Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2018-07
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11073

СообщениеДобавлено: Вт Июл 24, 2018 6:09 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072403
Тема| Музыка, Опера, Фестиваль в Вербье, Персоналии, В. Гергиев
Автор| Ирина Муравьева
Заголовок| Многоуважаемый скиф
Валерий Гергиев открыл юбилейный 25-й фестиваль в Вербье музыкой Родиона Щедрина
Где опубликовано| © «Российская газета»
Дата публикации| 2018-07-22
Ссылка| https://rg.ru/2018/07/22/valerij-gergiev-otkryl-25-j-festival-v-verbe-muzykoj-rodiona-shchedrina.html
Аннотация| Фестиваль

Один из самых авторитетных музыкальных фестивалей Европы - швейцарский Verbier Festival, отмечающий в этом году свое двадцатипятилетие, открылся в Salle Des Combins выступлением Фестивального оркестра под управлением Валерия Гергиева. Первым номером программы прозвучал "Симфонический диптих" (2008) Родиона Щедрина, написанный по мотивам его оперы "Очарованный странник" и посвященный Гергиеву.
Все двадцать пять лет истории знаменитого фестиваля, собирающего в альпийской деревне крупнейших музыкантов современности, в афише его присутствовал "русский акцент" (его постоянные участники - Михаил Плетнев, Евгений Кисин, Григорий Соколов, Вадим Репин, Родион Щедрин, Елизавета Леонская, Юрий Башмет и другие), но в юбилейном сезоне этот "профиль" фестиваля обрисовался еще рельефнее: новым музыкальным руководителем оркестра Вербье с этого года стал Валерий Гергиев. В программу открытия юбилейного сезона в Salle Des Combins он включил русскую музыку - "Шехеразаду" Николая Римского-Корсакова и "Симфонический диптих" Родиона Щедрина. На концерт приехали Родион Щедрин, вице-премьер правительства РФ Ольга Голодец, многочисленные русские друзья фестиваля.
Несмотря на плотность личного графика, Гергиев три дня посвятил репетициям с Фестивальным оркестром, тщательно отрабатывая все нюансы музыкальных партитур, отобранных для дебюта музыкантов Вербье с новым руководителем. Результат впечатлил всех: огромная программа, включавшая в себя русскую, европейскую (Мендельсон, Сен-Санс), американскую музыку (Бернстайн), симфонические партитуры и концерты с солистами, прозвучала на одном дыхании и с таким качеством оркестрового ансамбля, которое многими оркестрами набирается годами.

"Симфонический диптих" Щедрина - труднейшая оркестровая партитура: калейдоскоп множества тембров, динамические контрасты разных "миров": околдовывающая засурдиненными струнными, струящимися, словно поток света, цыганская "Невечерняя", бешенный "скок" (татарский плен), где Гергиев артикулировал свой фиремнный "скифский" стиль. Все эти детали прозвучали у оркестра с поразительным пониманием сути драматургического конфликта, перешагнувшего в музыке от истории лесковской Грушеньки и Ивана Северьяновича Флягина ("Очарованный странник") к коллизии вечного столкновения - "сокровенных" ценностей и разрушительной тоталитарной энергии в мире.

Один из самых авторитетных музыкальных фестивалей Европы - швейцарский Verbier Festival, отмечающий в этом году свое двадцатипятилетие, открылся в Salle Des Combins выступлением Фестивального оркестра под управлением Валерия Гергиева. Первым номером программы прозвучал "Симфонический диптих" (2008) Родиона Щедрина, написанный по мотивам его оперы "Очарованный странник" и посвященный Гергиеву.

Все двадцать пять лет истории знаменитого фестиваля, собирающего в альпийской деревне крупнейших музыкантов современности, в афише его присутствовал "русский акцент" (его постоянные участники - Михаил Плетнев, Евгений Кисин, Григорий Соколов, Вадим Репин, Родион Щедрин, Елизавета Леонская, Юрий Башмет и другие), но в юбилейном сезоне этот "профиль" фестиваля обрисовался еще рельефнее: новым музыкальным руководителем оркестра Вербье с этого года стал Валерий Гергиев. В программу открытия юбилейного сезона в Salle Des Combins он включил русскую музыку - "Шехеразаду" Николая Римского-Корсакова и "Симфонический диптих" Родиона Щедрина. На концерт приехали Родион Щедрин, вице-премьер правительства РФ Ольга Голодец, многочисленные русские друзья фестиваля.

Несмотря на плотность личного графика, Гергиев три дня посвятил репетициям с Фестивальным оркестром, тщательно отрабатывая все нюансы музыкальных партитур, отобранных для дебюта музыкантов Вербье с новым руководителем. Результат впечатлил всех: огромная программа, включавшая в себя русскую, европейскую (Мендельсон, Сен-Санс), американскую музыку (Бернстайн), симфонические партитуры и концерты с солистами, прозвучала на одном дыхании и с таким качеством оркестрового ансамбля, которое многими оркестрами набирается годами.

"Симфонический диптих" Щедрина - труднейшая оркестровая партитура: калейдоскоп множества тембров, динамические контрасты разных "миров": околдовывающая засурдиненными струнными, струящимися, словно поток света, цыганская "Невечерняя", бешенный "скок" (татарский плен), где Гергиев артикулировал свой фиремнный "скифский" стиль. Все эти детали прозвучали у оркестра с поразительным пониманием сути драматургического конфликта, перешагнувшего в музыке от истории лесковской Грушеньки и Ивана Северьяновича Флягина ("Очарованный странник") к коллизии вечного столкновения - "сокровенных" ценностей и разрушительной тоталитарной энергии в мире.

В масштабе русского эпоса прозвучала у оркестра и "Шехеразада" Николая Римского-Корсакова. Гергиев почти визуально выстроил здесь оркестровые контрасты и звуковые объемы: жесткую, чеканную тему вступления (мрачный образ женоубийцы султана Шахриара) и изысканной красоты соло скрипки (тема Шехеразады). Деревянные инструменты звучали в живом "диалоге", вся музыкальная ткань мерно колыхалась, как набегающая волна. В эпизоде битвы с фанфарами тромбонов и в картине морской бури Гергиев развернул циклопические звуковые объемы: не ночные сказки Шехеразады, а богатырские сказания.

Между тем, следуя традиции фестиваля, где с мэтрами на сцену выходят молодые музыканты, Гергиев представил с оркестром Вербье Даниэля Лозаковича (скрипка), Джорджа Ли (пианиста, лауреата ХV Конкурса Чайковского) и Претти Йенде (сопрано). Как заметил Валерий Гергиев: "Это именно то, что меня и привлекает в сотрудничестве с фестивалем в Вербье: постоянное обновление, участие молодых музыкантов в программах фестиваля. Первые шаги Лозакович делал со мной. И Даниил Трифонов, который тоже выступит на фестивале, получил когда-то Гран-при Конкурса Чайковского из моих рук. Мне кажется, этот принцип, когда мэтры и почти студенты выступают в одной программе, самый действенный. Именно поэтому фестиваль в Вербье - инновационный проект".

Руководитель фестиваля Мартин Энгстрем, в свою очередь, заметил, что Вербье всегда находился под большим влиянием российских музыкантов - с самого первого фестиваля в 1994 году, когда на его сцене выступили Максим Венгеров, Евгений Кисин, Юрий Темирканов, Юрий Башмет. Многие из них выйдут в юбилейной программе - в гала-концерте, который состоится 25 июля в Salle Des Combins. Но главным вектором фестиваля для Энгстрема сегодня является образовательная программа, работающая в формате Академии и мастер-классов известных музыкантов, приезжающих в Вербье.

В первый день фестиваля уже прошли мастер-классы пианиста Мишеля Берофа (члена жюри XIV и XV Конкурсов Чайковского), итальянского виолончелиста Николаса Альтштадта, британского виолончелиста и педагога Аласдара Тайта, венгерского скрипача, основателя Квартета Келлера Андраша Келлера и других. Стартовала и концертная программа в зале Eglise (модерновое здание церкви Вербье) с великолепной камерной акустикой. Пианист Сергей Бабаян исполнил здесь сольную программу из сюит Рамо и Прелюдий Баха, а затем в трио с Мишей Майским (виолончель) и Кристофом Барати - Трио N2 Дмитрия Шостаковича. Впереди двухнедельный юбилейный марафон фестиваля, который соберет на своих сценах не только своих постоянных участников за 25 лет, но и юных дебютантов Вербье. В этой демократической коллизии - сама суть альпийского музыкального фестиваля.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11073

СообщениеДобавлено: Вт Июл 24, 2018 6:13 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072404
Тема| Музыка, Опера, Персоналии, В. Петренко
Автор| Светлана Елина
Заголовок| Бремя первых
Российский дирижер Василий Петренко станет худруком Королевского филармонического оркестра
Где опубликовано| © «Российская газета»
Дата публикации| 2018-07-23
Ссылка| https://rg.ru/2018/07/23/vasilij-petrenko-stanet-hudrukom-korolevskogo-filarmonicheskogo-orkestra.html
Аннотация| Интервью

Финалом московского филармонического сезона стали три концерта абонемента "Истории с оркестром" - традиционно самый ожидаемый цикл летних симфонических концертов ГАСО им.Е.Ф. Светланова со знаменитыми маэстро, которые, как заявлено в афише, "дирижируют и рассказывают". Формат стал чрезвычайно популярным среди слушателей: даже в самый разгар футбольных страстей Концертный зал имени Чайковского был переполнен: музыкальные истории публике рассказали Михаил и Владимир Юровские, а также Василий Петренко - хедлайнер новостей симфонического мира. В сезоне 2021/22 года Василий Петренко станет художественным руководителем Королевского филармонического оркестра в Лондоне.

Ваше новое назначение возглавить лондонский Королевский филармонический оркестр имеет логическую предысторию?

Василий Петренко: Royal Philharmonic - оркестр с богатой историей и знаменитым прошлым, и в течение последних трех лет я неоднократно выступал с ним. В 2021-2022 годах будет 75-летие оркестра, в связи с чем запланированы амбициозные проекты в Лондоне и по всему миру, включая изменение планирования концертной деятельности. Основная часть концертов будет проходить в Альберт-холле и в Королевском фестивальном зале. Королевский филармонический - молодой и амбициозный оркестр, который жаждет вернуть себе славу 1960-70-х годов, когда по репутации он был лучшим оркестром Великобритании, и все готовы серьезно работать, чтобы вернуть эти золотые времена.

Почему выбор руководства пал именно на вас?

Василий Петренко: На Западе художественных руководителей выбирает оркестр, они не назначаются "сверху" кем бы то ни было. Как правило, сначала готовится список из нескольких дирижеров, которые уже к тому моменту работали с оркестром. Художественный совет оркестра выбирает из них 5-6 кандидатов, после чего происходит голосование оркестра: кого они хотят видеть во главе своего коллектива. Почему я? У меня всегда был очень хороший контакт с этим оркестром, это всегда чувствуется сразу - "химия", которая происходит между оркестром и дирижером - с первого взгляда, с первой репетиции. Это, как и любовь, сложно объяснить словами. Также я всегда видел, что, как, где и почему можно улучшить в оркестре. Это было вполне логическое продолжение нашего сотрудничества.

Между тем, к моменту нового контракта, будет 15-летие вашего сотрудничества с Ливерпульским оркестром. Что вы чувствуете, зная о предстоящем расставании?

Василий Петренко: Расставания, к счастью, не предстоит: я перехожу на позицию Почетного дирижера оркестра, дирижера-лауреата. Буду приезжать в Ливерпуль 2-3 раза в сезон, продолжать работу с оркестром. Что касается значимости этого периода, то я провел самое большое количество лет подряд с этим оркестром в его истории, и это, безусловно, очень почетно. Однако для меня важнее ощущение семейственности: когда я вместе с этим оркестром, я всегда чувствую, будто живу с ним одним целым - такое ощущение у меня было с самого начала. Я начинал сотрудничество с Ливерпульским оркестром, когда мне было 29 лет. Это был мой первый зарубежный оркестр, очень много пришлось учить в плане ментальности, взаимоотношений оркестра и дирижера - с точки зрения английских традиций и вообще взаимоотношений между людьми. Тогда я отчасти чувствовал себя ребенком этого оркестра, потому что большинство оркестрантов на тот момент были значительно старше меня. Однако, дети вырастают и когда-то должны покинуть родительский дом.

Можно ли говорить сегодня о диаспоре российских дирижеров в Англии?

Василий Петренко: Кто-то уходит, кто-то приходит. Максиму Емельянычеву дали Камерный оркестр в Шотландии, Володя Юровский уходит из London Philharmonic, Кирилл Карабиц, по-моему, тоже уходит скоро из Борнмутского оркестра, Валерий Абиссалович в 2017 году ушел из Лондонского симфонического. На самом деле, всегда были советские и российские успешные дирижеры в Англии. Долгое время Евгений Федорович Светланов сотрудничал с Лондонским оркестром, Юрий Хатуевич Темирканов был главным дирижером Royal Philharmonic, Геннадий Николаевич Рождественский руководил Симфоническим оркестром Би-би-си. Cоветская (а теперь уже российская) школа всегда готовила технически очень сильных дирижеров. Я бесконечно благодарен образованию, которое дал мне тогда еще Советский Союз, и очень благодарен Петербургской школе, которая дала мне все профессиональные возможности.

Сегодня на Западе много относительно молодых русских дирижеров, а также солистов, певцов и всевозможных инструменталистов. Это связано с тем, что мы получили советское образование, а после открылся "занавес", и появилась возможность впитать в себя европейскую культуру - чего в 60-70-е годы большинство людей в Советском Союзе были лишены, и выехать за рубеж было возможно, лишь уже добившись большого успеха внутри страны.

Какие имена из постсоветского музыкального пространства особенно ярко сейчас звучат на Западе?

Василий Петренко: Они звучат во всему миру, и их очень много. Андрис Нелсонс недавно выступал с Birmingham Symphony, сейчас руководит Бостонским симфоническим оркестром и Лейпцигским оркестром Гевандхауса. Кирилл Петренко, который будет главным дирижером в Берлинской филармонии. Что касается более старшего поколения, их все знают. Среди солистов, это Даниил Трифонов, Аркадий Володось, Денис Кожухин, Илья Грингольц, Бехзод Абдураимов, Сережа Догадин, Сергей Крылов и многие другие. Кстати, много наших прекрасных певцов. Словом, сейчас тот момент, когда бывшее советское образование плюс культура дают вот такие всходы.

Правильно ли, на ваш взгляд, на концерте останавливать оркестр, если у кого-то в зале зазвонил телефон в, скажем, медленной части симфонии Малера?

Василий Петренко: Вы имеете в виду Риккардо Мути?

Недавний концерт Теодора Курентзиса.

Василий Петренко: Две недели назад у меня был концерт с Израильской филармонией: мы играли "Альпийскую симфонию" и там есть образный момент - затишье перед бурей, небеса затемняются и штиль, "Bis zum Storm". "Затишье" в симфонии длится примерно полторы минуты, солирует тихий кларнет, и в этот момент в зале простой трелью зазвонил телефон. Человек его отключил, однако когда звонок раздался уже в третий раз, у меня было желание повернуться и сказать "Ну вы ответьте уже!". Этот вопрос обсуждался примерно в течение двух лет, по-моему, в Японии - одной из самых прогрессивных стран с точки зрения технологий. К сожалению, такой способ борьбы с внезапными звонками во время концерта неприменим - считается, что это нарушает права человека. Тем не менее, это решают другими способами при строительстве новых залов: за счет изоляционных материалов в стенах. Я не знаю, может, в новом концертом зале в Зарядье так и сделано.

Дипломатические отношения России и Великобритании сложно назвать благополучными, но, складывается ощущение, что область академической музыки это не затрагивает: российских дирижеров по-прежнему приглашают на ведущие позиции западных оркестров. Как вы видите эту ситуацию изнутри?

Василий Петренко: Пропагандистская машина сегодня работает, как никогда, и, думаю, это касается всего мира. По долгу службы мне приходится встречаться с дипломатами из разных стран: они приходят на мои концерты, мы общаемся в формальной и неформальной обстановке. Дипломаты очень четко осознают и понимают, что происходит, с точки зрения пропаганды. Идея, которая сейчас реализуется в мире - это отвлечение людей надуманными мировыми проблемами от внутренних экономических проблем - от той безумной разницы между богатыми и бедными, которая во всем мире только растет, от огромного количества несправедливостей, которые творятся в мире. Сейчас информационное поле безумное! Сегодня говорить об истинности того, что ты читаешь в новостях, очень сложно: много фабрикованных новостей, трудно докопаться до сути.

В связи с чем чемпионат мира, который прошел в России, это большая победа для страны. Люди, приехавшие в Россию и наблюдавшие за событиями последних недель, увидели открытость российских людей, благожелательность, жажду общения. Образ России за последние три недели очень сильно изменился! Пропагандистские новости уже не могут заглушить информацию, которая приходит из первых рук. Общаясь с нормальными, адекватными людьми, понимаешь, что люди и политика - это разные вещи.

На заключительном концерте Московской филармонии абонемента "Истории с оркестром" вы представили яркую, хотя и академичную, программу: Чайковский "Ромео и Джульетта", "Петрушка" Стравинского и редко звучащий скрипичный концерт Корнгольда. Чем обоснован ваш выбор?

Василий Петренко: Я довольно много играю Чайковского, записал его симфонии и увертюры, и мне была важно привезти его в Россию и сыграть именно здесь с Госоркестром. Что касается Корнгольда, как вы правильно сказали, не так много людей знают эту музыку. Дело в том, что основной скрипичный концертный репертуар, как это ни странно, весьма ограничен. Чайковский, Сибелиус, Мендельсон, а дальше? Бетховен и Брамс. Поэтому я всегда за открытие новых произведений, расширение знаний и репертуара, особенно когда это легко запоминающееся и узнаваемое произведение, как концерт Корнгольда, - его все с удовольствием слушают.
Стравинского я также много дирижирую. Недавно была "Весна священная" с Госоркестром, записаны его балеты с Ливерпульским оркестром, "Петрушка" также записан и уже ждет очереди в монтаж. В ближайшее время выйдет диск его "Жар-птицы" вместе с сюитой из "Золотого петушка" Римского-Корсакова - в этих произведениях много взаимосвязей. Сыграть это в России всегда интересно.

При полной свободе выбора, что бы вы хотели исполнить в Москве?

Василий Петренко: Полный цикл симфоний Малера, который я уже играю в ряде других городов. Начиная со следующего сезона такой цикл будет исполнен в Ливерпуле и Осло. Марина Малер, правнучка Густава Малера, очень просила меня, чтобы я сделал это и в Лондоне, но пока его не полностью согласовали. Цикл рассчитан на два года, и мне бы очень хотелось исполнить его и в Москве.

Также мне бы хотелось исполнить все симфонии Бетховена циклом в течение двух недель. Этот проект уже состоялся в Англии и Норвегии (в том же формате, что и в Московской филармонии) с рассказами, перед каждой симфонией, и имел большой успех у публики. Большинство представляет Бетховена как странного, взлохмаченного человека, более или менее глухого. А он был еще большой и практичной личностью, человеком, тонко чувствующим эпоху, композитором, благодаря которому мы знаем симфонический оркестр в том виде, в котором он существует сегодня. "Доза" Бетховена (все симфонии исполняются в сжатый период, в течении 2-3 недель) - это своеобразная прививка дисциплины. Происходит понимание четкости артикуляции, законов исполнения всей симфонической музыки.

Планируете ли вы уделить внимание опере в предстоящем сезоне?

Василий Петренко: Конечно, планы есть. Из самых крупных - постановка "Пиковой дамы" в Метрополитен опере и участие в разных фестивальных проектах. Постановка оперы - это 7-8 недель непрерывного репетиционного процесса, а когда возглавляешь три оркестра, найти столько времени сложно. Очень жаль, потому что мне всегда хотелось дирижировать и оперой. Надеюсь, с 2021 года у меня будет такая возможность, и я с удовольствием поучаствую в оперной жизни, в том числе в России.

Трудно найти время, но вероятно, найти силы еще труднее. Что дает вам энергию двигаться дальше?

Василий Петренко: Очень давно мне это сказал сэр Джордж Шолти. Еще в 1990-е годы я был на его репетиции и концерте с заслуженным коллективом в Петербурге. Между ним и оркестром возникли некоторые трения с точки зрения интерпретации венской классики, но сэр Джорж был бескомпромиссным человеком, в итоге у оркестра не было другого выхода, нежели пойти на ту интерпретацию, которую он им предлагал. Для меня это был важный момент еще и образовательный: я увидел, как оркестр вначале воспринял предложенную концепцию "в штыки", затем, под давлением дирижера, попробовал исполнить так, как он просил, и сразу после - музыкантам это понравилось. Изменения от сопротивления до полного приятия было совершенно феноменальным! Пожалуй, то исполнение Бетховена и Брамса было одним из лучших услышанных мною концертов того коллектива.

После концерта я подошел к нему, представился и сказал: "Я, начинающий дирижер, был на ваших репетициях, видел, что были некие трения, и, знаете, я очень рад, что эти трения прошли и трансформировались в такой замечательный концерт. Что вы можете мне посоветовать как молодому дирижеру?" И он тогда сказал мне вещь, которую я понял только потом. Он сказал: "Я желаю вам, чтобы музыка всегда была вашим хобби". Тогда я счел, что он просто отправил меня куда подальше. На самом деле, он абсолютно прав! Как только музыка становится профессией и перестает быть хобби - тем, что вы любите - жить становится очень трудно. А если вы занимаетесь тем, что вы любите каждый день, то силы и энергия появляются сами собой.

Последние концерты сезона совпали с чемпионатом мира. Вы, страстный футбольный болельщик, следили за эмоциями последних матчей?

Василий Петренко: Более чем! 7 июля, традиционно в свой день рождения, я выступал на концерте в Ливерпуле - это был заключительный концерт фестиваля Summer Pops, как раз в день четвертьфинала ЧМ. Так совпало, что вместе с нашей генеральной репетицией (в Англии она традиционно происходит в 15 часов местного времени) начался матч между Швецией и Англией. Репетируя, время от времени, по тому, что происходило в оркестре, я чувствовал, что Англия забила гол. В 19 часов начался концерт - а это 21:00 по московскому времени, как раз начало матча Россия-Хорватия. В первом отделении концерта была русская классическая музыка (Балетная сюита Шостаковича, "Ночь на лысой горе" Мусоргского и "Половецкие пляски" Бородина), а во втором - английская (Элгар, Уолтон, Генри Вуд, "Фантазии на темы песен"). Такой патриотичный финал в завершении сезона. И пока мы играли, был большой шанс, что эти две команды, Россия и Англия, скоро встретятся в полуфинале! Однако, поскольку этот концерт был с небольшим конферансом с моей стороны, я спрашивал публику в определенный момент, какой счет. Жаль, конечно, что сборная России не пробилась в полуфинал. Но они все равно сыграли успешно.

В интервью каналу ВВС вы говорили о "психологии чемпионов". Применима ли она в музыке?

Василий Петренко: Дело в том, что я учился в хоровом училище в Ленинграде, и нам прививали менталитет, что второй - это проигравший. В спорте вторых не помнят, помнят только чемпионов. В классической музыке, конечно, иначе, в этом и ее прелесть. Один и тот же концерт можно сыграть совершенно по-разному, и это будет прекрасно - искусство нельзя измерить в секундах или цифрах. Однако "психология чемпионов" - это тот перфекционизм, в котором я живу: каждый день я стараюсь прожить лучше, чем предыдущий, и каждый последующий лучше, чем сегодняшний - это бесконечная дорога к познанию и улучшению себя. И этим я стараюсь заразить все оркестры, с которыми работаю.

Справка "РГ"
Василий Петренко родился и получил образование в Ленинграде. Главный дирижер Филармонического оркестра Осло (с 2013), Ливерпульского королевского симфонического оркестра (с 2009), Молодежного оркестра Европейского Союза (с 2015 года), главный приглашенный дирижер ГАСО России им.Е.Ф.Светланова (с 2016). Почетный профессор Ливерпульского университета и Университета Liverpool Hope, удостоен звания "Почетный гражданин Ливерпуля". С сезона 2021/22 года Василий Петренко займет должность художественного руководителя Королевского филармонического оркестра в Лондоне.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11073

СообщениеДобавлено: Ср Июл 25, 2018 2:32 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072501
Тема| Музыка, Опера, Фестиваль в Экс-ан-Провансе
Автор| Дмитрий Ренанский
Заголовок| Травмы Прованса
Где опубликовано| © «Ведомости»
Дата публикации| 2018-07-25
Ссылка| https://www.vedomosti.ru/lifestyle/articles/2018/07/25/776443-festivale-eks-an-provanse
Аннотация| Что было главным на фестивале в Экс-ан-Провансе

Событиями важнейшего оперного форума стали «Огненный ангел» Прокофьева и «Ариадна на Наксосе» в постановке Кэти Митчелл, а также уход интенданта Бернара Фоккруля

Выдающийся театральный менеджер, возглавлявший фестиваль в Экс-ан-Провансе на протяжении 11 лет, уступает директорское кресло бывшему худруку Нидерландской оперы Пьеру Оди, который официально приступит к своим обязанностям 1 сентября. Сделав ставку на молодое поколение режиссеров, дирижеров и певцов, Бернар Фоккруль превратил французский форум в «лучший оперный фестиваль мира» по версии престижной Opera Awards, но интендантский срок ему приходится заканчивать в условиях жесткой конкуренции – благодаря стараниям нового худрука Зальцбургского фестиваля Маркуса Хинтерхойзера центр оперной Европы все увереннее смещается с юга Франции на запад Австрии. Программа Экса-2018 – лишнее тому подтверждение: ни одна из пяти новых постановок, представленных этим летом, не выдерживает сравнения с прежними проектами Фоккруля, от «Написано на коже» Кэти Митчелл и «Зимнего пути» Уильяма Кентриджа до «Кармен» Дмитрия Чернякова.

Сопродюсером одной из премьер нынешнего года стал Большой театр России – московской прописки ожидают «Дидона и Эней» в неудобоваримой постановке ассистента Патриса Шеро Венсана Югэ, снабдившего одноактовку Генри Перселла балластом в виде 20-минутного разговорного пролога, пересказывающего краткое содержание предыдущих глав «Энеиды». Максимум, на что пока хватает молодого режиссера, – повторять учителя: тонущая в многозначительном сумраке монументальная набережная, похожая сразу на все декорации художника Ришара Педуцци к спектаклям Шеро, – единственное, что остается в памяти от провансальской «Дидоны». Впрочем, в афише фестиваля ей изначально было отведено второстепенное место: вместе с возобновлением «Волшебной флейты» Саймона Макберни ключевыми событиями форума стали прокофьевский «Огненный ангел» в постановке Мариуша Трелинского и «Ариадна на Наксосе» Рихарда Штрауса в режиссуре Кэти Митчелл.

Роман оказался повестью

«Огненный ангел» уже который сезон остается смутным объектом желания западного театра: только за три последних года его видели в Берлине, Мюнхене и Цюрихе, а будущей весной ждут в Риме. Актуальная европейская режиссура последовательна в своих попытках найти адекватный сценический эквивалент для балансирующей между физиологией и метафизикой музыки Прокофьева, но удачных постановок в театральной биографии партитуры почти нет. Вот и польский режиссер Мариуш Трелинский поначалу вроде бы склоняется к вполне уместному в «Огненном ангеле» сюрреализму, но постепенно скатывается в тривиальнейшую мещанскую драму: истовое визионерство молодого Прокофьева подвергнуто тщательной редактуре и выпущено в карманном формате, в засаленной мягкой обложке. Вместо готического замка – американский мотель in the middle of nowhere с вечно включенным черно-белым телевизором и липким потом постояльцев. Огненный ангел, увиденный восьмилетней Ренатой, – директор школы, совративший главную героиню и с тех пор являющийся ей в кошмарах. Общение с потусторонним миром лишь результат очередной встречи фигурантов спектакля с драгдилером.

Режиссер занят переводом фабулы романа Валерия Брюсова на язык современного обывательского сознания – и совершенно не слышит, как его ходы противоречат прокофьевскому модернизму, обжигающему и ледяному одновременно. В этом смысле ближе всех к духу и букве «Огненного ангела» подходит словацкий сценограф Борис Кудличка. По первости кажется, что он выстроил на подмостках Большого театра Прованса вполне реалистическое бытовое пространство, но очень скоро выясняется, что между помещениями мотеля нет стен, из одной комнаты легко перешагнуть в другую и все не то, чем кажется. В кульминации спектакля декорация-обманка окончательно утрачивает всякую материальность, превращаясь в бесплотный неоновый портал, скрывающий вход в кроличью нору – космос подсознания, где так комфортно чувствует себя партитура Прокофьева с ее сонористикой, на три десятилетия предвосхитившей открытия Кшиштофа Пендерецкого и других мастеров послевоенного авангарда. Между тем радикализм «Огненного ангела» почти не слышен ни в импрессионистской интерпретации Казуши Оно во главе Оркестра де Пари, ни в дуэте протагонистов Аушрине Стундите (Рената) и Скотта Хендрикса (Рупрехт), вчистую проигравших Андрею Попову (Мефистофель) и Павло Толстому (Яков Глок), сумевшим превратить эпизодические роли в мини-бенефисы.

Открытый дебют

Свою первую программу Пьер Оди скомпоновал из названий, никогда прежде не шедших в Эксе: будущим летом Ромео Кастеллуччи покажет сценическую версию «Реквиема» Моцарта, Иво ван Хове поставит «Расцвет и падение города Махагони» Курта Вайля и Бертольта Брехта, Кристоф Оноре выпустит «Тоску» Пуччини, а Андреа Брет – «Якоба Ленца» Вольфганга Рима.

Нить Ариадны
В 2001 г. легендарный интендант Жерар Мортье прощался с Зальцбургским фестивалем «Ариадной на Наксосе» Рихарда Штрауса. Историю богатого самодура, заказавшего для развлечения гостей две оперы, трагедию и комедию, а потом повелевшего исполнять их одновременно, Йосси Вилер, Серджо Морабито и Анна Фиброк разыгрывали в декорациях главной площадки Зальцбурга – Большого фестивального дворца: сверхсюжет того памятного спектакля, как, в сущности, и всего музыкального театра 1990-х, вращался вокруг встречи элитарного оперного искусства и современной культуры. 17 лет спустя духовный наследник Мортье Бернар Фоккруль отнюдь не случайно доверил «Ариадну на Наксосе» именно Кэти Митчелл – пять спектаклей, выпущенных ею в Эксе, обозначили новые рубежи оперной режиссуры 2010-х. На фоне прошлых работ Митчелл «Ариадна» несколько теряется, но для сценической истории партитуры провансальская трактовка очень важна: из множества проекций модели «театр в театре» постановщики едва ли не впервые сфокусировались на взаимоотношениях заказчиков, исполнителей и потребителей.

Всех их Митчелл в буквальном смысле сталкивает нос к носу, напоминая о том, что Штраус написал камерную по своей природе оперу: действие спектакля разворачивается в небольшой гостиной богатого особняка, перегороженной прозрачным занавесом, который отделяет импровизированную домашнюю эстраду от условного партера. Мужское насилие, поиски женской идентичности, открытость театрального приема, исследование границ между сценой и реальностью: к привычному уже набору излюбленных тем и приемов Митчелл в «Ариадне» добавляются неожиданные комические этюды о нравах высшего общества и мира закулисья – поставленные, как сказали бы раньше, с мхатовской достоверностью, с виртуозной подробностью режиссерского текста. В центре сюжета – эксцентричная пара меценатов и единственных зрителей представления двух трупп: драматург Мартин Кримп переписал разговорные диалоги Гуго фон Гофмансталя, выведя второстепенных в оригинале героев на авансцену. У Митчелл они то по-хамски комментируют зрелище, то грубо в него вмешиваются, но в конце концов оказываются заворожены магией театра – точь-в-точь как это случалось в былые годы в Эксе даже на самых радикальных спектаклях эпохи Бернара Фоккруля.

Экс-ан-Прованс
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11073

СообщениеДобавлено: Чт Июл 26, 2018 6:06 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072601
Тема| Опера, Большой театр, Премьера, «Богема».
Автор| Мария Бабалова
Заголовок| Мими и ребята
Где опубликовано| © «Российская газета»
Дата публикации| 2018-07-26
Ссылка| https://rg.ru/2018/07/25/bolshoj-teatr-zavershit-sezon-novoj-postanovkoj-opery-puchchini-bogema.html
Аннотация| Большой театр завершает 242-й сезон представлением новой постановки оперы Пуччини "Богема"

За "Богему" - оперу, которую одинаково любят и певцы, и зрители, в Большом отвечала американо-французская команда молодых постановщиков. Американский дирижер Эван Роджистер дебютирует этой работой в России. Французский режиссер Жан-Роман Весперини известен в нашем театральном пространстве лишь как ассистент выдающегося мастера Петера Штайна в его оперных постановках - "Аида" Верди на сцене Музыкального театра имени К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко и "Осуждение Фауста" Берлиоза в Большом. "Богема" оказалась для этого постановочного дуэта крепким орешком. Несмотря на то что за этой оперой прочно закрепилось четвертое место в гонке востребованности оперных шедевров (абсолютное первенство за "Травиатой" Верди).

Пуччиниевская "Богема" имела все шансы никогда не увидеть света рампы. Приятель композитора и его коллега Леонкавалло начал сочинять оперу на тот же сюжет по роману Мюрже раньше, о чем и сообщил другу. Но, похоже, эта новость только раззадорила Пуччини. В одном из миланских кафе между творцами произошла жуткая ссора. Дружба умерла навсегда, а мы в результате имеем две "Богемы". Опера Леонкавалло появилась годом позже, но осталась лишь скромным документом своей эпохи, не выдержав конкуренции с произведением Пуччини; Леонкавалло прописался в истории музыки как автор "короткометражной" оперы "Паяцы". А за Джакомо Пуччини прочно закрепилось определение "последнего великого оперного композитора". Всезнающая статистика свидетельствует: Пуччини - третий по исполняемости оперный автор в мире после Верди и Моцарта.

"Сцены из жизни богемы" у интернациональной постановочной бригады получились формально похожими на все добротные "Богемы" мира. Но сегодня наблюдать банальную смену картин (от привычной мансарды с печкой-буржуйкой посередине до встречи героев на постоялом дворе и трагической развязки в той же мансарде, где ничего не изменилось) откровенно неинтересно. Однако режиссер проявляет редкое для молодого человека рутинерство и минимализм мысли. Он лишь абсолютно линейно трактует либретто без всякой попытки обнажить чувства героев, рассказать их биографии или раскрыть какие-то потаенные смыслы оперы. Он лишь развлекает публику, умиляя ее самыми элементарными приемами: игра детей в толпе Латинского квартала, снегопад, соло шикарного белого пуделя, который стал всеобщим любимцем.

Режиссер будто не слышит пуччиниевской музыки, игнорирует ключевые авторские детали. И главное, не замечает того, как композитор задается вопросом, что есть истинный талант, что такое его востребованность обществом, а также смакует трагедию гибели молодой красавицы Мими. Ведь Пуччини, как известно, славился не только своим талантом, но и патологической жестокостью. Тосканец был страстным коллекционером холодного оружия, исключительно со следами крови охотничьих трофеев, а в одной из комнат его дома в Торре-дель-Лаго он и вовсе устроил фамильную усыпальницу, где сегодня захоронены сам Пуччини и его мать.

При подобной пассивности режиссерского решения исполнители должны быть выдающимися артистами или великолепными певцами. Театр мудро и по-современному, не делая ставку исключительно на штатных солистов, собрал приятную "богемную шестерку". Впрочем, объединить их в ансамбль у постановщиков не вышло. Каждый из солистов играл и пел за себя. Особенно выделялась обладательница роскошного "зрелого" сопрано Динара Алиева, дарящая своей героине немало интересных нюансов, требующих незаурядной вокальной техники. Но голос ее Мими будто "просился" к другим, более масштабным пуччиниевским образам, таким как Баттерфляй, Манон или Тоска.

Стопроцентно попала в субреточный образ Мюзетты Ольга Селиверстова - этакая рыжая бестия, кабаретная певичка. И тут знаменитый вальс богатой содержанки превращается в простенький эстрадный хит. В итоге это, пожалуй, самый запоминающийся характер спектакля. Из кавалеров эффектнее остальных проявил себя баритон Андрей Жилиховский в партии влюбленного в Мюзетту художника Марселя. А вот специально приглашенному басу Дэвиду Ли на роль философа Коллена явно не хватило вокальной и душевной мощи для звучащей в финале оперы небольшой трогательной арии. Жаль, что главный герой - поэт Рудольф - у известного албанского тенора Раме Лахая получился холодным и прозаичным. Всякую романтику заслонила постоянная озадаченность певца красивым звучанием и борьба за верхние ноты...

И тут нельзя не заметить, что дирижер Эван Роджистер, заменивший молодого и очень талантливого итальянца Даниэле Рустиони (который отказался от участия в "Богеме", узнав, что премьера будет на Новой, а не Исторической сцене Большого театра), будто нарочно создает солистам проблемы. И без того "плотный" пучинниевский оркестр под его руководством гремел без пощады, перекрывал голоса певцов и часто расходился с ними. Но благодаря силе пуччиниевского гения в финале публика все-таки всплакнула над печальной судьбой еще одной парижской куртизанки. Не зря все билеты на премьерные показы "Богемы" давно проданы.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11073

СообщениеДобавлено: Чт Июл 26, 2018 6:23 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072602
Тема| Опера, Большой театр, Премьера, «Богема», Персоналии
Автор| Надежда Травина
Заголовок| И дрессированный пудель по кличке Леди…
Где опубликовано| © «Независимая газета»
Дата публикации| 2018-07-26
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2018-07-26/7_7275_pudel.html
Аннотация| Большой театр закрывает сезон оперой "Богема" Джакомо Пуччини

Последней премьерой 242-го сезона в Большом театре стала опера Пуччини. Спектакль создавался под руководством французского режиссера Жана-Романа Весперини и американского дирижера Эвана Роджистера. Шедевр итальянского композитора по-прежнему привлекает многих постановщиков, и можно понять, почему актуальность этого сочинения не теряет силы. Не будет ошибкой утверждать, что тема служения искусству вопреки бедности, впервые воспетая писателем Анри Мюрже в автобиографических «Сценах из жизни богемы», во многом перекликается с проблемами творческой молодежи, студенчества нашего времени.

Музыка Пуччини – образец итальянского веризма – способна пробудить самые искренние чувства даже у сегодняшней богемы. Впрочем, богема сейчас – это уже не цыгане из Богемии и не художники-романтики парижских кружков: слово приобрело негативный оттенок и нередко применяется к представителям творческой интеллигенции, которые, как писал Мюрже, всегда могут полакомиться трюфелями на плоту горестной «Медузы».

Воссоздать жизнь парижской богемы девятнадцатого века взялся режиссер Жан-Роман Весперини. Два года назад, будучи ассистентом Петера Штайна, молодой француз дебютировал в Большом постановкой драматической легенды Берлиоза «Осуждение Фауста», еще раньше – в театре Станиславского и Немировича-Данченко с «Аидой».
Теперь он решил показать на российской сцене собственную режиссерскую работу – простую и понятную, без «оскорбления чувств» зрителей. Весперини не стал кардинально переосмыслять либретто Джакозы и Иллики и отправлять героев, скажем, в 1960-е, как сделал в спектакле Пермского театра режиссер Филипп Химмельман; не было и намека на так называемую «режоперу» и эпатаж, к которому мы уже привыкли в музыкальном театре. Однако вместо 1830 года возникает эпоха Дега, Тулуз-Лотрека, Моне и самого Пуччини, что вполне оправданно: композитор сочинял «Богему», когда постепенно возрождалась атмосфера творческих объединений поколения постнаполеоновской эпохи.

По словам режиссера, на создание сцен богемной жизни Парижа его вдохновил знаменитый фильм База Лурмана «Мулен Руж». Однако ничего кроме попытки тамбурмажора в юбке показать канкан об этом не свидетельствовало, а обилие ярко-кричащих платьев (художник по костюмам – Седрик Тирадо) и клоунских нарядов отсылало не к эстетике мюзикла, а скорее к китчу и акциям постмодерна. Впрочем, в спектакле уловить намек на воспроизведение элементов кинематографии можно было лишь в световом оформлении и видеопроекции (художники Кристоф Шопен и Этьен Гиоль). Так, дуэт Рудольфа и Мими в первой картине, звучавший на фоне гигантского плавающего месяца и звездного неба, или розовый рассвет, провожающий влюбленных, – чем не диснеевский мультик?

Сценограф Бруно де Лавенер намеренно подчеркнул разницу между незаурядной обстановкой мансарды, где предаются мечтам друзья Рудольф, Марсель, Коллен и Шонар, и атмосферой кафе «Момюс». И если в тесной трехэтажной конструкции мансарды, принявшей в себе по сюжету и любовь, и смерть, артистам было явно некомфортно и тесно, то условное кафе вместило добрую половину массовки и детский хор Большого театра.

Сам Весперини признавался, что «был сосредоточен на том, чтобы передать суть пуччиниевской драматургии, создать палитру настроений…». Отсутствие режиссерских выдумок позволило целиком и полностью сконцентрироваться на чувственной, почти сладкой музыке Пуччини и вновь восхититься умением композитора создавать ансамбли, в которых одновременно – и признание в любви, и прощание, и ревность, и веселье.

Оркестр под управлением немецкого дирижера Эвана Роджистера, впервые вставшего за пульт в Большом, в монологах и ариозо звучал сбалансированно и аккуратно, а в инструментальных эпизодах жадно вырывался на передний план, заполняя пространство экзальтированными текучими мелодиями. И все же дирижеру стоило бы акцентировать некоторые изюминки партитуры – к примеру, полиритмию, звучание параллельных аккордов и полиладовость в сцене Латинского квартала, предвосхищающие тип письма Стравинского или Хиндемита.

Наблюдать за незатейливыми перемещениями персонажей на сцене оказалось даже приятно, особенно если учесть, что их партии исполняли такие потрясающие певицы, как Динара Алиева и Ольга Селиверстова. Народная артистка Азербайджана вокально блестяще справилась с верхней тесситурой и мелодическими нюансами партитуры Пуччини, но в образ Мимине не попала – такая безысходность в голосе была ближе к куртизанке Травиате, чем к двадцатилетней швее. Ольга Селиверстова, примерившая роль актрисы Мюзетты, равно как и Андрей Жилиховский (ее возлюбленный, художник Марсель) – пожалуй, единственные, кто смог и певчески, и актерски показать свободных романтиков, ту отчаянную творческую молодежь из романа Мюрже.

Дэвид Ли и Николай Казанский (Коллен и Шонар) составили этой паре неплохую конкуренцию, наиболее ярко проявив себя в юмористических эпизодах. Что нельзя сказать об албанском теноре Раме Лахае, представшем в образе поэта Рудольфа: увы, но голос певца тонул в пучине оркестра, а жестикуляция и мимика казались неестественными и натужными. И только одна артистка справилась с поставленной задачей на сто процентов, покорив публику одним лишь появлением. Дрессированный пудель по кличке Леди грациозно вышагивал по сцене и сопровождал Мюзетту, как настоящую богемную даму – но, кажется, уже не девятнадцатого, а двадцать первого века.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11073

СообщениеДобавлено: Чт Июл 26, 2018 6:40 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072603
Тема| Опера, Фестиваль «Опера-всем», «Манон Леско» Пуччини
Автор| Вячеслав Кочнов
Заголовок| Вечная любовь на вершине лета
ТРЕТЬЯ ПОСТАНОВКА VII «ОПЕРЫ – ВСЕМ» ПРОШЛА С АНШЛАГОМ И ОГЛУШИТЕЛЬНЫМ УСПЕХОМ
Где опубликовано| © «Вечерний Санкт-Петербург»
Дата публикации| 2018-07-26
Ссылка| https://vecherka-spb.ru/2018/07/23/vechnaya-lyubov-na-vershine-leta/
Аннотация| Фестиваль

С погодой любителям оперы опять повезло: мелкий дождик стал тихонько накрапывать только в самом конце, как бы оплакивая смерть главной героини.

Что же касается самой «Манон Леско» Пуччини (закончена и поставлена в Турине в 1893 году), в отличие от остальных трех опер нынешнего фестиваля – это общепризнанный мировой шедевр, одно из высших достижений величайшего композитора. И то, что оно первое в череде прославленных му¬зыкальных драм великого итальянца, совсем ему не во вред – в «Манон», с одной стороны, много мелодической непосредственности и свежести чувств, с другой – автор в пору создания оперы был уже достаточно опытен.
Две первые, предшествовавшие «Манон», оперы Пуччини – «Виллисы» (1883) и «Эдгар» (1888) – так и не стали репертуарными, зато начиная со счастливой для него «Манон Леско» путь маэстро Джакомо состоял из череды триумфов. За первой удачей последовали подряд «Богема» (1895), «Тоска» (1899), «Мадам Баттерфляй» (1904).
О зрелости и уверенности в себе мастера говорит и то, что Пуччини, взяв сюжет знаменитого французского любовного романа, не побоялся соперничества с самим Жюлем Массне, чья опера по этому произведению шла к тому времени с огромным успехом уже на протяжении почти десятилетия.

Создатели новой сценической версии пуччиниевской «Манон» – режиссер Ирина Фокина, художник Юлия Гольцева и балетмейстер Мария Тимофеевская – также не побоялись соперничества с недавней постановкой главного режиссера Берлинской государственной оперы Юргена Флимма в Михайловском театре. Там действие драмы было перенесено в Голливуд 1940-х годов – и, по мнению критики, не слишком удачно; здесь, на Елагином острове, мы увидели чистый и беспримесный – в самом хорошем смысле этого слова – «нафталин». Все внимание режиссера, дирижера народного артиста России Сергея Стадлера и солистов было сосредоточено непосредственно на аутентичной передаче не самой простой (прежде всего в вокальном отношении) музыки и на актерской игре.
Либреттисты Пуччини, а их было пятеро (!), упростили сюжет романа аббата Прево для того, чтобы сфокусировать внимание на главном – на мощной и всепобеждающей страсти, которая превращает молодого аристократа де Гриё из наивного юноши в страстного любовника, толкая его на любые преступления и делая изгоем общества. А также на природе главной героини – молодой девушки, которая не в силах противостоять искушениям блеска светской жизни.

…Первая мысль, которая посетила меня при виде декораций: розы на бонбоньерках должны были бы быть ослепительно пурпурными – цвета безумной страсти, захватившей с первого взгляда де Гриё и Манон! Почему белые? Потому что Манон на самом деле наивная, она как ребенок, она изначально – дитя природы. Все плохое, по мнению режиссера Ирины Фокиной, с ней происходит от ее слабости при столкновении со скверными, испорченными людьми: с привыкшим покупать любовь растленным богачом Жеронтом и с ее собственным братом – королевским гвардейцем Леско, готовым продать все и вся (включая родную сестру), лишь бы иметь возможность проматывать свои дни в беззаботном безделье и веселье. Трагедия падения и смерти Манон – в ее слабости.
Да и трагедия кавалера де Гриё, по сути, тоже в его слабости, невозможности противостоять безумному шторму страсти. А с другой стороны, в этой любви и страсти заключена невероятная сила, сладость и смысл жизни обоих – и Манон, и де Гриё, – чего не могут ни понять, ни оценить окружающие.

В постановке много замечательных режиссерских находок, и большинство из них становятся доступными зрителю благодаря огромному экрану с высоким разрешением, на котором показываются крупные планы. Полосатые бело-сиреневые бонбоньерки, создающие основной каркас декораций, выражают внутренний мир молодой девушки, мечтающей о безоблачной, счастливой жизни. Из этих бонбоньерок появляются подарки Жеронта, в том числе и живые – хор, поющий мадригал в начале второго действия, и балерины, танцующие менуэт.

Но в этой клетке из бонбоньерок и дорогих подарков юная Манон готова плакать от тоски, и когда в доме Жеронта ее находит по-прежнему влюбленный в нее без ума де Гриё, она вымаливает у него прощение и, не колеблясь, готовится к побегу, которому препятствуют оскорбленный хозяин дома и вызванная им полиция, арестовывающая Манон по обвинению в распутстве и краже драгоценностей.

Что касается певцов, исполняющих главные партии, – солистов Мариинки Екатерины Шиманович и Дмитрия Демидчика – в вокальном отношении они безупречны, что при учете сложности партии и отсутствия антракта является не просто достижением – подвигом. С точки зрения внешних данных Екатерине Шиманович больше, пожалуй, подошла бы роль Кармен, а Дмитрию Демидчику – Пьера Безухова. И все же они справились. Гениальным сочетанием великолепного вокала и актерского попадания в образ можно назвать работу солиста Оперного хора Мюзик-холла Тигрия Бажакина, исполнившего партию брата Манон – законченного циника и проходимца.
Очень хотелось бы видеть эту постановку в постоянном репертуаре Мюзик-холла – полагаю, она будет иметь большой и заслуженный успех.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11073

СообщениеДобавлено: Пт Июл 27, 2018 4:33 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072701
Тема| Музыка, Фестивали, Персоналии, Е. Кисин
Автор| Ольга Мартыненко —
Заголовок| Кот в помощь
Где опубликовано| © «Новая газета»
Дата публикации| 2018-07-13
Ссылка| https://www.novayagazeta.ru/articles/2018/07/13/77137-kot-v-pomosch
Аннотация| В Кольмаре проходит юбилейный фестиваль, посвященный Евгению Кисину

«Пока мне не исполнилось шестнадцать, у нас с папой был ритуал — перед каждым моим выступлением папа рисовал мне на счастье кота, сидящего за роялем (ведь мы Кисины!), а на пюпитре писал фамилии композиторов, которых мне предстояло играть», — пишет Евгений Кисин в недавно вышедшей книге «Воспоминания и размышления». Свой литературный труд (издательство «Арт-Волхонка») знаменитый пианист посвятил отцу, заметив, что «папа всю жизнь, до самого конца, вел дневник моих концертов…». В его записях наверняка значатся выступления сына на музыкальных фестивалях Владимира Спивакова в Кольмаре, в которых Евгений Кисин, начиная с первого, 1989 года, участвовал неоднократно.

В нынешнем году на юбилейном, 30-м фестивале Владимира Спивакова в этом симпатичном городе во французском Эльзасе Евгений Кисин выступает уже как главное действующее лицо — вокруг него и развивается музыкальный праздник.

По словам Спивакова, Кисин предполагает принять в нем участие не только как пианист, но и как композитор — он автор шести пьес для фортепиано. Кроме того, на фестивале будут исполнены его виолончельная соната, квартет и трио о Шостаковиче.

Я впервые услышала Женю Кисина в 1995 году именно в Кольмаре на фестивале, посвященном великому пианисту Артуру Рубинштейну. Добавим, к слову, что Женя уже на протяжении многих лет выходит на сцену с талисманом — платком, на котором вышиты инициалы A.R., который ему подарила после концерта в Карнеги-холле старшая дочь Рубинштейна Ева со словами: «Вы единственный пианист, который напоминает мне отца».

Будущий биограф Кисина, вероятно, удивится или разочаруется тем, что становление музыканта выстраивалось по классическим лекалам «гениальности». Мама Жени, Эмилия Кисина, вспоминает, что все его внимание поглощала музыка, в 11 месяцев он запел фугу Баха, которую играла его сестра. «По сей день, — продолжает она, — музыка его настолько переполняет, что все остальное существует как бы параллельно. Самый мучительный путь был для него от кулис до рояля. Там он в своей стихии, он — король».

«Музыка для Жени — открытая книга, он постигает ее без переводчика, — свидетельствует бессменный педагог Кисина Анна Кантор. — У него абсолютно безошибочная интуиция, он срастается с любым стилем. Почему на его концертах всегда полные залы? Другие играют еще громче, еще быстрее. Он же играет так, как будто все на свете пережил и перечувствовал. Я не знаю его высоты».

В 11 лет Женя дал в Москве свой первый сольный концерт. В 12 — преодолел путь от кулис до сцены Большого зала консерватории, в 14 дебютировал на Западе. В 1988 году состоялась его встреча с Гербертом фон Караяном: потрясенный дарованием пианиста, великий дирижер предложил ему серию совместных выступлений. Женя играл с Караяном на знаменитом концерте в канун 1989 года, который транслировался на весь мир, был записан на пластинку и видео и повторен на пасхальном фестивале в Зальцбурге в марте того же года.

В сентябре 1990 года прошел дебют Кисина в США, где он исполнил два концерта Шопена с Нью-Йоркским филармоническим оркестром под управлением Зубина Меты. А неделю спустя музыкант выступил с сольным концертом в Карнеги-холле. В феврале 1992 года принял участие в церемонии Grammy Awards в Нью-Йорке, которая транслировалась по телевидению на аудиторию, состоявшую, согласно подсчетам, из миллиарда шестисот миллионов зрителей.

В Европе, Америке и Азии пианист выступает с ведущими оркестрами мира под управлением дирижеров, чье мастерство оценивается исключительно в превосходных степенях. Среди партнеров Кисина по камерной музыке — Марта Аргерих, Юрий Башмет, Наталья Гутман, Томас Квастхофф, Гидон Кремер, Александр Князев, Джеймс Ливайн, Миша Майский, Исаак Стерн и другие.

С 1991 года Евгений Кисин жил в Нью-Йорке, Лондоне и Париже, в настоящее время обосновался в Праге.

Евгений Кисин никогда не участвовал в конкурсах исполнителей, однако является лауреатом множества премий. Среди главных — премия Академии музыки «Chigiana», «Лучший пианист года» (Италия, 1991), «Инструменталист года» (1994), «Триумф» (Россия, 1997), имени Шостаковича (Россия, 2003), имени Караяна (Германия, 2005), «Грэмми» (США, 2006), имени Бенедетти Микеланджели (Италия, 2007), «Грэмми» в 2010 году за запись второго и третьего концертов для фортепиано Сергея Прокофьева.

Вызывает бесконечное уважение гражданская позиция музыканта. В прошлом году он приехал в Россию сыграть в Большом зале консерватории концерт при вручении журналистской премии «Камертон» имени Анны Политковской, которая присуждается в память о журналистах, погибших при исполнении профессионального долга. Лауреатами в тот раз стали Евгений Поддубный и Юлия Латынина, награжденные «За правдивость, бесстрашие, настойчивость и профессиональное мастерство». Кисин в тишине положил букет роз у портрета Политковской и встал около рояля. Встал и зал, чтобы минутой молчания почтить память всех погибших журналистов. Звучали стихи Бродского: «Простимся. До встреч в могиле. Близится наше время. Ну что ж? Мы не победили. Мы умрем на арене». Затем Евгений исполнил 29-ю сонату Бетховена и 12 прелюдий Рахманинова. Как объяснил сам пианист, это музыка мощная, экспрессивная. В ней вся жизнь с ее тоской и радостью.

О его политических пристрастиях можно даже не спрашивать — он сам нашел ответ у Высоцкого: «Кто кончил жизнь трагически, тот истинный поэт». В 2015-м, потрясенный убийством Немцова, написал стихи его памяти. На вопрос о совмещении творчества и гражданской позиции, заданный ему после концерта в поддержку Ходорковского и Лебедева, ответил: «Принимать участие в концертах такого рода я буду всю жизнь, пока в мире существует несправедливость».

В октябре Евгению Игоревичу исполнится 47. Мне посчастливилось взять у него интервью, когда музыканту исполнилось 30, а за плечами было уже два десятка лет исполнительской деятельности. Тогда я его, в частности, спросила, принимает ли он приписываемое ему определение музыканта-космополита? Вот его ответ:
— Я думаю, что любой настоящий художник в значительной мере космополит. Искусство интернационально, музыка тем более. Но в любом искусстве существует множество национальных школ со своими особенностями. Никакого противоречия здесь нет, наоборот. Одно дополняет и обогащает другое. Чайковского любят во всем свете, даже в тех странах, культура которых, казалось бы, не имеет ничего общего с русской. Думаю, причина в том, что его музыке, как и музыке Шопена, тоже необыкновенно популярной повсюду в мире, присуще необъяснимое свойство проникать в самую душу, в самое сердце. При этом Шопен, безусловно, остается польским композитором, а Чайковский — русским.

А за самим исполнителем, который с такой глубиной и ясностью доносит до нас их творчество, неотступно следует слово «гений», освященное авторитетом Герберта фон Караяна. Остается лишь добавить, что 13 июля, под занавес 30-го фестиваля в Кольмаре, в церкви Святого Матфея Евгений Кисин в сопровождении Национального филармонического оркестра России под управлением Владимира Спивакова исполнит одно из величайших мировых музыкальных творений — Концерт №2 для фортепиано с оркестром до минор, соч. 18 Сергея Рахманинова.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3701

СообщениеДобавлено: Вт Июл 31, 2018 11:52 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073101
Тема| Музыка, Фестивали, Персоналии, Борис Березовский
Автор| Елена Черемных, Фото: Олег Спиридонов, Видео: Олег Спиридонов
Заголовок| Как в Елабуге придумали и провели первый международный фестиваль Бориса Березовского
Рояль Yamaha, который везли из Москвы на специальном транспорте, и еще «400 килограммов инструментов»

Где опубликовано| © «БИЗНЕС Online»
Дата публикации| 2018-07-17
Ссылка| https://www.business-gazeta.ru/photo/388901
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ В ЕЛАБУГЕ



Кроме того, что Елабуга — место смерти Марины Цветаевой, это еще и развитые современные производства, и старый город с его 16 музеями, объединенными в систему Государственного историко-архитектурного и художественного музея-заповедника. В этом году его руководство организовало первый международный фестиваль Бориса Березовского. О том, как с помощью музыки город решил расстаться с самой мрачной стороной своего образа, — в репортаже «БИЗНЕС Online».

ФЕСТИВАЛЬ В «ЗАПОЛИРОВАННОМ» ГОРОДЕ

Отвечая на вопрос «Сколько фестивалей ежегодно проводится в Елабуге?», директор музея-заповедника Гульзада Руденко начинает загибать пальцы и с ходу насчитывает порядка 10 регулярных событий. Назвать их региональными и даже республиканскими язык не поворачивается. Международные цветаевские чтения проходят здесь раз в два года. Премию Марины Цветаевой вручают тоже раз в два года. Недавно открыт зал современного искусства с этномастерскими, чью продукцию вывозят в Китай и другие экзотические страны. Тут же – музей-усадьба кавалерист-девицы Надежды Дуровой. История первой в России женщины-офицера уже дошла до зальцбургского «Моцартеума»: там в режиме дипломной работы молодой голландский композитор написал оперу о женщине-вояке. В сентябре к 235-летию Надежды Андреевны Дуровой в Елабуге ждут с ответным визитом 12 членов австрийской делегации.
«Заполированный город», — ревниво шепчут об аккуратной и ухоженной Елабуге московские усадебные искусствоведы. Но «полировка» ли тот неправдоподобный ренессанс старого города, на улицах которого теперь, как в естественных декорациях, можно снимать фильмы по всему десятитомнику пьес Александра Островского?
«Фестиваль Березовского – это, что ли, самоирония города висельников такая?» — усмехаются политизированные френды на «Фейсбуке». Приходится разъяснять, что опальный олигарх – одно, а однофамилец-пианист – совсем другое. Тем более что Борис Вадимович Березовский – не просто пианист. Он большой и очень хороший музыкант плюс застенчивый и теплый человек, а без этих качеств в Елабуге вас могут и не принять.

ДРУГОЙ БОРИС БЕРЕЗОВСКИЙ

Еще до победы на конкурсе им. Чайковского («Золотая медаль» и первое место) в 1990 году Березовский успел стать лауреатом III премии престижного конкурса в Лидсе (сейчас в том же Лидсе пытает счастья его дочь – пианистка Ивлин Березовская, которая едет на второй и третий туры прямиком из Елабуги). Его называли «Музыкантом года» авторитетные европейские журналы – Diapason d`Оr и Le monde de la Musoque (Франция), Grammophone Magazine и BBC Music Magazin (Великобритания). За записи на лейблах Erato, Simax,Warner пианист был награжден жюри крупнейших премий звукозаписывающей индустрии, включая престижную Echo Klassik.
Пять лет назад, после продолжительного периода жизни в Бельгии, Березовский вернулся в Россию. Почему-то любой задаваемый ему в лоб вопрос оставляет чувство неловкости у самого спрашивающего, тогда как Березовский вам заботливо улыбается и отвечает. Спрашиваю: «Зачем вернулись?» Отвечает: «А мне тут лучше».
В ноябре прошлого года после выступления в Набережных Челнах с камерным оркестром Игоря Лермана он приехал в Елабугу впервые. Взошел на «Городище», увидел панораму, где Тойма сливается с Камой – и все. Помечтал вслух: «Неплохо бы устроить фестиваль». Моментально был услышан Руденко. Она согласовала идею с мэром Елабуги Геннадием Емельяновым. Тот, не откладывая дело в долгий ящик, получил финансовую и идейную поддержку у первого лица Татарстана Рустама Минниханова. И лучшего хедлайнера, чем международно известный пианистБерезовский, Елабуге с ее 73-тысячным населением трудно пожелать

МУЗЕЙ-ЗАПОВЕДНИК КАК ПРОМЫШЛЕННАЯ СТРУКТУРА

Народное выражение «мал золотник да дорог» в этом маленьком городке с большой историей и с еще большей любовью к своей истории звучит нефальшиво, напротив — актуально. Каждый сезон Елабугу посещают порядка 135 тыс. туристов. Их обслуживает штат музея-заповедника (150 человек) и местного информационно-туристического центра, где лишь 8 экскурсоводов, зато в его структуре есть отдел охраны памятников. Во всей остальной России этот отдел является частью административно-чиновничьего аппарата. В Елабуге это музейный орган, который контролирует состояние исторической части города. И даже если захотите от его бдительного ока укрыться, ничего у вас не получится.
Благодаря Руденко статистика музейного дела и само это дело обрели промышленные масштабы. В считанные годы директор елабужского музея-заповедника сумела задать всем своим «предприятиям» размах купцов Стахеевых — дореволюционных genius loci (гениев места), входивших в десятку крупнейших предпринимателей России. Сейчас каждый день к местному дебаркадеру причаливают не стахеевские суда с чаем, крупой, зерном или мануфактурой, а три-четыре теплохода с туристами. И с каждого теплохода по предварительным заявкам, поступающим через туринформбюро, набирается от двух до шести автобусов, которые возят по 16 музейным объектам, показывая гостям дом музей художника Шишкина, музей городской истории, музей уездной медицины имени Бехтерева и т. д. А еще — Александровский парк, «Городище», Шишкинский лес...
А еще – туристы, добирающиеся сухопутным, а не речным путем. Но главнее их всех елабужские «ребятишки», как называют местные музейщики детсадников и школьников, с пятилетнего возраста приучаемых к музейной жизни, как к молитве «Отче наш» и как к ножу и вилке за обеденным столом.
На том Елабуга и стоит, и стояла. Ведь кроме Цветаевой здесь – во вполне и не вполне мирные времена – бывали и Борис Пастернак (в 1916 году собирал «военные списки» на предприятии неподалеку от Елабуги, да и сам был призван в военкомиссию, чуть не загремел в действующую армию), и Михаил Пришвин (экстерном получал гимназический аттестат за 7-й класс), и актриса советского кино Марина Ладынина (три года училась в гимназии и играла в школьном театре), и тенор Сергей Лемешев (лечил сосновым воздухом шишкинских лесов больные легкие). Чего уж, если задолго до последнего 30-летия жизни кавалерист-девицы Надежды Дуровой, скончавшейся на 83-м году жизни, Елабуга попала в дневниковые описания самого Радищева!
Тема музыки тут не только носится в воздухе. Трудно вспомнить дома-музеи, где бы стояло сразу по три музыкальных инструмента, как в доме-музее Ивана Ивановича Шишкина. А еще — старинные фисгармонии в музее-усадьбе Дуровой и музее истории города. А еще — патефоны в залах, рассказывающих о купеческом быте и – внимание (!) — в музее памяти, где собрана удивительная коллекция о елабужанах-участниках Великой Отечественной войны.
Как бы просто ни звучало пожелание местных властей новорожденному музыкальному фестивалю «надо избавить Елабугу от образа города, где трагически оборвалась жизнь Цветаевой», еще проще звучит объяснение фестивальной концепции самим худруком-Березовским: «Просто тут надо играть как можно больше разной и красивой музыки. Город того стоит».

С ЧЕМ СРАВНИТЬ МУЗЫКАЛЬНЫЙ ФЕСТИВАЛЬ В ЕЛАБУГЕ?

– Борис Вадимович, а вас не смущает формат open air?
– Да нет, что вы, я его очень люблю.
– Какие-то образцы модельных фестивалей в Европе или Америке назовете?
– Ну, наверное, в Америке это Тэнглвуд под Бостоном и фестиваль в чикагском парке «Равиния». А в Европе – Шлезвиг-Гольштейнский фестиваль.
Для справки. Фестиваль в Тэнглвуде проводится на базе Бостонского симфонического оркестра ежегодно в 1930-х годах, когда оркестр возглавлял дирижер русского происхождения Сергей Кусевицкий. Фестиваль «Равиния» проводится в одноименном городском парке Чикаго на базе Чикагского симфонического оркестра с 1905 года. Длится все лето. Фестиваль в Шлезвиг-Гольштейне – один из крупнейших фестивалей Германии, проводится ежегодно в 47 городах, городках и деревнях в концертных залах, церквях и под открытым (не всегда безоблачным) небом.

КИЛОГРАММЫ ИНСТРУМЕНТОВ И ЯПОНСКИЙ РОЯЛЬ

Японская фирма Yamaha предоставила новому фестивалю рояль, который везли из Москвы на специальном транспорте. Оксана Левко, директор московского отделения Yamaha, прокомментировала ситуацию так: «Я просто не могла отказать такому пианисту, как Березовский. Никакой коммерческой выгоды мы не преследовали. Транспортировка и уход за инструментом обошлись нашей фирме во что-то около полумиллиона рублей. Но когда речь идет о репутационных дивидендах, японцы о деньгах не думают». (К слову, в Елабуге есть кладбище японских военнопленных, откуда в 1947 году останки 85 человек после эксгумации были увезены в Японию. Примета там такая: нехорошо тлеть в чужой земле.)
Рояль установили на открытой сцене в пространстве городского майдана у Шишкинских прудов. С инструментом приехали технологи и настройщик (всего в группе сопровождения было четыре человека). На ночь Yamaha накрывалась специальным утеплителем. Но испытанием для рояля стал лишь последний из четырех фестивальных дней, когда во время концерта разразился ливень и на укутанном пленкой инструменте Березовский играл сквозь шум дождя, рискуя не быть услышанным публикой, — по технике безопасности отключили микрофоны звукоусиления.
При этом надо было видеть публику с зонтиками и какими-то другими «защитами» от дождя... Подобравшись непосредственно к сцене, люди блаженно слушали прелюдии Шопена, Рахманинова и Лядова – безумно красивую пьесу! Как будто Березовский играл каждому из них.

ОТ ОРКЕСТРА ДО БАРДОВ

Само открытие фестиваля дождь пощадил. Оно было бы не столь торжественным, не поставь Березовский вторым обязательным условием пригласить оркестр. Инструменты для Симфонического оркестра Санкт-Петербурга под управлением Александра Титова собирали в Набережных Челнах. Чего не хватало – искали по республике (просто перевозка их из Северной столицы слишком дорого обошлась бы фестивальному бюджету). Ввиду весовых показателей и всей этой транспортной эпопеи возник пока еще небывалый в музыкальном мире артефакт: в Елабугу приехало «400 килограмм инструментов».
Ну и куда же в бывшем вятском уездном городе, каким была Елабуга, пока не вошла в состав Татарстана, без Глинки, чьей увертюрой к «Руслану и Людмиле» фестиваль и открыли? Поди играли Глинку в доме отца художника – местного градоначальника и мечтателя Ивана Васильевича Шишкина. Играли и в доме Александра Андреевича Дурова (лишь на такое обращение и откликалась кавалерист-девица и писательница, которую публиковал сам Пушкин в своем журнале «Современник», — ну не желала она быть Надеждой Андреевной, хоть ты ее – Дурову — убей!).
Первый и единственный оркестровый вечер на фоне белокаменной колокольни Спасского собора, постепенно темневшей в закатном освещении, панорамно сдвигался от форматных партитур (кроме Глинки звучали еще части Первого фортепианного концерта Рахманинова и «Праздничная увертюра» Шостаковича) к более экзотическим «Этюдам в простых тонах» (так назвал свой Концерт для альта и фортепиано с оркестром Александр Чайковский) и всенародно любимым – на бис – фрагментам музыки Георгия Свиридова к фильму «Метель». Но когда пошел зажигательный Danzon №2 мексиканского композитора Артуро Маркеса (музыка популярна благодаря записи Густаво Дудамеля с венесуэльским оркестром Симона Боливара), народ, похоже, вообще решил не расходиться по домам.
4,5 тыс. человек под открытым небом слушали оркестр, попутно разглядывали на двух видеоэкранах то пианистку Ксению Башмет, то скрипача Никиту Борисоглебского, то молодую солистку Приморской сцены Мариинского театра Айгуль Хисматуллину (ария «Алтынчеч» из оперы Назиба Жиганова). И это только в первый день! В народный аппетит к классике обычно не верится, но еще слабее верилось, что после трех дней фестиваля с тем же удовольствием здесь будут слушать Татьяну и Сергея Никитиных, а после концерта под дождем выстраиваться за автографом к Александру Гордону: телеведущий читал стихотворения (включая «У Черного моря» своего отца – поэта и художника Гарри Гордона). Вся заключительная программа, специально из-за финала ЧМ по футболу начатая в середине воскресного дня в 15:00, называлась «Под музыку Вивальди...» Вот под эту самую музыку и разразились вдруг «гром и молния» – ни дать ни взять обряд фестивального крещения природа совершала.

КЛАССИЧЕСКОЕ И НАРОДНОЕ

Между тем сам фестиваль не придавал никакого значения несочетаемости христианского с мусульманским, русского с татарским, «высокого» с «популярным» и академического с мультяшным (вроде песни Никитиных про «Лебединых лошадей»). Наоборот, сочетаться – предполагалось – будут все со всем. И колокольня Спасского собора величаво внимала что целотоновой гамме Черномора, что шаманским ритмам «Стана Тамерлана», либо нежным колоратурам «Алтынчеч». Если первой половиной концерта «Памяти Марины Цветаевой» было выступление московского хора древнерусской музыки «Сирин», красиво, как закладочками, проложенное фортепианными прелюдиями Рахманинова, то никого не удивляло, что во второй половине мы выныриваем далеко за «сакрально-духовными» буйками русской музыки. Программу завершал шуточный номер челнинского камерного оркестра Лермана под кадры мультфильма «Ежик в тумане».
Третий open air, начатый органной Токкатой и Фугой ре минор Баха в исполнении Рубина Абдуллина (портативный орган приехал из Казани), привел к музыке Астора Пьяццоллы: Оblivion («Забвение») и фрагменты цикла «Времена года в Буэнос-Айресе» в исполнении 25-летнего елабужского красавца-баяниста (теперь он еще и выпускник гнесинской академии) Айдара Салахова стали сокрушительным доказательством «всемирной отзывчивости» и всемерной одаренности уж не пойми русской, не пойми татарской души.
Днем раньше юная красавица Софья Каландадзе (тоже из гнесинской академии) разыграла другой сюжет: когда в ее исполнении «Фантазию» на темы оперы Чайковского «Евгений Онегин» для арфы соло проецировали на два видеоэкрана, казалось, буквально воскресали «... Ясные черты / Провинциальной простоты / И запоздалые наряды/ И запоздалый склад речей...» — в прелестном образе пушкинской Татьяны арфистка показалась сущим ангелом. И за «радость узнавания» публика отблагодарила так горячо, будто присутствовала на выступлении рок-группы. Приятных неожиданностей от красивой музыки и ее исполнителей вообще было много. И все они – чаще чем-то приятным – окрашивали общую фестивальную композицию. К концу четвертого дня объем музыки показался, может, даже излишним. Чуть строже подогнать бы швы, очертить хронометраж и не одними заголовками объяснять художественные намерения каждой подборки – глядишь, и из простых популистских действий, вроде мульт- и кинозавлекалок выйдет толк.
Монтажом сцены, организацией видеопроекции и звукоусилением занималась челнинская фирма MSSA. С подзвучкой — нелады. Особенно жаль было дивную виолончель Александра Князева: в самых виртуозных фрагментах Токкаты и Жиги Баха или гайдновкого до-мажорного концерта превосходный инструмент работы Карло Бергонци (1753) нарывался на реакцию истерившего микрофона (когда Князев использовал прием sul ponticello, «игра у подставки» – итал., микрофон фонил особенно вредно). Звук рояля на выходе из динамиков, говоря по совести, тоже был далековат от эталона. Вроде бы мелочи, но культурной революции, которая происходит в Елабуге, эти мелочи надо брать на заметку. В музыке качество звука равно качеству главного предмета в музейной экспозиции. Вот слов про «букет от организаторов фестиваля», с которыми выбегали к каждому исполнителю, можно в будущем и не повторять. Но куда-то в сторону передового звукоусиления фестиваль Березовского двигать стоит. Тем более что хорошая команда организаторов и исполнителей в Елабуге уже собрана. Ну а публику и собирать не придется — сама придет.

ФОТО и ВИДЕО по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3701

СообщениеДобавлено: Вт Июл 31, 2018 11:53 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073102
Тема| Музыка, Фестивали, Персоналии, Вероника Жанс, М. Пастушка
Автор| Лорета Вашкова
Заголовок| СРЕДИЗЕМНОМОРСКОЕ МУЗЫКАЛЬНОЕ ЛЕТО НА ВЛТАВЕ
Где опубликовано| © «Радио Прага»
Дата публикации| 2018-07-26
Ссылка| http://www.radio.cz/ru/rubrika/bogema/sredizemnomorskoe-muzykalnoe-leto-na-vltave
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Средиземное море вышло из своих берегов и последние две недели разливается пo Праге. А все потому что чешская столица принимает XIX международный фестиваль «Летние торжества старинной музыки» с подзаголовком Mediterraneo. Его программа соткана из мифов и историй, вдохновивших многие поколения блестящих поэтов и композиторов. Многообразие жанров, звучание редких инструментов, неаполитанское барокко, музыка светская и духовная – далеко не полный перечень того, что порадует не только узкий круг меломанов.

«Королевы Средиземноморья» в пражском времени и пространстве

В Праге уже выступила тонкий интерпретатор репертуара эпохи барроко, французская оперная дива Вероника Жанс. На концерте «Королевы в театре Королевских Виноград прозвучали арии из раритетных барочных опер Люлли, Рамо, Франсуа Куперена – в нынешнем году отмечается 350 лет со дня рождени яэтого органиста, композитора и клавесиниста.
В предыдущие годы поклонники фестиваля высоко оценили возможность познакомиться с творческим наследием немецкой монахини Хильдегарды Бингенской, автора духовных песнопений и мистических трудов, барочного композитора Барбары Строцци, сочинений, вдохновленных образами св. Чечилии и св. Марии Магдалины. Смотр напомнил и об историях, связанных с женскими мифологическими персонажами – превращённой в медведицу Kaллисто и музой танцев Терпсихорой. В этом году Летние торжества также не обошли вниманием мифы и женских героинь.
Слово драматургу фестиваля, а также художественному руководителю и флейтистке ансамбля Collegium Marianum Яне Семерадовой.
«Нынешний фестиваль озарен ласковым средиземноморским солнцем, о чем свидетельствует и его подзаголовок «Mediterraneo». Область Средиземноморья является колыбелью самых разных музыкальных направлений. Именно оттуда отправлялись итальянские и испанские музыканты покорять мир во все концы света, и культура этого региона проникла во все уголки Европы, оказав на нее большое влияние. Программа торжеств старинной музыки перенесет слушателей во многие города Средиземноморья и в другие эпохи. В нее включены арии, звучавшие в операх о таких героинях античного мира как Армида или Пенелопа. Открытие и завершение фестиваля доверено французским исполнителям.
Les Ambassadeurs и сопрано Веронике Жанс в Праге уже аплодировали, а 8 августа смотр завершит концертная версия оперы-балета L’Europe galante (Галантная Европа) в четырех выходах с прологом композитора, уроженца Франции Андре Кампра. Они посвящены странам, которые омывает Средиземное море – Испании, Франции, Италии и Турции», рассказала Русской службе Радио Прага драматург фестиваля.

В галантной кузнице Амура

И прежде всего галантным ритуалам упомянутых стран, которые представляют четыре влюбленные пары: пастух с пастушкой из Франции как олицетворение непостоянства и кокетства, ревнивые венецианцы на фоне карнавала, властный и величественный турецкий султан и султанша. А также другие герои оперы, первое действие которой разворачивается в галантной кузнице Амура.
«Балет, положенный на музыку» на стихи Антуана де Ламотта, стал одной из первых ласточек этого жанра. Его премьера состоялась в парижском Пале-Рояль в 1697 г. В Рудольфинуме в зале им. Дворжака оперa-балет впервые будет исполнен силами Les folies françoises и чешского Collegium Marianum. По словам исполнителей, они хотят напомнить сегодняшней Европе, как танец и музыка когда-то были способны объединять людей и могли бы объединять их и ныне.

Путешествие в Венецию и Палермо

В четверг в храме св. Шимона и Иуды даст концерт польский {oh!} Orkiestra Historyczna под управлением М. Пастушки. Программа под названием La Tempesta di Mare сулит путешествие в Венецию Вивальди, Палермо и Неаполь основателя Неаполетанской оперной школы Алессандро Скарлатти.
«На концерте в храме св. Шимона и Иуды прозвучат также произведения польских авторов XVII в. Адама Яржемского и Марцина Мильчевского, которые знают также и в Чехии. Помимо польских авторов, будут исполнены сочинения начала XVIII века Вивальди, Скарлатти и Гвидо»,- приглашает на концерты Яна Семерадова.

ФОТО и АУДИО на сайте
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3701

СообщениеДобавлено: Вт Июл 31, 2018 11:54 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073103
Тема| Музыка, Фестивали, Персоналии,
Автор| Валерий Кузнецов (Екатерибург)
Заголовок| Танго под звездами
Екатеринбург слушает Нетребко и Флореса

Где опубликовано| © «Российская газета» №7626 (163)
Дата публикации| 2018-07-26
Ссылка| https://rg.ru/2018/07/26/reg-urfo/ekaterinburg-poslushaet-netrebko-i-floresa.html
Аннотация| Венский фестиваль в Екатеринбурге

Тысячи горожан и гостей Екатеринбурга ежевечерне собираются на просторной площади перед главным учебным корпусом Уральского федерального университета, чтобы под открытым небом, среди зелени и цветов, послушать - вживую или на большом экране - концерты музыкальных звезд, посмотреть оперные и балетные спектакли с их участием.

Такие музыкальные фестивали впервые возникли в 1991 году на Ратушной площади Вены, а затем стали достоянием Нью-Йорка, Токио, Будапешта, Бухареста. В 2010 году к числу счастливцев присоединилась столица Урала, где теперь уже традиционный музыкальный праздник проходит при поддержке Почетного консульства Австрии. Во всем мире Венский фестиваль музыкальных фильмов собирает более 700 тысяч зрителей. В Екатеринбурге площадь перед Университетом тоже всегда переполнена: люди сидят на специально построенных трибунах и в импровизированном партере, в аллеях вокруг можно выпить кофе с венскими сластями - атмосфера дружественная, раскованная, праздничная.

Музыкальный парад открылся большим живым концертом - первым выступлением в России ансамбля исполнителей классической музыки Oberton String Octet из австрийского Граса. Его репертуар - от Вивальди до музыкального фольклора стран, откуда родом молодые музыканты: интернациональность состава - один из принципов коллектива.

Из хитов начавшегося вчера 9-го Венского фестиваля в Екатеринбурге - концерт "Хаваши симфоник-арена шоу", знаменитого музыкального обозрения, в котором участвуют 150 музыкантов от Армении до Индии, японские барабанщики, большой симфонический оркестр и солисты. На огромном экране зрители увидят записи опер "Милосердие Тита" Моцарта (по трансляции из Зальцбурга, за пультом Теодор Курентзис), "Ромео и Джульетта" Гуно с Хуаном Диего Флоресом и Аидой Гарифуллиной (за пультом Венской оперы Пласидо Доминго) и "Аида" Верди с Анной Нетребко (трансляция из Зальцбурга, дирижер Риккардо Мути), балета Чайковского "Щелкунчик" в постановке Мариинского театра. В записях пройдут концерты Дмитрия Хворостовского, Ольги Перетятько, Михаила Плетнева, канадско-португальской певицы Нелли Фуртадо, Лос-Анджелесского и Венского филармонических оркестров.

Завершится музыкальный фестиваль под открытым небом традиционным DJ-парадом: в живых выступлениях примут участие знаменитые диджеи из Москвы, Риги, Петербурга и Екатеринбурга.

ФОТОГАЛЕРЕЯ на сайте
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3701

СообщениеДобавлено: Ср Авг 01, 2018 1:18 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073104
Тема| Музыка, Фестивали, Зальцбургский фестиваль, Персоналии, Марис Янсонс
Автор| Владимир Дудин
Заголовок| Графиня изменившимся лицом
Дирижер Марис Янсонс рассказал о главной сенсации Зальцбургского фестиваля

Где опубликовано| © «Российская газета» №7629 (166)
Дата публикации| 2018-07-31
Ссылка| https://rg.ru/2018/07/31/dirizher-maris-iansons-rasskazal-o-glavnoj-sensacii-zalcburgskogo-festivalia.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Марис Янсонс - один из самых артистичных дирижеров мира. Фото: Reuters

На "Пиковую даму" Чайковского на Зальцбургском фестивале все билеты на все шесть спектаклей проданы. За пульт встанет сам Марис Янсонс, который в прошлом году там с громадным успехом продирижировал "Леди Макбет Мценского уезда" Шостаковича. Режиссером постановки выступит 77-летний Ханс Нойенфельс с репутацией скандалиста. О том, как сложился творческий диалог дирижера и режиссера, о послании Чайковского и своих оперных планах маэстро Янсонс рассказал "РГ".

Марис Арвидович, как вас встречает Зальцбургский фестиваль?

Марис Янсонс: Очень-очень, здесь замечательная обстановка, весь город живет музыкой, фестивалем, все - на творческом подъеме. Все-таки это лучший фестиваль, отличающийся разнообразием, где собраны сильные исполнители, прежде всего оркестр Венской филармонии - всё вместе создает в это время в Зальцбурге уникальную атмосферу.

Какие концерты и спектакли обязательно запланировали посетить на фестивале?

Марис Янсонс: Основную программу фестиваля предварил концертный проект Ouverture spirituele, "Духовная увертюра", но у меня были репетиции, а когда три репетиции в день, сил на концерты уже не остается. Как только появится больше времени, у меня есть возможность пойти на любой концерт, спектакль, любую репетицию. Пока что целый месяц был посвящен подготовке "Пиковой дамы".

Вы подаете пример некоторым дирижерам, готовящим премьеру за несколько дней. Довольны певцами, которых лично прослушивали для "Пиковой дамы"?

Марис Янсонс: Певцы - за-ме-ча-тель-ны-е! Нет ни одного, кем я был бы не доволен, ни одного певца среднего класса - все очень высокого, поют и играют превосходно. Считаю, что состав просто эталонный.

Как вы сотрудничаете с одним из самых эпатажных немецких режиссеров Хансом Нойенфельсом?

Марис Янсонс: Очень хорошо. Ханс - опытнейший режиссер, образованный, все понимающий, готовый к моим пожеланиям. У нас возник очень хороший контакт. Он не отрицал некоторых моих просьб, я старался понять его и не вмешиваться. Мне не пришлось разъяснять ему, что такое Пушкин - он все прекрасно знает, Пушкина читал, разницу между его повестью и либретто Модеста Чайковского понимает. Все же режиссер такого уровня, приезжая на постановку в Зальцбург, готовился к ней и изучал всё, что может, так же, как и я. Он обошелся без переносов в эпохи, во всяком случае не акцентировал внимания на XVIII или XIX веке, на пушкинской поре, а, как мне показалось, нашел что-то вневременное. Словом, обошелся без скандалов и чего-то такого неожиданного.

А свои впечатления от самой первой "Пиковой дамы" вы помните?

Марис Янсонс: Конечно, моя мама тогда пела Полину, меня брали на все ее репетиции. Я ясно помню, что в момент появления Графини мне всегда становилось страшно. Но мне тогда было годика 4-5. Так что впечатления от этой оперы с самого детства очень сильные. "Пиковую даму" я ставлю даже выше куда более популярного в мире "Евгения Онегина", для меня она входит в первую десятку лучших опер мира.

Коль скоро вы так высоко ставите "Пиковую даму", какое вы видите в ней послание Чайковского человечеству?

Марис Янсонс: Он хотел сказать о том, как разбивается жизнь людей, когда они меняют истинную любовь на азарт и страсть, на игру, выбивающую логическое мышление, к какой трагедии это приводит. Ноты - это, конечно же, всего лишь знаки. Я - не прорицатель. Но когда вы слушаете музыку, ваша задача, как я считаю, постараться на сто процентов проникнуть через музыку в атмосферу, содержание, заложенное композитором. Хотя довольно трудно иногда бывает узнать о глубине намерений автора, потому что в тот момент, который для вас кажется чем-то очень глубоким, композитор, возможно, вообще ничего не имел в виду и просто пил пиво или водку, кто его знает? А может быть, и нет. Тогда помогает ваша интуиция или ассоциации, и вы уже начинаете передавать эмоцию, которая идет именно от ваших личных ощущений.

Так пугавшая вас в детстве Графиня какую роль играет в этой трагедии?

Марис Янсонс: Очень важную роль: она - носитель фатального начала, несущая груз предыдущего века, его манер. Ее роковая тайна является катализатором всего страшного, происходящего в опере, приводящего к гибели, всё исходит от нее.

Вы когда-нибудь мечтали о том, что окажетесь на таком дирижерском Олимпе, займете позицию, которую занимаете сейчас?

Марис Янсонс: Никогда не думал. В этом году я получил звания Почетного дирижера Берлинской филармонии, а в июне - и Почетного дирижера Венской филармонии. Это самое высшее, что может быть. Это звание присуждается оркестром. Я мечтал только об одном: быть дирижером, мне просто хотелось встать за пульт и дирижировать. А задаваться целью, где и с каким именно оркестром буду работать, конечно, не думал. Я занимался только улучшением качества, это меня беспокоило. А уж куда эти мысли меня привели, туда и привели. Сегодня - Олимп, а завтра не Олимп.

Какие оперы вам бы хотелось продирижировать в ближайшие годы?

Марис Янсонс: Думаю, что надо бы, конечно, взяться за "Бориса Годунова" Мусоргского. Потом хотелось бы снова вернуться к Пуччини. Но не знаю, как сложится, потому что с "Богемой", которую я боготворил, связан трагический момент в моей жизни: инфаркт случился во время этой оперы, когда я упал прямо на сцене, - вот это то, что вы называете роком. Человек начинает думать, что, может быть, и не надо, но я настроен оптимистически.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3701

СообщениеДобавлено: Ср Авг 01, 2018 1:18 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073105
Тема| Музыка, Фестивали, BBC Proms, musicAeterna , Персоналии, Теодор Курентзис
Автор| Телевизионная служба новостей
Заголовок| Теодор Курентзис и оркестр musicAeterna выступили в королевском Альберт-Холле
Где опубликовано| © «Рифей-Пермь»
Дата публикации| 2018-07-31
Ссылка| http://www.rifey.ru/news/perm/show_id_67778
Аннотация| ГАСТРОЛИ

Пермский оркестр - на одной из самых престижных сцен мира. Коллектив musicAeterna под управлением Теодора Курентзиса выступил в королевском Альберт-Холле в Лондоне. Наши музыканты стали участниками масштабного международного фестиваля «BBC Proms». Это форум променадных концертов классической музыки. Которые больше ста лет устраиваются в лондонских парках.
Пермский оркестр исполнил две симфонии Бетховена. Маэстро Курентзис представил британской публике свое прочтение бетховенских партитур. На сайте фестиваля концерт анонсировали, как весьма необычный: «Это Бетховен, но не такой, каким вы его знаете. Дирижер Теодор Курентзис и специализирующийся на историческом исполнительстве оркестр musicAeterna ломают устоявшиеся правила. И достигают потрясающего, отмеченного многими премиями результата».
Впереди у коллектива участие в фестивале в Зальцбурге. Он состоится в середине августа. Там музыканты исполнят полный цикл симфоний Бетховена.

ВИДЕО по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3701

СообщениеДобавлено: Ср Авг 01, 2018 1:19 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073106
Тема| Музыка, Международный конкурс юных вокалистов Елены Образцовой, Персоналии, Ирена Милькявичюте, Асмик Григорян
Автор| Владимир ДУДИН
Заголовок| Ирена Милькявичюте: «Каждый певец – уникум»
Где опубликовано| © «Санкт-Петербургские ведомости» № 137 (6246)
Дата публикации| 2018-07-31
Ссылка| https://spbvedomosti.ru/news/culture/berech_kazhdyy_golos/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Певица рассказала нашему музыковеду о продолжении своей исполнительской карьеры и бережном обучении детей.

Ирена Милькявичюте впервые приняла участие в жюри Международного конкурса юных вокалистов Елены Образцовой, который проходил в седьмой раз.

Профессор Литовской академии музыки и театра известна петербуржцам-ленинградцам прежде всего как оперное лирико-драматическое сопрано, исполнительница партий Аиды и Елизаветы в операх Верди. В них она выступала на сцене Мариинского театра со своим мужем - знаменитым тенором Гегамом Григоряном. Сегодня к букету ее славы добавилась еще и дочь Асмик Григорян, ее ученица, сопрано, восхищающая Европу своими успехами.

- Вы впервые участвуете в жюри международного конкурса юных вокалистов Елены Образцовой. Приходилось до этого «жюрить» детей?

- На протяжении двух лет я езжу по городам Литвы, где слушаю детей иногда даже не от пяти, а от трех лет и до тех, кто заканчивает среднюю школу, то есть до 19-летних. Так происходит отбор на телевизионный конкурс «Песнь песней», который существует уже почти двадцать пять лет. В Каунасе на конкурсе «Сонорум» я однажды была председателем жюри.

- Нужны ли детям такие сложные конкурсы?

- Нужны, но к детям нужно очень бережно относиться. Прежде всего нельзя торопить природу, которая тоже должна поработать над голосом ребенка. В любом случае не надо делать из малышей сразу оперных певцов. Я много слушаю детей, не так давно довелось послушать девушку, которая оперным голосом пела арию Лауретты из «Джанни Скикки» Пуччини, пела чудесно, но в голосе уже была слышна тремоляция, или так называемый кач, ее дыхание не было готовым для оперного объема. Так что необходима предельная осторожность, особенно у мальчиков в период мутации. Я сама участвовала в разных конкурсах, правда, уже будучи взрослой певицей. А вот моя дочь во взрослом возрасте не стала участвовать в конкурсах.

- Вы довольны тем, как у Асмик развивается карьера?

- У Асмик очень большая нагрузка, она поет музыку разных композиторов, совсем скоро ее ждет дебют в «Саломее» Штрауса на Зальцбургском фестивале. До этого она уже исполняла Штрауса - Хризотемис в «Электре». Была и Тамара в «Демоне» Рубинштейна на премьере оперы в Барселоне, Полина в «Игроке» Прокофьева, где уже совсем не белькантовое пение. Она пела даже в мюзикле «Суини Тодд». И это все для голоса не так безопасно - петь в столь контрастных стилях.

- Ваш зять режиссер Василий Бархатов приглашает вас в свои постановки?

- Когда он ставил «Евгения Онегина» в Вильнюсском театре, я спела Няню. Мне было очень интересно. Раньше я пела эту партию в постановке «Опера-сити» вместе со своей дочерью. Сейчас я готовлюсь к дебюту в партии Графини в «Пиковой даме» Чайковского, но уже с другим режиссером, который сделал мне это предложение вместе с дирижером Гинтарасом Ринкявичюсом...

- Выбор профессионального пути у дочери был предрешен? Она слушала, как поют мама с папой?

- И первого, и второго ребенка, а у меня еще есть сын, я с детства учила музыке, но никогда не говорила им, что они будут певцами, лишь думала об этом. Сын пошел по своему пути, хотя и окончил нашу музыкальную академию как гобоист. Дочь училась в музыкальной школе до девятого класса, потом ее бросила: как только экзамены - у нее поднималась температура. Она перешла в обычную школу, ее и окончила. Но эти девять лет музыкальной школы ей до сих пор очень помогают. Я уже работала в музыкальной академии, знала, что у Асмик есть красивый голос, и предложила ей поступить на вокальное отделение. На вступительном экзамене она спела арию Лючии. Ее не взяли на I курс, приняли на подготовительный, потому что ей было 18, а у нас принимают с 19. В следующем году, когда она поступала, пела уже арию Тоски, которую выбрала сама.
Асмик поступила в академию, но никто не хотел брать на обучение дочь Милькявичюте и Григоряна, боялись ответственности. В итоге она поступила ко мне, у меня и закончила.

- Учить собственного ребенка, наверное, не очень просто даже самому опытному педагогу.

- Да, это было непросто. Но как я могла отказываться, если никто ее не брал? Асмик - девушка с открытым темпераментом, а у меня - внутренний. Бывало, что во время уроков я выходила из класса. Но результаты все равно были достигнуты. Она и у отца немного поучилась. Сегодня она продолжает заниматься - учится у шведского педагога. Асмик и языки совершенствует, занимается спортивной йогой, поскольку физическая нагрузка у современных певцов очень высокая, тело должно быть натренировано. Она всегда была мальчишеской комплекции, а певица должна хорошо выглядеть. Еще у нее и ребенок маленький. Ее сыну уже 15, а дочери скоро будет два. И я очень рада, что ее свекровь, мама Василия Бархатова, очень помогает, все время ездит с ними вместе, чтобы малышка была рядом с мамой. Асмик уже спустя месяц после рождения начала репетировать, при этом кормила. Дочь рассказывала мне, что в один из зимних дней мама Василия каждый час привозила ребенка на кормление.

- Асмик не боится участвовать в смелых режиссерских постановках, когда режиссеры эпатируют публику. Вы, наверное, дискутируете с ней на эти темы?

- Всегда. Нам лучше не начинать говорить на эту тему, потому что мнения часто расходятся. Но должна сказать, что и она уже меняет свое мнение и считает, что таким режиссерам-провокаторам почти уже нечего сказать. В этом мы единодушны. Я за то, чтобы режиссеры ставили то, что написано композиторами. Наверное, сегодня - режиссерское время. И это жаль, потому что музыка страдает. Да и к голосам эти режиссеры относятся зачастую бездумно, не думают о том, что каждого певца надо беречь. Каждый певец - уникум, который не повторяется...
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11073

СообщениеДобавлено: Пт Авг 03, 2018 5:19 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018073107
Тема| Музыка, Международный конкурс юных вокалистов Елены Образцовой, Персоналии, А. Володин
Автор| Сергей Панкратов
Заголовок| Алексей Володин: "Пианист, волнуйся на здоровье и рискуй на сцене!"
Где опубликовано| © «Независимая газета»
Дата публикации| 2018-07-30
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2018-07-30/11_7277_volodin.html

Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Известный музыкант рассказал "НГ" о российском провинциальном детстве, успехе в Европе и планах написать книгу об искусстве фортепианной игры
В новом сезоне Алексей Володин хочет, в частности, вернуться к Баху, Моцарту и Бетховену, чьих произведений некоторое время не было в его программах. Фото © Volker Jacoby/www.alexeivolodin.com
Алексей Володин – один из самых талантливых представителей русской фортепианной школы. Был удостоен звания лауреата на международных конкурсах Паломы О’Ши в Сантандере (Испания, 1998), в Сиднее (Австралия, 2000) и имени Эннио Поррино в Кальяри (Италия, 2001). Международная карьера этого музыканта начала стремительно развиваться после блестящей победы на Международном конкурсе пианистов имени Гезы Анды в Цюрихе в 2003 году. Сегодня Володин с успехом выступает в известных концертных залах мира: Ройял-фестивал-холле в Лондоне, Ла Скала в Милане, Линкольн-центре в Нью-Йорке, Сантори-холле в Токио. Зарубежные музыкальные критики называют его представителем «романтического пианизма», а вот в России он все еще «молодой исполнитель». Журналист Сергей ПАНКРАТОВ специально для «НГ» поговорил с Алексеем ВОЛОДИНЫМ о конкуренции в жизни и музыке, о законах современной музыкальной индустрии и о том, какую музыку слушают в эконом-классе самолета.
Мы встретились с Алексеем Володиным в уютном пригороде Мадрида – Pozuelo de Alarcon, где он живет уже несколько лет. Сразу бросилось в глаза, что сценический образ пианиста заметно отличается от его повседневного облика. На сцене Володин даже при самом страстном исполнении выглядит крайне сосредоточенным, скупым на эмоции: самые громкие овации вызывают на его лице еле заметную, сдержанную улыбку. А в жизни Алексей оказался живым, ироничным человеком, что и задало тон беседе.

– Алексей, наконец-то мы встретились! Вас так трудно застать дома. Вы прямо летучий голландец! Это в порядке вещей – днем репетировать с оркестром в Вене, вечером сольный концерт в Париже, а поздний ужин – уже дома в Мадриде?
– Бывают и более замысловатые маршруты. Вот недавно после концерта на Тайване вместо отеля – самолет и репетиция с оркестром в Неаполе.
– Не представляю, как после такого перелета можно выйти на сцену.
– Можно. Хотя, конечно, определенный профессионализм и выносливость требуются. Опять же самолеты стали намного комфортнее...
– Первый класс – мечта поэта! Красавицы стюардессы, изысканные напитки. Одна из приятных сторон жизни успеха артиста?
– Если я вам скажу, что абсолютно равнодушен к тому, что в первом классе пассажирам подается теплое шампанское Dom Perignon или Krug, а также черная икра с луком и яйцом и красивые стюардессы, улыбаясь и глядя вам в глаза, запросто называют свое имя и просят приоткрыть тайну вашего имени, вы мне не поверите... И будете правы. Но помимо гламура у первого класса есть одно практическое преимущество. Можно выспаться, принять душ и относительно свежим направиться на концерт или репетицию прямо из аэропорта. Хотя гастрольная жизнь полна сюрпризов. Обстоятельства могут сложиться так, что приходится лететь на другой континент эконом-классом.
– Чем развлекаете себя в таких перелетах?
– Разучиваю партитуры, смотрю на окружающих. Знаете, на межконтинентальных рейсах среди пассажиров эконом-класса можно встретить таких индивидуумов! Вот недавно летел из Парижа. Занял свое среднее кресло между двумя пассажирами. Вижу: у обоих в руках бумажные книги. Оба серьезны. Ну, я тоже интеллектуал: открываю партитуру Десятой Малера, углубляюсь в эскизы и политональные наложения. Однако, утомившись от тяжелых умственных усилий, смотрю на соседа слева, тот читает «Мастера и Маргариту»... на испанском! Смотрю на того, что справа, – он, убрав книгу, слушает через наушники Восьмую симфонию Брукнера. Восьмую! Как говорил один из моих любимых литературных героев, «часто у самых интересных людей меньше всего денег»…
– Алексей, боюсь, читатели нас не поймут. Мы говорим с полчаса, и пока ни слова о музыке.
– Надеюсь, поймут. И даже простят, когда узнают, что много гастролирующий пианист если не 90, то уж 80 процентов своей жизни точно проводит в самолете или в аэропорту.
– Хорошо, но все же давайте с небес на землю. В каком возрасте вы впервые удивили взрослых своим исполнительским мастерством?
– По сегодняшним меркам – поздно, лет в десять, когда учился в музыкальной школе. Должен разочаровать: я не был вундеркиндом, который в пять лет выступал с концертной программой. У меня просто не было такой возможности. Хотя я родился в Ленинграде, мое детство прошло вдали от больших городов, в сельской местности, и когда мои городские сверстники уже ходили в вундеркиндах, я мечтал о том, что стану водителем автобуса.
– То есть вы не вписываетесь в стандартную схему успеха российских пианистов: когда в три года родители-музыканты усаживают чадо за гаммы, в пять – это уже готовый вундеркинд, который без видимых усилий играет Листа, а в 17 – лауреат престижных конкурсов…
– Вы знаете, а я до конца не уверен, что эта схема совершенна. Более того, я резко отрицательно отношусь к стремлению некоторых родителей сделать из ребенка вундеркинда. Хорошо, если он от природы действительно вундеркинд. А если у ребенка просто есть задатки и родители буквально привязывают его к пианино, чтобы достичь нужного исполнения? Да, пятилетние дети, легко и непринужденно исполняющие Листа, вызывают умиление. Но потом у них начинается бесконечная гонка за лидером. И часто случается так, что ранний успех и музыкальный конвейер из 100 концертов в год ни к чему хорошему не приводит. Я вот не понимаю, почему у человека в 17–18 лет должно быть все и сразу.
– Хорошо. А откуда тогда столь резкое омоложение среди исполнителей классики?
– Это все идет от шоу-бизнеса. Мировой шоу-бизнес работает сейчас так, что новые звезды, которые появляются, должны быть все моложе и моложе. Это привлекает публику! Хотя я убежден: всякая творческая карьера должна развиваться гармонично, постепенно, синхронно с развитием психики, жизненного опыта, да и просто человеческого организма. Вот, к примеру, писатель вряд ли может написать зрелый роман в 16 лет. Он скорее напишет его в 30 или в 40. То же самое относится и к исполнителю. Его жизненный опыт, интеллект, знания должны более или менее соответствовать тому, что он играет.
– А как сами вы пришли в музыку? Родители на ваш выбор никак не влияли?
– Очень даже влияли, но косвенно. У них не было возможности усадить меня за рояль. Они не были музыкантами, но любили и уважали музыку. У нас была замечательная коллекция пластинок. В доме всегда звучала классика. И когда наша семья вернулась в Ленинград – мне тогда шел восьмой год, – у меня не было сомнений, я хотел учиться только в музыкальной школе.
– Согласитесь, так почти не бывает. Мальчик, до восьми лет проживший в глубокой русской провинции, вдруг решил стать пианистом и впоследствии покорил Запад своим исполнительским мастерством…
– Я понимаю, журналистам важно найти необычный поворот. Но не стоит забывать, что между мальчиком из провинции и победами на престижных международных конкурсах было Музыкальное училище имени Гнесиных, Московская консерватория с замечательным педагогом Элисо Вирсаладзе и Фортепьянная академия на озере Комо в Италии.
– Согласен, сюжет из «Золушки» не получается. Но все равно факт – ваша популярность на Западе заметно обогнала вашу известность на родине. Как правило, наши музыканты делают карьеру дома, а потом уже едут покорять Запад. У вас же все с точностью до наоборот: получили известность за рубежом, а потом уже стали гастролировать в России. Как удалось пробиться?
– Самым обычным и естественным для пианиста путем – через конкурсы.
– А как вы относитесь к конкурсам? Сегодня много говорят о том, что престиж музыкальных конкурсов упал, их слишком много, и даже победа на престижном конкурсе успеха в творческой карьере не гарантирует.
– Меня часто об этом спрашивают. И я, со свойственной мне упертостью, повторяю: мое отношение к ним самое лучшее, какое только можно себе представить! Вот только «лучшее» не значит «восторженное». Понимаете, конкурс – это слепок самой жизни. Абсолютно справедливых конкурсов не бывает. Сама жизнь несправедлива, если пытаться уложить понятие справедливости в рамки нашего мировосприятия, ограниченного в той или иной мере. Иными словами: если вы считаете результаты конкурса правильными, это значит, что вам в этот раз понравились победители, не более того. Участие в конкурсе может порадовать участника, а может травмировать – то же самое происходит и в жизни. Кто сказал, что жить – это всегда приятно? В конкурсе проигрывает всегда по умолчанию большинство, а побеждает – один, максимум два человека. Разве не так и в жизни? Отрицать систему конкурса, принцип конкуренции – значит не принимать само устройство жизни. Мой вывод: если вы полагаетесь только на себя, на свое мастерство, то у вас нет другого пути пробиться наверх, кроме как участвовать в конкурсах.
– Почему же нет другого пути? Сейчас и в классической музыке стало очень модным слово «промоушен». Когда в исполнителя вкладываются деньги, в его рекламу, пиар-компанию в прессе. Есть и другие способы обеспечить паблисити. Например, среди российских музыкантов, проживающих на Западе, модно быть в оппозиции к нынешней российской власти. Или, наоборот, активно ее поддерживать. И то и другое служит хорошим паблисти…
– Меня это абсолютно не волнует.
– Вас не волнует, то, что происходит в нашей стране?
– Наоборот. Я знаю Россию, как вряд ли знает кто другой из нынешней плеяды успешных российских музыкантов, сохранил связь с российской провинцией через близких. Но, понимаете, для меня музыка существует отдельно, она не должна совмещаться с такими понятиями, как политика, промоушен, паблисити.
– Хорошо, вернемся к теме конкурсов. Вы как исполнитель успешно прошли через целую серию европейских музыкальных конкурсов. После какого из них вы проснулись знаменитым?
– После победы на одном из самых престижных конкурсов пианистов в Цюрихе. Только не пишите, что меня стали узнавать на улицах. Просто у меня появился импресарио, постоянный контракт.
– И сразу же двухтысячные залы, большие гонорары?
– Ну не сразу, скажем так, поэтапно. И кстати, открою секрет. В классической музыке, если вы выступаете в известном концертном зале, это не означает, что вы получите большой гонорар. Наоборот, часто бывает, что чем престижнее площадка, тем гонорар меньше. Например, в Англии очень много престижных залов, но платят там меньше всего.
– Ваши отношения со слушателями. Вы исполняете для них то, что на слуху, то, что они хотят услышать, или то, что в данный момент близко вам?
– В каком бы зале я ни выступал, всегда ориентируюсь только на ту музыку, которая волнует меня именно сейчас. Это как у писателя, самая любимая собственная книга всегда та, которую он только что закончил. Если в какой-то стране не знают композитора, то я стараюсь его открыть. Хотя, конечно, бывают и исключения. В Японии, например, импресарио просят играть только хорошо известные, узнаваемые вещи.
– А что вам близко именно сейчас?
– В этом сезоне я, как обычно, буду играть несколько программ. Одна полностью состоит из произведений русских композиторов, я назвал ее «Сказки», музыка Метнера, Чайковского и Балакирева. И появилось желание вернуться к тем композиторам, которых некоторое время не было в моих программах, – Баху, Моцарту, Бетховену.
– Кто из пианистов вам импонирует больше всего?
– Те, которые могут исполнить знакомую музыку так, словно слышишь ее впервые, настолько свежо и талантливо их исполнение. Именно поэтому я часто называю Горовица, Корто, Шнабеля, Рахманинова. Из современных – Плетнева, Лифшица. Конечно, есть и другие, я всегда боюсь забыть кого-то.
– В последнее время вы чаще выступаете в России. Хотите, чтобы вас лучше узнали на родине?
– Естественно! А то ведь получается какой-то перекос: за рубежом я состоявшийся, известный пианист, выступающий в самых больших залах, а в России все еще «молодой исполнитель».
– Ну, вам грех жаловаться. «Молодому исполнителю» Володину в России предоставляют самые престижные площадки, например зал Московской консерватории.
– В России я выступаю с удовольствием везде, не только в больших залах. И выступал бы еще больше, если бы не один чисто технический момент.
– Какой, если не секрет?
– Понимаете, сейчас у нас в стране сложилась такая экономическая ситуация, когда далеко не каждый импресарио может предложить достойный гонорар.
– Если речь идет о гастролях в родном отечестве, то думаю, что сумма гонорара не всегда имеет принципиальное значение.
– Вы не знакомы с законами музыкальной индустрии. Нужно понимать, что если я в каком-то российском городе сыграю за слишком скромный гонорар, то другие организаторы моих концертов в России, которые платят достойно, почувствуют себя обманутыми.
– Это значит, что ваши гастроли будут в России все реже и реже?
– Надеюсь, нет. Во-первых, в России еще остались импресарио, которые держат планку европейского уровня. А во-вторых, благотворительность никто не отменял. Бывают такие ситуации, такие концерты, когда я готов играть абсолютно бесплатно. Но это должен быть мой личный выбор. Никакого давления в этом вопросе быть не может. Например, абсолютно естественным для меня было участие в мемориальном концерте памяти жертв пожара в Кемерове. Эта идея появилась у замечательного скрипача Вадима Репина, и, когда он позвонил мне, я, ни секунды не раздумывая, дал свое согласие.
– Вернемся к тому, что называется исполнительским мастерством. Вы все еще волнуетесь перед выходом на сцену?
– Вы знаете, сценическое волнение – это тонкая вещь. Оно может и помешать исполнителю, а может и помочь. Бывало, в молодости я очень волновался перед выходом на сцену, и это мешало. Сложнее было самовыразиться, исполнение было более сухим, скованным. С годами пришла уверенность, и это нездоровое волнение улетучилось. Однако музыкантам хорошо известно, что волнение может действовать и как стимулятор. Если хотите, помогает достичь особой страстности в игре.
По опыту знаю, адреналин действует безотказно. Мобилизует все силы: заставляет мозг работать быстрее, действует как обезболивающее. И даже как средство против простуды! Поэтому артисты на сцене никогда не чихают, не кашляют в отличие от публики. То есть буквально никогда – зарегистрировано ноль случаев чихания в истории исполнительской практики. К тому же игра артиста, испытывающего адреналиновую передозировку, почти всегда производит большее впечатление и слушается увлекательно, вот почему именно студийные записи часто скучны. Люди, которые волновались, остались в истории. Великолепный Марк Гамбург забыт. Вывод простой: пианист, волнуйся на здоровье и рискуй на сцене! Пару октав ты промажешь, но в историю войдешь, возможно, не только этим!
– Мне не раз доводилось слушать споры музыкантов о том, где самая приятная публика. У вас есть свои пристрастия?
– Поверьте, стоит только создать стереотип в своем воображении – он тотчас же будет разрушен опытом и практикой. Не существует никакой горячей публики в горячих странах. Я всегда находил итальянскую публику немного высокомерной. Испанскую, пожалуй, тоже. Французская – изумительная везде. А вот на севере, в Швеции или Голландии – гораздо теплее! (Держим в уме, что наше исполнение везде по умолчанию прекрасно.) Впрочем, и из этого нельзя делать системы: публика и ее настрой могут варьироваться от города к городу.
– А ваше отношение к российской публике? Она эмоциональная или, наоборот, сдержанная?
– Публика в России хорошая, теплая. Русскому артисту покорить ее вдвойне приятно, так как у нас на родине все-таки в основном предпочитают иностранцев. Артист, пользующийся некоторым успехом, сразу же начинает вспоминать слова о пророке в своем отечестве. В том плане, что он-таки в нем есть! Он даже иной раз говорит, что публика у нас самая лучшая, и верит в это искренне, пока не оказывается в Канаде, где его патриотизм после 10 бисов мгновенно сменяется всеобъемлющей любовью к миру и космополитической широтой взглядов. Кстати, Гилельс считал, что лучшая публика – в Чехии. Его игра по умолчанию была прекрасна.
– Когда вы почувствовали, что у вас появилась своя публика, свои поклонники?
– Когда стал узнавать про себя забавные, я бы даже сказал, мифические истории. Вот недавно во время моего последнего приезда в Казань мне рассказали такой случай. Оказалось, что «Володин такой скромный, интеллигентный человек! В прошлый раз охрана не пустила его на собственный концерт, так он даже купил билет на себя, чтобы попасть в зал». Замечу на полях: слухи о моей беспрецедентной интеллигентности в целом, безусловно, верны. И все же они несколько преувеличены...
– У вас есть еще увлечения помимо музыки?
– Какие могут увлечения у человека, который все время в дороге? Конечно, мобильные, то есть все, что связано с Интернетом. Играю в шахматы по Интернету, веду путевые заметки.
– И мы когда-нибудь прочитаем что-то вроде «Записок пианиста»?
– Я не знаю, если дело дойдет до книги, будут ли это путевые заметки или книжка об искусстве фортепианной игры, но первый абзац у меня уже есть: «Насколько я обожаю, поклоняюсь, преклоняюсь перед понятием свободы и не представляю себя без свободы в жизни, настолько же я подозрительно и недоверчиво отношусь к свободе в так называемом исполнительстве»…
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11073

СообщениеДобавлено: Чт Авг 16, 2018 3:37 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 20180773201
Тема| Музыка, Опера, лаборатория "КоOPERAция"
Автор| Надежда Травина
Заголовок| Опера в спартанских условиях
Открылся второй сезон лаборатории "КоOPERAция"
Где опубликовано| © «Коммерсант Стиль»
Дата публикации| 2018-07-31
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3714143
Аннотация|

Основная цель «КоOPERAции» – объединение молодых композиторов и драматургов, которые в ходе исследования живого театрального процесса представляют на суд публики небольшие оперы. Творческий и образовательный проект, придуманный режиссером Екатериной Василевой и музыковедом Наталией Сурниной, впервые заявил о себе летом прошлого года.

Начались репетиции и всевозможные поиски для воплощения замысла. В ходе проекта участникам лаборатории устроили курс лекций и мастер-классов от музыкальных критиков, музыкантов и других специалистов в области оперного искусства. А уже в октябре восемь креативных пар под руководством Екатерины Василевой продемонстрировали свои работы на Малой сцене Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко (МАМТ). Вечер премьер, состоявшийся в рамках программы фестиваля «Видеть музыку», вызвал разные реакции, но ясно было одно – проект требует продолжения (см. «НГ» от 16.10.17).

И это случилось. Новая «КоOPERAции» начала действовать по иному сценарию. Во-первых, в команду композитора и драматурга добавился еще и режиссер – итого 18 участников, разделенных на тройки. Исполнять свежеиспеченные музыкальные партитуры будет все тот же «ГАМ-ансамбль» под руководством Олега Пайбердина, но не исключено, что к ним добавится пара коллективов. Во-вторых, теперь показ спектаклей пройдет в два этапа: в декабре зрители увидят шесть опер в статусе work-in-progress, в июле 2019 года – уже полностью оформленные музыкально-театральные композиции. И если площадкой для предварительного действа выступит все та же Малая сцена МАМТ, то для просмотра полноценных опер «КоOPERAции» нужно поехать в арт-парк «Никола-Ленивец», расположившийся на территории деревни с одноименным названием.

Со следующего года оперная лаборатория войдет в программу фестиваля ландшафтных проектов «Архстояние», богатого арт-объектами, инсталляциями и перформансами на природе. Возможно, главной трудностью станет реализация опер в поистине спартанских условиях фестиваля, где большинство гостей не столько вдохновляются современной архитектурой, сколько отдыхают в палатке и жарят шашлыки. Как рассказывать истории языком музыки и драмы и погрузиться в них зрителю, когда любой звук перекрывает бодрый голос ведущего развлекательного шоу на берегу озера?

Впрочем, на презентации «КоOPERAции», кажется, об этом не задумывались. Шесть творческих команд представили первые «спойлеры» журналистам, которые (это не шутки) встретились в маршрутке и проделали героический путь в Калужскую область ради того, чтобы узнать планы композиторов, драматургов и режиссеров. Приятно, что география участников в этот раз значительно расширилась: помимо россиян в проекте заявлены представители Украины, Польши, Германии. Кстати, все они, как и в прошлом году, прослушали блок лекций, посвященных, собственно, опере: последнее занятие незадолго до встречи с гостями провел куратор фестиваля «Infektion!» в StaatsoperBerlin Роман Ригер.

Каждое трио щедро поделилось подробностями своего замысла. У кого-то из лаборантов сформировалась только приблизительная идея, а кто-то оказался полностью готов – как, например, композитор Николай Попов и режиссер Алексей Смирнов, которые уже могли бы представить свою мультимедийную оперу в павильоне-шатре. Некоторые вдохновились пространством арт-парка: так, идея оперы-мистерии Аси Чащинской, Адриана Мокану и Даны Жанэ возникла благодаря впечатляющему виду местного озера – предположительно, около него и состоится показ. А Сергей Морозов, Екатерина Бондаренко и Алиса Каца остались под большим впечатлением от конструкции и акустических возможностей павильона шишек. Трио в лице Капитолины Цветковой-Плотниковой, Оле Хюбнера и Киры Малининой заинтриговало концепцией «спектакля-матрешки», суть которой, правда, пока описать довольно проблематично.

Андрей Иванов, Елизавета Бондарь и Дмитрий Бученков обратились к недавней реальной истории спасения детей из таиландской пещеры – на первый взгляд, нас ждет нечто вроде вербатима, но авторы придерживаются законов традиционного оперного спектакля-нарратива (Дмитрий Бученков, композитор, обещает придумать даже лейтмотивную систему). Не исключено, что самой резонансной и обсуждаемой станет работа Юрия Квятковского, Жени Беркович и Артема Пысь, посвященная… виртуальным ботам и процессу создания программ, имитирующих желания человека. И если на грядущем «Архстоянии» этот спектакль точно приживется, то для театра Станиславского станет экспериментом – куда более радикальным, чем недавний музыкально-театральный дебют Константина Богомолова с ораторией Генделя.

Никола-Ленивец – Москва
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4  След.
Страница 3 из 4

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика