Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2018-07
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18537
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Июл 28, 2018 10:27 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072803
Тема| Балет, XX Международный фестиваль современного танца OPEN LOOK
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| 5 спектаклей фестиваля Open Look
Выбор Татьяны Кузнецовой

Где опубликовано| © Журнал "Коммерсантъ Weekend" №26 от 27.07.2018, стр. 30
Дата публикации| 2018-07-27
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3688996
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

14–18 августа в Петербурге пройдет ХХ международный танцевальный фестиваль Open Look, самый неортодоксальный и демократичный из фестивалей Северной столицы. И самый героический: за 20 лет частная затея энтузиастов современного танца Вадима и Натальи Каспаровых не просто выжила рядом с фестивальными монстрами Мариинского театра и такими масштабными хореографическими событиями, как «Дягилев. P.S.» и DanceOpen, но обрела международную репутацию и городскую поддержку. А главное — Open Look воспитал свою публику: молодую, восприимчивую, иногда — излишне восторженную, но весьма подкованную и интеллигентную. В юбилейный год фестиваль не отступил от своих просветительских традиций: лекций и мастер-классов будет не меньше, чем спектаклей, из которых Татьяна Кузнецова выбрала пять самых интригующих

Рассуждения о «Весне священной». Образ Розы»
Корейская национальная компания современного танца


Постановщик спектакля и руководитель труппы Ан Сынсу — по первой профессии журналист, а потому хореографических авторитетов не признает, проводя собственные пластические изыскания по скрещиванию Востока и Запада. Чаще всего его гибриды располовинены по горизонтали: движения ног вполне европейские, мускулисто-силовые, вплоть до антраша и прыжков, а вот корпус и руки — гибкие, растительно-орнаментальные, как положено в национальном корейском танце. Со Стравинским же получилось совсем интересно: его «Весну священную» композитор Ра Есон тоже перевела на корейский, трансформировав темы и ритм в соответствии со строем восточной пентатоники и доверив свое сочинение оркестру народных инструментов во главе с непременными солирующими барабанами. Зато в черных одеждах танцовщиков — никакой экзотики, свет — по последней дизайнерской моде, дисциплина труппы — почти воинская, выучка и самоотдача — почти самурайские. Все вместе обещает зрелище отнюдь не банальное.

ТЮЗ имени Брянцева, 14 августа, 20.00
===============================================================

Зов начала
Творческое объединение «Алиф» (Казань)


Эта пластическая притча про вымирающий татарский язык — самая сильная и самая стильная премьера последнего российского сезона. В патетичном, обращенном к корням и очень современном спектакле нет ничего спекулятивного: он аскетичен, строг и не выжимает слезу. Размещенные в черном пространстве на кромке засыпанной песком арены три музыканта с их аутентичными старинными инструментами и три вокалистки, горестные, как древние плакальщицы, задают эпический тон действу. Единственный танцовщик — удивительный Нурбек Батулла (завоевавший в этом году «Золотую маску») — почти час держит зал в неослабном напряжении, рисуя телом арабскую вязь забытых букв, складывая их в причудливые строчки-комбинации, убыстряя вслед за музыкой темп и увеличивая амплитуду движений. И когда в кульминации действа он впадает в шаманский транс, суровый минимализм хореографического текста обретает сакральную мощь ритуала.

Новая сцена Александринского театра, 15 августа, 19.00
==========================================

Рождение Феникса
Vertigo Dance Company (Израиль)


Самый известный участник фестиваля — компания с 25-летним стажем Vertigo, один из ведущих коллективов Израиля — дает самый оригинальный спектакль программы на самой экзотичной из фестивальных площадок. «Рождение Феникса» впервые случилось в 2011 году и тут же завоевало премию Минкульта Израиля в номинации «Креативные достижения». Происходит оно в геодезическом бамбуковом куполе, смонтированном на пленэре — в нашем случае у стен Петропавловской крепости. Зрители, размещенные по окружности купола, увидят «танцевальный проект о человечестве» — хореографию основательницы компании Ноа Вертхейм в исполнении пятерых отлично обученных танцовщиков в льняных одеждах цвета запекшейся крови. Хореографию брутальную, пафосную, особенно уместную в этом месте и в этот час.

Пляж Петропавловской крепости, 16 августа, 21.00
=============================================================

Душа №2. Исполнители
Компания «Мейер-Шафо» (Нидерланды)


Танцовщики Изабель Шафо и Жером Мейер работали в эпицентре танцевального прогресса (он — в NDT-1, она — в Batsheva Dance Company) и, возможно, подустали от высоких профессиональных требований этих эталонных компаний. Во всяком случае, став хореографами, Мейер и Шафо решили не тягаться с лидерами, сочиняя неповторимый танцевальный язык, а разделить творческую ответственность с публикой путем «новаторского способа создания спектаклей зрителями и исполнителями». «Душа №2. Исполнители» — вторая часть душеведческой тетралогии, в которой авторы задаются сакраментальными вопросами: «Связаны ли мы с Богом? Или продаем здесь свою душу?» Отвечать на них — словом и телодвижениями — будут семь танцовщиков труппы. Какова тут роль зрителей — выяснится прямо на спектакле.

Новая сцена Александринского театра, 17 августа, 19.00
==============================================

Зеро
Компания Humanhood (Великобритания)


Humanhood — это дуэт Руди Коула и Джулии Роберт, людей пытливых и на танце не зацикленных: после лондонских хореографических университетов они отправились в Индию в поисках идентичности. Постигали «дыхание как движение», изучали когнитивность как науку, вникали в особенности физического и иммерсивного театра. В «Зеро», первой своей полнометражной работе, снова начали с нуля: полтора года пытали ученых-физиков — доктора наук по термодинамике Дэвида Джоу и руководителя одной из программ НАСА Уильяма Чаплина — вопросами о галактиках, структуре атома и свойствах темной материи. Рецензенты уверяют, что в результате получился «визуально завораживающий перформанс с виртуозным движением, необычными звуковым и световым решениями».

Новая сцена Александринского театра, 18 августа, 17.00

XX Международный фестиваль современного танца OPEN LOOK. Санкт-Петербург, 14 — 18 августа


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Авг 25, 2018 7:56 am), всего редактировалось 2 раз(а)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18537
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Июл 28, 2018 10:46 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072804
Тема| Балет, Гастроли, Национальный академический театр оперы и балета Армении имени Спендиарова, «Гаянэ», Персоналии, Константин Орбелян, Вилен Галстян
Автор| Елена ФЕДОРЕНКО
Заголовок| Гаянэ ты моя, Гаянэ
Где опубликовано| © Газета «Культура»
Дата публикации| 2018-07-26
Ссылка| http://portal-kultura.ru/articles/balet/213589-gayane-ty-moya-gayane/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

На Исторической сцене Большого театра с необычайным успехом прошла однодневная гастроль армянского Национального академического театра оперы и балета имени Александра Спендиаряна. Показ балета «Гаянэ» посвятили нескольким памятным датам: 2800-летию Еревана, вековому юбилею Республики Армения, 115-летию со дня рождения автора партитуры — композитора Арама Хачатуряна.
Яркий национальный спектакль, соединяющий классический танец с народным, публика восприняла с воодушевлением. В центре балета — две истории любви. Тонкими поэтическими смыслами наполнили свои роли Сюзанна Пирумян (Гаянэ) и Рубен Мурадян (Армен). Восторженными певцами юности выглядели Мери Оганесян (Нунэ) и Ваагн Маргарян (Карен). Драматически насыщенно провел партию Гико Размик Марукян. Восхищение вызвали декорации и костюмы, отлично смотревшиеся на главной сцене страны.


«Культура» побеседовала с директором и худруком театра Константином ОРБЕЛЯНОМ — американцем, получившим звание заслуженного артиста России, — дирижером, пианистом, продюсером; и автором либретто, хореографом, главным балетмейстером труппы, народным артистом Армении Виленом ГАЛСТЯНОМ.

Константин Орбелян: «Армения всегда славилась великолепными голосами»

культура: Зачем Вы, успешный музыкант с мировым именем, решили взвалить на себя хлопотное театральное хозяйство?
Орбелян: Никогда не думал, что возглавлю Национальную Оперу в Армении, но два года назад, после смерти знаменитого оперного певца, руководителя Ереванского театра оперы и балета Гегама Григоряна, первые лица страны предложили мне занять этот высокий пост. Как человек азартный, решил попробовать. Наверное, сыграла роль и более глубинная причина — зов предков, захотелось сделать что-то полезное для страны, откуда родом папа. Потом предложили совмещать художественное руководство с обязанностями директора. Держать рычаги в одних руках целесообразно. Нет разногласий, когда худрук хочет одно, а директор — иное.

культура: Что удалось сделать?
Орбелян: Жизнь в коллективе застал вялотекущую. Редко выпускались премьеры, афишу составляли по преимуществу «силовые» оперы, отсутствовали в репертуаре произведения Доницетти, Россини, Моцарта, артистам достаточно сложно было развиваться. Можно было пойти по долгому пути постепенных изменений. Я предпочел все привести в движение и взбудоражить. Подготовили несколько новых постановок, я вернул в театр тех, кто пережил с ним период расцвета. Сейчас балетной труппой руководит Армен Григорян, хором — Карен Саркисян, что пошло на пользу.

Армения всегда славилась великолепными голосами, и сегодня у нас прекрасные певцы, они выступают на сценах лучших театров мира. Липарит Аветисян — лауреат «Золотой маски» за партию де Грие в «Манон» Массне Музтеатра имени Станиславского и Немировича-Данченко, поет в Лондоне, Вене, Сиднее, Дрездене. Геворг Акобян участвует в спектаклях Большого, а потрясающий тенор Ованес Айвазян — в «Тоске» Мариинки. Многие артисты гастролируют на Западе. Сам же театр не выезжал на гастроли уже 25 лет, если не считать одного выступления в Москве во время «Золотой маски» — в 2003 году на Новой сцене Большого показывали «Норму». Сейчас мы собираемся в Дубай, а потом в Кувейт, там нашей «Волшебной флейтой» откроют новый театр. И это событие — первая оперная постановка в истории страны.

культура: Как обстоят дела в области балета?
Орбелян: Труппа в хорошей творческой форме. Недавно провели фестиваль, посвященный Араму Хачатуряну. Представили три спектакля на его музыку: «Спартак», «Гаянэ» и «Маскарад». Мы — единственный театр в мире, в чьем репертуаре все балеты великого композитора.

культура: Почему для гастролей в Большом выбрали «Гаянэ»?
Орбелян: Спектакль — самобытный, оригинальный, очень красивый. К тому же этот балет в Москве отсутствовал практически 60 лет. В начале 1980-х в столице трижды прошла версия Максима Мартиросяна, но ее мало кто видел. Можно сказать, современная Москва «Гаянэ» не знает. Легендарный «Спартак» идет на главной сцене страны, «Маскарад» недавно поставлен в Детском музыкальном театре имени Наталии Сац.

Приглашением в Большой артисты очень взволнованы, для всех нас это радость и честь. В Москве балетная труппа не выступала с 1975 года — тогда во Дворце съездов в Дни декады армянского искусства показывали «Бессмертие» по партитуре, написанной моим дядей Константином Орбеляном к 30-летию Великой Победы.

культура: Вы — человек мира, а где сейчас чаще бываете?
Орбелян: В Ереване много работы: тяжело поднимать труппу, где подзабыты навыки кропотливой и быстрой работы. За короткий срок нам предстояло отрепетировать «Манон» и «Кармен» на французском языке, «Волшебную флейту» — на немецком. Премьеры, концерты, фестивали — в театре кипит интересная и интенсивная работа. Купили у Большого театра декорации и костюмы «Чиполлино», скоро этот балет Карена Хачатуряна появится в нашей афише. В планах — новая постановка оперы «Ануш».

культура: Связаны ли Вы обязательствами с заграницей?
Орбелян: Я главный дирижер Каунасского симфонического оркестра, в Литву выезжаю достаточно часто. Приглашают знаменитые певцы: с Элиной Гаранчей каждый год проводим тур по Южной Америке и Мексике. В конце августа дирижирую концертом Марсело Альвареса в Любляне, а потом серия выступлений в память Дмитрия Хворостовского.

культура: Он Вас высоко ценил, называл дирижером-продюсером. Как складывались отношения?
Орбелян: Мы дружили 18 лет, колесили по всему миру, объездили Америку, Европу, не говоря о России — с разными проектами. Дмитрий, конечно, сказал новое слово в исполнении советского песенного наследия, его искусство повсюду пользовалось огромной популярностью.

культура: Военная программа к 60-летию окончания Великой Отечественной — Ваша идея?
Орбелян: Дмитрий так считал, а я его слова — принимаю. Работали сложно, потому что все аранжировки делались заново, но все сошлось: Хворостовский пел восхитительно, потрясающе. К 70-летию Победы мы выпустили второй диск, с новой программой. 9 Мая 2015 года провели концерт на ВДНХ, где собрались 275 тысяч слушателей. Спустя две недели узнали о страшном диагнозе Дмитрия.

культура: Работа дирижера с вокалистами-солистами в спектакле и в симфонических концертах различна?
Орбелян: Конечно. Думаю, мне удается быть хорошим аккомпаниатором: могу и лидировать, когда надо, но больше — слушаю певцов, они признаются, что со мной удобно работать.

культура: В театре Вы встаете за оркестровый пульт?
Орбелян: В основном на концертах — нет времени сейчас на трудоемкие репетиции оперных спектаклей. К тому же я не хочу отнимать работу у наших дирижеров. В новых проектах — «Волшебная флейта» и «Кармен» — считаю возможным предложить свое прочтение по праву музыкального руководителя-постановщика.


Вилен Галстян: «Хачатуряна пришлось уговаривать»

культура: Вы действительно сочинили «Гаянэ» по просьбе композитора? Как и когда произошла ваша встреча?
Галстян: На концерте во Дворце съездов исполнил «Танец с факелами» на музыку из «Гаянэ». Сам для себя его поставил, это была одна из первых моих балетмейстерских работ. Хачатурян с министром культуры Фурцевой сидели в правительственной ложе. В антракте меня захотели видеть: наверное, мой танец, для которого я не пожалел темперамента, произвел на них впечатление. Я выбегал обнаженный, с раскрашенным телом, в одних парчовых трусах. Екатерина Алексеевна сказала: «Вы должны поехать с этим номером в Париж на три месяца, там намечаются гастроли возрожденного советского мюзик-холла». Для поездки я сочинил еще «Танец с саблями» и исполнял его с чудесной узбекской балериной Галией Измайловой. На той же встрече Арам Ильич предложил: «Сынок, ты хорошо чувствуешь мою музыку, может быть, поставишь балет «Гаянэ»?». «Конечно», — самонадеянно ответил я, хотя ни одного балета в то время не сочинил.

культура: Вы знали тогда чьи-нибудь постановки «Гаянэ»?
Галстян: Я их видел, и, скажу честно, они мне не нравились. Сюжет казался надуманным: колхозники, герои погранзаставы, геологи, шпионы, диверсанты. Гаянэ с ребенком уходит от мужа, дезертира и пьяницы, ее берет замуж пограничник, спасший колхоз. На сцене исполнялись танцы разных народов: украинские, русские, курдские, грузинские. Мне они казались лишними, хотелось создать армянский балет, с нашими обычаями и ритуалами. Написал либретто, где очертил любовный треугольник. Понимал, что занимаюсь не своим делом, но наши поэты отказались, а знаменитая Сильва Капутикян, она меня очень любила, сказала: «Никто не погружен в эту музыку так глубоко, как ты, и должен сам придумать историю». Сделал музыкальную редакцию — собрал номера по-своему, безо всяких национальных дивертисментов.

культура: Неужели Хачатурян принял и либретто, и музыкальную редакцию?
Галстян: Сначала назвал меня «шовинистом», сказал, что писал о дружбе советских народов, а я ее не ценю. Шутил, конечно. Я его убедил, хотя и не сразу, что «Гаянэ» — национальный балет и его музыка — гордость армянского театра. Арам Ильич тогда много ездил и все время звал меня на разговоры — то в Москву, то в Ленинград, то в Киев. Обсуждались любые детали. Наконец, прозвучало долгожданное: «Ты меня уговорил, сделаю музыкальные связки, необходимые для спектакля». Балет ему понравился, он уже 45 лет не сходит с нашей сцены.

культура: Расскажите про художника — декорации и костюмы впечатляют...
Галстян: Пригласил к сотрудничеству великого живописца Минаса Аветисяна, его называли вторым Сарьяном. Он, к сожалению, многого не успел — погиб. Его творчество вызывает сейчас огромный интерес. Цветовая гамма «Гаянэ» — потрясающая: сочная, солнечная, южная.

культура: А как возник замысел балета «Маскарад» на музыку Хачатуряна?
Галстян: Поставил недавно, а замыслом обязан исключительно музыке. Обычно свои спектакли не хвалю, но думаю, что из всех моих балетов «Маскарад» по Лермонтову — самый удачный. Мечтаю показать его Москве и Петербургу, это ведь петербургская история. Грустно, что сейчас нас никто не приглашает. Союз рассыпался, началась отдельная жизнь. Ужасно тоскую по тому времени, когда искусство не знало границ и все легко договаривались о гастрольных визитах.

культура: Советское прошлое часто вспоминаете?
Галстян: Я очень любил артистов Большого театра, они отвечали мне взаимностью — как говорится, пришелся к дому. Юрий Григорович хотел меня видеть в труппе, но наше правительство не отпустило: пожалуйста, танцуй в столице, но возвращайся. Мне едва исполнилось 30, когда я возглавил балетную труппу Армении.

культура: На Международном конкурсе в Варне Вы завоевали золотую медаль...
Галстян: Выступал в дуэте с Галиной Рагозиной. К конкурсу в Каире готовился с Маликой Сабировой, а Миша Лавровский, который близок мне как брат, должен был танцевать с Наташей Бессмертновой. Он не полетел, и я выходил с обеими партнершами. Мы привезли три золотые медали. С Раисой Стручковой объездили полмира. Никогда не забуду, как помогла мне Галина Сергеевна Уланова. Я тогда переживал личную трагедию, начал пить. Вдруг звонок Галины Сергеевны: «Вилен, ты наш человек, мы тебя ждем, приезжай к нам». Она сказала это так мягко и нежно, что я сразу полетел. Подолгу жил в Москве, много танцевал в спектаклях Большого. Весело проводили выходные дни — компаниями отправлялись на дачи: к Володе Васильеву, Саше Богатыреву, Юре Владимирову. Были как родня.

культура: Почему с Вами так любили танцевать знаменитые балерины?
Галстян: Может быть, потому, что чувствовали мужскую защиту. Если в роли не было сильного начала, она меня не интересовала. Потому никогда не привлекал принц Зигфрид из «Лебединого озера»: нежный юноша, ходит-бродит, увидел Одетту и растерялся. Ни динамики, ни страсти.

культура: Вы сыграли легендарного певца-поэта Саят-Нову в фильме «Цвет граната» режиссера-мифотворца Сергея Параджанова. Как артист балета попал на съемочную площадку?
Галстян: Когда в Ереван приехал Параджанов, повсюду началась суета, шум, гам. Все знаменитые мастера рвались на пробы, режиссер отсматривал фотографии артистов, но никто ему не подходил. Не понимаю до сих пор, что он во мне нашел. Эдгар Оганесян — композитор, директор оперного театра — уговорил Параджанова посмотреть меня на сцене, и он приехал на второй акт «Жизели». После спектакля встретил меня словами: «Я в восторге от того, как вы сыграли трагедию. Решил вас снимать в роли Саят-Новы. Без всяких проб. Вы мне нужны». Я извинился и отказался: «Не смогу выучить текст, для меня это мука тяжкая». «Какие тексты? У меня в фильме вы не произнесете ни фразы. Завтра жду вас в студии», — услышал ответ. Я не представлял, что это за кино — без слов. Никто из нас не понимал, что снимается. Параджанов объяснял сцену: «Вилен, ты лежишь в келье и видишь святую руку перед своими глазами — думай, откуда она появилась». Или: «Ты копаешь землю, роешь могилу для католикоса, готовишь похороны, знаешь, что никто не поможет, ты должен сделать это сам». Он объяснял суть, но как надо сыграть — не говорил. Решений не предлагал, соображать приходилось самостоятельно. Эта работа с фантастическим человеком-карнавалом, из породы гениальных людей, где мы не числимся, — подарок судьбы.

====================================================================

Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Авг 25, 2018 7:57 am), всего редактировалось 2 раз(а)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18537
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Июл 28, 2018 11:04 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072805
Тема| Балет, Фестиваль «В честь Екатерины Максимовой» (Челябинск), Персоналии,
Автор| Александр Максов
Заголовок| X международный фестиваль балета в Челябинске. Часть третья.
Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2018-07-23
Ссылка| https://musicseasons.org/x-mezhdunarodnyj-festival-baleta-v-chelyabinske-chast-tretya/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Итальянцы в России (эти – впервые)

Третьим фестивальным событием стало выступление артистов «ММ Contemporary Dance Company». Интригующие две буквы «М» в названии расшифровываются просто. Это инициалы художественного руководителя Микеле Миролы, он же балетмейстер-постановщик «Болеро» на музыку Равеля, показанного во второй части вечера.



В первой же представили «Весну священную». Балетмейстер Энрико Морелли обратился к музыке Стравинского не случайно. 29 мая 2013 года мировая культурная общественность отметила столетие балета «Весна священная». Несмотря на скандал, возникший во время премьеры спектакля в хореографии Вацлава Нижинского, которая состоялась в Париже в рамках «Русских сезонов» Дягилева, произведение стало широко известно.

В основе либретто – отзвуки языческой Руси: при пробуждении весны для того, чтобы земля могла плодоносить, нужно ритуально приносить в жертву невинную девушку.

«Мой новый балет «Весна священная» не имеет сюжета. Это религиозная церемония Древней Руси – Руси языческой», – говорил Стравинский в 1913 году, в заключительный период работы над балетом. И все же сюжет в спектакле Нижинского был, и внятно раскрывался. У Морелли, который по-своему следует за замыслом композитора, сюжет выглядит куда более абстрактным.

Первое, что заставляет задуматься зрителя – декорация. В черном кабинете сцены откуда-то с колосников свешиваются крюки на беспрерывно раскачивающихся цепях. Так олицетворяется высшая сила, простирающая свою власть над миром, изъявляющая непреложную волю и диктующая законы. По Морелли – это своеобразный Дамоклов меч, нависший над человечеством. В финале безымянный бедняга из безликой толпы будет подвешен на крюке сородичами, также лишенными индивидуальности. Придуманной мизансценой балетмейстер провозглашает свою основную идею: «До тех пор, пока человек будет приносить в жертву собратьев, поддаваясь слепому насилию, не будет проявлять уважения к себе подобным, культурные и гуманные отношения не смогут возобладать».

Судьба дарует человеку жизнь, любовь, испытания и подводит к последнему пределу. У Стравинского смена картин: приход весны, масленичное гулянье, пробуждение природы – этого вечного источника любви и красоты. В спектакле Морелли этот контраст выражен менее отчетливо. А потому и хореография кажется несколько однообразной.

Для балетмейстера важно актуализировать старинную легенду. С ее помощью он декларирует фатальную идею своего спектакля: «Если люди будут считаться лишь со своими интересами и уничтожать любого, кто окажется на пути к достижению их эгоистичных желаний и целей, жить по принципу “homo homini lupus est”, – человечество обречено».

Свое «Болеро», написанное для оркестра, Равель задумал для балетной постановки. Партитура действительно познала множество хореографических воплощений, хотя и сама по себе является одним из наиболее известных произведений в истории музыки. Популярность «Болеро» обеспечило не только «гипнотическое воздействие неизменной множество раз повторяющейся ритмической фигуры, на фоне которой две темы также проводятся много раз, демонстрируя необычайный рост эмоционального напряжения и вводя в звучание всё новые и новые инструменты».

Не остался в стороне от попыток разгадать тайну магии «Болеро» и Микеле Мирола. Свою версию балета он создал после глубокого изучения музыки Равеля. Вдохновленный поиском сути многократно повторяющейся мелодии, он видит в ней неиссякаемый источник человеческих взаимоотношений. Так возникают дуэты мужчины и женщины, двух женщин, или двух мужчин. «Разнополую» пару разделяет «невидимая стена», разрушающая гармонию. Непростые эмоции сложных человеческих коллизий испытывают и другие герои. Вот почему «Болеро» интерпретируется Миролой не как бессюжетное произведение, но горькая аллюзия жизненной боли и непонимания. Его «Болеро» стало метафорой нашей жизни, балансирующей между диалогом и конфликтом, соблазном и пресыщением, удивлением, интересом, разочарованием и растерянностью.

Для создания максимальной интимности некоторых эпизодов балета постановщику понадобилась аранжировка музыки композитором Стефано Корриасом, который вписал в партитуру Равеля собственные звуки. Поначалу это три повторяющиеся ноты-капли, отдаляющие нас от оглушительного шума цивилизации и нескромных взглядов. Затем «капли» дополняются аккордами. И лишь дальше откуда-то издалека нарастает знакомый ритмический узор равелевского ostinato.

Посреди темного пространства сцены возвышается черная гофрированная ширма. Она способна перемещаться, выстраиваться в линию и закручиваться в улитку. Ширма то поглощает танцовщиков, то изрыгает их из своих недр.

Хореографию Миролы нельзя назвать сочинением танца без цели. Уничтожая иерархию между танцовщиками, балетмейстер утверждает зависимость экспрессивного танца от музыки. Костюмы тоже весьма условны, точнее, аскетичны. Но есть символика цвета: ширма становится «костюмерной», в которой, скрывшись от зрителей, артисты меняют сои черные одежды на белые. Танцем становится любое движение, игра ракурсами, и эта «свободная пластика» стала для итальянцев отличной техникой.

В финале балета ширма упала. Она превратилась в гору какого-то урбанистского мусора, напоминающую тело кита, выброшенного на сушу.

Публика горячо приняла обе постановки и долго не отпускала артистов своими единодушными аплодисментами.



Фото предоставлены пресс-службой фестиваля

====================================================================
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Авг 25, 2018 7:57 am), всего редактировалось 2 раз(а)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18537
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Июл 28, 2018 11:06 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072806
Тема| Балет, Фестиваль «В честь Екатерины Максимовой» (Челябинск), Персоналии,
Автор| Александр Максов
Заголовок| X международный фестиваль балета в Челябинске. Часть четвертая
Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2018-07-25
Ссылка| https://musicseasons.org/x-mezhdunarodnyj-festival-baleta-v-chelyabinske-chast-chetvertaya/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Гала-концерт, или балетное pasticcio

Как водится, фестивальную программу завершили большим гала-концертом. Для Юрия Клевцова, режиссера этого балетного пиршества, Екатерина Максимова – не только легенда. Придя в Большой театр, молодой танцовщик оказался с балериной на одной сцене, мог воочию наблюдать за магией ее искусства. И потому к формированию балетного дивертисмента «В честь Максимовой» Клевцов подошел не формально. С душой! Не случайно в канве вечера оказалась «Элегия» на музыку Рахманинова, некогда поставленная Владимиром Васильевым для Максимовой и самого себя. Этот дуэт они часто исполняли, а ныне его представили челябинские мастера – ученица Максимовой Татьяна Предеина и Александр Цвариани.



В свои права поочередно вступили все жанры танца. Испанский «фольклор» в сценическом преломлении закольцевал программу: начали массовой пляской из балета «Ида. Любовь и страсть Иды Рубинштейн» на музыку Н.Римского-Корсакова (хореография Н.Калининой), а точку поставили Фанданго «Дон Кихота».

Завидное место отвели классической хореографии. Свадебное pas de deux Авроры и Дезире («Спящая красавица») исполнили Екатерина Хомкина-Сафронова и Алексей Сафронов. Они больше сосредоточились на преодолении технических порогов текста и академизме, нежели на благородстве стилистики, в том числе и визуальных образов. Обошлись без белоснежных париков, и волос не припудрили для приближения к изысканной внешности сказочных французских принцев. В Авроре Екатерины нет-нет да промелькнет Одиллия. Алексея несколько подвели предательски недокрученные double tours en l’air и смазанная концовка pirouette. Ту же проблему точного завершения вращений испытывал в Гопаке (хореография Р.Захарова) Иван Троилов, вылетевший из кулис в мощном и динамичном прыжке. В adagio «Грезы Раймонды» (хореография М.Петипа) Ингу Карпову и Михаила Филатова (Жан де Бриен) объединил мотив мечтаний о романтической гармонии. Лирическую тему вела балерина, высокий суховатый танцовщик выступал в роли надежно поддерживающего кавалера, и на большее не претендовал. Плавное течение их дуэта взорвал Индусский танец из балета «Баядерка» в исполнении челябинцев. Премьер театра Валерий Целищев произвел сильное впечатление в pas de deux из балета «Пламя Парижа». Артистичный танцовщик находится в прекрасной творческой форме. Он танцует технически виртуозно, эмоционально. Виктория Дедюлькина не столь стабильна в технике. При замечательном fouette, начатом двойными оборотами, досадно сорвала диагональные подскоки в вариации.

Классическую линию продолжили pas de deux из балетов «Лебединое озеро» и «Корсар». Немного погрузневший Алексей Сафронов в вариации Зигфрида Tombé – Pas de Bourreé ограничился двумя двойными tours. Его партнерша Дарья Демченко била на эффект переменой рук в fouette, но едва вырулила из pirouette в вариации Одиллии.

Прибывшие из «Балета Манилы» Катарина Баркман и Джозеф Филлипс резкой разницы с челябинскими танцовщиками не обнаружили. Оба небольшого роста. Балерина более изящная, танцовщик крепенько взбитый, с неопрятной стопой. Технических промахов они не допустили, но и особо не одушевили Медору с Рабом проникновенностью пластических интонаций. В миниатюре с загадочным названием «K.B.J.P.» (музыка Вон Магнита, хореография Августа Домиана III) танцовщики, напротив, создали ощущение импровизационности. Хореографическая конструкция с ее переплетением тел, синкопами и поддержками впечатлила концентрацией актерской энергии.

Поистине захватывающим дух стало выступление москвичей Дарьи Хохловой и Вячеслава Лопатина. Pas de deux из балета «Щелкунчик» (хореография В.Вайнонена) они исполнили отлично. В дуэте из балета «Светлый ручей» Д.Шостаковича–А.Ратманского артисты увлекли красочными нюансами пантомимы, деликатной игрой и тонкой эмоциональной прорисовкой отношений героев. Зина едва сдерживала бушевавшие в ней эмоции, а влюбленный в неузнанную под маской жену Петр даже не замечал враждебности, проскальзывающей в ее поведении. У Вячеслава в этот вечер не было соперников. Ему удалось безукоризненное исполнение текста партии. При этом, казалось, что легкий как ветерок танцовщик вообще не касается подмостков и не устает физически. Лопатин изумительно точен в сольных вариациях, на удивление без каких-либо усилий управляется с партнершей. Браво!

Замечательным творческим событием выделилась премьера хореографической новеллы «Леда и Лебедь». Дебютировавший как балетмейстер Дмитрий Гуданов выбрал в качестве музыкальной основы так хорошо знакомую по многочисленным хореографическим интерпретациям прелюдию Дебюсси «Послеполуденный отдых фавна». Несмотря на стойкие ассоциации, связанные с этой тягучей, льющейся мелодией, она абсолютно подошла для воплощения иного греческого мифа, замысленного Гудановым. Похоже, эта первая «проба пера» абрисно наметила черты творческой индивидуальности Гуданова-хореографа: чувство музыкального колорита, импрессионистское отношение к драматургии, изобретательность хореографического рисунка и цельное понимание формы произведения.

Мастерским было и исполнение. Главный греческий бог сходил на землю с заоблачных высот Олимпа. Принятый им образ прекрасного лебедя помогал добиться расположения чувственной Леды. Уверенный в себе Зевс–Гуданов благоговейно и в то же время настойчиво прикасался к Леде–Татьяне Предеиной. А она не имела сил сопротивляться неотразимому искусителю. Оба великолепных мастера знали, как и чем заполнить бесконечную кантилену музыки, превращая ее в непрерывное хореографическое legato переходов от одной комбинации, к другой, от одной графичной позы – к следующей. И наполняли смыслом каждую пластическую эволюцию.

Кульминацией концерта стали Grand pas «Дон Кихота» и «бисовка» с забавно размноженными режиссером-постановщиком Китри и Базилями. Каждому досталась возможность блеснуть техникой и поставить свой памятный хореографический автограф. А когда все балерины вечера выдали массовую атаку fouette, поверженные зрители буквально повскакали со своих мест, «купая» артистов в овации.

Фото Андрея Голубева

====================================================
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Авг 25, 2018 7:57 am), всего редактировалось 2 раз(а)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18537
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июл 29, 2018 10:08 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072901
Тема| Балет, Пермский театр оперы и балета, Персоналии, Алексей Мирошниченко
Автор| Екатерина БЕЛЯЕВА
Заголовок| Щелкунчик, или Сны о России
Где опубликовано| © «Экран и сцена» № 14
Дата публикации| 2018-07-26
Ссылка| http://screenstage.ru/?p=9071
Аннотация|


Фото А.ЗАВЬЯЛОВА

После триумфальной премьеры “Щелкунчика/Иоланты” в Парижской опере в 2016 году, которую выпустили Дмитрий Черняков, Эдуар Лок, Артур Пита и Сиди Ларби Шеркауи, дорога интерпретаций трагического опуса П.И.Чайковского стала тернистей. Весь XX век великие хореографы форматировали этой партитурой и двоящимся как стекла Коппелиуса либретто свою биографию, приоткрывая завесы собственных детских тайн и интимных травм. Музыка редко срасталась с хореографией, хотя на многие из этих авторских историй она работала. В итоге у нас есть “Щелкунчики” от Джорджа Баланчина и Мориса Бежара, Юрия Григоровича и Мэтью Боурна, Матса Эка и Джона Ноймайера, Рудольфа Нуреева и Марка Морриса. Существуют немногочисленные хореографические находки Льва Иванова, сохраненные традицией со времен премьеры 1892 года, используемые и в XXI веке, а главенствует на отечественных сценах детский спектакль Василия Вайнонена – балет советский, повествовательный, сглаженный в сюжете и характерах и заостренный “сложносочиненным” исполнением.

Странная живучесть детского спектакля с недетской музыкой не бросалась в глаза, пока на это не обратил внимание чуткий исследователь балетной традиции советского периода, худрук Пермского балета Алексей Мирошниченко, когда-то станцевавший в этом “Щелкунчике” дюжину ролей. Мастерски руководя труппой, он давно оставил поиски нового пластического языка и работает с уже имеющимися стилями, выкладывая из них и своих авторских либретто прихотливую мозаику стилизаций. Разгадывая загадку музыки “Щелкунчика”, он не дает собственный ответ, а подбирает возможный из истории балета.

Морис Бежар и Джордж Баланчин ностальгировали по убежавшему времени и в музыке Чайковского увидели, как в голографическом изображении, свое детство и трудный период взросления. В их авторских спектаклях, не понятных без контекста и потому не удержавшихся в афишах после премьер, мэтры рассказывали о переполнявших их глубоких чувствах. Мирошниченко человек не сентиментальный, он любит деконструкции в духе раннего

Уильяма Форсайта и его жесткий язык. Он придумал, что история нового “Щелкунчика” начнется на стыке веков, заденет пышнотелый fin de siecle, процитирует расцвет Матильды Кшесинской, упомянет о закате Петипа, скажет пару слов о появлении Фокина (из которого вырос Джон Ноймайер со своим особым гамбургским драмбалетом). Взрослеть его героине придется уже при большевиках, ее путешествие в Конфитюренбург затянется, путь проляжет через “поднятую целину”, “малую землю” и другие остановки в СССР.

Рассказы о советском времени – конек хореографа, его знания о балетных достижениях этого периода безграничны. Выпущенная в прошлом сезоне “Золушка” переносит зрителя во времена министра культуры Екатерины Фурцевой. Последнее творение Мирошни-ченко – “Жар-птица” – устроена как путешествие по главным балетным спектаклям XX века за пределами России, но путь птицы-туристки начинается в Перми и заканчивается в стольном русском городе на свадьбе Ивана-Царевича и Царевны-Красы. В “Щелкунчике” главная героиня путешествует по России и СССР во сне, иногда ее уносит в “книжное” зарубежье – особую страну, где советский интеллигент черпал важнейшие сведения о материальных ценностях Запада.

Альона Пикалова придумала остроумные декорации, делающие балетный театр гиперреальным и оттого будто кукольным. Для первого, “дореволюционного” акта, были созданы вариации на тему синей паутинки – популярного узора посуды, произведенной Императорским фарфоровым заводом, решеток и шпилей грандиозных зданий Санкт-Петербурга. Но это не ностальгический город-красавец с хитами Растрелли, Ринальди и Монферрана, а некое идеальное место – туристическая мечта советского старшеклассника. Конфитюренбург из сна Маши – это и ВДНХ, и площадки фестиваля молодежи и студентов. Идея Мирошниченко не в том, чтобы показать танцы разных стран, а найти французов, иранцев, итальянцев, русских, китайцев в балетах советских хореографов, сузить мир до угла зрения зрителя в СССР. В восточном танце мы узнаем томную пластику “Лейли и Меджнуна” Касьяна Голейзовского и парафразы из “Легенды о любви” Юрия Григоровича, развеселый русский танец – воспоминания о героях-простецах Владимира Васильева, в китайском и итальянском слышится эхо игривых миниатюр Леонида Якобсона, французский танец намекает на запретное и случайное советского репертуара – “Натали, или Швейцарская молочница” Пьера Лакотта, где блистала Екатерина Максимова. Можно попытаться разгадать розовый вальс, где танцовщики одеты в костюмы экзотических цветов (художник Татьяна Ногинова). Цветы здесь расцветают в декабре, лето наступает зимой, осуществляется несбыточная мечта. Кажется, это предвосхищение эпохи реконструкций Сергея Вихарева, которые на 20 счастливых лет закроют двери в советское. Маша проснется, и все исчезнет, но Мирошниченко, занимающий нейтральную позицию летописца, красиво фиксирует, что балеты эти у нас были. Хореограф берет на себя роль двойника Дроссельмейера, создающего свой спектакль-травелог в тесноте крошечной сцены, усложняя ее конструкцию внутренними балаганчиками и населяя персонажами то ли комедии дель арте, то ли русского ярмарочного театра. Он цитирует “Петрушку” как важнейший балет, вводящий в XX век, нужный ему для контекста “Щелкунчика”, а с другой стороны, шедевр Фокина возникает в качестве идеальной обманки в духе Гофмана: недетскую историю рассказали на игрушечных подмостках, а потом куклы стали тряпками, кровь оказалась клюквенной. Алексей Мирошниченко не решил ребус Чайковского, но отправил зрителя в увлекательное путешествие по балетному прошлому СССР.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18537
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июл 29, 2018 10:12 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072902
Тема| Балет, БТ, Приз “Бенуа де ла Данс”
Автор| Екатерина БЕЛЯЕВА
Заголовок| В сторону экстравагантности
Где опубликовано| © «Экран и сцена» № 14
Дата публикации| 2018-07-26
Ссылка| http://screenstage.ru/?p=9073
Аннотация| Приз “Бенуа де ла Данс”


Мария Кочеткова и Себастиан Клоборг в номере “И когда прошел день”

Лауреатов Приза “Бенуа де ла Данс” назвали в Большом театре. Вручение балетных “Оскаров” работы Игоря Устинова проходило в 26-й раз. В прошлом году фестиваль отмечал красивый юбилей пышными торжествами, но, как часто случается, рядовой смотр проходит интереснее. Концерты были заявлены как посвящения Мариусу Петипа, но не превратились в протокольную череду па де де из балетов юбиляра, на первый план неожиданно вышел мужской дуэтный танец в очень качественном исполнении зарубежных премьеров, каждый из них заслуживал свою премию.

Особенностью нынешнего конкурса стало наличие молодого жюри. Артисты, несколько лет назад представлявшие в Москве свои прославленные труппы как танцовщики, сегодня приехали в качестве худруков балета и конкурсных судий. Этуали Парижской Оперы Николя Ле Риш и Элеонора Аббаньято возглавляют Шведский балет и Балет Римской Оперы соответственно. Испанка Тамара Рохо много лет танцевала в Королевском балете, ныне руководит второй по значению лондонской компанией – Английским национальным балетом. Также в составе жюри был Дэвид МакАллистер – в прошлом звезда Австралийского балета, сегодня директор этой компании. Номинированные на Приз Бенуа за роли в балете Дж. Талбота-К.Уилдона “Алиса в стране чудес”, артисты его труппы показывали фрагмент из “Золушки” в хореографии Алексея Ратманского. Когда-то Австралийский балет славился классическим репертуаром, теперь в его афише современные сюжеты. В компанию молодых идеально вписался Самюэль Вюрстен, директор фестиваля современного танца “Холланд-данс” и куратор фестиваля Дианы Вишневой “Контекст”. Внутри семерки было всего два “ветерана” – Борис Эйфман, выполнявший функцию со-председателя жюри, и педагог из Бразилии Нора Эстевес.

В этом году были возвращены конкурсные номинации композитора и сценографа, и призы безоговорочно ушли к создателям балета “Нуреев” – Илье Демуцкому и Кириллу Серебренникову. В номинации “Лучшая работа хореографа” победил Юрий Посохов за того же “Нуреева”. Лучшим танцовщиком стал исполнитель роли Нуреева в премьерном спектакле Владислав Лантратов. Вместе с Посоховым приз получила хореограф из Бразилии Дебора Колкер за спектакль “Собака без перьев”, а вместе с Лантратовым мексиканец Исаак Эрнандес. Награда “за лучшую роль танцовщицы” ушла к солистке Парижской Оперы, кореянке Сэ Ын Пак. У этой балерины интересная биография – она попала в главный балетный театр мира вопреки его консервативным традициям “принимать в труппу только французов”, выиграла конкурс и одна из ста претендентов получила приглашение. Сэ Ын Пак оказалась востребована на волне недостатка в Парижской Опере “чистых” классиков, поборников строгих пятых позиций.

Но запомнится Бенуа-2018 не выступлениями нынешних победителей, а красивыми дуэтами, подготовленными номинантами и лауреатами прошлых лет. Специально для концерта английский хореограф Дэвид Доусон поставил на Марию Кочеткову и Себастиана Клоборга номер “И когда прошел день” на томную музыку Шимона Бжуски. Доусон всегда сочиняет настроенческие бессюжетные балеты – в данном случае это очерк про негу серого цвета (изумительные костюмы от Хлое), про мощь точного танца, растворяющуюся в бесконечной линии горизонта, о странностях балетной гравитации. Мужское по инерции заигрывает с женским, чувственный результат при этом исключен, зато “безответственность” танца дарует физическое удовольствие зрителю. Как и в номере “Вдвоем и только” Вюбке Кейндерсмы, который танцевали Марейн Радемакер и Тимоти ван Паукке, специфическая любовная пластика вынесена за скобки, но ее лучи каким-то тайным способом согревают смотрящих. Мягкая синхронность поз контрастировала с жесткостью мышечных эмоций танцовщиков. И наиболее сильное впечатление оставила самая ожидаемая гостья смотра – Наталья Осипова в дуэте (с Джейсоном Киттельбергером) из балета “Щелкунчик” в хореографии Сиди Ларби Шеркауи. Вырванное из контекста спектакля Чернякова па де де не только не потерялось, но заиграло новыми смыслами. В нем есть страшный финал, когда Мари в процессе танца-катастрофы незаметно теряет Водемона и танцует его вариацию сама. Осипова привезла в Москву только дуэтный фрагмент, но трагический смысл вложила, отчаянно цепляясь за своего партнера, давая при этом понять зрителям, что он существует только в ее воображении и через несколько минут исчезнет.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18537
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июл 29, 2018 10:19 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072903
Тема| Балет, БТ, МГАХ, Гала “Приношение Петипа”
Автор| Алла МИХАЛЕВА
Заголовок| Любви все возрасты покорны
Где опубликовано| © «Экран и сцена» № 14
Дата публикации| 2018-07-26
Ссылка| http://screenstage.ru/?p=9075
Аннотация| Отчетный концерт МГАХ; Гала “Приношение Петипа”


Сцена “Оживленный сад” из балета “Корсар”. Фото Б.АННАДУРДЫЕВА

Зрители любят и ждут балетные гала, но зачастую остаются ими недовольны. Исключение – концерты выпускников хореографических школ. Танцующие дети, даже если они почти готовые артисты, вызывают если не радость, то нечто схожее с умилением. Ученический статус придает юным исполнителям особый шарм. И, конечно же, на таких вечерах царит атмосфера доброжелательности и ожидания открытий. Зал радуется и рукоплещет каждому намеку на талант, каждому яркому выступлению.

Для столичных поклонников балета ежегодные концерты выпускников Московской академии хореографии – едва ли не событие сезона номер один и красивое его завершение. Гала 2018 года, объявленного годом Петипа, прошел под знаком великого русского француза, хоть и назывался “Нам 245 лет”. Академия, приурочившая к 200-летию хореографа издание сборника “Балеты М.И.Петипа в Москве” (составители – ректор Марина Леонова и педагог Юрий Бурлака), программу концерта, состоявшегося на Исторической сцене Большого, выстроила как приношение Мариусу Ивановичу. Из трех отделений масштабного вечера два были отданы его хореографии, без которой невозможно представить афишу ни одной балетной сцены. Открывала концерт танцевальная сюита “Ожив-ленный сад” из балета “Корсар” в постановке и новой редакции Юрия Бурлаки. Шедевр Петипа – балет в балете, являющийся маленькой антологией классического танца, – позволяет разнообразно представить выпускников: не только солирующих, но и кордебалет, выказавший здесь хорошую выучку и стройность. Медору и Гульнару танцевали Елизавета Егорова и Анастасия Дедикина, отлично справившиеся со своими партиями. Новая версия Бурлаки, учитывающая уровень подготовленности детей, вывела на сцену учеников разных возрастов, включая самых маленьких. В качестве дивертисмента к “Оживленному саду” присовокупили дуэт Медоры и Конрада из первого акта “Корсара”, его виртуозно исполняли лауреаты прошлогоднего Московского международного балетного конкурса Елизавета Кокорева и Денис Захаров. Приятно отметить, что их танец был намного живее и выразительнее, чем когда они танцевали это же па де де на вечере, посвященном Петипа, в Музыкальном театре имени К.С.Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко.

Свой артистизм и чувство стиля пара подтвердила в “Вариации на тему рококо” Алексея Мирошниченко на музыку П.И.Чайковского. Одноактному неоклассическому балету было отдано второе отделение. В свое время хореограф поставил “Вариации” для студентов Пермского хореографического училища. Опус оказался столь удачным, что его перенесли на сцену Пермского театра. Московская академия тоже решила сделать своим ученикам прививку неоклассического танца, с его скоростями и свободой проявления эмоций. Само название постановки отсылает к галантным сюжетам эпохи, склонной к театральной игре и асимметрии рокайльной живописи, сочетающей иронию и изысканную декоративность. Три девушки (Александра Трикоз, Елизавета Кокорева, Анастасия Дедикина) и четыре юноши (Игорь Горелкин, Денис Захаров, Никита Опарин и артист Большого театра Марк Чино) выходят на сцену в окрашенных лиризмом и юмором па де де и па де труа. Молодые исполнители непринужденно передают атмосферу лукаво-серьезных любовных игр, легко справ-ляясь со стремительными темпами, с непривычными для классических танцовщиков поддержками и прыжками.

Хороши эти артисты и в классическом репертуаре. Легкую очаровательную Александру Трикоз и не менее обаятельного и техничного Игоря Горелкина было приятно видеть в па де де из “Тщетной предосторожности” в хореографии Александра Горского. Итальянец из Большого Марк Чино и Елизавета Егорова с чувством станцевали па де де из “Спящей красавицы”. Радость зала вызвали вальс и адажио Принцессы Авроры и четырех кавалеров из I акта той же “Спящей”, где уверенно солировала Стефания Гаштарска и очаровательно вальсировали дети. Прекрасно показались в Pas de six из балета “Эсмеральда” (в постановке и новой редакции Юрия Бурлаки) гибкая и выразительная Полина Афанасьева (Эсмеральда) и Дмитрий Смилевски (Гренгуар).


Сцена из спектакля “Кутб”. Фото М.ЛОГВИНОВА

Так как цель таких концертов – показать учащихся в разнообразном репертуаре, в программу были включены зашкаливающей энергии Танец с барабаном из “Баядерки”, темпераментные Danse des Forbans из балета “Корсар” и Венгерский танец из “Раймонды”, эффектно завершавший вечер.

Почти в те же дни на Исторической сцене Большого театра прошел гала “Приношение Петипа” с участием звезд мирового балета. Вечер получился перенасыщенным и по продолжительности, и по количеству выступлений, где чередовались классика, неоклассика и современные номера. Петипа же присутствовал в программе скромно. Па де де Принцессы Флорины и Голубой птицы из “Спящей красавицы (в редакции Юрия Григоровича) исполнили Анастасии Денисова и Артемий Беляков. Анастасия Сташкевич и Вячеслав Лопатин были, как всегда, легки и выразительны в па де де из балета “Талисман”. В Гран па из “Раймонды” (постановка Юрия Григоровича), торжественно завершавшем гала, оказались великолепны Ольга Смирнова (Раймонда) и Семен Чудин (Жан де Бриен). Вдохновеньем было отмечено па де де Авроры и Принца Дезире из “Спящей красавицы” в исполнении петербуржцев Олеси Новиковой и Леонида Сарафанова в редакции Сергея Вихарева, ставшей в свое время одним из выдающихся событий российской балетной сцены. На общем фоне странно выглядела хореография Петипа в па де де из “Дон Кихота” (постановка Рудольфа Нуреева), впрочем, лихо станцованном Людмилой Пальеро и Матиасом Эйманом из Парижской оперы. В остальном на сцене царил карнавал имен хореографов, где соседствовали Посохов, Крэнко, Пети, Вайнонен, Шеркауи, Малифант, Макмиллан, Гзовский – всех не перечислить.

Потрясающе женственная и лиричная Люсия Лакарра и Марлон Дино, представлявшие труппу Рассела Малифанта, исполнили адажио из “Лебединого озера” в хореографии Льва Иванова, а затем станцевали печально-красивую “Закрученную спираль” Малифанта, где тела танцовщиков в поддержках и других комбинациях словно бы завинчиваются в спираль. Фридеман Фогель из Штутгартского балета выступил партнером Ольги Смирновой-Татьяны в дуэте из “Онегина” Джона Крэнко. Любимица столичной публики, бывшая москвичка, прима-балерина Лондонского Королевского балета Наталья Осипова и Джейсон Киттельбергер (Eastman Company) поразили почти акробатическим дуэтом из балета под загадочным названием “Кутб” Сиди Ларби Шеркауи, где тела танцовщиков сливаются в одно. А зрителям гала второго дня Наталья Осипова подарила бонус: в паре с премьером Мариинки Владимиром Шкляровым, выступающим с ней в балете Аштона “Маргарита и Арман” в Лондоне, станцевала дуэт из “Манон” Кеннета Макмиллана, представ в одной из лучших своих партий.

Тему любви, как и на всяком вечере балета, здесь развивали многообразно. О ней в лучах света и на фоне проплывающих облаков поведал страстный и темпераментный танец Светланы Захаровой и Михаила Лобухина в дуэте из балета “Тристан и Изольда” Кристофа Пастора. Красиво и эмоционально выглядел дуэт Марго и Нуреева в хореографии Юрия Посохова из балета “Нуреев” в исполнении Кристины Кретовой и Артема Овчаренко. Один из самых чувственных дуэтов мировой хореографии из балета Анжелена Прельжокажа “Парк” отлично станцевали петербуржцы Екатерина Кондаурова и Юрий Смекалов.

Но что такое подлинная красота и сила чувств, продемонстрировали ветераны. Изумительные, другого слова не найдешь, 57-летняя Изабель Герен и 54-летний Манюэль Легри с фантастической эмоциональной силой станцевали страстный дуэт из балета Ролана Пети “Свидание” на музыку Жозефа Косма и ностальгический “Прощальный вальс” Патрика де Бана на музыку Шопена и Мартынова, заставив вспомнить строки Пастернака: “И тут кончается искусство, / И дышат почва и судьба”.

То же можно сказать о несравненной итальянке Алессандре Ферри, возобновившей выступ-ления после официального завершения карьеры. Она вышла на сцену с идеальным партнером Марсело Гомесом. Их деликатный, исполненный нежности и сдерживаемого чувства дуэт из балета Кристофера Уилдона “После дождя” на музыку Арво Пярта стал одной из высших точек четырехчасового гала.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3599

СообщениеДобавлено: Вс Июл 29, 2018 10:59 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072904
Тема| Балет, Эрмитажный театр, Персоналии, Олег Каравайчук , Рой Ассаф, Марат Шемиунов, Андрей Касьяненко, Сергей Стрелков
Автор| Олег Сердобольский
Заголовок| В Эрмитаже прошел вечер балетов на музыку Олега Каравайчука в честь 90-летия композитора
Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2018-07-23
Ссылка| http://tass.ru/kultura/5396725
Аннотация| ЮБИЛЕЙ

В программу вошел балет "Гамма" в постановке хореографа из Израиля Роя Ассафа, дебютировавшего этой работой в России


САНКТ-ПЕТЕРБУРГ, 23 июля. /Корр. ТАСС Олег Сердобольский/. Вечер балетов на музыку Олега Каравайчука (1927-2016) прошел в понедельник в Эрмитажном театре в честь 90-летия со дня рождения композитора. Концерт совместно организовали Государственный Эрмитаж и Фонд поддержки культурных проектов и сохранения наследия Олега Каравайчука.
В программу вошел балет "Гамма" в постановке хореографа из Израиля Роя Ассафа, который дебютировал этой работой в России.

"На одной из встреч в Эрмитаже маэстро передал диск с музыкой и сказал: "Марат, здесь музыка для балета. Гениальная штука". Для меня это то же самое, как если бы ко мне подошел Чайковский или Моцарт, я просто не смог с этим жить. Как композитор нашел меня, так я нашел Роя и лично в руки передал ему этот же диск. Это просто и сложно, эмоционально и интеллектуально, конкретно и абстрактно, духовно и телесно, приземленно и возвышенно, далеко и близко - все одновременно", - рассказал об этой работе солист Михайловского театра Марат Шемиунов, который многие годы творчески сотрудничал с композитором, участвовал в его проектах.

В этом спектакле он выступил в ансамбле с коллегами - Андреем Касьяненко и Сергеем Стрелковым.

В программу вошла также балетная миниатюра "Адажио" - трактовка канонической мелодии Чайковского из балета "Лебединое озеро", созданная Каравайчуком в 2012 году и навеянная воспоминаниями в раннем детстве и первых встречах с балетной классикой. Пластическую увертюру на эту музыку в хореографии Мариуса Петипа исполнили солисты Михайловского театра Ирина Перрен и Марат Шемиунов.
На вечере показали также документальный фильм- онцерт режиссера Дмитрия Вологдина "Олег Каравайчук. Опоясывающий менестрелей" - хроника прогулки композитора в интерьерах Зимнего дворца.

О композиторе
В последние годы жизни Олег Каравайчук был "живой достопримечательностью" Эрмитажа, где по личному разрешению генерального директора музея Михаила Пиотровского композитор музицировал в Малиновой гостиной за роялем, подаренным императору Николаю II.
Уроженец Украины Олег Каравайчук вошел в историю отечественной музыки как один из ярких российских композиторов конца ХХ - начала ХХI века. Он сочинил музыку к 150 игровым и документальным фильмам, в том числе "Алеша Птицын вырабатывает характер", "Два капитана", "Солдаты", "Поднятая целина", "Короткие встречи", "Мама вышла замуж", "Долгие проводы", "Монолог", "Игрок", "Ксения, любимая жена Федора", "Фуэте".
Композитор написал много театральной музыки, в том числе по заказу Александринского и Малого драматического театра - Театра Европы.
Он любил выступать в музеях, галереях и клубах.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3599

СообщениеДобавлено: Вс Июл 29, 2018 11:02 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072905
Тема| Балет, Марийский театр оперы и балета имени Эрика Сапаева, Проект "Летние балетные сезоны в Сочи", Персоналии,
Автор|
Заголовок| Балет "Лебединое озеро" Марийского театра открыл проект "Летние балетные сезоны в Сочи"
Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2018-07-25
Ссылка| http://tass.ru/kultura/5400356
Аннотация| ГАСТРОЛИ

Для постановки впервые была полностью использована вся сцена сочинского театра

СОЧИ, 25 июля. /ТАСС/. Проект "Летние балетные сезоны в Сочи" открылся спектаклем "Лебединое озеро" Марийского театра оперы и балета имени Эрика Сапаева. Версия Марийского театра, сохраняющая традиции классического русского балета, собрала во вторник аншлаг в Зимнем театре города-курорта.
Для постановки впервые была полностью использована вся сцена сочинского театра. "Впервые <…> использовали полностью всю сцену, все механизмы, <…> ее размах, глубину. Последние софиты, говорят, у вас [в Зимнем театре] лет пять назад включали, они понадобились", - рассказал журналистам художественный руководитель театра, министр культуры, печати и по делам национальностей Республики Марий Эл Константин Иванов.

Он обратил внимание, что хореографический текст "Лебединого озера" был несколько усложнен. "Этот спектакль отличается обилием сольных мужских танцев, партия принца очень усложнена", - отметил Иванов.
Труппа театра практически полностью сформирована из выпускников профессиональной балетной школы Марий Эл. "Театр очень молод, это очень важно, это наше большое достижение, потому что в молодости есть цели. И каждый артист, который работает в театре, перед собой их ставит. <…> Мы даем возможности реализовать свои амбиции, <…> профессиональные артисты у нас долго в кордебалете не задерживаются, они выходят на первые позиции", - подчеркнул министр.

Иванов выразил надежду, что нынешние гастроли в Сочи в рамках нового культурного проекта станут в творческом плане "зарождением большой дружбы". "Мы привезли большой репертуар. <…> Это колоссальная, конечно, нагрузка для труппы, <…> каждый день спектакль. Но, я уверен, что с этим марафоном мы справимся, потому что опыт у нашего театра большой, мы много гастролируем, были практически во всех странах Европы, в Китае и в Америке", - сказал министр.
Балет Марийского театра известен не только в России, но и за рубежом. В 2016 году коллективу была вручена премия правительства России имени Федора Волкова за вклад в развитие театрального искусства. В Сочи до 29 июля театр представит еще пять постановок: "Ромео и Джульетта", "Золушка", "Спартак - триумф Рима", "Щелкунчик", "Эсмеральда".

О проекте
Проект "Летние балетные сезоны в Сочи" проводится в городе-курорте впервые по аналогии с одноименным московским театральным фестивалем. В августе его продолжат гастроли Краснодарского театра балета Юрия Григоровича, который привезет в Сочи четыре спектакля: "Шедевры "Русских сезонов" в Париже", "Лебединое озеро", "Дон Кихот" и "Жизель".
"Сегодня все именитые музыканты, артисты, танцоры - гордость нашей страны - хотят зайти со своими проектами на нашу площадку, в Сочи. Поэтому проектов таких должно быть много. <…> Мы мечтаем о зимних балетных сезонах в Сочи, об осенних и весенних. Пусть этот проект будет перманентным в Зимнем театре", - считает заместитель главы города Сочи Ирина Романец.
Зимний театр - визитная карточка Сочи. Его торжественное открытие состоялось 80 лет назад, в 1938 году оперой Николая Римского-Корсакова "Царская невеста" в постановке Московского музыкального театра имени К. С. Станиславского и В. И. Немировича-Данченко. В театре нет собственной труппы. На его сцене выступают гастролирующие коллективы, артисты и музыканты со всего мира.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3599

СообщениеДобавлено: Вс Июл 29, 2018 11:03 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072906
Тема| Балет, театр «Урал. Опера. Балет» (Екатеринбургский театр оперы и балета), телепроект «Большой балет», Персоналии, Мики Нисигути
Автор| Яна Белоцерковская
Заголовок| Участница «Большого балета» Мики Нисигути – о русской и японской балетной школе, страхах и атмосфере на проекте
Где опубликовано| © «Областная газета» (Екатеринбург, Свердловская область) №131 от 26.07.2018
Дата публикации| 2018-07-25
Ссылка| https://www.oblgazeta.ru/culture/39108/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



В Москве начались съёмки третьего сезона телепроекта «Большой балет». За победу будут бороться ведущие солисты театра «Урал. Опера. Балет» (Екатеринбургского театра оперы и балета) – Мики Нисигути и АлексейСеливёрстов. До выхода проекта на экраны выдавать секреты съёмочного процесса пока нельзя. И это даже хорошо: сохраним интригу, чтобы потом смотреть, как развиваются события. А пока мы поговорили с Мики о первых эмоциях от участия в «Большом» и об отличии японской и российской балетных школ.

– Участие в проекте нам предложил Вячеслав Самодуров… И мы сразу согласились. «Большой балет» – это сложно, но это… «Большой балет»! (смеётся). Если бы не попробовали – всю жизнь жалели, – рассказывает Мики. – Сейчас каждый день идут либо съёмки нового выпуска, либо репетиции. Но я уже втянулась… Тяжело было только в самый первый день на площадке. Всё совсем иначе, чем в театре. Свет совсем другой, и это мешает. А ещё… Мне было трудно из-за того, что жюри сидело очень близко. Видно все их эмоции, почти невозможно этого не замечать. Я старалась не смотреть, но всё равно ловила краем глаза.

– Когда смотрела предыдущие сезоны проекта, обращала внимание – на наш, зрительский, взгляд, всё идеально… А судьи потом по косточкам разбирают выступление: там ногу не так поставила, там не туда взгляд… В такой атмосфере тяжело работать?

– Пока секретов съёмочного процесса выдавать нельзя. Но про атмосферу и свои внутренние ощущения расскажу: я тоже, когда смотрела второй сезон, думала, что здесь очень критично относятся. Но находясь внутри процесса, понимаю, что судьи – тоже люди балета, и поэтому они очень хорошо нас чувствуют, им есть что сказать. И атмосфера очень творческая, мягкая. Но на съёмках первой программы мне было сильно страшно. Сейчас уже меньше.

– Что помогает со страхом бороться?

– Мой партнёр. Вижу, что мы вместе, и сразу успокаиваюсь. А вообще, в театре меня всегда поддерживают зрители, я очень остро чувствую их эмоции, энергетику, взгляды. Она меня наполняет, вытесняет волнение. Для меня контакт со зрителями крайне важен. И этого мне не хватает на «Большом балете». Кажется, при полном зале зрителей получилось бы станцевать по-другому…

– Но там ведь есть зрители…

– Это статисты, они сидят далеко, их не видно почти, они просто хлопают. Я не чувствую от них той отдачи, как на спектаклях. Их просто нанимают, а в театр люди приходят с абсолютно другим настроем.

– Помните своё самое первое в жизни выступление? Тогда наверняка волновались ещё сильнее?

– Я не помню, мне было года три-четыре. Но мама рассказывала, что на своём первом выступлении я на сцене плакала (смеётся). Осознанно свои выступления помню лет с шести. Но эмоции, если честно, не помню.

– Мики, расскажите, почему в достаточно юном возрасте вы решили переехать из Японии в Россию? Совершенно одна – в чужую страну…

– Мой первый педагог по балету год училась в России, ей очень нравилась ваша школа и меня она учила тоже по ней. И ещё она была в восторге от отношения русских к танцу. В Японии ты сначала идёшь в обычную школу, потом бежишь на занятия по балету. Танцы как бы ставятся на второе место. В России балерины живут танцем, всю себя ему посвящают, отдаются ему целиком… Вот поэтому в танце есть душа, есть столько энергетики, а не только техника. Когда я приехала в Вагановское училище, я знала, что так будет, но всё равно меня это впечатляло. Каждый день – по несколько «танцевальных» предметов. Всё сделано для того, чтобы балет стал частью тебя. Я ведь себя в детстве без балета не представляла вообще… Я думаю, я никем другим и не могла бы стать. Помню, маленькая скакала по дому, танцевала на улице, вообще каждую свободную минутку что-то исполняла.

– Сейчас, наверное, уже нет сил на улице танцевать!

– Это точно! (смеётся). Но ощущения от танца остались те же. Я очень люблю это делать.

– Родители когда-нибудь видели вас на сцене в России?

– В Японии, конечно, видели все мои выступления, но до России пока не добрались, хотя очень хотят. Ещё мы с театром приезжали на гастроли, и тогда они были на моём спектакле. Вообще, родители всегда меня очень поддерживают… Мне было сложно переехать в Россию, но представьте, каково им: отпустить единственного ребёнка в семье в чужую страну. Я им очень благодарная за веру в меня, за поддержку. Хорошо, что благодаря «Большому балету» они смогут посмотреть на меня – пусть и на экране.

О «БОЛЬШОМ БАЛЕТЕ»
Первый сезон прошёл в 2012 году, тогда в нём приняла участие пара из Екатеринбургского театра оперы и балетаЛариса Люшина и Андрей Сорокин, но, увы, победителями они не стали. Второй сезон прошёл в 2016-м, пары из Екатеринбурга участие не принимали.
Съёмки третьего сезона проходят в девятом павильоне «Мосфильма».
Ведущими станут прима-балерина Большого театра Светлана Захарова и актёр, режиссёр Андрейс Жагарс. В жюри – звезды мирового балета Людмила Семеняка, Лоран Илер, Владимир Малахов, Тоомас Эдур.
В первых выпусках проекта артисты представят классический танец, а чем будут удивлять участники дальше, держится в секрете.
Третий сезон выйдет на телеканале «Россия-Культура» в 2019 году.

ДОСЬЕ: МИКИ НИСИГУТИ
Окончила школу балета Ballet Etoile в Японии, поступила в Академию русского балета имени А.Я. Вагановой, выпуск 2013 года.
В том же году была принята в труппу Екатеринбургского театра оперы и балета.
Была номинирована на российскую национальную театральную премию «Золотая маска» в номинации «Лучшая женская роль» за роль Герды в «Снежной королеве».


ФОТО по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3599

СообщениеДобавлено: Вс Июл 29, 2018 11:04 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072907
Тема| Балет, Санкт-Петербургской театр балета Константина Тачкина, Персоналии, Ирина Колесникова
Автор|
Заголовок| Всемирно известная балерина Ирина Колесникова в Израиле
Где опубликовано| © NEWSru.co.il: новости Израиля
Дата публикации| 2018-07-25
Ссылка| http://newsru.co.il/rest/25jul2018/ballet.html
Аннотация| ГАСТРОЛИ


Фото: Nina Alovert, Christophe Willen, Sven Arnstein и Константин Тачкин. Предоставлено пресс-отделом театра SPTB



Почти 110 лет назад "Русские сезоны" Сергея Дягилева открыли Парижу и Европе русский балет. Благодаря Дягилеву мир стал преклоняться перед русскими балеринами. Первой в их числе была великая Анна Павлова. Потом балетоманы и критики всего мира восхищались мастерством и талантом Ольги Спесивцевой, Галины Улановой, Майи Плисецкой… Однако со времен Анны Павловой, пожалуй, ни одна танцовщица из России не танцевала так много за рубежом, как наша современница Ирина Колесникова – прима-балерина Санкт-Петербургского театра балета Константина Тачкина.

Колесникова – единственная из современных российских балерин, имеющая свои сезоны в Лондоне и Париже. Названная парижской прессой "дивой танца, с которой мало кто из звезд может сравниться" Ирина Колесникова продолжает покорять своим искусством поклонников балета на всех континентах. А в ноябре 2018 г. блистательная танцовщица уже во второй раз приедет на гастроли в Израиль.
Успех, который имеет Колесникова во всем мире, огромен. Ее считают одной из лучших исполнительниц классического балета. В последнее время Ирина Колесникова и Санкт-Петербургский театр балета провели успешные гастроли в Гонконге, Сингапуре, Макао, Австралии и Новой Зеландии, приняли участие во всемирно известном оперном фестивале в уникальном замке в Финляндии. А сейчас они готовятся к выступлениям в знаменитом лондонском Театре оперы и балета London Coliseum. Оценивая повышенный интерес публики, организаторы дважды принимали решение продлить гастроли Ирины в Лондоне и, в итоге, было добавлено семь спектаклей в самом большом театре Лондона, который вмещает почти 2 с половиной тысячи зрителей.
Начиная с 2007 года Ирина Колесникова вместе с труппой ежегодно выступает в Париже, исполняя главные партии в спектаклях, проходящих на престижных подмостках Театра Елисейских полей или Парижского дворца конгрессов. Имя балерины с неизменным успехом собирает аншлаги в многотысячных залах по всему миру, билеты на ее спектакли обычно заканчиваются задолго до начала гастролей. Именно ее, танцовщицу частной труппы, а не именитых российских театров, назвала лучшей балериной мира постоянный представитель РФ при ЮНЕСКО в Париже Э. Митрофанова.
Ирина Колесникова не раз доказывала свое мастерство на международных балетных конкурсах. Ей принадлежит ряд наград, среди которых Золотая медаль Международного конкурса артистов балета "Прага 2002", серебряная медаль на Открытом конкурсе артистов балета России "Арабеск 2002", серебряная медаль V Международного конкурса артистов балета в Нагойе (Япония) в 2004 г., приз Натальи Макаровой и другие. Санкт-Петербургский театр балета Константина Тачкина, с которым Ирина Колесникова будет выступать в Израиле, ежегодно даёт в среднем 200-250 спектаклей. С момента своего основания в 1994 г. SPBT побывал с гастролями на шести континентах, Об этой труппе говорят, что у неё есть единство стиля и исполнения, большинство ее артистов - выпускники Академии русского балета им. А. Я. Вагановой.
В рамках будущих гастролей Ирина Колесникова и Театр балета Константина Тачкина представят спектакли "Лебединое озеро" в Герцлии, Иерусалиме, Ашдоде, Беэр-Шеве и Хайфе и "Дон Кихот" в Герцлии.
"Лебединое озеро" — один из шедевров балетного золотого века, самое известное произведение мировой хореографии. Труппа Константина Тачкина танцует "Лебединое озеро" в редакции К. М. Сергеева. Эта классическая постановка полностью тождественна той, что многие годы идет на сцене Мариинского театра, с теми же особенными декорациями, над которыми работали художники, оформлявшие этот балет в Большом и Мариинском театрах.
Партия Одетты-Одиллии давно стала визитной карточкой Ирины Колесниковой, Немногие балерины одинаково хороши и в лирической роли Одетты, и в партии коварной и мстительной Одиллии. Колесникова в этой постановке создает вокруг себя атмосферу романтической легенды. Красивые позы, завораживающие движения рук, пленительная грация, музыкальность, кантиленность… В ее интерпретации есть место и неожиданным, импровизационным элементам. Танец Одетты Колесниковой – изысканно-чувственный, а в танце ее Одиллии появляется даже что-то вакхическое.
Видевшая Ирину в этом спектакле балетный критик Нина Аловерт писала, что "технических трудностей для Колесниковой не существует, и она свободно отдавалась музыке, собственной интерпретации пластики и актёрскому наполнению роли". А после прошедших недавно гастролей в Сингапуре все рецензенты единодушно восхищались тем, как Колесникова исполняет 32 фуэте, что неудивительно, ведь ее темп гранд-фуэте – один из самых быстрых в мире.
Вторая постановка, которую покажет нам театр балета Константина Тачкина, - "Дон Кихот" на музыку Л. Минкуса, либретто М. Петипа по роману Мигеля Сервантеса де Сааведра (хореография А.Горского по мотивам спектакля М.Петипа). Профессиональная энергичная труппа, прекрасный дизайн и роспись декораций, богатые костюмы и элегантная презентация танцевального стиля – все это делает спектакль ярким и незабываемым.
Партию Китри в балете "Дон Кихот" Колесникова готовила под руководством народной артистки Аллы Осипенко. И именно за эту роль Ирина была выдвинута на соискание международного приза "Бенуа де ла Данс" (известного в мире как "балетный Оскар") в номинации "Лучшая балерина".

Публикуется по материалам PR-агентства

ФОТОГАЛЕРЕЯ по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3599

СообщениеДобавлено: Вс Июл 29, 2018 11:05 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072908
Тема| Балет, Театр танца Пины Бауш, Tanztheater Wuppertal, Персоналии, Пина Бауш
Автор|
Заголовок| "Мазурка Фого" Пины Бауш будет представлена в Тель-Авиве
Где опубликовано| © NEWSru.co.il: новости Израиля
Дата публикации| 2018-07-26
Ссылка| http://newsru.co.il/rest/26jul2018/mazurka.html
Аннотация| ГАСТРОЛИ


Фото:
Zerrin Aydin Herwegh, Oliver Look, Ursula Kaufmannn, Ulli Weiss, Gert Weigelt, Francesco Carbone, Maarten Vanden Abeele



Легендарный Театр танца Пины Бауш, философа и революционерки современного балета, откроет новый балетный сезон 2018-2019 в Оперном театре Тель-Авива.

"Кто знает, почему люди танцуют?" - так говорила в свое время Пина Бауш. Ее "Мазурка Фого" - балет, собранный из ярких красок воспоминаний, танец, пропущенный сквозь сердце – дает ответ на этот вопрос. "Мазурка Фого" - это множество пестрых историй о Португалии, путевой дневник в танце, поставленный в 1998 году для Лиссабонской выставки "Expo 98" с более чем 30 танцорами из 16 разных стран. Головокружительный каскад, коллаж образов и звуков, бурные волны, грохот театрального воображения, непревзойденное великолепие задумки и танца. Два с половиной часа прекрасного танца, воображения и плода и великого творческого духа.

"Меньше всего я интересуюсь тем, как люди двигаются. Меня интересует, что ими движет" – в этой часто цитируемой фразе Пины Бауш отражена не только ее философия, но и мировоззрение, и манифест многих поколений танцовщиков и хореографов, совершивших революцию в танце.

Саундтрек "Мазурки Фого" - это песни фадо в исполнении выдающейся португальской певицы Амалии Родригес, а также бразильская самба, босса-нова, джазовые композиции Дюка Эллингтона, Бена Уэбстера и шведской вокалистки Лизы Экдаль, а также классическая музыка в исполнении авангардного струнного квартета Александра Баланеску, скрипача Гидона Кремера и других солистов.

Театр танца Пины Бауш - Tanztheater Wuppertal - существует уже 44 года. Городок Вупперталь, который находится в районе Северного Рейна, еще при жизни Пины Бауш стал местом паломничества ее фанатов со всего света. После премьеры в Германии в городе Вуппертале, "Мазурка Фого" неоднократно демонстрировалась во всем мире, в Лиссабоне, Берлине, Париже, в Барселоне, Сиднее, Сан-Паулу, Гонконге, Нью-Йорке, Лондоне, Москве и других городах. В прошлом году этот балет вернулся в постоянный репертуар театра танца Пины Бауш.

Пина Бауш и ее театр символизируют новый подход к искусству танца – современный, творческий, философский, сочетающийся с преданностью и страстью. Знакомясь с театром Пины Бауш, нужно оставить все свои прежние представления о балете, о хореографии, об отношениях, о себе. Но процесс поиска еще не закончен. "В этом процессе есть что-то почти бесконечное, и это и есть замечательная часть творчества" - говорила Пина Бауш - самая значительная персона в немецкой хореографии, не просто преобразовавшая современный танец, но создавшая новый жанр: танцевальный театр. Пина Бауш была больше, чем хореограф. Она сама была театр и навсегда вписала свое имя в историю балета, покинув сцену жизни в 2009 году. Но созданный ею театр жив.

Пину Бауш никогда не называли только хореографом – она всегда работала на пересечении жанров, сочетая движение, танец, разговор, используя в танце – как в театре – декорации и аксессуары, пространство и контекст. Также она микшировала и музыку – от классики и "Весны Священной" Стравинского до эстрадных шлягеров, джазовых импровизаций, оперетты, детских песенок и авангардной электронной музыки.

Но началось все с карьеры танцовщицы - еще ребенком Пина Бауш стала солисткой в детском балете города Вупперталь; в 15 лет поступила в "Фолькванг-балет" в Эссене - часть знаменитой "Фольквангшуле" (Folkwangschule) – высшей школы, специализирующейся на музыке, живописи и театре. По окончании "Фольквангшуле" Пина Бауш отправилась по стипендии немецкой службы академических обменов DAAD в США, где училась в Джульярдской школе (вместе с Риной Шенфельд, знаменитой израильской танцовщицей, ставшей ее лучшей подругой и недавно поставившей балет-воспоминание "Записки Пины Бауш"), танцевала в компании Пола Санасардо и в New American Ballet. Ее карьера в США начинала складываться самым удачным образом, когда ее бывший мэтр, Курт Йоос пригласил ее солисткой в только что основанный "Фолькванг-балет" в Эссене в Германии.

После нескольких успешных танцевальных сезонов появились первые инсценировки. В 1969 году Пина Бауш завоевала первую премию на международном конкурсе хореографов в Кельне. В 1973 году после появления экспериментального балета "Nachnull" ее назначили главным хореографом в Вуппертале. Настоящий успех пришел в 1974 году, когда в Вуппертале была поставлена хореографическая версия знаменитой оперы Глюка "Ифигения в Тавриде". Критики писали о лучшем спектакле года, но публика не сразу привыкла к странной хореографии. В семидесятые годы страсти успокоились, Бауш постепенно собрала свою уникальную труппу. И поставила несколько спектаклей, прославивших ее на весь мир: "Кафе Мюллер", "Семь смертных грехов" по Брехту и Вайлю, "Весну священную" - одну из главных балетных работ ХХ века. Ее театральная хореография стала визитной карточкой нового немецкого искусства – газета Frankfurter Allgemeine назвала ее "самой важной статьей немецкого культурного экспорта". Но Пина Бауш скорее вбирала в себя дух места, историю, культуру тех мест, где она работала - Италия, Мексика, Португалия, Германия. Пина Бауш любила приезжать и в Израиль, и впервые ее труппа приезжает к нам в страну без своей легендарной основательницы.

Публикуется по материалам PR-агентства Sofia Nimelstein PR & Consulting

ФОТО и ВИДЕО на сайте
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3599

СообщениеДобавлено: Вс Июл 29, 2018 11:49 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072909
Тема| Балет, Танец, Благотворительный фонд содействия развитию хореографического и изобразительного искусства «Илзе Лиепа», Персоналии, Илзе Лиепа
Автор|
Заголовок| " В преддверии дня ВМФ в Севастополе представят грандиозный балет «Князь Владимир»
Где опубликовано| © КрымPRESS
Дата публикации| 2018-07-25
Ссылка| https://crimeapress.info/v-preddverii-dnya-vmf-v-sevastopole-predstavyat-grandioznyiy-balet-knyaz-vladimir/
Аннотация| ГАСТРОЛИ

Балет «Князь Владимир» в честь 1030-летие Крещения Руси в преддверии Дня ВМФ состоится в Севастопольском театре имени Луначарского в субботу, 28 июля. Это проект — – проект Благотворительного фонда содействия развитию хореографического и изобразительного искусства «Илзе Лиепа».

- Спектакль «Князь Владимир» – это история о великом человеке, искавшем путь сделать Русь сильным государством, это история правителя, который выбрал судьбу своего народа. Принятие христианства укрепило Русь не только политически. Оно содействовало развитию культуры и государственности в целом. Мы поставили перед собой задачу приблизить зрителей к тем испытаниям и той внутренней драме, которые пережил этот великий человек, — цитирует пресс-служба Правительства Севастополя художественного руководителя проекта – народную артистку России, лауреата Государственной премии Илзе Лиепу

В проекте будут звёзды — Михаил Пореченков, Николай Бурляев, Илзе Лиепа. Кроме того, задействованы одаренные молодежные танцевальные коллективы со всех уголков страны.

- Символично, что в столь знаменательный день, когда вся страна отмечает 1030-летие со дня Крещения Руси, севастопольцы смогут увидеть грандиозную постановку, которая представит художественную версию этой страницы нашей истории. Ни для кого не секрет, что именно здесь, в древнем Херсонесе, князь Владимир принял христианство, определив не только дальнейший ход истории, но и заложив основы национального кода всего русского народа, – отметил директор Департамента общественных коммуникаций Олег Беркович. По словам чиновника, помимо зрителей в театре имени Луначарского севастопольцы смогут увидеть спектакль на больших проекционных экранах, установленных в центре города
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3599

СообщениеДобавлено: Вс Июл 29, 2018 11:50 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072910
Тема| Балет, Танец, Благотворительный фонд содействия развитию хореографического и изобразительного искусства «Илзе Лиепа», Персоналии, Илзе Лиепа
Автор|
Заголовок| " В Крыму покажут гала-спектакль "Князь Владимир Красно Солнышко"
Где опубликовано| © Телеканал «Россия – Культура»
Дата публикации| 2018-07-24
Ссылка| https://tvkultura.ru/article/show/article_id/273885/
Аннотация| ГАСТРОЛИ

Гала-спектакль «Князь Владимир Красно Солнышко. Искания о Князе Владимире» отправляется на гастроли в Крым. Его премьера состоялась в апреле на Новой сцене Большого театра и стала финалом хореографического конкурса «Весна священная». В постановке принимают участие Илзе Лиепа, Михаил Пореченков, Николай Бурляев и детские танцевальные коллективы из Екатеринбурга, Самары, Керчи. 28 июля «Князь Владимир» будет показан в Севастополе, а 31-го ‒ в лагере «Артек».
«Очень волнуясь, все-таки принялись за эту тему. И нам показалось очень важным, чтобы молодежь вошла в тему русской истории через творчество, через высокое творчество и таким образом приблизилась к тем идеалам, по которым мы должны ориентироваться. Это очень важно», ‒ отметила народная артистка России Илзе Лиепа.

ВИДЕО по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3599

СообщениеДобавлено: Вс Июл 29, 2018 11:51 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072911
Тема| Балет, Танец, творческая лаборатория «Угол», Персоналии, Артем Силкин, Алина Мустаева, Олег Гудачев
Автор| Ольга ЮХНОВСКАЯ
Заголовок| " КРОВЬ И ЛЮБОВЬ: В КАЗАНИ СТАВЯТ БАЛЕТ ПРО ГРУППИРОВЩИКОВ
Где опубликовано| © Газета «Вечерняя Казань»
Дата публикации| 2018-07-27
Ссылка| http://www.evening-kazan.ru/articles/krov-i-lyubov-v-kazani-stavyat-balet-pro-gruppirovshchikov.html
Аннотация| ПЛАНЫ НА СЕЗОН



Гоп-балет, в котором актеры танцуют с битами, грациозно дерутся и выразительно сидят на корточках, ставят в Казани. Премьера одноактного хореографического спектакля, героями которого станут казанские гопники рубежа 1980 - 1990-х годов, состоится осенью в творческой лаборатории «Угол». Названия у балета пока нет. Корреспондент «Вечерней Казани» предложила создателям вариант «Жилка-story», ну или «Тяп-Ляп-story».

Идея рассказать языком пластики о том времени, когда в Казани хозяйничали организованные преступные группировки, принадлежит содиректору фонда «Живой город» и директору музея-заповедника «Остров-град Свияжск» Артему Силкину. В команде создателей - 25-летняя хореограф и режиссер Алина Мустаева из Уфы и 30-летний композитор Олег Гудачев из Питера.

- Тема «казанского феномена» в пластике еще никогда не раскрывалась, нам повезло стать первыми, - гордится режиссер Алина Мустаева. - Конечно, мы изучили тему, посмотрели и два документальных фильма об этом социальном явлении, которое 30 лет назад произвело в СССР эффект разорвавшейся бомбы. Продолжительность нашего спектакля примерно 45 - 50 минут. Это история о том, как сложно молодому человеку сделать главный выбор, который определит его судьбу... Сюжет спектакля прост: юноша из хорошей семьи попадает в криминальную компанию, становится одним из лидеров группировки. В банде он оказался из-за девушки, в которую влюблен. Но вместе им не быть: бывший «ботаник» осознает, что законы ОПГ - звериные, его «Джульетта» не может принадлежать только ему одному, к тому же она оказывается зачинщицей многих преступлений. Герой становится заложником собственного выбора - вырваться из банды невозможно. Над финалом спектакля мы еще думаем, не хотелось бы создать депрессивную историю без условного «света в конце тоннеля»... На мой взгляд, тема «казанского феномена» актуальна и в наши дни, молодые сейчас проходят через массу искушений, но их по-прежнему волнуют вопросы первого порядка: как сохранить себя как личность и как найти свое место в мире. Наше пластическое эссе - попытка поразмышлять об этом. В работе я опиралась на книгу «Сумерки идолов, или Как философствуют молотом» Ницше.

Бывший казанец, а ныне московский диджей Роберт Гараев, который читает столичной молодежи лекции о том, как он состоял в группировках, идею творческого осмысления темы в целом одобрил.

- Закрытых тем для искусства нет и не может быть. Искусство просто обязано отзываться на то, что происходит или происходило в нашей жизни, - уверен он. - Другое дело, что жанр балета по определению возвышенный и не предназначен для криминальной темы. Но тем интереснее! В кинематографе эта тема раскрыта уже очень широко. Есть много удачных драм, боевиков и даже комедий. Так почему бы теперь не балет?

Впрочем, у балета, который еще не представлен широкой публике, уже нашлись и противники. Дескать, зачем героизировать и романтизировать юных бандитов?.. Последним стоит напомнить, что еще в 1957 году в США был создан мюзикл «Вестсайдская история». Снятый на его основе в 1961 году фильм о противоборстве в начале ХХ века молодежных банд Нью-Йорка стал мировым бестселлером. West Side Story завоевала десять «Оскаров», не считая других престижных наград. А казанские гопники чем хуже?

- О том, чтобы поставить хореографический спектакль-рефлексию на тему «казанского феномена», я задумался лет 20 назад, - рассказал «Вечерней Казани» куратор проекта Артем Силкин. - Мое детство и юность пришлись на 1980-е - период расцвета организованной преступности в Казани. Жили мы на Вторых Горках. И хотя рос я в семье потомственных интеллигентов, проблема уличной преступности затрагивала тогда абсолютно всех. Картина массовой уличной бойни в районе улицы Зорге, которую я увидел ребенком в 1982 году, до сих пор стоит перед глазами. Возвращаясь домой, я заметил тянувшиеся с разных концов в каком-то радостном нетерпении стайки подростков от 10 до 16 лет. Один сказал: «Пошли с нами - надо с чужими разобраться, поддержи наших!» Не понимая, в чем дело, пошел за ними. Метров через сто на пустыре нас поджидала толпа таких же мальчишек - с камнями, металлической арматурой. Это и были «чужие». Вмиг завязалась совершенно первобытная битва, в которой участвовала сотня человек: летели камни, кто-то падал в крови, случайный прохожий попытался остановить побоище - ему в висок попали булыжником. Родители спешно перевели меня учиться в центр города, где я оторвался от дворовых приятелей. Думаю, процентов 50 пацанов из моей старой школы оказались в тюрьме... В своей постановке мы не собираемся героизировать преступность - балет задуман как сон, видение, как смутное воспоминание о 1980-х - на уровне «потемки памяти». Это напоминание о том, что «война», «грех», «падение» не отвлеченные и далекие понятия, а часть нашей животной сути, постоянно смотрящей на нас из сумерек. Наш спектакль под условным названием «Молот. Сумерки» косвенно предупреждает о новом средневековье, куда мы можем погрузиться из-за падения уровня образования, нравственности.

Вот и столичный театральный критик Дмитрий Ренанский, посмотревший эскиз спектакля в рамках недавней театральной лаборатории «Город АРТ-подготовка», полагает, что «…спектакль способен произвести крайне сильное впечатление на зрителя, даже если тот и не подозревает, что авторы отталкивались в своем поиске от истории печально известного «казанского феномена». Постановщикам и исполнителям удалось главное: напомнить о том, что человеческая природа одинакова и неизменна во все времена... Балансирующие на грани точной психологической зарисовки и экзистенциальной драмы «Сумерки» могли, в сущности, наступить не только в Казани 1980-х, но когда угодно, где угодно и с кем угодно».

ФОТОГАЛЕРЕЯ на сайте
Фото предоставлены фондом «Живой город».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
Страница 6 из 8

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика