещала не слишком досаждать занятиям в Думе законотворческой деятельностью. Которая, кстати, сказать, оказалась не только увлекательной, но и полезной людям, к чему я стремился с младых ногтей.

Ещё будучи студентом Московского хореографического училища, Вячеслав Гордеев начал представлять нашу страну за рубежом. В Париже и Лондоне па-де-де юного танцовщика из балета «Пламя Парижа» произвело огромное впечатление на зрителей, а лондонская пресса окрестила его тогда «золотым мальчиком».

Сразу после окончания училища Гордеева приглашают в труппу Большого. И уже буквально с первых выходов на прославленную сцену он сразу стал восходящей звездой. Это о нём корифей классического танца, народный артист СССР Михаил Лавровский как-то заметил: «Он танцовщик сенсационной техники и электризующей виртуозности... У него неповторимый собственный стиль».


Суперприз от Мориса Бежара

Взлёт и расцвет артистической карьеры Вячеслава Гордеева пришлись на 70–80-е годы прошлого столетия, когда в его родном Большом театре блистали Васильев и Максимова, Лиепа и Бессмертнова, Лавровский и Кондратьева. Гордеев не только не потерялся в этом хореографическом созвездии отечественных талантов, он вписался в него, сумев заявить о себе. Так получилось, что в зените славы в 1984 году (к тому времени он исполнял на сцене театра все ведущие партии балетного репертуара, стал лауреатом премии Ленинского комсомола и уже народным артистом СССР) дядя Майи Плисецкой, выдающийся танцор Асаф Мессерер предложил ему возглавить коллектив, созданный его тяжело болевшей супругой Ириной Тихомирновой, «Классический балет». Все эти годы он возглавляет труппу, ставшую Московским государственным театром «Русский балет», с которым гастролировал, без преувеличения, на всех континентах и вывел его в число самых знаменитых балетных трупп мира. Неслучайно в начале 90-х годов после очередных триумфальных гастролей по Европе Гордеев был назван «Лучшим хореографом года», а затем его удостоил своим суперпризом сам балетный король Морис Бежар.

– Для начала, Вячеслав Михайлович, от имени многотысячной аудитории читателей нашего издания и ваших поклонников, позвольте поздравить вас с юбилеем. Тем более что нынешний год – самый что ни на есть ваш – Международный год балета. А ещё задать вопрос: что помогает вам поддерживать форму?

– Форму помогает поддерживать класс, где я регулярно вместе с артистами театра делаю практически то, к чему привык за многие годы. А ещё не курю и никогда чрезмерно не увлекался спиртным. Кстати, для некоторых моих коллег это «увлечение» заканчивалось плачевно.

Орфей или шансон

– Как человека, большую часть своей жизни отдавшего искусству, вас не волнует, что балет практически исчез, причём не только с телеэкранов, но и из репертуара традиционных праздничных концертов? А ведь раньше без «Умирающего лебедя» или па-де-де из «Дон Кихота» не могло обойтись ни одно праздничное мероприятие.

– Время просто поменялось. Раньше таким концертам придавалось более весомое значение. На них приглашались артисты, имена которых были уже хорошо известны всей стране, представлявшие балет, оперу, симфонические оркестры. Чайковский был вообще вне конкуренции. Сегодня же у нас этот круг сузился. Я ничего против избранных не имею. Это действительно популярные личности, они прописались на телеэкранах, они всюду, о них пишут. Но этого катастрофически мало. В результате большая часть творческого пространства занята эстрадой, и не всегда высокого качества. Согласен с теми, кто её критикует, удивляясь тому, культуру какого народа она демонстрирует. В их песнях порой поражает неуважение к слову, к красоте, к слушателю, к человеку. Не буду называть конкретных имён, большинство из них – на слуху у миллионов, но, по-видимому, это те, кого хотят видеть и слышать, поэтому они без конца мелькают на ТВ. Недавно стало известно: по опросам Первого канала, самый популярный певец страны – это автор и исполнитель «шедевра» «Рюмка водки на столе…». Тут удивляться нечему – не сомневаюсь, что самое популярное радио – «Шансон».

– Есть даже такое шутливое объявление: «Продаю «тойоту» такого-то года, пробег небольшой, радио «Шансон» не включал…»

– Каждый слушает в авто то, что хочет, я, например, радио «Орфей».

– Думаете, вам будет легче продать своё авто?

– Как сказать, учитывая уровень наших слушателей… Жалко, что любителей классики сегодня становится всё меньше. Я, кстати, не виню тех, кто предпочитает классике зарубежную и отечественную эстраду – их к ней при­учили наши электронные СМИ. Оттуда узнаваемость образцов попсы, привыкаемость к ней.

Самый мой счастливый день – хотя я по достоинству оценил это через много лет – это создание театра «Русский балет». Кстати, название это к нам пришло, когда мы убедились в том, что труппе вполне по плечу русская классика – «Лебединое озеро», «Щелкунчик», «Спящая красавица» и т.д. Есть взаимопонимание с Министерством культуры области, которое ценит наш коллектив.

Да и сегодня у меня хватает радостных дней. Это и успехи семьи, моих детей, удачные гастроли, создание очередного спектакля и победы на строительстве Школы балета, которую я возвожу, и завершение строительства спроектированных мною трёх квартир. Кстати, по Школе балета: я сегодня замышляю её как Школу искусства. Там будет обучение не только балету, но и музыкальной культуре, и бальному танцу. Хочу, чтобы дети, которые сюда будут приходить, знакомились хоть и с копиями, но образцами высокого искусства. Наша школа будет отвечать самым современным стандартам качества не только по оснащению, но и по квалификации опытных педагогов, уровню обучения. Это очень важно.

– Кто будет заниматься в вашей школе?

– Прежде всего жители Москвы и области, но двери будут открыты для всех. Необязательно все пришедшие к нам должны стать профессионалами, но зато мы гарантируем им здоровую осанку и походку, умение танцевать и красиво двигаться. Не стоит забывать и о том, что классическое балетное образование – это богатейшая духовная составляющая.


«Любовная лодка разбилась о быт»

– Вячеслав Гордеев и Надежда Павлова… В своё время, казалось, это была образцовая супружеская пара двух замечательных танцоров – народных артистов СССР, всенародных любимцев. И вдруг – развод, породивший целый шлейф слухов. Не хотите ли опровергнуть домыслы и сплетни? Кстати, вы бы согласились участвовать в такой передаче? Вот как Надежда Павлова вспоминала ваши годы жизни с ней: «Мы прожили со Славой 10 лет, но семья в привычном смысле слова у нас не сложилась. На людях мы всегда держались за руки, улыбались и выглядели идеальной парой. Но это был просто творческий союз. Нас искусственно «спарили».

– Мне действительно предложили не так давно поучаствовать в передаче «На самом деле». Я дал поначалу согласие, считая, что в таких передачах, по идее, делается попытка установить истину в той или иной житейской истории. А у нас с Павловой накопилось, если судить по различным публикациям, немало таких неясностей. Ведь столько наговорили о нас! На некоторых встречах с молодыми зрителями я даже услышал, что, оказывается, о нас что-то нелицеприятное говорила сама народная артистка СССР Марина Семёнова. Хотя я достоверно знаю, что ничего плохого обо мне Семёнова по определению никогда не могла сказать. Так что порой терпеть это уже нет сил и приходит мысль: озвучить истину.

– Вы её в своё время и озвучивали, заявляя, что ваш брак с Надеждой был обречён с самого начала: безумно тяжело постоянно быть вместе – и на сцене, и дома. Но буквально только что на наших глазах вы отсматривали семейную пару и, похоже, готовы обоих принять в труппу. Вы не боитесь, что их может ожидать похожий вариант семейной жизни?

– Да, эта балерина из другого коллектива. Более того, недавно родила уже второго ребёнка. Конечно, в первую очередь хочу отметить: она в великолепной форме. Но я всё же поинтересовался, есть ли у неё дедушки-бабушки, которые бы помогали присматривать за детьми. У этой семейной пары, в отличие от нас с Павловой, так и не заимевших детей, иная ситуация. Они некоторое время пожили врозь и, по-видимому, пришли к необходимому консенсусу. Согласитесь, когда муж уезжает на гастроли – это совсем не простая ситуация. На гастролях столько соблазнов… Нас с Надей можно было сравнить с двумя медведями в одной берлоге.

Она была личность, я тоже был с амбициями. И каждый день приходилось доказывать, кто из нас первый. Это очень трудно, особенно если у пары совершенно по-разному очерчены места в этой жизни. Иногда жена готова ради мужа на всё, иногда муж готов пойти на какие-то жертвы. Увы, у нас не сложилось…


Не впереди планеты всей

– Как ведущего танцора Большого театра, отдавшего ему лучшую часть жизни, вас устраивает его сегодняшняя афиша? Где русская классика?


– Стоит вернуться к началу нашей беседы. А что сегодня народу может показать ГАБТ? Если раньше можно было предъявить народу бравурный «Дон Кихот» или романтический Седьмой вальс Шопена, то как расценивать сцену, в которой в ботинках ходят в туалет? Что можно показать людям, чтобы они, как раньше (когда в области балета мы были впереди планеты всей), восхитились и полюбили великое искусство танца? Почему такая афиша? Наверное, потому что нынче такой запрос. ГАБТ – внекатегорийный театр, на него равняются другие творческие коллективы. Он, по идее, и должен считаться точкой творческого отсчёта. Куда он пойдёт, туда за ним последуют и другие творческие коллективы. А сегодня этот музыкальный флагман страны почему-то увлёкся постановками лишь современными, не всегда достойными его уровня спектаклями или произвольной трактовкой мировой классики.

Каждый берущийся ставить классику новоявленный режиссёр считает своим долгом обязательно привнести в неё что-то личное, индивидуальное, не похожее на то, что было до него. И всё бы ничего, если бы новшества, которые преобладают на сцене сегодня, были поистине таковыми. Поверьте моему опыту, это, как правило, лишь жалкие копии того, что считалось новшеством на Западе лет двадцать назад. Порой дело доходит и до подлога. Опираясь на свой многолетний опыт постановок немалого числа спектаклей, хочу посоветовать своим молодым коллегам: когда вы берётесь за неизвестную, либо специально написанную партитуру, ваше право свободно с ней обращаться. Тем более, когда автор ещё здравствует и есть возможность с ним договориться, поменять либретто и т.д. А уж если вы берётесь за классику, прошедшую испытание временем, хорошо подумайте. Ведь имеете дело с совершенно чётко написанным либретто, музыкой, над которыми работали не самые последние композиторы, а яркие творческие личности с совершенно определёнными творческими задачами. Нельзя распоряжаться тем, что вам не принадлежит по определению. Иначе появляются на сценах, и не только Большого, в узнаваемых операх и балетах абсолютно неузнаваемые персонажи, пользующиеся порой на сцене лексикой, словами, которые и в обычной-то жизни не слишком прилично произносить.

Мой принцип постановки – находиться как можно ближе к тексту. Например, если речь идёт о «Лебедином озере», то не надо его называть так, когда хочется непременно поменять либретто. Пусть тогда постановка называется «Девушка-лебедь», например. И особенно это важно, когда речь идёт о музыкальном театре. Как режиссёры мы имеем дело ещё и со словом. Я никак не приемлю, например, трактовку «Евгения Онегина» в ГАБТе. Если в тексте звучит: «Сходитесь», то ясно же, что речь идёт о дуэли, а не о пьяной сваре, в результате которой Ленский наносит себе смертельное увечье из охотничьего ружья. На мой взгляд, совершенно справедливо этот спектакль не приняла великая Галина Вишневская, покинувшая театр после первого же акта.

– Вас упрекают, и, по-видимому, небезосновательно в пренебрежении к собственному пиару. Сегодня модно завоёвывать популярность посещением различных тусовок, мельканием на телеэкранах.

– Сегодня бороться против этого бесполезно. ТВ, СМИ сами выбирают под себя кумиров. Повторюсь, наверное, кто-то из так называемых «решал» очень хочет их видеть. Лучше если за приглашённым творцом тянется скандальный шлейф, как, к примеру, случилось с режиссёром, поставившим в Новосибирске спорный спектакль «Тангейзер». Результатом стало… приглашение его в Большой театр и повышенное восторженное внимание со стороны СМИ. Вот вам и ответ на ваш вопрос. Соглашусь со словами режиссёра Андрея Кончаловского, так выразившего своё отношение к постановке «Тангейзера»: «Зачем эпатировать за счёт великих авторов? Напишите свою музыку!» Получается, если ваша постановка не вписывается в мейнстрим прессы, которая хочет написать по-другому, то этот спектакль просто не замечают, и никто никогда его не покажет. И никто никогда не прислушивается к тому, что скажут по этому поводу те, кто позволит себе критически отнестись к данной постановке.


Деньги или жизнь

– В истории вашего родного театра известны случаи, когда солисты балета становились невозвращенцами. Супруги Козловы, Александр Годунов, Ирек Мухамедов. В народе даже шутили, что вот-вот Большой театр станет Малым. А у вас не было соблазна последовать их примеру?


– Не было, хотя предложений остаться там хватало. Мне, например, предлагали практически в каждой моей поездке за рубеж остаться. Но не верьте, когда вам рассказывают, будто у большинства наших там сложилась головокружительная карьера. Как правило, то, чем им там довелось заниматься – уровень периферии, несравнимый ни с уровнем ГАБТа или Театра Станиславского и Немировича-Данченко. Сегодня, к примеру, в Китае, куда мы вот уже много лет возим наши лучшие спектакли, открывается множество театров. Замечательные здания, но собственных трупп там нет. В основном эти театры – всего лишь прокатные площадки. В Штатах же уже есть труппы, но все эти годы ощущается большой дефицит помещений. Разве что ангары, где танцоры занимаются, ангары, а не балетные площадки. Посмотрите, даже залы у Барышникова – это приспособленные производственные помещения. В отличие от наших хайтеков, где всё блистает, всё горит. У них же, повторюсь, помещения, напоминающие фабричные цеха. Поэтому говорить о каких-то грандиозных творческих удачах несерьёзно. Я никогда не приветствовал тех, кто уезжал не по творческим, а по коммерческим соображениям. Барышников, Годунов, Нуреев, справедливости ради, во главу угла ставили всё же творчество.

И всё же с трудом понимаю людей, уехавших в то время из лучшего в мире музыкального театра с лучшим балетным репертуаром. Сменивших престижнейшую сценическую площадку на подмостки второстепенных театров. Но, как говорил мой импресарио: «Сегодня тебя приглашают, так как ты известен всему миру. Финансовая сторона – конечно, имеет значение. Но у тебя за спиной твой театр, твоя страна, которая создаёт все условия для работы и жизни…»

Всё равно наши артисты там сталкиваются совсем не с тем уровнем творчества, на который рассчитывали.

– Вы в середине 90-х два года руководили балетом ГАБТа. Почему от ваших услуг отказались, до сих пор для многих загадка. Если бы вам сегодня снова предложили войти в эту же воду, вы бы согласились?

– Понимаете, столь серьёзное предложение надо принимать в определённом возрасте. У меня своё дело, в «Русском балете» всё отлажено, и мне нет сегодня никакого резона что-то в этой жизни менять. Когда я согласился возглавить балетную труппу ГАБТа в начале 90-х, я был моложе и энергичнее и постарался сделать так, чтобы созданный мной «Русский балет» не пострадал. А вот, уверен, с моим уходом из ГАБТа Большой театр всё же кое-что потерял. Мне удалось за два года провести реформу в балетном цехе, избежав серьёзных конфликтов, ставших, кстати, в то время характерными в оперной труппе.

Время, конечно, было непростое и не только для театра, а и для всей страны. Решался вопрос о переводе артистов балета на контракт. У меня уже был такой опыт в «Русском балете», с которым я и ознакомил артистов. Для ГАБТа мы разработали принцип – заслуженным, авторитетным ветеранам позволялось продолжить работу в театре и после истечения контракта. Подписывать контракты предстояло Владимиру Васильеву – тогда он был директором. Здесь у нас с ним и возникли проблемы. Он требовал всё же избавиться от ветеранов, а я возражал…


Зигзаг. Ещё зигзаг

– Если проследить за перипетиями вашей личной судьбы, Вячеслав Михайлович, то не перестаёшь удивляться её зигзагам. Родители-фронтовики хотели в вас видеть военного, готовя в Суворовское училище. И вдруг балетное училище Софьи Головкиной, Большой театр, факультет журналистики МГУ, ГИТИС. Самый удивительный поворот в вашей судьбе – работа в Московской областной Думе.


– Я сам, откровенно говоря, не смогу объяснить свою «всеядность». Но ведь в каждой судьбе есть своя предопределённость. Когда человек рождается, где-то в небесах уже прочерчена линия его последующей жизни, которой он и следует. Так и у меня – я не сопротивлялся судьбе. Почему? Потому что я немножко фаталист. Я не пришёл в Думу заниматься экономикой, ЖКХ, сельским хозяйством, наукой. Есть ведь ещё и вопросы образования, культуры, спорта, работы с молодёжью, где мой опыт смог пригодиться. Не буду перечислять всего того, что мне удалось сделать, будучи заместителем председателя Комитета по культуре и спорту. Это будет не­скромно, и пусть об этом вам расскажут те жители Подмосковья, кто сегодня обрёл возможность в новых концертных залах приобщиться к высоким образцам подлинного искусства. Вообще, скажу вам, на склоне жизни я тоже понял, что каждый из нас должен сделать что-либо, чтобы о нём сказали: всю свою жизнь он изменял мир к лучшему. Недавно я второй раз был переизбран председателем Общественного совета Министерства культуры Московской области. За последние годы под руководством министра культуры региона Оксаны Косаревой и Губернатора Московской области Андрея Воробьёва нам удалось реализовать несколько приоритетных региональных проектов, которые направлены на качественный прорыв в культурной жизни региона.


Лебедь должна жить…

Меня иногда спрашивают, почему моя постановка «Лебединого озера» завершается апофеозом любви девушки-лебедя и принца Зигфрида? Действительно, есть два финала спектакля и в Большом театре, и на Западе, к примеру, постановщики склоняются к грустному варианту – гибели главных героев. Я считаю балет доброй сказкой – это моя позиция. И, ставя в труппе любой классический спектакль, потому стараюсь зрителей хотя бы на час-два окунуть в этот мир доброй сказки. У нас ведь, к сожалению, в жизни и так немало негативных моментов. Люди порой не замечают, как обижают друг друга в метро, на улицах, да в обыденной жизни – в быту. Потому стараюсь, чтобы таких жизненных ситуаций как можно меньше было на сцене. Считаю, приходя в театр, люди должны покидать зал с ощущением проникновения в прекрасное. Хотите, назовите это так: Гордеев пытается убедить их в том, что добро должно обязательно победить зло. Я не стану возражать…


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Авг 25, 2018 8:00 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18668
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Авг 12, 2018 1:58 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073203
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Марк Чино
Автор| Анна Гордеева
Заголовок| Почему вы должны меня знать: артист Большого театра Марк Чино
Где опубликовано| © МОСКВИЧ MAG
Дата публикации| 2018-07-25
Ссылка| МОСКВИЧ MAG
Аннотация| Интервью

Потому что в будущем я стану масштабным артистом, артистом с именем. Ну я очень постараюсь.



Мне девятнадцать, я победил в шести международных конкурсах артистов балета. Еще в двух — вторая и третья премии. Со стороны может показаться, что я на эту работу был просто обречен: моя мама — балерина, она в свое время специально приехала из Японии, чтобы учиться в Московской академии хореографии, и осталась работать в подмосковном театре «Русский балет». Конечно, я смотрел, как мама занимается, и занимался с ней, но когда я был ребенком, для меня это было хобби, не более того. И родители не настаивали — мне давали полную свободу. Только в десять лет я решил, что стану танцовщиком. В пятнадцать победил на Japan Grand Prix.

Но в конкурсах победы не главное. Едешь не за победой, а за опытом. Смотреть на других артистов. Учиться. Выходить на сцену. Чем больше выходов на сцену, тем для артиста лучше.

Я окончил академию год назад, и я артист кордебалета. Но мне уже дают значимые, большие партии, в том числе в «Этюдах» Ландера и «Дочери фараона» Пьера Лакотта. В последней мне очень нравится мой герой — Рыбак. Главный герой лорд Вильсон — мечтатель, он засыпает около египетской пирамиды и оказывается во временах фараонов. Когда Мариус Петипа ставил в первый раз этот балет в XIX веке, еще было не очень много известно о египетской цивилизации, и все, что происходит на сцене — это мечты героя. Дочь фараона такова, какой он хочет увидеть эту ожившую мумию. А мой персонаж — реалист. Когда лорд с дочерью фараона убегают от стражников и просят Рыбака о помощи, он не сразу соглашается их приютить. Он задумывается: не будет ли и у него неприятностей с властями? Но все-таки помогает им.

Текст: Анна Гордеева
Фото: Varvara Philippova


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Авг 25, 2018 8:00 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18668
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Авг 12, 2018 8:20 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073204
Тема| Балет, Михайловский театр, Новосибирский театр оперы и балета, Персоналии, Михаил Мессерер
Автор| Марина Кондратьева
Заголовок| Зритель тянется к чистоте традиций и виртуозной технике исполнения
Где опубликовано| © журнал LEADERS TODAY (Новосибирск) № 4[7/160]2018, стр. 122-123
Дата публикации| 2018 июль
Ссылка| https://leaderstoday.ru/archive/2018/7/zrityel-tyanyetsya-k-chistotye-traditsiy-i-virtuoznoy-tyehnikye-ispolnyeniya.html
или https://leaderstoday.ru/pdf/2018_7.pdf#page=124
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Представитель знаменитой театральной династии Мессереров-Плисецких – об истории и перспективах российского балета, о качестве современных постановок и о своих профессиональных открытиях в Новосибирском театре оперы и балета.


Михаил Мессерер, художественный руководитель балета и главный балетмейстер Михайловского театра в Санкт-Петербурге, с супругой Ольгой

LT: Михаил Григорьевич, вы как-то сказали, что люди теряют вкус к качественному исполнению. А на что вы в первую очередь обращаете внимание при осуществлении постановки и работе с артистами?

МИХАИЛ МЕССЕРЕР: На выделку. Необходимо держать в поле зрения мельчайшие детали, с тем чтобы точно вписать их в общую картину произведения, сохранить его идею, его историческую ценность, его неповторимый стиль. Я всегда стремлюсь к тому, чтобы во всех мизансценах каждый жест идеально ложился на музыкальную фразу. При этом, например, простой крестьянин не может подавать себя как знатный вельможа, и наоборот. Поэтому артисты должны понимать своих персонажей и вместе с балетмейстером набрасывать к образам штрихи, из которых в конечном счёте и складывается общий рисунок произведения.

Новосибирцы смогли увидеть ваш подход к работе в спектакле «Золушка», премьера которого недавно состоялась в нашем театре оперы и балета. Почему вы решили реконструировать постановку 1945 года?

Я реставрирую старые шедевры потому, что вижу в них огромный ресурс для развития будущих поколений. Мне кажется, что и «Золушка», и старомосковское «Лебединое озеро», и многие другие спектакли были незаслуженно сброшены с корабля истории как якобы устаревший и ненужный формат.

В своё время кому-то показалось, что эти произведения, включая самые лучшие, самые характерные в своём жанре, недостаточно танцевальны: якобы в них слишком много пантомимы и «хождений по сцене». По субъективным теоретическим и идеологическим соображениям они были сняты с репертуара в 50-60-х годах прошлого века, и это был тот случай, когда вместе с водой выплеснули ребёнка. Когда мы вернулись к этим постановкам, то поняли, что они очень танцевальны, а пантомима создаёт уникальную архитектуру произведения, благодаря которой зритель следит за историей и сопереживает героям. Сегодня российскому балету, безусловно, нужно двигаться вперёд, но как это делать, не зная, откуда начался путь, не обращаясь к опыту прошлого? Нашу молодёжь долго водили за нос, рассказывая, что российский балет начался в 60-х годах прошлого века и закончился в 70-х, а это неправда. Поэтому мне как руководителю Михайловского балета показалась интересной мысль рассказать неискажённую историю отечественного балета – так, чтобы она увлекала современного зрителя. Как показывает опыт, мысль эта была верной. Мы начали с «Лебединого озера» в редакции русского балетмейстера Александра Горского. Потом были «Лауренсия», «Пламя Парижа», и по итогам лондонских гастролей в 2013 году труппа Михайловского театра была удостоена премии Круга британских критиков как лучшая международная труппа.

Перечисленные вами постановки так или иначе являются наследием советского времени. Значит, и оно привнесло что-то ценное в развитие российского балета?

Российский балет никогда не останавливался в своём развитии, даже несмотря на коммунистический режим. Наоборот, выдающиеся люди творили вопреки этому режиму и ставили талантливейшие спектакли даже в тех узких рамках, которые обозначало государство. В балете были подняты новые темы, балетные партитуры писали лучшие композиторы того времени: Прокофьев, Шостакович, – на этих спектаклях выросло не одно поколение театральных зрителей в Москве и Санкт-Петербурге. Конечно, покинув Россию в 1980 году, я не мог себе представить, что однажды вернусь и буду восстанавливать советские спектакли. Но в 2007 году хореограф Алексей Ратманский, который в то время был художественным руководителем балета Большого театра, пригласил меня восстановить спектакль «Класс-концерт», в своё время поставленный моим дядей Асафом Мессерером. Снова оказаться в России, в старинном здании Большого театра, да ещё и с постановкой такого спектакля, – это был очень волнующий момент. Наверное, тогда я понял, что я здесь не для того, чтобы привозить какие-то постановки с Запада или копировать приёмы иностранных коллег, – после утраты спектаклей, которые стали пиком славы советского периода российского балета, в репертуарах российских театров образовалась зияющая пустота, которую необходимо восполнить. Поэтому, став главным балетмейстером Михайловского театра, я рекомендовал эти постановки генеральному директору Владимиру Кехману и получил его полную поддержку.

Не сыграло ли свою роль и то, что тот самый «советский российский балет» - это ещё и очень личная история? Ваша и вашей семьи...

Это, безусловно, сыграло определённую роль. Когда в преддверии очередных гастролей в Лондоне меня попросили поставить какой-нибудь полнометражный балет, я решил, что спектакль должен быть приурочен к 100-летию выдающегося танцовщика своего времени Вахтанга Чабукиани. Я помнил, как Вахтанг Михайлович приходил в наш московский дом на Тверской и делился с моей мамой [Суламифь Мессерер – советская балерина и балетный педагог – прим. ред.] своими соображениями о том, как бы он хотел поставить свой знаменитый балет «Лауренсия» по драме Лопе де Вега «Фуэнте Овехуна» в Японии. Он говорил и изображал, чем бы отличалась эта постановка от той, которая вышла в 1956 году в Большом театре, – и это было просто потрясающе! Опираясь на свои воспоминания, я взял на себя смелость отчасти воплотить в жизнь идеи Вахтанга Михайловича, и вот в Лондоне наш балет «Лауренсия» был признан одним из трёх лучших классических балетов сезона. Это было лестно, придало мне стимул, и когда с Владимиром Кехманом мы обсуждали репертуар намечавшихся гастролей в Нью-Йорке, я рассказал ему ещё одну историю из своего детства. В Доме артистов Большого театра одним из наших соседей был великий хореограф XX века, художественный руководитель балета Большого Леонид Лавровский. Однажды мы вместе с ним ждали троллейбус на остановке у дома: мне было лет двенадцать-тринадцать, и мне надо было в школу Большого театра на урок, а он, как выяснилось, опаздывал на совещание по гастролям труппы в Америке. Я набрался наглости и спросил: «Леонид Михайлович, а какие балеты вы везёте в Америку?» – «Ромео и Джульетту», «Лебединое озеро». – «А «Пламя Парижа»? Лавровский рассмеялся: «Да ты что, Миш, кого же там к восстанию призывать, в этой Америке!» Кехману эта история понравилась, и в Нью-Йорк, а потом и в Калифорнию мы отвезли, помимо других наших постановок, именно бунтарское «Пламя Парижа». Состоятельные американцы буквально визжали от восторга, глядя, как революционеры на сцене с вилами шли отбирать у богачей дворцы и замки, – должен сказать, такого успеха у нас не было даже в Питере (смеётся).

Будучи в данный момент сосредоточенным на классике, как вы относитесь к современному искусству?

Труппа Михайловского театра танцует и классическую, и современную хореографию. Заступив на пост руководителя Михайловского балета, я пригласил для работы над одним из спектаклей современного французского хореографа Жана Кристофа Майо. Правда, по не зависящим от меня причинам, проект не состоялся и Большой театр первым поставил балет Майо в России, но идея этого сотрудничества принадлежала именно нашей команде. Также с нами работал российский хореограф Вячеслав Самодуров – на сцене Михайловского он поставил одноактный балет «Минорные сонаты», используя классические музыкальные формы и актуальную танцевальную лексику. В данный момент у нас в репертуаре 11 одноактных спектаклей с хореографией нашего современника испанца Дуато. Так что наш театр успешно соблюдает баланс между новыми и старыми форматами. Но мы помогаем людям вспомнить прошлое, чтобы было понятно, в каком направлении развиваться.

Продолжая тему современного искусства – как вам кажется, где проходит грань между новыми смелыми формами и обычным эпатажем?

В этом смысле у меня очень широкие взгляды: даже самые вызывающие вещи могут быть сделаны талантливо и со вкусом. А о вкусах, как известно, не спорят. Но в любом случае понимать время следует не как то, что было вчера, происходит сегодня или будет завтра, а чувствовать его, как чувствуешь своё сердцебиение. В этом смысле то, что происходит сегодня на сцене Михайловского театра, представляется мне вполне современным – во всяком случае, билетов на спектакли практически не достать. Это значит, что мы уловили дух времени, в котором зритель тянется к чистоте традиций, к художественной ясности – иными словами, к классическому балету с его виртуозной техникой, – жанр, который мы сегодня стараемся поддерживать.

Ваши коллеги, приезжающие работать в Новосибирский театр из Москвы и Санкт-Петербурга, любят подчёркивать его преемственность со столичной музыкальной и балетной школой. Но неужели более чем за 70 лет истории нашему театру так и не удалось создать на базе этой школы ничего самобытного?

Новосибирский театр оперы и балета молод – понятно, что он был скроен по лекалам московской и петербургской школ. И потом, по старой советской традиции, репертуар региональных театров повторял репертуар театров столичных – ставить можно было только «проверенные» спектакли, утверждённые Главреперткомом. Мне бы и самому хотелось, чтобы в Новосибирске рождались новые идеи, которые можно было бы перенести в другие театры. И такие примеры были: все мы помним «Ромео и Джульетту» и «Золушку» Олега Виноградова. Но вы знаете, глобальные творческие прорывы, способные действительно привнести в жанр что-то новое, в мире вообще происходят не так уж часто. Почему нет композиторов уровня Чайковского? Я много думал о том, почему так, но не нашёл ответа.

Однако, что я точно могу отметить в Новосибирском оперном театре – это великолепный женский кордебалет! Такой сегодня видишь редко. Кордебалет в Михайловском мне приходилось выстраивать по одному человеку, собирая лучших артистов чуть ли не со всего мира. Если блестящего солиста можно приобрести, то купить 70 артистов, которые танцевали бы как один, – нереально. Для этого нужно воспитать их в единой системе, которая в Новосибирске точно есть. Ещё в советские времена в России было четыре главных хореографических школы: в Москве, в Ленинграде, в Перми и в Новосибирске, и мне очень приятно, что ваш город по-прежнему обеспечивает страну лучшими танцевальными кадрами.

Надеемся увидеть их в «Коппелии». Расскажите немного о предстоящей премьере.

Это классический комедийный балет на музыку Лео Делиба. Благодаря своей простоте и изяществу он будет понятен и интересен как юному зрителю, так и старшему поколению. В постановке задействовано много талантливых артистов Новосибирского оперного театра, а художники Вячеслав Окунев и Глеб Фильштинский, с которыми мы вместе работали над «Золушкой», обещают создать интереснейшие декорации, мультимедийные и световые эффекты. Я уверен, что зрителя ждёт по-настоящему балетный спектакль, который станет прекрасным поводом посетить качественное культурное событие всей семьёй, и с удовольствием приглашаю всех на премьеру, которая состоится 22 сентября в Новосибирском театре оперы и балета.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Авг 25, 2018 8:01 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18668
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Авг 13, 2018 8:40 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073205
Тема| Балет, Михайловский театр, Персоналии, Георгий Ковтун
Автор| корр.
Заголовок| Георгий Ковтун: «Такой я Художник»
Где опубликовано| © сайт театра
Дата публикации| 2018-07-24
Ссылка| https://mikhailovsky.ru/press/news/georgy_kovtun_that_s_the_kind_of_artist_i_am/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Легендарный балет Арама Хачатуряна «Спартак» откроет предстоящий 186-й сезон. Хореограф Георгий Ковтун представил свой спектакль на нашей сцене 10 лет назад. К новой версии «Спартака» он подходит как настоящий художник: ищет выразительные ракурсы и яркие краски. О втором рождении балета хореограф рассказал в перерыве между репетициями.

— Раньше я рисовал пастелью, которая, конечно, тоже может быть невероятно выразительна, но сейчас я рисую маслом. Балет «Спартак» возвращается с большими переделками. Есть художники, которые стремятся повторять одну и ту же картину, но если ты настоящий художник, то ты будешь пересматривать свое творение.

— Когда на свет появляется ребенок и ты выпускаешь его в мир, приятно наблюдать его первые шаги. Но случается, что дети заболевают, попадают в больницу. Потом обычно следует долгий период восстановления. Малыш вновь медленно становится на ножки. Пока он болел, мышцы могли атрофироваться, поэтому у врачей стоит задача — восстановить его до состояния полноценного организма. Нужно пересмотреть его физические нагрузки и график питания. Так и со «Спартаком»: я вижу, что меня не устраивает. Мир не стоит на месте, мир несется вперед. Спектакль должен поменяться, но его рама остается. Меняется то, что внутри.

— Будет много пересмотренных картин, новые бои, новые цирковые трюки. Я серьезно усложняю технику. Это настоящие каскадёрские бои. Я ставил много боев для кино, но в кинематографе одно действие можно снять пятью камерами с разных точек, замедлить, убыстрить, поиграть с монтажом, а здесь план один и он должен быть максимально зрелищным. В кино можно переснять дубль, а здесь неслаженность или ошибка может поставить под вопрос всю сцену. Это очень высокий градус ответственности для танцовщиков. Я уверен, что спектаклей такой сложности нет больше нигде.

— За десять лет изменилась труппа Михайловского театра, а это уже другие краски, другой материал. Таких звезд, которые сегодня танцуют здесь, нет больше ни в одном театре мира. Работать с ними радостно и приятно. Это относится и к ребятам старшего поколения, которые танцевали в этом спектакле раньше. Они как краски, которые рисуют за тебя. Есть краски, которые надо разводить, что-то в них добавлять, мешать, а тут — все готово.

— Моя хореография — это нелегкий труд для артистов: и для женщин, и для мужчин. Но в первую очередь это мужской спектакль. Я всегда шучу, что «Спартак» для танцовщиков наказание, потому что в большинстве спектаклей женщины танцуют вторые и третьи акты, а мужчины уходят домой. А здесь с начала первого акта и до последней нотки танцуют все. И конечно, это дань уважения мэтрам российского мужского балета. Очень хотелось бы, чтобы отечественная школа мужского танца не умирала, продолжала свой жизненный путь. Мне кажется, что наш спектакль будет этому способствовать. Здесь сложнейшие поддержки, верховые поддержки — то, чего сейчас нет у современных хореографов. Вся современная хореография существует на уровне плеча, на уровне пояса. А в «Спартаке» есть бросковые поддержки — то, что немного утрачено даже в русском балете.

— Все эти сложности — вызов для артиста, это его самоутверждение. Человек не может стоять на месте, он постоянно должен подниматься на ступеньку выше и выше. Когда перед артистом появляется сложность, он раскрывается, чтобы потом гордо сказать: я могу это сделать, я могу делать трюки, я могу подбросить женщину и в моих руках она будет чувствовать себя уверенно. Ведь все они сначала боятся — это естественно, но приходит момент, когда они делают это легко, не задумываясь. У каждого человека есть азарт, который нужно расшевелить, и сегодня я во многом занимаюсь тем, что подталкиваю артистов, а дальше они взлетают сами.

— В начале репетиций мы определились, что мы хотим оставить, а что поменять. Многие старые сцены мне помогает восстанавливать наш главный репетитор Евгения Николаевна Костылева, а я лишь навожу лоск. Иногда прихожу и что-то поправляю, а потом хитро под этим всем ставлю свою фамилию... Это шутка, конечно. Если меня все устраивает — я просто радуюсь за ребят. Здесь мощная школа выживания. И если артисты выживут после возвращения «Спартака» на сцену — а я думаю, они выживут, — то они станут еще лучше, пройдут другую школу. Ведь здесь работают другие мышцы, другие приемы мазка. Такой я Художник.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Авг 25, 2018 8:01 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
Страница 7 из 8

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика