Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2018-07
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18665
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Авг 13, 2018 8:52 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073206
Тема| Балет, Вашингтонский балет, Персоналии, Бруклин Мак
Автор| Игорь Серов, Виктория Полуэктова (перевод)
Заголовок| Бруклин Мак: «В Украине ел лучшие помидоры в жизни»
Где опубликовано| © Сегодня Lifestyle (Киев)
Дата публикации| 2018-07-03
Ссылка| https://www.pressreader.com/ukraine/segodnya-kyiv/20180703/281749860102926
или https://liferead.media/culture/zvezda-baleta-ssha-bruklin-mak-v-ukraine.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Один из топовых танцоров — о приезде в Украину, рационе и обуви



На днях, чтобы выступить на сцене Национальной оперы, в Украине по приглашению украинских артистов побывал один из известнейших танцоров мира, солист Вашингтонского балета Бруклин Мак. Он считается одним из 25 самых именитых профессионалов балетного искусства современности по версии журнала Dance, среди его наиболее значимых заслуг — золотая медаль на Международном конкурсе балета в 2012 году в Варне, Гран-при на Стамбульском международном конкурсе балета и золотая медаль на Международном балетном конкурсе в Бостоне. Кроме того, мистер Бруклин является одним из тех немногих, кто публично поднимает тему необходимости производства балеток соответствующего цвета для темнокожих танцоров.

«Сегодня» пообщалась с танцором накануне его выступления в Национальной опере. Там он выступил в роли охотника Солора в балете «Баядерка» — кстати, именно это произведение положило начало киевскому балету 2 октября 1926 года. «Бруклин уже выступал в этой роли у себя в стране. Но в каждом театре своя интерпретация, своя хореография. Но он настолько отдался этому балету, что у него 100%-но все получилось. Как партнер он великолепный, к нам он относится, как к хрустальным статуэточкам. Это говорит о его профессионализме», — говорит партнер Бруклина, солистка Национальной оперы, лауреат международных конкурсов Екатерина Диденко.

«Не жалея себя, он отдает себя своему делу. Я научилась у него сумасшедшему трудолюбию», — говорит уроженка Украины, профессиональная балерина Олеся Шайтанова, которую также пригласили выступить в Национальной опере.

О ЦЕЛИ

«Цель моего визита — конечно, выступление с национальным балетом. Это мое первое выступление в Украине, но в стране я уже во второй раз. До этого был у вас около 5 лет тому назад. Могу сказать, что украинский балет имеет великие традиции. Здесь так много чудесных танцоров! Некоторые — мои идеалы, на которых я сам равняюсь».

О МЕТОДАХ

«В США нет многого того, что есть в Украине. В Америке ты просто делаешь балет, и уходишь. В Украине на индивидуальных репетициях внимание обучающих приковано к каждому шагу танцоров».

ОБ ИЗВЕСТНОСТИ

«Я думаю, что я известный, это правда. Кстати, балетом я начал заниматься позже, чем остальные. Мне тогда было уже 12 с половиной лет. К известности я шел так: когда все уходили отдыхать, я работал. Начиная танцевать, я приходил на занятия раньше других и уходил позже всех. Приходил на занятия и тогда, когда никто этого не делал. Меня все больше затягивало в балет».

ОБ УКРАИНСКИХ ЧЕРЕШНЯХ

«Будучи в этот раз в Киеве, я попробовал украинские черешни. Вкус был превосходным, самым лучшим! Продавец предлагал, мол, попробуй эту, попробуй эту. Это было вау! Чудесной оказалась и малина. Меня водили, чтобы я мог попробовать разную украинскую еду. Борщ, блины с картошкой, хлеб с чесноком (пампушки. — Авт.). Все это было очень вкусно, особенно фрукты и овощи. Они такие свежие и вкусные! И еще здесь я ел самые лучшие помидоры в своей жизни. В них и листьях салата много аромата, они «взорвали» мне мозг! Я даже сфотографировал картинку с нарисованным меню. У вас можно хорошо пообедать за 20 долларов, а в США сложно найти обед за такую цену. А еда, как вы понимаете, важна в рационе танцора — нужно возобновлять силы».

ОБ УКРАИНКАХ И ВОЙНЕ

«В Украине очень хорошие люди. Но многие курят, а я не люблю дым.

О войне в Украине не знаю конкретно ничего особенного, но у меня такое чувство, что все хотят контролировать вашу страну. Потому что здесь такая чудесная земля, еда и женщины».

ОБ УДОБНОЙ ОБУВИ

«Балетки нужного (телесного. — Авт.) цвета не то что трудно купить, их просто не существует! Около года тому назад одна компания сделала обувь такого цвета, как мое тело, — и все».

Выходя вечером из здания Национальной оперы, народная артистка Украины Алла Лагода рассказала о занимательном эпизоде, где отличился Бруклин. «Мы шли по городу, и вдруг он увидел, что посреди улицы некрасиво торчит одна из тротуарных плиток. И что вы думаете? Он присел и после небольших усилий подремонтировал дорогу!» — рассказала нам Алла Лагода.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Авг 25, 2018 8:01 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18665
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Авг 13, 2018 9:30 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073207
Тема| Балет, Украина, Персоналии, Сергей Кон
Автор| Александр ЧЕПАЛОВ
Заголовок| «Не жди, когда судьба постучит в дверь...»
В этом году лауреатом Премии им. А.Шекеры в области хореографического искусства стал Сергей Кон

Где опубликовано| © газета "День" №122-123, (2018)
Дата публикации| 2018-07-12
Ссылка| https://day.kyiv.ua/ru/article/kultura/ne-zhdi-kogda-sudba-postuchit-v-dver1
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Сергей Кон окончил Киевский национальный университет культуры и искусств по специальности «балетмейстер-хореограф, артист балета» (2008). Квалификация: магистр хореографии.
С 2006 года — солист труппы «КИЕВ МОДЕРН-БАЛЕТ».
В 2013 дебютировал как постановщик пластики в спектаклях театра «Дороги Шевченко» и «Умница» К.Орффа.+

В 2015 на сцене театра осуществил свою первую полнометражную постановку — балет «Кукла. Новая история Коппелии» на музыку Л.Делиба. За этот спектакль был удостоен премии «Киевская пектораль» в номинации «Дебют».
Балетмейстер-постановщик спектаклей театра: мюзиклов «Приключения Гекльберри Финна» Ж.Колодуб и Л.Колодуба (2015) и «Жил-был пес...» В.Назарова(2017), опер «Бастьен и Бастьенна» В.А.Моцарта, «Рита» Г.Доницетти, «Красная Шапочка» Р.Смоляра (все — 2016), «Богема» Дж.Пуччини (2017).?
Хореограф VI и IX сезонов проекта СТБ «Танцуют все!» (2013).?
На сцене Одесского национального академического театра оперы и балета осуществил первопрочтение современного балета «Судьбы» на музыку Ю.Гомельской (2017).? За постановку этого балета удостоен премии имени А.Ф.Шекеры в области хореографического искусства (2018).?

— Анатолий Федорович Шекерa был крупной фигурой в украинской хореографии, постановщик балетов «Спартак», «Каменный властелин», «Ромео и Джульетта», «Лилея», «Ольга», «Прометей». Какие качества для современного танца ты бы почерпнул из опыта мастера, а какие оставил бы истории?

— Мой ответ может прозвучать странно. Но когда меня поздравляли с присуждением премии, то очень часто, особенно от молодых, звучала фраза: «Шекера? А кто он такой»? Сейчас как раз и пришла пора задуматься над тем, что же нам оставили предыдущие мастера. То есть это еще предстоит осмыслить.

— Ты много лет проработал в труппе Раду Поклитару. Несколько его воспитанников— солистов, в т.ч. Артем Шошин, Анна Герус, Алексей Бусько , ты отпочковались от его творческого коллектива. Почему это происходит?

— Что касается Артема, он остается в труппе и одновременно ставит сам. Про остальных трудно говорить. У меня же причина — в старой травме, уже не совместимой с исполнительством. Но я очень благодарен Раду — ведь он пригласил меня после ухода со сцены стать репетитором обновленной труппы. У меня действительно большой опыт работы.

— Среди них я бы выделил действительно уникальную роль — Доктор в «Палате № 6» по Чехову...

— Да, тема в том спектакле по сей день актуальна: кого на самом деле считать больным, а кто духовно здоров, но сломан жизнью, обществом? Мой Доктор находит в одном из пациентов родственную душу, и за это ему самому ставят диагноз душевнобольного. Я вообще люблю такие противопоставления как красивый — уродливый, любезный — докучный. И то и другое в жизни может оказаться и привлекательным и отталкивающим. Люблю изучать своих героев, чтобы лучше их понять. Раду поручил мне роль незрячего скрипача в спектакле «Андерграунд». Так я целый месяц ходил по квартире, стараясь вызвать ощущение, будто ничего не вижу...

— Поклитару вообще любит говорить, что ничему не учит своих артистов, особенно в балетмейстерском искусстве...

— Учиться ведь можно по — разному, не обязательно сидеть за партой с тетрадкой и ручкой. Поклитару может просто что-то сказать на репетиции, и ты уже чувствуешь, что немного «подрос».

— Как ты выбираешь сюжеты своих постановок? Придумываешь свое или переделываешь классические сюжеты? Ведь в твоей постановке старинной кукольной «Коппелии» история приобретает характер «фэнтези» вперемешку с триллером. За эту работу ты получил даже «Киевскую пектораль» — совсем не плохой дебют для новичка в области полнометражной хореографии.

— Да, у меня вышла история не для малышей. Безумный Коппелиус хочет вдохнуть в куклу злые чары, чтобы расправиться с миром. Но ведь все заканчивается хорошо, как в доброй сказке. Только сюжет немного изменился. А разве времена не меняются?...

— Давай вернемся к одесскому проекту — балету «Судьбы», за который ты получил Премию им. Шекеры.

— Это было предложение, от которого трудно отказаться. Тогда художественным руководителем Одесского национального театра оперы и балета был замечательный музыкант Борис Эмильевич Блох. Они с директором Надеждой Матвеевной Бабич задумали воплотить современный балет на основе тех событий, что в последнее время происходят в Украине. Им кто то посоветовал обратиться ко мне. По иронии судьбы (это был 2015 год) я летом прощался с исполнительской карьерой и именно на Одесской сцене, где гастролировал «Киев модерн балет». Так что со временем у меня было «все в порядке»... Сначала предполагалось, что музыку будет писать Александр Родин, но позднее он отказался от участия в проекте. Одесский композитор Юлия Гомельская взялась за работу очень заинтересованно, дождалась моего либретто. Для нее была важна психологическая характеристика героев и событийная канва. Она успела закончить партитуру. Но что значит сила непредсказуемой судьбы! Юля погибла вместе с мужем в автомобильной катастрофе за несколько дней до премьеры!

— Как жаль! Но ты говорил о событиях, героях. Откуда все это взялось?

— Я писал либретто, в основном, для себя, поэтому на литературные достоинства не претендовал. Читал книгу «Аэропорт», смотрел хронику событий, запечатленную ТСН. Вчитывался в строки новых друзей на Фейсбуке. И, конечно, задавался вопросами, на которые ответы было найти нелегко. Выбираем ли мы судьбу или это предначертано свыше?

— Но философию «станцевать» невозможно...

— Да, надо искать действие, конфликт, характеры. Это я понимал уже не только как исполнитель, но и как хореограф. В принципе тут много возможностей. Вот мирный город. Люди заняты своими делами. Их надо персонализировать, показать специфику каждого. Хотелось, чтобы они на сцене были узнаваемыми. Потом судьба каждого резко меняется — это война, а значит драма, для многих даже трагедия...

— Многие критики писали, что у тебя получились живые, не схематичные герои.

— Я был постановщиком в шестом и девятом сезоне «Танцуют все!». Туда приходили ребята малоподготовленные, «сырые» в смысле исполнительской культуры. А в Одессе — настоящие профессионалы, они могут выполнить любое задание, сыграть любой пластический этюд... Вообще, если вы заметили, сейчас многое происходит именно на стыке балетного и драматического театра, даже в опере и на концертной эстраде артисты стараются в равной степени петь и играть. Я уже смотрю на это глазами постановщика и чувствую в себе возможность им помочь — как найти исполнительские краски, сделать движение осмысленным, от пластики перейти к танцу. Если судьба мне будет сопутствовать и дальше, тогда я надеюсь окончательно найти себя в новой профессии балетмейстера...


БАЛЕТ «СУДЬБЫ» В ОДЕССКОЙ ОПЕРЕ В ПОСТАНОВКЕ СЕРГЕЯ КОНА МОЖНО НАЗВАТЬ ДОКУМЕНТАЛЬНОЙ ПОСТАНОВКОЙ — ЭТО НОВЫЙ ЖАНР В УКРАИНСКОЙ ХОРЕОГРАФИИ / ФОТО КИРИЛЛА СТОЯНОВА


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Авг 25, 2018 8:01 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18665
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Авг 15, 2018 1:21 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073208
Тема| Балет, Новосибирский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии,
Автор| Александр САВИН, специально для «Новой Сибири»
Заголовок| Третья молодость многострадальной «Коппелии»
Где опубликовано| © газета «Новая Сибирь»
Дата публикации| 2018-07-22
Ссылка| https://newsib.net/kultura/tretya-molodost-mnogostradalnoj-koppelii.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Осенью на сцене НОВАТа будет представлена новая версия знаменитого балета Петипа, которая продолжит цепочку навязчивых балетных «дублей».

В ЭТОМ году Россия отмечает 200-летие Мариуса Петипа — главного балетмейстера Императорских театров, человека, внесшего огромный вклад в создание и формирование школы русского балета, чьи постановки входят в золотой фонд мирового балетного листа.



Любая труппа, заявляющая о себе как об академической, считает необходимым иметь в своем репертуаре постановки мастера. Так что нет ничего удивительного в том, что в апреле этого года о возобновлении балета «Коппелия» в постановке Петипа с большой помпой заявил Большой театр. Более того, уже в июне была сделана HD-запись этой постановки, которую показали на ведущих ТВ-каналах мира, освещающих главные музыкальные и театрально-музыкальные премьеры.

Не остался в стороне и наш оперный театр: на осень запланирована премьера балета «Коппелия» на сцене НОВАТа. Балет этот всем давно и хорошо известен, но дело тут не в содержании, а в форме.

Еще 17 лет назад Сергей Вихарев, тогдашний руководитель балетной труппы нашего оперного театра, человек известный как высокопрофессиональный реставратор балетной классики и прекрасный педагог, озадачился восстановлением «Коппелии» и, проведя огромную исследовательскую и творческую работу, создал своего рода шедевр. И это несмотря на то, что самые ранние из подобных балетных постановок, которые до сих пор исполняются на сцене, дошли до нас посредством спектаклей, представляющих собой музыкально-хореографическое «лоскутное одеяло» из сохранившихся эпизодов, сцен и дополнений. (К слову сказать, в середине 80-х тогдашний главный балетмейстер НГАТОиБ Вадим Андреевич Бударин осуществил свою авторскую постановку «Коппелии» с Дмитрием Симкиным. Поэтому постановку Мессерера можно считать третьей за последние 30 лет.)

Премьера реконструированной «Коппелии» состоялась в Новосибирском театре оперы и балета в 2001 году, и спектакль произвел такое сильное впечатление на театральную общественность, что на следующий год ему была присуждена национальная театральная премия «Золотая маска». При этом «Маску» впервые получила солистка балета, наша прима-балерина Анна Жарова.

О спектакле тогда много говорили. При этом — что совсем не характерно для подобных обсуждений — о нем восторженно отзывались как зрители, так и критики.

А в 2009 году произошел просто редчайший случай в театральной практике: руководство Большого театра обратилось к Вихареву с предложением о переносе нашумевшей классической постановки в Большой театр России. В результате премьера «Коппелии» в новосибирской редакции состоялась и многие годы имела восторженный прием.

Затем, как это обычно бывает, спектакль пообносился и временно был снят из репертуара.

Незадолго до своей неожиданной трагической смерти Вихарев, уже работая в Мариинском театре, по просьбе все того же «Большого» начал готовить новую редакцию своего спектакля. С помощью балетмейстера Алексея Ратманского работа над постановкой была доведена до конца, и в нынешнем апреле вполне резонансно прошла его премьера.

КОГДА наш, новосибирский, спектакль состарился, он тоже был снят с репертуара.Что вполне естественно: никакие декорации и костюмы не могут быть вечными, ткани выцветают и изнашиваются. Долгие годы артисты балета и театральная общественность ставили вопрос о возобновлении спектакля. Он ведь, помимо коммерческого успеха, был любим и самими танцовщиками, которым посчастливилось работать с большим мастером Сергеем Вихаревым.

И вот наконец на сайте театра объявили о премьере балета… но в редакции Михаила Мессерера, главного балетмейстера петербургского Михайловского театра. Такое неожиданное решение художественного руководителя театра Владимира Кехмана, мягко говоря, озадачило и любителей балета, и труппу.

Если не брать в расчет творческую составляющую, а подходить к проблеме с чисто коммерческой точки зрения, то совершенно ясно, что проще и, наверное, правильнее было возобновить «выученную» постановку, пользовавшуюся отличной репутацией и не требующую никаких чрезвычайных затрат. По существующим эскизам совсем не сложно пошить новые костюмы и воссоздать декорации, быстро возродив балет с солистами, уже танцевавшими эти партии.

Но вместо этого привлекается штатный художественный руководитель чужой балетной труппы, которому, согласно данным, опубликованным на ресурсе «Тайга.инфо», театр платит без малого шесть миллионов рублей (по данным сайта госзакупок, за недавнюю «Золушку» он получил четыре).

Две одинаковые постановки в столичном и новосибирском театрах могли бы дать прекрасную возможность творческого обмена солистами, что активно практиковалось в 70-80-е годы. Но такая схема странным образом никому в голову не пришла. А если учесть тот фактор, что над постановкой придется с нуля работать всей труппе, и так работающей с повышенной нагрузкой из-за сокращения оперного репертуара в пользу балетного, — картина складывается какая-то совсем некрасивая.

И даже заявление театра о том, что в новой постановке будет очень много визуальных спецэффектов, не убеждает в правильности принятого решения.

«Мы сейчас делаем версию спектакля с шикарным видеорядом, интересной актерской игрой с пантомимой. И мне кажется, мы должны идти вперед, а не застревать в прошлом», — так говорит питерский постановщик Мессерер. И это напоминает старинную ситуацию с самим Петипа, которого в конце жизни изводил директор Императорских театров Теляковский, обвиняя балетмейстера в консерватизме.

Ведь такие балеты, как «Коппелия», и ценны в первую очередь своей аутентичностью.



А если хочется чего-то новенького — на сэкономленных ресурсах и времени можно поставить какую-нибудь современную постановку, для которой необычный визуальный ряд будет более гармоничен. В конце концов, если у кого-то есть непреодолимое желание использовать 3D-эффекты (кстати, ныне уже выходящие из театральной моды), так встройте их гармоничненько в старую версию спектакля!

Если быть до конца честными, то и новая постановка «Золушки» далеко не всеми была принята с энтузиазмом — не только из-за наличия музыкальных купюр, ветхой хореографии, но и из-за навязчивых эффектов 3D-формата (к слову, далеко не каждому зрителю это полезно и с медицинской точки зрения).

Признаться, после возвращения на нашу сцену постановки Олега Виноградова — его второго балета «Ромео и Джульетта» (впервые поставленного в 1965 году на сцене Новосибирского театра оперы и балета), наверное, было бы логичным вернуть на родную сцену и самую первую работу хореографа «Золушка» 1964 года, которая была более современна с точки зрения хореографии, чем решенная в стиле драм-балета постановка Захарова, которую нам недавно представили.

Как признают критики, еще с середины 1990-х годов балетмейстеры и постановщики пытаются снять с балета современный флер и вернуть его к своему «изначальному» виду, таким образом формируя новую концепцию балета, основанную на принципе аутентичности. К примеру, как только Мариинский и Большой театры вдруг стали проявлять интерес к постановкам советской эпохи, как тут же чем-то подобным увлеклись театры, в репертуарном плане менее ориентированные на ретро-постановки. Но с другой стороны, такому подходу противоречит еще одна тенденция. Не вполне объяснимая потребность в беспрерывных дубляжах существующих постановок, ставшая в последние годы просто какой-то навязчивой идеей для российских театров, вызывает много вопросов.

Например, вместо того чтобы представить зрителю вечер из трех одноактных балетов интересного балетмейстера Начо Дуато, поставленных в Михайловском театре, его приглашают обновлять «Спящую красавицу», прекрасно шедшую в Новосибирске в классической постановке. То же происходит и со «Щелкунчиком», подвергнутым трансформации якобы для того, чтобы его можно было «прокатывать» чаще, без привлечения учащихся хореографического училища.

И все эти многочисленные «двойники», похоже, скоро окончательно запутают рядового любителя балета. Уже сейчас то и дело приходится объяснять многим любителям прекрасного, посетившим названные спектакли, почему нынешние балеты Чайковского отличаются от тех, что они видели в своем далеком детстве. Ведь обычный зритель клюет исключительно на название, и ему просто в голову не приходит, что у нас есть классический балет Григоровича «Спартак» с прекрасными танцами, а есть нечто совершенно иное — шоу-балет Ковтуна «Спартак» с живым тигром. Есть балет «Щелкунчик» Вайнонена и есть «Щелкунчик» Дуато. И, как могут заметить зрители, одно принципиально отличается от другого.

Ведь не зря же говорил когда-то русский француз Петипа: «Я считаю наш балет первым в мире именно потому, что в нем сохранилось то серьезное искусство, которое было утрачено за границей».


На фото: сцены из балета «Коппелия»; танцуют народная артистка Анна Жарова и Иван Кузнецов


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Авг 25, 2018 8:02 am), всего редактировалось 2 раз(а)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18665
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Авг 16, 2018 4:27 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073209
Тема| Балет, Государственный театр «Астана Опера», Премьеры, Персоналии, Раймондо Ребек, Ксения Зверева
Автор| Дана Аменова
Заголовок| ​Сколько длится «сейчас»
Где опубликовано| © Газета «Вечерняя Астана»
Дата публикации| 2018-07-24
Ссылка| http://vechastana.kz/skol-ko-dlitsya-sejchas/
Аннотация| ПРЕМЬЕРЫ



Классическую сцену завоевывает новое искусство. «Вечер современной хореографии» стал последней премьерой пятого, юбилейного сезона в театре «Астана Опера».

Выразительным хореографическим языком зарубежных балетмейстеров-постановщиков Раймондо РЕБЕКА и Ксении ЗВЕРЕВОЙ артисты представили два одноактных балета «Сколько длится сейчас?» и «Sounds of Time». Новые постановки представлены публике по инициативе художественного руководителя балетной труппы Алтынай АСЫЛМУРАТОВОЙ. Уникальная, абсолютно ни на что не похожая хореография именитых балетмейстеров, непременно, пришлась по вкусу ценителям высокого искусства.

Одноактный спектакль «Сколько длится сейчас?» представляет собой философское размышление о времени и его отдельных моментах. Не случайно на фоне декораций выделяются песочные часы. Также сцену украсили несколько перевернутых падающих деревьев, олицетворяющих собой природу. Три пары танцовщиков символизируют жизнь человека на разных ее этапах. Талантливый хореограф совершает оригинальную попытку средствами хореографии исследовать время, его течение и восприятие. Сам хореограф рассказывает, что «сейчас» может длиться в разные моменты жизни по-разному.

— Я размышлял: что происходит в нашей жизни, что сохранится и превратится в воспоминания, а что просто является каким-то моментом, который уйдет. Ощущение момента, ощущение «сейчас» — разное для людей. Истинным вдохновением была моя бабушка, у которой развилась очень сильная деменция, и у моей мамы сейчас тоже начинается эта болезнь. Процесс, когда человек начинает «исчезать», а его родные любят и искренне переживают за него, порождает ощущения, чувства, которые оказываются намного сильнее тех, когда человек теряет себя. У всех разные ощущения времени. Хороший поцелуй может остаться с вами навсегда, а от воспоминаний о плохом вы хотите избавиться сразу же. Я пытался создать ощущение трех разных моментов жизни: любовь в молодом возрасте, зрелая любовь и любовь в пожилом возрасте. И все это на примере одной женщины в течение всей ее жизни, — признался немецкий хореограф Раймондо Ребек.

Другой не менее яркий одноактный балет Ксении Зверевой «Sounds of Time» по мотивам либретто Адама Капанова «Воздушное кочевье» положен на музыку Актоты Раимкуловой.

Удивительная история влюб­ленных Ансара и Нурии, чьи отцы были обычными людьми, а матери — воздушными кочевницами, наполнена магией и духом времени. Главные герои, сами того не ведая, обладают древней магией, с помощью волшебных амулетов оказываются в круговороте удивительных событий, где на их пути встречаются добро и зло, любовь и ненависть, самоотверженность и эгоизм. Таким образом, насыщенный сюжет балета остается вне временного пространства.

— Я много изучала казахскую национальную культуру, прониклась традициями кочевого народа. Все это помогло мне воплотить в жизнь балет «Sounds of Time». Он получился в нетрадиционной пластике и нетрадиционном стиле. Мы переносим действие в современное время, что позволит каждому человеку узнать себя. Зритель должен увидеть переплетение мифа и реальности, — пояснила Ксения Зверева.

Дана АМЕНОВА
Фото предоставлены пресс-службой театра


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Авг 25, 2018 8:02 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18665
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Авг 18, 2018 4:25 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073210
Тема| Балет, Фотография, БТ, Саша Гусов, Персоналии, Соломон Волков
Автор| Вера Харитонова / фото:Саша Гусов
Заголовок| ​ Закулисье
Где опубликовано| © журнал Story
Дата публикации| 2018 июль
Ссылка| http://story.ru/istorii-znamenitostej/istoriya-tsivilizatsii/zakulise/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Феномен культуры сам по себе, Большой театр имеет продолжение и в других искусствах. О нём снимают кино, пишут книги, а известный фотограф Саша Гусов создал историю балета Большого театра в фотографии. У него своя сцена и своё закулисье. А что такое закулисье? Что в нём интересного? Размышляет музыковед и писатель Соломон Волков

Соломон Моисеевич, в Москве, в Галерее имени братьев Люмьер, открывается выставка фотографа Саши Гусова, она называется «Большой балет». Там целая фотоистория Большого театра с 1992 года по 2016-й. Вы знакомы с работами Гусова?

– С огромным удовольствием смотрю, как работает Саша. Он мастер своего дела, всегда находит необычные ракурсы, и сделано всё с высочайшим вкусом.

Он любит показать мышечную, телесную сторону…

– Закулисье – это, условно говоря, конюшня. Когда лошади бегут на скачках – это красота. А когда их тренируют, то это пот и бесконечная работа. Я много времени провёл за кулисами – и в Москве, и в Нью-Йорке, в театре Баланчина. С Баланчиным я делал книгу. Спрашивал его, чувствует ли он эротизм танца изнутри, какие чувства испытывает к партнёрше? Он отмахивался – да что ты, какие чувства! Думаю только, как бы её не уронить. Никаких посторонних мыслей, чисто мышечные усилия. Это ты обычно и видишь, стоя за кулисами. Когда танцовщицы вылетают на сцену – это воплощённая грация, счастье, улыбки. И они же – загнанные, усталые, потные за кулисами. Но по-своему эти физические усилия прекрасны, и Гусов это передаёт.

Он фотограф неожиданный. В хорошем смысле резкий. Умеет удивлять. Но существование звёзд, с которыми работают известные фотографы, предполагает эту интригу. В жизни они не то, чем кажутся. Что собой олицетворяла, например, хрупкая Уланова? Или Плисецкая?

– Слово «хрупкая» применительно к звезде вызывает улыбку. «Хрупкие» звёздами не становятся. Сталь хрупкой не бывает. Должны быть невероятная энергетика и сила воли. Обе – и Уланова, и Плисецкая, – будучи на сцене противоположностями, были невероятно сильными личностями. Просто Уланова создала для себя маску тихой скромницы, и, как иронично говорила Плисецкая, «она такая скромная, что все это замечают». Уланова говорила мало и тихо, так что все к ней прислушивались. И самое главное – она создала сценический образ доброй, нежной, застенчивой и верной женщины. Для её времени это был очень важный символ – верность. Эпоха была такая, что твоих близких могли в любой момент арестовать. И ещё важнее это стало во время войны – «Жди меня, и я вернусь» было гимном, сутью отношений мужчины и женщины. И Уланова здесь попала в точку, и именно этим она пришлась по вкусу и англичанам, когда приехала туда с гастролями в 1956 году. Может быть, даже бессознательно публика реагировала на образ Улановой как на идеальную женщину из викторианского прошлого. А Плисецкая стала символом раскрепощения, которое пришло с «оттепелью». Не зря их ближайшим другом был Андрей Вознесенский, который точно назвал Плисецкую «Цветаевой танца». Это был совсем другой идеал, отсюда и неизбежное соперничество. Плисецкая в качестве символа пришла на смену Улановой. Она и не думала носить маску скромницы, наоборот, подчёркивала свою безбашенность, отчаянность, эротизм.

Мы как-то стыдливо молчим о том, что такое балет. А балет – это в первую очередь эротика. Леонид Якобсон, знаменитый ленинградский хореограф, говорил: «Все эти растяжки, шпагаты, батманы – конечно, это эротика. А наши партийные деятели думают, что детей в шубах, что ли, делают?» Балетоманы всегда жаждали эротически возбуждающего зрелища. Так это и остаётся по сию пору.

================================================================
«Саша Гусов - отчаянный энтузиаст, который решился идти за своей мечтой во что бы то ни стало. В 29 лет, обладая всего десятью долларами и амбициями, он переехал в Лондон. И уже через несколько лет стал востребованным фотографом английской элиты. С ним хотели работать актёры, модельеры, а Андрей Кончаловский всегда ждёт его на своей съёмочной площадке. Теперь слава Саши Гусова вместе с его проектом «Большой балет» - в Центре на Красном Октябре»

Наталья Григорьева, главный куратор Центра фотографии им. братьев Люмьер
=================================================================


А тогда почему именно русский балет стал брендом? Мы что, самые сексуальные танцовщики мира? Не афроамериканцы или аргентинцы, а мы?

– Это важный вопрос. Какие элементы русской культуры в мире востребованы? Балет и музыка. Почему? Великий русско-американский скрипач Натан Мильштейн говорил: «Для того чтобы начать рисовать и тебе объявили, что ты плохой художник, нужно три часа. Этого хватит, чтобы доказать твою бездарность. А чтобы доказать, что ты плохой скрипач, сначала нужно десять лет проучиться. А только потом выясняется, что ты плохой скрипач». Это очень трудоёмкая область. Требующая колоссальной дисциплины и каторжного труда. На этот каторжный труд люди бывают способны только в системе, которая его поощряет и поддерживает. И эта система жёсткая была заложена до революции. Школы балетные, фортепианные, скрипичные появились давно. В России детей этому обучали, как в армии. Эта система продержалась более ста лет и до сих пор даёт результаты. Русские учителя в балете и музыке высоко ценятся, их приглашают преподавать в самые престижные западные институции. Махар Вазиев, нынешний руководитель балета Большого театра, до этого семь лет руководил балетной труппой «Ла Скала», и они очень были обижены, когда он ушёл в Большой. Здесь, в Нью-Йорке, масса выходцев из России преподают и в балетных, и в музыкальных школах, в колледжах, в университетах. Они ценятся, ибо все знают, что всё будет поставлено на высокопрофессиональную основу.


За кулисами. Лондон. 1993 год

Но какие драмы этому сопутствовали! Было время, когда даже главный театр висел на волоске. Скажите, а почему Ленин хотел закрыть Большой и правда ли, что его спас Сталин?

– Ленин относился к Большому как к куску «чисто помещичьей культуры» (это цитата из Луначарского), совершенно не нужному в той ситуации, в которой находилась Россия 20-х годов. И если бы не изощрённые бюрократические маневры Сталина, то Большой был бы закрыт, ведь уже существовал приказ. Но Сталин, которому первому поступали все сведения о состоянии здоровья Ленина, просто дотянул дело с закрытием театра до момента, когда тот умер. Он стал постепенно прибирать театр к рукам и со всё большей настойчивостью использовать его как инструмент даже не культурной политики, а политики вообще. Скажем, постановка «Валькирии» Рихарда Вагнера в Большом, режиссёром которой был ни больше ни меньше как Эйзенштейн, была открытым политическим жестом. Она была осуществлена сразу же после подписания договора о ненападении между СССР и Германией, и, как только война началась, «Валькирия» тут же вылетела из репертуара.

Я всякий раз поражаюсь, сколько времени, энергии, внимания Сталин посвятил тому, чтобы советская культура развивалась именно так, как ему это представлялось нужным для его политических целей. Кроме того, как частная персона он получал просто-напросто удовольствие от посещения двух главных театров – МХАТа и Большого. Были случаи, когда он прерывал вечернее заседание Политбюро в Кремле и, глядя на часы, говорил: «А сейчас, товарищи, поедем в Большой театр, послушаем арию Михайлова в «Иване Сусанине». И все как миленькие выстраивались гусиным выводком и отправлялись слушать эту арию.

Тиран и диктатор, он читал все современные журналы, посещал многие премьеры, в Большой приходил даже на генеральные репетиции. Он не был тупым фельдфебелем, он человек феноменальной физиологической одарённости. С невероятной памятью, энергией и нечеловеческой работоспособностью. Он каждый день прочитывал 300–400 страниц документов и литературы, в том числе художественной. Он и в годы войны умудрялся заниматься вопросами культуры, хотя на нём лежало всё. Это надо учитывать, чтобы получить когда-нибудь не объективную историю, потому что объективная история – вещь невозможная в принципе: история состоит из документов и даже документ сам по себе субъективное явление, а уж интерпретация его и подавно. Мы до сих пор не имеем консенсуса ни по поводу Ивана Грозного, ни по поводу Петра I, ни по поводу Николая II – по сути, ни об одной из знаковых фигур мы не договорились, ибо всё всегда зависит от позиции и взглядов историка. Стремиться надо не к объективному, а к возможно полному взгляду.

Я как-то разговаривал с образованной московской дамой. Говорю: Сталин написал то-то и то-то. Она – а он что, грамотный был? Сталин, в отличие от всех последующих вождей, своё 13-томное собрание сочинений написал собственной рукой. После него уже только наговаривали. Он не заканчивал университетов, семинарское образование так и осталось его пределом, он был (есть такое слово) автодидакт. Самоучка. В культуру он вгрызался самостоятельно. Конечно, Ленин был куда более образован, но «буржуазную» культуру он из принципа не любил. Из принципа относился к ней негативно. А у Сталина на этот счёт были другие соображения. И ведь сталинские институции, им придуманные и инициированные, творческие союзы, министерство культуры – вся эта структура фактически продержалась до 1991 года, ещё почти 40 лет после его смерти. Новая русская культура (если отсчитывать со времён Державина) 70 лет жила в сталинском формате, без бриллиантовых табакерок, но с Госпремиями.


Нина Капцова перед выходом на сцену в "Корсаре". Лондон. 2016 год

Но для этого надо было выстроить систему полной зависимости художника от власти, и Сталин её выстроил. Может, из-за этого в биографии Большого столько драм?

– Это всё упирается в то, что он как бы продолжил русскую театральную традицию «кто девушку ужинает, тот её и танцует». Коли уж государство содержит театр, то оно требует подчинения, которое может варьироваться от снисходительности до полной крепостной зависимости. И Большой вошёл в систему, в которой в советские времена шаг влево рассматривался как побег. Если кто-то убегал из театра, как Александр Годунов, это превращалось в конфронтацию США и СССР на высшем уровне. Ситуацию Годунова обсуждали президент Картер с генсеком Брежневым. Это был необычайно громкий международный скандал, и именно потому, что это был побег из крепостной зависимости. Поэтому всё, что происходит в Большом, неизбежно попадает в мировой оборот, как вот эта последняя история с нападением на Филина.

Таких грандиозных скандалов в главных театрах Италии, Америки не бывает?

– На самом деле они есть. Публика очень любит театральные скандалы. В США сейчас каждый день появляются как в самых престижных, так и в самых жёлтых изданиях публикации о сексуальных домогательствах. Причём харассмент где-нибудь на производстве или среди менеджмента банков тоже освещается, но без такой страсти, как в Голливуде или «Метрополитен-опере». Многолетний руководитель этого театра, Джеймс Ливайн тоже сейчас судится с дирекцией, потому что они его выгнали из-за обвинений в сексуальных домогательствах. Как только скандал касается людей культуры, это вызывает массу эмоций! Закулисная жизнь актёров куда интересней жизни банкиров. Когда-то артист был крепостным в прямом смысле. Делал то, что хозяин велел, без разговоров, и артисты были взаимозаменяемы. Но с появлением института звёзд всё поменялось.


"Танцовщицы вылетают на сцену и это воплощенная грация. И они же - усталые за кулисами". С. Волков

Сейчас в Большом театре и звёзды есть, и сложности присутствуют. Без них ведь не бывает?

– Ощущение кризиса в любом театре есть всегда. Не было времени, чтобы это «ах, раньше было так прекрасно, а сейчас что?» отсутствовало. Сейчас оно вдобавок подогревается СМИ, потому что СМИ любят кризисы и конфликты. В Америке одно время выпускали газету, которая сообщала только хорошие новости. Она в скором времени прогорела. Никому хорошие новости читать не интересно. На самом деле кризис или его ощущение – это обычное, в каком-то смысле здоровое состояние творческого коллектива. Состояние той лягушки в банке, которая барахталась и взбила из молока масло. Человеку, который думает – всё ужасно, – и на этом останавливается, надо уходить из профессии. А если – всё ужасно, но я сделаю всё, что могу, чтобы исправить или помочь, – тогда ситуация выпрямляется и ниоткуда появляется хит. Ах, как скучно стало ходить в Большой театр! А появился балет «Нуреев» – и билетов не достать. Предсказать такое невозможно!

Ну чтобы появился хит, тут масса факторов должна совпасть…

– Если бы люди знали, как сделать хит, ничего, кроме хитов, бы не производилось. Поэтому все книги на тему, как написать успешный сценарий или роман, – это ерунда. Потому что формула есть, а успех – всегда редкость. И приходит он чаще всего с неожиданной стороны. Ну кто мог предсказать успех Гарри Поттера? Что он станет вселенским хитом? Но стал, и теперь все ему подражают. Вкусы публики предсказать невозможно. Вот появляется нечто успешное, ему бросаются подражать, поподражают-поподражают и поймут, что эта формула уже не работает. И станут искать новую. Но то, что в культуру надо серьёзно вкладываться, – это аксиома. Я лично считаю, что государству нужно вкладывать гораздо больше средств в культуру, чем в спорт. Сколько было ухлопано денег и сил, чтобы доказать, что Россия способна на высокие спортивные достижения! И чем всё закончилось? Допинговым скандалом. Вложения в культуру оправдывают себя куда больше, чем в любую другую пропагандистскую, повышающую престиж страны деятельность. Я вообще считаю, что одной из причин краха династии Романовых была не учтённая ими культурная составляющая. Николай II не понимал, как работает культура в качестве пропагандистского механизма, не понимал силу её слоганов, значения её внедрения в массовый обиход. Почитывал себе юмористические рассказы Чехова, посещал балет, но не считал это важным элементом управления государством. И, по моему убеждению, это было из очень существенных и до сих пор не учитываемых составляющих его падения.

Благодарим за помощь «Издательство АСТ», в котором вышла книга Соломона Волкова «Большой театр»

фото:Саша Гусов


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Авг 25, 2018 8:02 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18665
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Авг 21, 2018 11:39 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073211
Тема| Балет, Восьмой Платоновский фестиваль (Воронеж), Премьера, Персоналии, Анжелен Прельжокаж
Автор| ЮЛИЯ ГОРШКОВА / ФОТО: АНДРЕЙ ПАРФЕНОВ
Заголовок| Экспрессивно-интеллектуальная хореография Анжелена Прельжокажа
Где опубликовано| © журнал ZVOOK online № 11 (Воронеж), стр. 44-47
Дата публикации| 2018 июль
Ссылка| https://view.joomag.com/zvook-online-11-jule-2018/0369800001530358886
Аннотация| Фестиваль, Премьера

«Фреска. Картина на стене», Playlist#1
Компания Балет Прельжокажа /
Национальный хореографический центр
Экс-ан-Прованса, Франция
Хореограф – Анжелен Прельжокаж




Платоновский фестиваль искусств отгремел несколько недель назад, но то послевкусие, которое осталось от него, еще долго будет питать умы восхищенной публики. Одним из ярчайших событий фестиваля этого года стал приезд в Воронеж компании «Балет Прельжокажа», показ постановки «Фреска. Картина на стене» и программы Playlist#1.

На Платоновском фестивале состоялась российская премьера «Фрески», созданной по мотивам китайской сказки. А вот в Playlist#1 вошли фрагменты из избранных работ Анжелена Прельжокажа, ставшие проводниками во вселенную французского хореографа. Танцовщик и постановщик Анжелен Прельжокаж начал свою карьеру с классического танца, а вот современному учился у Мерса Каннингема. Его творческий язык – это изящная, самобытная хореография, опирающаяся на классические элементы. Говоря о Прельжокаже, мало говорить о лексике, речь идет именно о вселенной, которую смог создать мастер. Чем дальше смотришь спектакль Прельжокажа, тем больше проникаешь в этот многогранный мир.

По ту сторону «Картины на стене»

Первым знакомством с творчеством Прельжокажа для фестивальной публики стала постановка «Фреска. Картина на стене». Сюжет китайской сказки просеивается через призму чего-то общечеловеческого, и в спектакле почти не прослеживается азиатских мотивов. Это история о сиюминутном и вечном, о том, что рядом с реальностью всегда ходит что-то, что в нашем представлении в нее не вписывается. Где эта тонкая грань между реальным и фантастическим, мистическим миром? Хореограф показывает ее в виде тумана, марева, флера, появившегося на сцене в самом начале спектакля. Поначалу зритель гадает, что это такое, как это сделано. Это ткань, свет или проекция? В этот необычный момент появляются два юноши, одному из которых предстоит увидеть, как оживает картина, влюбиться, бороться за свою любовь, и все же вернуться в реальный для него мир.

Простой парень оказался в чуждом ему пестром пространстве, где есть прекрасные девы, призрачные герои, напоминающие персонажей Хаяо Миядзаки, и существа, похожие на инопланетян. Волосы и юбки девушек без всяких преувеличений танцуют вместе с ними, зачаровывая зрителей.

Чувства проходят здесь как будто пунктиром, иногда кажутся утрированными, а иногда донельзя тонкими, щемящими. Эта постоянная игра на грани, баланс между чем-то возвышенным и иронией, заставляют зрителя одновременно воспринимать постановку на двух уровнях: эмоциональном и интеллектуальном. Тема многослойности продолжается и в музыке, написанной композитором Николя Годеном. Действие разворачивается под неожиданное смешение ритмов и мелодий. То публика слышит музыку, напоминающую классическую, то отчетливо звучат азиатские мотивы, а вот разорвал тишину (в которой тоже существуют артисты на сцене) современный бит.

Конечно же, такая постановка не могла бы обойтись «обычной» сценографией. Для «Фрески» были изготовлены конструкции, которые постоянно меняли пространство сцены, то расширяя, то уменьшая его. Атмосферу постановки создают и проекции, добавляющие ей ощущение нереальности.

Историю, рассказанную Прельжокажем, нельзя назвать веселой, она скорее мрачна. Мы постоянно соприкасаемся с загадочным миром, но никогда не сможем стать его частью, по крайней мере, надолго.



Грани творчества Анжелена Прельжокажа в Playlist#1

Playlist#1 – программа, в которую вошли отрывки балетов, определивших стиль хореографа, сделавшие его имя известным ценителям современного танца во всем мире. Публика увидела не только развитие языка Анжелена Прельжокажа, но и кратко познакомилась с интересными ему темами.

Вечер получился разнообразным и крайне насыщенным. В программу вошли работы, поставленные с 1994 года. Даже если хореограф берет известный сюжет, например, «Ромео и Джульетту», «Белоснежку» или «Тысячу и одну ночь», он добавляет сюда столько смыслов, что знакомая всем история уходит на второй план. Чтобы показать свою идею, Прельжокаж может резко сместить ракурс. На « Ромео и Джульетту», например, публика смотрит сквозь призму романа Оруэлла «1984».

В своем творчестве хореограф обращается к самым разным темам. «Экстравагантность» вдохновлена историей заселения Америки, « Призрачное доказательство» – процессом над салемскими ведьмами. А вот балет «А дальше – тысячелетия покоя» поставлен по мотивам « Откровений Иоанна Богослова».

Своим творчеством Анжелен Прельжокаж поддерживает балет на интеллектуальном уровне. Он как будто говорит нам, что современная хореография – это не развлечение или не просто чувственность, это обращение к интеллекту зрителя. Это форма, в которой можно не вскользь, а вполне серьезно поднимать значимые проблемы, уйти от общих сюжетов и обратиться к более узкой, острой теме или конкретному историческому событию. При этом работы французского хореографа отличает экспрессивность, так что публика может получить зрительский опыт на разных уровнях сознания.

Проводниками идей Прельжокажа становятся танцовщики, тела которых как будто преодолевают законы физики. Они не исполняют сложную хореографию, а живут ей. Каждое движение для них не просто понятно и выполнимо, оно для них естественно.

Публика живо откликнулась на такой уровень творчества. «И «Фреска», и Playlist#1 заставили зрителей не жалеть ладоней, аплодисментами выражая свое восхищение. Овации, возгласы восторга порой не удавалось сдержать и во время выступления танцовщиков. Такой уровень признания говорит и о том, что «Балет Прельжокажа» покорил Воронеж, и о том, насколько Воронеж изголодался по современной хореографии.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18665
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Авг 26, 2018 10:57 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073212
Тема| Балет, Образовательный центр "Сириус" (Сочи), Персоналии, Виолета Майниеце
Автор| корр.
Заголовок| «ПЕТИПА – ХУДОЖНИК ВДОХНОВЕНИЯ»: ИНТЕРВЬЮ С ИСТОРИКОМ БАЛЕТА ВИОЛЕТОЙ МАЙНИЕЦЕ
Где опубликовано| © сайт центра "Сириус"
Дата публикации| 2018-07-16
Ссылка| https://sochisirius.ru/news/2024
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Театровед, историк балета, балетный критик, сценарист, член жюри и экспертного совета Всероссийской национальной театральной премии «Золотая маска» Виолета Майниеце – частый гость «Сириуса». Именно от нее воспитанники направления «Хореография» узнают, как зарождалось танцевальное искусство, когда появились шедевры классического наследия, какие варианты классических балетов ставятся сегодня на российских и зарубежных сценах.

В июле Виолета Майниеце снова приехала в Образовательный центр с циклом лекций. Подробнее о них она рассказала в интервью.

– Виолета Александровна, чему были посвящены ваши лекции в июле?

– Были лекции по истории театра и балета. Но историю театра я всегда связываю с балетным искусством. Знакомила своих слушателей с историей Датского Королевского театра, с особенностями датской школы и наследием хореографа Августа Бурнонвиля. А лекции по истории балета были посвящены 200-летию Мариуса Петипа и «Спящей красавице», которую воспитанники июльской программы будут танцевать на отчетном концерте. Я уделила внимание не только классическим редакциям этого балета, но и попыткам исторической реконструкции варианта самого Петипа, которые предпринимались у нас Сергеем Вихаревым, а за границей – русским хореографом Алексеем Ратманским и рядом зарубежных исследователей.

Мы мало говорили об общих вещах – разговор был глубже. О том, как уроженец Марселя, приехав в Россию, вывел русский балет на мировой уровень. Петипа был обделен вниманием в Европе, но в России нашел свою вторую родину, сумел не только создать шедевры, но и сохранить лучшие постановки предшественников, обогатить их новыми первоклассными танцами и передать эти несметные хореографические сокровища ХХ веку.

Меня всегда огорчает, когда из выдающихся людей делают икону. Они, прежде всего, были живыми людьми, совершающими разные поступки, продиктованные какими-то обстоятельствами, характером, особенностями исторической эпохи. И великий Петипа тоже был фигурой неоднозначной, но притом художником, одаренным свыше, талантливейшим хореографом, открытым всему новому. Он всю жизнь учился и любил красоту, свое искусство, обожал балет и балерин. Он был мастером своего дела, был художником вдохновения.

Петипа был хореографом позднего творчества. Только после 50 лет он стал мастером шедевров, таких как балет «Баядерка». В 73 года он сочинил «Спящую красавицу». А когда ему исполнилось 80, появилась «Раймонда» – блестящий итог его славного творческого пути и послание ХХ веку. Такой союз музыки и танца мало кому удалось повторить.

– Вместить в полуторачасовую лекцию тот объем материала, который вы предлагаете воспитанникам, кажется невозможным. Как вам это удается?

– Я готова этот материал рассказывать часами, вдаваясь в детали и подробности. Но что-то из того, что я рассказываю, ребята уже знают, и я без труда переключаюсь на вещи, требующие большего внимания и объяснения. Во-вторых, я так давно читаю свой предмет, что могу и в двух фразах пересказать целый курс лекций, посвященный конкретному балету или отдельному персонажу. Просто выделяю главное и выстраиваю логическое повествование, учитывая исторический контекст эпохи: с чего началось, куда пошло, что дало. У любого будущего артиста балета должно быть точное понимание, как развивалось искусство, которому он посвятил свою жизнь. Некая основа – схема, по которой он сможет дальше сам развиваться. Раньше я много работала с видео, много показывала. Теперь решила на это не тратить драгоценное время – если ребятам подсказать, что посмотреть, они сами все найдут в сети. Были бы только интерес и желание узнать побольше. Сейчас доступна любая информация.

– Вы всегда говорите, что история балета – это не только даты и цифры. Как этот предмет следует воспринимать воспитанникам?

– Я убеждена, что они должны знать не только даты и фактологию (в каком году родился хореограф или балерина, когда был поставлен тот или иной балет), а именно понимать контекст: как от эпохи к эпохе менялась техника, эстетика балета, какое место он занимает среди других видов искусства. Понимать, за что мы любим хореографа или сохраняем спектакль. Чтобы наши мальчики и девочки, танцуя ведущие и сольные партии, знали, что классический балет – не застывший эталон, а живое, вечно развивающееся искусство. Что каждое движение имеет смысл. Что важны не только виртуозность и спортивность, чем теперь увлекается балетная молодежь, но и характер, образ, которые они должны создать средствами танца. Ведь они – не будущие спортсмены, а артисты балета.

– Именно поэтому вы всегда рекомендуете переносить балетный сюжет в реальные жизненные условия?

– Конечно. Пример тому – «Спящая красавица». Важно реально представить себя принцессой, знать, как она должна себя вести. Как подавать руку каждому из кавалеров в «Адажио с четырьмя кавалерами», уделяя всем красавцам равное внимание, чтобы никого не обидеть, не нарушить этикет. Представляете, какая ответственность на ней лежит! Все кавалеры – женихи прибыли из разных стран, не дай Бог кого-то обделить вниманием! Еще объявит войну королевству принцессы Авроры!

Если без шуток, то мне хочется, чтобы они просто понимали, что классическое наследие в балете – не абстракция. Герои, их эмоции просто преподнесены в сказочной форме. Артист балета должен оживить свой персонаж. И вот такие вещи мне всегда интересно рассказывать и маленьким, и тем, кто постарше. Хочется, чтобы дети знали: история балета – интересный, нескучный предмет.

– Как молодым артистам балета расширить свой кругозор в области истории балета?

– Прежде всего, читать, много и вдумчиво – это, как говориться, неизбежное «зло». И смотреть потом на балет «умными глазами». Вот я им, например, говорила – найдите в сети запись с танцами итальянской примы Карлотты Замбелли, которая танцевала в Парижской Опере. Эта запись сделана братьями Люмьер еще в 1900 году! Представляете, это одна из первых киносъемок французского балета. И то, как она танцевала, считалось превосходным. Тут реально запечатлено танцевальное мастерство эпохи позднего Петипа.

Сегодня бы за такой танец поставили двойку! Просто все, что считалось хорошим сто лет назад, сегодня вызывает улыбку. Здорово, когда будущие артисты знают, как с течением времени менялась техника танца. У каждого из них есть уникальная возможность сравнивать, смотреть и познавать. Но для этого следует читать книги по истории театра, балета, музыки и познавать живописный материал эпохи. И смотреть записи, понимая, что в них хорошо, а что – безнадежно устарело.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3625

СообщениеДобавлено: Пн Авг 27, 2018 10:43 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073213
Тема| Балет, Deauville Festival de L’Art Russe, Персоналии, Ольга Смирнова, Денис Родькин, Артем Овчаренко, Анна Тихомирова, Елена Соломянко, Иннокентий Юлдашев, Татьяна Ткаченко, Иван Оскорбин, Гарретт Смитт, Сергей Филин
Автор| Анна Минакова, Фото: Виктория Малей
Заголовок| Гениальная репетиция
Где опубликовано| © Коммерсантъ Стиль
Дата публикации| 2018-07-26
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3702095
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ



Балетную программу Deauville Festival de L’Art Russe, который пройдет 18 и 19 августа, перед Довиллем решили обкатать в Москве. Открытая репетиция состоялась в июле в Московском Академическом Музыкальном театре имени К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко.
О том, что в августе 2018-м, после более чем столетнего перерыва, русские вернутся на сцену довильского театра (Theatre du Casino Barriere), мы уже рассказывали.

Площадка для репетиции выбрана неслучайно — ведущие артисты театра Станиславского как раз и будут звездами Deauville Festival de L’Art Russe. Как и ведущие артисты Большого и Мариинсккого театров. Ольга Смирнова, Денис Родькин, Артем Овчаренко, Анна Тихомирова, Елена Соломянко, Иннокентий Юлдашев, Татьяна Ткаченко, Иван Оскорбин — уже вполне себе достаточный повод не то что купить билеты на фестиваль, находясь неподалеку, а отправиться в Довиль специально. В программе сплошь хиты: балет «Видение розы», «Умирающий лебедь», отрывки из «Шахерезады», «Жар-Птицы», «Аполлона Мусагета», «Павильона Армиды»… Это первое отделение. Второе совсем иное по духу — это авторские работы, которые ставили сами артисты. Один из интересных номеров «авторской» части — совместная работа Ольги Смирновой и американского хореографа Гарретта Смитта. Смитт, кстати, участвует Довильском фестивале русского искусства не только как хореограф, но и как исполнитель.

С того момента, как в 1912-м артисты балетной труппы Сергея Дягилева и оперный певец Федор Шаляпин вышли на сцену недавно открывшегося довильсокого театра, прошло более ста лет. Устроители первого Deauville Festival de L’Art Russe таких перерывов делать не намерены. Как рассказал в день генеральной репетиции Сергей Филин, а именно он отвечает за балетную программу фестиваля: «Фестиваль станет ежегодным… Он должен стать событием, и не только для Довиля, но для всей Франции, а также — средством укрепления наших (России — прим. ред.) с Францией отношений… Я был в Довиле и уменя была возможность побывать в театре и постоять на его сцене. Сцена, конечно, уникальная. Ее маленький недостаток в том, что она не очень большая. Пусть мы не можем тут делать постановки с размахом, мы можем воссоздать атмосферу того времени. На фестивале в Довиле мы хотим показать творческую жизнь. Когда артисты не просто приезжают и формально танцуют то, что они танцуют на протяжении рабочего сезона, а когда они вкладывают в программу частичку себя. И мы не боимся рисковать, как сто лет назад не боялся рисковать Дягилев».

Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18665
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Сен 02, 2018 5:05 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073214
Тема| Балет, МГАХ, Персоналии, Денис Захаров
Автор| Ирина Щербакова
Заголовок| Герои современного русского балета: Денис Захаров
Где опубликовано| © журнал «L'Officiel»
Дата публикации| 2018-07-19
Ссылка| https://www.lofficielrussia.ru/pop-culture/young-face-of-russian-ballet#image-47952
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Он — одно из главных молодых лиц русского балета. Накануне концерта в Большом театре, посвященного Мариусу Петипа, мы встретились с Денисом Захаровым. Он рассказал о том, что такое — преодолевать себя каждый день.


Фото: Георгий Павленко

Мой педагог — еще действующий солист Большого Денис Медведев, — не только отдает мне все силы, терпение, все свое здоровье, он воспитывает во мне мужской характер, что немаловажно. Понимаете, балет — это, прежде всего, характер. Как говорила Майя Михайловна Плисецкая, характер и есть судьба. Мне вот, например, невероятно тяжело вставать утром и в девять уже быть у станка. Честно скажу. Я в это время еще не проснулся — днем, думаю, чувствовал бы себя получше. Но я заставляю себя: аутотренинг. Без труда не будет ничего. Самое сложное — преодолевать травмы. Потому что ты чувствуешь физическую боль — но понимаешь, что либо сейчас, либо никогда.

Бывали моменты, когда, кажется, сил уже вообще нет: репетиция идет так долго, совсем не можешь собраться, совсем, совсем. Абсолютно. Пытаешься сделать какое-то банальное движение, которое у тебя всегда выходило, двойной тур в пятую позицию, а не можешь. Но заставляешь себя. И еще… Вы знаете, после репетиций я все время чувствую, будто что-то не сделал. Что-то не смог сделать. Подгоняю себя, напоминаю, что надо становиться лучше и лучше, нет предела совершенству. И тут снова спасает педагог. Самым важным, что он мне сказал, было «я в тебя верю».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18665
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Сен 03, 2018 12:13 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073215
Тема| Балет, МТ, Персоналии, ЮРИЙ СМЕКАЛОВ
Автор| Наталия Прохорова Фото: Ольга Тупоногова-Волкова
Заголовок| ОДИН В МОРЕ
Где опубликовано| © журнал OK! № 28 (603), стр. 22-27
Дата публикации| 2018-07-12
Ссылка| https://ru.calameo.com/read/005635664652016f2e8b8
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

«Мы живем не ради наших постановок, не ради аплодисментов, не ради того, хорошо или плохо напишут критики, мы живем, потому что балет — это наша жизнь. Вот и всё», — говорит ТАНЦОВЩИК И ХОРЕОГРАФ ЮРИЙ СМЕКАЛОВ. Этот молодой, красивый и мужественный артист полон амбициозных планов. Недавно зрители Северной столицы смогли оценить его новую необычную постановку — БАЛЕТ «СОЛЯРИС»



Юрий, вы ведь из Нижнего Тагила?

А я в Тагиле почти не был, я там только родился. Pодители проходили там практику, а жили в Петербурге. Через шесть месяцев, уже со мной, они вернулись в Кронштадт. Там я и пробегал свое детство — был чемпионом по плаванию в своем возрасте, играл в хоккей, занимался музыкой…

Настоящие мальчуковые занятия?

Абсолютно. Про балет не мыслил даже, он начался, когда мне исполнилось девять лет. Произошло воплощение маминой юношеской мечты.

- А почему тогда мама раньше не отдала вас в балет?

- У родителей таких планов не было, всё произошло спонтанно. Мы плыли на «Метеоре» из Кронштадта в Петербург, тогда в Ленинград, когда по радио отец услышал объявление: производится набор в Ленинградское хореографическое училище. Ну он и подумал: раз мы едем в Ленинград, можно и сходить, вдруг меня возьмут. Но так как я был «мальчуковый» мальчик, то отец всяческими способами стал меня уговаривать туда пойти: говорил, что там играют в футбол, в баскетбол, там есть плавание, фехтование, ну и немножко балета. И вот так, обманом, меня туда затащил. Но после того, как я проучился первый год, я понял, что там действительно интересно.

Но не было же фехтования и баскетбола?

Ничего не было из того, о чем говорил отец, но зато мы принимали участие в спектаклях Мариинского театра. Эта сказка, в которую ты попадаешь, настолько тебя увлекает, что дворовая жизнь кажется совершенно лишней.

А как ваши друзья во дворе относились к тому, что вы «балерун»?

Кто-то, может, и посмеивался, но у меня был достаточно серьезный авторитет среди ребят. Я был не последним во дворе — будь то футбол, коньки или какие-то дворовые разборки...

Когда вы заканчивали училище, вы хотели театре. попасть именно в Мариинский театр? Или этого все хотят?

Конечно, все! Тогда — только в Мариинский театр! Сейчас этот стереотип разрушился: кто-то хочет попасть в Большой, кто-то — в европейские театры, а у нас это было железное желание.

Но вас не взяли. Как вы пережили это?

Из нашего выпуска взяли только двух девочек и одного мальчика, не меня, хотя я учился хорошо, прямо отлично. То, что не взяли меня, я пережил нормально. Расстроился только, что взяли девушку, с которой мы дружили. Что вот ее взяли, а меня нет. Это была единственная проблема, так как меня сразу пригласил в свой театр Борис Эйфман, и сразу на ставку солиста.

Получается, он давно к вам присматривался. А вы знали его?

Да, я был знаком и с ним, и с его спектаклями. Для молодого амбициозного артиста танцевать балеты Эйфмана было даже интереснее, чем классику, которую мы в академии изучили вдоль и поперек. Спектакли у Эйфмана были наполнены психологизмом, драматизмом, сложными поддержками, красивыми дуэтами, динамичными сценами. Подобных театров больше не было в стране. Это был экспериментальный театр с интереснейшим репертуаром!

Вы проработали у Эйфмана десять лет, станцевали все главные партии, и он, говорят, очень вас любил. Почему вы ушли от него?

Наверное, устал от однообразия. Каждому артисту необходимо развитие.

К тому моменту вы уже подыскали что-то другое?

Нет. Когда я уходил от Эйфмана, я уходил в никуда.

Но как же! Разве вас не позвал Михайловский театр станцевать в «Спартаке»?

Ну да, да, да! Весь конфликт произошел именно из-за этого. Я попросил Бориса Яковлевича, чтобы он мне разрешил станцевать в «Спартаке». «Спартак» Джованьоли — мой любимый роман, в детстве эту книгу я зачитывал до дыр. Я всегда мечтал станцевать в «Спартаке», хотя понимал, что это мне не светит, потому что я не работаю в Большом театре, где идет этот балет. И вдруг Михайловский театр его ставит и мне предлагают главную роль! В это время Михайловский театр как раз начал набирать обороты.

И Эйфман не отпустил?

Он начал мне объяснять, что это неправильно — репетировать в двух местах. Он хотел, чтобы я был полностью поглощен его новым спектаклем, чтобы не тратил силы в другом.

После этого вы положили заявление ему на стол?

Нет, я некоторое время пытался оговорить какие-то еще условия сотрудничества, хотя понимал, что, скорее всего, он мне вряд ли их подпишет.

Вы тем не менее станцевали в «Спартаке». Что дальше?

А дальше... Эйфман отругал меня, впервые повысив на меня голос. Притом что мы с ним всегда дружили, откровенно общались. Я всё делал для того, чтобы спектакли получались, помогал другим артистам, когда им надо было танцевать партии после меня. Я был уверен, в своем юношеском максимализме, что такое отношение заслуживает уважения и что меня ценят и по-другому быть не может. Когда Эйфман на меня прикрикнул, я понял, что это крайняя точка. Я ушел на больничный — у меня тогда болела нога — и в театр Эйфмана больше не вернулся.

А он, наверное, не ожидал, что вы уйдете?

Наверняка нет, потому что я был тогда в непростой ситуации: я женился второй раз, у меня начала образовываться семья.

Вам было двадцать семь лет, когда вы ушли от Эйфмана. Для артиста балета это уже серьезный возраст?

Это относительный возраст. С одной стороны, есть опыт, который за десять лет ты накопил. С другой — остаются силы для того, чтобы что-то еще сделать. Это очень важный рубеж, пик карьеры.

Вы хлопнули дверью, остались без работы, создали новую семью. На что вы рассчитывали?

У меня совсем не было денег, я понимал, что, надо что-то делать. Мы часто боимся закрыть дверь и поэтому не можем открыть новую. Держимся за надежность, за успех, за финансовую стабильность. Нам кажется, что если сейчас потерять эту работу, то всё закончится. Но это же абсурд! Когда закрываешь одну дверь, то открывается другая, это абсолютно точно.

А где вы, кстати, познакомились со своей женой Владой?

На улице. В пять утра. Однажды мы с друзьями собрались в ночной клуб, специально нарядились как фрики, я леопардовую шляпу надел. У клуба вижу: девушка красивая стоит, курит. И она не могла не посмотреть на мужчину в леопардовой шляпе. Так и завязалось знакомство. Я сделал ей предложение на первом же свидании через три дня. А через полгода мы поженились, она сразу забеременела, и у нас родилась дочка. Часто главное происходит в жизни неожиданно.

Она красотка, ваша жена.

Еще какая! Она миссис Санкт-Петербург. Она… Ну, она лучшая женщина, тут вопросов нет.

И ничем не занимается, кроме вас.

Ну да, это всё мой эгоцентризм. У нее два высших образования — журналистика и пиар. Сейчас она, кстати, работает по специальности — генеральным директором компании, которую я открыл, — творческого объединения М.А.D.

А что же произошло все-таки у вас с работой? Одна дверь закрылась, а открылась какая?

Во-первых, Мариинский театр. Не самый худший вариант. (Улыбается.) К тому же мечта детства.

Вам предложили там ставку премьера?

На премьера я даже не рассчитывал. Сразу сказал Юрию Фатееву, новому руководителю труппы, что мне интересны партии второго плана, они мне нравятся, я ручаюсь, что смогу их хорошо станцевать…

Только вторые?

Ну я же понимал свои возможности, понимал свой возраст. Но партии второго плана — это огромное количество ролей, очень интересных, которые я всегда мечтал станцевать, пока учился в академии. Правда, в репертуаре театра начали появляться спектакли, которые очень мне подошли и в которых у меня были главные роли: «Спартак» Якобсона, «Парк» Прельжокажа, за который я получил в последствии «Золотой софит», «Конёк-Горбунок» в постановке Алексея Ратманского, его же «Анна Каренина», где я станцевал Вронского. Можно перечислять и перечислять.

И все-таки вас не напрягало, что вы не будете премьером?

Напрягало сначала. Понижая планку, ты во многом меняешь собственное восприятие себя. Получается, что нужно снова опуститься на нулевую отметку и добиваться, чтобы тебя уважали как артиста. Никому не интересно, какие заслуги у тебя были до того. Каждый день нужно доказывать, что ты личность. Судьба дала мне пройти этот урок. После того как я был премьером, на которого ставили спектакли, получавшим награды и премии, мне пришлось стать вторым солистом и заново зарабатывать авторитет. А Мариинский театр не самое простое место с точки зрения отношения к артисту и наличия снобизма.

Вам пришлось «строить отношения»?

Ни в коем случае! Самая большая ошибка — «выстраивать отношения» с вышестоящими. Твоя главная задача — выполнять работу честно и минимально лениться, больше у меня нет никакой формулы.

Тем не менее вы решили что-то делать самостоятельно, стали хореографом.

Я стал учиться на хореографа еще в двадцать лет, когда у меня была очень серьезная травма спины и я год не ходил. Это был большой стресс — казалось, что всё очень плохо: я расстался со своей первой девушкой, боялся что не смогу больше танцевать… Я многое переосмыслил тогда.

То есть вы хореограф с образованием?

Образование я получил только сейчас, спустя семнадцать лет и поставив более десятка спектаклей. А тогда я проучился четыре года. Мой учитель, Георгий Алексидзе, дал мне веру в то, что я могу ставить, что я должен ставить. Он считал, что мне нужно работать в Мариинском театре и ставить полномасштабные балеты. У меня ничего не получалось, я говорил, что мне всё это трудно, что я не хочу, я не знаю, как это делать, а он всё равно пытался из меня что-то вытащить. В 2008 году, когда я ушел от Эйфмана, я поставил балет, который посвятил Георгию Алексидзе. Это было до приглашения в Мариинский театр. После этого проекта я понял, что хочу продолжать ставить балеты, что мне это нравится.

Ваш балет понравился публике? Был успех?

Да, у меня появились зрители. Среди них даже нашлись люди, которые поддержали меня финансово, потому что всё было плохо спродюсировано и у меня образовался большой долг, так как пришлось самостоятельно закупать для спектакля световое лазерное оборудование.

А откуда вы берете идеи? Разве можно сегодня что-то еще в балетном танце придумать?

В принципе, все идеи уже когда-то были реализованы. Но каждому времени нужно что-то свое. Откуда это брать? В советское время в наш балет пришло много акробатики из цирка, из фигурного катания. Появились верховые поддержки с выбросами, с тодесами и так далее. Сейчас молодые хореографы «питаются» уличным танцем, фристайлом, который мы видим на улицах Америки, Европы.

У вас своя компания. Это антреприза?

Не совсем, это скорее творческое объединение. Мы предлагаем творческий продукт целиком. Я сотрудничаю с художниками, композиторами, открываю новые имена. Площадки своей у меня действительно нет. Наш новый проект, балет «Солярис», мы сделали в драматическом театре «Приют комедианта», который предоставил площадку и технические службы.

Там же маленькая сцена.

Малюсенькая, да! И при этом кайф! Потому что «Солярис» — это про космос. А космос — он же внутри нас.

Но балет — это же размах, декорации, массовка…

Нам как раз интересно поработать в другой форме. Это двухактный балет, двухчасовой. Артистов всего шесть человек, но нет такого ощущения. Наоборот, есть ощущение большого количества людей на сцене. У нас есть и сложная хореография, и сценические решения, и драматическая линия. Есть концептуальная линия. И даже есть слова. В общем, это надо видеть.

Вы танцуете в этом балете?

Танцую. Хотя обычно в своих постановках этого не делаю. Танцевать и одновременно контролировать — очень трудно. Но конкретно этот спектакль я ставил про свое ощущение романа Лема. Все переживания, которые там есть, это мои переживания, это грани личности одного человека.

То есть вы сейчас активно занимаетесь собственными постановками?

Только этим и занимаюсь! И диссертацию пишу. И танцую. И хочу еще в аспирантуру поступить…

И еще работаете с фигуристами!

Так получилось, что в 2003 году мы подружились с тренером Алексеем Николаевичем Мишиным, и я начал в свободное время работать с его спортсменами.

Это творческое для вас дело или это заработок?

Изначально было интересно. Когда стало сложно с работой, это было частью заработка. Теперь это просто хобби. Недавно я начал работать с подопечными Нины Мозер — Ксенией Столбовой и Фёдором Климовым. Мы сделали несколько работ, на последнем чемпионате они как раз катали новую хореографию. Жалко, что были не лучшие результаты, но программа получилась интересная, на мой взгляд.

Как вы находите время? Ведь у вас и так много работы, плюс есть семья, двое детей. Уже отдали их в балет?

Старшая дочка, Златислава, уже и танцует, и поет, и рисует. Ей восемь лет. И я действительно хочу отдать ее на подготовительные курсы в академию, потому что у нее есть все данные. Она занимается балетом с педагогом уже четыре года, она очень артистичная, очень симпатичная, успехи делает, пятерки получает! А поет она даже лучше, чем танцует! И тоже занимается и вокалом, и фортепиано. Я, конечно, вижу ее карьеру в гуманитарной области.

Скорее пианистки или балерины?

Точно не пианистки. На фортепиано должен уметь играть каждый, я считаю. Это обязательная образовательная программа, как знать языки.

Она уже изучает и языки?

Конечно. Но посмотрим. Мама не хочет, чтобы у дочки была карьера балерины, ей кажется, это сложно для психики. А я не против. Мне кажется, что девочка всё равно вырастет и будет искать себе мужчину, будет создавать семью, это будет ее приоритетом.

Ну а сын?

С сыном я определился. Ему сейчас четыре с половиной года, но я уже решил, что он будет заниматься яхтенным спортом.

А почему вдруг?

У него дальнозоркость от рождения, он с полугодика в очках, а на море он чувствует себя гораздо лучше. Он обожает море и всё с ним связанное. Я сам увлекаюсь виндсерфингом и постоянно катаюсь на парусах, это моя страсть. И видимо, я в маму: хочу свою мечту реализовать в нем. Но я хочу, чтобы он пошел немножко дальше… Мне кажется, яхтенный спорт — это воплощение мужественности и смелости, это борьба со стихией, она необходима человеку. Когда ты оказываешься один в море и тебе нужно решать проблемы, это реально серьезное испытание. Я сам сталкивался с этим неоднократно и знаю, что это такое. Мне кажется, мужчина должен обязательно через это пройти.

То есть вы не бросили мужественные занятия?

Ни в коем случае! Я езжу на мотоцикле, катаюсь на доске, я в этом смысле не изменился и, думаю, уже не изменюсь.


Текст: Наталия Прохорова Фото: Ольга Тупоногова-Волкова Стиль: Евгения Тарасова Груминг: Любовь Литошко
==================================================
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18665
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Сен 10, 2018 1:18 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073216
Тема| Балет, Литература, БТ, МАМТ, Персоналии, Джон Ноймайер
Автор| Дмитрий Абаулин
Заголовок| Медленное чтение
Где опубликовано| © журнал БОЛЬШОЙ ТЕАТР № 2 (12), стр. 6-9
Дата публикации| 2018 июнь-июль
Ссылка| https://www.bolshoi.ru/upload/medialibrary/209/20980ef680aa4072ed44cbc79c7519e7.pdf#page=8
Аннотация|

«Анна Каренина» стала третьим балетом Джона Ноймайера на сюжеты русской классической литературы. Обращаясь к произведениям разного жанра (до этого были пьеса Чехова «Чайка» и пушкинский роман в стихах «Евгений Онегин»), хореограф каждый раз по-новому выстраивает отношения между литературным и хореографическим текстом. Неизменным остается одно – бережное и внимательное отношение к слову написанному.





Д жон Ноймайер занимает особое место в современном балетном мире. В те годы, когда все бросились ставить бессюжетные одноактовки, он упорно сохранял верность многоактной балетной драме, базирующейся на литературном источнике. Сегодня, когда сюжетный балет возвращается на сцену и активно отвоевывает утраченные позиции, уроки Ноймайера становятся всё более актуальными. Большому театру не привыкать к его творческому почерку: несколько сезонов шел балет «Сон в летнюю ночь», продолжает украшать репертуар «Дама с камелиями». И все-таки «Анна Каренина» стоит в этом ряду особняком. Этим спектаклем хореограф продолжает свой многолетний диалог с русской культурой. Первой точкой соприкосновения стал, конечно же, классический танец, в котором Ноймайер не просто хорошо разбирается — он по-настоящему влюблен в него, чему свидетельством уникальная гамбургская коллекция артефактов, относящихся к истории русского балета. Три постановки Ноймайера связаны с легендарным именем Вацлава Нижинского — давняя уже миниатюра «Вацлав», знаменитый балетный байопик «Нижинский» и посвященный 100-летию дягилевских «Русских сезонов» «Павильон Армиды».

А летом 2002 года в Гамбурге состоялась премьера балета «Чайка». Как признавался сам хореограф, идея адаптировать какую-то из пьес Чехова для балетной сцены занимала его многие годы. Выбор, сделанный после долгих раздумий, оказался снайперски точным. Удачной оказалась выстроенная в спектакле параллель между литературой и балетом. Драматург Чехов писал о драматургах Треплеве и Тригорине, об актрисах Заречной и Аркадиной — героями Ноймайера стали два хореографа и две танцовщицы. Неожиданный на первый взгляд выбор музыки Шостаковича придал этому решению дополнительный объем: музыка XX века подсказывала аналогии с другими революциями, эстетическими и политическими. Сам же Ноймайер выступил в роли сценографа и художника по костюмам, и его работа в этой области тоже свидетельствует о незаурядной эрудиции и погруженности в русскую культуру: образ «колдовского озера» был выстроен на основе одного из эскизов Левитана, представление авангардистского балета Кости Треплева шло на фоне супрематической композиции, выстроенной по принципам Малевича, а костюмы его участников перекликались с театральными эскизами Варвары Степановой.

Но особенно удивительной была та свобода, с которой хореограф находил пластические эквиваленты чеховской драматургии. Отбрасывая какие-то заведомо непереводимые на язык танца вещи, Ноймайер сохранял образный строй пьесы. Неприметные на первый взгляд и вроде бы незначительные детали наполнялись новым содержанием, которое словно перетекало в них из других фрагментов.

В четвертом действии чеховской «Чайки» Костя рассказывает о судьбе Нины: «Дебютировала она под Москвой в дачном театре, потом уехала в провинцию… Бралась она всё за большие роли, но играла грубо, безвкусно, с завываниями, с резкими жестами. Бывали моменты, когда она талантливо вскрикивала, талантливо умирала, но это были только моменты». Одна-единственная реплика вырастает в «Чайке» Ноймайера до целой картины. Мы видим пестрое и безвкусное ревю, в котором солируют уверенные в себе звезды кафешантана. Когда танец заканчивается, пространство сцены по диагонали пересекает Тригорин. Одна из танцовщиц уходящего за кулисы кордебалета отделяется от неразличимой массы и подходит к нему. Ни он, ни зрители не сразу узнают под ярким гримом и вульгарным париком Нину. Тщетно пытается она воскресить в его памяти некогда связывавшее их чувство. Тригорин уходит, а оставшаяся в одиночестве на авансцене Нина взрывается монологом отчаяния и одиночества, тем более разрывающим душу, что поставлен он на музыку легкомысленной польки.

«Татьяна» на музыку Леры Ауэрбах задумывалась и создавалась Джоном Ноймайером в диалоге с другим легендарным балетом на тот же сюжет — «Онегиным» Джона Кранко. Эти два произведения различны меж собой, как два героя Пушкина — Онегин и Ленский. Идя на «Онегина» Кранко, лучше выбросить из головы ученость пушкиниста. Его взгляд — это взгляд поэта, пренебрегающего презренной точностью ради непосредственности эмоционального высказывания. «Татьяна» Ноймайера тоже поэтична, но на свой манер. Ее поэтика базируется на солидном интеллектуальном фундаменте, выстроенном за почти два века.

Своим манифестом хореограф выбирает «Пушкинскую речь» Достоевского, который утверждал, что Татьяна значительно глубже и умнее Онегина. Особенно Ноймайер подчеркивает тот факт, что Ленский — поэт, хотя в курсе скептической позиции Пушкина по отношению к поэзии Ленского. В балете Ленский становится композитором, сочиняющим оперу «Ольга», и в этом чувствуется любовная ирония автора.

Когда-то, еще работая над «Чайкой», Ноймайер утверждал: «Я всё больше убеждаюсь, что текст, который ложится в основу моего балета, гораздо важнее для меня, чем для будущего зрителя». С одной стороны, он прав — его постановки не иллюстрируют, а заново переживают литературные произведения. С другой стороны, начитанность, художественный вкус, опыт восприятия произведений изобразительного искусства пригодятся тому, кто хочет глубже проникнуть в мир хореографа. Чтобы по достоинству оценить появление на сцене плюшевого медведя, стоит не только вспомнить описание сна Татьяны из пятой главы «Евгения Онегина», но и быстро прокрутить в голове его возможные психоаналитические интерпретации, а потом отказаться от них в пользу того, как развивается сценическая ситуация: в образе медведя появляется не Онегин, а будущий муж Татьяны (в балете его зовут Князь Н.).

Переживаниям Татьяны вторят Юлия Вольмар, Грандисон, Малек Адель, лорд Рутвен и другие герои книг, которые она читает. Ноймайер, которому прекрасно известен круг чтения пушкинской героини, оживляет их на сцене, делает наперсниками Татьяны. Хореограф выстраивает балет как поэтический текст, содержащий не только ритмическую структуру, но и рифмы-отсылки, перекидывающиеся от одного эпизода к другому.

«Анна Каренина» — совместная постановка Гамбургского балета и Большого театра — стала третьим, последним на данный момент русским «лонгридом» Ноймайера. В этом балете хореограф по-новому применяет разработанные им приемы перевода литературного текста на язык балета. От практики заказа партитуры современному автору он возвращается к составлению музыкального коллажа и, как обычно, делает это с присущим ему вкусом и тактом. С точки зрения трактовки сюжета, «Анна Каренина» куда больше, чем «Татьяна» и тем более «Чайка», снабжена реалиями XX века, вплоть до появляющегося на сцене трактора — неожиданного (и, как мы уже понимаем, традиционного для хореографа) иронического штриха. А музыка Чайковского, напротив, возвращает нас во времена, когда жили герои Толстого. Рядом с драматическими диалогами героев вдруг возникает, как тот самый трактор, сценка в стиле кантри, рисующая сельскую жизнь.

Ноймайер снова отказывается судить кого бы то ни было из своих героев. («Когда я руковожу театром, я чувствую себя Тригориным, когда ставлю балеты, хочу быть скорее Треплевым»,— так он некогда определял дуализм своей позиции, рассуждая о «Чайке».) Игрушечный поезд вносит предчувствие неизбежной трагедии. Увидев его, читатель (= зритель) ждет уж напрашивающейся рифмы. Она обязательно будет, ведь даже при чтении прозаического текста Ноймайер остается поэтом.

==============================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18665
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Окт 12, 2018 10:23 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073217
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Кристина Кретова
Автор|
Заголовок| Кристина Кретова: Большой театр — кладбище талантов
Где опубликовано| © журнал "Жизнь звезд"
Дата публикации| 2018 июль
Ссылка| http://life-artists.ru/kristina-kretova-bolshoj-teatr-kladbishhe-talantov/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Кристина Кретова — ведущая балерина Большого театра, член жюри проекта «Ты супер! Танцы» (НТВ) опровергла мифы о балеринах и рассказала, что помогает ей быть в отличной форме.



— Кристина, сложно оценивать выступления детей?

— Очень! Зрителям кажется, что после команды «Снято!» члены жюри встают и уходят. Но это не так, дети тут же подбегают, спрашивают: а почему не я? И попробуй объясни ребенку, что это соревнование, у которого есть свои правила… Я стараюсь говорить только правду, — она, даже не очень приятная, отрезвляет. У каждого участника нашего проекта непростая история. И ценна сама возможность выйти на большую сцену, познакомиться с новыми людьми. Я была на базе, где живут ребята, — там кипит жизнь! Проходят занятия, приезжают педагоги, звездные гости.

— Вы занимаетесь балетом с шести лет. С чего все началось?

— В хореографическую школу меня привела мама. И мне понравилось. В Московское хореографическое училище я поступила с первой попытки.

— Из родного Орла вы переехали в Москву в десятилетнем возрасте. Каково маленькой девочке оказаться одной в мегаполисе?

— У меня был такой график, что думать об этом было некогда. С девяти утра и до шести вечера мы учились — в балетной, общеобразовательной и музыкальной школах. После — час на домашнее задание, затем ужин, и в 21-30 отбой. А вот лет в четырнадцать я стала очень скучать — по родному городу, родителям. Хотела даже уйти из балета.

— Вы благополучно окончили училище и поступили в «Кремлевский балет». А ведь каждая балерина мечтает о сцене Большого…

— Это было осознанное решение. Для вчерашних выпускниц Большой театр — кладбище талантов. Я не хотела всю жизнь танцевать в кордебалете. А в «Кремлевском» мне сразу предложили ведущие партии. Я проработала около 8 лет, когда Сергей Филин — на тот момент художественный руководитель балетной труппы Театра имени Станиславского и Немировича-Данченко — пригласил станцевать у них в «Лебедином озере» и «Дон Кихоте». После спектакля я получила букет цветов, в который была вложена записка от администрации театра: мне предлагали ставку примы-балерины. И я согласилась.

— Но в итоге вы все же оказались в Большом…

— Когда Сергей Юрьевич принял предложение возглавить труппу Большого, я решила пойти на кастинг на общих основаниях. Посмотреть на меня собрались все педагоги и администрация театра, но в итоге я была принята в труппу.

— Кто ваши кумиры в балете?

— Прежде всего мой педагог Нина Семизорова, с которой мы не расстаемся с моего первого дня в театре. Она заряжает своей энергией и невероятным танцем. Надежда Грачева потрясает своей глубиной и актерским талантом. А какие у нее ноги — бесконечные, певучие, великолепные! У Марии Александровой фантастический прыжок и харизма. С Дианой Вишневой я работала в одном спектакле и видела, с каким трепетом она относится к своей партии, оттачивает каждую деталь.

— Есть ли у балерин табу?

— В жизни можешь выглядеть, как тебе нравится. Хочешь короткий ежик красного цвета — пожалуйста! Но на сцене — только классика. Если у балерины стрижка, спасают парики или накладные локоны. У меня длинные волосы, поэтому таких проблем нет. Кроме того, запрещен яркий маникюр, из украшений — максимум миниатюрные серьги. Например, Жизель — деревенская девушка, и бриллианты в ушах точно будут не к месту. Некоторые балерины не снимают обручальные кольца, но обязательно заклеивают их пластырем.

— Можете вспомнить свой самый смелый эксперимент с внешностью?

— В этом плане я консерватор. В 14 лет единственный раз в жизни перекрасилась в блондинку. Но когда пришла на занятия, мой педагог строго сказала: «Выйди из зала! И пока не станешь прежней, не возвращайся». На этом все эксперименты закончились.

— Вы признаетесь, что склонны к полноте. Вам приходится постоянно сидеть на диете и во всем себя ограничивать?

— То, что балерины ничего не едят, — это миф! Я просто придерживаюсь принципов здорового питания, а они одинаковы для всех, независимо от профессии. Если раньше мне достаточно было несколько дней не ужинать — и сразу минус три килограмма, то сейчас приходится регулярно следить за рационом. Стараюсь есть побольше зелени и овощей — свежих и запеченных, на обед предпочитаю курицу или говядину с крупами или овощами, на ужин — стейк из лосося. В качестве перекусов — омлет или протеиновый батончик. Раз в неделю я выделяю день — как правило, субботу, когда позволяю себе все. Конечно, в разумных пределах.

— Меняется ли содержимое вашей косметички в зависимости от времени года?

— Летом использую легкие тональные средства, полупрозрачные блески для губ. А кремы — с высокой степенью защиты от солнца. В холодное время года — более плотные тональные средства и обязательно — гигиеническая помада.

— Читала, что перед выступлениями вы всегда сами делаете макияж…

— Никто не знает мое лицо лучше, чем я сама. На сценический грим у меня уходит всего семнадцать минут! Хотя на съемках проекта «Ты супер! Танцы» я познакомилась с прекрасной девушкой-гримером и поняла, что, наконец, нашла своего мастера.

— А в повседневной жизни вы пользуетесь косметикой?

— Подкрашиваю карандашом брови, наношу тональный крем или пудру, и все. У меня ежедневно три-пять репетиций, семь потов сойдет! Никакой макияж не выдержит.

— С чего начинается ваше утро и как обычно складывается день?

— Ежедневно, кроме понедельника — это мой выходной, — я просыпаюсь в 7-40 утра. Собираю в школу своего сына, готовлю завтрак — как правило, кашу. В девять выезжаю в Большой, и через час я уже у станка — на разминке перед репетициями. Когда у меня спектакль, утро начинается позже — стараюсь выспаться и пропускаю утренний класс, занимаюсь самостоятельно за три часа до выхода на сцену. Свободный день провожу с сыном: мы ходим в кино, на детские развлекательные программы или дома собираем «Лего».

— Чем увлекается сын?

— Иса занимается боксом, шахматами, играет в баскетбол, ходит на керамику. Он очень артистичный, любит петь, танцевать.

— Ваша младшая сестра Карина тоже добилась успехов, правда в другой области…

— Она всегда восхищалась: «У тебя такая фигура, такая осанка!» Я посоветовала ей заняться спортом, она увлеклась бодибилдингом. Недавно стала вице-чемпионкой Москвы. Я очень горжусь сестренкой и стараюсь ее во всем поддерживать!

— Родители тоже перебрались в Москву?

— Да, хотя долго сопротивлялись (улыбается). У нас всегда были очень доверительные отношения. Родители, отметившие недавно тридцатилетие совместной жизни, — для меня пример для подражания, моя опора и поддержка. И я стараюсь о них заботиться, баловать.

==================================================================
Фото и видео - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8
Страница 8 из 8

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика