Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2018-07
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20275
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июл 17, 2018 9:13 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071701
Тема| Балет, БТ, Возобновление,
Автор| Корр. ТАСС Ольга Свистунова
Заголовок| Балет Мариуса Петипа "Дочь фараона" возвращается на сцену Большого театра
Для постановки использовали записи по балету Петипа, хранящиеся в библиотеке
Гарвардского университета
Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2018-07-17
Ссылка| http://tass.ru/kultura/5379687
Аннотация|

Балет Мариуса Петипа на музыку Цезаря Пуни "Дочь фараона" после шестилетнего перерыва возвращается на Историческую сцену Государственного академического Большого театра России (ГАБТ). Во вторник состоится генеральная репетиция возобновленного спектакля, первая серия показов которого пройдет с 19 по 22 июля, сообщила ТАСС пресс-атташе ГАБТ Катерина Новикова.

"Балет "Дочь фараона" по мотивам Мариуса Петипа был поставлен в Большом театре известным французским хореографом-реставратором старинных балетов Пьером Лакоттом в 2000 году, однако с 2012 года он не значился в репертуаре ГАБТ", - сказала Новикова.

По ее словам, "капитальное возобновление" спектакля посвящено Году русского балета и 200-летию со дня рождения Мариуса Петипа (1818-1910).

История балета

Собеседница агентства рассказала, что балет "Дочь фараона" впервые был поставлен Мариусом Петипа на сцене Большого (Каменного) театра в Петербурге, где его премьера состоялась в 1862 году.

Балет неоднократно возобновлялся. Матильда Кшесинская считала этот балет своей "личной собственностью". С 1906 года в "Дочери фараона" высутпала Анна Павлова.

В 1864 году этот балет из Петербурга перенесли на сцену московского Большого театра. А в 1905 году балетмейстер Александр Горский создал свою редакцию, сочинив новое либретто в духе "научных открытий в области египтологии". Главную партию наряду с будущей звездой немого кино Верой Каралли танцевала и Анна Павлова, специально приезжавшая из Петербурга.

Версия Пьера Лакотта

"Спустя многие десятилетия следующую версию "Дочери фараона" специально для Большого театра создал знаменитый исследователь балетного наследия, вдохнувший новую жизнь ни в один забытый шедевр прошлых веков, французский хореограф Пьер Лакотт", - отметила пресс-атташе ГАБТ.

Для своей постановки Лакотт использовал записи по балету Петипа, хранящиеся в библиотеке Гарвардского университета, а также иконографический материал, предоставленный Санкт-Петербургским государственным музеем театрального и музыкального искусства.

"Приступив к реконструкции, Лакотт переписал либретто, придумал декорации и костюмы, но главное - фактически заново сочинил все танцы, - продолжила Новикова. - Как сказал Лакотт о технике этого балета, артистам танцевать "Дочь фараона" - все равно что скрипачам играть Паганини".

Мировая премьера "Дочери фараона" в постановке Пьера Лакотта состоялась на Исторической сцене Большого театра 5 мая 2000 года.

Спектакль с успехом гастролировал по миру - был показан во Франции, Японии, Англии, США. Он также шел на сцене Государственного Кремлевского дворца. "Последний показ "Дочери фараона" состоялся в 2012 году на открытой после реставрации Исторической сцене Большого театра", - напомнила пресс-атташе ГАБТ.

Участники спектакля

"Нынешнее возрождение спектакля посвящено Году русского балета и 200-летию со дня рождения Мариуса Петипа", - подчеркнула Новикова.

Она проинформировала, что за дирижерский пульт встанет Павел Клиничев.

Главные партии репетируют Светлана Захарова, Ольга Смирнова, Евгения Образцова, Екатерина Шипулина, Юлия Степанова, Денис Родькин, Семен Чудин, Артем Овчаренко, Руслан Скворцов, Артемий Беляков.

"Капитальное возобновление "Дочери фараона" станет последней балетной премьерой 242-го сезона Большого театра", - заключила пресс-атташе ГАБТ.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20275
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июл 17, 2018 10:32 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071702
Тема| Балет, МАМТ, Персоналии, Сергей Мануйлов, Александра Дорофеева
Автор| Беседу вела: Катерина Вендилло
Заголовок| Интервью с солистами Московского академического Музыкального театра им. К. С. Станиславского и В. И. Немировича-Данченко Сергеем Мануйловым и Александрой Дорофеевой
Где опубликовано| © ContraltoPeople — электронный журнал
Дата публикации| 2018 июль
Ссылка| http://contraltopeople.ru/manuilov_dorofeeva
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Сергей Мануйлов



— Как в Вашей жизни появился балет? Хотелось танцевать с детства?

Балет в моей жизни появился с 10 лет, как я поступил в МГАХ, до этого я не занимался танцами. Родители водили меня на балет, помню, был на «Спартаке» в большом театре и на «Щелкунчике». С 9 лет начал учиться играть на фортепиано, мой педагог был из академии, и как раз она предложила моим родителям попробовать отдать меня в Академию. Я прошёл все три тура (гимнастика, мед. осмотр, танец), и меня приняли, хотя признаюсь: на третий тур я даже не хотел идти, тогда меня балет не заинтересовал. Но родители меня отвезли, я прошёл и так стал учиться и покорять этот вид искусства. Сейчас не жалею, что попал в этот мир!

— Что было для Вас самым сложным во время обучения классическому танцу?

Учился я не очень гладко и хорошо, у меня были проблемы с весом, ростом и с желанием учиться балету: до 1 курса я был самый маленький в классе, с этим было связано много проблем, но за одно лето быстро вырос, вытянулся, а самое главное, наверное, одумался и начал заниматься своим любимым на данное время делом, появился интерес, в творчестве без него никак!

— Что для Вас сцена? Отличается ли сцена МАМТа от других московских площадок?

Для меня сцена — это вторая жизнь, адреналин, выброс эмоций! Это то, к чему ты идёшь при работе в зале! Каждая сцена уникальна и неповторима, какая бы она ни была, хоть маленькая, хоть большая! Конечно, моя любимая сцена — это Театра Станиславского и Немировича-Данченко. Всегда приятно выступать где-то ещё, но на сцене МАМТ чувствуешь себя, как дома.

— Вы участвуете в Летних Балетных Сезонах не в первый раз. Как Вам работается в РАМТе?

Да, правда до этого года участвовал лет пять назад, и то в одном спектакле, «Дон-Кихот». В этом году вышло поучаствовать в 4 спектаклях: «Баядерка» и «Щелкунчик». Мне очень нравится здесь выступать, очень приятная труппа, с которой работаешь, очень тёплый зритель, практически всегда полные залы и горячий приём от зрителей по окончании спектакля, в общем своя непередаваемая атмосфера, которая настраивает на спектакль.

— Как русский балет принимают в тех странах, где Вы гастролируете и выступаете?
Отличается ли публика?


Принимает публика по-разному, не то что в странах, даже по-разному в городах России.

Вообще российский Зритель очень эмоционален, в европейских странах он более сдержан, а если уж говорить о Японии или Китае, то они стараются вообще не хлопать во время действия, но правда в конце спектакля раздаётся шквал аплодисментов, просто буря эмоций!

Я часто выезжаю в Киргизию, в Бишкек, там зритель очень эмоциональный, тёплый, и после спектакля зрители выходят на сцену, чтобы сфотографироваться с артистами. Могу сказать, что везде любят балет.

— Расскажите один или несколько курьёзных случаев, которые происходили с Вами на репетициях или спектаклях.

Курьёзы всегда смешно вспоминать после того, как они произошли, спустя какое-то время. Помню «Дон Кихот», я стоял в шестёрке тореро, шёл их первый выход. Помню, бегу и думаю «как сегодня хорошо бегу», и тут спотыкается одна нога, за ней следующая, и я не замечаю, как в одну секунду лечу по полу, как пингвин! Метра три точно пролетел! Вскакиваю быстро и понимаю, что весь костюм от проката на ушах!

Ещё всегда обидно, когда утром прилетаешь куда-нибудь на гастроли, а вечером уже спектакль. И вот уже спектакль на носу, и ты понимаешь, что забыл в отеле чёрные балетки. Бежишь за ними в отель, вбегаешь в номер и вспоминаешь, что они во внутреннем кармане в рюкзаке, в театре!

А ещё страшно бывает, а потом смешно, когда забываешь порядок движений, это может произойти с партиями, которые танцуешь в первый раз, и которые танцуешь много лет. Тут начинается паника, и ты перебираешь все балетные движения в голове, лишь бы вспомнить заветное!

— Отличаются ли для Вас «принцы» в разных балетах — Дезире, Зигфрид, Щелкунчик, Альберт?

Небольшая поправочка: Альберт всё-таки не принц, а граф! Принцы тоже люди, все они разные. Правда принц Щелкунчик — это для меня сказочный персонаж, это любимая Машина игрушка, которая ожила и будет её оберегать, а принцы Зигфрид и Дезире — это люди, которые борются за свою любовь, опять же с фантастической историей.

К сожалению, графа Альберта мне ещё не довелось исполнять, я танцую его оппонента, лесничего Ганса, хотя очень хочется исполнить партию Альберта, может когда-нибудь получится.

— Вы говорили, что Ваш любимый артист — Михаил Барышников. Чем он Вас восхищает?

Меня восхищает его энергетика, эмоциональный посыл к зрителю и музыкальность! Ещё я восхищаюсь танцовщиком Иреком Мухамедовым, очень люблю его исполнение «Баядерки» в редакции Макаровой и «Майерлинг».

— Как Вы думаете, как привлечь того зрителя, который совсем не знаком с классикой и «ничего не понимает» в балете?

В первую очередь рекламой, чем лучше и интереснее реклама балета, тем больше людей этим заинтересуется, освещением балета в соц сетях и в прессе, мне кажется, на данный момент это двигатель для зрителей. А когда зритель уже попал на спектакль, завоевывать его сердце чистотой исполнения, эмоциями и красочностью спектакля!

— Есть ли такой вопрос от журналистов и зрителей, который Вам как артисту балета надоел и выводит из себя?

Таких вопросов пока не встречалось на моём творческом пути.


Александра Дорофеева



— Кем Вы мечтали стать в детстве? Маленькая Аля хотела стать балериной?

В детстве, честно говоря, совсем не хотела стать балериной, мне хотелось стать следователем или гимнасткой. Художественной гимнастикой я занималась с 5 лет и продолжила бы дальше, если бы в общеобразовательной школе наш класс не перевели во вторую смену. Тогда родители решили отдать меня на подготовительное отделение московской государственной академии хореографии, ну а дальше уже обратного пути не было!

— Какая у Вас любимая партия? Почему? А какая даётся сложнее всего?

Самая моя любимая партия — это Эффи в балете «Сильфида» в хореографии Пьера Лакотта. Наверное, это тот случай, когда чего-то очень хочешь и в итоге добиваешься. А любимая она, потому что был очень интересный постановочный процесс этого балета, тяжёлый кастинг, приезжал сам хореограф, репетировал с нами. Приходилось репетировать целый день, одновременно я учила ещё вставное па-де-де в этом спектакле и кордебалет сильфид. Но была мечта, которая осуществилась.

Каждая партия не простая, где-то много прыжков, где-то вращений, но главное — не бояться.

— Что самое важное во время исполнения главной партии в балете?

Я считаю, что самое важное — концентрация, спокойствие и просто чтобы тебе нравилось то, что ты делаешь.

— Чувствуете ли вы контакт со зрителем? Отличается ли РАМТовский зритель от МАМТовского?

Контакт со зрителем, конечно, чувствуется, когда зрители аплодируют, ты чувствуешь энергетику от зала. Мне кажется, что зритель не отличается, балет «Щелкунчик» всегда воспринимается с большим успехом, в первую очередь благодаря музыке П. И. Чайковского.

— Насколько для артиста важно ощущение единства с партнёром? Можно ли, зная партию идеально, станцевать с незнакомым партнёром без репетиций?

Конечно, от партнёра многое зависит, очень важно, когда танцуешь, смотреть в глаза друг другу, ну и конечно важно помогать друг другу в поддержках, вращениях. Станцевать без общих репетиций можно, но это большой риск, потому что без репетиций не будет должного контакта.

— Что для Вас лучший отдых?

Лучший отдых — это когда с мужем и дочкой удаётся поехать в парк погулять, поесть мороженого, покатать дочку на аттракционах. Ну и, конечно, отпуск, путешествие на море, после этого правда очень сложно возвращаться в рабочий ритм.

— Как Вы думаете, почему интерес к классике, такой далёкой от современного искусства, не угасает?

Мне кажется классика, не забудется никогда. Такие балеты как «Лебединое озеро», «Щелкунчик», «Жизель», «Баядерка», «Дон Кихот» будут интересны всегда. Поколения меняются, но залы всегда полные, потому что это балеты с интересной историей, прекрасной музыкой, красивыми костюмами и декорациями.

Люди идут на спектакль и в первую очередь хотят отдохнуть и получить эстетическое удовольствие. Поэтому классический балет будет жив всегда.

=================================================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20275
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июл 17, 2018 12:59 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071703
Тема| Балет, Современная хореография, "Астана Опера", Премьера, Персоналии, Ксения Зверева, Раймондо Ребек
Автор| Екатерина РОМАНОВА
Заголовок| "Вечер современной хореографии": Что приготовили для зрителей в "Астана Опера"
Где опубликовано| © Tengrinews.kz
Дата публикации| 2018-07-17
Ссылка| https://tengrinews.kz/picture_art/vecher-sovremennoy-horeografii-prigotovili-zriteley-astana-349384/
Аннотация| Премьера, ИНТЕРВЬЮ

Остались считанные дни до премьеры "Вечера современной хореографии" в "Астана Опера". Известно, что репертуар столичного театра в основном составляют классические произведения. Под занавес сезона по инициативе художественного руководителя балетной труппы, Народной артистки России Алтынай Асылмуратовой, публику решили удивить необычными эксклюзивными балетами. В чем же их особенность, рассказали знаменитые хореографы Ксения Зверева и Раймондо Ребек. Проект реализуется при поддержке Министерства культуры и спорта РК к 20-летию столицы.



- Ксения, давно ли Вы задумывали поставить такой балет?

- Безусловно, идеи были. Я рада, что мне предложили их реализовать здесь, в "Астана Опера". Мы работаем над сюжетным балетом на национальную тему с отечественным композитором Актоты Раимкуловой. Сюжет спектакля основывается на мотивах либретто "Воздушное кочевье" казахстанского писателя Адама Капанова. Я много изучала национальную культуру, прониклась традициями кочевого народа. Все это помогло мне воплотить в жизнь балет Sounds of Time. Он получился в нетрадиционной пластике и нетрадиционном стиле. Мы переносим действие в современность, что позволит каждому человеку узнать себя. В либретто очень много магических деталей, волшебных переплетений, а на сцене все максимально приблизится к реальной жизни. Спектакль отобразит современный мир и его актуальные проблемы и взаимоотношения людей, разные слои общества и их ценности. Зритель увидит переплетение мифа и реальности.

- Вы уже поработали с труппой театра "Астана Опера", как оцениваете уровень артистов?

- Уникальность этого балета заключается в том, что он ставится специально для труппы "Астана Опера". Мне приятно работать с казахстанскими артистами, вижу, что им очень интересно. Когда у человека есть желание, он может многое сделать. До этого я уже работала с солистами "Астана Опера", поэтому труппа мне знакома. Пластика для них новая, мы много репетируем, танцовщики полны энтузиазма, подсказывают, каким образом им хотелось бы сделать определенные движения, передать эмоции. Они не ждут, что я им все полностью изложу. У меня есть структура, но позволяю им раскрыться, прислушиваюсь к их желаниям. Творчество - это всегда синтез идей.

- Насколько равноценны в вашей хореографии техника и импровизация?

- Изначально я создаю хореографический текст в репетиционном зале, пробую, что-то убираю, добавляю. Потом уже работаю с артистами, которые вполне могут интерпретировать движения по-своему либо же чувствуют их так, что получается что-то совсем новое. Появляется способность расширять границы и не зацикливаться на стереотипах. В классике все очень точно, в модерне - нет. Импровизация - это важная составляющая, но в любом случае я направляю артистов.

- Значит ли это то, что в классике больше ограничений?

- Определенно. Если рассматривать современный танец, то темы либретто зачастую выбираются абстрактные, где хореограф по-своему и максимально свободно раскрывает зародившуюся у него идею. В модерне больше свободы еще и потому, что, например, здесь не всегда есть конкретные партии. Можно найти разные подтексты, подходы, и каждый по-своему это выражает, мне тоже близок этот принцип. В данном случае у нас сюжетный балет с имеющимися либретто и музыкой - это основа. Хореография должна "встраиваться" в этот сюжет со множеством персонажей. Здесь нужно уметь работать не только в своей привычной пластике, а сделать каждого героя индивидуальным, со своим лейтмотивом, характером, и это тоже должно найти отражение в хореографии. В этом определенная сложность, но и интерес. Когда ставишь повествовательный балет с сюжетной линией, здесь важны не только движения, но и, например, необходимо вносить немалое количество мизансцен, порой с драматическими моментами. Иными словами, нужно создать "говорящую" хореографию. В этом случае в современном балете тоже возникают свои рамки.

- Чем отличается Ваш хореографический язык от других?

- Я работаю в западном стиле (модерн), хотя изначально классическая балерина. Позже стала развиваться в направлении хореографа, и все мои постановки были сделаны на классических артистов. Ставила спектакли в ведущих театрах России, в Швеции, в Голландии. Западные артисты и артисты постсоветского пространства отличаются, но и с теми, и с другими мне очень нравится работать. На западе труппы много танцуют в ультрасовременном стиле, даже в классических театрах. Вообще, хочется заметить, что у классического артиста есть то, чего нет у артиста, который владеет только техникой модерна, - это линии, форма, эстетика. Однако сегодняшний артист должен быть универсальным.

- Музыка тоже писалась специально для этого балета?

- Да. Процесс написания музыки шел параллельно с созданием хореографии, в этом была определенная сложность, происходил живой процесс, мы обсуждали, делились впечатлениями. Мы даже до сих пор продолжаем вносить какие-то корректировки. Конечно, национальная музыка имеет свои особенности, но в этом и уникальность спектакля. К слову, в нем будет задействован Симфонический оркестр "Астана Опера".




Другой балет "Сколько длится Сейчас?" поставил немецкий хореограф Раймондо Ребек.

- Раймондо, как создавался Ваш балет?

- Вопрос о разных ощущениях человеком времени долгое время просто "жил" в моем сознании, но началось все с переноса этих ощущений на определенные личности. Я размышлял: что происходит в нашей жизни, что сохранится и превратится в воспоминания, а что просто является каким-то моментом, который уйдет. Ощущение момента, ощущение "сейчас" - разное для людей. Истинным вдохновением была моя бабушка, у которой развилась очень сильная деменция, и у моей мамы сейчас тоже начинается эта болезнь. Процесс, когда человек начинает "исчезать", а его родные любят и искренне переживают за него, порождает ощущения, чувства, которые оказываются намного сильнее тех, когда человек "теряет себя". У всех разные ощущения времени. Хороший поцелуй может остаться с вами навсегда, а от воспоминаний о плохом вы хотите избавиться сразу же. Я пытался создать ощущения трех разных моментов жизни: любовь в молодом возрасте, зрелая любовь и любовь в пожилом возрасте. И все это на примере одной женщины в течение всей ее жизни.

- В чем особенность хореографии этого балета?

- Для исполнения этого балета не нужна какая-то определенная подготовка. Большинство танцев в мире имеют в основе классическую технику. Но, тем не менее, мы не хотим делать одно и то же. Пытаемся быть не "в равновесии": использовать движения с большим объемом, своего рода размашистые. 150 лет назад движения рук были совсем другими: раньше движение руки останавливалось на уровне плеча, а сейчас плечо участвует в движении, и это создает объем. Но это не новая техника, мне необходимо переключить сознание артистов, настроить их на то, что физически все возможно сделать с классической техникой.

- Балет имеет философскую основу, в нем Вы размышляете о времени, а что лично для Вас время?

- Чем старше ты становишься, чем больше опыта и воспоминаний накапливаешь, тем время становится более особенным и ценным. В последний год обучения в школе или университете нельзя дождаться, когда же все закончится. Сейчас год проносится так быстро. Я ценю каждый прожитый день, работу, которую я провожу в родном театре и за рубежом, путешествия, встречи с разными артистами. Ведь у нас есть всего лишь одна жизнь…

- Этот балет сейчас ставится специально для труппы "Астана Опера", планируете ли Вы переносить его на другие труппы после казахстанской премьеры?

- Все зависит от предложений руководства других театров. Для начала мы должны на достойном уровне представить премьеру. В целом же балет принадлежит труппе "Астана Опера". Конечно, мне бы хотелось, чтобы у этого спектакля была большая география. Казахстанские артисты уже проделали прекрасную работу, я доволен их исполнением, хочу заметить, что именно от их мастерства зависит дальнейший интерес к этому балету в мире.

- Костюмы и декорации тоже создавались специально для этого балета?

- Да, конечно. Из декораций, которые привлекут внимание, будут большие песочные часы. Я очень надеюсь, что получится сделать так, чтобы они были полны песка в начале спектакля и пусты в конце. Также сцену украсят несколько перевернутых падающих деревьев, олицетворяющих собой природу.

- Насколько Вам важна музыка, чтобы выразить всю философию Вашего балета?

- Для меня очень важна музыка. Иногда у вас есть идея, и вы ищете подходящую музыку, иногда есть музыка, которая вам нравится, вы создаете идею, помня и думая об этой музыке. В данном случае у меня изначально были идеи, я искал к ним фортепианную музыку. Предпочитаю органичные мелодии, не стараюсь сделать вызов обществу, используя "сумасшедшую музыку", меня больше вдохновляет что-то очень приятное, гармоничное.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Июл 18, 2018 1:42 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20275
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июл 17, 2018 8:33 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071704
Тема| Балет, МТ, Персоналии, Ксандер Париш
Автор| Татьяна Иванова
Заголовок| Англичанин Ксандер Париш — о том, как покинул Королевский балет ради Мариинского театра и почему не скучает по Лондону
Где опубликовано| © Интернет-газета «Бумага»
Дата публикации| 2018-07-17
Ссылка| https://paperpaper.ru/photos/xander-parish/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Британский артист балета Ксандер Париш переехал в Петербург в 2010-м: этот сезон на сцене Мариинского для премьера театра уже восьмой.

В Петербурге Париш выступает в роли принцев в таких балетах, как «Спящая красавица», «Лебединое озеро», «Щелкунчик» и «Жизель», считает город своим домом и говорит, что в России у него появилось больше возможностей, чем на родине.

Англичанин рассказывает, как Россия учит быть сильным и открывает глаза на мир, чем артист Мариинского занимается в свои немногочисленные выходные и почему не променяет Петербург на Лондон.


ВОЗРАСТ

32 года

РОД ДЕЯТЕЛЬНОСТИ

Артист балета

В ПЕТЕРБУРГЕ

Восемь лет

Я окончил Королевскую балетную школу в Лондоне и, когда мне было 19, поступил в труппу Королевского балета в Ковент-Гардене. Я работал там, но делать мне было особенно нечего: всё практически сводилось к мимансу (участие в массовых сценах балетных и оперных постановок — прим. «Бумаги»). Это хороший театр, но я там практически не танцевал, было минимум задач. А я очень хотел танцевать и выступать, мне хотелось развиваться и совершенствоваться.

Прошло несколько лет, ничего не менялось: я всё так же исполнял скучные па. Но как-то раз на утренний класс (тренировку — прим. «Бумаги») пришел приглашенный учитель — вести классы в течение двух недель. Я знал только, что он из России, и больше ничего. Он оказался превосходным учителем, классы были отличными, он с большим умом помогал нам совершенствовать технику. Я был очень вдохновлен. Обычно в классе учитель не обращал на меня внимания, оставляя стоять в углу, а этот человек действительно помогал мне расти.

Прошло две недели, и на последнем классе я попросил преподавателя дать мне несколько дополнительных рекомендаций, чтобы я продолжал работу, когда он уедет. В итоге мы вместе занимались полчаса: прыгали, он советовал попробовать еще раз так, еще раз по-другому. А потом он уехал — и я про него не слышал.

Полгода спустя этот человек возглавил труппу Мариинского театра — это Юрий Фатеев. И он прислал мне сообщение с вопросом: не хочу ли я присоединиться к труппе Мариинского? И я приехал.

Конечно, я знал, что Мариинский театр очень известный, знал его историю. У нас в Королевском балете танцевал Рудольф Нуреев, звезда Кировского театра (название Мариинского в советское время — прим. «Бумаги»). Я знал, что русский балет очень высокого качества, но никогда даже не мечтал в него попасть. В моей голове это было просто невозможно. Это как играть за футбольную команду небольшого городка и мечтать попасть в «Арсенал».

Я выбрал не самое удачное время для переезда в Петербург: прилетел в январе 2010-го. Было около половины четвертого, но уже темно, как ночью, а вокруг метровые сугробы. Подумал тогда: где я вообще? Конечно, в Великобритании бывают холодные зимы, но если в Лондоне идет снег, то это практически катастрофа, мы к нему не привыкли. Обычно у нас зимой -2…-3 градуса, а в Петербурге было -26!

Чему вас научила Россия?

Россия научила меня очень многому. Эта страна открыла для меня перспективы, открыла мне глаза. Думаю, что вырос здесь как внутренне, стал мужчиной, так и как артист.

В [балетной] школе ты получаешь знания о технике, но что техника и информация без практики? Когда я приехал в Россию (спасибо Юрию и театру), у меня появилась возможность набраться опыта, научиться быть танцором, ведь только на сцене ты становишься артистом.

Здесь я на много уровней усовершенствовал свою технику, мои учителя очень добры ко мне, мы много работаем. Они очень многому меня научили за эти годы.

Россия научила меня быть сильным, ценить всё вокруг. Сейчас я очень люблю и страну, и особенно Петербург. Разумеется, сначала было непросто, но сейчас я чувствую себя здесь как дома.

Кто сыграл для вас важную роль?

Переезд был для меня абсолютно новым опытом. До этого я не бывал в России, знал про нее очень мало — что-то из фильмов о Джеймсе Бонде. Не знал языка, друзей здесь у меня тоже не было. Это был как прыжок в темноту. Честно говоря, было страшно. Мне тогда было 23, но я был очень юн — практически никакого жизненного опыта.

По приезде я встретил людей двух типов: либо очень неприветливых, либо очень приветливых. Но большинство меня попросту игнорировали. В труппе ко мне все отнеслись приветливо, хотя сначала было сложно. Сейчас я уже часть семьи балетной труппы, но когда приехал, иностранцев здесь было мало.

Несколько человек мне особенно помогли. Это Сергей Саликов, сейчас он режиссер, ведущий спектакли. Сергей отвел меня в «О’Кей», «Максидом», чтобы я мог купить всё, что мне нужно для дома, помогал и поддерживал меня.

Еще один человек из театра — Дмитрий Ермаков (координатор международных проектов балета Мариинского — прим. «Бумаги»), он также был ко мне очень добр, рассказывал, как всё устроено в театре. Мне очень помогла и помощница Юрия [Фатеева], Софья Ядченко, она как моя русская мама. Это несколько примеров настоящей доброты, которая помогла мне освоиться в Петербурге.

Что вы хотели бы перенести из своей страны в Петербург?

Я скучаю по маме и папе; вижусь с ними и сестрой, когда приезжаю в Великобританию. Но вообще, я здесь совершенно счастлив и ни по чему больше не скучаю, даже по погоде. В Лондоне тоже дождливо.

Пять находок в Петербурге
1.

Рестораны «Тепло», «Ромео» и Little Italy

Вообще-то, мы почти всегда работаем, свободные дни бывают раз в две-три недели. И обычно в это время я стараюсь выбраться куда-то с друзьями.

Мне очень нравится ресторан «Тепло», там очень по-домашнему, вкусная еда и очень приветливый персонал. Еще мне очень нравится итальянский ресторан Romeo’s Bar & Kitchen возле театра и Little Italy на Итальянской улице, там просто фантастическая еда.

2.

Музей Фаберже и Главный штаб

Музей Фаберже отличный, там очень интересно — все эти прекрасные ювелирные изделия.

Мне очень нравится также Эрмитаж, особенно здание Главного штаба, где выставлены прекрасные работы импрессионистов.

3.

Новая Голландия

Очень люблю это место. Новая Голландия всего в 10 минутах от Мариинского, так что я часто там бываю. Если день солнечный, то люблю просто полежать на траве или съесть мороженое.

4.

«Стокманн»

Я бываю и в «Стокманне», и в «Галерее», когда мне нужно что-то купить. В «Стокманне» мне особенно нравится супермаркет: там отличная еда. Например, я нашел в этом магазине прекрасную арахисовую пасту.

5.

Кинотеатр «Англетер»

Мне очень нравится «Англетер», там часто можно посмотреть что-то на английском. Но когда хочу посмотреть какой-нибудь блокбастер, особенно в IMAX, я хожу в кинотеатр в «Галерее». Недавно смотрел там новый «Парк Юрского периода».

Зачем вы здесь?

Я счастлив, что живу здесь. Очень сложно загадывать: мы никогда не знаем, что будет завтра, — но я мечтаю здесь и остаться. Хотел бы даже купить квартиру, чтобы окончательно осесть. Когда уезжаю из Петербурга, начинаю по нему очень скучать, он уже часть меня.

Как артисту мне очень хотелось бы улучшить некоторые мои роли, и дальше совершенствоваться и учиться. Мне бы очень хотелось расширить свой репертуар — например, попробовать себя в балетах Григоровича (я никогда не танцевал их), в «Легенде о любви» или «Каменном цветке».

Меня очень интересует российский балет советского периода. Я станцевал довольно много принцев — это, собственно, то, за чем я приехал, но мне хотелось бы освоить и советский репертуар или балеты Ратманского, мне очень нравится «Анна Каренина» и «Золушка».

Еще мне хочется узнать, как здесь обстоят дела с образованием: куда как иностранец я могу поступить. Ведь вокруг столько всего, чему можно научиться, а мне очень хочется расти.

Интервью велось на английском языке. Опубликован перевод.

=============================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20275
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июл 17, 2018 8:39 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071705
Тема| Балет, балет Парижской национальной оперы, Гастроли в Новосибирске, Персоналии,
Автор| Варвара Свинцова
Заголовок| От частного к общему
В Новосибирске выступила балетная труппа Парижской оперы

Где опубликовано| © Известия
Дата публикации| 2018-07-17
Ссылка| https://iz.ru/767883/varvara-svintcova/ot-chastnogo-k-obshchemu
Аннотация| ГАСТРОЛИ

В Новосибирске состоялись гастроли балета Парижской национальной оперы. Знаменитая труппа уже выступала на сцене Новосибирского академического театра оперы и балета (НОВАТ) — в 2010 году здесь показывали «Пахиту» в хореографии Пьера Лакотта. Теперь в программу, которая дважды прошла в столице Сибири, включили четыре сочинения, представляющих современную палитру хореографического искусства, в том числе «Времена года. Канон» в постановке Кристал Пайт, получившей в прошлом сезоне российский балетный приз «Бенуа де ла Данс».

Гастролям, которые организаторы назвали «историческим событием», предшествовала пресс-конференция Орели Дюпон, руководителя балета Парижской оперы, и Владимира Кехмана, художественного руководителя НОВАТа, которые договорились о гастролях всего несколько месяцев назад и смогли организовать их в кратчайшие сроки. Орели Дюпон год назад завершила свою блистательную карьеру этуали.

— Страх и сомнение — это то, что чувствует танцовщик при встрече с незнакомым хореографом, — этими словами знаменитая артистка начала свое выступление в Новосибирске. — Но что остается у артиста, когда его карьера завершена? Не виртуозные па, а эти встречи — именно в них главное достояние и смысл его работы.

Вечер открылся «Фавном» — вольной фантазией Сиди Ларби Шеркауи на тему знаменитого сочинения Вацлава Нижинского «Послеполуденный отдых фавна». Его прямота и витальная сила стали замечательным контрастным фоном для следующего дуэта. «Три гносианы» Ханса ван Манена отрицают чувственность и выглядят как биение чистой мысли — недаром в недоступном для перевода названии смутно ощущается смысл, намекающий на сложности взаимного познания женского и мужского начал.

Знаменитый дуэт был вдумчиво и тонко исполнен этуалью Людмилой Пальеро и Флорианом Маньене — обладателем великолепной фигуры, точеных ног и мускулистого торса. После животной энергии «Фавна», где пластичному Марку Моро покорялась Нимфа — Жюльетта Илер (ее знаменитый отец Лоран Илер, ныне худрук балета Московского музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко, был среди зрителей), их элегантность и сдержанность были сродни родниковой воде, смывающей горячий пот с жадного тела.

Если «Три гносианы», давно занявшие место среди драгоценностей неоклассики, и «Фавн», подчеркивающий генетическую связь с дягилевскими сезонами, условно отвечали за XX век, то балет Хофеша Шехтера «Искусство не смотреть назад» — то, что называется актуальным искусством. Постановщик сам создал звуковую партитуру, включил в нее человеческий голос, и не только внятные фразы и неразборчивое бормотание, но и истошные крики, однако же ценность его работы не в подсказках, которыми он снабжает зрителя.

Ключевая фраза звукового сопровождения звучит так: «Когда мне было два года, мать оставила меня». Велик соблазн прочитать этот балет как рассказ о потере. Но пластическая драматургия спектакля имеет собственную ценность и дает свободу для интерпретаций. Денис Матвиенко, худрук балета НОВАТа, сказал, посмотрев репетицию: «Я не мог дышать. Я увидел на сцене свои мысли, которые иногда удивляют меня самого и над которыми я не властен».

Девять девушек в платьях разных оттенков коричневого почти неотличимы друг от друга — по сути, это единое существо. Аморфная группа превращается в шеренгу, из нее на авансцену выходит танцовщица. Встает в позу заводной куклы, остается только повернуть воображаемый ключ в спине. Но этого не происходит, девушка вновь возвращается в группу — индивидуальность, не успев проявиться, оборачивается неразличимостью. Образ незнакомки, который хореограф силится вообразить, складывается из смутных воспоминаний, клише, фантазий. От звуков можно оградиться с помощью берушей — зрителям их раздают в антракте. Пластические фантазии Хофеша Шехтера в конечном счете гораздо сильнее звукового фона. В них видится попытка женщины найти путь к себе самой, обрести себя в ситуации огромного внешнего давления.

Вечер завершился балетом «Времена года. Канон» Кристал Пайт на музыку Антонио Вивальди и Макса Рихтера. На сцене одновременно 54 человека. Это женщины и мужчины в одинаковых серых шароварах, на горле и спине зеленая полоска грима, на женщинах прозрачные топы, не скрывающие грудь. Фон для действия — пластиковый экран, за ним невидимая зрителю стена, напоминающая мятую золотую фольгу. Световой луч скользит по ней и отбрасывает на пластик разноцветные блики, которые превращаются в наполненный мерцающим светом космос.

Танцовщикам иногда удается вырваться из массы, некоторые получают право на сольное, дуэтное или групповое высказывание, но это не отменяет их принадлежность общему. Существо, которое они составляют, может быть похоже на гигантскую черепаху, или на схватку в регби, или на ряды из костяшек домино, которые начинают падать, когда одна из костяшек покачнулась. Или даже на мультипроекцию многорукого индийского божества, когда все танцовщики выстраиваются в шеренгу и бесконечная линия уходит в глубину сцены. Балет Кристал Пайт — не про смену времен года, а про то, что быть частью единой субстанции так же захватывающе, как быть одному.

Программа, составленная для Новосибирска, в Париже в таком виде не идет. Но она получила свою драматургию, стержнем которой стали силы притяжения-отталкивания между балетами Шехтера и Пайт. И эта невидимая пружина работала на общий успех не меньше, чем превосходные физические кондиции, мастерство, красота и самоотдача артистов. Оба вечера в НОВАТе завершились стоячей овацией.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20275
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июл 17, 2018 8:42 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071706
Тема| Балет, балет Парижской национальной оперы, Гастроли в Новосибирске, Персоналии,
Автор| Павел Ященков
Заголовок| В Новосибирске прошли гастроли всемирно известной балетной труппы Парижской оперы
Лучше французского футбола

Где опубликовано| © "Московский комсомолец" №27733
Дата публикации| 2018-07-17
Ссылка| http://www.mk.ru/culture/2018/07/17/v-novosibirske-proshli-gastroli-vsemirno-izvestnoy-baletnoy-truppy-parizhskoy-opery.html
Аннотация| ГАСТРОЛИ

Вслед за ставшей чемпионом мира по футболу сборной Франции, которую вчера принимали в президентском дворце на Елисейских полях, пора начать чествовать другую французскую сборную — знаменитую балетную труппу Парижской оперы. Она только что триумфально завершила свои гастроли в Новосибирске.


Балет Кристал Пайт на музыку из «Времен года» Вивальди. Фото: Agathe Poupeney

Традиции этой труппы восходят аж к королю-солнцу Людовику XIV. Первый в истории балет был поставлен во Франции вскоре после Варфоломеевской ночи при дворе последнего короля из династии Валуа — Генриха III. В последний же раз знаменитый на весь мир балет Парижской оперы приезжал в Россию, в Москву, ровно пять лет назад. Так что нынешние гастроли старейшей балетной компании вполне можно считать событием: они восьмые за всю историю российско-французских отношений и вторые в Новосибирске. А впервые родоначальницу классического балета в России принимали в 1958‑м, и тогда случился скандал. В результате интриг был отстранен от поездки и вскоре покинул свой пост Серж Лифарь, возглавлявший французский балет в течение 30 лет и возродивший его из небытия.

На этот раз труппу возглавляла госпожа Орели Дюпон, а принимающей стороной был худрук НОВАТа господин Кехман, сумевший организовать эти исторические гастроли всего за четыре месяца. Изначально Кехман хотел привезти в Новосибирск балет Play («Игра») Александра Экмана, мировая премьера которого состоялась в Париже в конце минувшего года, но заполучить новинку не получилось. В результате привез другую программу, составленную для гастролей в Новосибирске в основном из новейших современных балетов.

Самым классическим в этой программе был популярный балет одного из самых авторитетных деятелей современной хореографии — основателя голландского балета Ханса ван Манена «Три гносианы». В репертуар этот балет вернулся в начале этого сезона, но в России знают и любят его уже давно. Дуэт из этого балета, исполненный этуалью Парижской оперы Людмилой Пальеро и ее первым солистом Флорианом Манье, оказался самым запоминающимся моментом вечера.

Вообще-то партнером Пальеро в этом балете должен был выступить обожаемый российскими балетоманами Уго Маршан, но он оказался травмирован и на гастроли приехать не смог. Тем не менее и выступление Флориана Манье иначе как великолепным не назовешь. Удивляет только одно: как такой совершенный во всех отношениях танцовщик не добился положения этуали в родном театре?

Балеты Ханса ван Манена всегда дарят долгое послевкусие — чистая поэзия в танце. Импрессионизм танца и экспрессионизм уверенных поддержек чарующе действовал на зрителя и на этот раз. Основная тема работ хореографа — конфликт между мужчиной и женщиной. Он сопоставляет женскую и мужскую силы, и в этом конфликте нет победителей и проигравших, женщина и мужчина оказываются равны в дуэте. Балеты хореографа, такие абстрактные и математически выстроенные, вместе с тем невероятно чувственные и напряженные. Много музыкальности и чувственности, скрывающейся за бесстрастностью, было и в танце Пальеро и Манье.

Так же хорошо известна балетоманам и еще одна композиция, показанная в первом отделении вечера, — балет марокканца Сиди Ларби Шеркауи, модного хореографа и руководителя Королевского балета Фландрии, «Фавн». Балет, поставленный к столетию дягилевской антрепризы в 2009 году, переосмысливает легендарный балет Нижинского. Перед нами насыщенный кувырками и другими ловкими акробатическими движениями дуэт, действие которого происходит на опушке леса, изображенного на заднике. Под музыку Дебюсси на поляне появляется Фавн (Марк Моро), а затем на добавленную музыку Нитина Соуни, выполняя те же самые движения, возникает его партнерша Жюльетт Илер, дочь худрука Музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко Лорана Илера.

А вот постановка израильского хореографа Хофеша Шехтера «Искусство смотреть назад» была откровенно и нарочито дисгармонична. Адская дисгармония и крайности — здесь принцип, возведенный в эстетику: ужасающие и остервенелые вопли на сцене, отрыжка и даже рвотные позывы, изображенные в звуке (перед началом балета зрителям раздавали беруши), хаотичные движения, напоминающие больше корчи и кривляние, задирание юбок и демонстрирующаяся на публику мастурбация девяти амазонок — все это изредка сменяется балетным экзерсисом под музыку Баха. Израильский хореограф, прошедший выучку в Batsheva Dance Company у Охада Нахарина, в сущности, аккумулирует в своем балете основные движенческие принципы и идеи, так похожие на провокацию, хорошо знакомые нам как по творчеству самого Нахарина, так и по хореографии других израильских хореографов.

Не менее ударным номером программы оказался показанный под самый конец в третьем отделении балет канадки Кристал Пайт «Канон. Времена года» на музыку Макса Рихтера по мотивам Антонио Вивальди. Этот балет — новинка и эксклюзив Парижской оперы. Запланированный еще экс-худруком Оперы Бенжаменом Мильпье, созданный по заказу театра в 2016 году, удостоенный балетного «Оскара» — приза Benois de la Danse‑2017, балет впервые показали вне Парижской оперы, хотя чуть больше месяца назад он транслировался в кинотеатрах по всему миру.

Вообще, балетов на музыку из «Времен года» Вивальди создается исключительно много, но показанный балет Кристал Пайт не уступает и самым высоким образцам, поставленным на эту божественную музыку, таким как одноименный балет Ролана Пети. «С помощью человеческого тела я хочу сделать эту музыку видимой», — заявляет хореограф, и у нее это явно получается.

Правда, мировосприятие хореографа в этом балете довольно далеко уходит от декларируемых ею «форм и состояний, создаваемых телом и напоминающих природные явления: прорастание семян, миграцию птиц». В балете пластический хор в армейских штанах нервно откликается на судорожную истерику высокой скрипичной тесситуры. Перед нами скорее борьба за власть и выживание, которые также постулирует в своем балете хореограф. Первоначально это некий единый организм: кто тут мужчина, кто женщина, просто не разобрать. Но постепенно единое, унифицированное тело распадается на части: сначала на женскую и мужскую группы, потом и на сменяющие друг друга дуэты. Но драматическое наваждение ансамблевых экстазов тут все равно растворено в конвейерной матричности мировосприятия. Да и заканчивается все покорением индивида, вырывающегося на гребне пластической волны из массы обезличенных тел на фоне бури из золотой пыли.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Авг 19, 2018 8:29 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20275
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июл 17, 2018 8:58 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071707
Тема| Балет, Современная хореография, Мариинка-2 , «Творческая мастерская молодых хореографов», Персоналии, Дмитрий Пимонов, Константин Кейхель, Ольга Васильева, Андрей Меркурьев, Максим Петров, Илья Живой
Автор| Лариса Абызова
Заголовок| Вечер на шестерых
Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2018-07-17
Ссылка| https://musicseasons.org/vecher-na-shesteryx/
Аннотация|



«Творческая мастерская молодых хореографов», впервые появившаяся на свет в 2013 году, традиционно проходила в рамках Международного фестиваля балета Мариинский. Поскольку в этом году, официально объявленном «Годом балета», фестиваля не последовало, то и «Мастерской» не ждали. Однако под конец сезона случился приятный сюрприз: молодых хореографов все-таки выпустили на сцену Мариинки-2 с программой, где смогли показать свои достижения шестеро сочинителей.

Совсем неизвестных имен публике не предъявили, все участники имеют за плечами постановочных опыт, а большинство из них прошло через «Мастерскую».

Курс на бессюжетную неоклассику задал открывший первое отделение номер Дмитрия Пимонова «Divertimento» на музыку Леонарда Бернстайна. Кристина Шапран, Екатерина Осмолкина, Тимур Аскеров, Максим Зюзин показали интересные по контрастной пластике дуэты. Девушки продемонстрировали затейливую игру стоп. Но самыми впечатляющими оказались костюмы – простые по крою, изысканных расцветок. Их автор, знаменитый петербургский модельер Татьяна Котегова, явно выиграла первенство у хореографа.

Миниатюра «Цветы» Константина Кейхеля на музыку Concerto Rotondo для виолончели соло композитора Джованни Соллимы – дуэт в исполнении Мей Нагахиса и Виктора Кайшета. Минимально прикрытые белыми тряпочками два тела (художник по костюмам Кейхель), соединенные практически неразрывно, перетекали из комбинации в комбинацию, сцеплялись, переплетались в хитроумных позах.

Ольга Васильева, победитель конкурса молодых хореографов фестиваля «Context. Диана Вишнёва» 2016 года, представила номер «Фламинго» на музыку Чайковского из балета «Щелкунчик», задействовав женскую часть труппы (Юлия Кобзарь, Злата Ялинич, Мария Шевякова, Анастасия Яроменко, Елизавета Каукина, Ольга Громова). Начало, когда на просцениуме перед закрытым занавесом танцовщица забавляется с пушистым беленьким перышком, сразу настроило на веселый лад. Опус, действительно, был шуточным. Девушки вполне правдоподобно изображали означенных в названии птиц. Они важно вышагивали, высоко вскидывая колени, а вытянутые руки с пальцами, сложенными «птичкой» – жестом, подвластным самым маленьким деткам – довершали портреты пернатых. Иногда ручки складывались на животиках, как у дрессированных собачек. С музыкой вальса Чайковского происходящее никак не соотносилось. Возможно, Васильева хотела доказать, что у хореографии свои законы и озвучка может быть любой. Но с Чайковским шутки оказались плохи.

Бывший солист Михайловского и Мариинского театров, ныне танцующий в Большом, Андрей Меркурьев сочинил «Pas de deux – гала» на музыку Концерта для фортепиано с оркестром ля минор (III. Allegro moderato molto e marcato) Эдварда Грига. Сам и художником по костюмам и свету выступил, сам и станцевал вместе с московской партнершей, артисткой балета Большого театра Дианой Косыревой. Меркурьев, наиболее именитый из молодых хореографов, показался весьма банальным. Перепевы комбинаций в стиле Джорджа Баланчина, грамотно слаженные с музыкой, исполненные ровно и украшенные ударным, но затянувшимся финалом, не вывели опус за рамки ординарных концертных номеров.

Лучше смотрелся другой «привет от Баланчина» – «Концертный вальс» Максима Петрова на музыку «Концертного вальса №1 для оркестра» Александра Глазунова. Танцовщик Мариинского театра Максим Петров, выпускник Академии русского балета имени А.Я.Вагановой, в труппе с 2012 года. Он неизменный участник «Творческой мастерской» и уже имеет хороший балетмейстерский багаж: балеты «Cinema», «Балет №2», «Дивертисмент короля», «Павловск», «Русская увертюра». В этом году он поставил в «Балете Атланты» «Сoncerto Armonico» на музыку Александра Черепнина. В показанной новинке задействованы ведущие солисты Мариинки Виктория Терёшкина, Дарья Павленко, Андрей Ермаков и 12 артистов балета. Петров обладает способностью заполнить сцену численно небольшим составом исполнителей, придать танцу масштаб. Он изобретательно соединяет солистов и кордебалет. И еще одна важная черта Петрова: его так называемый «чистый танец», действительно, чист своим позитивом, внутренним светом, который только подчеркивают белые тюники танцовщиц.

Второе отделение и честь завершить вечер были отданы одноактному балету «Пульчинелла» Игоря Стравинского в постановке Ильи Живого. Творческий путь хореографа схож с карьерой Максима Петрова. Живой так же окончил Академию русского балета имени А.Я.Вагановой, в труппе с 2008 года. И в «Мастерской» не новичок. Его балет «Времена года» на музыку Макса Рихтера включен в репертуар театра. Однако «Пульчинелла», безусловно, знаковая веха в работе Живого. Сюжетный балет, да еще и комедия – уже неординарное событие по нынешним временам. Но не только выбором жанра отличился хореограф. Главное достоинство постановщика – понимание стиля комедии дель арте. Подчеркнутая зрелищность театра масок, непринужденное веселье, импровизационная живость коллективного действа скрашены у Живого чувством меры, позволяющим обходиться без грубых буффонных шуток и дозированно использовать трюки. Намеренную строгость выгодно подчеркивают бело-черные костюмы (художник София Вартанян) и скупые декорации (оформление Ильи Живого).

К достоинствам хореографа относится и умение соединить танцевальные сцены и игровую пантомиму, где щедро используется выразительный жест. По пантомиме артисты труппы соскучились больше, чем по танцам, азарт всех участников спектакля делает зрелище драматургически целостным. Хороши женские партии, в которых с успехом выступили Виктория Терёшкина (Пимпинелла), Ника Цхвитария (Пруденца), Анастасия Лукина (Розетта). Не подкачали и мужчины: Ислом Баймурадов (Актер), Василий Ткаченко (Флориндо), Евгений Коновалов (Ковьелло). А главный герой Пульчинелла – Филипп Стёпин, – по ходу спектакля не снимающий маски, лишился ее только на поклонах.

В финале «Пульчинеллы», когда разрешились все перипетии сюжета, на сцене воцарилось общее веселье, которое передалось зрительному залу. Публика явно не пожалела, что променяла полуфинал чемпионата мира по футболу на балет. Балет выиграл у футбола! Неплохой результат.

Фотограф: Любовь Улаева
===============================================================
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Авг 19, 2018 8:31 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20275
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июл 17, 2018 11:28 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071708
Тема| Балет, ТЕАТР ИМЕНИ НАТАЛИИ САЦ, Премьера, Персоналии, Кирилл Симонов
Автор| Елена Алексеева
Заголовок| ТРИ МИРА ГУЛЛИВЕРА
МУЗЫКАЛЬНЫЙ ТЕАТР ИМЕНИ НАТАЛИИ САЦ И ФЕСТИВАЛЬ ИСКУССТВ «ЧЕРЕШНЕВЫЙ ЛЕС» ПРЕДСТАВИЛИ МИРОВУЮ ПРЕМЬЕРУ БАЛЕТА «ПУТЕШЕСТВИЯ ГУЛЛИВЕРА»

Где опубликовано| © Журнал Музыкальная жизнь,
Дата публикации| 2018-07-16
Ссылка| http://mz.kmpztr.ru/tri-mira-gullivera/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Новая постановка Кирилла Симонова «Путешествия Гулливера» на музыку Алексея Ларина в творческом содружестве с музыкальным руководителем и дирижером Алевтиной Иоффе, художниками-постановщиками Филиппом Виноградовым и Валентиной Останькович, художником по свету Евгением Ганзбургом насквозь пронизана желанием несказанно удивить, привести в восторг, подарить ярчайшие впечатления от балетного путешествия.

Неувядающий шедевр Свифта, принимающий любовь поклонников со дня первого издания в 1726 году и по сей день, свежо и злободневно, ярко и остроумно высмеивает извечные несовершенства, безрассудства и пороки рода человеческого. Мастер аллегории, крупнейший сатирик XVIII века, продолжатель одной из важнейших традиций английской литературы вдохновил создателей балета на сценические выдумки и театральные эффекты: «Путешествия Гулливера» – это повод поиграть с видеомэппингом и масштабированием лилипутов и великанов, встроив классическое искусство балета в конструкции компьютерной игры.

Алексей Ларин не допустил в свою музыку балета жесткого авангарда, атональности или депрессивной тембральной мрачности, и если позволил себе иногда использовать политональность, то в очень мягком сочетании. Лирическая певучесть, мелодичность и гармоническая благозвучность изящно и интеллигентно совмещались с ярко-характерной инструментовкой, звеняще-дребезжащей перкуссией и колоритными тембровыми «типажами».

Страна Лилипутия и ее обитатели изображались в оркестре хором высоких флейт, которые бесконечно мельтешили музыкальными фразами, взвизгивали четвертой октавой, возмущались трелями и спорили срывающимися голосами с высокими нотами всех групп оркестра. Перкуссионно-шумовые инструменты позвякивали, потренькивали, потрескивали и все вместе прекрасно имитировали нелепо-серьезную болтовню лилипутского народца.

А то, что происходило в это время на сцене, ошеломляло зрителя, заставляя бесконечно вертеть головой вправо-влево, вверх-вниз из боязни пропустить какой-нибудь режиссерский трюк или эффект 3D-проекции. Реалистичность изобра­жения соседствовала с волшебством иллюзии, виртуальность с театральностью, балетность с анимацией.

Сам главный герой присутствовал в сценическом пространстве в нескольких ипостасях – танцовщик-солист Олег Фомин, огромная лежащая надувная кукла, изображение-проекция с открывающимся ртом для поглощения лилипутских угощений, проекция танцующих ног, лица и даже сапоги-великаны. Все это вызывало эффект разинутого рта даже у солидного зрителя.

И все-таки в первую очередь это был балет, танцевальный жанр. Замечательной получилась сцена сна Гулливера. Под храп (соло тубы) спящего Человека-горы (проекция) танцевали на цыпочках лилипуты и лилипутки. Хореография находчиво и точно подмечала суетливые манеры этого мелкого неугомонного племени. Очень комично-выразительно вышла партия предводителя лилипутов (Максим Павлов). Эпизод церемониального марша «могущественнейшего императора, отрады и ужаса вселенной» со своими подданными, шествовавшими между сапог Гулливера, наполнился шутовской напыщенностью, спесивым величием и ощущением собственной значимости. Хореография, музыка и сценография совместно преподнесли моменты настоящего английского юмора, весело смешного, умно тонкого. И совсем не прямолинейного, а с «выкрутасами». Во время марша на заднике сцены вывели проекцию двигающихся ног танцовщика. По сюжету врач и моряк Гулливер просто пытается танцевать. Идеальные атлетичные ноги профессионального балетного артиста в проекции во всю высоту сцены вызывали восхищение. Напевно-песенный лейтмотив семьи Гулливера – любимой жены и детей, периодически возникая в оркестре в сценах прощания, воспоминания или встречи, своей лирической грустью оттенял фантастически-приключенческую канву сюжета, драматургически объединяя весь спектакль. Общность хореографии в дуэтных номерах Гулливера и жены (Юлия Белякова) подчеркивали единство настроения.

Череда разнохарактерных танцев, как и положено в классическом балете, открыла второе действие. На фоне движущейся проекции пейзажей с картин Анри Руссо, усиливающих экзотику индусов, японок, комично-жанрово исполненных мужчинами-танцовщиками, а также бабочек, паука, гусеницы, Гулливер поведал о своих многочисленных странствиях. Великолепные костюмы паука и гусеницы заслужили громкие аплодисменты публики. Люди с лошадиными головами, эскимосы тоже встречались путешественнику. А когда на сцене появились девушки в русских кокошниках, в оркестре мелькнула тема из Седьмой симфонии Прокофьева.

Теперь масштаб поменялся – и главного героя окружили великаны. С подлинным смаком на экране задника гурманы-­великаны поглощали свои яства, с удивлением рассматривая мошку-Гулливера на сцене. Он передвигался между огромными бутафорскими тарелками и чашками, то фехтовал рапирой, то ловко увертывался от объедков, то храбро защищался от роя великанских ос кусками сахара. Очень реалистично выглядел увядший лист салата, свисающий с большого блюда с зелеными мячами-горошками, на котором Гулливер пытался укрыться от назойливых великанских насекомых.

Финал балета не предвещал ничего такого, что вдруг появилось на сцене. За чуть было не погибшим Гулливером прилетел… ну, почти Карлсон. Вертолет, пролетая над морем, на веревочной лестнице нес скитальца домой. А заключительная сцена и вовсе произошла в современном аэропорту, где путешественника встречали его семья, дети, внуки. Яркая, правдоподобная, детально выписанная картинка аэропорта, с движущейся лентой багажа на авансцене, с автоматическими дверями, типичной пестрой толпой пассажиров всех аэровокзалов мира, танцевала на сцене стюардессами и капитанами, арабами и израильтянами, Гулливером и его женой. В таком решении завершающей сцены балета расчерчивается сколько угодно параллелей и объясняется множество сравнений. Символ вечного путешественника Гулливера прекрасно вписывается в образ аэропорта и создает радостное волнение от предвкушения новых странствий.

Возможно, акценты в балете «Путешествия Гулливера» были расставлены над коллективными танцевальными эпизодами: кордебалет получился ярким персонажем с индивидуальным лицом. Сольная партия Гулливера не отличалась рельефной прорисованностью, чуть теряясь на фоне больших проекций, декорационных построений, тянувших внимание на себя. Все было нацелено на сам процесс путешествия, парад диковинных стран. Колоссальный выброс фантазийной энергии создателей нового балета привел в движение всю мощь зрительского восторга. И непременно придал ускорение вектору страстного балетомана.

ФОТО: ЕЛЕНА ЛАПИНА
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20275
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июл 18, 2018 10:26 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071801
Тема| Балет, Monaco Dance Forum, Премьера, Персоналии,
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Три балета на последний сеанс
100-летие Ингмара Бергмана отметили в Монако

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №125, стр. 11
Дата публикации| 2018-07-18
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3688788
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото: Erik Berg

В рамках Monaco Dance Forum на исторической сцене Opera Garnier состоялась премьера балетного вечера, спродюсированного Вони Сарфати, под названием «Танцуем с Бергманом» — к 100-летию режиссера три шведских хореографа представили свои новые работы. Проект дебютировал в Париже, в день столетия Бергмана был показан в Монако, будет представлен в Стокгольме и останется только в записи. Рассказывает Татьяна Кузнецова.

Это был нетривиальный оммаж. Название отражало его суть: великий режиссер был представлен как хореограф. Не только потому, что танец настолько увлекал его, что главных героинь по крайней мере двух своих картин — «Жажды» и «Летней интермедии» — он наделил профессией танцовщиц. И не потому, что упоенно снимал балетный класс, мегеру-училку, надрывные большие батманы потеющих женщин, ноги в пуантах, ящик с канифолью, репетиции «Лебединого озера» и эстрадных подтанцовок. И даже не потому, что вместе с хореографом Доней Фойер поставил на шведском телевидении «Танцы проклятых» — безмолвный фильм на музыку «Балета неблагодарных» Монтеверди о четырех женщинах, весь на крупных планах, на движении глаз, рук, пальцев, запрокинутых голов, разлетевшихся волос, выгнутых по-лебединому шеях и губ, прильнувших к яремной вене.

Балет в этот вечер затопило бергмановское кино. Однако видеоряд был смонтирован не из знаменитых сцен из культовых картин, а из вольной нарезки маргинальных эпизодов, густо приправленной любительскими кадрами со съемок фильмов. Эпизоды выбирали сами хореографы, каждый — свой.

Йохан Ингер обратился к «Танцам проклятых» и Монтеверди. Как и Бергман, он снабдил свой балет видеообращением к зрителям, только у Ингера смысл происходящего (а спектакль повторяют дважды, второй раз — после объяснения замысла автора) растолковывала участница постановки Бергмана — актриса, игравшая в 1976 году девочку, главную жертву моральной тирании. Четыре женщины, заключенные в замкнутом пространстве,— покойная мать, ее дочь (в двух ипостасях, светлой и темной) и внучка-подросток, за чью судьбу и идет борьба между поколениями.

Свой балет Йохан Ингер начинает и заканчивает бергмановскими мизансценами, но его постановка куда яснее и прямолинейнее первоисточника. Выбранные им движения — одновременно иллюстративные и символичные — позволяют уяснить суть дела с первого раза, настолько внятны экспозиционные монологи каждой из героинь, очевидны их характеры, побуждения и взаимоотношения. Телесная тяжесть, полусогнутые колени, резкие углы директивных поз, рука, жесткой доской накрывающая голову, рука, воздетая к небесам,— пластические черты «черных» женщин: покойной матери, чья воля определяет жизнь ее потомков, и той ипостаси ее дочери, которая изломана тираническим воспитанием. Девочка (эту роль танцует подросток, дочь Ингера, и ее пластилиновая мягкотелость как нельзя лучше соответствует наивной неискушенности персонажа) поначалу вся на полупальцах, даже легкомыслие классических petit battement посверкивает в комбинациях ее вариации; в финале, уже побежденная, она беспомощно семенит на полу-плие в объятия бесповоротно сплотившейся семьи. Самая драматичная — роль «светлой» матери, пытающейся защитить свое дитя, подарить ей ту внутреннюю свободу, которой лишена она сама. Но и тут все очень прозрачно: и дуэты-поединки со своей темной половиной, и лирические диалоги-объятия с дочерью, и покорное дублирование движений святоши-матери. Впрочем, повторный просмотр спектакля скуки не навевает, позволяя рассмотреть упущенные нюансы и детали весьма насыщенной хореографии.

«Мыслями о Бергмане» назвал свою новеллу 34-летний Александр Экман. Он сам написал к ней текст и сам станцевал, начав с бергмановской фразы «Танец — это удовольствие». И пусть у Бергмана дальше значились и «отчаяние», и «страх», и «одиночество» — Экман танцевал чистое удовольствие. Легкий, мускулистый, складный, заводной, он скакал как дитя и прыгал как записной «классик». Он бегал по авансцене, едва успевая затормозить у кулис, пускал волны телом как хипхопер и попсово вращал бедрами как тинейджер на дискотеке. Он описывал, как оробел бы, доведись ему встретиться с Бергманом, и, пожимая воображаемую руку гения, трясся осиновым листом. Он вальсировал с девушкой из публики, прыгал в оркестровую яму и неумирающим Петрушкой вновь возникал на сцене в клубах дыма. Ноктюрн Шопена придавал его лицедейству оттенок печали, напоминая, что все когда-нибудь заканчивается — и молодость, и удачливость, и творческая активность, и легкость бытия.

Контрастом к этому упоению жизнью (которого при желании можно сыскать у Бергмана в избытке) стал третий спектакль вечера, «Память», в исполнении патриархов — 73-летнего хореографа Матса Эка и его 64-летней жены Аны Лагуны. В отличие от коллег Матсу Эку не было нужды вдохновляться фильмами: Бергман всегда был частью его жизни — не только в те времена, когда будущий хореограф работал вместе с ним в Королевском драматическом театре Стокгольма. И понятно, что балет Эка «Дом Бернарды Альбы» (1978), в одночасье сделавший его мировой знаменитостью, был поставлен под впечатлением от «Танцев проклятых», тем более что соавтор Бергмана Доня Фойер была первой учительницей Эка на поприще modern dance. Так что его «Память» не мировая премьера, не балет «по случаю». Новелла датирована 2000–2018 годами, в России ее видели в 2005-м, ее детали варьируются, что-то исчезает, появляется что-то новое, но суть та же: воспоминания о счастье и прощание с ним.

Счастье тут камерное, семейное, но безграничное. На сцене — обычная мебель: тахта, телевизор, офисное кресло, торшер. И черный портал, пройдя через который герой Эка оживляет воспоминания: первые объятия с любимой, интимные шуточки, ликующий бег по жизни рука об руку, ребенок, ссоры, ее уход, одиночество. Любовный дуэт двух немолодых людей мог бы шокировать неуместной откровенностью, если бы он не был исполнен с такой трогательной искренностью и таким восхитительным профессионализмом, который заставляет задуматься о преимуществах мудрого старого тела перед юным, резвым, но бездумным. Фирменную хореографию Эка, полную бесхитростной сентиментальности и грустной самоиронии, неприкрытой телесности и застенчивой мечтательности, никто не исполняет лучше ее авторов, самого хореографа и его музы. Отчаянно грустно смотреть на то, как два старика, обливаясь потом и выбиваясь из сил, танцуют историю своей жизни. Но грустно не от их старческой немощи, а от того, что так балеты Эка не станцует никто и никогда.

Но, какие бы воспоминания или фильмы ни вдохновили трех знаменитых шведов на постановки в честь Бергмана, все участники вечера убедительно доказали, что именно юбиляр во всей полноте своего творчества и стал тем фундаментом, на котором вырос ни на что не похожий шведский современный танец. Уникальный гибрид прозы и поэзии, метафор и бытовизмов, психологизма и аллегорий, если чего и лишенный, так это пафоса и претенциозности.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Авг 19, 2018 8:32 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20275
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июл 18, 2018 10:29 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071802
Тема| Балет, МАМТ, Персоналии,
Автор| ВИКТОР БОРЗЕНКО
Заголовок| МАМТ ОБЪЯВИЛ О НОВОЙ ПРОГРАММЕ ОДНОАКТНЫХ БАЛЕТОВ
В ИХ ЧИСЛЕ - МИРОВАЯ ПРЕМЬЕРА АНДРЕЯ КАЙДАНОВСКОГО

Где опубликовано| © "Театрал"
Дата публикации| 2018-07-18
Ссылка| http://www.teatral-online.ru/news/22170/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Три одноактных балета («Кончерто барокко», «Восковые крылья» и «Кайдановский») войдут в репертуар Московского музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко в октябре.

«Кончерто барокко» стало символом неоклассического стиля Баланчина. В нем нет ни сюжета, ни персонажей. Главная особенность хореографии Баланчина – абсолютное слияние музыки и танца. Баланчин всегда считал себя в первую очередь музыкантом и «Кончерто барокко» наиболее точно выражает его творческое кредо: «видеть музыку и слышать танец», - передает пресс-служба театра.

Над постановкой работает Дарла Хувер. Мировая премьера балета состоялась в 1941 году в Муниципальном театре Рио-де-Жанейро.

В отличие от него балет «Восковые крылья» увидел свет не так давно – в 1997 году на сцене Нидерландского театра танца и в 2013 году был поставлен в Московском музыкальном театре им. Станиславского и Немировича-Данченко. В октябре состоится возобновление постановки, над которой работают Лоррейн Блюн, Стефан Жеромский и Кен Осолла, но основная концепция принадлежит хореографу Иржи Килиану.

«Восковые крылья» – это попытка продемонстрировать не только рациональную составляющую основ танцевальной техники, но и равноценную духовную и эмоциональную значимость этого физического действия, - говорит хореограф. -Взаимозависимость и доверие среди танцоров – это не условие, а необходимость в этой работе. Все действия здесь символизируют время, пространство или среду, в которой одновременно существуют сила, слабость, сомнение, агрессия или уныние. По сути это обобщенный и преувеличенный портрет наших ежедневных столкновений».

В рамках нового вечера одноактных балетов Музыкальный театр представит мировую премьеру спектакля Андрея Кайдановского, созданного специально для этой труппы.

«Моя новая работа будет посвящена теме взросления мужчин, - передает пресс-служба МАМТа слова хореографа. – Вопрос, который я себе задаю: почему мужчины никогда не взрослеют? Где для нас проходит грань между игрой и реальностью? Например, игра в машинки – в детстве мы с восторгом запускаем их по игрушечному треку, а потом, повзрослев, садимся за руль автомобиля и несемся вперед с тем же задором. Детьми мы мечтаем примерить на себя униформу и принять участие в настоящих боях. Я намеренно помещаю своих героев в дом, который служит для них своего рода полем боя, а униформой – детские пижамы. Мы смотрим то ли на мальчиков, то ли на мужчин, которые играют. Но наши планы не всегда доигрываются до конца. В итоге мы все просто ляжем спать...»
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20275
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июл 18, 2018 10:34 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071803
Тема| Балет, балет Парижской национальной оперы, Гастроли в Новосибирске, Персоналии,
Автор| Татьяна ШИПИЛОВА
Заголовок| НОВОСИБИРЦЫ СТОЯ АПЛОДИРОВАЛИ БАЛЕТУ ПАРИЖСКОЙ ОПЕРЫ
Где опубликовано| © "Советская Сибирm"
Дата публикации| 2018-07-18
Ссылка| http://www.sovsibir.ru/news/167531
Аннотация| ГАСТРОЛИ



Встреча сибиряков с искусством французских мастеров балета была короткой — всего два представления, но чрезвычайно яркой

Гости показали четыре одноактных балета в постановке современных хореографов, и в связке, в одной программе, они произвели на публику мощное впечатление. Уже в первый вечер овации начались сразу, как только закрылся занавес; весь зал встал. Артистов вызывали на поклоны в течение почти четверти часа четыре раза.

Если говорить о каких-то общих, базовых «параметрах», не могла не восхитить, скажем так, «откалиброванность» труппы: особенно в массовых сценах, точнее, в балетах «Искусство не смотреть назад» и «Времена года. Канон» совершенные, красивые тела смотрелись и были как на подбор — по росту, тренированности, соразмерности друг другу. А отточенность техники балерин и танцовщиков, их выученность во владении телом, а значит, и в решении сложных хореографических задач позволяла донести художественный замысел этих абсолютно разных постановок максимально выразительно, доводя накал ответных зрительских эмоций буквально до предела.



Добавлю, все показанные опусы бессюжетны, но от сцены невозможно оторвать глаз, так как жаль пропустить хотя бы одно движение: здесь, безусловно, проявилась гармония незаурядной и даже, можно сказать, выдающейся хореографии и ее блестящего воплощения балетом Парижской оперы. В трех из четырех балетов классическая музыка (Дебюсси, Бах, Вивальди) интерпретирована либо соединена с сочинениями современных авторов, что, несомненно, усиливает драматизм происходящего на сцене, ведь современная хореография по определению находится в «поколенческом» диалоге с балетной классикой.

Аплодируя в этот вечер артистам, большинство новосибирцев не подозревали, что рукоплещут они в том числе, а может, и в первую очередь художественному руководителю балета Парижской оперы Орели Дюпон. С 2016 года именно она определяет репертуар и художественную политику театра, которая состоит в том, чтобы в афише полноправно сочетались классика и авангард. И разные категории зрителей находили себе спектакль по душе. Сама мадам Дюпон танцевала на прославленной сцене с 16 лет и уже в двадцать пять была удостоена высшего звания в балетной иерархии — этуаль (звезда).


Руководитель балета Парижской оперы Орели Дюпон

Орели Дюпон также побывала в эти дни в Новосибирске и в кулуарах на мой вопрос, какая партия в классическом балете и какая в современном ею как балериной были особенно любимы, призналась: роль Маргариты в «Даме с камелиями» Ноймайера и Избранницы в «Весне священной», поставленной Пиной Бауш. А на пресс-конференции объяснила, что, по ее мнению, означает звание «этуаль» — это не что иное, как большой багаж знаний и возможность встретиться со множеством людей, в том числе выдающихся в своей профессии, известных…

— Именно этот багаж знаний я хочу разделить с теми, кто приходит в нашу труппу, — сказала она.

Еще обаятельнейшая этуаль заметила, что старается у себя в Париже смотреть все гастрольные балетные спектакли, а «российская школа балета — это то, что нас во Франции вдохновляет ежедневно». Мадам Дюпон не исключила следующих гастролей в нашем городе в ближайшей перспективе.

В финале пресс-конферен­ции, в которой также принял участие худрук Новосибирского балета Денис Матвиенко, некоторые итоги завершающегося 73-го сезона НОВАТа подвел художественный руководитель театра Владимир Кехман.

— Этот сезон мы закончили с феноменальными экономическими результатами, — заявил он. — То есть либо мы плохо планируем, либо мы настолько хорошо работаем… Ничего не понимаю. Все результаты, которые мы запланировали, мы превысили практически на 20–30 процентов. И по количеству премьер, и по заполняемости залов, и по средней заработной плате.

Владимир Абрамович призвал журналистов в этой связи гордиться театром и спрогнозировал, что к 2020 году будет достигнута цифра в 550 тысяч зрителей, посетивших НОВАТ.

СПРАВКА
11 и 12 июля в афише Новосибирского академического театра оперы и балета были гастроли балета Парижской национальной оперы. Французская труппа представила балет «Фавн» (Faun) Сиди Ларби Шеркауи на музыку Клода Дебюсси и Нитина Соуни, созданный в 2009 году к 100-летию «Русских сезонов». Также новосибирцы увидели спектакль нидерландского хореографа Ханса ван Манена «Три гносианы» (Les trois gnossiennes) на музыку Эрика Сати — одну из самых известных работ мастера, поставленную в 1982 году. Балет «Искусство не смотреть назад» (The art of not looking back) — очень искренняя и личная работа израильтянина Хофеша Шехтера, в которой обостренная пластическая чуткость соединяется с мощной энергетикой и ритмическим напряжением. Канадский хореограф Кристал Пайт поставила балет «Времена года. Канон» (The seasons’ canon) на музыку Антонио Вивальди в интерпретации Макса Рихтера. В 2017 году за этот спектакль Пайт была удостоена балетного приза «Бенуа де ля Данс» как лучший хореограф.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20275
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июл 18, 2018 5:12 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071804
Тема| Балет, труппа «Балет Бежара Лозанна», Гастроли, Персоналии, Жиль Роман
Автор| корр.
Заголовок| Сама жизнь требует перемен
Где опубликовано| © журнал "Экономическое Обозрение" №-5
Дата публикации| 2018-07-18
Ссылка| http://www.review.uz/ru/post/intervyu/sama-zizn-trebuet-peremen
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Фонд развития культуры и искусства Узбекистана при Министерстве культуре Республики Узбекистан побеседовал с художественным руководителем труппы «Балет Бежара Лозанна» Жилем Романом, который является преемником великого французского хореографа Мориса Бежара.

– Это Ваш первый визит в Центральную Азию. Вы уже побывали на представлении Узбекского оперного театра, а также услышали традиционные песни узбекских артистов. Что Вам понравилось и что, по Вашему мнению, Вы смогли бы почерпнуть из узбекской культуры для создания своих будущих произведений?

– Да, это воодушевляет. Я имел удовольствие видеть ваших потрясающих танцоров и певцов, которые помогли мне прочувствовать вашу культуру. Танцы, которые я увидел, очень красивые, глубокие, вдохновляющие. Несомненно, я всегда интересовался фольклором. Это очень важная составная часть духовной культуры. Я надеюсь, что смогу создать что-то новое, почерпнув вдохновение из моего путешествия в Узбекистан и знакомства с его культурой.

Я приехал затем, чтобы получить опыт и применить его. И я жду, что вы что-то воспримите от нас. Это первый момент. Второй момент. Очевидно, что мы должны расти на почве собственной культуры. Нужно развиваться. У вас очень богатая культура. Нужно воспользоваться достижениями этой культуры, чтобы развивать современное искусство.

Вы должны совершенствоваться, чувствуя свои корни. Не рубите их, потому что они заключают в себе то, что необходимо для роста.

– Как Вы выбирали спектакли для представления в Ташкенте?

– Это наше первое представление здесь, и поэтому было сложно принять какое-то решение. Мне показалось, что для первого представления следовало выбрать программу достаточно простую в техническом отношении. Но это только начало. Мы очень надеемся, что последует продолжение. И в первом представлении важно показать работу балета с разных сторон. Я непременно хотел во втором отделении показать Piaf, где задействовано множество танцоров, показать уровень мастерства танцоров.

В Impromptu мы хотели показать работу моих танцовщиц, уравновесив, таким образом, мужское и женское начала в моей труппе. Bhakti III – это, несомненно, весьма вдохновляющее представление. Оно имеет общее с индийским фольклором. Морис Бежар в свое время предпринял два путешествия в Анды и был глубоко впечатлен увиденным. И я полагаю, что этот спектакль, его хореография близки к стилю ваших танцев – философскому и в то же время жизненному. Это то, что насыщает фольклор, что его трансформирует.

– Ваш балет многие называют новаторским и даже бунтарским. На ташкентской сцене Вы представили спектакли Impromptu, Uncygned’autrefoissesouvientquec’estlui, Bhakti III, AltenbergLieder и Piaf. Как узбекский зритель принял Ваш балет?

– Мы видели, что зрителей тронули эти спектакли. Они плакали и были взволнованы, когда покидали театр. Для этого и предназначены представления. Узбекские зрители откровенно признались на публике в том, что они чувствуют.

– А Вы сами лично что почувствовали?

– Я видел, что на премьере балета, столь отличающегося от того, что здесь привыкли смотреть, ощущалось присутствие чего-то, как бы это выразить, необычайного сильного. Когда я смотрел на ваши традиционные танцы, то сравнивал ваших танцовщиц с танцовщиками моего балета. Манеры и тех и других не имеют существенного различия. В то же время я сделал открытие, что нет ничего такого, что может иметь кардинальные отличия от ваших традиционных танцев.

Невозможно что-то изменить, усовершенствовать и создать. Ничто не ново под луной. Не существует ничего революционного и мятежного. Имеется лишь возможность изменять манеру танца в соответствии со своими ощущениями с тем, чтобы поделиться ими с другими, оставаясь в то же время в рамках классической традиции.

– Когда за плечами слава и успех Мориса Бежара, перед Вами стоял вопрос сохранять во всем его традиции или ставить новые постановки?

– Я работал с Морисом на протяжении 30 лет, в том числе заместителем директора Лозанского балета. Мы с Морисом всегда полагали, что традиция должна развиваться. Однако для того, чтобы оставаться в рамках жизненной и развивающейся традиции, необходимо постоянно изобретать новое. И хотя я являюсь последователем дела Мориса, время от времени непреходящие ценности великого балета вдохновляют меня на создание новаторского балета.

Очень важно не увязнуть в рамках одного лишь уникального репертуара. В противном случае создастся впечатление утраты чувств и смысла жизни. Ведь артисты все еще живы и имеют потребность участвовать в балетных постановках, которые являются шедеврами. В то же время необходимо создавать для них новый балет, столь же жизненный, словно Морис все еще здесь, среди нас. Но весь этот путь, эта традиция не являются какой-то изолированной формулой, и традицию не удерживают в образе какой-то застывшей фигуры, она должна быть живой, и это важно.

– У балета Бажара свой собственный узнаваемый стиль. Это сочетание различных элементов танца и пантомимы. Именно в стиле главный секрет успеха балетов «Балет Бежара Лозанна» или есть что-то еще?

– Наверное, мы никогда не сможем объяснить, почему хореография Мориса продолжает и сейчас трогать душу зрителя. Очень трудно определить балет как нечто зависящее от успеха. Если Морис сумел затронуть сердца зрителей своими хореографическими образами, то это лишь потому, что ему было что сказать о мире. Однако благодаря его особой манере высказываться, все то, что он хотел сказать о мире, имело способность сопротивляться влиянию времени. В этом Морис, как прекрасный художник, похож на Моцарта. Их обоих вдохновляло Время. Но невозможно просто сказать, что революция в хореографии – это нечто свершившееся и недоступное для экспериментирования. Это относится и к хореографии, соединенной с пантомимой. Морис использовал и то и другое. Он впитал все и трансформировал сообразно тому, что чувствовал, создав из всех этих фрагментов нечто одухотворенное.

Невозможно объяснить то, что чувствует артист и что чувствует создатель. Зритель чувствует лишь результат: нравится или нет. Я не могу это объяснить, это нужно почувствовать сердцем. Никто не может приказать: это стоит любить, а это – ненавидеть. Каждый свободен в праве выбора. Это подобно тому, как относятся к великому живописцу, – одни его любят, а другие безучастны к его творчеству. И в том и в другом случае тот остается великим художником. То же относится и к хореографии.

Краткое резюме

Морис Бежар (1927–2007) — французский танцовщик и балетмейстер, театральный и оперный режиссер, один из крупнейших хореографов XX века. Учился у русских эмигранток Любови Егоровой и Веры Волковой. В 1954 году основал собственную танцевальную компанию Ballet de l’Etoile. В 1960 году в Брюсселе основал труппу «Балет XX века». В 1987 году переехал вместе со своей труппой в Лозанну, где она сменила название на Béjart Ballet Lausanne и под этим брендом является всемирно известной до сих пор. Новаторским проектом Бежара и его балета стали синтетические спектакли, в которых слились воедино танец, пение и пантомима. Морис Бежар принял исламское вероисповедание.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20275
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июл 18, 2018 5:18 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071805
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Евгения Образцова
Автор| Татьяна Мысова
Заголовок| Прима-балерина Большого театра Евгения Образцова: Ноги - рабочий инструмент. Ходить на них нельзя
Где опубликовано| © «Союзное Вече» № 32 (795)
Дата публикации| 2018-07-18
Ссылка| https://souzveche.ru/articles/culture/42944/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Известная артистка рассказала «СВ», как согласилась выйти замуж на сцене Большого театра, легко решилась на рождение двух дочерей и в каком фильме сыграет главную роль



ПРЕДЛОЖЕНИЕ РУКИ ПОСЛЕ «БАЛА»

- В этом году ваш супруг Андрей Коробцов победил в союзном конкурсе на лучший проект по Ржевскому мемориалу. Как вы познакомились? Все-таки балет и скульптуру нельзя назвать родственными видами искусства…


- Даже будучи юной танцовщицей, отчетливо понимала, что семейные отношения между двумя балетными артистами будут сложными. И всегда хотела, чтобы мой муж был человеком понимающим и творческим, но все же не из моей среды. С Андреем встретились неожиданно. Нашла как-то в интернете фото его скульптуры Евгения Родионова, солдата, героически погибшего в Чечне. Я тогда интересовалась судьбой этого человека. Оказалось, что автор памятника знает маму Родионова. Меня это поразило, захотелось познакомиться с этой женщиной. Поэтому встреча с Андреем была уже неизбежна. Постепенно подружились, пригласила его на свой спектакль, он - на выставку. А через полгода сделал предложение. Прямо на сцене Большого театра.

- Вот это да! Как ему удалось?

- После премьеры балета «Онегин» нас долго поздравляли. Андрей также прошел за кулисы, хотя он скромный человек. Подошел ко мне, опустился на колено и открыл коробочку с кольцом. Было очень трогательно.

- У вас родились две дочери-близняшки. В противовес сразу вспоминается та же Плисецкая, Уланова, которые ради карьеры отказались от детей.

- Когда танцевала Майя Плисецкая, все же были другие условия. В советский период даже приму целый год никто ждать бы не стал. Это был бы конец карьеры. Сегодня предрассудков меньше… Балерины, как нормальные женщины, часто делают упор на семью и при этом ничего не теряют в профессии. Есть живые примеры. Та же итальянка Алессандра Ферри, выдающаяся танцовщица мирового значения, но мать двух дочерей.

ТАНЦЕВАЛА ЧЕРЕЗ ДВА МЕСЯЦА ПОСЛЕ РОДОВ

- Что изменилось с появлением малышек?

- Стала только сильнее, смелее и увереннее. Кажется, именно сейчас стала понимать суть профессии и свое место в ней. Вообще люблю в себе копаться. Даже могу впадать в депрессию из-за того, что много думаю о каких-то своих несовершенствах. С появлением детей внутренние сомнения немного отпускают.

- В балет вас привела мама-балерина. Отдадите своих дочек танцевать?

- Они растут в творческой семье. Со временем увидят, как трудится папа, как работает мама. Если появится интерес к балету, попытаюсь им объяснить, насколько сложная, но прекрасная эта профессия. Но я бы хотела, чтобы они занимались более гуманной работой: без ущерба для своего тела, для психики.

- После родов сложно было выйти на сцену?

- Через два месяца уже танцевала. К счастью, быстро восстановилась. Знаете, говорят, что лучше становиться родителями в более молодом возрасте. Мне же было 32 года. И, честно говоря, не жалею. Не было такого, что спина не гнется, нога не поднимается… Многие балерины жалуются, что стоит родить и начинаются проблемы. Сейчас с дочками помогают бабушки. Без их помощи не смогли бы с Андреем работать, как раньше. Но все свободное время посвящаю семье.

НЕ ЕСТЬ МНОГО, НЕ ЕСТЬ ПОЗДНО

- Правда, что вы питаетесь одним воздухом?


- Есть золотые правила балерин - не есть много, не есть поздно. Придерживаюсь здорового питания. Обхожу стороной вредные продукты - булочки, вкусовые добавки, сахар, газировку.
С рождением детей наконец осознала, как вкусны простые овощи и фрукты. Без соли, перца и всякого кетчупа.

В общем, не испытываю нужды специально худеть или соблюдать жесткие диеты.

- Может, есть ограничения в других сферах? Слышала, что балеринам нельзя ходить пешком больше двух километров.

- Ограничений много. Но если начну все перечислять, получится, что у меня какая-то ужасная жизнь. Из самого простого, да, нельзя много ходить. Любую балерину будет раздражать, если ее заставят стоять в очереди или общаться долго стоя. Потому что ноги - это наш инструмент. Нельзя же заставлять певца постоянно кричать, он просто испортит голос.

- Кроме балета еще снимаетесь и в кино. В мае у вас закончились крупные съемки. Что за картина?

- Это должен быть полнометражный художественный фильм «Француз» режиссера Андрея Смирнова. Думаю, в прокат выйдет следующей весной. Это первый серьезный опыт, где мне досталась главная женская роль. Не сравнить с фильмом, где снималась в юности. Тогда в «Красотках» у меня был небольшой эпизод. Это походило больше на развлечение, чем работу киноактрисы. Здесь же погрузилась полностью, в апреле даже не выходила на сцену.

- Эта роль балерины?

- Да, но балетных эпизодов в фильме всего два. В основном сложные драматические сцены. Но мне понравилось. Режиссер Андрей Смирнов стал для меня настоящим киноотцом.

- Что еще доставляет радость?

- Нравится придумывать одежду для балета, спорта и активного образа жизни. Удобную и красивую. Создаю образ в голове, потом переношу на бумагу. Когда-нибудь у меня появится больше времени, и смогу реализовать все задумки.


БЛИЦ-ОПРОС

- Носите каблуки?


- Ненавижу каблуки. Они ограничивают меня в движении, и ноги устают. Но я знаю прекрасно балерин, которые замечательно себя чувствуют на шпильке.

- Сколько часов в день спите?

- Очень люблю это дело. Особенно утром. Как-то проспала восемнадцать часов! Но все зависит от работы. Иногда на отдых всего часа четыре.

- Давно ходили в кино?

- Около месяца назад. Что же я смотрела? Видимо, что-то совершенно бездарное, потому и не помню. До этого с мужем ходили на «Движение вверх». Замечательный фильм.

- А в театр в качестве зрителя?

- Это бывает чаще. Последний раз была в Большом, на гала-концерте, посвященном 200-летию Мариуса Петипа.

- Любите готовить?

- Только под настроение, да и времени свободного мало. Я не та мама или жена, которая приходит с работы и готовит на всю семью. А любимое блюдо - бефстроганов.

КСТАТИ

Минск вызывает нежную ностальгию

- В своем Инстаграме вы писали, что иногда перед важным спектаклем наступает «время тишины»? Что это такое?


- Некоторые партии эмоционально очень сложные. Долго репетируешь, отдаешь много энергии. А перед самим спектаклем наступает некое опустошение… Но на самом деле это просто накопление эмоций и чувств. Потому что организм умнее нас. Иногда может сам лечить в себе какие-то заболевания, депрессии, стрессы. Для этого достаточно просто слушать себя и свое настроение. Бывает, что просыпаюсь и понимаю - в этот день ничего не хочу и не могу, а вечером спектакль. Что я делаю? Стараюсь никак не бодриться, а просто до последнего сохраняю это состояние тишины. И удивительно, когда перед выходом я начинаю делать грим, раскладываю костюмы, постепенно расцветаю. К выходу на сцену просто переполнена энергией, и все это благодаря тому, что в течение дня не растратила ее.

- Спортсмен без ежедневных тренировок теряет форму. В балете - так же?

- С детства меня учили, что балет - это каждодневный изнурительный труд. Ежедневный класс, постоянные репетиции. Это правильно. В определенном возрасте наступает период опытного артиста. И тогда действительно можно уже так много не репетировать. Потому что тело знает лучше тебя, что нужно. Но месяц или два простоя любого артиста выбьют из формы, какой бы умный и опытный ни был.

- Лет семь назад вы танцевали в Минске.

- Помню, получился замечательный концерт, теплая публика. Понравился сам город. Он безумно чистый, и там такие трогательные телефонные будки. Они у меня невероятную ностальгию тогда вызвали. Минск напомнил мне что-то очень хорошее. Может быть, Ростов-на-Дону, где летом отдыхала у бабушки, когда была маленькой.


ДОСЬЕ «СВ»
Евгения Образцова родилась в 1984 году в Ленинграде. В балет ее привели родители, тоже танцовщики. Окончила Академию русского балета имени Вагановой и поступила в труппу Мариинского театра. В первый же сезон Евгения станцевала главную женскую партию в «Ромео и Джульетте». Танцевала на многих знаменитых сценах мира. Лауреат высшей театральной премии «Золотая Маска» за лучшую женскую роль в балете «Ундина». Прима-балерина Большого театра. Заслуженная артистка России.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20275
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июл 18, 2018 6:04 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071806
Тема| Балет, Cценография, Персоналии, Вячеслав Окунев
Автор| Мария КИНГИСЕПП
Заголовок| «Дайте иголку – сошью балетную пачку»
ХУДОЖНИК ВЯЧЕСЛАВ ОКУНЕВ О ВЫСОКОЙ КУЛЬТУРЕ ТЕАТРАЛЬНОЙ ПОСТАНОВКИ

Где опубликовано| © Вечерний Санкт-Петербург
Дата публикации| 2018-07-18
Ссылка| https://vecherka-spb.ru/2018/07/18/dajte-igolku-soshyu-baletnuyu-pachku/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Как известно, этот год посвящен русскому балету и 200-летию со дня рождения великого хореографа Мариуса Петипа. Вячеслав Окунев оформил более трехсот спектаклей. «Вечёрка» поговорила с народным художником России о стилях балетной сценографии.

– Вячеслав Александрович, сколько на вашем счету «Лебединых озер»?

– Думаю, около пятнадцати. Я делал «Лебединое» в Токио, в Будапеште, в Вильнюсе, в Киеве, в Минске, в Кишиневе… В петербургских театрах сделал несколько редакций. Шедевры Петипа всегда остаются неким мастер-классом – как станок, которым ежедневно занимаются танцовщики, чтобы оставаться в хорошей форме, как отточенная техника, как уважительное отношение к культуре костюма, декорации, света.

– Как вы относитесь к реконструкциям классики и «вариациям на тему»?

– Мне приходилось делать немало таких реконструкций. Бесчисленные авторские трактовки классики дают возможность понять художника, создававшего декорации, его стиль, манеру, способ взаимодействия с музыкой, с балетмейстером… И приходится учитывать параметры сцены, которые диктуют и другие краски, и иную манеру оформления в целом.



– В сценографии многое зависит от площадки? Ведь балет в зале с лепниной и позолотой смотрится совсем иначе, чем в доме культуры или в концертном зале…

– То, что мы сейчас воспринимаем как классику, когда-то было новацией. Сто лет назад и работы Александра Бенуа были вызовом для императорской сцены. Или, скажем, сценический свет. Во времена возникновения романтического балета в XIX веке в театрах было свечное освещение. Белые туники в «Жизели» и «Сильфиде» появились потому, что темные костюмы плохо освещались люстрой, которая висела в центре зала, и канделябрами, вертикально расположенными в кулисах. С приходом электрического освещения декорация стала более «отделочной», изменилось отношение к выделению фигуры артиста на этом фоне. Но я все же считаю, что в оформлении нужно придерживаться того визуального впечатления, которое было, когда спектакль изначально создавался. В романтическом балете – это акварельные, мягкие цветовые ходы и корректный свет: они позволяют сцене «дышать». Не должно быть в классическом балете, где все определяется танцем и пластикой, светового дизайна, точечного или контрового света, как в балете современном. Классика – это искусство стиля и нюансов.

– А балетный костюм эволюционирует?

– Костюм, который был на Марии Тальони, прародительнице романтического балета, изначально был почти таким же тяжелым, как и повседневная одежда той поры. В начале ХХ века возник облегченный вариант «шопенок» (романтические пачки: длинные юбки из фатина. – Прим. авт.), позволивших «дорисовывать» движения, которые стали более отточенными, четкими. Один из самых знаменитых балетных скандалов был связан с историческим костюмом. Вацлав Нижинский был уволен из Императорских театров за то, что самовольно надел костюм, созданный по эскизу Бенуа, и появился в партии Альберта в обтягивающем трико, сняв традиционные широкие шаровары. Но раньше в «Жизели» не было мужского танца: танцовщик просто ходил по сцене и держал партнершу, в арсенале были только поддержки и миманс, а мужские вариации возникли позже. То есть костюм меняется постепенно, в угоду свободе движений исполнителей, с учетом усложнения танцевальной лексики и новых физических возможностей артистов.

– В чем высокое ремесло театрального художника?

– Помню, когда я впервые увидел костюмы Кшесинской и Павловой в мастерских Кировского театра, то часами рассматривал, как заделаны швы, как обработана подкладка… Можно подражать замечательным костюмам Татьяны Бруни или Симона Вирсаладзе или не соглашаться с их взглядом и искать свой. Но важно досконально знать весь процесс вплоть до мелочей. Я всегда прихожу на первую примерку, хотя теперь это необязательно: технологии позволяют работать удаленно. Да, возникла масса различных коммуникативных возможностей, но неизменной остается традиция профессии – каждый костюм тщательно проговаривается, обсуждаются ткани, особенности кроя, детали отделки.

– А где этому учат?

– К сожалению, в вузах учат шить современную одежду, но к театральному костюму это не имеет никакого отношения. Творческие вузы в лучшем случае готовят технологов. А нужны закройщики! Искусство исторического, индивидуального кроя уходит вместе со старыми мастерами. В крупных музыкальных театрах – в Большом, Мариинском, Михайловском – в пошивочных цехах сейчас работают люди в основном пенсионного возраста. Тех, кто умеет грамотно работать с трикотажем, с ручной вышивкой, остались считаные единицы. Поэтому я мечтаю набрать курс художников по костюмам.

– А вы сами можете создать балетный костюм «от и до»?

– Могу! Нас очень хорошо учили. Были прекрасные педагоги, на практике в театральных мастерских мы многое узнавали, слушали советы, были благодарны за любые подсказки. Поэтому я могу не только придумать и нарисовать, но и скроить и сшить. Даже если я окажусь на необитаемом острове и мне вдруг надо будет сделать костюмы для балетного спектакля, то дайте ткани, нитки, иголки – и, думаю, я отлично справлюсь.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20275
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июл 19, 2018 3:38 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071901
Тема| Балет, Современная хореография, Мариинка-2, «Творческая мастерская молодых хореографов», Персоналии, Дмитрий Пимонов, Константин Кейхель, Ольга Васильева, Андрей Меркурьев, Максим Петров, Илья Живой
Автор| Игорь Ступников
Заголовок| Молодые петербургские хореографы представили новые постановки
Где опубликовано| © Санкт-Петербургские ведомости
Дата публикации| 2018-07-19
Ссылка| https://spbvedomosti.ru/news/culture/oboshlis_bez_eksperimentov/
Аннотация|


сцена из балета «Пульчинелла». Мариинский театр. Фотограф Наташа РАЗИНА, 2018 г.

В рамках фестиваля «Звезды белых ночей» на сцене Мариинского-2 состоялся концерт-отчет проекта «Творческая мастерская молодых хореографов». Зрители увидели шесть новых балетных миниатюр.

Хореограф - профессия штучная, не всякий артист может стать сочинителем танца: здесь нужен особый талант, особый взгляд на мир хореографии.

Есть и другая проблема: как молодому балетмейстеру найти площадку и исполнителей, готовых не жалея времени и сил пойти на риск работы с начинающим. Мариинский театр успешно решает эту проблему. В течение нескольких лет он способствует развитию проекта «Творческая мастерская молодых хореографов». В этом питомнике уже выросли незаурядные личности, доказавшие, что они не только танцовщики, но и способные балетмейстеры.

От «Мастерской» принято ожидать экспериментов и даже провокаций. Но в этом году большинство авторов обратились к темам и образам классического балета или его вариациям, отдавая дань уважения хореографам и музыкантам прошлого. Вечер в Мариинском начался оммажем в сторону Леонарда Бернстайна в постановке Дмитрия Пимонова. Представленный «Дивертисмент» состоял из восьми частей-композиций, проникнутых разными настроениями, воплощенными не только в характере танца, но и в оформлении представления. Каждой части соответствовала своя мелодия и цвет фона, задающие, а иногда и направляющие линию развития танца и характер взаимоотношений героев.

Сольные вариации талантливо исполнили артисты Мариинского театра Екатерина Осмолкина, Кристина Шапран, Тимур Аскеров и Максим Зюзин. Хореограф не объединил героев в единое целое, оставив их высокомерными одиночками, заботящимися лишь о личном успехе в жизни. Трудно определить, кто эти молодые юноши и девушки: соперники, друзья или случайно встретившиеся весельчаки? Более точную характеристику образов миниатюры дали замечательные костюмы Татьяны Котеговой, которая облекла исполнителей в одежды разных цветов - красный, синий, зеленый, - намекая этим и на внутренний мир персонажей.

Может быть, вследствие колористического многоцветья предыдущего номера особенно остро воспринимается подчеркнутая монохромность миниатюры «Цветы» в постановке Константина Кейхеля на музыку современного итальянского композитора Джованни Солимы, полную диссонансов и резких тональных переходов. На пустом темном фоне - два почти обнаженных тела, то сближающихся, то отталкивающих друг друга, то образующих на планшете сцены загадочные позы-иероглифы. Кажется, что танцовщики Мей Нагахиса и Виктор Кайшета и сами запутались в смутно выстроенной истории отношений и что-то стараются объяснить зрителям пластикой выразительных тел и тревожной мимикой.

Свою миниатюру «Фламинго» хореограф Ольга Васильева поставила на музыку «Вальса цветов» из балета Чайковского «Щелкунчик». Выбор темы диктовал и сценическое оформление (художник - Нина Штеренберг): светло-розовые костюмы, пышные рукава-крылья. «Птичья» тема раскрывалась в хореографии - сжатые кисти рук, напоминающие заостренные клювы, гордая походка фламинго, элегантные повороты длинных шей. Шесть танцовщиц с увлечением представляли хореографический «авиарий», но, порой переусердствовав, превращали миниатюру в популярный номер из программы кабаре.

Андрей Меркурьев, выступив в роли хореографа, костюмера, художника по свету и исполнителя, представил вместе с партнершей Дианой Косыревой «Па-де-де» на музыку Эдварда Грига. Меркурьев несколько доминировал и даже контролировал свою партнершу, в результате чего история любви лишилась эмоционального накала. К тому же дуэт сочинен в уже привычных традициях отечественного балета, не привнеся ничего нового в хореографическую структуру. Такие дуэты или им подобные входят в концертный репертуар любой балетной труппы.

Максим Петров давно зарекомендовал себя как хореограф-лирик, его сочинения нередко окутаны флером грустных воспоминаний, ностальгическими нотами о чем-то былом. Таков и «Концертный вальс» на музыку Александра Глазунова, исполненный легких, воздушных композиций и изысканных дуэтов. В миниатюре - своя драматургия. «Средь шумного бала, случайно...» появляются две героини в исполнении Виктории Терешкиной и Дарьи Павленко, таинственные и неприступные, привлекающие своим филигранным танцем героя вечера (Андрей Ермаков). Вальс увлекает всех, заставляя поверить в искренность взаимных улыбок, томных взглядов, в силу зарождающихся чувств. Прихотливо меняя рисунок танца, хореограф сделал вальс властным хозяином человеческих судеб.

Изюминкой вечера стал одноактный балет Ильи Живого «Пульчинелла» на музыку Игоря Стравинского. Обращаясь к сюжету старинной неаполитанской сказки, хореограф органично сочетает классические и современные элементы. Тема народного театра предполагает использование приемов сатиры, гротеска и карнавальной культуры, но хореограф сделал это по-петербургски, изящно и тонко. Движения героев, пластичные и легкие, напоминали порой кукольный спектакль. Через приемы пантомимы в традиционной комедии дель арте раскрывается сюжет и передаются характеры персонажей. Герои Ильи Живого предстали в шутливых образах-шаржах, где сливаются танец, пантомима и почти акробатические трюки. Виртуозно исполнил партию Пульчинеллы Филипп Степин, пластической свободой восхитил Константин Зверев в роли Фурбо, друга Пульчинеллы; трогательной, ранимой и отважной предстала перед зрителем Виктория Терешкина в роли Пимпинеллы; Анастасия Лукина и Ника Цхвитария проявили элегантность танцевальной манеры в ролях плутовок Розетты и Пруденцы. В небольшой роли Актера, открывающего спектакль, блеснул мастер старшего поколения Ислом Баймурадов.

Сценическое оформление создал Илья Живой, превратив сценическое пространство в итальянский городок с его домами, лестницами, потайными ходами. Художник по костюмам Софья Вартанян одела персонажей согласно эпохе - белые одежды кордебалета, черные полумаски, конусообразные колпаки, пышные жабо, соломенные шляпки...

Молодые хореографы создали интересные работы, которые, несомненно, вызовут профессиональные споры, балеты, соединяющие авторскую интерпретацию с уважением к традициям прошлого.

Материал был опубликован в газете под № 129 (6238) от 19.07.2018 под заголовком «Обошлись без экспериментов».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
Страница 4 из 8

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика